Photo conceptuelle significative : maîtriser la narration visuelle avec la photographie

1. Introduction du cours: Salut, je suis Josh apparaît et je suis ravi de vous accueillir à mon cours en ligne et la narration artificielle. L' objectif principal de ce cours est de vous faire comprendre comment fonctionne la narration visuelle afin que vous puissiez créer des images plus significatives. Donc, je ne vais pas vous enseigner la partie technique parce qu'il est parfaitement possible d'apprendre cela par vous-même. Nous allons apprendre à penser et 2D conceptuellement. Nous allons plonger profondément dans nos esprits et nos outils afin que nous puissions trouver ces idées significatives dans ce cours en ligne, j'ai rassemblé toutes mes connaissances et mon expérience et encore cela dans dix modules d'apprentissage avec beaucoup de tâches pratiques. Au cours de ces dix semaines, nous allons apprendre cinq règles de base pour vous aider à raconter de belles histoires avec vos photos. Techniques pratiques pour générer des idées instantanément. Des manières de grandeur, un travail authentique et significatif qui résonnera avec votre public, parleront de ce qu'il faut faire quand vous êtes coincé et découvrirez des outils simples pour éclairer complètement les blocs créatifs. Nous allons également discuter pourquoi et quand travailler dans une image sérieuse et non individuelle. Après avoir terminé le cours, vous comprendrez comment raconter des histoires visuelles significatives. Formez votre esprit pour trouver facilement des concepts. Vous n'aurez jamais peur d'avoir des blocs créatifs. Encore une fois. Vous aurez une feuille de route claire pour vos futurs travaux conceptuels. Et ensemble, nous allons générer un sujet pour une série d'œuvres pour vous. Et bien sûr, vous aurez également besoin de vos pairs créatifs de partout le monde pour être en mesure de participer pleinement au cours, vous aurez besoin, tout d'abord, d' un ordinateur personnel avec caméra d'accès à Internet, que vous êtes Confortable avec. Ceci est recommandé mais facultatif car vous ne serez pas obligé de tirer beaucoup. Suivant de deux à six heures par semaine pour terminer les exercices. Et ce qui est très important, c'est la conscience de soi intentionnelle et la réflexion. Et bien sûr, beaucoup d'enthousiasme et de désir d'expérimenter. Je crois que la partie la plus précieuse de ce cours est la pratique. C' est pourquoi je veux que tu profites de tout le matériel que je t'ai donné et mis en pratique tout de suite. J' ai préparé beaucoup d'exercices pratiques pour vous. Cependant, je comprends que nous sommes tous peuvent être pressés pour le temps et avoir une vie occupée. C' est pourquoi je ne m'attends pas à ce que vous tiriez pour chaque tâche, mais au moins dessine des caches et des explications séchées pour eux. Donc oui, dans ce cours, nous allons beaucoup parler de création de magie, surprendre les gens et de raconter des histoires visuelles. Je sais que cela doit sembler très intéressant et excitant, mais en même temps, cela pourrait être un peu intimidant aussi. Je suppose que vous êtes ici parce que vous voulez photographier des images qui sont semblables à la mienne. Mais laisse-moi deviner qu'il pourrait y avoir des doutes. Qu' est-ce que je n'ai pas le talent. Mais si je n'ai pas les idées, que se passe-t-il si ma vie est ennuyeuse et que je n'ai pas d'histoire à raconter, et si je ne sais pas comment raconter des histoires ? Et si je n'ai pas les bons antécédents pour le mettre dans le bon mode pour ce cours. Laisse-moi te dire ça. Tu peux tirer comme moi ou mieux. Il n'y a pas de talent spécial. Vous pouvez et je l'espère dire les plus profondes inquiétudes lui de meilleures façons. Vous pouvez élever votre créativité à de nouveaux niveaux élevés étonnants, mais vous devez travailler pour cela et le travail beaucoup. Et dans ce cours et avec cette communauté, vous avez un espace très sûr pour le faire. 2. Module 1 : la Pyramid de maîtrise: Avant de plonger dans la viande du cours et de parler de l'hôtel passé avec la photographie, laissez-moi partager la pyramide de maîtrise avec vous. Voici un couple de mes réflexions sur la façon dont vous pouvez arriver à l'étape de quand vous créez. Ce sont des histoires fantastiques et significatives que nous voulons tous créer. Permettez-moi de partager la pyramide maître de ouais, cela a été créé par moi et il reflète mon point de vue sur recombinant grand photographe ou tout autre type d'art est. Donc, vous pouvez soit être d'accord ou en désaccord avec elle. Mais c'est comme ça que je le dis. Tout d'abord, vous devez reconnaître l'intérêt que vous portez à votre région. Vous avez déjà trouvé votre art visuel, ce soit la photographie, la vidéographie ou toute autre forme. Mais vous avez déjà une profonde curiosité de vous exprimer visuellement. Et puis vient l'étape de la pratique. Peut aussi l'appeler la phase de création. Lorsque vous êtes intéressé et que vous avez un petit vent et votre zone d'intérêt, vous êtes motivé à explorer cette région plus. C' est la scène où vous créez notre expérience de lot dans la découverte, l'échec, la copie, l'imitation, le chirurgien pour vous-même et votre style et le refaire. À un moment donné, votre art visuel commence à être clairement reconnaissable. Et c'est ce que j'appelle la scène de style. À ce stade, vous en savez beaucoup sur votre métier et vous pouvez déjà jouer avec. Vous obtenez également une compréhension de vos préférences visuelles, des éléments visuels que vous voulez ou ne voulez pas avoir vos œuvres. Et seulement après cela, vous pouvez créer ces images significatives, ces chefs-d'œuvre impactants voulaient tous créer. C' est le niveau où certains d'entre nous sont coincés parce que la partie visuelle du styliste là-bas, vous avez le travail que nous créons n'apporte pas l'accomplissement que nous voulons obtenir en étant un photographe en premier lieu. Ce dont il avait besoin, les étapes, l'apprentissage qu'ils vivent, ce sont des réalisations. Ils résolvent les problèmes du passé et les traumatismes surmontés, l'auto-développement, si vous voulez. Ces choses nous aident à devenir de meilleurs artistes et à rendre notre travail plus profond et plus authentique. Et pendant que vous faites tout ce travail sur vous-même, vous pouvez créer ces images significatives que vous apprenez à créer, ces chefs-d'œuvre impactants. Et c'est ma définition de la maîtrise. Être capable de créer un travail profond et significatif qui résonne avec d'autres personnes et qui a un impact. Et s'il vous plaît, ne soyez pas intimidés par le mot Maîtrise. Je crois que c'est disponible pour nous tous. Et encore une fois, viennent dans une variété de formes et de formes. Deux chefs-d'œuvre n'ont pas à être sur les murs du musée. Si ce n'est pas votre objectif. Ils peuvent simplement rendre la vie des autres plus belle, chaleureuse, émotionnelle, confortable. Mais le plus important, ils seront un moyen pour vous d'exprimer votre moi unique à la gorge. Et ils feront de vous un être humain plus heureux. Mais seulement si vous faites tout le travail, ce qui ne sera pas facile. Mais l'art réel n'est pas censé l'être. C' est pour ça que ça s'appelle Art. Beaucoup d'entre vous sont au niveau de vouloir un peu au niveau trois de ce parent. Si vous êtes au bas de cette échelle, sachez que c'est bien d'être là. Donnez-vous du temps et laissez-vous explorer l'artiste qui vous entoure. Tout viendra avec le temps. Et mon espoir est que la narration artificielle vous aidera avec nous. 3. Module 1 : Qu'est-: Dans cette leçon, je voudrais dire quelques mots sur ce qui est photographie conceptuelle et sur la façon dont elle est différente des autres types de photographie. Je suis sûr que vous avez beaucoup entendu le terme « photographie conceptuelle ». Nous comprenons tous de quel type de photographie il s'agit. Cependant, il n'y a pas de définition claire à ce sujet. Certaines personnes l'appellent somme conceptuelle, somme finie, créative, certains conte onirique ou de fées comme tétra. D' autres parlent le mot narration. Cependant, il existe trois caractéristiques de base qui différencient ce type de photographie. Et ils sont, tout d'abord, photographie conceptuelle est mise en scène, ce qui signifie que vous sélectionnez consciemment les modèles, les accessoires de localisation pour créer une image. Il est toujours en liaison montante, aller chercher une scène dans les rues. Vous ne capturez pas de vrais moments de la vie. Ce n'est pas un documentaire ou un Taj en caoutchouc. Avec la photographie conceptuelle, vous imitez souvent une sorte d'environnement qui vous aide à introduire un concept. Par conséquent, en parlant de photos conceptuelles parlera de différents éléments d'une image comme la co-localisation, la lumière, les couleurs, un tétra. Ensuite, la photographie conceptuelle a toujours une idée ou un concept derrière elle. C' est le y pour lequel la photographie est créée. Habituellement, il y a un sujet, un thème ou un problème qui intéresse profondément le photographe. C' est pourquoi il ou elle veut tourner cette image particulière. Parfois, cette idée ou ce thème ne se révèle qu'après la création de l'image, mais elle est toujours là. Néanmoins. La photographie conceptuelle suivante est ouverte à l'interprétation. Et c'est la meilleure partie des photos conceptuelles. Ils sont comme des romans qui seront interprétés par le lecteur en fonction de l'arrière-plan et de la vision du monde. L' interprétation peut parfois être très différente de ce que l'artiste avait à l'esprit. C' est ce qui rend généralement ces images intrigantes, divertissantes et stimulantes. Vous pouvez raconter des histoires avec n'importe quel type de photographie, pas seulement de vrais beaux-arts. Il peut s'agir de la rue, des voyages, portrait, de la mode ou même de la photographie alimentaire. Dans nos prochaines leçons, nous nous concentrerons surtout sur la photographie conceptuelle. Si vous avez essayé de photographier une image conceptuelle avant. Faites cet exercice simple, prenez votre photo conceptuelle et montrez-la à trois de vos amis. Demandez-leur quelle est la scène, l'image, quelle est cette tournée qui apparaît dans leur esprit ? Quel genre d'émotions ressentent-elles en interagissant avec la chute d'air ? Vous serez étonné de voir à quel point les réponses peuvent être différentes unes des autres et de ce que vous aviez en tête lors de la création de votre travail. 4. Module 1 : l'importance d'être une narration: Ce n'est pas un hasard si, dans le monde de l'art contemporain, qui comprend aussi la photographie, les galeries, les conservateurs, les marques sont des affirmations pour les photographes capables de raconter de grandes histoires visuelles. bonnes lettres de conteur sont très demandées. Regardons de plus près pourquoi cela arrive. La narration visuelle est devenue une sorte de mot à la mode aujourd'hui. Pourtant, il y a encore beaucoup d'ambiguïté sur ce qu'est la narration visuelle et pourquoi elle est importante. Le terme est relativement nouveau et il n'y a pas de définition généralement acceptée. Wikipédia avantages comme très simplement une histoire racontée principalement par l'utilisation de médias visuels. Oui, le terme est nouveau, mais la narration visuelle existait depuis des siècles. Depuis que les humains ont marché pour la première fois sur la terre, ils ont raconté des histoires et des histoires visuelles bien avant les histoires écrites et parlées. Tu te souviens des dessins de grotte ? Oui, ce sont les premières histoires visuelles. Ici vous pouvez voir les premières peintures rupestres au monde dans une grotte en Indonésie. Il a été créé il y a 35 mille ans. Et en passant, les textes n'ont été inventés que 32 mille ans plus tard. Après les histoires animales de Han, nous avons fait tout le chemin vers les arts visuels d'aujourd'hui tels que la photographie, livres d' images, les bandes dessinées, les jeux vidéo, Instagram , Snapchat, Hollywood, les films 3D et la réalité virtuelle. Alors, en plus d'être le premier moyen de communication humaine, pourquoi la narration est-elle importante ? Et pourquoi devriez-vous l'avoir comme composant clé à réémettre ? Voici mes six principales raisons. Et tout d'abord, une histoire attire l'attention et conduit à la garder. Dans le monde d'aujourd'hui, quand les humains sont enterrés et toutes sortes d' informations visuelles saisissent leur attention devient cruciale. Le statut montre que la portée de l'attention humaine est devenue inférieure à celle d'un poisson rouge. Pensez-y. Aujourd'hui, c'est huit secondes. C' est une seconde entière de moins que les neuf secondes d'attention du poisson rouge moyen. Et si vous voulez que votre travail soit vu, vous devez trouver quelque chose qui attirera immédiatement l'attention de votre public et le tiendra. Et l'histoire est la première chose qui parle au spectateur de l'image. Cela nous permet de nous intéresser à ce qui se passe dans le cadre. Nous pouvons alors deviner ce qui s'est passé avant et ce qui se passera après cela, ce qui est montré dans l'image. Nous pouvons trouver un récit complet pour le sujet principal pendant que nous voyons une photo. C' est pourquoi historien 3x téléspectateurs et les attire dans une image. La deuxième raison serait une histoire qui fait que les gens se souviennent de votre idée. Oui, les histoires se souviennent beaucoup mieux que les faits et sont donc facilement reproduites et transmises plus loin, nous oublions les noms et les visages. Nous oublions ce que nous avons appris dans l'algèbre du lycée. Parce que c'était l'algèbre du lycée. Mais une bonne histoire, on veut l'oublier. Cela se produit en grande partie parce que les touristes ont choisi nos émotions et quand nous connectons les faits avec les émotions, ils se souviennent mieux. Jamais demandé pourquoi Coca-Cola et la vue du look contemporain pour Santos. Et il l'utilise jusqu'à ce jour dans des publicités. Permettez-moi de vous donner un autre exemple. Et ces deux photos comprennent de la paperasserie, mais la photo de gauche a une histoire. Nous pouvons interpréter ce qui se passe et l'image de plusieurs façons. Nous pouvons penser à ce qui s'est passé avant que l'image ne soit prise et ce qui se passera à l'avenir serait certainement des centres lancés mouvement qui vient de l'image. En même temps. Lorsque nous voyons l'image à gauche, nous ne sentons aucune émotion sur les faits sont représentés ici. Maintenant, laissez-moi vous demander ceci. Lequel d'entre eux vous souviendrez le mieux ? Je pense que la réponse est claire. Et maintenant, la troisième raison comme histoire est impactante. Et comme une image simple qui ne donne que des données ou des faits aléatoires que l'image narrative inspire les gens, leur fait penser et ressentir. En d'autres termes, il peut avoir un impact plus important sur le spectateur. Souvent, une histoire fait changer les croyances, les attitudes et les opinions des gens. Pensez-y. Encore une fois. Cela peut changer les croyances, les attitudes et les opinions des gens. Les grandes histoires nous aident à illustrer les faits et à mieux comprendre certains phénomènes. Grâce à cela, ils peuvent aussi facilement transformer notre comportement et les faits seuls ne peuvent pas le faire. Thème, qui est que vous capturez, peut pas être seulement sur vous. Peut-être que vous voulez briller une lumière sur une cause sociale ou une injustice, ou simplement faire reconnaître ou prendre conscience de certaines choses qui se passent autour d'eux. Dans ces situations évoquent des émotions fortes à travers la narration, photographie peut faire des changements sociaux ou obliger les gens à agir. Jetons un coup d'oeil à cette photo de Tyler boucliers à titre d'exemple. Voici ce qu'il dit à propos de cette image. Le ventre exige un niveau de dévouement que la plupart des gens ne sont pas prêts à donner. Il y a quelque chose à repousser ce point où les gens disent que vous êtes fou et vous savez que vous faites exactement ce que vous êtes censé faire. Le succès ne vient pas sans travail acharné. Maintenant pensez-y. Est-ce que ces mots ou quelques statistiques sur la dédicace des entrées valides font la même impression sur vous que cette image. J' en doute fortement. Maintenant, la quatrième raison, il vous aide à vous démarquer et apporte du succès commercial. Maintenant, en revenant à ce que nous avons commencé, oui, rancune , galeries, collectionneurs et acheteurs désastreux. Et même, ou peut-être spatialement, les couples à la recherche d'un photographe de mariage vont plus loin pour les pros qui peuvent raconter une histoire solide avec notre travail. Pourquoi ? Alors que nous allons le faire, la photographie sans conte n'est qu'une marchandise. Tout photographe qui est techniquement bon, mais prend des photos de faits justes. Et ici, vous pouvez penser à des choix de boutique en ligne, des photos de passeport, photos de scène de crime peuvent être facilement remplacés par quelqu'un d'autre qui fait le travail plus rapidement, moins cher, ou mieux. Maintenant, si vous me demandez, pouvez-vous être une publicité réussie sans aspect narratif soit présent dans vos images ? Ma réponse sera oui, surtout lorsque vous créez ces photos de marchandises comme des pics Webster, des livres de recherche, des photos de passeport, et sur de nombreux photographes qui peuvent obtenir des photos techniquement parfaites de n'importe quoi. Et l'histoire n'est pas aussi importante pour eux. Et ils n'ont pas à envoyer leurs techniciens principaux. Quelle que soit la vérité de la vie est telle que les techniciens peuvent être facilement remplaçables. Pourquoi ? Exactement parce qu'ils ne sont pas uniques. N' importe qui peut faire ce qu'il fait. Les conteurs sont différents. Vous pourriez aimer ou ne pas aimer le détail du stockage, mais vous reconnaîtrez certainement leurs images et vous en souviendrez. Maintenant, si vous voulez mettre votre travail sur les murs de la galerie, des histoires racontées à Naughton, des images individuelles aléatoires. Mais dans la cohérence série d'œuvres sera ce que les conservateurs vous demanderont. Les galeries savent que pour acheter, l' art, les collectionneurs doivent se connecter avec cela. Ils doivent le comprendre. C' est pourquoi j'ai inclus tout un module sur la narration de vos histoires en série. Et à la fin de ce cours, vous aurez une toute nouvelle série brillante de votre propre cartographiée et prête pour le tournage. La raison numéro cinq, une histoire vous lie avec votre public. À l'ère du numérique, nous sommes plus connectés que jamais. Pourtant, tant d'entre nous se sentent déconnectés. Pourquoi sommes-nous sur les réseaux sociaux tous les jours ? Et ce que notre chirurgien étranger Google, une connexion humaine et plus d'expériences racontées à travers des histoires. Souvent, le lien le plus fort émerge lorsque les histoires des gens qui sont similaires à leur propre, Ces histoires les aident à se sentir pas seul. Par exemple, si Dane ou Bill, qui a eu un traumatisme profond et histoire d'année qui reproduit leur situation. Ils pourraient comprendre que les choses qui leur sont arrivées sont aussi arrivées à d'autres personnes. Et si ces gens réussissaient à surmonter les difficultés, Jain et Bill pourront le faire aussi. Et c'est aussi pourquoi les meilleures photos sont basées sur des histoires personnelles qui sont durement tombées par le photographe. C' est un, un lien profond entre le spectateur et un artiste s'est établi. Et cela nous amène à l'une des raisons les plus importantes de raconter une histoire visuelle. La raison numéro six, une histoire significative et sincère vous permet de trouver du filament dans votre travail. N' est-ce pas ce que nous recherchons tous en fin de compte ? L' épanouissement de soi, qui par définition est la satisfaction ou le bonheur à la suite de la nourriture développant ses capacités ou son caractère. Cette raison n'est pas souvent évoquée, mais je pense que c'est extrêmement important si vous êtes engagé dans la photographie ou tout type d'art visuel, non seulement comme votre profession, mais quelque chose de plus appelé passion, appelant le chemin de vie ou autre chose, votre travail ne vous apportera que l'accomplissement. Vous êtes complètement aligné sur les histoires que vous racontez. J' y croyais profondément. Si vous n'avez pas peur d'aller au fond de vous, trouvez ces histoires qui disent votre vérité et avez le courage de les raconter publiquement au monde. Ces histoires visuelles sont les plus percutantes, les plus mémorisées, et vous donnent le plus de satisfaction de ce qu'il fait. Trouver ces histoires nécessite du travail. Vous serez en mesure de les trouver en regardant vers l'intérieur et en vous comprenant mieux. Cela inclut vos choix, motivations, vos valeurs, vos intérêts bien sûr, feront exactement que pendant ce cours, avec vous, la narration visuelle est-elle limitée à la photographie conceptuelle seulement ? Bien sûr que non. Donc, pour l'exercice de cette leçon, je vous demande de trouver trois exemples de photos qui ne sont pas conceptuelles, mais qui racontent toujours une histoire. Ils peuvent voyager dans lequel documentaire, photos de famille ou de nourriture. C' est à vous de décider. Résumez l'histoire en une seule phrase et téléchargez vos images avec de courts résumés des histoires qui leur ont été racontées dans notre espace d'apprentissage. Pendant ce temps, félicitations pour avoir terminé le premier module d'apprentissage de ce cours. Maintenant, ce que je veux que vous fassiez, c'est de réfléchir à ce que je viens apprendre et d'essayer de comprendre ce qui a été le plus important à emporter de ce module. Ce que je veux que vous fassiez ensuite, c'est d'aller à notre communauté Facebook et de la partager avec d'autres personnes. Parce que c'est la façon la plus efficace d'apprendre. Dans notre prochain module, nous allons plonger directement dans cinq règles de base de la grande narration visuelle. J' ai hâte de les partager avec vous jusqu'à la prochaine fois. 5. Module2 : 5 règles de la grande narration : Règle 1: Dans ce modèle, nous devons parler de cinq règles de base de la grande narration visuelle. J' ai choisi ces cinq personnes parce que je pense qu'elles s'appliquent à n'importe quelle histoire visuelle. Et à mon avis d'eux, les plus importants. Cette liste n'est pas limitée, bien sûr. Et si vous connaissez d'autres règles, s'il vous plaît allez-y et criez. Dans notre communauté d'apprentissage. Il y a un certain nombre de rôles pour la narration et l'écriture, et il y a aussi des règles pour la narration visuelle. J' ai essayé de trouver une combinaison de ceux que vous pouvez appliquer pour rendre dans les images intérieures de l'histoire plus proéminente et convaincante. Alors, quelles sont les cinq règles de base pour créer de grandes histoires visuelles ? Et tout d'abord, de grandes histoires visuelles font appel à nos émotions les plus profondes. Je suis sûr que vous avez vécu une variété d' émotion à vous-même en regardant une image particulière. Alors creusons plus profondément dans les gilets. Les psychologues conviennent généralement qu'il y a six émotions de base. La colère, le dégoût, la peur, le bonheur, la tristesse et la surprise. Les meilleures photographies sont celles qui peuvent évoquer vos émotions les plus profondes. Cela peut nous rendre excités de rire ou de pleurer ou de ressentir de l'empathie pour quelqu'un d'autre. C' est là que nous arrivons d'abord à la notion de conscience de soi, ce qui signifie essentiellement se connaître et être conscient de vos déclencheurs émotionnels personnels. Être capable de se comprendre est crucial pour raconter des histoires impactantes. Plus vous comprenez comment ou quand vos propres cordes émotionnelles sont tirées, plus vous apprécierez comment cela fonctionne chez les autres. Et plus vous serez en mesure d'utiliser ces émotions dans vos histoires, les pics sont direct répétition acteur met comme ça. Ce que vous essayez de faire lorsque vous racontez une histoire, c'est d'écrire sur un événement de votre vie qui vous a fait sentir une façon particulière. Et ce que vous essayez de faire quand vous racontez une histoire est amener le public à avoir le même sentiment, vous devez consciemment être capable de reconnaître ces diverses émotions en vous-même. Et pensez au pourquoi, pourquoi vous vous sentez d'une certaine manière quand vous regardez une image ? Ou jetez un oeil plus large et demandez-vous, pourquoi est-ce que je ressens de cette façon dans cette situation de vie ? Comment pourriez-vous être capable de prendre le pourquoi derrière vos émotions et de raconter une histoire ? En vous interrogeant continuellement dans certains timbres, vos propres réactions émotionnelles aux images, situations de vie et histoires racontées de différentes manières. Quand tu fais ça, tu apprends à raconter des histoires plus authentiques, toi-même. Des histoires qui peuvent réellement déplacer les gens. La partie intéressante de la photographie est qu'il peut être émotionnel sans réellement montrer quand les expressions émotionnelles dans les visages des gens dans une photo conceptuelle créative, ils émotion est souvent communiquée à travers l'environnement, l' emplacement, palette de couleurs, accessoires, profondeur de champ. Tétra. Jetez un oeil à ces deux images. Sur les deux, vous verrez des maisons à la campagne. Pourtant, les émotions que vous obtenez en les regardant sont totalement différentes. L' image à gauche est plus susceptible d'évoquer le bonheur et la joie en même temps, l'image à droite semble être sombre et triste. Qu' est-ce qui rend ces images si différentes ? Pensez-y. Je dirais que c'est l'utilisation de couleurs claires, la saison, l'emplacement, et peut-être que vous pouvez penser à autre chose aussi. Si oui, s'il vous plaît faire un cri dans notre santé communautaire en ligne, l'image sur la gauche est prise par une journée ensoleillée d'été, maisons entourées de belles verdure. La maison elle-même a l'air très preteen soignée. Les couleurs sont très saturées, non ? Au contraire, ils image sur la droite utilise une palette de couleurs fanées. Il a été pris par un nuage et sombre jour d'automne. n'y a pas de feuilles sur les arbres et il n'y a pas de vie dans les forêts qui l'entourent. Les maisons ont été abandonnées. Et ça te fait penser à la solitude et même à la mort. Peut-être. Un autre exemple est celui de la photographie alimentaire. Qui sont ces deux mètres de Donald. Cependant, les sentiments que nous recueillons d'eux sont complètement différents et l'image de gauche semble apporter, a des sentiments de joie, d'espoir et de larme. Il peut probablement vous rappeler un matin sur un jour de printemps, il est très léger et écrire l'image sur la droite apporte aussi des émotions positives, mais d'un genre différent. C' est Moody. C'est probablement le faire réfléchir. Et des soirées d'hiver sombres, une tasse de chocolat chaud et la paire de chaussettes en laine. Vous êtes d'accord ? Comment se transmet la différence dans l'émotion ? Et encore une fois, ce sera à travers la palette de couleurs, à travers des invites ou l'éclairage et l'emplacement ou l'arrière-plan dans ce cas. Maintenant, jetons un oeil à ces deux photos. Quel genre d'émotions qu'ils évoquent près de l'image sur la droite a toutes les couleurs vives saturées et regarde donc la justice larmotrice celle sur la gauche. Pourtant, il y a une nuance légèrement différente d'une émotion ici. Et l'émotion peut changer car nous allons regarder la photo plus longtemps et essayer de comprendre les détails. Oui, il y a quelques points très ordinaires ici, mais il y a aussi un détail inquiétant, une chaîne entre eux. Ça pourrait vous rappeler les menottes utilisées par la police. Et cette association peut apporter encore une autre vague d'émotions. À moi. L' image de gauche est le reflet de la culture pop avec tous ses avantages et ses inconvénients. En outre, cet élément de chaîne peut vous faire penser à des dépendances. Les gens ont une dépendance alimentaire qui est l'un d'entre eux. Êtes-vous d'accord que ces deux sont des photos alimentaires, mais celui sur la droite est également conceptuel et il a un élément de surprise qui attire immédiatement votre attention, parlera des éléments de surprise dans les futures leçons. Donc, pour résumer, dans les histoires visuelles, émotions peuvent être véhiculées par la lumière dans la couleur, palette, les lieux, ou les arrière-plans, les accessoires Est-ce que c'est ? Bien sûr que non. Jetons un coup d'oeil à ces deux portraits. Dans les deux, nous pouvons voir le beau visage du célèbre mannequin de mode, Natalia le Danelaw. Pourtant, le carburant que nous obtenons de chacune de ces images est profondément différent. Prenez une minute et comparez les deux photos. Vous remarquerez que les émotions fortes dans le portrait tourné bipolaire reçu, que nous voyons sur la droite, sont montrées par la lumière, emplacement ou le réglage, les vêtements ou son absence. Dans ce cas, le maquillage et le style de cheveux, arcs du modèle, expression sur son visage, la direction de son regard, l'angle à partir duquel la photo a été prise. Est-ce que cette liste a manqué quelque chose ? Si vous avez une suggestion sur ce qui peut être ajouté à cette liste, veuillez la partager dans notre communauté. Alors maintenant vous savez par quels moyens vous pouvez ajouter une certaine émotions à son portrait. Et quels détails vous devez garder à l'esprit lorsque vous avez essayé de communiquer moins vos émotions à l'UE. Maintenant, il est temps de s'entraîner. Et notre premier exercice dans ce module d'apprentissage est de comprendre les émotions en photographie. Ce que je veux que vous fassiez, c'est de prendre les six émotions fondamentales, la colère, le dégoût, peur, le bonheur, la tristesse et la surprise, et de trouver une image qui illustre chacune d'elles. Donc six images. L' image peut être n'importe quoi, emballage documentaire, publicité esquiver, photo de mariage, n'importe quoi. Mais il doit vraiment transmettre une émotion. Souligné les éléments qui communiquent cette émotion au spectateur. Est-ce que la palette de couleurs est une dislocation ? C' est l'expression sur le visage du sujet, non ? Tous ces éléments à côté de l'image et téléchargez vos six images dans notre espace d'apprentissage. Dans la leçon suivante, nous parlerons de la règle numéro deux. Toutes les grandes histoires sont clairement structurées. Qu' est-ce que c'est maintenant. 6. Module2 : 5 règles de la grande narration : Règle 2: Donc, la deuxième règle de base de la grande narration visuelle est que les grandes histoires ont une structure claire. Alors à quoi ressemble cette structure ? grandes histoires visuelles ont, tout d' abord, votre sujet, le personnage. La principale question ici que vous devez poser est qui ? Alors que le réglage de la situation, ce personnage est n. Et ici nous répondons aux questions de quand et où, puis narratif, intrigue, que se passe-t-il avec le personnage ? Idéalement, c'est une sorte de transformation. Les questions que nous posons ici sont quoi et pourquoi. Votre sujet est un personnage que votre spectateur peut identifier et se placer dans de nouveaux sujets chaussures. Il devrait être au moins quelqu'un dans qui le spectateur sera investi émotionnellement. Votre sujet, votre héros, l, personnage principal devrait être perceptible et significatif dans toute la scène ou le cadre. Il existe plusieurs façons de le faire, soit par mise au point et profondeur de champ, par composition, lignes de début, sous-cadrage ou par culture. Et votre image reviendra à ceux et explorer de plus près dans les modules suivants, votre réglage est l'endroit où vous prenez la photo. C' est à vous de décider combien de cela vous voulez montrer dans l'image. Mais plus vous indiquez l'emplacement, plus vous fournissez d'informations sur le personnage et la situation qu'il est. Et c'est peut-être pour ça que je fais rarement des gros plans permettant l'emplacement. Je suis sûr que ce sera la partie de l'histoire. Prochain récit. Le récit, l'historique réel, peut être montré sous forme de mouvement. Les deux vêtements, accessoires, maquillage et coiffure, et d'autres détails qui sont présents à votre image. Tout cela donnera à votre spectateur plus d'informations sur le personnage et ce qui se passe avec le personnage. Votre sujet dit et narratif est fondamentalement vos tirs un DEM. Comment l'histoire est racontée, écrit cette information que le spectateur comprend ou arrive avec son idée pour deux choses majeures. Ce que l'histoire est, cela signifie ce que vous pouvez réellement voir se passer dans l'image. Et puis la suivante est de quoi l'histoire est vraiment au sujet. Le concept, l'idée derrière le tableau, la pensée qu'un photographe essaie de communiquer à travers l'image. Permettez-moi de vous donner un exemple de mes œuvres. Donc, le personnage dans l'histoire est une fille ou une femme. Elle est assise seule sur le bord de mer. Le setter ici est en pleine mer, ce qui est commun, paisible, essentiellement le temps parfait pour un voyage en mer. L' atmosphère est une sorte d'humeur sombre en raison du ton froid de la photo, le récit. Elle est assise à la cale de quai dans une cage avec un vaisseau en papier à l'intérieur de la mer calme. Alors, de quoi parle cette histoire ? Très clairement, il s'agit d'une fille qui a un bateau en papier et une cage. De quoi parle vraiment l'histoire ? Voici la partie intéressante, l'interprétation. Pourquoi est-ce intéressant ? Parce que dans la narration conceptuelle, la photographie, l'histoire peut être interprétée de plusieurs façons différentes, de multiples façons. En fait, souvent la photographie conceptuelle utilise des symboles qui peuvent également avoir des significations différentes et, dans des situations différentes, reviendra aux symboles et en parlera davantage dans les modules suivants. Voici mon interprétation de l'histoire. Il s'agit d'une histoire de se retenir, ne pas alléger vos rêves de rester en sécurité dans la cage. Le bateau en papier représente donc un rêve et la fille ne veut pas le laisser flotter dans les eaux de la mer, même si elles sont escroquées. Cependant, cette histoire peut être interprétée de plusieurs façons différentes. Et quelle serait votre réponse à la question ? De quoi est vraiment l'histoire ? J' aimerais vraiment savoir. Partagez donc votre point de vue dans notre communauté en ligne. L' exercice de cette leçon consiste à comprendre la structure de l'histoire sur une photo. Donc, ce que je veux que vous fassiez, c'est de trouver trois photos dans l'étage de la livre télécoms ont essayé de voir la structure de l'histoire visuelle et de l'écrire. Vous devez donc répondre aux questions. Qui est le personnage et qu'est-ce qu'il aime ? Quel est le cadre de l'histoire, quand et où elle se passe ? Que fait le personnage ? Qu' est-ce qui lui arrive ? Et comment alors Watts, l'histoire est à propos. Et le grand était le sari, c'est vraiment à propos. Je veux que vous téléchargez les trois images avec des nœuds dans notre espace d'apprentissage. 