Peindre une forêt cosmique à l'aquarelle : Lumière nocturne, reflets et atmosphère

1. Bienvenue au cours !: Bonjour, tout le monde. Je m' appelle Will Elliston, et aujourd'hui nous peignons une forêt cosmique Cette scène mêle un paysage nocturne à des couleurs oniriques, où les pins rencontrent un ciel qui brille comme s'il était éclairé de l'intérieur et un lac qui Nous explorerons des laves fluides pour capter les aurores boréales, soulèvent doucement la brume et des silhouettes nettes et simples pour les arbres et L'harmonie des couleurs et le design de valeur font le gros du tandis que les petites éclaboussures et les fleurs douces deviennent des étoiles et C'est ludique, apaisant et merveilleusement expressif. Je suis artiste professionnel depuis de nombreuses années, explorant de nombreux sujets différents, tels que la faune et les portraits, les paysages urbains et les J'ai toujours été fasciné par les possibilités de l'aquarelle Mais quand j'ai commencé, je ne savais pas où commencer ni comment m'améliorer. Je ne savais pas de quel matériel j'avais besoin, comment créer les effets que je voulais ou quelles couleurs mélanger. Aujourd'hui, j'ai participé à de nombreuses expositions dans le monde entier, figuré dans des magazines et j'ai eu la chance de remporter des prix décernés des organisations réputées telles que l'International Watercolor Society, la Masters of Watercolor Alliance, Windsor and Newton et la SAA L'aquarelle peut être bouleversante pour ceux qui débutent, c'est pourquoi mon objectif est de vous aider à vous sentir détendu et à apprécier ce médium étape par étape. Aujourd'hui, je vais vous guider à travers une peinture complète, démontrant diverses techniques et en expliquant comment j'utilise toutes mes fournitures et tous mes matériaux. Que vous soyez débutant ou que vous ayez déjà de l'expérience, vous serez en mesure de suivre votre propre rythme et d'améliorer vos compétences en aquarelle Si ce cours est trop difficile ou trop facile pour vous, j'ai une variété de cours disponibles à différents niveaux de compétence. J'aime commencer par une approche expressive libre, sans crainte de faire des erreurs, lorsque nous créons des textures passionnantes pour la sous-couche Au fur et à mesure que la peinture avance, nous ajouterons plus de détails pour lui donner vie et la faire ressortir. Je m'efforce de simplifier les sujets complexes en faire des formes plus faciles qui encouragent l'espièglerie Tout au long de ce cours, je partagerai de nombreux conseils et astuces. Je vais vous montrer comment transformer les erreurs en opportunités, éliminant le stress lié à la peinture pour vous amuser. Je vous fournirai également mes tableaux de mixage d'aquarelles, qui sont un outil précieux pour choisir et mélanger les couleurs Si vous avez des questions, vous pouvez les poster dans le fil de discussion ci-dessous. Je ne manquerai pas de lire et de répondre à tout ce que vous publiez. N'oubliez pas de me suivre sur Skillshare en cliquant sur le bouton Suivre en haut Cela signifie que vous serez le premier à savoir quand je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux Vous pouvez également me suivre sur Instagram chez Will Elliston pour voir mes derniers travaux Commençons donc et transformons cette nuit céleste en une peinture lumineuse. 2. Votre projet: Merci beaucoup d'avoir rejoint ce cours. Cette peinture vise à capturer une forêt atmosphérique qui s'ouvre sur une forêt atmosphérique qui un ciel cosmique étoilé Imaginez de larges champs de couleurs qui passent de la lumière chaude à la nuit froide, en laissant les bords s'adoucir et les formes résonner dans l'eau. Les arbres sont des silhouettes élégantes placées pour le rythme et l'équilibre, tandis que la lumière diffuse et petites étincelles évoquent Laissez la peinture voyager, laissez fleurs et les granulés prendre de la texture et gardez la composition spacieuse pour que le ciel puisse respirer L'ambiance est à la fois contemplative et audacieuse, un paysage tranquille avec un cœur céleste Dans la section des ressources, j'ai ajouté une image en haute résolution de ma peinture terminée pour vous guider. Vous pouvez suivre exactement ma peinture ou expérimenter votre propre composition. Comme nous allons nous concentrer sur l'aspect peinture de l'aquarelle, j'ai fourni des modèles que vous pouvez utiliser pour transférer ou tracer le croquis avant de peindre Il est bon de le tracer lorsque vous l'utilisez comme guide pour apprendre à peindre. Il est important que le sous-dessin soit correct afin que vous puissiez vous détendre et vous amuser en apprenant le médium de l' aquarelle lui-même Quelle que soit la direction que vous prenez dans ce cours, serait formidable de voir vos résultats et les peintures que vous créerez grâce à ce cours. J'adore donner des commentaires à mes étudiants, alors prenez une photo par la suite et partagez-la dans la galerie de projets étudiants sous l'onglet projets et ressources. Je suis toujours intriguée de voir combien d'élèves ont des approches différentes et comment ils progressent dans chaque classe J'aimerais connaître votre processus et ce que vous avez appris en cours de route, ou si vous avez rencontré des difficultés. Je vous recommande vivement de regarder travail de chacun dans la galerie de projets des étudiants. C'est tellement inspirant de voir le travail de chacun et extrêmement réconfortant de bénéficier du soutien de ses camarades de classe N'oubliez donc pas d'aimer et de commenter le travail de chacun. 3. Matériel et fournitures: Avant de commencer à peindre, examinons tous les matériaux et fournitures dont vous aurez besoin pour peindre dans le cours d'aujourd'hui. Le fait de disposer des bons matériaux peut un impact considérable sur le résultat de votre œuvre d'art. Je vais donc passer en revue toutes les fournitures que j'utilise pour ce cours et au-delà. est très utile de les avoir à votre disposition et nous vous aiderons Il est très utile de les avoir à votre disposition et nous vous aiderons à les suivre plus facilement. Commençons par les peintures elles-mêmes. Et comme la plupart des matériaux que nous utiliserons aujourd'hui, cela dépend en grande partie des préférences. J'ai 12 couleurs stables dans ma palette que je remplis à partir de tubes. Elles sont du jaune cadmium, de l'ocre jaune, sienne brûlée, du rouge cadmium, de l'alizarin cramoisi, du bleu opramarne, du bleu cobalt, du bleu serléen, de la lavande, du violet, du ridian, du noir. À la fin du tableau, j'utilise souvent de la gouache blanche pour les petits reflets de la sienne brûlée, du rouge cadmium, de l'alizarin cramoisi, du bleu opramarne, du bleu cobalt, du bleu serléen, de la lavande, du violet, du ridian, du noir. À la fin du tableau, j'utilise souvent de la gouache blanche pour les petits reflets. Je n'utilise aucune marque en particulier. Vous pouvez obtenir ces couleurs auprès de n'importe quelle marque, même si j' utilise personnellement les peintures Daniel Smith, Windsor et Newton ou Holbein Passons donc aux pinceaux. Le pinceau que j'utilise le plus est un pinceau rond synthétique comme ce pinceau Escoda Purl ou ce pinceau Van Ils sont très polyvalents car non seulement vous pouvez les utiliser pour des travaux détaillés avec leur pointe fine, mais comme ils peuvent contenir beaucoup d'eau, ils conviennent également aux laveuses Ils sont également assez abordables, j' en ai donc pas mal de tailles différentes. Viennent ensuite les brosses à balai. Les pinceaux à balai sont parfaits pour les coups de pinceau larges, remplir de grandes surfaces et pour créer des transitions ou des lavages en douceur Ils ont également un joli embout qui peut être utilisé pour les petits détails. Mais pour les plus petits détails, les reflets ou