Peinture avec moi : Portraits dramatiques à l'aquarelle et au crayon de couleur | Kendyll Hillegas | Skillshare
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Peinture avec moi : Portraits dramatiques à l'aquarelle et au crayon de couleur

teacher avatar Kendyll Hillegas, Artist & Illustrator

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Leçons de ce cours

    • 1.

      Intro

      3:45

    • 2.

      Pour commencer : Fournitures et images de référence

      5:15

    • 3.

      Couche de base

      3:25

    • 4.

      Séparer la lumière de l'obscurité

      2:42

    • 5.

      Ajouter les premiers détails à l'aquarelle

      11:03

    • 6.

      Ajouter du détail au visage avec un crayon de couleur

      6:16

    • 7.

      Développer davantage la figure

      3:58

    • 8.

      Ajouter des détails aux mains

      3:03

    • 9.

      Approfondir l'arrière-plan

      4:38

    • 10.

      Mélange

      2:40

    • 11.

      Changement de plans

      5:38

    • 12.

      Projet de cours et conclusion

      5:21

  • --
  • Niveau débutant
  • Niveau intermédiaire
  • Niveau avancé
  • Tous niveaux

Généré par la communauté

Le niveau est déterminé par l'opinion majoritaire des apprenants qui ont évalué ce cours. La recommandation de l'enseignant est affichée jusqu'à ce qu'au moins 5 réponses d'apprenants soient collectées.

4 398

apprenants

25

projets

À propos de ce cours

L'une de mes récentes obsessions est de peindre des portraits avec un éclairage dramatique, où la lumière et l'obscurité sont clairement définies dans le sujet. J'ai appris que ces portraits sont, à bien des égards, plus faciles à aborder que les sujets à l'éclairage plus subtil. Donc, si vous vous sentez à l'aise avec vos compétences en dessin d'observation et que vous cherchez à vous plonger dans les portraits, venez avec moi pour que je vous montre mon approche pour créer des portraits émotifs et sombres à l'aquarelle et au crayon de couleur.

Ce cours fait partie de ma série « Peindre avec moi », où vous venez avec moi, comme si vous passiez l'après-midi dans mon studio, et je vous explique le processus d'une peinture mixte étape par étape. Vous me verrez travailler pour relever les différents défis artistiques que je rencontre en cours de route et vous m'entendrez vous expliquer comment je les résous. Je vous donnerai également quelques conseils et astuces pour tirer le meilleur parti des techniques mixtes.

Ce que nous allons couvrir

Nous travaillerons ensemble sur chaque phase de la peinture, en travaillant couche par couche d'aquarelle et de crayon de couleur pour créer une peinture mixte finie. Voici quelques-uns des points spécifiques que nous aborderons :

  • Choisir et travailler à partir d'une référence avec un éclairage puissant et dramatique
  • Techniques de mélange et de mixage de l'aquarelle pour les techniques mixtes
  • Superposition des crayons de couleur sur l'aquarelle
  • Voir et traduire les valeurs et les différents types d'ombres

Ce dont vous aurez besoin

Pour ce cours, vous aurez besoin de papier, d'aquarelle, de pinceaux et de crayons de couleur. Les fournitures ne doivent pas nécessairement être les mêmes marques ou couleurs que celles que j'utilise, mais je les ai listées dans la section Projet de cours au cas où vous voudriez y jeter un coup d'œil avant de commencer.

Qui devrait suivre ce cours ?

Comme pour les autres cours de la série "Peindre avec moi", nous nous concentrerons uniquement sur le processus de peinture et ne passerons pas de temps sur le dessin. Vous devrez donc avoir de solides bases en dessin et être capable de créer votre propre croquis pour la peinture.

Bien qu'une expérience dans le dessin soit indispensable, vous n'avez pas besoin d'être expérimenté en peinture de portrait. En fait, ce cours est particulièrement adapté aux personnes qui sont à l'aise avec le dessin en général, mais qui n'ont pas encore beaucoup d'expérience avec les portraits.

Vous n'êtes pas encore prêt à vous lancer dans les portraits ? Voici quelques cours de base pour vous préparer et préparer à peindre ce que vous voulez, y compris des personnes :

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Teacher Profile Image

Kendyll Hillegas

Artist & Illustrator

Enseignant·e

My name is Kendyll, and I’m an artist and commercial illustrator working in traditional media. My background is in classical oil painting, but I’ve been working as an illustrator for the past 5 years, completing assignments for Real Simple, Vanity Fair France and The Wall Street Journal. 

My illustration is used commercially in packaging, on paper goods and clothing, and in editorial applications, as well as displayed in private and corporate collections worldwide. My work has been featured in Supersonic Art, Anthology Magazine, Creative Boom, DPI Art Quarter and BuzzFeed.

I try to create work that is realistic, but still full of vibrancy and feeling. I'm probably best known for my food and botanical illustration, but I lov... Voir le profil complet