7. Module2 : 5 règles de la grande narration : Règle 3: Nous continuons à parler des cinq règles de base de la grande narration visuelle. Et dans cette leçon, nous discuterons de la règle numéro 3, qui va comme ça. Les grandes histoires ont un but clair. Les principales questions à répondre ici sont, pourquoi devriez-vous raconter cette histoire en particulier ensuite, quelle est la croyance qui brûle en vous que cette histoire se nourrit ? Troisième Vonn, quel plus grand but est-ce que cela sert ? Qu' est-ce qu'il enseigne ? Lorsque vous avez un vrai but pour l'histoire des talionis, votre histoire aura un impact plus important sur le monde. L' intégrité avec ce que vous créez est la clé. Je crois profondément que si vous ne comprenez pas pourquoi vous créez ce que vous créez, pourquoi ces images ne devraient-elles pas être importantes pour vous ? Vous histoires ne seront pas aussi puissants et encore plus, vous ne serez pas en mesure de vous soutenir Photographie et artistique réel à long terme. Cependant, si vous attribuez une sorte de sens à votre travail, vous avez une raison de continuer à avoir un impact ? Comment trouvez-vous ce sens ? Vous demanderez, ma réponse courte est, tout en regardant vers l'intérieur et en vous comprenant mieux, vos choix, vos motivations, vos valeurs et vos intérêts bien sûr, feront exactement cela pendant ce cours ensemble avec vous, votre image peut être un bataillon, une histoire sans que vous sachiez quel genre d'histoire c'est et pourquoi votre ville, la réponse est oui. En fait, certains artistes visuels, dont moi, commencent par là. Ils ont un désir ardent de créer une histoire, mais ils ne pensent pas consciemment aux émotions que leurs spectateurs auront quand ils regardent très limité. Peut-être serez-vous très familier avec cela aussi. Connaissez-vous le sentiment de verser simplement vos émotions dans votre œuvre d'art sans penser à une raison particulière pour laquelle vous le faites. Quel sera l'impact de votre travail si vous n'êtes pas dans votre tête en ce moment, sachez que vous n'êtes pas seul. Et il y a de l'espace pour que ce type de création, en fait, est extrêmement important, surtout au tout début de votre voyage artistique. Pourtant, lorsque vous mûrissez en tant qu'artiste, votre âme aspire à attribuer un sens plus profond à une image aléatoire. Vous pouvez trouver un sens pour visuel, désolé, même après qu'il a été créé en pensant à ce qui a été influent New York lire Ed parlera plus sur la façon de le faire dans les leçons communes du cours. Maintenant, à la règle numéro quatre, les grandes histoires sont simples et concentrées. 8. Module2 : 5 règles de la grande narration : Règle 4: Nous continuons à parler des cinq règles de base de la grande narration visuelle. Et dans cette leçon, nous discuterons du rouleau numéro quatre, qui va comme ça. grandes histoires sont simples et concentrées. Ne vous perdez pas dans les détails. Remarquez quand les gens racontent des histoires qui semblent marcher pour toujours et ne mènent jamais à rien d'ennuyeux hors de celui qui écoute. Une histoire visuelle est la même, sinon pire, trop de détails et vous perdez l'attention de vos spectateurs. Les gens sont occupés et exposés à beaucoup trop d'informations aujourd'hui. Delta, où se concentrer et effacer la structure de votre image, votre composition est la clé pour cela en tant que bons photographes maintenant, et la façon dont vous organisez les choses dans votre cadre peut en dire long par lui-même. Je vais vous donner quelques exemples. Par exemple, éliminer les détails inutiles et ajouter un espace négatif à votre image aidera le spectateur à se concentrer davantage sur votre sujet et moins sur tout le reste, y compris les autres images. Comparons ces deux images. Lequel d'entre eux est susceptible de se souvenir ? Je parie que c'est l'image de gauche qui travaille par Rodney Smith, l' un de mes photographes préférés. Et pourquoi pensez-vous que vous vous en souviendrez mieux ? Eh bien, parce qu'il est concentré et manque de zillions de détails inutiles. Et en même temps, l'image sur le droit déborde d'informations, trop de couleurs, trop d'accessoires. Vous comprenez l'idée. 9. Module2 : Module2 : 5 règles de la grande narration : Règle 5: Et le dernier mais pas le moindre de nos règles est la règle numéro cinq. grandes histoires sont surprenantes et inattendues. Oui, l'élément de surprise est une arme secrète du conteur visuel, ou peut-être même pas ce secret. Pourquoi aurait-il déjà mentionné dans les leçons précédentes que, avec une quantité incroyable d'informations visuelles versant sur nos téléspectateurs du monde réel, Internet, panneaux d'affichage, magazines, tetra, Le plus grand défi qu'il devient de saisir leur attention. Ce qui rend les histoires visuelles convaincantes, c'est quand nos perceptions de la réalité sont contestées ou modifiées d'une manière ou d'une autre. Les gens n'ont pas beaucoup changé depuis la forme moderne de narration que nous sommes nés. La plupart attendent toujours d'être choqués, mystifiés et étonnés quand on s'attend à ce que certains objets de la photo aient un aspect unique, mais cela semble complètement différent. La vie elle-même se sent plus intéressante parce que nous arrivons à vivre un état de tous. C' est bien comme une vraie images attirer beaucoup plus de téléspectateurs. Ils ont un élément de surprise. Beaucoup de grands sujets photographiques, à commencer par non enregistré tous ont été influencés par le surréalisme, bien que le travail ne contient pas d'objets lévités sont des scènes surréalistes. Pour comprendre comment vous pouvez utiliser la surprise, nous pouvons commencer par la définition simple. L' élément de surprise est mieux décrit comme leur courant de tout ce qui est dans votre histoire visuelle qui est considéré par le lecteur comme inattendu. Il y a plusieurs façons d'y parvenir. Nous allons creuser plus profondément dans les tours de magie et en apprendre davantage sur l'élément exact de surprise que j' utilise dans mes images quand nous parlerons des éléments d'une image dans les leçons suivantes. Maintenant, voyons quelques exemples. Ces deux photos ont des groupes de belles filles en eux, mais l'une des photos sera plus mémorable que l'autre. Pourquoi ? La photo de droite est l'œuvre de Michael Dell, come, un photographe de mode de l'ancienne Tchécoslovaquie. Comment ça attire l'attention ? C' est alors la composition habituelle, manque de détails inutiles et la pose vraiment inhabituelle des modèles. Cela nous fait nous demander pourquoi ce tendon de cette façon, que va-t-il se passer maintenant ? Maintenant, vous connaissez les cinq règles clés pour raconter de belles histoires visuelles. Et ce sont de grandes histoires qui font appel à nos émotions les plus profondes. Deuxièmement, les grandes histoires ont une structure claire. Troisièmement, les grandes histoires ont un but clair. Les histoires de quatrième année sont simples et ciblées, et les histoires de cinquième année sont surprenantes et inattendues. Maintenant, comprendre les caractéristiques est génial. La narration visuelle est importante, mais cela ne signifie pas que vous devez commencer l' avidité et des images significatives dès le début. Cela prend beaucoup de temps et de pratique et beaucoup de réflexion aussi. En ce moment, vous avez créé des photos pour leur esthétique, il n'y a rien de mal à cela. En fait, je fais ça depuis au moins cinq ans avant de ressentir le besoin de creuser plus profondément. Cependant, si vous voulez vous exprimer pleinement et avoir un impact sur votre public, une bonne histoire est cruciale. Maintenant, il est temps de faire de l'exercice. Pour celui-ci, je veux que vous photographiiez des images qui évoquent des émotions chez le spectateur, mais faites-le sans qu'un être humain soit présent en eux. Prenez deux émotions de base, le bonheur, la tristesse. Pensez à la façon dont vous pouvez créer un inventaire qui touchera votre spectateur. Quelles couleurs viennent à votre esprit quand vous pensez au bonheur ? Quel genre de lumière vous vient à l'esprit quand vous pensez à la tristesse ? Pensez à quels éléments vous aident à introduire l'émotion dans votre image et à les poser après avoir créé une photo réelle. En conséquence, vous devez avoir au moins une promotion d'image, une pour le bonheur et la tristesse. Ils n'ont pas à être techniquement parfaits. Cela peut être des choix téléphoniques, même si le but principal est de transmettre l'émotion pour cette tâche, télécharger nos images dans notre espace d'apprentissage. Félicitations. Maintenant, vous avez terminé le deuxième module de notre cours et maintenant tout savoir sur les cinq règles de base de la grande narration visuelle. Lequel est votre favori et celui que vous allez commencer à implémenter aujourd'hui dans vos œuvres. Allez-y et déchirez cela dans notre communauté Facebook. Maintenant, la semaine prochaine, nous allons discuter du style de vos remèdes et apprendre quels autres éléments d'une image côté de la surprise dont nous venons de parler, vous devez garder à l'esprit lors de la narration de votre histoire visuelle jusqu'à la prochaine fois. 10. Module 3 : Pourquoi le style ?: Maintenant que vous savez ce qu'est une grande recherche visuelle et être comme, regardons de plus près comment il peut être créé. Dans ce module d'apprentissage, nous devons parler de cette tuile d'une séance photo et ça a sonné. Et nous allons parler de chaque élément d'une image plus en détail. Si vous avez essayé de tourner des portraits de scène avant, vous avez probablement réalisé que ce n'est rien comme juste prendre de nouveau, Cameron, tête dans les rues à la recherche de scènes de la vie réelle. Raconter une histoire de la façon dont vous voulez raconter. Cela exige beaucoup de planification et de préparation. Et en fait, c'est vrai non seulement pour la photographie conceptuelle. Chaque fois que vous faites un produit de mariage familial nouveau-né ou intérieur devrait, il doit être soigneusement planifié et préparé. Il comprend également comprendre le style de votre futur style de tournage et se rapporte à votre capacité à organiser et scène esthétiquement agréable. Le style joue un rôle important dans la narration de votre histoire. Quand il s'agit de style dans une séance photo, cela peut signifier tout, de la garde-robe, les accessoires, l'environnement, la toile de fond, et même jusqu'aux ongles. Toutes les photos ne devraient pas avoir le budget pour embaucher un styliste. Bien sûr, quand je travaille sur mon projet artistique personnel, je leur dis d'habitude moi-même. de vue plus importantes sont généralement faites avec un styliste professionnel dans le cadre de l'équipe. Il a eu de mon expérience, plus souvent qu'autrement, vous allez devoir apprendre les bases du style. Une séance photo. Le style se compose généralement de plusieurs éléments de base. Je les appelle des éléments d'une image. Et ils comprennent, tout d'abord, modèle si vous travaillez avec les gens, bien sûr, emplacement, suivant et les chercheurs, maquillage léger et les cheveux, accessoires, garde-robe, et l'élément de surprise. Pouvez-vous penser à autre chose ? Permettez-moi maintenant, dans notre communauté en ligne, la chose clé à comprendre ici à propos de ces éléments est qu'à la fin, ils fonctionnent comme des éléments d'un puzzle puis en correspondance afin que votre histoire visuelle soit racontée de manière cohérente et cohérente avant que nous puissions prendre des décisions de style, vous devez savoir quel message vous sentez vouloir exprimer avec les photos que vous essayez de raconter une histoire. Donc, chaque élément de l'ensemble doit suivre cette histoire et être cohérent. Il y a trop d'aspects différents sur la photo. Cela peut nuire à Massey et n'a pas réussi à attirer l'attention de vos téléspectateurs. Le plus petit détail peut rendre tous les différents neuraux orange. La différence entre une photo oubliable et image d' élastine peut se répartir aux choix de vêtements. Parlons donc de chaque élément plus en détail. 11. Module3 : Éléments d'image : modèle: Dans cette courte leçon, nous allons parler du personnage principal de votre histoire, de votre mannequin, la personne qui s'est associée, en prenant, je sais que beaucoup d'entre vous devraient tous travailler avec des clients. Ces points seront également valables ici. Alors ne vous laissez pas distraire par le mot mortel. Si tu n'as jamais travaillé avec un. Ces points peuvent en fait se référer à n'importe quel sujet. Donc, si vous travaillez avec des animaux ou des produits, vous pourriez également les trouver utiles. Il existe plusieurs façons d'ajouter un récit visuel à la façon dont votre modèle apparaît sur votre photo. Nous en discuterons plusieurs. Alors, comment pouvez-vous ajouter visuellement un récit à votre sujet ? Peut-être que la première chose qui vient à l'esprit est concentrée dans votre accord sur le personnage principal de votre histoire. Dans le même temps, les choses qui sont moins importantes seront plus floues ou déconcentrées. Cela ne sera vrai que si vous créez une profondeur de champ peu profonde. Alors prenez cela en concentration lors de la création de votre image. La prochaine façon d'ajouter de la narration à votre sujet est de composer votre photo, la vague qui attirera l'attention de vos spectateurs sur votre modèle. Cela ne signifie pas que votre modèle doit toujours être au centre de votre image. Vous pouvez donc appliquer différentes règles de composition ici. Ensuite, nous pouvons jouer avec la profondeur de champ. Plus elle est superficielle, moins l'arrière-plan est important pour votre histoire. Et plus vous voulez votre spectateur D-pad tension à votre personnage principal. Jetons un coup d'oeil à ces deux images et essayons de répondre à la question, qui est l'histoire ? L' image de gauche de Tim Walker raconte certainement l'histoire de trois personnes. Tous sont mis au point, leurs corps remplissant le cadre de l'image et le plan est composé de sorte qu'ils sont tout aussi importants pour le spectateur. Quant à l'image de droite, le portrait de Jean-Paul Sartre par raison non enregistrée. C' est clairement à peu près une personne. Il y a un autre homme dans l'image, mais il est recadré et on ne voit pas son visage. Et son visage n'est pas important ici. Il est utilisé comme moyen de diriger notre attention sur le personnage principal du portrait. L' arrière-plan floue n'est cependant pas important en soi. Sans doute, cela ajoute à toute l'atmosphère de la photo. Mais son but principal est d' ajouter à la narration sur le sujet du portrait. Vous pouvez également utiliser le recadrage comme un moyen de l'histoire de Danny. Lorsque vos images étroitement rogné autour de vos modèles face au corps, signifie que le reste pas si important. Et vous ne voulez pas ajouter de récit par le choix de l'emplacement, par exemple, parce que c'est simplement un être vu. La prochaine façon d'ajouter un récit au sujet est l'apparence. Ceci est un large, car il comprend les traits du visage, la taille, le type de corps, la longueur des cheveux, et la couleur, et bien sûr se ferme et le maquillage. Nous en parlerons un peu plus tard. Vous pouvez également ajouter un récit à visuel, désolé par les arcs de votre personnage principal et garder à l'esprit lorsque vous dirigez votre modèle sur place. Voici un autre exemple de portrait de dilution monocle. La personne est la même, mais les histoires racontées par les photos sont complètement différentes, non ? L' image de droite semble beaucoup plus intime et technologique, surtout parce qu'elle est si proche, tout ce qui n'est pas important a été découpé. L' image de gauche nous donne beaucoup plus d'informations sur Monica. Image publique installée à travers la coiffure de robe Bose et d'autres détails. Mais cette photo ne dit rien sur ce qu'elle ressent. Alors, en gardant tout cela à l'esprit, comment choisir un modèle pour notre future séance photo ? Je suggère de vous poser une question. Ai-je besoin d'un personnage principal ou d'un accessoire ? Et voici ce que je veux dire par là. Quand je réfléchis à ma future séance photo, je me demande si j'ai besoin de mon modèle pour pouvoir exprimer une certaine émotion ? Ou ai-je besoin qu'elle soit simplement là comme accessoire ? La cause ? Il y a deux types de clichés que je fais, gros plans et genre de portraits environnementaux. Premièrement, mon modèle se marie avec l'environnement, l' arrière-plan ou la situation. Donc, si j'ai besoin d'un modèle d'accessoire que je me soucierais seulement de la forme de son corps et de sa longueur de cheveux et de la couleur et ce qui devrait bien sûr, quand je suis plan et un gros plan, je suis plus pointilleux avec le choix du modèle, cause dans dans ce cas, le modal devra pouvoir agir un peu, sinon beaucoup. Et je suis sûr que vous savez, que personne ne peut facilement tirer une émotion devant une caméra. J' ai aussi aimé les modèles bien connus ont des traits faciaux intéressants et de préférence les marchandises peuvent. Dans ce cas, je vais très certainement faire un test et voir ce que mon modèle est capable de faire devant une caméra. Maintenant, vous savez comment vous pouvez ajouter un récit visuel à votre personnage principal. Vous pouvez le faire par avion avec la mise au point, la composition, la profondeur de champ, la saisie, l'apparence et la pose de vos modèles. Dans la prochaine leçon, nous parlerons de l'emplacement de votre séance photo. 12. Module3 : Éléments d'image : emplacement: Dans cette leçon, nous allons parler de lieux pour une histoire visuelle future. Je vais partager quelques conseils et astuces sur la façon dont je trouve mes emplacements. Et nous parlerons de quoi faire attention quand vous organiserez vos vaisseaux de pompiers. Lieux où vous allez photographier votre image. Il peut être à l'intérieur et à l'extérieur. occasions de dépassement d'urine peuvent être n'importe où. Il peut être votre chambre sur la cour arrière, Il peut être des rues, chantiers de construction, des ponts, n'importe quoi. Dans 85 % des cas, vous n'avez pas besoin d'un studio de fantaisie ou d'un beau château pour créer une image qui raconte une histoire visuelle intéressante. Bien que cela puisse aider, bien sûr, l'assertion pour les cations est appelée emplacements cowering. Je le fais très souvent. Ce que je fais, c'est simplement de marcher dans les zones de mon CD et de prendre des photos de bâtiments intéressants , de murs, de ponts, d'arbres, etc. Si vous faites de même, je vous recommande créer un dossier sur votre téléphone ou ordinateur où vous pouvez stocker tous ces emplacements de sorte que chaque fois que nous avons une idée ou une demande de client, vous pouvez simplement aller dans ce dossier et choisir le emplacement qui chauffe l'humeur ou la couleur de la prise de vue. L' emplacement sera une grande partie de votre histoire visuelle, en fonction de la quantité que vous voulez montrer dans votre image, il définira l'ambiance et l'atmosphère de base de votre photo. Comparons ces deux images, par exemple. Et celui de gauche est plus romantique et tendre. Celui de droite est plus futuriste, surréaliste et difficile. L' atmosphère à la fois dans la mitose créée par l'emplacement. Tout d'abord, d'autres éléments ajoutent au sentiment que l'emplacement se fixe dès le début, emplacement déterminera toujours le style et la couleur de votre future séance photo. Donc, si c'est le point de départ, l'image même, vous devez garder cela à l'esprit lorsque vous pensez à travers les couleurs, la garde-robe et les invites pour votre tournage. Si ce n'est pas le point de départ, il doit correspondre à votre ID et à votre style. Permettez-moi de vous donner quelques conseils utiles sur façon de choisir le bon endroit pour votre séance photo. Tout d'abord, lorsque vous trouvez un nouvel endroit qui vous inspire, pensez à ce que votre personnage peut faire dans cet espace, comment il ou elle peut interagir avec lui. Si vous venez avec des réponses à cette question, vous aurez déjà la moitié de votre histoire prête ensuite. Lorsque vous choisissez un emplacement, vous devez penser, si vous êtes des accessoires, des modèles et une garde-robe survivront en elle. Par exemple, si votre invite un fait de papier, ils peuvent être facilement emportés par le vent ou ruinés par la pluie. Donc, si vous êtes comme moi, vivez dans la région où il risque de pleuvoir à tout moment de l'année, il est plus sûr de tirer avec des instructions papier à l'intérieur. Une autre chose à prendre en considération est l'emplacement, l'accessibilité. Nous serons en mesure de leur tirer à tout moment. Quel est le meilleur moment pour tirer leur lumière sage et la foule sage, parce que si c'est trop bondé, le processus de prise de vue devient beaucoup, beaucoup plus difficile. L' emplacement de Leiden est très important car ce sera la lumière que vous verrez à votre image. Donc, disons que vous voulez photographier avec lumière naturelle ambiante et que vous choisissez un endroit intérieur. Et disons que vous êtes l'occasion est un espace public avec beaucoup de lumière électrique jaune opéra. Dans ce cas, il aide à savoir s'ils peuvent être éteints, sinon, la lumière électrique peut ruiner votre image naturellement éclairée. Donc, quand vous choisissez votre occasionnellement, il est bon de venir là-bas avec une caméra et de faire un test avec un ami ou même avec juste votre sac pour que vous sachiez exactement où votre modèle sera placé et où vous serez debout. Cela vous fera gagner beaucoup de temps pendant la séance photo elle-même. Et votre mannequin n'aura pas à attendre que vous trouviez l'endroit parfait. En outre, vous connaissez mieux l'espace et cela pourrait vous aider à éviter les mauvaises surprises comme les portes verrouillées, lumière directe du soleil là où vous n'en avez pas besoin, etc. Maintenant, vous savez à quoi faire attention lorsque vous choisissez un endroit pour un future séance photo. Et dans la prochaine leçon, nous allons parler d'un élément d'image extrêmement important et profondément aimé par moi, qui est la couleur. 13. Module3 : Éléments d'image : Couleur: Dans cette courte leçon, nous discuterons des couleurs de votre future séance photo et de la façon dont elles pourraient influencer votre histoire visuelle. couleurs qu'ils utilisent dans le tournage sont un élément extrêmement important qui est parfois négligé par les photographes débutants de toutes les formes de couleurs de communication non verbales, la méthode la plus instantanée de transmettre des messages et des significations. Pensez-y avant que les humains apprennent à apprécier l'esthétique de la couleur, il y avait un aspect beaucoup plus pratique de communiquer avec la couleur. Souvent, notre survie dépend de leur capacité à identifier les objets nécessaires et les signaux Warren, qu' il s'agisse d'animaux, de légumes ou de minéraux. Et le choléra joue un rôle vital dans le processus d'identification. Couleurs, coéquipiers dans le travail en synergie avec tous les sens. Il symbolise des concepts abstraits et des pensées, n'exprimait pas de fantaisie ou de désir d'épanouissement. Il peut également vous aider à vous souvenir d'un autre moment ou lieu et produit une réponse esthétique très émotionnelle. intéressant, c'est qu'une grande partie de la réaction humaine à la couleur est subliminale et que les téléspectateurs ne sont généralement pas conscients des effets de la couleur sur eux. Pourtant, en tant que Créateurs, nous devons être conscients des effets, des couleurs que nous choisissons pour nos histoires visuelles, produisant notre public. Alors, comment les couleurs peuvent-elles nous aider à raconter nos histoires visuelles ? Tout d'abord, la couleur peut vous aider à souligner les détails. Par exemple, lorsque vous utilisez des couleurs contrastées pour attirer votre attention sur une personne ou un objet. Ensuite, les couleurs peuvent également créer une ambiance ou une atmosphère, va jeter un oeil à quelques exemples dans les quelques secondes. En outre, les couleurs peuvent renforcer votre composition. Voyons quel genre de couleurs narratives peuvent ajouter à la prise de vue. Et tout d'abord, les couleurs ont l'humeur générale de l'image. Il y a beaucoup de théories et d'idées sur façon dont les effets de la couleur de la composition de la Lune et donc des photographies au niveau le plus basique, couleur peut être séparée en deux catégories très générales. Cool et chaud. Les couleurs froides sont celles du bleu, vert et du spectre. Ces couleurs évoquent des sentiments de tranquillité, de paix et de calme. À l'autre extrémité du spectre sont les rouges et jaunes ou les couleurs chaudes. Ces couleurs sont plus invitantes. Ils invoquent des sentiments de bonheur, d'optimisme et d'excitation. Selon le contexte, ils peuvent également faire sentir un spectateur en colère, irrité ou même faim. déjà demandé pourquoi tant de logos de restauration rapide sont rouges ou jaunes. La couleur est un outil puissant quand il s'agit d'ajouter une certaine humeur à votre image. L' humeur est généralement ajoutée en utilisant des couleurs claires ou sombres. Les couleurs sombres sont souvent utilisées pour créer un effet plus dramatique et des couleurs plus vives pour un sentiment plus léger et plus heureux. Comparez ces deux photos, superviseur bipolaire et Tim Walker. Quel genre d'humeur obtenez-vous en regardant chacun d'eux ? couleurs saturées boulon rendent votre photo plus émotionnelle, non ramatique. Ils appellent à l'action. C' est pourquoi les couleurs saturées sont si souvent utilisées dans la mode et annoncent la photographie lorsque vous utilisez des couleurs fanées avec un faible contraste, cela ajoute un sentiment plus onirique. Couleurs en sourdine, mégafauna o moins dramatique mais plus mystérieuse et intrigante. Parfois, le choléra joue aussi son rôle dans la composition. Bols couleurs saturées comme le rouge ou l'orange peuvent saisir cette tension du spectateur, par exemple, et le mettre dans la bonne direction. Jetez un oeil à cette émission par Tim Walker. Quelle est la première chose qui attire votre attention ? Oui. C' est l'obscurité saturée pour accepter le stress de la plaie, qui contraste avec l'environnement presque incolore qui a ombragé. De plus, les couleurs peuvent replacer visuellement des sujets et des objets dans votre image ou les ramener à l'avant. Habituellement, toutes les couleurs froides comme le bleu ou violet ont fait les choses comme si elles étaient plus loin de vous. Les couleurs chaudes comme l'orange et le rouge rapprocheront votre sujet du spectateur. Vous venez d'apprendre sur l'élément suivant d'une image, les couleurs. Maintenant, vous savez comment les couleurs peuvent influencer nos humeurs, diriger notre ascension et nous aider à composer nos histoires visuelles. Dans la prochaine leçon de ce module, nous allons parler de l'élément extrêmement important d'une image, qui est la lumière. 14. Module 3 : lumière: Le prochain élément important de l'image dont je veux parler est la lumière. Celle-ci est cruciale. Après tout, la photographie s'appelle la peinture avec de la lumière. Cependant, je dois admettre que j'ai eu tendance à l'ignorer pendant longtemps simplement parce que j'ai choisi mon onglet de Light Years ago et je suis très à l'aise avec elle. Beaucoup de photographes consacrent toute leur vie à étudier les types de lumière et comment ils affectent l'humeur, mouvement et l'atmosphère générale d'une image. Des livres ont été écrits sur ce sujet. Dans cette leçon, nous n'irons pas trop loin dans les parties techniques et dans la compréhension de la lumière. Mon but ici est de vous faire prendre conscience de la façon dont la lumière qu'il devrait avec peut changer l'impression de votre histoire visuelle sur le spectateur. Et comment cela peut vous aider à développer votre récit ou apporter toute l'idée que vous teniez de transmettre. La lumière a Bower extra ordinaire pour créer des émotions, intifada, toutes les différentes qualités de la lumière, comme la luminosité, le contraste, direction, la température, et ainsi de suite, tous portent leurs propres émotions. Et la photo sombre rétro-éclairée avec un contraste élevé envoie un message très différent d'une forêt lumineuse et aérée au lever du soleil. Et en photographie, votre lumière pour compléter votre sujet. Si vous essayez de photographier et une cascade intense et dramatique, votre lumière devrait contribuer à cette blessure, pas distraire de ce que vous essayez de dire. La même chose est vraie si vous photographiez un portrait d'habitude amusant la lumière dans le reflètent personnellement ces émotions, je préfère travailler avec la lumière naturelle. J' ai essayé de travailler dans ce 2D ou plusieurs fois il venait de trouver que je peux obtenir le mode exact que je veux transmettre dans mes histoires avec éclairage de studio peut être différent et c'est totalement bien. Une chose que je veux aborder ici, est que si vous êtes comme moi et n'avez pas d'éducation formelle en photographie, qui pourrait avoir l'impression que vous devez savoir travailler avec des lumières de studio pour devenir un vrai photographe. Et ce n'est absolument pas vrai. C' était l'une des croyances limitantes que j'avais, une à commencer. Ce que je ne savais pas, c'est que la lumière naturelle est toujours considérée comme la meilleure lumière possible. Cependant, comme il est très difficile de taquiner et de contrôler souvent pour les photographes, c'est pourquoi ils utilisent toutes sortes de matériel d'éclairage et de modificateurs pour imiter cette lumière de la bonne façon. Il y a de nombreux avantages dans le travail dans un studio. Tout d'abord, vous pouvez travailler à tout moment aussi longtemps que vous voulez. Il ne dépend jamais des conditions météorologiques, de l' heure de la journée, etc., jusqu'à ce que je préfère chasser le soleil et les nuages et travailler dur avec la lumière naturelle. Mais encore une fois, cela veut dire juste, regardons l'impact émotionnel unique porté par différentes profondeurs de lumière. Bien que certaines parties soient subjectives, d'autres sont presque universelles. Je soupçonne que vous reconnaîtrez beaucoup de ces thèmes dans votre propre travail. L' un des types de champ les plus émotionnels de lumière est l'éclairage sombre et intense avec beaucoup d'ombres. Cela fonctionne bien pour toutes sortes de photographies. Portraits d'humeur, paysages puissants et œuvres documentaires sombres. Des photos conceptuelles aussi. La lumière sombre est populaire à travers tout le conseil avec une bonne raison. Tout simplement, c'est unique. La lumière sombre cache des informations aux spectateurs, rendant une photo mystérieuse et selon le sujet, potentiellement omnibus ou trouver, potentiellement omnibus ou trouver, vous voyez des hommes et des photographes de produits capturés des images sombres pour des publicités haut de gamme. Depuis, encore une fois, dans fait un si bon travail de transmettre les émotions. Ainsi, les émotions que la lumière sombre peut vous aider à transmettre notre été puissant, omnivore, raffiné, intense, le contrepoint évident, lumière vive porte son propre ensemble de mouvements importants. Dites que vous voulez capturer la photo de la zone thermique. Vous préférez prendre des photos sous une tempête dramatique ou une lumière de soleil Hazel durant la fin de l'après-midi. Et cela ne devrait pas être une question difficile que la lumière du soleil de l'après-midi donnera à votre photo un endroit beaucoup plus doux et de qualité. Il en va de même dans d'autres cas. Par exemple, peut-être que vous voulez capturer l'image optimiste s'est produite. Si c'est votre objectif, vous ne sortirez probablement pas chercher les coins de rue de la nuit. Ils ne correspondront tout simplement pas à l'humeur que vous essayez d'entrer dans votre photo. Bien qu'une scène plus brillante puisse cependant garder à l'esprit qu'il y a toujours des exceptions à la règle. Bien que la bonne lumière soit assez courante, cela vaut toujours la peine de l'éteindre. Dans de nombreux cas, si vous êtes après une certaine plongée de blessure comme zone optimiste, lumière vive sera ce que vous allez pour. Voici les principales émotions qui peuvent être véhiculées en utilisant la lumière vive dans vos images. Et ils sont optimistes, lumière aérée. Daniel Carroll, le prochain type de lumière est un contraste élevé. Beaucoup de bonnes photos utilisent un éclairage à contraste élevé. La poussière, les régions juxtaposant extrêmement lumineuses et sombres de l'image juste à côté de l'autre. Si vous avez une silhouette Dark Mountain devant le ciel, ce contraste. Si vous avez un lien de fiancée contre un rivage sombre, c'est le contraste. Le contraste se produit lorsque les éléments droits et sombres sont juste à côté de l'autre. Beaucoup de photographes supposent que les images à contraste élevé attirent beaucoup d'attention. Certains les appelaient punchy. Ce sont des conflits dramatiques et traditionnellement dramatiques, dont le contraste élevé est une excellente illustration, est un outil puissant dans la narration. Les images à contraste élevé se distinguent donc de la foule. Obtenez personnellement, je crois que l'utilisation d'une lumière à contraste élevé n'est pas toujours une bonne chose. Cela dépend de l'image, mais si c'est votre type de lumière, allez la tête et travaillez avec elle, il n' y a jamais un bien ou un mal. Vous pouvez trouver des contrats en recherchant la lumière non diffuse. En d'autres termes, un après-midi ensoleillé ou un flash de l'appareil photo non modifié produira probablement des images de contraste élevé. Bien que cela dépend de votre sujet, bien sûr, photos faites lors d'un après-midi ensoleillé ont tendance à paraître particulièrement dramatiques et intenses. Les mouvements clés de l'éclairage à contraste élevé sont dramatiques. Bruyant, vibrant, punchy et omble. Pourtant, ce qui vaut la peine de mentionner, c'est que photographier les gens dans une lumière très contrastée, ce qui signifie que le samedi est particulièrement difficile. Cela comprend obtenir des ombres vraiment dures sur les visages des gens, ce qui peut dans de nombreux cas même changé visuellement les traits du visage. Alors gardez ça à l'esprit. Le prochain type de lumière est à faible contraste, et c'est mon type préféré de lumière, ambiante et je considère que ce sont les mensonges qui, à mon avis, semble le plus mystérieux et onirique. C' est doux et canalisé. La lumière à faible contraste m'aide à créer le rêve dans une atmosphère paisible. Je suis toujours après. Cette lumière est plus facile pour moi de travailler dans le post-traitement. Cependant, vous devez vous rappeler que cette diapositive est plate et moins dramatique. Il ajoutera moins de mouvements à votre photo. Si vous photographiez une scène calme et douce ou si vous voulez une ambiance douce pour votre photo conceptuelle, ma principale recommandation est de rechercher une lumière à faible contraste. Alors comment et où très simplement émis par un jour nuageux ou à l'intérieur sans lumière directe provenant d'une fenêtre. Que faire pour une raison particulière que vous avez à tirer sur une journée ensoleillée lumineuse ? Eh bien, je suis un expert aux bureaux. Voici donc quelques conseils utiles. Tout d'abord, à l'heure, non ? Donc, si vous savez que vous êtes susceptible d'avoir à travailler avec un soleil lumineux, la première chose que vous devez faire est de choisir l'heure et le bon pour que la lumière soit un peu plus douce et vous permet d'obtenir le sentiment que vous voulez de lui. Habituellement est tôt le matin, 4D fois avant le coucher du soleil lorsque le soleil n'est pas aussi haut et les ombres, ceux à présenter regarder beaucoup plus agréable. J' ai essayé d'évaluer quand il serait plus pratique pour vous et votre modèle de convenir et de comprendre exactement combien de temps vous avez dans ce genre de lumière. S' il n'y a absolument pas le choix, vous devez, une journée ensoleillée, je suggère chirurgien pour une ombre, un endroit, ou vous pouvez également attendre jusqu'à ce que vous ayez une couverture nuageuse dans le ciel. Cependant, même dans l'ombre, la lumière peut être différente. Il est donc utile de faire des prises de test et d'évaluer la situation d'éclairage dans différents endroits de l'ombre. Et cela peut parfois être assez difficile pour moi puisque le fond est extrêmement important dans mes images, mais la peine de le faire quand même, une autre chose utile est d'amener votre réflecteur à l'endroit. Il peut soit créer une ombre ou éclairer les parties qui apparaissent extrêmement sombres près des images lorsque vous utilisez le réflecteur placé à l'opposé de la source de lumière, puis ajuster l'angle pour diriger la lumière exactement où vous le souhaitez. Vous voudrez également rapprocher le réflecteur de votre sujet pour une lumière plus forte et plus loin pour un effet plus doux. Pourtant, avec refactor, vous aurez toujours besoin d'aide. Quelqu' un doit le tenir. Un autre point que je veux faire à propos de l'éclairage doux est le suivant. Beaucoup de photographes pensent qu'un faible contraste photos ne se distinguera pas autant lors de la première subvention. Ils ne crient pas à l'attention. Pourtant, d'après mon expérience avec le débordement d'images à contraste élevé. Les gens cherchent quelque chose où leurs yeux se reposeront. Quelque chose de sous-optimal, doux, doux et amortissant. Et en outre, je trouve que beaucoup de gens préfèrent avoir quelque chose de confortable à faible contraste sur les murs de leurs maisons. Tout simplement parce que les images à contraste élevé les dérangent souvent et que nous voulons avoir la paix à la maison. Ce n'est pas une règle universelle, bien sûr. Alors ne prends pas ma parole pour ça. 2s l'option de lumière qui vous aidera à raconter vos histoires de la manière que vous voulez leur raconter. La lumière réussie n'a pas toujours besoin d'attirer l'attention immédiate. Au lieu de cela, c'est la lumière qui correspond au caractère de votre histoire, l'intrigue de votre récit. Les mouvements que la lumière à faible contraste apporte à vos histoires visuelles sont atténués, suspendus, résolus, silencieux, non muets. Jusqu' à présent, il devrait être logique que la luminosité et contraste affectent fortement les mouvements d'une photo. Mais qu'en est-il de la direction de la lumière ? Il y a cinq directions principales de la lumière. Je le mets de la manière la plus simple possible ici. Le premier est le rétroéclairage que l'éclairage latéral à chargement frontal, et il peut s'agir d'un éclairage aérien à gauche ou à droite et d'un soulignement. Les quatre premiers sont assez courants dans la plupart des types de photographie, photos de rue aux paysages. Le dernier, le soulignement pourrait être utilisé pour des images plus mystérieuses ou même effrayantes. plus de cela, vous pouvez avoir plusieurs sources de lumière, généralement pour nous travailler aujourd'hui en effet, configurations de la photographie de production haut de gamme peuvent avoir plus d'une douzaine de lumière différente. y a vraiment aucune limite en dehors de la simple praticité, mais au crépuscule, la direction de la lumière affecte le mouvement de vos photos et leur réponse est oui. Mais la façon spécifique de faits émotion est difficile à généraliser car elle dépend de tant de facteurs et de votre vue directe, parfois rétro-éclairage sera fort contraste et dramatique. D' autres fois, disons, par jour brumeux, il avait une bonne raison pour que l'atmosphère s'illumine avec des rayons lumineux du soleil. Il est connu ici dans la cohérence. C' est même vrai. Si vous capturez le Portrait dans des conditions contrôlées, vous pouvez obtenir de nombreuses émotions différentes à partir d'une seule direction de la lumière. Par exemple, je modifie la diffusion de votre chair. Qu' en est-il de la couleur de l'arrière-plan ou même du mouvement que votre sujet transmet. Tous ces facteurs signifient que le rétroéclairage ou l'éclairage latéral, pour ne citer que quelques exemples, veulent toujours porter les mêmes émotions d'une photo à suivre. C' est donc quelque chose que vous devrez aborder au cas par cas. Regardez cette scène, analysez l'interaction de la lumière, et voyez quels éléments de votre photo il met en évidence. Habituellement, c'est une bonne façon de dire quelles émotions il est le plus susceptible de transmettre. Et l'important ici, c'est que la direction de lumière ne revient pas aux photos et aux mouvements, mais pas systématiquement d'une manière ou d'une autre. Vous devez expérimenter sur l'emplacement et réfléchir soigneusement à l'humeur que la lumière crée. Maintenant que vous avez vu comment la lumière peut transporter le mouvement, il vous sera plus facile d'introduire ces émotions dans vos histoires visuelles. Cependant, ce que je veux souligner ici, c'est qu'il n'y a pas de bon ou de mauvais type de lumière pour vos photos. Vous pouvez et devez prendre des photos avec tous les types de lumière, car vos histoires peuvent être très différentes. Avec le temps. Vous pourriez rester avec un type particulier de lumière comme moi. Ou vous pouvez varier quand vous voulez. Ce qui est vraiment important, c'est de prêter attention au type de lumière que vous capturez sur une photo particulière, car vous voulez vous assurer qu'elle complète votre histoire et applique votre message le plus fortement possible. Dans la leçon suivante, nous parlerons de trois autres éléments d'une image. Et ce sont des accessoires et garde-robe, et le maquillage et les cheveux. 