tout ce qui demande plus de précision, j'utilise un pinceau synthétique de taille zéro. Toutes les marques en ont, et ils sont super bon marché. Un autre pinceau utile est un pinceau de calligraphie chinoise Ils ont tendance à avoir de longs poils et une pointe très pointue. Ils sont parfaits pour ajouter de la texture ou créer des lignes dynamiques dans vos peintures. Vous pouvez même les étaler ainsi pour obtenir des textures de fourrure ou de plumes Et c'est tout pour les pinceaux. Sur du papier. votre papier est de qualité, plus il sera facile à peindre. Le papier bon marché se froisse facilement et est très impitoyable, ne vous permettant pas Il est plus difficile de créer des effets attrayants et appliquer des techniques utiles comme le frottement des pigments. Cependant, le papier de bonne qualité, tel que le papier à base de coton, vous permet non seulement de retravailler les erreurs plusieurs fois, mais comme le pigment réagit beaucoup mieux, les risques d' erreur sont beaucoup plus faibles et vous aurez plus de chances faibles et vous aurez plus créer de meilleures peintures J'utilise du papier Arches parce que c'est ce que l'on trouve dans ma boutique d'art locale. Un jet d'eau est absolument indispensable. En l'utilisant, vous aurez plus de temps pour peindre les zones que vous souhaitez avant qu'elles ne sèchent. Cela vous permet également de réactiver la peinture si vous souhaitez ajouter une ligne lisse ou enlever de la peinture J'ai aussi un vieux chiffon ou t-shirt que j'utilise pour nettoyer mon pinceau Nettoyer la peinture avant de la plonger dans l' eau prolongera la durée de vie de l'eau Il est toujours utile d' avoir un mouchoir à portée de main lorsque vous peignez pour enlever l'excédent de peinture. De plus, vous ne savez jamais quand éclaboussures ou des gouttes indésirables peuvent se produire et qu'il faut les essuyer rapidement. J'ai également un compte-gouttes pour garder les peintures humides. Lorsque vous peignez, il est important que leur consistance soit similaire à celle des tubes. De cette façon, il est plus facile de prélever suffisamment de pigment. Un sèche-cheveux est utile pour accélérer le temps de séchage et contrôler l' humidité du papier. Et enfin, du masking tape. Bien entendu, il s'agit simplement de maintenir le papier immobile sur surface pour l'empêcher de glisser pendant que vous peignez. De plus, si vous prévoyez de peindre jusqu'au bord, cela vous permettra de créer une bordure très nette et propre. Et c'est tout ce que vous devez suivre avec la peinture d' aujourd'hui. Bien entendu, testez vous-même avec les fournisseurs d'outils que vous souhaitez utiliser. Maintenant, allons-y et commençons le dessin. 4. Préparer la composition: Commençons donc le dessin avec un joli crayon à mine souple marquant la ligne d'horizon, là où le bord du lac rencontre les collines lointaines. Ensuite, nous pouvons commencer à cartographier l'endroit où se trouvent les arbres sur le côté droit et refléter leur reflet vers le bas, que les choses restent belles et fluides pour le moment Et nous pouvons marquer les arbres sur le côté gauche, en utilisant des formes très simples, très délicatement pliées Maintenant que nous avons approximativement réduit cette carte, nous pouvons passer à un crayon plus fin et commencer à ajouter quelques détails supplémentaires. C'est quand même assez dur. Je ne passe pas beaucoup de temps à m' assurer que c'est absolument réaliste, à essayer de transmettre l'énergie générale des arbres en ce moment, quelques branches, la relation entre leurs reflets. Parce qu'une grande partie de cette peinture sera assez abstraite. Donc, le simple fait de placer les silhouettes au bon endroit aidera à ancrer la composition Dessiner dans les collines lointaines, assez accidentées, certaines plus hautes que d'autres, mais en veillant à ce que le terrain où le terrain rencontre l'eau soit en ligne droite. Il suffit ensuite d'ajouter ce type de triangles pour les arbres sur le côté gauche, puis de les rendre un peu plus touffus et organiques, étirant également vraiment les reflets sur la gauche Et maintenant, nous pouvons éliminer les limites. 5. Commencer avec les jaunes: La première chose que je vais faire est d'utiliser un gros pinceau pour mouiller tout le papier afin qu' aucun papier ne soit sec. Et j'utilise juste un gros pinceau pour gagner du temps. Si vous n'avez pas de gros pinceau, vous pouvez toujours le faire avec un petit pinceau. Cela pourrait juste prendre un peu plus de temps. Vous pouvez peut-être utiliser une éponge propre si vous en avez une. Je m'assure juste d'avoir tout le papier saturé. Et puis une fois qu'il est complètement absorbé, nous pouvons y ajouter du jaune camium Et j'ajoute ce jaune cabium où se trouvera la partie la plus claire du ciel Bien entendu, lorsque nous l' ajoutons comme premier pigment, cela devient la partie la plus sombre du ciel Mais lorsque nous ajouterons plus tard des pigments plus foncés, ceux-ci deviendront les plus brillants Mais nous partons toujours du clair au noir en tant que principe général. C'est donc ce que je fais maintenant. Je laisse les reflets refléter ce qui se passe en haut. Donc, si j'applique un peu de jaune dans le ciel, je veux qu'il soit assorti à celui du dessous. Mais il n'est pas nécessaire que les reflets soient parfaitement symétriques, c'est juste une idée générale. Vous pouvez voir à quel point mon papier est mouillé parce que vous pouvez voir qu'il se déforme au milieu C'est parfaitement bien parce que je l'ai entièrement scotché et que c'est du papier à base de coton, mais c'est du papier 100 % coton Je sais qu'avec le sèche-cheveux, il sèchera à nouveau complètement à plat. Et si j'ai mouillé le papier au départ, c'est parce qu'il n'y a pas de bords durs pour le moment. Où que je place le pigment, à ce stade, il sera doux et transitionnel. Alors petit à petit, j' ajoute du pigment, un peu d'ocre jaune maintenant parce que l'ocre jaune y ajoute une sorte d'élément doré, plutôt que le jaune pur du jaune de cadmium Utilisez le pinceau pour l' étaler. Agitez-le pour qu'il n'y ait pas d'épais morceaux de pigment dessus 6. Ajouter des couleurs froides: Maintenant, vous avez ajouté la partie chaude du ciel. Il est temps d'inclure la partie cool et de l'intégrer à la scène. Je vais donc utiliser Cerulean Blue. Vous pouvez utiliser le bleu turquoise, et je commence par l' extérieur pour me frayer un chemin vers l'intérieur Parce que, bien sûr, ce jaune avec le bleu que j'applique maintenant paraîtra vert si on le mélange tout de suite. Nous devons donc laisser un petit écart là où cela se limite l' un à l'autre. Et puis entre les deux, on peut le rendre un peu plus clair et appliquer un peu de violet. Maintenant, nous pouvons à peu près faire correspondre cela en bas. Nous le connectons donc sur le côté. Et comme il est mouillé sur mouillé, nous veillons à ce qu'aucun de ces papiers ne sèche pour le moment. Préparez donc votre pulvérisateur d'eau au cas où ce serait le cas. Nous savons que tout se passera bien parce que c'est humide. Même si ces bleus et jaunes se mélangent pour donner une couleur verte, la transition se fera au moins en douceur Nous ne cherchons pas de points durs pour le moment. J'utilise mon spray d'eau parce que je peux sentir et voir que le scintillement du papier a disparu et qu'il commence à sécher Je veux qu'il reste saturé. Je vais donc revenir à un pigment plus épais maintenant, mais comme il y a tellement d'eau sur le papier, tout ce pigment épais se fond pour former un bon lavage. Et j'utilise un pinceau très bon marché ici. Cela n'a pas coûté cher du tout. Je pense que c'était environ 5$ ou quelque chose comme ça, ce qui, en ce qui concerne les pinceaux, c'est très bon marché. Et à cause de cela, vous