Peinture à l'aquarelle : de la silhouette en bâton à l'illustration de mode

1. À propos du cours: Il s'agit de votre niveau de compétence que vous souhaitez peindre. Un tableau comme celui-ci. Alors ce cours est fait pour toi. Bonjour et bienvenue dans ma classe. Et dans ce cours, je vais vous apprendre étape par étape comment créer une illustration de mode. Je vais vous expliquer le processus, étape par étape, les entreprises qui saisissent la figure et comment l'aborder en utilisant des méthodes très simples pour colorier aquarelle et finaliser leurs derniers détails. Ainsi, même si vous êtes en train de dessiner, vos compétences ne s'étendent actuellement qu'au dessin de figurines Ce cours est toujours pour toi. Dans ce cours, j'explique comment dessiner une figure passionnée et comment aborder une pose complexe à l'aide de formes géométriques simples. Je vais vous montrer comment créer des tons de peau et quelles sont les couleurs essentielles pour créer des couleurs de peau naturelles à celles du tissu EV. Vous apprendrez à peindre un magnifique bureau pour votre illustration de mode et à peindre le motif sans faire paraître noir ou blanc. Ce cours n'est pas un cours d'aquarelle pour débutants. est préférable d'avoir des connaissances de base sur la façon de mélanger les couleurs, même si j'en parlerai également en classe. Je m'appelle Maria. Je suis illustrateur et graphiste vivant à Reykjavik, en Islande. J'ai démarré mon activité d'illustration et de design en 2009. Et j'ai travaillé avec plus de 900 clients projets tels que le logo et l'image de marque, illustration de couverture de livre et portraits personnalisés à l'aquarelle pour une invitation de mariage et la sauvegarde de la date dessins. J'accorde également des licences pour mes œuvres d'art et j'ai vendu plus de 6 000 images clipart. J'ai toujours aimé peindre des figures humaines à l'aquarelle. Et j'espère qu' à travers ce cours je pourrai partager ma joyeuse expérience avec vous. Bien sûr, comment vous pouvez le faire aussi. Alors rejoignez-moi pour ce cours et dessinons et peignons ensemble. 2. Projet du cours: Pour votre projet final, vous devrez payer une illustration de mode à partir de l'une des photos incluses dans la section projet et ressources. Si je vous encourage à choisir une photo parmi le set que j'ai sélectionné ici c'est parce que les pauses sont assez simples. De cette façon, vous évitez toute frustration pouvant découler de forces plus complexes, autant plus qu'il s' agit d'un cours pour débutants. Vous utiliserez la méthode de base que vous avez apprise lors de ce cours pour créer votre illustration de mode. Avant que vous ne commenciez à rassembler vos fournitures, j'ai inclus les fournitures artistiques complètes dans la section du projet. Vous commencerez par dessiner notre doigt sur une feuille A4 en utilisant la méthode que je vais vous apprendre à vous et à Douglas. Une fois que vous serez satisfait de la façon dont vous utilisez vos carnets de croquis, vous passerez à vos aquarelles. Après avoir transféré votre croquis, vous commencerez à le colorier à l'aquarelle. J'ai juste dit que vous bloquiez une heure de votre journée pour travailler sur votre projet. Si vous vous trouvez bloqué ou incapable de réaliser ce que vous voulez : vous éloigner de votre bureau, aller à autre chose, promener, cuisiner ou même regarder la télévision, puis y revenir plus tard. De cette façon, vous aurez plus de facilité à garder le lien lorsque vous êtes fatigué ou frustré. Je vous encourage à publier des photos de toutes les phases de votre processus. Collez, figurez, esquissez, esquissez du plein doigt et enfin, l'illustration entièrement en couleur. De cette façon, je peux vous donner un feedback pour chaque étape et nous pouvons relever tous les défis que vous pouvez rencontrer lors de la création de votre première pièce. Ce que je te promets, ça va être très amusant. 3. Matériel: Dans ce cours, vous aurez besoin du matériel suivant. Une feuille de papier A4. Au début, cela suffira. C'est ce que vous allez utiliser pour dessiner. Papier pour aquarelle. Je recommande 100 % coton, mais si vous ne l'avez pas, c'est parfaitement bien. Je vais t'expliquer dans un moment. C'est un fantastique papier aquarelle que j' ai reçu d'Amazon en 100 % coton, six pouces sur neuf pouces et 300 g/m². Voici une bonne option pour le papier aquarelle destiné aux étudiants. C'est du papier aquarelle Canson. Et j'aime vraiment ça. Vous aurez besoin d'un ruban adhésif ou d'un panneau MDF. Vous l'utiliserez pour y poser votre papier aquarelle. Pendant que tu peins. Vous devrez le coller avec du ruban adhésif pour qu'il ne se déforme pas lorsque vous peignez. J'ai aussi besoin d'un ruban adhésif que vous pouvez trouver dans n'importe quelle quincaillerie. Vous aurez besoin d'un crayon HB et de deux crayons H. Une gomme ordinaire, une gomme pétrie. J'utilise ces pinceaux, velours noir argenté, taille 48. Bocal à eau propre. Vous avez pris un arc pour tamponner l'excédent de peinture et petit vaporisateur pour mouiller votre peinture. Et bien sûr, de l'aquarelle et des bouts de papier pour tester votre couleur. Pigments, aquarelles que je vais utiliser dans ce cours. Ou les miens crus de Sienne, d'ocre jaune, de quinacridone, de rouge, de vermillon, de rouge et d'altère. J'utiliserai également du sépia et de l'ombre brûlée, ainsi que de la terre de Sienne brûlée. C'est tout ce dont vous avez besoin pour commencer. Rendez-vous lors de la prochaine session. 