15. Module 3 : accesss, garde-robe et Muah: Cette courte leçon porte sur les détails de émis, à savoir des accessoires ou des objets qui pourraient vous aider à raconter votre histoire et des éléments qui nous donnent plus d'informations sur le personnage principal de votre récit, les vêtements qu'elle ou elle porte, et comment son visage et les cheveux lu. Donc, tout d'abord, parlons des accessoires. Les accessoires sont des objets qui vous aideront à raconter votre histoire visuelle sans mots. Ils peuvent être soit un readymade et achetés un magasin ou peuvent être faits spécifiquement pour votre séance photo. A la fois un bon, personnellement, je préfère travailler avec des invites assez simples qui ne nécessitent pas énormes investissements financiers et peuvent facilement être créés par moi-même. Parlera plus sur les invites plus loin. Pendant ce temps, je tiens à souligner une chose importante. Les invites sont généralement des objets qui ont des significations symboliques supplémentaires derrière eux. Et les symboles sont l'une des choses qui rendent la photographie conceptuelle si captivante Les objets symboliques ont généralement non seulement une, mais plusieurs significations différentes. Et il devient divertissant pour le spectateur de deviner lequel l'auteur de l'image avait en tête lors de la création. Le prochain élément important de votre photo est ce que votre modèle porte lourd. Jamais pensé à la quantité d'informations que les vêtements peuvent nous donner sur une personne, sur ses goûts, ses antécédents, position sociale, ses intérêts et même ses traits de caractère. C' est la première chose qui jugerait quand nous disons une personne pour la première fois. Gardez cela à l'esprit lorsque vous racontez une histoire sur votre personnage visuellement, ce qui s'adresse à communiquer à votre spectateur. En outre, votre garde-robe peut ajouter un réglage de l'heure à votre image et soit envoyer l'histoire visuelle entière au passé. Si vous utilisez un codeurs vintage ou à l'avenir si votre modèle où quelque chose de garde du four, et bien sûr, garde-robe et accessoires doivent être très pertinents pour l'emplacement, maquillage et le style de cheveux, ainsi que de bien fonctionner avec toute la palette de couleurs de votre histoire. La même chose sera vraie pour le maquillage et le style de cheveux de votre personnage principal. Je n'ai en aucun cas et Ced sur vous n'avez pas le maquillage et cheveux vers le bas professionnellement pour chacune de vos séances photo. Ce que j'essaie de souligner ici, c'est que si vous faites un gros plan, le bon maquillage peut augmenter l'effet sur le spectateur. Votre forum d'assertion en même temps, faire sa coiffure qui ne correspond pas au style général de votre séance photo et ne supporte pas l'histoire derrière votre image peut facilement détruire l'impression que vous voulez produire un nouveau moins. Dites le vôtre devrait dans la jeune fille romantique dans le domaine, les sels les plus légers et amorti le vent joue avec ses chaussures de robe vintage pieds nus. Mais si tout en même temps, nous devrions porter du maquillage de soirée lourd et sombre, il a toutes les chances de faire une mauvaise impression sur votre public. Maintenant, nous avons brièvement passé tous les principaux éléments qui composent le style général de votre séance photo. Nous avons parlé des modales, des occasions, des couleurs, de la lumière, des accessoires, de la garde-robe et du maquillage et des cheveux. Comme je l'ai mentionné, le style forestier et se déroule dans presque toutes les parties de la photographie de scène, soit conceptuel beaux-arts, mais aussi portant portrait de famille ou même la photographie d'intérieur et de nourriture. Cependant, il y a un dernier élément qui sera principalement unique pour les portraits conceptuels et cette surprise. Dans la prochaine leçon finale de ce module, nous allons parler de mes types préférés d'éléments de surprise qui peuvent être trouvés et la jeunesse dans des images conceptuelles. 16. Module 3 : surprise: Cette leçon, nous allons parler de façons de surprendre jamais votre, avec vos photos. Et JE partagerai MA liste de tours magiques préférés avec vous, ce qui est en aucun cas est complet. Si vous savez un prêt plus visuel est, ce qui peut être surprenant pour votre spectateur, s'il vous plaît aller de l'avant et de les partager dans notre communauté Facebook. Mais nous avançons sauter aux tours de magie. Comprenons pourquoi étonnamment, irradiance peut être si importante. Permettez-moi de partager cette citation par Martin Parr, photographie magnum avec vous et engager. Tu n'as jamais entendu parler de Magnum. Je vous recommande fortement de le rechercher. C' est l'agence photo la plus réputée au monde qui se spécialise en photographie américaine et documentaire. Et Riccardi AB raison, que j'ai mentionné plusieurs fois dans ce cours, était l'un des fondateurs de cet agent. Mais pour revenir à la citation de Martin, il dit que les éléments de surprise sont clé d'une photo mémorable et ils veulent vraiment à nouveau, éléments de surprise sont la clé d'une photo mémorable. Alors pourquoi un photographe documentaire insiste sur le fait que dans le module précédent sur cinq règles ou grande narration visuelle, nous sommes déjà brièvement touchés sur l'importance des téléspectateurs étonnamment aujourd'hui, lorsque la quantité de visuel information et pauvres et sur nous chaque jour est énorme, téléspectateurs cherchent quelque chose de surprenant et divertissant quand nous, comme le public, pense, quand maintenant tout sur le monde, peut-il y avoir un moment plus étonnant ? Et puis celui qui vous secoue de votre état d'esprit tout connu et vous fait croire, même une seconde, qu'il reste encore quelque chose de mystérieux dans le monde. Donc, les meilleures histoires visuelles ont ceux que les donateurs dans 200. Et encore une fois, l'imagination d'un enfant ne voit aucune limite. Et si les histoires visuelles assez fraîches et surprenantes, non plus nous en tant qu'adultes et dans une bonne histoire visuelle va détruire les limites. Les histoires qui captent les étrangers ou même un choc se souviendront le plus pour moi, éditeur, élément surréaliste, mes images extrêmement importantes aussi parce que je trouve que cela m'aide à exprimer ma vision pas si commune du monde au fil des ans J'ai recueilli une liste d'éléments surprises que je vais à quand je pense à grand et votre histoire visuelle, nous allons jeter un coup d'oeil dans quelques secondes. Tous les tours de magie sont énumérés ici, peuvent être utilisés dans, comme des outils pour apporter un imprévu attaché à votre travail. Cette liste n'est en aucun cas complète. Nous vous donnerons l'idée d'où commencer et de quoi explorer. Et tout d'abord, mon préféré absolu, mais aussi parfois peut être un peu difficile et coûteux à préparer. Et c'est plusieurs objets. Vous pouvez soit avoir une perte d'objets identiques dans votre photo ou plusieurs objets d'un type similaire, comme différentes tasses et assiettes dans cette image particulière. Bien sûr, certains d'entre vous peuvent argumenter et je les soutiendrai, que vous n'avez pas besoin d'avoir tous les objets ou les sujets en place. Vous allez à un seul et même objet plusieurs fois. Et c'est vrai. Mais seulement dans une certaine mesure, il y a des cas. Disons que si vous voulez avoir un tas d'objets quand c'est vraiment. Plus facile d'obtenir les objets à l'emplacement que d'essayer de créer cette pile dans Photoshop. L' élément de surprise suivant est exceptionnellement gros ou petits objets. Les images ont tendance à capturer une tangente lorsque la taille d' un objet ou d'une personne qui y est utilisée est différente de ce à quoi nous sommes habitués. Toujours exceptionnellement grands ou petits objets attireront un Danton et feront se demander comment l'effet a été atteint. Personnellement, je préfère travailler avec des objets qui ont été fabriqués exceptionnellement grands ou petits, spécifiquement pour mon Photoshopped. Mais bien sûr, vous pouvez maintenant beaucoup de bien tout en utilisant un logiciel d'édition. Donc c'est totalement à toi de décider. Ensuite, nous serons un monde miniature. Cet élément de surprise est très proche du précédent, dans lequel la majorité des objets et des personnes ne sont pas de taille normale encore différente. Dans ce cas, vous transformez vos sujets en une Lena fumble, et placez votre sujet dans un monde d'objets géants. Le monde du médiateur rend toujours votre image extrêmement attrayante, mais seulement quand elle est faite correctement. Je crois que le Darrel Robertson, un photographe bien connu du Canada, est le roi lorsqu'il s'agit de créer un monde miniature. Donc je vous recommande fortement de vérifier ses œuvres. L' élément de surprise suivant est une limitation lorsque des objets, des personnes ou des animaux qui ne sont généralement pas censés allumer lévitent, il semble très inhabituel et attire instantanément l'attention de vos téléspectateurs. Vous pouvez faire preuve de créativité avec la lévitation et l'appliquer à des personnes, cheveux, des objets ou des animaux à votre image. Tout comme avec beaucoup d'autres astuces, lévitation exige beaucoup de planification préalable et plus tard composite dans, dans Photoshop. L' élément de surprise suivant est très intéressant et exige beaucoup de connaissance des différents matériaux. J' appelle ça des effets sur scène. Ce que je veux dire par effets sur scène, c'est tout, de la fumée à la poussière, et de l'utilisation de filtres de film de couleur physique réels aux diapositives de torche pour créer de l'intérêt pour des faits allégés. Des choses comme les fusées de soleil clignote la peinture de lumière, le tir sous-marin et autres sera toujours inhabituel et donc surprenant pour vos téléspectateurs peut la prochaine chose qui attirera beaucoup d'attention à votre photo est en utilisant des animaux, surtout pas les chats et les chiens habituels. Nos ancêtres avaient besoin de détecter les animaux pour survivre afin de ne pas se faire tuer. Ils ont développé des régions cérébrales qui ont détecté des animaux, et nous avons hérité de ces mécanismes. Cela signifie que même aujourd'hui les animaux captent une partie de notre attention finie. Les animaux le font surtout quand vous les photographiez dans une proximité inhabituelle et les interactions des humains, le grand défi lié à l'utilisation de l'élément surprise dans l'urine fait, est que les animaux peuvent être assez difficiles et coûteux à obtenir sur place. Et bien sûr, vous pouvez les prendre à partir d'une image de stock, mais il faudra également beaucoup de compétences pour rendre un tel aspect composite crédible. Et c'est de l'eau. Tout après cela, comme une image réelle semble crédible en même temps, le prochain élément de surprise sera une garde-robe inhabituelle. Il va sans dire que la façon dont les gens ont l'air. Il est hors de l'ordinaire, sera immédiatement attrapé l'attention des téléspectateurs. Et l'élément suivant est le maquillage et les cheveux inhabituels dans nos photos, étroitement liés à la précédente, mais plus spécifique au visage de votre sujet. Il fonctionne mieux avec les applications proches parce que vous voulez que le maquillage et le style de cheveux soient vus dans tous les détails. Si vous utilisez celui-ci, rappelez-vous qu'il devrait vraiment sortir de la voie et une sorte de réviseur perturbé pour obtenir de meilleurs résultats avec celui-ci, je recommande fortement de collaborer avec le professionnel. Vous aurez tous les deux l'occasion d'expérimenter et d'essayer quelque chose de nouveau, ce qui est toujours bon pour votre développement en tant qu'artiste. Vient ensuite la composition. Un pas si évident, mais un élément de surprise très fort que vous pouvez ajouter à vos photos. Vous pouvez créer un effet surréaliste en organisant les éléments de votre plan d'une manière inhabituelle. Souvent, si les choses et les objets de l'image sont soigneusement organisés, cela seul semble surréaliste car il peut très rarement être trouvé dans la vraie vie. C' est pourquoi beaucoup d'attention à composer et mes prises de vue et de s'assurer que tous les détails il ont leurs propres places est parce que l'ordre qu'un ajout à mes Images est surréaliste et se regarder autour de vous. vraie vie n'est jamais en parfait ordre quand une image est en train de tourner, d'organiser, il semble surprenant. Le dernier mais pas le moindre élément de surprise serait de trouver un lien inattendu entre les choses et les lieux et de construire des images sur les associations. Parfois, vous pouvez trouver des similitudes visuelles et pense qui ne serait jamais connecté dans la vie réelle. Ceux quand ils sont bien faits, seront immédiatement mis en pause les gens et les faire trébucher. Ici. Je n'ai même pas toujours à manipuler ces images. Tout ce dont vous avez besoin est un Kenai qui voit des motifs et relie des points. Avant d'arrondir la liste de l'élément surprise, je veux vous donner le dernier bonus pour moi est l'utilisation d'idiomes et de métaphores. Voilà ce que je veux dire par là. Vous pouvez prendre n'importe quelle phrase définie de votre langue. Vous êtes comme et connecté à quelque chose d'autre et essayez visualiser quand vous faites IDMS ou des phrases métaphoriques populaires visuelles, il divertit toujours les gens et il les fait arrêter et refléter comme artistes espagnols shaker fait avec toutes les métaphores et idiomes liés à l'amour et au cœur. Peux-tu deviner ce que c'est ? Voici donc une liste de mes tours de magie préférés qui peuvent rendre vos images si réelles et surprenantes. C' est loin d'être terminé. Et si vous avez vos suggestions, veuillez les poster sur, dans notre communauté en ligne. Maintenant, après avoir étudié tous les éléments, Il est temps d'apprendre à les reconnaître dans leur rôle dans les photos et autre histoire régionale. Donc, pour cet exercice, qui est de briser les images en élément et de comprendre cette connexion de ces éléments. Je veux que vous choisissiez trois images de vos photographes préférés et écrivez tous les éléments que vous pouvez les trouver. Ils, pas tous les éléments pourraient être présents. Et c'est correct au point de l'exercice est d'apprendre à briser et à imaginer des éléments et à comprendre comment ils sont tous connectés pour raconter cette histoire. Lequel de ces éléments représente le personnage, le cadre, le récit de l'histoire racontée dans l'image. Je veux que vous répondiez aux questions. Qui est le personnage, quoi il ressemble, et quel est le cadre de l'histoire, quand et où elle se passe ? Que fait le personnage ? Qu' est-ce qui lui arrive ? Et comment, de quoi est l'histoire et bien sûr, de quoi il s'agit vraiment. Y a-t-il un élément de surprise dans cette histoire visuelle ? Si oui, qu'est-ce que c'est ? Lisez-le, puis je veux que vous applaudiez les trois images avec des commandes à notre espace d'apprentissage. J' espère que vous avez aimé apprendre les éléments d'une image et de la photo Tyler. Maintenant, je veux que vous fassiez comprendre quels éléments de style sont les plus importants pour vous quand vous essayez de vous raconter une histoire. Vraiment y penser. Certaines personnes peuvent s'occuper de lieux, la lumière de Bose pour certaines personnes, ces choses peuvent être sans importance du tout. Lesquels sont les plus importants pour vous. Et rappelez-vous, vous pouvez toujours expérimenter avec ça quand vous tirez et voyez comment ça se passe. Il est temps de pratiquer ce que vous avez appris jusqu'à la prochaine fois. 17. Module 4 : Pourquoi utiliser des symboles ?: Aujourd'hui est Août chiffre symboles valides et narration visuelle. Pourquoi est-il important d'avoir des symboles dans vos histoires visuelles ? Nous allons discuter des types de symboles et nous parlerons de la façon dont vous pouvez créer vos propres symboles. Nous parlerons aussi de quelques clichés de balles. On les utilise tous. Mais nous ne voulons pas tous les utiliser. Donc, ça va être le sujet de notre leçon. Tout d'abord, quel est ce symbole ? Voici ce que dit Wikipédia, une marque symbolique, un signe ou un mot qui indique signifie ou est compris comme représentant une idée, ou un mot qui indique signifie ou est un objet ou une relation. Les symboles permettent aux gens d'aller au-delà de ce qui est connu ou vu par la cupidité et d'établir des liens entre des concepts et des expériences autrement très différents. Toutes les communications sont archivées à l'aide de symboles. Les symboles prennent la forme de mots, de sons, idées de Jeter ou d'images visuelles, et sont utilisés pour transmettre leurs autres idées et croyances. En fait, de nombreux symboles officiels, ils sont tout autour de nous et nous les utilisons tous les jours sans en être conscient, même, par exemple, dans certaines cultures, couleurs particulières sont associées au sexe, comme payer pour les filles et bleu pour les garçons. Les symboles et les arts visuels représentent des concepts ou des idées qui ne sont pas nécessairement directement liés à l'image, mais compris par le spectateur sur la base des horreurs ou de ses connaissances de fond, certains symboles sont immédiatement évidents, tandis que d'autres exigent que le spectateur mette plus d'efforts à sa portée et à son sens. Et cela pourrait être la partie divertissante de voir l'art. La fonction principale des symboles dans une image est d'ajouter une médiane d'une manière qui n'est pas immédiatement claire. De cette façon est plus subtile que d'utiliser des textes et vos périmètres, par exemple, comparons ces deux photos. deux sont en quelque sorte sur le même sujet, mais la photo de droite nous laisse moins de place à l'interprétation. Il dit de quoi il s'agit très fort et clair. La photo de gauche est plus subtile. Plus vous le regardez, plus vous devenez connecté et émotionnellement investi en vous. Il y a un peu de mystère derrière elle. Et nous voulons vraiment comprendre de quoi il s'agit de ce visage brisé. C' est la puissance de l'inaction des symboles. Ils montrent MSA du centre-ville en ce que la photo est meilleure que l'autre. Bien sûr que non. Mais je suggère que celui qui utilise plus de symboles attirera plus d'attention et se souviendra davantage. C' est pourquoi l'utilisation de symboles dans votre travail conceptuel est si importante. Il aide le spectateur à percevoir le concept et à mieux le comprendre. Les symboles de votre travail aideront votre spectateur répondre à la question de savoir ce qu'est vraiment l'histoire. En effet, les symboles peuvent transmettre un message qui, autrement, serait difficile ou impossible à transmettre dans l'œuvre d'art par des symboles et l'auteur peut facilement établir des liens avec le spectateur. Vous saurez tous les deux quelque chose qu'un certain phénomène ou un objet peut supporter forum, disons que vous utilisez des pièces de puzzle dans votre image. Votre spectateur peut immédiatement les associer à un problème ou à un défi en fonction de ses expériences antérieures. C' est ainsi que vos connexions sont formées dans le poids très basique, comme je l'ai déjà mentionné, les symboles ont une interprétation énorme du potentiel et les ajouter mentionnés au pire impact possible. C' est pourquoi les réalistes aiment la poupée d'ingrédients, nous les utilisons tout le temps dans leur travail. Et bien sûr, ils sont amusants à décoder. comprendre pourrait devenir un véritable casse-tête pour l'esprit. Cela signifie que votre spectateur restera avec votre image plus longtemps et encore, sera plus émotionnellement investi dans elle. Maintenant, nous allons vraiment spécifique et parler du symbolisme et de la photographie en particulier, pouvez-vous utiliser seulement des invites comme symboles très loin de lui, symbolisme peut être introduit à une photo de différentes façons. Nous avons déjà parlé des significations des couleurs. Par exemple, il s'agit d'un type de symbolisme que vous pouvez utiliser pour construire sur un thème ou un indice d'émotion. Les nuances de bleu, par exemple, sont apaisantes et font penser au ciel. Alors que l'orange est une couleur passionnante qui est parfois utilisée pour représenter l'ambition au-delà des couleurs, l'utilisation de la lumière et de l'ombre peut être symbolique. Nous avons déjà parlé des différentes émotions qui peuvent être attribuées à différents types de lumière. Maintenant, allons aller plus loin et y attacher une certaine signification symbolique. images à contraste élevé peuvent représenter le bien et le mal, par exemple, ou la dualité de jour et de nuit des positifs. Et bien plus que, qu' il y a des objets bien sûr, et ce sont les symboles les plus couramment utilisés. Quel genre d'objet peut être un symbole ? Vous serez surpris, mais pratiquement n'importe quoi, généralement n'importe quel élément d'avion que nous voyons autour de nous dans la vie quotidienne peut avoir la signification symbolique. La signification peut être apportée par ce que l'article est utilisé ou par où il peut généralement être trouvé par les qualités de l'article aussi, comme la douceur, la netteté, la brillance, etc. Par exemple, prenons quelques éléments simples. Qu' est-ce qu'un livre peut symboliser alors qu'il est traditionnellement la connaissance, la sagesse, l'histoire, l'apprentissage, mais aussi peut-être l'imagination et les souvenirs, bien sûr, et ce n'est que la pointe de l'iceberg. Un autre exemple, les escaliers. Ils peuvent faire penser à un bain ou à un défi que le personnage doit surmonter, peut-être un rêve qu'un personnage a dépendant de l'environnement. Ils peuvent aussi vous faire penser à un mystère. Encore un autre exemple est un qij. La première chose qui vient en ligne si nous le voyons, pourrait être pris au piège, le contrôle de la prison, manque de liberté, limité. Pourtant, en même temps, certains d'entre nous pourraient le considérer comme un bouclier ou un moyen de protection. N' est-ce pas juste fascinant comment un objet simple peut vous rappeler tant de choses. Souvenirs, expériences passées, histoires que nous avons entendues et vues auparavant. Et ici, nous sommes prêts à construire nos propres histoires, en interprétant l'image devant nous. C' est le pouvoir des symboles en action. 18. Module 4 : Types de symboles dans des histoires visuelles: Dans cette courte leçon, nous allons parler des types de symboles que vous pouvez utiliser dans vos histoires visuelles futures et de la façon dont chaque type peut vous aider à rendre votre récit visuel beaucoup plus fort. Traditionnellement, les symboles peuvent être divisés en universels et les symboles universels propres à la culture sont ceux qui sont compris ou interprétés par la majorité des gens de la même manière, quel que soit leur milieu culturel. Par exemple. Et nous pouvons prendre nos objets ou objets comme les oiseaux, livre, le cœur, le fils, l'étoile, trois, le feu du drapeau. Et fondamentalement tous les emojis que nous utilisons tous les jours peuvent être appelés symboles universels. Ces symboles sont généralisés et sont largement reconnus dans diverses cultures. Lorsque vous incorporez des symboles universels de base dans votre photographie, il y a de bonnes chances que beaucoup de gens répondent à ce sens universel consciemment ou inconsciemment. Ils pourront se rapporter à cette image. Et c'est ce que nous recherchons lorsque l'image résonne, les gens accordent plus d'attention et s'en souviennent mieux. Bien sûr, le prochain groupe de symboles est culturellement spécifique. Les symboles culturels spécifiques ne seront compris que par les représentants d'une nationalité particulière ou de tout autre groupe culturel. Par exemple, dans de nombreuses cultures, un poisson rouge est considéré comme un symbole de prospérité et de richesse. Dans la culture russe, un poisson rouge symbolisera également les rêves qui deviennent réalité et l'impermanence. C' est parce qu'il y a un conte de fées populaire dans lequel un poisson rouge agit comme un génie et donne aux gens ce qu'ils désirent. Mais à la fin, quand ils demandent trop, le poisson prend tout. C' est le regroupement traditionnel de symboles, mais il y a un autre type qui vaut également la peine d'être mentionné, c'est-à-dire les symboles personnels. Et ce sont ceux que nous créons nous-mêmes. Et ceux-ci peuvent ou non être interprétés par d'autres. De la même manière, chacun de nous peut avoir symboles hautement personnels basés sur sa personnalité et son histoire uniques. Si vous avez vu un petit oiseau, directeur rosier, vous pourriez associer les roses à la mort. C' est ainsi que les symboles fonctionnent par ce type très basique de processus de pensée connu sous le nom d'association. Nous associons cela à cela. Cela me rappelle que les lignes d'association générées par le symbole peuvent se préparer dans de nombreuses directions. Si vous connaissez l'histoire de Harry Potter, vous vous souvenez probablement des Patronas créés par Harry quand il essayait de se protéger des réclamants. C' était un cerf. Dans de nombreuses cultures, un cerf est un symbole de sagesse, de douceur et de douceur. Dans certains, il peut représenter une protection pour Harry, dans ce cas, un cerf est devenu un symbole de sa famille, à savoir son père. C' est donc un exemple de symbole personnel, mais les choses deviennent beaucoup plus complexes et beaucoup plus intéressantes. Lorsqu' une image contient une variété de symboles possibles, des symboles peuvent être combinés. Ensuite, vous avez des symboles interagissant avec des symboles, des significations, interagissant avec des significations. Et ce ne sont pas seulement les éléments d'une interaction d'image entre eux, mais aussi les couleurs et la composition qui ajoutent au symbolisme et au sens. Comment est-ce que tout va bien ensemble ? Encore une fois, il peut y avoir toute une gamme de façons de répondre à cette question, et elles varient d'une personne à l'autre. C' est pourquoi nous sommes fascinés par les grandes œuvres d'art. Ils sont remplis de toutes sortes de significations. Quelles sont les différentes choses qu'il pourrait symboliser ? Pas de bonne ou mauvaise réponse. Jouez avec les possibilités. Prenons cette image par l'ombrage Brooke par exemple. Ici, elle joue avec une variété de symboles comme l'eau, tempête, la lanterne, la lumière pour nommer une meilleure vue. Un autre exemple est le travail de Rodney Smith. Quels symboles voyez-vous ici ? Je vois un parapluie, un cirque, jardin, une adresse d'arbres, et ce que vous êtes. Maintenant, il est temps de faire de l'exercice. Et dans cette leçon, nous allons faire de l'exercice sur la lecture de symboles dans les photos. Donc, pour cet exercice, je veux que vous trouviez trois exemples d'images conceptuelles. Ce peuvent être les photos que vous avez pour les leçons précédentes ou de nouvelles leçons. Ils peuvent être les deux, soit les vôtres, soit par quelqu'un d'autre. Quels objets ou éléments d'image semblent symboliques ? Vous les lisez ? Ces symboles sont-ils universels, culturels ou personnels ? Je voulais mettre ce type à côté de chaque symbole. Plus vous pouvez trouver de symboles, mieux et plus l'exercice devient intéressant. Et bien, à venir, on va parler de clichés symboliques. Devrions-nous les utiliser dans nos histoires visuelles ? Ne sont pas. Regardez la prochaine leçon pour le savoir. 