pouvez voir des petits poils sortir du papier. Et si cela vous arrive, laissez-les simplement là, car même s'ils sont très visibles maintenant, fois qu'ils auront séché, vous pourrez les récupérer et il n'y aura aucun signe indiquant qu'ils étaient là. Ils ont donc l'air audacieux maintenant parce qu'ils absorbent toute l'eau, mais en séchant, ils seront moins visibles. Si vous essayez de les enlever tout de suite, vous les maculerez avec vos doigts ou avec le pinceau, et il sera évident que vous avez essayé d' interférer avec Maintenant, j'ai trouvé une turquoise dans mon palais, et je l'utilise Je l'ai utilisé pour mélanger le bleu aux verts parce que c'est un vert plus propre que si le bleu et le vert étaient mélangés ensemble. Et maintenant, je commence même à ajouter du rouge de cadmium dans le jaune où il rencontre le violet. Ce rouge de cadmium se marie bien avec le violet et le jaune. C'est donc une belle couleur à utiliser. De même, le turquoise ou le vert se marient bien avec le jaune et le bleu. Donc, si vous y réfléchissez en termes abstraits, nous avons deux boules jaunes douces de chaque côté ou espaces recouverts d'un extérieur bleu et violet froid, violets au milieu 7. Ajouter des ombres au ciel: Maintenant, nous avons couvert l'intégralité du papier pour ce fond de ciel, et nous pouvons commencer à accumuler le pigment dessus. Essayez de garder vos jaunes propres. Une fois que vous les avez appliquées, ne les recouvrez pas de bleu ou de violet. Vous pouvez y toucher un peu de rouge, des couleurs chaudes, mais j'essaie de garder les zones froides avec des couleurs froides et les zones chaudes avec des couleurs chaudes. Et ce n'est que lorsqu'ils sont mélangés à l'extérieur qu'ils fusionnent ensemble, et non dans leurs propres sections Alors maintenant, comme ça commence à sécher, je deviens un peu plus épais. J'ai donc ajouté du bleu plus épais, du bleu cobalt dans la section bleue et dans la section froide, et maintenant je mélange une orange, que je mélange du jaune cadmium et du rouge camium dans les sections chaudes Et vous pouvez voir maintenant que j'ai soit dit en passant, mal jugé mélangeant l'orange avec le violet Et ça a commencé à s'estomper. Cela a commencé à se neutraliser et à paraître assez sourd. n'est pas mon intention, alors je surmonte le problème en utilisant un mouchoir en papier pour l'imprégner afin d'en retirer une grande partie de ce violet, et je reprends l'orange pour qu'il fasse plus chaud maintenant. C'est moins violet dans cette zone très centrale. Et maintenant je l'éclabousse d' eau pure. Je nettoie mon pinceau et je l'ai éclaboussé d'eau pure C'est normal de se salir à ce stade. Une fois que nous avons configuré les zones de couleur, une fois que nous avons cartographié les zones de couleur, nous pouvons maintenant commencer à être un peu plus ludiques et créer cette texture intéressante pour le ciel, qui lui donne l'impression d' une scène spatiale céleste J'utilise donc un pinceau affamé ou un pinceau assoiffé pour aspirer une partie de ce pigment afin de créer des irrégularités Et maintenant j'utilise du noir pur avec du bleu. Vous pouvez utiliser du bleu ultra marin ou du cobalt, et je vais me rendre à la bordure, en périphérie, pour le rendre plus foncé sur le bord afin qu'il se mélange petit à petit. Parce que c'est ce qui fera vraiment briller le jaune. Si nous nous assurons que l'extérieur de la composition est sombre et que le milieu est clair, une lumière chaude. Je brille vraiment. Et puis entre les deux , il y a le violet et l' orange au milieu. Vous pouvez maintenant voir comment l' ajout de ce rouge de cadmium pur à ce bleu donne un violet. C'est pourquoi il est agréable d' avoir du violet et de l'orange au milieu, car lorsque vous mélangez le rouge et le bleu, vous obtenez un joli violet. Et quand on mélange le rouge et le jaune, on obtient une jolie orange. Ils harmonisent donc joliment les jaunes et les bleus Et au fur et à mesure qu'il commence à sécher, nous pouvons appuyer davantage sur ce pigment et il commencera à retenir un peu plus. 8. Créer une texture: Un mélange d' ocre jaune et de rouge cabium. Et j'ai un peu de gouache ici. Vous pouvez utiliser du blanc. Et je vais essayer de le mettre ici pour créer des étoiles ou simplement un peu plus de texture car c'est encore très humide Ça va se mélanger. Et en fait, nous allons maintenant jouer avec beaucoup de texture. se peut donc que ces marques ne soient même pas perceptibles une fois que nous aurons terminé cette création expérimentale de marques vous pouvez le constater, parce que le papier est sec, lorsque vous éclaboussez cette eau, elle repousse le pigment pour créer des irrégularités Et c'est ce que je recherche ici. Et pas forcément des nuages dans le ciel. Ce sont ces aurores cosmiques qui se produisent au loin. Et je vais passer du sèche-cheveux à un point où il est sec à 80 %, puis je l' éclabousse à nouveau, en laissant le pigment bouger, puis en le séchant à Et parfois, comme en ce moment, j'utilise le sèche-cheveux avec la brosse pour vraiment l'agiter Et s'il y a de la boue, comme au milieu, entre le violet et les oranges, nous pourrons travailler là-dessus Je vais vous montrer comment vous débarrasser de cette boue. Mais pour le moment, nous devons nous concentrer sur cet équilibre qui consiste à créer de la texture. Et de l'intérêt tout en préservant ce jaune éclatant au milieu J'ai accidentellement maculé ce jaune avec un pinceau bleu. J'utilise donc de l'eau pure, je le frotte très rapidement pour éliminer le bleuissement et j'utilise le sèche-cheveux pour faire sortir l'eau de cette section vers le haut Ensuite, un mouchoir en papier pour aider à faire ressortir le bleu qui n'est pas là. Et à cause de cette erreur, j'ai en fait éliminé une grande partie du pigment que nous avions mis en haut, mais ce n'est pas grave. On s'amuse bien ici. Il n'y a pas de règles dans cette section car il s' agit de créer le chaos. En fait, je vais utiliser cette accumulation de pigments provenant des piscines situées au sommet et les redistribuer dans la composition, en m'amusant J'utilise cette orange vif maintenant et je la laisse tomber. Et dans ce chaos, j'essaie toujours de le garder assez symétrique des deux côtés , du haut vers le bas, pour les reflets. Donc, si j'ajoute des marques jaunes, rouges ou oranges au-dessus du ciel, je veux les faire correspondre approximativement en dessous. Et en passant, vous pouvez voir sur le bord inférieur de cette peinture que je l'ai fait d'un bleu un peu plus foncé qu'en haut, surtout en haut à droite, vous pouvez voir que le ciel est plus clair que l'obscurité en bas à droite. Et c'est parce que nous allons peindre le reflet sous forme d'eau, et l'eau est d'autant plus belle qu'elle est plus foncée vers le bord inférieur, plus elle est proche de l'œil. 9. Ajouter des étoiles: Alors maintenant, je mélange à nouveau du noir et de l'ultramarin. Et dans le coin supérieur, là où nous avons perdu une partie de ce pigment, je l'applique simplement en couche épaisse. Et une grande partie de ce pigment conservera sa forme maintenant parce qu'il n'est pas détrempé Le papier n'est pas mouillé. Il est encore humide, mais il n'est pas très mouillé, il conservera donc une grande partie de cette forme Permettez-moi de commencer à jouer avec les tons et les couleurs. En utilisant des pigments plus foncés et plus profonds maintenant, en utilisant un zar et un Crimson sécher un peu avec le sèche-cheveux, éclaboussures d'eau Vous pouvez voir chaque étape. Je suis en train d'éclabousser, de sécher, d' éclabousser et de sécher. Je le fais sécher pour qu'il ait l'air presque sec visuellement, mais si vous le touchez, il est encore humide, puis je l' éclabousse Et maintenant, je crée un bord très