4. Figure en bâton ou figure en bâton avancée: Voici comment nous fabriquons tous d'autres figurines de base. Un cercle pour la tête et FU appris pour le corps et les membres. Dans cette section, je vais expliquer comment utiliser une figurine en bâton pour créer une figure humaine complète. La raison pour laquelle j'utilise la méthode de la figurine en bâton est qu'elle permet de prendre plus facilement la pose que vous voulez rapidement sans vous retrouver coincé dans les détails inutiles. Commencer par la figurine en forme de bâton est toujours la première étape pour créer une illustration complète de la figure. Maintenant, voici une figurine de bâton plus avancée. Je vais commencer par un cercle pour la tête. Pour faire en sorte que le cercle ressemble davantage à un œuf à l'envers légèrement plus épais sur le dessus plutôt qu'un simple cercle parfait. Ensuite, au lieu de tracer une autre ligne pour le torse, je fais une forme semi-ovale. Vous pouvez également faire un rectangle si vous le souhaitez. Ensuite, je dessine une forme ovale pour la région pelvienne. Ici, je dessine les bras. Ils ressemblent beaucoup à notre figurine de base en forme de bâton, mais j'ajoute des cercles à la zone des coudes. D'une manière générale, les coudes devraient faire chacun. Le gaspillage de notre silhouette. Il en va de même pour la jambe. Je dessine des cercles pour représenter les gentils. Cette méthode est très utile lorsque vous dessinez une pose plus complexe. Vous pouvez toujours commencer par cette méthode avant ajouter les détails pour qu'elle ressemble davantage à une figure humaine. 5. Hauteur de la figure: Généralement, la taille d' une figure de mode est de neuf têtes, voire de dix. Pour moi, j'utilise simplement la hauteur standard qui ne convient pas aux figurines de mode, qui est de sept sur 7,5 têtes. Je fais parfois la hauteur de huit têtes, mais c'est entièrement à toi de décider. Utilisez votre licence de création. Et ce croquis, j'ai corrigé l'EBIT de l'ABS. Les coudes ne s' étendaient pas jusqu'à l'ouest. 6. Esquisser un portrait de mode: Je fais ici un portrait simple. Notre prévision en est le chiffre. Donc, je garde le visage simple. Dessiné à l'envers, en forme d'œuf. Tracez ensuite deux lignes horizontalement et verticalement. Si la tête est tournée vers l'avant, le terrain doit se trouver au milieu du centre de notre tête en bas, par exemple. Sur la ligne horizontale, nous allons dessiner deux arcs. Ce sont les yeux. Assurez-vous de laisser une distance entre les yeux égale à un. Ensuite, divisez la zone entre les yeux et le bas de la forme ovale en deux. La ligne fait les plaques, c'est là que va aller le nez. Encore une fois, divisez la zone entre le nez et le bord inférieur de la forme ovale. Cela vaut la peine pour le football. Ensuite, j'ajoute les frères, définis un peu plus les yeux, ajoute des cheveux et des oreilles. N'oubliez pas que l'accent est mis ici sur la silhouette et le vêtement. Conservez donc ces symboles de rythme. 7. Esquisser la silhouette: Dans cette section, nous utiliserons la même méthode que celle dont nous avons parlé précédemment pour créer la figure dans l'image. Nous commençons par la forme d'œuf à l'envers pour la tête. Ensuite, nous étudions la pose de la figure. Elle marche avec sa jambe gauche vers l'avant. Cela signifie que le côté gauche de sa région pelvienne de la figure est plus haut que le côté droit. La zone de l'épaule, dans ce cas sera dans la direction opposée à celle du doigt. Épaule gauche. Épaule droite en l' Ensuite, ses jambes. Elle marche avec sa jambe gauche vers l'avant. Son genou de la jambe droite doit se trouver en dessous de sa jambe gauche. Moi pour indiquer une femme. 8. Ajouter des détails à la figure: Dans cette section, nous ajouterons les détails à notre silhouette et la transformerons en une figure humaine oubliée homéostatique. Lorsque vous dessinez cela, essayez de ne pas exercer trop de pression vous dessinez avec votre crayon. Gardez-le léger et aéré et essayez de bouger rapidement avec votre crayon. N'hésitez pas à exagérer la forme de la dette. Ajoutez plus de volume ou plus de mouvement et amusez-vous avec. De plus, dans ce croquis, je n'ai pas ajouté le motif sur le bureau. Et pour la phase d'esquisse, je vais ajouter le motif comme couleur des yeux, mais vous pouvez esquisser le motif légèrement avec votre crayon. J'en parlerai plus en détail lorsque nous transférerons le croquis sur la feuille d'aquarelle. Pour étudier la cellule Howard du bureau comme votre croquis, ajoutez des lignes plus audacieuses pour imiter le bureau. Se plie sur le dessus, lignes incurvées vers le bas du bureau pour indiquer le faux et le mouvement. Donc, en gros, ce que je fais ici, c'est lui ajouter de l'épaisseur et de la chair pour avoir du corps plutôt que de simplement coller des figures. Me voici pendant l'apartheid, comme nous l'avons appris auparavant. C'est la même méthode. Et en ajoutant les yeux, le nez et la bouche. Principalement des suggestions de traits du visage. Parce que nous nous concentrons sur la figure et le gouvernement, pas sur le visage. 