Plan pour réussir : créer des peintures à l'aquarelle à partir de photos en toute confiance

1. Introduction: Vous aimez la fluidité et les motifs que la peinture à l'aquarelle peut créer, mais vous vous sentez intimidé l'idée de peindre sans tutoriel. Avez-vous déjà commencé à peindre à l'aquarelle ? Seulement pour s'en rendre compte à mi-parcours, ils auraient dû adopter une approche différente. Tu es dans la bonne classe. Bonjour, je m'appelle Lindsay Newton et je suis une aquarelliste spécialisée dans les peintures animalières. Dans ce cours, je vais partager avec vous les questions importantes que vous devriez vous poser avant commencer à peindre à l'aquarelle et comment vous pouvez planifier votre réussite en peinture. En tant qu'ancienne gardienne de zoo, les animaux ont toujours occupé une place importante dans ma vie et j'adore les intégrer à mes activités créatives. Ma passion pour les aquarelles vient de leur nature translucide et fluide, qui crée des motifs et des textures uniques que je trouve adorables. Dans ce cours, vous apprendrez à aborder la peinture à l' aquarelle avec plus de confiance et à faire moins d'erreurs, rendant ainsi l'ensemble du processus plus agréable. Pour masquer les questions. Pour tester tes idées. Je vais aborder ce que vous devez prendre en compte avant de créer une aquarelle. Que vous cherchiez à aller au-delà des tutoriels ou que vous manquiez simplement de confiance lorsque vous commencez à peindre. Ce cours est parfait pour toi. Vous apprendrez des techniques que vous pouvez appliquer à n'importe quelle peinture, même s'il n'y a pas de tutoriel à suivre. Si vous êtes prêt à faire passer votre aquarelle au niveau supérieur, allons-y. 2. Projet du cours: Dans ce cours, votre projet sera divisé en deux parties. La première consiste à élaborer un plan pour votre aquarelle. Et la seconde consiste à créer votre peinture en utilisant le plan que vous avez créé. Pour élaborer votre plan, vous aborderez certaines questions qui vous aideront à faire vos choix créatifs. Les questions tourneront autour du blanc, couleurs, des textures et de l'ordre. Nous aborderons également d'autres préparations axées sur votre contour, vos peintures et vos mélanges. Enfin, nous allons intégrer tout cela dans un plan. Si vous n'êtes toujours pas sûr de certaines de vos décisions. Il existe quelques types de peintures pratiques que vous pouvez essayer avant de finaliser votre plan. Encouragez-vous à choisir votre propre photo de référence et à créer un plan entièrement personnalisé. Je fournis une photo de référence d'un âne. Si tu préfères l'utiliser. Cet âne a peu de textures, possibilités de mélange de couleurs et peut produire un contour aussi simple ou aussi compliqué que vous le souhaitez. Si vous n'êtes pas sûr votre capacité à créer un contour, vous pouvez utiliser mon plan tel quel ou comme base pour produire le contour que vous souhaitez pour votre peinture. Quoi que vous fassiez, assurez-vous de le publier dans votre projet dans la galerie de projets avec le plan que vous avez suivi pour créer votre œuvre d'art. J'ai hâte de voir votre processus de réflexion et votre magnifique peinture. Si tu veux. Je suis heureuse de vous faire part de mes commentaires pour vous aider dans votre parcours en tant qu'artiste. Sur ce, rejoignez-moi pour la prochaine leçon où nous aborderons le matériel dont vous aurez besoin pour ce cours. Je te verrai là-bas. 3. Matériel: Parlons fournitures. Si vous avez des fournitures pour la peinture à l' aquarelle, vous devriez avoir tout ce dont vous avez besoin pour ce cours. Première étape : peindre. Je préfère les aquarelles. Et nous utiliserons les peintures de Daniel Smith et M. Graham. Vous n' avez pas besoin d'utiliser les mêmes marques de couleurs que moi, mais je recommande vivement la peinture professionnelle. Ensuite, vous aurez besoin de papier. Je vous recommande de vous procurer au moins deux feuilles de papier du même type et de la même marque et d'attendre la fin de votre projet. Il est important de noter que même si une seule pièce sera utilisée pour la pratique, vos techniques peuvent se comporter différemment sur différents types de papier. Si vous vous entraînez sur une autre marque de papier, vous pourriez finir par aimer une technique qui ne fonctionne pas aussi bien sur le papier que vous avez l' intention d'utiliser pour votre