dur en appliquant un coup de pinceau complet d' eau pure et en l' agitant délibérément Et ces incohérences dans les zones humides et les zones sèches sont à l'origine de cette texture excitante Ensuite, j'ai utilisé un mouchoir pour aider à ramasser certaines zones, même avec mon doigt. C'est normal que cette zone soit assez désordonnée. Tant que nous pouvons garder nos couleurs éclatantes, les textures peuvent être aussi désordonnées que nous le souhaitons, car ce sont les arbres et le terrain qui les ancreront et leur donneront de la clarté. C'est la partie passionnante de la peinture où nous n'avons pas à nous soucier des détails. C'était donc un peu boueux au milieu. J'ai donc appliqué de l'eau, et j'ai un pinceau uniquement pour gratter le pigment, puis utiliser un mouchoir pour le ramasser J'ai donc rendu ce centre beaucoup plus lumineux maintenant et moins gris. Maintenant, j'ai mouillé du guash blanc, et je l'éclabousse sur les zones sombres pour créer une sensation d' étoiles L'avantage des éclaboussures, c'est qu'elles ont un aspect plus organique Elles sont donc placées de manière plus aléatoire plus naturelle De plus, la taille des éclaboussures est un peu plus naturelle. Vous en avez de plus grandes, autres très petites, peu comme lorsque vous regardez le ciel la nuit, vous avez des étoiles minuscules et des étoiles plus grandes, et cela donne juste une sensation de profondeur. Et nous devons faire cette étape maintenant avant de peindre les arbres car, bien sûr, les étoiles sont derrière les arbres. Jusqu'à présent, ces étoiles sont blanches à l'aide de guash blanc, mais je vais ajouter un peu de chaleur vais utiliser cette orange que j'ai dans ma palette, puis je vais mélanger un peu de jaune camium, puis je vais créer des étoiles jaunes 10. Collines lointaines ills: Maintenant, nous avons fini de peindre le ciel et nous pouvons passer aux collines lointaines. J'utilise donc du bleu cobalt pour cela avec un peu de sarin cramoisi rendre un peu plus violet Et je commence par un coup sûr sur le dessus, en utilisant une consistance moyenne, puis j' utilise de l'eau pure pour l' étaler sur le reste des zones situées en haut. Cela signifie donc que le haut des collines sera plus sombre que le bas. Et remarquez que sur la gauche, je pense aux arbres du premier plan la rive et au premier plan Donc je ne peins pas dessus. J'utilise en quelque sorte le trait au crayon pour garder ce bout intact. Je ne fais donc que peindre les collines lointaines pour le moment. ajouté un peu de bleu turquoise y ai ajouté un peu de bleu turquoise pour ajouter un peu de variété. Nous avons donc des bleus chauds et des bleus froids. En utilisant cette consistance plus légère pour recouvrir le reste des collines lointaines. Ensuite, je peux utiliser de l'eau et un peu plus de pigment pour qu'il soit plus foncé en haut et plus clair en bas pour donner une sensation de profondeur. Parce que vous pouvez imaginer qu'il y a des nuages bas ou du brouillard au loin en provenance du lac. Et ce fort contraste est assez spectaculaire : cette silhouette claire sur le ciel des collines lointaines. Ensuite, quelques lignes très fines dans le lac en contrebas pour indiquer quelques ondulations En suivant cette ligne horizontale. Et cette colline lointaine fonctionne en fait comme un pont visuel, car sans ces collines éloignées, les deux masses de terre situées de part et d'autre ne seraient pas connectées, et nous aurons l'impression de flotter dans l'espace. Cette colline lointaine est donc très importante pour que la composition l'ancre et lui donne de la robustesse Sa forte nature horizontale relie les deux. 11. Commencer les arbres: Nous pouvons maintenant commencer à penser à peindre la banque sur le côté droit. Je commence par le côté droit parce qu'en gros, le point central est que lorsque je pense à cette image dans mon esprit, c'est ce qui ressort le plus. Je pourrais aussi facilement commencer par le côté gauche, mais pour une raison ou une autre, mais pour une raison ou une autre, j'ai l'impression que le point focal, le principal centre d'intérêt est, en fait, cet arbre que je suis en train de peindre en ce moment. Je veux donc simplement le décomposer et le décrire afin pouvoir peindre tout reste conformément à ce que je peins en ce moment. Je commence donc par le violet en haut et je le mélange pour obtenir une sorte d'orange de Sienne brûlée Et c'est juste un pin classique, et il fait suffisamment sombre pour créer joli contraste avec ce ciel clair et éclatant Je commence à peindre l'arbre à côté. Et vous pouvez voir que l'arbre à côté est beaucoup plus foncé, et peu importe de quel pigment il s'agit. Il peut être foncé, ultramarin, Alizarin Crimson Comme la consistance est plus forte, elle paraît beaucoup plus foncée. Ensuite, nous pouvons utiliser de l'eau pour l' extraire et elle deviendra plus claire. Ensuite, j'ajoute du vert viridien à la base. Et je fais des allers-retours avec toutes ces couleurs différentes. Donc un peu plus de violet. En utilisant le bout de mon pinceau, en utilisant le côté de mon pinceau, en ajoutant de l'eau pure pour étaler ce pigment. En fait, la partie que je suis en train de peindre en ce moment sera une sous-couche Ce n'est donc pas le ciel, mais le genre de lueur floue émise par les arbres situés derrière ceux que nous allons peindre sur le dessus. J'utilise donc la technique humide sur humide pour créer des formes douces et ambiguës. En commençant par le haut de cet arbre, en utilisant un joli syllan bleu turquoise. Ensuite, nous allons le connecter à ce lave-glace ci-dessous. Je m'assure que le dessus est bien défini avec le bord pointu de mon pinceau Nous obtenons donc les branches et la sensation de texture. Ensuite, nous pouvons créer la grande forme bleue ci-dessous et la connecter. O. Ajoutez quelques formes claires comme les silhouettes générales des arbres , puis associez-les des formes plus ambiguës qui n'ont rien de particulier que l'orange et le violet ne sont pas quelque chose que vous pouvez regarder et savoir ce que c'est. Mais vous verrez que lorsque nous peignons par-dessus, cela n'a pas vraiment d'importance. Tout ce dont il a besoin, c'est d'une sensation de lueur semblable à celle des arbres qui brillent au loin Si vous regardez l'image finale, cela aura plus de sens. Nous le peignons en pensant à la fin. 12. Commencer les reflets: Nous pouvons maintenant commencer à réfléchir un tout petit peu aux reflets de ces arbres. Nous pouvons donc faire correspondre ce bleu, ce bleu turquoise. Peut-être y ajouter un peu de cobalt aussi, parce que le reflet va être un peu plus foncé. Heureusement, nous avons les lignes au crayon nous guider dans ce que nous allons faire ici. Et les reflets peuvent être beaucoup plus abstraits car ils sont de toute façon déformés par l'eau. Donc, tant que nous cartographions la forme générale de l'endroit où se trouvent les arbres au-dessus, cela sera tout à fait crédible et compréhensible sous forme de reflets C'est également la sous-couche pour les reflets. Nous ajoutons donc un peu de fraîcheur maintenant, puis plus tard, une fois qu'il sera sec, nous pourrons décrire les formes un peu plus Mais pour le moment, il s'agit de créer ces couleurs et ces textures expressives et excitantes. Je n'essaie donc pas de tout mélanger. Comme il fait mouillé de temps en temps, il y a de belles transitions douces, mais je ne veux pas que tout soit d'une seule couleur uniforme. Je veux qu'il y ait une gamme de couleurs, couleurs froides dans ce reflet et un peu de variation de ton. Nous avons donc des zones vert clair, des zones violettes à tons moyens, et maintenant nous appliquons des zones bleues plus foncées presque noires. Décrire les monticules et les petits morceaux de terre ou rochers qui tombent dans l'eau Non, je mixe Burnt Sienna. Et en travaillant de gauche à droite sur ce monticule et en le reliant au lavoir que nous venons de peindre Nous avons donc une section chaude où la terre rencontre l'eau au centre, puis la relions à cette zone bleue. C' est un bon exemple de la façon dont vous pouvez enfreindre les règles de l' aquarelle, car généralement, traditionnellement, nous pensons aux couleurs froides qui enfreindre les règles de l' aquarelle, car généralement, traditionnellement, disparaissent et aux couleurs chaudes de près Mais comme vous pouvez le voir maintenant, nous avons une couleur bleue froide pour la zone la plus au premier plan et une sorte de sienne brûlée chaude au milieu du Et, bien sûr, nous avons les collines bleues au loin. Mais à cause de la nature de la composition, des tons, cela fonctionne tout simplement. Cela ajoute à cette mystérieuse sensation cosmique. 