Portraits expressifs à l'aquarelle : capturer les émotions et les caractères

1. Bienvenue au cours !: Bonjour, tout le monde. Je m' appelle Will Elliston, et aujourd'hui nous plongeons dans le monde expressif du portrait Ce cours est conçu pour explorer les possibilités dynamiques et émotionnelles de l'aquarelle, vous aidant à capturer non seulement la ressemblance, mais aussi l'essence et l' ambiance de votre sujet Nous travaillerons sur un portrait qui transmet émotion à travers des couleurs fluides et des formes abstraites Je suis artiste professionnel depuis de nombreuses années, explorant de nombreux sujets différents, tels que la faune et les portraits, les paysages urbains et les J'ai toujours été fasciné par les possibilités de l'aquarelle Mais quand j'ai commencé, je ne savais pas par où commencer ni comment m'améliorer. Je ne savais pas de quel matériel j'avais besoin, comment créer les effets que je voulais, ni quelles couleurs mélanger. Aujourd'hui, j'ai participé à de nombreuses expositions dans le monde entier, figuré dans des magazines et j'ai eu la chance de remporter des prix décernés des organisations réputées telles que l'International Watercolor Society, la Masters of Watercolor Alliance, Windsor and Newton et la SAA L'aquarelle peut être bouleversante pour ceux qui débutent, c'est pourquoi mon objectif est de vous aider à vous sentir détendu et à apprécier ce médium étape par étape. Aujourd'hui, je vais vous guider à travers une peinture complète, démontrant diverses techniques et expliquant comment j'utilise toutes mes fournitures et tous mes matériaux. Que vous soyez débutant ou que vous ayez déjà de l'expérience, vous serez en mesure de suivre votre propre rythme et d'améliorer vos compétences en aquarelle Si ce cours est trop difficile ou trop facile pour vous, j'ai une variété de cours disponibles à différents niveaux de compétence. J'aime commencer par une approche expressive libre, sans crainte de faire des erreurs, lorsque nous créons des textures passionnantes pour la sous-couche Au fur et à mesure que la peinture avance, nous ajouterons plus de détails pour lui donner vie et la faire ressortir. Je m'efforce de simplifier les sujets complexes en faire des formes plus faciles qui encouragent l'espièglerie Tout au long de ce cours, je partagerai de nombreux conseils et astuces. Je vais vous montrer comment transformer les erreurs en opportunités, éliminant le stress lié à la peinture pour vous amuser. Je vous fournirai également mes tableaux de mixage d'aquarelles, qui sont un outil précieux pour choisir et mélanger les couleurs Si vous avez des questions, vous pouvez les poster dans le fil de discussion ci-dessous. Je ne manquerai pas de lire et de répondre à tout ce que vous publiez. N'oubliez pas de me suivre sur le partage des compétences en cliquant sur le bouton «   Suivre » en haut de la page. Cela signifie que vous serez le premier à savoir quand je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux Vous pouvez également me suivre sur Instagram chez Will Elliston pour voir mes derniers travaux Alors prenez vos pinceaux et vos aquarelles et rejoignez-moi pour libérer le potentiel expressif du portrait l'aquarelle 2. Votre projet: Merci beaucoup de m'avoir rejoint dans ce voyage artistique. Au cours de la séance d'aujourd'hui, nous allons donc nous concentrer sur maîtrise des techniques d'aquarelle qui mettent en valeur le caractère et l'émotion des portraits Nous verrons comment utiliser les lavis de couleur, les effets de ruissellement et les pinceaux de détail pour ajouter de la profondeur et de l'expression au visage En combinant des approches spontanées à l' aquarelle avec des traits détaillés et contrôlés, nous développerons un portrait qui non seulement dépeint un visage , mais raconte une histoire à travers son paysage vivant Dans la section des ressources, j'ai ajouté une image en haute résolution de ma peinture terminée pour vous guider. Vous pouvez suivre exactement ma peinture ou expérimenter votre propre composition. Comme nous allons nous concentrer sur l'aspect peinture de l'aquarelle, j'ai fourni des modèles que vous pouvez utiliser pour transférer ou tracer le croquis avant de peindre Il est bon de le tracer lorsque vous l'utilisez comme guide pour apprendre à peindre. Il est important que le sous-dessin soit correct afin que vous puissiez vous détendre et vous amuser en apprenant le médium de l' aquarelle lui-même Quelle que soit la direction que vous prenez dans ce cours, serait formidable de voir vos résultats et les peintures que vous créerez grâce à ce cours. J'adore donner des commentaires à mes étudiants, alors prenez une photo par la suite et partagez-la dans la galerie de projets étudiants sous l'onglet Projet et ressources. Je suis toujours intriguée de voir combien d'élèves ont des approches différentes et comment ils progressent dans chaque classe J'aimerais connaître votre processus et ce que vous avez appris en cours de route ou si vous avez rencontré des difficultés. Je vous recommande vivement de regarder travail de chacun dans la galerie de projets des étudiants. C'est tellement inspirant de voir le travail de chacun et extrêmement réconfortant de bénéficier du soutien de ses camarades de classe N'oubliez donc pas d'aimer et de commenter le travail de chacun. 3. Matériel et fournitures: Avant de commencer, passons en revue tout le matériel et fournitures dont vous aurez besoin pour suivre. Le fait de disposer des bons matériaux peut un impact considérable sur le résultat de votre œuvre d'art. Je vais donc passer en revue toutes les fournitures que j'utilise pour ce cours et au-delà. Ils sont très utiles à avoir à votre disposition et vous faciliteront le suivi. Commençons par les peintures elles-mêmes. Et comme la plupart des matériaux que nous utiliserons aujourd'hui, cela dépend en grande partie des préférences. J'ai 12 couleurs stables dans ma palette que je remplis à partir de tubes. Ils sont jaune cadmium, jaune ocre, sienne brûlée, rouge cadmium, rouge d'alizarine, bleu opramarne, bleu cobalt, bleu serléen, lavande, violet, viridien, noir, et à la fin du tableau, j'utilise souvent de la gouache blanche pour les petits reflets . Je n'utilise aucune marque en particulier, ces couleurs peuvent être obtenues de n'importe quelle marque, même si j' utilise personnellement les peintures Daniel Smith, Windsor and Newton ou Holbein Passons donc aux pinceaux. Le pinceau que j'utilise le plus est un pinceau rond synthétique comme ce pinceau Escoda Purl ou ce pinceau Van Ils sont très polyvalents car non seulement vous pouvez les utiliser pour des travaux détaillés avec leur pointe fine, mais comme ils peuvent contenir beaucoup d'eau, ils conviennent également aux laveuses Ils sont également assez abordables, j' en ai donc pas mal de tailles différentes. Viennent ensuite les brosses à balai. Les pinceaux à balai sont parfaits pour les coups de pinceau larges, remplir de grandes surfaces et pour créer des transitions ou des lavages en douceur Ils ont également un joli embout qui peut être utilisé pour les petits détails. Mais pour les plus petits détails, les reflets ou tout ce qui demande plus de précision, j'utilise un pinceau synthétique de taille zéro. Toutes les marques en ont, et ils sont super bon marché. Un autre pinceau utile est un pinceau de calligraphie chinoise Ils ont tendance à avoir de longs poils et une pointe très pointue. Ils sont parfaits pour ajouter de la texture ou créer des lignes dynamiques dans vos peintures. Vous pouvez même les étaler ainsi pour obtenir des textures de fourrure ou de plumes Et c'est tout pour les pinceaux. Sur du papier. votre papier est de qualité, plus il sera facile à peindre. Le papier bon marché se froisse facilement et est très impitoyable, ne vous permettant pas Il est plus difficile de créer des effets attrayants et appliquer des techniques utiles comme le frottement des pigments. Cependant, le papier de bonne qualité, tel que le papier à base de coton, vous permet non seulement de retravailler les erreurs plusieurs fois, mais comme le pigment réagit beaucoup mieux, les risques d' erreur sont beaucoup plus faibles et vous aurez plus de chances faibles et vous aurez plus créer de meilleures peintures J'utilise du papier Arches parce que c'est ce que l'on trouve dans ma boutique d'art locale. Un jet d'eau est absolument indispensable. En l'utilisant, vous aurez plus de temps pour peindre les zones que vous souhaitez avant qu'elles ne sèchent. Cela vous permet également de réactiver la peinture si vous souhaitez ajouter une ligne lisse ou enlever de la peinture J'ai aussi un vieux chiffon ou t-shirt que j'utilise pour nettoyer mon pinceau Nettoyer la peinture avant de la plonger dans l' eau prolongera la durée de vie de l'eau Il est toujours utile d' avoir un mouchoir à portée de main lorsque vous peignez pour enlever l'excédent de peinture. De plus, vous ne savez jamais quand éclaboussures ou des gouttes indésirables peuvent se produire et qu'il faut les essuyer rapidement. J'ai également un compte-gouttes pour garder les peintures humides. Lorsque vous peignez, il est important que leur consistance soit similaire à celle des tubes. De cette façon, il est plus facile de prélever suffisamment de pigment. Un sèche-cheveux est utile pour accélérer le temps de séchage et contrôler l' humidité du papier. Et enfin, du masking tape. Bien entendu, il s'agit simplement de maintenir le papier immobile sur surface pour l'empêcher de glisser pendant que vous peignez. De plus, si vous prévoyez de peindre jusqu'au bord, cela vous permettra de créer une bordure très nette et propre. Et c'est tout ce dont tu as besoin pour peindre avec moi. Maintenant, allons-y et commençons le dessin. 