9. Transférer l'ébauche sur le papier: Dans cette section, je vais parler de la lightbox et de la façon tracer notre croquis que nous venons de créer sur notre A4. Je suis du papier à l' aquarelle. Cette option est facultative. Parfois, vous pouvez simplement commencer et continuer et simplement dessiner sur votre papier aquarelle si vous êtes sûr de pouvoir garder vos marques de crayon très légères. Mais je vous recommande de toujours commencer à dessiner sur du papier A4 et de partir de là. Cela vous permettra de vous détendre et de ne pas avoir à vous soucier de faire un croquis parfait sur votre papier aquarelle. Parce que vous, si vous gardez du temps sur votre papier aquarelle, dessinant et en effaçant, en dessinant et en effaçant, cela pourrait également endommager votre papier aquarelle. Il existe donc trois méthodes de sélection que vous pouvez utiliser pour tracer votre croquis au crayon que vous avez créé ici, et deux sur du papier aquarelle. La première méthode que j'utilise toujours est la boîte à lumière. Voici donc ma lightbox. Et j'ai commencé comme ça , puis j'ai mis mes feuilles d'aquarelle sur mon croquis. Et puis quelqu'un dessine avec un crayon. Il s'agit d'un crayon à deux bords très léger. Et j'essaie aussi de ne pas trop appuyer. C'est juste assez pour faire de légères marques sur votre feuille d'aquarelle, et cela vous aidera à peindre votre illustration à l'aquarelle. C'est donc ma première méthode. Donc, en gros, ma façon de procéder est de placer ma feuille d'aquarelle sur le dessus de mon croquis comme je le souhaite. Et idéalement, il vaut mieux l'enregistrer. Il ne bouge donc pas lorsque vous vous retournez. Donc, en gros, je vais le faire à la légère. N'appuyez pas trop fort. C'est juste probable. Juste comme ça. Alors je peux voir que je ne sais pas si tu peux voir ça, mais c'est comme ça que ça peut être fort. C'est juste assez pour vous donner des conseils sur la façon de payer et vous regardez bien. Une fois que vous commencez à peindre, vous pouvez toujours utiliser votre croquis original à côté votre feuille d'aquarelle , puis l'utiliser comme référence comme couleur de chaussure. Donc, pour la méthode iPod, en gros, comment elle fonctionne, vous prenez une photo de votre croquis ou de votre iPad importé et intérieur , puis vous ouvrez l'application appelée Lightbox Trace. Ensuite, vous placez votre feuille d'aquarelles sur le dessus de votre iPad. Juste comme ça. La seule chose concerne cette méthode. C'est donc la première fois que nous devons le verrouiller de cette façon pour qu'il ne devienne pas plus petit ou plus gros. Ensuite, vous testez sur votre iPad en plaçant votre feuille d'aquarelle dessus. La seule chose avec cette méthode est que vous devrez rendre votre maison très sombre pour pouvoir voir à travers l'écran, car l'écran ne fait pas beaucoup d'un octet. La troisième méthode consiste à déguster ou par fenêtre. En gros, vous mettez votre feuille A4 et votre feuille d'aquarelle. Et puis, dans cette section, je vais vous montrer comment je goûte mon croquis sur des feuilles d'aquarelle. Je vais passer à l'avant majeure partie de la vidéo consiste simplement tracer sur la feuille d'aquarelle. Et j'utilise, comme je l'ai déjà mentionné, j'ai utilisé le crayon H pour cela. Et si je fais une erreur, j'utiliserai une gomme pétrie. Il est parfait lorsque vous vous trompez sur votre feuille d'aquarelle. C'est ça. Il n'endommage pas les feuilles d' aquarelle autant qu'une gomme ordinaire. C'est un peu doux sur le papier. J'ai également dû emporter ma feuille d'aquarelle sur la boîte à lumière et j'utilise du ruban adhésif pour ce type de travail. C'est parfait pour ce travail car il n' endommage pas le papier aquarelle. Donc, j'ai l'impression qu'il s'enlève facilement sans endommager le papier, à moins, bien sûr, que vous ne le laissiez trop longtemps. Essaie donc d'être rapide. Quand je dis « rapide », je ne veux pas dire cinq minutes, mais ne vous arrêtez pas plus d'une journée. Lorsque vous tracez un jouet au goût avec de très légères marques. De cette façon, vous pouvez facilement effacer toutes les erreurs. Et aussi, lorsque vous peignez, cela tacherait la feuille d'aquarelle. Et c'est juste que tu n'as pas besoin de le faire très sombre. Vous avez juste de très légères marques à peindre en Norvège. Juste comme ça. Vous pouvez le voir, je ne sais pas si vous pouvez le voir ici, mais il est vraiment assez léger pour vous guider. On commence à s'éteindre et sur ma boîte à lumière, il suffit de dire Hallmark, mes croquis pour filles disparaissent. Parfois, je rate une ligne ou deux. C'est pourquoi je l'ai éteint pour m' assurer que tout est couvert. Juste comme ça. Maintenant que je suis content aspect de mon croquis sur la feuille d'aquarelle. Je pense qu'à mon avis, il y a des chemins un peu trop sombres. Je n'ai pas besoin que les marques de crayon soient si sombres. Donc, avec ma gomme pétrie, j'ai eu besoin d'un peu de temps, puis j'ai fait des mouvements de plus en plus. Juste comme ça, faites-en une diapositive comme vous le pouvez sans effacer complètement vos lignes. De cette façon, vous obtenez couleurs beaucoup plus propres et aucune tache sur les pensions. Juste de partout. Tu peux, parfois tu peux juste le faire. Ces marques sont juste pour vous, pour votre référence. Et même si vous effacez un peu trop, vous pouvez toujours utiliser votre croquis original que vous avez fait sur votre feuille A4 comme référence. 10. Préparer l'ébauche à colorer: Dans cette section, je vais vous montrer comment je prépare ma feuille d'aquarelle à colorier. J'utilise toujours du ruban adhésif. Et il est parfait pour ce travail car il n'endommage pas le papier pour aquarelle. C'est du moins mon expérience. Il vaut mieux ne pas le laisser trop longtemps et pas plus d'un jour ou deux. Mais j'ai eu des incidents où je l'ai gardée pendant une semaine et c'est un peu les bords du papier, mais on ne voit pas toujours les bords parce que si vous prévoyez d'encadrer, par exemple, votre illustration, vous ne verrez pas vraiment le bord du papier. Pour moi, ce n'est pas un problème. Et troisièmement, appuyer le plus fort possible et m'assurer que tous les bords du papier dans lequel je suis entré et que je porte vers le bas. Il en va de même ici. Encore une fois, de la même manière Appuyez fort pour vous assurer que tout est bien collé. Il reste un peu confus. Parfois, je le laisse si je sais que je n'utiliserai pas autant d'eau, cela l'affecterait. Mais si vous prévoyez de remplir votre papier d'eau, je me suis assuré que tout soit bien collé pour que la paperasse soit correcte. Je suppose que nous sommes prêts à partir. Rendez-vous dans la section suivante. 