- Exercices de peinture à l'huile - Partie 2 : Maîtriser le pinceau, la texture et l'observation.

1. Introduction: Bonjour et bienvenue dans ce cours. Je suis vraiment heureuse de t'avoir ici. Dans ce cours, nous continuerons à développer vos compétences en peinture grâce une nouvelle collection d'exercices pratiques légèrement plus stimulants. Chacune met l'accent sur une technique différente qui vous aidera à peindre avec plus de confiance et de précision. Nous explorerons des exercices tels que peindre une tasse à l'envers pour entraîner votre observation, peindre une pomme à l'aide de différents coups de pinceau, apprendre à peindre des bords souples et à créer des plis réalistes dans le tissu, peindre un ruban orange vif et enfin réunir le tout dans une peinture complète Comme dans le cours précédent, j'utiliserai du papier pour peinture à l'huile, ma palette de cinq couleurs et des pinceaux synthétiques, bien que vous puissiez travailler sur toile si vous préférez. Si vous avez besoin de plus d' informations sur les matériaux, vous trouverez une explication complète dans mon cours de base de peinture à l'huile sur Skillshare Commençons dès maintenant. 2. Peindre une pomme en 5, 10 et 20 coups de pinceau: Dans cette vidéo, nous allons nous concentrer sur un exercice très stimulant, qui consiste à concentrer sur un exercice très stimulant, peindre une pomme en seulement cinq, dix ou 20 coups de pinceau Nous allons donc créer trois œuvres d'art différentes en utilisant chaque fois un papier à peindre et le format sera de 15 x 15 centimètres C'est un très bon exercice pour progresser car il vous oblige à ne peindre que ce qui est important, à faire des choix, à faire des gestes très précis et à voir comment un nombre limité coups de pinceau peut suffire à créer volume et comment vous pouvez améliorer peintures avec un peu plus de coups de pinceau C'est-à-dire de dix coups de pinceau à seulement 20 coups de pinceau Avec seulement dix coups de pinceau supplémentaires, vous pouvez créer quelque chose d' encore plus élaboré C'est donc très amusant à faire. Et si vous voulez aller encore plus loin après cet exercice, vous pouvez vraiment peindre cette pomme sans aucune limitation avec le nombre de coups de pinceau que vous souhaitez Et pour cela, vous avez le tutoriel du cours de nature morte dans le module Nature morte où je vous montre et vous guide à travers la peinture de cette pomme avec précision avec quelque chose de réaliste. Alors prenez vos pinceaux, et bien, vous n'avez besoin que d'un seul pinceau. Prends ton pinceau et peignons ces pommes ensemble. Comme d'habitude, avant de commencer à peindre cette pomme, nous allons observer les différentes couleurs et les analyser. Donc tout d'abord, ce que l' on remarque, c'est qu' il y a clairement une partie dans l'ombre, une zone sombre, qui est déjà foncée d'une part, cause de la couleur de la pomme, on peut voir que c'est un côté rougeâtre et encore plus parce qu'elle est dans l'ombre Cela signifie donc que nous aurons des rouges foncés, mais pas seulement, qu' il y aura une ombre centrale très prononcée, et nous pouvons voir que ces ombres ont un ton violacé légèrement foncé Et nous le remarquons, notamment parce que dans la zone légèrement plus claire, la couleur vire légèrement vers le violet, qui signifie que nous savons que dans cette zone très sombre, ce sera un violet très foncé. Ensuite, au fur et à mesure que nous nous rapprochons du côté gauche de l'image, celle-ci devient progressivement plus claire, mais cet éclair ne se produit pas brusquement. C'est progressif. Nous allons commencer par quelques oranges intermédiaires et progressivement, à l'extrême gauche, nous avons des couleurs très claires avec des oranges plus claires, par exemple, mais aussi des jaunes pâles qui sont très clairs et parfois presque presque blancs dans la zone proche du point culminant Puis, au fur et à mesure que nous vers le haut de l'image, pour créer le creux visible, là où la tige est une tige brune avec un brun très intense. Eh bien, dans la zone autour de la tige, sur la partie supérieure où se trouve le trempage, nous avons des légumes verts jaunes, mais pas vraiment intenses que nous devrons mélanger correctement. On se rend donc compte que pour un objet aussi banal qu'une pomme, il existe toute une gamme de couleurs qu'il faut mélanger avec soin et créer plusieurs valeurs. Nous créerons beaucoup de couleurs sur la palette, mais rien ne nous empêche de mélanger davantage en cours de route pendant notre peinture. Pour créer des couleurs intermédiaires que nous pouvons mélanger au fur et à mesure. Voilà pour l'analyse. Passons maintenant au mélange de toutes ces couleurs. Alors voilà, je commence par mélanger mes couleurs les plus sombres, et je vais commence par mélanger mes couleurs les plus sombres, commencer par créer la zone sombre, cette zone légèrement violacée, comme nous l'avions vu J'ai donc mélangé du violet avec du bois brûlé, mais je crois que j'ai fini par quelque chose d'un peu trop foncé, alors j'ai ajouté un peu de blanc à ma couleur. Maintenant, ma couleur est vraiment belle et foncée, exactement ce que je voulais. Vous ne pouvez pas encore vraiment voir l'effet foncé, je veux dire l'effet violet. Et en fait, sur la pomme elle-même, on ne la voit que modérément. C'est surtout quand il s'éclaircit que l' on se rend compte qu' il a ce ton violacé C'est donc ce que je vais faire ensuite. Je suis donc en train de créer un rouge légèrement violacé qui est un peu plus clair que ce que j'avais mélangé à côté Et maintenant, je dirais qu'il fait encore un peu trop sombre. J'ajoute donc une touche de blanc, et c'est aussi un peu trop intense, en termes de violet à mon goût. Donc, pour certaines zones de la pomme, j'ai ajouté la couleur complémentaire au violet, qui est le jaune. Maintenant, j'ai une couleur qui n'est pas trop mal, mais qui ne virait pas assez vers le rouge. N'oubliez pas que le côté droit de la pomme est plutôt rougeâtre, un peu violacé, mais surtout rougeâtre Voilà, j'ai un rouge pas trop intense, et j'en suis plutôt contente. Je pense que pour la zone latérale où nous avons ce ton légèrement violacé avec quelque chose d' un peu plus clair, couleur que je suis en train de créer pourrait bien fonctionner Parce que sur le côté de la pomme, là où se trouve tout cet arc de lumière, cette légère limite, j'ai pensé que cette couleur pourrait convenir parfaitement, et maintenant je vais créer un brun orangé légèrement intense. En fait, il s'agit plutôt d'une orange intense qui tend légèrement vers le brun, je suis en train de mixer. Pour cela, je mélange le rouge et le jaune, et j'ai ajouté une petite touche d' ombre brûlée pour le rendre un peu plus foncé. Pour obtenir quelque chose d'encore un peu plus foncé, j'ajoute du rouge et de l'ombre brûlée. Et je vais également ajouter un peu de bleu outremer pour atténuer cette orange puisque bleu est la couleur complémentaire de l' Cela renforce également son ton légèrement brunâtre en même temps Je vais maintenant mélanger les oranges que l' on voit dans plusieurs zones de la pomme. Je vais donc commencer par une orange modérément foncée. Ce que je fais, c'est lui donner une quantité généreuse de rouge et de jaune, ainsi qu' un peu de blanc pour qu' il ne devienne pas trop foncé. Vous avez vu que j'ai également ajouté une touche de bleu pour que l' orange ne soit pas trop intense. heure actuelle, je me suis dit que je voulais le rendre un peu plus foncé, sans nécessairement ajouter trop dans le brun. J'augmente donc à nouveau ma quantité de jaune et de rouge, ce qui réduit la proportion de blanc, et je me suis retrouvée avec la bonne orange. Maintenant, ce n'est pas trop mal, mais je vais faire une autre variation pour les autres zones oranges. J'ai donc pris une petite portion de l'orange que j'avais préparée et j'ai décidé de l' éclaircir avec du jaune et du blanc Mais j'ai remarqué que ce faisant, ma couleur n'était pas assez rouge, alors j'en ai ajouté un peu plus. Maintenant, je voulais créer un jaune très pâle que l'on peut voir à certains endroits, qui soit vraiment brillant. Mais mon pinceau était un peu sale et pas assez propre. J'ai donc décidé de changer de stratégie et d'opter pour le vert jaune pâle que on peut voir au sommet de la pomme. Je me dirige donc vers quelque chose de plus jaune et de beaucoup moins lumineux que ce que j'avais initialement prévu. Mais cela fait partie du processus. J'ai l'impression de me rapprocher en ce moment de ma couleur cible. L'ajout d'un peu d'ombre brûlée peut également aider à lui donner un aspect légèrement plus neutre et légèrement brunâtre Mais l'ombre brûlée donne aussi un peu un ton verdâtre un peu trop fort. Je veux quelque chose de légèrement vert mais pas tant que ça. C'est pourquoi vous m'avez vu ajouter une petite touche de rouge également. Et maintenant, avec un pinceau propre cette fois, je peux créer la couleur jaune pâle qui est extrêmement claire et que l'on peut voir dans la zone de surbrillance. J'ajoute juste une petite touche de rouge pour lui donner un ton orangé très subtil. Pour la pomme elle-même, je dirais que nous avons une bonne base de couleurs, ce qui est excellent. Nous allons également mélanger les couleurs pour le fond et pour l'ombre. Il est vrai qu' ils ont participé à l' analyse initiale, mais ce n'est pas grave. Nous allons quand même les mélanger, et vous verrez que ce sera assez simple. Pour le fond, je commence par mélanger une base de gris ou de gris plus ou moins clair. Il y a une bonne quantité de blanc dedans, mais je ne veux pas qu'il soit trop clair non plus, car la pomme est déjà assez brillante la surface sur laquelle elle est classée. Ce fond moyennement foncé aidera donc la pomme à se démarquer correctement. Cela fait du gris et fabrique du bois brûlé avec du bleu outremer avec une bonne portion d'ombre brûlée Ensuite, pour ce qui est de l' ombre projetée par la pomme, c' est-à-dire que l'ombre de la pomme s'étend sur toute la surface, vous remarquerez qu'elle penche beaucoup vers le violet. C'est donc ce que je commence à mélanger. Le violet assez foncé avec une bonne quantité de bois brûlé et le bleu outremer. J'ai également ajouté du jaune pour atténuer le ton, mais je pense que j'en ai peut-être ajouté un peu trop. Nous verrons comment cela va se passer, et si besoin, je vais l'ajuster légèrement avec un peu plus de bleu outremer, par exemple Et pour cette ombre, il n'y aura pas qu'une seule couleur plate. Il y en aura plusieurs. C'est ce que je suis en train de faire. Je crée plusieurs couleurs pour l'ombre, qui deviennent progressivement plus claires. Ainsi, je pourrai recréer avec précision l' ombre de ma pomme Et maintenant, je pense que nous sommes plutôt bien placés. Nous avons un palais bien préparé et nous pouvons donc commencer Commençons donc, et nous allons commencer par la première étape en seulement cinq coups de pinceau Et avec seulement cinq coups de pinceau, nous sommes très limités Nous devons donc nous poser les bonnes questions Quels sont les éléments réellement essentiels ? Que dois-je absolument souligner pour assurer qu'il s'agit bien de ma pomme ? Pour moi, je dirais que ce qui compte , c'est d'abord l' ombre sur le côté droit. Ensuite, il y a aussi la zone centrale, qui est orange et semble vraiment cruciale. Et enfin, la partie gauche. Cela dit, nous en sommes déjà à trois coups de pinceau. Ensuite, nous avons également la partie supérieure avec la tige. Donc, si on les compte comme si on compte la partie supérieure plus la tige, cela fait cinq coups de pinceau Nous y sommes donc et nous n'avons plus le droit de le faire. Cela nous amène également à nous demander s'il y a autre chose que je pourrais ignorer avoir encore quelque chose qui ressemble à ma pomme. Pour l'instant, je n' ai pas la réponse. Nous verrons une fois que tout sera fait. Je commence donc par cette zone d'ombre très foncée, puis j'utilise une couleur très foncée pour marquer clairement la zone et montrer clairement qu'il s' agit de l'élément d'ombre. De plus, juste pour clarifier les choses, un coup de pinceau compte entre le moment où le pinceau touche le papier et le moment où il est retiré. J'ai donc commencé par la zone d'ombre. Il est important de vous assurer que votre brosse est correctement chargée afin de pouvoir couvrir une grande surface. Comme la couleur suivante est vraiment différente de la zone que nous avons créée, je passe à un pinceau anova, et j'utilise un pinceau plat, qui est assez large pour travailler sur de plus grandes sections. Donc, ici, j'ai choisi cette orange, qui me semble être une couleur qui représente vraiment bien le ton général. Pour peindre cette zone. Et encore une fois, je l'applique avec mon pinceau plat. Maintenant, il est vrai que j'ai une transition assez délicate entre la zone d'ombre et cette zone centrale. Vous pouvez voir qu'il manque des coups de pinceau intermédiaires et des couleurs intermédiaires Mais malheureusement, étant donné nombre limité de mes coups, je ne pouvais pas vraiment le faire autrement. Je vais maintenant peindre la zone sur le côté. C'est une zone assez claire, et je pense que cette couleur de ma palette fonctionnerait peut-être bien. Cependant, il est un peu trop léger, donc je l'ajuste un peu, comme vous pouvez le constater. Et si je devais choisir une couleur pour définir cette zone, je dirais que celle-ci est plutôt bonne. Encore une fois, j'applique larges coups de pinceau pour couvrir correctement toute la zone. Ensuite, j'essaie de créer un mélange avec la couleur adjacente. Même s'il est vrai que sans couleur intermédiaire entre les deux, la transition est vraiment abrupte et le mélange n'est pas excellent du tout Comme je l'ai déjà dit, je vais maintenant peindre la partie supérieure, et je vais essayer avec cette couleur dans ma palette. Ce type de couleur jaune, vert légèrement rougeâtre Et je vais m'en servir pour lui donner un peu plus de volume et montrer qu'il y a une nette différence entre ces deux domaines. Ensuite, pour mes derniers coups de pinceau, mon cinquième, je vais m'en servir pour peindre la tige car ici, même si vous pouvez déjà voir qu'il s'agit d'un objet rond, nous avons réussi à lui donner une certaine impression de volume avec ces quatre premiers coups de pinceau La tige est toujours une caractéristique assez distinctive de la pomme, ce qui peut aider à la définir un peu plus. Voilà, avec cinq coups de pinceau, nous avons réussi à créer quelque chose qui semble un peu volumétrique, mais il est vrai que c'est presque impossible avec si peu de coups de pinceau disponibles Cela a tout de même l'avantage de nous amener à bien réfléchir et à nous demander quelle est la couleur dominante dans chaque zone si je veux la peindre ? Nous sommes maintenant autorisés à utiliser deux fois plus de coups de pinceau. Essayons de représenter cette pomme en dix coups de pinceau. Maintenant, je me demande ce que je pourrais avoir pour rendre les choses un peu plus réalistes. Je peux donc utiliser les cinq mêmes coups de pinceau, mais aussi travailler un peu plus sur la transition Par exemple, entre cette ombre centrale et la zone centrale, en bas, j'ai aussi quelque chose d'un peu différent. Travaillez sur la transition entre la zone centrale et la zone claire de gauche. Travaillez également sur le côté gauche avec quelque chose d'un peu plus foncé et travaillez sur le trempage de la pomme. Et puis je pense que ce sera plutôt bien parce que je n'ai encore qu'un nombre limité de coups. Dix, ce n'est pas une énorme quantité de coups de pinceau. Alors voilà, je modifie un peu ma couleur violette et j' y ajoute du rouge. Je peux donc commencer avec cette ombre centrale de ma pomme. Et cette fois, cette zone sera plus petite puisque je vais utiliser une couleur intermédiaire. Je passe donc maintenant à quelque chose de plus clair qui m' aidera à créer une transition entre cette zone d'ombre centrale la zone centrale qui est beaucoup plus claire. Et je pense que celui-ci pourrait être très utile pour créer cette transition. J'en applique donc un peu ici, mais je vais également appliquer une partie de cette couleur vers la droite, là où se trouvent cette diapositive reliée, désolée, et cet élément plus clair. Même si ce n'est pas la bonne couleur pour cette zone, elle est quand même assez proche, ce qui m'a permis d'avoir une meilleure idée du volume en ajoutant quelque chose de plus clair dans cette zone. Maintenant, avec cette orange assez intense, je peux l'utiliser au bas de ma pomme, et je peux progresser un peu vers le milieu de ma pomme. Mais je ne toucherai pas à cette zone que j'ai peinte auparavant. Je pense qu'à l' heure actuelle je pourrais utiliser une autre couleur pour créer une transition entre ces deux zones. Nous en sommes donc maintenant à quatre coups de pinceau. Et ce que je vais faire, c'est passer au domaine suivant. Et ici, je vais utiliser quelque chose d'orange, un peu plus clair, je dirais, comme couleur dominante pour cette zone. Et nous y voilà. Nous avons déjà atteint la moitié de nos coups de pinceau autorisés, et nous nous en sortons plutôt bien jusqu'à présent Je vais maintenant passer à quelque chose d'encore plus clair, plus proche du jaune pâle, pour peindre la zone qui se trouve ici. Ensuite, j'aurais besoin de créer quelque chose d'un peu nouveau pour le côté gauche de la pomme. Vous pouvez voir qu'en haut à gauche, il y a un peu plus d'orange rougeâtre. D'accord. Je vais donc prendre un peu de mon rouge et le mélanger avec un peu de jaune et aussi blanc parce que je ne veux pas qu'il soit trop foncé. Ensuite, je peux peindre ce bord de pomme juste ici, même si je trouve que ma couleur est un peu trop rougeâtre ici, mais ce n'est pas grave Ce n'est qu'un exercice. Il ne me reste donc plus que trois coups de pinceau, et je vais en utiliser un pour cette partie supérieure autour du plongeon Et je vais également récupérer du bois brûlé pour renforcer l'ombrage et la peinture par immersion comme celui-ci OK, puis mes derniers coups de pinceau seront utilisés pour le pédoncule de ma pomme Nous pouvons maintenant clairement comparer nos deux résultats et constater qu'avec cinq coups de pinceau supplémentaires, nous avons obtenu un résultat nettement meilleur Cet exercice a vraiment une utilité précieuse. Cela nous aide à développer notre stratégie de peinture, en nous faisant réfléchir soigneusement à l'endroit où placer chaque coup de pinceau et aux zones à privilégier Cela aide également beaucoup à comprendre la hiérarchie des valeurs et des couleurs, car avec si peu de coups de pinceau, chaque couleur compte énormément Cet exercice nous permet de sélectionner les couleurs les plus pertinentes pour exprimer la lumière, les ombres et le volume. Et je dirais aussi que cela nous apprend à travailler sur nos coups de pinceau et la précision de nos mouvements Comme chaque coup de pinceau compte, il n'y a pas de place pour l' hésitation dans cet exercice Nous allons donc continuer, et cette fois, nous avons droit à 20 coups de pinceau pour peindre la pomme Continuons et commençons à façonner ce formulaire, mais cette fois avec 20 coups de pinceau, qui nous donne beaucoup plus de flexibilité pour travailler sur une transition plus fluide En d'autres termes, les changements de couleurs seront moins brusques et, par conséquent, nos mélanges auront probablement un aspect un peu plus naturel Maintenant, mon pinceau était un peu sale. Il y avait de la peinture plus foncée dessus, donc ça a légèrement teinté ma couleur, va donc falloir que je répare ça. Je peux donc commencer par peindre cette zone plus claire. Jusqu'à présent, nous avons commencé par la zone sombre, mais nous pouvons tout à fait commencer dans l'autre sens. Donc, lors de mon premier coup de pinceau, je travaille sur ce domaine. Et comme j'ai un peu plus de liberté, étant donné que j'ai droit à 20 coups de pinceau, je peux désormais placer ce point culminant dans une zone très lumineuse Je n'hésite pas non plus à créer des couleurs intermédiaires, comme vous pouvez le voir ici en mélangeant différentes couleurs Ainsi, mes transitions seront plus fluides lorsque je passerai d' une zone