13. Ajouter de la variété: Appliquez toujours de l'eau sur cette zone pour augmenter la sensation de texture lorsqu'elle sèche Maintenant, je peux passer en revue cette section avec une couleur cool. Pour que chaque forme et chaque lavage ne soient pas plats ou d'une seule couleur. Vous pouvez voir que chaque partie de cette peinture est soit connectée à une autre partie de la peinture soit elle se fond dans une couleur différente. Les arbres sont donc violets et rouges. La banque est orange et bleu. Même les montagnes lointaines sont subtilement teintées de bleus froids et de bleus chauds J'ai donc laissé cette zone de premier plan et ce reflet sécher un peu Ainsi, lorsque j'applique ce pigment riche ou ce pigment foncé, il conserve un peu plus sa forme. Tout est donc une question de timing. Je n'aurais pas appliqué ces coups de pinceau il y a 2 minutes. Il a fallu ces 2 minutes pour que l'eau soit absorbée et commence à sécher. Utiliser de l'eau pure pour l' agiter un peu. Et pour le moment, les reflets ne sont qu'une ligne dure, une forme générale. Mais maintenant j'essaie de corriger un peu cela. Je ne veux pas que ce soit une forme ennuyeuse avec des bords arrondis. J'ai donc utilisé un mouchoir pour adoucir certains bords, et j'utilise également le côté de mon pinceau pour le faire. Et vous pouvez le frotter avec un pinceau pour obtenir un joli dégradé doux Et c'est cette variété qui rend une composition intéressante. Ce n'est pas que j'ai une vision aussi large avant de commencer à peindre et que j'ai toutes les réponses l'avance avant de commencer. La magie se produit lors du processus d'aquarelle, et je peux voir qu'il y a trop de bords durs, par exemple Je dois donc en adoucir un peu, ce augmente la variété et le rend plus intéressant De même, compte tenu de la couleur dont je viens de parler, s'il ne s'agissait que d' arbres verts sans aucune variété, cela n'aurait pas l'air intéressant. Donc, en ajoutant cette variété, elle devient elle-même intéressante. Et il faut un peu de pratique pour comprendre comment créer cette variété et pour se rappeler comment créer de la variété. Mais il ne faut pas grandes compétences techniques pour le faire. Il s'agit davantage de connaître les principes de l'aquarelle et design qui vous aident à prendre des décisions et à obtenir des peintures plus captivantes Il existe des principes et des règles intemporels qui fonctionnent pour les artistes depuis de nombreuses années, et c'est ce qui guide ma direction. 14. Le point central: Le contraste est similaire à la variété, bien sûr, car le contraste signifie les contraires et la variété signifie la différence Le contraste joue donc un rôle ici, car vous pouvez voir qu'il y a beaucoup de gris et couleurs atténuées dans cette zone de premier plan Et sans elles, ces sections animées n' apparaîtraient pas du tout, car tout aurait l'air tout aussi dynamique. Et sans le contraste entre ce gris et les tons sourds, il n'aurait tout simplement pas l'air aussi brillant ou éclatant Je vais donc recommencer à peindre un arbre plus prononcé, car l'arbre violet et brûlé de Sienne à côté de celui-ci n'est pas aussi prononcé à la fin Donc, pour un point vocal, pour un centre d'intérêt principal, il faut qu'il soit un peu plus accrocheur. Et ce que nous venons de peindre là avec ces arbres et le reflet sur la droite n'est en fait qu'un seul coup, car tout est lié. Un lavis n'a pas besoin d'être considéré comme un espace plat ou une forme à l'aquarelle Techniquement, tout cela est connecté en un seul lavage, même s'il combine tant de couleurs, de tons et de formes différents. Et c'est ainsi que nous créons réellement un sentiment d'unité et d'harmonie. Le mieux que nous puissions faire pour tout connecter en une seule composition, plus le tout sera esthétique Bien entendu, certains éléments seront simplement déconnectés, mais tout ce que nous pouvons faire pour éviter cela, meilleur sera le résultat. Et même si je l'ai dit au début, c'était une sous-couche En fait, j'ai fini par obtenir bien plus que cela, car il a en fait beaucoup de forme et de structure. Il suffit donc d'ajouter quelques arbres au-dessus, au sommet, et peut-être un peu plus de structure pour rendre les berges un peu plus claires. Mais pour le moment, face à cet arbre au pigment très foncé, comme vous pouvez le voir, ce n'est pas du noir pur , mais il ressemble à du noir. Comme vous pouvez le voir sur ma palette, c'est un violet bleu très foncé. Et c'est parce que je veux que ce soit très frappant. le contraste est saisissant, plus il fait sombre, plus le ciel brille. De plus, cela met davantage l'arbre au premier plan, et cela éloigne un peu les autres arbres, comme s'ils rayonnaient de l'atmosphère et de l'air Si vous pensez à un coucher de soleil et à la façon dont il réchauffe tout, c'est à cause de toutes les particules illuminées par ce soleil couchant. Et c'est ce qui rend la scène assez mystique car même si elle ressemble à une scène nocturne, il s'agit techniquement d'une scène de coucher de soleil, et elle est un peu ambiguë quant l'heure du jour, à la nature de la lumière et à la lueur du ciel 15. Arbres à brossage sec: Passons aux plus grands arbres sur le côté droit et faisons la même chose. Ils vont peindre des arbres avec contraste plus élevé par rapport au ciel ce qui a pris une zone bleue et jaune. Ce sera un arbre assez grand. Mais ce n'est pas parce que c'est plus grand que je vais ajouter plus de détails. Je vais essayer d'obtenir une sorte d'effet de brosse sèche. Pour créer une texture qui implique des feuilles, des branches, sans avoir à peindre chaque mèche. Donc, en utilisant le côté de mon pinceau, en utilisant un pigment épais pour que la dent du papier le ramasse. Nous remplissons donc la zone comme ça, puis nous pouvons tout connecter et l'ancrer avec juste quelques détails. À l'aide de la pointe du pinceau. J'ai utilisé un bleu cobot pour faire ce pinceau sec, et maintenant je vais recommencer avec ce pigment foncé par-dessus utilise du violet que j'ai prémélangé dans ma palette et un peu de lavande pour le rendre un peu plus clair. Mais j'utilise cette couleur cool pour le haut. Et au fur et à mesure qu'il descend, je vais le mélanger dans un orange chaud où il rencontre le jaune. Mais nous y reviendrons plus tard. C'est bon. J'essaie juste de définir les caractéristiques d'un pin. Parce qu'une fois que vous avez transmis ce type de langage visuel de ce qu' est un pin et que vous n'avez ajouté que quelques détails sélectionnés, le reste peut être assez atmosphérique. Maintenant, je mets ce ton de sienne brûlée et d'orange par-dessus le jaune et je fais tourner mon pinceau pour qu'il se fond dans le violet. 