Portraits à l'aquarelle : peindre la chaleur, le contraste et l'atmosphère

1. Bienvenue au cours !: Bonjour, tout le monde. Je m' appelle Will Ellison, et aujourd'hui nous poursuivons notre série de portraits avec une nouvelle aquarelle qui met l'accent sur la chaleur, contraste et la richesse tonale Chaque portrait présente un défi légèrement différent, et dans ce cours, nous explorerons comment peindre des tons harmonieux, en équilibrant la chaleur et les ombres tout en préservant la douceur et la fluidité Nous travaillerons étape par étape, commençant par la structure et le dessin, en passant aux lavages transparents et en terminant par un travail de pinceau expressif et confiant L'objectif n'est pas simplement de ressembler, mais de ressentir, de capturer l'atmosphère, la lumière et la personnalité du sujet Je suis artiste professionnel depuis de nombreuses années, explorant de nombreux sujets différents, tels que la faune et les portraits, les paysages urbains et les J'ai toujours été fasciné par les possibilités de l'aquarelle Mais quand j'ai commencé, je ne savais pas où commencer ni comment m'améliorer. Je ne savais pas de quel matériel j'avais besoin, comment créer les effets que je voulais, ni quelles couleurs mélanger. Aujourd'hui, j'ai participé à de nombreuses expositions dans le monde entier, figuré dans des magazines et j'ai eu la chance de remporter des prix décernés des organisations réputées telles que l'International Watercolor Society, la Masters of Watercolor Alliance, Windsor and Newton et la SAA L'aquarelle peut être bouleversante pour ceux qui débutent, c'est pourquoi mon objectif est de vous aider à vous sentir détendu et à apprécier ce médium étape par étape. Aujourd'hui, je vais vous guider à travers une peinture complète, démontrant diverses techniques et expliquant comment j'utilise toutes mes fournitures et tous mes matériaux. Que vous soyez débutant ou que vous ayez déjà de l'expérience, vous serez en mesure de suivre votre propre rythme et d'améliorer vos compétences en aquarelle Si ce cours est trop difficile ou trop facile pour vous, j'ai une variété de cours disponibles à différents niveaux de compétence. J'aime commencer par une approche expressive libre, sans crainte de faire des erreurs, lorsque nous créons des textures passionnantes pour la sous-couche Au fur et à mesure que la peinture avance, nous ajouterons plus de détails pour lui donner vie et la faire ressortir. Je m'efforce de simplifier les sujets complexes en faire des formes plus faciles qui encouragent l'espièglerie Tout au long de ce cours, je partagerai de nombreux conseils et astuces. Je vais vous montrer comment transformer les erreurs en opportunités, éliminant le stress lié à la peinture pour vous amuser. Je vous fournirai également mes tableaux de mixage d'aquarelles, qui sont un outil précieux pour choisir et mélanger les couleurs Si vous avez des questions, vous pouvez les poster dans le fil de discussion ci-dessous. Je ne manquerai pas de lire et de répondre à tout ce que vous publiez. N'oubliez pas de me suivre sur Skillshare en cliquant sur le bouton Suivre en haut Cela signifie que vous serez le premier à savoir quand je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux Vous pouvez également me suivre sur Instagram chez Will Elliston pour voir mes derniers travaux Commençons donc par découvrir comment créer un portrait dynamique empreint de chaleur, de profondeur et de vie. 2. Votre projet: Merci beaucoup d'avoir rejoint ce cours. Ce projet est une excellente occasion explorer les tons de peau, l'expression du visage et les cheveux d'une manière souple et intuitive. Nous verrons quand contrôler la peinture et quand la lâcher et comment suggérer de la complexité sans trop travailler le visage Même si son portrait semble intimidant, je vais le décomposer en étapes accessibles afin que vous puissiez vous concentrer sur le sentiment et la forme, et pas seulement sur Nous allons commencer par créer structure tonale avec des couches transparentes, puis utiliser des contrastes audacieux, bords perdus et de subtils changements température pour lui donner vie Dans la section des ressources, j'ai ajouté une image en haute résolution de ma peinture terminée pour vous guider. Vous pouvez suivre exactement ma peinture ou expérimenter votre propre composition. Comme nous allons nous concentrer sur l'aspect peinture de l'aquarelle, j'ai fourni des modèles que vous pouvez utiliser pour transférer ou tracer le croquis avant de peindre Il est bon de le tracer lorsque vous l'utilisez comme guide pour apprendre à peindre. Il est important que le sous-dessin soit correct afin que vous puissiez vous détendre et vous amuser en apprenant le médium de l' aquarelle lui-même Quelle que soit la direction que vous prenez dans ce cours, serait formidable de voir vos résultats et les peintures que vous créerez grâce à ce cours. J'adore donner des commentaires à mes étudiants, alors prenez une photo par la suite et partagez-la dans la galerie de projets étudiants sous l'onglet Projet et ressources. Je suis toujours intriguée de voir combien d'élèves ont des approches différentes et comment ils progressent dans chaque classe J'aimerais connaître votre processus et ce que vous avez appris en cours de route, ou si vous avez rencontré des difficultés. Je vous recommande vivement de regarder travail de chacun dans la galerie de projets des étudiants. C'est tellement inspirant de voir le travail de chacun et extrêmement réconfortant de bénéficier du soutien de ses camarades de classe N'oubliez donc pas d'aimer et de commenter le travail de chacun. 3. Matériel et fournitures: Avant de commencer la peinture, passons en revue tous les matériaux et fournitures que j' utiliserai dans ce cours. Le fait de disposer des bons matériaux peut un impact considérable sur le résultat de votre œuvre d'art. Je vais donc passer en revue toutes les fournitures que j'utilise pour ce cours et au-delà. Ils sont très utiles à avoir à votre disposition et vous faciliteront le suivi. Commençons par les peintures elles-mêmes. Et comme la plupart des matériaux que nous utiliserons aujourd'hui, cela dépend en grande partie des préférences. J'ai 12 couleurs stables dans ma palette que je remplis à partir de tubes. Ils sont jaune cadmium, jaune ocre, sienne brûlée, rouge cadmium, rouge d'alizarine, bleu opramarne, bleu cobalt, bleu serléen, lavande, violet, ridian, noir, et à la fin du tableau, j'utilise souvent de la gouache blanche pour les petits reflets . Je n'utilise aucune marque en particulier. Vous pouvez obtenir ces couleurs auprès de n'importe quelle marque, même si j' utilise personnellement Daniel Smith, Windsor et Newton pour les peintures Holbein Passons donc aux pinceaux. Le pinceau que j'utilise le plus est un pinceau rond synthétique comme ce pinceau Escoda Purl ou ce pinceau Van Ils sont très polyvalents car non seulement vous pouvez les utiliser pour des travaux détaillés avec leur pointe fine, mais comme ils peuvent contenir beaucoup d'eau, ils conviennent également aux laveuses Ils sont également assez abordables, j' en ai donc pas mal de tailles différentes. Viennent ensuite les brosses à balai. Les pinceaux à balai sont parfaits pour les coups de pinceau larges, remplir de grandes surfaces et pour créer des transitions ou des lavages en douceur Ils ont également une belle pointe qui peut être utilisée pour les petits détails. Mais pour les plus petits détails, les reflets ou tout ce qui demande plus de précision, j'utilise un pinceau synthétique de taille zéro. Toutes les marques en ont, et ils sont super bon marché. Un autre pinceau utile est un pinceau de calligraphie chinoise Ils ont tendance à avoir de longs poils et une pointe très pointue. Ils sont parfaits pour ajouter de la texture ou créer des lignes dynamiques dans vos peintures. Vous pouvez même les étaler ainsi pour obtenir des textures de fourrure ou de plumes Et c'est tout pour les pinceaux. Sur du papier. votre papier est de qualité, plus il sera facile à peindre. Le papier bon marché se plisse facilement et est très impitoyable, permettant pas Il est plus difficile de créer des effets attrayants et appliquer des techniques utiles comme le frottement des pigments. Cependant, le papier de bonne qualité, tel que le papier à base de coton, vous permet non seulement de retravailler les erreurs plusieurs fois, mais comme le pigment réagit beaucoup mieux, les risques d' erreur sont beaucoup plus faibles et vous aurez plus de chances faibles et vous aurez plus créer de meilleures peintures J'utilise du papier archers parce que c'est ce que l'on trouve dans ma boutique d'art locale Un jet d'eau est absolument indispensable. En l'utilisant, vous aurez plus de temps pour peindre les zones que vous souhaitez avant qu'elles ne sèchent. Cela vous permet également