illustration finale. Il est préférable de vous entraîner sur le même type et la même marque de papier que vous prévoyez d'utiliser pour votre document final. J'utiliserai une presse à froid de 140 livres, Winsor et Newton Professional. J'aime aussi le papier Arche. Les deux sont en 100 % coton. Si vous utilisez des tubes ou des casseroles, je vous recommande vivement d'utiliser du papier 100 % coton. Même si cela peut coûter cher, cela fera une énorme différence dans la façon dont vous pourrez travailler avec vos peintures. Et cela rendra la peinture à l' aquarelle beaucoup plus agréable. Si vous utilisez des aquarelles liquides, vous serez probablement d'accord avec du papier cellulosique. Personnellement, je n'ai jamais utilisé d'aquarelle liquide, mais de nombreux autres artistes m'ont dit que cela fonctionne mieux avec des papiers cellulosiques comme le Canson XL. La dernière des trois grandes fournitures d' aquarelles est constituée de pinceaux. Je suis fan des pinceaux d'écureuil, alors j'aime les pinceaux argentés, en velours noir, qui sont un mélange de poils d' écureuil synthétiques et naturels. Ainsi que Princeton Neptune, qui est un écureuil entièrement synthétique. Les pinceaux en forme d'écureuil sont plus doux mais retiennent beaucoup d'eau. Si vous préférez une brosse plus rigide, vous pouvez préférer la zibeline ou la zibeline Kolinsky. Et il existe plusieurs options abordables pour les versions en cheveux synthétiques de ces pinceaux. Quel que soit le pinceau que vous choisissez, assurez-vous qu'il est conçu pour l'aquarelle. Pour compléter les bases, vous aurez besoin de quelques éléments supplémentaires, à commencer par des tasses pour contenir de l'eau. Je préfère le faire pour pouvoir nettoyer mes pinceaux dans une tasse et utiliser l' autre pour l'eau douce. Vous aurez également besoin d'une palette pour contenir et mélanger les peintures. Je préfère mélanger sur de la porcelaine, un crayon pour dessiner, un contour et une gomme pétrie pour adoucir le contour sur votre papier. Une méthode pour transférer votre contour sur votre papier, comme une boîte à lumière ou du papier graphite et un chiffon pour essuyer l'excédent de peinture et d'eau. Photo de référence personnelle. Et je vous encourage à le faire. Ce sera tout ce dont tu auras besoin. Toutefois, si vous utilisez la photo de référence que je fournis, vous la trouverez dans la section des ressources, sous projets et ressources, sur le côté droit. Je donne également un aperçu de l'âne, une liste des fournitures que j'utilise. Une photo de mon dernier tableau. Un exemple de peinture de plantes. N'hésitez pas à utiliser autant ou aussi peu de ces ressources que vous le souhaitez. Passons maintenant à la leçon suivante où nous aborderons nos premières questions de planification. Je te verrai là-bas. Oui. 4. Blanc: L'aquarelle est unique dans son approche du blanc. Pour cette raison, il est important de savoir dès le début où vous voyez du blanc dans votre peinture. N'oublie pas, White. Il n'est pas toujours blanc. Oui, c'est confus. Ce que je veux dire, c'est que quelque chose dont votre cerveau sait qu'il est blanc n'est pas purement blanc tel que nos yeux le voient. Regarde ce ballon de football. Le ballon de football est blanc et noir. Mais comme vous pouvez le constater, le seul véritable point blanc sur le ballon de football est l'endroit où se trouve le point culminant. Le reste de la partie blanche de la boule est en fait gris, commençant par un gris clair près du point culminant et en passant à un gris plus foncé lorsque vous vous éloignez de la source lumineuse. Dans ce cas, le seul blanc que vous devez conserver est l'endroit où se trouve ce surlignage. De même, le blanc et le point culminant ne sont pas réellement blancs. Au lieu de cela, c'est une couleur dorée chaude. En tant qu'artiste, je peux choisir de faire correspondre la photo le plus précisément possible ou de faire ressortir le point culminant en la laissant blanche dans un tableau. Au lieu d'essayer de peindre une correspondance parfaite des couleurs. En gardant cela à l'esprit, posez-vous votre première question. Où est-ce que je vois du blanc dans ma peinture ? Une fois que vous savez où se trouvent vos blancs, vous devez les intégrer à votre peinture. En aquarelle, nous n' utilisons généralement pas de peinture blanche. Au lieu de cela, nous utilisons souvent