19. Module 4 : Cliches symboliques: Le prochain sujet dont je voulais vous parler est les clichés symboliques. Et je pense que vous seriez d'accord que c'est un sujet très délicat pour beaucoup d'entre nous, moi inclus la photographie conceptuelle ou fine art est construit sur des symboles et des clichés aussi bien. Nous voyons des valises, des lanternes, robes vintage, des fleurs, des arbres sur toutes les autres photos, gens cessent d'être surpris par eux et ils ne captent plus leur attention quand il y a un débordement de ceux-ci, seriez-vous d'accord avec des images avec des symboles clichés n'aura pas autant d'impact sur le spectateur. Allons juste y faire face. Tout le monde a l'habitude de voir une seule et même chose encore et encore. Elle cesse d'être continuée à se diviser. Pourquoi cela arrive-t-il ? Regardons ça de plus près. Tout remonte à ce que nous nourrissons notre bande passante. Et tout d'abord, les images d'un regard sur, bien sûr, alors que disons que vous êtes intéressé par la photographie d'onglet et partout où vous regardez, vous voyez des arcs, de nouveaux pardons, photoshop composites de bébés dans des ballons de basket et des nids à côté des images post-néonatales sont des photos de petits enfants, de forêts et de champs baignés d'une lumière dorée surchargée. Vous pouvez penser que puisque tout le monde semble photographier de cette façon, c'est essentiellement ce que les clients un, et c'est à ça que devraient ressembler vos photos. C' est une façon sûre de vous retrouver perdu dans la mer de la même nature. La même chose se passe avec les limiteurs conceptuels ont été vus partout. Par exemple, j'admire vraiment le travail qui a brisé l'ombrage, et j'aime son activité d'artiste, d'éducatrice. Cependant, à mon avis, cela a des effets secondaires. Voilà ce que je veux dire. Son travail est très populaire et beaucoup d'entre nous sont pris à ne regarder que ses images, mais être inspiré uniquement par son art nous permet d'utiliser les mêmes clichés symboliques. Et c'est ce que nous obtenons en conséquence. Tout cela, les images ont été prises par différentes personnes, mais elles pourraient facilement être confondues avec le travail. Donc juste un artiste. Seriez-vous d'accord ? Cela arrive parce que lorsque nous voyons des œuvres d'un seul artiste, un style et des symboles similaires sont utilisés tout le temps. Nous avons une idée consciemment ou inconsciemment que c'est ainsi que nos photos sont censées le faire. Et il n'y a pas une telle chose comme un supposé Luke pour une photo. Pensez-y. Il n'y a pas de telle chose que c'est censé regarder quand on apprend des autres. N' oubliez jamais que ces choses ne sont que des lignes directrices, mais pas les règles fixées dans la pierre sont votre photographie et vous êtes là pour créer vos propres règles. À un moment donné, la chose à propos des photographes exceptionnels est qu'ils se distinguent précisément parce qu'ils ne font pas ce que tout le monde fait. La vérité à propos de travailler dans un genre spécifique, y compris la photographie conceptuelle, est que vous n'avez pas à vous intégrer sérieusement, il suffit de penser à cela. Tu n'as pas à t'intégrer. Et beaucoup d'entre nous essaient de le faire exactement en utilisant des clichés symboliques. Donc non, il n'y a rien de mal à utiliser des tasses, des livres et des lanternes de navigateur encore quand vous les utilisez, rappelez-vous que d'abord, vous n'êtes pas censé les avoir dans vos émetteurs. Et ensuite, qu'il n'aura pas l'air aussi original que vous l'aimeriez aussi. À moins que vous n'utilisiez l'objet d'une manière nouvelle et typique, peut-être même comme il n'a jamais été utilisé auparavant par d'autres. Donc, quand vous voulez créer de l'art vraiment impactant, essayé de trouver de nouvelles façons d'utiliser les anciens symboles universels. Cela ne viendra pas à vous instantanément. Bien sûr, il faudra des années pour comprendre quelle histoire vous essayez de raconter sur quel type de message vous voulez envoyer au monde. Cela viendra avec la maturité. Cette chose que je veux vous communiquer aujourd'hui est que vous devriez être conscient des clichés et envisager les possibilités de les éviter pour faire ressortir votre art, je veux partager cet exemple avec vous, même si ce n'est pas strictement photographique. Voici deux images et où nous pouvons voir des fleurs. Celle de gauche de Margarita Karima est incroyablement belle. Sa valeur esthétique est incroyablement grande. Cependant, celui de droite de Banksy, cependant, pas aussi esthétique, produira un impact plus profond sur le public. Je ne dis pas ici que produire des images esthétiquement belles est une mauvaise façon, encore. Nous sommes ici pour apprendre à raconter des histoires vraiment percutantes. Et c'est pourquoi je voulais vous exposer à cette idée d' aller plus loin et pas seulement pour l'esthétique, il pourrait ne pas sembler juste de comparer ces deux images. Et je comprends que, cependant, je pense toujours que c'est une façon parfaite d'illustrer mon idée. Vous pouvez certainement utiliser des clichés symboliques, mais essayez de trouver de nouvelles façons inattendues de les utiliser dans. En passant, rien ne dit que vous devez utiliser des symboles établis dans votre propre travail. Au contraire, créer vos propres symboles est la façon dont nous en tant que culture, développons de nouveaux symboles, idées et significations. Alors n'hésitez pas à créer quelque chose de votre propre et à l'utiliser pour lier votre corps de travail ensemble. Pour certains photographes, le symbole est un objet qui est toujours inclus dans une image. Le père d'art de Maria montre la piscine comme son symbole, et elle utilise des dizaines et des dizaines de ses images. Quand il s'agit de choisir des symboles, il est très difficile de se tromper. Simplement deux choses qui signifient quelque chose pour vous. Voici quelques exemples de mes œuvres. À 1, j'ai décidé que sont un oiseaux gardiens dans mes images représenteront les émotions qui peuvent être écrasantes mais pleinement mangées en même temps. Un autre exemple est l'utilisation des jumeaux ou de la dualité comme représentation de l'auto-conversation que nous avons tous vécu dans nos têtes. Parfois avoir un combat interne à d'autres moments en essayant de descendre nous-mêmes et en essayant de trouver la paix intérieure. Voici un autre exemple. C' est ma série que j'appelle des coupures de papier. J' ai décidé que César coupe et papier me rappelle une transformation et une sorte de se débarrasser de quelque chose qui ne vous sert plus. Donc, la réponse à la question de savoir comment utiliser les symboles est simple. n'y a pas de bonne voie. n'y a aucun moyen de dire à un photographe ou à tout autre type d'artiste comment utiliser le symbolisme. Vous pouvez vous-même regarder les mots des autres afin de mieux comprendre les significations. Mais en fin de compte, c'est toujours un choix personnel. Les symboles que vous choisissez devraient être adaptés au travail que vous faites. Pour cet exercice de leçon, nous avons trouvé des symboles et leurs significations. Je veux que vous choisissiez trois objets que vous voyez dans votre chambre. Les objets que vous trouvez intéressants comme un modèle de boîte, une bougie, une lampe, horloge peuvent être littéralement tout sauf quelque chose qui est facilement accessible mais pas trop évident. Maintenant, venez avec des significations symboliques pour chacun d'entre eux, pensez, ce qu'ils peuvent symboliser et comment les téléspectateurs peuvent les interpréter. Je voulais écrire ces trois significations pour chacun d'eux, puis réfléchir à nouveau et essayer de trouver trois autres significations et associations. Creuser plus profondément et jeter les premières choses qui vous viennent à l'esprit vous aidera à créer des histoires plus originales à l'avenir. Je veux que vous partagiez ces images dans notre communauté en ligne avec des commandes sur les significations symboliques qu'elles pourraient avoir et vos photos n'ont pas besoin d'être bien tournées à ce stade. Ils ont simplement besoin de donner une idée de quel type d'un objet Perez. Alors n'hésitez pas à aller avec des photos de téléphone aussi. Maintenant que vous savez quels types de symboles peuvent être en tant que nouveau service visuel, il est temps d'essayer de les présenter à votre travail. Consultez la tâche de cette leçon. Et j'ai hâte de te voir ce que Hugo croyait. 20. Module 5 : Créer une histoire visuelle à partir d'un point de départ en un seul point: En général, j'ai trouvé qu'il y a trois façons de construire une histoire visuelle. Le premier, quand la galerie, j'aurais un thème ou un sujet. Par exemple, il y a un problème qui vous intéresse et vous voulez exprimer votre point de vue sur ce problème. Vous savez donc exactement quel type de message vous voulez communiquer à travers votre travail. Un autre exemple serait pris part à un concours de photographie qui a un sujet et vous devez créer quelque chose dans ce sujet. Ensuite, lorsque vous avez une référence visuelle ou une collection de références et que vous voulez essayer d' introduire quelques idées de ces références à votre travail. Disons que vous avez trouvé une photo cool sur Pinterest et que vous voulez tourner quelque chose comme ça arrive à tout le monde, non ? Un autre exemple serait de référencer des illustrations, des œuvres d' art, de la culture, vous obtenez l'idée. La prochaine façon de commencer à construire une histoire visuelle est quand vous trouvez un élément de votre image future et que vous voulez tirer avec cet élément. Par exemple, vous rencontrez une belle occasion et vous voulez tirer quelque chose là-bas, ou vous avez trouvé un objet intéressant, comme, Disons une machine à écrire vintage et vous voulez lire une histoire autour d'elle. Nous parlerons des deux premiers de nos modules d'apprentissage suivants sur le travail avec des inspirations et la découverte de contenu. Aujourd'hui, nous allons explorer comment construire une histoire à partir d'un seul élément d'une image, comme l'emplacement, l' accessoire, la garde-robe, le mannequin ou le maquillage. Donc c'est exactement ce que je veux dire par un point de départ. Tous les éléments d'une image dont nous avons parlé dans le module précédent peuvent être un point de départ de votre tournage. Votre point de départ, encore une fois peut être abordé un accessoire, une allocation de personne. Et naturellement, cet élément initial sera votre inspiration première et source d'idées. Tous les autres éléments devront être assemblés par vous, comme des pièces de puzzle. Avec chaque élément d'effort, vous devrez vous poser certaines questions et jouer avec les associations. Peut-être que vous allez dans vos souvenirs et vous souvenez des histoires que vous avez lues ou entendues. Ne vous inquiétez pas, si vous sentez que vous ne connaissez pas histoires intéressantes à voir, tout le monde le sait. Même si souvent nous pensons que notre vie pourrait être ennuyeuse quand il a essayé de répondre aux bonnes questions sur votre point de départ, des idées vont surgir. Ce processus est dans de nombreux cas, très naturel. Alors, quelles sont ces bonnes questions ? Nous traiterons de la qualité de votre point de départ et de la façon dont votre personnage principal peut interagir avec lui. Le retournement vous donne un exemple. Vous avez trouvé une robe vintage incroyable avec laquelle vous voulez filmer. Donc, vous avez répondu à la question, ce que le personnage principal porte, mais quelle histoire pouvez-vous dire à propos de votre personnage d'entrer que vous pouvez regarder de plus près la robe et de comprendre quel type d'information il peut vous donner de construire votre histoire. Par exemple, quel genre d'adresses qui est un dramatique ou sexy. Quel genre de statut social peut-il vous raconter ? Quelles seraient les circonstances dans lesquelles la robe serait portée ? Comme la saison, l'endroit, l'heure de la journée, quel genre de personne porterait cette robe ? Les qualités de cette robe peuvent être transformées en signification symbolique. Que peut cette robe un symbole de répondre à ces questions vous aidera à créer votre histoire et sélectionner tous les autres éléments de votre image. Donc, un par un, vous découvrirez comment votre modèle devrait ressembler et qui il devrait être, quel genre d'occasion vous utiliserez pour le tournage William tournera le matin ou la nuit. Quel genre d'accessoires vous avez besoin, et ainsi de suite. Laissez votre imagination couler et ne vous découragez pas si vos idées semblent trop cliché de ce point, vous pouvez commencer à partir de là et ensuite développer quelque chose de plus original. Le point clé est de commencer à imaginer et à construire cette histoire. Permettez-moi de vous donner quelques exemples tirés de mon propre travail et voyons si vous reconnaissez votre processus créatif à l'esprit. Donc voici le premier, mon point de départ, et pour cette image était un élément surprise, une idée de mettre un château de papier médiateur sur la tête d'une fille. J' ai donc emprunté cette idée à une illustration que vous voyez à l'écran. Et mon processus d'inspiration était des pots-de-vin, très semblable à ce qui vous est familier. J' étais juste en train de parcourir des trucs intéressants sur Pinterest et de sauver des idées potentielles. J' aime vraiment l'idée d'un château représentant un processus de pensée. C' est ainsi que je l'ai interprété et décidé d'essayer introduire cette idée à ma photo et pas une chose très facile à faire. Vous êtes d'accord ? L'illustration originale semble avoir toute une étude sur sa main et il est difficile de l'imiter dans la vraie vie. J' ai donc décidé de le limiter à un château. Ma prochaine étape était de comprendre à quoi ressemblera mon futur château. Encore une fois, je parcoure les images sur Pinterest et voici ce que j'ai trouvé. Après cela, je suis vraiment abashed et au-dessus de cela devrait et j'ai commencé chercher des gens qui pourraient m'aider à construire la belle récolte. Il y a une chose à laquelle je ne suis pas vraiment bon, car il y a travailler avec les mains. Quand j'ai trouvé le décorateur qui aimait l'idée de le faire, j'ai eu mon premier problème résolu. Maintenant, mon père est et devient de construire une histoire visuelle autour de mon accessoire. Cela signifie que je dois trouver tous les autres éléments pour ma future histoire visuelle, et à savoir le sujet, mon modèle, l'emplacement, les couleurs, la garde-robe et le maquillage et les cheveux. Je veux donc aussi répondre aux questions qui, quand, où, quoi, et pourquoi. J' ai sélectionné tous les éléments afin qu'ils soutiennent une ambiance rêveuse de l'accessoire principal, le château de papier. Je savais que mon image devait être un gros plan pour que le château soit vu clairement et en détail. C' est pourquoi j'ai décidé de travailler avec Theresa, ma mannequin. Elle a des caractéristiques faciales étonnantes et a fait un impressionnant imprimantes. J' ai une rose, par exemple, comme une robe des magasins d'occasion, de re-shoot. Il a donné à ma future image un réglage de couleur que je tournais pendant l'hiver, donc je faisais cela à l'intérieur à la maison où j'ai un mur blanc uni pour les portraits de gros plan, maquillage et les cheveux ont été sélectionnés pour qu'ils soutiennent tout le style de l'image future. Rêveur, magique. Voici une autre histoire que j'ai construite autour d'un accessoire. Temporaire, les deux d'une marque célèbre et d'une clause de non-responsabilité, je ne fais pas d'hommes et de collaborations de marque, mais je voulais vraiment vous montrer comment les règles que je vous enseigne ici pourraient être appliquées à vos collaborations amies en tant que créateur de contenu, si vous êtes un, que les deux marques m'ont permis de choisir les produits. Et j'ai rencontré son action d'un que j'ai aimé le plus de la couleur sage. Ce brunch noir particulier avec des feuilles m'a fait appel à cause de ce monochromatique et permettre des monogrammes, comme vous le savez. Maintenant encore une fois, que puis-je créer autour d'elle ? Quels devraient être mes autres éléments d'image légers ? Au début, je pensais à la zone du corps sur laquelle je pouvais mettre les deux pour que la photo finale reste mon style et non pas pour la marque. Je veux toujours avoir des phases dans mes images mais mis en deux sur le visage est un peu trop difficile. J' ai donc décidé d'aller avec la main et de la mettre près du visage. Quand j'ai fait cela, j'ai pensé que la forme de ces feuilles devrait ressembler en quelque sorte à la forme des yeux du modèle. Et cela m'a donné une poussée à la recherche d'un modèle asiatique et de faire des préférences avec ILA entre par hasard, j'ai trouvé un papier d'emballage cadeau avec un motif qui presque répété la conception sur le temporaire à deux. Cela est devenu mon arrière-plan et a déterminé ma palette de couleurs, qui est maintenant totalement réduite à une palette monochromatique. Maintenant, la dernière chose était de décider ce que mon modèle va porter. Et les épaules nues semblent être un ajustement parfait ici. J' ai donc choisi un simple top noir. J' espère vraiment que vous trouverez ces exemples utiles pour vos travaux futurs. Maintenant, il est temps de faire de l'exercice. Pour cet exercice, je veux que vous choisissiez l'un des objets de l'exercice de symbolisme que vous avez terminé pour le module d'apprentissage précédent. Ce sera votre accessoire principal. Maintenant essayé de créer une histoire autour d'elle, construisant l'image entière à partir de l'élément initial. À ce stade, vous n'avez pas à tirer quoi que ce soit où apprendre à planifier votre futur tournage. Vous pouvez donc jouer avec une ou plusieurs significations symboliques de votre objet que vous avez écrites pour la leçon précédente. Essayez de répondre aux questions. Qui, ce qu'il est, quand, où, comment, que fait-il ? C' est quoi tout ça ? Genre, de quoi parle ton histoire et de quoi est ton vrai ? Si vous trouvez cela difficile, essayez cette astuce simple. Écrivez une liste de choses que vous n'aurez pas dans votre image. Souvent, les choses qui vont obtenir votre dépile apparaîtront. Dans la plupart des cas, vous serez conditionné par la taille, la couleur et l'utilisation de l'objet, ou par sa signification symbolique supplémentaire. Pour l'instant, vous n'avez pas à vous soucier du développement et de la signification réelle de votre histoire. Essayez de sélectionner tous les autres éléments de l'image afin que vous compreniez d'abord le processus, si vous ne les avez pas présents, ce qui est naturel, la plupart des cas essaient de les imaginer. Vous devez faire une liste de la façon dont votre modèle de localisation, garde-robe et d'autres éléments ressembleront et dessiner un croquis pour illustrer votre idée. Définissez le personnage, le cadre et le récit ou votre histoire, quel mouvement va-t-il transmettre ? Par conséquent, vous aurez un croquis que vous pourrez utiliser plus tard pour votre future photo de votre croquis et téléchargé dans notre espace d'alerte. Si vous avez le temps pour grand, une image réelle, allez-y avec amour pour voir les photos réelles encore plus. 21. Module 5 : Créer une histoire à partir de points multiples: C' était la première étape de la construction d'une image à partir d'un seul élément initial. Dans la vraie vie, une bande-annonce arrive comme ça. Très souvent, vous serez conditionnés par vos propres ressources et laissez-moi vous expliquer. Disons que vous avez une amie et que vous pensez qu'elle ferait un super mannequin pour un tournage. Votre autre ami a accès à un espace vide incroyable avec des murs rouges et jaunes et vous aimeriez photographier quelque chose là-bas. Ces deux offres sont d'une durée limitée car disons que vos deux amis partent bientôt et que vous n'aurez pas accès à eux. Maintenant, vous avez déjà trois points de départ. Et le premier est le modèle, qui est une brune mince, les couleurs, rouge, jaune et noir des cheveux de la fille. Et votre position. C' est un espace intérieur avec une certaine lumière et certain pour le sol à un certain style. Et vous devez adapter vos idées à toutes ces choses. Vous devez connecter tous les trois dans une histoire tout en trouvant les éléments manquants d'une image. Dans ce cas, ce sera le maquillage et les cheveux, les invites de garde-robe et la surprise. Cela peut sembler beaucoup plus difficile. Et il est terminé parce que vous êtes conditionné à donner tous ceux à l'esprit lors de la planification de votre future séance photo. Pourtant, c'est très possible et je vais vous montrer comment dans une seconde. Voici un exemple de ma pratique. J' étais à Paris pendant une semaine et ils voulaient vraiment tourner quelque chose. Quand j'ai découvert cet endroit incroyable, j'ai aussi affirmé pour les mannequins et trouvé Christina, qui était heureuse de travailler avec moi et était disponible pour que nous puissions planifier un tournage à temps. Maintenant, j'ai ma certaine couleur pointue, qui est rose et noir. Depuis Christina est une brune, j'ai un modèle, mince Burnett, et l'emplacement, style futuriste sans meubles. Ma tâche est maintenant de relier le point de départ en une seule histoire. En même temps, j'avais besoin de comprendre les accessoires, la garde-robe, maquillage et les cheveux, mon élément surprise, et comment je vais tirer tout ça. Donc c'est ce que j'ai trouvé. J' ai décidé d'utiliser des accessoires en origami en papier car ils sont faciles à fabriquer et à utiliser, mais surtout, faciles à apporter à l'endroit qui est un espace public, une université. Je pensais aux formes de nos gencives et a décidé d'aller avec des avions cette fois, puisque je sentais qu'ils sembleraient plus appropriés dans ce cas, j'ai déjà mentionné que j'aime le monochrome. La robe que je cherchais était jamais colorée sans motifs dessus et en quelque sorte intemporelle. Dans ce cas, j'étais comme dans mon modèle n'avait pas robe appropriée au cas où elle n'aurait pas les tendances. Je chercherais quelque chose dans les magasins comme H&M et Zara, puis retournerais l'article après le tournage. Une autre option est de vérifier les magasins d'occasion, bien sûr, comme pour le maquillage et les cheveux, j'ai décidé d'aller avec des nuances de cheveux roses et lâches, avion et non dragon. Trop d'attention de ce qui se passe avec la fille. Maintenant, entrez dans l'élément surprise. J' ai choisi de, dans ce cas, j'ai décidé d'utiliser un avion en papier limbique inhabituel. Nous allons immédiatement attirer l'attention des gens et avons également voulu en ajouter une mineure, ce qui serait une agréable surprise lorsque les spectateurs tiennent leurs yeux sur la photo un peu plus longtemps. J' ai donc décidé de faire voler les petits avions. Cette histoire parle d'une femme qui, d'une manière ou d'une autre, peut transformer tresse ordinaires en des avions géants en interagissant avec eux. Mais quel est le surréaliste à propos de j'ai interprété comme ça. Il s'agit de l'espoir et de la façon dont les gens peuvent avoir le pouvoir de transformer et élever tout ce qui les entoure quand ils ont la bonne attitude et l'état d'esprit. Permettez-moi de vous montrer un autre exemple. Cette image a été tirée de trois ou même quatre premiers points de départ, maquillage et le style de cheveux, l'emplacement , élément de surprise, qui est étroitement liée à la sélection des accessoires. Dans ce cas, le premier point de départ de cette image était un modèle Sabrina, avec qui je voulais travailler. Sabrina a une phase très intéressante et aussi elle avait les cheveux verts droit à l'époque. Donc mes conditions initiales réelles au courant de mon modèle et de sa couleur de cheveux. Le point de départ suivant était l'emplacement et bâtiment futuriste intéressant à Hambourg, en Allemagne. J' ai adoré parce que c'était simple, mais si réel et industriel. Mon défi était de créer l'histoire reliant cheveux verts de Sabrina à ce lieu futuriste. C' est alors que je me suis souvenu d'une vieille inspiration de la mienne que j'ai trouvé long et objectif à 40 par Rodney Smith que vous pouvez voir sur votre écran en ce moment, j'ai adoré l'idée de couper du papier avec Caesars pour révéler quelque chose autrement caché, mais je voulais le faire à ma façon. Donc mes accessoires étaient du papier et des ciseaux. Maintenant, j'avais besoin de comprendre les éléments manquants, la couleur et la garde-robe. À ce stade, vous pouvez déjà deviner que c'était évident pour moi. J' ai choisi le vert pour garder le champ monochromatique et j'ai trouvé une robe adaptée à mon modèle. Revenons aux questions de base de notre règle numéro 2 de créer de grandes histoires visuelles. On peut le dire comme ça. Alors, qui est le sujet principal de mon histoire ? C' est une fille, à quoi ça devrait ressembler. Elle a des cheveux verts et une robe verte. Mon besoin pour le maquillage et les cheveux ici, nous sommes très simples, nouveaux matrices et lèvres rouges. Où se passe l'histoire ? Mylocation est un peu indéfini qui lieu touristique avec des lignes droites dures. Maintenant, revenons aux grandes questions. Qu' est-ce qu'elle fait ? De quoi parle l'histoire ? Elle tient un morceau de papier coupé au milieu des ciseaux. Qu' est-ce que le désordre est vraiment ? Je peux vous dire l'esprit et la prédation. Mais en fait, dans la plupart des cas, il pour les téléspectateurs abandonnés et leurs expériences et associations antérieures. Mon histoire se passe comme ça. La fille veut découvrir quelque chose de nouveau, quelque chose qu'elle cachait de l'ouverture elle-même jusqu'à cela, couvrir d'une façon ou d'une autre et le montrer aux autres. C' est pour ça qu'elle a fait cette fenêtre dans un morceau de papier. surrénales aiment entendre ce genre d'histoires apparaissent dans votre esprit lorsque vous voyez cette image, s'il vous plaît partager vos idées dans notre communauté Facebook. Lorsque vous créez une histoire à partir d'un ou plusieurs points de départ, comprenez quel élément de l'image est le plus important pour vous. Répondre à cette question vous aidera à vous concentrer sur les bonnes choses et à les souligner plus dans vos images, ce qui est une première étape pour trouver votre style artistique unique. Maintenant, j'ai un autre défi créatif pour vous sera d'apprendre à générer des idées à partir de plusieurs éléments de départ. Donc, comme je l'ai mentionné précédemment, aura rarement seulement ceux ne sont pas un élément d'une image dans la vie réelle, généralement nous avons besoin de combiner plusieurs éléments dès le début. Cet exercice vous aidera à apprendre à le faire. Voici la liste des trois catégories d'éléments d'image. Votre tâche est de trouver une idée d'image qui a un élément de chaque liste afin qu' aucun élément ne soit répété ou d'écrire courtes descriptions de vos images et de les encaisser. Ainsi, vos choix pour l'élément d'image couleur sont bleu, rouge et vert. Ensuite, je vous donne le choix des objets, et ce sont l'ampoule et la chaise de César et chercher de temps en temps nous irons avec les champs friandises ou chambre. En conséquence, vous aurez trois croquis d' images que vous pourrez utiliser pour votre future séance photo. Vous avez le temps essayé de tirer au moins une des images avec ces éléments tout de suite. Téléchargez des photos de croquis ou vos images finales dans notre espace d'apprentissage. Et n'oubliez pas votre description, quels éléments vous utilisez et quelle est l'histoire que vous essayez de raconter. Utilisez des exemples de la leçon dans le modèle suivant, nous allons parler de l'un des sujets les plus passionnants, comment travailler avec l'inspiration et où la trouver pour qu' elle ne s'épuise jamais jusqu'à la prochaine fois. 22. Module 6 : idées et inspiration: Dans ce module d'apprentissage, nous allons parler d'un sujet fascinant. Trouvez de l'inspiration. Et c'est la question que l'on me pose le plus. Où si je soulève le prix le problème. Donc, je vais partager certaines de mes sources d'inspiration avec vous et nous allons vous montrer comment les utiliser sans bloquer la copie et les idées d'eux. Quelle ville ? Avant de parler de trouver de l'inspiration, j'aime dire quelques mots sur les idées et comment elles peuvent être définies lorsqu'elles sont appliquées à la photographie conceptuelle, le mot idée peut se présenter d'abord, le contenu. Quelle est l'histoire de la signification de l'idée de l'artiste qu'il ou elle essaie de transmettre et pourquoi il ou elle crée cette œuvre d'art ? C' est l'idée derrière. À titre d'exemple, nous pouvons prendre la célèbre photo d'un sac en plastique ressemblant à un iceberg. L' idée principale des artistes ici est que la pollution due à la croissance de la production va bientôt détruire la nature de notre planète et aura littéralement sacs en plastique flottant dans nos océans et ensemble d'icebergs. L' idée de mot peut également signifier l'exécution et la réalisation visuelle du contenu, comment l'histoire est racontée et présentée au spectateur. Pensez-y comme une collection de tendance dans la décoration intérieure ADS, par exemple, souvent vous repérer ou obtenir des idées intéressantes qui n'ont aucun concept particulier derrière eux. Exemple de ma vie pendant longtemps, j'étais fasciné par les lamins, comment ils ressemblaient et les photos, et je savais que je voulais tourner quelque chose avec eux, mais je ne savais pas quoi exactement. Après un certain temps, quand vous vivez avec votre idée et essayé de le connecter avec d'autres éléments d'une image. Nous allons trouver un moyen que vous exécuterez dans votre tournage. Maintenant, revenons à l'inspiration, le sujet principal de cette leçon. Et par inspiration ici, je veux dire deux choses. Tout d'abord, c'est une force créative, ce qui signifie que je vois quelque chose de beau et ça me motive à créer quelque chose de beau moi-même. Ma nouvelle création ne ressemblera pas nécessairement à la pièce qui m'inspire. Et le deuxième sens est la référence. Je vois une histoire d'idées particulières qui peut être utilisée dans ma prochaine image. Le premier est clair. Tout le monde veut se sentir inspiré et créer quelque chose. Pourtant, quand il s'agit de la seconde, il peut y avoir des doutes. Êtes-vous d'accord qu'il y a des discussions en cours sur référencement d'autres artistes dans votre travail et sur le plagiat ? Chacun d'entre nous veut créer des œuvres authentiques et originales. C' est pour ça que tu suivras ce cours en premier lieu. Dans la prochaine leçon, nous allons parler de mon point de vue sur la copie et travailler avec l'inspiration répondra à toutes les questions, y compris pour copier ou ne pas copier, regarder. 23. Module 6 : Copier ou ne pas copier, et comment ne pas copier. Inspiration en couches: Aujourd'hui, nous voulons faire une plongée plus profonde dans le sujet de la copie d'autres artistes et si elle devrait avoir une place dans votre pratique créative. En effet, c'est la question la plus fréquemment posée lorsque les gens discutent d'être inspirés par le travail d'autres personnes pour copier ou ne pas copier. Certains experts apprécient que la couleur verte ou voler des idées est la pratique courante et il n'y a rien de nouveau sous le soleil. D' autres au contraire, vous exhorteront à ne pas copier en aucune circonstance, seulement produire une œuvre originale. Ces deux réponses peuvent être assez déroutantes parce que vous pourriez être quelque part entre les deux. Bien sûr, vous voulez produire du contenu original pour lequel vous serez reconnu. Cependant, vous comprenez également que les meilleures histoires et idées sont universelles et attirent un grand nombre de personnes, ce qui signifie qu'elles ne sont pas nouvelles. Je crois qu'il y a deux aspects de la copie. Tout d'abord, copier comme un moyen d'apprendre le métier. Pensez-y. Tous les graphiques ne peuvent être maîtrisés qu'en copiant quelque chose. C' est pourquoi à l'école d'art, fréquenter les musées et essayer de reproduire le travail d'un grand maître est une pratique courante pour les étudiants. Vous devez connaître les règles pour les briser. Lorsque vous copiez le travail de quelqu'un d'autre, vous déconstruisez, vous l'ouvrez comme une grenouille, et étudiez tous les éléments séparés et comment ils ont été assemblés. Permettez-moi de vous donner un exemple. Voici une œuvre de Dario caval. Il est un jeune photographe basé à Madrid, en Espagne. Avec sa photo, il a fait un exercice simple. Il a essayé de recréer un réseau par renommer convenu. Tout en le faisant, il a essayé de trouver tous les éléments de l'image, et il a essayé de les faire correspondre à la peinture originale. Et cela incluait des modèles, des accessoires, une armoire, des couleurs claires, et l'emplacement ainsi. Quand il fait un tel exercice, vous entrez en quelque sorte dans l'esprit d'une personne qui a créé le travail inspiré par et vous apprenez beaucoup de cela à cet égard, faire face est un moyen de devenir un artisan qualifié. transition d'un artisan à un artiste se produit lorsque vous commencez à connecter des choses qui n'étaient pas connectées auparavant, vous prenez les ingrédients de vos connaissances antérieures et les combinez d'une manière nouvelle. C' est là que l'artiste est né. Et en passant, pour certaines personnes, la transition n'arrive jamais. Ils restent au niveau d'un artisan et c'est bon aussi. Maintenant, il y a des situations où notre cerveau copie certains éléments d'un style particulier presque inconsciemment. Donc, ce qui se passe, c'est que nous avons essayé de copier d'autres, souvent même pas se rendre compte que nous le faisons parce que nous pensons que nos photos devraient ressembler à celles que nous sommes inspirés par non parce que nous voulons voler l'idée de quelqu'un d'autre. Disons que vous êtes intéressé par la photographie d'enfant. Ce sont les œuvres créées par quatre personnes différentes, mais vous conviendrez peut-être qu'elles pourraient être facilement attribuées à une seule personne. Il arrive dans d'autres domaines de la photographie d'entendre quelques exemples de la photographie de mariage. Remarque, je ne dis pas que les images ont l'air mal. J' adore ces photos encore, elles manquent d'individualité. Et en passant, la photographie conceptuelle n'est pas à l'abri de cela non plus. Ici, la situation s'aggrave encore. Parfois, avec Whedon et les images de famille, vous pouvez toujours vous opposer. Les clients veulent le type de photos qu'ils voient dans les albums de photos de leur ami. Mais la photographie conceptuelle de beaux-arts est généralement auto-initiée. Dans la plupart des cas, il n'y a pas de client qui commande et type particulier d'une image. Pourtant, les gens dans ce domaine continuent de créer des images qui ressemblent en quelque sorte. Ce que vous devez vous rappeler, c'est que se démarquent, les photographes se démarquent précisément parce qu'ils ne font pas ce que tout le monde fait. Parfois, cela signifie être courageux et suivre un bain moins populaire. Alors laissez-vous inspirer par les autres, mais ne vous comparez pas, admirez leur travail, mais n'essayez pas de l'imiter parce que vous finirez ressembler à une mauvaise imitation de quelque chose de grand copié pour apprendre d'eux, mais pas à devenir eux. Permettez-moi de partager une citation de Peter Lindbergh à l'appui de cette déclaration. Et il dit : Je ne me suis pas inspiré des défilés de mode. Je ne vais même pas vraiment à trop de défilés de mode et je ne l'ai pas depuis 15 ans parce que je ne veux pas être inspiré par les mêmes choses que tout le monde. Si tout le monde est inspiré par les mêmes choses, alors bien sûr vous faites les mêmes images. Laissez-le s'enfoncer un instant. Et il n'y a pas une telle chose par opposition à chercher une photo quand vous apprenez des autres, n'oubliez jamais que ces choses ne sont que des lignes directrices, mais pas des règles fixées dans la pierre. C' est ta photographie. Vous êtes là pour créer vos propres rôles à un moment donné. Maintenant, revenons au deuxième aspect de la copie. Et ça ressemble à ça, voler des idées et relier les points. Peut-être, vous savez, la célèbre citation qui a été attribuée à beaucoup de gens, mais le plus souvent à Pablo Picasso. Les bons artistes copient, les grands artistes volent. Ce que cela signifie, c'est qu'il n'y a rien de mal utiliser les idées que vous voyez dans le travail de quelqu'un d'autre. Si vous parvenez à les utiliser mieux que l'original et à les faire, vous avez tort, ajoutant votre perception et votre expérience. Une autre citation qui soutient ce point est d'Austin Kleon toujours comme un artiste, ce qu'un bon artistes comprennent est que rien ne vient de nulle part. Tout travail créatif s'appuie sur ce qui est arrivé avant. Rien n'est complètement original. Partant du mouvement des données vers le réalisme, artistes commencent à remarquer que les images qui nous entourent affectent notre psyché et forment notre perspective du monde. En d'autres termes, nos cerveaux enregistrent et protestent, toutes sortes d'informations visuelles. Il est déjà là. Go cerveau se souvient des choses que vous avez vues dans le passé, même si vous n'en êtes pas conscient, il suffit de penser à cela. Les choses qui ont affecté votre émotionnellement, vous serez plus vif et auront tendance à apparaître dans vos créations plus souvent. Maintenant, votre tâche en tant que bureau nar devient de combiner les informations visuelles enregistrées dans votre cerveau d'une manière inattendue pour illustrer ou exprimer une idée importante. Encore une fois, votre tâche consiste à combiner cette information d'une manière inattendue. Une idée qui est importante pour vous pour telle ou telle raison devrait être présentée d'une manière nouvelle. Et ça devrait être une idée qui vous déclenche encore une fois émotionnellement. Donc, dans le monde d'aujourd'hui, y a-t-il un tout et la photographie en particulier devient un moyen de relier les points, sélectionné et connecter divers éléments d'information et les introduit d'une manière nouvelle. Cela répondra aux besoins de la société contemporaine. Pensez à différents chefs cuisiner un repas. Ils peuvent avoir les mêmes ingrédients, mais le résultat final aura un goût et un aspect différent de chacun d'eux. Il y a une énorme différence entre plagier en gros et paraphraser un morceau d'information visuelle pour exprimer une idée entre simplement imiter quelqu'un et utiliser une idée d'une manière transformée pour exprimer une pensée propre. Par exemple, Salvador Dali a été inspiré par pratiquement tout. Beaucoup de ses inspirations provenaient de sculptures grecques anciennes, par exemple. Mais n'oserait jamais dire que son travail n'était pas original, non ? Mais allons encore plus loin dans l'histoire de l'art. Rubens, le célèbre peintre flamand, emprunta des idées à des Italiens acclamés comme Tisha et Vanessa en étain, Caravage et Michel-Ange. Cependant, personne n'oserait même dire qu'il a volé quelque chose. Ils l'appellent influencer ce que Rubens a fait. Il a pris des éléments que le talon aimait dans le travail de ces artistes et les combiner, créant ainsi quelque chose de frais et d'unique pour son temps. Si votre travail est clairement inspiré par d'autres artistes, il est important de le dire honnêtement, il sera bénéfique pour vous, pour vous et pour la source de votre inspiration. Et si la source est contemporaine et non pas un poète grec ancien ou un peintre de la Renaissance, il pourrait même être flatté que son travail ait un tel impact sur d'autres artistes. Une fois de plus, en reliant les points, je dis être inspiré par d'autres artistes. Prenez des idées d'eux, mais connectez-les avec vos propres antécédents, souvenirs, vues du monde, votre situation de vie actuelle, et transformez-les en quelque chose d'unique. La clé du succès ici est de s'inspirer de NADH, une personne en particulier, mais de nombreuses personnes à la fois. Et c'est ce que je veux dire en superposant votre inspiration. Vous devez nourrir votre cerveau avec plus en plus d'informations de qualité que vous pouvez générer des idées lorsque vous créez. Ne regardez pas seulement une photo en particulier ou un photographe en particulier avec admiration. Trouvez beaucoup de gens dont vous aimez le travail et les trouver dans de nombreux domaines de l'art, pas seulement la photographie, pour créer plus d'intérêt pour les histoires visuelles et générer des idées plus authentiques, vous devez jeter un oeil en dehors de la photographie et obtenir inspiré par d'autres formes d'art. Il peut être n'importe quoi et sera très spécifique pour vous. Par exemple, il peut s'agir de la musique ou de la littérature, du théâtre, de la danse, etc. Et bien sûr, d'autres arts visuels qui comprennent le design, cinématographie, l'illustration, les beaux-arts classiques et ainsi de suite. Nous allons parler de la façon de travailler avec les inspirations de photographie et d'autres formes d'art dans les leçons suivantes de ce module. Mais l'inspiration en superposition ne devrait pas s'arrêter ici. Allez plus loin et incorporez vos intérêts et vos passe-temps événement. Êtes-vous préoccupé par les droits des femmes, la situation environnementale ou la garde d'enfants et UCT aime le sport ou les activités de plein air, fusionnez de minuscules petits fils de tous ces domaines en un seul pour créer vos images et elles seront uniques. Donc, ma ligne de fond est, voici comment je vois copier et être inspiré par des mots simples, quand vous comprenez ce que votre femme tirer et pourquoi vous aimeriez la tirer, et pourquoi c'est important pour vous et ce que vous voulez dire avec votre travail. Vous n'êtes tout simplement pas en mesure de planter la copie. Toute personne qui pourrait encore utiliser ceci un mauvais élément qui est, ou d'autres artistes. Mais le processus de création d'emplois se transformera en connectant les points, les points des inspirations visuelles que vous avez vues, les humeurs et les sujets qui reflètent vos intérêts, les astuces techniques que vous avez apprises d'autres photographes, vos expériences personnelles, les événements qui vous ont influencé émotionnellement. Et bien que les points lorsque vous apprenez à les utiliser, peuvent être mélangés d'une manière unique seulement parce que c'est ce que vous êtes unique, nous allons plonger plus profondément dans les façons de chercher les réponses à ces questions dans les modules suivants. Maintenant, je veux que vous pratiquiez la façon intelligente de faire face à cet exercice. Je veux que vous essayez de recréer une 40 ou toute autre œuvre visuelle, comme l' illustration, la peinture, vous le nommez, et essayez de vous rapprocher de l'original que possible, copier tout, couleurs, éclairage, accessoires, emplacement, et cetera. Tu n'as pas besoin de faire un portrait. Essayez de travailler avec la nature morte pour le rendre plus facile, téléchargez votre inspiration originale et la vôtre sur 40 dans notre communauté d'apprentissage, notez la partie la plus difficile de l'exercice et vos principaux plats à emporter. Pendant ce temps, dans la leçon suivante, nous allons parler des façons intelligentes d'être inspiré par les photographies sans les copier brusquement. 