Compétences associées

Art et illustration Peinture Aquarelle
Level: Intermediate

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Transcription

1. Intro: Salut les gars et bienvenue dans mon studio. Je m'appelle Kendyll Hillegas. Je suis pigiste, artiste et illustrateur. Mon travail commercial est utilisé dans beaucoup d'applications, à la fois dans l'éditorial. Donc, pour les journaux et les magazines, le motif de surface sur les tissus, les vêtements, et parallèle et sur les produits de détail et les emballages. Chaque fois que je ne peins pas pour une entreprise, une de mes choses préférées est de peindre des portraits. J' ai eu une obsession récente, qui consiste à peindre des portraits avec un éclairage vraiment dramatique. Quelque chose que j'ai appris avec ceci est qu'à bien des égards ces types de sujets, ces portraits avec un éclairage dramatique sont plus faciles à aborder que les sujets avec un éclairage subtil. Pour cette raison et parce que vous avez tous demandé un cours sur les portraits à plusieurs reprises, j'ai décidé d'aller de l'avant et de créer une classe basée sur ce processus que j'ai fait pour créer des portraits avec un éclairage de lune vraiment dramatique. Comme vous pouvez le voir par le titre de la classe, cela fait partie de ma série Paint with Me. La caractéristique de ma série Paint with Me est que vous venez tous avec moi pour créer une pièce du début à la fin. C' est presque comme si tu traînais avec moi dans mon atelier pour la journée, me regardant comme je peins, alors que j'expliquais pas à pas ce que je fais. Pour ce portrait dramatique avec un éclairage de lune, je vais utiliser l'une de mes combinaisons de médias mixtes préférées, aquarelle et le crayon de couleur. Ensemble, nous allons travailler à travers chaque phase de la peinture, chaque couche de la peinture, construction de la structure de base, et la forme, et les valeurs avec l'aquarelle. Construire des détails du milieu avec de l'aquarelle, puis construire des détails plus grands et plus raffinés avec des couches ultérieures de crayon de couleur. Certains des points et compétences spécifiques que nous aborderons incluent le choix et le travail à partir d'une référence avec un éclairage dramatique vraiment puissant. Ce qui fait une bonne référence pour ce type de portrait et pourquoi j'ai choisi la référence que j'ai fini par choisir. aquarelle, de mélange, Techniques d'aquarelle, de mélange,de mélange et de superposition particulièrement utiles pour travailler avec des milieux mixtes. Comment poser un crayons de couleur sur le dessus de l'aquarelle et créer vraiment lisse, beaux dégradés de la lumière à l'obscurité et de le voir traduire des valeurs dans différents types d'ombres. Nous allons passer en revue tout cela et beaucoup plus puisque vous allez voir tout le processus commencer à finir d'un tableau. En termes de fournitures, si vous voulez faire l'approche mixte que je fais, vous aurez besoin d'une sorte d'aquarelle, pinceaux aquarelle et de crayons de couleur. Ils n'ont pas à être les marques exactes ou les couleurs que j'utilise, mais j'aurai celles répertoriées dans la description de la classe au cas où vous vouliez jeter un oeil avant de commencer. Pour tirer le meilleur parti de cette classe, je vous recommande vraiment d'avoir une certaine expérience, un peu de confort, une bonne base avec le dessin d'observation, et si vous êtes vraiment relativement à l'aise avec dessin d'un pour créer une esquisse à partir de laquelle travailler. Comme avec d'autres classes de ma série Paint with Me, nous ne passerons pas de temps sur le dessin. Tout le temps va se concentrer sur la peinture elle-même. Vous aurez vraiment besoin d'avoir une base décente de compétences de dessin pour être en mesure de sauter et de participer à cette classe. Un peu d'expérience avec l'aquarelle serait également utile, mais je ne le considérerais pas strictement nécessaire. Vous n'avez pas besoin d'avoir une expérience de portrait spécifique. Si vous êtes à l'aise avec le dessin et que vous avez l'impression d'avoir une bonne base avec le séchage, mais que vous n'avez pas encore vraiment abordé la peinture de portrait, cela pourrait être un excellent point de départ. Parce que les sujets avec ces valeurs de lumière visible et d'obscurité vraiment très définies facilitent en fait la visualisation d'une partie de la structure et de la forme du visage et de comprendre comment les plans s'intègrent et fonctionnent ensemble. J' ai hâte de commencer à peindre. Je suis vraiment excité de plonger dans ce sujet et de vous emmener avec moi. Allons-y et commençons. 2. Pour commencer : Fournitures et images de référence: viens de commencer ici, j'ai mon papier d'art, qui est un papier d'aquarelle très, très lourd, 300 livres Ultrasmooth par Fabriano. Vous pouvez utiliser un autre type de papier, vous pouvez utiliser un papier aquarelle lisse qui est plus léger, bien que je ne recommande pas d'aller quelque chose qui est plus léger que 140 livres car cela rendra difficile la couche de crayon de couleur sur le dessus, et si vous utilisez un papier plus léger que 300 livres, vous devrez peut-être également le coller pour éviter de se déformer. J' ai mon dessin de base là-dessus, et comme je l'ai mentionné dans l'intro, nous n'allons pas examiner quoi que ce soit lié au dessin dans ce cours. Tout cela va concerner le processus de peinture. Mais en gros, mon dessin ne couvre que les proportions essentielles, l'anatomie essentielle, et me donne une idée de l'endroit où les zones claires vont être et où les zones sombres vont être. Je vais juste afficher une version numérique de mon croquis pour que vous puissiez le voir plus clairement ici et voir les zones qui y sont définies. Une question que j'ai reçu beaucoup au fil des ans est « quel type de crayon devriez-vous utiliser pour un croquis qui va passer sous la couleur de l'eau ou un crayon de couleur ? » C'est vraiment à toi de décider. Il y a beaucoup d'options différentes. J' ai tendance à préférer quelque chose comme celui-ci où il y aura beaucoup de valeurs sombres qui finiront par couvrir assez bien le croquis. J' ai tendance à préférer juste un super dur crayons de graphite régulier, donc quelque chose comme un 6H. Mais vous pouvez aussi utiliser un crayon aquarelle qui vous permettrait dissoudre les lignes afin de ne pas voir les lignes de votre croquis. Cela a cependant ses avantages et ses inconvénients, car vous pouvez finir par vouloir voir certaines lignes de vos esquisses pendant que vous continuez à travailler. J' ai aussi ma palette. J' utilise cette petite palette de porcelaine rose, a beaucoup de petits puits différents et c'est idéal pour une utilisation avec l'aquarelle. Ensuite, j'ai une variété de pinceaux différents. Ce sont à peu près des pinceaux polyvalents , à l'exception d'un pinceau ovale sur le côté gauche, puis d'un pinceau plume aussi sur le côté gauche. Je ne suis pas vraiment sûr lequel d'entre eux je vais utiliser si je vais les utiliser tous, mais je les ai retirés juste au cas où. Alors j'ai mon aquarelle. Je vais utiliser l'aquarelle Hydras. C' est une aquarelle liquide. C' est un pigment fortement concentré en suspension dans un liquide, vous pouvez utiliser de l'aquarelle tube ou de l'aquarelle pan si vous le souhaitez. J' aime vraiment utiliser l'aquarelle liquide, c'est devenu l'un de mes médiums préférés au fil des ans donc c'est ce que je vais utiliser sur cette pièce. J' ai une palette très simple. Essentiellement, j'ai juste un jaune chaud et un jaune frais, un rouge chaud et un rouge frais, puis un bleu outremer frais, et c'est tout ce que je vais utiliser. Ensuite, j'ai aussi un petit morceau de papier d'essai ici. C' est le même document sur lequel je vais travailler. Juste la fin de l'un des plus gros morceaux de quand j'ai cassé le papier en petits morceaux. Il est vraiment important d'avoir une petite bande de test composée du même papier que vous utilisez, car les couleurs peuvent être différentes d'un papier à l'autre. J' ai aussi mon image de référence ici, que je vais apparaître périodiquement à l'écran. Cette image est juste quelque chose que j'ai attrapé à partir d'un site d'image de domaine public gratuit appelé Pixabay. Il y a beaucoup de ces sites là-bas. Si vous venez de rechercher Google « images du domaine public ». Sur cette note, toutes les images que je vais vous montrer ont été tirées de Pixabay ou d'un autre site d'image du domaine public. Maintenant, la raison pour laquelle j'ai choisi cette image était parce que je voulais avant tout avoir quelque chose avec une lumière vraiment dramatique et sombre. Les lumières spectaculaires et les sombres rendent plus facile de voir l'anatomie de votre subjec. C' est quelque chose qui est particulièrement utile pour les artistes débutants ou les artistes qui commencent tout juste avec des portraits. Par exemple, ici vous pouvez voir dans cette image il y a une lumière vraiment dramatique et sombre. C' est une image différente de celle que j'ai, ce n'est certainement pas aussi