: Peindre un perroquet réaliste étape par étape.

1. Introduction: Bonjour, et bienvenue dans ce cours. Je suis vraiment heureuse de t'avoir ici. Dans ce cours, nous allons peindre un perroquet éclatant aux couleurs riches et au contraste saisissant Ce projet est une occasion fantastique mettre en pratique des couleurs, des transitions douces et un éclairage puissant tout en travaillant sur un sujet vraiment accrocheur. Je vous guiderai à chaque étape de la peinture, vous montrant comment simplifier le processus tout en obtenant un résultat final réaliste. Commençons dès maintenant. 2. Avant de commencer: ce nouveau tutoriel vidéo, nous allons travailler avec un animal époustouflant, le perroquet, et cet animal magnifique sera également très utile pour progresser car vous pourrez travailler sur de très nombreuses choses différentes dans un seul sujet Tout d'abord, il y a les faveurs, et vous verrez comment peindre de belles et grosses fièvres comme celle-ci Et les saveurs sont vraiment colorées. Les couleurs sont très intenses, et ce serait génial de voir comment mélanger des couleurs aussi belles et éclatantes. De plus, la texture du visage près de l'œil est également très complexe, et il serait bon de voir comment traiter un tel élément, un élément aussi complexe Les fièvres ne seront pas non plus les mêmes tout au long du sujet Nous devrons donc nous adapter et voir comment peindre certaines faveurs et comment gérer d'autres types de faveurs. De plus, les couleurs sont très différentes les unes des autres dans certaines zones, et nous devons créer des transitions avec des couleurs contrastées et très différentes les unes des autres. Ce sera donc également très intéressant. Enfin, il y a aussi beaucoup de texture, beaucoup de détails. Nous allons donc voir comment créer une texture aussi agréable sur une telle taille. C'est donc un sujet vraiment fascinant, très long à peindre, mais c'est tout de même un excellent sur lequel travailler et faire des progrès. Et pour ce sujet, je travaillerai sur une toile de 81 x 65 centimètres. Ligne et toile, mais cela peut également être fait sur du papier peint à l'huile. Si vous voulez un format plus petit ou plus grand, c'est à vous de décider, et j'utiliserai la grille pour m' et j'utiliserai la grille pour assurer que mon dessin est dans les bonnes proportions. En ce qui concerne les matériaux, j'utiliserai mes matériaux classiques. De plus, j'utiliserai également le bleu jachère et les différents bleus pour créer une couleur très intense que je ne pourrais pas mélanger sans ces deux couleurs sur mon pâté Et je veux aussi utiliser le pinceau à ruban parce que je ne le savais pas à l'époque Mais cela peut être très utile pour peindre les fièvres sur le dessus de la tête et aussi pour la complexité de cette zone très complexe que nous avons autour de l'œil Ce sera donc un sujet assez long à peindre, mais vraiment bon. Et maintenant, commençons. 3. Organisation de la peinture: Voyons comment organiser notre tableau avec ce magnifique perroquet Nous avons un long sujet devant vous, devant nous, nous devons donc organiser et planifier un peu les choses. L'avantage de ce sujet est qu'il comprend de nombreuses zones qui peuvent être peintes indépendamment, il est donc parfaitement possible de le travailler sur plusieurs sessions. Contrairement à mon approche habituelle, je ne commencerai pas par l'œil. Et la raison en est que la zone autour de l' œil est l'une des plus complexes et que cela ne semblait pas être le meilleur moyen de gagner en confiance avec ce sujet. Je vais plutôt commencer par le plumage sur la droite, puis monter dans la partie supérieure avant de peindre la tête et le bec Ce que je recommande, cependant, c'est d'essayer de terminer la section que vous commencez. Par exemple, si vous commencez à peindre le bec, essayez de le terminer Si vous commencez le plumage, finissez-le entièrement avant que la peinture ne sèche arrêtant à mi-chemin pour votre section et en la laissant sécher, il est plus difficile d'y revenir plus tard car cela signifie que vous devez remixer vos couleurs Et maintenant, commençons. 4. Mélanger les couleurs bleues du perroquet: Avant de mélanger les couleurs, analysons d'abord les différentes. Sur cette image, on peut apprécier la richesse et la subtilité du bleu du plumage du perroquet J'ai sélectionné ici sept teintes principales, dont l'intensité et la température varient progressivement. En haut, on aperçoit un bleu turquoise très clair, presque pastel, qui correspond aux zones les plus exposées à la lumière, notamment sur le haut du dos. Au fur et à mesure que nous descendons, les bleus deviennent plus saturés et plus intenses, passant au cyan puis aux tons bleu-vert plus profonds. Certaines nuances ont une couleur légèrement verdâtre, ce qui semble très naturel dans un environnement tropical D'autres sont beaucoup plus sombres et contribuent à créer profondeur et à définir les ombres entre les saveurs. ce contraste entre les zones claires et sombres est ce contraste entre les zones claires et sombres qui donne à l'oiseau son volume et son réalisme. Ce dégradé en solo est crucial pour capturer la texture du plumage Il ne s'agit pas d'un bleu plat, mais d'une palette harmonieuse qui reflète magnifiquement la forme et la surface de la lumière. Et pour pouvoir mélanger ces différents bleus, ma palette traditionnelle ne suffira pas. Je vais devoir utiliser le bleu suif et le bleu multiple. Et grâce à ces deux couleurs, je vais pouvoir créer des bleus intenses. Commençons par mélanger nos couleurs bleutées. Je commence par prendre une grande quantité de tallo blue. Fais attention. Il peut sembler assez similaire au bleu outremer sur ma palette, mais c'est certainement mon bleu hallo que j'utilise Je le mélange donc avec une quantité généreuse de bois brûlé et une touche de jaune pour créer ces teintes très sombres, presque noires, que l'on retrouve dans le plumage Il ressemble un peu au noir, mais l'ajout d'une grande quantité de bleu suif et d'un soupçon de jaune lui donne une teinte légèrement plus bleutée, légèrement verdâtre C'est une différence subtile, mais elle reste un peu perceptible lorsque nous l'appliquons. Je passe ensuite au mélange de couleurs bleutées qui ne sont pas aussi foncées Je pars donc de la même base. Mais cette fois, j'ajoute une petite quantité de blanc, je mélange le tout pour voir ce que j'obtiens. Nous commençons donc ici à créer les nuances bleutées les plus foncées que nous utiliserons dans ce domaine Ma première couleur était plutôt bonne pour le moment, mais en termes de valeur, je dirais, mais elle penchait un peu trop vers le vert J'y ai ajouté trop de jaune. Je le replace donc doucement vers un ton plus bleu en ajoutant davantage de ce bleu jachère riche Nous avons finalement obtenu ces couleurs, alors j'y ai mis beaucoup trop de jaune, et j'ai donc pris un peu de blanc pour les réajuster Maintenant, je vais créer quelque chose de plus clair, et par conséquent, j'ajoute plus de blanc à ma couleur pour la rendre plus claire, mais j'ajoute quand même un peu de jaune pour m'assurer qu'elle a tendance à être une sorte de bleu-vert , comme nous pouvons le voir. Sur cette zone des plumes. De plus, j' y ajoute un peu plus de bleu suif parce que je voulais qu'il soit un peu plus foncé et donc réduire la quantité de blanc en termes de proportions C'est pourquoi j'ai également ajouté un peu d' ambre brûlé et de bleu outremer pour rendre un peu plus foncé et aussi pour le rendre un peu moins intense, un peu moins turquoise, car ces deux couleurs sont moins intenses que mon bleu jachère, ce qui a également rendu ma couleur moins intense Et maintenant, je mélange quelque chose encore plus clair en augmentant la quantité de blanc. Et comme je l'ai fait avec cette couleur précédente, j'y ajoute du jaune pour le rendre un peu verdâtre et aussi un peu de ce tubercule bleu outremer pour le rendre un peu plus foncé au final, mais aussi un peu moins intense, donc un peu plus normal, disons J'ai donc cette nouvelle très jolie couleur. Et maintenant je vais mélanger cette couleur récente très intense que l' on peut voir en haut des foires C'est pourquoi j'utilise ces différents bleus pour obtenir cette couleur un peu différente. J'ajoute donc une grande quantité de blanc, mais aussi un peu de jaune et de bleu hallo pour le rendre un peu plus turquoise, comme nous l'avons fait avec l'autre couleur, car même si cette couleur est un peu différente, elle fait toujours partie de la même famille de couleurs C'est pourquoi j'ai pensé qu'il était un peu important d'y ajouter du bleu thalo et du jaune Et maintenant je vais faire la même chose que précédemment, commençant par une base composée de plusieurs bleus, qui est un peu moins intense et moins turquoise que la jachère Pour créer quelque chose de légèrement plus foncé que la couleur précédente que je viens de mélanger, vous vous demandez peut-être pourquoi avez-vous ajouté du rouge ? Eh bien, le rouge mélangé au jaune donne de l'orange, et l'orange est la couleur complémentaire du bleu. Donc, en ajouter juste un peu adoucit l'intensité du bleu légèrement l'intensité du bleu et le rend ainsi moins intense C'est en fait une façon de le modérer un peu. À ce stade, je trouve que ma couleur est encore un peu trop foncée, alors j'en ajoute une quantité généreuse. Vous remarquerez peut-être que le blanc de ma palette a une teinte légèrement bleutée, mais ce n'est pas vraiment un problème ici, puisque je ne travaille qu' avec des mélanges de bleus La légère teinte bleue n'a donc pas beaucoup d'importance. Maintenant, la couleur est plutôt belle, mais je pense qu'il faudrait qu'elle penche un peu plus vers le bleu-vert avec un peu de turquois C'est pourquoi j' ajoute du jaune mais aussi un peu de bleu suif Et maintenant, j'ai également pensé que la zone précédente devait être un peu plus jaune. J'y ai donc ajouté un peu de jaune également. Et à partir de cette nouvelle couleur, je vais également faire une variation encore plus claire en ajoutant une grande quantité de blanc. Et ces tons plus clairs que nous venons de créer, ces tons gratuits seront également très utiles pour les fevors du bas, où nous avons des reflets prononcés et un contraste de valeur significatif Maintenant que toutes ces couleurs sont prêtes, je pense que nous sommes prêts et que nous pouvons commencer à peindre ce sujet. 5. Painting of the background and the first feathers: Voilà, et voici ma toile avec le dessin déjà réalisé à l' aide d'une grille pour garantir une grande précision. La toute première chose que je fais est d'assombrir le fond en noir, celui que vous voyez à côté du perroquet Si je fais cela, c'est parce que noir affecte vraiment la façon dont nous percevons les couleurs. Si le canevas reste blanc au lieu d'avoir ce fond noir, les couleurs placées à côté risquent de paraître floues. Et si je devais peindre les couleurs du perroquet sans que ce fond noir soit déjà en place, il est fort probable qu'une fois que j'ai ajouté le noir à la toute fin, le perroquet paraisse trop clair Donc, ce fond noir m'aide vraiment. Il sert de référence pour m'assurer que je place les bonnes couleurs avec la bonne valeur à côté. Je commence donc par peindre ce fond noir. Et comme vous pouvez le constater, je commence par travailler sur les bords. Ainsi, lorsque je peindrai le reste de l'arrière-plan, je ne risquerai pas de passer par-dessus la zone où je peindrai le perroquet plus tard Vous pouvez également remarquer que lorsque je travaille sur ce contour, j' essaie vraiment d'être très précis, suivre attentivement la forme du contour du perroquet Je vais donc le faire sur l'ensemble du contour avant peindre le reste du fond, toujours à l'aide d'un pinceau plat. Maintenant, le contour a été peint, et je peux maintenant remplir le reste de l'arrière-plan sans craindre que la peinture ne se répande dans la zone du perroquet J'utilise un pinceau plat assez blanc et j'applique ma couleur. Comme vous pouvez le constater, j'essaie vraiment de l' étaler le plus possible pour obtenir une finition très lisse. Je ne veux pas que des taches de peinture s'accumulent. Je suis donc en train d'étirer la peinture en faisant de larges traits. Et chaque fois que je remarque qu' il y a trop de peinture, eh bien, j'utilise le pinceau comme je le fais actuellement pour en ramasser un peu et l'appliquer ailleurs. Au besoin, je recharge le pinceau pour m'assurer qu'il y a suffisamment de noir Mais le but est vraiment d'étaler la couleur le plus possible pour obtenir une surface très lisse. Nous ne voulons aucune texture dans cet arrière-plan, car toute zone surélevée reprendra la ligne et gâchera l'aspect net et plat. Je vais donc le faire sur tout l'arrière-plan pour avoir ce beau fond noir très lisse sur toute la zone. Et voici le fond final. Nous sommes maintenant prêts à commencer à peindre le perroquet. Commençons par peindre le perroquet, et nous allons d'abord travailler sur la petite zone que vous pouvez voir sur le côté juste à côté du fond noir Je commence par appliquer une légère touche bleutée le long du bord du fond noir car on peut voir qu'il y a une ligne assez fine le long de la faveur dans cette zone Je l'ajoute donc, et j' essaie de m'assurer qu'il se fond à peine sur le fond noir afin ne pas trop brouiller la couleur Je dirais que ce bleu est plutôt beau. Vous remarquerez également que la valeur bleue n'est pas la même tout au long de la ligne. Je dépends donc simplement la zone car certaines pièces sont plus légères que d'autres. Et il est important de travailler avec cette variation de valeur car c'est ce qui permet au faber de paraître un peu plus réaliste Pour cette partie, j'utilise donc un pinceau très fin car cela demande précision pour que cette ligne bleue reste aussi fine que dans la référence. Ensuite, juste à côté ces éléments que j'ai peints en bleu très clair, nous avons ces touches très foncées qui font bien ressortir le bleu clair. J'utilise donc ici un bleu très proche du noir, du bleu très foncé, comme vous pouvez le voir sur ma palette, et je l'applique en veillant à bien répartir la couleur et à rester bien dans la zone prévue. Maintenant, vous remarquerez probablement qu'il manque une fièvre. En fait, c'est celui situé à côté du grand. Je n'ai pas pensé à l'inclure dans mon dessin. Je l'ai simplement oublié et j'ai peint le fond dessus. Je ne m'en suis rendu compte que trop tard, et au final, j'ai trouvé que le résultat semblait très bon même sans cette fièvre Ce n'est donc pas grave s'il manque. Si vous pensez à le dessiner, n'oubliez pas de l'ajouter. Dans mon cas, il a tout simplement disparu. Ce n'est pas dramatique. Le résultat aurait toujours l'air cohérent, donc c'est bon. Et pour ce qui est de ces deux blues qui sont très, vraiment, très différents l'un de l'autre, j'essaie de faire en sorte qu' ils se mélangent à peine. Je veux juste qu'ils abordent la question avec une très légère transition entre les deux. Je ne recherche pas forcément un dégradé lisse. Je veux vraiment que ce bleu clair ressorte comme sur la photo de référence, par rapport au bleu foncé juste à côté. Ensuite, avec ce pinceau assez fin, je peux y retourner et appliquer à nouveau quelques touches plus légères pour le faire ressortir un peu plus par rapport à ce que j'avais fait jusqu'à présent Et même dans la zone sombre, j'ai ajouté quelques touches légèrement plus claires pour améliorer la texture que nous pouvons voir à cet endroit. Je vais maintenant créer de nouvelles couleurs pour les petites touches brunâtres que nous pouvons voir dans la zone. Il me semble que c'est un peu brun orangé, légèrement doré qui penche un peu vers le jaune C'est donc ce que j'ai mixé. J'ai commencé avec une base jaune solide, mais très rapidement, j'ai dû ajouter du rouge car avec cette forte présence de jaune, le jaune commençait à devenir un peu trop vert J'ai donc dû rééquilibrer cela Et maintenant, j'ai trouvé une couleur qui convient assez bien pour peindre cette zone. Ce que je peux faire ensuite, c'est en créer une variante légèrement plus orange. C'est donc ce que je fais, en ajoutant un peu d'orange et en le mélangeant à la couleur qui était déjà sur mon pinceau. Et aussi en mélangeant un peu avec la couleur à côté. Et maintenant, je peux continuer et appliquer cela tout au long de la section. Mais le défi immédiat est que nous travaillons sur une zone très claire, une sorte de ton orange, qui est très différente de la couleur bleutée au-dessus Donc, ce que nous devons vraiment éviter ici, c'est de laisser trop de bleu se mélanger à cette nouvelle couleur que nous appliquons, car ces couleurs sont totalement différentes. Et si trop de bleu s'y fond, cela pourrait donner à cette zone un aspect un peu boueux et pas très agréable C'est donc quelque chose que nous voulons éviter. Lorsque j'applique la couleur, je m'assure qu'elle se mélange à peine à la couleur d'à côté. si ça mélange trop, Mais si ça mélange trop, ce n'est pas la fin du monde. Nous pouvons toujours y remédier plus tard, mais je préfère éviter de me créer du travail inutile supplémentaire. J'essaie donc de minimiser le mélange avec la couleur environnante Pour la partie inférieure que nous sommes en train de peindre, nous pouvons voir qu'elle a une sorte de ton gris brunâtre C'est donc ce que j' essaie de créer en utilisant une bonne base de Burn Tumber mélangée à du bleu outremer, ce qui permet d'obtenir ces Et j'essaie de m' assurer qu'il ne soit pas trop sombre non plus, afin de pouvoir l'utiliser pour peindre correctement cette zone. Vous remarquerez peut-être qu'une couleur a été ajoutée à proximité de celle que nous venions de mixer plus tôt, ce genre de marque qui est un peu jaune, orange. C'était en fait la même couleur que j'essayais de mélanger au départ, mais j'ai un peu foiré, au lieu d'insister pour essayer de corriger le même mélange, car je me suis rendu compte que j'avais mais j'ai un peu foiré, au lieu d'insister pour essayer de corriger le même mélange, car je me suis rendu compte que j'avais trop de couleurs et qu'il aurait fallu trop de temps pour la corriger Je préfère recommencer le mix à zéro. C'est pourquoi j'ai omis cette partie de la vidéo car il s' agissait d'une tentative de mixage inutile Alors maintenant, peignons cette partie inférieure du plumage. Vous remarquerez qu'il s' agit d'une zone très sombre. C'est donc ce que je viens de postuler. Mais même dans ce cas, il ne devrait pas être trop sombre non plus, car nous devons tout de même nous assurer qu'il existe une différence de valeur visible entre cette zone et l'arrière-plan. C'est donc ce que je suis en train de faire, et je vais continuer à travailler vers le haut pour terminer cette section du plumage C'est une petite zone, pas la plus complexe, mais elle permet de bien s'échauffer en douceur avant de se lancer dans la tâche ardue avec les autres saveurs des perroquets Nous travaillons donc ici avec ces tons légèrement plus foncés, et je les applique maintenant. Ensuite, nous devons travailler un peu sur la texture cette zone car ce n'est pas une surface complètement uniforme. Il y aura des touches plus claires et plus sombres ici et là, ce qui contribuera à lui donner un aspect réaliste. Lorsque j'applique ma couleur, j'essaie vraiment d' être précise, d'abord, pour éviter de dépasser les tons bleutés que nous allons peindre plus tard et aussi pour éviter de superposer les zones que nous avons peintes plus tôt, sinon cela signifierait devoir les repeindre et Donc, avec mon pinceau, qui n'est pas très gros, mais pas très fin non plus, j'essaie d'être suffisamment précis pour éviter ces zones. Et en même temps, pendant que j'applique les couleurs, j'utilise de petits traits comme celui-ci avec le pinceau pour créer un léger mélange entre les éléments et pour m' assurer que tout ce que j'ai appliqué dans cette zone sombre s'intègre bien. Je fais référence à tout ce qui se trouve dans cette section sombre, bien sûr. Très bien, maintenant je vais travailler un peu plus sur cette zone en ajoutant quelques touches plus légères, comme on peut le voir sur le côté de la plume Il n'est pas nécessaire qu'elle soit extrêmement légère, mais les quelques traits légèrement plus légers que j'ajoute ici et également dans la zone centrale aideront à rendre cette section plus réaliste. En fin de compte, ce ne sont que de petites touches qui n'aiment pas grand-chose et qui ne semblent pas grand-chose en elles-mêmes, mais elles contribuent à un résultat plus réaliste. Alors, on y va. Je termine cette partie avec ces petites touches, puis nous aurons terminé et nous serons prêts à passer à la section suivante, celle des grandes plumes bleues. 6. Peinture des grandes plumes bleues: Nous y voilà, et commençons à travailler sur cette grosse plume que nous pouvons voir ici C'est une plume qui est globalement assez légère et c' une excellente occasion de se lancer avec une belle plume et un peu de bleu vif Alors allons-y et commençons à appliquer toutes les couleurs. Le but ici est d'essayer d'appliquer la couleur avec précision, du moins pour commencer. Nous n'essayons pas encore de créer de la texture. Nous travaillerons à partir de grandes lignes pour trouver les détails, et le processus sera le même pour chaque faber. Cela signifie que nous observons la fièvre. Nous nous demandons de quelle couleur il est fait là où nous pouvons voir des zones plus claires ou des zones plus sombres. Ensuite, nous avançons en appliquant couleur sur toute la zone en conséquence. Et bien sûr, l' objectif lors de l'application de la couleur est étirer le plus possible pour obtenir une surface très lisse. Cette surface lisse facilitera grandement le travail plus tard lorsque nous ajouterons de la texture et de petits détails. Tout cela sera beaucoup plus facile à appliquer si la base est lisse, si le mélange entre les différents bleus est net et si la transition entre les zones est déjà douce Je suis donc en train d'appliquer ma couleur. Vous pouvez voir que j'utilise un pinceau plat de taille moyenne, ce qui me permet d'étaler la peinture assez facilement et éviter que des zones ne soient surchargées de peinture Ce que nous pouvons observer à propos de ce faber c'est que sur la partie inférieure, il y a des zones légèrement plus sombres, tandis que sur le côté gauche, il y a des zones légèrement plus claires Et même entre ces zones sombres, il y a des zones qui sont également un peu plus claires. C'est donc ce que j'essaie de recréer maintenant en appliquant ma couleur comme ça Lorsque j'applique ma couleur sur la zone, je mélange également les deux bleus différents. Dans certaines peintures , je choisis mélanger une fois que toutes les couleurs ont été appliquées une fois que j'ai placé chaque partie de la couleur dans la zone, et parfois, comme dans ce cas, je mélange les couleurs au fur Alors que je travaille encore sur un projet spécifique. Il n'y a pas vraiment de règle stricte. Il s'agit plutôt de ce que vous ressentez dans le moment présent. Ici, alors que j' appliquais la couleur, j'ai pensé qu'il était logique de mélanger les deux éléments immédiatement. Mais selon les autres parties du perroquet, se peut que je choisisse d'appliquer d'abord toutes les couleurs et ne faire le mélange qu'une fois que toute la zone est peinte, fois qu'il y a de la couleur partout Parfois, j'ai envie d'attendre la fin pour faire le mélange , d'autres fois c'est ce que je veux Et maintenant, dans cette partie supérieure, vous pouvez voir qu'il y a une bande légèrement plus claire qui permet de séparer un peu le tarif en deux parties. C'est comme s'il y avait une petite division dans la fibre. Même sans ajouter de détails supplémentaires, nous pouvons déjà commencer à distinguer cette division, une mince ligne entre ces sections Mais je vais devoir le souligner un peu plus, car pour le moment, vous pouvez deviner qu'il est là, mais il n'est pas encore entièrement visible. Et avec de petits traits plus foncés, comme je suis sur le point de le faire, je pourrai améliorer un peu plus cet effet pour qu'il ressorte vraiment du lot. Maintenant, la fièvre commence à se calmer un peu. On voit que ça prend du volume. Ce qui le rend vraiment plus libre, dimensionnel et réaliste, c'est tout le travail détaillé que nous allons faire avec le pinceau fin. Nous allons vraiment nous concentrer sur la texture pour soit clair qu'il s'agit d'une plume de perroquet Et ce travail, en plus d'améliorer la texture, améliorera également le soulagement et le volume de la fièvre, lui donnant un aspect plus libre. Maintenant, si nous examinons les couleurs qui me plaisent dans le tableau et les comparons à celles de notre référence, nous pouvons voir que ma couleur est trop claire. Je m'en suis rendu compte lors du processus d'édition de ce tutoriel. Quand j'ai peint cette faveur et que j'ai regardé le résultat final, cela ne m'a pas frappé tout de suite, mais maintenant, il est évident que j'ai fait cette vidéo et que je la compare à la référence selon laquelle elle semble trop claire. Cela ne m'a pas sauté aux yeux tout à heure car il s'agit d'une section sur le côté gauche, qui est la zone la plus lumineuse du perroquet Le côté droit est plus dans l'ombre, donc le résultat final n'a pas vraiment été choquant . De plus, le travail sur les zones d'ombre et de lumière au sein de la fable est encore assez bien fait. C'est pourquoi même si j'ai commis cette erreur, elle ne compromet pas vraiment le résultat final Donc, si vous voulez l' assombrir un peu plus et mieux correspondre à la référence, vous pouvez certainement le faire, ou vous pouvez également choisir de le garder très lumineux, comme dans ma peinture Au final, cela n'a pas trop affecté le résultat final. Et une fois que nous aurons commencé à travailler sur la texture, vous verrez que des touches plus sombres seront ajoutées de toute façon, ce qui rendra cette saveur un peu plus foncée. Ainsi, avec ce pinceau fin, je travaille davantage sur les détails. Vous pouvez voir que j'ai commencé par ajouter la ligne centrale, mais ce n'est pas une ligne droite. Il est légèrement irrégulier. Je l'ai donc ajouté d'un petit trait au-dessus cette lumière au bleu avec des sortes de points pour tracer cette ligne. Ce qui rend cette faveur vraiment plus réaliste, c'est le travail détaillé que nous effectuons. Les petites touches plus claires et plus foncées que nous ajoutons dans chaque zone. Tous ces éléments, lorsqu'ils sont combinés, créent une texture vraiment réaliste. Si vous regardez attentivement, si vous zoomez vraiment sur la photo, vous verrez beaucoup de petites lignes, de nombreux petits points placés les uns à côté des autres. Et au final, vu près, ils ne ressemblent pas à grand-chose seuls. Mais ce sont tous ces éléments réunis qui donnent au résultat final une apparence réaliste. Et c'est exactement ce que je fais ici aussi. J'ajoute quelques touches plus foncées avec ce pinceau fin, puis j'en ajoute quelques touches plus claires. Et c'est ainsi que la fièvre commence à paraître vraiment réaliste. À ce stade, j'ai déjà ajouté quelques détails plus sombres. Maintenant, je peux y retourner et quelques plus claires, car nous pouvons également remarquer qu'à la limite de cette fièvre, il y a une zone plus claire, une bande plus claire, une bande plus claire qui contraste avec la zone plus foncée que nous avons peinte plus tôt. Et ce contraste entre la zone claire et la zone plus foncée est ce qui contribue à donner à la fièvre plus de volume et un aspect plus tridimensionnel. Ce que nous pouvons également remarquer dans cette zone c'est que parmi les éléments plus sombres que j'avais ajoutés, il y a aussi des touches plus claires. C'est donc ce sur quoi j'ai travaillé ici. Je