4. Comment en faire un croquis: Les visages sont donc l'une des choses les plus difficiles à dessiner. Donc, si vous voulez passer directement au modèle, c'est parfaitement bien. Et je vais prendre mon temps pour assurer que le dessin est parfaitement correct. Mais je vais vous montrer comment j'ai commencé, et je vais terminer le dessin hors caméra pour m'assurer qu'il est parfaitement adapté au gabarit, afin que nous puissions passer à la phase de peinture avec un contour clair et sûr. Je vais commencer par cartographier l'endroit où je veux que le visage soit à l'aide d'un grand cercle. Peut-être que je vais même avoir la moitié du visage sur le papier. C'est légèrement décentré, ce qui me convient. Nous pouvons contrebalancer cela en ajoutant plus de poids aux cheveux ici Il restera donc équilibré, même s'il n'est pas au milieu, même s'il n'est pas symétrique. Vous pouvez toujours créer un équilibre avec des compositions asymétriques Les sourcils. Il suffit de tracer des lignes générales pour commencer. Nous avons la ligne médiane et tiers approximatif du visage, le tiers inférieur. J'en ajoute deux autres, presque les tiers, pas tout à fait. Maintenant, j'essaie de le diviser en cinq, ce qui est plus facile à dire qu'à faire, mais au bout d'un moment, cela semble un peu plus naturel C'est là que seront placés les yeux. Il n'est pas nécessaire d'être détaillé pour commencer. Lorsque vous dessinez des figures, vous devez essayer de ne pas penser directement aux choses. Ne pense pas aux yeux. Pensez à la forme que vous observez et à la façon dont elle est liée aux autres formes, car nous avons tous une idée de ce à quoi ressemble un œil, mais ce n'est pas vraiment ce que nous observons. Quelques mèches de cheveux ici. Le nez sera là. Tu vois je rebondis partout. Je ne vais pas me concentrer sur une section parce que je vais me perdre J'essaie d'avoir une vue d'ensemble. Il y a quelques gouttes verticales ici, je crois. Comme je l'ai dit, il faut faire plus de choses de ce côté que de ce côté pour compenser ce léger contrepoids En général, le coin de la bouche correspond au côté de l'iris et la lèvre supérieure est plus courte que la lèvre inférieure. Et souvent, nous pouvons définir un visage par les ombres. En fait, c'est ainsi que nous interprétons le monde à travers la lumière et ombres, ainsi que la courbure des objets et les ombres qu'ils provoquent. C'est donc ce que je cherche, en fait. Je ne pense pas que ce soit un nez. Quelle est la forme de cette ombre ? Vous pouvez donc voir combien de lignes de construction il y a pour obtenir le bon dessin. Je ne m' attends donc pas nécessairement à ce que vous le dessiniez vous-même si vous voulez passer directement à l'étape de la peinture. Je vois que j'ai encore quelques corrections à apporter. Mais avant d'en venir à cela, je vais vous montrer rapidement comment, une fois que j'ai tout cartographié, je peux entrer et m'engager à suivre certaines de ces lignes Et ces lignes plus dures que je peins en ce moment en dessinant resteront une fois que j'aurai effacé les lignes plus claires situées en dessous. L'idée de dessiner pour un croquis est donc d' être aussi minimale que possible. Nous ne dessinons que ce dont nous avons besoin pour nous guider avec la peinture. S'il était possible de peindre sans dessin, ce serait parfait. Mais malheureusement, nous avons besoin d'un guide visuel. Dessiner pour dessiner est très différent de dessiner avec l' intention de peindre. Vous pouvez voir comment, de ce côté, je prends une ligne plus sombre. Ensuite, quand je viendrai avec mon crayon, je pourrai y retourner et rendre les choses beaucoup plus claires. Je vais donc le faire sur l'ensemble de la composition et vous créer un joli modèle propre. Alors, on se voit quand on commencera à peindre. 5. Tons de la peau: Donc, pour commencer, nous allons commencer par tons les plus clairs de la peau, et je vais utiliser du rouge de cadmium pour cela. Très pâle et dilué au départ. Nous faisons juste la sous-couche claire, et je vais prendre un peu de jaune, de jaune cadmium, peut-être aussi de l'ocre jaune, et de la sienne brûlée Et ces cinq couleurs au bas de ma palette, j'ai le rouge cadmium, le jaune camium, l'ocre jaune, la sienne brûlée et le sarin sienne brûlée et Ils composent tous les tons de peau. Je vais avoir un ton rouge plus chaud, et juste au-dessus, un ton brun ou sienne brûlé Et vous pouvez me voir l'appliquer. Et j'ai accéléré le tournage parce que cela le rend un peu plus compréhensible S'il s'agissait d'une vitesse normale, il se peut que vous ne puissiez pas voir le contexte complet car il est un peu trop étendu. Donc, si vous me voyez peindre le nez, accélérer, vous saurez que c'est ce que je recherche, et vous pourrez mettre la vidéo en pause et rattraper le temps Mais si c'est l'heure normale, non seulement le cours serait beaucoup plus long, mais vous ne sauriez pas où je compte aller avec ce lavage , car une grande partie est mouillée sur de la peinture humide Vous devez donc réfléchir à l'avance l'orientation et à la motivation du lavage, pas seulement aux premiers coups, car c'est ainsi que nous relions le tout en incorporant tous ces éléments tons en un seul lavage, et vous pouvez voir en bas, que j'ai ajouté un peu plus de rouge. J'ai donc différentes couleurs dans ma palette que je viens de mentionner. Mais en réalité, je pense plutôt à la température. Donc là où je veux que se trouvent les zones les plus chaudes de la peau, j'ajoute évidemment du rouge et les zones plus froides, c'est plus brun parce que c'est, bien sûr, moins chaud que le rouge, même si c'est toujours une couleur chaude. Et vous pouvez me voir appliquer un peu plus de pigment car l'eau y est mouillée Et si la vitesse était normale, très lente, vous ne le remarquerez peut-être pas et vous devrez mouiller à nouveau le papier, sinon le papier serait trop sec et cela créerait des bords durs, ce qui n'est pas ce que je veux. Donc, même si je comprends certains aspects de l'accélération des images, cela rend la mise en pratique un peu plus difficile En fait, comprendre la direction, je pense que c'est en fait un peu plus utile. l'ensemble, l'idée globale de ce que j'essaie de réaliser est un peu plus compréhensible et mise en contexte lorsque vous voyez les choses plus rapidement Plus tard, nous serons très audacieux dans les tons et les couleurs. Mais pour commencer un sketch, je fais preuve d'un peu plus de prudence et je passe du clair au foncé afin que même s'il y a des erreurs, elles ne soient pas si graves. Je les rehausse petit à petit, en y ajoutant un peu de bleu par-dessus l'orange, qui est une couleur complémentaire. Je pense même à l'endroit où se trouvent les ombres à ce stade, même si elles sont très claires. J'ai un mouchoir dans ma main gauche pour tamponner certains bords afin qu' ils ne soient pas tous durs, et je peux contrôler les tons un peu mieux Vous pouvez voir que j'utilise un pinceau de taille moyenne. Ce n'est évidemment pas un très gros pinceau, et ce n'est pas non plus un pinceau fin et détaillé. Bien qu'il ait un très petit embout. C'est ce que j' aime dans ces pinceaux. Vous les verrez suivre la plupart de mes cours parce qu'ils ont ce point très fin. Ils ne sont pas chers et peuvent également contenir beaucoup d'eau. UN 6. Bords doux et durs: Vous pouvez voir, je peins le nez ici, et j'essaie de créer un bord dur juste au centre. Donc, lorsque vous suivez la peinture ou que vous la regardez simplement avant de vous lancer dans la peinture, essayez de savoir où je vise des lignes douces, des bords souples, et où j'essaie d'obtenir bords durs et tout ce qui se trouve entre les bords perdus et trouvés, car cela implique la texture et la surface. Donc, pour cet exemple sur le nez, ligne nette qui descend au milieu indique au spectateur qu'il y a une courbe sur le plan du nez, et cela contribue à ajouter cette profondeur et ce sens de la forme freedi Pareil sur la joue. Il y a aussi des limites. Et tout est assez fluide. Vous ne pouvez voir que des gradations subtiles elles n'ont pas besoin d'être parfaites, bien sûr Vous avez juste besoin d'une indication à ce sujet et ce qui est intéressant à propos de l' aquarelle et de l'art en général c'est que le spectateur comble ces lacunes à votre place Donc, tant que vous indiquez approximativement ce que vous essayez d'énoncer, essayant de le sous-entendre plutôt que de l'indiquer directement, cela devrait suffire. Donc, même si nous utilisons des tons clairs pour le moment, je suis encore en train de les séparer un peu Maintenant, je peins l' ombre sous le nez, et j'utilise du jaune avec un peu de violet, et vous pouvez soit utiliser du violet directement le tube, soit mélanger le bleu et le rouge pour le rendre violet. Je fais une belle petite transition là-bas. Et, bien sûr, j'ai attendu que le papier soit complètement sec en dessous avant de peindre cette ombre. Chaque fois que vous essayez de peindre une deuxième couche par-dessus une couche précédente et que vous souhaitez qu'elle soit complètement séparée, vous devez vous assurer que le papier est complètement sec en dessous. Il y a donc quelques détails complexes ici pour essayer de conserver une partie du blanc sur les narines sur les petites parties situées en haut Quand il s'agit de peindre les tons de peau pour moi, je m'en tiens généralement au rouge, qu' il s'agisse du rouge camium ou du zar et du cramoisi, du jaune cadmium ou de l' ocre jaune, et de la Et selon ce que je ressens, je les utilise en différentes quantités. Il n'y a pas de règle établie quant à ce qui est correct. Si vous avez envie d'une