11. Mélange des couleurs pour la peau: Parlons du teint , de la façon de peindre la peau et du type de couleurs que j' utilise pour créer mes couleurs de teint. Pour moi, j'ai l'habitude de mélanger trois couleurs de base, jaune, le bleu et le rouge. Il est beaucoup plus facile d'utiliser ces deux couleurs et de les mélanger avec cela. Honnêtement, n'importe quel rouge. C'est du rouge de quinacridone. Et c'est très tôt que lorsque je les mélange, ils donnent un très beau teint. Je te le montrerai dans un moment. Mais parfois, si vous n'avez pas ces deux couleurs, pas de problème. Vous pouvez utiliser le bleu céruléen ou le bleu ultra marin. Et tu mélanges ces deux bleus, l'un avec by my yellow et ça. Mais vous achetez les tons pour expérimenter et voir quelle couleur ne vous plaît pas le plus, car vous ne pourrez pas l'obtenir dès le premier carreau. Je vais montrer, tu sais, voici ton ocre jaune. C'est de la Sienne crue. Ici. Ils sont très similaires et ont des tons très similaires. Et voici la quinacridone, du vermillon rouge. J'ai juste mélangé avec l'un ou l'autre. Essayons ces deux-là. Un peu de rouge mélangé avant le mettre sur ma feuille d'aquarelle et avant de colorier mon illustration, j'ai toujours un bout de papier pour tester ma couleur. Suffisamment bon. Je vais le mettre sur du papier pour aquarelle. C'est une couleur de peau plus blanche. Essayons ces deux-là. Suffisamment bien Ensuite, vous pouvez voir qu'il y a plus de tons jaunes. Vous pouvez, bien sûr, ajouter plus de jaune en fonction du teint que vous peignez. Maintenant, ajoutons du bleu à nos mélanges. C'est tôt et bleu. Et tout ça m'appartient, bleu. Et mélangez cela davantage avec cela. C'est plus de la couleur de peau de Bache. Vous pouvez toujours contrôler la quantité de jaune, rouge et de bleu que vous souhaitez, quel que soit le teint. C'est vraiment à toi de décider. n'y a ni bien ni mal ici. C'est donc un peu trop gros, trop similaire à celui-ci. Je vais donc ajouter du jaune ici. Voyez ce qui se passe. Alors. Essayons le bleu ultra marin, peut-être avec du béryllium. Et ils vont. Maintenant, nous obtenons une couleur de peau plus foncée. Si nous ajoutons plus de bleu, voyons ce qui se passe. Encore plus sombre. Et parfois j'utilise ces deux couleurs bleues pour peindre des ombres. Supposons, par exemple, que bleu outremer soit préférable, à mon avis, pour peindre des ombres. Donc c'est juste un tout petit peu, peut-être mélangez-le avec un peu de teint et voyons ce qui se passe ici. Cela crée un ton plus froid de notre couleur. Bien que ce ne soit pas le même mixage original que moi, je l'ai fait au début de cette session. Mais vous pouvez voir comment cela crée une zone d'ombre ici et c'est convaincant. Je vais donc utiliser le gris de Payne. Tu peux essayer ça, mais ce n'est pas mon préféré. C'est une sorte d'offres. Dolts, la couleur. Je m'en tiens toujours au Carlos principal lorsque je crée des tons de peau. Attachons cette couleur ici, peut-être mélangée avec un peu par-dessus. Voyons ce qui se passe ici. Encore plus de ça. Peut-être ici. Vous pouvez toujours vernir votre peinture d'origine. Nous avons donc ceci ici. C'est peut-être un peu trop grand à mon goût. Je veux y ajouter plus de tons rouges, un tout petit peu. Voyons ce qui se passe. Juste un peu bizarre. C'est peut-être juste stupide. Ensuite, j'ajoute un peu de jaune. Maintenant, c'est un ton plus chair qu'avant. Il faisait deux pages à mon avis, mais bien sûr, il fait ce que vous voulez. Tu peux choisir celui-ci. Donc ça y est pour le teint. Et je vous verrai lors de la prochaine séance. 12. Colorer la peau: Il est maintenant temps de colorier notre illustration. J'aurai la photo de référence juste à côté de moi pendant que je peins. J'aurai également le croquis du haut de la main à côté de moi. C'est très utile de l'avoir. J'utilise habituellement ces deux pinceaux à aquarelle en velours noir argenté, taille 4 et taille 8. Donc, pour ce qui est des détails, zones de taille huit ou plus, par exemple. J'utiliserais donc la taille 4 pour colorer la peau, les cheveux, les traits du visage. Ensuite, j'utiliserai la plus grande pour peindre sa robe. Et je vais passer de l'un à l'autre si nécessaire. Nous allons d'abord commencer par les tons de peau. Comme nous en avons discuté précédemment, je vais utiliser une combinaison de ces couleurs pour peindre le teint. Depuis notre photo d'origine, le modèle a un teint plus foncé. Je vais essayer d'imiter la couleur de sa peau. De plus, je tiens à noter que vous n'avez pas besoin d'utiliser cette combinaison de couleurs pour créer un teint. Vous pouvez utiliser des couleurs brutes, ombrées et éclairées et les combiner avec un peu de bleu. Et vous pouvez toujours obtenir de très beaux tons de peau. Ajoutez du bleu ultra marin ici. C'est assez proche pour que je puisse créer mon teint et je travaille généralement en couches. Ce n'est donc que la première couche. Essayez de faire en sorte qu'il ne fasse pas trop sombre. Ainsi, vous pouvez l' assombrir selon vos