de réactiver la peinture si vous souhaitez ajouter une ligne lisse ou enlever de la peinture J'ai aussi un vieux chiffon ou t-shirt que j'utilise pour nettoyer mon pinceau Nettoyer la peinture avant de la plonger dans l' eau prolongera la durée de vie de l'eau Il est toujours utile de se faire manger un mouchoir en papier pendant que vous peignez pour enlever l'excès de peinture. De plus, vous ne savez jamais quand éclaboussures ou des gouttes indésirables peuvent se produire et qu'il faut les essuyer rapidement. J'ai également un compte-gouttes pour garder les peintures humides. Lorsque vous peignez, il est important que leur consistance soit similaire à celle des tubes. De cette façon, il est plus facile de prélever suffisamment de pigment. Un sèche-cheveux est utile pour accélérer le temps de séchage et contrôler l' humidité du papier. Et enfin, du masking tape. Bien entendu, il s'agit simplement de maintenir le papier immobile sur surface pour l'empêcher de glisser pendant que vous peignez. De plus, si vous prévoyez de peindre jusqu'au bord, nous vous permettrons de créer une bordure très nette et propre. Et c'est tout ce dont vous avez besoin pour peindre. Je vous encourage à expérimenter et à explorer les matériaux ou les techniques que vous souhaitez pratiquer dans ce cours. Passons maintenant à l'esquisse de la peinture. 4. Première ébauche: L'esquisse commence donc toujours par un cercle et c'est pour le crâne Remarquez que j'utilise un crayon à mine souple, non mon crayon pointu qui se trouve sur la table à côté de moi. Une fois cela fait, j' ajoute une ligne verticale pour la symétrie et je l'incline en fonction de l'inclinaison de la tête. Ensuite, je trace une ligne horizontale à mi-chemin du cercle. Ensuite, j'ajoute une ligne de mâchoire à cela, qui part des côtés du cercle et rejoint l' endroit où se trouve le menton Les femelles ont tendance à avoir une mâchoire plus douce et plus ronde Je divise ensuite le visage en trois. J'ai donc la ligne des sourcils où se trouvent les sourcils, la base du nez et le menton Et ceux-ci peuvent varier, mais en règle générale, ce sont des tiers. Ensuite, je commence à placer les fonctionnalités par-dessus. Je n'ai donc pas encore dessiné les formes finales. Je bloque simplement les proportions et les angles. Les yeux se trouvent donc à mi-hauteur de la tête, et ils sont à environ une largeur d'œil l'un de l'autre. Les sourcils reposent au-dessus des yeux, bien sûr, en suivant la ligne des sourcils que nous avons ajoutée Et le bout du nez se termine au tiers inférieur. Et la bouche se situe à environ un tiers entre le menton et le nez. Et les coins de la bouche s'alignent généralement avec les coins internes de l'œil. Les oreilles sont assez obstruées sur ce dessin, mais elles s'étendent généralement de la ligne des yeux à la ligne du nez 5. Arrière-plan de gauche: Je commence ce tableau avec un arrière-plan. J'ai donc simplement appliqué du mortier sur ce fond, mais c'était un peu trop, alors j'utilise un mouchoir juste pour en retirer une partie Et nous allons utiliser des tons de peau pour le fond afin de refléter les mêmes pigments. J'utilise donc de l'ocre jaune et de la sienne brûlée pour ce fond J'ai créé un moule pour chacune des couleurs, puis le troisième en haut est l' endroit où je peux mélanger les deux. Je vais également incorporer bleu série, car c'est une jolie couleur complémentaire à celle que nous allons utiliser avec le brun Je suis donc en train de le mixer pour le moment, ou du moins de l' activer sur ma palette, mais je ne vais pas encore le mettre. Je vais juste le préparer le moment venu. J'utilise donc un pinceau plus gros, un balai. Il n'est pas nécessaire que ce soit un pinceau en particulier. Juste quelque chose qui contient suffisamment de pigments et d'eau parce que le fond est assez abstrait, et vous pouvez voir où j'ai mouillé le papier. Cela a créé un joli bord souple et j'ai laissé un bord dur pour créer une certaine variété. Nous incorporons donc cet ocre jaune et cette sienne brûlée, qui sont de jolis tons terreux et de jolis tons de peau Nous peignons à peu près sur les cheveux, non pas parce que nous voulons les superposer, mais les cheveux seront foncés de toute façon. Donc peu importe si on passe par-dessus les cheveux. Tant que nous ne passons pas par-dessus le visage à ce stade, nous pouvons simplement créer jolis traits d' arrière-plan expressifs. 6. Arrière-plan correct: Ajoutons maintenant un peu de bleu à l'endroit où il se connecte de gauche à droite en haut. Veillez à ne pas trop mélanger, car le bleu et le jaune donnent du vert. Ajoutez un pigment plus épais à ce qui est humide et laissez-le se mélanger tout seul. Bien sûr, cela n'a pas vraiment d'importance. Si cela produit un vert, nous pouvons le faire fonctionner en le maintenant harmonisé plus tard dans la peinture. Peut-être que sa boucle d'oreille peut être verte ou de la couleur de ses yeux. Peut-être pouvons-nous même ajouter des influences subtiles où nous ne pensons pas normalement au vert comme à ses sourcils. C'est ainsi que nous pouvons harmoniser notre palette et utiliser les couleurs Oh, utiliser le mouillé et le mouillé à ce stade, en veillant à ce qu'il n'y ait pas de lignes dures là où nous ne voulons pas qu'elles se trouvent. Peut-être aussi créer des marques de pinceau sèches. allant droit au bord du papier, ici de ce côté, sorte que lorsque nous retirerons ce ruban adhésif, il y ait une belle bordure propre encadre le tableau. Voyez à quel point mon pigment est également dilué à ce stade. Ce n'est pas si épais. Cela signifie que nous pouvons continuer à y ajouter petit à petit. Vous n'avez rien à faire de particulier à ce stade. Il s'agit simplement de ressentir, d' exprimer et de faire ce qui vous semble juste. Je ne pense à rien de logique, essaie de comprendre mes sentiments parce que c'est à ce moment-là que l'intuition entre en jeu, et c'est ce qui nous aide à prendre des décisions une fois que nous avons un sentiment. Cela nous permet d'atteindre une certaine couleur, une certaine texture. Et le fait de commencer par une étape expressive comme celle-ci aide notre esprit à se faire une idée de ce dont parlent ces portraits. Ajoutez quelques éclaboussures pour plus d'espièglerie. Parce que nous voulons arriver à un endroit où nous peignons avec intention, mais par intuition, si cela a du sens, arriver à un endroit où vous avez suffisamment de pratique et de confiance en votre médium pour savoir ce que vous voulez peindre avec intention, mais vous n'avez pas à y réfléchir consciemment. Vous choisissez simplement certaines couleurs que vous souhaitez. 7. Coups de bleu: Donc, à l'aide d'un beau pinceau propre , d'un pigment bleu pur, d'un bleu serléen, je vais simplement peindre le tissu bleu où se trouve la petite bandoulière de sa robe ou de son chemisier, parce que nous allons utiliser ce bleu contrastant vif avec le brun de sa peau et de ses cheveux pour le faire vraiment ressortir Assurez-vous donc que vos dessins soient suffisamment clairs pour distinguer où se trouve ce bracelet. Et je veux adoucir le bord, je ne veux pas nécessairement que je me chevauche Je suis passé devant l'endroit où se trouve le bracelet bleu, alors j'ai dû le nettoyer. Je vais également utiliser exactement le même bleu pour les boucles d'oreilles Et quand je sais que je vais peindre dessus avec un ton plus foncé, je peux toujours sais que je vais peindre dessus avec un ton plus foncé, le superposer un peu. Inutile de t' inquiéter autant pour la frontière. Je peux donc continuer à revenir sur ce bracelet. Ensuite, une fois que nous l'avons rempli, nous pouvons commencer à penser y ajouter un peu de variation. Peut-être pourrions-nous ajouter un peu de pigment plus épais à certains endroits pour varier la profondeur et le ton. Et puis peut-être pourrions-nous y ajouter une autre couleur. Peut-être voulons-nous l'incliner vers le violet parce que le violet est à côté du bleu. Mais je pense qu'en fait, je vais mettre un peu de vert, qui se trouve de l' autre côté de la roue chromatique, à côté du bleu et ajouter quelques touches de vert subtiles. Rien de trop dur, il résiste toujours au mouillé, mais cela implique juste quelques plis sur le tissu. 