ambiance différente, vous pouvez les expérimenter dans différentes combinaisons, ces couleurs. Et puis, bien sûr, je dois utiliser leurs compliments pour les ombres pour les rendre excitantes et attrayantes. Comme vous pouvez le voir, je viens de mélanger un violet, qui est un complément au jaune. Et il y a du bleu là-dedans, qui est un complément à l'orange, qui est de la sienne brûlée Et vous pouvez même si vous le souhaitez, ajouter une touche de vert car c'est le complément du rouge. Et vous verrez plus tard, nous utilisons en fait beaucoup de vert dans cette peinture, pas nécessairement sur les tons de peau, mais pour les fonds, les vêtements, les yeux. Oh 7. Peindre le nez: Nous passons maintenant à l'étape suivante car nous avons ajouté beaucoup de tons clairs, et je pense que je suis prête à ajouter quelques détails supplémentaires au nez avec des tons moyens. J'utilise donc du noir pur avec un peu de bleu pour que ça reste excitant. J'utilise une teinte neutre. J'essaie de toujours utiliser une teinte neutre parce que, comme on dit, elle est neutre. Vous pouvez donc influencer d'autres couleurs si vous voulez qu'elle soit plus froide ou plus chaude. Je pars donc de la gauche et je me déplace vers la droite, et comme je l'ai dit, j'ai ajouté du bleu pour commencer, puis j' y ai ajouté un peu de brun pour que cela reste intéressant au fur et à mesure. Et vous pouvez suspendre la vidéo ou revoir autant de fois que vous le souhaitez Vous pouvez utiliser les raccourcis clavier pour vous aider à contrôler la vidéo là où vous le souhaitez, afin de pouvoir suivre exactement n'y a aucune pression. Tu peux prendre ton temps, t' amuser. Vous pouvez voir à l'intérieur des narines, j'ajoute un pigment épais, puis j'utilise de l'eau pour activer ce pigment et créer un bord doux Ainsi, même s'il s'agit d'un détail subtil, vous pouvez voir que les ombres sombres à l'intérieur des narines n'ont pas vraiment de ligne dure Elles se fondent doucement dans l'ombre située sous le nez. Bien entendu, il faut tenir compte la rapidité avec laquelle le papier sèche, car comme je l'ai dit, dans la plupart de mes cours, plus le papier est humide, plus il se fond et crée une ligne lisse, et le bord peut même disparaître complètement. Mais s'il fait sec, il y aura une ligne très dure et le bord sera très évident. Je l'ai donc complètement séché et j'ai utilisé la teinture, c' est-à-dire que vous séchez complètement le papier et recouvrez très rapidement le recouvrez très rapidement d'une couche de la couleur que vous souhaitez J'ai utilisé le bleu dans cet exemple. Et c'est une autre façon de réactiver votre peinture car, comme je le disais, si le papier est sec, vous aurez bords durs plutôt que des bords souples. Ce que vous pouvez faire, c'est le sécher complètement, pour qu'il soit sec uniformément, complètement sec, puis très rapidement, avec de gros coups de pinceau, remplir la zone souhaitée manière uniforme sans agiter le pigment, puis tout sera à nouveau mouillé ou au moins humide, et vous pouvez commencer à mélanger plus de tons parce que le temps presse avec l' aquarelle Bien entendu, l'un des plus grands défis de l'aquarelle est d'obtenir la bonne consistance et de savoir comment elle interagit avec le papier en fonction de son degré d'humidité Et vous pouvez voir, c'est ce que je fais sur ma palette ici. Je ne pense pas seulement au ton, qu'il soit assez clair ou assez foncé, ou à la température, à la couleur exacte, mais aussi à l'épaisseur ou à la faiblesse du mix. S'il est trop dilué, dès que je pose le pinceau sur le papier, il se répand de mon pinceau et, si le papier est déjà mouillé, cela crée beaucoup de mouvements que je ne peux contrôler. Et dans certains cas, c'est exactement ce que nous voulons lorsque nous créons un arrière-plan abstrait ou de grandes textures expressives. Mais lorsque nous nous occupons des petits détails, pas ce que nous voulons. Nous devons donc avoir un peu plus de contrôle et avoir un pigment plus épais. 8. Les tons moyens: Quand il s'agit de déterminer le degré de dilution ou d' épaisseur de votre pigment , le degré d' humidité ou de séchage du papier, cela dépend en grande partie de l'intuition. En fin de compte épaisseur de votre pigment le degré d' humidité ou de séchage du papier, cela dépend en grande partie de l'intuition. En fin pour moi , pour moi, à mes débuts et pour beaucoup d'étudiants, vous devez y réfléchir consciemment dans votre esprit, et cela demande beaucoup de temps et d'énergie au bout d'un certain temps , à force de peindre autant de peintures, si vous parcourez la galerie des étudiants, vous pouvez voir que les étudiants le récupèrent. Ils ont une intuition. Ils savent comment le papier va réagir et comment obtenir différents effets. Par exemple, maintenant, je mouille simplement le coin supérieur gauche de la peinture parce que je veux obtenir une belle ligne lisse laquelle je vais appliquer un pigment relativement épais. Mais comme le papier est mouillé, il va se mélanger. Malheureusement, parce que je me concentrais tellement sur la peinture et sur la bonne technique, j'ai oublié d'appuyer sur une corde sensible sur ce point Mais vous pouvez voir comment je l' ai appliqué. C'est assez épais. C'est pourquoi il y a des marques de pinceau sèches sur le bord. Mais petit à petit, vous remarquerez que sur le côté gauche où se trouve l'eau, elle va se mélanger et maintenant je vais l'agiter avec plus gros pinceau avec un pigment plus humide J'essaie donc d'expliquer quand je peins en couche mince ou quand j'utilise un pigment épais. Mais il est utile d' essayer de le résoudre vous-même pour vous forcer à y réfléchir, car c'est à ce moment-là que vous commencerez à voir des résultats en vous-même et à améliorer votre peinture, car vous comprendrez comment le médium fonctionne pour vous-même. De même, lorsqu'il s'agissait de sélectionner et de mélanger les couleurs, j'ai dû regarder vers le haut au début, je devais rechercher exactement quelles couleurs faisaient quoi. Mais maintenant, je peux regarder n'importe quel sujet ou n'importe quelle peinture et trouver comment je peux mélanger cela avec ces couleurs. J'en ai une sur ma palette. Alors maintenant, je m'occupe évidemment de la coiffure ou du fond. C'est assez ambigu pour le moment car je veux créer des textures excitantes. Et ma palette de couleurs est ce vert turquoise. Je vais donc utiliser toute une gamme de verts différents et des bleus. Mais vous pouvez explorer différentes couleurs. Si le vert n'est pas la couleur qu'il vous faut, vous pouvez essayer d'utiliser du violet, du bleu ou même de l'orange, quelle que soit la couleur que vous souhaitez expérimenter avec le rose. Vous pouvez voir que j'ai créé des gouttes artificielles sur la gauche J' essaie généralement de le créer de manière organique en inclinant mon papier et, par exemple, en tapotant la toile sur la table pour laisser tomber les gouttes Mais je n'arrivais pas à trouver le bon angle de prise de vue pour le faire apparaître sur les images. Je les ai donc peintes moi-même. Vous pouvez l'explorer vous-même si vous le souhaitez, et je serais heureuse de voir vos résultats si vous le faites. Vous pouvez maintenant voir comment nous augmentons progressivement le ton des tons clairs aux tons moyens. Nous en sommes toujours à mi-voix pour le moment. Et je vais aussi peindre les cheveux en couches. Nous avons donc peint la partie gauche pour sa première couche, et nous y reviendrons plus tard pour la rendre plus dynamique et lui donner plus de définition. Maintenant, je travaille sur l'œil gauche de haut en bas. Nous allons devoir créer l'illusion de profondeur, et nous le faisons en utilisant des ombres. Mais il fait un peu trop humide, alors je me déplace. J'ajoute donc ces quelques mèches de cheveux, lignes sinueuses et sinueuses, correspondent à peu près au même ton que le reste de la chevelure, entrecroisent 9. 4 états de papier humide: Maintenant, je peux recommencer à travailler sur cet œil. Parce que je peux dire que si le papier scintille, c'est qu' il est bien trop humide. Je dois donc laisser l' eau pénétrer correctement dans la peinture pour qu'elle n'ait pas cette brillance. Mais il est encore humide. Vous pouvez voir qu'il y a de l'humidité assise à cet endroit, mais vous aurez plus de contrôle s'il n'est qu'à moitié mouillé. Encore une fois, il est difficile de mettre des mots sur ces concepts abstraits, mais il y a généralement quatre ou cinq niveaux d'humidité. De papier, et chaque niveau crée des effets différents. Lorsque le papier est le plus humide, lorsqu'il est complètement saturé d'eau, cela permet aux couleurs de s'écouler librement et de se fondre facilement les unes dans les Cet état est donc idéal pour créer des dégradés et des lavages lisses , comme je vous en parlais Il est parfait pour définir les teintes initiales et définir l' ambiance générale du tableau. Cependant, le contrôle peut être difficile car la peinture a tendance à s'étaler énormément Ensuite, le niveau suivant est humide, ce qui est, bien sûr, légèrement moins humide que l'état complètement saturé, mais il reste suffisamment humide pour permettre aux couleurs de se fondre doucement tout en offrant un Ce niveau est excellent pour ajouter des couches et créer couleurs sans perdre les effets de sous-couche C'est un équilibre délicat, mais très polyvalent pour les couches intermédiaires. Ensuite, nous avons du papier humide, qui a un minimum d'humidité. Et cela correspond généralement à un éclat doux sans aucune accumulation d'eau autour Ainsi, si vous regardez votre papier sous un angle, vous pouvez constater qu'il s'agit d'une surface légèrement brillante plutôt que d'une