à l'autre. Encore une fois, avec une couleur intermédiaire, je peux travailler sur cette haie ici, celle de gauche. Et cette fois, j'ai un ton un peu moins rouge que lorsque je peignais en dix traits, et il est plus proche de la couleur souhaitée. Nous en sommes donc maintenant à quatre coups, et ce côté commence déjà à bien prendre forme. Je peux donc continuer avec cette couleur dans cette zone. Cela fait cinq coups, et déjà, nous pouvons remarquer qu'avec plus de coups de pinceau, nous sommes en mesure d'appliquer plus de valeurs différentes dans différentes couleurs De cette façon, les transitions entre nos couleurs paraissent beaucoup plus naturelles. Nous avons l'impression de créer un mélange, même si nous n'avons pas encore fait mélange ou si nous n'avons pas spécifiquement travaillé sur la transition douce, mais simplement en utilisant couleurs très proches les unes des autres, nous avons réussi à créer des transitions douces Contrairement à ce que nous avions vu, par exemple, dans le premier exercice, dans la première partie, où les couleurs étaient extrêmement différentes, et peu importe à quel point nous essayions de les mélanger, transition ne s'est pas faite en douceur car ces couleurs dans la première partie, lorsque nous n'étions autorisés à faire que cinq coups de pinceau, étaient bien trop différentes les unes Je prends un peu de burin pour tremper ma pomme, comme je l' ai fait plus tôt lorsque nous n' avions que dix coups de pinceau, ce qui porte mon total à neuf coups ce qui porte mon total à neuf Et le dixième coup de pinceau me permettra de peindre la tige Nous sommes donc Alfred, et c'est formidable, car nous avons peint environ la moitié de la pomme, concentrant sur les zones les plus claires. Et nous y voilà. La pomme commence vraiment à prendre forme, notamment grâce à toutes ces transitions. Vous pouvez clairement voir la différence par rapport à ce que nous avons pu faire plus tôt. Maintenant, je pense que cette couleur pourrait bien fonctionner pour commencer à traiter la zone d'ombre, mais je vais avoir besoin d'une autre couleur pour travailler ici sur cette bande, ce qui permettra une transition plus fluide vers la zone adjacente. Si j'avais été un peu plus attentive, je n' aurais probablement pas eu besoin d' appliquer ces 14es coups de pinceau et j'aurais pu peindre cette zone en bas en utilisant la même couleur qu' avant, mais c'est le jeu Maintenant, pour commencer à adoucir la transition dans la zone d'ombre, je dirais que ces couleurs semblent plutôt bonnes Donc, avec celui-ci, j'applique mon 14e coup de pinceau pour commencer à définir le cœur de notre ombre combinée Pour mes 15 coups de pinceau, je peux peindre le long du bord avec ce ton violacé Le problème, c'est que je ne suis pas vraiment content de ce violet. Je trouve que cela ne ressort pas assez. Il doit être plus clair comme sur la photo de référence. Eh bien, j'ai perdu un coup de pinceau, mais ce n'est pas grave. Voici donc le 16e coup. Maintenant, je l'aime un peu plus et ça ressort mieux. Je peux appliquer un coup de pinceau ici pour fermer cette zone, puis je pourrai peindre mon ombre centrale, le cœur de l'ombre, d' une couleur très foncée pour qu'elle ressorte bien Alors voilà. Il ne me reste plus que deux coups de pinceau, mais j'essaie toujours de créer un mélange avec les couleurs environnantes en utilisant toujours le même coup de pinceau Et il y a certainement une transition plus douce ici par rapport à l'exercice précédent où nous n'avions que cinq ou dix coups de pinceau Je pense donc que c'est déjà mieux. Pour ce 19e coup de pinceau, je vais travailler un peu plus sur ma tige Enfin, pour mon dernier coup de pinceau, je vais travailler un peu plus sur la zone centrale, qui n'est pas assez foncée à mon goût Je veux que ce soit un peu plus orange foncé. De cette façon, j'obtiendrai une transition légèrement meilleure entre la zone d'ombre et la zone claire. En fin de compte, ce que nous devons retenir de cet exercice, c'est qu'il a été incroyablement utile pour de nombreuses raisons, comme je l'ai mentionné plus tôt, mais surtout, il prouve que le fait de prendre son temps fait vraiment la différence. Cela vous permet de créer un résultat plus réaliste et réaliste Si vous regardez bien, entre la deuxième et la troisième pomme, le nombre de coups de rafale a presque doublé, le nombre de coups de rafale a presque doublé, mais en fait, il a doublé. Pourtant, le temps supplémentaire qu'il a fallu a été minime. Et pourtant, l' amélioration est frappante. Et cela montre que pour notre peinture finale, consacré un peu plus de temps à ajouter des coups de pinceau supplémentaires, à apporter plus de profondeur de couleur, et donc à ajouter plus de couleurs et des valeurs différentes Affiner quelques détails supplémentaires ne demande pas beaucoup plus d'efforts, mais cela améliore considérablement le résultat final Et au final, c'est ce qui compte vraiment. n'est pas la rapidité avec laquelle vous terminez ou le nombre de minutes que vous économisez, mais la qualité des œuvres d'art que vous créez. 3. Peindre une scène floue: Dans cette vidéo, nous allons apprendre à peindre le flou de nos œuvres d'art C'est quelque chose de très puissant pour créer de très beaux arrière-plans avec un paysage, par exemple, ou avec un portrait. Nous allons donc apprendre à le faire. Et pour l'œuvre que nous allons peindre, il s'agira d'un tout petit paysage complètement flou, sans arêtes vives Nous allons donc voir comment procéder. Et pour peindre cette petite œuvre d'art, je vais travailler sur un papier de 21 x 13 centi Mero Mais vous pouvez certainement l'adapter et créer quelque chose d'un peu plus grand ou d'un peu plus petit, si vous le souhaitez. Et pour le dessin, j'ai vraiment fait quelque chose très rapidement, un petit croquis car ce n'est pas quelque chose de très précis qu'il faut avoir pour ce dessin. Alors, prenez votre pinceau et commençons. Avant de commencer à peindre ce sujet et de travailler sur l'effet de flou, demandons-nous d'abord ce qui définit le flou Qu'est-ce qui rend les éléments flous lorsque nous voulons les peindre. Ce que l'on peut remarquer, c'est que parce que c'est flou, toutes les arêtes vives ont tendance à disparaître. Par exemple, avec mes arbres, il est difficile de dire exactement où se trouvent les contours où ils commencent réellement pour les arbres de droite, par exemple. Et il en va de même pour le feuillage ou même pour le contour des montagnes. Tous les contours nets s'estompent. Ensuite, nous observons également qu'il n'y a aucun détail visible dans les zones floues Ces détails disparaissent également complètement. Cela couvre donc la théorie. Voyons maintenant en pratique comment réellement peindre le flou. Donc, avant de commencer le mixage, examinons d'abord les différentes couleurs que nous allons devoir mélanger. Si on y regarde de plus près, on s'aperçoit qu'il y aura une multitude de greens, notamment sur le terrain. Ainsi, sur le terrain, lorsque nous commençons par la partie supérieure de notre champ, nous pouvons voir que nous aurons un vert jaune assez intense. Puis progressivement, nous passerons à des greens plus réguliers en bas. Par exemple, dans la partie inférieure, ce sont des légumes verts assez neutres, ni trop jaunes, ni trop bleus qu'il va falloir mélanger. Et si nous y regardons de plus près, nous pouvons également remarquer que nos champs ne seront pas uniformes. C'est-à-dire que nous aurons une multitude de greens, même dans de petites zones. Par exemple, dans la zone inférieure, nous aurons en effet des légumes verts assez réguliers et assez neutres, mais il ne s'agira pas d'un seul grill. Il y en aura de nombreuses différentes. Ensuite, nous remarquons également que dans la zone centrale, il y a ce buisson d' un vert assez foncé. Vous n'avez donc sélectionné qu'une seule couleur verte pour ce buisson, mais il en existe encore plusieurs. Nous devrons également utiliser plusieurs greens pour apporter du réalisme à ce buisson. Puis, alors que nous nous dirigeons vers la partie supérieure de notre image, nous avons ces anguilles au loin, où il y a en effet un vert intense comme celui de la partie supérieure du film Mais avec ces anguilles, il y a aussi un bleu-vert assez intense que nous allons pouvoir créer. Quant aux arbres de l'arbre de gauche, nous aurons quelque chose qui ressemble plus à du brun noir. Mais pour ceux de droite, nous devrons mélanger différents gris, et nous aurons également du gris pour notre ciel, qui sera un ciel gris très clair Et tout autour de ces arbres et collines, pour accentuer cet effet légèrement flou, nous aurons besoin d'un peu de gris Eh bien, je voulais dire que pour le ciel, nous avons besoin de gris clair, pas de vert clair. Ce sont donc les couleurs que nous devrons mélanger. Commençons donc suite et commençons à les mélanger. Commençons donc par mélanger les couleurs de ce paysage. Comme vous pouvez le constater dans certaines zones, le vert est d'un jaune-vert assez intense. Je commence donc par mélanger cette couleur, et comme vous pouvez le voir, j'utilise une grande quantité de jaune dans mon mélange. Pour la teinte suivante, nous allons passer à quelque chose d'un peu plus bleu, mais je tiens tout de même à garder un vert assez équilibré. Pour obtenir un vert équilibré, vous devez utiliser beaucoup de jaune, car le bleu ultramarrin est une couleur assez foncée, une couleur assez forte, ce qui signifie que si vous mettez la même quantité de bleu et de jaune, votre couleur deviendra beaucoup plus bleue Maintenant, le bleu sera plus dominant que dans ce que j'avais mixé jusqu'ici. Nous allons donc obtenir une version légèrement plus bleue de la couleur, et j'en ai pris un peu plus pour enrichir mon mélange J'ai également ajouté du bois brûlé pour assombrir le ton. Maintenant, pour cette nouvelle version, j'ajoute un peu plus de bleu pour obtenir une version différente, quelque chose de plus vert, de bleu que ce que j'avais. Je continue donc à mélanger mes couleurs ici. Je reçois quelque chose de bleu-vert assez clair. Et bien, même si dans cet exercice sur le flou, le but n'est pas d'obtenir l'objectif le plus parfait, mais il est toujours bon de s'entraîner et de s'entraîner à bien mélanger les couleurs, car c'est quelque chose de très important en peinture Maintenant, j'en crée un nouveau qui contient plus d'ombre brûlée, car l'ambre brûlé, en plus d'assombrir ma couleur, aide également à empêcher le vert de devenir trop bleu, comme c'était le cas jusqu'à présent. Lorsque j'assombrit ma couleur uniquement avec du bleu outremer, mon vert a tendance à être trop bleu, alors qu'ici, il n'est pas aussi bleu que l'autre vert que Et puis, dans certaines zones, nous avons du vert très clair. C'est donc ce que je crée maintenant avec une grande partie de la couleur blanche. Enfin, pour obtenir un ciel très clair, j'ai pris une grande quantité de blanc, j'ai ajouté du bleu, et aussi de l'orange pour rendre le bleu moins intense et plus discret avec un ton légèrement grisâtre Très bien, commençons par cet acise sur le flou de peinture Je vais donc commencer par appliquer une couleur vert légèrement jaune dans cette zone. Je vais l'ajuster un peu pour le rendre plus jaune et un peu plus clair en ajoutant du blanc. En fait, le flou n'est pas très difficile à peindre, mais vous devez faire très attention à ce que vous voyez Comme nous l'avons déjà dit, lorsque les éléments apparaissent flous, les détails disparaissent tout simplement et vous vous concentrez sur l'application des couleurs, sur leur mélange. La plupart des éléments ont tendance à se fondre les uns dans les autres. Pour l'instant, je me concentre sur la bonne définition de ma couleur car je reviendrai plus tard pour travailler sur mon mélange Je crée donc une sorte de dégradé entre les deux teintes à peindre dans cette zone. Et maintenant je vais prendre du vert légèrement plus foncé en appliquant ici sur la partie supérieure et sur la droite. Ici aussi, je peux appliquer certains de ces verts légèrement plus foncés, et j'essaie de les mélanger doucement en les appliquant à côté de mes autres couleurs. Ici aussi, je peux appliquer certains de ces verts légèrement plus foncés, et j'essaie de les mélanger doucement en les appliquant à côté de mes autres couleurs. Même si je ne me concentre pas entièrement sur le mélange pour le moment, je peux toujours revenir pour le peaufiner plus tard Lorsque j'applique ma structure de couleur, je peux essayer de les mélanger ainsi. Et ici, j'applique les couleurs côte à côte. Je viens de me rendre compte que j'avais oublié mélanger les bruns pour peindre l'arbre, en particulier pour la zone où il se chevauche également J'en ai donc mélangé un peu maintenant, et je vais appliquer de petites touches de brun comme celle-ci sur ma zone verte. Et je mélange doucement ce brun avec le vert pour que tout ne fasse qu'un, en m'assurant que tous les éléments sont vraiment connectés. J'ai donc appliqué ces petites touches comme ça et au moins elles se marient bien avec le reste. Plus tard, je pourrai peindre l'arbre correctement et entièrement. Maintenant, en regardant la partie supérieure entière de la partie supérieure, désolé, maintenant, en regardant toute la partie supérieure de mon film, je remarque également qu'il y a des couleurs légèrement plus foncées. J'en ajoute donc, je les applique légèrement, puis je m'assure qu'ils se marient bien avec les autres éléments. Comme nous avions déjà construit une assez bonne base pour ce film, je peux maintenant l'affiner, ajouter quelques éléments supplémentaires et les mélanger. Et même si cette zone semble floue, cela ne signifie pas qu'elle manque complètement de détails Ce que je veux dire, c'est que, bien sûr, nous ne verrons pas les petits limbes de petites fleurs grises et leurs contours précis. Cependant, nous pouvons tout de même constater que notre champ est composé de plusieurs teintes différentes. Même si je commence par une zone vert clair, je ne vais pas la garder sous forme d'un vert clair uniforme et plat. Il y aura plusieurs variantes. Donc, les parties sont un peu plus foncées, d' autres un peu plus claires, et c'est ce qui aidera à garder la peinture réaliste même si elle est floue Et même si je travaille sur une peinture floue, je veux toujours que mon flou soit réel. Pour obtenir un flou naturel et convaincant, je dois travailler sur toutes ces variations subtiles Cet exercice sur le flou est donc excellent car non seulement il nous apprend à gérer le flou, mais il nous aide également à créer quelque chose de réaliste sans nous concentrer sur les petits détails, sans essayer de peindre chaque Au lieu de cela, nous nous concentrons uniquement sur les couleurs et les petites variations que nous pouvons ajouter ici et là pour rendre notre peinture réaliste, même si elle est floue Je peux continuer avec la section ci-dessous. Et dans cette section, nous pouvons voir qu' il est généralement plus sombre que le reste. Je vais donc assombrir mes verts et opter pour quelque chose de moins dynamique que la zone ci-dessus Je commence également par marquer les éléments les plus sombres en premier Ils ressortent bien et me donnent des points de référence pour peindre les autres éléments qui les entourent plus tard. Dans cette zone, j'ai remarqué que certains éléments sont un peu blanchâtres Je les ajoute donc maintenant avec un crayon pour éviter d'avoir à les repeindre plus tard. C'est vrai que je ne les ai pas dessinées lors de l'esquisse initiale. Parfois, j'ai tellement envie de commencer à peindre que je me dis qu'il est normal de sauter ces éléments au début lorsque je dessine. Je ne dessine que l' essentiel, les parties principales. Ensuite, j'ai eu d'autres détails au fur et à mesure que je peignais ou que je découvrais comment peindre sans avoir les contours dessinés au préalable. C'est ce qui s'est passé ici, mais j'ai pensé que pour rester précis et éviter de les recouvrir accidentellement, il serait préférable de les dessiner d'abord au crayon. Je peux donc maintenant peindre entre ces éléments plus foncés que j'avais déjà appliqués en utilisant un vert légèrement plus clair et moins intense que le précédent. Avec des touches de brousse éparpillées ici et là, je peux m'assurer que ces différents légumes se marient bien les uns aux autres, comme vous pouvez le voir ici. Ce que je fais également, c'est ajouter des éléments vert bleuté plus foncé dans la zone plus foncée près de ce type de buisson, vous pouvez le voir, parce que je trouvais qu'il ne ressortait pas assez Comme je l'ai fait un peu plus tôt, j'améliore cette zone accent sur certains éléments pour les faire ressortir et pour m'assurer que nous avons suffisamment d'accents foncés et variations dans notre gazon pour lui donner un aspect vraiment crédible Maintenant que je l'applique, je m'assure que mes éléments se marient bien avec les autres. Et pour vraiment créer cet effet de flou bien défini, je vise également une certaine douceur Le flou introduit une sorte d'incertitude visuelle, et c'est exactement ce que j' essaie de réaliser ici dans mon mélange En d'autres termes, je vise une imprécision contrôlée. Je place délibérément des coups de pinceau ici et là à gauche et à droite pour quelque chose qui n'ait pas l'air trop net ou précis une fois que tous mes éléments sont mélangés J'avais déjà commencé à mixer et maintenant je vais revenir sur ces éléments sombres En ajoutant des coups de pinceau aléatoires de gauche à droite, de haut en bas, presque au hasard, j'obtiens un résultat qui finit par paraître complètement naturel Alors maintenant je peux commencer à peindre cette buche. Vous remarquerez que nous n'avons pas exactement les mêmes couleurs partout. Il existe plusieurs nuances qui contribuent à lui donner du volume et à lui donner un aspect réaliste. Ici, je clarifie un peu ma couleur. Je l'éclaircis avec du blanc, mais malheureusement, le blanc l'a rendu un peu trop désaturé et n'est plus assez vert Je l'ai donc ajusté avec un peu de bleu, de jaune, et maintenant je crée quelque chose d'encore plus foncé avec de l'ambre brûlé et plus vert. Parce que je veux que quelque chose devienne légèrement plus foncé dans certaines zones. petit, je termine cette zone essayant d'appliquer mes couleurs au bon endroit. Ensuite, le petit défi sera commencer à mélanger toutes ces couleurs ensemble pour m' assurer que chaque couleur reste à sa place tout en conservant un mélange lisse et harmonieux dans l'ensemble Pour obtenir un mélange lisse et harmonieux avec les couleurs environnantes, j'utilise ce pinceau, qui n'est pas trop gros, et je tape légèrement ici et là le long des bords pour que mon buisson se marie bien avec le reste des zones. Ici, c'est un peu plus délicat car il y a une réelle différence entre ces deux couleurs Mais les petits coups de pinceau que j' ajoute ici et là contribuent à créer une transition qui semble naturelle entre ces deux éléments, même s'ils sont assez éloignés en termes de valeur J'ai vraiment quelque chose de sombre et quelque chose de très clair. Dans le buisson lui-même, je peux aussi taper doucement par petits coups. Et quand je constate, comme c'est le cas ici, que cela a besoin d'être ajusté et que je dois rajouter des éléments plus sombres, je n'hésite pas à le faire. Lors du mélange, il est fréquent que certaines couleurs s' estompent ou que certaines zones deviennent un peu plus claires Cela arrive assez souvent. Ici aussi, j'ajoute un peu vert foncé car vous pouvez voir qu'à la base, le buisson s'étale un peu et crée une transition avec le sol. Donc, pour le faire correctement, j'ai dû ajouter un peu plus de vert foncé. Et je continue à ajouter petits coups de pinceau ici et là jusqu'à ce que je sois pleinement satisfaite Sur le côté droit, j'ai également remarqué qu'il y avait des lignes trop visibles. Le flou n'était pas assez chaotique. Je vais donc revenir sur ces zones pour améliorer l'effet. Je peux maintenant commencer à peindre cette petite tache blanchâtre que l' on peut voir dans l'herbe Ce que l'on remarque chez eux avec ces taches blanchâtres ou légèrement grisâtres, c'est qu'ils se fondent dans