constate également que le trait que j'ai peint n'est pas complètement uniforme. Dans cette même ligne, il y a quelques touches légèrement plus sombres. Je les ajoute donc par-dessus, toujours de manière un peu irrégulière et fragmentée. De cette façon, cela crée une irrégularité, et c'est précisément cette irrégularité qui contribue au réalisme de la faveur Maintenant, je vais continuer à travailler un peu sur cette zone, en ajoutant de petites touches plus foncées à côté éléments plus clairs le long la bande que j'ai peinte plus tôt, ce qui la fait ressortir un peu plus. Et j'aime bien répartir ces petits coups de pinceau façon un peu aléatoire pour créer la texture car cela contribue vraiment à l'améliorer. En reprenant une partie de la faveur, je dirais que nous sommes bons. Maintenant, ce que je viens de faire c'est prendre une couleur légèrement plus claire, et je l'ajoute juste à côté de la ligne foncée que nous avons peinte plus tôt. Cela permet de faire ressortir davantage cette ligne et de renforcer le sentiment de profondeur de la faveur. Et maintenant, il est temps de travailler sur la partie inférieure. Nous allons créer la texture de la même manière que nous l'avons fait pour la zone supérieure. L'objectif est d'atteindre le même niveau de réalisme sur l' ensemble du dessin et, bien entendu, sur l'ensemble du tableau. Mais même dans le cadre de cette faveur, nous ne voulons pas que le haut soit très détaillé alors que le bas semble inachevé Ce genre d'incohérence serait vraiment perceptible et nuirait au résultat global Ici, je vais donc me concentrer sur le raffinement de l'ensemble du domaine. Je me demande si certaines zones devraient apparaître un peu plus claires que ce que j'ai fait jusqu'à présent. Et dès que j'en repère , je les ajoute, petits traits qui aident à définir ces zones plus claires tout en améliorant leur texture. En fait, tout en affinant la texture de cette manière précise, j'ajoute également des reflets et des ombres subtils que j' avais mis en place plus tôt. Plus tôt, lorsque nous appliquions la couleur de base, l'objectif était de bloquer les larges zones de couleur. Mais ce que nous constatons aujourd'hui, c'est que dans ces grandes zones, il y a de nombreux petits changements de ton, et c'est en les lariant que nous créons plus de volume, plus de réalisme et des textures plus riches Je dirais que j'ai ajouté tous les éléments lumineux nécessaires pour cette zone. Et maintenant, ce qui va vraiment faire ressortir ces zones claires , ce sont les petites touches plus sombres que je vais ajouter. J'observe donc ma photo de référence et je recherche les zones qui semblent légèrement plus sombres que celles que j'ai peintes jusqu'à présent. Ensuite, j'entre et je les ajoute. C'est vraiment cette combinaison d' éléments clairs et foncés placés les uns à côté des autres qui donne à la fable un aspect plus réaliste et crée encore plus de profondeur dans le faber lui-même À ce stade, la fièvre se rétablit bien. Cela commence à avoir l'air vraiment tridimensionnel. Mais ce qui distinguera encore plus ce faber , c'est la présence de toutes les autres fièvres qui l'entourent Par exemple, cette zone très sombre située à droite de cette fabre, la façon dont les ombres tombent d' une fabre à l'autre, créent encore plus de volume et donnent l'ensemble de la zone un réalisme encore plus grand que ce que nous avons obtenu jusqu'à présent Nous pouvons maintenant passer à la fièvre latérale. Et comme je l'ai mentionné il y a un instant, il y a cette zone d'ombre à côté de cette première plume, qui est très foncée C'est cet élément sombre que nous ajoutons qui donnera notre première plume un aspect légèrement plus surélevé que celle que nous peignons actuellement La première plume que nous avons peinte est positionnée plus haut que celle sur laquelle nous travaillons actuellement Et c'est grâce à l' ombre que nous ajoutons maintenant que nous sommes en mesure de percevoir cette différence. Vous pouvez donc voir que juste à côté de cette première plume, il y a cette ombre très foncée J'ai un plan dans ma couleur, et j'essaie de le mélanger à peine parce que j'aime m' assurer que tous les éléments ma peinture sont liés les uns aux autres. J'essaie donc de les laisser légèrement se toucher, mais je ne veux pas une véritable transition entre les deux. Elles restent deux éléments distincts, deux fièvres distinctes. Puis, lorsque nous nous déplaçons vers la droite, nous pouvons constater que l'ombre estompe et devient progressivement plus claire Mais la transition ne se fait pas instantanément. Vous pouvez voir que c'est assez progressif. J'ai donc commencé par appliquer un bleu légèrement plus clair et je vais continuer avec un bleu clair uniforme sur cette zone. De cette façon, nous obtenons une apparence naturelle louche et une fièvre dont la couleur passe d' foncée à une couleur plus claire, avec une transition qui semble presque invisible dans la zone Et je continue avec une zone inférieure encore plus claire que celle que j'ai appliquée dans la section ci-dessus. Et ici, comme vous pouvez le constater, j'utilise un pinceau de taille moyenne qui me permet d'étirer la couleur et de m'assurer que mes couleurs se marient bien les unes aux autres par la suite Je suis donc en train de mélanger un peu plus de couleurs sur ma palette, et nous poursuivons l'application. Et petit à petit, c'est ainsi que le plumage va prendre forme, chaque faber se créant l'un après l'autre de la même manière Mais et ces tons bleutés que j'applique ici, la couleur légèrement plus claire, je vais m'assurer qu'ils se marient bien avec les autres couleurs que nous avons appliquées plus tôt dans la partie supérieure Maintenant, je reviens à un bleu légèrement plus foncé parce que celui que j' avais était beaucoup trop clair et n' aurait pas permis une transition correcte. Et c'est reparti, en appliquant la couleur. Vous devez éviter d'en appliquer trop afin d'obtenir un mélange lisse. Et si vous remarquez que vous avez ajouté trop de peinture et le mélange ne fonctionne pas bien Vous pouvez toujours essuyer votre pinceau sur un mouchoir en papier pour éliminer l'excès de couleur qui s'est accumulé. Et j'assombrit un peu plus le côté de la faveur parce que je trouvais qu' il y avait un peu trop de lumière. Mais dans l'ensemble, ça a l' air plutôt bien. Ce que je vais faire maintenant avant ajouter les détails à cette faveur, c'est travailler sur celle qui se trouve juste à côté et y appliquer de la couleur également, car ces deux fièvres sont très similaires Ils partagent la même palette de couleurs. De plus, celui que nous venons de peindre est assez petit, et j'aime être un peu efficace lorsque je travaille. Je pense donc qu'il est logique de gérer les deux faveurs en même temps et d'y ajouter des détails ensemble. Maintenant, en regardant cette faveur suivante, nous pouvons également voir un dégradé de droite à gauche. Nous avons une ombre assez forte sur le côté droit. Plus nous nous rapprochons de la gauche, plus elle devient claire, comme ici, avec une zone lumineuse juste à côté l'ombre du dessin que nous venons de peindre. Et c'est ce contraste entre les éléments clairs et foncés placés côte à côte qui aide vraiment les faveurs se démarquer les unes des autres et à montrer le volume qui les sépare. Sur la gauche, vous pouvez remarquer que j' ai laissé un petit espace blanc qui correspond à la zone où se trouve cet élément légèrement orangé. Pour l'instant, j'ai décidé de le laisser de côté et d'y revenir une fois que les couleurs environnantes seront sèches. De cette façon, c'est une voix qui se fond dans les couleurs voisines et garantit que cette zone reste propre et éclatante en termes d'orange Et je poursuis le travail, continuant le mélange afin qu'ensuite, nous puissions vraiment commencer à nous concentrer sur la texture de ces plumes et nous assurer qu'elles soient aussi réalistes que première grosse plume bleue que nous avons Pour ces plumes, je pense que nous avons réussi à établir une base vraiment solide. Et maintenant, je vais utiliser ce petit pinceau fin pour travailler sur la texture. Je vais ajouter quelques touches plus claires, puis j'ajouterai des touches légèrement plus foncées. Et c'est grâce à cela que je pourrai obtenir des faveurs vraiment réalistes Oui, cela prend un peu de temps, mais au final, le temps supplémentaire que nous consacrons à chacune de ces fonctionnalités pour ajouter cette texture ne prend pas autant de temps En quelques minutes, nous pouvons faire fondre une fièvre qui semblait plutôt bonne C'était assez bien défini en faire un qui semble vraiment réaliste. Et je pense que prendre ces quelques minutes supplémentaires, ce n'est pas beaucoup, mais c'est suffisant pour passer de quelque chose qui était déjà agréable à quelque chose qui devient vraiment impressionnant Cette nouvelle étape, l'ajout de texture, aide vraiment notre peinture à acquérir une toute nouvelle dimension, en lui donnant un aspect plus tridimensionnel, plus détaillé et plus réaliste. Je pense donc vraiment qu' il vaut la peine de prendre ce temps supplémentaire pour travailler sur tout cela. Ces détails prendront donc parfois la forme d'éléments assez aléatoires. C'est un peu comme griffonner avec le pinceau par petits traits vers la gauche ou Sans vraiment avoir beaucoup de sens. Et puis, au fil du temps, c' est un peu plus défini, un peu plus précis. Par exemple, juste en dessous de cette ampoule lumineuse, j'ai ajouté cet élément sombre car il permet à la lumière de bien ressortir. Et puis sur la fièvre sur laquelle nous travaillons, vous pouvez également remarquer une sorte de petite ligne vous pouvez également remarquer une sorte de petite ligne bien définie sur la partie supérieure. J'ai donc essayé de vraiment le faire ressortir avant. Donc, dans les domaines un peu confus où de nombreux éléments se chevauchent, eh bien, dans ce domaine, je n'essaie pas nécessairement d'être extrêmement précis J'y vais avec une sorte de petites touches aléatoires. Mais il y a aussi d'autres parties très clairement définies, des formes que vous pouvez vraiment distinguer, formes plus géométriques, comme une ligne par exemple. Et dans ces cas-là, j' essaie d'être plus précis et rester assez fidèle à ce que je vois sur ma photo de référence. Je vais également retravailler un peu le bord de ma fièvre parce que j'ai l'impression qu'il y a une petite touche de légèreté entre ces deux faveurs et cette séparation Ce petit élément entre les deux les aidera à se démarquer davantage et à créer un peu de relief dans ce domaine également. Oh. J'ai ces lignes lumineuses qui sont un peu définies. Maintenant qu'ils sont en place, je vais les contourner un peu ajoutant des touches légèrement plus foncées, ce qui permettra à ces éléments plus clairs de bien ressortir dans cette zone à plumes Mais j'ai aussi pensé que la partie inférieure n'était pas aussi légère que celle que j'avais là-haut. Je n'ai donc pas hésité à le mélanger un peu à la couleur environnante plus foncée, ce qui a rendu l' élément légèrement moins brillant. était également important bien le faire ressortir, il était également important de laisser une très fine ligne foncée juste à côté pour qu'il apparaisse vraiment et marque clairement la séparation avec l'autre élément laisser une très fine ligne foncée juste à côté pour qu'il apparaisse vraiment et marque clairement la séparation avec l'autre élément Maintenant que ce faber est terminé, il a fallu un peu de temps pour ce détail, mais j'ai pensé qu'il était important de l'inclure, nous pouvons passer à la seconde faveur Dans cette zone, je vais commencer par ajouter quelques petits éléments de texture comme celui-ci afin que cette fièvre soit traitée avec autant de soin que les autres. Et pour m'assurer que cette distance se démarque de celle d'à côté, j'applique une couleur légèrement plus claire le long du bord. C'est ce contraste qui aide vraiment à montrer la différence entre les deux faveurs et montre clairement qu'elles sont distinctes et qu'il existe une différence de volume entre elles. J'ajoute également quelques petites touches foncées, que je mélange doucement avec le bord plus clair que je viens d'appliquer. Et nous y voilà. Je travaille sur la texture de cette faveur de la même manière. Il est vrai que le processus peut sembler un peu répétitif, mais il est nécessaire d'obtenir un résultat constant du début à la fin. C'est pourquoi, lorsque vous travaillez dans des domaines comme celui-ci qui prennent du temps et impliquent des étapes répétées, il est important de se trouver dans un environnement agréable, dans une pièce lumineuse, peut-être avec de la musique en arrière-plan ou même dans un film ou une série. Je regarde souvent quelque chose pendant que je peins. Bien sûr, vous devez tout de même maintenir un certain niveau de concentration, mais l'essentiel est de créer une sorte de bulle dans laquelle vous vous sentez bien et prêt à passer du temps à répéter ces gestes. Oui, c'est répétitif, mais il ne faut pas oublier que nous peignons. Nous faisons quelque chose que nous aimons. Profiter du résultat, c'est bien, mais il faut aussi profiter du voyage. Profitez du moment présent et de ce que vous créez. Et personnellement, oui, ces étapes sont répétitives, mais j'adore voir chaque faveur prendre vie à travers tous ces petits coups de pinceau et tous ces petits éléments que nous ajoutons les uns après les autres. Cette faveur a vraiment pris forme, et ce que je vais faire maintenant, c'est juste ajouter quelques derniers détails. Il n'en faudra pas beaucoup plus. Les deux saveurs ont déjà une belle texture, et une fois que tout ce qui les entoure sera peint, elles commenceront vraiment à être belles. 7. Peindre le reste des plumes bleues: Peignons maintenant ensemble une nouvelle faveur dans cette zone, une grande faveur, celle qui se trouve juste à droite de celle que nous venons de peindre. C'est une grande faveur, et vous pouvez voir qu'au fur et à mesure que nous avançons dans cette zone, la couleur devient un peu plus foncée. Je vais donc ajuster les bleus que j' utilise car ces faveurs doivent apparaître davantage dans l'ombre. C'est ce que je fais ici. Vous pouvez déjà constater que dans la partie supérieure, nous avons un bleu assez foncé dans la demande initiale. Ce qui va être vraiment important, c'est de mettre en valeur l' ombre très foncée sur la gauche, ce qui aidera à créer du volume et à faire le favori suivant, celui que nous n'avons pas encore peint, ressortir le favori suivant, celui que nous n'avons pas encore peint, plus tard. Comme toujours, cette première étape consiste donc à obtenir une bonne base de couleur. Je veux étirer la peinture autant que possible pour qu'il soit plus facile de mélanger les différentes zones avant d'ajouter des détails. heure actuelle, j'essaie d' appliquer les couleurs de manière très précise, en m' assurant qu'elles sont au bon endroit, car ainsi, si l' application initiale est propre, si l' application initiale est propre, je passerai moins de temps à corriger les choses plus tard lorsque je commencerai à travailler plus précisément sur les différentes zones. Vous pouvez voir que cette peur est divisée en deux, et le long de cette division, il y a en fait une zone beaucoup plus claire du côté droit de la division. C'est donc ce que j'ai appliqué, cette touche beaucoup plus claire, qui va se fondre dans les éléments plus sombres de l' environnement. L'objectif est que le passage de la zone claire à la zone sombre se fasse en douceur. C'est donc ce que je suis en train de faire. Je m'assure que les couleurs se mélangent bien, et je travaille là-dessus en appliquant de petites touches pour obtenir un dégradé réaliste où les couleurs se fondent naturellement les unes dans les autres Comme vous pouvez le constater, pour le mélange, j'utilise plusieurs traits brr. Et chaque fois que je vois que trop de peinture s'accumule, j'en enlève un peu et j'y retourne. Mais je dirais que le mélange semble plutôt bon Et si besoin est, j' y reviendrai plus tard, mais pour le moment, ça me semble plutôt bien. Ensuite, dans la partie inférieure de cette faveur, nous revenons à des tons légèrement plus foncés, bien qu'il y ait encore quelques touches plus claires qui transparaissent. Je continue donc à appliquer les couleurs. Souvent, nous sommes tentés de penser : OK, passons rapidement à l'application des couleurs. Je veux juste passer aux détails et travailler sur la texture, car cela donnera à la faveur un aspect super réaliste. Mais il ne faut pas oublier que les détails sont presque secondaires. Si l'application des couleurs n'est pas solide, si nous n'avons pas les bonnes nuances de bleu aux bons endroits, nous pouvons passer autant de temps nous le voulons à ajouter de petits détails. Cela ne fera pas beaucoup de différence car c'est la couche de couleur de base que nous avons posée en premier lieu qui permet de faire ressortir les détails et de rendre les cadeaux plus réalistes. Si nous ne disposons pas d'une base solide avec les bonnes valeurs aux bons endroits, nous ne serons pas en mesure de créer du volume ou de nous retrouver avec une faveur qui semble réaliste. Ce type d' application de couleur est donc vraiment important, et c'est probablement là que nous devrions passer le plus de temps au début. Ce que nous pouvons également remarquer avec ce faber, c'est que même si nous avons appliqué quelques éléments plus foncés sur la gauche du faber, nous pouvons voir qu' il y a une touche légèrement plus claire, et cette petite touche claire est importante car elle permet au faber de se démarquer de celui d' à côté et de créer une sensation de volume par rapport à celui-ci une sensation de volume par rapport à Pour probablement terminer l'application ces couleurs et m' assurer que nous obtenions une jolie plume avec bon volume par rapport aux autres, je vais maintenant ajouter les éléments finaux, les touches vraiment foncées sur tout le bord Je l'applique avec mon pinceau en essayant d'être assez précis. Et encore une fois, ce qui est important ici, c'est de s'assurer que la zone sombre se marie bien avec les autres couleurs environnantes. Vous pouvez voir que dans la partie supérieure, ensemble du groupe est vraiment sombre, mais au fur et à mesure que l'on descend, cela se fond de plus en plus dans le bleu clair. Nous devons donc créer une sorte de dégradé. Et maintenant, cette bande lumineuse que nous avons peinte sur le côté droit du fabre se détache parfaitement de cette couleur foncée Et même si le tarif n'en est qu'à sa première étape, il s'agit uniquement l'application des couleurs et du mélange, nous pouvons déjà constater qu'une impression de volume se crée et que la fièvre commence à paraître un peu réaliste Nous sommes donc sur la bonne voie avec celui-ci, et nous devons simplement continuer comme ça. Ce que nous pouvons également voir, c'est que sur le côté gauche de la fable, il y a cette ligne foncée qui s'étend le long du bord et qui contribue à améliorer le volume et profondeur de cette partie du faber grâce à cette ligne Maintenant, la fièvre a une couche de base solide et nous allons commencer à ajouter des détails plus précis. Dans chaque zone, j'ai essayé de définir la couleur principale que nous pouvions voir. Il est maintenant temps de rechercher des zones de couleur plus petites dans la faveur. Auparavant, nous ne les avions pas appliqués car ils étaient plus petits et nécessitaient plus de précision. Nous pouvons maintenant commencer à travailler sur ces petites zones de couleurs. Cela commence donc par cette ligne foncée, et maintenant je remarque que dans la partie gauche de la plume, il y a aussi des éléments légèrement plus foncés Je peux donc aller de l'avant et les appliquer, et c'est ainsi que nous progressons. Ce que nous pouvons faire, c'est avancer zone par zone le long de la faveur, en passant d'une petite section à l'autre. moment, par exemple, je travaille sur cette partie gauche, et j'ajoute tous les petits détails sombres qui ressortent. Une fois que j'aurai l'impression d'avoir appliqué tout ce qui devait être ajouté dans ce domaine, je passerai à un autre et ainsi de suite. Je vais donc continuer à progresser sur l'ensemble du dossier de cette façon jusqu'à ce que je sois pleinement satisfaite de chaque section, et que je puisse dire, c'est tout Chaque zone est bien détaillée. Maintenant, je peux passer à la plume suivante. Dans la partie inférieure droite de cette plume, vous pouvez également voir ce qui ressemble à de petits plis C'est presque comme si la fièvre était ouverte ou légèrement déchirée. Nous avons donc ici ce petit volet, et nous pouvons aller de l'avant et le définir. Et comment se forme-t-il ? Eh bien, il est créé par une ombre très noire comme celle-ci. Et puis, comme d'habitude, lorsque nous voulons créer une sensation de liberté et de sensualité, je vais appliquer un peu de lumière, une touche plus claire juste à côté de cette ombre foncée Et c'est cette touche plus légère qui va donner du volume à cette partie du faber. J'applique donc cette lumière ou ce trait, et je m'assure qu'elle se fond bien avec les éléments environnants sur la droite. De cette façon, nous obtenons quelque chose de très naturel. Et je continuerai ainsi malgré tout, toujours à l'affût des points à affiner. Parfois, je reviens également à une zone précédente, comme je le fais ici sur la gauche, où j'ai senti que l'élément lumineux devait ressortir davantage, alors je l'ajoute. À ce stade, je suis dans ce que j'appelle le mode prédateur, une expression que vous avez peut-être entendue au fil des didacticiels, ce qui signifie que chaque fois que je repère un détail qui semble important dans une zone, j'y vais immédiatement et j'en ajoute De cette façon, je suis sûr que je ne l'oublierai pas, et je pourrai m' assurer que le faro semble vraiment réaliste dans cette zone. Je travaille également sur la zone supérieure car les éléments doivent être plus sombres que ce que j' ai fait jusqu'à présent. En fait, nous pouvons clairement voir l'ombre projetée par les autres faveurs dans ce domaine. Je l'ajoute donc en utilisant ce bleu très foncé. Et j'applique de petites touches, et comme il y a déjà de la couleur en dessous, je n'hésite pas à charger un peu plus mon pinceau pour qu'il ressorte bien. Ensuite, je travaillerai sur la texture de ce fabor comme nous l'avons fait pour les autres en ajoutant de petits traits irréguliers et foncés et probablement quelques traits plus clairs ici et là également Et dans l'ensemble, je dirais que cette faber a vraiment pris forme Le plus dur est fait. Il ne reste plus qu'à ajouter ces derniers petits détails. Je le fais avec des coups de pinceau aléatoires, un peu vers la gauche, un peu vers la droite, et c'est ainsi que je vais obtenir un febri très réaliste Ensuite, sur le côté droit, il y aura plus de fièvres, mais celles-ci sont très similaires à ce que nous avons déjà fait Je vais donc les peindre hors caméra. Ensuite, nous passerons ensemble à une dernière faveur, un peu différente, mais vous verrez que l' approche sera très similaire à ce que nous avons fait jusqu'à présent. H. Comme je l'ai dit, les faveurs de droite ont été peintes, et j'ai également peint celles de gauche. Nous allons maintenant passer à ceux qui se trouvent juste au-dessus, celui-ci en particulier, qui est un peu différent à cause des plis qu'il présente. Donc, soit vous pouvez poser une vidéo maintenant et peindre les faveurs qui ont été faites hors caméra, soit vous pouvez peindre celle-ci avec moi maintenant et revenir aux autres plus tard. Cela dépend entièrement de vous. Les deux approches fonctionnent bien. Ce que nous pouvons voir avec cette faveur, c'est qu'elle comporte pas mal de plis, et c' est ce que j'ai commencé par marquer. J'ai essayé d'indiquer les ombres créées par ces plis. Ce faisant, je me donne des points de référence qui facilitent de la fièvre et l'application des zones colorées en fonction de ces points de repère. Lorsqu'il y a autant de plis, il est facile de se demander par où commencer, où se trouve chaque zone, où se trouve la lumière et comment un pli est lié à un autre. Donc, en commençant par ces plis, qui sont assez faciles à repérer, j'ai l'impression qu'il sera plus facile de peindre le reste de la fièvre une fois qu'ils seront en place. Je peux donc maintenant travailler entre ces plis. Ce que nous pouvons observer, c'est que juste à côté du pli, il y a quelque chose d'un peu sombre, tout comme les plis. Mais dans l'ensemble, la situation s'éclaircira la semaine prochaine. Ce que je veux dire, c'est que juste avant l'automne, il fait un peu sombre, puis il devient progressivement plus clair. Il y a une sorte de dégradé qui se forme. C'est donc ce que je vais appliquer maintenant. Donc pour caresser. En fait, c'est cette légère touche juste à côté du pli suivant sur le dessus qui le fera ressortir et contribuera à créer un effet tridimensionnel avec ces plis, comme s'il y avait un petit creux ou une petite entaille en leur faveur, une différence de profondeur légère touche juste à côté du pli suivant sur le dessus qui le fera ressortir et contribuera à créer un effet tridimensionnel avec ces plis, comme s'il y avait un petit creux ou une petite entaille en leur faveur, une différence de profondeur. J'y travaille actuellement, et ce qui est intéressant à propos cette plume, c'est qu'elle est un peu différente, mais la même approche est plus ou moins la même que d'habitude Nous commençons par établir un point de référence clair lorsque la zone est complexe, ces plis, puis nous appliquons la couleur assurant que les couleurs se mélangent bien et que nous obtenons des transitions fluides. Ensuite, nous affinons la zone en ajoutant des détails à la texture pour lui donner un aspect réaliste. Et du côté de cette saveur, il y a une zone encore plus claire. C'est donc un point auquel je suis très attentif. J'applique cette lumière ou je la touche et je m'assure qu'elle se fond harmonieusement et naturellement dans les couleurs environnantes. Et comme vous pouvez le constater, l'application des couleurs et mélange se font avec un pinceau assez fin Je peux donc être très précis à chaque coup. Donc, à ce stade, nous avons quelque chose qui semble vraiment très bon. Mais ce que l'on remarque, c'est que dans cette zone, les plis sont un peu plus foncés et plus prononcés. Et c'est cette différence de valeur qui les aidera à se démarquer encore plus et à créer un effet tridimensionnel plus fort. Maintenant, avec ce pinceau fin, je vais retravailler les zones les plus sombres que nous pouvons voir sur cette partie du faber Et lorsque j'applique la couleur, j'essaie également de m' assurer qu'elle se marie bien avec les couleurs sous-jacentes. Et maintenant, avec de petits coups de pinceau, je vais travailler à l' amélioration de la zone. Nous regardons là où nous pouvons voir éléments légèrement plus foncés et nous vérifions s'il y a des parties plus claires qui méritent de ressortir un peu plus. Mais d'ores et déjà, la première partie est vraiment bien réalisée. Nous avons une base très solide. Et si nous le voulions, nous pourrions presque le laisser tel quel. Mais personnellement, j'aime pousser les choses un peu plus loin, et je veux rendre cette faveur encore plus réaliste. C'est donc ce que j' essaie de faire en ajoutant ces marques plus claires, comme ici dans la partie inférieure du favoritisme. Ensuite, j'ajouterai également quelques marques légèrement plus foncées. Le but est vraiment de créer une illusion de vie sur la toile pour donner l'impression que ce perroquet est vivant, et cela passe également par ces petits détails ajoutés C'est comme si nous ajoutions la touche finale encore et encore, et ensemble, cela finit par créer un excellent résultat. Ce sont tous de petits éléments qui ne semblent pas grand-chose de près, mais lorsque vous prenez du recul et que vous les voyez ensemble, ils donnent vie au sujet. Et maintenant, nous finalisons calmement cette dernière faveur ensemble, travaillant sur le côté gauche. Ensuite, je vous laisserai peindre vous-même les faveurs restantes. Nous avons déjà suivi toutes les étapes nécessaires en détail, et les prochaines faveurs se font exactement de la même manière. Vous verrez le modèle de référence complet avec toutes les faveurs déjà peintes sur mon sujet, alors n'hésitez pas à vous en servir comme guide. Observez l'ensemble de la pièce, observez les couleurs, les textures et le contraste. Cela peut vraiment vous aider à avancer en toute confiance. Juste un avertissement dans la zone supérieure, les saveurs ont tendance à se déplacer légèrement vers le ton bleu-vert, alors assurez-vous d'ajuster votre palette en fonction de celles-ci. Ensuite, nous reprendrons les choses pour travailler ensemble sur la partie supérieure du plumage, car elle est un peu différente du reste À ce stade, vous avez tout ce dont vous avez besoin. Et sur la base de tout ce que nous avons abordé, je suis absolument convaincu que vous êtes plus que capable de continuer sur cette lancée vous-même et d'obtenir un excellent résultat. Je vous verrai donc dans quelques minutes une fois que ce sera fait. Vous avez la référence juste devant vous, alors prenez votre temps. Ce n'est pas soulevé. Le plus important, c' est le résultat final. Et en prenant votre temps, vous y arriverez, et vous le ferez magnifiquement. 