surface entièrement réfléchissante Et cet état est parfait pour ajouter détails fins et des effets de texture subtils, comme je l'ai fait autour du nez, comme je le fais autour des yeux La peinture ne s'étale que légèrement, ce qui permet une précision sans les bords durs du papier sec. Et avec du papier sec, il offre évidemment le plus haut niveau de contrôle. La peinture au pinceau sec donne la texture aux lignes fines et aux détails nets, et les couleurs restent exactement là où vous les placez, ce qui est évidemment idéal pour arêtes vives et les détails finaux. Vous pouvez voir sur ces lignes que le papier est humide et humide. Je pense donc qu'entre ces quatre lignes, c'est parce qu'en réalité, il y a tellement de niveaux différents d'humidité et de papier, mais pour les minimiser et simplifier les choses, nous pouvons simplement les considérer comme humides, humides et secs Et c'est ce qui me passe par la tête. Je le décompose en quatre pour rester simple, afin de pouvoir m'y référer dans mon esprit et de savoir à quoi m'attendre à chacun de ces niveaux. Au fur et à mesure que nous peignons, nous passons par différentes étapes. Nous commençons donc généralement, bien sûr, par des techniques humides pour établir une base. Ensuite, nous passons évidemment de l'humidité à l' humidité pour plus de raffinement et de détails au fur et à mesure. Ensuite, une fois ces couches terminées, nous passons à la deuxième couche. Bien sûr, pour certaines couches, comme les cheveux de gauche, l'arrière-plan, nous n'avons pas besoin de beaucoup de peaufinage. Donc, une fois que c'était mouillé puis humide, nous l'avons laissé sécher tout seul. Et les zones où vous avez besoin grands dégradés et de grands ombrages Vous ne pouvez le faire que lorsqu'il fait humide. Vous ne pouvez pas vraiment le faire non plus lorsqu'il est humide car le pigment ne bouge pas suffisamment. Il est parfois utile d'avoir un flacon pulvérisateur. J'en ai un ici, et je l'ai utilisé de temps en temps juste pour réhumidifier les zones si elles sèchent trop rapidement. L'observation de la brillance du papier vous aidera donc à évaluer son humidité et à mieux prévoir comment il interagira avec les nouvelles couches et les nouveaux coups 10. L'œil gauche: Je pourrais vous expliquer exactement ce que je fais ligne par ligne, trait par trait. Mais je pense également qu'il serait utile que je vous explique mon processus de réflexion afin que vous puissiez comprendre la façon dont je pense à la façon dont j'interagis avec les pigments, l' eau et le papier. Pour que vous puissiez l'aborder à votre manière et adapter ce que vous souhaitez adapter à votre propre style. Parce que si je devais mentionner que j'ajoute un mélange de teinte neutre avec du bleu cobalt sur du papier humide à la texture beurrée, j'aimerais que vous compreniez ce que j'entends exactement par papier humide ou papier humide et ce que vous pouvez obtenir avec cela ou quel pigment semblable au beurre est comparé à un pigment semblable au café ou au thé Parce que les couleurs que j'utilise ne représentent en fait une infime partie de ce qu'il faut pour peindre. Quand j'ai commencé à peindre, je crois que je peux voir beaucoup d' étudiants débutants penser la même , c'est que le plus important est de mélanger chose , c'est que le plus important est de mélanger les couleurs. Savoir quelles couleurs un artiste utilise puis comment mélanger une certaine couleur demande beaucoup d' attention pour quelqu'un qui débute. Mais en réalité, le ton et la cohérence sont plus importants. Je pense donc qu'il serait plus utile que je vous explique la nature générale de l' aquarelle plutôt que les pigments spécifiques que j'utilise Parce que, par exemple, ce vert que j'utilise actuellement, c'est peut-être du vert viridien que j' Mais je pourrais aussi le mélanger moi-même en utilisant du bleu turquoise et un peu de jaune ocha que j' ai aussi sur ma palette Parlons un peu des cils. Comme vous pouvez le voir, j'ai d'abord peint les ombres des cils, et les ombres correspondent à l'angle de cette pommette haute Ils sont légèrement inclinés. J'ai attendu que ça soit complètement sec, puis je suis passé à ce petit pinceau, où je peux appliquer une sorte de texture de pinceau sec, lignes très fines, incurvées. Et jusqu'à présent, c'est l'une des seules parties du tableau où j'ai ajouté ce genre de détails. Le reste est une sorte de mélange plutôt que de nombreuses lignes fines Ensuite, quand il s'agit de peindre l'œil, j'ai d'abord peint les parties blanches de l'œil. Bien sûr, ils ne sont pas vraiment blancs. Mais j'ai peint une sorte de profondeur avec des ombres plus sombres sur les bords et plus claires au centre. Et je me suis assuré que c'était complètement sec avant de peindre l'iris. Et il en va de même pour l'iris. J'ai mouillé le tout, puis j'ai appliqué du pigment sur le bord pour le faire fondre doucement vers Puis j'ai attendu encore un peu, et maintenant j'ajoute ce pigment foncé. Et ce papier n'est que légèrement humide, il gardera donc sa forme. La pupille de l' œil, le point noir, conservera sa forme, mais je veux qu'elle soit belle et lisse sur le bord. Et en fait, au sommet de la pupille, là où elle rencontre le dessus de l'œil, je veux qu'elle se fond dans cette ombre. La patience est l'une des choses les plus importantes de l'aquarelle J'ai dû apprendre à y faire face parce que parfois vous savez ce que vous devez faire, mais vous ne pouvez tout simplement pas le faire parce que le papier est trop humide ou trop sec. Il vous suffit donc d'attendre un peu plus longtemps ou de le sécher à nouveau ou de le vaporiser avec le spray à eau 2. 11. Commencer les cheveux: Si vous trouvez que vos rides sont trop dures, vous pouvez toujours les assouplir en les frottant avec un peu d' eau ou de pigment, les frottant avec un peu d' eau ou de comme je le fais actuellement Je veux que la moitié supérieure de la pupille soit un peu plus molle. J'ajoute donc un peu plus de pigment sur la couche de bord juste pour l'adoucir. Maintenant, je vais aspirer un peu de pigment par le bas à l'aide d'un pinceau propre, frottant par le bas, de manière à ce qu'il soit clair en bas et foncé en haut En ajoutant un peu plus de teinte au-dessus l'œil et en dessous du sourcil pendant qu'il sèche, je vais maintenant prendre un peu d'aquarelle blanche ou de gouache blanche et ajouter très précisément quelques Et ces points blancs, lorsqu' ils sont bien positionnés, donnent l'illusion d'un œil mouillé car ils réfléchissent les lumières vives. Nous n'avons pas besoin de grand-chose, ces deux points font l'affaire. Maintenant, je suis en train d'adoucir ce bord pour lui donner un peu plus d'illusion de courbe Nous pouvons maintenant commencer à réfléchir à une section complètement différente. Ajoutons une autre couche aux cheveux de gauche, car l'œil gauche est maintenant terminé. Je mélange donc un pigment très épais, noir et du bleu. Eh bien, en fait, c'est plutôt un turquois. C'est un bleu très verdâtre. Et j'utilise la couche inférieure pour peindre négativement certains reflets, en fait. Je vais intégrer cela au fur et à mesure que nous travaillerons plus loin. J'utilise la pointe de mon pinceau. Pour conserver certaines de ces couleurs de fond et les appliquer ces petites mèches de cheveux que nous avons appliquées sur le front, quelques pulvérisations au pistolet à eau, juste pour l'enflammer, juste pour l'enflammer raviver parce que c' était un pigment épais qui sèche évidemment plus rapidement qu'un pigment très dilué Donc, si je veux le mélanger, je dois le réactiver avec un peu plus d'eau, lui donner un peu plus de vie Utilisez de l'eau pure sur la gauche. Je ne veux pas remettre en cause ce que nous avons déjà fait. Je veux juste que ça se mélange. Il est donc assez difficile de voir avec le reflet de la lumière. Mais j'utilise de l'eau pure là-bas juste pour créer un bord doux, une transition douce entre le noir et le vert en dessous. Et puis, comme je l'ai déjà dit, attendant qu'il sèche, nous pouvons profiter des différents niveaux d'humidité. Maintenant, je vais prendre un sèche-cheveux pour sécher complètement afin voir ce que nous avons, à quoi nous avons affaire. Et là, vous pouvez voir comment le reflet a disparu, comment il s'est intégré tout en maintenant le flux et la direction 12. Détails ou abstraction: Ce qui m'enthousiasme vraiment dans la peinture de portraits à l'aquarelle, c'est l'interaction entre la précision et l'abstraction et la façon dont cela fait passer la peinture d' une simple ressemblance à une œuvre qui suscite un peu émotion et résonne un peu plus auprès Et l'un des moyens les plus frappants d' y parvenir est le contraste entre les traits finement détaillés tels que les yeux, le nez et la bouche que nous allons aborder plus tard, et le traitement expressif plus abstrait des cheveux en arrière-plan, comme nous le faisons actuellement. Cet effet dynamique crée donc une profondeur visuelle qui peut vraiment captiver et engager Nous travaillons donc actuellement sur ces cheveux expressifs. Nous mettons en contraste la précision des traits du visage, l' arrière-plan et les cheveux, nous les traitons d'une manière plus abstraite et plus souple. Cette approche met non seulement en valeur le visage du sujet en encadrant dans une gamme dynamique fluide de traits, mais elle ajoute également une qualité artistique presque réelle à la peinture Donc, pour les cheveux et le fond, nous les exécutons avec cette technique humide sur humide. Nous permettons aux couleurs de se mélanger librement sur le papier. Nous utilisons des formes organiques, et en fait, nous utilisons des mélanges de couleurs assez imprévisibles, même