le reste, tout comme les autres éléments, et c'est ce que j' essaie d'obtenir Ensuite, une fois que j' aurai fini cette base avec cette couleur, j'y ajouterai quelques touches plus claires car elles ne sont pas complètement uniformes. Ils sont petits, il y a quelques petites zones plus claires qui ressortent sur le dessus, et c'est aussi ce que je vais essayer de créer. Passons maintenant à la peinture de la partie supérieure de notre sujet. Entre le champ et la montagne, vous pouvez voir cette bande légèrement plus claire. Je vais donc commencer par appliquer une couche de base avec ce gris clair, puis je mettrai quelques touches verdâtres dessus, que on peut voir ici et là Et cela m'aidera à créer un peu plus d'ambiance. Tout comme pour le champ, nous ne nous contenterons pas d'une seule couleur. Il y aura toute une gamme de nuances qui rendront cette zone plus réaliste. Et je m'assure de passer mon pinceau le long du bord pour qu'il se fond bien dans le champ ci-dessous. Lorsque vous peignez du flou, il n'y a vraiment aucun élément qui se démarque complètement En d'autres termes, tous les éléments sont plus ou moins liés les uns aux autres. n'y a pas de ruptures sévères ni limites nettes entre les différents éléments. Ils se connectent tous les uns aux autres à un moment donné. Maintenant que c'est fait, je vais pouvoir passer à la peinture des els en arrière-plan. Je commence donc par ce bleu-vert légèrement intense que nous verrons à plusieurs endroits. J'observe donc sur ma photo où je peux repérer ces différentes couleurs, puis je les applique moi-même. Une fois cela fait, j'appliquerai les verts clairs que l'on retrouve dans les autres zones. Je dirais donc que maintenant nous sommes plutôt bons avec cette couleur. Et maintenant, dans la zone centrale et près du tronc de l'arbre, je remarque qu'il y en a du vert clair. Je vais donc aller de l'avant et les appliquer également. R Sur le côté gauche, nous avons l'élément vert légèrement plus foncé, j'ai donc changé de couleur. Maintenant, je mélange toutes ces couleurs, appliquant un décolorant à la louche comme celui-ci Je n'hésite pas à essuyer la peinture qui s'accumule sur mon pinceau. Ensuite, ce mélange devra également être appliqué à la zone grisâtre ci-dessous. Comme je l'ai déjà mentionné, tous les éléments de la peinture ce paysage flou sont plus ou moins liés les uns aux J'essaie donc également de créer cette connexion, comme vous pouvez le voir ici. Et je le fais en allant au-delà des limites et entre ces deux éléments. Maintenant, je vais également reprendre un peu de cette couleur légèrement grisâtre, pas nécessairement très foncée, pas nécessairement très foncée, mais juste pour peindre une petite bande au-dessus de ces talons, ce qui créera une transition avec le ciel J'applique donc également cette couleur pour m'assurer que ces éléments se mélangent à nouveau bien . J'ai maintenant appliqué une bonne base sur ces éléments grisâtres, et je vais ajouter de petites touches de peinture Encore une fois, parfois un peu plus claire, parfois un peu plus foncée car si on regarde bien notre photo, on voit bien que cette bande grisâtre n'est pas complètement uniforme donc Je vais donc maintenant créer l'arbre. Et si nous regardons attentivement cet arbre, encore une fois, il ne sera pas composé d'une seule couleur. Nous pouvons voir qu'il y a un gris clair, et en plus de cela, à l'intérieur, il y a des éléments plus sombres. J'ai donc choisi de commencer par ma base claire, puis de peindre mes éléments les plus sombres. Je pense que ce sera le plus simple de travailler de cette façon. C'est donc ce que j' ai décidé de faire. De même pour le feuillage, on peut voir qu'il y a des gris et qu'il y a aussi des verts, bien sûr Donc, ce que j'ai choisi de faire ici aussi, c'est de commencer par le gris , puis d'appliquer mes petites touches de vert sur le dessus comme ceci. Et pour le vert, je postule pour le feuillage. J'essaie d'observer dans quelle direction vont mes petits traits et surtout où se situent les zones les plus sombres, et j'essaie de les reproduire. Encore une fois, si je ne suis pas exact à 100 %, ce n'est pas la fin du monde. Nous créons des peintures, des œuvres d'art personnelles. Ce n'est donc pas la fin du monde si quelques éléments sont en place avec une précision parfaite à chaque fois. Et en ce qui concerne l'arbre, dans la partie inférieure, on peut voir que les éléments les plus sombres sont les plus importants. Il y a très peu d'éléments lumineux, comme dans la partie supérieure où j'ai commencé avec le gris. Donc ici j'ai choisi de passer directement à cette couleur foncée en bas. Et comme vous pouvez le voir dans la partie supérieure, j'essaie également d'ajouter quelques éléments plus sombres. Dans ces parties sombres de l'arbre, je vais essayer de les relier et de m'assurer qu'elles se marient bien avec les éléments ci-dessous. J'ajuste donc un peu mon brun pour en obtenir un qui convienne bien à peinture de cet arbre, car celui-ci, contrairement à ceux de droite, a un ton plus brunâtre Sur le côté droit, les arbres avaient cet aspect flou et légèrement bleuté, alors qu'ici, c'est moins visible C'est pourquoi ce travail avec le brun me semble être la meilleure approche. Et en même temps, alors que je travaille sur l'arbre, on peut le voir dans la partie inférieure, près de l'arbre. Nous avons également ce qui est probablement l'ombre de l'arbre, qui se fondra un peu dans le reste. J'ai donc ajouté quelques petites touches de brun, et j'essaie de les adoucir un peu en les mélangeant à mon gazon Et c'est ce que je fais et c'est ainsi je progresse progressivement, en le rendant un peu plus foncé, un peu plus brunâtre. Dans ce brun, je vais essayer de le mélanger des deux côtés, à fois avec le gris clair que nous avons à droite et avec le vert en bas, ou avec le vert des collines, afin que chaque élément soit à nouveau bien connecté aux autres. Je vais me mélanger un vert un peu plus bleuté, un peu plus foncé, c'est pourquoi j'ai ajouté une bonne quantité de bleu J'en ai peut-être mis un peu trop, alors je l'ai ajusté. Et maintenant je vais commencer à peindre ce feuillage. Ce que je trouve vraiment intéressant dans cet exercice, c'est que nous peignons l'ensemble du paysage avec c'est que nous peignons un effet flou C'est donc vraiment agréable de s'entraîner. Nous pouvons vraiment voir comment aborder plein de choses différentes comme le buisson, l'herbe, les arbres ou même le feuillage. C'est pourquoi je le trouve si intéressant, car il nous permet d'explorer de nombreux éléments différents, alors que lorsque nous peignons un sujet complet, nous avons rarement le tableau entier dans un style flou Donc ici, le fait de travailler sur tous ces éléments nous prépare vraiment à peindre là où nous n'aurions que quelques zones floues à faire Au moins, de cette façon, nous avons abordé beaucoup de choses, et cela nous donne vraiment une solide pratique pour être capable de peindre du flou J'ai donc peint les petites branches que nous pouvions voir avec ce vert foncé, mais tout autour des arbres, dans l'ensemble, nous aurons pas mal de zones beaucoup plus claires. Ce sera d'un vert très clair. C'est donc ce que je fais ici en ce moment. Je peins entre ces lignes que j'ai faites pour terminer cette partie de l'arbre. Encore quelques coups de pinceau entre les branches, et ensuite je pourrai peindre le ciel, un ciel très clair, très proche du blanc ce qui concerne le ciel, je vais commencer par m' assurer de bien le relier aux différents éléments environnants. De cette façon, il y aura moins de risques de dépasser les limites avec ma couleur. Et comme ça, dans la partie centrale, je pourrai vraiment m' assurer d' avoir quelque chose de beau et de brillant. Donc, avec mon pinceau, j' essaie de le connecter correctement, qui clôturera cette vidéo et ce travail sur la création de flou C'est ainsi que se terminera ce tutoriel. J'espère que cela vous a vraiment été utile. N'hésitez pas à partager avec moi et me faire part de votre opinion, et je vous verrai très bientôt pour une nouvelle vidéo, n'hésitez pas à partager avec moi votre œuvre finale. Je suis vraiment impatiente de voir ce que tu as fait. Il 4. Peindre un draper : partie I: Dans cette vidéo, nous allons voir comment créer une draperie. Il s'agit d'un exercice très classique et traditionnel, tant en peinture qu'en dessin. C'est un exercice très utile car il vous aide à vous concentrer sur les différentes valeurs, les valeurs des gris, si vous dessinez, les valeurs du vert, si vous peignez le drapé Et pour voir où se situent les points forts, les zones sombres, les tons moyens, les zones moyennes. Tout cela vous aidera à mieux comprendre comment créer du volume, car en gros, le drapé n'est qu'un créer du volume, car en gros vêtement, une sorte de vêtement, mais cela crée du volume à travers tous ses plis Et c'est le but de cet exercice, être capable de créer du volume sur une feuille de papier en deux dimensions. Il sera donc très intéressant rechercher toutes ces différentes zones de valeurs, de rechercher toutes les transitions. Comment passer de quelque chose de très clair à quelque chose d'un peu plus sombre et comment travailler sur ce mélange entre ces différentes valeurs ? C'est donc un très bon exercice pour développer vos compétences, vos compétences en peinture ou en dessin. Donc, pour peindre cette draperie, j'utiliserai du papier à peindre de 20 centimètres sur 30 centimètres Et, bien sûr, je vais utiliser la grille avant pour m'assurer d' avoir un beau dessin, très précis. Alors, prenez vos pinceaux, et c'est parti. Regardons de plus près les couleurs cette draperie car ce sont les couleurs, tous ces verts et leurs variations qui feront vraiment la différence et nous aideront à créer du volume Si nous observons cette draperie, cinq greens principaux se démarquent Nous avons des verts moyens, tons intermédiaires comme les deux que j'ai sélectionnés dans chaque section. Ensuite, il y a des verts assez foncés et très profonds, ce qui aidera à définir les ombres dans le pli. dessous, il y a le quatrième green en partant du haut, qui servira aux zones les plus marquantes. Enfin, certaines zones sont profondément obscures. Là, nous utiliserons des légumes verts très proches et c'est à peu près tout. Bien entendu, nous pourrons mélanger ces couleurs pour créer différentes variations au fur et à mesure de notre progression. Mais avec ces cinq tons verts principaux, nous serons en mesure de donner du volume à la draperie, lui donner de la texture et de lui donner un aspect réaliste Et pour ce qui est de l'arrière-plan, nous travaillons avec trois gris principaux Il y a un gris clair que nous voyons sur la majeure partie de l'arrière-plan, un gris légèrement plus foncé pour les ombres plus douces, et enfin, un gris plus foncé que j'ai sélectionné pour les zones d'ombre les plus fortes. Et nous pouvons même trouver un gris encore plus profond dans la petite ombre centrale située juste sous le drapé. Voilà pour cette analyse. Passons maintenant au mélange de ces légumes verts avant de commencer à travailler sur le drapé et à en faire ressortir le volume Commençons par mélanger nos légumes verts avec ces légumes légèrement bleutés. C'est pourquoi, dans mon mix, j'utilise à peu près la même quantité de jaune et de bleu outremer pour obtenir quelque chose qui penche légèrement vers Mais à ce stade, mon vert est bien trop bleu. J'enlève donc une partie du vert, sinon je devrais ajouter beaucoup trop de jaune pour équilibrer le tout. Et même alors, je le trouvais encore un peu trop bleuté. Je le rééquilibre donc avec une grande quantité de jaune. Et puis, eh bien, maintenant je pense que ça va encore mieux. J'ai donc quelque chose d' un peu plus neutre en désaccord. Et maintenant, étape par étape, j'ajoute juste un peu de bleu pour le rendre légèrement bleuté. Maintenant, j'ai une couleur qui est plutôt belle, et je vais créer une variation plus claire. Je l'éclaircit donc en ajoutant du blanc, mais aussi une touche de jaune, car je ne veux pas que le résultat finisse par paraître trop crayeux Malheureusement, à cause du blanc, ma couleur est devenue un peu trop pâle et calcaire, alors je l'ai rééquilibrée en ajoutant un peu plus de bleu et de jaune Je continue donc à m'ajuster jusqu'à obtenir un vert plus équilibré, et maintenant je trouve qu'il est plutôt beau. J'aime beaucoup cette version de toutes les zones claires que nous allons peindre sur le drapé. Maintenant, je veux faire quelque chose de plus foncé, et pour obtenir un vert plus foncé, dois-je ajouter du bois brûlé en du vert parce que si je plus du vert parce que si je continue à ajouter du bleu pour l'assombrir, je me retrouverai avec un vert bien trop bleu Bien sûr, il fera sombre, mais il sera également très bleu, et ce n'est pas tout à fait ce que je veux. Et dans ce cas, le bois brûlé a vraiment contribué à obtenir un vert foncé mais bien équilibré. Maintenant, je crée quelque chose de sombre mais pas aussi sombre que ce que je viens de faire . Je veux quelque chose entre les deux, un vert légèrement plus clair pour que les variations entre mes différents éléments, mes différents verts ne soient pas trop extrêmes. Je ne veux pas qu'il y ait une trop grande différence de valeur entre les premières couleurs que je mélange. Ce vert ici est plutôt beau, et je pourrai l'utiliser dans différents domaines. Je peux maintenant commencer à créer les gris que nous utiliserons pour l'arrière-plan Je commence par mélanger un gris très clair avec du bleu outremer et du bois brûlé avec une grande quantité de blanc pour peindre tout ce qui entoure la Au début, je me suis rendu compte que j' en avais fait bien trop peu. La quantité de grain étant vraiment insuffisante, j'ai mélangé un lot beaucoup plus important. Mais en faisant cela, malheureusement, la couleur s'avère trop foncée. C'est pourquoi j'ajoute à nouveau une quantité généreuse de blanc. Je peux ensuite créer un mélange légèrement plus foncé pour les zones ombragées en ajoutant du bois brûlé et du bleu tramway pour les parties qui seront plus Et avec tout cela, nous pourrons commencer à peindre et souvenir en cours de route que nous pouvons toujours réajuster les couleurs si nécessaire Voici donc le dessin que j'ai réalisé en utilisant la méthode de la grille. La partie inférieure est absente car j'ai zoomé autant que possible pour que vous puissiez voir les coups de pinceau de plus près Nous allons travailler sur ce pli sur le côté droit de la draperie, et nous allons traiter pli par pli à partir de là À partir de ce pli, je commence par appliquer cette couleur vert moyen que l'on voit dans la zone. Cela semble être une bonne couleur dominante. Nous pourrons ajouter d'autres éléments de couleur plus tard. Et je commence par celle-ci parce que j'ai impression que c'est la couleur la plus visible dans cette zone. Mais en plus de cela, nous ajouterons des touches plus légères et détails plus raffinés pour compléter et améliorer la texture de la draperie Je laisse également un petit espace sur le côté gauche, comme vous pouvez le voir. Sur la partie gauche, il y a des zones très sombres, et je pourrai les ajouter lors l'application de la couleur dans quelques minutes. De même, sur le côté droit de ce pli, on peut voir qu'il y a pas mal zones sombres comme ici, donc je peux commencer à les marquer. Tout en bas à droite de la draperie, nous avons une section encore plus foncée qui ressort clairement Je vais donc peindre cette petite partie sur la droite Et à ce stade, notre application des couleurs est encore assez basique. le moment, j' essaie juste de définir les tons principaux et les couleurs dominantes de chacun. Je m'assure d' étaler la peinture uniformément pour obtenir un bon mélange par la suite Plus tard, nous affinerons le tout en ajoutant des touches plus claires et plus foncées qui donneront vraiment vie à tout cela avec un effet réaliste. Dans cette zone, en particulier dans la partie inférieure, nous pouvons constater que dans l'ensemble, elle est légèrement plus légère que la partie supérieure sur laquelle nous avons travaillé précédemment. J'ai donc l'impression que cette couleur que j'utilise actuellement pourrait être un bon ton dominant pour cette première couche de peinture. Sur la partie inférieure de la draperie, vous pouvez voir qu'elle est légèrement plus foncée différence n'est pas énorme, mais c'est un peu plus sombre, comme sur le côté droit, sur lequel je travaillerai plus tard. Et en fait, c'est aussi le but de cet exercice. Nous travaillons sur un objet vert complet avec beaucoup de volume créé et une grande subtilité dans le changement de valeur Cet exercice est un excellent moyen d' entraîner votre œil à remarquer toutes ces variations subtiles, puis les appliquer correctement pour créer un volume convaincant chez votre sujet. Pour terminer l'application de la couleur sur cette partie de la draperie, je peux travailler tout le long avec ce vert foncé Ce n'est pas le vert le plus foncé que j' ai mélangé, mais au final, on peut constater qu' en termes de ton, n' est pas non plus une ombre extrêmement foncée Je vais donc opter pour ce vert. Cela semble être la bonne couleur pour travailler dans cette zone. Et puis, eh bien, ici, je pense qu'il ne fait pas aussi noir que ce que j'ai fait. Ensuite, nous pouvons commencer à mélanger toutes ces couleurs. Vous pouvez le voir ici, je le montre en violet. J'ai essuyé la peinture de mon pinceau, puis avec de petits coups et de légers mouvements de va-et-vient, je peux faire en sorte que chaque zone se fond harmonieusement avec le reste, créant ainsi une bonne transition entre les différents tons et un dégradé doux où les changements entre les différents verts deviennent presque invisibles. C'est ce que je fais de petits mouvements de va-et-vient. Et une fois que tout sera beau, nous pourrons affiner les zones et commencer à travailler sur la texture. Nous pouvons maintenant commencer à travailler avec plus de précision. C'est pourquoi je suis passé à un pinceau plus fin. Avec ce pinceau, je vais définir les zones de manière plus précise. Ce que je remarque, c'est que dans la partie inférieure, il y a une ombre assez foncée, et je peux également redéfinir un peu celle du côté gauche car pendant la phase de fusion, elle a perdu un peu de son obscurité, donc je suis en train de la retravailler Et pendant que j'applique ces traits, je m'assure qu'ils se fondent bien la zone environnante afin ne pas avoir à recommencer le mélange plus tard À ce stade, je travaille sur une très petite surface, alors j'applique la couleur et je la mélange immédiatement au reste. Cela me permet d' affiner la transition entre la partie ombragée et le reste de la draperie, car même si cette partie gauche est ombragée, elle fait toujours partie intégrante de ce pli, et l'ombre doit rester connectée visuellement au Grâce à ces petits coups de pinceau, je me suis assuré que les deux éléments sont bien connectés Et sur le côté droit également, je peux retravailler un peu cette zone J'ai ajouté de la peinture plus foncée pour le faire ressortir. Et juste à côté de cette zone plus sombre, vous pouvez voir que c'est très subtil. Une petite section plus claire contribue à accentuer le contraste et crée une sensation de volume, une différence de profondeur entre la zone centrale du pli et la petite section de droite. Ces deux éléments ne sont pas au même niveau, et c'est exactement ce que ces contrastes clairs et foncés contribuent à exprimer dans cette partie du tableau. Oh donc j'essaie vraiment de faire ressortir tous les petits éléments qui composent cette draperie, toutes ces petites zones aux teintes différentes Par exemple, dans cette partie de la draperie, de haut en bas, dans la zone où j'ai appliqué quelques feuilles de mitton, vous pouvez voir qu'il y a quelques touches plus légères Ils sont très petits mais restent visibles. J'ai donc appliqué ces petites touches de couleurs et j'ai veillé à ce qu'elles se marient bien avec le vert que j' avais déposé en dessous. De cette façon, ces éléments ont un aspect naturel et la draperie dans son ensemble est plus réaliste avec