8. Peindre les plumes courbes: Passons maintenant à cette zone de faveurs située juste au-dessus des grandes zones que nous avons peintes auparavant. Cette partie est un peu différente. Vous pouvez voir que les faveurs ici ont une texture et une apparence distinctes. Nous allons donc voir comment aborder ce domaine et voir comment le faire. Il s'agit donc d'une section plus petite, mais elle nous occupera encore un moment. Je sais que ces zones semblent un peu intimidantes. Il y a une épaisse couche de fièvres, subtiles variations de bleu, jeux d' ombres entre les différentes couches et des détails incroyablement fins C'est exactement pourquoi il s'agit d'une occasion en or de s'améliorer. Travailler sur ce type de domaine complexe est un excellent exercice pour plusieurs raisons. abord, cela vous oblige à vraiment observer, non seulement à voir les faveurs, mais à comprendre comment elles sont disposées, comment la lumière les traverse, comment les couleurs interagissent. Cela vous pousse vraiment à bien réfléchir à la manière dont vous allez vous y prendre. Il y a un véritable processus de réflexion, c'est-à-dire que l'on prend le temps de se demander comment je vais peindre cette pièce en particulier. Ensuite, cela vous encourage également à faire des choix. Vous ne pourrez pas peindre chaque détail au millimètre près Vous devrez donc apprendre à simplifier sans perdre en réalisme. C'est un véritable travail artistique, à décider ce qu'il faut souligner et ce qu'il faut suggérer. Enfin, c'est le genre de moment où l'on développe patience et précision. C'est un peu comme un entraînement intensif. Cela peut sembler un peu difficile au début, mais lorsque vous passerez à un autre sujet plus simple, vous vous rendrez compte à quel point ce type d'exercice vous a aidé à vous améliorer. Ne vous découragez donc pas. Prenez le temps de définir vos couleurs, travailler sur les ombres, les reflets et les détails, et surtout, amusez-vous à relever le défi, car c' est vraiment là que vous vous améliorez. J'ai donc commencé par cette petite touche lumineuse que vous pouvez voir juste au-dessus de la zone sombre. J'ai commencé par poser la base en bleu, me demandant quelle nuance de bleu conviendrait le mieux à l'ensemble de la section. Vous pouvez remarquer que vers le haut, le ton est légèrement plus foncé, donc je le précise également. Ensuite, pour suggérer une texture fébrile et créer une impression de ridules, j'ai ajouté des traits plus foncés pour marquer les séparations au sein de la marque Certaines de ces lignes apparaissent en bas, autres en haut, alors j'ai veillé à les faire ressortir. J'ai choisi de commencer par cette couleur car elle n'est pas la plus complexe à peindre, ce qui permet de bien la réchauffer avant de s'attaquer aux olives, qui sont un peu plus délicates à manipuler Et enfin, désolé, il y a eu un bref moment de flou Ce sera mieux après. Et vous verrez que j'ajoute quelques lignes supplémentaires pour suggérer la texture de la saveur. Et celui-ci est maintenant assez bien défini, et nous allons pouvoir passer à autre chose et travailler sur ainsi que sur l' élément plus sombre qui l'entoure. À la fois en haut et en bas. Et ce contraste avec ces éléments plus sombres aidera vraiment cette faveur à se démarquer. Voici donc les dernières lignes que j'ajoute à ces fièvres. Et vous pouvez voir que cela devient assez réaliste avec ces détails très fins. J'ai donc peint les petites zones noires juste à côté. J'ai omis de montrer cette partie parce que, eh bien, ce n'était pas très compliqué de simplement peindre ces zones en noir Et maintenant, nous pouvons passer à cette petite usine juste à côté Et c'est parti. Nous commençons par créer une base en utilisant ce bleu. J'ai d'abord identifié le blues dominant. Vous pouvez voir que sur la partie supérieure, le bleu est légèrement plus foncé que sur le reste du faber. C'est donc là que je construis ma base. Une fois cette base établie, nous serons en mesure de vraiment travailler sur cette fevor et de commencer à ajouter les détails qui lui donneront un aspect vraiment réaliste Nous progressons donc vraiment pas à pas en termes de difficulté Nous avons d'abord eu l'arrière-plan, puis ces grandes caractéristiques qui nécessitaient déjà un peu de précision et de soin pour un rendu correct Nous avons maintenant affaire à des faveurs plus complexes et plus distinctives. Et ici, il n'y a pas d'issue. Nous devons ajouter tous ces petits détails pour créer cette texture fébrile. Certaines fonctionnalités peuvent nous permettre de nous en sortir avec moins de détails, mais ici, c'est un peu plus complexe Au bas de la pochette, vous pouvez remarquer ce genre de ridules comme de minuscules stries. Certaines de ces lignes vont être plus sombres, mais ce qui est intéressant, c'est que ces lignes plus sombres se trouvent également au-dessus d' une base qui est également légèrement plus foncée. C'est presque comme s'il y avait une petite ombre douce sous l'élément que j'ajoute en ce moment. C'est donc ce que j' ai inscrit en premier. Maintenant, je peux vraiment commencer à définir la faveur en ajoutant quelques touches très fines comme celle-ci pour créer une variation de valeur. Vous remarquerez que les lignes, ces petites lignes que j'ajoute ne sont pas toutes de la même obscurité, la même longueur ou de la même épaisseur. Prêtez donc attention à ces petits changements. Et pour vraiment faire ressortir ces ridules, je peux également ajouter quelques reflets, car si vous zoomez de près, vous verrez que juste à côté de certaines de ces lignes, il y a des touches légèrement plus claires qui aident à créer du volume. Donc, ce que vous pouvez également voir, c'est que sur cette zone noire, il y a juste une fine ligne, comme ici, pour cette saveur. Et voici une petite astuce pour le peindre afin de vraiment faire ressortir la peinture. Je l'ai appliquée à l'aide de la pointe de mon pinceau, et j'ai soigneusement veillé à ce que la peinture ne se mélange pas trop avec la couleur du dessous pour que le bleu reste intense. Pour avoir toutes ces ridules sur ces faveurs, j'utilise le pinceau Rigo C'est un excellent pinceau pour ce genre de travail détaillé. Cependant, juste pour que vous le sachiez, j'ai filmé ce tutoriel il y a plusieurs années. Ce n'est que récemment que j'ai commencé à le modifier. Il m'a fallu un certain temps pour me décider à me charger du montage car il s' agit d'un tutoriel très long. Et lorsque j'ai filmé cette vidéo, je ne connaissais pas encore le pinceau à épée, que j'utilisais maintenant très fréquemment. Et vous l'avez probablement vu dans de nombreux autres tutoriels et vidéos. Si j'avais connu le pinceau à épée à l'époque, c'est certainement le pinceau que j'aurais utilisé à la place du pinceau à effleurer pour ces petits éléments C'est encore plus efficace pour travailler sur des lignes très fines et précises. Donc, si vous avez un pinceau à tampon, c'est encore mieux que ce pinceau IGA j'utilise pour les détails ici Mais comme vous pouvez le constater, il fait tout de même un très bon travail. Alors maintenant, continuons et nous pouvons passer à peindre la faveur juste au-dessus. Sur cette touche supérieure, vous remarquerez que la partie supérieure est vraiment sombre, très sombre. C'est ce qui permet à cette faveur de se démarquer de celle qui la précède. Ou plutôt c'est ce qui permet à celui ci-dessus de se démarquer grâce à ce contraste. Quoi qu'il en soit, cette zone est assez sombre et j'ai commencé par définir cette ombre. Il a commencé avec du noir presque et progressivement passé à un bleu plus clair Mais cette transition ne s'est pas faite en un clin d'œil. Il était important d'inclure une valeur bleu grisâtre intermédiaire entre les deux Et maintenant, nous pouvons commencer à ajouter plus de détails à cette faveur. Pour commencer, j'ai ajouté ces lignes en utilisant un gris bleuté moyen. Et maintenant, nous pouvons également remarquer qu'il y a des éléments très sombres. Je peux entrer et ajouter de petites touches d' un bleu presque noir dans la partie inférieure, et c'est ce qui montre qu' il y a des petits écarts dans la faveur, comme si elle était faite de toutes ces fines lignes semblables à des fils. C'est donc ce que je fais ici, finalisant la zone avec ces derniers détails Et ce que nous pouvons également ajouter pour rendre cette section encore plus réaliste ou apporter quelques touches plus légères entre ces éléments. Toute cette variation de valeur va vraiment nous aider à créer une faveur qui semble très réaliste. Je vais maintenant travailler sur la fièvre juste en dessous de cette longue période. Il n'est pas nécessairement très visible et très complexe, mais il mérite tout de même d'être peint avec le même soin. Comme vous pouvez le constater, je mélange un peu plus de couleur ici, et je n'hésite pas à le rendre légèrement bleu-vert car vous remarquerez qu'il a une teinte verdâtre subtile, très subtile, mais elle est là Nous allons donc commencer par cette faveur. Et, bien sûr, la première chose que je fais est d'appliquer la couleur de base. Ce n'est pas une saveur très complexe, mais nous allons prendre le temps de le faire correctement. Et je peux aller de l'avant et peindre le cadeau dans son intégralité, puis nous verrons comment ajouter les détails et le rendre aussi réaliste que les autres. Donc, au centre de cette faveur, il y a cette longue ligne que j'ajoute maintenant. Je l'ai fait un peu trop épais, donc je vais corriger ce problème en repeignant la couleur la plus claire à côté et en la mélangeant à nouveau, mais ce n'est pas grave Ce que vous remarquerez à propos de cette ligne, c'est qu'elle n'a pas la même valeur partout. Certaines parties sont plus claires, d'autres sont plus foncées. J'ai donc décidé de commencer par ajouter les zones les plus claires, puis je reviendrai avec quelques touches légèrement plus foncées sur le dessus. Mais nous n'allons pas avoir besoin de quelques traits plus sombres partout. C'est pourquoi j'ai pensé qu'il était important d'avoir une base légère et neve puisqu'il y a également des éléments lumineux dans cette section Je préfère travailler par couches comme celle-ci, en commençant par des touches claires, puis des tons moyens et enfin des éléments plus foncés car, comme je l'ai dit, les valeurs ne sont pas uniformes sur toute la plume Personnellement, je trouve qu'il est plus facile d' avoir des détails de cette façon, en passant du clair au Plutôt que l' inverse. C'est donc ce que j'ai fait. J'ajoute cette marque ici, ce petit pli, puis nous aurons quelques détails plus subtils à ajouter. Ils ne seront pas très complexes, mais ils sont tout de même importants. Et il est vrai que vous pourriez être tenté de penser : OK, cette faveur est assez facile. Je vais simplement le parcourir à la hâte, mais c'est une erreur à éviter. Elle doit être peinte avec le même soin et la même attention que les autres, car si une fièvre n'est pas aussi bien faite ou si elle manque du même niveau de détail, elle peut ressortir et les gens peuvent avoir l'impression que quelque chose ne va pas, ce qui donnera à l'ensemble un aspect un peu moins harmonieux. Cette faveur est maintenant terminée, et nous pouvons passer au reste de la zone. Cette faveur est maintenant terminée, et nous pouvons passer au reste de la zone. Donc, la première chose que je fais est de marquer les zones noires que vous pouvez voir dans ce groupe de faveurs, car ces zones sombres serviront de points de référence. C'est un peu chaotique. Les faveurs vont dans tous les sens, et il est facile de perdre de vue où vous vous trouvez. Et pour ne pas me perdre, je prends le temps d'ajouter ces éléments plus sombres qui aident à mieux définir le placement des différentes faveurs. Maintenant que c'est fait, nous pouvons commencer. Prenez donc votre temps lorsque vous les ajoutez. J'ai un peu accéléré la vidéo ici parce que peindre ces petites sections noires est la partie la plus compliquée, Kelli Maintenant que nos points de référence sont en place, nous pouvons commencer. Nous allons commencer par le petit fièvre en bas. Ce n'est pas très compliqué à peindre, mais cela nous donne une autre référence utile. J'ai pensé que nous pourrions commencer par celui-ci parce qu'il est assez facile à peindre, et j'aime bien commencer par les choses faciles. fait d'avoir un élément simple sur lequel travailler ne rend pas le feaver voisin moins technique, mais cela me donne un point de référence utile, fois pour positionner la fièvre à côté de lui et pour choisir ses couleurs, je peux facilement le comparer à celui-ci Dans ce sens, cette simple faveur devient très utile, et commencer par des éléments simples comme celui-ci facilite grandement le reste du travail, en particulier dans les domaines où il est facile de se perdre. Ce n'est pas trop le cas ici, car les fabers sont assez bien séparés les uns des Ils sont donc assez faciles à identifier notamment grâce aux zones plus sombres que nous venons d'ajouter plus tôt. Mais sur d'autres sujets, comme lorsque vous peignez une figure humaine, disons le f, par exemple, il peut y avoir de nombreuses petites zones d'ombre difficiles à placer correctement. Donc, commencer par la partie la plus simple rend souvent la peinture des zones environnantes beaucoup plus facile à gérer. Juste au-dessus de la première zone que j'ai peinte, vous remarquerez qu'il y a une section beaucoup plus claire. C'est ce que je vais peindre maintenant et nous allons prendre le temps peaufiner et de développer cette pièce pour lui donner une belle texture. Et dans cette petite faveur, vous remarquerez également des accents sombres qui se démarquent vraiment. Je vais donc les ajouter maintenant, et ils contribuent à créer une forte impression de volume dans ce domaine. Et cette fièvre commence vraiment à prendre forme, alors je peux maintenant ajouter quelques détails supplémentaires pour rendre le tout encore meilleur. Alors voilà, une fièvre s'est dissipée, et passons à la suivante. Parfois, lorsque vous êtes confronté à une section comme celle-ci, où il est difficile de savoir par où commencer parce que la zone semble si complexe et pleine d'éléments, le simple fait de décider de commencer par les parties les plus simples est une bonne approche. Cela renforce la confiance. Et une fois que vous avez peint le premier élément, comme je l'ai mentionné plus tôt, il vous donne de nouveaux points de référence à partir desquels travailler. Tu dois juste te dire une chose à la fois. Si j'ai déjà fait une petite partie, eh bien, c'est une chose faite. Parfois, nous nous demandons par où commencer. Et le simple fait de décider de faire une chose pour nous rendre service, par exemple, ici, nous donne un but, un but. Vous pouvez vous concentrer entièrement sur cette faveur, pousser aussi loin que nécessaire. Et une fois que c'est fait, vous pouvez vous demander : OK, maintenant, laquelle vous semble gérable ensuite Et c'est exactement ce que j'ai fait ici. J'ai peint cette première faveur, puis je me suis dit : OK, pourquoi ne pas en peindre une juste à côté ? C'est donc ce que je suis en train de faire. Maintenant, en regardant cette prochaine saveur que nous peignons en ce moment, nous pouvons voir qu' elle est généralement un peu plus foncée que la précédente. J'ai donc commencé par appliquer une base avec ce bleu légèrement foncé. Maintenant, je vais y aller et je vais travailler dessus de manière plus précise. Je recherche les zones où les ombres sont un peu plus intenses lorsque certaines sections sont encore plus sombres, et je les ajoute comme ceci. Encore une fois avec cette faveur, ce sont les petits détails ajoutés à la fin qui finaliseront vraiment la texture Mais le plus important avant cela, c'est de définir correctement les zones d'ombre et de lumière car vous pouvez ajouter tous les détails que vous souhaitez, mais si vos lumières et vos ombres ne sont pas bien placées, le faber n'aura pas un aspect tridimensionnel Maintenant, la fièvre semble bonne. J'ai déjà ajouté un certain nombre de petites zones ombrées, et maintenant j'ajoute quelques points forts Je suis plutôt content de la façon dont cela s'est passé. Il semble solide, tridimensionnel et assez réaliste. Si nous le voulions, nous pourrions le laisser tel quel. Mais tu me connais. Ce n'est pas ce que je veux faire. Nous allons maintenant avoir la touche finale qui va vraiment lui donner une dimension très réaliste. J'observe donc attentivement tous les détails que nous pouvons trouver sur cette fièvre et j' essaie d'ajouter ces ridules. Il y aura des lignes avec des valeurs différentes. Donc assez foncé, d'autres beaucoup plus clair. Je les ajoute donc maintenant, travaillant avec le bout de mon pinceau pour m'assurer qu'ils éclatent vraiment. Je les place en fonction de ce que je vois, mais je n'essaie pas de faire correspondre chaque ligne au millimètre près Si une ligne n'est pas placée à l'endroit exact, comme dans la référence, ce n'est pas la fin du monde. Cela n'empêchera pas la plume de paraître réaliste. Ce qui importe, c'est d'identifier les tendances générales. Par exemple, en vous disant : «   OK, dans cette zone, il semble que les lignes sont assez concentrées ou que ces lignes sont assez sombres, courtes ou longues, puis essayez de reproduire cet effet général Vous remarquerez peut-être également que même dans les zones sombres, il y a quelques petites touches plus claires ici et là. Je vais donc ajouter ces deux, et dans l'ensemble, cela ne prend pas des milliers de lignes. Quelques traits bien placés suffisent pour rendre le FB vraiment plus réaliste Passons maintenant à cette petite zone située juste en dessous de cet élément plus sombre. Ce n'est pas très compliqué à peindre. Prenez simplement votre temps et restez concentré. Avec quelques petites touches de couleur. Cette micro-zone sera terminée. C'est une belle petite pause par rapport aux parties les plus complexes. Parfois, cela fait du bien de peindre des zones plus faciles comme celle-ci, surtout après avoir fait face de nombreux éléments difficiles. Passons maintenant à cette nouvelle fièvre, et nous revenons à des éléments un peu plus complexes. Mais je trouve celui-ci particulièrement intéressant en termes d'ombrage, notamment en ce qui concerne les détails Vous pouvez voir qu'en termes d'ombrage, nous devons créer une transition entre les parties les plus sombres du début à gauche et la zone de droite, qui est globalement nettement plus claire Nous devons donc faire très attention à appliquer les bonnes transitions dans cette zone. Ce qui sera particulièrement intéressant, c'est lorsque nous commencerons à travailler sur les détails, car dans ce domaine, les petits éléments ne suivent pas tous la même direction, ils ne suivent pas la même courbe. Nous devons donc faire attention à cela lorsque nous peignons cette zone. J'ajoute maintenant de petites zones d'ombre que nous pouvons voir dans la zone plus claire. Ce ne sont que de petites touches comme ça. Ensuite, nous pourrons travailler plus en détail sur la zone. Et comme je l'ai mentionné, nous n'aurons pas la même courbure pour toutes les lignes de détail que nous allons ajouter. Vous pouvez voir que les lignes ont tendance à suivre la direction de la ligne supérieure. Donc, pour les détails situés plus haut, la courbe remonte légèrement comme ceci. Alors que pour les lignes les plus basses, la courbe est un peu différente et suit la ligne inférieure. Au milieu, la courbe devient presque droite. Donc, comme je l'ai dit, lorsque nous passerons à la partie la plus basse, nous devrons nous adapter pour nous assurer que la courbe suit une direction descendante. Nous pouvons également constater que dans certaines zones, ces détails, ces lignes sont encore plus sombres. C'est donc ce que je fais, en ajoutant des éléments plus sombres à ce que j'ai déjà fait pour que cela ressorte un peu plus. Trois pour vraiment faire ressortir ces détails et ajouter encore plus de profondeur en utilisant ces petites lignes, je vais également travailler un peu plus sur les éléments plus légers. Donc, entre ces zones, ces lignes sombres, je vais avoir quelques petites lignes, petites touches encore plus claires que celles que nous avons appliquées au tout début, des sortes de reflets. Et dans la partie inférieure, ce sont les éléments légèrement plus légers qui font également ressortir ces plumes par rapport à celle située juste à côté, sur la droite, que nous allons peindre dans quelques secondes. Et pour m'assurer que cette fièvre se fasse vraiment sentir avant de la finaliser complètement et d'y apporter la toute dernière touche, je peins également le bord de la prochaine coupe en utilisant un ton bleuté légèrement plus foncé De cette façon, je peux avoir les détails de finition sans craindre que ce que je peins soit recouvert plus tard par la couleur de la teinte adjacente. Et maintenant, il est temps de peindre ce nouveau faber. C'est le dernier de ce type que nous allons peindre ensemble. C'est la plus complexe, et je voulais en finir avec elle maintenant que nous sommes vraiment entrés dans le vif du sujet. Les autres fabers de ce type seront réalisés hors caméra puisque le processus sera le même Et maintenant, je suis sûr que vous serez absolument capable de les peindre vous-même. Commençons donc par appliquer les couleurs. J'avais déjà mis quelque chose d'assez sombre, comme vous pouvez le voir sur le bord de la plume précédente Maintenant, je suis en train de passer à quelque chose d'un peu plus léger et encore plus léger sur le bord droit J'applique donc cette couleur, et je m'assure qu'elle se marie bien avec la précédente. La transition entre les deux se fait donc en douceur, et je mélange au fur et à mesure que j'applique ma couleur Très bientôt, nous nous concentrerons sur les détails et les petites zones d'ombre que nous mettrons en valeur. Mais avant d'ajouter ces détails, je vais renforcer un peu plus les ombres. Et ce que je peux aussi faire, c'est peaufiner le look de l'autre fabre qui se superpose à celui-ci En fait, le faber que j'ai peint plus tôt sur la gauche n'était pas complètement terminé non plus puisque quelques traits de celui-ci les recouvrent. J'y suis donc retourné et j'ai ajouté ces touches. Maintenant, en regardant la partie supérieure de cette plume, cette nouvelle plume, vous verrez quelques petites lignes visibles Ils ne sont pas très longs, plutôt courts et un peu plus foncés. Ils se démarquent assez bien, alors j'ai pensé que je pourrais aussi les ajouter. Et en passant en revue cette zone, j'ai également pensé que l'ombre pourrait être légèrement améliorée en bas, ici même. J'ajoute donc une petite touche de ce bleu plus foncé. Sur le bord, j'ai ajouté de très courts traits foncés. Et au milieu, vous pouvez voir qu'il y a des lignes de longueur moyenne. Ils sont donc modérément sombres et d'autres sont beaucoup plus sombres. Donc, je commence par appliquer ceux qui sont modérément foncés. Et puis en plus de ça, je peux en ajouter quelques plus sombres comme celui-ci. De cette façon, nous obtenons une belle alternance entre les tons moyens et les valeurs très sombres, comme nous pouvons le voir sur la photo d'une référence, ce qui nous aide à créer une texture préférée qui semble assez réaliste Je vais donc continuer à travailler sur ce domaine en continuant à ajouter des éléments plus détaillés comme celui-ci. fait déjà plus d'une heure et demie que nous travaillons sur la texture de la plume Et voici le secret que je veux partager avec vous à propos de la peinture sur les fièvres La vérité, c'est qu'il n' y a pas de secret. Il n'y a pas de méthode spécifique suivre chaque fois que vous peignez une plume Quand je peins une faveur, je ne me dis pas C'est une faveur », alors je dois la peindre de cette façon parce que c' est ainsi que doit être peinte une faveur. Ce n'est pas du tout ainsi que je l' aborde. Que je peigne une fièvre ou tout autre objet, j'essaie d'y arriver sans aucune idée préconçue ou presque J'observe simplement les éléments présents dans cette partie de l'animal et je me demande : de quoi est-elle faite ? Qu'est-ce que je vois ? Et c'est sur cette base que je décide comment le peindre. Je ne pense pas que parce que c'est une faveur, il faille le peindre de cette façon et pas autrement. En fait, vous pouvez clairement voir que les faveurs sur lesquelles nous travaillons en haut sont très différentes de celles en bas. Ce n'est pas du tout la même approche. Et plus tard, vous verrez que ceux qui se tout en haut nécessiteront également une manière de peindre différente. Et c'est ainsi que cela fonctionne pour la plupart des peintures que vous allez réaliser. Tu dois te dire que je vais peindre cet objet. De quoi est-il fait ? Que dois-je faire pour le représenter ? Et c'est exactement ce que je me suis dit avant de tourner cette vidéo et de peindre ces faveurs. J'ai examiné de près les faveurs sur lesquelles nous travaillons en ce moment, et je me suis dit : « De quoi sont-elles faites ? Et j'ai vu qu'ils sont construits sur une base bleue avec différentes zones ombrées en bleu. Et au-dessus de ces tons bleus, nous pouvons voir une série de lignes courbes souvent de valeurs différentes, et c'est tout. C'est tout ce dont j'ai besoin pour peindre. Je m'en fous que ce soit une faveur. Quand je le peins, je peins simplement ce que je vois, et ce que je vois avec mes yeux est ce que je mets sur la toile. Alors maintenant, je vais ajouter ces dernières petites touches à cette faveur. Vous pouvez voir qu'il y a de petits éléments qui passent au-dessus de la zone sombre. Je les ai donc également ajoutés. Et c'est joli. Je termine avec quelques points saillants ou des touches très légères. C'est donc l'approche à suivre pour ces faveurs. Cela prend un peu de temps. C'est vrai, et il en reste encore quelques unes à faire dans la partie supérieure avant de passer aux fièvres au sommet de l'animal, qui sont un peu différentes Et donc pour ces autres faveurs, vous pouvez absolument le faire Tu es capable de le faire. Prends ton temps, et je te reverrai une fois cette partie terminée. Et dans la vidéo suivante, vous pourrez voir exactement à quoi ressemble cette zone une fois peinte. 