sombre. C' est tourné à l'extérieur et la lumière naturelle, mais il y a vraiment de la lumière et de l'obscurité dramatiques. Comparez cela à cette image où il n'y a pas beaucoup de lumière dramatique et sombre. La plupart des choses sont une valeur lumineuse et il n'y a pas beaucoup d'ombre visible sur le visage. Maintenant, laissez juste zoomer dans leur nez pour référence ici. Si vous voyez dans le vraiment dramatique, son nez a vraiment des plans clairement définis par rapport au moins dramatique où les plans du nez ne sont pas aussi visibles. Ce n'est qu'un petit exemple, mais j'espère que cela vous montrera pourquoi cela peut être vraiment utile, surtout quand vous commencez à avoir un éclairage assez dramatique, où il y a des plans clairement définis et des lumières claires. et les sombres. Maintenant, la chose suivante que j'ai aimé sur cette image était qu'elle était de mauvaise humeur. Je voulais quelque chose qui allait avoir une sensation vraiment dramatique. Quelque chose où les ténèbres, nous allons connecter les ténèbres du sujet. Nous allons nous connecter à l'obscurité de l'arrière-plan. D' autres images qui auraient ce look sont ces sortes d'images qui ont été prises en studio. Mais vous n'avez pas nécessairement besoin d'utiliser une image de studio. Un autre cadre génial pourrait être celui qui est près d'une fenêtre. Un autre cadre où il y aurait une différence dramatique entre la lumière et l'obscurité. Une autre chose que j'ai vraiment aimé dans cette image était que la source de lumière elle-même était visible, était un sujet dans l'image, et qu'elle avait une très belle lumière diffuse et chaude. Ce sont d'autres images qui, je pense, correspondent à ce projet de loi et vous pouvez voir chacune d'elles donner une sensation très différente et vous pouvez créer une image qui est confortable et plein d'espoir, ou une image qui est effrayante et sombre. Maintenant, j'aurai toutes ces images ainsi que l'image de référence que j'ai utilisée dans la section des matériaux de classe. 3. Couche de base: Maintenant, il est temps de plonger dans une peinture réelle. Donc je commence juste par mettre de la peinture dans ma palette. C' est un jaune frais, un jaune citron. Je pense qu'en fait dans cette marque, ça s'appelle Hansa jaune, mais c'est essentiellement un jaune citronné frais. Je suis en train d'arroser une tonne. Je veux l'amener là où c'est super, super léger, vraiment translucide donc je continue à ajouter de plus en plus d'eau jusqu'à ce que ce soit la bonne translucidité pour moi. Une fois que j'ai bien compris, je vais commencer à l'ajouter à mon journal, le déposer sur mon papier. J' utilise la brosse la plus grande taille que j'ai. C' est une brosse à plume. Je vais essentiellement poser ça sur toute la surface du substrat. Donc ça va vraiment partout sur ce tableau, sauf pour la petite boîte de papier pliée que la fille tient. Je vais laisser cette zone blanche, mais presque partout ailleurs va avoir une couche de ce jaune hansa très léger. Maintenant, je veux faire un peu de mouillé sur mouillé. Je vais ajouter un peu de rouge chaud. C' est un rouge de type cadmium. Je vais ajouter un peu de rouge chaud sur le dessus de ce jaune citronné. Je passe un peu à une brosse plate. Ce n'était pas l'un de ceux que je pensais d'abord utiliser, mais j'ai décidé de l'utiliser dès maintenant de toute façon. Je travaille juste sur toute la surface du substrat. Encore une fois, le seul domaine que je ne touche pas du tout, c'est la petite boîte en papier blanc. Je suis juste en train de travailler partout où j'ai couché ce jaune avec un super, super léger lavage du rouge cadmium. La raison pour laquelle je le fais de cette façon au lieu de simplement mélanger le jaune citron et le rouge cadmium, c' est que ça va me donner un effet très inégal. Donc, certaines zones seront un peu plus jaunes, certaines zones seront un peu plus roses, et certaines de cela va montrer à travers les couches supérieures supplémentaires de l'illustration, de la peinture et ça va donner une très belle effet. Il y a des zones où je veux qu'il y ait plus de chaleur concentrée, donc je vais revenir avec la brosse à plume et ajouter une plus grande intensité, une plus grande quantité de rouge cadmium à ces zones plus chaudes. Je commence juste, pour la première fois ici, à ralentir et à regarder attentivement mon image de référence et mon sujet, à l'esquisse que j'ai en dessous et assurer que je reçois ces zones chaudes au bon endroit. La plupart d'entre eux la chaleur va se concentrer autour du visage du sujet et bien sûr, les mains tenant la petite boîte de papier. La raison qui est, est que le visage reçoit beaucoup de la lumière coulée, la lumière qui vient de la source de lumière par phases, comme les mains ont en fait beaucoup de vaisseaux sanguins en eux donc ils ont tendance à regarder vraiment rouge lorsque la lumière est jetée directement sur eux ou à travers eux. C' est pourquoi les mains auront ce genre d'effet lumineux qui est allumé de l'intérieur parce qu'elles sont réellement allumées à partir de la source de lumière donc c'est ce qui les fait paraître vraiment chaud en rouge, donc je suis en ajoutant du rouge de cadmium à ces zones. Maintenant, je me prépare à créer l'arrière-plan et à ajouter le premier lavage de l'obscurité à l'arrière-plan, mais avant de le faire, j'ai juste changé d'avis et décidé que je veux utiliser mon pinceau pour vraiment rapidement esquisser quelques petites lumières flottantes en arrière-plan. Je ne vais pas suivre la référence en particulier pour cela. Je veux juste faire ce que je pense qui va paraître plus agréable dans la composition donc j' utilise mon instinct instinct et mettre ces petites lumières flottantes là où je pense qu'elles vont mieux paraître. 4. Séparer la lumière de l'obscurité: Maintenant, je passe à la première couche de l'arrière-plan sombre. J' ai mélangé mon propre noir ici, qui est essentiellement parties égales jaune cadmium, donc deux gouttes de jaune cadmium, quinacuidone rose, deux gouttes de quinacuidone rose, puis deux gouttes de bleu outremer. Je commence dans certaines des zones plus petites, les zones plus étroites qui nécessitent plus d'attention et qui nécessitent que je suive une ligne particulière. Je bloque les choses partout où il y a un fond noir. Je pose ma peinture noire et j'essaie de rester vraiment bien rangé et de garder cette peinture noire hors des autres zones où elle ne finira pas par finir. Partout où il y a un bord tranchant comme le bord du visage ou le bord de la boîte de papier blanc, je me rapproche du sujet et essaie de créer ce joli bord net avec mon pinceau. Mais dans d'autres domaines où il n'y aura pas de tranchant, je ne vais pas jusqu'au bout, si cela est logique. Je me laisse un peu d'une zone tampon pour que je puisse le mélanger avec une couleur plus claire d'aquarelle ou un crayon de couleur quand je l'ajoute dans les couches ultérieures. Tout comme je l'ai fait avec la figurine et la boîte en papier, je traçais ces petites lumières flottantes en arrière-plan avec la peinture noire. J' utilise une brosse à plume, encore une fois. Un grand pinceau à plume est vraiment idéal pour ce genre de chose parce qu' il vous permet de descendre à des zones pointues super détaillées, et il contient toujours une tonne de peinture et une tonne d'eau. Il vous permet de couvrir beaucoup de terrain avant de devoir retourner pour remplir votre brosse. Je n'avais pas l'habitude d'utiliser beaucoup de piquants, mais ils sont devenus au cours des dernières années l'une de mes fournitures d'art probablement top, probablement ma forme de pinceau préférée dans l'ensemble. Je les recommande vraiment si vous n'avez pas encore eu la chance de les essayer. Les piquants que j'utilise dans ce tableau sont toutes artificielles. J' ai des piquants de poils naturels, mais au fil des ans, j'ai commencé à essayer de faire tous les pinceaux de plume synthétique, tous les pinceaux synthétiques en général. Vous pouvez obtenir vraiment super, pinceaux de plume qui sont synthétiques qui, à mon avis, ont fonctionné tout aussi bien que les poils naturels. Je ne fais pas trop attention ici à la qualité de mes coups de pinceau. Je suis principalement juste d'essayer d'obtenir les choses au bon endroit et de m'assurer que j'ai une idée de l'endroit où ce fond sombre va être plus tard quand je fais d'autres couches d'aquarelle et éventuellement crayon de couleur je vais être en mesure de se concentrer davantage sur la texture de surface de la peinture. Mais pour l'instant, j'essaie juste de me donner une feuille de route des sombres et des lumières. Je pense que c'est à propos de ça pour l'instant. Je vais faire une pause sur le fond sombre et passer à la phase suivante. 