si tout est du domaine du vert. C'est un peu la couleur de base, mais nous ajoutons un peu de bleu. Plus tard, nous ajouterons un peu d'ocre jaune, afin de vraiment explorer cette et de partir à l'aventure Cette approche ex-structurée peut donc suggérer du mouvement et de l'émotion. Cela ajoute donc une couche d' interprétation au-delà du littéral. J'apporte bien plus qu'une simple tentative réaliste car même si nous essayons d'ajouter des détails aux traits du visage, mon objectif n'est pas vraiment d'en faire un portrait réaliste. Vous savez, la précision des traits du visage ne sert vraiment que de point d'ancrage. Et c'est pour n'importe quel portrait. Cela attire d' abord le spectateur et lui permet d' entrer en contact avec le sujet à un niveau personnel. Ainsi, les détails méticuleux des yeux, des lèvres et du teint reflètent la ressemblance, mais aussi les émotions subtiles et la personnalité du sujet Ces détails nécessitent donc une main maîtrisée et une application réfléchie. Il s'agit davantage du côté pensant du cerveau que du côté ludique du cerveau. Permettez-moi d'intervenir ici pendant que j' ajoute de la gouache blanche dessus, mais je la garde très diluée ou légèrement diluée Il n'est pas très épais et correspond donc au même ton que celui de la sous-couche. Je ne veux pas que ce soit d'un blanc pur. Pour en revenir à ce que je disais tout à l'heure, la clé de cette approche est l'équilibre. Les éléments clairement définis doivent se fondre parfaitement dans les parties les plus fluides du tableau sans que l'un n' éclipse l' Les éléments abstraits doivent mettre en valeur et ne pas détourner l'attention des points vocaux à aborder Et cet équilibre peut être atteint en choisissant avec soin où placer éléments de détail et où laisser la peinture s' écouler plus librement. L'utilisation de couleurs, de tons et même de traits directionnels peut aider à guider l'œil en douceur entre les différentes zones du tableau. Beaucoup de mèches de cheveux sont tout à fait intentionnelles, comme les reflets qui s' y trouvent. Passons maintenant aux lèvres, et j'utilise le rouge camium pour cela, le rouge le plus vif J'aurais bien besoin d'une pincée de rose opéra. Nous n'allons pas utiliser un rouge très vif car il n'aura pas l'air à sa place, mais vous verrez qu'en séchant, il deviendra un peu plus doux 13. Les lèvres: Peindre les lèvres peut être assez intimidant et difficile, mais cela ne veut pas dire que cela ne peut pas être amusant en même temps C'est comme tout. Nous abordons de nombreux sujets différents, et ils ont tous leurs qualités uniques qui sont amusantes à exprimer. Un bon petit test et un petit exercice, vraiment. J'essaie de le décomposer en petites étapes. Donc, pour le moment, il semble assez plat. Nous avons pris ce type de rouge orangé, et nous y avons simplement ajouté de subtiles touches d'autres couleurs, en particulier sur les bords particulier sur les bords Au fur et à mesure qu'il commence à sécher, nous pouvons commencer à appliquer un peu plus de pigment plus foncé sur le bord pour qu' il commence à avoir un peu plus de volume Vous pouvez consulter un peu d'anatomie. Je veux dire, je n'ai jamais vraiment étudié l'anatomie de manière aussi approfondie. Mais à force de peindre et de dessiner autant de traits du visage, j'ai en quelque sorte une idée en tête du processus. La structure de base des lèvres. Les lèvres ne se limitent donc pas au contour. Nous devons tenir compte du volume, des plis, de la façon dont ils se courbent naturellement autour des dents et des gencives Et cette compréhension aide à les peindre de manière plus naturelle et plus expressive. Comme je l'ai dit plus tôt, le rouge est une couleur complémentaire du vert, et le vert en est la couleur principale , la principale source de couleur. J'ai donc choisi ce rouge car c'est une touche assez percutante qui contraste avec le vert Ça va bien ensemble, mais quand il s'agit de choisir une couleur et votre palette de couleurs, vous pouvez penser à des couleurs complémentaires ou à d'autres directions que vous pourriez vouloir suivre. Choisir la bonne couleur des lèvres est vraiment une déclaration très personnelle. Il ne s'agit pas non plus d'une seule couleur plate. Vous devez penser aux variations que vous pouvez y inclure, que ce soit du rouge, du rose, du violet, voire du bleu et oranges pour le contraste dans les tons foncés et les ombres Vous savez, pour un look naturel, vous pouvez commencer par une couleur de base plus claire, comme je l'ai fait ici, et ajouter progressivement tons plus foncés aux coins et à la ligne où les lèvres se rencontrent. Nous ajoutons progressivement un peu plus de profondeur et de réalisme au fur et à mesure. Il existe sans aucun doute un point idéal lorsqu'il s'agit créer du volume et du ton à l'aquarelle, et il se situe quelque part entre le papier humide et le papier sec. Vous pourriez également que ce soit une idée très utile, et ce que j'ai fait également, est de pratiquer ces fonctionnalités indépendamment d'elles-mêmes. Donc, si vous vous sentez trop dépassé pour faire le tableau en entier, vous pouvez peut-être le diviser, regarder l'œil gauche et le peindre en gros plan sur une feuille de papier plus grande ou sur le nez ou les lèvres. Vous pouvez simplement créer une petite bordure avec du ruban adhésif et vous concentrer sur les lèvres, puis les assembler J'essaie d'ajouter un peu plus de structure autour du menton maintenant. Même si j'ai toujours l'intention de peindre les lèvres. Je n'ai pas encore fini les lèvres. Je dois d' abord créer cette sous-couche car tout est interactif Tout se mélange d'une manière ou d'une autre. La connexion est fluide. Et je sais que si je dessine mes couleurs les plus foncées sur les lèvres, il sera impossible de peindre le dessous 14. Conseils techniques: Je peux donc vous donner quelques conseils techniques qui pourraient vous aider à peindre ces éléments. Bien entendu, la superposition est un concept fondamental de l'aquarelle, commencer par un léger lavage pour définir la forme générale et le remplissage des lèvres Au fur et à mesure du séchage, nous ajoutons des formes plus définies pour les zones sombres, ce qui augmente naturellement la profondeur et crée des dégradés. Maintenant, nous pouvons être assez audacieux comme nous le sommes actuellement. Bien entendu, les zones les plus sombres sont celles où la lumière ne peut pas atteindre, comme les coins des lèvres et la bouche et où les deux lèvres se touchent au milieu La première pièce était donc essentiellement mouillée sur sèche, et nous l'avons utilisée pour créer des arêtes vives et un meilleur contrôle. Et c'est utile pour deviner les bordures et ajouter des détails fins Nous l'utiliserons à nouveau à la fin pour créer un peu plus de détails et des lignes subtiles qui peuvent lui donner un peu plus de texture, comme les petites fissures sur les lèvres, les reflets de lumière. Et bien sûr, nous pouvons utiliser vitrage comme nous le faisions avec le nez auparavant. Les premiers lavages sont secs et s'appliquent assez finement. Mais grâce à la transparence de l'aquarelle, nous pouvons l'assombrir légèrement Nous pouvons assombrir le ton et ajouter du volume de cette façon. Ensuite, bien sûr, nous avons un pinceau sec, que nous pouvons utiliser pour éventuellement ajouter plus de texture aux lèvres. Les reflets sur la lèvre inférieure, parce que si vous regardez, il n'y a pas de reflets de lumière sur la lèvre supérieure parce qu' elle est orientée vers le bas, mais la lèvre inférieure réfléchit la lumière qui vient du haut, et nous pourrons éventuellement utiliser un pinceau sec plus tard pour créer un peu plus de texture qui apparaît sur le bas, la forme et la courbure des lèvres jouent un rôle important en exprimant également ses émotions. Les lèvres sont tout aussi expressives que les yeux, car une légère modification de la courbe du sourire ou le pincement des lèvres peuvent transmettre toute une gamme d'émotions Donc, si vous prêtez attention à ces petites subtilités, elles peuvent changer radicalement l'ambiance et le caractère de votre portrait Donc, une fois que j'ai ajouté les tons généraux, j'utilise toujours un pinceau propre et humide, non un pinceau mouillé pour estomper en douceur les bords du teint. Et cela garantit qu' il n'y a pas de lignes dures sauf si le style que je recherche l'exige. Parce que nous voulons intégrer naturellement les lèvres au visage. Nous ne voulons pas qu'il ait l' air coincé. Je recherche donc des zones principalement, encore une fois, les coins des lèvres pour les fondre. Maintenant, je vais commencer à peindre l'ombre sur le menton. Et vous pouvez voir à quel point la lumière et les tons sont très dynamiques. Si vous regardez la lèvre supérieure, vous pouvez voir qu'elle est plus claire, puis qu'elle est foncée entre les lèvres, puis qu'elle redevient claire sur la lèvre inférieure. Ensuite, il y a de l'ombre sous cette lèvre inférieure. Puis, lorsque le menton se courbe vers l'extérieur, nous avons à nouveau le reflet de la lumière. Et puis, sous le menton, en ce moment, il y a de l'ombre, donc il fait clair, noir, clair, noir. Tout cela transmet au spectateur la forme du visage et donne l' illusion de profondeur et de volume Et en fonction de la netteté ou de la fluidité manière dont vous structurez ou même sculptez ces formes, l'ambiance et le caractère du portrait que vous peignez changent du portrait que vous peignez 15. Forme tonale: Maintenant, je vais commencer à travailler un peu plus sur le côté droit du visage Ce faisant, je vais parler de la consistance de la peinture à l'aquarelle Avant, nous parlions de l'humidité du