touches secondaires qui aident à transmettre l'idée de texture sur l' ensemble du tissu Le pli fait donc partie de la draperie, le premier pli. Je dirais que nous sommes bons et que nous pouvons maintenant passer à celui qui se trouve juste à côté. Maintenant, cela va demander vraie précision car nous avons affaire à un très petit pli, et j'utilise un pinceau plus fin pour appliquer les couleurs ici Ce que je cherche maintenant, c'est de définir la couleur dominante. C'est un peu délicat car dans cette petite zone, l'espace est assez étroit, mais les valeurs vertes varient beaucoup. Par exemple, en plein centre, nous avons de jolis verts clairs. Sur le côté gauche, il y a des verts beaucoup plus foncés et sur la droite, tons plus foncés moyens. C'est donc un peu délicat. Ce que j'ai décidé, c'est de commencer par appliquer un me ton vert comme celui-ci. Cela semble être une bonne idée. De cette façon, il sera assez facile d'appliquer des touches légèrement plus claires sur le dessus par la suite, ainsi que des touches légèrement plus foncées. C'est donc une sorte de compromis. Ce vert me ton me donne une base sur laquelle une partie restera visible, et il me permettra également de créer plus facilement des accents plus clairs et plus foncés plus tard. Je vais donc maintenant essayer de travailler avec précision. Mais le problème que je remarque, c'est que sur le côté droit, la zone d'ombre est un peu trop grande. Je pense que cela s'étend trop vers la droite. Je corrige donc légèrement cela, puis nous pourrons commencer à travailler avec plus de précision sur le pli central On voit que sur le côté gauche, il y a une ombre assez forte. J'y vais donc sur un ton très sombre. Je sais qu'il va être difficile de maintenir cette bande très sombre. La ligne d'ombre nette, on peut le voir, car toutes les couleurs qui l'entourent finiront par se mélanger et éclairciront donc cette ligne très nette et foncée Donc, cette ligne très foncée que nous voyons juste au milieu, qui est très intense, je reviendrai probablement et l'ajouterai plus tard une fois que j'aurai peint le pli sur le dessus, et une fois le pli au-dessus terminé, celui de gauche qui n'est pas peint pour le moment, et celui sur lequel je travaille Comme cette ligne traverse les deux sections, il est préférable de peindre les deux zones avant de la placer. Maintenant, dans la partie centrale de ce pli, j'ajoute quelques touches de vert plus clair car nous pouvons clairement voir un point fort dans cette zone. Elle est plus légère. Je l'ajoute donc même si cette différence de valeur n'est pas extrême. contraste n'est pas spectaculaire, mais on voit qu'il est plus clair, donc je ne veux pas qu'il soit trop clair non plus. Et la couleur que j'applique ici semble parfaite. Et, bien sûr, une fois que je l'ai placé, je m'assure qu'il se fond bien avec le reste à l'aide de petits coups de pinceau. Maintenant, ce que je vais faire, c'est commencer à travailler sur le revers de cette case. Vous pouvez remarquer que sur le côté droit, c'est juste un peu plus foncé que ce que j' ai peint jusqu'à présent. C'est presque comme si l' ombre du pli sur lequel nous avons travaillé vers la droite s'étendait légèrement dans cette zone centrale, et comme si ces deux parties étaient quelque peu liées. C'est donc ce que j'ai gardé à l'esprit lorsque j'ai appliqué ces petites touches, mais cela n'a pas pris très longtemps, et nous pouvons maintenant passer à l'envers De ce côté, j'ai décidé de commencer directement par un travail plus précis. Plus tôt, j'aurais pu adopter la même approche si venais de terminer et les deux méthodes sont valides. Mais ici, j'ai pensé que ce serait une bonne idée de commencer par une approche plus détaillée. C'est quelque chose que je fais parfois lorsque je travaille dans domaines plus restreints comme celui-ci, qui est assez restreint Parfois, il vaut la peine d'utiliser directement ce pinceau et de travailler avec précision dès le départ. C'est donc l'approche que j' utilise pour ce volet , et de cette façon, vous pouvez voir différentes techniques chacune adaptée à une situation différente, et vous pouvez choisir celle qui vous convient le mieux lorsque vous travaillerez sur un domaine spécifique plus tard. Maintenant, tout le long du bord, il fait un peu plus sombre. J'opte donc pour ce vert pour que cette transition se démarque. 5. Peindre un draperie : partie II: Et au milieu de cet automne, je pourrais opter pour ce vert légèrement plus clair comme ça. Je le place avec soin, essayant d'être un peu précis. Vous remarquerez qu'au fur et à mesure que nous nous déplaçons vers le haut, il devient légèrement moins clair. Il y a une subtile différence. Ici, l'idée est donc de s' assurer qu'il se marie bien avec les verts légèrement plus foncés que nous avons déjà placés. Cela peut être l' approche à adopter dans ce domaine. Maintenant que mes couleurs sont en place, je peux utiliser de petites touches, de petits coups de pinceau pour travailler sur la transition Mais même dans cette zone plus claire, il y a aussi quelques touches légèrement plus sombres. C'est ce que le mélange avec le petit pinceau me permet de faire Et avec ces petits mouvements de va-et-vient, je peux créer un résultat où, dans la zone claire, certains éléments plus sombres sont doucement incorporés. Et comme dans les zones les plus sombres, quelques touches plus claires sont également ajoutées. Et ce type de mélange de sol permet d' obtenir un résultat un peu plus réaliste R Donc, cette petite section de draperie, le petit pli, est presque terminé Il ne reste plus qu'à ajouter une ligne très foncée entre les deux éléments. Je vais maintenant appliquer de la couleur sur cet autre pli large, et ici j'utilise un pinceau plat pour le faire plus efficacement. Vous remarquerez que la vidéo est légèrement accélérée car cette application couleur suit essentiellement le même processus que celui que nous avons fait jusqu'à présent Il reviendra à la vitesse normale lorsqu'il sera temps de travailler davantage sur la texture et les détails de cette zone. Alors ne t'inquiète pas. Mais pour vous, assurez-vous de prendre votre temps et d'appliquer soigneusement les couleurs. Il n'est pas nécessaire de précipiter cette étape. Nous sommes maintenant revenus à la vitesse normale pour travailler un peu plus sur la texture et les détails de ces éléments. Comme vous pouvez le voir dans la partie inférieure et sur le côté droit, il y a des ombres très sombres, je vais donc m' assurer de les marquer clairement. Ce qui est également visible, c'est un petit pli dans ce grand pli de draperie Alors, comment le peindre ? Eh bien, il y a une ombre légèrement foncée sur le côté droit, puis juste à côté, il y a un petit surlignage, juste une touche légèrement plus claire, et c'est tout. C'est ce qui permet à ce pli intérieur de se démarquer. Je travaille donc avec soin sur cette zone, en ajoutant un ton légèrement plus clair, mais en faisant attention à ne pas le rendre trop clair. Par exemple, j'ai trouvé que c'était un peu trop clair, alors je l'ai doucement mélangé avec les couleurs environnantes pour l' adoucir et le rendre à nouveau un peu plus foncé. Maintenant, je peux passer à travailler sur la ligne centrale ici. Je ne l'ai pas peint plus tôt, mais maintenant je pense que c'est peut-être le bon moment pour le faire. Avant de peindre le trait lui-même, j'ajuste l'ombre qui se trouve juste à côté. Et pour peindre cette ligne cela demande vraiment une certaine précision, je vais utiliser mon pinceau Cela me permet de peindre des lignes fines avec une grande précision. Et je pars du haut. Personnellement, je trouve cela plus facile. Mais si vous préférez commencer par le bas, c'est très bien aussi. Faites simplement ce qui vous semble le plus naturel. Et maintenant, dessiner une longue ligne comme celle-ci est un peu délicat. Il est difficile de bien faire les choses en une seule fois. N'hésitez donc pas à y revenir, à le reconstituer progressivement. C'est ce que je fais, et aussi pour recharger ton pinceau avec de la peinture C'est important car lorsque vous peignez sur cette zone verte plus claire, la peinture apparaît naturellement deux fois plus claire, même si elle est d'une couleur très foncée au départ sur votre pinceau. Vous devez donc le recharger pour qu'il reste solide, pour conserver une valeur forte et sombre Et là, ça a l' air plutôt bien. Il se démarque joliment. Je vais le retravailler un peu plus. Mais ce que je remarque également, c'est que juste à côté de cette ligne, en particulier sur le côté droit, il y a des zones qui devraient être un peu plus sombres. Donc, une fois que j'aurai fini franchir la ligne pour m'assurer qu'elle est clairement visible, je retravaillerai cette zone de droite parce qu' il ne fait pas assez sombre pour le moment Le contraste est trop fort, et c'est parce que ce côté droit est trop clair. Cette étude sur les draperies n'est pas qu'un exercice technique. C'est un véritable terrain d'entraînement pour votre œil, un moyen d'apprendre à observer plus attentivement pour interpréter le volume, la lumière et les transitions lentes des couleurs. À première vue, une draperie peut sembler simple, juste quelques plis en tissu. Mais en réalité, c'est un sujet idéal pour pratiquer et développer presque toutes les compétences de la peinture. Pourquoi ? Parce qu'il inclut tout, la lumière, les ombres, dégradés, les contrastes subtils et , surtout, les changements de valeur. Ce sont ces changements de valeur, qu'ils soient doux ou forts, qui nous permettent de créer de la profondeur et de donner une impression de forme tridimensionnelle. Et dans le domaine de la draperie, les valeurs changent constamment, parfois doucement, parfois brusquement Il est parfait pour entraîner votre œil à détecter ces changements et apprendre à les traduire en peinture. Et travailler sur une draperie enseigne également aux patients. Vous ne pouvez pas simplement le brosser en quelques coups de pinceau. Vous devez le construire étape par étape, en introduisant d'abord des formes larges, puis en affinant les formes, puis en affinant les formes ajustant les couleurs, en corrigeant les transitions Et à mesure que vous vous améliorez, vous devenez plus précis, plus concentré, plus sensible à ce que vous voyez. Mais surtout, cet exercice vous aidera dans tout le reste. Que vous peigniez des vêtements sur une figurine, un rideau en arrière-plan ou même une douce forme de paysage, vous serez confronté aux mêmes questions. D'où vient la lumière ? Où sont les ombres ? Comment puis-je travailler sur la transition ? Comment montrer la profondeur, la texture ? Et la draperie vous apprend à répondre à ces questions en toute confiance Profitez donc vraiment de cet exercice comme un moment d'entraînement précieux, une occasion de vous concentrer sur la qualité de vos traits, la précision de votre observation et la satisfaction tranquille de donner vie à un volume crédible à un volume crédible à partir d'une seule tache de couleur, une simple tache de couleur Et je pense que c'est la magie de la peinture. Pour ce pli de gauche, je dirais que la majeure partie du travail est terminée. Vous avez probablement remarqué que le long du bord gauche de ce grand pli, il y avait une section légèrement plus foncée. J'espère que vous l'avez vu clairement car j'ai ajouté intentionnellement cette bordure plus foncée, comme nous le voyons sur la référence. Nous pouvons maintenant passer à l'autre volet. Celui-ci est un tout petit pli. Vous pouvez voir que sur le côté gauche, il fait extrêmement sombre, et au fur et à mesure que nous nous déplaçons vers la droite, il fait un peu plus clair. J'ajuste donc également mes valeurs en conséquence, et j'essaie de définir un petit conseil à la fin. Et juste à côté de ce pli, en particulier près de la partie la plus sombre, il y a une petite touche plus claire qui contribue à créer une sensation de volume Ce petit pli contraste avec le grand pli sur lequel nous avons travaillé plus tôt. C'est vraiment grâce à cette valeur de contraste, ces zones très claires, ces reflets placés juste à côté des ombres que nous pouvons transmettre efficacement le volume. Et cette partie de la draperie est un autre parfait exemple Euh , je ne fais qu'ajouter cette petite touche légère pour suggérer un pli lisse, et c'est tout ce qu'il faut pour et c'est tout ce qu'il faut pour redonner du volume Et enfin, j'ai ce dernier pli à peindre dans la zone centrale. Celui-ci est très similaire à tous les autres que nous avons réalisés jusqu'à présent. Et comme la zone est assez petite, je travaille directement avec ce pinceau fin, et j'applique de petites touches ici et là pour créer un peu de volume dans la zone. Nous y sommes presque. La draperie est presque terminée Quelques derniers ajustements ici et là, puis nous passerons à la dernière étape, travaillant sur l'arrière-plan et sur l'ombre projetée. Ces touches finales permettront d'ancrer réellement le sujet dans l'espace et de faire ressortir tout le volume que nous avons créé. Donc, en restant là, vous avez déjà fait le plus dur, et le résultat de ce petit exercice vaudra certainement la peine. Ici, j'ai l'impression d'avoir été un peu trop généreuse avec les couleurs foncées car les zones claires ne ressortent pas assez. Je réapplique donc une bonne touche de vert clair et je m' assure qu' elle se marie bien avec le reste Et voilà, nous le plaçons avec soin et veillons à ce qu' il y ait une transition harmonieuse et douce avec les zones environnantes. Trois. Avant de passer à l'arrière-plan, je prends un moment pour revenir en arrière et peaufiner quelques éléments. Par exemple, certaines lignes qui définissent les plis ne ressortent pas assez, à mon avis. Donc, je les travaille un peu. Même chose sur le côté droit. Une fois cela fait, nous serons prêts à nous concentrer sur la zone d'arrière-plan. J'ai également remarqué à propos de l'arrière-plan que mes ombres ne sont pas assez sombres sur ma palette. heure actuelle, j' ai essentiellement deux nuances pour le fond. L'un d'eux convient aux ombres légèrement plus claires, mais à certains endroits, les ombres sont beaucoup plus sombres et ce que j'ai ne suffit tout simplement pas. Je mélange donc un gris plus foncé avec du bois brûlé et du bleu outremer Cela me permet également de créer un ton intermédiaire, que je vais utiliser pour travailler sur ces petites zones d'ombre. Par exemple, sur le côté droit, vous pouvez voir une petite ombre assez prononcée. Puis, au fur et à mesure que vous descendez, il devient un peu plus clair avant de s'assombrir à nouveau. Juste à côté de la draperie, il y a aussi une touche légèrement plus foncée, que j'ai ajoutée Comme je l'ai mentionné, certaines ombres sont plus intenses, mais attention, car là où elles touchent le tissu, elles deviennent un peu plus claires. Nous y obtenons un gris plus doux, et nous devons le peindre soigneusement tout au long de la draperie. Lorsque nous avons travaillé sur la peinture de la draperie elle-même, nous avons appliqué beaucoup de précision, et nous aurons besoin du même niveau de précision pour les ombres Ces ombres de fond jouent un rôle crucial. grâce à eux que les draperies métalliques apparaîtront vraiment en trois dimensions heure actuelle, le tissu semble avoir du volume, mais nous ne pouvons pas encore vraiment voir sur quoi il repose. Pour montrer qu'elle est accrochée au mur et qu'elle donne une réelle profondeur, nous devons peindre ces ombres avec soin et précision. Pour instant, j'applique les ombres avec mon pinceau, en veillant à bien répartir la couleur et en me concentrant sur les ombres principales, celles qui sont les plus visibles et les plus sombres Plus tard, je devrai m'assurer que la transition entre les ombres et le fond gris clair se fasse en douceur. Avec ces ombres, nous ne voulons pas de bords durs. Vous pouvez voir comment les bords se fondent doucement dans les gris environnants, et c'est exactement l' effet que nous recherchons. L'objectif est de créer un dégradé doux entre les tons foncés et les zones claires. Maintenant que les ombres principales sont en place, je peux travailler sur les petits espaces blancs que j'ai laissés tout à l'heure. Comme je l'ai déjà mentionné, juste à côté de la draperie, il y a une touche légèrement plus claire, et il est important de l'inclure pour donner à l'ombre un effet plus réaliste C'est pourquoi j'ai laissé un petit espace vide, et je vais maintenant définir précisément cette partie de l'ombre avec ce pinceau fin. Et le long du bord, j' utilise également ce pinceau pour créer une transition douce entre l'ombre et la zone gris clair. Tout comme nous l'avons fait pour le drapé lui-même, c'est grâce à ces petits traits soignés que nous parviendrons à obtenir un bon mélange et des transitions douces dans nos différentes ombres Alors que je continue à travailler sur ces ombres, en ajoutant une touche légèrement plus claire, ce processus lent et répétitif me donne l'occasion de vous parler d'un autre aspect important de cet exercice, notre relation avec le temps et l'attention. Peindre des draperies n'est pas simplement une étude du vol et du volume. C'est aussi une leçon de lenteur. Cela nous oblige à ralentir pour vraiment observer, pour absorber les formes. Dans un monde où tout va vite et où nous cherchons toujours des résultats rapides, peinture nous demande de faire exactement le contraire. Cela nous demande de prendre le temps de bien comprendre ce que nous voyons et d'avoir la patience et le courage de ne pas précipiter le travail. Ces petites ombres, ces mélanges en solo, tout le travail que nous avons fait sur le drapé, chaque coup de pinceau compte Rien de tout cela ne peut être automatisé. C'est vous, votre œil, votre objectif, votre objectif. Et au fil du temps, vous verrez qu'un certain plaisir se dégage de cette lenteur. Je vois une forme prendre forme progressivement grâce à de petits gestes simples et presque méditatifs Vous apprécierez peut-être ces moments calmes, ces moments de concentration où rien d'autre n' existe que la surface du tableau. C'est également à ce moment-là que vous commencez à développer un lien plus personnel avec ce que vous peignez. Un simple morceau de tissu commence à prendre vie, et grâce à tout ce temps que vous avez passé avec votre peinture, vous vous y attachez en quelque sorte. Par exemple, je ressens toujours un peu de nervosité lorsque je vends un tableau Bien sûr, je suis content. Cela fait partie de mon travail et cela me rapporte des revenus. Mais je passe tellement de temps avec chaque tableau. Quand ils deviennent une partie de moi, il y a un véritable lien qui se forme. Ne soyez donc pas pressés. Que ce moment soit comme un souffle, une pose. Ce que vous apprenez ici vous aidera, bien entendu, dans d'autres matières. Mais surtout, cela vous aidera à trouver une autre façon de peindre, plus calme, plus concentrée et plus paisible. Maintenant que le travail sur les ombres est terminé, je vais passer à la peinture de fond. Mais avant de passer à l'arrière-plan, je vais travailler le long du bord de la draperie Cela m'aidera à créer une sorte de barrière protectrice pour conserver la peinture grise. Je vais l'appliquer avec un pinceau légèrement droit pour éviter qu'il ne se répande sur la zone de draperie Sinon, ce sera un peu compliqué. Je travaille donc le long du bord maintenant, et j'essaie de brosser légèrement, en touchant le ventre pour m' assurer que les deux zones se rejoignent, mais qu'elles contiennent uniquement du soja. Je n'essaie pas de créer un mélange complet. Je veux juste qu'ils se touchent légèrement. J'aime beaucoup les effets subtils que cela produit. Alors, allons-y. J'ai fait la même chose de l'autre côté, et maintenant je peux commencer à peindre le fond avec un pinceau plat comme celui-ci. Je fais des traits généraux et j' essaie vraiment d'étaler la peinture uniformément de cette façon. C'est avec cela que nous allons terminer ce didacticiel. Une chose importante à garder à l'esprit, en particulier lorsque vous peignez la zone inférieure, est de vous assurer que la couleur de fond claire se fond parfaitement avec les