le blanc du papier pour les blancs dans nos œuvres d'art. Dans ce cas, il faut éviter de mettre de la peinture sur ces zones soit en peignant avec beaucoup de soin, en ajoutant du liquide de masquage pour protéger nos zones blanches. Cependant, le papier n'est pas la seule chose que nous pouvons utiliser. Certains artistes utiliseront aquarelle blanche opaque ou d'autres options telles que la gouache ou l' encre résistante aux fuites pour redonner du blanc à leur peinture. Ce que vous choisissez d'utiliser en tant qu' artiste est une préférence totalement personnelle. Votre prochaine question est comment vais-je conserver ou remplacer ces blancs ? N'oubliez pas que vous préservez les blancs en évitant que les zones ne soient protégées par du liquide de masquage. Vous remplacez les blancs en ajoutant quelque chose comme de l'aquarelle opaque, gouache ou de l'encre à la fin de votre peinture. Ensuite, je vais partager avec vous mes réponses à ces questions avec la photo de référence que j'ai fournie. Si vous utilisez également la photo de référence, je vous encourage à suspendre la leçon, répondre vous-même aux questions, puis à voir comment j'ai interprété la photo. Ainsi, mon interprétation n'influence pas la vôtre. Si vous travaillez avec une autre photo de référence, n'hésitez pas à voir comment j'aborde ces questions avant de les aborder avec votre photo. Passons à l'exemple. Où est-ce que je vois du blanc dans ma peinture ? Je vois du blanc dans cet âne, à deux endroits. Dans les yeux, il y a des reflets presque blancs que je vais inclure dans mes blancs. Il y a également un grand reflet blanc sur le nez. Notez qu'il y a plusieurs points saillants dans le I sur la droite. Je vais prendre une certaine liberté artistique et ne pas m'inquiéter à ce sujet. Je pense qu'un petit moment fort suffira. Comment vais-je conserver ou remplacer ces Blancs ? Je préfère conserver les blancs. J'éviterai donc de peindre ces zones. Je dois faire attention au nez car je veux conserver les reflets sans former bordure dure autour du blanc. Je parlerai plus en détail des bords dans la leçon sur les textures. Une fois que vous avez répondu à ces questions pour votre projet, il est temps de passer à la série de questions suivante. Couleurs. Je te verrai dans la prochaine leçon. 5. Le couleurs: Un tableau n'est rien sans ses couleurs. Jetons un coup d'œil à ce que nous devons savoir sur les couleurs ou absence de couleurs que nous utiliserons dans notre peinture. Notre question principale est similaire à notre première question blanche. Un coffre, c'est bizarre. Vous allez rechercher des couleurs dans votre peinture. Comme auparavant, les couleurs, vous savez, de votre photo peuvent être différentes des couleurs de votre photo. Regarde ce cheval. C'est un cheval brun avec une crinière noire, non ? Mais pensez vraiment à la lumière qui se reflète sur ce cheval. Le brun sur le dessus de la tête est plutôt bleu foncé. La façon dont la lumière se reflète est, car grande partie de la lumière principale est également bleue. Et les reflets les plus clairs sont presque une couleur bleu ciel. Alors que le brun à droite de l'œil est d'un rouge riche et terreux. En dessous de l'œil. On dirait qu' un soupçon de bleu neutralise ce rouge. Maintenant, demandez-vous quelles sont les couleurs que je vois. Tout comme nous nous sommes demandé comment nous allions obtenir du blanc dans notre peinture. Nous devons nous demander comment obtenir des couleurs dans notre peinture. Si vous voyez une couleur qui correspond parfaitement à la peinture de votre collection, ce n'est pas grave. Mais si ce n'est pas le cas, vous souhaiterez créer des couleurs par mélange ou par couches. Nous parlerons plus en détail du mélange des couleurs plus tard. Pour créer des couleurs à travers des couches. Vous allez appliquer une seule couleur de peinture. Ensuite, une fois qu'il est sec, déposez une autre couche d'une couleur différente. Vous avez peut-être également entendu parler de cette technique appelée vitrage. Choisir entre le lettrage et le mélange couleurs est une préférence personnelle. J'ai tendance à opter pour l'émaillage si j'ai besoin d'un changement de couleur plus subtil ou si je ne recherche pas une couleur spécifique et je suis heureuse de laisser les peintures faire ce qu'elles peuvent. Si je veux avoir un peu plus de contrôle sur mes couleurs, je