papier. Maintenant, la consistance de la peinture a un impact significatif comportement sur le Et c'est un autre aspect qui, une fois maîtrisé, peut considérablement améliorer votre contrôle et votre expression en peinture. Bien entendu, l'aquarelle peut être mélangée en différentes consistances, de très épaisse, comme une pâte, à très fine, comme un léger lavis. Et chaque consistance interagit différemment avec le papier et affecte texture, l' opacité et la fluidité générales de la peinture Donc, en commençant par la consistance la plus épaisse, absolument pas d'eau La peinture épaisse avec peu ou pas d'eau ajoutée a une consistance semblable à une pâte, généralement directement sortie du tube. Mais même parfois, dans ma palette, c'est encore plus épais que ça. Il est assez opaque et peut être utilisé comme nous l'avons fait sur le côté gauche, pour créer des couleurs sombres fortes, mais aussi des couleurs très vives Si nous utilisons du rouge camium pur, ce sera une couleur très vive et forte Et il nous permet de mieux contrôler les traits grâce à son épaisseur. C'est aussi le meilleur type de consistance à utiliser pour les marques de pinceau sèches. Et si vous aviez cette peinture sur une palette inclinée, ne bougerait même pas Ça collerait comme de la colle. Cette consistance est donc parfaite pour ajouter des détails fins marques de pinceau sèches et même un peu de sous-couche Je prévois donc d'utiliser une partie de cette consistance épaisse sur le côté droit pour les cheveux plus tard. Et le suivant est légèrement dilué. La peinture légèrement diluée a donc un peu plus de fluidité que la peinture épaisse, mais elle conserve toujours bien sa forme Il ne bougera que légèrement sur une palette inclinée, à peine au point d'indiquer, le cas échéant, une texture plus beurrée Et cette cohérence est idéale pour les applications où l'intensité des couleurs et une certaine dispersion sont souhaitées, exemple pour définir des bords souples ou ajouter du volume à des objets sans laisser la couleur s'exprimer trop librement. J'espère qu'il ne s'agit pas d'une surcharge d'informations, et je sais que je ne parle pas directement de ce que je fais sur la toile en ce moment, mais d'une certaine manière, je le suis parce que c'est ce qui me passe par la tête. Je ne pense pas nécessairement à des choses comme « Oh, je dois ajouter de la Sienne brûlée ici Je pense à l' humidité du papier, à la consistance que j'utilise C'est pourquoi je parle de cohérence en ce moment, car là, j'utilise un demi-ton Les coups de pinceau que j'utilise en ce moment. Et que signifie un demi-ton ? Eh bien, la peinture demi-teinte consiste évidemment un équilibre entre la peinture et l'eau, en un équilibre entre la peinture et l'eau, et elle coule beaucoup plus facilement que les peintures plus épaisses dont nous venons de parler. Mais il conserve un bon niveau de contrôle. Il se déplacerait lentement sur une palette inclinée. Il y aurait un peu plus de mouvement. Contrairement aux autres, je commencerais à saigner naturellement si vous le mainteniez sur une palette. Cela permet d'obtenir des traits plus larges qui commencent à montrer de la transparence à l'aquarelle Avant cela, le pigment était trop épais pour montrer sa transparence, mais nous commençons maintenant à passer à la superposition 16. Les paupières droites: demi-teintes sont donc excellentes pour les lavages généraux qui nécessitent une intensité de couleur, et elles sont utiles dans les zones de peinture qui nécessitent un niveau de saturation moyen et des transitions progressives d'une couleur à l'autre, car nous laissons l'eau avoir un peu plus son mot à dire et moins de contrôle, moins de contrôle direct de notre part, et l'eau a un meilleur contrôle, nous avons de nous abandonner à l'eau au fur et à mesure que nous y ajoutons. Et puis après les demi-tons, bien sûr, il y a les quarts de tons, qui sont encore une fois beaucoup plus clairs et contiennent beaucoup plus d'eau que de peinture. Et cette cohérence fonctionnera librement sur une palette inclinée. Et cela le rend idéal pour créer des lavages qui couvrent de grandes surfaces sans avoir besoin de couleurs saturées, ou sous-couches comme le vert grisâtre que nous avons sur le côté droit quarts de tons sont parfaits pour créer l'ambiance d'une peinture avec des teintes subtiles et principalement, oui, des éléments d'arrière-plan doux. Ils n'attirent pas trop l'attention car ils sont plus légers. Et la plupart des tons du visage sont également ce quart de ton pour le moment. Ensuite, nous avons les tons les plus clairs et les plus dilués de tous et il n'y en a pas vraiment beaucoup ici parce qu'il y a tellement de lumière. Beaucoup d'entre eux sont sur le teint en ce moment. Il n'y en a pas beaucoup ailleurs. Les tons les plus clairs contiennent le ratio eau/peinture le plus élevé. Ils sont très fluides et ils tomberaient tout simplement de la palette si vous les incliniez Ces lavages sont utilisés pour teinter le papier. Ainsi, plutôt que de nécessairement les utiliser directement pour une finition finale, nous utilisons des lavis légers pour les teinter, peut-être, comme je l'ai fait pour les lèvres et le nez Nous utilisons vraiment les tons les plus clairs à des fins de superposition. Disons que j'ai fini le tableau et que je trouve son visage un peu trop pâle. Il n'y a pas assez de couleur quand je peux mélanger un ton très clair et très dilué, utiliser un très gros pinceau et peindre sur l'ensemble du visage en trois traits avec un gros pinceau. Et c'est pour cela que les tons et les lavages les plus clairs seraient utilisés Mais vous pouvez le faire en dehors du portrait. Vous pouvez peindre un ciel entier en utilisant cette technique en utilisant des lavis dilués très légers. Cela améliore vraiment la luminosité de la peinture à l'aquarelle. Et c'est la meilleure chose à utiliser lorsque vous créez des couches. Si vous prévoyez de créer de nombreuses couches, vous pouvez établir une base solide pour plus de détails. Bien entendu, il existe tout un éventail de allant de la peinture épaisse à la peinture complètement diluée, comme l'humidité du papier, qui passe d'une complètement saturée à une couche complètement sèche Nous avons donc défini ces cinq niveaux de cohérence différents pour nous donner une meilleure idée, un point d'ancrage, un point de référence sur lequel réfléchir. Et c'est ce à quoi je pense lorsque j'essaie trouver les bonnes consistances, car elles ont toutes des effets différents Pour le contrôle ou les détails, j'ai tendance à opter pour des peintures plus épaisses. Pour la texture ou le volume, j'opte pour des peintures légèrement diluées. Pour les transitions douces, j'opte pour les demi-tons pour l'atmosphère et les quarts de tons de profondeur, puis pour la légèreté, la légèreté pour demi-tons pour l'atmosphère et les quarts de tons de profondeur, puis pour la légèreté, la légèreté pour les teintes afin de transmettre des effets de lumière subtils, puis j'utilise les tons les plus clairs et les plus dilués Vous pouvez donc les expérimenter et je suppose que nous pouvons parler de combiner les deux maintenant, ce qui se passe lorsque vous appliquez différentes consistances de peinture avec différents niveaux d'humidité sur le papier 17. L'œil droit: Maintenant, je peins l'iris et pupille sur le côté droit. Et de ce côté, j'expérimente avec cette touche jaune dans ses yeux J'utilise donc du jaune de cadmium pour obtenir ce jaune et un peu de rouge de cadmium Et je le fais non seulement pour vous montrer comment vous pouvez intégrer d'autres couleurs, comment vous pouvez expérimenter avec différents goûts, parce que vous voulez peut-être le faire avec bleu ou vous pouvez même expérimenter avec le rouge ou le violet, comme vous voulez. Mais aussi sur le plan personnel, j'ai juste envie de susciter un peu plus d'intérêt, ne pas donner aux deux yeux une apparence symétrique, en y ajoutant cette petite touche jaune unique dans les yeux. C'est la même approche que l'autre œil. J'ajoute juste du jaune au mélange. Je commence donc par ce jaune, et maintenant je mélange ce bleu turquoise qui est la pièce maîtresse et le thème central de cette peinture Et le reste du tableau est sec. Le reste de l'œil est sec. Vous pouvez donc voir que lorsque j'ajoute cet iris, il ne saigne pas parce que je veux qu'il y ait une ligne dure. Bien entendu, je ne veux pas entrer dans le blanc des yeux, simplement peindre dans leur forme générale, et la moitié sera dans l'ombre. C'est pourquoi j'en ai peint la moitié en vert, puis j'ai laissé l'autre en jaune. Ensuite, je contourne le bord l'autre côté et j'utilise la pointe de mon pinceau pour relier les deux extrémités du cercle. Permettez-moi de poursuivre ce que je disais tout à l'heure. Donc, si nous décomposons le tout et reconnaissons les cinq consistances différentes du pigment, à savoir la consistance épaisse, légèrement diluée, les demi-tons, quarts de tons et les tons dilués les plus clairs, cinq Et puis en plus de cela, nous prenons en compte les quatre niveaux d'humidité du papier mouillé, humide, humide et sec, puis nous les assemblons, et nous avons 20 variantes différentes, et tout ce que vous faites avec l'aquarelle s'inscrit dans ces 20 variations différentes 20, cela semble beaucoup, mais si vous pensez que tout dans l'aquarelle se situe dans ces 20, cela rend les choses un peu plus compréhensibles, car vous pouvez décider ce que vous voulez réaliser et ensuite vous pouvez déterminer dans quoi cela se Dans la pratique, ces combinaisons constituent une boîte à outils polyvalente permettant d' exprimer une vaste gamme de visions artistiques que vous souhaitez réaliser. Chaque variation permet d'obtenir des effets spécifiques qui peuvent être reproduits de manière prévisible une fois que vous comprenez comment ils interagissent Et cette compréhension transforme ce qui pourrait et serait autrement un éventail impressionnant de choix. Et cela inclut une gamme d'options artistiques finement ajustées, vous permettant de manipuler et d'explorer le médium comme vous le souhaitez. Maintenant, bien sûr, 20, c'est encore beaucoup, et je peux les passer brièvement en revue aujourd'hui. Mais une fois que vous avez compris toutes les marques possibles que vous pouvez faire avec l'aquarelle, la vie devient beaucoup plus facile avec la peinture Ensuite, vous pouvez regarder n'importe quelle marque sur un tableau, comme si je peignais mon œil en ce moment, et vous pouvez voir que le tableau doit être légèrement humide mais pas trop humide parce que la pupille a un bord foncé. Et maintenant, je suis en train de le sécher complètement, bien sûr. 18. 