24. Module 6 : Comment être inspiré par des photos, mais ne les copierez pas: Nous sommes tous tellement habitués à regarder les œuvres d' autres photographes ont été constamment bombardés d'informations visuelles. Et une grande partie de celui-ci est la photographie, Instagram, Facebook, Pinterest, panneaux d'affichage, magazines, sur Windows, boîtes de céréales, vadose sont partout. Je crois que regarder le travail d'autres photographes peut à la fois bon et mauvais. Alors pourquoi est-ce bon ? Nous avons besoin de savoir ce qui se passe dans l'industrie, quelles nouvelles méthodes et techniques sont utilisées, où va la photographie ? Quelles photos ont été favorisées par le public dans l'espace commercial, surtout si nous avons des entreprises de photographie. Maintenant, cette influence peut aussi être mauvaise. Et si va regarder trop de photos, notre cerveau enregistre seulement celles. Et nous commençons inconsciemment à reproduire des images que nous voyons encore et encore. Ce qui veut dire qu'on peut copier le travail des autres sans même le savoir. Aucun de nous ne veut que ça arrive. Super. Alors, comment pouvons-nous continuer à collecter des références sans les copier aveuglément ? Et voici trois choses que vous pouvez faire. Et tout d'abord, regardez plus de photos et plus de photographes. Oui. Vous avez entendu dire que la trousse est cruciale pour que vous ne vous enfermiez pas dans le travail d'un ou deux modèles. Prenez une minute et faites une liste d'au moins 10 photographes dont vous aimez le travail, plus vous avez de noms sur la liste est le mieux. Maintenant, je suggère de créer un dossier pour chacun d'eux et collecter vos photos préférées de leurs dans ce dossier. Il peut s'agir d'un dossier sur votre ordinateur ou d'un tableau Pinterest. Vous pouvez aussi être un vrai nerd et créer un dossier papier avec des photos qui sont imprimées. Il doit le faire pour que vous puissiez plus tard regarder une représentation valide de tout un corps de travail d'un artiste. Quel genre de photographie devriez-vous regarder ? À mon avis, il est très important de connaître l'histoire de la photographie et ce que l'importance de la note faisait avant vous. Ces connaissances vous aideront à comprendre pourquoi la photographie contemporaine est telle qu'elle est. Étudier l'histoire de la photographie n'a pas à être compliqué. Par exemple, lorsque j'ai décidé que je voulais devenir photographe, j'ai décidé de connaître de grands maîtres du passé. Pour cela, j'ai simplement trouvé quelques articles sur le web, environ 100 meilleurs photographes de tous les temps. J' ai lu un paragraphe sur chacun d'entre eux et j'ai commencé leur travail en créant des tableaux Pinterest pour chaque photographe chefs-d'œuvre. J' utilise toujours ces tableaux quand je cherche l'inspiration. Et voici quelques-unes des personnes que j'ai trouvées à l'époque et qui m'inspirent jusqu'à aujourd'hui. Tout d'abord, voici Julia Margaret Cameron. Elle a été l'une des premières photographes féminines et premières photographes à créer des images de rêve dans les 18 années 60. Je recommande fortement d'étudier son travail, surtout si vous êtes dans la création d'images sur le thème d'un conte de fées. Le prochain de mes favoris est rezone non enregistrée. C' est un dieu célèbre de la composition et célèbre photographe de rue qui a trouvé la théorie d'un moment décisif pour prendre des photos. Je l'ai déjà mentionné plusieurs fois dans ce cours. Donc si tu ne l'as pas encore fait. Allez-y et Google lui et son travail maintenant. Ses œuvres sont très spontanées mais soigneusement composées du même temps. Donc, dans de nombreux cas, ils ont l'air si réels, bien qu'il ait été photographe de rue et de tableau de bord enveloppant, l'artiste suivant est Rodney Smith et il est l'une de mes plus grandes inspirations jamais faites. Je pense que vous pouvez certainement le dire à partir de mon travail, ludique et certains réels ses photographies sont dans les pages de Time, Wall Street Journal, et The New York Times, entre autres, je reçois de l'inspiration et des idées de son travail tout le temps. Voici un exemple de ma photographie qui a été très inspiré par les œuvres de Rodney Smith. Comme vous pouvez le voir, vous n'avez pas besoin d'être très littéral quand vous êtes inspiré par une photo. Présentez toujours votre propre interprétation de Nadya. Un autre photographe que j'admire beaucoup est Diane Arbus. Elle a pris des images de groupes marginalisés pour travailler avec un large éventail de sujets, y compris les membres de la communauté de bricolage d'algèbre, les strip-teaseuses, les artistes de carnaval, les nouveaux bouddhistes, les enfants, les mères, les couples, les personnes âgées et les moyenne- familles de classe. J' aime les mouvements dans ses œuvres et comment elle parvient à montrer de vraies personnes qui vivent à Manaus mais souvent à gauche et remarqué seulement parce qu'ils sont différents. Cette attention à l'étrange Fox rend le travail de danse surréaliste et très attrayant pour moi quand vous étudiez des photographes du passé, des danses, regardez leurs œuvres, mais aussi lisez des biographies et écoutez leurs interviews. Vous pouvez obtenir des tonnes d'informations à partir de ça seul. Je pense également qu'il est crucial de voir où va l'industrie de la photographie contemporaine, quels types de sujets sont utilisés, quels types de médias sont utilisés et quelles sont les normes modernes. Ne vous méprenez pas. Je ne vois pas que votre travail devrait suivre tout ça. Être éduqué vous permettra d' améliorer la qualité de vos images d'une manière qui vous parle. Le mode ici est une liste restreinte de personnes dont le travail je ferme la dépréciation suivante. Et le premier d'entre eux est la polarisation et photographe de mode italien vivant à Paris. Il est célèbre pour ses techniques d'éclairage uniques lorsqu'il combine la fenêtre large et la chair dans un environnement studio. Vous verrez beaucoup de ses œuvres comme des exemples dans ce cours. La prochaine est bien sûr, Tim Walker. C' est une affaire acclamée de portraits surréalistes et l' un des photographes de mode les plus célèbres vit aujourd'hui. Si vous plongez dans son monde, il ne cessera jamais de vous fasciner. J' utilise Tim Walkers images emblématiques partout dans ce cours comme exemples à la prochaine que je veux partager avec vous est bien sûr, mettre Oldenburg connu pour ses images cinématographiques mémorables. Il est reconnu comme l'un des photographes contemporains les plus influents. Ce ne sont que quelques-uns des grands maîtres dont je suis sûr que vous avez entendu parler ou du moins vu le travail. Mais bien sûr, je suis les gens qui sont un peu moins emblématiques mais qui ne sont pas moins inspirants. Et voici les quelques noms. L' un d'eux est une jambe ou un préscolaire. En tant que vrai photographe d'art ukrainien, il est un maître de la création d' images colorées et rêveuses qui vous font glisser dans son récit visuel. Assemblage. Je ne veux pas arrêter de les regarder. En fait, l'une de mes images les plus populaires sera en fait inspirée par sa photographie. Ensuite, Gabriel Isaac est un photographe suédois. Il crée un réel et mélancolique scènes où il invite le spectateur à interagir avec le monde intérieur du sel ou des doigts qui symbolisaient nos propres états inconscients. Son travail est très paisible, monochromatique et minimaliste, et j'adore ça à ce sujet. J' admire aussi les plans minimalistes des œuvres du Nil Oswald, la façon dont elle joue avec les règles de composition me fascine. C' est pour ça que je voulais vous présenter son travail aussi. Un autre favori est Sony Music. Ses œuvres sont une explosion de couleur. Son esprit ne semble pas avoir de limites. Vous êtes d'accord ? Maintenant, quand vous avez recueilli les aspirations urinaires, la prochaine chose à faire est de l'analyser. À la suite de l'exercice précédent, vous devez avoir au moins 10 photographes dont le travail résonne avec vous pour telle ou telle raison. Maintenant, la partie importante qui est souvent manquée est d'essayer de comprendre pourquoi le travail résonne et surtout quelles parties de celui-ci vous parlent. Aimez-vous comment un maître joue avec la lumière ou l'iPhone pour avoir une palette de couleurs. Peut-être que ce sont les sujets ou les humeurs qui vous font vraiment aimer le travail. Demandez-vous, qu'est-ce que j'aime dans cette image et ce que je n'aime pas ? Des éléments de son travail que je veux ajouter à mes photos, faire une liste pour chaque photographe. Par exemple, j'ai aimé les photos de Rodney Smith. Pourquoi ? Parce qu'ils ont l'air si réels. Il y a M. en eux, la composition est parfaite. Qu' est-ce que je veux lui emprunter ? Ce sont les mêmes choses. Dans le même temps, j'aime les photos de sable numero stick. Ses œuvres sont surréalistes et éclatent de couleur. Je ne pense pas que je voudrais ajouter ces couleurs vraiment audacieuses et saturées à mon travail, mais j'aime comment ses images brisent certaines limites ou perceptions. Et je veux apprendre ça d'elle. Je comprends ça pour tous les photographes. Je peux mélanger toutes les choses que j'aime de nombreux photographes dans mon propre style personnel. Ce mélange sera unique pour moi et pour mon travail et ne ressemblera jamais à une simple copie de l'image de quelqu'un d'autre. Un autre exemple, vous aimez l'architecture pour ceux-ci, mais vous n'êtes pas en fait un énorme fan d'architecture. Pourquoi aimez-vous ces photos alors ? Principalement parce qu'ils ont l'air organisé et simple. Peut-être parce que certains regards architecturaux si vrai courrier parce que vous appréciez les couleurs de ces photos. Saisir ces questions vous aidera à comprendre vous-même et votre photographie et vous fera regarder sous un angle différent. Cependant, bien que vous pouvez obtenir beaucoup d'inspiration à partir du travail d'autres photographes, est vraiment important de ne pas être submergé et se concentrer sur la, à ce sujet. Rappelez-vous, notre cerveau enregistre tout. Et vous pourriez être deuxième dans les idées. Vous voyez le travail de quelqu'un d'autre inconsciemment et ensuite frotter, les réduire. En Europe, il est totalement sûr que c'est votre propre création. C' est pourquoi de temps en temps, Il est vraiment important de fermer toutes les inspirations photographiques entrées à partir de différentes sources. Mais maintenant, il est temps de faire de l'exercice et comprendre ce qui vous inspire pour la pratique de cette leçon, je voulais créer une liste de 10 photographes que vous admirez la mue dont vous allez regarder et penser, je veux tourner comme ça. Ensuite, pour chaque photographe, lisez au moins trois choses qui vous font aimer leur travail. Est-ce la composition, les couleurs, le traitement du patron ? Il sera également utile si vous créez des collections de photos pour votre référence personnelle. Ainsi, vous pouvez le faire en tant que carte sur Pinterest ou en tant que dossiers dans votre ordinateur ou votre téléphone. Après cela prend un certain temps pour réfléchir à la raison pour laquelle vous aimez ces fonctionnalités particulières et comment vous pouvez les introduire à votre photographie pour mieux communiquer votre stockage. Pourtant, je crois fermement que notre inspiration ne devrait jamais se limiter à des photos sur les moments où nous aurons besoin d'inspirer d'autres types d'art. Et c'est exactement ce dont nous parlerons dans la leçon suivante. 25. Module 6 : Le tourisme à partir de dehors de la photographie: Amy travail avec une photographie triste est comme ce bébé qui a besoin d'être nourri tout le temps. Il a toujours faim. Il doit être lu pour être pris en charge. Alors, comment nourrir ce bébé, si ce n'est avec des photos ? D' où pouvons-nous nous inspirer ? Nous mentionnons déjà que vous pouvez être inspiré par d'autres formes d'art et nous en parlerons dans une seconde. Pourtant, ne vous arrêtez pas là. Je suggère également de regarder vos intérêts plus larges dans différents domaines comme le sport, la politique, la santé, les psychologues, la spiritualité, vous le nommez. Maintenant, je veux parler des façons dont vous pouvez tirer des inspirations de différents domaines de l'art, d'autres types d'art visuel, principalement, qu'est-ce que cela peut être ? Et tout d'abord, les beaux-arts, bien sûr, aller à des expositions dans les musées, regardera à travers des livres avec des reproductions. beaux-arts sont sur le web, donc vous pouvez le trouver là aussi. Mais ne regardez pas qu'il a activement étudié. C' est important d'être intentionnel ici. Que pouvez-vous apprendre de l'étude des beaux-arts et aussi de tout type de galerie d'art contemporain ? Et tout d'abord, les poses des gens et surtout la position des mains. Comme nous le savons, les mains peuvent être le plus gros problème pour un modèle lors de la pose, nombreuses œuvres d'art vous donneront beaucoup de poses fraîches AD est pour votre photographie. Ensuite, comprenez comment la lumière et les ombres sont peintes et interagissent dans une image. Étude, combinaisons de couleurs et a essayé de comprendre comment ils ajoutent à une ambiance globale de la pièce. Le peintre a-t-il utilisé des couleurs douces pour créer une atmosphère plus romantique et paisible ? Ou était son but de réellement vous déranger avec son travail, ou même vous mettre dans un état de choc léger. Pouvez-vous appliquer ces combinaisons à votre travail pour obtenir le même effet ? Autre chose que je voulais mentionner pour trouver artistes qui apprennent des cultures et des installations artistiques, art contemporain brise toutes les frontières et utilise toutes sortes de matériaux pour exprimer leurs idées. Alors pourquoi ne pas leur emprunter ces idées ? Les choses à remarquer ici, quand vous voyez une installation ou un art contemporain, les objets sont des matériaux qui ont été utilisés, comment ils ont un aspect différent, comment ils peuvent être combinés, que peuvent-ils symboliser  ? Comment les gens peuvent interagir avec eux ? Si vous regardez de près, une visite d' une très petite exposition peut se tourner vers une source analyste d'idées nouvelles. Votre prochaine source d'inspiration visuelle peut être et devrait être regarder des films et des séries, en fait, n'importe quel type de vidéos, y compris celles de musique. La photographie est étroitement liée à la photographie, mais elle est très différente. Il y a donc beaucoup de choses à apprendre de grands réalisateurs de films et de réalisateurs de photographie. Et voici un excellent exercice que vous pouvez faire en regardant des films et des courts métrages. Mettez les en pause et les captures d'écran suivantes. Vous pourrez ensuite analyser ces captures d'écran. De cette analyse, vous pouvez comprendre comment construire une atmosphère, comment compiler un certain style, l'utilisation de détails et d'accessoires, comment utiliser la lumière et l'ombre ou même emprunter des idées réelles. Par exemple, j'ai commencé à travailler avec nos gencives après avoir vu le coupon de film d'animation les deux cordes, j'ai été fasciné par le fait qu'un objet aussi simple, un morceau de papier, pourrait être transformé en milliers de différents avec beaucoup de significations. Ou la prochaine source d'inspiration visuelle est conçue. Il peut s'agir de n'importe quel type de conception, de l'antérieur au web et du produit un. Comment pouvez-vous être inspiré par le design ? Encore une fois, vous pouvez assister à des soumissions de conception, regarder à travers des magazines de design et des vitrines dans les magasins de design, chercher des idées d'utilisation inattendue des choses. Souvent, les concepteurs utilisent des matériaux ou des objets de manière inhabituelle ou même surréaliste. Voici les demi-tours pour recueillir des concepts. Par exemple, j'ai trouvé l'idée de cette image dans le magazine de design d'intérieur il y a environ cinq ans. Je ne l'ai pas utilisé exactement comme il a été présenté dans le magazine avec des illustrations botaniques. Cependant, au lieu de cela, j'ai utilisé des pages d'un livre régulier et le mien que c'était mon travail pré-Instagram. Maintenant, il semble que tout le monde utilise des livres et des pages dans leur contenu visuel, ce qui n'est pas une mauvaise chose, mais n'a certainement pas l'air juste original non plus. Ensuite, et peut-être mon préféré pour l'inspiration visuelle est l'illustration. Ce que j'aime chez les illustrateurs et leur travail, c'est qu'ils sont souvent complètement déconnectés de la réalité. Et nous, photographes, sommes généralement très dans la réalité, même si vous voulez créer une photo surréaliste dès le début de son existence, photographie avait cette composante documentaire, et elle a été créée pour documenter la vie réelle. Et j'adore ça à propos de la photographie. J' aime créer des photos qui ont l'air réel, mais notre surréaliste en même temps, j'aime tout tourner au même endroit, sans changer les arrière-plans de mes images. Cependant, je dois toujours penser à la façon dont je vais réellement la scène et il est parfois un bloque mon imagination. Les illustrateurs n'ont pas ces limites. Pour eux, tout le possible. J' aime emprunter des idées à des illustrateurs et les recréer dans ma photographie, à ma manière. Souvent, je vais vivre dans th, le sens original et le message de l'illustration. Mais cela fait partie de la superposition inspirante. Vous ne copiez pas simplement, mais paraphrase avec vos propres règles. Voici un exemple de la façon dont notre emprunté une idée que j'ai vu dans le travail de l'illustrateur italien et Nicollet pour l'appeler, ce sont les sources visuelles de votre inspiration. Cependant, votre inspiration peut provenir de n'importe où et de toute forme d'art, musique battue, théâtre, danse, Littérature. Et peut-être que beaucoup d'entre vous ont été inspirés par des morceaux de musique avant pour ceux qui ne l'étaient pas. Voici un exercice d'un photographe américain plus fin, Rob Woodcock. Prenez une heure ou même un couple, restez seul ou sortez et prenez vos écouteurs et un album ou vos artistes préférés avec vous et écoutez simplement la musique remarquez continuellement dans quel genre d'images monte dans votre esprit. Ce seraient les idées pour vos travaux futurs. Vous pouvez écouter à la fois de la musique sans mots et des chansons avec des paroles, et essayer d'imaginer activement de quoi parle le groupe ou le musicien dans la chanson. Cette pratique m'apporte au moins 23 idées fraîches par jour. La prochaine source populaire d'opération de financement est bien sûr, toute la littérature, les romans, les nouvelles, poésie, et ainsi de suite. L' une des façons les plus directes d'inspirer par la littérature, mais certainement pas la seule, est d'utiliser l'intrigue réelle et les histoires. Jetons un coup d'oeil à la façon dont le conte de fées populaire sur les imprimantes et le P se reflète dans les œuvres de cinq photographes contemporains bien connus. Tous ont des similitudes. Bien sûr, c'est ainsi que vous reconnaissez l'intrigue. Cependant, l'atmosphère et l'impression que ces photos produisent un euro sont profondément différentes. Rodney Smith crée une imprimante de tableau d'image dans une forêt de contes de fées. C' est rêveur, magique et paisible aussi. Le code du programme Eugenio raconte plus d' une histoire de haute couture en utilisant des accessoires d'intérieur vintage et une garde-robe. Image de Brooke ombrage est comme toujours mystérieuse et sombre. Rosie Hardy a créé un film d'horreur presque nous montrant comment les imprimeurs doivent avoir été terrifiés par les ecchymoses qui ciblent comme la photo de Ferdinand Goldstein, il mélange clairement des éléments de la culture pop et de la photographie hollandaise en caoutchouc . Si intéressant et amusant de voir ces interprétations. Vous êtes d'accord ? Ce sont donc leurs sources artistiques d'inspiration. De quoi pouvez-vous vous inspirer d'autre ? Quels sont vos intérêts plus généraux ? Le fer est-ce que le sport, la politique, les psychologues de la santé, la territorialité aiment la nature ou les animaux ? De nombreux artistes s'inspirent de la nature de différentes manières. Voici comment ça marche pour moi. Habituellement, quand je suis dehors pour une promenade, je regarde autour de moi et vois des endroits intéressants et la partie des démons ne tire quelque chose là-bas. Pour moi, cet endroit est le point de départ de ma chute et le début de mon histoire visuelle. Inspiration récemment inépuisable du détail de la nature, l'apparence de certaines choses, organisation ou de leur désorganisation, des couleurs de ces objets. Et cela peut être des choses très simples comme des roches, fruits, des fleurs ou des branches d'arbres et des feuilles. Toujours de petites choses, pas de grands endroits comme les champs ou les plages. Vous pouvez également essayer de tirer des idées à partir de là. Maintenant, soyons encore plus pratiques. Quels sont vos passe-temps et comment pouvez-vous les intégrer dans votre photographie ? Permettez-moi de vous donner un exemple. C' est Veronica. Elle est également connue sous le nom de cutover kicker sur YouTube et Instagram. C' est une danseuse professionnelle et dépassionnée par besoin et votre intérêt pour la photographie est venu exactement de là. Elle voulait créer des images intéressantes de ses tricots. Maintenant, pas tout son public sait sur ses besoins et son passe-temps, je crois parce qu'un soigné dans l'amène à une plus grande photographie créative d'amour. Maintenant, il y a une autre source d'inspiration que j'aimerais partager avec vous. C' est assez typique mentionné lors de tous les couples sur l'inspiration de la photographie, mais je pense que c'est un énorme et vous devez le considérer aussi bien. Mon inspiration et ma motivation à créer viennent souvent des gens et des interactions significatives. Si vous me suivez depuis un certain temps, vous savez que je suis un grand partisan des collaborations. Et en plus de tous les autres avantages comme la création de projets à plus grande échelle, vous pouvez vous inspirer par le travail de vos collaborateurs et par le processus de co-création de quelque chose ensemble. Permettez-moi de vous donner un exemple. Ces deux images sont uniquement le fruit de mes collaborations. Je ne les aurais pas créés autrement, d' autant plus que je n'aurais jamais pensé à la Crète et à quelque chose comme ça. Voir le thème de lui. C'était une collaboration avec le nouveau trader, Irina cool Cova. Elle m'a approché avec l'idée de travailler ensemble. J' ai décidé d'essayer. Et cela a commencé le processus de recherche de différentes façons de relier notre créativité. Avant ce moment, je n'avais jamais pensé à ajouter des illustrations à mes images. L' image avec le parapluie de fleur de diode était produit de ma collaboration avec un fleuriste, LN et Bostrom. Yolanda voulait faire quelque chose de vraiment inhabituel avec des fleurs et nous avons commencé à chercher des idées ensemble. Voici ce que nous avons trouvé, et je suis vraiment reconnaissant pour cette expérience. Sur une dernière note sur l'inspiration, j'aimerais vous rencontrer et vous ramener à des histoires. histoires de gens qui sont poussés à créer une grande partie de mon inspiration et de ma motivation viennent de me nourrir constamment d'histoires comme ça. Et peu importe ce que ces gens créent et ils finissent tant que c'est quelque chose de constructif et non destructif. Laissez-moi vous expliquer et vous donner un exemple. Je suis un grand fan de J's Gyrase live show sur YouTube. James Jarvis est un photographe et entrepreneur de renommée mondiale, mais je suis fan d'une histoire. Oh, pas parce que j'aime son style de photographie. Pas du tout, mais parce qu'il crée constamment quelque chose et aide les autres à faire de même dans le spectacle. Il canine vers les meilleurs créateurs du monde et leur pose sur leurs luttes et comment ils ont réussi à les surmonter. Je vois tous ces gens, ces grands accomplisseurs ne sont pas des super humains qui sont exactement comme vous et moi, mais ils ont travaillé dur dans tout ce qu'ils font. Et ça me motive à continuer avec mon art et à faire de même. Cependant, ce ne sont que de petites aides. Je crois profondément que si vous avez besoin de constamment vous motiver à faire quelque chose, alors probablement il est quelque chose fait quelque chose n'est tout simplement pas pour vous et vous devez trouver votre truc. Vos motivations profondes devraient venir de l'intérieur, de votre désir de vous exprimer visuellement et de le partager avec les gens seulement quand vous comprenez pourquoi vous devez absolument créer quelque chose. Vous pouvez le soutenir pendant longtemps et trouver une réponse à cette question ne viendra pas immédiatement à vous. Cela peut prendre des années, alors ne vous découragez pas si vous ne le savez pas encore. J' aimerais finaliser notre discussion sur l'inspiration avec des conseils simples mais puissants. Laissez-vous ennuyer, obtenez l'inspiration du SARD et des gens génial. Cependant, si vous consommez constamment du contenu, vous finissez par ne rien créer vous-même. Vous devez également prendre des pauses et vous ennuyer. L' inspiration à créer vient de ces minutes d'ennui. Lorsque vous ne regardez pas votre téléphone, lorsque vous ne regardez pas la télévision et que vous ne parlez à personne. Sans surprise, beaucoup de gens disent qu'ils s'inspirent. Les douches ou pendant la conduite, ou pire de tout, à mon avis, est juste avant de s'endormir. La raison de s'inspirer à ces moments est scientifiquement étudiée et a été utilisée pendant des décennies par les créateurs les plus réussis et les bons. Et Einstein, par exemple, vous devez vous mettre dans l'état Alpha de l'activité cérébrale. C' est quand vous ne pensez pas activement, mais sont détendus et calmes votre Grande-Bretagne la plus dure et battu lentement. Vous pouvez vous mettre dans cet état en vous asseyant et en essayant de méditer. Habituellement, vous ne pouvez pas complètement effacer votre esprit des pensées. Mais les idées brillantes ont enfin une pesée. L' idée de l'immobilité qui devient de plus en plus populaire nos jours a une application très pratique pour les artistes. Donc, si vous l'avez repoussé, donnez-lui la garantie d'essayer et de mourir que vous verrez immédiatement des résultats positifs dans vos pratiques créatives. Alors maintenant, vous savez comment et où vous pouvez vous inspirer pour vos œuvres futures. Maintenant, il est temps de s'entraîner. Choisissez deux des exercices suivants et téléchargez vos résultats dans notre espace d'apprentissage. Le premier, il peut être regarder un film ou un clip vidéo et faire des captures d'écran des épisodes que vous avez vraiment aimé. Pense à pourquoi tu les aimes. Est-ce que la composante visuelle est émotionnelle ? Écrivez vos réponses. L' option suivante, pensez aux trois principales attractions de votre ville. Pourquoi vous manque-t-il de ces soustractions ? Est-ce à nouveau la composante visuelle, l'histoire est-elle liée à eux ? Est-ce une sorte de sentiment que vous les connectez avec eux tout ceux entre l'option numéro 3 et lire un conte de fées ou une nouvelle. Comment décririez-vous l'intrigue en une courte phrase ? Écrivez-le l'option suivante. Prenez un magazine de design d'intérieur. Peu importe si c'est vieux et que vous regardez à travers les tendances, quelles sont les caractéristiques de base ? Que pouvez-vous appliquer à votre photographie ? Et se transformer en concept ? Écrivez vos réponses. Option numéro cinq, trois grands objets naturels. Vous pouvez les ramasser dans le parc à proximité ou dans une épicerie, peu importe. Qu' est-ce que tu aimes dans ces objets ? Quelles sont les caractéristiques les plus importantes ? Des formes de couleur Daxter, autre chose ? Regardez-les de plus près et notez vos associations. Qu' est-ce que ces objets vous rappellent ? Donc, vos réponses aux questions de ces exercices sont les détails que vous pouvez utiliser pour vos futures images. Donc, encore une fois, vous pouvez choisir deux exercices à partir des cinq minutes et au-dessus et les compléter. Vous pouvez accéder aux trois autres trois plus tard quand vous aurez plus de temps. Mais si vous êtes bon à l'heure, faites les cinq, partagez vos inspirations, téléchargez vos images illustrant vos réponses à au moins trois questions. Votre écrit entre dans la commande pour les images. Je suis intrigué de voir ce qui vous inspire. Maintenant, les gars. Je sais que c'était une bouchée, mais rappelez-vous juste que vous n'avez pas besoin d'être inspiré par l'érythème à la fois. sources d'inspiration du mardi qui vous conviennent et les explorer en profondeur. Cela vous aidera à mieux vous comprendre, et cela vous conduira inévitablement à produire des œuvres plus significatives et plus authentiques. 