couleurs de l'ombre. Nous devrons donc travailler avec soin sur cette partie. Mais avec toutes les pratiques de mixage que nous avons effectuées tout au long de cette pièce, je pense que cela ne devrait pas vous poser trop de problèmes Maintenant que j'ai appliqué la couleur de fond à ce stade, je peux revenir en arrière et retravailler un peu l' ombre sur le côté droit car j'ai l'impression qu' elle s'est un peu perdue Surtout ici, sur la droite, il y avait une petite sorte d'ombre que je n'ai pas ajoutée plus tôt parce qu'elle est si faible qu'elle ne le ferait pas elle aurait simplement été recouverte par toute la peinture Je l'ajoute donc maintenant. Et dans la zone inférieure, mes ombres ne sont plus assez fortes. Ils se sont un peu estompés. Je vais donc les repeindre, et nous usons les bords pour éviter d'avoir des lignes nettes Je veux des bords irréguliers plus doux qui se fondent bien dans le reste. Et voilà, nous avons terminé ce tutoriel, et j'espère qu'il vous a plu Et surtout, que tu l'aies essayée toi-même et que tu aies peint cette draperie avec moi. J'espère également que vous apprendrez certaines choses et que cela vous aidera à progresser dans votre peinture. Merci donc beaucoup d' avoir regardé cette vidéo. Je vais prendre encore une minute pour vous trouver dans l'ombre, puis je vous verrai très bientôt pour d'autres vidéos 6. Peindre un ruban : partie I: Dans cette vidéo, je vais vous montrer comment peindre un ruban orange. Il s'agit d'un exercice ou d'un objet qui peut sembler assez simple à première vue. Mais en fait, il y a des plis, des boucles, des torsions qui rendent les choses un peu plus difficiles et créent du volume. Et pour créer du volume, il va falloir créer différentes couleurs orange. C'est donc un excellent entraînement pour mélanger ces couleurs notre palette et pour créer du volume. C'est un excellent entraînement pour. Cet exercice sera également très utile pour voir comment ajouter quelques détails, quelques petits détails, pas beaucoup, mais cela fera une certaine différence. Cela permettra à notre peinture de passer de quelque chose très bon à quelque chose de vraiment bon. Nous allons donc voir comment procéder. Et pour la création de ce tableau, j'utiliserai du papier de 20 centimètres sur 20 centimètres, et pour avoir un dessin correct, j'utiliserai mon projecteur. Mais si vous n' avez pas de projecteur, hésitez pas à utiliser la technique de la grille qui vous permettra d'avoir un dessin très précis et d'avoir ainsi les bonnes bases pour la création de votre œuvre d'art. Alors prenez vos pinceaux et commençons à peindre ensemble. Voici donc les couleurs du ruban. Les couleurs que nous devons mélanger pour le peindre. Si nous y regardons de plus près, nous pouvons voir que nous avons toute une gamme d'oranges avec des valeurs différentes allant des oranges très foncées qui penchent vers rouge aux oranges beaucoup plus claires qui se rapprochent du jaune. Et, bien sûr, entre les deux, nous aurons plus d'oranges intermédiaires, ne pencheront pas trop vers le rouge ou le jaune, mais plutôt juste entre les deux. Et puis pour notre arrière-plan, nous aurons besoin de différents gris, notamment pour les gris qui seront utilisés pour peindre les ombres de ce ruban, ombres qui seront absolument indispensables pour lui donner du volume et une tridimensionnalité Commençons donc par nos mixages. Commençons par mélanger nos oranges. Vous pouvez voir sur ma palette qu' il y a beaucoup plus de jaune et de rouge que de bleu puisque je n'ai presque pas besoin de bleu pour cela. Nous allons donc commencer par le premier mix. Nous allons mélanger une orange légèrement neutre, quelque chose au milieu. Et vous avez peut-être remarqué que j' utilise toujours une plus grande quantité de jaune que de rouge parce que le rouge est plus fort que le jaune. Cela signifie que si je mets la même quantité des deux couleurs, je me retrouverai avec une couleur qui penche beaucoup plus vers le rouge que vers le jaune. Pour ce premier orange légèrement intermédiaire, que nous pourrons utiliser à différents endroits, je vais créer une autre teinte à partir de celle-ci, un orange plus clair et plus jaune, un orange légèrement plus vif et plus vif. Ajouter du jaune comme ça me semble plutôt bien. Maintenant, je vais faire une variation encore plus légère en ajoutant du blanc, mais surtout en ajoutant jaune car si j'avais trop de blanc dans ma couleur, elle deviendra effectivement plus claire, elle deviendra effectivement plus claire, mais elle perdra de sa luminosité et de son intensité puisque le blanc désature légèrement la Maintenant, je vais en faire une plus sombre. Donc cette fois, je vais commencer par une base rouge légèrement plus forte, mais j'ajouterai quand même une bonne quantité de jaune. Sinon, je me retrouverais avec quelque chose de bien trop rouge. Et comme je veux quelque chose d'un peu plus foncé, j'ajoute également une petite touche d'ombre brûlée. L'ombre brûlée est une très bonne couleur pour assombrir les mélanges. Le seul inconvénient est qu'il a parfois tendance à leur donner une teinte légèrement verdâtre, surtout lorsqu'on le mélange avec du jaune Pour compenser cela, j'ai ajouté un peu de rouge à ma couleur puisque le rouge est la couleur complémentaire du vert, et par conséquent, je me retrouve avec un rouge plus foncé qui est également assez intense Je vais maintenant créer une variation légèrement plus légère. Pour l'éclaircir, j'ajoute un peu plus de rouge et de jaune à mon mix De cette façon, je réduis la proportion de burtenbr dans ma couleur et je choisis de ne pas ajouter de blanc car, et je choisis de ne pas ajouter comme je l'ai déjà mentionné, blanc a tendance à réduire l' intensité de la Bien sûr, cela le rendrait plus léger, mais cela le rendrait également moins dynamique que celui-ci. Par exemple, regardez, si je prends un peu de blanc et que je l' ajoute à ma couleur, la couleur est en effet plus claire, mais son éclat est tout de même réduit Alors qu'ici j'ai une couleur légèrement plus claire que la précédente, mais qui légèrement plus claire que la précédente, reste un orange très vif. Enfin, j'aimerais créer une couleur qui se situe un peu entre les deux. Je vais donc prendre un peu de mon orange et je vais le mélanger, et nous verrons comment cela se passe. Si nécessaire, je l' ajusterai avec plus de rouge ou de jaune pour obtenir quelque chose de vraiment intermédiaire. Ici, je vais ajouter un peu de rouge car je trouve que c'est un peu trop jaune, un peu trop orangé. Il était trop clair. Et nous pouvons constater qu'au final, nous avons de nombreuses valeurs orange différentes, ce qui est vraiment génial pour créer quelque chose de réaliste. Et nous pouvons constater que même pour un objet simple comme un ruban, nous avons encore besoin de beaucoup d' oranges différentes pour créer un objet en trois dimensions. J'ai donc pris un peu plus de cette orange au milieu parce que j'aime avoir une orange un peu plus rougeâtre, comme celles que l'on peut voir sur les bords d'un ruban Ensuite, je dirais que nous sommes prêts à partir et que nous pouvons commencer. Commençons donc à travailler sur le ruban. Vous remarquerez peut-être que je découpe un peu mon papier pour travailler sur une feuille carrée, alors qu'à l'origine, le sujet était plus rectangulaire. Mais ce n'est pas grave. Cela ne nous empêchera pas d'obtenir un résultat crédible et réaliste. Nous allons commencer par cette partie supérieure où nous pouvons voir que les oranges sont un peu plus foncées en haut. J'ai choisi celle-ci, cette orange, qui me semble être le bon choix. Et voyons comment nous pouvons réussir à donner à un objet aussi ordinaire qu' un ruban un aspect assez réaliste. Je veille donc à appliquer mes couleurs avec soin, et j'utilise un pinceau de taille moyenne pour conserver certaine précision et ne pas dépasser les lignes de mon contour. Ici, j' ajuste légèrement la couleur de mon pinceau car je l'ai trouvé un peu plus clair dans cette zone supérieure. Je vais maintenant passer à la section inférieure. Et comme nous changeons de couleur, elle est beaucoup plus claire. J'essuie mon pinceau avec un essuie-tout. Il n'est désormais plus nécessaire d' utiliser des solvants tels que térébenthine ou le gamsol pour nettoyer le pinceau Comme nous travaillons avec des valeurs et des couleurs très similaires et proches les unes des autres, il s'agit toujours de la même famille de couleurs. Il n'est donc pas vraiment nécessaire d'utiliser un solvant ici. J'applique donc ma couleur par petites touches comme celle-ci pour commencer à bien mélanger ces zones au fur et à mesure que j'applique ma couleur Lorsque vous travaillez avec des peintures de petits éléments comme celle-ci, vous pouvez également, fur et à mesure que vous appliquez la couleur, au fur et à mesure que vous appliquez la couleur, créer un mélange en utilisant de petits coups de pinceau Et comme vous l'avez vu, je change à nouveau de couleur pour obtenir quelque chose de plus clair dans cette zone. Je vais maintenant ajouter un peu de jaune à ma couleur pour obtenir un jaune-orange plus prononcé qui se rapproche de ce que l'on voit sur la photo de référence. Donc ça saute vraiment aux yeux et nous obtenons ce point fort, pour ainsi dire, qui se démarque vraiment Nous pouvons donc constater que le mélange entre ces différentes couleurs se fait, désolé, tout à fait naturellement car d'une part, nous appliquons toute une gamme d'oranges en effectuant progressivement des transitions douces d'une couleur à l'autre Et surtout, à chaque fois j'ai veillé à ne pas surcharger mon pinceau. J'ai pris soin de bien répartir la couleur, et par conséquent, rien qu'en tamponnant, le mélange s'est fait tout naturellement Sur le bord de mon ruban, j'ai remarqué qu'il y avait, encore une fois , des éléments légèrement plus foncés, alors je les ajoute également. À ce stade, je dirais que nous avons construit une bonne base pour cette zone du ruban, et je vais commencer à travailler un peu plus sur la texture et à entrer dans les détails. J'utilise donc un pinceau brun assez fin, et je vais essayer de repérer les détails qui ressortent le plus. Dans ce cas, j'ai remarqué qu' tout le bord du ruban il y avait une ligne légèrement foncée Je vais donc l'ajouter. Ensuite, je peux également ajouter quelques touches légèrement plus légères. Et sur ce ruban, on peut voir que la texture est créée par petites touches placées ici et là, parfois plus claires, parfois plus foncées. J'ai donc commencé par en ajouter des plus claires, et je pourrais également en ajouter des plus foncées plus tard si je trouve que cela ne ressort pas assez. Dans ma zone d'éclairage également, je vais ajouter quelques détails. Je peux ajouter des détails plus clairs, mais aussi des détails un peu plus foncés. Et c'est vraiment la combinaison de tous ces petits détails, tous ces petits points et touches que nous plaçons ici et là qui permettra de créer une texture très réaliste qui se démarque bien. Mais dans l'ensemble, je n'ai pas besoin d'en ajouter beaucoup plus. Sur le côté, j'insiste un peu plus sur cette ligne foncée, pour qu'elle ressorte mieux. Mais dans les domaines précédents, je dirais que c'est une bonne chose et qu'il n'est pas nécessaire de travailler davantage sur ces aspects. Nous pouvons donc maintenant passer à la partie inférieure du ruban, et je vais quand même m'en tenir à ce pinceau fin, car dans cette zone, la zone est très étroite et je dois être précise. Nous allons donc continuer à travailler avec ce pinceau fin et ces marques sombres que nous pouvons voir ici sur le ruban. Ici aussi, j'ajuste le contour que j'avais fait avec le crayon car la zone était trop étroite. Je l'ai un peu travaillée avec le pinceau. Parfois, lorsque nous dessinons, nous le faisons rapidement et nous ne remarquons pas ces petites erreurs, et ce n'est qu'une fois que nous peignons et travaillons sur la zone que nous en prenons conscience. Je reviens donc à un pinceau de taille moyenne puisque cette partie est redevenue assez grande, et pour la peindre efficacement, ce pinceau semble être le bon choix. D'ailleurs, les pinceaux que vous me voyez utiliser ici sont pinceaux synthétiques d'entrée de gamme de base que j'ai achetés dans un magasin nommé Cultura en France Ainsi, lorsque vous peignez, vous n'avez pas vraiment besoin d' acheter des pinceaux trop chers. pinceaux d'entrée de gamme comme ceux-ci sont en fait idéaux pour travailler, et ils doivent être synthétiques, n'oubliez pas. Les seuls pinceaux pour lesquels il vaut la peine de dépenser un peu plus sont ceux appelés pinceaux assermentés pour les détails. Mais pour le reste, je vous déconseille d'acheter des pinceaux extrêmement chers car même si vous prenez bien soin avec les produits disponibles, ils finissent par s'user assez rapidement. J'en ai fait l'expérience moi-même, et cela peut coûter très cher. n'est donc pas vraiment là que je recommanderais de dépenser votre argent. contraire, il vaut mieux investir dans qualité extra fine, comme la peinture à l'huile extra fine. Cela vaut plus la peine, désolé, que d'acheter des pinceaux très chers. Et même dans ce cas, je ne vous recommanderais la peinture extra fine que lorsque vous vous sentirez vraiment à l'aise avec la peinture, une fois que vous aurez déjà créé un bon nombre de peintures. De même, je pense qu' acheter de bonnes toiles en lin, une fois que l'on se sent à l'aise, est un meilleur investissement que de dépenser de l'argent pour des pinceaux très coûteux Autre point important, à mon avis, pour ce tableau afin que le tutoriel soit facile à suivre. J'ai conservé les contours de mon dessin et de mon crayon graphite, et ils sont encore bien visibles. Mais normalement, s'il s' agissait d'une pièce finie, je m'assurerais de les effacer ou de les rendre à peine visibles, car le jaune et l'orange ne sont pas des couleurs très opaques, et si vous n'effacez pas les traits du crayon, ils peuvent transparaître. Veillez donc à les effacer correctement lorsque vous travaillez sur votre peinture. Nous continuons donc, et vous pouvez voir que progressivement, au fur et à mesure que nous nous déplaçons dans cette zone centrale, l'orange est devenue plus claire, puis elle est redevenue plus foncée Je m'assure donc de suivre ces modifications pour obtenir le bon effet. Les couleurs que j' applique se mélangent bien et naturellement car je n' utilise pas trop de peinture. Et si je remarque qu' il y a trop de peinture sur mon pinceau, comme vous l'avez vu, je le nettoie et j'essuie l' excédent sur le mouchoir. De cette façon, mes couleurs peuvent bien se mélanger. Le mélange est très important car il nous permet de créer un équilibre entre les couleurs sans que les transitions soient visibles, afin qu'elles restent aussi naturelles que possible Dans la zone centrale, je pense que ma couleur jaune et orange ne ressort pas assez. C'est trop subtil. Cela ne semble pas assez brillant, alors je vais devoir revenir et travailler là-dessus. 7. Peindre un ruban : partie II: Je vais donc retravailler cette zone centrale car, comme je l'ai dit, elle n'est pas assez lumineuse Je vais donc utiliser ce pinceau et essayer de le remplir peinture plus claire avec une peinture plus jaune. Ensuite, je vais m' assurer de bien nettoyer mon pinceau au préalable et essayer de le repeindre un peu avec ce ton plus clair Si je trouve que c'est suffisant, je vais laisser les choses comme ça, mais je pense qu'il me faudrait encore travailler un peu plus avec le pinceau détaillé en ajoutant de petites touches ici et là par la suite. Et, bien sûr, lorsque j' applique de la peinture sur une zone, je m'assure qu'elle se marie bien avec la couleur qui se trouve en dessous. Maintenant, j'ai un peu assombri ma couleur pour travailler sur le côté de mon ruban. Nous pouvons voir que sur tout le bord droit, il y a des zones un peu plus sombres, alors j'essaie de les faire ressortir, et c'est pareil sur le côté gauche, qui sera encore plus sombre que cela. Je vais donc devoir encore assombrir ma couleur. Me voilà donc en train de tamponner doucement avec ce petit pinceau. L'ajout de la marque reste assez stable, mais cela contribue à donner un peu plus de volume à mon élément La création de volumes repose sur un contraste assez fort, souvent entre les zones claires et sombres, et il ne faut pas avoir peur d'utiliser des éléments sombres car si vous hésitez à vraiment ajouter ces parties sombres, elles ne ressortiront pas assez. Vous pouvez également remarquer que j'ai allongé la ligne légèrement foncée le long du bord. Et au fur et à mesure que j'ajoute ces quelques éléments, cela permet également de travailler un peu sur la texture, même si je l' affinerai plus précisément plus tard. Maintenant, j'assombrit encore plus ma couleur. Pour ce faire, j'ajoute du rouge et de l'ombre brûlée, et maintenant je peux travailler sur ce coin supérieur de mon ruban. C'est vraiment cet élément sombre que j' ajoute qui aidera à créer du volume dans cette zone. Il en va de même pour le bout des doigts. J'ai trouvé que cela ne ressortait pas assez, alors j'en ai ajouté un peu plus. Ici aussi, j'en rajoute, mais je me suis alors rendu compte que cette couleur était trop foncée, alors j'essuie la peinture mon pinceau avec un mouchoir et pour l'adoucir, je la mélange simplement avec les couleurs environnantes qui sont plus claires. De cette façon, je dirais que j'ai la bonne valeur et exactement ce dont j'ai besoin pour ce domaine. Je continue donc à travailler sur ma texture par petites touches. Et ce que je fais également, c'est ajouter plus de couleur foncée à cette partie supérieure parce que j'ai toujours l'impression qu'elle ne ressort pas assez. Souvent, vous devez le retoucher une, deux ou même trois fois jusqu'à ce que vous soyez pleinement satisfait, car lorsque nous mélangeons satisfait, car lorsque nous mélangeons les éléments de cette façon, lorsque nous travaillons sur la texture, cela a tendance à adoucir un peu les zones sombres et à les rendre trop claires. Il faut donc parfois les revoir plusieurs fois, comme je l'ai fait ici. Maintenant, encore quelques touches, puis je dirais que pour cette partie du ruban, ce sera fait. Vous êtes Donc, continuons avec cette zone très intéressante parce que le ruban est dans la partie supérieure et qu'il y a ce groupe qui crée beaucoup de volume Donc, ici, je continue avec cette ligne qui n' est que le prolongement de ce que nous avons fait plus tôt. Je continue donc à utiliser cette couleur ici, une couleur, une couleur brun-rouge assez foncée. Et cette couleur, je pense que je peux aussi l'utiliser tout en bas dans cette zone avec une autre ligne. Ensuite, pour la zone du milieu, je pense que cette couleur sera un peu trop foncée, donc je ne pourrai pas l'utiliser. Ce que nous remarquons également, c'est qu' ici, dans ce coin, nous aurons quelque chose de différent, quelque chose d'un peu plus léger également, de plus léger que ce que nous aurons au milieu. Alors maintenant, je vais réajuster ma couleur pour avoir quelque chose de mieux pour cette zone du milieu car je trouve que la couleur est plutôt bonne Ce n'est pas assez orange. Je veux une orange un peu plus intense. C'est pourquoi j'y ai ajouté un peu plus de jaune et un peu plus de rouge. Je vais donc essayer avec cette nouvelle couleur, et je continue à ajuster ma couleur jusqu'à ce que je sois entièrement satisfaite de ce que j'ai. Ce que je veux pour cette couleur, c'est quelque chose d'un peu plus foncé que l'orange qui se trouve en haut, mais un peu plus clair que les lignes que j'ai initialement créées. Et maintenant je trouve que cette couleur est plutôt belle. Comme je le disais, je vais maintenant prendre quelque chose d'un peu plus léger pour cette partie supérieure. Nous avons un élément orange plus clair qui aidera à créer du volume au niveau de la courbe du ruban. Et là où je vais avoir des éléments plus légers, c'est également dans la partie inférieure. J'ai l'impression que dans cette partie inférieure, je suis allée un peu trop loin avec ma couleur foncée, alors je n'hésite pas à peindre par-dessus l'élément foncé que j'avais et à appliquer une