besoins. Si vous commencez avec beaucoup de couleurs trop foncées, vous ne pouvez pas revenir en arrière et les rendre claires. C'est possible, mais ce sera plus compliqué. Commençons donc légèrement. Ensuite, nous ajoutons des couches selon les besoins. Je lui ai dit de quitter les zones blanches où les États-Unis iraient. Nous n'avons pas besoin d'être très précis à ce sujet. Et je veux accéder à de l'eau ou à de la peinture dans mon pinceau, je commence toujours à le tamponner. Et si c'est du tissu en coton que j'ai toujours près de moi, ne pas avoir trop de couleur dans mon pinceau. Et ça, c'est que nous n' irons pas bien sur le papier. Il va simplement se propager pour fonctionner rapidement. Donc, tu n'as pas ces taches. Faites toujours référence à votre croquis original. Parfois, il est préférable d' utiliser votre croquis plutôt que la photo originale. J'ai essayé de réparer cette zone parce qu'il y avait un peu trop de pigment ici. Je n'ai pas été assez rapide pour le peindre. J'ajoute juste un peu de couleur, puis je l' étale davantage. C'est du moins comme ça que je le fais. Maintenant ça y est, nous avons terminé avec la première couche. Maintenant que la première couche est sèche, il est temps d'ajouter la deuxième couche. Je tiens à mentionner son jardinage, en ajoutant des ombres à notre illustration. Si vous regardez la photo originale et la façon dont je trouve les zones d'ombre, je séquente mes yeux. Lorsque vous séquencez pour séquencer vos yeux maintenant et regarder l'image, ou regardez, ou regardez n'importe quelle image que vous avez. Et lorsque vous plissez les yeux, vous verrez beaucoup plus facilement où se trouvent les zones sombres. Vous verrez ainsi beaucoup plus facilement où se trouvent les zones sombres et où se trouvent les zones claires. Maintenant, je plisse les yeux devant cette photo. Et quand je vois les zones sombres autour de ses yeux, zones sombres sur ses pommettes et, bien sûr, sous son menton, là où se trouve son cou. Et bien sûr, si vous descendez jusqu'à ses bras, les zones sombres le sont. Mes cheveux, mon torse et sur les bords de son bras, sur le bord extérieur de son bras. Je vais donc utiliser librement cette observation pour ajouter des ombres. Je tiens également à souligner que je ne suis pas la photo originale de près. J'utilise, j'utilise mon interprétation artistique et je travaille à partir de là. Il n'est pas nécessaire que ce soit réaliste. Il n'est pas nécessaire que ce soit une copie de la photo c'est juste ce que vous voyez et ce que vous voulez exprimer. Donc, d'habitude, je commence par le cou. Comme vous pouvez le voir, j'ai ajouté un peu de bleu. Et toujours dub parce que c'est trop bleu, puis revenez en arrière et mélangez-le lentement avec des souris, je peux voir que j'ai ici. Et si vous avez une peau beaucoup plus grosse, que vous pouvez la couvrir, alors vous faites un mélange plus gros. Encore une fois, je ne peins pas tous les détails et c'est pour moi que ce n'est pas nécessaire, tant que je peins les bords, couvrant les zones d'ombre. Je suis prêt à y aller. Souvenez-vous qu' à chaque peinture que vous faites, il y a un visage que j'ai appelé la phase laide. Par exemple. Maintenant, nous peignons à travers un visage laid. Vous regarderez votre peinture et vous direz que c' est trop moche pour être fini. N'y consacrons pas beaucoup de temps. Abandonnons-y. C'est évidemment ce que je pense en ce moment. J'ai presque envie de recommencer à zéro, mais je vais continuer à insister et voir ce qui se passera. J'ai ce visage laid à chaque fois que je peins quoi que ce soit, juste pour m'en tenir à un plan et ne pas abandonner. Donc je peins les yeux ici. La zone située entre le Pro et l'œil. Il fait noir. Je peins sur le nez. Le nez. Le bout du nez ne doit pas être foncé. C'est là que se trouvent les points forts. Nous peignons juste le nez. Encore une fois. Je n'ai pas à suivre exactement comment se présente la photo d'origine. Il s'agit simplement d'utiliser une interprétation artistique. Il est creusé sur son front. Pommettes. Encore une fois. Encore une fois, nous essayons de garder le portrait aussi simple que possible. Je ne vais pas trop essayer de peindre tous les détails tels que les yeux, les cils et le pinceau, il suffit de suggérer ces choses. C' est pourquoi je fais cela parce qu'il s'agit d'une illustration de mode et que nous voulons que l'accent soit sur les traits de son visage. Maintenant, nous n'avons plus d' amis ou ils ajouteront plus de ce jaune et un peu de sienne crue. C'est ma couleur préférée. Testé ici. Peut-être un peu plus de bleu. Je ne suis pas une science exacte. n'y a pas de formule ici. Je ne fais que mixer et tester. 13. Colorier les cheveux: Pendant que les couleurs de la peau sèchent, je vais travailler sur les cheveux tout de suite. Ses cheveux sont très foncés. Donc, j'ai quelques options à utiliser. Vous pouvez soit honnêtement, utiliser n'importe quel hub flambant neuf. Pour moi J'aime l' ombre brûlée, qui est celle-ci. Et puis vous pouvez utiliser de la sienne brûlée. Mais la terre de Sienne brûlée est un peu trop rouge. Donc, ce que je fais, c'est mélanger, modifier mon bleu ici pour le baisser. Comme vous pouvez le voir, il fait presque noir ici. Je vais donc ajouter de la terre de Sienne brûlée. En gros, c'est très proche de la droite, Amber. Je ne suis aucune formule. Je me contente de suivre mon instinct. Et sur la photo originale, les cheveux sont presque noirs, mais je ne vais pas commencer par le noir. Comme je l'ai déjà mentionné, j' utilise des couleurs claires et je crée mes couches