8. Finir l'arrière-plan ground: Je pense que je veux être plus audacieuse avec mon arrière-plan sur le côté droit, parce que je vais peindre ses cheveux très foncés, en noir, en fait Je ne veux donc pas qu'il y autant de contraste dans cette zone, du moins parce que c'est noir et qu'on s'en sort avec un fond plus foncé et un joli fond brun riche également. Nettoyez ce bord avec de l'eau pure, parce que voyez comment, lorsque je passe par-dessus cette peinture bleue, elle commence à prendre un aspect vert. Mais je n'essaie pas d'être trop précieux avec ça. Ce n'est qu'un arrière-plan, et il s'agit plus d'essayer de se sentir libéré que contraint à ce stade Ce n'est pas le point principal. Ainsi, même de petites erreurs de ce genre sont à peine perceptibles, et en fait, les inexactitudes qu'elles sont à peine perceptibles, et en fait, les inexactitudes qu'elles contiennent nous aident à nous concentrer sur les choses que nous allons corriger plus tard, comme les détails du visage. Plus on se rapproche des cheveux, plus on ajoute de pigment. C'est de la pure Sienne brûlée. Et c'est amusant d'expérimenter avec différents pigments de Sienne brûlée J'ai juste la principale sienne brûlée de Daniel Smith et Windsor Newton Mais je sais que si vous regardez les nuanciers, il y a dix variantes différentes, et elles ont toutes des caractères différents. C'est donc amusant d'expérimenter. Avec ce pigment de Sienne brûlé ou brun orangé particulier , il est beaucoup plus éclatant lorsqu' il est mouillé que lorsqu'il est sec. Il est facile de penser qu'il a l'air très vif et vivant lorsqu'il est mouillé. Ensuite, lorsque vous le séchez, il devient plus sourd. , j'ai juste mélangé une orange pure En fait, j'ai juste mélangé une orange pure, puis du jaune de cadmium et du rouge de cadmium, et ça n'a pas air très différent de la sienne brûlée, mais quand elle sèche, l'orange conservera son éclat Je mélange juste ça en bas à droite. Maintenant, je mélange un brun plus doux et je peins la sous-couche en fonction de l'endroit où se trouveront les cheveux . Je suis juste en train de le bloquer. Je ne peins aucun fil individuel. Parce que lorsqu'il s'agit de peindre les cheveux, nous aurons les petites parties ondulées que vous pouvez voir sur la gauche, mais ensuite nous aurons la section la plus masquée, et c'est pour cela que je fais la couche inférieure pour le moment Et il est facile de penser que votre peinture est très moche lorsque vous ne faites que les étapes de sous-couche, car sont que des parties abstraites, vous les bloquez sans aucun détail ni point d'ancrage à ce stade Cela semble donc être un gâchis, mais nous ne faisons que préparer le tableau Il est donc parfaitement normal que votre peinture soit en désordre à ce stade. Tant que vous savez où se trouve la structure de votre peinture grâce à votre dessin ci-dessous, vous savez quelles parties vous pouvez exprimer et quelles parties vous avez besoin de plus de précision. Et pour le moment, nous n'avons pas besoin de beaucoup de précision. Donc, tant que nous peignons dans ces lignes, nous pouvons être très expressifs. Ajoutez quelques marques de pinceau aléatoires expressives en bas ici. 9. Commencer le visage: Maintenant, je l'ai complètement séché avec le sèche-cheveux, et il a laissé quelques lignes dures dont je ne voulais pas que la dureté détourne l'attention Je veux donc l' adoucir un peu. Donc, en utilisant de l'eau pure, je l'ai simplement nettoyée là où se trouvent les lignes dures et je l'ai adoucie autant que possible sans perdre trop Maintenant, je peux à nouveau le sécher complètement. C'est un peu dur, mais c'est mieux qu'avant. Et encore une fois, cela n'a pas tant d' importance, car il ne s'agit que de l'arrière-plan. Nous pouvons maintenant commencer à peindre le front. Nous nous frayons un chemin du haut vers le bas. Les couleurs que j'utilise pour mon teint sont toujours les mêmes. J'utilise de la Sienne brûlée, ocre jaune et un peu de Et je les utilise dans combinaisons très différentes selon le teint ou la couleur de peau que j'essaie de transmettre. Il y a beaucoup de chaleur dans ce teint. Donc en gros, c'est juste de la Sienne brûlée. Et nous n'aurons besoin que du rouge pour les lèvres. Nous n'avons même pas besoin du rouge pour la plupart de ce tableau. Il y a un petit point fort qui indique que j' essaie de maintenir la courbe du front. Et vous pouvez voir que je suis subtilement plus foncée en haut, puis qu'elle devient plus claire, puis que j'ajoute du pigment au fur et à mesure que je redescend parce que je pense à endroit où la lumière est réfléchie Et quand il s'agit de composer ces peintures, j'ai plein de photos de référence différentes J'ai un dossier contenant des milliers de visages différents que j'ai collectés en ligne sur Google Images, Pinterest, des coupures de magazines, des scans Mais j'ai aussi un modèle de mannequin à la maison que je peux tenir face à la lumière dans différentes sources de lumière, et j'ai fait des croquis d'entraînement à l'aide de ce modèle pour déterminer la pose que je veux et d'où vient la lumière. Et je peux m'en servir comme référence, afin de voir quels bits sont clairs et quels bits sont sombres. Mais c'est en grande partie très subtil. Et comme il est subtil, il n'a pas vraiment besoin de trop de complexité. Jusqu'à présent, nous avons peint le teint comme une sorte de couleur moyenne de base. Il n'y a pas trop de différence. Un peu plus foncé en haut, comme je l'ai dit, mais le plus important, c'est de conserver certains blancs. Nous avons donc ce point brillant sur ce front, un tout petit point sur l'arête du nez. Et nous peignons la section ici sans passer par-dessus l'œil ni le sourcil J'ai volontairement gardé le sourcil non peint. 10. Sous-couche faciale: Et tant qu'il est encore humide, nous pouvons commencer à l'influencer. Nous n'avons donc pas besoin de trouver le bon ton. Dès que nous l' avons mis sur le papier, nous pouvons utiliser le pinceau pour extraire le pigment. Et c'est souvent ainsi qu'il faut procéder. Vous ne pouvez pas modifier les tonalités immédiatement, car elles vont changer Vous devez attendre qu'il sèche un peu. Remarquez que je suis revenue à ce front maintenant et que j'ai utilisé le pinceau pour dessiner le pigment au centre afin de lui donner cette sensation de courbure. C'est toujours une question de concessions mutuelles. Et maintenant, j'ai utilisé un nettoyant très dilué pour adoucir les joues Donc, à partir de l'endroit où le nez se fond avec la joue, ça va devenir plus léger Encore une fois, parce que si nous imaginons la courbure et l'origine de la lumière, elle réfléchira cette lumière et deviendra plus claire. Maintenant, je peux adoucir ce bord parce que je ne veux pas d'un bord dur à cet endroit. Maintenant, vous pouvez voir que j'ai créé un bord dur avec ce pinceau où le coin de la lèvre se trouve sur la gauche, mais je sais que je dois l'adoucir. Je nettoie donc mon pinceau, puis je reviens l'adoucir. De la pure Sienne brûlée là-bas. Voyez à quel point c'est beaucoup plus éclatant sur mon papier que sur ma palette. Parce que nous avons ce beau blanc propre qui se reflète à travers ce support transparent. Alors que mes fesses sont un peu sales. Peignez soigneusement autour de vous. C'est avec de l' ocre jaune, en fait. Je peins le collier doré, la bague qui l' entoure avec de l'ocre jaune Mais vous pouvez voir comment la joue se courbe à ce que la mâchoire soit à ombre parce que l'angle est différent Il n'entre pas en contact avec la lumière de la même façon. Et remarquez également où j'ai ramolli et retiré le pigment autour de la bouche et du nez, au niveau des lèvres. Nous y reviendrons. 11. Définir le front: Nous avons donc terminé notre première couche, notre première analyse du visage, et maintenant nous allons revenir en arrière, l'affiner et augmenter cette profondeur en recommençant avec cette sienne brûlée, insistant davantage sur le fait que la tempe de son visage n' est pas tout à fait exacte, mais ce n'est pas nécessaire C'est un bon exemple de l'endroit où vous pouvez obtenir votre licence artistique. Il y a une courbure sur le front qui capte la lumière. Choisir de garder la ligne dure sur la droite. Et je suis impatient de voir où je vais aller et je réfléchis à la manière d'y faire face. J'y ai nettoyé mon pinceau, à l'eau pure, afin de pouvoir effectuer une transition en douceur plutôt qu'une ligne dure. Ça l'assombrit sur le panneau de gauche. Encore une fois, nous avons donc l'obscurité qui devient progressivement claire , puis redevient sombre. Je nettoie toujours ma brosse, en faisant des allers-retours. J'ai donc une belle brosse propre et humide. Il n'est pas surchargé. Mais pour aider à maintenir l'équilibre, puis je descends jusqu'à l'arête du nez, en plissant les yeux devant mes références et mon croquis H. Je fais toujours une esquisse avant une peinture, une esquisse tonale qui me permet de déterminer les tons, car en entrant directement dans une peinture à partir d'un ensemble de références et d'images, il est impossible savoir comment on va le faire sur-le-champ Vous devez le décomposer en un simple croquis, un croquis miniature, juste un croquis pas plus grand que la paume de votre main, juste pour avoir une idée approximative des tons, puis vous pouvez en faire un autre un peu plus grand pour mettre davantage en valeur et peaufiner les détails, puis vous pouvez passer à une peinture Je peins la paupière inférieure sur la gauche en ce moment, plus foncée en haut, là où vous pouvez imaginer que la paupière est incurvée vers le haut. Elle est donc de nouveau tournée vers le haut, à l' opposé de Et au fur et à mesure qu'elle se courbe vers le bas jusqu'à la joue, celle-ci fait davantage face à la lumière Donc, bien sûr, ça va devenir plus léger. En pensant toujours à la relation entre la lumière et l'ombre des angles de courbure. 