préfère les mélanger sur la palette. Votre autre question sur les couleurs est est-ce que je vois des zones dans lesquelles je souhaiterais créer des couleurs à l'aide de couches ? Il est temps pour moi de partager mes réponses à ces questions. Si vous souhaitez d'abord mettre la vidéo en pause, c'est le moment de le faire. Quelles couleurs est-ce que je vois ? Je vois un jaune terreux, rouge terre et un brun foncé. Je vois également des reflets bleus dans la forme, notamment sur le front. Le gris et le noir complètent les couleurs que je vois. Est-ce que je vois des zones où je souhaiterais créer des couleurs à l'aide de couches ? Je veux créer le motif et les ombres sur le nez en plusieurs couches. J'aime aussi renforcer les couleurs de la terre dans l'entreprise en les superposant. Avec les réponses à nos questions sur les couleurs. Il est temps de passer à la leçon suivante, où nous examinerons les textures de notre photo. Je te verrai là-bas. 6. Les Textures: Il est temps de penser aux textures. Quelles textures voyons-nous dans notre peinture ? Et comment voulons-nous les représenter ? Allons-y. Les bords seront notre premier sujet sur les textures. À l'aquarelle. Nous pouvons créer différents types d'arêtes. Les arêtes dures sont les plus faciles à créer. Si vous pouvez peindre un coup de pinceau sur du papier, vous pouvez créer un bord dur. Un bord dur où le bord de la peinture est une seule ligne clairement définie. Vous le créez en peignant humide sur sec. Les bords souples sont un autre type. Une façon de créer un bord souple consiste à appliquer de la peinture humide sur sèche, comme vous l'avez fait pour le bord dur. Ensuite, vous revenez avec une brosse humide et passez doucement la brosse le long du bord, vous voulez l'adoucir. Si vous n'avez jamais adouci les bords de cette façon auparavant, vous devrez peut-être vous entraîner à quelques reprises pour apprendre à quel point le pinceau doit être humide et à quel point votre peinture doit être humide pour obtenir les résultats souhaités. Lorsque je parle de créer un bord souple, je fais généralement référence à cette méthode. Une autre façon de créer un bord souple est de peindre humide sur mouillé. La première étape consiste à déposer une zone d' eau plus grande que la zone que vous souhaitez peindre. Ensuite, vous pouvez déposer de la peinture dans la zone humide. La peinture s' écoulera dans l'eau. Tant que la peinture n' atteint pas le bord de l'eau, vous vous retrouverez avec un bord souple. Notez que cette façon de créer un bord souple ne vous laisse pas beaucoup de contrôle sur l'apparence du bord. Cela peut être un excellent moyen de créer des bords et des arrière-plans souples dont vous ne vous souciez peut-être pas exactement de l'emplacement du bord. Votre question concernant les arêtes est quels types d' arêtes dois-je utiliser ? Et où ? serait une question écrasante si vous deviez y répondre pour chaque avantage. Même la plupart des personnalités de type A détesteraient faire ça. Recherchez plutôt des bords qui ne vous indiquent pas immédiatement qu' ils sont durs, mous ou mouillés sur mouillés. Ce sont les bords sur lesquels vous devez faire un choix. Réfléchissez à l'option qui vous convient le mieux et notez-la pour vous souvenir au moment de peindre. Lorsque nous peignons des animaux, nous pouvons avoir de la fourrure, des plumes, des écailles, des coquillages et d'autres textures à transmettre. Cependant, à moins que vous n'essayiez de faire votre peinture ressemble exactement à une photo, vous n'allez pas peindre chaque entreprise ou plume. En ce qui concerne les textures, il y a trois questions à se poser. Où vais-je représenter une texture détaillée dans ma peinture ? Comment vais-je représenter ces textures ? Comment vais-je représenter les textures dans les autres zones de la peinture ? Si vous souhaitez mettre la vidéo en pause avant voir mes réponses à ces questions. C'est le moment de le faire. Quels types d'arêtes dois-je utiliser et où ? Pour mon projet, je vais me concentrer sur les points difficiles, à l'intérieur des limites de l'âne. Par défaut, j'adoucis les bords dans cette zone. Je tiens donc à indiquer les domaines dans lesquels je souhaite modifier cela. Je vais mettre une arête dure à l'endroit où le nez rencontre le reste du visage. Je vois un bord souple sur le côté droit du nez, mais je vais