à partir de là. Je vais donc utiliser cet os et voir ce qui se passe. Et faites aussi de la place pour ses boucles d'oreilles que je lis ici. Je vais donc le laisser ici. Encore une fois. Vous n'avez pas à peindre l'ouïe exactement, juste une suggestion. Et un troisième tube, qui se déplace rapidement avec votre brosse. Donc, pas enseigné, ne vous attardez pas aux détails. Commencez à faire preuve de créativité. Encore une fois, cela n'a pas à refléter exactement la même chose ici sur la photo. Utilisez votre imagination, rendez-la plus fluide. Vous voudrez le raccourcir. Ou si vous souhaitez l' allonger, n' hésitez pas à le faire. Il suffit d'utiliser une licence artistique. Habituellement, les cheveux sont foncés sur la zone du cou. C'est alors que la lumière ne l'atteint pas. Donc, si vous voulez que les cheveux soient un peu réalistes et non plats, attachés pour ombrer le cou comme ceci. Et aussi de l'ombre autour du front et d'elle et du bord de son visage. Et essayez de ne pas vous laisser emporter par les détails. Essaie de ne pas peindre. Essayez de ne pas peindre tous les supports sur lesquels vous pourrez voir au travail. Utilisez un grand mouvement de balayage pour cela, comme ça, et partez. Parce que c'est le cas, nous sommes en train de créer une deuxième couche. Comme vous pouvez le voir, parce que maintenant, comme j'ai déjà peint la première couche, c' est-à-dire tous les cheveux ici. Mais maintenant, je veux y ajouter des détails pour qu'il apparaisse davantage. À l'aquarelle. Lorsque vous ajoutez une deuxième couche, vous faites du glaçage et vous assombrissez les couleurs. Il ne devient jamais plus léger. Donc, par exemple, si c'est le cas, si je trouve que c'est trop brun et que j'y suis allée, je veux le rendre plus clair. Je ne peux pas ajouter mon discours, je ne peux pas ajouter de jaune pour le rendre plus clair. Cela ne fonctionnera pas de cette façon. Plus vous ajoutez de couches, plus il fera chaud. Maintenant, j'ajoute une deuxième couche. vois que c'est une idée trop sombre à mon goût, mais voyons ce qui se passera. Encore une fois. Je ne veux pas passer autant de temps à peindre les cheveux. Voici la zone la plus sombre du cou. Encore une fois, si vous n'êtes pas sûr, regardez votre photo d'origine de manière séquentielle et voyez où se trouve la zone la plus foncée des cheveux. Je ne couvre pas tous les photons. La deuxième couche ne signifie pas que nous devons peindre sur notre couche existante, la totalité, juste une partie de celle-ci. Et nous laissons la première couche comme zone de surbrillance ou de lumière. suite, je vais m'arrêter ici. Ensuite, j'irai peindre le trait de son visage lors de la prochaine séance. 14. Colorer le visage: Maintenant, je vais peindre son visage. Je vais perdre à nouveau de l'ombre brûlée et en utiliser beaucoup pour la rendre moins aqueuse et plus concentrée parce que je veux juste aller droit et peindre les yeux. Je vais utiliser du sépia ici aussi. Parce que la RCP est presque noire. Pour moi, je n'utilise jamais de noir. J'utilise rarement du noir à moins peindre un tableau entier en noir et blanc, car le noir ternit visuellement les couleurs. Maintenant, je teste mes couleurs foncées. C'est assez bon pour les yeux. Allons voir. Passons à côté de l'œil. Je vais revenir à mon croquis. C'est ainsi que j'ai dessiné ses yeux et je vais faire de même ici. Couleur éclatante ou un peu plus claire. Je n'utiliserai donc pas le même métal, il suffira de l'arroser un peu et d'ajouter des couleurs. Maintenant, ses yeux sont un peu drôles, donc je dois les réparer. J'ajoute ici quelques paupières avec des os plus clairs. Je vais juste régler ça lentement. C'est pas bon. Ensuite, je descends jusqu'au nez avec le même os. Suggérez simplement où les nœuds iraient. Et maintenant ses lèvres. J'ai essayé de garder ses lèvres semblables à celles de la peau. Vous pouvez aussi lui donner des lèvres rouges. Voyons comment ça se passe. Quelque part avec des tons de peau, donc ce n'est pas si mal. Essayons ça. Pour la prochaine étape. Je vais travailler ses joues et lui donner des bonbons pour filles. Et je voudrais lui donner un peu d'arithmétique. Je vais donc utiliser du rouge ici, mais c'est de la Turquie courte. Voici donc ce que j'utilise. Ça, un tout petit peu. Testez-le un peu avant de le charger. C'est mieux comme ça. Maintenant, quand je l'ajouterai ici, nous allons simplement tracer sur toute la face. J'utilise donc un Q-tip et il suffit tamponner et d'enlever l'excédent de peinture. De cette façon, je peux progressivement ajouter plus de rouge à ses joues sans lui donner l'impression. Et essayez d'éviter les contours nets et de faire en sorte qu'il se mélange davantage. Du bois, le visage, comme ça. OK ? Euh, n'hésitez pas à en ajouter un peu sur son visage. C'est ça qui le donne, ça le rend plus vivant. Ce n'est donc pas juste une page. Et puis vous pouvez continuer à le faire sur sa peau, ses bras et son cou. Encore une fois. Préservez la zone des points forts. Ici. Ici. Nous avons les points forts ici. Les points forts ici. Ce sont toujours les zones les plus claires de sa peau ici et là. Essayez donc de le préserver. Et votre illustration. Ajoutez maintenant les détails à sa phase capillaire et à ses bras. Et nous allons définir un peu plus sa bouche maintenant définir un peu plus sa bouche. J'y ai ajouté plus de vermillon. Maintenant, je n'aime pas ses yeux, alors je vais y ajouter plus de détails. Peut-être ajouter des cils ou des suggestions de cils et rendre son regard un peu plus attrayant. Elle a l'air effrayée ici. Donc, ce