9. Mélanger les autres couleurs: Après avoir analysé les tons bleus, nous nous intéressons maintenant aux autres couleurs du perroquet, qui sont tout aussi riches et diverses Le plumage orange s'avère particulièrement brillant et éclatant Il présente un orange vif saturé avec des accents plus foncés. Ce qui est particulièrement intéressant c'est qu'au bas de cette zone, on peut apercevoir de petites touches verdâtres qui, mélangées à l'orange, créent des tons légèrement bruns, mettant en valeur la texture naturelle de cette partie de la L'iris du perroquet a une couleur complètement différente, un ocre profond, quelque part entre le jaune foncé et le brun clair Ce ton chaud contraste avec le reste du visage et attire l'attention. Une autre zone clé est la zone grise du visage, qui est très texturée Il ne s'agit pas d'un gris plat, mais d'une série de nuances variées allant du gris clair aux tons chauds, presque beiges dans certaines zones. Et dans certaines zones, vous pouvez même trouver de subtiles notes de rose qui donnent vie aux détails. Enfin, le plumage vert sur le dessus de la tête nécessite plusieurs valeurs de vert allant du clair au foncé pour créer du volume et de la dimension Ces changements de direction sont essentiels pour mettre en valeur la profondeur, la lumière et la complexité du faber Voici donc quelques-unes des couleurs que nous allons mélanger. Et, bien sûr, si nous réalisons qu'il nous en faut plus pendant le processus de mixage ou même après la peinture au vent, nous en ajusterons et en créerons d'autres. Passons maintenant au mélange des couleurs pour la deuxième partie. Et vous pouvez remarquer que sur ma palette, j'ai également ajouté du cadmium orange. C'est une couleur assez intéressante et utile pour créer des oranges intenses. Voilà, si vous n'avez pas cette couleur, n'est pas grave non plus. Grâce au jaune citron, vous pouvez également créer des oranges assez lumineuses en termes de luminosité et de saturation J'utilisais beaucoup le cadmium orange à mes débuts, mais plus tellement maintenant. J'ai donc créé le premier jaune-orange pour les zones supérieures qui sont plus claires et plus jaunâtres. Maintenant, j'utilise cette orange au cadmium pour faire quelque chose d'un peu plus jaune. Je suis donc parti de cette orange au cadmium, qui est en fait une orange moyenne, ne penche pas trop vers le jaune ou le rouge, mais est vraiment une orange équilibrée. Et j'ajoute une petite touche de jaune pour le rendre légèrement plus jaune-orange. Nous allons donc continuer. Nous allons créer toute une gamme d' oranges car vous pouvez voir que dans cette section du plumage, il y a beaucoup de variations dans les saveurs Il est donc important pour nous d'avoir la même variété de couleurs que nous utilisons, car c'est ce qui nous aidera vraiment à créer du volume dans ce domaine. Alors là, j'ai trouvé que l'écart entre les deux premières couleurs que j'ai mélangées était peut-être un peu trop grand. Maintenant, j'ai quelque chose de plus entre les deux, à mi-chemin entre le premier et le deuxième mix. En partant de l'orange cadmium, je crée une couleur légèrement plus jaune-orange en ajoutant juste une petite touche de jaune au mélange. Ensuite, je vais créer une couleur qui penche davantage vers le rouge-orange car certaines parties du plumage ont des tons plus rougeâtres Donc, en mélangeant le rouge et l'orange cadmium, je crée cette nouvelle couleur. En fait, l'orange cadmium est principalement un raccourci. Cela vous donne tout de suite une orange assez équilibrée. Vous pouvez facilement créer une teinte similaire en utilisant uniquement ce jaune citron et ce rouge permanent, à condition contrôler soigneusement le ratio pour obtenir ce type d'orange moyen. Maintenant, je vais m'en servir comme base pour mélanger quelque chose d'un peu plus brun pour zones les plus sombres de ce plumage Donc, dans cette orange, j'ajoute un peu d'ombre rouge et brûlée. Le rouge empêche la couleur de virer au verdâtre lorsque j'ajoute de l'ombre brûlée à ma couleur Passons maintenant au mélange des légumes verts. Comme vous pouvez le constater, il y a du vert assez intense dans certaines zones et d'autres plus foncées. Encore une fois, nous allons créer une gamme complète de tons verts pour donner à cette partie du plumage un aspect réaliste et plein de volume Comme nous l'avons vu lors de l'analyse, il y avait beaucoup de légumes verts différents, encore plus que ceux que j'ai choisis sur la photo. Mais c'est justement ce qui fait la différence. C'est cette grande variété de tons qui nous permet de donner de la profondeur et du volume à toutes ces plumes. Donc, ici, je viens de créer un vert moyen, moyen en termes d' intensité et de valeur. Je vais maintenant utiliser un vert beaucoup plus foncé pour certaines zones qui sont les parties les plus sombres du plumage J'ai donc ajouté une bonne quantité de bois brûlé et de bleu outremer. Le bois brûlé aide à rééquilibrer le vert car si je n'utilise que du bleu outremer, je vais me retrouver avec un vert un peu trop Ensuite, nous créons plus de variations en ajustant la proportion de bleu et de bois brûlé et en ajustant la quantité de blanc pour obtenir différentes nuances, certaines plus claires Par exemple, ici même, j'ai remarqué que dans ce mélange, j'ai ajouté trop de blanc, ce qui a rendu le vert un peu trop pâle. Je l'ai donc rééquilibré en ajoutant plus de bleu et surtout une bonne quantité de jaune pour redonner vie au vert Les autres bleus que nous avons dans la palette, comme le bleu multiple et le bleu tallo, sont également extrêmement utiles pour mélanger les verts Ils nous permettent de créer des verts beaucoup plus intenses, ceux que nous ne pourrions pas mélanger en utilisant uniquement notre palette de cinq couleurs de base. Et comme vous pouvez le constater, ce vert que je viens de créer est extrêmement éclatant, et il fonctionnera très bien pour mettre en valeur les petites touches lumineuses qui apparaissent dans les zones vertes du plumage Et enfin, je vais mélanger un dernier green. Celui-ci sera également un peu intense, mais pas autant que le précédent. C'est pourquoi j'ai simplement ajouté une petite touche de bleu, plus des autres couleurs classiques que j'ai utilisées jusqu'à présent. Et le résultat est un vert vraiment agréable qui convient parfaitement à cette zone du plumage concerne le mélange des couleurs bleues, j'accélère la vidéo parce que nous mélangeons essentiellement les mêmes couleurs qu'avant, c'est juste que je n'en avais pas assez sur ma palette, alors je recharge et je recrée ce type de Très similaire au premier que nous avons créé. Et je mélange également un peu de noir pour cette zone que nous avons juste sous les plumes oranges. nous pouvons voir qu'il fait très sombre, je crée noir avec du Bertenber et du bleu outremer, et nous allons également créer des variantes en peignant car vous pouvez voir que certains éléments sont un peu plus clairs Donc, avec toutes ces couleurs, je pense que nous sommes prêts à partir. 10. Peindre les plumes bleues sur le haut: semblerait que pour le moment, pour le moment, je suis vraiment désolée, mais je n'ai pas les images pour cette partie. Je l'ai enregistré, mais malheureusement, l'éclairage était très faible et il était très difficile de voir ce qui se passait, alors j'ai choisi de ne pas l'inclure. Mais ne vous inquiétez pas, nous allons continuer et compenser avec le reste des faveurs. N'hésitez pas à publier la vidéo ici pour prendre votre temps et peindre également cette partie supérieure. Heureusement, ce n'est pas le domaine le plus complexe à peindre, surtout après tout ce que nous avons déjà travaillé ensemble. Et je suis sûr que vous allez très bien gérer cette zone, même sans la vidéo, car nous avons déjà traité la plupart des éléments techniques pour les faveurs, et cette partie consiste principalement jouer avec les ombres et les reflets pour augmenter le volume. Il y a juste cette petite section sur la gauche qui est un peu plus délicate Vous remarquerez qu'il comporte beaucoup de détails fins avec de petits traits et même des points sur les éléments Alors prenez votre temps avec cette partie. Et une fois cela fait, nous pouvons passer sereinement au reste de ce plumage Nous commençons maintenant par la partie supérieure, et vous remarquerez ici qu'il y a un fort contraste avec certaines plumes extrêmement légères. Je les appelle mèches parce qu'elles ressemblent presque à des cheveux humains, à un perroquet comme à des cheveux balayés par le vent J'ai donc d'abord ajouté les traits sombres pour les utiliser comme points de référence, puis j'ai placé des touches beaucoup plus claires à côté d'eux pour créer du contraste. Vous remarquerez également qu'il y a un léger effet de flou dans cette zone avec l'arrière-plan Pour ce faire, j'ai délicatement mélangé la partie supérieure des fabers sur le fond noir, ce qui contribue à créer un aspect doux et diffus Je poursuis le travail ici, et l'objectif est vraiment d' être précis dans ce domaine. Lorsque je commence à peindre cette zone, j'utilise ce pinceau assez fin et je m'assure que mes couleurs se mélangent bien, afin d'obtenir de belles transitions entre les différentes nuances. C'est ainsi que j' aborde les choses. Ici aussi, vous devez vraiment être très méticuleux lorsque vous vous fondez dans le fond noir Pour cela, je vais vraiment essayer de laisser presque toucher le noir pour que le mélange apparaisse complètement naturel et renforce ce léger effet de flou Et pour éviter toute transition brutale entre l'arrière-plan et la zone claire, je vais également travailler le long du bord de l'arrière-plan en ce bleu légèrement plus foncé appliquant ce bleu légèrement plus foncé sur toute la bordure. De cette façon, je peux le fondre dans l'arrière-plan et la transition se fait en douceur. Mais pour que la transition soit encore meilleure, je vais également utiliser une partie de ce bleu encore plus foncé et très proche du fond noir. Et pour que je puisse mieux le mélanger avec le fond noir. Et cela permet également de régler correctement ce mélange sans trop brouiller le bleu , sinon le bleu pourrait être terni par le noir et perdre son Et maintenant, je peux appliquer cette couleur très claire qui fera vraiment ressortir tous les tons plus foncés environnants. Vous remarquerez donc qu'il y a deux petites craintes que je n'ai pas ressenties au début, car elles sont assez similaires à ce que nous venons de faire et ne sont pas particulièrement complexes Et je voulais que nous passions à la zone de gauche et que nous vous montrions comment gérer cette grande zone de plumes bleues. Et c'est le dernier type de plume bleue que nous allons rencontrer Et vous pouvez clairement voir que celles-ci sont encore une fois très différentes de celles que nous avons peintes au début, de ces grandes plumes, puis des plumes incurvées que nous ajoutons sur le côté, et de ces petits éléments que nous venons de peindre en haut, qui étaient en fait assez simples. On voit ici que ces fièvres prennent la forme de lignes assez droites, plus épaisses à certains endroits, plus épaisses à certains endroits, et qu'elles se chevauchent et se croisent souvent C'est donc ce que nous allons essayer de recréer, et nous voulons nous assurer d'obtenir une texture favorable qui correspond à ce que nous voyons dans cette zone La première chose à faire est donc de bien appliquer vos couleurs. Et dans ce cas, ce qui aide vraiment, c'est de commencer par placer les éléments lumineux comme points de référence. Nous sommes dans une zone où le bleu est d'un ton assez moyen, assez similaire aux bleus que nous avons peints plus tôt. Et nous avons ces traits beaucoup plus légers qui sortent vraiment du lot. C'est donc ce que je suis en train de faire. Je les applique et les positionne abord parce qu'ils ressortent bien, comme je l'ai mentionné, ce qui les rend plus faciles à identifier et à placer. Nous y voilà donc. J' applique ma couleur dans ces différentes zones et, ce faisant, je crée de bons points de référence qui m' aideront à peindre entre les deux plus tard. Je peux maintenant continuer et placer d'autres éléments de référence. Cette fois, en utilisant des bleus légèrement plus foncés, vous pouvez voir qu' il y a d'autres zones qui se détachent dans la masse. Il y a cet élément sur le côté droit. Nous avons également des zones plus bas et vers la droite que je peux ajouter. Par exemple, ici, il y a une sorte de lignes épaisses que vous pouvez clairement distinguer. Il y a également quelques détails dans la zone centrale, et j'essaie d'identifier tous les éléments qui ressortent vraiment du lot et que je peux facilement positionner. En plaçant un élément qui semble simple à positionner, je peux probablement en placer un autre juste à côté. Le fait de positionner un élément de référence devient un guide pour le placement du suivant. C'est toujours la même logique. Lorsque nous sommes confrontés à une zone complexe, nous nous demandons quoi je pourrais commencer par qui est relativement facile. Nous peignons celui-ci d'abord et le suivant, et ainsi de suite. Ici, par exemple, je pense que je peux travailler entre ces zones maintenant travailler entre ces zones avec un bleu légèrement plus clair. Et ce qui est également important lorsque vous travaillez dans cette zone, c'est d'observer réellement le mouvement, de regarder de près la direction des faveurs et d'ajuster ou de documenter le refroidissement. basant sur le flux naturel de ce qui s'y trouve, essayant vraiment de peindre dans la bonne direction, car c'est ce qui nous donnera le sens du mouvement. Et chaque fois que nous essayons d' identifier la direction, comme lorsque nous peignons de l'air, nous essayons d'observer de grosses bûches, de gros éléments, et nous les peignons au fur et à mesure qu'ils coulent. Maintenant que j'ai peint ces éléments, qui servent de points de référence, je peux commencer à peindre avec un bleu probablement un peu plus clair, le bleu moyen, qui est celui que le bleu moyen, qui est celui nous voyons le plus dans cette zone. Il sera présent dans presque toute la zone blanche qu'il me reste à peindre. Bien entendu, ce ne sera pas exactement la même teinte partout. J'aurais probablement besoin de l' ajuster un peu au fur et à mesure. Maintenant, je peux commencer à peindre entre les formes de référence que j'ai placées plus tôt, et il devient instantanément beaucoup plus facile pour moi d'identifier les bonnes couleurs que je dois appliquer pour créer la base, car l'objectif ici encore une fois est d' établir une base solide, obtenir les bonnes couleurs aux bons endroits avec point de référence fort afin pouvoir ensuite tout affiner davantage détail. C'est à ce moment-là que je vais vraiment travailler sur la texture et créer une impression de nombreux petits détails entrelacés dans toute la zone. Mais avant de pouvoir obtenir cet effet, j'ai besoin d'une bonne application de couleur. Et même à ce stade, rien qu'avec l'application de la couleur, je peux déjà commencer à donner du mouvement en observant la direction et ajustant mes coups de pinceau Maintenant, je vais continuer à me concentrer sur le placement correct des différents éléments. Et une fois qu'ils seront tous en place, je pourrai mélanger les différentes zones. Le but du mélange entre ces différents bleus est vraiment de s'assurer que chaque teinte reste à sa place, car n' oublions pas application minutieuse de toutes ces couleurs a pris un peu de temps Cela a dû prendre 5 bonnes minutes, ce qui n'est pas rien, donc je ne voudrais pas annuler tous les efforts et devoir recommencer à zéro. Ainsi, lorsque je commencerai à mélanger les différentes zones, je prendrai vraiment mon temps assurer que chaque couleur est appliquée correctement et reste là où elle est censée être Ainsi, plus tard, lorsque je passerai à l'étape finale, en ajoutant des détails et de petites ombres, le processus sera beaucoup plus fluide et beaucoup plus facile. Bien sûr, je sais qu' il y aura encore des points que je devrai revoir et peaufiner, mais mon objectif est de minimiser ces retouches en faisant les choses correctement le plus tôt possible. Oh maintenant, je vais commencer à travailler sur ce domaine avec plus de précision. Je ne dirais pas que nous en sommes encore au stade de l'ajout des derniers détails, mais nous allons essayer de rendre cette section plus réaliste. Et cela passe par l'affinement des zones d'ombre et de lumière, des parties les plus sombres et des reflets plus clairs. Nous avons appliqué une base solide, mais à l'intérieur de cette base, nous pouvons remarquer de petites zones d'ombre et des touches plus claires qui sont beaucoup plus subtiles et fines que ce que nous avons fait jusqu'à présent. Plus tôt, nous nous sommes concentrés sur le blocage des grandes formes et sur l' identification des masses principales. Mais maintenant, dans ces zones plus vastes, nous pouvons voir des caractéristiques beaucoup plus petites. Je ne voulais pas les peindre plus tôt car ils demandent plus de précision, et j'ai préféré les laisser pour la phase suivante. Maintenant, je vais commencer à identifier les zones les plus sombres et les plus claires que je vois ici. En général, la majeure partie du travail que je dois faire maintenant consiste à ajouter des éléments légèrement plus foncés car dans cette zone, il n'y a pas beaucoup d'éléments clairs, et nous avons ajouté la plupart des éléments clairs au début parce qu'ils servaient de points de référence. Encore une fois, la clé ici est l'observation. Et je vais parcourir toute la zone de cette section de favoris et me demander s'il y a un endroit où je devrais ajouter un peu plus d'obscurité. Cette partie a-t-elle une valeur légèrement plus élevée ? Quelle forme prend-il ? Parfois, la forme n'est pas très nette, juste des taches irrégulières. Et au fil du temps, souvent, dans ce domaine, il s'agit de quelque chose de plus distinct comme un rectangle long et étroit J'observe ensuite le sens de ces éléments que je dois ajouter. Cela rendra la texture encore plus convaincante et créera encore plus de mouvement dans cette zone. Et comme vous pouvez le constater, je me concentre principalement sur un groupe de couleurs, un groupe de couleurs à la fois. Et j'essaie d'appliquer le même ton partout où je le vois dans cette partie du plumage Cela fait du bien de dire que nous avons enfin atteint le dernier stade de ces fièvres bleues Donc, en attendant, nous y travaillons depuis un bon moment. C'est assez technique, parfois un peu répétitif, même si, pour être honnête, nous avons travaillé sur toutes sortes de types de fièvre. Mais vraiment, félicitations pour être arrivé jusqu'ici. C'est déjà une grande réussite. Et ce sont ces domaines techniques difficiles qui nous aident le plus à nous améliorer , car nous devons les observer de près. Choisissez les bonnes couleurs, gérez le mélange, créez de la texture. C'est ainsi que nous progressons étape par étape en prenant le temps de faire les choses correctement, même lorsque c'est long ou exigeant, comme dans cette partie. Nous travaillons sur le bleu et uniquement sur le bleu depuis près de 2 heures. Alors sincèrement Bravo, félicitations parce que vous vous y êtes tenu, et le résultat en vaudra la peine. Alors continuons. Nous sommes en train de terminer ce domaine, et progressivement nous commençons à passer à un élément plus détaillé. C'est pourquoi, comme vous pouvez le constater, je suis passé à mon pinceau Riga. Donc, avec ce pinceau très fin, je vais maintenant ajouter les derniers détails à ce tableau. Elles prennent la forme de fines petites lignes, allant plus ou moins dans le même sens général. Ils se dirigent tous vers la droite. C'est donc ce que je vais essayer de faire, même s'il est clair qu'ils ne suivent pas exactement le même chemin. Certains bits de courbe dépassent des angles légèrement différents. Donc ici, il s' agit vraiment d'y aller au cas par cas. Bien entendu, je n'essaie pas de copier chaque ligne millimètre par millimètre Mais au lieu de cela, j'observe et essaie de repérer les tendances générales, genre : « OK, ici je vois que les lignes sont si longues. Ils suivent ce type de courbe, et il y a cette nuance de bleu particulière. Je vais donc essayer d'en ajouter quelques-uns comme ça. Ensuite, ici, je remarque que certaines lignes sont un peu plus courtes, un peu plus droites, moins courbes Je vais donc les peindre en deux. Et en plus de certaines lignes que je viens de peindre, je peux également en voir deux ou trois plus sombres. Je vais donc essayer de les ajouter également. Et c'est ainsi que je pense lorsque je traite d'un domaine comme celui-ci qui comporte de nombreux détails. C'est ainsi que je vais terminer cette zone et créer la texture, et je vais répéter ce processus dans le reste de la zone. C'est ainsi que le mode prédateur est de nouveau activé. Je suis en train de tout scanner. Et dès que je repère une ligne qui me plaît ou une petite zone un peu trop vide dans ma peinture, j'y vais et j'ajoute ces détails immédiatement. De cette façon, c'est fait. C'est fait, je ne l'oublierai pas. Nous allons donc continuer comme ça pendant les prochaines minutes pour mettre fin à cette zone. Alors maintenant, je vais continuer à ajouter de petites touches dans tout ce domaine. Encore une fois, c'est vraiment une question de patience et d'observation. Prenez donc le temps de placer tous ces petits détails, appréciez le processus, comme on dit, et sauvegardez chaque trait, car c'est ce qui vous rapprochera du résultat final de cette grande section bleue. Et je continue avec ces éléments un peu plus sombres pour le moment. Ensuite, j'ajouterai quelques reflets plus clairs qui aideront vraiment à tout mettre en valeur et à donner à l'ensemble de la zone un aspect complètement fini Maintenant, lorsque je veux que ces traits plus légers ressortent vraiment, me suffit d'utiliser le bout de mon pinceau. De cette façon, la couleur reste propre et ne se mélange pas à ce qui se trouve en dessous. Cela signifie également que je dois recharger mon pinceau plus fréquemment que d'habitude, mais cela en vaut la peine pour que les reflets restent nets et lumineux Vous. Nous arrivons donc à la fin de cette zone, encore quelques coups de pinceau, comme vous pouvez le constater, puis nous pourrons passer à la section suivante, la zone orange où un autre défi vraiment intéressant nous attend 11. Painting the orange feathers: Passons maintenant à cette zone orange, sur laquelle il est très intéressant de travailler, et elle va nous permettre de changer complètement ambiance après tout ce que nous avons fait avec le blues. Nous entrons maintenant dans une zone de couleurs beaucoup plus chaudes, plus vives et plus éclatantes, et c'est cette chaleur qui va apporter énergie et vie à notre sujet. Mais attention. Même s'il est tentant de n'appliquer qu'une seule teinte d'orange partout, vous devrez être précis et attentif car cette zone est pleine de variations subtiles Il y a des reflets jaunâtres en haut, tons orange rougeâtre au milieu et des zones plus sombres qui penchent vers le brun à certains L'objectif ici est donc vraiment de travailler sur votre mélange, faire attention aux transitions et d' oser ajuster et changer de couleur au fur Regardez également de près la direction des faveurs. Ils sont assez courts, dans l'ensemble, assez denses, et ils semblent s'écouler vers le haut avec une légère courbe. Comme toujours, nous adaptons nos coups de pinceau pour suivre ce mouvement naturel afin de donner aux fébors une impression de volume et de structure Enfin, dernier point important, cette zone orange se trouve juste à côté d'une zone beaucoup plus foncée en bas. C'est ce fort contraste qui va vraiment faire ressortir la lumière orange. Mais c'est aussi une zone un peu délicate à peindre. Veillez donc à ne pas trop mélanger les couleurs. Sinon, l'orange pourrait devenir terne. Nous verrons également un fort contraste avec la zone verdâtre de gauche Encore une fois, nous devons travailler avec soin sur ces transitions entre l'orange et le vert. Vous remarquerez que quelques touches de couleur éparses aident à combler le fossé entre les deux. Alors prenez votre temps, observez attentivement, et surtout, appréciez de travailler avec cette couleur vive et éclatante. C'est une belle nouvelle étape dans la peinture, et vous verrez que le résultat peut être absolument spectaculaire. Pour commencer ce domaine en toute confiance, je vais commencer par appliquer les couleurs de base avec soin. J'essaie d'identifier les zones les plus claires, les plus sombres, mais aussi les zones les plus rougeâtres. Vous remarquerez que la partie supérieure de cette zone est globalement assez claire. J'applique donc un orange jaune clair. Ce qui me convient plutôt bien pour cette section. Cependant, au fur et à mesure que nous nous déplaçons sur le côté, la couleur passe progressivement à un orange plus classique. Et à l'extrême droite, il devient orange encore plus profond et plus équilibré, pas aussi jaunâtre que dans la partie supérieure Donc, commencer par construire une base solide et m' assurer que j'applique les couleurs au bon endroit facilite vraiment le reste de la peinture. C'est exactement ce que je fais ici. Et à chaque fois, je prends un moment non seulement pour appliquer mes couleurs avec soin, mais aussi pour faire une pause au préalable et me demander : « D'accord, en regardant cette zone, comment pourrais-je la diviser ? Où puis-je voir le plus d'orange pure ? Où puis-je remarquer une sorte de jaune-orange ou même un jaune très vif, presque citronné ? Chaque fois, j'essaie de décomposer mentalement la zone en différentes zones de couleur avant de la peindre. C'est en fait assez similaire à l'exercice que nous avons fait dans le cours de portrait ou dans le cours sur le corps humain. Et si vous ne les avez pas encore fait, je les recommande vivement car ils sont vraiment utiles, quel que soit le sujet sur lequel vous travaillez. Dans ces exercices, nous avons divisé le corps en zones, et tous les petits détails ont été ignorés, et nous nous sommes concentrés uniquement sur les zones de couleur à l'aide d'un filtre Photoshop pour y parvenir. C'est un excellent moyen de vous entraîner à identifier plus précisément les zones de couleur clés. Et c'est exactement ce que je fais mentalement avant de commencer à peindre. Je décompose le tout en zones de couleur simplifiées, ce qui m'aide à aborder le reste du travail avec un plan clair et à peindre avec plus de précision les différentes zones de couleur. Et toutes ces zones de couleur orange et jaune orange sont vraiment liées les unes aux autres. Ils font tous partie d'un même tout. Au fur et à mesure que j'applique la couleur, je commence également à mélanger légèrement pour m'assurer que nous obtenions des transitions douces entre les différentes zones orange. C'est dans cet esprit que nous continuerons de progresser prudemment pour établir une base solide dans l'ensemble de la région. Je vais accélérer un peu la vidéo pour le reste de l' application couleur, car c'est vraiment le même processus que nous avons déjà fait à de nombreuses reprises. Ce qui va être vraiment intéressant, c'est ce qui va suivre, est-à-dire créer la texture préférée dans cette zone. Donc pour l'instant, je ne fais qu' appliquer mes couleurs, et sur la partie supérieure, je laisse un petit espace blanc qui correspond à ce type de zone verdâtre Je préfère garder cette partie pour plus tard. H Ce n'est pas parce que