26. Module 7 : 2 façons d'attribuer un concept à une photo: Ce module d'apprentissage, nous allons parler d'un sujet avancé, des concepts créatifs. Et nous allons essayer de trouver une réponse à la question de quoi est vraiment votre histoire. Si cela semble intéressant mais un peu intimidant, sachez que vous n'êtes pas seul. Et j'y étais aussi. Cela arrive juste parce que vous continuez à vous dire que votre vie est ennuyeuse et que vous n'avez pas vraiment d'histoires à raconter. Mais sachez que ce ne sont que des mensonges. Je vais vous montrer comment vous pouvez créer des histoires significatives en creusant profondément dans votre esprit jusqu'à, et en trouvant ces concepts. Regardez. Et j'ai hâte de les partager avec vous. Au sein de Harvard, 10 ans de ma pratique artistique et après avoir interviewé plus de 50 photographes travaillant dans le même domaine conceptuel, j'ai découvert qu'il y a deux façons d'attribuer ce concept à votre travail. Vous pouvez trouver un concept pour votre image avant ou après la création de votre photo. Et les deux voies vont bien. Donc, ce que je veux dire par avant de créer, c'est que vous venez avec un concept, un sujet ou un problème dont vous voulez parler avant même de planifier votre photo, vous choisissez quelque chose qui résonne avec vous à un niveau personnel profond, et seulement alors vous créer intentionnellement prêter attention à chaque détail. Pourtant, il y a une seconde attente à travers le concept à votre travail et c'est après la création, c'est votre idée de direction. Quel est votre processus ? Après que l'image est prête, vous essayez de répondre à la question, qu'est-ce qui m'a poussé à créer ce travail particulier ? Je vous apprendrai à trouver du contenu avant commencer à créer le travail dans la leçon suivante. Pendant ce temps, soyons clairs sur les photos que vous avez créées et continuons à créer juste parce que et pour la fraîcheur ou la beauté de celui-ci, sachez qu'il est bon de vous laisser explorer des sujets sans lui attribuer un certain concept de la très début. Dans certains cas, il est même nécessaire du ciel interviewé de nombreux photographes reconnaissent dans l'obscurité. Je me rends compte maintenant que créer un sens, mais, et je mets vide de sens dans les citations. Mais le travail esthétiquement agréable fait pour la beauté et l'étrangeté de celui-ci. Une étape importante pour créer ce travail profond et fort qui aura un impact sur les gens sur les plans émotionnel et cognitif. En plus de cela, soyons conscients, une grande partie de la création de n'importe quel type d'art est subconscient. Si nous essayons de tout contrôler et de prendre la partie intuitive de la création, ce ne sera plus de l'art. Ce qui est important à comprendre, c'est que souvent le travail qui vous semble dénué de sens au début peut encore être considéré comme conceptuel et raconter une histoire claire. Au tout début du cours, nous avons parlé de la façon dont une histoire peut être racontée dans n'importe quel type de photographie, même lorsque vous photographiez des fleurs ou des beignets. Rappelez-vous, à la fin, tout se résume au sens que vous attribuez vous-même à votre travail. Oui, vous êtes l'artiste et il est votre droit et responsabilité en fait de prendre conscience de pourquoi vous créez, quand vous créez, Pourquoi voulez-vous prendre ces images de tampons, couples, fleurs, visages heureux dit femmes et robes vintage, Les mecs sans tête dans l'eau, peu importe. Permettez-moi de vous donner un exemple personnel. Les concepts étaient très difficiles pour moi au début de mon souffle de photographie, quand j'ai commencé à essayer ce type de photographie, je voulais juste créer quelque chose d'inhabituel et surréaliste, fondamentalement quelque chose qui aurait l'air cool. Je n'avais aucune histoire derrière mes photos. Et si vous reconnaissez votre histoire dans la mienne, sachez que c'est normal. C' est l'étape de la découverte et de la création de votre intérêt pour un certain domaine de l'art. Plus tard, quand j'ai mûri en tant qu'artiste, j'ai commencé à me demander pourquoi créer, ce que je crée un connecté les images que j'avais avec mes intérêts dans la psychologie et les relations humaines. Et ils ont réalisé que je communiquais des choses que nous me touchons inconsciemment à un niveau émotionnel profond. Et finalement, j'ai pu trouver des concepts réels et des histoires de mes œuvres passées. Donc, si vous voulez passer au niveau suivant et vous le faites parce que vous êtes ici. Et dans notre bande de conteurs visuels, vous devrez commencer à vous poser des questions vraiment profondes. Genre, pourquoi est-ce que je veux créer un travail comme ça ? Quel genre de valeur peut ajouter du vert aux gens ? Quel genre de valeur cela m'apporte-t-il ? Quand vous commencez à comprendre ces choses, vous vous rendrez compte qu'il y avait en fait des histoires profondes dans votre travail, mais elles ont traversé votre esprit inconsciemment. Maintenant, il est temps pour vous de les mettre en mots et leur attribuer toutes les significations que vous trouvez importantes ? Oui, essayez d'interpréter votre propre travail. J' ai essayé de le regarder comme si tu étais un étranger. Ces questions sont vraiment grandes et vous ne serez probablement pas en mesure de trouver immédiatement des réponses. Ça prend des années. Et en passant, les réponses peuvent changer au fil du temps. Alors, ne soyez pas stressé à ce sujet tout de suite. Essayez simplement de prendre le temps de les réfléchir et d'écrire vos réponses, puis revenez aux questions dans une semaine ou dans un mois. Cela vous permettra de rester centré et engagé dans votre pratique photographique. Parce que lorsque vous trouverez des réponses à ces questions, quand vous savez pourquoi, vous serez en mesure de maintenir vos pratiques créatives et ne vous lasserez jamais de travailler pour les clients. Ainsi, votre but en tant qu'artiste devient d'élever les niveaux de conscience de soi et de conscience de vous-même et des histoires que vous voulez raconter. C' est à ce moment que vous commencez à obtenir plus de réalisations sur les choses qui sont importantes pour vous et pourquoi elles sont importantes, alors vous voulez consciemment que votre art soit transformatif pour le spectateur tout en étant ouvert à l'interprétation, pratiquons ce dont nous venons de parler. Jetez un oeil à vos œuvres passées. Recherchez ceux que vous avez créés pour l'esthétique pure ou l'étrangeté d'entre eux. Choisissez trois images. Revenons au moment où tu créais et demande-toi, quoi je pensais ? Mais surtout, qu'est-ce que je ressentais ? Les réponses à ces questions vous donneront des indices et des conseils sur les concepts et les histoires qui peuvent maintenant être liés à votre travail passé. vous plaît noter que vous ne devriez aller que pour les histoires et les concepts qui résonnent vraiment avec vous maintenant et qui ne semblent pas faux. Il est important d'être complètement honnête avec vous-même pendant que vous faites cet exercice. Un autre ensemble de questions que je veux que vous vous posez lorsque vous regardez votre mot de passe est le type de choses, objets, de personnes que vous aimez avoir dans vos images. Pourquoi pensez-vous qu'ils sont présents dans votre travail ? Que voulez-vous que les spectateurs ressentent quand ils voient votre travail ? Lequel de vos travaux vous êtes connecté avec le plus émotionnellement, surtout, et pourquoi ? Répondre à ces questions vous aidera à mieux comprendre vous-même et votre travail. Dans la prochaine leçon, nous apprendrons à trouver des concepts pour les travaux que vous envisagez de réaliser à l'avenir. Ce ne sera pas facile, mais ce sera certainement amusant. Regardez. 27. Module 7 : concepts d'entrance: Dans cette leçon, nous allons parler de virgule num avec des concepts personnels ou internes. Avant d'y plonger, je tiens à vous rappeler qu'avec ce cours, mon objectif est de vous apprendre à commencer à prendre conscience des histoires que vous voulez raconter à ce monde. Pourquoi est-ce important ? D' abord ? Parce que lorsque vous comprenez pourquoi vous créez vos œuvres, votre travail vous apporte de l'épanouissement et vous êtes plus susceptible trouver les personnes qui résonneront avec le message que vous publiez là-bas. Et cela inclut les galeries, les collectionneurs, les adeptes sur Instagram. De plus, si vous travaillez déjà sur un plan et que vous travaillez avec des marques et des clients, cela vous aidera à mieux servir vos clients. Lorsque vous apprenez à raconter des histoires dans vos projets personnels, il serait beaucoup plus facile de transformer ce processus en rans de travail commercial, magazines, et même les individus ont toujours un message qu'ils veulent transmettre à leur public. C' est pourquoi je veux creuser, intégrer dans les concepts généraux pour vos images d'abord , puis descendre pour trouver des idées réelles pour sa photo. Quelle est la première étape pour trouver un concept pour votre travail ? Jetons un coup d'oeil à la façon dont les concepts peuvent être classés. J' aime diviser les concepts en deux grands groupes dans les concepts Word et ceux vers l'extérieur. Les concepts intérieurs comprennent tout ce qui est lié à votre vie personnelle, avec vos souvenirs, vos difficultés et vos moments heureux, votre expérience familiale ici, émotions et fondamentalement votre psychologie, les concepts extérieurs reflètent ce qui se passe dans le monde qui vous entoure et comment vous réagissez à ces choses va plonger plus profondément dans ceux de la leçon suivante. Pendant ce temps, parlons de concepts intérieurs. la recherche de concepts internes, vous devez penser aux questions comme, ce qui sont inquiets, les plus grandes luttes dans la vie ? Quels défis avez-vous dû surmonter ? Quelles ont été vos réactions émotionnelles à eux ? Qu' as-tu appris d'eux ? Quelle est la pire ou la meilleure chose qui t'est jamais arrivée ? Pourquoi était-ce la meilleure ou la pire chose ? Quelles sont tes plus grandes craintes ? Quelles sont les choses pour lesquelles vous êtes le plus reconnaissant ? Quels sont vos rêves et vos aspirations ? Quels sont vos objectifs dans la vie ? Pourquoi avez-vous choisi ces objectifs ? Et ils comprennent totalement que ces questions sont vraiment grandes et qu'elles ne sont pas faciles. C' est peut-être la première fois de votre vie qu'on vous pose ces questions. Cependant, lorsque vous vous asseyez et prenez le temps de réfléchir à ces questions, vous commencerez à mieux vous comprendre et finirez par être reflété dans votre travail. De plus, l'analyse vous donnera une abondance de concepts pour vos futures images. Et pas seulement des images, mais toute la série d'œuvres qui visaient. Permettez-moi de vous montrer quelques exemples de photographes travaillant avec des concepts intérieurs. Par exemple, j'ai créé cette image alors que je n'étais pas au milieu d'une transformation psychologique sérieuse. Et la norme selon laquelle il y avait deux de moi, celle que tout le monde autour de moi, ce qui signifie que ma famille et mes amis voulaient voir. Et le vrai que je n'étais pas de côté, mais ne l'a pas permis montrer parce que ça ne correspondait pas à la façon dont les gens autour de moi vivaient dans l'image. J' essaie de les harmoniser. Ce qui est intéressant, c'est que je n'avais pas ça. À l'esprit quand étudiant l'image, il m'est venu après quand je me demande pourquoi cette image était si importante pour moi de tourner. Plus tard, j'ai trouvé que ce sujet était très intéressant et je peux en fait le développer de plusieurs façons. Et il ne s'agit pas du bien et du mal en nous. Il s'agissait du dialogue interne que nous avons tous. Parfois, ce dialogue est cruel et nous punir. Ce que j'essayais de faire de mon travail était de mettre ce dialogue intérieur, un dialogue positif, et pour que nous trouvions dans sa pièce, Voici un exemple d'un autre photographe. Il soit Evan Smith, quand elle a eu un bébé, qui lui a donné un tout nouveau sens à sa vie et lui a fait réévaluer beaucoup de choses sur ses relations mère-fille. Ces pensées se reflètent dans cette série que vous avez appelée, vue, pas entendue. Un autre exemple vient d'un photographe fini. Wilma cheval peut en fait spéculer sur le sujet de grandir et de changer et a créé toute une série d'images où elle reproduit ses vieilles photos d'enfance. La prochaine étape de la découverte de vos concepts intérieurs peut sembler encore plus compliquée. Certains d'entre vous se posent des questions sur vos valeurs de vie, pourquoi est-ce important pour un artiste ? Eh bien, les valeurs font partie de nous. Ils mettent en évidence ce que nous défendons. Ils peuvent représenter un actif individuel unique. Les valeurs guident notre comportement et, bien sûr, devraient se refléter dans notre travail lorsque nous possédons notre, nos valeurs fondamentales personnelles constamment et les laisser briller dans nos photos. Nous avons expérimenté l'épanouissement de la prise de vue et nous sommes prêts à le faire aussi longtemps que nous pouvons découvrir de nouvelles valeurs fondamentales nécessite un travail psychologique personnel, ce qui inclut le retour sur vos expériences les plus mémorables de la vie. Cela peut être fait avec un guide spécialisé et un mentor entraîneur par vous-même. Et il y a un certain nombre d'articles sur les étapes pratiques pour découvrir vos valeurs personnelles. Je vous recommande de les vérifier lorsque vous découvrirez ce que vous appréciez vraiment dans la vie, nous ferons de la magie aux images que vous créez et vous ne serez jamais inquiet copier le travail de quelqu'un d'autre car votre travail vous reflétera pleinement. Maintenant, faisons un peu de travail pratique et voyons que plonger dans votre propre personnalité, vos souvenirs, vos sentiments et vos croyances peut être une source incroyable d'inspiration artistique et fournir une abondance de concepts pour vos futures images. Donc, cet exercice est appelé à venir avec des concepts internes. Et je veux que vous choisissiez trois questions dans la liste ci-dessous, saisissez-les aussi honnêtement que possible. Vous ne partagerez vos réponses avec personne. Alors soyez honnête lorsque vous répondez à chaque question, faites au moins trois choses. Alors les questions sont, quelles sont tes plus grandes luttes dans la vie ? Quels défis avez-vous dû surmonter ? Quelle a été votre réaction émotionnelle à eux ? Quelle est la pire ou la meilleure chose qui t'est jamais arrivée ? Quelles sont tes plus grandes craintes ? Quels sont vos plus grands rêves ? Quelles sont les choses pour lesquelles vous êtes le plus reconnaissant dans la vie ? Quels sont vos objectifs dans la vie et pourquoi avez-vous choisi ces objectifs ? Une fois que vous avez terminé la liste ? Regardez-les. Lequel vous déclenche le plus émotionnellement ? 2s celui-là. Cela peut être le concept de base de votre futur projet. Par exemple, si vous choisissez des peurs dans vos projets futurs, vous pouvez explorer les sujets de tels types de peur et de peur. Cette peur joue un rôle important dans le développement de tout être humain qu'elle ne peut être des moyens de surmonter les peurs, ou ce que les craintes peuvent faire aux gens et ainsi de suite. N' ayez pas peur d'être inhabituel avec le concept. N' oubliez pas que les bonnes histoires sont universelles et vos spectateurs auront besoin de quelque chose à enraciner dans votre travail. Dans la prochaine leçon, nous parlerons des concepts extérieurs et la façon dont vous pouvez trouver ceux qui vous intéressent le plus. 28. Module 7 : concepts à compter du courant: Dans cette courte leçon, nous parlerons des concepts extérieurs. Ce que je veux dire par là, c'est ce qui se passe dans le monde et comment cela affecte les gens et vous personnellement. Cela comprendra des processus mondiaux dont nous sommes témoins, comme les tendances et tendances politiques, économiques ou technologiques , psychologiques, sociologiques et écologiques , psychologiques, sociologiques et écologiquesqui se produisent dans la vie quotidienne autour de vous. Encore une fois, je vous suggère de revenir à vos intérêts généraux et non seulement à vos intérêts, mais aussi à vos préoccupations, question à prendre en charge et passionné. Et laissez-moi vous donner un exemple. Nous avons déjà mentionné cette fameuse photo de Jorge Gamboa. De toute évidence, le photographe était préoccupé par la situation écologique dans le monde. Son image simple est très puissante car elle joue avec les associations et vise à faire réfléchir les gens à l'état actuel de l'environnement. Voici un exemple différent d'un photographe canadien, Dean et Goldstein. Elle décide de spéculer sur la façon dont la vie des princesses Disney pourrait être comme dans le monde moderne. Dans cette série, elle aborde de nombreuses questions qui ne se limitent pas à un seul sujet. Nous pouvons la voir esquiver et sur la politique ainsi que problèmes psychologiques et sociologiques. Dans son autre série, Dina attire notre attention sur la façon dont les sociétés capitalistes modernes s'organisaient. Ses images sont ajoutées des affiches qui vendent des choses comme des idées, vengeance, de l'amour, ou même du shopping. Mais que se passe-t-il si vous faites partie de ceux qui ne peuvent pas entrer en contact avec les enjeux mondiaux ? Et si vous résonnez avec quelque chose qui traite de votre vie personnelle et de vos expériences passées, mais qui n'appelle pas à résoudre le problème de la pauvreté ou de la faim dans le monde. Sachez que vous n'êtes pas seul et que vous n'êtes pas un paria ou que vous n'avez pas été linguistique ou trop égocentrique. Vous vous concentrez sur les choses qui vous touchent au niveau émotionnel le plus profond. Et quand vous essayez de traiter vos propres émotions liées à quelque chose de personnel, comme un drame familial, un traumatisme d'enfance, ou quelque chose comme ça. Vous êtes un exemple pour d'autres personnes qu'il est possible de faire face à des difficultés. Beaucoup de téléspectateurs peuvent résonner avec ce genre de travail parce que ces choses arrivent à tout le monde. Ou disons, vous êtes passionné par la vie des cochons d'Inde en Hongrie à l'époque médiévale. Oui, c'est un exemple bizarre. Mais si vous vous connectez vraiment à ce sujet, vous savez pourquoi il est important pour vous. Et quand vous créez de l'art lié à cela, cela touchera des gens qui ont les mêmes intérêts. La beauté du monde d'aujourd'hui n'est pas la diversité. C' est normal d'être différent et de faire partie d'un groupe plus petit en même temps. Et bien, qu'est-ce que ton art est heureux ? Y a-t-il même une place pour cela dans le monde ? Parce qu'il semble souvent que pour être considéré comme profond et profond, un concept doit être lié à une sorte de problème. Et ma réponse est, bien sûr, oui, il y a une place pour l'art heureux qui ne va pas résoudre dans aucun problème global, mais vous aide à voir la beauté de la vie et à apprécier plus. Mes artistes lourds préférés sont EnoDeb is et Danielle Rwanda. Les arts peuvent sembler être une lumière pour certains, mais ils servent une plus grande mission de faire en sorte que le projet de loi valorise la vie et les petites choses qu'il contient. En conclusion, je voudrais souligner qu'en fin de compte, tout se résume à une seule question combien de vous-même vous êtes prêt à mettre dans votre travail et à partager avec le monde. Beaucoup d'entre nous, y compris moi-même, ne sont pas trop disposés à exprimer publiquement nos opinions parce que, dans la plupart des cas, nous avons peur d'être jugés et désapprouvés. Cependant, il est très important de comprendre qu'il n'est jamais possible de plaire à tout le monde et vous ne devriez jamais attribuer trop de pouvoir aux opinions des autres. Assurez-vous que les cyniques et les ennemis ont leurs propres plats les plus importants à prendre en compte. Pourtant, vous commencez à ouvrir et partager vos points de vue réels, le monde, vous êtes beaucoup plus susceptibles d'établir des liens significatifs avec les gens qui s'en soucieront et vous aurez beaucoup plus de chances de m'entendre deux en retour. Et en fin de compte, n'est-ce pas ce que nous recherchons tous ? Connexion ? Je serai honnête. J'ai encore beaucoup de mal avec le partage et je suis resté à mon avis à mon art parce qu'il est beaucoup plus facile de créer des images de rêve qui montrent des contes de fées et offrent une évasion, mais pas vraiment vous faire penser ou faire face à des choses qui se passent ici. Il est également beaucoup plus facile de produire une œuvre d'art émotionnelle et de ne pas comprendre pourquoi vous l'avez fait. C' est plus facile de ne pas faire le travail sur vous-même. Essayer de comprendre vos intentions personnelles plus profondes est beaucoup plus facile à dire, je l'ai fait, l'enfer sait pourquoi. Maintenant, vous avez montré comme ça et connectez-vous avec elle pour une raison quelconque. Mais alors, comment pouvons-nous nous attendre à ce que les téléspectateurs se connectent à notre travail si nous, nous-mêmes, n'y sommes pas liés. Maintenant, pratiquons découverts dans les concepts extérieurs qui signifient quelque chose pour nous. Prenez un journal ou allez à la page Dernières nouvelles de n'importe quel site de nouvelles populaire, regardez à travers elle et trouvez au moins trois sujets qui vous ont touché la chose la plus émotionnelle les plus et a essayé de mettre chacun d'eux en une courte phrase. Et ces phrases, le, les concepts de base pour vos futurs projets, choisissez l'un d'eux, qui vous parle le plus et a essayé d'élargir le sujet. Par exemple, vous pouvez énumérer plusieurs problèmes dans un grand ischium. Si vous pensez à la pollution de l'environnement, vous pouvez la diviser en types de pollution ou en effets de pollution dans différentes régions du monde. C' est juste un exemple avec un concept plutôt négatif. Vous pouvez également prendre quelques tendances positives et les casser en pièces plus détaillées. Maintenant, je sais que c'était un sujet un peu avancé, mais ils ne pouvaient pas le passer dans ce cours. Ils veulent vraiment se rendre compte de pourquoi vous tirez. Qu' est-ce que vous tirez et quel genre de méthodes vous voulez mettre dans ce monde. Parce que c'est seulement alors que vous serez en mesure de soutenir votre pratique créative pendant longtemps. Seulement alors vous serez motivé à tirer encore et encore et encore. Et c'est ce que nous voulons tous trouver l'épanouissement dans notre travail. 29. Module 8 : façons pratiques de débloquer votre génie: Dans ce module d'apprentissage, nous allons parler du sujet que beaucoup d'entre vous sont si inquiets des blocs créatifs. Et je vais vous montrer comment vous en débarrasser rapidement et efficacement. Je me concentrerai également sur les techniques pratiques de la façon dont vous pouvez générer des idées facilement à tout moment. Commençons, Ok, eh bien, parlons des monstres effrayants. Beaucoup de créatifs sont si inquiets à propos du bloc créatif. Et tout d'abord, nous allons comprendre ce que c'est exactement quand vous savez à quoi ressemble un monstre et d'où il vient, il devient beaucoup plus facile de le combattre. En d'autres termes, vous devez comprendre le problème et être conscient de celui-ci afin que vous puissiez le traiter efficacement. Les blocs créatifs ou les obstacles à l'inspiration peuvent être décrits comme l'incapacité d'accéder à sa créativité interne. La situation va de la difficulté à trouver des idées originales à l'incapacité de produire du travail créatif pendant des jours, semaines, voire des années. Bloc créatif peut être vécu par n'importe qui pour un certain nombre de raisons. Beaucoup d'écrivains, d'artistes, de musiciens ont rapporté des périodes de créativité à un moment donné de leur carrière. Par exemple, Francis appelé Fitzgerald était parmi eux, cependant, souvent simplement prendre conscience de quand, comment, et pourquoi un bloc créatif se développe peut aider une personne à aborder le bloc créatif et empêché de revenir. Alors plongons plus profondément dans ça. Dans ce module, nous parlerons beaucoup d'idées. Permettez-moi donc de vous rappeler dans quel sens j'utilise ce mot par des idées. Je veux dire comment une histoire est développée dans une image, l'exécution visuelle d'un contrat, par exemple, dans cette image, le concept de base est de montrer la fragilité d'une relation entre deux personnes. L' idée principale ici est d'utiliser les clins d'œil géants en papier pour dévoiler ce concept tout en parlant à de nombreux photographes, j'ai conclu que les artistes génèrent généralement des idées de deux manières différentes. Le premier est quand vous avez un point de départ, comme nous l'avons discuté précédemment, un élément vestimentaire de localisation de surprise que vous voulez essayer, ou peut-être c'est le visage d'un modèle ou un accessoire cool. Et puis vous avez essayé de connecter une sorte d'histoire ou de contact avec elle. C' est ce que je fais depuis de nombreuses années. Ce sera aussi, dans de nombreux cas, la façon dont vous avez construit vos histoires visuelles. Dans le cas où vous travaillez avec des marques, par exemple, elles vous donnent souvent un produit et vous demandent de créer quelque chose d'intéressant avec lui. La seconde commence par une histoire ou un concept. Lorsque vous avez déjà un problème auquel vous voulez attirer l'attention du public. Ou si vous voulez partager une expérience personnelle profonde, mais vous n'avez pas d'éléments d'image ou de points de départ. Je crois que les deux vont bien et ont le droit d'exister. Pourtant, ils ont tous deux plusieurs plus grands défis potentiels ou types de blocs dont je veux discuter avec vous aujourd'hui. Donc, quand nous pratiquons ma façon de créer une image à partir d'un point de départ, il y a des chances que vous soyez pris dans juste la composante statique de votre future image. Donc votre histoire sera faible ou pas présente du tout. Cela m'est arrivé plusieurs fois. Antidote pour celui-ci serait de ne jamais oublier les significations symboliques des couleurs, des accessoires, emplacements, des poses que vous utilisez, et essayer de les aligner avec vos valeurs, opinions et vues. Il suffit de prêter attention à la façon dont tel ou tel sens d'un accessoire, par exemple, résonne avec vous et quelles émotions en vous sont déclenchées pour ne pas être submergé par la pure statique. Posez-vous des questions sur votre point de départ, comme nous l'avons discuté dans l'un de nos modules précédents, par exemple, j'ai mentionné comment j'ai attribué un sens symbolique personnel à mon oregon et mes oiseaux. Lorsque vous avez une histoire claire dans votre esprit que vous voulez partager avec le monde, vous pourriez encore faire face à des obstacles potentiels. Et ça peut sembler être de vrais blocs créatifs. Le premier, le syndrome de la toile vierge, quand vous faites face au fait que votre histoire peut être racontée de plusieurs millions de façons différentes et vous ne savez pas lequel d'entre eux choisir et par où commencer. Mais ce n'est pas le seul défi potentiel. Une fois que vous avez trouvé la façon la plus cool de présenter votre histoire, qui n'est pas réellement liée aux lieux, aux invites, et cetera. Et puis vous avez à portée de main, vous pourriez être appelé dans le monde idéal et voulait que tout soit exactement comme l'image que vous avez dans votre tête. Et ça pourrait être à la fois bon et mauvais. D' une part, il va vous pousser à apprendre de nouvelles choses, trouver de nouveaux accessoires et lieux cool, de nouvelles personnes avec qui travailler, etc. Il est extrêmement bon, bien sûr, d'autre part, vous pouvez commencer à différer, vous dire que vous n'avez pas encore ceci ou cela pour votre image idéale. Et beaucoup de gens s'arrêtent juste là. Ils viennent avec une image idéale dans leur tête, mais ils ne peuvent pas l'avoir en réalité en raison de certaines limites de la vie réelle, et ils ne la créent tout simplement pas du tout. Mais on ne veut pas ça, bien sûr. Voici donc mes suggestions sur la façon de faire face à ces deux obstacles potentiels et antidote pour le syndrome de la toile vierge est de fixer des limites. Consciemment limitez-vous. Utilisation de quelques invites, emplacements, couleurs, etc. Rappelez-vous l'exercice que nous avons terminé lors de la construction de l'histoire à partir de trois éléments. Maintenant, vous pouvez définir ces éléments pour vous-même. Encore une fois, soyez intentionnel quand vous avez dit les citrons et demandez-vous constamment pourquoi vous choisissez tel ou tel élément particulier pour être présent et non absent de votre image, aller un peu plus loin et créer un ensemble de règles pour votre image future. Gardez à l'esprit vos ressources, emplacements, modèles, accessoires et ce que vous pouvez créer avec eux. Voici un exemple de ma pratique, ma série d'alphabets. C' est un projet de ration de colonne avec les styles Jane Christopher fils qui vit à Saint-Pétersbourg, en Russie. Et la plupart des pousses ont été faites là-bas. Lorsque nous avons commencé le projet, nous avons décidé que la règle serait qu'il y a toujours deux couleurs principales. Le format sera toujours carré, et la lettre prendra la plus grande partie de notre plan. Quand j'ai commencé la série, J'ai évalué mes ressources pour réduire la base avec fond de papier de différentes couleurs sont relativement moins cher et Pétersbourg et trouver des modèles est généralement relativement facile. Saint-Pétersbourg est très proche d'Helsinki, Donc, le projet semble réalisable dès le début. Maintenant, quand vous avez le syndrome de l'image idéale. Recherchez des substituts d'éléments qui vous manquent. Oui, vous devrez faire des compromis, mais vous devez aussi toujours vous rappeler que ont fait est beaucoup mieux que inexistant. Si vous ne trouvez pas l'emplacement parfait, les listes, tous les endroits qui sont accessibles à vous dans la vraie vie et voyez si vous pouvez y tirer au lieu de votre endroit idéal. Lorsque vous créez cette liste, ne pensez pas à l'image que vous souhaitez créer. Cela ne permettra pas à votre esprit créatif d'offrir des solutions originales. Après avoir répertorié tous les lieux, faites une courte pause, puis regardez la liste une fois de plus, visualisant votre future image prise dans ces endroits. Croyez-moi, cette fois vous serez en mesure d'en choisir un dans la liste. Et vous pouvez faire la même chose avec d'autres éléments d'image aussi. Voici un autre exemple de mon travail. J' ai gardé l'idée de cette image dans mon esprit pendant plus d'un an. J' ai gardé le chirurgien pour un endroit parfait. J' ai pensé qu'il devrait être rempli. Cependant, je n'ai pas pu trouver un tel feutre, mais j'ai trouvé un mur approprié et le tir s'est finalement réuni. La chose principale à propos des blocs créatifs est que vous devez comprendre qu'ils se produisent généralement de trop de pensée. Oui, vous devez trouver une histoire significative. Pourtant, quand vous pourriez être trop occupé et fatigué, il ne peut plus fonctionner de manière créative. Par conséquent, permettez-moi de partager une certaine façon. Vous pouvez réinitialiser votre esprit afin qu'il puisse revenir à être encore plus créatif qu'avant. Et tout d'abord, vous continuez votre environnement, en changeant parfois le réglage, change votre processus de pensée. Aller à un café à proximité au lieu de s'asseoir à maison ou faire une promenade dans le parc local, voyager aide aussi beaucoup. La prochaine façon est de changer de vitesse, cesser de penser à de nouvelles idées et de faire quelque chose d'autre qui n'est pas lié à votre photographie. Votre processus de pensée sera toujours en cours d'exécution dans votre esprit et il pourrait se détacher facilement et vous fournir une idée brillante pendant que vous faites quelque chose au hasard. Newton et Apple, nos comités et les exemples de baignoire sont autour. La prochaine façon serait de changer votre médium. J' ai trouvé ce conseil dans le livre Big Magic par Elizabeth Gilbert, simplement essayé de trouver un débouché créatif différent. Vous pouvez dessiner, peindre, jouer, instrument de musique, danser, ou commencer votre projet de bricolage. Il aide souvent à débloquer votre blog dans tous les médias tout de suite. Le prochain sera d'isoler et d'être dans la nature, souvent des blocs créatifs se produisent parce que nous obtenons trop d'informations. Ou le Dr trop de gens regardent trop de films, regardez nos écrans trop longtemps. Quand tu bloques cette distraction, ton esprit, tais-toi, ça va s'ennuyer, comme on l'a déjà dit. Et la dernière chose est de bloquer le temps pour votre créativité. Oui, vous devez réellement définir les heures pour cela dans votre calendrier. Des études montrent que votre cerveau ne peut pas être logique et créatif en même temps, la créativité a besoin d'immersion, mais nous voulons que les idées apparaissent simplement au milieu d'une journée bien remplie. Et vous pouvez même le justifier en disant, j'ai des idées sous la douche ou quand je suis endormi. Pourtant, remarquez comment ces idées viennent quand vous êtes détendu. Et si vous preniez plusieurs heures pour laisser votre esprit errer ? Que faire si vous preniez quelques jours par semaine pour simplement créer une semaine par mois ou plusieurs mois par année. Certains artistes travaillent en cycles. munitions peintre diffèrent, par exemple, prend plusieurs mois dans une année pour produire ses peintures, et le reste du temps est consacré à l'enseignement et les choses liées aux affaires. Mais tu n'as pas à le faire tout de suite. Vous pouvez commencer petit. Nous allons juste Lexend jours dans une semaine, puis prolonger lentement cette période créative et voir comment ça se passe. Alors maintenant, vous savez comment réinitialiser votre esprit occupé pour être en mesure de laisser entrer les idées brillantes. Dans la leçon suivante, nous discuterons des techniques réelles de génération de NADH. Regardez. 30. Module 8 : Outils pour générer des idées: Dans cette leçon, nous allons parler de cinq techniques puissantes que vous pouvez utiliser pour toujours être en mesure de trouver de nouvelles idées. Mettons-y directement. Vous pouvez générer des idées en brainstorming, reframing, en posant des questions pourquoi, et ne doit pas être de cette façon en visualisant imaginé dans le résultat final et comment il se sent en imaginant, comment ferais-je si j'étais quelqu'un - D'autre ? Et en méditant la méditation et claire dans votre esprit est une grande technique. Maintenant, parlons de chacun d'eux plus en détail. Ainsi, le remue-méninges a pour objectif principal de créer le plus grand nombre possible d' idées en mettant l'accent sur la quantité plutôt que sur la qualité. L' un des éléments clés de ce processus est que remue-méninges inclut tout ce que les meurtres, indépendamment de la façon dont une idée peut sembler étrange au début, mais il est important de la garder intentionnelle. C' est pourquoi le brainstorming fonctionne mieux lorsque vous avez un point de départ pour votre image. Comme un accessoire cool, par exemple, ou un sujet Comme la solitude sur accroché sur les droits des animaux. La façon la plus simple de creuser des idées de remue-méninges qui vient à l'esprit est d'aller en ligne et de chercher des œuvres de photographes que vous admirez le plus ou aimez. Parfois, je passe par mes tableaux Pinterest. C' est sans effort et rapide. C' est très rarement satisfaisant, car les chances que vous créiez une œuvre d'art originale basée sur le travail de quelqu'un d'autre sont extrêmement faibles. Donc, enfin, l'adaptation et la fermeture d'Internet pendant un certain temps. Voici ce que vous pouvez faire dans stat. Et tout d'abord, écrivez tout sur papier et dessinez des éléments individuels de votre future image. Aide également à donner à chaque ADL et image une voix et une place sur la page. Il ne suffit pas de penser les choses dans votre tête. Vous devez voir les idées sur papier. Donc, si vous faites du remue-méninges pour les accessoires, n'est-ce pas ? Livre, farine, papier toilette, et ainsi de suite. Si vous faites un remue-méninges pour les éléments de surprise, essayez de les envelopper dans des mots. Et oui, je veux dire littéralement ligne de croissance sur une grêle ou des roses donc CAN dans l'essence. La prochaine façon serait de jouer avec l'association de mots. Venez maman avec une séquence de mots, dont chacun est une association de la précédente. Par exemple, vous commencez par le livre de mots. Le mot suivant qui vient à l'esprit est dire histoire. Ensuite, quand vous pensez à une histoire, vous pourriez d'abord penser à une princesse et ainsi de suite. Vous pouvez élever la barre et la rendre plus difficile, ignorant la première association qui vous vient à l'esprit et en prenant la deuxième ou la troisième à la place, vous serez surpris de voir jusqu'à quel point vous pouvez aller de la tout en restant dans les limites de votre sujet. Cet exercice vous aidera à trouver les idées originales que la combinaison fraîche de tout ce que vous avez vu ou entendu avant que nous parlions au tout début de notre cours. Ensuite, ce que vous pouvez faire est de diviser votre remue-méninges sur plusieurs jours. Cela vous permet de revenir à vos idées avec un œil frais. L' étape suivante serait de parler de vos idées avec un ami. Avoir à verbaliser vos idées à haute voix à quelqu'un d'autre vous motivera à les mettre en mots simples afin que quelqu'un d'autre puisse les comprendre. Ce n'est même pas la réponse ou la réaction qui compte le plus ici, c'est vous essayez de verbaliser quand vous vous entendez expliquer une idée à quelqu'un, vous vous comprenez mieux si la finance Bears Ears est difficile, faire un note vocale ou enregistrement d'une vidéo. Dans certains cas, vous n'avez jamais à le regarder. L' acte de verbaliser vos idées va déclencher votre esprit pour en créer davantage. Et la cinquième étape serait une fois de plus, éteindre Internet et arrêter toute la destruction. Éteignez votre téléphone. La musique est bien, mais sinon, remue-méninges devrait être vous un morceau de papier, un crayon, et vos pensées. La technique suivante est le recadrage. Et là, je veux dire, vous devriez poser des questions. Pourquoi, pourquoi doit-il être de cette façon ou essayer de regarder les choses sous un angle différent ? Et voici ce que je veux dire par là. Nous pouvons tous rester coincés dans certaines pistes de pensée. Ils sont peut-être tellement à l'aise qu'on ne se rend même pas compte qu'ils nous retiennent. Donc, pour avoir de nouvelles idées, nous devons rompre avec les schémas de pensée établis et commencer à voir de nouveaux chemins. Au lieu de cela, vous apportez probablement un ensemble d'hypothèses à chaque situation. Beaucoup d'entre elles peuvent s'avérer vraies, mais remettre en question vos perceptions peut également ouvrir des possibilités passionnantes. Lorsque vous pensez à une certaine façon de créer une image, demandez-vous constamment, est-ce que cela doit être ainsi ? Exemple simple, vous voulez créer une image conceptuelle sur le sujet de la solitude. L' un ne vous dérange pas de vous dire de créer, eh bien, laissez-moi faire une supposition sauvage et dire que vous voulez photographier une fille dans une longue robe vintage dans les bois, cheveux lâches, visage triste. Peut-être qu'elle tient quelque chose dans ses mains comme une lanterne ou une bougie. Maintenant, je veux le défi que et vous poser la question, ne doit pas être comme ça. Est-ce que ça doit être une fille ? Qui ou quoi d'autre