12. Chevalet: Nous pouvons maintenant commencer à peindre le nez, en regardant les zones les plus sombres et en les mélangeant avec le dessus Je garde cette petite touche blanche. Bien sûr, si cela vous manque, vous pouvez toujours repartir avec du guash blanc à la fin Sur le bout du nez, je vais aussi garder un petit point fort. J'essaie de garder les couleurs simples. J'utilise une sienne brûlée, comme je l'ai toujours fait Cela signifie que nous pouvons simplement penser aux tons plutôt qu' aux mélanges de couleurs. Remarquez comment je change de pinceau en fonction de la taille de la forme que je peins. Donc, lorsque je peignais le fond, j'utilisais un gros pinceau. Lorsque je peignais le front, j'utilisais un pinceau moyen, et maintenant je passe à un pinceau plus petit peindre ces zones complexes du nez, des yeux et des lèvres Mais ensuite, je passerai à nouveau à un pinceau plus gros lorsque peindrai la mâchoire ou les cheveux plus tard. Et vous pouvez me demander quelle taille de pinceau j'utilise, mais tout dépend de la taille du papier que vous utilisez. Si j'utilisais Si je peignais le double, ils font maintenant le double de la taille du pinceau que j'utilise. Et si vous peignez un tableau plus petit sur une feuille plus petite, vous devrez probablement utiliser un pinceau deux fois plus petit que celui que j'utilise. En peignant la paupière de l'autre côté, je reconnais un peu les ombres des cils. Je nettoie mon pinceau et le mélange pour obtenir une transition douce et agréable Encore une fois, j'essaie de me demander où je veux ces lignes dures et où je veux ces lignes douces. 13. Autour des yeux ufs: La peinture à l'aquarelle repose sur des couches. Et bien qu'il existe d'autres supports sur lesquels vous pouvez travailler en couches, comme l'acrylique ou l'huile, ils ne nécessitent peut-être pas autant de couches que l'aquarelle Donc, avec une peinture à l'huile, même si je ne suis pas un expert, j'imagine que vous pouvez peindre votre noir à tout moment Mais avec l'aquarelle, vous ne pouvez pas peindre vos couleurs foncées pour ensuite utiliser le blanc du papier Donc, comme nous ne commençons qu'avec les , puis les tons moyens et finalement les tons foncés, cela peut sembler très étrange lorsque vous êtes à mi-chemin d'un tableau. Donc, à ce stade, vous pouvez voir ici et ma peinture. Cela semble très étrange, en fait. Il est difficile de juger si cela va fonctionner ou non, car cela semble un peu étrange. Mais grâce à l'expérience, vous comprenez que c'est exactement la méthode et le processus de l'aquarelle Vous devez donc avoir la foi que cela fonctionnera et que votre jugement est un peu biaisé pour le moment Tant que vous évaluez vos tons et vos bords et que le second que vous peignez est précis, tout sera réuni pour former un ensemble complet à la fin Ce n'est qu'à la fin que nous pouvons pleinement évaluer notre peinture en tant que pièce cohérente Mais nous pouvons avoir la certitude que tout va bien fonctionner, car nous utilisons des principes qui fonctionnent toujours lorsque nos couleurs sont harmonisées, car c'est très simplifié. La palette de couleurs est limitée. Nous utilisons essentiellement de la Sienne brûlée et du bleu cérame C'est la seule couleur que nous avons vraiment utilisée. Nous avons utilisé un peu d'ocre jaune, juste pour influencer la couleur brûlée de Sienne Mais à part ça, c'est assez contrôlé. Cela signifie que nous n' avons qu'à penser au ton et aux bords. Donc, lorsque vous suivrez, je vous suggère de suivre la vidéo pendant que vous peignez plutôt que de regarder l'image de ma dernière œuvre, car vous connaîtrez le processus et la structure étape par étape de la façon dont je la peins car cela ressemble un peu à un puzzle. Vous devez connaître la séquence des événements. En utilisant uniquement mon image de référence, vous oublierez peut-être quelques sous-couches qui peuvent être facilement réalisées Mais si vous suivez la vidéo étape par étape, en la mettant en pause, puis en revenant en arrière comme une sorte de coche, vous ne devriez manquer aucune section Et vous pouvez mettre la vidéo en pause à chaque étape pour qu'elle corresponde le mieux possible à la mienne. 14. Le nez: Et quand je dis aussi proche que possible du mien, je parle simplement de l' échafaudage, Tu peux changer les choses si tu veux. Vous pouvez modifier le teint. Tu peux changer les cheveux. Peut-être que vous ne voulez pas utiliser le bleu comme deuxième couleur. Peut-être que vous voulez utiliser du violet ou du vert. Rien que ces reflets et les ombres sous le nez, vous devriez probablement suivre , car je ne pense pas que c'est un nez Je regarde juste cette forme, et c'est une sorte de forme abstraite, mais c'est un bloc. Je le bloque. Ensuite, j' adoucis certains bords de cette forme, comme c'est le cas actuellement Jusqu'à l'endroit où se trouve cette narine. Encore une fois, l' endroit où se trouve la lumière est incurvé. Et puis il y a une petite ombre nette coin de cette narine 15. La joue: C'est donc un joli petit point de contrôle. Maintenant, nous avons terminé la section du nez car nous sommes sur le point de faire preuve de beaucoup audace avec l'ombre sur la mâchoire et la joue Ça commence bien et simplement. Nous ajoutons une jolie petite ligne diluée qui suit ce type de ligne diagonale depuis la lèvre jusqu'au bas de l'oreille. Et cela déclenche le lavage car il commence par une courbe mouillée sur mouillée Ce n'est pas un angle dur où la joue se transforme en mâchoire. C'est un joli dégradé doux. Nous avons donc ajouté un bon nettoyant dilué, puis nous allons maintenant ajouter un pigment épais qui se fondra. J'utilise toujours cette sienne brûlée. Même si la transition se fait en douceur, il existe toujours une sensation de courbure dont nous devons être conscients. Assurez-vous de ne pas peindre également sur les lèvres car nous utiliserons du rouge pour cela plus tard. Vous pouvez également prendre votre temps, en fait, car nous allons peindre mouillé sur mouillé. Nous pouvons simplement continuer à ajouter de plus en plus de pigments, et la ligne dure du moment sera redessinée. Je vais donc le ramener là où je vais réellement dépasser le trait du crayon parce que je vais peindre plus foncé par-dessus ce trait de crayon. Nous pouvons donc y revenir un peu. Tant que nous pouvons encore voir cette ligne au crayon, nous sommes en sécurité. Je nettoie ma brosse parce qu'il y aura un petit point sur le menton à l' endroit où il se courbera à nouveau. Mais au fur et à mesure qu'elle se courbe vers le bas, c'est cette partie que nous allons mettre dans l'ombre. Il y a des tons subtils là-dedans. Peindre l'oreille, mais ne pas peindre sur la partie dorée de la boucle d'oreille Vous pouvez regarder le tableau fini comme référence pour voir ce que nous peindrons plus tard. Je suis également en train d'assouplir à nouveau le haut de cette mâchoire. Utiliser le blanc du papier pour vraiment le faire briller. Je nettoie ma brosse. Et c'est un va-et-vient. Il ajoute du pigment puis utilise mon pinceau pour l'enlever. Et pendant cette phase humide et humide, nous qui avons le plus de contrôle. Il finira par sécher. Mais nous pourrions continuer si nous nous souvenons d'adoucir les bords et d'ajouter de l'eau progressivement, pas beaucoup, mais petit à petit. C'est la courbure de cette joue que j'ai le plus voulu exprimer dans ce portrait, car elle ressemble à une courbure mouillée sur mouillée Bien sûr, avec l'huile, nous pourrions faire des allers-retours avec différents pinceaux pour l'estomper. Mais avec l'aquarelle, il faut le faire avec de l'eau. C'est donc un petit défi amusant à relever. J'utilise Sienne brûlée très épaisse maintenant Toujours mouillé sur mouillé. Vous pouvez également avoir un petit pistolet pulvérisateur pour lui donner un peu plus de vie s'il commence à sécher. Parce qu'avec une section comme celle-ci, vous ne pouvez pas vraiment la mouiller à nouveau une fois qu'elle est sèche. Il faut maintenir l'humidité. 