quand même m'en tenir à un bord dur par choix artistique. Je vais également mettre une arête dure sur la zone du front qui réfléchit le plus le bleu. Il y a un bord clair et dur en bas et en haut, près des oreilles. Je vais voir à quoi cela ressemble si j' étends le bord rigide sur toute cette zone. Où vais-je représenter une texture détaillée dans ma peinture ? Je veux des textures plus détaillées à l'intérieur des oreilles, sur le dessus du front, où vous pouvez voir ce qui précède dans deux directions différentes. Et les cheveux sur la nuque. Comment vais-je représenter ces textures ? Dans les oreilles ? Je vais utiliser les couleurs de la terre de l'âne pour tracer des lignes sur les bords, pour créer des textures. Au milieu, j'utiliserai trop peu de peinture noire pour ajouter de la texture au centre des oreilles. Mais je vais également adoucir certaines de ces lignes afin qu'elles ne soient pas trop contraires au Livre blanc. Sur le front. Je vais ajouter des lignes jaune terre et brun foncé et adoucir certaines de ces lignes également. Sur la nuque. Je vais ajouter des lignes noires fermes sans les adoucir. Comment vais-je représenter les textures dans les autres zones de la peinture ? Il semble y avoir beaucoup de couleurs mélangées sur le cou de poulet de l' âne. Après avoir posé mes premières couches de peinture, je vais utiliser des couches humides sur mouillées pour tamponner les couches supérieures afin qu'elles puissent se mélanger au hasard pour créer de la texture. Une fois que vous aurez répondu à ces quatre questions pour votre projet, retrouvez-moi dans la prochaine leçon où nous aborderons nos dernières questions. Je te verrai là-bas. Oui. 7. Commande: Terminons nos questions par un bref examen de l'ordre. La première chose à laquelle nous devons réfléchir est l'ordre dans lequel nous allons déposer notre peinture. En règle générale, vous voudrez peindre du clair au foncé. Il y a plusieurs raisons à cela. Parce que les aquarelles sont translucides. Les couleurs claires ne peuvent pas masquer les couleurs plus foncées. Ensuite, certaines aquarelles peuvent être ramassées et déplacées lorsque de l'eau est ajoutée, même après séchage de la peinture sur le papier. Si vous peignez là où la lumière rencontre le foncé et que votre pinceau clair se glisse dans la peinture foncée, le rose foncé risque de se répandre dans la lumière. Mais si vous peignez du clair au foncé, vous n'aurez même pas de peinture foncée et vous n' aurez pas ce problème. La première question à se poser est comment vais-je peindre du clair au foncé ? Mais quelle est la question sur les types d'arêtes ? Il peut être très facile d'être trop détaillé dans votre réponse. Tenez simplement compte des principales zones de lumière et assurez-vous de les peindre en premier. La deuxième question est peut-être la plus simple pour vous. Cela concerne les arrière-plans. Toutes les peintures n'ont pas besoin d'un arrière-plan. Avoir une peinture avec un sujet et sans arrière-plan, rien que le blanc du papier peut être absolument magnifique. D'autre part, un arrière-plan peut ajouter de la beauté et de l'intérêt à votre peinture. C'est vraiment une question de préférence personnelle. Ne pensez donc pas qu'un choix est meilleur que l'autre. Avant de peindre, vous devez décider si vous aurez ou non un arrière-plan. J'ai entendu de nombreux artistes peindre leur sujet, puis décider d' ajouter un arrière-plan, puis le regretter. Prenez cette décision tôt. Savoir si vous aurez ou non un arrière-plan vous donnera également la possibilité de le peindre au bon moment. D'après mon expérience, il est généralement bon de peindre d'abord l'arrière-plan. Mais il y a toujours des exceptions à la règle. Surtout si peindre d'abord l'arrière-plan peut entrer en conflit avec la peinture du clair au foncé. Votre autre question concernant la commande est si je choisis de peindre un arrière-plan, quand l'ajouterai-je ? Encore une fois ? Il est temps de mettre la leçon en pause si vous souhaitez répondre aux questions avant d' entendre mes réponses. Comment peindre du clair au foncé ? Je voudrais commencer par le nez, car c'est la partie la plus claire de l'âne. J'ai également décidé plus tard dans mon processus de ne pas peindre la balustrade et le tableau. Je vais plutôt imaginer que la gorge de l'âne est plus claire que le reste du cou. Il faudra donc