bonne quantité de peinture pour m'assurer que lorsqu'elle se mélange, elle penche davantage vers cette nouvelle couleur que vers l'ancienne. Enfin, pour la partie inférieure, nous allons avoir un contraste assez fort avec un jaune orangé assez intense Je vais donc m'assurer de bien nettoyer mon pinceau avant l'utiliser et de passer à tons plus clairs comme je le fais ici. Même si je pense que je vais devoir le rendre encore plus intense pour qu'il ressorte davantage et soit encore plus léger. Et je le ferai quand j'ajouterai des détails avec le pinceau fin. Je vais peindre par-dessus pour avoir quelque chose qui fasse ressortir un peu plus que ça. Je suis donc en train de retravailler un peu ma ligne parce qu' elle n'était pas assez foncée, et je vais commencer à travailler un peu sur la texture que nous allons avoir dans cette zone Je vais donc reprendre quelques éléments légèrement plus foncés et les tamponner doucement avec le bout de mon pinceau Ici et là, j'ajoute petites touches presque aléatoires qui m' aident à obtenir un résultat assez réaliste. Je vais donc le faire dans toute la région. Ensuite, nous nous dirigerons progressivement vers la zone inférieure où les éléments vont devenir de plus en plus clairs. J'ajuste donc les couleurs de mon pinceau pour ajouter des touches plus claires qui feront vraiment ressortir le tout. Ici, je me rends compte que ces petites touches que j' applique ne suffiront pas à rendre la zone vraiment lumineuse. Donc, j'ai pris le mouchoir et j'ai retiré un peu de peinture de la zone, et maintenant je réajuste mes couleurs avec bonnes valeurs en utilisant des éléments jolis et lumineux Parfois, lorsque vous avez l' impression que cela ne suffit pas, que vous pourriez ajouter de plus en plus de peinture et que le résultat ne devient toujours pas assez brillant, la seule solution est de retirer un peu de la peinture que vous avez appliquée, puis de la retoucher. Je reviens donc maintenant à des pierres oranges qui sont bien meilleures et qui correspondent mieux à ce que j'aurais dû avoir dans ce domaine. Ensuite, je vais peindre juste à côté cet élément sur l'autre partie du ruban, où nous avons encore une fois quelque chose de beau et de sombre qui mettra tout en valeur. Et pour le ruban, la vidéo s'arrêtera là puisque le reste du ruban suit exactement le même processus. Vous êtes donc certainement capable de le faire après ce que nous avons vécu. C'est pourquoi je vais couper la vidéo et nous nous retrouverons pour la peinture de fond et pour voir comment travailler sur toutes ces ombres projetées qui donneront du volume à notre ruban. Voici à quoi ressemble mon ruban. Prenez votre temps pour le terminer, travaillez dessus de votre côté, puis passez à la peinture de fond avec moi. Ou vous pouvez d' abord peindre l'arrière-plan , puis revenir sur le ruban. C'est vraiment à vous de décider comment vous voulez procéder. Créons donc les couleurs de fond, qui sont composées de gris, et le gris n'est en réalité rien de plus que du bleu désaturé En gros, un bleu que nous rendons beaucoup moins intense. J'ai donc pris mon bleu, et je vais ajouter sa couleur complémentaire, qui est l'orange. De cette façon, mon bleu deviendra de moins moins intense et deviendra gris. Maintenant, il devient un peu trop vert parce qu'il n'y avait pas assez de rouge. Mais ensuite, mes couleurs complémentaires ont pris dessus parce qu'il ne me restait plus assez de bleu. Donc ce que j'ai maintenant est trop sombre, c'est certain. Je vais donc ajouter du blanc pour que ce soit un peu plus clair. Et maintenant, nous nous rapprochons du gris que nous voulons. Je vais ajouter un peu plus de bleu pour le rendre légèrement plus bleuté. Et cette couleur me convient plutôt bien pour les zones où l'ombre sera parmi les plus sombres Ensuite, pour les zones qui seront plus claires, je vais prendre un peu de ce gris et le mélanger avec blanc pour obtenir un ton beaucoup plus clair. Oh. Eh bien, maintenant c'est peut-être un peu trop clair. Je vais donc revenir arrière et ajouter un peu de mon premier gris, et je pense que cela devrait me donner un gris de la bonne valeur pour peindre le fond. Donc, avant de peindre tout le fond, je vais peindre tout le long du ruban dans certaines zones où vous pouvez voir ces bandes très claires. Je le peins donc avec une couleur gris très, très clair en utilisant ce pinceau plat et le bord du pinceau plat, même si ce n'est pas le pinceau le plus approprié pour cela, je vais donc passer à un nouveau, un pinceau arrondi. Et vous pouvez voir qu'il y a cet élément lumineux très fin dans toutes les zones où vous ne voyez pas l'ombre projetée. C'est donc essentiellement dans une très large mesure que vous pouvez le constater. Je vais donc le faire sur tout ce ruban. Ensuite, je vais peindre un peu de l'arrière-plan dans certaines zones qui ne sont pas du tout délicates, et nous peindrons l'ombre projetée ensemble , puis une fois cela fait. Donc, en gros, je vais peindre tout autour du ruban, sauf cette zone située juste ici, dans le virage. Également dans cette zone où se trouve la courbe et à l'intérieur du ruban. Vous pouvez donc voir en ce moment toutes ces zones que j'ai peintes où vous avez ces éléments très légers. Maintenant que cette zone est définie, nous allons travailler sur les ombres. Mais pour travailler sur les ombres, nos couleurs actuelles ne suffiront pas, et nous devons créer des gris plus foncés que cela Nous avons donc vu une façon de devenir gris, mais il en existe une autre, qui consiste à considérer le gris comme simple noir éclairci Et avec cette palette de cinq couleurs, nous créons du noir en mélangeant du bleu outremer et du burn tum Bien sûr, vous pouvez également penser à prendre du blanc et du noir ivoire comme vous l'achèteriez en magasin et à ajouter du blanc. Bien sûr, cela pourrait fonctionner. Mais l'objectif est toujours de s'en tenir à cette palette de cinq couleurs. Personnellement, j'aime créer mon propre noir parce que vous pouvez décider si vous voulez un gris plus chaud par la suite, privilégiant l' ombre brûlée ou un gris plus froid penchant davantage vers le bleu. Je parviens donc à obtenir un gris, mais il me semblait un peu trop bleuté, alors j'équilibre le tout en ajoutant un peu plus d' ombre brûlée, comme vous pouvez le voir Mais je n'en ajoute qu'un peu à chaque fois parce que je veux tout de même garder un équilibre. Sinon, il faut un peu trop de temps pour obtenir la bonne teinte. Maintenant, je dirais que ça a l'air plutôt bien. Et j'ai créé un gris un peu foncé, et avec ce gris, je peux le rendre plus clair en ajoutant du blanc comme ça. Maintenant que c'est fait , nous pouvons commencer à peindre et à travailler sur nos ombres. L'ombre projetée est en fait un peu blanche, et vous pouvez voir que plus elle s'éloigne du ruban, plus elle devient claire et se fond dans les éléments environnants. Je commence donc ici à définir approximativement la taille de cette ombre projetée. Je peux voir qu'il va prendre forme légèrement incurvée tout autour de mon ruban, alors je l'applique, et en même temps, j' utilise de petits coups de pinceau pour l'aider à bien se fondre dans les couleurs environnantes. Maintenant, sur le bord, sur toute la haie, j'ai encore quelque chose d' assez sombre, donc je vais utiliser ce gris ici, comme vous pouvez le voir, mais cela ne suffira pas. Je devrai également ajouter une touche encore plus foncée sur le dessus pour qu'il ressorte vraiment . Et nous y voilà. J'ai fait de petites touches et mon pinceau n'est pas trop chargé de peinture. Ou si c'est le cas, j' essuie un peu de peinture pour m'assurer que lorsque je travaille et que j'applique ma couleur, je puisse mieux me fondre avec la couleur voisine. Et comme vous pouvez le constater avec mes coups de pinceau, je le garde doux et j'apporte petites touches ici et là pour créer texture légèrement irrégulière que vous pouvez voir dans notre ombre sur ce tissu ou moins sur ce qui ressemble à du tissu gris. Et comme je le disais, j'ai besoin de quelque chose d'un peu plus sombre pour travailler sur le bord. C'est donc ce que je suis en train de faire. Ensuite, je l'adoucis très doucement avec les couleurs environnantes pour qu'il se mélange naturellement. Voilà pour l'ombre. Vous pouvez voir que j'ai fait d'autres choses de la même manière. Nous allons maintenant examiner une dernière ombre sur laquelle il est très intéressant de travailler. C'est celui sur le côté droit où le ruban se courbe. Celui-ci est très important car il va donner plus de volume au ruban. Je commence donc par travailler sur tout le bord avec ma couleur foncée. Il est vrai que je ne suis pas exactement le même ordre que lorsque j' ai ombragé l'autre zone, mais ce n'est pas un problème Vous pouvez le faire d'une façon ou d'une autre. De plus, plus on s' éloigne du bord, plus il fait sombre. Donc non, désolée. Plus vous vous éloignez du bord et moins l'ombre devient sombre. Oh, aussi, il y a une petite chose à faire attention ici, c'est dans la partie inférieure où je n'ai pas encore peint. Il va y avoir une fine bande lumineuse entre le ruban et l'ombre dont nous avons besoin pour vivre, car c'est comme une lumière réfléchie qui fait légèrement disparaître l'ombre à cet endroit. Nous devons donc combler ce petit écart. Sinon, la méthode et le processus seront exactement les mêmes que ceux que nous avons fait précédemment avec la zone d'ombre. Vous remarquerez également qu'ici j' utilise un pinceau assez fin pour garder les choses précises pendant que je peins et pour éviter de gâcher ou dépasser cette zone orange que j'ai peinte auparavant Maintenant que les éléments sont peints dans cette zone et que mon ombre est terminée, je peux passer à la finalisation l'arrière-plan sur le côté gauche Pour le peindre, j'utilise un pinceau plat car cela me permet d' étaler la peinture plus efficacement et surtout, éviter que mes coups de pinceau ne soient trop prononcés. Dans cette partie de l'arrière-plan, il n'y a pas vraiment de texture à créer. Nous voulons donc nous assurer que les coups de pinceau sont aussi invisibles que possible. Vous pensez peut-être que la pièce est terminée, mais pas encore, car certains domaines, à mon avis, ne ressortent pas suffisamment. C'est le cas de certaines zones plus sombres du ruban, souvent aux endroits où il y a des chutes, là où le ruban recouvre une autre partie de lui-même ou là où il se plie Dans ces endroits, nous devrions avoir des éléments plus sombres, et j'ai l'impression que dans ma peinture, ils ne sont pas assez prononcés, alors je les repasse pour les renforcer. Avec l'expérience, j'ai appris à développer ce regard critique à l'égard mon travail et à repérer les éléments qui manquent ou qui ne sont pas tout à fait corrects, même si, pour être honnête, ils me manquent parfois. Mais ce que vous pouvez faire lorsque vous débutez et que vous n'avez pas encore l'œil pour remarquer ce qui pourrait être amélioré, c'est d' abord de placer votre travail devant un miroir Le miroir est vraiment quelque chose qui vous aidera énormément, car vous verrez presque instantanément où les choses manquent en comparant à votre photo de référence et quelles zones ne fonctionnent pas Cela met tout de suite en évidence les flux à tel point qu'à un moment donné, j'ai eu presque peur de regarder mon travail dans le miroir parce que je me demandais quelles erreurs j'allais voir. Le miroir est donc très utile. Vous pouvez également demander à un proche qui a un œil un peu critique de regarder votre travail, mais toujours avec bienveillance, bien entendu. Ne le faites pas avec quelqu'un qui va simplement détruire votre travail et vous décourager si cela ne sert à rien Mais quelqu'un qui ne connaît pas votre œuvre d'art, qui découvre votre photo de référence ou votre modèle pour la première fois, peut vous proposer une perspective préliminaire et indiquer les domaines dans lesquels il y a peut-être des points à améliorer. Une autre option consiste simplement à mettre votre peinture de côté pendant quelques heures ou quelques jours, même si, bien sûr, cela signifie que la peinture va probablement sécher, puis y revenir avec de la glace fraîche pour voir s'il y a éléments que vous pourriez corriger ou améliorer. Et c'est ainsi que s'achève cet exercice pour voir comment bien travailler en détail. À mon avis, c'est un exercice très utile pour également travailler sur les valeurs et comprendre comment créer du volume grâce à elles. J'espère donc que cet exercice vous plaira, et je vous donne rendez-vous très prochainement pour un autre. Et n'hésitez pas à partager vos œuvres avec moi. À bientôt. 9. Peindre une tasse de café à l'envers : partie II: Maintenant que j'ai appliqué ma base pour cette zone claire, je peux commencer à ajouter des marques encore plus claires sur le rouge que j'avais appliqué. Puisque dans cette zone, nous pouvons distinguer quelques points forts, même s'ils ne sont pas aussi visibles qu'ils le sont plus à gauche. Ensuite, dans la partie centrale, on peut voir qu'il y a des éléments légèrement plus sombres qui ressortent, comme je l'ai déjà dit. Et en plein centre, il y a aussi des zones beaucoup plus claires que je vais essayer de faire ressortir également. Maintenant, je place ces éléments plus clairs, je les place par-dessus, et j'essaie de les mélanger doucement avec la couleur du dessous tout en m'assurant qu'ils restent assez brillants. Donc, si besoin, s'ils ne ressortent pas assez, n'hésitez pas à les recouvrir avec votre pinceau, et vous les colorierez pour obtenir quelque chose d'assez brillant. En attendant, sur le côté, j'applique un effet très fort avec quelque chose qui est presque d'un blanc pur. Et pour ce qui est de cette partie, je dirais que c'est plutôt bien. Après ces derniers détails, nous pourrons passer à autre chose et essayer de peindre le manche. Avant de peindre le manche, il y a aussi ce petit coin sur la droite que je n'avais pas encore peint. Et ici, je dirais que ce rouge clair légèrement violacé et légèrement rouge fonctionne plutôt bien C'est maintenant l'heure de la poignée, et je commence par un rouge très foncé car ce que nous pouvons voir c'est qu'il y a un bord entier qui est extrêmement sombre. Je commence donc par peindre ce bord au-dessus du bord intérieur d'un côté et du bord extérieur de l'autre. Ensuite, nous pouvons voir que le manche dans son ensemble est encore assez sombre mais pas uniformément, donc J'ajuste donc ma couleur, et pendant que je l'applique, j'essaie de la mélanger doucement avec la couleur que j'ai appliquée un peu plus tôt, de sorte qu'un petit dégradé commence déjà à se former dans notre zone. Et là encore, dans cette partie inférieure, je peux appliquer un joli rouge foncé. Ici, je trouve que mon rouge foncé prend pas mal de place. Je l'ai donc un peu mélangé, mais je veux avoir quelque chose d'un peu plus foncé sur le bord extérieur J'essaie donc de travailler avec le bout du pinceau, mais comme je l'ai dit, je veux m'en tenir à un pinceau de taille moyenne pour ne pas trop travailler sur les détails. Ce n'est pas le but ici. Et c'est aussi très agréable de voir qu' avec un pinceau moyen, on arrive tout de même à obtenir des éléments assez fins. Cela vous pousse donc également à vous adapter et à mieux contrôler votre pinceau, ce qui est un avantage lorsque vous travaillerez ultérieurement sur une peinture plus réaliste Ici aussi, ce que nous remarquons sur notre manche, c'est qu'il y a un point légèrement plus clair, un petit point fort, mais il ne devrait pas être trop fort non plus. Comme vous pouvez le constater, j'ai d'abord appliqué un rouge qui n'était pas très foncé au départ, puis j'ai ajouté un rouge légèrement plus clair, mais uniquement dans certaines zones. Il n' y aura pas de reflets aussi éclatants sur l'extrémité entière y aura pas de reflets aussi éclatants sur Maintenant, je dirais qu'au bout du compte, nous sommes plutôt bons reste que quelques touches plus foncées à ajouter sur la partie inférieure pour mieux séparer le manche de la tasse. Mais maintenant, nous pouvons passer à travailler sur la soucoupe située en dessous ou plutôt en haut, puisque la page est retournée Et ce que l'on remarque ici, c'est qu'en haut à droite, il y a une sorte de ton violacé, légèrement grisâtre Donc, pour ma couleur ici, je vais utiliser un peu d'huile d'olive car cela contribue à donner à cette couleur un aspect légèrement plus neutre lorsque je l'applique maintenant. Passons donc à la soucoupe, et maintenant je prends un peu de mon rouge et je le mélange avec ce gris légèrement violacé puisque nous pouvons voir ces deux couleurs se mélanger par ici, et c'est ce que je vais essayer de faire Maintenant c'est vrai que la soucoupe est un peu floue avec beaucoup de taches et de petits éléments qui se fondent les uns dans C'est donc ce que je vais essayer de recréer. Même s'il est vrai que ce domaine n'est pas très facile. Et comme nous peignons avec un pinceau moyen, il va être difficile rendre aussi précis que nous le souhaiterions. Mais nous allons essayer, et je pense que le simple fait de placer quelques petites touches de couleur aux bons endroits devrait suffire à créer une zone qui semble toujours très réaliste. Ce que nous remarquons également, c'est que juste à côté de la tasse se trouvent ces éléments légèrement plus légers qu' il est important d'ajouter afin créer de la profondeur et de clairement faire la distinction entre ces deux zones. Je remarque ensuite que dans ma zone centrale, il y a quelques points forts un peu plus prononcés. J'ajoute donc des couleurs plus claires sur le dessus. En fonction de la luminosité que je souhaite donner à cette couleur, j'essaierai de la mélanger plus ou moins avec la couleur sous-jacente. Nous voilà au creux de la soucoupe. Mais lorsque nous passons à la partie suivante sur la droite, nous voyons une zone un peu plus haute avec un peu plus de volume, et là nous avons un autre élément plus léger, que j'ai ajouté. Maintenant, je suis de retour dans la zone creuse, et il y avait un élément sombre entre nos zones plus claires qui ressortait vraiment du lot. J'ai donc essayé de l'ajouter également. Tout comme sur le bord de ma zone grisâtre, là où je pensais que c'était nécessaire il faut qu'il fasse un peu plus sombre Et ainsi, en ajoutant un élément après l'autre, on progresse. Et cette soucoupe qui semblait un peu délicate au début prend progressivement forme, et en tout cas, ce n' est et en tout cas, ce n' vraiment qu'à la fin, une fois que nous aurons peint toutes les zones, que nous pourrons prendre du recul et décider si elle est belle, si elle apparaît et semble réaliste, ou si au contraire, la zone meurt et nous devons y retourner et travailler avec ou des éléments plus sombres, par exemple. Mm. Je peux donc continuer avec cette partie de mon assiette. On peut voir qu'il y a une zone un peu pourpre rougeâtre, un peu grisâtre Nous allons donc avoir un petit avantage qui définira la zone légèrement plus foncée. Et juste à côté, il y a un élément légèrement plus clair, mais avec la couleur, c'est juste une valeur plus claire. Et il est très utile de repérer les zones comme celle-ci où il y a un changement couleur et, dans cette zone prêter une attention particulière aux changements de valeur car nous pouvons remarquer ici que cette zone n'a pas les mêmes valeurs partout. Quelques petites variations sont importantes pour donner du réalisme à cette zone. Et puis, tout autour de la zone légèrement grisâtre, nous avons des éléments plus clairs, et c'est la combinaison de ces reflets de tous ces éléments qui contribue à créer une sensation de volume Ici, j'ai un peu essuyé la peinture de mon pinceau pour y ajouter quelque chose de beaucoup plus clair Je peux donc le peindre séparément pour voir qu'il y a un point surligné y a un point surligné encore plus visible que les autres. Cela se démarque vraiment beaucoup plus. Je repasse donc avec mon pinceau pour qu'il soit beau et prononcé. Maintenant, je vais passer à un rouge légèrement plus intense car je vais peindre ce qui se trouve sous le gobelet. Ici, mon rouge était encore un peu trop foncé, car il doit y avoir une nette différence