que je fais, c'est que j'ai pensé à couvrir une partie de l'élève. Donc ce n'est pas si éclatant. C'est juste comme ça. Défiez un peu mieux le nez, puis travaillez sur les cheveux en utilisant le même brun que celui que j' utilise pour définir son visage. Encore une fois, c'est pourquoi Dark. Donc, je ne devrais pas habitude, je ne peins pas trop clair. Je viens de définir encore plus la zone d' ombre et de peindre une partie de l' endroit où se trouve l'ombre. Maintenant, j'essaie d'être un peu plus audacieuse avec les ombres pour la définir. J'ai oublié le beurre Parce que si tu fais preuve de légèreté, j'aurai l'impression qu'elle échoue. Pour moi. Des ombres plus audacieuses font ressortir la silhouette. Comme vous pouvez le voir ici, une fois que j'ai ajouté l'ombre, elle a commencé à apparaître davantage. est temps de ne pas avoir peur d'expérimenter. Si jamais tu es dans ce tableau, tu peux toujours en commencer un nouveau. C'est ainsi que j'ai appris à me coucher. Par essais et erreurs. Ajouter plus de définition à ses cheveux, peut-être un peu plus de pierres et les rendre plus vifs. Non, je fais du mod, on dirait qu'il suffit de le faire. J'ajoute donc un peu de zone d'ombre ici, où le coin de la bouche se trouve pour définir le sourire ou sa bouche. Ici et ici. J'ai fait une erreur. Je vais le réparer en faisant une sieste dans la fosse. Vous pouvez utiliser une serviette en papier, mais je l'avais seule, qu'on appelle simplement serviette et qu' il suffit de la tamponner pour l'emporter. Maintenant, j'ajoute les boucles d'oreilles. Suggestion d'un cookie. Je vais assombrir un peu plus la zone autour de ses yeux en utilisant du bleu céruléen et un peu de teint. Je reviens à la peau et j'ajoute encore plus d'ombres, plus foncées et plus audacieuses. 15. Colorer la robe: Notre prochaine étape est de colorier la robe. Avant de commencer à colorier, c'était pour étudier le schéma de cela pour nous et la faute. le voir ici, sa couleur principale Comme vous pouvez le voir ici, sa couleur principale est le blanc ou le blanc cassé. Le Foursquare, c'est une sorte d'ombre grisâtre. Les couleurs principales du motif de test sont le rouge et le bleu violet. J'ai tendance à être spontanée lorsque je peins de telles robes. Je n'aime donc pas que ce soit si détaillé. Je veux qu'il ait un aspect fluide et biologique. Je vais donc vous montrer comment je colorie et modélise. La première étape pour savoir comment peindre est de créer une sorte de couleur neutre. Par neutre, on entend le gris, mais pas le noir clair ou le gris, résultant du mélange de deux couleurs. Je vais vous montrer mes couleurs préférées qui donnent un très beau gris, un bleu outremer et une terre de Sienne brûlée. Et tu vois, c'est vraiment sympa. Gris. On peut parfois y voir du bleu. Parfois, vous pouvez voir l'os, l' orange et la pierre de Sienne brûlée se modifier comme ceci. Et bien sûr, c'est à vous de voir à quel point vous pouvez le faire. Je pense que c'est un bon début. Maintenant, avant de commencer à peindre, je dois être prête avec les mélanges de couleurs que je vais utiliser pour peindre ça ou pour colorer ça simplement parce que je vais travailler très vite. Et encore une fois, en couches, la première couche contiendra notre mélange de gris, un peu de rouge et de bleu violet. Alors maintenant, je vais commencer par un lavage très léger de la dose. Parce que Esco, parce que ce sera la couleur de base des morts. N'oubliez pas de laisser des zones pour les moments forts. Je ne colorie pas tout le papier. Je ne colorie pas toute l'adresse. Je laisse ici quelques points forts. Vous ne voulez pas tout couvrir en gris. Et en perdant le plus gros pinceau, pour couvrir une plus grande surface rapidement. Nous ne voulons pas utiliser de petits pinceaux car vous n'aurez pas assez de temps pour tout recouvrir, votre peinture commencera à mourir. Je vais l'éclaircir un peu avec de l'eau. Encore une fois, en laissant les reflets et en ne recouvrant pas tout de gris. Je fais également toujours référence mon croquis original au crayon parce que je fais preuve d'une certaine liberté. Je n'ai pas copié exactement la même photo, donc je l'utilise comme référence ici. Essaie de t'amuser avec ça et ne le fais pas. Vous n'avez pas besoin d' être très détaillé. C'est pour moi, c'est suffisant. Une fois que j'en ai fini, je dois le laisser sécher avant d'ajouter quoi que ce soit. Mais tant que c'est encore humide, je vais y mettre des couleurs. Alors je le ferai peut-être. Qui a dit, souvenez-vous de l'aquarelle, des couleurs, toujours sèches, plus claires. Donc si tu penses que c'est trop Bert, ne t'inquiète pas, ça va devenir plus léger. C'est comme mourir. En regardant la photo originale j'essaie de voir où se trouve le motif. Comme vous le voyez, je ne suis pas exactement le schéma, meurs juste d'envie de localiser vaguement où se trouve le rouge. Le bleu l'est. Alors maintenant que je travaille j'essaie de m' amuser avec ça aussi. Donc, ici, j' utilise n'étaient pas bons sur terre, juste pour expliquer pourquoi les couleurs un peu. Il ne s'agit donc pas d'une seule couleur chaude. C'est bien d'avoir des variations de couleurs. Bien sûr, vous n'êtes pas obligé de le faire de cette façon si vous voulez vous en tenir à une seule couleur. Mais je pense qu'à mon avis, il est plus intéressant mélanger plus d'un mot. Alors que le rouge est encore humide, j'ai essayé d'ajouter du bleu dessus qu'ils se mélangent. Cela rend la couleur plus complexe et la rend plus intéressante. N'ayez pas peur d'expérimenter. Je ne sais même pas comment cela