5. Ajouter les premiers détails à l'aquarelle: Maintenant que j'ai toutes les lumières posées, j'ai cette couche uniforme de jaune citron et de rouge cadmium. C' est ce qui forme l'arrière-plan, et puis j'ai cette deuxième couche de noir sur le dessus. Je suis maintenant prêt à commencer à ajouter quelques zones de plus, plus en détail. Je commence par mélanger une délicate couleur noire, brunâtre, et je vais utiliser ça pour peindre ce petit soupçon de cheveux qui s'accroche sur son visage, et ensuite j'utiliserai cette même couleur vraiment édulcorée, pour commencer bloquant là où j'ai certaines zones d'ombre sur le visage, sorte que je puisse savoir où se trouve l'anatomie, où les zones claires vont être, et où les zones sombres vont être. En général, mon approche avec l'aquarelle est d'être vraiment, vraiment délicate et de travailler jusqu'aux sombres les plus sombres, mais parce que ce sujet a des sombres intenses, et il y a des zones que je peux voir clairement vont juste être noir éventuellement. Je suis un peu plus courageux et je vais de l'avant et pose des choses plus sombres dès le départ. Essentiellement, je regarde juste l'image de référence, et je sélectionne les zones qui pour moi ressemblent à des lumières et des sombres vraiment évidents, et j'essaie de simplifier ces formes, son sourcil ou son nez, le côté de son nez, essayant de regarder ces formes et de les comprendre dans leur forme la plus simple. Toujours penser au visage comme cet objet tridimensionnel éclairé par la lumière d'en bas, et essayer d'utiliser mon pinceau pour poser ces zones de sorte que j'ai une feuille de route plus tard pour quand il est temps de créer plus nuance et faites attention à la couleur et les détails plus fins de l'anatomie. Pour l'instant, je cherche juste le grand, vraiment clair et les lumières et les sombres. À cette étape, même si vous ne pouvez probablement pas le voir dans les images, je suis toujours capable de voir les lignes vraiment claires de mon croquis, donc je continue à les suivre et à les utiliser comme guides pour m'aider à mettre ces zones sombres et les zones claires où ils doivent être. Comme je travaille sur les mains ici, vous pouvez probablement voir que je laisse les bords mêmes du bout des doigts, intacte par la couleur de l'eau, puisque ces zones me regardent dans la référence comme elles sont plus légères, comme elles ont un peu de lumière brille à travers eux, je veux être sûr de laisser ces vides, laisser ceux vides afin que je puisse ajouter soit sur d'autres couches d'aquarelle ou crayon de couleur plus tard. Je suis vraiment en train d'ajouter ce super brun foncé aux zones qui ont déjà vraiment l'air sombre dans l'image de référence, et je vais même un peu plus loin des bords. Je pourrais probablement remplir un peu plus des mains avec cette couleur vraiment sombre, mais je veux laisser beaucoup de place pour que je puisse poser le crayon de couleur plus claire et ensuite aussi mélanger avec quelques tons moyens de crayon de couleur, et ici au bas du sujet, je veux ajouter une partie de la couleur brune pour essayer de créer un dégradé, un peu d'un fondu de la chemise, de la chemise sujet, qui est en fait assez léger, Ce n'est pas aussi léger que la boîte de papier évidemment, mais il est assez léger par rapport à l'arrière-plan, mais juste avoir un bord vraiment dur ou un arrêt dur ne va pas sembler très réaliste. J' ai besoin de la plume, de l'agrandir, et de créer un dégradé plus doux allant de la lumière de la chemise à l'obscurité de l'arrière-plan. Maintenant que j'ai les ombres initiales, les détails initiaux et les ombres posées, je peux voir que je veux pousser la couleur beaucoup plus dans une direction chaude, surtout autour des bords du visage où la lumière est un peu plus diffuse, et certaines des zones d'ombre qui vont devenir plus sombres, mais nous aurons un ton plus chaud pour eux. Je travaille à travers les mains, et les bords du visage, en ajoutant un autre lavage et un autre lavage pâle du rouge cadmium. C' est un peu plus intense que le lavage que j'ai posé sur l'arrière-plan, mais c'est encore vraiment léger, c'est surtout de l'eau, et la raison pour laquelle je fais cela après avoir posé ce fond noir initial, si vous êtes familier avec technique d'aquarelle appropriée, généralement technique d'aquarelle fonctionne complètement clair à sombre, commençant par vos couleurs les plus claires comme je l'ai fait, mais alors vous ajouteriez ensuite des lavages plus sombres et plus sombres, des couches plus sombres et plus foncées avec chaque avec chaque calque que vous ajoutez de l'aquarelle. Mais dans ce cas, parce que le sujet - nous travaillons à partir de la photo de référence àpartir de laquelle je travaille est si dramatique et a des lumières dramatiques et des sombres, je me suis senti comme il était important d' partir de laquelle je travaille est si dramatique et a des lumières dramatiques et des sombres, avoir au moins un certain sens de la arrière-plan allait obtenir, comme point de référence, comme point de comparaison, parce que vous ne pouvez vraiment voir la valeur qu'en ce qui concerne d'autres valeurs, quelque chose n'est que de la lumière parce qu'il est comparé à quelque chose qui est plus sombre et vice versa, il ne fait que sombre si c'est comparé à quelque chose de léger. Avoir cela depuis le début me permet d' être vraiment plus précis sur certaines de ces zones de ton moyen sur le visage, que je l'aurais été si je travaillais juste de la couche de lumière au plus léger, eh bien, de la plus légère à, légèrement plus sombre. Si je faisais cela, cela me prendrait beaucoup plus de temps, donc cela me permet d'avoir ce point de référence et de fixer les bonnes valeurs dès le début. Bon, et maintenant je mélange un violet plus chaud et un peu plus frais, les deux ont beaucoup de gris dedans, ils vont être assez muets, ils vont être assez muets, et c'est ce que je vais utiliser pour ombrager la petite boîte de papier. Pour moi, il ressemble à ce côté gauche et le triangle supérieur, le rabat supérieur sont un peu plus chaud, donc je fais le plus chaud violet sourd là-haut, et puis je vais utiliser le refroidisseur violet sourd dans la zone où il ya est un réel ou il y a un chevauchement dans le papier, ces zones semblent un peu plus cool pour moi, donc je les peins en conséquence. À ce stade, je continue à ajuster la valeur que je vois dans la pièce, les sombres et les lumières, donc plus j'ajoute de tons moyens, plus je peux voir exactement où je dois pousser les choses un peu plus sombres, et c'est là qu'avoir ce fond vraiment sombre déjà posé est très pratique, et c'est super utile pour me permettre de voir ces valeurs comme je les compare les unes aux autres, je suis aussi en train de rebondir entre quelques différents pinceaux ici, ce qui m'aide à garder les choses douces. J' ai tendance à poser les choses, ou à ce stade j'ai tendance à poser les choses avec un pinceau plus petit avec le pinceau rond plus petit, puis à revenir avec le pinceau qui est un peu humide, qui n'a pas beaucoup de peinture dessus du tout pour plumer les choses, et dans beaucoup de domaines je travaille humide sur humide, ce qui signifie que je pose une couche d' eau ou un pigment légèrement arrosé puis pose plus de pigment sur le dessus, et cela m'aide également pour obtenir cette belle sorte de douceur diffuse. C' est aussi là qu'il est très pratique que j' ai défini certaines zones d'ombre, une feuille de route pour certaines zones d'ombre avec un brun plus moyen. Maintenant, et je veux entrer et poser ce vrai brun foncé ou quelque chose qui est assez proche du noir de l'arrière-plan. Je me sens beaucoup plus prêt à le faire et plus confiant dans mon placement, et je peux juste poser cela directement pour obtenir ces valeurs précises par rapport aux autres valeurs autour d'eux, et c'est une partie de la raison pour laquelle je pense que ce sujet est en fait vraiment très bon pour les débutants ou les peintres de portrait débutants, parce qu'il ya une lumière dramatique et sombre, et vous pouvez vraiment savoir clairement ce que vous comparez à, nous avons la petite lanterne de papier, qui est la source pure de lumière, c'est la chose la plus brillante dans toute la composition, et puis nous avons le fond noir super sombre qui est la chose la plus sombre dans la composition, donc nous avons les deux extrémités du spectre de valeur vraiment clair et nous sommes en mesure de comparer toutes les autres valeurs qui sont dans le sujet à ces valeurs - aux sombres et aux lumières. Quand je regarde le dos de la main ou le côté du visage, et que j'essaie de déterminer à quel point il est sombre, j'ai une valeur sombre très claire en arrière-plan pour la comparer. Chaque fois que je me demande  : « Quelle obscurité ai-je besoin d'aller avec ça ? » Je le compare à l'obscurité de l'arrière-plan et je me demande si c' est plus sombre que ça ? Ou bien, il ne pourrait pas être plus sombre que ça parce que c'est noir, mais est-ce aussi sombre que l'arrière-plan ou est-ce plus léger que l'arrière-plan ? Alors l'inverse est vrai, avec les zones claires que je me demandais, est-ce aussi léger que la lanterne en papier ou est-ce plus sombre que la lanterne en papier ? Et avoir ces deux mains à comparer va rendre beaucoup plus facile de construire des