j' accélère la vidéo que vous devez accélérer vos coups de pinceau Prenez votre temps et appliquez votre travail avec soin et précision. Nous sommes toujours en train de construire une base solide. Le but ici n'est pas d'aller vite, mais de faire les choses correctement et étape par étape. Maintenant que cette zone est entièrement peinte et que nous avons une base solide, nous allons commencer à l' affiner un peu, cherchant à mettre en valeur certaines des petites zones d'ombre que nous pouvons voir. Ces ombres ont souvent des formes distinctes, et ce sont ces formes qui aident à définir la structure de chaque fibre. Ainsi, chaque fois que je travaille dans ces zones, je prends le temps d' observer mon sujet de près. Vous remarquerez peut-être que j' utilise mon téléphone pour voir la photo de référence. C'est quelque chose que je trouve très utile car cela permet de garder l'image juste à côté de moi, près de mes yeux. Je n'ai pas besoin de regarder une image éloignée, et surtout, je peux zoomer et étudier les derniers détails avec précision. Donc, juste un petit conseil sur les côtés, mais c'est certainement quelque chose qui fonctionne bien pour moi lorsque j'ai besoin de peindre avec précision. Je suis donc en train d'identifier tous les petits détails de cette zone, désolé. J'ai ajouté une couleur légèrement plus foncée et plus brunâtre à ma palette pour les parties inférieures de ces fabers Et en réalité, les petites zones d'ombre ont tendance à suivre la forme des fabers. Ils aident à définir à la fois les détails et les ombres que nous ne pouvions pas vraiment peindre plus tôt lors de la phase d'application des couleurs À ce stade, dans le perroquet, les éléments que j'ajoute maintenant visent principalement à améliorer l'ombrage, mais ils sont assez minimes dans l'ensemble. Vous pouvez donc les considérer comme de petits détails à l'intérieur de la zone Je les ajoute donc un par un. Cela dit, j' essaie toujours d'observer et de regrouper des éléments ayant des valeurs similaires, afin de continuer à utiliser la même couleur et de travailler plus efficacement. Et en y regardant de plus près, vous verrez que nous trouvons beaucoup de ces touches plus sombres, en particulier sur le côté droit, qui est la partie la plus profonde et la plus ombragée de cette partie du plumage Parfois, vous m'entendez utiliser le mot efficacité, et je sais que c'est un mot qui peut faire grincer des dents certaines personnes, en particulier certains artistes. Ils pourraient penser : Non, la peinture est censée être une question de plaisir et de détente, pas une question d'efficacité ou de précipitation Mais quand j'utilise le mot efficacité, je veux dire optimiser mon temps. Notre temps n'est pas infini, et j'aime personnellement voir mon sujet prendre forme pour le voir avancer. Donc, si je peux éviter de perdre du temps, inutilement, je le ferai Il ne s'agit pas de se précipiter ou d'essayer de terminer les choses rapidement. Il s'agit de tirer le meilleur parti de mon temps. Je peux donc tout aussi bien faire les choses, mais en moins de temps. J'ai ainsi réussi à avancer parce que, comme je l'ai dit, notre temps est limité. Quand j'ai commencé à peindre, j'avais un travail à plein temps, donc le temps était déjà compté, et le fait d'avoir des enfants signifiait que j'avais encore moins de temps libre. Donc, si je voulais progresser sur un tableau, je devais trouver un moyen d' être un peu plus efficace. C'est ce que je veux dire lorsque vous m'entendez parler d'efficacité en peinture. Cela n'a rien à voir avec le fait précipiter le processus ou de réduire les coûts. Je dois avouer que je suis parfois un peu impatiente, et j'ai souvent envie de voir le résultat final rapidement. Et j'ai toujours hâte de commencer le prochain tableau. Mais ici, l'efficacité signifie simplement faire de la place au progrès, même dans le cadre d'une vie bien remplie. Et je pense que c'est important parce que même si la peinture est un loisir ou une activité créative, nous avons tous une vie bien remplie avec un travail, enfants, une famille et d'autres choses à faire. Et si nous voulons continuer à avancer, apprendre et à progresser, profitant d'autres choses dans la vie, alors ce type d' efficacité est vraiment important. Pendant que je parlais d'efficacité, j'ai continué à faire de bons progrès. Vous pouvez voir que sur le côté gauche, les faveurs, les lignes que j'ai ajoutées suivent une direction différente. Leur flux tend à se déplacer davantage vers la gauche. C'est donc ce que j' ai souligné. Une chose à surveiller plus tard, c'est que dans certaines zones, vous verrez des lignes se croiser dans des directions légèrement différentes, ce qui n'était pas vraiment le cas dans la zone bleue supérieure, par exemple. C'est donc une chose à laquelle il faut porter une attention particulière et sur laquelle il est intéressant de travailler. Et nous ajouterons ces éléments en temps voulu. heure actuelle, l'essentiel est d'observer et de se demander quelle est la direction dominante des lignes dans telle ou telle zone spécifique. Et c'est exactement sur cela que je m'attache identifier le mouvement dominant le plus visible et à le suivre. Je passe maintenant à une couleur légèrement plus brunâtre pour travailler le long du bord de cette zone très foncée à contraste élevé Ces traits bruns plus foncés que j'ajoute le long de la bordure aideront en fait à créer une transition entre la zone orange et la zone noire. Vous remarquerez également que je n'ai pas encore peint la petite section située juste à droite de la zone sombre, qui s'étend vers le bas. C'est parce que les couleurs y sont un peu différentes avec un mélange de tons verdâtres et brunâtres. J'ai donc décidé de laisser cette partie pour plus tard. Je continue donc à travailler sur ce domaine, toujours à la recherche de petits détails pour ajouter petites touches qui peuvent aider à améliorer l'apparence générale. Et comme avant, tout comme nous l'avons fait pour la zone bleue, je suis maintenant en mode prédateur Je scanne le moindre détail pour trouver chaque petit élément susceptible de contribuer à améliorer la zone Je l'ajoute, désolé, au fur et à mesure. Et comme vous pouvez le constater, à ce stade du travail, je commence maintenant à me concentrer encore plus sur le peaufinage des détails. C'est pourquoi je suis passé d'un pinceau déjà assez fin à un pinceau très fin et précis, ce qui me permet d' être encore plus précis dans ce que je fais. Alors que je continue à travailler sur cette zone orange, en ajoutant ces petits détails, j'aimerais prendre un moment pour parler de quelque chose qui va au-delà de la technique, quelque chose que la peinture nous enseigne à un niveau plus profond. Nous considérons souvent la peinture comme un loisir, un moment de détente, et c'est absolument le cas. Mais au fur et à mesure que l'on avance dans une œuvre comme celle-ci, on se rend compte que c'est aussi une discipline, une sorte d'engagement, quelque chose qui va bien au-delà du simple plaisir, car en ce moment, ce que je fais n'a rien de spectaculaire. Ce sont les gestes répétitifs, petits coups, les ajustements subtils, mais c'est l'accumulation de ces petites actions qui fait la différence au final, et c'est là que entrent en jeu des qualités qui ne sont pas toujours enseignées dans les cours de peinture. Patience, constance et capacité à rester concentré même lorsqu'il ne semble pas se passer grand-chose. La peinture vous apprend à ralentir, à éliminer le bruit qui vous entoure, à entrer dans une sorte de moment suspendu, un moment qui n'est que pour vous. Et c'est quelque chose d' assez rare. Dans un monde qui évolue très vite, où nous voulons des résultats instantanés, peinture nous rappelle que certaines choses demandent du temps, l'attention et parfois même un peu de silence intérieur. Mais ce que vous faites en ce moment est exactement ce qu' il faut pour grandir. Vous renforcez vos bases en tant qu'artiste. Avec chaque coup de pinceau régulier, chaque moment d'observation, chaque petite correction, vous ne vous contentez pas d'améliorer votre technique, vous développez l'état d'esprit d'un peintre Une façon d'aborder votre travail qui vous accompagnera pour tous les tableaux à venir. Oui, parfois c'est lent. Parfois, vous souhaiteriez que cela aille plus vite que le résultat final n'apparaisse. Mais en vérité, c'est dans ces moments calmes et stables que tout se construit. C'est là que vous entraînez votre œil, votre main et votre capacité à voir les choses jusqu'au bout. Alors continuez calmement et patiemment. Chaque petit détail que vous ajoutez compte. Même si ce n'est pas évident tout de suite, chaque minute que vous passez à peindre est une petite victoire sur l'impatience, sur la distraction. Et plus vous cultiverez cet état d'esprit, plus vous constaterez de progrès, non pas du jour au lendemain, mais de manière durable et significative. ce moment, j'essaie vraiment d'affiner les zones que j'ai peintes plus tôt pour les pousser un peu plus loin. Par exemple, dans cette section, vous pouvez voir qu'il existe quelques faveurs, quelques éléments qui semblent se chevaucher légèrement, créant ainsi une texture particulière. Et ce qui contribue à créer cet effet, c'est l'ajout de ces petits traits sombres superposés sur le dessus, se déplaçant dans plusieurs directions. Ils sont légèrement plus foncés et ont tendance à être plus courts et plus compacts. Et ce sont ces quelques touches supplémentaires qui contribueront vraiment à créer cet effet de février où vous aurez l'impression que de nombreux petits éléments se croisent, formant une texture riche et complexe. À ce stade, je suis en train examiner la région de près et de me demander : d' accord, j'ai déjà ajouté quelques détails ici, mais qu'est-ce qui manque encore ? J'essaie de voir quelles autres petites touches je pourrais ajouter, le genre d'éléments qui pourraient faire passer la zone de très bonne à vraiment excellente. Je recherche donc tout ce que j'ai pu oublier, tout détail susceptible d'améliorer l'apparence générale de cette section. Je me pose également quelques questions pour aider à améliorer le domaine, par exemple, y a-t-il suffisamment de détails ici ? Les éléments les plus légers ressortent-ils suffisamment ? Ou au contraire, n' y a-t-il pas assez d'accents plus sombres ? Cela aiderait-il d'ajouter un peu plus de contraste pour créer plus de profondeur et de volume ? Je passe donc par ce type de processus de réflexion, et c'est ce qui m'aide à finaliser complètement chaque domaine À l'heure actuelle, je continue d'ajouter de nouveaux éléments. Dans les zones que je viens de peindre, je vais également ajouter quelques traits plus clairs par la suite, qui recouvreront les couches précédentes et contribueront à améliorer la texture spécifique de la peau, cet effet unique que nous essayons d'obtenir ici. Vous remarquerez peut-être également que j'ai laissé un très petit espace blanc entre les sections bleue et orange sur le côté droit. C'est parce que ces deux couleurs sont extrêmement différentes et pour le moment, je ne voulais pas trop me concentrer sur la transition. J'y reviendrai un peu plus tard. U M Maintenant que toute cette zone est peinte, je peux très doucement commencer à travailler sur cette section blanche. Et là, j' essaie vraiment de m'assurer que ces deux couleurs ne se fondent pas dans l'autre car comme vous pouvez le constater, il y a deux éléments clairement distincts. Ils ne sont pas destinés à fusionner. Je fais donc très attention à éviter tout lien entre le bleu et l'orange. ne reste plus qu'à travailler sur la zone supérieure et la transition avec la zone verdâtre Et vous remarquerez que cette partie supérieure est extrêmement claire avec un jaune vif et intense, presque pâle. Il y a clairement un soupçon de blanc dans le ton de base. C'est donc la couleur que j'applique. Maintenant, je prends un peu de ce vert légèrement brunâtre et je le mélange avec mon orange. Pourquoi ? Parce que dans cette section, les deux couleurs commencent à se fondre l'une dans l'autre, et le résultat est quelque chose entre les deux, un ton brunâtre, une sorte de ton orange vert, sorte de couleur hybride J'ai donc pensé que je pourrais appliquer un code de base en utilisant ce mélange des deux. Ensuite, je vais y retourner et affiner la zone, en ajoutant des touches d'orange sur le dessus, puis un peu de vert plus foncé également. C'est cette superposition qui va créer une transition en douceur La création de cette couleur mélangée à mi-chemin entre les deux aide vraiment à combler le fossé entre ces tons contrastés. Je vais maintenant mélanger une teinte anova, un ton plus jaune-vert, plus clair et plus clair, pour intégrer la partie supérieure. Et j'applique de petites touches ici et là en haut. Ce n'est jamais facile lorsque vous avez des couleurs très différentes les unes à côté des autres, surtout lorsque ces couleurs commencent à se fondre les unes dans les autres et que vous devez trouver une transition naturelle. C'est pourquoi j'ai choisi de créer un son qui soit littéralement le mélange des deux zones, et je pense que cela aide vraiment à atténuer le passage d' une zone à l'autre. Et c'est la même idée ici avec le bleu. Vous verrez qu'il semble un peu verdâtre parce qu'il se trouve à côté de cette zone jaune-verte J'utilise donc un mélange bleu-vert pour travailler la section et aider à créer une transition plus fluide entre ces deux couleurs différentes. Maintenant, pour terminer cette transition et faire en sorte qu'elle fonctionne vraiment bien, je vais ajouter quelques touches finales. Maintenant, pour terminer cette transition et faire en sorte qu'elle fonctionne vraiment bien, je vais ajouter quelques touches finales. Ce sont des détails très fins, peu accentués, peu d'orange foncé, parfois un peu de brunâtre que je placerai au-dessus de la zone de transition Ensuite, j'ajouterai quelques touches verdâtres, peu de vert foncé pénétrant légèrement dans la zone orange. Et ce qui rend la transition vraiment naturelle et convaincante, c'est le fait que ces petits éléments sont communs aux deux zones. Elles se chevauchent. Ils sont juste à la frontière entre les deux. C'est ce qui crée un mélange riche et réaliste plutôt qu'une ligne dure entre les couleurs. J'observe donc les petits détails. Je vois qu'il y en a des bleutés, d'autres verdâtres, et je les ajoute maintenant, en apportant la touche finale pour clore la zone orange Ce n'était pas le domaine le plus facile à peindre, mais cela s'est avéré être un défi vraiment intéressant, en particulier pour pratiquer les transitions et travailler avec des détails complexes comme celui-ci. Cela nous a permis de créer la texture du plumage que nous avons développée tout au long de ce perroquet Maintenant que ces dernières petites touches sont en place, nous allons passer à la section suivante, la zone verte, qui nous permettra de terminer le plumage complet Ensuite, nous passerons au visage du perroquet lui-même, qui sera très différent mais tout aussi passionnant à travailler 12. Peindre les plumes vertes: Nous voilà donc avec cette nouvelle zone, le plumage vert, que vous pouvez voir dans ce grand espace blanc Le VO va être accéléré pour cette partie du didacticiel, mais je vous rappelle que ce n'est pas une raison pour vous précipiter. Prenez votre temps et allez-y à votre rythme. Cette section verte est très similaire à la zone bleue sur laquelle nous avons travaillé plus tôt, et c'est exactement pourquoi la vitesse est double ici. Nous sommes maintenant à une vitesse multipliée par deux. Nous appliquons le même principe, la même technique, la même superposition, sauf que cette fois nous travaillons avec du vert, et que la direction des saveurs est un peu différente, vous devrez donc vous adapter en conséquence Mais honnêtement, c'est une bonne chose car répéter le même exercice avec une nouvelle couleur vous aide vraiment à consolider la technique. C'est ainsi que vous acquérez la maîtrise, que vous commencez à développer les bons réflexes. Donc, même si vous avez l' impression de répéter la même chose, continuez avec les mêmes soins, les mêmes patients et le même niveau de concentration. C'est ainsi que le progrès se fait en le recommençant, le peaufinant et en apportant une véritable touche de peintre. Alors, en attendant, continuons et accordons à ce domaine la même attention que nous avons accordée aux autres. Et maintenant, nous travaillons toujours sur cette section. Mais si vous avez vraiment l' impression d'en avoir assez des faveurs pour le moment et que vous voulez changer un peu les choses, alors pourquoi ne pas vous peindre les yeux ? Ou faites une pause et travaillez sur le bec, par exemple. Cela ne pose aucun problème pour le déroulement du didacticiel. Cela dit, il est préférable de s'en tenir à cette zone verte pour le moment car elle fait directement suite à la zone bleue ci-dessus. Et il est important de créer une belle transition entre ces deux zones de couleur alors que le bleu est encore humide. Mais encore une fois, cela dépend vraiment de vous. Si vous avez besoin d'une pause dans vos faveurs, explorez une autre partie ou regardez une autre vidéo, faites ce qui vous convient le mieux. Pour l'application de la couleur, j'ai commencé par marquer les éléments vert foncé visibles dans la zone. Il n'y en a pas beaucoup, mais ils m'aident à situer d'autres éléments. Et ce que j'ai réalisé, c'est qu'il y a évidemment cette zone vert clair que vous pouvez voir sur tout le côté gauche. Donc, peindre entièrement cette zone maintenant me donnera également plus de points de référence pour peindre le reste de cette zone privilégiée. C'est ce que je fais, mais je m'assure de garder les mêmes habitudes que celles que j'ai adoptées au début du tableau. Cela permet d' étirer correctement ma couleur et d' obtenir ensuite un bon mélange entre les différentes couleurs que j'applique Il est très important de construire une bonne base. Je ne le répéterai jamais assez. Vous m'entendrez même répéter dans vos rêves la nuit. Appliquez une bonne base de couleur. C'est important. Donc oui, vraiment, il est essentiel de construire une base solide avec les bonnes couleurs, une base solide avec les bonnes couleurs, des couleurs bien étirées pour ensuite travailler sur les détails, car nous sommes vraiment dans des zones riches en détails. Et ce perroquet est un excellent exercice pour pratiquer le travail de détail Et pour bien les appliquer, il faut commencer par une base solide, une base bien étirée avec des couleurs qui se fondent bien les unes dans les autres. Normalement, si la base est bien faite, vous devriez déjà commencer à voir un peu de volume apparaître dans la zone grâce à l' interaction de la lumière et de l'ombre Si vous êtes arrivé jusqu'ici dans le didacticiel, félicitations, car nous avons déjà dépassé la moitié du chemin et vous pouvez vraiment être fier de ce que vous avez accompli. Le plus dur est vraiment derrière nous zones de faveur les plus complexes, les mélanges les plus subtils, les détails les plus techniques. Vous avez déjà abordé tout cela. Nous allons continuer avec certaines parties encore un peu techniques, en particulier pour la zone grisâtre de droite, qui sera un peu délicate au niveau de l'œil Mais dans l'ensemble, nous avons déjà fait face aux sections les plus difficiles. Il est vrai que cette grande zone verte peut sembler un peu répétitive, mais c'est là que l'on progresse réellement , car ici vous réutilisez des gestes que vous connaissez déjà. Vous appliquez des techniques que vous avez comprises, et c'est vraiment par la répétition que vous commencez à vraiment les maîtriser. Il y a une grande différence entre comprendre une technique et l'intégrer en profondeur. Et cette différence se manifeste ici même pendant ces moments de consolidation, lorsque vous peignez avec plus de confiance et de fluidité Donc, même s'il s'agit d'une étape moins impressionnante à regarder, faites preuve du même soin et de la même patience, car ce que vous développez ici, c'est votre œil de peintre , votre constance et votre discipline, ainsi que votre capacité à porter un sujet jusqu'au bout. Et cela, plus que tout, fera une réelle différence dans vos futurs tableaux. Et en fait, cette grande zone verte nous sommes en train de peindre ressemble beaucoup à une autre sur laquelle nous avons déjà travaillé plus tôt dans le tutoriel, la grande zone bleutée juste au-dessus La structure est quasiment la même. chevauchement favorise une direction clairement définie et un mélange de mélanges fluides et de petits détails Et ce n'est pas un hasard. C'est exactement ce qui rend cette partie si intéressante car ici vous ne découvrez plus une nouvelle technique, vous la réutilisez, vous avez déjà vu ces formes auparavant. Vous avez déjà peint ce type de transition, et vous avez déjà observé structure de ces larges zones de plumes Et c'est là que votre œil commence à fonctionner différemment. Il commence à reconnaître les modèles, à anticiper les volumes. Il sait à quoi devrait ressembler la prochaine partie avant même que votre pinceau ne touche le papier. C'est la mémoire visuelle. Cette capacité à détecter les choses plus rapidement, comprendre plus rapidement et à traduire ce que vous voyez en gestes précis. Vous remarquerez probablement que cette zone sera plus lisse à peindre. Vous vous sentirez plus à l'aise et vous n'aurez pas besoin de vérifier chaque détail. Et c'est bon signe. Cela signifie que votre œil s'aiguise, que vous intériorisez les bons réflexes Alors, faites-vous confiance, gardez la même concentration, mais permettez-vous également de profiter de ce sentiment tranquille de satisfaction, de sentir que vous progressez vraiment grâce à celui-ci que vous êtes en train de répéter Je vous rappelle donc les étapes à suivre pour peindre cette zone. Tout d'abord, il faut appliquer correctement les couleurs dans les différentes zones pour créer une bonne couche de base. Ensuite, nous mélangeons le tout. Et une fois que nous aurons obtenu ce joli mélange avec tous ces éléments connectés, nous pourrons commencer à affiner un peu les ombres pour créer encore plus de volume et une surface plus réaliste Et ce n'est qu'une fois que nous aurons fait tout cela que nous pourrons avoir les derniers détails qui aideront à créer encore plus de profondeur et de réalisme, à obtenir une texture plus belle et plus juste et à donner l'impression qu'il y avait un peu de vie sur notre toile Maintenant qu'il existe une base solide dans tout ce domaine, je peux commencer à travailler sur les petits détails, en ajoutant quelques lignes ici et là, toutes ces touches finales qui donneront la pièce un aspect réaliste et vraiment remarquable. Et avec ces derniers détails, il est important de garder plusieurs points à l'esprit. d'abord, la trajectoire des lignes que vous ajoutez, leur direction, leur longueur, leur épaisseur et leur valeur. Ce sont là quelques aspects auxquels il faut prêter attention. Mais plus vous le ferez, plus vous observerez les mêmes éléments dans chaque tableau, plus vous remarquerez naturellement ces choses lorsque vous travaillez sur un domaine particulier. Et pendant que vous peignez, prenez un moment pour simplement profiter de ce que vous faites. Il est facile de vouloir se précipiter pour se concentrer uniquement sur le résultat final. Mais il y a quelque chose de vraiment précieux dans le simple fait d'être ici, de peindre en ce moment. Vous créez, vous observez, vous interprétez, recherchez les bons gestes, et tout cela est déjà de l'art. Chaque coup de pinceau, même imparfait, fait partie du processus vivant Alors respirez profondément, oubliez un instant la façon dont les autres sont mes sièges, vos œuvres d'art, oubliez la perfection. Ce moment vous appartient, et plus vous apprendrez à l'aimer, plus votre peinture prendra vie. Parce que le véritable progrès ne vient pas de la pression ou du stress, mais de la constance, de la patience et surtout de la joie que vous trouvez à chaque instant passé devant votre toile. Et pendant que nous parlons de joie et de plaisir, soyez indulgents envers vous-même. Ce que vous peignez en ce moment n'est peut-être pas parfait. Ce n'est peut-être pas exactement ce que vous imaginez pour votre peinture. Vous pourriez même être un peu déçue, mais vous savez quoi ? C'est tout à fait normal. Tous les artistes passent par là, même les plus grands. Ce que vous faites actuellement, même si vous avez l'impression que ce n' est pas à la hauteur, est une étape nécessaire. Ce sont ces moments qui vous aideront à grandir, aiguiser votre œil, renforcer vos capacités d'observation et à affiner vos mouvements Ces petites imperfections que vous faites aujourd'hui sont ce qui vous mènera au peintre que vous êtes en train de devenir. Les erreurs font partie du processus. En fait, ils ont valeur parce que chaque échec vous apprend quelque chose. C'est dans ces moments imparfaits que nous explorons, que nous comprenons, que nous nous adaptons et que nous évoluons C'est souvent dans ce travail discret et personnel que véritable sensibilité artistique, malheureusement Alors ne sois pas trop dure envers toi-même. Continuez à peindre, continuez à explorer. Profitez du processus et essayez de trouver chaque petite amélioration, chaque petit progrès que vous faites avec votre peinture. Même s'ils sont minimes, il s'agit tout de même d'un progrès. Et chaque peinture chaque tentative et chaque petit détail sur lequel vous travaillez en ce moment et avec vos autres peintures construisent votre parcours artistique. Je vais donc continuer à ajouter ces derniers détails la zone verte pendant encore quelques minutes, essayant toujours de voir ce que je pourrais ajouter pour améliorer la section à chaque fois, en me demandant constamment quels détails pourraient manquer, quels domaines pourraient être améliorés, etc., afin un résultat qui me satisfasse vraiment. Le quartier est vraiment bien travaillé, et je suis pleinement satisfait de ce que je vois. Mais ce qui manque encore, ce sont quelques touches plus claires qui permettront à tous ces éléments plus sombres de vraiment ressortir. Vous pouvez voir qu'il existe des éléments d' une certaine intensité en termes de vert. Ce sont donc ceux que je vais essayer d'ajouter à l' ensemble de la section pour vraiment compléter le travail et créer une zone encore plus tridimensionnelle car c'est le contraste entre les éléments sombres et clairs la zone qui aide vraiment à définir le volume. Vous pouvez également remarquer quelques touches vertes qui s'étendent légèrement sur le fond noir, comme de minuscules lignes, presque comme de petits cheveux, se répandent sur le bord du vert Il faut donc les ajouter également. Vous pouvez le faire maintenant si l' arrière-plan est complètement sec, ce qui signifie que vous devez passer au numéro deux moyen, car cela compte comme une couche supplémentaire. Et en fait, si l' arrière-plan est sec, qu'il s'agisse du fond vert ou bleu, cela signifie que nous devons également utiliser moyen numéro deux car la couleur touchera la base noire, ce qui revient à appliquer une nouvelle couche sur le dessus. Vous pouvez donc peindre dessus dès maintenant si le fond est sec et que vous avez envie de continuer, mais cela signifie également diluer correctement votre peinture avec le médium afin qu'elle soit bien fluide pour ajouter les derniers détails Vous pouvez également attendre quelques jours jusqu'à ce que la zone verte soit complètement sèche, puis y revenir avec le médium numéro deux, encore une fois, plus quelques touches de milieu liquide semblable à un liquide pour ajouter ces petits poils sur le dessus. Donc, c'est vraiment