16. Connecter les arbres: Il est maintenant temps de relier ces arbres au sol. Cela implique donc des troncs fins. Je ne veux pas mettre de troncs épais. Je veux cette lueur. Je ne veux pas que ça attire trop l'attention. Si je leur fabriquais des branches épaisses et des troncs épais, ils détourneraient en quelque sorte leur attention de cet arbre sombre au centre Comme je l'ai dit, je veux que tout soit connecté. Ainsi, ces fines lignes qui relient l'arbre à la terre ne font que rendre un peu plus confortable, le rendent plus agréable à regarder Je pourrais peindre l'arbre entier vers le bas, mais je veux conserver cette lueur, cette lueur chaude qui se trouve derrière les arbres qui s'y trouvent C'est pourquoi j' ai plutôt choisi de mettre des lignes fines sous forme de branches et de troncs Maintenant, un dernier arbre en arrière-plan juste pour atteindre le coin supérieur droit. Et cela va être très expressif et juste une impression de ce qu'est un arbre plutôt que quelque chose de très détaillé ou non auquel j'y mets beaucoup de soin. Il suffit de remplir cet espace d'une manière qui n'attire pas l'attention. En fait, le but de cette section du tableau n'est pas d'attirer ou de détourner l'attention. Donc, vraiment, personne ne devrait nécessairement vouloir regarder cette section. Si quelqu'un est attiré par cette section, cela signifie qu'elle contient trop de détails. Il s'agit donc de créer quelque chose d'ambigu, mais qui a également du sens, car si cela n'avait pas de sens, cela sortirait du lot. Juste plein de mouvements abstraits avec mon pinceau juste pour créer de la texture. Cela peut être considéré comme des feuilles de forêt, des branches, des traits désordonnés. Alors que nous descendons dans le terrain, il y aura quelques branches qui se détacheront des troncs, quelques branches horizontales pour les relier quelques marques de pinceau sec utilisant noir foncé ou du violet foncé pour indiquer la texture de la roche sur le terrain là-bas Peut-être y a-t-il des reflets de ces branches et troncs dans l'eau, encore une fois, à l' aide d'une brosse sèche Ou si vous n'avez pas l'intention d'utiliser un pinceau sec, il suffit d'un léger coup dilué. 17. Réflexions des arbres: en revenir à ce mélange violet clair et violet assorti au reflet de l'arbre au-dessus. Mais avec encore moins de détails puisqu'il s'agit du reflet. qui est assez facile à faire peindre un arbre sans autant de détails car le peindre à l'envers comme ça semble un peu étrange. Vous allez donc naturellement peindre quelque chose d' un peu plus abstrait. Et remarquez que je ne sais pas si c'était intentionnel ou non, tout en gardant le ciel un peu plus clair. Où donc ce reflet de l'arbre se fond dans le ciel pour créer un net contraste. Il ne faut pas se perdre dans le même ton intermédiaire. Nous avons une couleur claire pour le ciel et un arbre à tons moyens. Quelques lignes horizontales nettes pour y laisser des ondulations. Maintenant, je dois relier cet arbre à la terre et aux reflets. En ajoutant quelques touches de pigment foncé, nous reviendrons avec l'eau pure pour qu' ils se mélangent parfaitement. Quelques aboiements de pinceaux très abstraits et tourbillonnants ici. Je tenais mon pinceau au bout pour qu' ils soient un peu plus fluides et organiques, moins contrôlés. Un peu plus de profondeur ici. Ajouter des pigments foncés. Donc, même si nous avons beaucoup de passages des Écritures, comme des marques de pinceau, alors qu'ils sont encore mouillés, nous mélangeons les tons. J'ai de nouveau mis un peu de noir pur sur mon pinceau et je suis remonté sur cet arbre pour augmenter encore le contraste. Nous utilisons donc beaucoup de pinceaux secs dans cette section. Nous avons profité de l' approche humide sur mouillée dans le ciel, collines lointaines, de ce monticule de terre sur la gauche Et maintenant, nous contrastons cela avec un pinceau sec. Encore une fois, tout tourne autour de la variété. Et maintenant j'utilise à nouveau ma brosse à récurer. Je ne sais pas où je l'ai trouvé, mais je l'aime parce qu'il a des poils rugueux et je n'ai pas peur d' endommager un point quelconque dessus Parce que j'ai trouvé que les collines lointaines étaient un peu trop sombres. Je voulais que cela ressemble un peu plus à un dégradé, afin que les collines éloignées soient sombres en haut et se fondent en bas. 18. Peindre les oiseaux: Maintenant, avant de passer à la gauche, je vais juste ajouter quelques oiseaux dans le ciel. Elles seront très subtiles, mais dans les zones claires où elles brillent, il suffit d'utiliser un pinceau à pointe fine et de peindre quelques formes en V. Donc, des V qui sont dans le bon sens, autres des V à l'envers, et cela impliquera simplement des oiseaux dans le ciel. Et encore une fois, je fais varier leur forme, leur taille et leur degré de noirceur. Les plus petits seront un peu plus légers. Encore une fois, elles sont très subtiles. Je ne veux pas créer de grandes formes d'oiseaux. Et je garde la plupart d'entre eux sur le côté droit. Je ne veux pas en mettre sur la gauche là où il brille car je veux la silhouette des arbres reste très nette sur la gauche Je jouerai peut-être quelques oiseaux sur la gauche une fois que j'aurai peint les arbres, mais je pense que je vais simplement laisser les oiseaux de droite voler vers la gauche, car cela donne une sensation de mouvement ou du moins guide le regard du spectateur sur la composition. Nous suivons la file d'oiseaux qui la traversent. 19. Commencer le côté gauche: Nous allons suivre une idée similaire sur le côté gauche, mais nous allons juste modifier un peu la palette de couleurs. Je vais donc pré-mouiller cette rive sur la gauche avec de l'eau pure. Tout est donc bien saturé. Ensuite, utilisez simplement de la sienne pure brûlée pour le moment, il suffit de la laisser tomber dans l'eau pour qu' elle ait beaucoup de bords souples La raison pour laquelle nous le prémouillons est que le pigment peut se répandre petit dans ces zones. Mais nous pouvons en fait être beaucoup plus audacieux. Je n'applique pas de pigment fin. Je vais le rendre assez riche. J'ajoute maintenant un peu d' ocre jaune ici. Encore une fois, je n' essaie pas d'obtenir un lavage plat. Je veux susciter un certain intérêt, alors je le fais exprès de manière inégale Un peu de sarin cramoisi maintenant pour créer une certaine variété de tons un peu variété de tons un peu plus foncés au pied de la rive, là où elle rencontre l' rive, là où elle rencontre Et au milieu , là. Maintenant, nous pouvons l'utiliser comme base et simplement nous déplacer. Donc, en créant une petite ligne en bas, en préservant un peu la clarté du ciel jaune là où l' eau rencontre le monticule, il y aura un petit reflet sur cette ligne Un peu de vert viridien là-dedans, et maintenant un peu de turquoise Et cette turquoise sur le marron ressemble à du noir. Mais c'est plus intéressant que le noir. Comme ce sont des couleurs complémentaires, elles se mélangeront et se mélangeront de manière intéressante. Maintenant, j'ai ce bleu sarcelle cobalt que je prends directement dans le tube J'aime bien ce bleu sarcelle cobalt car il est assez opaque. Il y a beaucoup de granulation. Ainsi, lorsque nous appliquerons de l'eau plus tard, cela créera de nombreuses textures intéressantes. 