peut-il être ? Est-ce que vos sujets doivent être dans les bois ? Où est-ce que ça peut arriver ? Il doit y avoir une bougie ? Que peut contenir votre sujet d'autre ? Vous avez l'idée, si cela semble un peu compliqué, essayé de trouver des réponses pour ce que vous ne voudriez jamais avoir dans votre image lorsque vous écrivez une liste de ces choses, généralement les choses que vous voulez réellement avoir dans votre photos, Bob up. Une autre chose à faire serait de trouver plusieurs émetteurs que vous n'aimez pas et essayer d'expliquer pourquoi, qu'est-ce que vous feriez différent dans cette image ? Et vous pouvez avoir beaucoup d'idées de cette façon. La technique suivante est la visualisation. Imaginez le résultat final et comment il se sent. Quand je commence à me préparer pour un tournage, j'ai toujours mon image finale en tête. Je visualise la scène et de comprendre quels éléments je dois mettre en place de sorte qu'il ressemble à la façon dont je voudrais que je vous conseille de faire n'est pas simplement rencontré dans la scène, mais rendre cette image d'esprit aussi détaillée que possible. Je veux que vous l'entendiez, que sentiez, que vous le touchiez et que vous le sentiez dans votre tête. Et puis enregistrez tout ce que vous avez ressenti cette visualisation et expérience augmentera considérablement la crédibilité de votre histoire visuelle. La technique suivante est d'imaginer, ou comment le ferais-je si j'étais quelqu'un d'autre ? Donc en imaginant ici, je veux dire, vous mettre dans la peau de quelqu'un d'autre pour résoudre votre problème créatif, vous avez une liste de vos photographes préférés. Choisissez un ou deux d'entre eux et demandez-vous, si je travaillais à Walker, comment devrais-je aborder ce sujet ? Comment pourrais-je travailler avec cette personne ? Comment devrais-je dans ce genre de lumière, quand vous vous imaginez être quelqu'un d'autre, la chose la plus importante est d'attribuer ses qualités personnelles à vous-même. Dans de nombreuses situations, des blocs créatifs émergent lorsque nous avons des croyances limitées sur nos propres capacités, que nous ne sommes pas assez intelligents ou pas assez talentueux pour sortir avec une idée originale. Cependant, si vous vous imaginez être un marcheur d'équipe, vous vous sentirez comme un super-héros de la photographie et agissez en conséquence ainsi que votre esprit. Et notre prochaine technique est la méditation. J' ai mis ce mot entre guillemets parce que je ne suis pas de charges de travail à une métadonnées professionnelle et je n'ai jamais pris de cours dedans. Je fais ce que j'appelle des promenades d'esprit créatif. Et cela fait des merveilles à mon art. J' ai de nouvelles idées tous les jours. Ce que je fais c'est le matin, après ma routine d'entraînement et ma douche, j'allume de la musique commune et je m'assois les yeux fermés pendant environ 20 minutes. Vous avez besoin de temps pour vous concentrer et commencer à penser à vos tâches quotidiennes. Mais quand vous vous concentrez sur le son et laissez simplement votre esprit errer, les images commenceront à entrer dans votre tête. Il est bon d'avoir un bloc-notes ou un calendrier avec des crédits afin que vous puissiez enregistrer ces images tout de suite. Une autre façon de méditer comme ça est de mettre un livre audio et un ensemble de musique. Quand a été la dernière fois que quelqu'un histoire de radio ? Pourtant, vous ne voyez pas d'images réelles se déroulant avec le récit. Votre esprit est obligé de les créer. Je trouve cette écoute méditative plus efficace que la lecture parce vos yeux ne sont pas occupés et votre esprit peut complètement se concentrer sur imaginer dans les scènes. Ce sont donc mes techniques d'idéation. Essayez ceux-ci un par un et l'un d'entre eux ou une combinaison entière apportera le résultat souhaité. Vous avez le vôtre ? J' aimerais que vous les partagiez dans notre groupe Facebook. Dans la prochaine leçon, nous parlerons des prochaines étapes importantes lorsque vous venez de générer vos idées brillantes. Quelle heure 31. Module 8 : coller, ébaucher et Sketching des idées: Alors quand vous avez une idée, que faites-vous avec ? Surtout si vous n'avez pas la chance de diriger immédiatement. Souvent, il suffit de mettre un bas ne suffit pas. Permettez-moi de vous montrer quelques façons avancées de collecter et de stocker vos idées afin que même lorsque vous vous sentez moins créatif, vous puissiez toujours revenir à votre stock et sortir quelque chose d'incroyable. Donc, tout d'abord, je veux que vous captiez des idées, que vous les écriviez et que vous esquiviez. Chaque fois que vous obtenez une nouvelle idée, écrivez-la et essayez d'être aussi détaillée que possible. Que se passe-t-il à votre image ? Qui est le sujet principal où tout se passe, alors nous faire attraper. Tu as entendu ça, non ? Votre croquis n'a pas besoin d'être un chef-d'œuvre. Il ne s'agit pas de mannequins les gens avec sa beauté, mais simplement d'enregistrer l'idée sous une forme visuelle afin que vous sachiez comment votre image future sera organisée et comment tous les éléments de l'imitable ressemblent. Il illustrera également ce que vous venez de mettre dans la forme de Zack. Vous pouvez également commencer par une esquisse, puis l'expliquer dans un texte supplémentaire. Si vous collaborez avec d'autres créatifs, ce croquis vous aidera plus tard à mieux expliquer vos idées aux autres, parce que même une image mal dessinée vaut 1000 mots, alors je veux que vous puissiez le faire n'importe quand et n'importe où. Mise en place de la pratique d'enregistrement des idées et avoir quelque chose à enregistrer avec. Toujours avec toi. Si la défense de l'urine ordinateurs portables grande. Prenez un chaque fois que vous allez et gardez-le sur votre lit. Mais c'est ce que vous pourriez faire est d'avoir un nœud ou un chat de régularité sur votre téléphone. Cette chose est toujours avec nous. La prochaine chose que je vous conseille de faire est d'avoir un système de stockage en place. Lorsque vos idées commencent à s'accumuler, vous devez les stocker efficacement afin qu'elles ne soient pas gaspillées et disparaissent simplement. Recueillir tous vos produits physiques, les captures dans le dossier, organiser vos nœuds de téléphone et de crayon en un seul endroit. Ce que je fais, c'est que je garde toutes mes idées dans une feuille de calcul Google à laquelle je peux accéder de n'importe où. La feuille de calcul a des colonnes pour chaque image, éléments ou a répondu à la description originale de l'idée là et une photo. Oh, mon croquis aussi. Vous pouvez avoir un système différent, mais il est très important d'avoir ce système en place. Ce sera votre épargnant. Lorsque vous obtenez ce bloc créatif, vous avez tellement peur, ou si vous obtenez très simplement une demande de client pour une séance photo créative, c'est un peu comme mettre vos idées dans une banque, comme de l'argent parce que vous ne voulez pas cassé un jour. Maintenant, pratiquons l'idéalisation et la mise en dispersion de vos idées. Donc, pour cet exercice, je veux que vous preniez les listes de contacts que vous avez préparées pour le module précédent. Choisissez un concept dans chaque liste et gérez le contenu que vous avez trouvé avec les éléments surprise dont nous avons parlé dans le module 3 pour vous rappeler, voici mes favoris, mais vous pouvez ajouter le vôtre, bien sûr. Il y a donc plusieurs objets, exceptionnellement grands ou petits objets. Liquidation monde miniature sur scène affecte les animaux, maquillage inhabituel et la composition des cheveux, choses imrécupérables ou des métaphores et des objets. Vous devriez avoir deux croquis en conséquence, prendre des pics de ces deux croquis et les partager dans notre communauté. Si vous avez le temps, créez des images en fonction de vos croquis et nous aimerions voir le travail final encore plus. L' un de nos objectifs et promesses de ce cours est de vous aider à démarrer un projet ou une série d' œuvres dans lesquelles vous explorez un sujet qui vous intéresse et qui aura également un impact si le vôtre. La semaine prochaine, nous explorerons comment faire ça étape par étape. J' ai hâte de montrer ces étapes avec vous maintenant que vous avez les outils pour générer des idées, je veux que vous les appliquiez à la pratique. Mais la principale chose que je veux que vous compreniez à partir de ce module particulier est que votre créativité devrait être votre priorité. Et c'est tout simplement un must si vous comptez sur elle pour vie ou si vous espérez le faire à l'avenir. Pendant ce temps, partager les plus gros plats à emporter dans notre communauté en ligne, il est toujours très utile de comprendre ce que vous avez obtenu de tout module particulier. 32. Module 9 : Pourquoi so..: Dans ce module, nous allons parler de séries créatives. Je sais que ça pourrait être un peu avancé pour certains d'entre vous. Certains d'entre vous ont déjà essayé la série de dégradés auparavant. D' autres ne savent pas par où commencer. Quoi ? Et je vais vous donner les étapes pratiques pour créer une série à partir de zéro. Et je vais également vous dire comment et pourquoi travailler en série peut être bénéfique pour vous, surtout si vous voulez être une entreprise commerciale réussie en tant qu'artiste. Eh bien, commençons. Donc oui, à mon avis, presque toutes les images peuvent être transformées en une série, mais ce n'était pas toujours comme ça pour moi. Il m'a fallu beaucoup d'expérience et parler à notre foule pour comprendre l'importance de créer un ensemble de travail connecté et non des limiteurs individuels. Donc, si vous êtes une nouvelle série en cours de création, ne vous inquiétez pas, Dieu ici, et je vais vous guider à travers le processus. Voici les quatre principales raisons pour lesquelles vous devriez envisager de travailler dans une série d'œuvres. Tout d'abord, Série vous permet d'explorer un concept en profondeur et de montrer différents côtés de la question est série vous donne occasion d'explorer et d'examiner des idées particulières, des thèmes, des questions, des compositions, des concepts, ou des sujets de manière plus approfondie et plus significative. Vous les étudiez d'une plus grande variété de points de vue. Souvent, il n'est pas possible de le faire en une ou deux photos. C' est comme si vous regardiez quelque chose sous un microscope au lieu de simplement jeter un ravageur occasionnel. Et Luke, plus vous regardez de près, plus vous voyez, et plus vous voyez, plus vos explorations sont fascinantes, demandez à tous les artistes expérimentés et ils vous diront que plus ils vont profonds, plus impliqués et engagés, ils deviennent votre obtenir un voyage et ne veulent jamais arrêter. Ce qui est également important, c'est qu'une série peut vous permettre de raconter une histoire plus complète en montrant la séquence des événements ou en illustrant la transformation. Et c'est parfois presque impossible à faire quand vous n'avez qu'une seule image. Il s'agit d'une série de miennes appelées BARDA fly. Dans cette série, j'ai montré la transformation de mon personnage principal. Il y a une séquence d'événements ici, juste Story Behind série. situations de vie vivent dans un profond impact émotionnel sur nous, qui reste avec nous pendant des années et va souvent dans le subconscient, prendrait une émotion, généralement dans un négatif comme la peur, l'agression ou la colère, et porté avec nous de plus, sans même se rendre compte que nous l'avons encore, cela affecte notre comportement, nos perceptions, nos pensées, nos points de vue sur le monde, et même comment. Ce n'est jamais qu'une seule expérience qui nous influence. C' est toujours la combinaison, les couches qui, avec le temps, se transforment en soi-disant bagage émotionnel. Et ces sacs pèsent en nous. À un moment donné, ce bagage peut nous faire sentir complètement coincé quand nous nous sentons déprimés énormément de stress sont profondément malheureux et ne pas être activé. Comprendre pourquoi nous pensons notre façon de penser et pourquoi nous faisons comme nous le faisons. Les psychologues disent que, si vous avez une mémoire qui a plus de 18 mois et qu'elle provoque toujours une réaction émotionnelle extrême dans votre esprit, cela signifie que cet événement passé vous empêche de vivre pleinement votre propre vie, revenant souvent à ces événements douloureux du passé, en les creusant à partir de votre mémoire et de l'expérience en eux une fois de plus, dans votre esprit, les acceptant et en transformant votre réaction émotionnelle initiale à eux est la seule façon de continuer à vivre. projet reflète le processus d'accumulation de bagages émotionnels et de s'en débarrasser à la fin, devenant de mieux en plus large. Donc, quand vous voulez illustrer certains phénomènes comme une séquence d'événements, une série est tout simplement irremplaçable pour cela, la raison suivante de travailler dans les théories est que l'aide sérieuse que vous vous connectez avec le spectateur à un niveau plus profond et en fait, créer une expérience complète pour votre public. Lorsque vous avez une série unifiée, vous devenez, dans un sens, l'expert ou l'autorité sur toutes les pensées et idées que vous partagez avec votre art et les connaissances et l'expérience que vous gagnez en travaillant avec ce sujet vous permet pour communiquer les résultats de votre exploration de manière plus efficace. En d'autres termes, vous devenez plus convaincant auprès de votre public. La vérité est que les gens ont plus de temps à comprendre, apprécier et à être ému par ce que vous faites quand vous faites un effort pour leur présenter en détail. Lorsque vous leur offrez une entrée brève ou incomplète à travers seulement une ou deux œuvres, cela peut donner l'impression que vous n'avez pas vraiment beaucoup à dire. Votre but en créant une série devrait être de faire dire à votre spectateur, Ok, je comprends. Je vois votre point de vue. Je sais exactement ce que tu penses, où tu viens et pourquoi c'est important pour toi, et pourquoi ça vaut la peine de prendre mon temps pour réfléchir et apprécier. D'une certaine façon, tu peux comparer la fabrication d'art en série à l'écriture dans un roman, très peu d'idées peuvent être exprimées adéquatement dans chapitre cinco par rapport à la façon dont ils peuvent être traités dans un livre entier. Il en va de même pour les arts visuels. Un seul four photo n'a pas de début, de milieu ou de fin. Nous ne pouvons que deviner son but, scénario, ou le message qu'il est destiné à transmettre. Et dans l'écrasante majorité des cas, manque de ceux-ci est insatisfaisant pour les téléspectateurs, en particulier les plus expérimentés. Vous devez garder cela à l'esprit si vous avez l'intention de vendre vos œuvres à des collectionneurs, les spectateurs ont besoin de plus, d'un contexte et d'une compréhension plus complets. L' art vient de ce qui l'a inspiré et pourquoi il existe ou où va. Rappelez-vous que j'ai dit que l'exploration d'un sujet peut devenir un voyage très excitant pour vous. Voyez maintenant ce qui se passe lorsque vous emmenez vos spectateurs dans ce voyage avec vous. Que pensez-vous que vos spectateurs se souviendront mieux et l'expérience de regarder une série d'œuvres ou un moment où ils passent à regarder ou juste une photo. Jetez un oeil à la série de flora borsa, par exemple. Elle a essayé d'imaginer à quoi ressemblerait une vraie vie des modèles de ces peintres. Et elle nous emmène en voyage. Nous voulons vraiment voir ce qui est le prochain de cette série. La suivante et la suivante. Et il devient aussi divertissant. Un autre point très pratique est que travailler en série vous aidera à commercialiser votre travail plus facilement si vous voulez travailler avec des galeries, publier vos magazines d'œuvres jusqu'à ce qu'un, vous devez trouver une série. peu près n'importe quel spectacle de galerie établi sur le travail actuel d'un artiste établi, présentent une sélection unifiée ou un corpus de travail. C' est presque comme ils disent pour ce spectacle, nous présentons un produit ou une idée ou un concept dans une variété de formes, de tailles et de couleurs réunies est le faire parce qu'ils savent que les gens ont besoin de comprendre l'art pour l'acheter. Pensez-y. Les gens ont besoin de comprendre l'art pour l'acheter. la majorité des cas, galeries recherchent des corps de travail cohérents, cohérents et unifiés et non une charge d'images indépendantes. Cela fonctionne de la même façon quand vous publiez votre travail en ligne, votre Rodin a décidé de vous suivre parce qu'ils aiment votre travail, pas seulement un ou deux pics. Et ce qui est plus important, c'est qu'ils veulent voir de plus en plus le même travail avec quelques variations, mais toujours avec les mêmes éléments de base. Et c'est le problème avec les hommes dans le compte de la photographie sur Instagram par exemple, les photographes et non seulement les débutants, mais aussi ceux établis, ont commencé à télécharger tout le travail qu'ils ont fait tout au long de leur histoire. Mais si toutes ces œuvres sont très différentes les unes des autres, les gens n'ont pas de raison de vous suivre. Ils ne veulent pas voir des trucs aléatoires. Ils en ont beaucoup dans leur vie quotidienne. Dans ce cas, travailler sur une série et publier vos œuvres un par un peut en quelque sorte être comparé à une émission de télévision que les gens veulent voir chaque unité. La dernière et non la moindre de nos quatre raisons de travailler lorsque la série est qu'une série bien pensée prouve votre engagement. Cela démontre que vous avez choisi un bain. Vous savez ce que vous faites, où vous allez, que devez-vous faire pour y arriver et que vous êtes prêt à le finir. Plus important encore, cela montre également que vous avez la capacité de penser les choses jusqu'à la fin. C' est ainsi que les pros, comprennent un photographe de beaux-arts peut le distinguer de l'imaginaire médiocre là-bas. C' est le genre d'art qu'ils recherchent constamment. Pensez-y de cette façon. Si un artiste ne fait qu'une ou deux ou quelque chose, peu importe à quel point ces images sont bonnes, l'expert pourrait se demander si elle a de la chance ? Peut finir ce qu'elle a commencé, peut le faire encore, encore et encore. Dois-je même prendre la peine d'investir mon temps précieux à regarder son art ? Les gens qui connaissent l'art l'évaluent en chiffres et œuvre d'art isolée n'est rien de plus qu'un début pour eux. Tu vas commencer quelque chose, tu ferais mieux d'être prêt à le finir. Encore une fois, ce sont les quatre principales raisons auxquelles vous devriez penser lorsque vous travaillez en série. Tout d'abord, cela ne vous avait pas aidé à explorer le concept. Deuxièmement, il vous connectera mieux avec le spectateur. Il vous aidera à commercialiser votre travail et il fera la preuve de votre engagement. Maintenant, vous pourriez demander, devrait toujours travailler en série et leur réponse est non. Vos images individuelles peuvent toujours être votre façon de taper sur un sujet ou un sujet précis et d'expérimenter avec celui-ci. Vous devez parfois tester l'eau et voir si vous voulez aller plus profondément dans la mer. Lorsque vous trouvez un sujet qui vous intéresse vraiment, alors vous pouvez développer sur cela et créer une série de femmes est de votre premier travail unique. Je sais que travailler en série si vous ne l'avez jamais essayé auparavant et peut sembler un peu intimidant si votre esprit n'est pas utilisé pour le créer en série, c'est correct. Et ce ne devrait pas être une raison pour vous d'arrêter de prendre des images petit à petit, vous apprendrez à mieux comprendre votre art et le travail en série deviendra un jeu d'enfant pour vous. 33. Module 9 : 3 façons de créer une série: Dans cette courte leçon, nous discuterons de trois façons de créer une série afin que vous puissiez essayer l'une ou l'ensemble d'entre elles par vous-même. Alors, comment une série de photos à base de tablette ? D' après mon expérience, il y a trois façons de créer une série d'œuvres. D' abord à partir d'un seul élément individuel, ensuite, d'un groupe d'images et à partir de zéro, Bien sûr, nous allons d'abord parler de créer une série à partir d'une seule image individuelle. Vous pouvez commencer par une seule image individuelle, comprendre l'histoire derrière elle et découvrir les sujets que vous avez obtenus dans cette image. Ensuite, vous pouvez développer l'un d'entre eux en enfer projet à venir avec des variations. Mais ils vous donnent un exemple de mon travail. J' ai déjà mentionné ma série de découpes de papier. Ce n'était pas prévu pour être sérieux dès le début. abord, je voulais juste expérimenter avec le nouveau matériau et un intérêt pour la couleur des cheveux. Puis j'ai pensé qu'il y avait en fait quelque chose d'intéressant ici qui peut être développé en un projet entier avec des variations. J' ai donc décidé de varier les couleurs, les emplacements, les modèles, et les façons de k1, le papier. Pourtant, j'ai décidé de garder plusieurs choses en tact, en établissant les règles de ma série. Mes règles ici, nous gardons l'image monochromatique, gardant le papier et les ciseaux comme accessoires principaux, la couleur des cheveux de mon modèle devrait toujours correspondre à la couleur générale de l'image. Et pour la plupart de nos modèles, j'ai décidé d'ajouter les lèvres rouges au look maquillage. Un autre exemple est le projet que j'ai tourné en collaboration avec un styliste. Il a gagné une nouvelle demande. Il a aussi commencé à partir d'une expérience. Nous avons décidé d'essayer de travailler ensemble sur un seul photoshoot. Cela a très bien fonctionné et nous avons essayé de réfléchir à la façon dont nous pouvons développer cette image individuelle en quelque chose de plus grand et de plus cohérent. Et c'est ainsi que le cirque des objets est apparu. Nous avons connecté les œuvres par un seul sujet, cirque, puis des détails de couleur similaires lisent des éléments dans chaque image. Et aussi nous avons ajouté des paires d'images. Ces paires ont été le dernier ajout au projet et il a en fait tout connecté ensemble. La prochaine façon de commencer une série serait de former un groupe d'images. Si vous avez déjà quelques images dans votre portefeuille, mais elles sont déconnectées, essayez de les regarder et de voir ces connexions. Même si tu ne les mettais pas consciemment là, ton subconscient aurait pu le faire pour toi. Maintenant, vous devez réorganiser ces images et reconnaître ces connexions et peut-être leur attribuer de nouveaux concepts, les dessiner et les transformer en une histoire cohérente. Voici ce que vous pouvez faire votre portefeuille et essayé de le systématiser. Cela aide si vous pouvez réellement imprimer votre travail, puis le regarder, en trouvant des similitudes, des détails communs, des thèmes et des sujets entre les images individuelles. Faites attention aux détails tels que les couleurs, les accessoires, les emplacements et la garde-robe. Si elles ont l'air trop différentes, les images peuvent ne pas fonctionner bien ensemble, même si les sujets sont relativement similaires, cette tâche peut être difficile au début, mais cela vous aidera certainement à comprendre votre propre travail si vous trouvez ces similitudes dans seulement deux ou trois images, ce qui n'est généralement pas suffisant pour une série. Vous pouvez les utiliser comme un début si vous êtes un particulièrement friands de ces quelques photos, essayez de penser aux histoires en eux et de les développer en un sérieux trouver des variations dans le sujet initial et à venir avec des solutions sur la façon dont il peuvent être explorées plus loin. Voici comment j'ai créé ma série d'évasion, qui était en fait la première série que j'ai créée. J' ai imprimé mes images à un moment donné en essayant de comprendre comment certaines d'entre elles pourraient former un groupe cohérent. Donc, je les ai connectés sur la base du personnage principal étant immergé dans une sorte d'activité, le projet signifie que je suis aussi parti de plusieurs images individuelles qui n'étaient pas connectées à l'origine. Après un certain temps en regardant mon portfolio, j'ai réalisé que, pour une raison quelconque, j'aime tourner en double. Et cela m'a conduit au sujet de la dualité et de l'auto-conversation. Il est cependant beaucoup plus productif de développer une série à partir de zéro. De cette façon, vous avez plus de contrôle dès le début. C' est la meilleure façon, car elle vous permet de planifier plus et donc votre travail sera pensé beaucoup mieux. Chaque détail sera à sa bonne place. Nous allons découvrir comment commencer une série à partir de zéro dans la prochaine leçon. Pendant ce temps, permettez-moi de vous donner un exemple. Je vous ai déjà montré mon projet de lettres synesthétiques. Nous avons commencé avec une styliste, Jane Christofferson, voulant partager notre particularité de voir des lettres, des chiffres et des couleurs dans nos esprits. Ce phénomène est appelé synesthésie thymique. Et quand après nous être connus pendant cinq ans, nous avons découvert que nous l'avions tous les deux. Nous avons décidé de créer quelque chose autour de ce sujet. Dès le début, nous avons créé un ensemble de règles pour nous-mêmes et nous essayons de les suivre, même si ce n'était pas très facile parfois. Et la meilleure chose à propos de cette façon de travailler sur un produit est que vous pouvez toujours revenir à une chose particulière et le refaire, rajouter ou le redéfinir pour qu'il corresponde à l'ensemble du projet. Avant d'explorer les étapes de la création d'une série à partir de zéro, soyons clairs sur deux choses importantes. Tout d'abord, combien d'images devraient être en série ? C' est un choix très personnel de mon expérience, et il sera très personnel pour chaque artiste. Pourtant, la règle fondamentale ne serait pas inférieure à cinq et pas supérieure à 20. Une autre question est, peut-on quelque chose appelé série nue ? Parfois, nous organisons un tournage et nous avons environ 10 ou 15, ou parfois même 30 images de ce tournage. Et beaucoup d'entre eux ne sont que des variations, mais ne sont pas significativement différentes les unes des autres. Ils ne montrent pas un sujet sous différents angles. Ils n'ajoutent rien à une histoire. Si vous montrez une séquence d'événements et qu'ils se répètent presque, ce n'est pas une série. Dans un vrai sérieux, chaque image individuelle est précieuse à elle seule, mais lorsqu'elle est combinée avec les autres, elle raconte une histoire plus grande d'une manière plus profonde. Dans la prochaine leçon, je vais vous expliquer comment créer une série de photos à partir de zéro. 34. Module 9 : Créer une série à partir de Scratch étape par étape: Dans cette leçon, nous allons parler de la série la plus difficile mais la meilleure façon de grandeur à partir de zéro. Alors, par où commencez-vous ? Je suggère de prendre cinq mesures. abord, trouver le sujet, puis définir les rôles, a dit le délai, puis évaluer vos ressources et évaluer les résultats. Alors creusons plus profondément là-dedans. Étape numéro 1, trouver un sujet de thème. Nous avons déjà discuté de la façon dont vous pouvez trouver des sujets et thèmes qui sont significatifs pour vous lorsque vous parlez des concepts Craven, votre sujet devrait être quelque chose qui vous passionne qui est fois ouvert à la variation et pourtant très spécifique. Dans le même temps, les séries réussies devraient permettre à chaque œuvre individuelle de se démarquer tout seul, tout en se rapportant simultanément au reste des autres œuvres. D' une certaine façon, cela vous aide à développer une idée conceptuelle en matériel série dès le début. Cela vous permet de comprendre à quoi ressemblera votre travail dans la série de la première à la dernière. C' est là que l'esquisse de toutes les œuvres de la série est importante. Voyez si le croquis tient vos intérêts individuellement et en tant que groupe. S' ils ne sont pas aussi fascinants que vous le pensiez, vous devez repenser votre approche. Il vous permettra également d'apporter des modifications au concept lui-même dès le début, étape numéro 2, règles établies pour votre série. Ceux-ci vous aideront à créer à la fois une cohésion conceptuelle et visuelle pour l'ensemble de la série, vos règles peuvent inclure le format, les modèles, les accessoires , les couleurs, les paysages, les détails, les emplacements, etc. Faites une liste de règles et respectez-les du tout début à la fin du travail ou d'une série. Non seulement les règles vous maintiennent sur la bonne voie, mais elles peuvent créer une cohésion conceptuelle et visuelle pour l'ensemble de la série, une fois que vous finalisez les idées derrière le ticket de série avec eux, ce n'est pas toujours facile, mais vous forçant à maintenir un niveau élevé de concentration et de discipline sans être distrait, vous obtiendrez la plus grande valeur de votre travail final. Maintenant, étape numéro 3, évaluez le temps dont vous avez besoin pour votre projet. Et rappelez-vous, voulez-vous compléter la série ou au moins créer un certain nombre d'œuvres qui composent un sérieux ensemble. Je crois que oui. Je dirais que c'est génial d'avoir au moins quatre ou six images pour appeler votre projet la série après avoir ceux, vous pouvez décider si vous voulez explorer le thème plus profondément ou non. Et cet âge, vous devez comprendre combien de temps prendra la production de quelle partie de votre future série. Si le travail d'une série prend trop de temps, il est souvent reporté et risque d'être inachevé ou oublié. Maintenant, étape numéro 4, évaluez vos ressources. Voilà ce que je veux dire par là. Et tout d'abord, votre équipe, y compris les stylistes, maquilleurs, décorateurs et autres collaborateurs. Si vous voulez garder des images dans certaines limites, vous voulez que non seulement votre propre style, mais aussi le style de vos collaborateurs soit cohérent et cohérent tout au long de la série. Ensuite, vous devez comprendre le budget que vous êtes prêt à allouer pour ce projet. Essayez de comprendre si vous pouvez facilement obtenir les invites, les emplacements et les modèles pour être en mesure de coller avec l'atopique, tout en faisant des variations à l'intérieur. Par exemple, si vous avez décidé de créer une série de portraits de filles avec des valises pour illustrer un sujet, Voyage en direct. Le point de vue central série sera très probablement la valise et la fille, qui est assez facile à obtenir. Si cependant, vous avez décidé de créer une série de portraits de cette fille avec une valise dans les capitales les plus reconnaissables du monde, villes comme Paris, Rome, Tokyo, Il est attirer. Vous devez être sûr que vous avez le budget pour réellement prendre ces voyages. Votre modèle sera ensuite ? Tout ce dont vous pourriez avoir besoin pendant que vous travaillez sur ce projet. Et ici, je veux dire des invites, occasions, des modèles et d'autres éléments de l'image. Ils doivent être facilement accessibles pendant toute la durée de votre travail. Rendez-vous une semaine, un mois ou une année entière, sinon le projet pourrait finir inachevé ou abandonné. Enfin, étape numéro cinq, évaluez vos résultats pendant que vous êtes encore en cours. Lorsque vous avez fait votre premier travail, réunissez-les et examinez-les. A vous voir, ils sont toujours beaux et cohérents s'ils n'essaient pas de les ajuster les uns aux autres sans sacrifier le thème général ou le thème de votre série. Et oui, parfois cela signifie rééditer ou redéfinir une partie de votre projet. Et l'essentiel ici est de prendre ces choses dernièrement comme mesures nécessaires pour créer un corps de travail plus grand et de plus grande qualité. travail dans une série peut rarement être fait dans un court laps de temps et sauvage concentré dans une série, votre esprit peut parfois se fatiguer et vouloir une pause, et c'est tout à fait correct. Vous pouvez toujours expérimenter et avidité où vous voulez en dehors de la série, puis revenir au grand projet. Il pourrait également être intéressant de travailler sur plusieurs séries simultanément. La semaine prochaine, dans notre dernier module d'apprentissage, nous explorerons l'état d'esprit d'un artiste à succès. C' est un sujet extrêmement important parce que tous les outils et tous les talents ne vous mèneront nulle part si vous ne croyez pas que vous pouvez atteindre vos objectifs et suivre votre cours. Maintenant, j'espère que vous comprenez pourquoi la série de travail est si importante, surtout si vous voulez réussir en Russie en tant qu'artiste. Et maintenant, vous êtes également équipé des outils pour créer toute une série œuvres à partir d'une seule image ou à partir de zéro complètement. Et il ya toujours un vraiment envie de savoir ce qui était une chose dont il s'est souvenu le plus, S'il vous plaît aller de l'avant et de le partager dans notre communauté en ligne. 