entre cette tasse et l'assiette. Et maintenant, avec un rouge comme celui-ci, je pense qu'il sera plus beau. Mais alors je ne vais pas m'en tenir à ce rouge. Je vais également ajouter quelques touches légèrement plus légères car ce sont ces petites différences de valeur, encore une fois, qui aideront à créer du volume et à donner à cette plaque un aspect tridimensionnel avec un bord légèrement sphérique et légèrement arrondi. ce qui concerne les zones qu'il reste à peindre sur la plaque, je vais accélérer la vidéo car c'est essentiellement le même processus que celui que nous avons fait avec cette partie de droite, que j'ai trouvée un peu plus complexe. Mais dans l'ensemble, tout ce qui reste à faire est très similaire à ce que nous avons fait jusqu'à présent. C'est pourquoi je fais tourner un peu la vidéo. J'ai moins de commentaires à vous faire à ces parties, car elles ressembleront beaucoup à ce que nous avons déjà fait, mais je garde le support visuel à l'écran car je pense qu'il peut toujours être utile que vous regardiez ce que je fais. Nous nous retrouverons pour la prochaine étape afin de terminer notre travail. Nous allons peindre le café à l'intérieur de la tasse et voir également comment peindre ce fond. Partie inférieure de l'assiette, je vais essayer de ne pas dépasser la partie supérieure, qui est plus légère. Mais en même temps, lorsque j'applique mes coups de pinceau, j'essaie de relier très doucement les zones elles pour créer un très léger mélange entre ces deux couleurs Et c'est aussi l' avantage de peindre mouillé sur mouillé et de ne pas attendre que les zones sèchent. Nous pouvons connecter les éléments entre eux plus facilement. Commençons donc maintenant par la partie café. Ici, dans la partie inférieure, nous allons avoir des couleurs assez orangées. Lorsque j'ai appliqué ma couleur, j'ai réalisé qu'elle n'était pas assez orange, alors je l'ai ajustée. C'est également ce que nous avons sur la palette. Voici donc ce que nous avons dans la palette. Et puis une fois qu'il est posé sur le papier par rapport à tous les éléments environnants, vous pouvez vous rendre compte qu'il ne fonctionnera peut-être pas tout à fait, alors je l'ai légèrement ajusté. J'essaie de peindre le long de mon bord et ne pas aller trop loin sur la couleur rouge. Assurez-vous qu'il reste bien dans les limites. Et en même temps, en ajoutant ces petits coups de pinceau, j'essaie également de relier très doucement ma tasse et mon café Je veux vraiment que les éléments se mélangent un peu les uns aux autres. J'aime ces mélanges subtils comme celui-ci, en m'assurant que tous les éléments sont plus ou moins connectés les uns aux autres, et que nous n'avons pas d' arêtes vives ou du moins très peu d'arêtes vives. même temps, alors que j' appliquais cette base légèrement plus foncée, vous avez probablement remarqué que j'ai ajouté quelques touches de peinture plus claires sur le dessus pour travailler cette zone café, car il n'y a pas une seule valeur. Et ici, alors que nous nous déplaçons vers la gauche, nous pouvons voir qu'il devient encore plus orange et un peu plus foncé. C'est pourquoi sur le côté gauche de ma palette, j'ai mixé avant cette nouvelle couleur. Maintenant, j'ai ramassé un peu plus d'ombre brûlée parce que je veux aussi mes éléments soient encore plus foncés que ce que j'ai trouvé jusqu'à présent et un peu plus neutres, un peu plus brunâtres L'ombre brûlée m' aide donc à y parvenir. Avec cette couleur légèrement plus foncée, légèrement brunâtre, je peux l'appliquer ici sur le côté gauche, mais je ne vais pas le laisser comme ça Je vais m'assurer qu' il se mélange bien et qu' se mélange naturellement avec les zones environnantes. Et ailleurs dans ma zone gauche, il y a d'autres éléments légèrement plus sombres, j'en ai donc ajouté quelques uns également. Mais nous remarquons également que lorsque nous nous dirigeons vers la zone centrale, il y a aussi des parties plus sombres, mais elles ne sont pas aussi neutres. Ils sont plus orangés, oranges. C'est donc ce que je fais ici. Je crée un brun un peu plus orange, et j'en ajoute de petites touches dans la zone centrale, ce qui contribuera à le rendre plus réaliste, car c'est vraiment cette combinaison de plusieurs couleurs et de différentes valeurs qui donne du réalisme à la zone. Je suis très légère quand je les applique Comme vous pouvez le constater, je ne charge pas trop mon pinceau non plus, car si je le fais, cela laissera de grosses taches de peinture, ce qui n'est vraiment pas beau et ne se mélange pas très bien Maintenant, je prends mon blanc et je le mélange avec cette couleur légèrement orange pour obtenir quelque chose vraiment très léger et je l'utilise pour peindre cette petite mousse de lait que nous avons dans notre café. Et j'essaie de le mélanger très délicatement à ma couleur orange Mais lorsque je m'approche de la zone rougeâtre en haut, j'essaie de la toucher à peine, mélangeant très légèrement, parce que je ne veux pas que le rouge se mêle à ma couleur et gâche mon Ce que je remarque également, c'est que sur le côté gauche, il y a cette petite ligne blanche qui se détache vraiment. J'essaie donc de l' appliquer avec le bout de mon pinceau pour être un peu plus précise. Et je fais la même chose sur le dessus. Il reste encore quelques éléments à ajouter au café, quelques détails supplémentaires, et ensuite nous serons bien partis et pourrons passer à la peinture du fond. Il est maintenant temps de peindre le fond, ce qui va vraiment faire ressortir la tasse. À chaque fois, le contexte est une étape importante. C'est comme la cerise sur le gâteau qui fait vraiment ressortir tous nos éléments, car l'environnement autour du sujet que nous peignons change vraiment notre façon de le voir. Pour mon arrière-plan, je commence par cette zone très sombre. Vous pouvez remarquer qu'au fur et à mesure que nous nous déplaçons vers la gauche, les tons deviennent plus clairs et évoluent vers un brun orangé plus clair. Maintenant, j'essaie d'appliquer moi-même ce dégradé et assurer que ces couleurs se mélangent bien. Je mélange un peu à chaque fois mes couleurs avec des coups de pinceau ici et là Pour le faire correctement, mon pinceau ne contient pas trop de peinture et, si nécessaire, je n'hésite pas à essuyer la peinture accumulée sur mon pinceau pour en faire un nettoyant à mélanger Ensuite, sur ce côté gauche, on peut voir qu'il devient encore plus clair. Et au fur et à mesure que nous nous rapprochons du haut de l'assiette, elle devient encore plus légère. J'essaie donc toujours d'ajuster ma couleur en conséquence. Ce que je peux aussi faire, c'est marquer la séparation avec le reste de l'arrière-plan, qui a une couleur différente. De cette façon, je sais que jusqu'à présent, je devrai travailler principalement avec des tons clairs et brunâtres Pour la partie centrale, je vais essayer de créer moi-même cet effet légèrement flou J'ai choisi de choisir des couleurs grisâtres comme celle-ci pensant que cela permettrait de mieux faire ressortir le fond et la tasse que si je réutilisais tons brunâtres trop proches de la couleur du café Donc, avec ce gris violacé, j' aime bien le résultat Je vais donc appliquer des couleurs comme celles-ci par ici. Maintenant, j'ai un peu trop de peinture sur mon pinceau, et je me rends compte que le mélange ne sera pas facile avec ça J'ai donc pris un peu de temps pour essayer de mélanger ces couleurs, et je vais le faire sur l' ensemble du fond, puis nous nous reverrons une fois que ce sera fait, une fois l'arrière-plan terminé, fois l'arrière-plan terminé, afin que je puisse vous montrer le résultat final Et voici le résultat final, dans la bonne direction cette fois-ci. J'espère vraiment que vous avez apprécié cet exercice et que vous avez peint cette pièce à l'envers. J'ai trouvé que c'était un très bon exercice, et n'hésitez pas à me dire ce que vous en pensez et à partager votre résultat final avec moi. Je vous donne donc rendez-vous très prochainement pour un nouvel exercice. Oh. 10. projet final : présentation: C'est le dernier sujet ce cours sur les bases de toute votre peinture. Donc, pour ce cours, nous allons peindre cette magnifique amphore, blanche avec une très jolie fleur dessus Ce sujet, les derniers sujets, seront donc les derniers sujets, seront très bons à mettre en pratique. Encore une fois, tout ce que nous avons vu pendant ce cours, comment appliquer les couleurs, bien sûr, comment mélanger nos couleurs, créer un joli mélange, peindre un arrière-plan, comment créer du volume avec l'amphore et avec les fleurs, et comment créer quelque avec l'amphore et avec les fleurs, et comment créer réaliste avec de très petits détails sur les fleurs. Beaucoup de choses à voir à ce sujet. C'est pourquoi j'ai trouvé que c'était un excellent sujet pour terminer ce cours. 11. Organization of the painting: Comme cette dernière pièce est un peu plus longue que ce que nous avons fait avec les exercices précédents, je pense qu'il est important d'organiser notre peinture et de la planifier Planifier votre travail avant de commencer vous aide vraiment à structurer et à savoir quelles zones vous pouvez peindre de manière indépendante. En effet, il se peut que vous n'ayez pas trois ou quatre heures d'affilée, voire plus, pour peindre le tableau en entier d'un seul coup. C'est pourquoi vous pouvez diviser vos œuvres d'art, et nous allons voir comment procéder. Lorsque vous peignez un grand sujet comme celui-ci, il est essentiel de trouver les différentes zones que vous pouvez peindre indépendamment. C'est-à-dire qu'il y a des arêtes vives entre ces zones. Et nous pouvons voir qu' il existe plusieurs zones qui peuvent être peintes indépendamment sur ce sujet. Il y a l'amphore qui a des arêtes vives. Il est vraiment clairement séparé de l'arrière-plan et de la tige. Il y a aussi le fond qui peut être peint indépendamment, la tige qui a des arêtes vives et enfin les fleurs. Il existe donc quatre zones différentes qui peuvent être peintes indépendamment. Vous pouvez donc organiser votre peinture de cette façon. Par exemple, le premier jour, si vous avez une ou deux heures d'affilée, vous pouvez peindre l'amphore en entier Ensuite, le lendemain, vous n'aurez peut-être que 30 minutes à consacrer à votre peinture. Alors pourquoi ne pas opter pour la tige ? Ensuite, dans trois ou quatre jours ou dans une semaine, vous aurez plus de temps à consacrer à votre peinture. Alors peut-être que cette fois, vous pouvez peindre la fleur et, si vous avez le temps, le fond ou le laisser pour un autre jour. De cette façon, vous pouvez vraiment prendre votre temps avec votre peinture et vous assurer d' obtenir un bon résultat. Il vaut mieux prendre son temps et planifier sa peinture sur plusieurs jours plutôt que vouloir tout faire en une heure en deux heures, et évidemment le résultat ne sera pas aussi bon si vous ne prenez pas votre temps. Lorsque vous commencez une section, il est préférable de la terminer complètement avant d'arrêter peindre ou de la terminer avant que la peinture ne sèche réellement. Prenons un exemple. Par exemple, vous commencez à peindre le fond, vous vous arrêtez au milieu parce que vous n' avez pas le temps de terminer, et vous dites : OK, j' y reviendrai la semaine prochaine. Mais le problème, c'est que si vous y revenez la semaine prochaine, le fond sera probablement asséché. Cela signifie que vous devez remixer la couleur pour obtenir exactement la même couleur, car si vous n'obtenez pas exactement la même couleur, vous verrez qu' il n'y a aucune continuité entre ce que nous avons fait avant et ce que vous avez fait et ce que vous allez faire aujourd'hui lorsque vous retournerez à votre peinture C'est pourquoi, lorsque vous commencez l'arrière-plan, par exemple, il est préférable de le terminer le jour même ou peut-être le lendemain, il ne sera pas sec, afin de pouvoir le terminer le lendemain. C'est pourquoi il est important de prendre en compte le temps de séchage de votre peinture. C'est ce dont j'ai parlé dans la partie sur le mélange des couleurs. Par exemple, si vous lancez l' infora, vous pouvez vous détendre car elle contient beaucoup de blanc Le temps de séchage sera donc assez lent. Vous pouvez donc commencer l'infora et y revenir quatre jours plus tard, il ne sera pas sec car il contient beaucoup de blanc, de blanc titane, qui met beaucoup de temps à sécher Cependant, si vous commencez quelque chose qui contient beaucoup de bois brûlé, vous pourriez penser qu' il vaut mieux le terminer aujourd'hui ou demain, il vaut mieux le terminer aujourd'hui ou sinon il sèchera très rapidement. C'est donc ce qu'il faut prendre en compte pour votre peinture. Et maintenant, je pense que nous sommes complètement prêts à commencer à peindre la nature morte ensemble. 12. Colors and painting of the amphora: Avant de commencer à mélanger nos couleurs, commençons par observer celles qui composent le sujet. abord, en regardant l'amphore, nous pouvons voir que nous travaillerons avec des gris et non avec un seul Il y aura un gris très clair où la lumière frappera directement notre objet. Ensuite, nous aurons une zone légèrement plus foncée au centre où le gris devra être plus profond et aussi un gris plus intermédiaire. Nous devons donc créer plusieurs gris différents pour représenter précisément l'amphore Quant à la tige, le vert est prédominant, mais encore une fois, il ne s' agira pas d'une seule teinte On peut voir qu'il est composé de plusieurs petites touches de verts variés. En ce qui concerne les fleurs, la fleur cette fois-ci, nous avons une très large gamme de rouges. On peut voir que du côté de la fleur, sur le pétale à droite, les rouges sont plutôt intenses, assez vifs, tandis que sur le côté gauche, les rouges sont non seulement plus foncés mais ont également tendance à virer vers le rouge violacé Et la zone rouge claire, les rouges plus clairs cette zone, dans cette zone rouge violacé auront un effet légèrement désaturé, légèrement gris, un peu plus clair Nous devons donc créer cela également. Et enfin, pour le fond, on voit une sorte de brun orangé. C'est plutôt sympa, mais personnellement, j'opterais pour quelque chose de plus chaud et plus intense, comme vous le verrez plus tard. Et pour le sol, nous opterons pour des tons neutres, tons neutres, un gris légèrement brunâtre que nous créerons plus tard Voilà pour nos couleurs, et maintenant commençons à les mélanger. Commençons donc à mélanger nos couleurs avec celles de l'amphore Comme nous l'avons vu, il se compose de plusieurs nuances de gris, et n'oubliez pas que le gris peut être obtenu de différentes manières, notamment en mélangeant le bleu avec du bois brûlé ou le bleu avec l'orange ou même en combinant les deux méthodes. Par exemple, je mélange maintenant du bois brûlé et du bleu outremer, et je remarque qu'il est un peu trop bleuté. Je peux donc l' atténuer, réduire son intensité avec Il existe donc plusieurs façons de le faire, et c'est vraiment à vous de choisir celle que vous préférez. Voici donc ce premier gris, et comme nous l'avons vu dans notre analyse, il n'y aura pas qu'un seul gris. Nous devrons en créer plusieurs. C'est ce que je vais faire. Pour cela, je vais soit diminuer la quantité de blanc dans le mélange , soit l' augmenter selon que je préfère augmenter selon que je préfère des gris plus clairs ou plus foncés, car nous avons vu qu'il y avait des gris extrêmement clairs et des gris légèrement plus foncés dans la zone d'ombre centrale Donc, à chaque fois, j'ajuste en ajoutant du blanc ou du bois brûlé et du bleu si je veux assombrir le mélange Et pour cela, je compare constamment avec ma photo de référence en me demandant si ma couleur est trop foncée ou trop claire. Et dans ce cas, qu'elle penche trop pour bleu outremer ou trop Burnt Road, je dois savoir laquelle des deux couleurs je dois ajouter Et ici, je peux créer un dernier gris un peu plus foncé que les autres pour zone centrale dont je parlais. Alors voilà, et ça s' annonce plutôt bien. Maintenant, je peux aussi commencer à mélanger le vert pour ma tige, et je vais commencer par un vert assez neutre, c' est-à-dire qu'il ne penche pas trop vers le bleu ou le jaune. Ici, comme vous pouvez le voir, j'ai trouvé que ma couleur était plutôt bonne, mais je voulais l' assombrir un peu Je l'assombrit avec du burntmbrd car si j'avais ajouté plus de bleu, j'avais peur de terminer par un vert trop Alors qu'ici, avec Burntmbrd, cela m'a permis d'obtenir quelque chose de plus foncé sans que cela ne devienne trop bleu Et à partir de cette couleur, je peux créer une version légèrement plus claire en ajoutant du blanc, pas du jaune pour éviter de le rendre trop jaune-vert. Ici, je suis en train d'en créer un plus foncé avec du tubercule Bn, mais j'ai trouvé que mon vert mais j'ai trouvé que mon vert virait trop vers le brun, c'est pourquoi j'ai ajouté un peu plus de bleu outremer. Maintenant, pour ce type de farine que nous pouvons voir en haut, nous avons cette partie un peu verte, et nous pouvons voir qu'il y a un vert assez intense. C'est donc ce que je suis en train de créer avec beaucoup de jaune dans ma couleur. Et aussi un peu de blanc pour créer quelque chose d'assez léger. Et en ce moment, je me rapproche de ce que je veux, ce qui est plutôt génial. J'ajoute donc un peu plus de vert parce que je trouvais que la couleur était un peu trop claire à cause de la couleur blanche. Ensuite, je vais créer un vert plus foncé parce que dans cette zone aussi, il y a du vert foncé, du bleu-vert foncé. C'est pourquoi j' ajoute beaucoup de bleu à mon mélange par rapport aux autres, mais aussi du bois brûlé pour le rendre foncé. heure actuelle, je trouve que ma couleur était trop intense, alors je lui donne du rouge, qui est la couleur opposée au vert. Et puis nous aurons aussi une sorte de couleurs gris-vert. Nous allons donc pouvoir mélanger ces couleurs entre elles. Maintenant, je vais mélanger les couleurs de la fleur. Et comme nous l'avons vu, la farine est vraiment divisée en deux parties. Je vais donc commencer par les couleurs de la partie intense de la fleur. Et nous pouvons le constater à certains endroits. Eh bien, un rouge un peu plus clair que mon rouge permanent comme celui-ci ne serait pas trop mal. Ce serait une bonne idée. Ensuite, il y aura des zones où le rouge sera légèrement plus foncé que cela. Je prends donc mon rouge permanent, mais cette fois, je n' y ajoute pas de blanc. Au contraire, je vais ajouter du bois brûlé pour l'assombrir un peu Cependant, nous pouvons également remarquer qu'il existe des zones beaucoup plus sombres que celles de nos fleurs. Cette fois, je vais donc l'assombrir encore plus et lui donner un ton légèrement plus violacé en y ajoutant juste une petite touche de bleu outremer. Nous y voilà donc. Cette couleur plus foncée me convient vraiment bien, et nous pouvons créer une variation légèrement plus claire en ajoutant un peu de blanc. Oh OK, maintenant nous pouvons passer au mélange couleurs pour l'autre côté de la fleur, où nous pouvons voir que les couleurs sont beaucoup plus rougeâtres et violacées que sur le côté droit du pétale Alors, où que sur le côté droit, où nous avons des tons rouges plus intenses et plus vifs. Je vais donc faire ici la même chose que pour la couleur à côté. Je vais mélanger du bois brûlé et du bleu outremer à mon rouge, sauf que ma portion de bleu outremer serait plus importante pour lui donner un aspect violacé plus prononcé. Et nous y voilà. J'ai une couleur qui me va vraiment bien. Et à partir de celui-ci, je peux en créer d'autres plus clairs , par exemple en ajoutant du blanc. Enfin, je vais créer la couleur de fond car je vais créer la couleur de fond, et pour le sol, nous verrons cela plus tard. Enfin, je vais créer la couleur de fond car je vais créer la couleur de fond, et pour le sol, nous verrons cela plus tard. Pour la couleur de fond, je l'avais dit, j'aimerais avoir quelque chose d'un peu plus orange et d'un peu plus intense que ce que l'on peut voir sur la photo. C'est aussi la liberté que nous donne la peinture. Nous pouvons vraiment adapter le modèle et apporter les modifications que nous voulons sur notre toile. Je commence donc par ajouter une