va se passer. Nous le découvrirons plus tard. Maintenant que nous avons terminé avec la première couche, nous devrons attendre qu'elle soit complètement sèche avant de continuer. Pour ajouter la deuxième couche, il est temps d'ajouter la deuxième couche. Sur cette couche, nous ajouterons plus de détails pour avoir un motif. Je vais utiliser le même rouge et peut-être un peu de rouge de quinacridone. Encore une fois, étudiez le motif, puis je pense qu'il y a une deuxième couche de couleur rouge. Gardez-le libre de forme, comme c'est le cas pour la torsion. Ne pas ajouter de couleurs à tout. Juste une zone sélectionnée. Et cette couche, les couleurs sont un peu plus audacieuses comme vous pouvez le voir. J'utilise le portail. C'est aussi un faux et vaguement basé sur mon schéma sur la photo. Encore une fois, il n'est pas nécessaire que ce soit une copie. Maintenant, nous allons ajouter la couleur bleue. Le bleu est un peu moins prononcé qu'un bleu, alors restez léger. Non, mais le motif me convient. Je n'ai donc aucun objectif d' ajouter un peu d' ombrage là où les plis se trouvent ici, ici, ici. Et ajoutez-le avec prudence, car vous ne voulez pas salir la banque. Vous pouvez laisser la couleur neutre mélanger un peu à la peinture, mais pas trop au point, elle devient boueuse. Voici notre offre ici. C'est là le principal défaut. Essayez donc de le rendre un peu plus prononcé. Et en ajoutant la couleur grise à l' endroit où se trouve la forme. Comme vous le voyez, je passe légèrement mon pinceau sur le bleu. J'ai essayé de le garder très léger et transparent parce que le test lui-même est terminé, qui ne veut pas l'alourdir de couleurs. Non 16. Ajouter des détails finaux: Dans cette section, je vais ajouter les derniers détails à mon illustration. instant, c'est presque terminé, mais je ne suis pas très content de tout. ai l'impression qu'il a besoin d'un point focal. C'est sur cela que je vais travailler sur l'art maintenant. Ça doit être un peu plus détaillé. Ses cheveux ont besoin de quelques touches de finition. Et il en va de même pour elle et pour nous. Et nous devons encore l'ajouter. Bien sûr. Je vais donc commencer par l'ajouter. Cela parle du monde des affaires. Non, mais j'ai peint toute la zone de la peau. Et puis il en va de même pour les cheveux. Vous pouvez mélanger le sépia avec bleu outremer pour le rendre encore plus foncé. Juste le vol, les bords et peut-être les zones d'ombre. Voici son chien. Nous pouvons l'assombrir un peu plus, mais cela ne signifie pas que nous devons payer la totalité de la zone juste un peu, juste pour mieux la définir et la laisser ressortir. Vous pouvez déjà voir que la guerre éclate. Et ici, nous avons une zone d'ombre. C'est là que nous allons placer notre stock. Notez que c'est un délice plus grand. Nous voulons en faire un point fort. Alors je vais ici. Vous ne pouvez toujours pas le faire, mais cela aura l'air surchargé de travail. Il suffit donc de passer en revue les zones sombres de la vieille dame et de les définir un peu plus. Et puis avec la même couleur foncée, vous pouvez également ajouter un tout petit peu de Stearns a deux publicités, Lucas et peut-être des couleurs foncées sur ses boucles d'oreilles. Je vais y aller encore une fois et mélanger une autre couleur neutre, bleu outremer et la terre de Sienne brûlée. Maintenant, je vais définir cela un peu plus en détail, en particulier là où se trouvent les plis. Ici. Encore une fois, je ne peindrais pas sur les zones claires, laisserais tranquille et j'irais là où se trouvent déjà les zones sombres et je ne plierais pas la totalité de la zone sombre un tout petit peu. Pour mettre en valeur la zone d'ombre. Avant de séquencer vos yeux comme votre peinture, je vois maintenant que c'est le cas, la peinture a des couleurs plus intenses ici qu'ici. Quand je dis « attiré mon attention », je vois que cette zone est un peu trop claire. Je vais donc le passer en revue avec une couleur neutre. Pas tout, juste une partie. J'ai donc équilibré la distribution de la couleur et de l'intensité. Notre dernière étape est totalement facultative. Je vais ajouter une barre lumineuse derrière elle. Cela dépend entièrement de vous. Je vais choisir un rose clair. Je suppose que notre truc avec les fans est déjà connu. La dernière étape consiste à retirer le ruban de masquage. N'oubliez pas d'attendre que la peinture soit complètement sèche avant de déplacer le ruban de masquage. Sinon, votre peinture se déformera. Voilà à quoi ressemble notre peinture. J'espère. 17. Réflexions finales: Merci d'avoir suivi le cours avec moi. J'espère que vous l'avez trouvé utile et que chaque étape était claire et directe. N'oubliez pas de toujours aborder tous les croquis et illustrations de figures humaines en utilisant la méthode simple des figures en bâton dont nous avons parlé en classe. Cela simplifie le processus et facilite la création de n'importe quelle figure. Et l'andropause. De plus, n'ayez pas peur d'expérimenter. Et même si vous gâchez votre peinture, vous pouvez simplement en commencer une nouvelle. Apprenez de l'expérience. Vous pouvez suivre 100 cours, mais vous ne pouvez apprendre que par l'expérience. C'est ainsi que j'ai appris les essais et les erreurs. N'oubliez pas de publier votre projet dans la section des projets afin que je puisse y jeter un œil et partager mes réflexions avec vous. N'hésitez pas à publier chaque étape du croquis au crayon à l'illustration en couleur finale. Et si vous avez des questions, n' hésitez pas à les poser dans la section discussion. J'ai hâte de voir ce que vous allez créer.