valeurs réalistes et crédibles. Très bien, et maintenant j'ajoute juste d'autres ombres douces, essayant d'effacer certains des bords où il y a un peu de dégradés dans certains endroits où je veux que l'ombre se sente plus douce. Cela va rendre mon travail plus facile plus tard quand vient le temps de poser crayon de couleur, et à ce stade, j'ai décidé que je veux réchauffer les choses sur le visage et les mains encore plus que je n'ai déjà, Je reviens avec un autre lavage très léger du rouge cadmium, et je l'ai beaucoup arrosé, et je viens avec une grosse brosse douce pour que je puisse obtenir une très belle application diffuse de cette couleur. Je veux qu'il se sente comme une lueur, je ne veux pas qu'il décrit nécessairement des plans spécifiques, je ne veux pas qu'il y ait des bords durs, je veux juste cette belle essence de lueur chaude. Je l'ajoute aussi à certains des petits points, certains des petites lumières flottantes en arrière-plan, afin qu'elles ne soient pas toutes de la même couleur. Je veux en avoir certains qui sont plus chauds, qui sont plus froids, plus jaunes, et il devient assez clair pour moi que l'obscurité que je posais initialement sur le côté du nez n'est pas assez sombre, donc Je ramène ça à une valeur plus profonde et plus foncée, et j'utilise un peu de couleur pourpre, un violet sourd pour le faire, et j'ajoute aussi du violet sourd sur le côté du cou et du côté du visage, certaines zones d'ombre, et ça va être vraiment sympa comme un complément à certaines de ces teintes plus chaudes que j'ai dans le reste du portrait. Maintenant, j'ai fini par en avoir marre de mélanger mon propre noir, alors j'ai ajouté du noir dans le tube. Je pense que c'est juste appelé noir de carbone dans cette ligne, et je travaille mon chemin à travers toute la pièce avec ce noir, juste essayer d'approfondir l'arrière-plan et de l'obtenir à une finition relativement uniforme où c'est un niveau uniforme d'obscurité tous le chemin à travers. 6. Ajouter du détail au visage avec un crayon de couleur: J' en ai fini avec l'aquarelle pour l'instant, et je vais passer au crayon de couleur que nous arrivons à la partie de la peinture qui a de plus en plus de détails. Pour commencer, je tire ma grande boîte de crayons de couleur ici et je fais ce que je fais toujours, qui est de construire une palette avec des crayons de couleur. Plutôt que de creuser tout mon contenant géant d'entre eux, je regarde l'image de référence et choisis les crayons que je pense que je vais utiliser, et je vais être le plus susceptible d'utiliser tout au long de la peinture. Je ne peux pas utiliser toutes ces couleurs et généralement, je dirais que je finis par utiliser quelque part entre la moitié et les trois quarts des crayons de couleur que je mets dans ma palette. C' est bien d'avoir ceux auxquels je sais que je pourrais penser, que je pourrais atteindre, de les avoir tous dans une pile dédiée plutôt que d'avoir à creuser dans le grand conteneur. C' est ce que je fais ici. D' accord, j'ai ma palette, et vous pouvez voir qu'il y a beaucoup de jaunes, d'oranges et de bruns chauds en sourdine, ces trucs. Puis quelques bruns vraiment sombres, gris foncé et noir, bien sûr. Je commence par le nez. La raison pour laquelle je fais cela est que j'ai basé sur l'image de référence, j'ai l'impression d'avoir une très bonne idée de l'endroit où se trouve l'ombre sur le nez, et comment elle devrait être sombre, par rapport aux autres sombres dans la pièce et aux autres lumières dans la pièce. Il n'y a pas de raison particulière pour commencer par le nez. Beaucoup de gens que je connais aiment commencer par les yeux. Pour moi, j'ai l'impression que les yeux sont si importants que je me sens parfois intimidé de commencer par eux. Habituellement, je me retrouve en commençant par le nez ou la bouche. Ici, j'ai choisi de commencer par le nez juste parce qu'il y a beaucoup de bonnes informations à ce sujet dans l'image de référence et c'est vraiment facile pour moi de voir. J' essaie de faire tomber une partie de ça. Poser cette ombre initiale sur le côté du nez, et aussi descendre certaines des couleurs. Une partie de cette lumière chaude réfractée qui vient de dessous, descendez aussi sous le nez. Tout comme je l'ai fait quand je travaillais à l'aquarelle, j'essaie d'y aller lentement. Même si je sens que je peux voir assez bien comment la valeur de l'ombre sur le côté du nez se compare aux valeurs vraiment sombres qui l'entourent, je veux toujours être prudent et ne pas simplement aller droit avec une couche super lourde de sombre marron. C' est juste parce que c'est comme ça que j'aime travailler et c'est ce qui me semble naturel. En outre, cela me donne juste un peu de tampon et me rend plus facile de le composer ou de réparer quelque chose si j'ai l'impression d'avoir fait une erreur. Avant que je devienne vraiment sombre avec le côté du nez, je vais aller de l'avant et ajouter quelques détails, quelques zones plus sombres, un peu plus d'ombrage et de forme autour du reste du visage. Ici, j'utilise un vermillon pâle, qui est juste une très belle couleur. C' est une orange chaude, un peu sourdine. J' ajoute un peu de ça dans l'ombre près des lèvres. Je l'ai aussi utilisé sous son œil droit, l'œil que nous voyons à gauche aussi. Puis aller avec de la pêche, quelques nuances différentes de pêche et de beige, en utilisant celles pour construire certaines des ombres les plus délicates qui sont autour de sa bouche et des côtés de son nez. Ceux-ci n'ont pas beaucoup de noir en eux. Ce sont des ombres plus chaudes. J' essaie de les garder très doux et de m'assurer que je ne deviens pas trop sombre ou trop noir dans ces ombres. Je trouve que je ne suis pas vraiment en train de chercher beaucoup de jaunes. J' utilise surtout des pêches et des oranges et quelques roses sombres en sourdine dans les zones d'ombre. Juste continuer à travailler mon chemin à travers le visage, en ajoutant plus de détails, plus de complexité, en peaufinant les valeurs, poussant les choses plus sombres si elles ont besoin d'être plus foncées, puis, bien sûr, en peaufinant les couleurs aussi bien. Je prends la plupart de mes indices de couleur dans l'ensemble de la référence, mais je prends certainement des décisions sur les moyens que je veux modifier légèrement les choses ou déplacer les choses dans une direction différente de celle que je vois dans la référence. Par exemple, dans la référence, j'ai l'impression qu'il y a beaucoup d'orange et que les zones qui ont de la couleur en eux ont principalement l'orange comme un sous-ton harmonique global. Je veux aller dans une direction un peu plus nuancée. Je veux qu'il y ait un jeu entre des couleurs plus chaudes et des couleurs plus fraîches dans les zones plus claires. l'ensemble, toutes les couleurs qui vont être dans les zones plus légères seront plus chaudes. Je veux qu'il y ait une variété de couleurs chaudes. couleurs chaudes qui sont des couleurs vraiment chaudes et chaudes qui sont un peu plus fraîches. J' essaie de construire une partie de cette nuance et de tirer la plupart des indices de couleur de la référence, mais bien sûr, de prendre mes propres décisions en cours de route. Si vous êtes curieux d'en savoir plus sur la couleur, comment je prends des décisions de couleur et comment voir les couleurs avec précision dans votre image de référence, j'ai toute une classe à ce sujet et un lien vers cela dans la description de classe dans les notes de classe. Sur son front, je commence à mélanger une partie du noir très sombre. L' ombre sombre de l'arrière-plan, je commence à tirer ça sur son front et à l'intégrer avec certains des bords les plus sombres de l'ombre sombre sur son front. Je fais la même chose sur le côté du visage maintenant. Cette zone va également se connecter à une ombre vraiment sombre à une ombre noire. J' ai besoin de créer un dégradé très doux qui semble naturel et qui me permet de connecter certaines de ces zones plus légères au noir foncé de l'arrière-plan. Maintenant que j'ai obtenu certaines des valeurs plus proches de l'endroit où elles doivent être sur le visage, et certains des détails où elles doivent être sur le visage, je peux voir que j'ai besoin d'obtenir le cou beaucoup plus sombre. Puisque si vous regardez dans la référence, toute la zone du cou, même la zone plus claire du cou est plus sombre que les zones claires sur le visage. J' utilise juste un brun chaud. Je pense que c'est un brun de sienne tout autour du cou pour ramener cela à une valeur plus profonde qui est plus proche de ce que nous voyons dans l'image de référence. 