20. Plus de réflexions: Nous avons donc créé beaucoup de potentiel avec cette base brune vert épais et un peu de turquoise. Maintenant, nous pouvons commencer à jouer avec. J'utilise donc ce pinceau fin pour faire ressortir le liquide situé en dessous sous forme de reflets. Et comme cette turquoise s'est mélangée au brun, elle a l'air un peu grise et sourde, mais cela lui permet de ressortir au-dessus d' elle où elle est belle et éclatante J'essaie de savoir où va ce monticule. Je l'agite un peu. Je prends un peu plus de bleu cérame. L'eau qui s'y trouve et la partie supérieure du monticule. Donc, sur cette gauche, je pense qu'il y aura un peu de reflet du bleu, puis sur la droite, nous aurons des reflets bruns. Je veux que les reflets soient assez audacieux, c'est pourquoi j'ajoute maintenant beaucoup de turquoise à Ultramarine Blue juste au milieu, au milieu, en haut et en bas Et les parties intermédiaires peuvent rester légèrement médianes. Mais c'est encore humide. Il est mouillé et mouillé, et techniquement, il fait toujours partie du même lavage, même si nous avons des morceaux fins et dilués et des morceaux épais qui remontent directement dans le tube. Tout est fait en un seul lavage. Un lavage dynamique. Je ne peins pas du tout et j'attends qu'elle soit complètement sèche avant de passer à la partie suivante. Si je devais faire une pause maintenant, je pourrais revenir et le réactiver, et je réactiverais à dessein les zones où je souhaite qu'il y ait les zones où je souhaite qu' plus de En remplissant cette zone de réflexion située sous le monticule, je sais que tout le pigment qui vient d'en haut s'y déversera Je laisse donc un petit écart. Vous pouvez voir où le jaune du ciel est préservé dans le reflet parce que je ne veux pas qu'il se remplisse complètement. Maintenant, je commence à ajouter du vert en bas. Voyez comment le reflet est légèrement étiré. C'est un peu plus tendu vers le bas. L' angle n'est pas aussi aigu que le monticule. Agitez ce vert pour qu'il se fond un peu dans le linge. 21. Manipuler les pigments: C'est assez moyen pour le moment. Donc, même si c'est mouillé sur mouillé, je vais commencer à y ajouter un ton un peu plus foncé, en particulier là où la terre rencontre l'eau. Lorsqu'il sèche à moitié, comme c'est le cas actuellement, lorsque vous ajoutez un ton plus épais comme celui-ci avec une consistance de pigment plus épaisse, il conservera beaucoup mieux sa forme. Comme la teneur en eau est moindre, le pigment ne bougera évidemment pas autant. Le reflet semble un peu trop froid avec toute cette chaleur provenant de la terre qui le surplombe J'ajoute donc un peu de brun pour souligner cette chaleur. Maintenant que c'est fait, je vais commencer à m'amuser, à l'agiter, à le mouiller avec de l'eau parce qu'une partie est sèche à 90 %, d' autres encore très humides et l'ajout des éclaboussures crée une texture très Cela suscite de l'intérêt. Un intérêt que je ne pourrais pas atteindre si je peignais consciemment petit à petit. Je laisse l'aquarelle créer la texture. Je le manipule, mais je suis très aléatoire en ce qui concerne les éclaboussures et l' endroit où se produisent les caillots d'eau Je ne peux pas contrôler ces choses directement. Je ne fais que les manipuler et laisser l'aquarelle les réaliser Mais comme je connais la nature de l'aquarelle, tu peux apprendre à les manipuler toi-même. Tu sais ce qu'il aime, ce qu'il n'aime pas, ce qui va se passer. Vous pouvez prévoir l'évolution des choses en configurant vous-même les conditions du pigment et du papier. Par exemple, vous pouvez voir ce vert épais que nous avons utilisé directement à la sortie du tube. La Sienne brûlée et aqueuse ne va pas se laver en plus Ça va le contourner entre les deux, pas par-dessus. Ainsi, lorsque je verse de l'eau dessus, les rivières de pigments, les ruisseaux et le flux d' eau se déplacent autour d'elle, et j'utilise un sèche-cheveux pour agiter et un mouchoir en papier pour en retirer certains morceaux Nous pouvons influencer le pigment pour créer des formes intéressantes sans penser aux détails stricts. J'ai utilisé un sèche-cheveux pour accélérer le processus de séchage, mais il reste encore un peu humide . J'utilise du pigment foncé, de petites mèches de pigment foncé, là où l'eau rencontre la terre, encore une fois, juste pour créer que la rive s' enfonce dans l'eau Nous pouvons préciser où se trouve cette bordure, où le coin de ce terrain tombe dans l'eau lorsqu'il rencontre le milieu, comme un petit point. Et maintenant, nous allons commencer à ajouter les reflets des arbres. Même si nous n'avons pas encore peint, je peux supposer où ces arbres vont aller. Et je vais juste les ajouter sous forme d'oranges chaudes. Donc, même si nous avons une couleur verte, je vais les associer à l'orange. À l'aide de quelques traits fins, un pinceau pointu juste pour les mélanger. 22. Arbres sur le côté gauche: Nous allons maintenant peindre les arbres au-dessus. Et si vous voulez poser votre main sur le papier, assurez-vous d'abord que le papier est complètement sec. Nous peignons donc les arbres la même manière que les autres, en utilisant un pigment très foncé pour créer une silhouette claire, partant de gauche à droite, en utilisant une ligne nette et continue pour établir des verticales fortes Ensuite, nous construisons les branches et les feuilles par-dessus. Mais c'est important. Nos verticales sont très nettes et perpendiculaires. Parce que ce sont ces verticales nettoyées qui fondent la composition Tout le reste est assez organique. Il y a quelques lignes horizontales dans l'eau et dans les collines lointaines. Mais tout le reste est très anguleux et fluide. Et la nature diagonale des banques suscite l'intérêt, la rend excitante. Et la nature fluide du ciel, les lavages et les collines lointaines suscitent également de l'intérêt Mais nous avons besoin de ces structures verticales pour les branches des arbres Pour le maintenir ancré et lui donner de la structure. Non seulement cela donne à la peinture une sensation confiance, mais cela rend l'ensemble de la pièce plus esthétique et plus apaisante, parce qu'elle est quelque peu digne de C'est rassurant à regarder. Ce n'est pas si agitant. Si tout était dépourvu de ces lignes verticales, ce serait trop choquant, un peu trop perdu. L'œil ne saurait pas où aller et il n'y aurait rien pour le guider ou le guider. Mais ces verticales relient le ciel à la terre et la terre à l'eau Nous y avons donc appliqué les verticales, et maintenant j'utilise des lignes horizontales pour indiquer les branches À l'aide du bout de mon pinceau, il y a quelques petits arbres en bas. Et remarquez comment nous nous sommes orientés vers cette lueur. Je suis passé d'un bleu froid pour ces arbres à un brun et un orange chauds. C'est presque comme s'ils étaient illuminés. Mais ce n'est pas qu'ils sont illuminés. C'est que le ciel, le soleil chaud et la lueur illuminent les particules , l'atmosphère, l'air, la poussière, de sorte que lorsque nous voyons ces arbres, illuminent leurs silhouettes Et cette couleur le relie également à la terre parce que nous avons utilisé ce brun sur le terrain là-bas. Donc, une fois que nous avons peint ces arbres, nous voulons nous assurer qu'ils sont réellement connectés. Nous ne voulons pas qu'ils aient l' impression d'être simplement bloqués. Utilisez un peu de rouge pur juste en bas, là où c'est le plus vif. 23. Remplir les arbres: Maintenant, je vais remplir un peu plus ces arbres avec de la sienne noire et encore une fois avec de la sienne brûlée Nous avons créé une belle base chaude pour ces arbres, mais je pense que le contraste devrait être légèrement augmenté. Je vais donc les revoir, les remplissant de ce pigment presque noir. Et cette cohérence est assez forte. Ce n'est pas si dilué. Donc, quand il sera sec, ce ne sera une sorte de brun gris. Il va garder le ton tel qu'il est. Je veux obtenir ce fort contraste. Et je laisse de petits espaces entre les branches pour montrer cet arrière-plan. Je m'assure d'avoir un pinceau avec une pointe solide dessus. Je vais essayer de ne pas trop réfléchir à mes coups de pinceau, essayant de me frayer un chemin plutôt que d'y réfléchir trop, en les gardant beaux et organiques. Peut-être un autre arbre entre les deux pour se connecter. Nous pouvons maintenant commencer à assombrir les autres arbres. Nous aurions peut-être pu les peindre en noir dès le départ. Mais en fait, le fait