35. Module 10 : c'est votre bébé et votre responsabilité: Alors les gars, on a fait un voyage incroyable ensemble. Et si vous n'avez pas pu accomplir toutes les tâches, ne vous inquiétez pas, elles sont là pour vous. Tu peux toujours y retourner, tu peux regarder à nouveau. Vous pouvez réduire les tâches. Dans ce module lunaire. Je veux partager des choses très spéciales avec vous. Merci Cela m'a aidé dans mon voyage artistique. Ce sont les choses qui m'ont aidé à maintenir ma pratique créative. Ce sont les choses au sujet de l'état d'esprit, le bon esprit pour un visuel sain et durable, type d'artiste orienté conteur. Plongons directement dans. J' ai intitulé cette leçon, c'est ton bébé et ta responsabilité pour certains d'entre vous. Ça peut sembler un peu étrange, mais laissez-moi vous expliquer ce que je veux dire par là. Lorsque vous terminez votre travail, lorsque vous mettez cette édition finale en contact, n'est-ce pas parfois l'impression que votre création est votre bébé, comme si vous voulez la protéger du mal et que vous vous en souciez autant que humainement possible. Dans cette courte leçon, on me signalera pourquoi cela ne devrait pas être comme ça et quelles responsabilités cela implique. Plongons directement dans. Il y a donc plusieurs stratégies fondamentales d'état d'esprit que je voulais discuter avec vous aujourd'hui. Et je voudrais commencer par créer pour vous-même d'abord. La principale chose que je veux que vous compreniez est que malgré tous les mots prononcés dans ce cours sur la connexion avec votre public, il est incroyablement important de réaliser que tout d'abord, vous créez pour vous-même et non pour les autres. Et un nœud semble très controversé. Après toutes les leçons que vous avez traversées. Cependant, il est vrai que personne au monde ne prendra autant soin de votre travail que vous. Au moins, ne vous attendez pas. Les gens ont leur propre vie et leurs propres priorités. Ils pourraient, et je suis sûr qu'ils apprécieront ton art, mais c'est toi qui t'en occupera le plus. Et c'est comme ça que c'est, c'est comme ça que ça devrait être. Nous sommes venus ici à cause de notre désir personnel de créer. Donc, tout d'abord, nous le faisons très égoïste pour nous-mêmes parce que nous voulons le faire, pas parce que quelqu'un en a besoin. Oui, vous devez trouver un équilibre entre les deux éventuellement. Mais dans le noyau même, faites-le pour vous-même d'abord. Votre art ne répondra pas à vos besoins personnels pour vous exprimer et vos idées, alors il ne vous semblera pas satisfaisant et vous ne pourrez pas continuer pendant longtemps. C' est pourquoi vous devez toujours vérifier vous-même si vous aimez vos pratiques créatives, même quand elles deviennent difficiles. Si la création d'une pièce ne se sent pas bien, peut-être que vous devez reconsidérer l'esprit ici que cela peut être difficile, mais il peut toujours se sentir bien et vous pouvez toujours l'apprécier. La prochaine stratégie de réussite est réalisée et pourquoi vous devez faire le travail de compréhension de votre propre travail. Les femmes dans ce très brièvement avant. Mais je tiens aussi à le souligner ici dans la section « état d'esprit ». Il est crucial de comprendre votre travail, celui que vous créez maintenant et vos meilleures œuvres aussi, parce que c'est votre bébé et votre responsabilité de savoir où il vient et comment il fera ses premiers pas dans ce monde, et comment ça va faire, et comment ça sera accepté si nous ne faisons pas le travail d'essayer de comprendre, d'analyser papa, notre propre création. Stan, comment peut-on s'attendre à ce que les autres investissent leur temps et leur énergie pour faire ça ? Pourquoi les autres devraient faire attention si nous ne le faisons pas ? Donc, les étapes pratiques ici sont d'abord de revenir constamment aux grandes questions. Et ces questions sont, pourquoi dois-je faire, ce que je devrais faire ? J' aime le faire ? Qu' est-ce que ça m'apporte ? Et écrivez vos réponses pour vous-même. Tout d'abord, la prochaine étape consiste à écrire une déclaration d'artiste. C' est un court passage qui raconte brièvement vous en tant qu'artiste, pourquoi vous avez choisi ce type d'art ? Qu' est-ce qui vous inspire et ce que vous essayez de transmettre à travers vos œuvres ? Oui, pour ceux d'entre vous qui en ont entendu parler, je sais que ça pourrait être douloureux d'en écrire un, mais c'est nécessaire si vous voulez être sérieux au sujet de votre art, même si vous n'avez pas l'intention de devenir photographe d'art, c'est important pour avoir un court message à l'intention de vos clients sur ce que vous ressentez de votre travail et pourquoi vous le faites. Et encore une fois, cela vous aide à construire cette connexion. Pourriez-vous penser que les gens aimeraient aller voir Mark qui ne dit rien sur lui ou le sien sur son site et n'a même pas d'image de lui-même ou de Karen qui partage ça ? Elle aime être autour des gens et capte les moments de pression de leur vie, aime travailler avec les enfants en particulier, car elle est elle-même mère de deux enfants. L' étape suivante consisterait à avoir une description écrite de votre série et de vos collections. Même pour les œuvres individuelles, ce serait important. Ils n'ont pas à appartenir, mais ils sont nécessaires pour que les gens qui seront assez intéressés par votre travail ne se contentent pas de jeter un coup d'œil. Prenez le temps de le comprendre et d'essayer d'en parler aux autres, d' écrire à ce sujet dans un magazine ou de le mettre sur les murs de la galerie ou de l'acheter. Les gens n'investissent du temps et de l'argent dans une pièce que s'ils se connectent à l'histoire de celle-ci. Et c'est votre travail de leur raconter cette histoire dans le plus grand nombre de détails possible. Maintenant, cela signifie-t-il que vous pouvez contrôler complètement la façon dont votre travail sera interprété ? Absolument pas. C' est de la photographie conceptuelle dont nous parlons. Et l'ouverture à l'interprétation est l'une de ses principales caractéristiques. Les gens verront leurs propres significations, histoires et symboles en fonction de leurs antécédents et de leurs expériences. Et nous ne devrions jamais vouloir leur enlever ça. Pourtant, quand un intérêt pour vos demandes, Que voulez-vous dire avec cette image, nous devons avoir une réponse. Sinon, à quel point votre propre travail êtes-vous sérieux ? Dans la prochaine leçon, nous continuerons à décompresser des stratégies pour créer un état d'esprit propice au succès. En particulier, nous allons parler de l'importance de voir la valeur de vos propres créations et de comprendre comment elles ont un impact sur les autres. 36. Module 10 : la valeur et l'impact de votre art: Dans cette leçon, nous poursuivons les stratégies de base de l'état d'esprit pour réussir. Et c'est le troisième. Et ça va comme ça, valorisez votre art. La chose que je veux que vous gardez toujours à l'esprit que votre art ne devient précieux que lorsque vous vous évaluez vous-même. Encore une fois, votre art ne devient précieux que lorsque vous vous évaluez vous-même. Si vous n'y voyez aucune valeur, alors comment attendez-vous des autres à même la tension du lit ? Beaucoup d'entre nous sont distraits par les artistes Cendrillon conte de fées, quand un artiste a été aléatoirement créer et d'autres choses, mais pas même se rendre compte à quel point il était brillant jusqu'à ce que des galeries magiques, millions d'adeptes ou des journalistes et des clients sont apparus nulle part et finalement ouvert les yeux sur son propre génie. Cela n'arrive pas dans la vraie vie. Les gens commencent à voir de la valeur dans votre art quand vous faites le travail de vous comprendre et de montrer votre engagement à soutenir votre créativité. Mais surtout, quand vous commencez à voir vos créations comme précieuses, jetez un coup d'œil à vos photos et demandez-vous, quelle valeur elles m'apportent et au monde qui m'entoure ? Et assurez-vous qu'ils le font. Si vous avez du mal à voir la valeur de vos créations, laissez-moi vous donner quelques conseils. Votre travail est précieux parce que tout d'abord, vous avez investi votre temps et l'avez passionné. Vous avez fait le travail d'exploration d'un sujet et d'en parler aux autres. Vous avez soigneusement planifié et organisé le tournage de sorte que l'image est sortie magnifiquement de la manière faite en regardant votre travail, les gens obtiennent un certain type d'émotion. C' est peut-être de la joie, de la paix, de la sympathie. Vous pouvez emmener les gens dans un voyage, avoir une expérience lors de l'interaction avec votre travail. Et cette expérience peut les conduire à des conclusions ou pourrait planter de nouvelles idées dans leur esprit. Votre travail inspire les autres et change leur humeur, votre travail et aide les gens à raconter leur histoire lorsqu'ils la mettent sur leurs murs. Je pourrais continuer avec cette liste, bien sûr, un autre point important est de comprendre la valeur de votre don. Si la photographie vous arrive assez facilement, cela ne signifie pas que c'est la même chose pour les autres et qu'elle n'est pas précieuse. Et j'ai été pris dans ce piège pendant longtemps, ignorant complètement mon effort et mes capacités naturelles, je me suis dit, mais je n'ai pas fait grand-chose. J' ai juste cliqué sur le bouton, juste le matériel. C' est la belle mannequin. C' est juste le joli accessoire et j'ai eu de la chance. Je ne te dis pas de monter le nez haut et de devenir arrogant. J' insiste simplement sur le fait que vous devriez essayer de vraiment valoriser vos capacités naturelles tout en disant humble et en étant prêt à toujours les améliorer. La prochaine chose que je veux que vous compreniez, c'est comment votre travail peut avoir un impact sur les autres dont nous avons beaucoup parlé et les gens à l'époque, mais vous pourriez encore avoir des doutes. Comment mes photos peuvent-elles affecter quelqu'un ? Je vous ai déjà donné quelques conseils en expliquant la valeur de votre travail. Examinons maintenant de plus près les façons dont vous pouvez avoir un impact sur les personnes avec vos photos. Et tout d'abord, vous pouvez changer leur état émotionnel. Vous pouvez faire sourire les gens, errer, ou expérimenté le chatdans le sens de la surprise et à quel point est-ce cool ? Ensuite, vous pouvez offrir une solution à un problème, ou sinon une solution, vous pouvez sensibiliser et éduquer les gens. Troisièmement, vous pouvez offrir une connexion et comprendre qu'ils ne sont pas seuls. N' oubliez jamais que les gens se sentent souvent seuls et s' ils reconnaissent une partie de leurs propres histoires dans la vôtre, ils se sentiront mieux et moins isolés. Tant de gens se cachent derrière la honte et ne se sentent pas dans la normale. Et cela peut arriver à n'importe qui d'entre nous sur n'importe quel type d'échelle et autour de n'importe quel type de chose. Certaines personnes se qualifieront de bizarres à cause d'un traumatisme passé. D' autres feront de même parce que leur passe-temps est une ferme qu'ils cachent sous leur lit. Pourtant, quand ils voient quelque chose dans votre travail, quand ils peuvent se rapporter à, ils en souffriront moins. Vous pouvez inspirer les gens à créer quelque chose de leur propre, peu importe dans quel rail, oui, les gens pourraient regarder vos remèdes et dire, Oh mon Dieu, c'est si beau et ça me pousse à essayer de faire une photo étonnante à, ou ce n'est peut-être pas une photo, mais s'adresser à une coupe de cheveux, un gâteau, un jardin, n'importe quoi, vous passerez la plus grande énergie positive à ceux qui interagissent avec votre travail. Et cela peut alors être pris à la légère. Et la suivante, votre passion et votre engagement pour les serveurs et l'exemple, et la permission pour les autres. Et cette façon d'intégrer et d'autres est très souvent négligée, mais elle ne devrait pas l'être. Jetez un oeil à mon histoire en pensant que je pourrais créer de vraies photos. Quand j'ai vu qu'un photographe de mon CD faisait la même chose et le tuait absolument. Maintenant, j'ai pu devenir un vrai photographe d'art moi-même, malgré le manque de soutien de ma famille, malgré le fait que mes parents m'ont conseillé de voir un psychologue qui quand ils ont vu mes images, malgré le fait que j'avais le travail d'entreprise sûr et prometteur, que je n'ai pas détesté malgré le fait que j'ai eu deux bébés et changé de pays tout en apprenant Minecraft, malgré tout le doute de soi et le manque d'estime de soi, malgré tous les mensonges, J' étais thalamus comment, que ce n'est pas un vrai travail et il ne me permettra pas de soutenir moi-même et ma famille. Et pourtant, je suis là et je ne suis pas spécial. Et maintenant, le fait que je vais sur Twitter et mes photos surréalistes et me sentir bien sur moi-même, mais je vous donne la permission de faire la même chose. Vous verrez que c'est possible. Oui. Si c'est possible pour moi, c'est possible pour toi aussi. Aujourd'hui. 37. Module 10 : Scare les grands monstres : Monsters: et la comparaison: Dans cette courte leçon, nous allons parler de nos peurs, peur de ne pas être à la hauteur des normes, du sentiment de ne pas être assez bon et de la peur de l'échec. Plongons directement dans. La première chose dont nous pourrions craindre ou nous inquiéter est de ne pas être conforme à toutes les prétendues règles. Donc l'idée que je veux ramener à la maison pour votre aujourd'hui est qu'il n'y a pas de règles dans l'art. Je sais qu'on a parlé de tant de règles et de choses à faire dans ce cours. Mais à la fin de la journée, il n'y a pas de règles que vous devez suivre. Il y a une fine ligne entre dynein toutes les règles et se faire piéger par eux. Je pense que la clé ici est de comprendre l'essence de quel rôle et de savoir exactement pourquoi vous voulez le suivre ou le casser. Et cela inclut toutes les règles, règles de narration, règles de composition, règles de théorie des couleurs et autres. Je vais vous donner un exemple personnel. Quand je commençais, à un moment donné, je me suis rendu compte que ma réduction du visage n'était pas si grande. Et j'ai pris quelques leçons Skype de photographe de mode à succès dont les œuvres sont vraiment appréciées. Ces leçons, elles étaient précieuses. J' ai beaucoup appris et ils ont commencé à pratiquer les connaissances que j' ai acquises et je suis devenu de mieux en mieux dans les visages de réduction. Et j'ai aussi appris d'autres trucs. Pourtant, j'ai suivi toutes les instructions et c'était génial. Cependant, je ne comprenais pas pourquoi ces instructions étaient en place, pourquoi je devais faire mon opacité de brosse à 45 pour cent dans ce cas et son débit à 20 pour cent dans ce cas, je suis simplement aveuglément les règles et il m'a fallu des années pour commencer enfreindre ces règles et jouer avec les outils de Photoshop et comprendre pourquoi ces règles ont été établies et quel effet j'ai quand je les enfreins. Maintenant, je vois la même chose chez un de mes amis photographiques. Il pratique beaucoup, a beaucoup appris sur le montage, tournage, et ainsi de suite. Mais il ne peut pas s'éloigner de ces règles. Il ne sait pas vraiment pourquoi ils sont en place. Cela l'amène à ne pas comprendre quel genre d' impression il veut que sa photo produise et son public. Et je ne dis pas que c'est mal. Je pense que pour certaines personnes y compris moi, c'est une étape nécessaire. Cependant, si vous pouvez prendre conscience de la raison pour laquelle chaque règle en place, vous progressez beaucoup plus vite, la prochaine grande peur n'est pas assez bonne par rapport aux autres. La comparaison est un gros problème en général, mais pour nous les créateurs, elle peut être essentiellement douloureuse et destructrice. Et c'est pourquoi je trouve extrêmement important d'en discuter ici et de vous offrir la méthode intelligente de comparaison. comparaison dans l'art en général, et la photographie en particulier, est une chose délicate. Tu avais besoin de grandir. Sinon, comment savez-vous si vos compétences sont à un bon niveau ? Mais en même temps, cela pourrait tuer toute votre motivation de faire le travail complètement. Et c'est pourquoi je veux partager quelques réflexions sur la conversion de votre travail au travail d'autres personnes. Et c'est la clé. Tu compares ton travail et pas toi-même aux autres. Vous êtes unique et précieux en tant qu'être humain. Et votre valeur personnelle n'est en aucun cas liée à la qualité de votre travail. Le fait que quelqu'un d'autre crée meilleures images ne montre pas qu'ils sont meilleurs ou plus talentueux que vous. Cela prouve qu'ils sont plus expérimentés. Ils ont travaillé plus sur leur art. Il ne veut pas dire qu'ils sont nés de cette façon ou qu'il vient naturellement à eux, même s'ils ont des capacités innées, ceux-ci ne valent généralement rien sans travail acharné de les développer et de gagner la maîtrise Minecraft. Donc cela signifie seulement qu'ils ont travaillé plus dur et ils le font toujours. Et vous pouvez le faire aussi. Vous avez les mêmes capacités. Les choses sont possibles pour vous de savoir qu'il est très facile de jeter l'effort de quelqu'un en les qualifiant talentueux ou de doués vous met également dans une position très confortable de rendre quelqu'un spécial et de dire vous-même pourquoi même essayer, je ne serai pas bon à ça. Quoi qu'il en soit, c'est beaucoup plus facile de le faire. Alors osez réellement essayer de mettre dans le travail. Et oui, je sais que vous pourriez avoir trois enfants, un travail à temps plein, un parent malade, mais à la fin de la journée, si vous êtes prêt à mettre les endurcis au travail, si vous êtes prêt à mettre les heures, prenez le temps, vous allez créer des images étonnantes. Et la question se pose : êtes-vous prêt à travailler pour ça ? Es-tu prêt à passer ces heures ? Ce n'est pas le chemin le plus facile et personne ne dit que vous devez le faire. Si vous voulez prendre des photos comme un passe-temps, c'est bon à son total, ok ? Et il n'y a pas besoin de souligner à ce sujet. La clé ici est de détourner l'attention de, je ne suis pas aussi talentueux qu'ils le sont. Alors pourquoi même essayer de, Je ne suis pas prêt à vraiment mettre dans les heures et le bien communiste comme ils sont et encore mieux. La clé ici est prise en charge de cette décision et ne pas rendre quelqu'un exceptionnel et super héroïque. Laissez-moi vous donner un exemple de ma vie personnelle. J' ai mentionné au tout début du cours que lorsque je débutais dans la photographie, j'ai essayé beaucoup de types et il a été particulièrement réussi dans la prise de conscience et les tournages familiaux. Mais quand il a comparé mon travail avec les photographes de famille, je regardais jusqu'au moment où je me suis rendu compte que je n'étais tout simplement pas assez intéressé pour grandir dans ce domaine. Je n'étais tout simplement pas motivé à devenir un photographe de famille de classe mondiale. Donc je l'abandonne et je me suis concentré sur mes images d'art qui m'enflamme encore ici. Je ferai n'importe quoi pour rendre mon travail meilleur et plus profond que lorsque vous comparez votre travail. Vous apprenez, vous prenez des notes et ce qui peut être mieux fait dans votre art. Donc, cela s'améliore dans chaque zone, couleur claire travaillant avec des modèles aux yeux rouges, vous ne pouvez jamais arriver dans votre métier, mais cela rend le voyage plus intéressant, n'est-ce pas ? Donc, quand vous comparez votre travail à celui de ceux qui font mieux que vous, vous grandissez. Ce genre de comparaison fera de vous un meilleur photographe et un meilleur artiste. La prochaine grande peur que je veux aborder aujourd'hui est la peur de l'échec. Tant de gens m'écrivent tous les jours sur les socials en disant qu'ils ne créent parfois pas simplement parce qu'ils ont peur que ça ne marche pas. Mais en fait, vous voyez que ça ne marchera pas avant même d'essayer. Vous allez échouer à cet effet. Vous devez l'accepter et ensuite vous devez apprendre à aimer vos échecs. où l'état d'esprit, ça me montre que je suis un perdant. Deuxièmement, ça me montre ce que j'ai besoin d'améliorer à l'avenir. Ces craintes ce qui nous empêche d'essayer de nouvelles choses, même si c'est exactement là que nous pouvons devenir meilleurs et apprendre de nouvelles choses. Il y a eu tellement de fois où j'ai choisi un beau bain et puis j'ai fini avec vraies images d'Adele ici je veux aussi mentionner la peur de partager le travail expérimental. Si souvent, certains d'entre nous se font prendre à vouloir être admirés et éprouvés tout le temps. Donc, quand on ne voit pas de gens comme dans notre travail sur les médias sociaux, ça se transforme en un désastre psychologique complet quand vous avez peur de mettre votre travail là-bas, rappelez-vous le pourquoi, votre pourquoi, pourquoi l'avez -vous fait en premier lieu n'était pas d'attirer l' attention du public ou de répondre à vos besoins créatifs personnels. Si les réponses, je l'ai fait pour moi-même et vous êtes heureux avec le travail, pourquoi devriez-vous vous soucier de ce que les autres pensent et décident ? Il est également bon de vous rappeler qu'ils ne pensent pas vraiment à votre travail qui a beaucoup et beaucoup de choses sont là pour se soucier des emplois d'enfants, avez-vous le nom ? Comme vous pouvez le deviner, je suis un super expert et j'ai peur de faire des erreurs. Et avec le temps, j'ai trouvé plusieurs choses pratiques qui m'ont aidé à faire face à mes peurs et je veux les partager avec vous aujourd'hui. Donc, le premier est, vous devez imaginer le pire scénario et comprendre que ce n'est pas si effrayant. Cette tactique vous aidera dans de nombreuses situations dans la vie, pas seulement l'art. Je veux dire, vraiment, si vous tirez quelque chose pour vous-même et que ça ne marche pas, quel est le problème ? Personne ne meurt. Donc, il n'y a rien à craindre. Oui, vous avez peut-être passé votre temps, argent et vos ressources, mais ce n'est jamais en vain, considéré comme un investissement dans votre éducation parce que c'est exactement ce que c'est. Ensuite, si vous êtes sur le point de travailler sur un projet de collaboration, faites savoir à tous les membres de l'équipe qu'il s'agit d'une expérience et faites-le à l'avance. Dites que vous ferez de votre mieux, mais il ya des stations ne devrait pas être très élevé. Mon conseil suivant est de ne jamais expérimenter sur des projets clients à moins qu'ils ne vous donnent une liberté totale. Envisagez d'offrir votre travail expérimental en complément de ce que vos clients ont commandé et attendent de vous ? Oui. Les échecs arrivent et c'est la vie. Tu les auras. Mais si vous avez l'intention d'accueillir les résultats négatifs et d'apprendre d'eux, vous n'aurez pas aussi peur. La chose cruciale ici est de toujours comprendre ou écrire, verbaliser, formuler ce que vous avez appris de vos erreurs. Sinon, l'expérience sera juste douloureuse et inutile. Et qui veut ça ? Lorsque vous expérimentez, n'essayez pas de faire beaucoup de choses à la fois. Faites une liste de ce dont vous avez peur, art sage et phase ces choses un par un. Cela supprimera beaucoup de pression sur vos épaules et vous permettra de vous concentrer davantage sur l'apprentissage de l'échec s'il y en a un. Dans la prochaine leçon, nous allons parler de la façon dont vous pouvez organiser votre temps afin que vous deviez un artiste plus productif. Regardez. 38. Module 10 : ne pas temps pour créer des temps pour procrastinations : Gestion du temps créative: Dans cette dernière leçon, je veux vous donner quelques conseils sur la gestion du temps. J' espère que vous les trouverez utiles. Et avant tout, je veux que vous fassiez de la créativité votre priorité. Une chose que j'entends beaucoup de photographes et créateurs en général est que j'ai tellement d'idées, mais je n'ai pas le temps de les photographier toutes. Oui, c'est vrai que nous avons tous une vie occupée, la France, des familles, des factures pour payer diverses obligations et ainsi de suite. Pourtant, nous avons tous le même nombre d'heures par jour. Eh bien s'est avéré être un changement de jeu pour moi en traitant avec le manque de temps est le changement de la perspective de je n'ai pas le temps à ce n'est pas une priorité pour moi en ce moment. Chaque fois que vous sentez que vous voulez faire quelque chose, n'importe quoi, mais vous n'arrivez pas à le faire. Admettre que ce n'est pas votre plus grande priorité en ce moment. Et c'est bon. Cependant, maintenant vous comprenez que si vous visez vraiment à créer une photographie plus significative, cela devrait être l'une de vos priorités, non ? Ainsi, votre esprit commence automatiquement à trouver ces occasions de consacrer du temps à votre art. Et vous avez le temps, il est temps de le trouver. Voici quelques conseils de gestion du temps pour soutenir votre créativité et d'abord, analyser votre journée. Oui. Je veux dire, essayez le suivi du temps réel. Où perdez-vous votre temps et comment pourriez-vous mieux utiliser ce temps ? Peut-être que vous écoutez les nouvelles à la radio quand vous voyagez. Mais vous pourriez plutôt écouter un livre audio et obtenir des idées pour vos histoires futures là-bas. Peut-être que vous pouvez couper, regarder Netflix ou jouer à des jeux. Peut-être que tu pourrais te réveiller une heure plus tôt. La clé est de comprendre que lorsque vous faites quelque chose votre priorité, que le temps apparaît comme par magie, l'étape suivante consiste à bloquer le temps de votre art dans votre calendrier. Seulement lorsque le temps est effectivement bloqué près du calendrier, vous pouvez obtenir des résultats dans ce domaine, même si c'est juste 30 minutes par semaine, vous devez transformer votre créativité en une habitude. Et oui, il faut de l'autodiscipline comme le développement et une bonne habitude. Mais si vous êtes sérieux au sujet de votre art et continuez à vous rappeler que Pourquoi suis-je en prison tout le temps à propos de vous sera en mesure de transformer avec succès pratique quotidienne et n'oubliez pas d'avoir des conversations avec vos proches, leur expliquant pourquoi c'est important pour vous et essayé de le faire fonctionner pour tout le monde. Un autre exemple personnel, je suis une mère de deux belles filles. Et si vous êtes un parent, vous savez que vos enfants, surtout s'ils sont un peu envie d'être avec vous tout le temps. Donc, vous êtes comme moi, comprenez la lutte entre le désir ardent d'être un artiste et un créateur sans cesse et le désir d'être un grand parent et de développer tout votre temps à vos enfants. Le mien que j'ai commencé mon voyage de photographe juste avant la naissance de ma fille aînée. J' y suis allé tant de fois. Il n'y a pas lieu de compter. J' ai ressenti une culpabilité normale jusqu'à ce que je comprenne ces trois choses. Et tout d'abord, oui, ils ont besoin de leur montant pour être là pour eux et avec eux. Mais ils ont aussi besoin d'une maman heureuse et maman qui se sent content et rempli le gentil et aimant maman quand je n'ai pas l'occasion de créer, je ne suis pas heureux, je ne suis pas rempli et mes énergies complètement drainées. Je suis constamment fatigué et je suis très loin d'être toujours gentil et d'aimer quelqu'un ici avec moi. Et oui, je suis le monde pour eux, mais je ne peux pas remplacer ce monde. Le ne besoin de temps pour eux-mêmes et aussi avec d'autres membres de la famille et amis. Et c'est crucial pour leur développement. Donc, au lieu de se sentir coupable de ne pas être avec eux 24, 7, j'ai décidé de m'assurer qu'ils apprécient et obtiennent la plupart de leur temps quand ils ne sont pas avec moi et en même temps quand je suis avec eux, je peux sûr que je suis vraiment là, présent, écoute, bienveillant et compréhension. J' essaie de ne pas toucher mon téléphone ou de travailler. Et peu importe à quel point j'essaie, je ne serai jamais parfait. Je vais foirer de temps en temps, et c'est bon. C' est ce qu'on appelle la vie. Je vais essayer d'apprendre de mes erreurs et je ferai mieux la prochaine fois. Le mois prochain, je serai une meilleure mère qu' aujourd'hui parce que je me soucie des mangroves et je veux m'améliorer. Et vous aussi, pendant ce temps, vous battre, ne fera aucun bien à personne. J' espère que ça vous aidera, mes collègues, parents créatifs. Voici une autre raison pour laquelle vous devriez transformer la photographie en pratique quotidienne. Vous devez tirer beaucoup et devenir extrêmement productif. Et ce qui est plus important, vous devez faire des erreurs. Oui, vous ferez de mauvaises photos, mais ce sont les étapes naturelles pour en créer de grandes. Plus vous commettez d'erreurs, plus vous apprendrez. Ne traitez chaque mauvaise photo comme une leçon, pas un échec et un découragement, de ne pas continuer. Et vous verrez des merveilles se produire dans votre style de photographie et enregistrer les propres embryons une fois dit que vos premières 1000 photos, comment votre pire, juste ravi couler vos dix mille premières photographies sont vos pires encore beaucoup d'entre nous nous attendent à être des pros dans quelques années, voire des mois, comprendre que la quantité conduit à la qualité. C' est une histoire de l'art du livre et de la peur de David Baylis, le professeur de céramique, a annoncé le jour de l'ouverture qu'il divisait la classe en deux groupes. Tous ceux du côté gauche de l'atelier qu'il avait ne seraient pas évalués uniquement sur la quantité de l'œuvre produite, tous ceux du côté droit, uniquement sur la qualité de sa procédure était simple. Le dernier jour de la classe, il apporterait sa balance de salle de bain et son poids, le travail du groupe de quantité, 50 livres de pots cotés et 40 livres de patron B et ainsi de suite. Ceux qui étaient prêts pour la qualité, cependant, avaient besoin de produire qu'un seul pot, quoique parfait, pour obtenir. Eh bien venu le temps de Gradient et un facteur curieux fusionné. Les œuvres de la plus haute qualité ont toutes été produites par le groupe faisant l'objet d'un classement quantitatif. Il semble que, alors que le groupe de la quantité était occupé faire des tas de travail et à apprendre de leurs erreurs, le groupe cool a été mis en théorisant sur la perfection et a ensuite eu un peu plus à montrer pour leurs efforts que grandiose théories et la pile d'argile morte. Donc oui, vous devez transformer votre photographie en pratique quotidienne. Mais avant votre objet, laissez-moi vous expliquer. Quand je dis de transformer la photographie en pratique quotidienne, je ne veux pas dire tirer tous les jours. Si tu peux le faire, c'est parfait. Cependant, soyons réels. La plupart d'entre nous ont une vie occupée, comme je l'ai mentionné, des familles, amis, des études et très probablement des emplois de jour. Donc non, je n'insiste pas pour que vous tiriez tous les jours, mais vous devez au moins aller regarder vos matières premières et essayer de les éditer. Je ne pense pas qu'il soit logique d'y aller et devrait sans revoir vos résultats de cette façon, vous ne serez pas en mesure d'apprendre beaucoup parce que vous ne faites que la moitié du travail qui ne devrait pas se séparer. Ces images ne sont pas finies. Ils vont, jusqu'à ce que vous les examiniez, choisir le meilleur pour comprendre vos erreurs et créer un plan sur la façon de corriger ces erreurs lors de votre prochain tournage avec ceci dit, faire intentionnellement bloquer au moins 10, 15 minutes pour tous les jours. Et si c'est possible, bloquez plus de temps dans votre calendrier. Et pendant ces 10, 15 minutes, soit devrait de nouvelles images ou revoir et ajouté ceux que vous avez déjà tourné. Ma prochaine recommandation serait de trouver un partenaire responsable, quelqu'un qui ne sera pas nécessairement votre ami le plus proche ou dans votre événement de cercle le plus proche, mais quelqu'un qui vous comprendra et vous soutiendra régulièrement parce qu'il ou elle partage les mêmes valeurs et les mêmes objectifs. Oui, il est incroyablement utile de sortir de votre coquille artistique de temps en temps, sinon tout le temps, Trouver des pairs créatifs avec qui vous travaillerez sur le même projet. Ces périodes peuvent être des photographes ou des artistes d'autres industries comme les designers font des artistes, des illustrateurs, des fleuristes, ou même des boulangers. Lorsque vous travaillez avec quelqu'un, cela vous rend automatiquement responsable et vous pousse à tenir vos promesses, ce qui est parfois très difficile à faire lorsque vous êtes seul. Êtes-vous d'accord avec les tournages programmés et de créer des calendriers ? Et comme une dernière réflexion sur le parcours, j'espère que vous vous sentirez inspiré, inspiré pour en apprendre plus, mais surtout pour en créer plus. Cependant, l'inspiration est souvent de courte durée. Il est là quand vous apprenez quelque chose ou que vous voyez un art incroyable. Mais alors il disparaît. J' ai fait ma part. Je vous ai donné de l'inspiration et des outils. Maintenant, vous devez faire le vôtre, obtenir intentionnellement sur vos histoires. Comprenez votre raison, transformez votre art en une habitude et soyez conscient de quoi et de qui vous entourez. Commencez chaque journée en réfléchissant à ce que vous pouvez créer aujourd'hui et terminez par l'évaluation de vos résultats. Et je suis sûr que vos histoires visuelles auront un impact que vous voulez qu'elles aient et qu'à leur tour, inspireront les autres à créer. Et ce sera votre façon de faire de notre monde un meilleur endroit. Maintenant, laissez-moi vous faire deux exercices pratiques. À mon avis, vous aidera à faire un saut productif dans votre art. Et le premier exercice s'appelle la création d'une feuille de route pour votre développement artistique. Donc, je voulais revenir à la liste des dixième photographes dont vous admirez le travail et souligné une chose que vous aimez le plus et ils vont travailler et vont adorer d'une certaine façon pour introduire votre pratique créative. Faites une liste distincte de ces 10 choses ou moins. Il peut inclure des choses comme apprendre à tirer sous l'eau, des études, des lumières de studio, des alertes pour travailler avec les couleurs, et ainsi de suite. Ce sont les choses qui doivent être améliorées dans votre travail. Cette liste sera votre base pour la future feuille de route du développement. Numérotez les choses dans la liste en fonction leur priorité actuelle pour vous et pour votre travail, notez ce que vos actions réelles seront pour aller mieux dans tel ou tel. Par exemple, pour mieux utiliser les lumières de studio, vous devez trouver le studio avec des équipements où vous pouvez les créer et les pratiquer. Maintenant, nous devons créer un plan d'exécution sur la mise en œuvre ces éléments dans vos délais de travail pour vos deux priorités principales. Par exemple, je vais faire sept portraits en studio cours du mois prochain et définir ce que vous pouvez faire pour commencer à améliorer ces domaines dans les prochaines 48 heures afin que vos plantes soient exploitables et non pas qu'elles ne soient pas imprimées. Donc, disons que vous voulez essayer d'ajouter l élément de lévitation à votre photographie. Et vous devez choisir une date réelle quand vous ferez votre expérience. Il est très pratique d'avoir un délai qui est bloqué dans votre calendrier afin que vous sachiez combien de temps vous avez pour les préparatifs, puis réfléchissez à tout le processus, ce que vous allez tirer et comment il n'a pas eu à tout comprendre de votre propre chef. Il y a maintenant une vidéo YouTube pour chaque chose sur le web. Ainsi, vous pouvez vérifier comment d'autres personnes font déjà, ce que vous voulez faire, puis tout préparer pour votre expérience en fonction de votre date limite, faire un plan de choses que vous pouvez faire dans les prochaines 48 heures pour réellement faire votre expérience. Et si vous essayez cet exercice, je veux vraiment que vous partagiez cette liste avec notre communauté en ligne. Ainsi, par exemple, votre 48. Nos listes peuvent inclure des choses comme regarder la vidéo YouTube a commencé sur les accessoires, choisir un endroit pour votre futur tournage, penser si vous avez besoin d'aide ou non. Maintenant, après avoir mené votre expérience, n'oubliez pas d'analyser et d'évaluer les résultats. Je ne me souviens pas combien de fois j'ai fait l'erreur d'essayer de tirer quelque chose, mais même pas revenir à mes fichiers expérimentaux pour comprendre si cela en valait la peine, la zone de confort a tendance à vous sucer même après a essayé de s'en sortir. Tu te souviens ? L' évaluation des résultats est donc cruciale pour l'apprentissage lorsque vous l'avez essayé avec un élément, passez au suivant. Et encore une fois, à mon avis, il est important de faire une étape à la fois pour ne pas être submergé par les nouvelles informations et garder votre intentionnalité dans tout. Le deuxième exercice que je veux que vous essayiez est de gérer la peur. Pensez à votre travail créatif et à ce qui vous empêche d'aller plus loin ? Quelle est votre plus grande peur liée à ça ? Avez-vous peur de partager vos pensées et opinions réelles ? Avez-vous peur que les gens jugent votre futur travail ? J' ai peur d'échouer à votre projet expérimental et de perdre du temps et des ressources. Écrivez votre plus grande peur et essayez d'expliquer pourquoi vous l'avez, puis imaginez la pire chose qui aurait pu arriver en relation avec cette peur, et ensuite la meilleure chose possible, disons que vous avez peur de partager vos 40 nouvelles, ce qui est très différent de ce que vous avez fait auparavant. Quelle serait la pire chose qui puisse arriver si vous le partagiez ? Et quel serait le meilleur résultat possible ? Créez une échelle pour vos actions futures qui provoque votre peur. Et le numéro un sera le meilleur résultat possible. Le numéro dix sera la pire chose possible. Après cela, venez avec les scénarios d'âge manquants. Numéro 2 étant très bon, mais pas idéal. numéro trois est toujours bon, mais un peu pire, et ainsi de suite. Et le numéro neuf sera très mauvais, mais toujours pas aussi mauvais que Dan. Maintenant, jetez un oeil à votre liste et réalisez que vous êtes plus susceptible de vous retrouver avec quelques options au milieu et non les extrêmes. Tout le processus de travail sur votre peur le rend moins stressant et vous permet de commencer à agir dans la bonne direction. Les gars, je suis si fier de vous. Je suis fier qu'il ait réussi jusqu'à la fin du cours. Ce n'était pas un voyage incroyable. Et cela signifie que vous n'êtes pas simplement intéressé par snap in assez lointain. Vous vous engagez à créer une œuvre significative et authentique qui a un impact. Et cet impact peut être n'importe quoi. Vous pouvez faire sourire les gens ou les faire prendre conscience de choses qu'ils ignoraient auparavant. Ou simplement votre photographe peut servir un exemple et permission pour quelqu'un d'autre de faire quelque chose de créatif aussi. Et c'est beau. Cela apporte un sens et un sens à votre photographie et à votre vie en général. Encore une fois, je suis si fier de vous et j'ai hâte de voir vos futures créations.