à vous de décider. Les deux approches fonctionnent parfaitement bien. 13. Peindre la zone noire: Nous allons maintenant peindre la zone noire, ainsi que la petite zone orange verte que vous pouvez voir sur le côté droit de notre favori orange. Maintenant, il est vrai que j'aurais pu peindre ces punks juste après avoir terminé la zone orange Mais j'ai plutôt choisi de travailler d' abord sur l'espace vert , car nous nous concentrions déjà sur cette transition au sommet. Au final, l'ordre d'application de ces différents domaines n'a pas vraiment d'importance. Et donc tant que tout est fait. Nous allons donc commencer à peindre ces couleurs maintenant. Et comme vous pouvez le constater, j'en ai mixé de nouveaux. Ici, j'ai affaire à une sorte de gris bleuté proche du noir, et surtout à un mélange d'orange et de vert Pour créer cette teinte vert légèrement brunâtre, vous pouvez voir sur le côté droit Je pense que je peux commencer par appliquer cette couleur le long du bord, car elle ressort bien. C'est une bonne base pour commencer. À côté, nous aurons quelque chose d'un peu plus orangé. Ce n'est cependant pas une orange très intense , car elle a été mélangée à du vert. C'est d'ailleurs pour cela que j'ai conservé le même pinceau pour peindre cette section. Je veux une orange un peu sourde, presque sale, mêlée de traces de verdure environnante Et puis en plus de cela, nous pourrons ajouter touches de vert plus clair pour faire ressortir un peu plus certaines zones. De cette façon, nous compléterons vraiment la zone orange. Nous avions déjà fait du bon travail plus tôt, mais il fallait encore travailler un peu pour passer à cette zone orange verdâtre puis la zone noire ci-dessous, car ces deux zones sont assez liées C'est donc sur cela que je vais me concentrer au cours des prochaines minutes. Désolé, j'ai dit que j'ajoutais quelques touches plus claires, mais comme vous pouvez le voir, ce sont évidemment des touches plus foncées que j'ajoute actuellement sur cette zone pour créer un peu plus de texture que j'ajoute actuellement sur cette zone pour créer un peu plus de texture et mieux faire cette transition avec l'autre zone. Je continue de travailler à l' amélioration de la transition. J'ajoute toutes ces petites touches. J'ai ajouté des verts plus foncés, et maintenant j'ajoute de l'orange vif sur le dessus. Et à ce stade, nous avons une section préférée qui a vraiment pris forme et tout cela en quelques minutes seulement. C'est donc très satisfaisant. Et maintenant, nous pouvons passer à la zone noire juste en dessous. Il est maintenant temps de peindre cette zone noire que vous pouvez voir. Cela n'a rien de particulièrement complexe. Il suffit de porter une attention particulière aux différentes tonalités des noirs. Vous pouvez voir que certaines parties sont légèrement plus claires que d'autres, tandis que d'autres sont un peu plus foncées. Il est donc important de bien l' observer. De plus, comme ces noirs sont très différents de la zone orange, j'essaie de les appliquer très délicatement le long du bord Et lorsque j'ajoute de petits traits noirs qui recouvrent légèrement la couleur du dessous, je m'assure de placer la peinture avec soin afin qu'elle ne se mélange pas trop avec l'orange du dessous. Ces deux couleurs sont assez différentes l'une de l'autre, et si elles se mélangent trop, cela peut créer une teinte légèrement verdâtre par endroits J'essaie donc vraiment d'éviter cela et de garder les noirs propres et riches, même s'il y a quelques endroits où un léger mélange est nécessaire pour assurer une bonne transition entre les éléments C'est donc ce que je vise. Mais dans l'ensemble, cette zone ne prendra pas très longtemps à peindre. Nous avons déjà traité de zones beaucoup plus complexes par le passé. Donc celui-ci devrait se dérouler sans heurts, devrait se dérouler sans heurts. Et c'est aussi très agréable de travailler sur des domaines plus simples de temps en temps. Ils nous donnent un peu de répit car pour être honnête avec ce perroquet, nous n'avons pas eu beaucoup d'occasions de reprendre votre souffle Il y a eu des sections vraiment complexes depuis le début Il est donc rafraîchissant de se concentrer sur quelques petites zones comme celle-ci où il suffit d' appliquer un peu de mélange Deux ou trois petits détails, et c'est suffisant pour rendre la zone réaliste. Donc, oui, ces moments doivent être savourés en peinture car ils ne sont pas fréquents avec ce sujet Et la zone qui attend à côté celle-ci sera également un peu plus difficile. Mais c'est une bonne chose car cela reste un excellent sujet de formation. C'est dans les zones difficiles que nous nous améliorons le plus. Si nous ne peignions que des arrière-plans plats, nous ne progresserions pas du tout. Dans l'ensemble, il s'agit donc d'un sujet vraiment intéressant sur lequel travailler. J'applique mes couleurs assurant qu'elles se marient bien les unes aux autres, ce qui va vraiment aider à finaliser la zone et à créer une bien meilleure connexion et une meilleure transition entre ces éléments Ce sont les petites lignes détaillées que je suis en train d'ajouter. Certains sont assez foncés, je vais donc les utiliser en noir. D'autres sont un peu plus clairs, je vais donc utiliser du brun à la place. Mais en fait, c'est surtout du brun que je vais utiliser pour les lignes sur cette zone orange, car le brun est essentiellement un orange très foncé. Ainsi, lorsque je l'applique sur l'orange, il reste dans la même famille de couleurs. Je ne vais pas me retrouver avec une couleur désagréable, disons, moche à mélanger qui se heurterait à l'orange, car si je mélange trop de noir avec l'orange, cela deviendra quelque chose d'un peu plus verdâtre peu attrayant et correspondant aux couleurs de cette zone J'applique donc ce brun sur le dessus, et ce sont les dernières petites lignes qui aideront à créer plus de texture, à vraiment terminer cette zone du perroquet et à améliorer la transition Nous pouvons donc travailler comme ça, peut-être même ajouter quelques touches supplémentaires dans la zone noire pour l'améliorer, car nous pouvons voir qu'il y a aussi des éléments plus clairs dans cette zone noire, donc je vais les ajouter. Mais dans l'ensemble, nous avons presque terminé. Encore quelques petits détails et éléments à ajouter, et cette section sera complète. Ensuite, nous serons prêts à passer à la peinture des yeux. 14. Mélanger les couleurs de l'œil: Commençons donc ces nouveaux mélanges pour les couleurs des grands, pour les zones grises et pour les yeux. Donc, dans la partie précédente, je n'ai pas analysé les couleurs du gros, mais il s'agit essentiellement de différentes nuances de gris qui sont assez foncées, et ce sont les différentes valeurs de ce gris qui nous aideront à créer du volume dans la zone. Pour les gris que je mixe, je fais tourner la vidéo un peu plus lentement car le processus est à peu près le même à chaque fois : brûler du bois, bleu outremer et blanc Et à chaque fois, c'est la quantité de blanc qui détermine le degré de clarté ou de noirceur du gris. J'ajuste donc le niveau de blanc en conséquence, et je fais également varier le rapport entre le bois brûlé et le bleu outremer. Cela me permet de créer des gris qui penchent encore plus vers le bleu ou plus vers le brun, selon la zone sur laquelle je travaille Même si pour ce perroquet, nous utiliserons surtout une sorte de gris bleu, pas si brunâtre que Nous pouvons remarquer que certaines zones grises ont une teinte légèrement rosée, comme nous l'avons vu précédemment lors de l'analyse des couleurs des mixages précédents Pour ce faire, j'ai pris l'un de mes gris de base et j'ai ajouté une touche de rouge, ainsi qu'un tout petit peu de jaune pour atténuer l'effet violet. C'est parce que le gris penchait vers le bleu, et quand j'ai ajouté du rouge, il est devenu un peu violacé, et le jaune étant de la couleur opposée au violet, a contribué à neutraliser l' violet, a contribué à neutraliser Ensuite, je crée une variation plus foncée de ce gris rosé en ajoutant du tubercule brûlé et augmentant la proportion de rouge dans le Maintenant, mélangeons la couleur de l'œil, qui est une sorte de jaune-orange. Je commence donc par créer une orange avec une grande quantité de jaune, puis je l'ajuste en fonction de ce que j'observe. Bien sûr, j'ai également eu une bonne quantité de blanc puisque la couleur est assez claire. Et aussi, pour rendre le ton un peu plus neutre et brunâtre, j'utilise du bois brûlé Cela permet d'adoucir l'intensité et de déplacer légèrement la couleur vers le brun. Je mixe et j'ajuste au fur et à mesure. À ce stade, je me rends compte que mon mélange n'est pas assez jaune, vraiment pas du tout. J'ajoute donc une quantité généreuse de jaune. Et en fonction de ce que j'ai devant moi, j'ai décidé des prochaines étapes. Dans ce cas, je pense que je peux éclaircir la couleur, et le tube brûlé contribue à la rendre un peu plus brune et Et maintenant, j'ai une couleur très agréable pour les yeux. J'ai juste ajouté une petite touche de rouge pour le pousser légèrement plus vers l'orange , juste pour qu' il ne penche pas trop vers le jaune. Et à partir de cette couleur de base, je peux créer une autre variation pour apporter plus de nuances à l'œil. Encore une fois, en utilisant du bois brûlé, je l'utilise pour le rendre un peu plus foncé, et le rouge aide à le faire passer moins loin vers le vert, ce qui peut arriver à cause du bois brûlé. Nous sommes donc maintenant prêts à démarrer ce nouveau domaine. 15. Peindre l'œil: Passons maintenant au contour des yeux. C'est un élément très important parce que l'œil est le tout premier endroit où nous regardons, même inconsciemment C'est presque la porte d'entrée dans notre portrait animalier. C'est pourquoi il mérite une attention particulière. La forme doit être précise, la couleur doit être soigneusement observée et, surtout, le contraste doit être net. Ce qui donne vie à l'œil , ce n'est pas seulement la couleur de l'iris. Il s'agit de l'interaction entre les valeurs les plus sombres à l'intérieur de la pupille, les ombres à paupières, les anneaux environnants, et les valeurs plus claires telles que le reflet et la lumière qui déteste la surface Ces minuscules reflets blancs, par exemple, sont infimes, mais s'ils sont bien placés, ils suffisent à donner à l'œil une sensation de vie. Vous sentez instantanément une présence. Je commence donc ici par travailler sur les couleurs de l'œil. Nous avons une zone jaune-orange clair, qui est l'iris, et la pupille en occupe une grande partie. Si vous regardez attentivement, vous remarquerez que la pupille n'est pas d'une seule couleur plate. La partie inférieure est un peu plus foncée, tandis que la partie supérieure présente des gris légèrement plus clairs, et surtout, il y a un fort reflet visible qui doit être peint C'est exactement ce que nous allons capturer. Maintenant, avec l'œil, tout dépend du dessin initial. Dans mon cas, j'ai passé pas mal de temps à utiliser cette méthode de la grille pour le dessiner, et cette grille m' a vraiment aidée à être précise et à obtenir une base de crayon réaliste. L'œil est bien placé. L'iris a la bonne forme, les courbes des paupières sont précises Tout a été fait avec soin. Et chaque fois que vous utilisez une grille ou un projecteur, ces outils sont incroyablement utiles avant de peindre, car ils vous permettent de commencer par un dessin extrêmement précis. J'ai commencé à appliquer soigneusement les couleurs de la pupille. Ce que vous pouvez également remarquer, c'est qu'entre l' iris et la pupille, il y a une couleur plus claire qui glisse. C'est pourquoi j'utilise un gris plus clair ici pour effectuer cette transition. Une autre chose à observer est que le bord autour de la pupille n'est pas parfaitement lisse. Il est un peu irrégulier, presque irrégulier. J'essaie donc de capturer cela également en marquant ces variations subtiles autour de la pupille. Tout ce travail à l'intérieur de l' œil nécessite vraiment un pinceau fin. Celui que j'utilise ici est très fin car il faut un haut niveau de précision pour travailler correctement sur cette zone. Je peux également travailler sur tout le bord de l'œil. Vous remarquerez que juste avant d'atteindre la zone vraiment sombre, il y a une sorte de transition subtile, une petite bande légèrement plus foncée. J'ajoute donc cela également, en utilisant toujours un beau couplet pour que les choses soient précises. Je commence à bien paraître et à être vraiment bien définie maintenant. Et ce que je vais faire ensuite, toujours avec mon pinceau fin, c'est travailler un peu plus à l'intérieur de la zone de l'iris où vous pouvez voir quelques petites touches sombres. Je les ajoute donc maintenant avec des marques littéralement régulières qui aident à définir l'œil et à le rendre plus réaliste. Mais dans l'ensemble, il s'agit d'un domaine extrêmement détaillé. En fait, cet œil est moins complexe à peindre que l'œil humain car la pupille occupe une grande partie, ce qui signifie qu' il y a beaucoup de noir et de gris, ce qui est assez simple à manipuler. Et l'iris lui-même comporte très peu de détails, ce qui nous facilite un peu les choses. Maintenant que ces zones sont bien définies, je vais terminer l'intérieur de l'œil en travaillant sur le reflet que l'on peut voir dans la pupille. Il y a un petit reflet sur la droite, qui est un peu plus foncé que celui de gauche. Je vais donc opter pour un gris légèrement plus foncé pour cela. Ensuite, je travaillerais sur le reflet le plus clair sur la gauche. Il a une sorte de forme diagonale irrégulière avant de tomber et rejoindre la forme plus foncée de droite. Et ce que nous pouvons également voir avec celui-ci plus foncé sur la droite c'est qu'il contient de petites taches plus claires à l'intérieur. Je vais donc ajouter ça aussi. C'est vrai, le diable se cache dans les détails. Et pour cet œil, ce détail compte vraiment. Maintenant, lorsqu'il s'agit d'un travail détaillé, il est important de comprendre que certains détails sont plus importants que d'autres. Par exemple, lorsque nous travaillons sur les faveurs, nous pouvons nous permettre d'être un peu moins précis. Bien entendu, nous nous concentrons toujours sur la texture et les détails. Mais si une petite faveur en ligne est placée quelques millimètres trop loin vers la gauche ou vers la droite, ce n'est pas grave. Mais ici, à première vue, si cette surbrillance est même trop faible de quelques millimètres, cela n'aura tout simplement pas l'air correct. Si la pupille est dessinée un peu trop grande, même chose, quelque chose va se sentir. Il y a donc certains domaines où précision est absolument essentielle, et d'autres où il y a un peu plus de marge de manœuvre. Dans un portrait animalier, les yeux sont vraiment la zone la plus importante. Ils nous permettent de reconnaître instantanément notre sujet. D'autres parties de l' animal peuvent se permettre d' être un peu moins parfaites, même si, bien sûr, nous voulons toujours être prudents et précis, mais pour les yeux, c'est essentiel. en va de même pour les portraits humains. Les yeux sont essentiels. Le nez et la bouche sont également très importants, mais c'est dans les yeux que nous avons besoin du plus haut niveau de précision. Comme vous pouvez le constater, je mélange des tons de brun rougeâtre avec une touche de violet, violet pour peindre le contour de l'œil Et c'est ce que je vais faire maintenant. Cette zone n'est pas particulièrement difficile à peindre, mais vous devez tout de même être précis avec votre pinceau pour vous assurer que le contour ne soit pas trop épais J'utilise donc un pinceau fin et j'essaie de répartir la couleur uniformément. quoi vous devez faire attention dans ce domaine, ce sont les subtils changements de valeur. Vous remarquerez probablement que je commence en ce moment par quelque chose de très léger. Eh bien, assez léger, la lumière mise à part. Ensuite, j'ajuste la couleur de mon pinceau pour peindre une section plus foncée au fur et à mesure que nous descendons. La différence n'est pas énorme, mais elle est bel et bien là. Certaines parties sont plus foncées que d'autres. Dans le coin interne de l'œil, et particulièrement lorsque vous vous déplacez vers le haut, les tons deviennent plus profonds. J'adapte donc ma couleur en fonction de cette couleur en ajoutant des touches plus foncées si nécessaire. En fait, près de la partie supérieure de l'œil, nous nous rapprochons même du noir. C'est ce contraste qui va vraiment aider à donner vie à l'œil. Bien sûr, pour l'instant, les environs n'ont pas encore été peints, et c'est ce qui aidera vraiment le perroquet à prendre forme et à sentir son œil Mais étape par étape, nous y reviendrons très bientôt. U Dans cette bande marron violet que je viens de peindre, je vais ajouter des touches légèrement plus claires et légèrement plus foncées à certains endroits. Bref, je vais ajouter quelques détails et terminer la zone. Et si je remarque de petites choses qui doivent être ajustées à l'intérieur de l'œil lui-même, je vais également les réparer. Comme vous pouvez le constater, j'ai déjà préparé quelques couleurs sur le côté, et je vais maintenant les utiliser pour apporter touche finale et vraiment terminer le travail dans ce domaine. Donc, oui, je fais de la lumière pour colorer ces détails. Juste une dernière petite touche à ces éléments plus sombres, puis nous passerons à la zone qui entoure l'œil. 16. Peindre la zone grise: Passons maintenant à cette grande zone grise qui entoure l'œil. Nous allons commencer par travailler juste autour de l'œil lui-même, puis nous déplacer progressivement vers l'extérieur jusqu'à la section de droite Il reste encore beaucoup à faire dans ce domaine. C'est certainement une section complexe, tout aussi complexe que la précédente que nous avons faite avec les formulaires, mais ne vous inquiétez pas Nous allons le décomposer en un grand nombre de petites étapes faciles à gérer En prenant notre temps, en observant près et en analysant ce que nous voyons, vous constaterez que nous pouvons y faire face sans aucun problème. C'est vrai, cette zone semble un peu intimidante au premier abord Quand on y jette un coup d'œil, cela semble vraiment complexe. Il y a tellement de petites touches de couleurs différentes, de nombreuses textures fines et une tonne de petites variations de couleurs. Cela peut être accablant. Il existe également plusieurs textures à prendre en compte. Juste autour de l'œil, nous obtenons cette surface très spécifique avec des taches sombres et des zones surélevées. Juste en dessous, il y a une autre texture, sorte de cheveux courts. Plus à droite, nous commençons à voir des formes fiévreuses assez semblables à celles que nous avons peintes dans la zone orange plus tôt, avec éléments qui se chevauchent et des détails entrelacés C'est donc ce que nous allons aborder maintenant. Étape par étape, nous allons nous y frayer un chemin. Et comme le dit le proverbe une étape à la fois et tout ira bien. Profitons de chaque étape du processus, car chaque étape nous rapproche du résultat final. Donc, comme je l'ai dit, nous procédons étape par étape, en prenant un élément après l'autre. Et ici, je commence par travailler autour de l'œil. Nous avons déjà fait de grands progrès en ce qui concerne l'œil lui-même. Il a une belle forme, et maintenant je veux vraiment compléter la zone environnante pour le rendre encore plus réaliste. J'ai appliqué quelques tons de gris, et vous pouvez voir qu'il y a des éléments légèrement plus foncés soulignent les formes et les contours J'insiste également sur ces points pour créer un sentiment de soulagement progressif dans la région. Et juste à côté de cet élément plus foncé sur le côté droit de l'œil, il y a une section beaucoup plus claire qui contribue à augmenter le volume. C'est là que j'ai laissé un peu de blanc, et maintenant le point, et c'est l'endroit sur lequel je vais travailler ensuite. Un peu de subtilité dans cette partie de gauche, vous avez peut-être remarqué que j'ai ajouté une légère teinte orange car il y a une tonalité particulière qui ressort un peu plus, notamment sur le côté gauche de l'œil Et comme je l'ai mentionné il y a quelques secondes, juste à côté de cette ligne sombre, nous avons cette bande très claire qui donne une réelle impression de profondeur. Cela donne l'impression qu'il y a quelques petites rides autour de l'œil, et c'est ce que nous allons essayer de peindre. Ces rides servent essentiellement à jouer entre des couleurs légèrement plus claires et légèrement plus foncées, créant ainsi une sensation de texture surélevée. Nous allons donc prendre le temps de les peindre. En fait, je ne suis pas là à penser qu'il s'agit d'un domaine complexe. Comment puis-je reproduire cette texture de peau ? Comment puis-je le faire ressembler à une peau de perroquet ? Au lieu de cela, j' avance pas à pas, en me disant qu' à cet endroit précis, je vois du gris clair, gris foncé, et je remarque quelques lignes fines qui définissent la texture. Je vais donc les peindre exactement de cette façon. Et honnêtement, je ne pense même plus au fait que je suis en train de peindre un perroquet. J'oublie presque le sujet. Je me concentre uniquement sur ce que je vois en observant tous les petits éléments cette zone, puis en les traduisant en peinture Dans ce domaine, nous disposons désormais d'une base solide sur laquelle travailler. Je prends donc à la fois mon pinceau très fin et mon pinceau plus blanc, et je peins cette ligne légèrement foncée parce que quand on regarde de près le bord, elle est un peu plus intense que ce que j'avais fait auparavant Il doit se démarquer un peu plus, c'est pourquoi j'ajoute ces touches sombres. Ensuite, j'observe attentivement la zone et je me demande quels sont les éléments les plus sombres que je dois ajouter. Quels sont les détails qui devraient le plus ressortir, et sur lesquels puis-je travailler avec plus de précision ? Ensuite, je les ajoute en plaçant mes couleurs une par une. C'est ainsi que nous obtenons une zone vraiment texturée, bien définie et pleine de détails subtils À ce stade, nous passons en mode prédateur. Le mode prédateur est de retour, nous y allons et nous ajoutons ces petites touches ici et là, et j'essaie vraiment rechercher tous les petits détails que nous pouvons voir dans cette zone Maintenant, comme la zone autour de l'œil est un peu complexe, je me suis dit que je me concentrerais uniquement sur cette petite section pour le moment. Je n'essaie pas de couvrir une zone plus vaste d'un seul coup. Nous travaillerons sur la section plus large plus tard, mais pour commencer cette zone grise autour de l'œil, j'ai pensé que c'était déjà suffisant, déjà suffisant. Se concentrer d'abord sur une petite section est également un excellent moyen de renforcer la confiance lorsque l'on aborde un nouveau domaine. Cela vous aide à tester les eaux, comme vous pouvez le dire, comme vous pourriez le dire, et à réfléchir plus clairement à la manière de l'aborder avec le plus de précision possible. Et ici, j'ajoute maintenant quelques petits points forts qui aideront à faire ressortir la zone un peu plus et à créer encore plus de volume dans cette zone. Et ces petites touches que j'ajoute contribuent également à briser un peu le contour de l'œil, rendant ainsi plus irrégulier et donc proche de la réalité et du résultat réel. Alors, on y va. Il ne reste que quelques touches à ajouter dans cette zone. Ensuite, je dirais que nous sommes prêts à partir et que nous pouvons passer à d'autres parties de cette section. Je vais maintenant vous montrer comment peindre cette zone à côté de celle que nous venons de terminer. C'est un domaine assez vaste, et je vais essayer de le traiter dans son ensemble. Je vais me concentrer sur la section de droite et la zone juste en dessous de l'œil où nous voyons tous ces points noirs. La première chose à faire pour vous faciliter la vie est donc d'avoir des points de référence. Nous ne sommes pas en train de réinventer la roue ici. Cette partie du didacticiel consiste simplement à réappliquer le même principe sur lequel nous avons travaillé jusqu'à présent La seule différence est qu'il s'agit d'une nouvelle zone, il existe donc une approche légèrement différente lors de l'application des couches de base. Ce que je veux dire, c'est que nous faisons la même chose, mais avec des effets différents. Je commence par travailler sur les éléments les plus sombres de la zone, les principales zones d'ombre, les principales zones d'ombre, en utilisant un gris légèrement plus foncé Je les dépose. Je les dispose comme ça. De cette façon, il sera plus facile de peindre les éléments plus clairs qui apparaissent dans cette partie du visage du perroquet. J'essaie donc d' être assez précis. J'essaie de m'assurer que ces zones sombres sont placées au bon endroit. Mais ici, nous ne travaillons plus sur l'œil lui-même, nous pouvons donc nous détendre un peu. Ce n'est pas la fin du monde si chaque détail n'est pas parfaitement placé. Nous essayons simplement de faire de notre mieux pour bien les positionner sans nous mettre trop de pression pour ces petites touches. Euh, donc je dirais que j'en ai suffisamment postulé pour le moment. Nous avons des points de référence solides et les principales zones d'ombre sont en place. Maintenant, avec ce pinceau assez fin, je vais commencer à peindre entre ces différents éléments. J'essaierai d'appliquer les couleurs avec précision et de les mélanger légèrement avec les voisines au fur et à mesure. De cette façon, nous obtiendrons des transitions fluides et une base solide sur laquelle travailler ultérieurement lors de l'ajout des derniers détails qui mettront vraiment en valeur les textures bien conçues. Lorsque j'applique les couleurs, je fais vraiment un effort pour garder chaque zone à sa place. J'ai déjà passé plusieurs minutes à définir ces éléments de référence et à délimiter les ombres. Je veux donc que les zones sombres restent sombres et que les zones claires restent vraiment claires. J'applique donc ma couleur, et en même temps, je fais un mélange subtil, juste assez pour associer les différentes nuances de gris en douceur. Et je vais le faire dans l'ensemble de la zone, travaillant toujours entre ces éléments. Nous reviendrons une fois que cela sera fait , car le processus est peu près le même partout. Prenez donc votre temps sur cette étape et établissez une base solide que vous pourrez affiner avec de petits points et des détails supplémentaires par la suite. Voici donc à quoi ressemble ma région en ce moment. Et avant d'ajouter encore plus de détails à la zone, je suis en train de peindre ces points noirs. Si je les peins en ce moment, c'est parce que c'est un élément très important de ce domaine. Cela change vraiment notre façon de voir les choses. Par conséquent, avant d'ajouter les derniers détails, je préfère ajouter ces éléments dès maintenant, car cela change en quelque sorte la donne dans ce domaine. C'est vraiment important. Donc, la première chose que je fais est de peindre ces points noirs sans essayer de toucher la zone grise. Je ne veux pas qu'ils se mélangent pour le moment. Maintenant qu'ils sont entièrement peints, je veux dire, je vais les mélanger parce que si vous zoomez sur la photo, vous pouvez voir que ces deux éléments, les zones grises et noires, se fondent l'un dans l'autre. Il y a vraiment un mélange très doux entre ces éléments, et je veux que ce mélange apparaisse Si je n'avais pas voulu mélanger, j'aurais attendu que la zone grise sèche, puis j'aurais peint ces points noirs, ce qui aurait été fait et ces couleurs ne se seraient pas mélangées Mais je veux qu'ils se mélangent. C'est donc ce que je suis en train de faire en ce moment avec