7. Développer davantage la figure: D' accord. Alors que je passe à faire plus d'ombrage et plus de développement dans le corps de la figure et d'autres zones en plus du visage, je voulais vraiment essayer d'obtenir le cou droit d'abord, donc je viens ici avec un peu d'orange de cadmium pour le réchauffer, et c' est en fait une très belle couleur. Ce n'est pas celui qui est généralement livré avec l'un des ensembles prismacolor standard, mais c'est une grande couleur à avoir sous la main si vous aimez peindre des figures, si vous voulez dessiner des gens, parce qu'il est vraiment chaud, mais il est aussi décemment sombre afin que vous n'ayez pas à vous soucier de tirer dans n'importe quel blanc qui va rendre votre zone d'ombre craie. Je vais juste sur toute la zone du cou ici parce qu'il est dans l'ombre, mais il est toujours vraiment a un fond chaud. Ensuite, je commence à mélanger certaines des zones plus sombres du cou et de la poitrine, comme cette petite ombre le long de la clavicule commençant à mélanger ceux avec une combinaison de juste un brun foncé, je pense que c'est une ombre sombre et puis un très chaud ou brun, une sorte chaude de CN brun. Tout le temps que je travaille ici, je travaille en petits traits circulaires. Je faisais la même chose dans le visage, en fait le visage que je faisais comme un petit coup circulaire microscopique. Un crayon super pointu et de très petits traits circulaires ici sur le cou. Je me laisse un peu plus gros avec des coups, mais pas beaucoup, je le garde assez léger en termes de pression que je mets sur mon crayon. Ensuite, en essayant de rester dans ces minuscules petits traits circulaires mous qui finiront par disparaître. D' autant plus que j'ajoute de plus en plus de couches et continue à se fondre. Chaque fois que vous travaillez avec un crayon de couleur ou chaque fois que je travaille avec un crayon de couleur, c'est beaucoup d'aller-retour, posez une couleur, puis revenez avec une autre couleur pour mélanger certains des bords. Ensuite, je réaliserai que je dois devenir plus sombre avec la couleur initiale, donc je vais revenir en arrière et vouloir la couleur que j'utilisais pour la première fois. Je passe beaucoup de temps à faire ça. Pendant tout ce temps, je regarde continuellement la référence pour m'assurer que j'ai une bonne compréhension de l'endroit où sont ces sombres et ces lumières. Comme nous allons plus loin, je vais prendre plus de libertés avec la couleur, ou je peux prendre plus de libertés avec la couleur, mais généralement je vais avoir tendance à coller assez près la référence en termes d'une carte pour où mes lumières et les sombres devraient l'être. Commencer sur la chemise ici, cette zone est un peu délicate parce que c'est une chemise blanche, mais il a vraiment beaucoup de couleur à elle car Il est allumé à partir de la même source que le visage est allumé, c'est vraiment un léger et il finit par regarder presque rose pêche. Je vais utiliser des couleurs d'ombre, ce que nous penserions de cette couleur d'ombre, quelques bruns plus sourds et paître, mais je vais en fait utiliser beaucoup des mêmes couleurs qui sont utilisées sur le visage que j' utilise comme un rose saumon et pêche beige et couleur pêche plus foncée de prismacolor appelé Rose Beige. Les utiliser pour créer des ombres et créer une partie de la dimension de la chemise. Ensuite, ils sont vraiment des zones sombres, j'utilise le même brun, qui sont les mêmes juste prismacolor, brun foncé pour créer le centre de leurs ombres, puis mélanger les bords, soit avec une application très douce de sombre brun vraiment léger, peine mettre aucun doute du tout ou avec un crayon de couleur brun plus clair. Si vous regardez l'image de référence, c'est un grand indice pour moi en termes de température de la chemise. Nous pouvons voir que la petite boîte en papier qu'elle tient est en fait assez cool et elle a l'air presque bleuâtre par rapport à la chemise. C' est ainsi que je sais que la chemise doit être beaucoup plus vers cette extrémité orange rose du spectre et doit être différente à la fois en valeur et en température. Puis pliez une petite lanterne en papier. 8. Ajouter des détails aux mains: Maintenant, je passe aux mains. J' utilise une couleur que j'ai utilisée un peu sur le visage, le vermillon pâle, essayant de bloquer là où je vois une partie de cette couleur vraiment chaude, presque rougeâtre qui vient à travers les zones claires de la main. Ils sont à peu près tous à l'intérieur, comme à l'intérieur des doigts et des paumes, les zones qui sont en contact direct avec la lanterne en papier. Ensuite, dans les zones qui ne sont pas aussi saturées, j'utilise soit du nectar, soit du rose saumon. Le rose saumon est très similaire à la pêche de Prismacolor, qui est plus d'une de leurs couleurs standard qui vient dans un kit standard. Mais le saumon rose a un peu plus de saturation, ce n'est pas tout à fait aussi silencieux, donc c'est génial pour quelque chose comme celui-ci où je veux qu'il y ait une bonne quantité de saturation à travers. Comme je l'ai fait avec l'aquarelle, je viens ici avec un brun foncé dans les zones d'ombre. J' essaie de ne pas prendre ça directement au bord et à tous les autres endroits qui ont un bord doux pour eux. Je descends au centre du doigt et laisse les zones autour du bord intacte afin que je puisse mélanger et peut-être même ajouter un crayon de couleur plus léger si j'en ai besoin. Ici, les bords des doigts sont en fait une ombre nette, donc dans ces zones je vais directement sur le bord. Mais si c'est une ombre douce ou une ombre diffuse, je garde à l'écart des bords et je les mélange avec ce briquet, soit le vermillon pâle, soit un brun de Sienne chaud ou une couleur pêche. Ce n'est qu'après avoir mis en couches un peu de brun foncé que j'irai en fait avec du noir. C' est seulement dans certaines zones, comme les bords de la main où l'ombre se connecte à cette noirceur d'encre de l'arrière-plan, ou dans le cas de sa main gauche, la main que nous voyons sur le côté droit, une partie du dessous de la main est assez sombre, donc j'utilise du noir là-bas. Je vais ajouter un petit peu de développement à la lanterne en papier. En fait, je ne veux pas trop travailler dessus parce que je veux qu'il ait cette qualité lumineuse vraiment fraîche et l'aquarelle est idéale pour cela. Mais je vais juste ajouter un peu de netteté à ces deux triangles où le papier est plié. La zone qui était un peu plus fraîche, plus violette, et je viens avec un gris frais, puis un peu d'un gris rose lavande. Ensuite, certaines des autres zones d'ombre, comme le haut du triangle droit où il se penche sur un peu, j'utilise la même couleur. Puis de l'autre côté, le côté que nous voyons qui est sur le côté gauche qu'elle tient avec sa main droite, j'ajoute de la crème, ce qui est comme un jaune assez saturé mais vraiment clair, et une partie de cette pêche rose que j'ai utilisé tout au long de la pièce. Puis, bien sûr, un peu de blanc pour aiguiser certains de ces bords et pour se fondre. 9. Approfondir l'arrière-plan: Enfin, passer à l'arrière-plan. Je veux ajouter un peu plus de couleur, et un peu plus de texture à certaines de ces lumières qui flottent en arrière-plan. Je travaille avec de la crème, et déco pêche, et déco rose pour essayer d'ajouter un peu plus de couleur et d'augmenter peu l'intérêt ici puisque ceux-ci sont encore assez légers, et maintenant surtout, par rapport au reste de la pièce, il s'est développé plus. Ils ont l'air vraiment, vraiment pâles et presque blancs. Je continue à utiliser ces petits traits circulaires que j'ai utilisés tout au long de la pièce. Poursuivant également ma méthode d'aller-retour où je vais poser une couleur vers le bas, et travailler une autre couleur sur le dessus, puis revenir avec celle d'origine pour mélanger les bords. Une fois que j'aurai rempli toutes ces petites lumières flottantes comme je veux, je vais me frayer un chemin à travers tout le fond. Gulp, oui, tout le fond avec un crayon de couleur noire. Je ne savais pas si j'allais le faire au départ. Je n'avais pas décidé à ce sujet au début. Mais en regardant le reste de la pièce dans la texture, le reste de la pièce par rapport à l'arrière-plan, je me sens comme pour qu'elle ait cette sensation d'encre veloutée que je voulais avoir, je vais devoir ajouter un crayon de couleur. Ou potentiellement ajouter de la gouache, de la gouache noire, mais alors la texture de la surface sera assez différente, et je travaille souvent à la gouache et au crayon de couleur ensemble. Mais une zone vraiment, vraiment grande, très grande couche plate de gouache, serait assez sensiblement différente la texture de crayon de couleur par opposition à ce que je fais typiquement, qui est juste un peu de gouache ici et là. Je pense que si je voulais avoir cette sensation d'encre veloutée, crayon de couleur va être mon meilleur. Mais j'utilise deux crayons de couleur noire différents ici. J' utilise le crayon de couleur noir prismacolor, ce qui est génial. C' est un peu plus doux, plus propre. Ensuite, j'utilise le crayon noir luminance de Caran d'Ache. Vous n'avez pas besoin d'avoir deux crayons de couleur noire différents. Par tous les moyens, tu pourrais tout faire avec le prismacolor. Mais la cendre de guranda est juste un peu plus facile à aiguiser. Si vous utilisez des prismacolors, et les aimez autant que moi, vous êtes probablement familier avec leur talon d'Achille, qui est que, ils ont tendance à se casser très facilement. Les