16. La mâchoire: C'est pourquoi la qualité du papier est vraiment utile, car même s'il s'agit d'un papier à base de coton coûteux, il vous laisse beaucoup plus de liberté et de temps et il est autant plus indulgent lorsqu'il s'agit de retravailler et de corriger Parce que si nous utilisions du papier moins cher, du papier qui n'est pas à base de coton , il commencerait à s'effriter. Des particules de papier se détacheraient, et je ne ferais pas ce que je viens de faire si ce n'était pas du papier à base de coton, malheureusement. Mais cela ne signifie pas qu'il n'y a pas de place pour du papier moins cher. Parfois, la pratique n'est que de la pratique. Nous n'essayons pas de créer un chef-d'œuvre. J'utilise donc toujours papier bon marché en dehors des cours pour mes croquis d'entraînement, mes peintures d'entraînement pour ce cours. Et oui, le résultat final n'est pas aussi beau, mais cela vous oblige presque à bien faire les choses du premier coup. Et comme vous savez que c'est du papier bon marché, vous n'avez pas autant de pression pour le faire correctement ou vous ne ressentez pas la peur, ce qui vous rend peut-être un peu plus créatif. Donc, dans une zone humide assez vaste comme celle-ci , elle commence, bien sûr, par être très humide et c'est à ce moment-là que nous prenons forme générale la plus large de l'ombre. Mais maintenant qu'il commence à s'évaporer et qu'il n'est plus mouillé, il est plus humide que humide ou détrempé Nous avons un peu plus de précision, nous ne pouvons donc plus créer ces formes larges. Nous devons passer à l' étape suivante et simplement ajouter un peu plus de raffinement. Donc, comme il sèche, je ne m'éloigne pas du tableau. Je vais l'observer, faire de petites choses juste pour aider à l'affiner, faire en sorte qu'il absorbe un peu de ce pigment lorsque ligne de la mâchoire qui part du menton remonte jusqu'à l'oreille. Définissez peut-être cette courbe depuis le coin de la bouche jusqu'à l'endroit où se trouverait le haut de l'oreille. Bien sûr, j'avais des lignes de crayon pour m'aider à me guider. Déposez-y un peu de pigment. 17. Les sourcils: Il est complètement sec. J'ai utilisé un sèche-cheveux et nous pouvons passer à l'étape suivante. Je commence à intégrer un peu de noir. Et je peins les sourcils en partant de la gauche. Les sourcils ne sont pas trop difficiles à faire si vous les avez dessinés correctement. Nous sommes juste en train de remplir cette zone. Utilisez le bout du pinceau pour nous assurer que nous remplissons correctement l' endroit où se trouvent les lignes. Mais vous verrez que sur celui de droite, j'ai laissé le blanc du papier. Et c'est parce que je veux oui. Ajoutez-y une autre couleur, juste pour le rendre un peu plus excitant. Je choisis d' y mettre du vert, en fait, juste parce que c'est ce que je ressens. Il n'y a aucune règle expliquant pourquoi je choisis le vert. Vous pouvez mettre du bleu, du violet ou simplement le laisser en noir pur. Cela correspond en quelque sorte au trait vert que nous avons ajouté en arrière-plan en haut, légèrement vers la droite. Cela contribue à l'uniformiser. Donc, même les sourcils ne sont pas d'un noir uni. Ce n'est pas un ton ferme. Il y a de la variété là-dedans. Et lorsque vous peignez une femelle, il est généralement préférable d'avoir des sourcils plus fins que des sourcils touffus. Mais malgré tout, nous créons un peu de variété, il ne s'agit pas simplement d'un coup solide. Nous avons de la texture aux extrémités. 18. Les yeux: Maintenant, en peignant l'œil, j'utilise à nouveau le noir. Peut-être qu'il reprend un peu de ce brun que nous avons dans notre palette, mais il est assez épais. Il est toujours très souple. Il se détache très facilement du pinceau, mais il n'est pas très dilué. Nous ne voulons pas qu'il sèche en gris, et ce, avec le bout de mon pinceau. Je veux conserver et préserver une partie du blanc, en particulier sur la paupière inférieure, le tout petit bout, là où les cils sortent, je veux Et puis la paupière sur le dessus. Je veux qu'il y ait de l'ombre là-bas. Bien sûr, dans la vraie vie, ce ne sont pas des lignes. Ce ne sont que de très petites formes, mais en tant qu'artistes, nous les simplifions et les transformons en lignes. Peindre la pupille et le contour de l'iris et de certains cils. Encore une fois, avoir un dessin aussi précis que possible aide énormément Si vous n'avez pas le dessin au crayon pour vous guider, il va être très difficile de le faire avec la peinture. Même chose de l'autre côté. Remarquez que je n'utilise pas le plus petit pinceau au monde. Il a toujours l' épaisseur nécessaire, et peu importe si ce n' est pas le plus petit pinceau tant qu'il a cette pointe fine. J'essaie de faire en sorte que les yeux correspondent à leur position. Ils sont donc légèrement inversés. Ils font légèrement face au coin de la rue. Ou du moins, les iris sont dans un coin, et les pupilles regardent droit devant elles , puis utilisent un peu de brun pour estomper cet iris Bien qu'il soit si sombre, il peut être noir, mais il y a un brun subtil là-dedans. Et maintenant, nous pouvons commencer à adoucir. 19. Ajouter des rehauts: Utiliser le bout du pinceau pour faire apparaître quelques cils. Vous n'avez pas besoin de peindre chaque cil, mais d'en varier légèrement l'épaisseur Ils sont tous très fins, bien sûr, mais ils peuvent être très fins ou légèrement fins. J'ai nettoyé mon pinceau maintenant, et je ne fais qu'adoucir certaines zones parce que le blanc des yeux n'est pas vraiment blanc J'y apporte donc un peu de ce gris et de ce brun. Veillez à ne pas toucher l'iris ou la pupille de l'œil. Si vous êtes un peu prudent, vous devez le sécher complètement avant de mélanger le blanc des yeux Je commence à définir un peu cette ombre. Parfois, si les détails semblent un peu faux, vous pouvez les masquer et, au lieu de les mettre dans les détails, vous pouvez les transmettre sur un ton général C'est ce que je fais ici, dans le coin de l'œil. Je n'ai pas besoin de peindre tous les détails, comme le canal lacrymal, de le généraliser Maintenant que c'est complètement sec, j'utilise un peu de gouache Je n'utilise pas vraiment de guash blanc cette fois. Vous verrez juste en dessous du blanc sur ma palette, une sorte d' ocre jaune mélangé à du guash blanc Je ne suis que deux petits points. Vous pourriez mettre un point, mais juste pour vous intéresser, j'y mets deux points, l'un légèrement plus grand que l'autre, mais ils correspondent tous les deux sur chaque œil pour lui donner cette sensation de brillance, l'humidité de l'œil Nous pouvons maintenant passer à l'étape suivante. 20. Définir le nez: J'y mélange un peu d'ocre jaune. Nous pouvons commencer par le nez avec un peu plus de détails. Il y a donc beaucoup de complexité dans le visage. Mais nous essayons de décomposer chaque étape en parties gérables. Même si chaque partie gérable est assez détaillée et demande beaucoup de concentration, nous essayons de la rendre accessible, afin que vous puissiez mettre la vidéo en pause. Cela peut prendre un certain temps au départ pour essayer de correspondre à chaque petite section Mais après quelques essais, vous aurez une idée, cela accélérera les choses et vous n' aurez pas nécessairement à me suivre étape par étape, ou du moins vous pouvez avoir des intervalles plus longs entre les pauses de la vidéo, ou vous pouvez y ajouter votre propre interprétation personnelle mélange ici un brun foncé, encore une fois avec le bout de mon pinceau. Juste dans le coin inférieur de cette narine, pas même la narine, à l'extérieur du nez, où se trouve une petite ombre nette qui ressemble une ligne. Elle s' adoucit et s' étend Beaucoup de ces éléments sont communs à tous les portraits. Peu importe l' origine ethnique ou l'angle du visage, qu'il s'agisse d'un homme une femme, d'un enfant ou d'une personne âgée, il y aura toujours un petit coin pointu sur le nez, là où la narine rencontre la joue, parce que la lumière n' atteint tout simplement pas cette partie de façon nette et qu' elle se fond toujours Bien sûr, les nez ont de nombreuses formes différentes. Il faut donc adapter ce type d' ombre et de lumière aux différents types de nez, mais les principes fondamentaux de la forme restent les mêmes C'est donc une fois que nous serons à l'aise avec la peinture et le dessin de différents types de nez que nous pourrons commencer à l'adapter beaucoup plus facilement C'est donc une question d' entraînement, vraiment. Et il en va de même pour les yeux, la bouche et les oreilles. Même s'ils varient tous, une fois que nous avons pratiqué la peinture de nombreux types différents, nous avons en quelque sorte une intuition de la façon de peindre, car nous savons simplement où apparaissent les points communs C'est ainsi que nous simplifions bon nombre de ces scènes complexes Il peut être très difficile voir un visage humain et de savoir comment le décomposer. Mais une fois que nous avons mémorisé les éléments clés, nous ne pouvons que les ajouter, et cela les ancre complètement. Il faut juste beaucoup de temps pour s'entraîner et se souvenir ces points de repère clés sur le visage. Euh, 21. Les lèvres: Nous pouvons maintenant commencer à peindre la zone de la bouche, en commençant