quelques petits pinceaux tout le long du bord J' ai donc un beau mélange entre ces différentes couleurs, une belle transition Elle n'est pas très grande. C'est assez subtil, mais il faut l'ajouter. Donc ce que j'ai fait ici, je vais le faire avec tous ces spas noirs. C'est donc exactement la même chose à faire dans tout ce domaine. Il suffit donc d'être patient et de prendre le temps de le faire. Et une fois cela fait, nous ferons le reste de cette zone, en ajoutant tous ces derniers détails qui la rendront encore plus réaliste. Voici à quoi ressemble la zone maintenant que j'ai peint tous les points noirs. Donc c'est pas mal. Cela change vraiment toute la section. Mais vous pouvez clairement voir qu'il manque quelque chose et nous ne pouvons pas le laisser comme ça. Ce qui manque, ce sont les petits détails, les textures subtiles entre tous ces éléments, touches plus sombres et plus définies qui donneront vraiment vie à l'hozone et lui donneront une sensation de complétude Donc, entre chaque point sombre dans toutes les zones gris clair, je vais observer attentivement et rechercher les petits détails. J'observe leur forme, leur valeur, leur épaisseur. Ensuite, je les introduirai un par un à l'aide de mon pinceau Iga. Principalement le conseil, car ce travail demande de la précision, et c'est ainsi que nous passerons d'un look plutôt décent et réaliste à quelque chose de vraiment réaliste Encore une fois, l'essentiel est de prendre votre temps, d' observer attentivement et de vous concentrer sur l'identification caractéristiques des cellules qui composent la section. Tout en ajoutant ces détails, j'en profiterai également pour améliorer le mélange entre les zones noires et grises ensemble, le mélange est déjà assez bon, mais il y a encore quelques points qui pourraient être affinés Enfin, ce qui fait vraiment ressortir ces détails sombres, ce sont, bien sûr, les éléments très clairs, les reflets. Ces reflets, grâce au contraste et aux jeux de lumière, créent du volume et apportent une sensation de profondeur et de réalisme à la zone. C'est donc ce que je vais aborder maintenant, juste à côté de ces éléments sombres. Dans chaque tableau, il arrive un moment où l'on entre dans une dimension différente. Les formes principales sont en place, les couleurs sont là, les ombres et les reflets aussi, mais il manque encore quelque chose. C'est là que les détails entrent en jeu. Des détails sur ces petites touches parfois à peine visibles qui font d'un bon tableau un objet saisissant. Ils ajoutent de la texture, de la mort et de la vie. Par exemple, une étincelle dans les yeux, une irrégularité dans une fièvre, une ombre subtile dans le pli d' un tissu lorsque vous peignez une nature morte Ces éléments silencieux, lorsqu'ils sont combinés, créent l'illusion de la réalité. Mais les détails ne sont pas là uniquement pour impressionner le spectateur de votre œuvre d'art. Ils sont là pour raconter une histoire, la texture de la peau, la douceur de la lumière, la rugosité de l'écorce d' un arbre lorsqu'on peint un paysage Lorsque vous travaillez sur un détail, vous discutez avec votre sujet. Vous l'observez de près, vous lui rendez hommage. Et ce regard précis et méticuleux fait de vous non seulement un peintre, mais aussi un observateur du monde, car vous voyez que vous voyez choses que les gens normaux ne voient pas, les artistes ne prêtent pas attention à ces détails C'est pourquoi ils sont importants. Mais ne pensez pas qu'il soit nécessaire de les mettre partout. Trop de détails peuvent anéantir l'impact visuel, mais les bons endroits peuvent créer de la magie, comme dans cette zone qui prend réellement forme. Et c'est souvent dans ces moments calmes où vous peaufinez un seul endroit que vous ressentez le plus grand plaisir de peindre, ce moment où l' œuvre prend vie parce qu' un seul détail bien placé fait toute la différence. Comme ce reflet dans l'œil que nous avons peint plus tôt avec ce gris plus clair. Alors, à votre époque, observez et n'oubliez jamais que la beauté d' un tableau réside souvent dans ce que l'œil perçoit plus que dans ce qu'il voit réellement. Les gens disent parfois qu' un véritable artiste ne devrait peindre que d'après nature avec le sujet juste en face de soi. Mais en réalité, pour améliorer, aiguiser son regard, travailler sur la précision, la photo est un outil incroyablement précieux, essentiel même Pourquoi ? Parce qu'une photo fige la réalité. Il capture un moment que nous pouvons observer encore et encore. Il ne bouge pas. Cela ne change pas. Et c'est cette immobilité qui nous permet de vraiment plonger dans les détails, prendre le temps de percevoir les subtilités d'un coup d'œil, la complexité d'une fièvre ou la transition douce d' Sans photo, ce sera quasiment impossible. Les animaux ne restent pas immobiles. La lumière change de minute en minute. Même le visage de quelqu'un finit par se fatiguer. La photo devient notre alliée. Cela nous permet d'étudier, comparer, de revenir en arrière, de zoomer et de comprendre. Et au-delà de cela, une photo nous permet de peindre des choses que nous n'aurions jamais pu observer dans notre vie de tous les jours. Une grande émotion animale, un moment qui n'a duré qu'une seconde, un paysage lointain que nous n'avons pas pu atteindre. Cela ouvre des portes à des sujets qui resteraient autrement inaccessibles. Mais, bien sûr, toutes les photos ne sont pas égales. Si vous voulez vraiment bien peindre, vous avez besoin d'une image de haute qualité, d'une photo claire avec un bon éclairage et d'une définition nette car ces petits pixels capturés sont ce qui vous donne la richesse de la texture, le microcontraste, le sous-reflet que vous pourrez ensuite donner vie à votre pinceau Donc non, peindre à partir d'une photo n'est pas tricher. Au contraire, c'est se doter d'un outil puissant, qui permet de mieux observer, mieux comprendre et donc de mieux peindre. Et sans cette magnifique photo, il m'aurait été presque impossible de peindre tous ces éléments détaillés et de créer les textures d'un visage de perroquet si riche Nous y voilà, je continue à ajouter quelques touches supplémentaires. Mais dans l'ensemble, cette zone est maintenant bien développée et joliment peinte, et nous pourrons très bientôt passer à tous les éléments. 17. Continuer avec la zone grise.: Nous allons maintenant commencer à travailler sur cette zone inférieure où nous voyons cette tache noire près de la zone du bec. Et ce qui est vraiment bien dans toute cette zone de nivellement, cette partie du visage du perroquet, c'est qu'au sein d'une même zone, nous pouvons travailler avec de nombreuses textures différentes Bien sûr, tout cela fait partie du même ensemble, mais il comporte de nombreuses variations. Et c'est ce qui le rend si riche et, à mon avis, très intéressant de travailler et de progresser. J'ai donc commencé par appliquer ce patch noir que vous pouvez voir ici. Et ce que l'on remarque, c'est qu'il y a une couleur légèrement rosée dans la zone C'est un peu étrange de voir cette couleur là-bas, mais honnêtement, je n'y pense pas trop Je vois que la couleur est là, alors je l'ajoute. En fait, parfois, lorsque je peins, j'entre dans le moule d'un robot. Je ne le remets pas trop en question. Je vois donc un élément, et je l'insère simplement. C'est donc ce que j'ai fait ici. Et nous commençons par une bonne application de couleur solide , comme nous le faisons habituellement, créant une base solide dans ce domaine. Maintenant, cette zone est un peu moins complexe que celle sur laquelle nous avons travaillé précédemment, mais elle est tout de même assez texturée, il y aura donc pas mal de petits éléments à ajouter pour lui donner vie également. Et surtout, pour assurer la continuité entre cette zone et celle située au-dessus. Ce que nous ne voulons vraiment pas, c'est que les zones adjacentes aient un aspect différent en termes de qualité, qu'il y ait quelque chose de vraiment bien conçu juste au-dessus, et puis juste là, quelque chose qui semble précipité ou inachevé J'applique donc cette couleur sur toute la surface. Vous pouvez constater que j' ai ignoré le processus de candidature proprement dit parce que c'est le même qu'avant, il suffit de laisser un peu le processus de candidature proprement dit parce que c'est le même qu'avant, d'air gris clair dans la zone Nous allons maintenant pouvoir commencer à affiner ce domaine plus en détail. Pour commencer à travailler sur cette zone et la rendre plus réaliste, je vais ajouter les petites zones ombragées que nous pouvons voir éparpillées Vous remarquerez qu'il y a plein de petites touches réparties un peu partout. Ils sont généralement modérément foncés, c'est pourquoi je vais d'abord les appliquer. Ensuite, j'ajouterai des détails légèrement plus foncés et plus fins sur le dessus pour bien terminer la zone. Comme nous l'avons déjà dit, je ne me souviens pas si c'était dans ce didacticiel ou dans un autre, une zone d'ombre n'est jamais une simple forme foncée plate. Il est en fait composé de plusieurs petits éléments de valeurs différentes superposés, ce qui crée de la profondeur et du réalisme. Ici, nous avons un gris légèrement plus clair, et en plus de cela, nous avons des éléments un peu plus foncés, et c'est ainsi que nous apportons du réalisme à la zone. C'est un peu comme travailler en couches. Nous appliquons d'abord le gris clair, puis nous le recouvrons d'un gris mitton, et enfin, j'ai eu ces petites touches sombres, et c'est ainsi que j'ai créé la zone Bien entendu, je parle ici en termes généraux. Dans la pratique, je m'adapte à chaque zone spécifique, chaque forme et à chaque élément que je vois. Les zones d'ombre sont maintenant un peu plus définies, car nous pouvons déjà commencer à voir émerger une impression de profondeur, ce qui est formidable. Nous allons maintenant commencer à définir les détails avec un peu plus de précision. Je peux voir dans cette zone qu'il y a quelques touches légèrement grises foncées. Je vais aller de l'avant et les ajouter. À certains endroits, je remarquerai également quelques touches légèrement plus légères, et je les ajouterai également. À ce stade, je prends vraiment mon temps pour ajouter des touches plus claires et plus foncées qui aideront à définir la zone. Vous aurez peut-être l'impression que je répète ce que j'ai dit plus tôt à propos des zones bleues ou oranges. Mais en fait, le processus est plus ou moins le même pour tous. Ce qui change, ce sont les couleurs, la forme des détails, la direction des textures. Nous observons les ombres présentes et nous adaptons notre approche. Mais dans l'ensemble, la façon dont nous nous y prenons reste la même. Cela demande juste un moment de réflexion au préalable, au duquel je me demande comment je vais ajouter des détails. De quelle forme sont-ils ? Quelle est leur épaisseur ? Quelle valeur de gris dois-je utiliser pour les zones d'ombre que je vais ajouter ? Où dois-je les placer exactement ? À chaque fois, je me pose ces questions et adapte en fonction du domaine dans lequel je travaille. Mais je garde toujours les mêmes principes directeurs à l'esprit. Appliquez les couleurs de base, mélangez-les, affinez-les avec une application plus précise, puis ajoutez des détails. C'est la séquence que nous suivons à chaque fois dans chaque zone. Que nous peignions ce perroquet ou plus tard un paysage ou même un portrait, nous nous appuyons toujours sur le même cadre, ce fil conducteur qui structure ou processus de peinture Ensuite, bien sûr, nous nous adaptons, nous l'ajustons en fonction du sujet, la façon dont nous appliquons la couleur, de la façon dont nous plaçons l'ombre, de la façon dont nous avons les petits détails pour créer une texture propre au sujet sur lequel nous travaillons. Parce que nous sommes, nous ne traitons pas les peurs de la même manière que nous les peurs de la même manière que nous travaillons les cheveux d'une personne. Et nous ne peignons pas l'œil du moineau la même manière que nous peignons l'œil d'un tigre ou l' œil d'une personne Et la façon dont nous avons travaillé sur les textures de la peur n' est pas la même que la façon dont nous pouvons travailler sur la texture d'une pomme dans une lampe en acier, par exemple. C'est pourquoi la séquence et le cadre sont les mêmes, mais nous nous adaptons au sujet que nous peignons. Et maintenant, les derniers détails de cette zone sont les touches beaucoup plus sombres que nous pouvons voir, petits points, les petites lignes que nous pouvons ajouter, et qui réuniront vraiment le tout et compléteront le travail. Ce sont les touches finales qui donnent à la zone sa profondeur et sa texture et lui donnent l'impression d'être vraiment finie. Maintenant, pour vraiment terminer la zone , il faut également travailler sur la transition subtile entre la zone verte et cette zone grise. Vous remarquerez qu'il y a petites touches verdâtres qui se fondent délicatement dans la C'est donc ce que je vais ajouter sur tout le bord. Je place ces éléments teintés de vert légèrement plus clair qui aident vraiment à finaliser la zone et à faciliter la transition Je vais le faire sur toute la frontière, et nous devrons également faire de même pour la transition avec la zone orange. En haut, on peut également y voir les couleurs se mélanger. Il y a une petite teinte intermédiaire, et nous avons également une tache qui commence dans la zone grise et se répand dans l'orange Cela devra également être ajouté. Une fois cela fait, terminerons notre travail sur l'ensemble de cette section, et nous serons prêts à passer à la zone de droite. 18. La zone grise est presque terminée !: Commençons par cette nouvelle zone texture légèrement complexe. Nous allons voir comment y parvenir avec cet entrelacement d'éléments superposés qui aideront à créer du volume Et le défi ici est de ne pas se perdre dans tous ces éléments, de ne pas savoir par où commencer. Pour éviter cela, pour ne pas perdre et pour bien commencer quelque part, j'aurais dû abord tracer les lignes légèrement sombres, les lignes ombrées présentes dans cette zone Ils me serviront de points de référence, me permettant de peindre entre eux et de créer progressivement de la profondeur. C'est donc ce que je suis en train de faire avec ce pinceau fin. J'applique de petits traits d' un gris légèrement foncé partout où je peux les voir. Pour cette partie, je vais accélérer un peu la vidéo parce qu'il s' agit principalement de peindre ces lignes, et ce qui prend du temps, c'est de recharger constamment le pinceau pour obtenir une ligne nette J'utilise ce pinceau fin pour être plus précis, mais cela signifie également que je ne peux pas charger trop de peinture à la fois. Mais c'est bon. Nous prenons notre temps et nous nous efforçons de le faire avec soin afin de créer tous ces points de référence. Portez également une attention particulière à la direction des lignes. Vous remarquerez que dans la partie supérieure, les lignes ont tendance à être plus horizontales alors que dans la partie inférieure, elles sont plus verticales. C'est donc également une chose à surveiller. L'ajout de ces lignes est un excellent moyen de partir du bon pied. Nous savons maintenant comment créer une base solide en utilisant ces éléments plus sombres. Nous avons quelques points de référence. Nous allons maintenant vraiment commencer à travailler entre ces éléments et essayer reproduire cette texture très particulière et probablement unique du perroquet Je commence donc par peindre avec un gris légèrement plus clair entre ces éléments. J'utilisais un pinceau assez fin, mais il n'était pas assez fin pour être vraiment précis. Nous allons donc maintenant revenir sur celui-ci et affiner ce travail plus en détail. Pour cette grande zone, mon approche consiste à travailler sur de petites parties de cette zone plus vaste que nous avons commencé à peindre et à exploiter chaque petite section au maximum, en ajoutant tous les éléments de détail, toutes les petites zones d'ombre, tout ce qui contribuera à créer de la profondeur dans cette section Et une fois que c'est fait, je passe à la petite section suivante. Mais je ne passe à autre chose qu'une fois que j'ai absolument tout peint dans la section actuelle. J'ai donc choisi de m'y prendre de cette façon, en travaillant sur petites zones une par une et en complétant chacune complètement avant de passer à autre chose, au lieu d'appliquer d'abord du gris clair sur toute la zone, au lieu d'appliquer d'abord du gris clair sur toute la zone, puis d'ajouter de petites ombres sur l'ensemble. Et enfin, tous les petits détails. J' adopte délibérément cette approche parce que je pense que si j' essaie de peindre l' ensemble de la zone en une seule fois, appliquant un trou de base sur toute la surface, par exemple, ne sera qu' une occasion perdre et de perdre la trace des éléments que j'ai trouvés Avec ces lignes sombres, nous nous sommes donné de bons points de référence, mais je crains que si nous travaillons sur toute la zone en une seule fois, ces points ne soient pas suffisants et nous finissions par nous perdre dans cette partie du perroquet Donc, pour ce domaine, encore une fois, il s'agit vraiment d'une observation méticuleuse et très détaillée de ce que nous voyons Vous remarquerez peut-être que j'ai constamment mon téléphone en main pour zoomer sur les éléments. Habituellement, soit je tiens le téléphone avec la zone spécifique que je veux peindre affichée soit j'ai un petit trépied à côté du chevalet qui me permet de garder les deux extrémités libres C'est certainement plus pratique d' avoir les deux mains à portée de main. Ici, je l'ai gardé en main, et j'ajoute toutes ces petites zones d'ombre, tous ces gris, j'observe vraiment les variations de gris observé attentivement les petites zones ombragées qui pouvaient apparaître ici ou là, puis je les ai repérées Je travaille délicatement avec ce pinceau pour être très précis, et c'est ainsi que nous allons progresser dans ce domaine. Vous pouvez voir que sur ce praline, il y avait une ombre légèrement plus prononcée Je l'ai donc ajouté, puis progressivement, je suis passé à quelque chose d'un peu plus léger Il y a également de petits reflets à côté de ces lignes sombres que nous avons peintes plus tôt, ce qui contribue également à créer du volume . C'est ainsi que nous avançons, en prenant toujours le temps, avant chaque coup de pinceau , de bien regarder et de décider quelles lignes ajouter, quels éléments doivent être créés Lorsque j'ajoute les éléments dans cette zone, j'essaie vraiment d'être précis, car en fait, s'agit pas d'un endroit où vous pouvez simplement tracer des lignes ou inventer des formes. C'est le genre de zone qui est très particulier et on ne rencontre pas souvent ce type de texture. Personnellement, en peignant ce perroquet, c'était la première fois que je pénétrais une zone comme celle-ci Ce n'est donc pas quelque chose de familier ou de routinier. Cela signifie que vous ne pouvez pas vraiment créer les formes ou inventer le relief, ou du moins pas avant d'en avoir peint plusieurs et d'avoir vraiment compris la logique qui sous-tend cette texture, la façon dont les éléments s' imbriquent et se chevauchent Ce n'est qu'alors que vous pourrez peut-être commencer à inventer quelques formes ? Mais si vous voulez quelque chose de cohérent pour l'ensemble de la zone, il est assez difficile de reconstituer les différentes lignes et volumes cette zone car tout se chevauche et se recoupe Cela crée de nombreux petits points lumineux, de nombreux petits points lumineux, et c'est un peu un casse-tête à inventer par vous-même. C'est pourquoi je prends mon temps ici pour observer attentivement et éviter d'inventer quoi que ce soit Je cherche à être très précis. Ce n'est pas comme lorsque nous avons peint zones vertes et bleues juste au-dessus de celle-ci. Nous pourrions y appliquer les détails avec un peu plus de flexibilité, qu'il s'agisse petits traits foncés ou de touches plus claires, car ce type de travail sur les plumes est quelque chose que nous faisons le plus souvent. C'est en fait assez similaire à travailler sur la fourrure lorsque vous peignez d'autres animaux. C'est pourquoi ces zones supérieures étaient plus faciles. Nous pourrions les interpréter plus librement ou même les créer à partir de zéro dans une certaine mesure. Nous pourrions nous permettre d' être moins précis. Mais dans ce domaine actuel, c'est une autre histoire. C'est pourquoi je passe encore plus de temps à observer les différents éléments afin pouvoir les ajouter avec une réelle précision. Maintenant, pour cette première section, nous sommes plutôt bien placés, et je peux continuer un peu vers la droite. Je vais tracer une sorte de chemin, et chaque fois qu'une section est terminée et qu'elle a pris la bonne forme, je passe à la suivante à côté C'est ainsi que l'ensemble de la zone se réunira grâce à une progression constante et observation méticuleuse de tous les petits éléments Vous remarquerez que je travaille principalement soit avec le pinceau Rigor pour ajouter ces petits détails et ces lignes fines, soit avec un pinceau très fin pour appliquer les couleurs avec précision dans les différentes zones Je peux maintenant passer à la partie supérieure. Et pour cette section, afin de faciliter le travail, j'ajoute encore une fois quelques petits points de référence. Je remarque qu'il y a des lignes fines qui aident vraiment à définir les courbes. Je vais donc les appliquer, ce qui facilitera la création d' un volume et l'ajout des détails ultérieurement. Dans un premier temps, je place les principaux repères pour aider à délimiter les zones. Maintenant que je travaille section par section, j'ajoute les plus petits points de référence dans chaque zone. De cette façon, je peux ensuite travailler plus précisément sur l'ombrage et les différents volumes que nous pouvons voir H Dans une telle zone, de nombreux étudiants peuvent avoir envie d'abandonner, mais ils ne le font pas. Et si tu m' écoutes toujours en ce moment, cela signifie que tu es là. Vous travaillez toujours dans ce domaine et vous vous y tenez. Il s'agit d'une zone complexe remplie de vols qui se croisent dans toutes les directions. C'est assez chaotique. À ce stade, il ne s'agit plus uniquement de peindre. Il s'agit de vous immerger dans cette partie de l'œuvre d'art Il faut ralentir et oublier la vitesse ou la facilité, car ce qui rend cette zone si spéciale, c'est qu' elle exige tout ce que vous avez appris jusqu'à présent. Il faut observer avec réelle attention, placer chaque trait avec intention, rechercher le rythme caché dans tous ces détails entrelacés Et c'est un cadeau car c' est une occasion rare de grandir en tant que peintre, nous avons rarement l'occasion de peindre des éléments aussi complexes. Chaque ligne, chaque détail que vous ajoutez est un véritable pas vers la maîtrise. Ne visez pas la vitesse, essayez de bien voir, de ressentir profondément, car un jour, vous regarderez cette section que vous avez terminée et vous n'en croirez pas vos yeux. Ce qui semblait autrefois impossible vous semblera soudain naturel si vous restez concentré, patient et engagé dans votre peinture. Oui, c'est vrai que cette partie est démoniaque, mais c'est aussi celle qui vous fera grandir le plus Et il est fort probable que ce soit celui dont vous serez le plus fier lorsque ce tableau sera terminé. Lorsque vous êtes profondément concentré sur la peinture, en particulier dans une zone complexe comme celle-ci, tout ce que nous avons peint autour de l'œil jusqu'à présent, eh bien, une telle zone, vous avez tendance à rester immergé dedans, intensément concentré Vous avez le nez presque collé à la toile pendant de longues minutes, parfois même des heures. Mais c'est précisément dans ces moments-là qu'il devient vraiment essentiel de faire une pause. Faire une pause ne signifie pas abandonner. Ce n'est pas une perte de temps. Au contraire, c' est une partie active du processus de peinture car au bout d'un moment, vos yeux se fatiguent. Ils cessent de voir les erreurs, ils ne détectent plus les différences subtiles, et ils peuvent même commencer embrouiller lorsqu' ils travaillent. Ils peuvent commencer à confondre ce qui fonctionne avec ce pas. C'est alors que nous risquons fonctionne pas. C'est alors que nous risquons de surcharger des domaines qui n'en ont pas besoin ou de négliger d'autres qui méritent plus d'attention S'accorder une vraie pause, même courte, permet à vos yeux de se remettre à zéro, votre cerveau de prendre du recul et votre main de retrouver de la précision. Alors allez-y, levez-vous, étirez-vous, regardez autre chose, buvez un verre d'eau, entrez dans une autre pièce, faites une petite promenade. Et lorsque vous reviendrez sur la toile, vous verrez les choses différemment avec plus de clarté, fraîcheur et un meilleur jugement. Cette habitude peut véritablement transformer votre rapport à la peinture. Moins d'épuisement, plus de plaisir et plus de contrôle. Faire une pause n'est pas un détour. C'est une voie directe vers un meilleur résultat. Et personnellement, je fais régulièrement des pauses. On ne les voit pas parce que ça ne sert à rien filmer une pause, mais je les prends. J'ai besoin de respirer, de m' étirer, de prendre un peu d'air frais pour sortir et me connecter à la nature qui m'entoure. Et cela m'aide vraiment, car à mon retour, je redémarre avec une nouvelle énergie, un nouvel état d'esprit et motivation renouvelée pour continuer le travail. Je continue donc à travailler du bon côté. Et ce que l'on remarque également ici, c'est que cette partie est un peu plus dans l'ombre. cette raison, nous devons ajuster les couleurs de notre pinceau pour nous assurer que nous utilisons gris légèrement plus foncés, ceux qui correspondent le mieux à cette zone spécifique C'est quelque chose qu'il est important de garder à l'esprit lorsque vous travaillez sur celui-ci. Je continue donc à ajouter mes petites touches une par une, me disant que ce qui est fait n'a pas besoin d' être refait et que chaque nouveau coup de pinceau que j'applique me rapproche un peu plus du résultat final. Je garde toujours à l'esprit que je veux le plus beau perroquet possible, quelque chose qui soit vivant et réaliste sur la toile Ainsi, chaque coup que je fais me rapproche un peu plus de cet objectif. Lorsque vous passez beaucoup de temps sur un tableau, surtout sur une œuvre longue et exigeante comme ce perroquet, vous pouvez parfois ressentir un certain ralentissement, une profonde motivation Il y a donc la procrastination des peintres classiques. C'est là que la réalisation de deux tableaux en même temps peut s'avérer une stratégie très efficace. Travailler sur le deuxième morceau vous donne de la marge de manœuvre et du rythme. Quand l'un est bloqué, l'autre avance. Et pendant que vous progressez sur le second, votre œil se brise dès le premier. Vous y revenez avec plus de distance, plus de fraîcheur. C'est un excellent moyen de briser l'inertie. Vous restez en mouvement et vous maintenez votre élan, mais attention car deux c'est le maximum. Plus que cela, et vous commencez à disperser votre attention. Vous commencez beaucoup de choses, mais vous n'en finissez aucune. Vous perdez ce lien profond, cette peur de focalisation qui donne du sens à une peinture. Deux, je pense que c'est l'équilibre parfait. Un tableau principal dans lequel vous êtes entièrement investi et un tableau secondaire à modifier un peu pour, vous savez, oui, pour ne pas tergiverser Et aussi, parfois, avec votre tableau principal, lorsque vous ressentez certaines zones, il vaut peut-être mieux laisser le tableau sécher et y revenir plus tard. Et en ce moment, le deuxième tableau est également très utile. Mais c'est pour votre travail personnel en dehors