20 états d'aquarelle: C'est une bonne idée. Je l'ai fait de nombreuses fois. J'ai passé en revue ces 20 variantes différentes sur papier juste pour voir comment elles réagissent par moi-même. Il suffit de prendre une feuille de papier séparée, utiliser le même pigment, qu'il s'agisse d' une teinte neutre, noire , bleu cobalt ou pourpre à l'alizarine , peu importe Vous pouvez commencer avec du papier humide, puis avec une consistance épaisse, appliquer quelques traits sur le papier, puis diluer légèrement la peinture. Et puis donne encore quelques coups. Réduisez-le ensuite à un demi-ton, encore une fois, appliquez un autre trait, quart de ton, un ton clair, et c'est tout ce que vous pouvez faire avec du papier mouillé. Passez ensuite au papier humide. Encore une fois, en commençant par une consistance épaisse, légèrement diluée, demi-ton, quart de ton, puis la plus claire. Vous pouvez voir la différence en utilisant du papier humide pour mouiller le papier, puis en passant à du papier humide , en faisant de même. Vous remarquerez que plus le papier est humide, ou du moins plus il est sur le point de sécher alors qu'il est encore mouillé, plus il y a de risques d'accidents lorsque vous commencez à appliquer des demi-teintes, des quarts de tons ou des tons clairs parce que vous chargez trop d'eau pure sur un papier déjà mouillé Ce sont donc ces petites choses que l'on apprend en faisant ces expériences. Et puis, bien sûr, avec du papier complètement sec, vous verrez qu'il y a lignes très dures parce qu' il n'y a pas d'eau sur le papier, évidemment pour le ramollir. Toutes ces informations peuvent sembler intimidantes selon votre expérience ou votre niveau de compétence Mais au fur et à mesure que vous vous familiariserez avec ces interactions, vous commencerez à les mélanger et à passer de l'une à l'autre de manière automatique et fluide, vous élargirez votre répertoire et affinerez votre style personnel Cette connaissance approfondie transforme donc le complexe en une approche plus intuitive et vous permet de vous concentrer davantage sur l'intention artistique et moins le mystère et la mécanique du médium. Bien entendu, tout ce qui est passionnant à propos de l' aquarelle, c'est cet effet éthéré mystérieux, et vous apprendrez comment obtenir ces effets en fonction de ces Donc, même en décomposant l'aquarelle en règles, pour ainsi dire, nous le faisons pour savoir comment enfreindre les règles et tirer parti de tous les aspects du médium Ce sont plutôt des passerelles vers la maîtrise du médium, je pense Parce qu'avec ces 20 états, vous êtes équipé pour relever tous les défis visuels, qu'il s' que vous peigniez détails les plus délicats ou des lavages les plus étendus, agisse des détails les plus délicats ou des lavages les plus étendus, que vous peigniez une illustration botanique nette et détaillée ou un paysage atmosphérique maussade, ces combinaisons sont les éléments de base qui vous aideront exprimer votre créativité et à prendre Y. 19. Cheveux sur le côté droit: C'est donc une bonne idée de passer du temps à les maîtriser. En gros, c'est ainsi que je planifie mes cours et que je pense à ce que je vais peindre dans chaque cours. Parce qu'une fois que vous avez compris cela, vous n'êtes pas limité à un certain sujet. Si vous regardez mes cours, j'essaie de peindre différents types de choses dans des styles différents. Et pour ce faire, j'essaie de réfléchir à ces 20 états différents. Et vous pouvez voir en ce moment que j' applique le pigment le plus épais sur papier complètement sec parce que je sais exactement quel résultat cela va avoir S'il était dilué, ce ne serait pas correct. Et si le papier était mouillé, ce ne serait pas correct. Il fallait donc qu'il soit sec et épais. Ces 20 variations ne concernent que les supports à base d'eau tels que l'aquarelle ou la gouache Cela ne correspond pas vraiment à la peinture à l'huile ou à l'acrylique. Ce sont les clés pour manipuler l'aquarelle. Tout le reste est pertinent pour les autres médias. Par exemple, capacité de dessin. C'est important. Quel que soit le support que vous peignez en termes de couleur et de ton, cela vaut également pour les autres supports Quelques autres caractéristiques propres à l' aquarelle sont la vitesse à laquelle elle sèche L'huile et même les acryliques, s'ils sont utilisés en couche épaisse, mettent beaucoup de temps Vous devez donc être conscient de ce genre de choses et les planifier. Mais l'aquarelle permet des superpositions rapides, des ajustements rapides, et elle exige un rythme de travail plus rapide et des actions plus décisives, ce qui peut être tout aussi exaltant, mais aussi assez intimidant Et, bien sûr, l'une des choses que j'aime le plus à propos de l' aquarelle, c'est sa réactivité Le fait que vous puissiez le mouiller une fois qu'il est sec, retravailler et le manipuler On peut enlever la couleur, on peut mélanger les bords. Même 20 ans plus tard, si jamais nous voulions le faire. Maintenant que nous en avons fini avec les yeux, nous avons pratiquement réglé tous les principaux détails. Nous pouvons nous détendre et nous amuser un peu en coiffant du côté droit du cou et des épaules. J'essaie d'être un peu plus dynamique avec ces mèches de cheveux. Il est difficile de trouver un équilibre entre trop réfléchir et obtenir des résultats visuellement corrects L'objectif est de capturer le flux et le mouvement naturels des cheveux en utilisant des traits lâches et fluides qui suggèrent le mouvement plutôt que de détailler méticuleusement chaque mèche C'est pourquoi j'ai regroupé certaines mèches. Ce ne sont pas des poils individuels, et il existe une gamme d'épaisseurs. Certains d'entre eux sont plus fins, d'autres sont plus épais, d' autres sont plus foncés, d' autres sont plus clairs, d' autres un peu plus gris, d' autres sont un peu plus éclatants Et vous pouvez voir comment je les ai superposés. J'ai commencé avec une couleur un peu plus claire, monotone et tamisée, et maintenant je passe à une couleur un peu plus éclatante Parce que cela crée un peu plus de profondeur, un peu plus de volume, ainsi qu'une sensation de mouvement et de vivacité J'essaie de réfléchir à la direction dans laquelle il va, et je le planifie dans mon esprit avant de le mettre papier, parce que je me concentre sur la direction dans laquelle les cheveux tombent, où la zone de lumière entre peut-être. Je reviendrai peut-être plus tard sur les zones surlignées où les ombres pourraient se former. Y. J'ai fait quelques croquis expérimentaux auparavant parce que c'est une bonne idée d' avoir une idée complète de ce que vous faites avant de commencer une peinture Je ne pense pas que beaucoup d'artistes soient suffisamment confiants pour se lancer dans une peinture sans avoir une idée ou un concept complets de ce qu'ils veulent réaliser. Et dans les croquis, je peaufine certains détails ou touches que je souhaite. Est-ce que je veux des cheveux raides ? Est-ce que je veux qu'il y ait des cheveux très bouclés, ou est-ce que je veux qu'ils soient un peu ondulés Je trouve que l'ondulé est le plus simple 20. L'importance des croquis: Si vous envisagez de composer vous-même un tableau ou d'expérimenter quelque chose que vous ne connaissez pas, il est très important de faire quelques croquis pratiques avant de mettre de la peinture sur du papier. Il vous permet d'explorer différentes compositions, comprendre l' équilibre des éléments et de relever les défis potentiels liés à la mise en page. En esquissant d'abord vos idées, cela peut également aider à renforcer et visualiser la façon dont les couleurs et les formes interagiront, même s'il s'agit d'un croquis au crayon en noir et blanc, bien sûr Tu peux toujours avoir une idée. Vous pouvez toujours aider à visualiser ce que vous voulez réaliser. Parce que l'aquarelle est très imprévisible. Ainsi, en ayant cette compréhension, nous saurons où nous pourrions vouloir placer le papier humide ou le pigment épais ou fin. Ensuite, ces croquis servent de feuille de route. Ils fournissent une référence, ils peuvent vous aider à rester concentré et à éviter les erreurs courantes qui, vous savez, pourraient être commises lorsque vous plongez directement dans un tableau sans plan. Ils n'ont pas besoin d' être trop détaillés ou de prendre beaucoup de temps. Ils capturent simplement leurs formes centrales et la distribution de base des valeurs ou les petits éléments spéciaux que vous souhaitez inclure. Et bien sûr, cela augmentera votre confiance en vous et améliorera la qualité de votre pièce finale. Comme vous aurez une idée plus claire de l'orientation, vous vous sentirez moins intimidé par tout cela Et j'ai eu l'impression qu'au fil des années, je tombais toujours dans le piège