d'avoir la sous-couche orange sur les arbres du côté droit de cette rive et la sous-couche bleue sur les arbres que nous sommes en train de peindre crée une sorte de lueur, une lueur chaude là où c'est orange et une lueur froide là où c'est Ce ne serait tout simplement pas pareil s'il ne s'agissait que d'un seul lavage. Cela ajoute un peu plus de profondeur et d'excitation. Maintenant, je mélange ces arbres à la berge elle-même en y ajoutant un peu plus de pigment et de l'eau pure En fait, nous pouvons aussi ajouter un peu de lavande, avec un peu de bleu cobalt, et commencer à en ajouter. Bien sûr, le bleu et le marron donnent une couleur grise. Mais comme le bleu cobalt est une aquarelle opaque, vous pouvez toujours voir le bleu par-dessus ce brun, car il masque une grande partie du brun . Je suis sûr que vous avez découvert que les peintures dans la vraie vie, en particulier l'aquarelle, sont bien plus belles que sur des photos ou des vidéos L'aquarelle, avec sa nature de textures et de détails complexes, est donc textures et de détails complexes beaucoup plus belle dans la vraie vie L'appareil photo a du mal comprendre les tons les textures et toute la variété des couleurs. Utiliser un mouchoir juste pour agiter et atténuer une partie de cette obscurité utilise le côté de mon pinceau pour jouer un peu avec. Nous y voilà. 24. Réflexions ludiques: Revenons à nouveau aux reflets sur la gauche. Maintenant que nous avons ajouté ces arbres sombres, nous avons une meilleure idée de l'endroit où ils peuvent aller. J'utilise à nouveau un pinceau avec une pointe très fine, le même pinceau. En utilisant ce pigment foncé juste pour remplir la forme générale, nous pouvons ensuite utiliser de l'eau pour les mélanger et les connecter ensuite. Donc je pense juste à un petit triangle délabré, en fait Comme une éponge métallique avec laquelle on lave les casseroles, mais qui a la forme d'un triangle Un triangle ou un cône à l'envers. J'ai mis un peu de bleu sur celui-ci. La couleur ne correspond pas nécessairement exactement à celle du même arbre ci-dessus. Donc des verticales, juste pour le cartographier. Utilisez de l'eau pure pour mélanger le bas ou le haut, selon la façon dont vous le voyez pour le relier au reste du reflet. Ensuite, donner un peu plus de sens à ces reflets, aussi. Un peu plus de Burnt Sienna. Cette sienne brûlée sur le bleu paraîtra beaucoup plus foncée et moins éclatante. C'est bon Voyez ensuite comment cela prend plus d' éclat lorsque nous passons au-dessus du jaune. C'est de la même couleur. Mais quand c'est au-dessus du bleu, c'est foncé, et quand c'est au-dessus du jaune, c'est clair à cause des familles de couleurs et de leurs relations. En les mélangeant. garder ces reflets beaucoup plus clairs que ceux des arbres au-dessus, en fait. Je veux toujours transmettre cette lueur du ciel. Je ne pense même pas que je vais peindre les derniers arbres sur la gauche. Je vais juste garder quelques lignes verticales subtiles et rester ambiguës. Ensuite, je vais prendre un peu de badigeon dilué et ajouter quelques éclaboussures légères juste au-dessus du sol Et ces éclaboussures ne sont pas vraiment perceptibles. Ils ne sont pas vraiment perceptibles, mais ils influencent la peinture. Ils ajoutent un peu plus de profondeur et d'éclat. 25. Lignes horizontales: Nous avons presque terminé maintenant. J'ajoute juste quelques touches légères. J'utilise cette règle pour m'assurer que j'ai une belle ligne droite et uniforme. Je vais juste appliquer cette ligne droite pour obtenir un reflet net. Je ne touche pas vraiment la règle. Je l'utilise juste comme guide et je peins juste au-dessus, parallèlement à la règle. Je ne peins pas du tout contre la règle, l'utilise juste comme guide. Et il y a quelque chose dans la ligne blanche où l'eau touche la terre qui ne fait qu'accroître l'illusion. Je pense que lorsque l'eau touche la terre, elle crée des ondulations ou petites vagues qui reflètent la lumière du ciel J'utilise également cette règle pour corriger toutes les autres lignes bancales que j'ai là-bas. Ajoutez quelques touches de ce guash blanc, en utilisant un peu de marque de pinceau sec pour créer encore plus la sensation d'ondulations Certaines de mes lignes sont un peu sales. Ils sont un peu bancaux, donc cela permet de les nettoyer un peu. Ensuite, j'ai utilisé mon doigt pour en tacher le bout pour que ce soit un peu une transition Cela ne se termine pas par une seule ligne blanche. Pareil pour les collines lointaines. En ajoutant une petite ligne blanche ici, on a l'impression d'avoir un bout de terre au loin. Ensuite, il suffit d'un ou deux traits au premier plan pour exprimer la sensation d'eau ou d'ondulations Juste quelques autres. Facilite la fluidité de la peinture. Peut-être que sur les rochers, nous pouvons sous-entendre quelques points forts, mais ce ne sont pas vraiment des points forts. Ils disent simplement au spectateur il y a un bout de terre là-bas, ce qui sépare la terre de l'atmosphère. Un peu plus de structure. 26. Réflexions finales: Bienvenue et félicitations pour avoir terminé ce cours sur la peinture d'une force cosmique à l'aquarelle Nous avons exploré comment des silhouettes simples et un plan à forte valeur ajoutée permettent à la couleur de chanter, comment des fusions douces et fleurs contrôlées créent de la brume et de l'éclat, et comment de petits accents peuvent se lire comme des étoiles sans reflets devinrent d' abord des formes, puis des détails, donnant au lac une voix calme. Ces idées se traduisent à merveille dans les ports de nuit, le ciel des montagnes et tout autre sujet où l'atmosphère guide l'histoire N'oubliez pas que la peinture à l'aquarelle n'est pas seulement une question de compétences techniques, mais aussi d'expression votre créativité et de votre style personnel Je vous encourage à continuer à explorer, à expérimenter et à repousser vos limites pour créer vos propres chefs-d'œuvre d' aquarelle uniques À la fin de ce cours, j'espère que vous vous sentirez plus en confiance et aise avec vos capacités de peinture à l'aquarelle La pratique est essentielle pour améliorer vos compétences, alors continuez à peindre et à expérimenter Je tiens à exprimer ma gratitude à chacun d'entre vous. Votre passion pour la peinture à l'aquarelle est tellement inspirante, et je suis honoré d' être votre professeur Si vous souhaitez avoir des commentaires sur votre peinture, je serais ravi de vous en faire part. Veuillez donc partager votre peinture dans la galerie de projets étudiants ci-dessous, et je ne manquerai pas de vous répondre. Si tu préfères, tu peux le partager sur Instagram en me taguant sur Will Elliston, car j'adorerais le voir Skillshare aime aussi voir mes étudiants travailler, alors taguez-les également sur Skillshare Après y avoir consacré tant d'efforts, pourquoi ne pas partager votre création ? Si vous avez des questions ou des commentaires sur cours d' aujourd'hui ou si vous souhaitez des conseils spécifiques concernant l'aquarelle, veuillez me contacter dans la section discussion Vous pouvez également me faire part de tout sujet sur la faune ou scènes sur lequel vous aimeriez que je donne un cours. Si vous avez trouvé ce cours utile, j'apprécierais vraiment de recevoir vos commentaires à ce sujet. La lecture de vos critiques me remplit le cœur de joie et m'aide à créer la meilleure expérience pour mes étudiants. Enfin, veuillez cliquer sur le bouton Suivre en haut pour pouvoir me suivre sur Skillshare Cela signifie que vous serez les premiers informés lorsque je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux J'espère que vous vous sentez prêt à peindre ces scènes nocturnes lumineuses en toute confiance et facilité. J'ai hâte de vous voir dans les prochains cours d'ici là, bonne peinture.