également que ce soit tôt. Au-delà de cela, je devrai m'étendre sur le sol dans mes couleurs terreuses, du clair au foncé. Si je choisis de peindre un arrière-plan, quand l'ajouterai-je ? Je vais peindre un fond et je prévois de le peindre une fois le nez terminé. Nous avons terminé nos questions, mais nous ne sommes pas encore prêts à peindre. Joignez-vous à moi pour la prochaine leçon où nous parlerons des autres préparatifs à effectuer avant commencer. Je te verrai là-bas. 8. Préparations: Excellent travail. Vous avez répondu aux questions importantes concernant la photo que vous souhaitez peindre. Passons maintenant à d' autres préparatifs que vous devrez effectuer avant de commencer à peindre. Examinons d'abord le plan. Vous voudrez dessiner les grandes lignes de votre sujet sur votre papier aquarelle. Il est plus facile de dessiner d'abord le contour sur du papier ordinaire, puis de le transférer sur votre papier. Au moment de décider quoi mettre dans votre plan, vous devez décider de la quantité de détails que vous souhaitez et de quoi. Si vous souhaitez apporter des modifications par rapport à l'original ? Je vais maintenant discuter de mon plan. Vous pouvez mettre la leçon en pause si vous souhaitez réfléchir à votre plan avant d' entendre mes choix. Comme je l'ai mentionné, je vais laisser de côté les reflets plus grands et plus pâles des yeux. À l'origine, j'ai inclus la balustrade, mais j'ai ensuite décidé de la retirer. Je vais également ajouter un élève au I. Sur la gauche. Vous pouvez voir une pupille dans l'œil droit et dans l'œil droit, mais pas dans l'autre. Je vais également ajouter une petite courbe à la bouche pour pouvoir avoir un âne souriant. Enfin, je vais simplifier le motif de couleur sur le nez plutôt que d'essayer de le recréer parfaitement. Une fois que vous avez décidé ce que vous voulez, votre plan, vous devez le créer. Mes compétences en dessin ne sont pas très bonnes, mais je veux quand même les mettre en pratique. Je vais donc mettre une grille sur ma photo, puis dessiner l'image sur un papier avec une grille de taille similaire. Si vous n'êtes vraiment pas à l'aise pour dessiner, vous pouvez toujours tracer l'image. Et si vous aimez dessiner, vous pouvez le dessiner à main levée. Une fois que vous avez un contour au crayon que vous aimez, vous pouvez le tracer à l'encre. De cette façon, vous avez un contour plus sombre et clair à suivre. Vous pouvez ensuite utiliser un papier graphite Lightbox ou une autre méthode pour transférer le contour sur votre papier aquarelle. Ensuite, sur les peintures. Vous devrez décider quelles peintures vous souhaitez utiliser. Les peintures que vous choisissez devront soit correspondre aux couleurs que vous voyez, soit être utilisées en mélange pour créer ces couleurs. Il y a une petite exception. Vous pouvez choisir d'utiliser des couleurs fantaisistes plutôt que de faire correspondre les couleurs réalistes que vous avez vues dans la quatrième leçon. Si c'est le cas, vous adapterez vos peintures à votre vision créative plutôt qu'à votre photo. À moins de quatre heures, j'ai vu la Terre jaune, rouge, brun foncé, bleu, gris et noir. Pour correspondre à ces couleurs. J'utiliserai du jaune, de l'ocre, Sienne brûlée, du sépia et du bleu céruléen profond. Ce bleu céruléen profond ne correspond pas exactement au bleu que je vois sur la photo. Mais c'est toujours un choix parfait en raison de sa capacité à mélanger des couleurs neutres avec des tons de terre. Si j'ajoute un peu de Sienne brûlée, cela atténue le bleu pour qu'il corresponde parfaitement à la photo. Ajoutez plus de Sienne brûlée. Et j'obtiens un gris cool. Et puis un gris chaud évoque un peu plus de Sienne brûlée. J'ai également décidé d'essayer de mélanger du bleu céruléen profond avec du sépia si je pouvais obtenir une couleur noire. Et c'était parfait. Si vous souhaitez en savoir plus sur mélange de couleurs noires et neutres, vous pouvez consulter mon cours sur le sujet pour plus de détails. Juste pour le fun. Je vais mélanger du bleu céruléen profond avec de l'apatite verte authentique pour le fond. Ce bleu céruléen gardera les couleurs de fond cohérentes avec la pièce. Et l'apatite verte authentique est une peinture très granuleuse qui ajoutera de la texture. Je vais mélanger les couleurs de fond sur mon papier, mais je vais mélanger la plupart de mes gris et de mes noirs en