par les lèvres. Je vais utiliser du sarin cramoisi et même le mélanger légèrement à de la sienne brûlée Encore une fois, en l'ayant esquissé, je sais exactement dans quelle zone bloquer. Je commence avec un pigment épais, puis je peux utiliser de l'eau pour utiliser pigment qui se trouve déjà sur le papier pour remplir le reste. Je ne fais donc pas toujours des allers-retours entre le papier et la palette. Grâce à la pratique et à l'intuition, j'ai une idée de la quantité de pigment dont j'ai besoin, je les ajoute en une seule fois et déplace simplement sur le papier. Et comme pour chaque élément du visage, je pense à la courbure, à l'endroit où la lumière se reflète et la lumière se reflète et l' endroit où elle n'atteint pas Ainsi, lorsque la lèvre se courbe vers le milieu, il y a moins de lumière. C'est pourquoi c'est plus foncé à cet endroit, surtout au coin des lèvres. Plutôt que du rouge, j'utilise du marron pour les ombres. Ensuite, nous pouvons faire la même chose sur la lèvre inférieure. Et quand on pense à la lèvre supérieure, cela dépend en fait de la personne, bien sûr. Il est orienté vers le bas. La lèvre supérieure est donc généralement plus foncée que la lèvre inférieure car la lèvre inférieure est incurvée vers le haut, tournée vers la lumière Il réfléchira donc naturellement une plus grande partie de cette lumière et sera plus clair. H. relier à cette ombre. Ajouter un peu plus de pigment pour accentuer cette profondeur. frottant un peu, il se fond souvent sur la lèvre inférieure, là où il atteint le coin n'y a pas de ligne dure, il n'y a pas de séparation stricte. 22. Ombres de bouche: Ses lèvres sont légèrement ouvertes, donc j'ai juste laissé entendre qu'elles avaient des dents, mais elles avaient l'air trop pointues et trop fortes, alors je les ai simplement tachées et tonifiées, pour qu'elles soient légèrement grises dedans Mais j'y reviendrai peut-être plus tard. Maintenant, le bas de la lèvre se courbe vers le haut, comme je l'ai dit, mais en dessous de la lèvre lorsqu'il atteint le menton. C'est dans l'ombre. Il est à l'ombre parce que les lèvres sortent en quelque sorte et bloquent la lumière qui vient du dessous. En fait, c'est très en zigzag. Si vous regardez le profil d'un visage vu du nez, il sort, puis rentre , puis sort et rentre. Vous pouvez donc simplement placer ces formes assez simples comme celle-ci sous la lèvre pour définir où se trouve le menton. Et, bien sûr, sur le bout du menton, il y a aussi un point fort . Ajoutez une sorte de brun doux et déposez-le juste sous les lèvres pour les faire vraiment ressortir Je ne veux pas vraiment de lignes lisses où cette ombre touche cette lèvre ou le menton. Je le sèche donc complètement avec le sèche-cheveux. Nous pouvons donc maintenant revenir en arrière et souligner certains détails sans que cela ait un effet mouillé sur mouillé. Parce que dans les coins de la bouche, je veux qu'il fasse vraiment très sombre. Très petite zone, mais la présence ces petits points sombres ajoute à cette sensation de profondeur et de contraste tonal Encore une fois, j'essaie de savoir quoi faire avec les dents qui s'y trouvent. C'est juste quelque chose que je n' ai pas compris dans mon sketch, alors je dois juste m'en faire une idée ici. Je pense que je vais l' assombrir, en fait. Parfois, les réponses ne viennent pas rapidement. Il faut continuer à peindre et y revenir. C'est encore un sarin cramoisi. Augmente la sensation de courbure sur cette lèvre supérieure. En le lissant légèrement. 23. Les ombres les plus sombres: J'ai donc décidé de badigeonner et d'assombrir les dents pour qu'elles soient complètement ombragées et qu'elles soient moins gênantes maintenant J'ai mélangé un brun très foncé. C'est essentiellement noir, mais on peut y voir des traces de brûlure. Je vais revenir à mon trait de crayon et peindre là où se trouve l'extrémité du cou et du menton. En préparation pour peindre les cheveux. Mais avant de peindre les cheveux, je dois m'assurer que nous peignons le contour du visage en utilisant une technique de peinture négative. Et, bien sûr, avec un pigment aussi foncé et audacieux, il n'y a qu'une seule tentative, alors soyez très prudent. Assurez-vous que votre trait de crayon est clair. Vous pouvez toujours le redessiner à ce stade avant de vous lancer dans ce pigment foncé. Techniquement, vous pouvez également utiliser de la courge blanche à la fin, si vous y allez , mais ce n'est qu' un filet de sécurité sur lequel nous ne devrions pas vraiment compter. Maintenant, j'utilise ce noir pour adoucir la ligne du cou, car même si en réalité, c'est une ligne dure. Je ne veux pas attirer l'attention sur ce point. Je ne veux pas de bords durs partout. J'utilise donc ma licence artistique pour adoucir l' endroit où se trouve cette ombre sous le menton et la mâchoire. Maintenant, je suis sur le point de peindre la boucle d'oreille en négatif, et je continue ce lavage avec de la Sienne noire et brûlée Malheureusement, mon appareil photo s' éteint au bout de 30 minutes, et je ne l'ai pas remarqué Je ne l'ai donc pas rallumé pendant que je peignais cette section. Mais si vous mettez la vidéo en pause, vous pouvez y revenir pour vous assurer que vous avez rattrapé le retard. Encore une fois, je viens d'utiliser les mêmes couleurs juste pour remplir cette zone, le bas de l' oreille et la boucle d'oreille 24. L'épaule: Nous pouvons maintenant commencer à peindre l'épaule. Et je mélange un peu plus d'ocre jaune ce teint parce que je veux que le visage soit plus chaud Si vous y réfléchissez, c'est logique, car il y a plus de capillaires et de vaisseaux sanguins dans le visage qui attirent le sang et cela le rend plus chaud que le jaune que vous pourriez avoir sur une épaule Je fais également très attention à y laisser un petit surlignage blanc, juste à l'endroit où le reflet de la lumière pourrait se diriger. Je veux dire, il n'y a aucune référence à cela dans mes photos, mais j'ajoute juste ce petit bout de papier blanc pour donner une illusion de forme. J'essaie de faire attention à ne pas peindre sur cette bandoulière bleue, même si ce n'est pas trop important. Tant que vous ne peignez pas complètement dessus, ça devrait aller. Maintenant, je peux ajouter un pigment brun plus foncé. Pas si dynamique, mais plutôt discret. Encore une fois, en nous appuyant sur cette sensation de forme. Il n'est pas nécessaire d'être détaillé car ce n'est pas le domaine d'intérêt. Ce n'est pas le point central. Et même s'il est mouillé sur mouillé, tout se fond bien et les nuances sont assez ambiguës. Nous pouvons maintenant commencer à faire la même chose ci-dessus, faisant correspondre les couleurs, en gros. Donc ça va vraiment faire ressortir le bleu. En utilisant un beau ton moyen pour le remplir, nous pouvons ensuite revenir en arrière et ajouter de la variété au lavage. Je l'assombrit un peu pour que nous puissions vraiment faire ressortir ce bleu. Je mélange maintenant un brun très doux. Et je l'ai laissé sécher. s'agit donc simplement d'une ombre pure et nette où le bras se plisse avec l'aisselle Ensuite, je peux utiliser un titre juste pour adoucir ce bord en haut 25. Commencer la coiffure: Maintenant, la peau est complètement peinte et nous pouvons passer aux cheveux, gros, et au contour du visage. J'ai donc mélangé du bleu marine ultra avec du noir parce que je ne veux pas que ce soit un noir uni. Je veux lui donner un peu de couleur, juste au cas où il se diluerait. Et j'utilise juste le bout de mon pinceau pour peindre très soigneusement le contour du visage, comme nous l'avons fait auparavant, en bas, là où se trouvent le menton et la joue Nous remontons juste là où se trouve le sourcil. Encore une fois, je me suis assuré de pouvoir voir où se trouve le trait du crayon afin de m'assurer qu'il est exact. Tout ce que j'ai à faire c'est d'utiliser le pinceau pour peindre jusqu'à cette ligne. Et une différence de millimètre, c'est bien. Vous pouvez vous sentir angoissée avec un pigment si foncé et si audacieux dans une zone aussi délicate. Mais tant que vous prenez votre temps, assurez que votre main est confortable et que vous ne dépassez pas cette ligne de crayon, tout ira bien. C'est à ce moment-là que le visage apparaît vraiment maintenant. Commence à l'ancrer et à le maintenir en place. Pour le moment, eh bien, avant ces lignes noires, les tons étaient trop similaires à ceux de l'arrière-plan, et ça ne ressortait pas vraiment. Maintenant, nous utilisons les cheveux pour ajouter de la profondeur. Réfléchissez à la marche à suivre, en gardant toujours à l'esprit où vous allez aller avant d'agir, car vous ne voulez pas commencer à peindre en vous rendant compte que vous êtes perdu. Vous devez donc le rejouer dans votre esprit avant chaque coup. Donc, en utilisant le bout de mon pinceau, juste ajouté quelques-unes de ces mèches