crayons de luminance sont un peu plus durs. Ils sont toujours un crayon doux, mais ils ne sont pas aussi doux et cassables que les prismacolors. C' est beaucoup plus facile d'obtenir un bon point pointu sur eux. Je les utilise parce que je sais que je vais avoir besoin de l'aiguiser un certain nombre de fois pour obtenir des bords vraiment nets. Utiliser la luminance par opposition au prismacolor, va juste me rendre plus facile de le faire. Je suis juste en train de contourner tout le sujet. Là où il y a un bord vraiment net, j'ai tendance à utiliser la luminance pour me donner ce bord dur et propre. Puis là où c'est un bord plus doux, plus d'un fondu, je vais parfois aller et venir avec le noir, et peut-être le brun foncé qui a été utilisé au bord de l' ombre pour créer des gradients vraiment lisses et propres. Je travaille aussi mon chemin autour de toutes les lumières flottantes. peu près partout, où il y a du noir dans le fond, j'essaie de le recouvrir de crayon de couleur. À ce stade, vous pouvez probablement dire que je ne suis pas aussi prudent avec mes marques. En fait, je suis assez rude et bâclée avec mes marques. C' est parce que j'essaie juste de faire ça le plus vite possible. Il y a beaucoup de surface à couvrir, et lorsque vous travaillez avec un crayon de couleur, cela peut prendre un certain temps. Ce n'est qu'un 8 sur 10, donc vous pouvez imaginer ce que ce serait faire sur un très gros morceau. Mais, puisque je décide de couvrir tout ce fond avec un crayon de couleur, que je ne savais pas si je le ferais au début car ils ont décidé de le faire, je décide aussi que je vais finir par mélanger et utiliser certains spiritueux minéraux et sel gemme pour mélanger une partie de la texture que je crée en arrière-plan ici. La raison pour laquelle je veux le faire est que la texture, même si elle n'est pas super visible, est très différente de la texture douce vraiment raffinée que j'ai sur le reste de la pièce. Je pourrais travailler mon chemin à travers toute la pièce en utilisant la même texture douce vraiment raffinée mais, cela prendrait beaucoup de temps. Cette pièce prend déjà un peu plus de temps que prévu. J' ai pris la décision à ce stade de mélanger, et cela me donne la liberté d'être un peu plus méchant avec mes notes parce que je sais que je peux tout mélanger à la fin de toute façon. À ce stade, j'en ai fini avec le rendu au crayon de couleur. Encore une fois, à peu près fait avec la peinture dans son ensemble. La seule chose qu'il me reste à faire, c'est fondre. 10. Mélange: Je suis dans la maison tendue ici. J' en ai fini avec l'aquarelle, tout fait avec le crayon de couleur, tout est sec. Avant de finir, je vais en fait faire un peu de mélange avec des spiritueux minéraux, avec des spiritueux minéraux inodores. Mon esprit minéral inodore est le gamsol, qui est le plus sûr du groupe. Mais si vous allez utiliser n'importe quel LMS, n'importe quel solvant, vous devriez toujours travailler dans un studio bien ventilé. J' ai donc ma fenêtre ouverte ou ce n'est pas forcément un studio, mais un espace bien aéré. J' ai ma fenêtre ouverte et j'utilise une collection de différents petits pinceaux pour mélanger. Ma forme préférée pour mélanger les pinceaux est un Filbert qui est un pinceau plat, mais il a une petite courbe à la fin, une petite forme demi-lune à la fin, qui le rend vraiment agréable pour se mélanger en coups circulaires. Mais alors vous pouvez également l'utiliser pour obtenir un bord tranchant assez propre si vous en avez besoin. Donc je commence avec le pinceau Filbert de taille moyenne et je fais un peu de mélange à l'intérieur de ces zones d'ombre qui vont s'estomper dans les zones plus sombres. Initialement, je pensais que je pourrais juste mélanger seulement le fond noir, mais je pense que je veux réellement mélanger l'arrière-plan dans le sujet afin qu'il ait plus d'un champs cohésifs. Je commence par le LMS sur ces tons moyens, certaines de ces zones d'ombre du sujet, puis je travaille sur mon chemin. Vous voulez être prudent lorsque vous mélangez un crayon de couleur avec un esprit minéral inodore pour nettoyer votre pinceau fréquemment. Lorsque vous travaillez de l'obscurité à la lumière, si vous mélangez dans une zone sombre et que vous déplacez celle-ci dans une zone plus claire, vous allez transporter beaucoup de pigment sombre avec vous, et l'inverse est également vrai si vous mélangez dans une zone plus claire et en le tirant dans une zone plus sombre. Cela peut ne pas sembler problématique. Mais parfois, si vous finissez par tirer trop de pigment léger dans vos zones sombres, il aura l'air vraiment blanc et crayeux, et cela peut être difficile à couvrir. Je fais de mon mieux pour mélanger un peu dans une zone, puis nettoyer ma brosse et travailler dans les zones médianes, les zones qui sont juste entre la lumière et l'obscurité. Travaillez dans ces zones avec un pinceau qui est agréable et propre, qui n'a pas une tonne de pigment dessus. Mélange également certaines zones d'ombre dans le cou et le visage afin que la texture n'y soit pas aussi bruyante. D'accord. Maintenant, je commence à mélanger certaines zones noires. C' est l'arrière-plan, mais il y a aussi un peu de noir sur le dos des mains et certaines parties du visage qui sont vraiment sombres. J' essaie de mélanger ces zones et de les rendre agréables, lisses et veloutées. 11. Changement de plans: Surprise. Bienvenue à une dernière leçon. C' est la marque de ma série de peinture avec moi. Je vous emmène vraiment avec moi pendant que je crée un morceau. qui signifie que je ne sais pas nécessairement exactement comment ça va se passer quand je commencerai donc vous êtes ici pour le voyage et apprendre avec moi ce qui doit venir ensuite. Après avoir fini avec tout le mélange, j'ai laissé la pièce s'asseoir et puis je l'ai regardé le lendemain dans une lumière naturelle. J' avais l'impression qu'il y avait des choses que je voulais modifier. En premier lieu, il y avait juste une petite zone autour l'œil qui me semblait un peu plus loin. On dirait que je n'avais peut-être pas ramené une partie de l'ombre sous sa joue. J' ai d'abord voulu réparer ça. Puis j'ai vu d'autres petites zones dans le visage que je sentais pouvoir utiliser une nuance donc je vais revenir ici avec quelques couleurs plus différentes dans les ombres et avec le crayon de couleur crème Prismacolor et ajouter quelques points forts à le visage. Je dois être très prudent en ajoutant les faits saillants. Il serait très facile d'aller par-dessus bord et de rendre le visage trop lumineux. Même si ce sont les lumières les plus légères qui sont sur le visage, elles sont encore plus sombres que la lanterne en papier, donc je dois garder cela à l'esprit. Ça me fait faire faire un peu d'aller-retour. Chaque fois que je pose un point culminant, je dois le modifier un peu avec un ton médian. Ouais, juste en ajoutant plus de nuance, peu plus de développement au visage, obtenir un peu plus raffiné et ramener certains détails perdus quand j'ai fait un peu de mélange. L' autre chose qui me distinguait vraiment quand je l'ai regardé dans la lumière naturelle comme quelque chose que je voulais changer, c'était que ces petites lanternes, ces petites lumières flottantes en arrière-plan, étaient juste vraiment regardant rugueux par rapport au reste de la pièce. Avant même d'ajouter cette couche supplémentaire de raffinement au visage il y avait beaucoup de détails et beaucoup de maniabilité raffinée dans le visage. Puis ces petits orbes flottants en arrière-plan ont juste l'air si rugueux et avaient l'air vraiment déconnecté de la texture de fond donc je voulais changer cela. Je voulais aussi changer le fait qu'ils se sentaient tous vraiment encore trop légers en valeur. Même si j'avais déjà ajouté une autre couche de valeur avec un crayon de couleur au départ, j'ai l'impression qu'ils ont besoin d'obtenir un peu plus sombre afin de donner un sentiment de profondeur parce qu'en ce moment ils ont l'impression qu'ils sont tous vraiment bruyants, vraiment lumineux au premier plan, appelant beaucoup d'attention à eux-mêmes. Ajouter une autre couleur et un peu plus de valeur va les rendre beaucoup plus intéressants. Ensuite, adoucir les bords et les rendre connectés à l'arrière-plan va aussi les faire attirer moins d'attention sur eux-mêmes, car ils vont se sentir plus cohésifs dans le reste de l'environnement. Sur la note de l'arrière-plan, même si j'ai déjà couvert le tout avec un crayon de couleur, j'ai toujours l'impression qu'il ne semble pas assez. Même avec le mélange, il y a un peu de variabilité dans la texture. Comme je l'ai mentionné, je veux qu'il se sente vraiment velouté et encreur alors je vais sur tout le haut à nouveau avec du noir. J' utilise un crayon noir différent cette fois. Il s'agit d'un crayon LYRA et ce sont en fait crayons à base d'huile par opposition aux crayons à base de cire. Je les aime mais je ne les aime pas autant que Prismacolor. La raison pour laquelle je l'utilise en ce moment est parce que je suis à peu près hors de mon crayon