de ces tutoriels. Lorsque vous suivez un tutoriel comme celui-ci, c'est une autre histoire. Dans ce cas, il est vraiment préférable se concentrer sur une seule peinture à la fois, non pas pour aller plus vite, mais pour approfondir, pour développer pleinement la technique enseignée par le sujet, pour vraiment absorber les gestes, les couleurs, les superpositions Si vous essayez de suivre deux tutoriels à la fois, vous risquez de parcourir les deux et de ne maîtriser aucun des deux Donc, si vous suivez ce didacticiel, engagez-vous, plongez-vous complètement et accordez-y toute votre attention. Et une fois que c'est terminé, alors oui, vous pouvez passer à la suivante. Mais un par un, c'est ainsi que de véritables progrès sont réalisés. Cette section, comme je l'ai déjà mentionné à plusieurs reprises, est donc déjà mentionné à plusieurs reprises, vraiment un excellent exercice pour travailler sur des textures délicates. Il y a un dicton qui dit que lorsque vous pratiquez des choses difficiles pendant l'entraînement, tout devient plus facile par la suite en compétition Et c'est exactement ce qui se passe ici. En travaillant sur des textures complexes comme celle-ci, vous sentirez plus facile à peindre ou à repeindre des sujets plus tard Si vous souhaitez continuer à vous entraîner avec des textures trop complexes, je peux vous en recommander plusieurs dans ce cours auxquelles vous aurez accès. Par exemple, il y a le tutoriel sur les éléphants dans lequel vous pouvez travailler sur une peau ridée Vous verrez des zones aux textures très détaillées qui nécessitent à la fois précision et minutie. Il y a aussi le tutoriel sur le lion ou le chien, par exemple. Elles sont idéales pour travailler sur fourrure longue et parfois aussi sur une fourrure courte , comme sur la partie centrale de la tête du lion. C'est un autre exercice très utile, même si le sujet ne vous intéresse pas particulièrement ou ne faisait pas partie de ce que vous vouliez peindre au départ Le simple fait de les faire vous aidera à faire de réels progrès. Et plus tard, lorsque vous passerez à des sujets qui vous inspirent vraiment ou lorsque vous recevrez des commandes de clients qui veulent vous peigniez leurs animaux de compagnie ou des cadeaux pour votre famille, ces peintures vous paraîtront beaucoup plus faciles et plus naturelles. Et en dehors de la peinture animalière, il existe d'autres tutoriels fantastiques pour pratiquer différents types de textures, et ces compétences se répercutent également sur la valeur animale. formations portant sur une variété de sujets vous aident à vous améliorer plus rapidement. Si vous êtes capable de tout peindre, vous pourrez également peindre un animal dans son environnement naturel ou un animal de compagnie à l'intérieur d' une maison avec l' arrière-plan et les détails. Ne vous limitez donc pas aux tutoriels sur les animaux. Ils sont excellents, mais c'est en vous diversifiant que vous allez vraiment grandir C'est pourquoi je vous recommande vivement de suivre les didacticiels Steel Life vous permettront de travailler avec du métal, du bois, du verre et de nombreux autres matériaux. Bien que les tutoriels de paysage introduisent différentes textures et couleurs, vous ne les rencontrerez peut-être pas dans la peinture animalière. Cela améliorera votre compréhension des couleurs et de la façon de les mélanger, car travailler sur une grande variété de sujets est vraiment travailler sur une grande variété de l'un des meilleurs moyens de vous améliorer. Cela a également été ma propre expérience. Lorsque j'ai commencé à me concentrer sur la peinture animalière et que je me suis éloignée des portraits humains pendant un certain temps, j'ai remarqué que lorsque je suis revenue aux portraits, j'avais fait d'énormes progrès, notamment en ce qui concerne les cheveux. Après avoir peint des chiens et des animaux sauvages, qui sont presque entièrement en fourrure, il peindre des cheveux humains ou soudainement devenu beaucoup plus facile de peindre des cheveux humains ou la barbe d' un homme. Et dans le domaine de la peinture animalière, j'ai également dû aborder de nombreux nouveaux mélanges de couleurs que je n'utilisais pas auparavant. Cela m'a obligée à réfléchir plus attentivement, à arrêter de mélanger les peintures sur pilote automatique et à vraiment m'intéresser à ce que je faisais Ils m'ont permis de mieux comprendre la couleur, ce qui m' a aidée à faire de meilleurs mélanges lorsque je suis revenue au portrait, car avec le portrait, je mélangeais presque la même couleur encore et encore. Donc au début, au début, j'essayais de comprendre le mélange des couleurs, donc je dois me poser ces fameuses questions. Mais au final, comme il s'agissait presque toujours des mêmes couleurs, c'est presque comme si je connaissais le mix par cœur car je l'ai répété de nombreuses fois avec de subtiles différences. Mais il était très facile de créer ces tons de peau. Mais quand j'ai dû mélanger les couleurs d' un lion, d'un perroquet ou d'autres animaux, j'ai dû repenser à la façon de mélanger les couleurs, et cela m'a aidée à progresser et à améliorer le mélange des couleurs Encore quelques petites touches pour compléter la zone. Vous pouvez voir que cela a vraiment pris forme maintenant. J'ai ajouté quelques éléments plus clairs, quelques reflets, et maintenant j'en ajoute aussi quelques plus foncés, qui aide vraiment tout à bien ressortir. Dans l'ensemble, la texture de cette zone s' est très bien harmonisée. Mm. Dans ce domaine, le travail est donc presque terminé. Cette même approche devra être poursuivie jusqu' au côté gauche. Prenez donc votre temps et n' hésitez pas à faire des pauses comme nous en avons parlé plus haut, ou même à passer à la partie suivante, la partie supérieure, qui sera abordée dans la prochaine vidéo, et à revenir ensuite sur qui sera abordée dans la prochaine vidéo, le côté gauche si vous en avez un peu marre de cette texture et que vous voulez faire quelque chose d'un peu différent pendant un moment Dans tous les cas, vous avez maintenant tout ce dont vous avez besoin pour le terminer, et je suis certain que vous serez en mesure de terminer cette partie avec succès. Ah, 19. Finir la zone grise: Voici donc cette zone qui a été travaillée, et avec tous ces éléments peints sur le côté gauche, n'hésitez pas à vous en inspirer pour peindre votre propre version. Il y a aussi ce petit détail dans la partie inférieure avec ces éléments violets légèrement brunâtres j'ai ajoutés et que j'ai oublié de mentionner plus tôt, ainsi que les petits points noirs dans la zone grise que nous n'avions pas peints plus tôt, mais qui ressemblent à ce que nous avons peint juste à côté de l'œil au tout début Nous commençons donc maintenant ce nouveau domaine. Une autre question intéressante puisqu'une fois de plus, nous travaillons sur une texture légèrement différente de celle ci-dessus. Ici, vous remarquerez qu' il prend la forme de taches qui créent une texture un peu surélevée. C'est donc exactement ce que nous allons essayer de recréer. Et c'est la dernière partie de cette section grise qui, soyons honnêtes, a représenté tout un défi, et c'est également motivant de penser que nous y sommes parvenus Nous sommes sur la dernière ligne droite de cette zone grise, et nous nous rapprochons de la ligne d'arrivée. J'applique donc ces taches légèrement plus foncées que l'on peut voir dans la zone. Ils sont d'excellents points de référence, et une fois qu'ils sont en place, je peux commencer à peindre entre eux. simple fait de faire cela fournira déjà une base solide et structurelle sur laquelle travailler. Vous remarquerez également que sur le côté droit de la zone, les éléments sont un peu plus foncés, alors assurez-vous d'ajuster votre couleur en conséquence une fois sur place. Maintenant, je peux commencer à peindre entre ces éléments à l'aide de ce pinceau légèrement fin. Pour l'instant, je n'essaie pas de trop toucher aux points, et plus tard, nous devrons nous assurer de créer un mélange fluide entre les différents éléments, veiller à ce qu'ils soient bien connectés et que nous ayons une bonne transition entre eux, puisqu'ils font tous partie du même trou. Une fois cela fait, nous serons en mesure d' affiner la zone avec plus de précision et de disposer de plus de détails pour la rendre encore plus réaliste. Voilà donc les progrès que j'ai réalisés jusqu'à présent. N'hésitez pas à publier la vidéo et à faire cette partie vous-même. Il s'agit simplement d'appliquer la couleur à ce stade. Et maintenant, vous pouvez voir que je commence à intégrer ces endroits au reste de la région. Lorsque nous les mélangeons, les taches deviennent un peu plus claires, mais ce n'est pas grave. Nous y retournerons et les retravaillerons par la suite. La base sera toujours visible, et nous pourrons construire dessus. Pour le moment, ma palette n'est pas visible à cause d'un petit problème technique, mais comme nous ne faisons que mélanger ici, n'est pas un problème et cela ne nous empêche pas de travailler Il réapparaîtra dans quelques secondes. Maintenant que nous avons une base solide, nous allons l' affiner un peu plus. Je remarque qu' il y a de petites taches légèrement plus sombres éparpillées dans la zone Je vais donc les observer attentivement et essayer de les placer le plus précisément possible Ce sont en fait les mêmes endroits que nous avons indiqués plus tôt, ceux qui étaient recouverts de gris clair. Mais maintenant, je peux voir qu'il y a aussi des éléments plus sombres superposés dessus. C'est pourquoi il était important de commencer par le gris clair, et maintenant nous pouvons revenir et appliquer le gris plus foncé sur le dessus. J'apporte donc cette petite touche, en m'assurant de bien m'asseoir et de vraiment me démarquer. Je suis en train de revenir en mode prédateur, la recherche de tous ces petits détails et petites touches que je peux ajouter Ils ont souvent des formes irrégulières, alors je prends juste un moment pour observer leur apparence générale, puis je les pose sur moi d'une manière tout aussi irrégulière. Parfois je repère, parfois je fais des petites lignes. Mais honnêtement, je ne suis pas stressé à ce sujet. Ce n'est pas grave si l'élément n'est pas exactement comme la référence. Cela n'empêchera pas le résultat de paraître réaliste. C'est donc sur cela que je me concentre. Travaillez sur l'ensemble de la zone, en gardant toujours à l'esprit que le côté droit doit être un peu plus sombre, comme on peut le voir sur l'image de référence. C'est ainsi que nous continuerons à progresser dans ce domaine en surveillant tous ces petits détails. Avant de commencer à peindre une nouvelle section, je ne m'y attarde jamais tout de suite. Je prends toujours quelques minutes pour l'observer et planifier. C'est une étape cruciale, même si nous sommes souvent tentés de nous y plonger tout de suite avec le pinceau. Je me pose quelques questions simples mais essentielles, telles quels sont les défis spécifiques dans ce domaine ? Existe-t-il différentes textures ? Où se trouvent les ombres les plus fortes, les points de référence clés, les transitions de couleurs ? où dois-je commencer pour ne pas me perdre trop tôt dans les détails ? Dois-je commencer par les tons les plus clairs ou les plus foncés ? Et ce petit moment d' analyse me permet de peindre avec intention, plutôt que de simplement deviner Cela m'aide à éviter de me précipiter, d'avoir à corriger les choses plus tard ou de rester coincée à mi-chemin sans savoir comment continuer C'est un peu comme un randonneur qui consulte sa carte avant de partir. Ce n'est pas une perte de temps. C'est ce qui empêche de se perdre. Et plus vous pratiquez cette habitude, plus elle devient naturelle. En quelques instants, vous découvrirez partie délicate, le flux logique, vous comprendrez comment le sujet est construit et la peinture deviendra plus fluide, plus agréable et plus efficace Donc, avant de commencer chaque nouvelle zone, à l'heure des Tang Dai, cela ne prend que deux ou trois minutes, et cela peut faire une énorme différence Nous peignons toujours mieux lorsque nous savons où nous allons. Je vais donc maintenant ajouter les derniers détails, juste quelques éléments légèrement plus sombres. Ils ne sont pas très grands, mais cette petite différence de valeur fait vraiment une différence notable dans la surface globale. Je prends donc le temps de les ajouter avec soin. Nous avons parcouru un long chemin dans cette zone grise, et il serait dommage de la franchir précipitamment et il serait dommage de la franchir précipitamment quelques secondes avant la fin. Prenez donc votre temps pour ajouter ces dernières touches. Il existe également de petits reflets lumineux qui peuvent être ajoutés entre ces éléments pour vraiment finaliser le tout Et dans l'ensemble, c'est à peu près tout pour cette zone. J'ajoute les tout derniers coups de pinceau, puis nous passerons au bec Avant de passer au bec, il y a juste une petite zone noire et légèrement brun orangé juste à côté que je vais peindre hors caméra car honnêtement, n'est pas une zone difficile à peindre, surtout après tout ce que nous venons faire avec cette grande zone grise Je vais donc le faire hors caméra. Mais si vous préférez le peindre ensemble, si vous le souhaitez, vous pouvez commencer par le bec que nous pouvons peindre ensemble, puis peindre cette zone par la suite Et voilà, quelques dernières touches puis nous passerons au Big, sur lequel il sera également très intéressant de travailler. Et en fait, le perroquet entier était intéressant à peindre. Il n'y a pas un seul domaine qui nous permette de faire une pause. Chaque pot a sa propre texture unique, sa propre couleur assez inhabituelle ici et là, et c'est vraiment un sujet fantastique. Personnellement, j'ai beaucoup aimé le peindre, et j'espère que vous l'appréciez aussi. Et maintenant, je vous verrai dans quelques secondes pour la grande section. U 20. Peindre le bec: Nous voici maintenant avec cette dernière zone, le bec, qui est une surface dure, mais aussi une surface très texturée sur laquelle nous allons travailler Lorsque vous regardez le bec du perroquet, vous pourriez penser qu'il est lisse comme du plastique ou du métal poli Mais si vous prenez le temps de bien l'observer, comme nous le faisons ici en peignant, vous verrez qu'il est en fait plein de petits détails. Le bec est un matériau dur, oui, mais il est vivant. Sa structure est assez similaire à celle de nos ongles, mais beaucoup plus dense. Et comme toute surface exposée à l'usure, elle présente des marques au fil du temps. En conséquence, vous remarquerez des fissures, des stries, de petits plis et toutes sortes d'irrégularités naturelles Ces détails peuvent sembler subtils, mais ce sont eux qui donnent du réalisme à votre peinture. Sans eux, le bec aura l'air plat, artificiel, trop propre et perdra sa crédibilité C'est pourquoi nous devons passer du temps à travailler avec soin sur ces textures. Avec des stries qui ne sont pas identiques, ces lignes peuvent être courtes, longues, courbes ou diagonales Les marques sont donc plus visibles dans les zones claires, d'autres dans l'ombre, et nous devons nous assurer de les faire ressortir correctement. Notre objectif est donc maintenant de donner à cette grande substance une sensation d'usure et de vie. Et c'est ce qui donnera à la surface l' apparence de quelque chose que vous pouvez réellement sentir avec vos doigts presque comme si vous pouviez la toucher. Alors prenez votre temps et surtout, oubliez l'idée d'un bec lisse et parfait Ici, nous voulons lui donner du caractère, un bec dur et patiné, légèrement usé et plein de nuances et de subtilités Tu le feras, tu le feras. Je commence par appliquer les couleurs, commençant par les zones sombres que vous pouvez voir sur le côté gauche, ainsi que par les sections marquées sur la droite. Ensuite, j'ai ajouté ce surlignage en utilisant un gris légèrement plus clair dans cette zone. Et à côté, il y a encore quelques gris foncés, mais pas aussi foncés que les premiers que j'ai appliqués Cependant, en le regardant maintenant avec un peu plus de recul lors de l' édition de ce didacticiel, je me rends compte que j'ai fait en que l'ensemble soit trop sombre dans l'ensemble, et cela se voit dans le résultat final. Donc, si vous le souhaitez, vous pouvez peindre comme je l'ai fait un peu plus foncé. En termes de résultat global, comme vous pouvez le voir sur l'image du résultat final, cela fonctionne toujours. Le gros bloque le noyau puis prend de la profondeur parce que j' applique des valeurs contrastées partout. C'est juste que les zones sombres sont plus sombres qu'elles ne devraient l'être, et les zones claires sont également plus sombres qu'elles ne le devraient, mais cela reste cohérent. Vous pouvez donc tout à fait le faire de la même manière avec ce type d'obscurité, ou vous pouvez opter pour une version légèrement plus claire comme celle que vous voyez sur la photo de référence. Cela dépend entièrement de vous. Maintenant, je suis en train d'appliquer les couleurs de base sur les grandes couleurs. J'essaie d'identifier les différentes sections et de placer les couleurs avec soin dans chacune d'elles pour commencer à créer une impression de volume dans le grand. Et pour cela, j' utilise ici le pinceau plat pour appliquer ma peinture. Cela me donne toujours une bonne précision , mais surtout, cela me permet de couvrir ces grandes zones assez rapidement, car les grandes prennent un peu plus de place. Maintenant que les couleurs sont en place, je peux commencer à les mélanger en utilisant des mouvements de va-et-vient comme celui-ci, qui aident les couleurs passer en douceur à une autre Dans ce cas, ma peinture était assez bien étalée, donc le mélange se fait assez facilement Mais si je constate que cela ne se mélange pas très bien, je n'hésite pas à essuyer l'excédent de peinture de mon pinceau pour pouvoir continuer avec un pinceau propre et obtenir un meilleur mélange Je vais maintenant commencer à marquer les différentes zones d'ombre que nous pouvons voir à l'intérieur du bec, petites poches d'ombre qui apparaissent à différents endroits Par exemple, dans la partie supérieure, il y a une ombre assez forte qui aide à donner de la profondeur au bec Je l'ajoute maintenant, et cela crée immédiatement plus de volume par rapport à la zone ci-dessus. Je cherche à marquer toutes les petites zones d'ombre que je peux voir en utilisant cette couleur très foncée. Ensuite, comme d'habitude, j'ajouterai les ombres restantes avec un ton légèrement plus clair. Pour rester efficace et méthodique dans mon processus. Les petites zones d'ombre que je marque sont généralement assez irrégulières. Ils n'ont pas de forme précise ou bien définie. J'observe donc rapidement à quoi ils ressemblent, quelle taille ils sont et à quel point ils apparaissent sombres. Et puis je les ai eus sans trop y réfléchir. Les petites zones d'ombre que j'ajoute aident vraiment à mieux définir les grandes et à commencer à augmenter le volume. Il y a aussi cette bande claire entre les deux sections les plus sombres qui donne au grand un aspect tridimensionnel plus conique plutôt que de paraître plat Il s'agit donc également d'un élément important. Mais dans l'ensemble, à ce stade, ces ombres ne ressortent pas encore beaucoup car j'applique gris plus foncé sur du gris légèrement plus clair. n'y a pas de contraste de valeur extrême entre les éléments que j'ajoute en ce moment. Donc pour le moment, c'est encore assez subtil. Mais cela aide vraiment à créer une meilleure structure. Une fois que j'ai terminé cette étape et ajouté toutes les petites zones d' ombre, elles commenceront à ressortir un peu plus. Mais surtout, une fois que ce sera fait, je pourrai y revenir et ajouter les petits points forts, les touches plus lumineuses que vous pouvez voir dans la zone, et cela aidera vraiment à faire ressortir la profondeur et le volume de la grande section. Nous sommes maintenant dans la phase finale du perroquet. Vous êtes donc capable d'aller jusqu' au bout, Vous êtes donc capable d'aller et pas simplement de le terminer, mais de bien le terminer, car c'est ici , à la toute dernière minute que la différence se fait La différence entre une peinture presque terminée et une œuvre qui semble complètement vivante. La différence entre abandonner un peu trop tôt et créer une œuvre dont vous pouvez vraiment être fier, même si vous êtes le tableau, n'est pas jugée par la façon dont vous avez commencé la peinture. On le juge en fonction de sa fin. Dans ce tableau de Bakou, c'est votre touche finale. C'est ta signature. Alors restez vigilants. Donnez-lui tout ce que vous avez jusqu'aux derniers coups de pinceau C'est là que la magie opère. Cela fait déjà près de 5 heures que nous avons commencé ce tutoriel, ce n'est donc pas le moment de baisser les bras. Nous avons donc déjà ajouté pas mal d'éléments en termes de structure et de couleur. Maintenant, je vais travailler sur le Big en utilisant quelques touches, en particulier sur ce grand orchestre. Vous pouvez le voir ici, ces petits points forts aideront vraiment certains domaines à se démarquer. Nous n'en sommes pas encore à la phase finale du travail de texture, mais à ce stade, nous en avons déjà un gros assez bien développé. Honnêtement, on pourrait dire que si nous le voulions, nous pourrions le laisser tel quel. C'est déjà solide et cohérent. Mais maintenant, nous allons commencer à l'affiner, en lui ajoutant un peu plus de caractère et de texture, en lui donnant un look Weford légèrement usé Nous voulons que cette grande personne ait l' impression d'avoir vécu une vie. Par exemple, ce perroquet existe depuis des décennies, parcourant la jungle , se battant parfois avec d'autres oiseaux et portant les marques de ces rencontres Donc, ces petites touches que nous allons ajouter ici et là, nous racontons des histoires. L'histoire de la vie de ce perroquet est gravée dans chaque égratignure et marque de son bec À ce stade, je suis vraiment content de la structure du bec Maintenant, je vais commencer à l' affiner avec plus de précision et de détail. Je vais chercher toutes les petites marques que je peux ajouter ici et là pour améliorer encore la texture et rendre plus réaliste, plus vivante. À l'heure actuelle, j' ajoute principalement des marques claires. Et ils vont se démarquer nettement par rapport à tout ce que nous avons déjà fait dans ce domaine. Ainsi, en utilisant de petites touches, de petits requins ici et là, je commençais à affiner le travail, à le rendre plus précis et à lui donner un aspect plus réaliste Une fois que j'aurai ajouté une bonne quantité de ce pinceau, désolé, je passerai aux derniers détails. Et pour cela, j'utiliserai le pinceau Riga pour peindre les lignes de texture extrêmement fines, qui apparaîtront presque comme rayures ou des stries en solo Cela arrivera juste à la fin. Pour l'instant, je travaille avec un pinceau fin, mais pas aussi fin que le pinceau Riga. Il s'agit d'un pinceau rond. Parce que le pinceau de fixation avec sa pointe plus longue, n'est pas idéal pour ce type de marques Le pinceau est plus long. Les poils de la brosse sont plus longs pour le gréeur. Et lorsqu'il s'agit d'appliquer de petites touches comme celles que l' on voit sur le bec, rigueur de la pointe longue peut s'avérer un peu gênante et ne pas être le pinceau idéal C'est pourquoi j'utilise un pinceau rond standard, légèrement épais, mais assez fin dans l'ensemble pour appliquer ces touches sur la surface. Et lorsque vous les ajouterez, n'y réfléchissez pas trop. Observez grossièrement où se trouvent ces petites marques, quelle forme elles prennent, puis ajoutez-les. C'est ainsi que j'affine moi-même la zone, non pas en copiant parfaitement, mais en interprétant. Ce qui compte vraiment, c'est d'être attentif à la valeur de ces petites attentions. Par exemple, dans cette zone que je suis en train de peindre, vous pouvez voir qu' au bord du grand écran, les touches ont tendance à être un peu plus foncées et moins claires que celles que nous avons dans cette bande centrale que j'ai ajoutée il y a quelques secondes. En visionnant ce tutoriel, sachez que vous pouvez vraiment être fier de vous. Si vous êtes toujours là à regarder cette vidéo jusqu'au bout, cela seul est déjà un grand signe de motivation. Mais si vous avez également peint le perroquet étape par étape, couche par couche, soyez vraiment extrêmement fier de vous car ce n' est pas un sujet facile Ce n'est pas quelque chose que vous pouvez faire à la hâte avec désinvolture. C'est un projet qui demande de la précision, de la discipline, de la persévérance et de solides compétences techniques. Vous deviez observer attentivement, suivre votre rythme, parfois refaire certaines parties, rester calme dans les zones les plus délicates et rester concentré pendant plusieurs heures, et rester concentré pendant plusieurs heures, tout le monde n'est pas capable Donc, oui, vous méritez d'être fier parce que vous vous y êtes tenu, vous apprenez et, surtout, vous le créez. n'y a rien de plus gratifiant que de tenir dans ses mains un tableau que l'on a réalisé soi-même avec soin, patience et passion. Alors félicitations à vous. J'espère que vous êtes aussi fier de ce que vous avez accompli que je le suis de vous avoir guidé dans ce tutoriel car ce n'était pas un sujet facile. Et même si votre résultat final n'est pas tout à fait ce que vous aviez imaginé, ce n'est pas grave. Le fait que vous ayez suivi ce tutoriel jusqu'au bout est déjà une grande réussite personnelle. Et surtout, ne soyez pas trop dur envers vous-même. En regardant ces didacticiels, vous êtes là pour apprendre. Et grâce à la pratique, encore et encore, vous serez en mesure de créer des œuvres la fois contrôlées et vraiment réalistes Maintenant, j'ai un bec vraiment très détaillé. J'en suis vraiment contente, et maintenant je prends le pinceau pour ajouter les derniers détails. J'observe les endroits où l'on peut voir des éléments très fins, qui apparaissent le plus souvent sous forme de fines lignes. Je vais donc les ajouter maintenant avec ce pinceau en noir, par exemple, en particulier sur la partie supérieure du bec Vous pouvez voir qu'il y a là une ligne qui devient assez étroite, et ce pinceau est parfaitement adapté pour le peindre avec précision. Et c'est ainsi que nous ajouterons ces dernières petites touches pour compléter notre sujet. Vous êtes ici avec ce pinceau fin, je peux également ajouter ces petits traits qui aident vraiment à définir le grand et à lui donner vie. Je continuerai à ajouter ces derniers petits éléments, en observant toujours et en me demandant s'il y a autre chose que je pourrais inclure pour améliorer encore la pièce. Mais dans l'ensemble, nous sommes très, très proches du résultat final. En quelques secondes ou minutes, vous verrez le résultat final. L'œuvre d'art terminée que j'ai créée, vous verrez une photo de la peinture, mais vous n'aurez pas vraiment une idée de sa taille réelle, car l'image ne sera pas affichée sur une surface donnant une échelle visuelle quelconque. Et ce tableau de perroquet n' est plus avec moi, donc je ne peux pas le photographier sur un chevalet, par exemple, pour le montrer en taille réelle Cela nous amène à la fin de ce didacticiel et de ce dernier message. J'espère sincèrement que vous apprécierez cette leçon et, surtout, que vous avez peint et créé votre propre version de ce perroquet N'hésitez pas à me faire part de vos résultats finaux. C'est toujours un réel plaisir de voir les étudiants travailler. Et je vous donne rendez-vous très prochainement pour une nouvelle vidéo, un nouveau tutoriel et une nouvelle peinture. Merci donc encore d'avoir suivi ce cours et à très bientôt avec un autre tableau.