bouche. Si vous décidez de mélanger les couleurs de la palette à l'avance, vous voudrez les tester pour voir si elles correspondent bien. Enfin, j'utiliserai les mêmes couleurs que celles que je souhaite superposer. Assurez-vous de prendre en compte les couleurs à superposer lorsque vous choisissez vos peintures. La meilleure solution, tester vos mélanges de couleurs, est d'utiliser un peu de papier jetable du même type que celui que vous peignez. N'oubliez pas que si vous testez vos couleurs sur un papier blanc brillant, mais que vous peignez votre sujet sur un papier blanc cassé, comme celui que l' on trouve dans les blocs-notes pour aquarelle, vos couleurs risquent de ne pas ressortir exactement comme vous le souhaitez. Si vous avez, oups, des peintures, c'est-à-dire des peintures qui ne vous plaisent pas. Vous pouvez les utiliser pour tester les couleurs. S'ils sont sur la même marque de papier que celle que vous utiliserez pour votre peinture finale. Vous pouvez les retourner et y peindre vos mélanges de couleurs. Comme la couleur du papier sera la même, vous aurez un aperçu fidèle la façon dont les couleurs se refléteront sur votre peinture. Oh mon dieu. L'avons-nous déjà fait ? Il est temps d' élaborer un plan. Lorsque vous créez un plan, vous devez prendre en compte les réponses aux questions que nous avons abordées précédemment. Il n'est pas nécessaire d' inclure toutes les réponses. Juste les points où vous avez eu du mal à prendre une décision. Ou où pensez-vous que vous oublierez ce que vous avez décidé ? À part cela, la quantité de détails dépend entièrement de vous. Type B, les artistes peuvent trouver qu'ils n'ont besoin quelques rappels généraux sur les questions qu'ils jugent les plus importantes. D'autres questions peuvent être plus susceptibles de changer au fur et à mesure que ces artistes progressent dans leur peinture. Tapez, a Les artistes peuvent avoir un plan détaillé avec plusieurs lignes couvrant chaque étape du processus de peinture. Bien qu'il n'y ait pas de bonne ou de mauvaise quantité de détails, gardez à l'esprit qu'en ajoutant trop petits détails, il peut être difficile de trouver les points les plus importants lorsque vous êtes en train de peindre. Si vous êtes une personne soucieuse des détails, vous trouverez peut-être utile d' organiser votre plante en segments afin de pouvoir revoir chaque segment avant de l'aborder sur le papier. Je suis plutôt un type de personne. Le plan que j'ai initialement écrit contient donc beaucoup de détails. Au fur et à mesure que je passe en revue ce plan. Dans certains domaines, j'ai plus d'une idée sur la façon d'aborder cette peinture. Vous pouvez ressentir la même chose , et c'est très bien. Nous allons parler de la façon de gérer cela dans la prochaine leçon. Alors rejoignez-moi là-bas. 9. Derniers ajustements: Vous avez répondu aux questions, vous avez fait les préparatifs et vous avez élaboré un plan. Mais tu n'es toujours pas sûr de toi. Vous n'êtes peut-être pas certain de la technique que vous souhaitez utiliser. Nous aurons l'apparence que vous voulez. Vous pouvez également avoir deux choix créatifs différents pour une question. Et tu ne sais pas ce que tu préfères. Il est temps de faire quelques essais de peinture. Les peintures d'essai ne sont pas une pression, des erreurs. Une bonne façon de tester vos idées. Il existe trois formes différentes de peintures d' essai que vous pouvez essayer. La première concerne les vignettes. En esquissant une version plus petite de votre peinture, vous pouvez essayer quelques idées différentes très rapidement. Les miniatures ne contiendront pas beaucoup de détails. Ils conviennent donc mieux aux questions générales. Vous pouvez tester différents styles d'arrière-plans. Vous souhaitez utiliser différentes techniques pour ajouter de l'intérêt ou de la texture, ou voir à quoi ressemblent vos couleurs si vous avez choisi de peindre votre sujet avec des couleurs fantastiques. Viennent ensuite les peintures partielles. Peut-être que vous vous sentez à l'aise avec la plupart de vos peintures, mais vous vouliez simplement avoir le bon œil ou vous n'êtes pas sûr de la quantité de détails que vous souhaitez ajouter au nez. Vous pouvez dessiner une copie détaillée d' une petite partie de votre peinture et mettre en pratique vos idées. Si votre premier choix ne fonctionne pas, vous pouvez réessayer sans