de peindre parfois sans croquis. Un jour, j'ai juste l'impression assez confiante pour essayer sans esquisse, et je le regrette toujours parce que je perds le sens de l'orientation à mi-chemin du tableau et que le tableau manque juste quelque chose parce qu'il semble un peu perdu Et c'est tout à fait naturel, même les maîtres, les grands maîtres de l'ère de l'art, ont toujours fait ces croquis préparatoires. C'est donc une activité utile et amusante à faire. Et en fin de compte, cela améliore votre capacité à dessiner, ce qui est de toute façon fondamental pour peindre Passons maintenant au côté gauche du cou. J'applique une sorte de nettoyant demi-ton et quart de ton. Et je vais réactiver ce pigment épais que nous avons ajouté plus tôt L'avantage de l'aquarelle, bien sûr, est la possibilité de la réactiver C'est ainsi que nous allons obtenir un joli petit côté doux et mixte m'assurant d'utiliser le bout du pinceau, ne pas dépasser le menton et de le relier au côté droit. agitant le pigment dessus et en ajoutant un peu de sienne brûlée, juste une petite influence de la sienne brûlée Vous pouvez voir, si vous regardez attentivement ma peinture en ce moment, essayez de trouver les endroits où j'ai ajouté petites influences d'autres couleurs dans le mélange principal. vert est donc bien sûr la couleur principale, mais j'ai peut-être ajouté un peu de bleu ou de violet. Pour le moment, j' ajoute de la Sienne brûlée, et ça a l'air très vif maintenant Mais comme le papier est encore humide, il se fondra, il deviendra tamisé, il se mélangera, et ce ne sera pas si évident J'ai l'impression d'avoir dû ajouter un peu de cette sienne brûlée parce que nous peignons le cou, après tout, et il faut qu'il y un peu plus de teint là-dedans Mais à part cela, ce domaine est très abstrait. J'utilise des lignes pour forcer la direction, ainsi que quelques tonalités. Mais à part ça, c'est assez abstrait. 21. Le cou et le col: Maintenant, je dirais que le cou est humide en ce moment. Et j'applique juste un demi-ton dessus , je le laisse tomber là-dedans. Et comme c'est un demi-ton, il contient beaucoup d'eau plutôt que de pigment. Donc ça va faire sortir le chou-fleur un peu, un tout petit peu. Cela ne va pas ajouter beaucoup de ton. En fait, cela va le rendre un peu plus léger. Et vous pouvez voir que c'est accéléré, c'est plus facile de le voir Et quand j'ajoute ces éclaboussures d'eau pure, vous pouvez voir à quel point cela l'affecte réellement, repoussant le pigment. Et crée beaucoup de texture. Mais comme le papier était déjà très humide, même si les éclaboussures vont légèrement s'estomper, le mouchoir et je sèche cette zone pour pouvoir peindre encore quelques lignes de cheveux en utilisant le sèche-cheveux pour les sécher complètement, fait, au moins sur le côté droit Maintenant, le papier est assez irrégulier en termes de mouillage et d'humidité. Certaines zones sont complètement sèches autour du cou, d'autres sont complètement humides autour du cou, ce qui va créer toute une gamme de textures différentes et le rendre très intéressant et dynamique. ce que je fais parfois. J'utilise le sèche-cheveux au milieu d'un lavage pour que certaines zones soient humides et d'autres soient sèches dans les zones où je veux que ce soit abstrait. Bien sûr, si je voulais être belle et propre, cela aurait l'air très moche. Mais c'est là tout l'intérêt de l'aquarelle. Nous tirons parti des différents états de la peinture et de l'eau dans différentes zones. On dirait que la tête flotte, alors j'ajoute un peu plus de pigment pour essayer de la relier et l' ancrer dans le cou. J'ajoute un peu plus de ton pour correspondre au ton des cheveux et aux lignes directionnelles du cou. Maintenant que le papier est plus humide qu'humide, les lignes et les formes tiendront un peu plus longtemps. Les coups de pinceau conserveront leur forme plutôt que de s'estomper complètement. U. Donc, le tableau touche à sa fin maintenant Nous ajoutons simplement ces marques expressives, en les asséchant complètement pour créer une deuxième couche d' expression par-dessus. J'utilise maintenant un type de vert complètement différent, ce type de vert citron, qui est une sorte de vert chaud par rapport à l'autre vert que nous avons utilisé. L'autre vert est beaucoup plus proche du bleu sur la roue chromatique. Nous utilisons maintenant un vert plus proche du jaune. Alors maintenant, je peins plus en noir de ce côté. Cela ressemble donc un peu plus à un collier, un collier qui fait le tour du cou et qui aide à le renforcer. Ça donne moins l' impression que la tête flotte. Utilisez de l'eau très diluée, l'eau pure au fond pour aider à estomper un peu le mélange. Je n'essaie pas du tout d'être propre à ce stade, vraiment. J'essaie de garder les tons corrects, mais en termes de bords et d'exécution, ne me dérange pas si tout cela est un peu compliqué. Je veux que l'accent soit mis et que l'accent soit mis sur les détails du visage. Je suis donc heureuse d'être un peu plus suggestive ici. 22. Touches finales: Lorsqu'il s'agit d'être suggestif et expressif de cette façon, il est facile de se perdre un peu car nous sommes un peu plus ouverts à l'interprétation Parfois, je prends du recul, quelques instants pour m'attarder dessus, sécher complètement et réfléchir à ce que je vais faire ensuite. Je pense que nous avons beaucoup de lignes souples, alors maintenant je vais revenir sur du papier sec pour obtenir quelques lignes plus dures. Mais même avec ces lignes strictes, je ne veux pas qu'elles soient trop nettes et définies. Je vais donc les frotter un peu avec quelques éclaboussures d' eau ou un mouchoir en papier ou les frotter un peu avec la brosse Maintenant, j'ajoute quelques éclaboussures. Je m'assure qu'il y a suffisamment de pigment et d'eau sur mon pinceau et je l'incline perpendiculairement au papier pour qu'il tombe simplement dessus Et j'utilise un peu de tittoo pour souligner ce qui est un peu excessif Comme il est dilué avec beaucoup d'eau, il semble plus foncé qu'il ne l'est. Mais lorsqu'ils s' évaporent et sèchent, ils paraîtront beaucoup plus légers En fonction du pigment que vous utilisez, bien sûr. Je ne veux pas que ces éclaboussures soient trop distrayantes. J'aime ajouter des éclaboussures parce qu'elles sont de tailles différentes , ce qui donne une illusion d'espace et de profondeur Maintenant, j'utilise de la gouache blanche pour la dernière étape de la peinture, et c'est le tour de créer quelques reflets Dans un monde parfait, nous n'aurions pas à le faire. Je dis donc cela parce que j'essaie de ne pas exagérer ces points saillants. J'essaie de les utiliser uniquement dans de petites zones. Je ne veux pas du tout qu'ils soient évidents. Ajoutant à certaines zones de netteté. Quelques petits points et traits. agit simplement de continuer et d'affiner certaines lignes que je n'arrivais pas à obtenir en ajoutant le pigment ordinaire ou en rétablissant certaines lampes que nous avions perdues par accident. Maintenant, on peut enlever la cassette. 23. Réflexions finales: Félicitations pour avoir terminé ce cours de portrait expressif à l'aquarelle J'espère que vous avez trouvé l'inspiration dans la riche tonalité et la polyvalence des aquarelles pour créer un portrait la fois beau et motivant Nous avons exploré des techniques avancées, la superposition de couleurs, mélange et la création de textures qui reflètent la nature complexe de l'expression humaine Continuez à pratiquer ces techniques pour affiner vos compétences et développer votre style unique. N'oubliez pas que la peinture à l'aquarelle n'est pas seulement une question de compétences techniques, mais aussi d'expression votre créativité et de votre style personnel Je vous encourage à continuer d'explorer, expérimenter et de repousser vos limites pour créer vos propres chefs-d'œuvre d' aquarelle uniques À la fin de ce cours, j'espère que vous vous sentirez plus en confiance et aise avec vos capacités de peinture à l'aquarelle La pratique est essentielle pour améliorer vos compétences, alors continuez à peindre et à expérimenter Je tiens à exprimer ma gratitude à chacun d'entre vous. Votre passion pour la peinture à l'aquarelle est tellement inspirante, et je suis honoré d' être votre professeur Si vous souhaitez avoir des commentaires sur votre peinture, je serais ravi de vous en faire part. Veuillez donc partager votre peinture dans la galerie de projets étudiants ci-dessous, et je ne manquerai pas de vous répondre. Si tu préfères, tu peux le partager sur Instagram, en me taguant sur Will Elliston, car j'adorerais le voir Skill Share aime aussi voir mes élèves travailler, alors taguez-les également sur Skill Share. Après y avoir consacré tant d'efforts, pourquoi ne pas partager votre création ? Si vous avez des questions ou des commentaires sur cours d' aujourd'hui ou si vous souhaitez des conseils spécifiques concernant l'aquarelle, veuillez me contacter dans la section de discussion Vous pouvez également me faire part de tout sujet, la faune ou de toute scène sur lequel vous aimeriez que je donne un cours. Si vous avez trouvé ce cours utile, j'apprécierais vraiment de recevoir vos commentaires à ce sujet. La lecture de vos critiques me remplit le cœur de joie et m'aide à créer la meilleure expérience pour mes étudiants. Enfin, veuillez cliquer sur le bouton « Suivre » en haut pour pouvoir me suivre sur le partage des compétences Cela signifie que vous serez les premiers informés lorsque je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux J'ai hâte de voir tous les portraits incroyables que vous allez créer, et merci beaucoup de m' avoir rejoint ce cours jusqu'à la prochaine fois. Au revoir pour le moment.