de cheveux ondulées, en ajoutant progressivement de la pression au fur et à mesure que nous nous rapprochons pour épaissir la ligne Vous ne voulez pas le faire avec un pinceau très fin car vous ne pourrez pas atteindre l'épaisseur. Nous avons donc fait la boucle initiale. Ensuite, nous avons fait une boucle secondaire qui la reliait aux cheveux situés au-dessus, et nous pouvons commencer à travailler là-dessus Bien sûr, encore une fois, j'ai déjà utilisé les lignes au crayon pour tracer la direction que je voulais donner à ces lignes de cheveux striées Il s'agit simplement de décider dans quel ton les peindre, dans quel ordre les peindre, et à quelle épaisseur les peindre. Nous pourrions commencer à nous fondre dans ce noir maintenant. Mmm, hum. 26. Relier les brins: Il n'y aura qu'environ huit petits volets comme celui-ci. présent, nous en avons ajouté quatre, reliant certains d'entre eux, leur permettant ainsi de se croiser un peu. Cela crée l'illusion de cheveux, car le reste est pratiquement bloqué. Au fur et à mesure que nous nous rapprochons de la peau, ils peuvent être un peu plus concentrés, ils peuvent être un peu plus concentrés, évitant ainsi de peindre sur le visage. Ensuite, nous pouvons commencer à le mélanger là-dedans. Nous voulons laisser passer certaines traces de l'arrière-plan Remarquez comment tous les cheveux sont connectés, aucun d'entre eux n'est isolé. Et les tonalités sont également très similaires pour le moment. Je veux dire, ça aide qu' elle ait les cheveux noirs. Si elle avait des cheveux blonds ou des cheveux plus clairs, ce serait peut-être une autre histoire, et nous devrions utiliser une technique différente, mais nous avons beaucoup de liberté tonale quand elle a des cheveux noirs comme parce que tout est connecté ceux-ci, parce que tout est connecté et qu'ils sont assez doux à l'intérieur des lignes Remarquez que même si toutes ces mèches de cheveux sont séparées, elles suivent au départ le même type de courbure. Elles vont en quelque sorte vers l'extérieur puis vers l'intérieur, puis elles se lissent au fur et à elles se rapprochent Et puis, une fois qu'ils atteignent le haut, j'utilise le côté le plus épais de mon pinceau pour les relier comme je le fais maintenant. Connectez-les presque comme des racines, gros, ou une branche d'arbre. Ils se rejoignent et s'épaississent. 27. Ombres des cheveux: C'était donc un peu plus contrôlé, même si nous essayons de le rendre organique. Nous avons pris notre temps et avons en quelque sorte planifié où nous voulions ajouter ces traits. L'étape suivante consiste à créer un contraste un peu plus spontané plutôt que de le rendre plus vivant. Donc, en gardant le même pinceau, mélangeons davantage de cette couleur. Cette fois, un peu de bleu cobalt, je crois, plutôt que de bleu ultra marin. Et nous pouvons commencer à être un peu plus larges en reliant cette ombre noire, la partie la plus sombre du tableau D'accord. Même s'il est bleu, vous pouvez voir que le fond est brun. Donc, ce bleu sur le brun le rend assez monotone de toute façon On ne voit pas vraiment le bleu directement sur le tableau. Et en le bloquant comme ça, on a toujours l'impression d'être un cheveu. Nous ne faisons que le simplifier. Nous peignons les cheveux en blocs plutôt qu'en mèches individuelles, laissant passer une partie du papier et une partie de l'arrière-plan . Maintenant, je peux commencer à mélanger un brun plus riche pour y fondre, en commençant par le bas. Remarquez comment j'applique une pression légèrement différente pour affecter l'épaisseur de ces cheveux. Il suit la direction générale. Mais l'ondulation aide les cheveux à se chevaucher. Mélangez certaines sections, évitez certaines sections, créez un peu de variété, ajoutez quelques traits sur l'épaule, comme des ombres provenant des cheveux plutôt que des cheveux eux-mêmes, afin de les garder au chaud N'oubliez pas de masquer les formes de cheveux. Parce que même si les cheveux sont composés de centaines et de milliers de mèches, ils ont tendance à s' agglutiner ou à suivre une sorte de courbure commune Et cette courbure est la même que les autres traits du visage certains sont orientés vers la lumière et d'autres sont dans l'ombre. Ainsi, quel que soit ce que nous peignons, nous utilisons la lumière et l'ombre pour déterminer comment nous le peignons, comment le bloquer, comment transmettre les tons et la courbure. Nous ne pensons pas aux mèches indépendantes ou aux innombrables pores de la peau. Nous sommes en train de le généraliser. Nous le rendons plus facile à lire. J'ajoute juste un peu plus de pigment à ces zones sombres, car en séchant, elles semblent un peu trop claires. Et ces mèches ne se mélangent pas comme elles sont censées le faire, alors je vais juste les aider avec un peu plus de pigment 28. Cheveux du côté droit: Bien sûr, si vous regardez cette zone isolée, c'est très abstrait et il est impossible de dire de quoi il s'agit. Mais dans le contexte de la peinture, nous l'entendons comme des cheveux. Je commence maintenant à passer sur le côté droit des cheveux et à utiliser cette nature incurvée. Je ne suis pas très précis du tout. Je peux voir le trait au crayon ici. Je veux laisser apparaître une partie de la peau derrière ce bracelet. Ensuite, je pourrai remplir le reste avec des cheveux. C'est juste de la Sienne brûlée et du noir. 90 % de cette peinture est de la Sienne brûlée. Nous avons simplement utilisé de l'ocre jaune pour créer certaines variations subtiles, et nous avons uniquement utilisé du noir pour augmenter le contraste Nous avons utilisé le bleu cérléen pour créer un contraste foncé avec ce brun, car il y a beaucoup de brun Nous avons utilisé sa couleur bleue complémentaire pour vraiment le faire ressortir, même, sur les boucles d'oreilles. Et nous avons utilisé une subtile touche de rouge sur les lèvres, bien sûr, parce que c'est ce que nous appelons le rouge, notre langage visuel commun. De plus, cela ajoute un peu de variété. Nous ne voulons pas que tout soit de la Sienne stagnante, brûlée ou pure et monotone d'une seule couleur Nous voulons créer une petite variation subtile. De même, avec les cheveux, nous avons ajouté un peu de bleu dans les cheveux. Vous ne pouvez même pas le voir bleu une fois qu'il est sur le papier, mais il influence la couleur de manière harmonieuse. Donc, en zigzaguant ces cheveux au fur et à mesure qu'ils se courbent vers le haut, en essayant de penser en trois D, comment les cheveux reposent sur l'épaule, se courbent puis se replient derrière l'oreille ne pense pas tant à l'endroit où j'applique les traits qu'au papier que je laisse en dessous, aux petits trous. Je pense donc de manière inversée, peignant négativement les cheveux Parce qu'il est toujours plus facile d' ajouter de plus en plus de pigment, mais une fois que vous l'avez fait, vous ne pouvez pas le reprendre. Bien sûr, nous pouvons utiliser de la gouache, mais la gouache enlève toujours un peu d'esprit C'est essentiel pour les petits moments forts. Des domaines qui ont besoin d'expression. Nous ne voulons pas sacrifier les petites lacunes du document. Mais lorsque nous pouvons laisser transparaître la légèreté du papier, nous devons essayer de tirer parti de ces parties. 29. Blocage dans les cheveux: Nous avons maintenant la forme générale des cheveux. Nous pouvons commencer à le développer en ajoutant du ton et en choisissant les bouts de papier à éliminer et ceux à conserver un peu plus. J'ai donc mélangé un noir très épais. Mais encore une fois, ce n'est pas un noir pur. J'ai quand même utilisé du brun dans ma palette, peut-être du bleu pour mieux l'harmoniser Et il y a beaucoup d'eau et d'eau qui mélangent du bleu en ce moment. Je réfléchis à la façon dont je veux le connecter. Utilisez des traits larges, mouillé sur mouillé pour créer des transitions nettes. Je veux qu'il fasse un peu plus sombre. Faites ressortir cette boucle d'oreille, alors faites-la un peu plus foncée Commencez à travailler par le haut, en essayant de transmettre la forme générale et la direction des cheveux. Ne vous contentez pas de le griffonner au hasard, car nous ne laisserons pas le blanc du papier suivre la direction des cheveux Nous pouvons toujours être expressifs dans les limites de la zone que nous peignons En fait, j'y mélange un peu de violet. Je complète maintenant la silhouette de la figurine. Il faut beaucoup de foi à cette étape, car contrairement à ce qui se passe lorsque nous peignons les détails du visage, où nous prenons notre temps pour nous assurer que tout est correct. Pour capturer la sensation expressive des cheveux, nous ne pouvons pas vraiment prendre notre temps avec eux. Nous devons en quelque sorte faire un acte de foi et espérer que nos pinceaux soient beaux. Et c'est juste quelque chose qui demande du temps et de la pratique, la mémoire musculaire