utiliser papier entier pour peindre. Enfin, si vous avez plusieurs questions où vous débattez entre deux choix, vous pouvez faire un exercice complet de peinture. Vous pouvez dessiner votre plan sur une feuille de papier plus petite, condition qu'elle soit suffisamment grande pour que vous puissiez obtenir les détails dont vous avez besoin pour tester vos idées. Entrez dans ce tableau avec l'intention de faire des erreurs. Vous pouvez même essayer plusieurs techniques dans différentes zones de la peinture. Si une technique que vous pensiez être bonne s' avère fausse. Riez en rigolant. La peinture d'essai est l'occasion de faire preuve d'audace. Amuse-toi bien. Et surtout, soyez fier de vos erreurs. erreurs signifient que vous êtes assez courageux pour essayer et assez audacieux pour être créatif. Quand tu auras fini de peindre. Passez en revue ce qui s'est mal passé et ce qui s'est bien passé. Cela vous aidera à apporter des modifications à votre plan. Avant de passer à votre peinture finale. se peut que vous deviez modifier le niveau de détail que vous souhaitez intégrer à votre plan en fonction de ce que vous avez appris au cours de votre pratique de la peinture. Lors de ma peinture d'essai, j'ai découvert que le fait d'avoir un bord dur tout autour du front n'était pas une bonne décision. J'ai décidé d'adoucir la plupart des bords mais de garder le bord dur en bas là où je le vois sur la photo. Avec les oreilles. J'ai décidé d'ajouter trop de noir au milieu. Mais j'aime aussi l'ocre jaune pâle et Sienne brûlée sur le bord inférieur de l'oreille gauche. J'ai décidé de l'utiliser dans les deux oreilles, même si je ne le vois pas sur la droite. Eh bien, j'ai inclus la balustrade et ma peinture d'essai. J'ai décidé de l'enlever avant de créer la peinture finale. J'ai ajouté ces décisions à mon plan et je l'ai réduit aux parties pour lesquelles j'avais le plus besoin de rappels. Cela m'a permis d' aborder ma peinture finale. Et toi aussi. Une fois que vous aurez passé en revue vos peintures d'essai et finalisé votre plan, rejoignez-moi pour la prochaine leçon où nous mettrons nos plantes à l'œuvre pour créer notre peinture finale. Je te verrai là-bas. 10. Planifier la peinture 10 temps de projet !: Bravo. Vous avez consacré beaucoup d'efforts aux leçons précédentes de ce cours. Vous avez posé les questions importantes. Vous avez fait vos préparatifs, vous avez testé vos idées et finalisé un plan. Maintenant, il est temps de prendre vos peintures et de mettre le pinceau sur le papier. Une fois que vous avez terminé de peindre, n'oubliez pas de télécharger votre peinture finale, vos plans et toutes les peintures d'essai que vous souhaitez partager dans la galerie de projets. J'ai hâte de voir vos magnifiques œuvres d'art. Avec ça. Je vous verrai dans la prochaine leçon où nous terminerons notre cours sur la planification de votre peinture. 11. Synthèse: Félicitations. Vous avez créé un plan, peint votre sujet et terminé ce cours. Vous avez beaucoup travaillé et vous devriez être fier de vous et de vos réalisations. J'apprécie sincèrement chacun d'entre vous de m'avoir rejoint dans cette aventure artistique. J'ai eu le plaisir de partager mes connaissances et mon expérience avec vous. Et j'espère que vous avez apprécié ce cours autant que moi. Au fur et à mesure que vous poursuivez votre chemin créatif. J'espère que vous continuerez à utiliser ce que vous avez appris dans ce cours. N'oubliez pas de poser des questions sur le blanc, les couleurs, les textures et l'ordre. Planifiez votre plan et vos peintures. Créez ensuite un plan initial. Testez vos idées avec des peintures d'essai, puis finalisez votre plante. En fin de compte, vous pouvez peindre n'importe quel sujet avec un peu de préparation. Après avoir partagé vos plans et votre peinture dans la galerie de projets, jetez un œil à ce que j'ai créé pour les autres étudiants de cette classe. Nous avons tous des points de vue et des idées uniques. Et c'est tellement amusant de voir comment les autres donnent vie à leur talent artistique. Enfin, j'espère que vous prendrez le temps de laisser une critique honnête de ce cours. En écoutant ce que vous pensez, je m' aiderai à améliorer et à développer de meilleurs cours, dans l'intérêt de vous et de tous mes élèves. Merci de m'avoir rejoint et j'ai hâte de créer à nouveau avec vous dans un autre cours Skillshare.