de couleur Prismacolor. C' est devenu difficile à tenir et mon crayon de couleur de cendres actuel est aussi bas. J' ai utilisé beaucoup de crayon de couleur noire sur cette pièce. Quelque chose que j'ai appris et que je recommanderais quand vous faites le projet de classe est si vous êtes en mesure de faire un voyage rapide au magasin de fournitures d'art, Prismacolor a crayons de couleur sans bois et ainsi faire beaucoup de marques en fait. Pour quelque chose comme celui-ci où vous couvrez juste une énorme quantité de surface et vous n'avez pas vraiment besoin de beaucoup de précision, vous pouvez simplement utiliser un crayon de couleur sans bois pour poser beaucoup de pigment et ensuite utiliser un crayon pour les zones qui sont autour de votre sujet où vous avez besoin d'être plus détaillé et raffiné. C' est ce que je ferai la prochaine fois que je créerai cette pièce. Oui, encore une fois, je suis juste en train de parcourir toute la surface du sujet, eh bien, toute la surface de l'arrière-plan. Cette fois, j'essaie en fait d'utiliser très beaux petits traits minuscules parce que je ne veux pas le mélanger à nouveau. J' essaie de garder mes traits beaucoup plus gentils, beaucoup plus rangés pour qu'ils ne soient pas vraiment désordonnés par rapport au reste du sujet qui est plus soigneusement rendu. À ce stade aussi, vous remarquerez que j' utilise un petit morceau de papier pour garder ma main. J' aurais probablement dû le faire plus tôt, mais c'est une de ces bonnes habitudes que je dois vraiment me rappeler de faire. Lorsque vous travaillez avec des crayons de couleur depuis sa base d'huile et de cire, votre main peut ramasser une partie de ce pigment et peut le déplacer et le tacher. Il devient de plus en plus probable que cela se produira plus vous avez posé de pigment sur le papier. Comme c'est mon deuxième tour de crayon de couleur noire, il y a beaucoup de pigment sur le papier, ce qui signifie qu'il est très susceptible de ramasser et de tacher. J' essaie d'être vraiment doué à utiliser du papier pour me reposer les mains. D' accord. Je pense que c'est enfin tout. Je pense que j'ai vraiment fini. Maintenant, je vais vraiment vous montrer un scan de la pièce finie et nous allons parler du projet de classe et terminer dans la section suivante. 12. Projet de cours et conclusion: Félicitations. Vous l'avez fait à travers le cours. On a fini le tableau. J' espère que vous avez aimé voir ce processus, voir tous les tenants et aboutissants, les hauts et les bas, et comment j'ai traité les bosses sur la route. Maintenant, il est temps pour vous de commencer votre propre voyage, sur votre propre projet de classe et de créer un portrait d'humeur dramatique. La première étape consiste à choisir l'une des images de référence fournies. Celles-ci sont dans la section des ressources de la classe. Si, pour une raison quelconque, vous avez des difficultés à accéder à cette section ou à la trouver, vous pouvez toujours revenir à la leçon 2 et capturer l'une des images que vous souhaitez utiliser comme référence. Ou une autre option, bien sûr, est de prendre votre propre image de référence ou d'en trouver une quelque part en ligne, ce qui est acceptable à utiliser. Étape 2 est de créer un croquis de base, en vous donnant une feuille de route de cette anatomie globale, les grandes ombres, les grandes zones lumineuses, les grandes zones sombres. Si vous voulez revenir à la quantité de détails que j'ai mis dans mon croquis, encore une fois, je vous recommande de revenir à la leçon 1 et de jeter un coup d'oeil à cela. Vous aurez probablement besoin de moins de détails dans un croquis pour ce type de sujet. Alors que cet éclairage que vous le feriez si vous alliez faire un croquis pour un sujet avec un éclairage vraiment subtil. J' ai dit que certains détails vont être obscurcis dans l'ombre. Par exemple, juste dans le sujet que j'ai fait, vraiment n'avait pas besoin d'inclure beaucoup d'informations sur son oreille autre que l'endroit où se trouvait son oreille. Jetez un oeil à cela et créez votre propre croquis. Ensuite, suivez avec ce que nous avons fait dans la classe, les étapes de base de la création de cette couleur laver les couches initiales à l'aquarelle. Ensuite, vous allez bloquer dans ces zones sombres avec une couleur blanche ou une encre vraiment sombre. Si vous voulez utiliser une encre à la place, oubliez pas de laisser un tampon où vous allez créer les dégradés plus tard avec des couches plus légères d'aquarelle et de crayon de couleur. Ensuite, vous voulez aller de l'avant et ajouter vos détails de base avec de l'aquarelle. Une partie de cela est vraiment à vous de décider, comment vous voulez obtenir détaillé. Je n'ai pas inclus une tonne de détails parce que je voulais aller droit au crayon de couleur. Mais si vous êtes plus à l'aise de travailler à l'aquarelle et que vous voulez développer plus de détails avec l'aquarelle seule, Vous pouvez absolument le faire. Enfin ajouter plus de détails de nuance à la fois à la structure et à la forme et à la couleur avec un crayon de couleur. Bien sûr, comme vous l'avez vu en classe, j'avais un plan d'ensemble, une orientation générale en tête au début. Mais j'ai changé d'avis plusieurs fois en cours de route. Je veux vous donner la permission de faire la même chose. Nous avons la feuille de route globale que je viens de mentionner. Vous avez peut-être une feuille de route à l'esprit lorsque vous commencez à travailler sur votre pièce, mais essayez de vous donner l'occasion de changer d'avis ou être vraiment créatif et réactif en abordant les problèmes, abordant le hoquet artistique quand ils viennent le long du chemin, comme ils inévitablement bien. Bien sûr, avec cela, si vous voulez incorporer un média différent ou essayer une approche différente, vous n'avez pas du tout à coller à l'aquarelle. Vous voudrez peut-être apporter un peu de fard à joues, vous voudrez peut-être apporter de l'encre, peut être pastel doux ou des pastels à la cire, de la peinture acrylique. Toutes les choses que vous pourriez faire. Si vous voulez des idées sur les médias mixtes et d'autres types de médias mixtes que vous pourriez apporter, vous pouvez suivre mon cours de médias mixtes. Mais sachez simplement qu'il y a un monde entier là-bas et que vous devriez avoir la liberté d'utiliser n'importe lequel de ces médias que vous voulez, qui vous aideront à résoudre le problème artistique que vous avez devant vous. Je tiens aussi à mentionner que la pièce que vous m'avez vue créer, vous avez vu environ une heure de vidéo, mais cette pièce a pris environ cinq heures au total. Ce cinq heures n'inclut pas le temps de séchage. Ce que vous ne voyez pas dans les images, c'est tout le temps que je passe à m'asseoir et à réfléchir, à essayer de sélectionner la couleur, à essayer de mélanger la bonne couleur, à essayer de décider comment je veux aborder une zone particulière. Il y a beaucoup et beaucoup de pauses qui ont été coupées. Certaines des autres choses que j'ai découpées, sont juste les périodes de temps plus longues où tout ce que je fais est de remplir le fond de la même chose, le même mouvement qui se passe encore et encore. Je l'ai mentionné, juste pour que si vous constatez que cela vous prend plus d'une heure, ne vous sentez pas mal à ce sujet et c'est tout à fait normal. Ça m'a pris plus d'une heure. Je dirai aussi que j'aurais probablement pu le faire plus rapidement si j'avais fait des choix différents au sujet des matériaux. Par exemple, si j'avais utilisé un crayon de couleur sans bois, ou peut-être si je l'avais peut être utilisé un média noir plus opaque dès le début plutôt que l'aquarelle. L' un ou l'autre aurait pu me faire gagner du temps depuis que j'ai passé beaucoup de temps sur ce fond noir. Lorsque vous plongez dans votre projet, assurez-vous de documenter autant que possible. Prenez des photos, notez quelques notes sur les choses que vous remarquez, ce que vous faites lorsque vous rencontrez un problème particulier, comment vous abordez cela. S' il vous plaît assurez-vous de le partager dans les projets de classe. J' adore voir ce que vous faites et partager votre projet est un excellent moyen d'aider vos camarades à apprendre. Si vous êtes à l'aise de le faire, je vous encourage vraiment à le faire. J' aime toujours mentionner dans mes cours que, si vous cherchez spécifiquement des commentaires constructifs, s'il vous plaît indiquer que lorsque vous publiez vos projets de classe, afin que je sache comment vous donner les commentaires les plus utiles, les commentaires que vous recherchez. Si vous regardez vos projets de camarades de classe et que vous décidez de laisser un commentaire, merci. C'est génial. J' aime voir ça et toujours s'il vous plaît n'oubliez pas d'être vraiment gentil et de soutenir les uns les autres. Comme toujours, n'hésitez pas à laisser des questions générales dans la section de discussion en classe, et je ferai de mon mieux pour y répondre. Merci encore beaucoup d'avoir suivi ce cours. J' ai vraiment hâte de voir ce que tu fais.