et de l'intuition pure. Et l'intuition vient de la confiance et du savoir grâce à une pratique répétée. C'est pourquoi le papier bon marché peut parfois avoir son avantage. Si vous voulez réaliser un chef-d'œuvre final, papier coton est finalement préférable. Mais pour pratiquer et développer votre mémoire musculaire, il n'y a aucun mal à utiliser du papier bon marché J'ai même ce qu'on appelle une planche de Bouddha, que vous pouvez voir dans ma vidéo sur le matériel et les fournitures où je teste mes pinceaux. Il n'utilise absolument aucun pigment. C'est une ardoise grise. Et lorsque vous utilisez de l'eau pure, il fait nuit et vous pouvez pratiquer toutes sortes de coups de pinceau juste pour gagner en confiance avec vos coups de pinceau. De même, peut-être que vous vous procurez simplement du papier très bon marché, vous utilisez les pigments les moins chers et que vous vous entraînez simplement à vous coiffer avant de l' appliquer. Peu importe le ton que tu utilises lorsque tu t'entraînes. Vous pouvez simplement utiliser un ton monotone, puis lorsque vous peignez votre portrait, vous pouvez commencer à intégrer plus de tons J'ai inclus un peu de violet sur le dessus de la tête, mais ce n'était pas essentiel. C'était un choix personnel. J'aurais peut-être pu le garder brun. Ou je l'ai rendu un peu bleu. Cela n'a pas vraiment d'importance. 30. Teindre la tête: Maintenant, alors qu'il est encore humide, nous pouvons ajouter de plus en plus de traits. Au fur et à mesure qu'il commence à sécher, ces traits conserveront un peu plus leur forme. Nous créons donc une belle gamme de produits mouillés à mouillés et éventuellement mouillés à secs. Et cela crée de la profondeur, améliore cette illusion. assombrir en haut, là où la lumière est cachée sous les cheveux Mais la lumière ne l'atteint pas , il faut donc qu'il fasse plus sombre. Je vais encore améliorer le contour des cheveux au fur et à mesure qu' ils descendent sur le visage. J'ai conservé une bonne partie du papier, ce qui me laisse un peu de choix. Je ne veux pas toutes les conserver Je dois donc choisir les zones que je veux conserver et celles sur lesquelles peindre. Quels sont les éléments les plus importants qui aident à transmettre le message, le sentiment que je souhaite exprimer. Je pense que le papier qui passe dans les cheveux sous le menton et sur les épaules est trop clair. Je vais donc juste faire un peu de glaçage. Je vais mélanger un peu de sienne brune brûlée et le recouvrir très rapidement et légèrement Je n'essaie pas de cacher quoi que ce soit ici. Je n'essaie pas d'influencer les lignes qui se trouvent en dessous. J'essaie juste de le modérer un peu. Il y a trop de contraste, donc le glaçage est une technique très utile, mais il faut le faire très rapidement ne pas agiter ce qui se trouve en dessous Maintenant, peignez les cheveux au-dessus des ombres que nous avons peintes auparavant sur l'épaule. Maintenant, je peux peut-être commencer à masquer certaines zones d' ombre, en agitant délibérément s'adoucit parce que lorsque nous nous sommes bloqués pour la première fois, il y avait beaucoup de lignes dures Nous allons donc passer à une deuxième approche pour adoucir certaines zones Tout n'est donc pas uniforme. Il n'est pas rigide. Je mélange un peu de bleu serléen. Nous avons de petites touches de bleu céran éparpillées Et même si c'est sur l'épaule, la boucle d'oreille et au-dessus de la tête, c'est très évident Nous voulons toujours qu'il y ait une transition plus harmonieuse. pas une transition, mais nous avons du bleu pur, brun, et nous avons besoin de quelques zones entre les deux. L'ajout de petites touches de bleu aide donc à l'équilibrer un peu plus. 31. Des détails puissants: Quelques touches à ce bracelet. C'est presque un bleu uni. Je veux donc le varier un peu. Ajoutez un peu d'ombrage subtil. Nous sommes juste en train de rassembler le tableau maintenant. Une ombre très fine et nette qui peut indiquer une seule mèche de cheveux. Ce ne sont que quelques-uns de ces petits détails. Un peu de finesse donne l'illusion qu'il y a plus de détails qu'il n'y en a réellement de remplissage ou qu'il n'y a simplement l'ombre du lobe de l'oreille Évaluer ce qui doit vraiment être fait et ce qui peut être volontairement omis. J'essaie de m'empêcher d' faire trop, d'en faire trop On pourrait facilement dire que ces peintures sont terminées, mais il y a en fait certaines choses que vous pouvez faire pour vraiment faire ressortir ces quelques petites lignes simples qui ajoutent une définition supplémentaire et créent une sensation. Comme il n'y a rien d'autre que les détails sur le visage, le reste est en fait assez abstrait, pas très sophistiqué, mais je suppose que je veux dire précision. C'est assez vague et abstrait. Il suffit donc de le réunir avec quelques lignes bien placées pour l'ancrer, pour lui donner l'illusion qu'il y a plus de détails qu'il n'y en a. Et encore une fois, je n'utilise pas de peinture blanche pour cela. J'utilise cette gouache ocre jaune que j' ai placée en dessous du blanc sur ma palette parce qu'elle est un peu plus chaleureuse Le blanc est en fait une couleur très cool. Et cela donne une sensation de chaleur dorée. Vous pouvez imaginer le soleil scintiller sur ces petites mèches de cheveux J'utilise également une technique de type pinceau sec pour ajouter à cette texture cette texture naturelle. voyez, avec des lignes comme celles-ci que nous peignons, il serait impossible d'avoir autant de précision sur le col pour préserver le papier. C'est donc dans des domaines comme celui-ci que nous devons nous fier aux surlignages à l'aide de quash Certaines personnes pourraient dire que vous pourriez utiliser un liquide de masquage, mais cela endommage vraiment le pinceau Et le tableau évolue au fur et à mesure que vous le peignez. Donc, si vous utilisez un liquide de masquage, vous êtes souvent confronté cela et vous devez contourner ce problème Mais en ajoutant simplement ce guash à la fin, vous êtes libre de faire où vous voulez Tu sais ce qu'il faut mettre, ce qu'il faut laisser de côté. Vous pouvez également être beaucoup plus précis parce que vous avez le bout de votre pinceau ici, mais vous ne pouvez pas être aussi fin avec le liquide de masquage 32. Réflexions finales: Bienvenue et félicitations pour avoir terminé ce cours de portrait. J'espère que vous avez aimé découvrir comment la chaleur, le contraste et la transparence peuvent travailler ensemble pour créer un portrait plein d'ambiance et d'émotion. Chaque portrait raconte une histoire visuelle différente, et plus nous nous entraînons à adapter notre palette et notre pinceau pour qu'ils s'adaptent les uns aux autres, plus nos peintures deviennent confiantes et expressives N'oubliez pas que la peinture à l'aquarelle n'est pas seulement une question de compétences techniques, mais aussi d'expression votre créativité et de votre style personnel Je vous encourage à continuer d'explorer, expérimenter et de repousser vos limites pour créer vos propres chefs-d'œuvre d' aquarelle uniques À la fin de ce cours, j'espère que vous vous sentirez plus en confiance et aise avec vos capacités de peinture à l'aquarelle La pratique est essentielle pour améliorer vos compétences, alors continuez à peindre et à expérimenter Je tiens à exprimer ma gratitude à chacun d'entre vous. Votre passion pour la peinture à l' aquarelle est tellement inspirante et je suis honorée d'être votre professeur Si vous souhaitez avoir des commentaires sur votre peinture, je serais ravi de vous les donner. Veuillez donc partager votre peinture dans la galerie de projets étudiants ci-dessous, et je ne manquerai pas de vous répondre. Si tu préfères, tu peux le partager sur Instagram en me taguant sur Will Elliston, car j'adorerais le voir Skillshare aime aussi voir mes étudiants travailler, alors taguez-les également sur Skillshare Après y avoir consacré tant d'efforts, pourquoi ne pas partager votre création ? Si vous avez des questions ou des commentaires sur cours d' aujourd'hui ou si vous souhaitez des conseils spécifiques concernant l'aquarelle, veuillez me contacter dans la section discussion Vous pouvez également me faire part de tout sujet sur la faune ou scènes sur lequel vous aimeriez que je donne un cours. Si vous avez trouvé ce cours utile, j'apprécierais vraiment de recevoir vos commentaires à ce sujet. La lecture de vos critiques me remplit le cœur de joie et m'aide à créer la meilleure expérience pour mes étudiants. Enfin, veuillez cliquer sur le bouton « Suivre » en haut pour pouvoir me suivre sur Skillshare Cela signifie que vous serez les premiers informés lorsque je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux Merci encore d'avoir peint avec moi aujourd'hui. J'espère vous revoir tous très prochainement dans un autre cours d' ici là Bonne peinture.