grande quantité de blanc car le fond reste assez clair. Donc, l'orange a été fait avec mon jaune et mon rouge et un peu de bleu pour le rendre légèrement moins intense qu' un orange vif. Maintenant, je remarque que ma couleur penche un peu trop vers le rouge et pas assez vers l'orange. J'ai donc pris plus de jaune pour le rapprocher de l'orange. Et petit à petit, je me rapprocherai de plus en plus de ma couleur cible. Ici, j'ajoute un peu plus de jaune pour me rapprocher à nouveau de ma couleur orange. Et à chaque fois, je vais faire des ajustements en fonction de ce que je vois sur ma palette. Par exemple, ici, je pense qu' il devrait être un peu plus foncé et que je dois réduire un peu la quantité de blanc. Pour cela, j'ai utilisé un peu de mes trois couleurs primaires, essayant de garder les mêmes proportions qu'avant. Et là, je pense que nous sommes assez proches de ce que j'aimerais avoir comme toile de fond. Encore quelques ajustements, peut-être un peu de buntebr pour le rendre légèrement plus brunâtre, puis nous serons prêts à commencer notre peinture Commençons donc notre travail, et je vais commencer par la peinture de l'amphore Je vais commencer par un gris légèrement moyen comme celui-ci, ce gris intermédiaire. Je commence par cela parce que c'est un gris qui fonctionne bien ensemble dans le sens où il couvrira une très grande surface. Ce sera le gris un peu dominant de mon amphore à de nombreux endroits Je vais donc essayer de l'appliquer à plusieurs endroits sur le côté droit, dans la partie inférieure, et il est également présent sur la partie supérieure et un peu sur le côté gauche de l'amphore Pour l'instant, je me concentre uniquement sur l'application de mes gris aux bons endroits Je commence par celui-ci, et je l'appelle le gris consensus dans le sens où c'est le gris dominant, et plus tard, il sera parfaitement possible de revenir et d'ajouter des textures aux revenir et d'ajouter des textures détails légèrement plus foncés ou légèrement plus clairs sans aucune difficulté. Donc, si j'avais commencé avec un gris plus foncé, il aurait été plus difficile d' avoir des détails plus clairs sur le dessus, et cela aurait pris plus Et il en serait de même si j'avais commencé avec un gris trop clair. Maintenant, je remarque sur la partie supérieure qu'il y a une zone qui est en fait un peu grande et beaucoup plus claire. J'ajuste donc le gris mon pinceau pour choisir celui qui est un peu plus clair. Et avec ce gris plus clair, je peux également en appliquer un peu dans la partie inférieure de mon papier, et nous le verrons également sur le côté droit. Sur le côté droit, il y a tout ce groupe qui est vraiment très léger. J'ai donc même rechargé ma palette avec du blanc pour avoir et pouvoir peindre correctement cette zone. J'applique donc mes couleurs et j'essaie les placer aux bons endroits pour m'assurer avoir les bonnes couleurs et les bonnes valeurs pour créer du volume et m'assurer que nous n' avons pas un simple cercle sur la page, mais un véritable objet tridimensionnel. Maintenant que j'ai une bonne base, je peux commencer à travailler dessus. Je choisis un gris légèrement plus foncé cette fois-ci, et j'observe sur la base que j'ai créée où le gris légèrement plus foncé peut être appliqué. Vous pouvez voir qu' il y en a un peu en bas, mais il y en aura aussi sur le côté droit. Nous aurons toute cette courbe, qui est important car c'est ce qui nous permettra de créer une tridimensionnalité et vraiment donner du volume à notre objet J'observe donc dans quelle direction il va, quels éléments nous pouvons voir où il va faire plus sombre que dans d'autres zones, etc. De cette façon, je suis en mesure de progresser et de donner vraiment de la profondeur à mon domaine. Il y a également une petite touche légèrement plus foncée sur la partie supérieure de l'amphore Je n'hésite donc pas à recharger mon pinceau si besoin dès que je constate qu'il ne fait plus assez foncé, mais veillez à ne pas trop charger votre pinceau et à bien étirer votre peinture pour que votre mélange soit plus facile Je peux maintenant retirer la peinture de mon pinceau car je pense avoir appliqué la majeure partie de la peinture nécessaire pour commencer à mélanger Et je vais mélanger les gris plus foncés que j'ai ajoutés au reste Je veux vraiment obtenir un résultat aussi naturel que possible. Ainsi, en mélangeant, en tamponnant doucement, j'ai réussi à rendre cette bande foncée visible et à lui donner un aspect complètement naturel, ce qu'elle se marie parfaitement avec le reste Tel est donc l'objectif. Dès que je constate qu'il y avait trop de peinture sur mon pinceau , qu'il s'était accumulé à cause de ce bâtiment, j'ai retiré la peinture de mon pinceau pour continuer Même s'il est vrai que je n'ai pas trop chargé mon pinceau au début lorsque j'ai appliqué ma couleur. Je ne me suis donc pas retrouvée avec des zones de peinture trop épaisses et je n'ai donc pas besoin de retirer la peinture toutes les 5 secondes. Ma zone est plutôt belle, mais je veux quand même l'améliorer un peu plus pour créer plus de volume. J'ai donc décidé d'ajouter à nouveau quelques éléments plus sombres parce que nous avons bien mélangé ou parce que les éléments se sont bien fusionnés Mais malheureusement, ils ne se sont toujours pas suffisamment démarqués à certains endroits. J'ai découvert que sur ma photo de référence, certaines zones étaient plus sombres que celles que j'avais. Alors j'y retourne simplement. Parfois, il faut le revoir plusieurs fois jusqu'à obtenir un résultat pleinement satisfaisant. C'est le cas ici. J'ai appliqué ces gris légèrement plus foncés, et bien sûr, comme je l'ai fait pour le reste, je les mélange avec quelques coups de pinceau ici et là, et j'obtiens ainsi un résultat plutôt satisfaisant De la même manière, je suis également en train de choisir une couleur plus claire et d' appliquer quelques petites touches ici et là pour renforcer les zones claires de mes informations, afin de vraiment créer encore plus de volume dans cette zone, et d'avoir un contraste vraiment bien défini entre cette zone où j'ai ajouté des éléments plus sombres et les touches plus claires que j'ajoute ici et là-bas. Encore quelques petites touches pour finaliser le travail dans ce domaine, puis ce sera fait Ensuite, nous pourrons passer à l'envers. Mais avant de travailler sur le dessus, j'ai vraiment envie de travailler sur cette partie supérieure de l'amphore, ce petit élément que l'on peut voir Pour la partie supérieure de l'amphore, laquelle je vais travailler dans un instant, car pour le moment, je suis en train de terminer quelques dernières petites touches sur ma zone centrale pour m'assurer que mes coups de pinceau ne sont pas visibles et que mes coups de pinceau ne sont pas visibles j'ai une bonne texture, c' est-à-dire une texture pour cette amphore où il n'y a pas vraiment de coups de pinceau qui vont plus dans un sens vraiment de coups de pinceau qui vont plus que dans l'autre Vous voyez, je garde ma main très souple avec le pinceau pour m'assurer que mes éléments se mélangent bien. Maintenant, je pense que tout va bien, et que nous pouvons passer à ce domaine, celui du haut dont je parlais, et travailler dessus. Je vais directement utiliser ce pinceau rond, un peu fin car cette zone n'est pas très grande, et je crains de ne pas être assez précis si je le travaille avec le pinceau plat . pliez, je commence par quelque chose de très clair, comme vous pouvez le voir, puis progressivement, au fur et à mesure que nous nous dirigeons vers la droite, il devient un peu plus sombre. Bien entendu, cela ne se produira pas brusquement. La transition se fera en douceur et nous devrons encore une fois procéder à un mélange, mais cette fois sur une très petite zone, nous devons donc être très précis pour y parvenir Comme vous pouvez le constater, je commence par appliquer ce gris très clair, puis je passe à quelque chose de gris moyen dans cette zone, et je vais essayer de bien le mélanger avec les autres éléments par la suite. Il y a aussi un petit détail intéressant. Il redevient un peu plus clair sur le côté droit, même si c'est le côté obscur. Nous l'avions déjà remarqué avec la partie inférieure de l'enfora, mais c'est visible ici aussi. Et il s'agit simplement de la diapositive reliée, de la lumière réfléchie. Dans cette zone, la lumière chauffe du côté gauche, mais bon, je veux dire, ce sujet, la lumière chauffe du côté gauche, mais à cause du sol ou du mur, la lumière se reflète ici. Nous nous retrouvons donc avec un petit élément comme celui-ci qui est un peu plus léger. J'ai expliqué cela plus en détail dans le cours de dessin, car lorsque vous dessinez, vous avez parfois envie d' imaginer ce que vous sans nécessairement dessiner à partir d'une photo de référence. Il est donc important de maîtriser et de comprendre le fonctionnement de l'ombre et de la lumière. C'est pourquoi j' aborderai cette question plus en profondeur dans le cours de dessin, si vous souhaitez y jeter un œil. Quand il s'agit de peindre, c'est vrai qu'on en a un peu moins besoin. Puisque le plus souvent nous travaillons à partir d'un modèle, qu'il s'agisse d'une photo ou d'un objet devant nous. Nous peignons donc davantage par observation que par imagination. Donc, avec ces gris, je m' assure qu'ils se mélangent bien. Et voici la ligne centrale qui est un peu plus foncée et qui se détache bien, et j'ai pu y ajouter quelques éléments plus sombres. Vous pouvez donc voir que dans ce virage, nous avons commencé avec une base gris assez foncé , puis nous avons ajouté quelques touches sombres supplémentaires. Maintenant, je peux passer à la peinture de l'ouverture que nous voyons. Nous pouvons voir en haut de l'amphore, il fera un peu sombre à certains endroits Je vais donc essayer d'être précis avec mon pinceau pour définir clairement les différentes zones d'ombre et de lumière que nous avons ici Nous allons maintenant peindre le côté gauche de l'amphore. Il s'agit d'une zone très grande et claire. Alors cette fois, je reprends mon gros pinceau plat, et je m'assure de bien étirer la couleur pour ne pas me retrouver avec de grosses taches de peinture difficiles à estomper. J'essaie donc toujours d'être précis, en m'assurant que la zone lumineuse reste bien définie là où elle doit être. Ensuite, je pourrai peindre juste à côté la zone qui sera un peu plus ombragée. De cette façon, mon travail sur les détails et le mélange sera plus facile Donc, pour le moment, je me concentre vraiment sur l'application des couleurs au bon endroit, en prenant mon temps pour m' assurer que ce sont les bonnes zones qui sont correctement couvertes. Pour la prochaine partie de cette peinture sur amphore, je vais accélérer un peu la vidéo, car c'est essentiellement la même chose que nous avons déjà faite Je dirais même que c'est un peu plus facile. Le côté droit m'a semblé un peu plus complexe. Continuons donc avec cette amphore. Et ici, je vais appliquer des couleurs légèrement plus foncées, et je vais redessiner du gris sur ma palette comme nous l'avons fait auparavant, mais un peu plus foncé parce que je veux que cette bande foncée ressorte vraiment Cette courbe sombre, je veux dire. Je commence donc par l'appliquer, définissant où il sera placé. Et une fois cela fait, je pourrai mélanger mes éléments pour m'assurer que cette bande foncée ait un aspect vraiment naturel comme sur le dessus Je le mélange donc légèrement avec quelques coups de pinceau ici et là, comme nous l'avons fait sur le dessus Et à chaque fois, je m'assure d'enlever la peinture qui s'est accumulée sur mon pinceau pour que mon mélange soit le plus lisse possible la partie inférieure, je dirais que je n'avais pas parfaitement défini le tracé de la courbe Je l'ajuste donc un peu en ajoutant des éléments plus sombres à cette section inférieure, comme vous pouvez le voir, et le bas de l'amphore est également un peu plus sombre J'ai donc ajusté cela également Mais dans l'ensemble, l'amphore commence vraiment à bien prendre forme Alors maintenant, il ne reste plus que quelques petits éléments à ajouter ici et là, puis cette partie sera terminée. Ensuite, nous pourrons passer à travailler sur la fleur qui se trouve au-dessus de l'amphore Et voici la fin et la fin. Donc, si vous n'avez pas encore terminé, prenez votre temps pour le faire correctement, et je vous verrai ensuite pour la peinture de la fleur. 13. Peinture de la fleur: Il est maintenant temps de travailler sur la farine, et je vais commencer par peindre la tige. C'est une tige globalement de lapin, et je vais commencer par appliquer ce vert clair que j'ai mélangé. Et en plus de cela, nous aurons des éléments légèrement plus sombres. Je suis donc en train de créer une base pour moi. J'ai essayé d'être assez précise pour éviter de trop m'étendre sur le fond, car sinon, il serait un peu difficile avec ma couleur orangée de masquer ce vert plus tard Ou bien, je devrai l' enlever avec un essuie-tout, un mouchoir en papier ou peut-être attendre que la tige soit complètement sèche avant de le remettre dessus. Mais ce n'est pas vraiment quelque chose que j'aimerais faire car j' aime vraiment que tous les éléments soient plus ou moins connectés. J'aime que ma peinture soit généralement fraîche pendant toute la composition. Je mélange donc ici un peu de vert foncé car sur la partie inférieure de la tige, on remarque petite touche de vert foncé. J'ajoute donc cela, et maintenant avec ce pinceau fin, j'utilise un pinceau rond et extrêmement fin. Je vais m'assurer d'ajouter quelques petites touches sombres ici et là pour améliorer l'apparence de ma tige et la rendre plus réaliste. Ce n'est pas beaucoup de travail sur cette tige, mais il est tout de même important de lui donner un aspect réaliste. Et pour cela, il s'agit d'ajouter quelques touches bien placées de différents greens ici et là. Maintenant, pour rester dans le vert, je vais peindre ce petit élément au-dessus de ma fleur. Ce que l'on remarque, c' est qu'elle est vraiment divisée entre une zone assez claire en haut à gauche et une zone beaucoup plus foncée à droite. Je vais donc m'assurer de l'appliquer également. Avant d'entrer dans les détails de cet élément où il y aura des pièces très précises, je m'assure d'appliquer la bonne couleur de base. Pour cela, j'utilise également ce burg car c' est un élément globalement très fin et je dois vraiment être précis. C'est pourquoi j' applique parfois mes couleurs avec un pinceau comme celui-ci. Et au fur et à mesure que j'applique ma couleur, vous remarquerez que je fais de petits traits pour qu'elle se fond très délicatement avec les bords et la couleur pour créer une sorte de mini-effet de mélange dès le départ Je vais maintenant mélanger une couleur légèrement jaune, mais dans l'ensemble extrêmement claire, donc avec une grande quantité de blanc pour peindre ces petits points que l'on peut voir ici et là sur cet élément. Pour cela, j'ai plutôt commencé avec une base jaune, j'ai légèrement assombrie avec du bois brûlé et du rouge, ce qui l'a rendu un peu orangé Ce que nous pouvons remarquer à propos de ces petits détails, c'est que nous n' aurons pas la même valeur pour tous les petits points que nous allons avoir. Je vais donc commencer par ceux du côté gauche, qui sont extrêmement légers. Mais pour le pot de droite, il faudra qu'il soit un peu plus foncé, donc je vais ajuster ma couleur. Même avec de tels détails, il est important d'ajuster soigneusement la valeur, car ce il est important d'ajuster soigneusement sont des détails qui sortent vraiment du lot. Et si nous les rendons trop légers, ils se démarqueront malheureusement trop et cela n'aura pas l'air naturel. Vous pouvez également remarquer que sur la tige située en haut de la tige, j'ai laissé un peu d'espace car vous pouvez voir qu'elle est légèrement rougeâtre et pour créer un lien avec la fleur, je n'ai pas voulu la peindre directement en vert Maintenant, je peux continuer et le peindre. Et pour cela, comme vous pouvez le voir sur ma palette, je crée une nouvelle couleur, une sorte de rouge légèrement verdâtre Et de cette façon, il se mariera bien avec ma tige, comme vous pouvez le voir. Passons maintenant à la peinture de la fleur. Nous allons commencer par cette zone où le rouge est assez intense. Vous remarquerez que j'ai fait un dessin assez précis pour séparer les différentes zones rouges que nous allons peindre. Je commence par ce rouge en haut, qui est un peu plus foncé que les autres zones que nous allons peindre par la suite. J'utilise un pinceau assez fin car c'est une zone qui demande une bonne dose de précision. J'essaie donc d'appliquer ma couleur avec soin, et surtout dans un endroit comme celui-ci, je veille à ne pas surcharger mon pinceau. Sinon, il pourrait être difficile de faire en sorte tous les éléments se mélangent bien les uns aux autres. Je peux également appliquer de la peinture sur la partie supérieure ici. Sur ce petit détail de la fleur, le petit pli, vous remarquerez que tout le long du bord, il y a cette zone un peu plus foncée, et je l'ai ajoutée également, comme vous pouvez le constater. Ce ne sera pas la seule valeur dans cette zone. Juste à côté, il y a une zone légèrement plus claire que j'applique en ce moment. Lorsque vous travaillez dans des domaines comme celui-ci, vous ne devriez vraiment pas hésiter à utiliser un pinceau fin comme celui-ci, un pinceau très fin, même si cela prend un peu plus de temps. Sinon, si vous n' utilisez pas un pinceau comme celui-ci, il devient très difficile d' être précis et d' appliquer correctement les couleurs tout en respectant les différentes zones dédiées à chaque teinte. Ensuite, nous allons pouvoir ajouter un peu plus de détails à cette partie que nous venons de peindre. Donc, ce que je fais ici, c'est passer revue tout le bord que nous avons peint avec quelque chose d'un peu plus foncé, car vous pouvez voir que c' est comme ça et qu'il ressort le plus. Ici, avec mon pinceau de détail, j'ai essayé de marquer tous les éléments les plus sombres de la zone, et cela apparaît sous forme de petites lignes, petits ajouts ici et là. Parfois, de petits points aident à les inclure et à créer une meilleure texture florale. Maintenant, à côté de ces éléments plus sombres que j'ai peints, je prends ma couleur plus claire, et je vais appliquer quelques détails plus clairs. Comme vous pouvez le constater, nous avons ces touches beaucoup plus légères qui aideront notre élément à se démarquer. Je les ai donc prises, et délicatement, j'essaie de les placer avec soin, en veillant à ce qu'elles ne se mélangent pas trop avec la couleur que j'avais déjà appliquée en dessous J'ai donc vraiment essayé de travailler avec le bout de mon pinceau. Ensuite, nous pouvons passer à la zone ci-dessous. Et ce que je vais faire pour cette fleur, c'est essayer de progresser zone par zone. J'ai travaillé sur cette première zone en haut, et maintenant nous pouvons distinguer une autre zone en bas. Je vais donc travailler sur celui-ci également. Et de cette façon, je pourrai réaliser une peinture vraiment réaliste. Et l'avantage de travailler ainsi zone par zone, c'est que vous pouvez vraiment voir la fleur se développer sous vos yeux. Cela prend vraiment vie et devient vraiment réaliste étape par étape, un domaine à la fois. Donc, ici, vous pouvez remarquer qu'il y a un léger changement de couleur, le rouge devenant un peu plus violacé J'ai donc pris ce rouge légèrement violacé que j'avais et je éclairci avec du blanc pour l'appliquer ici dans Et maintenant, pour vraiment terminer cette partie, je vais ajouter ces éléments plus sombres que nous pouvons voir. Ces éléments de détail que j' ajoute sont assez irréguliers. On ne peut pas vraiment dire qu'ils ressemblent à quelque chose de spécifique. Ce ne sont que de petits points ici et là, il ne faut donc pas trop y réfléchir lorsque vous les peignez. Essayez d'observer les zones où vous pouvez voir des éléments comme celui-ci, puis ajoutez-les , faites quelques touches ici et là. Mais ce n'est pas un problème si ces petits détails dans des zones comme celle-ci ne ressemblent pas exactement à 100 % à ce que vous voyez sur la photo de votre restaurant. Le simple fait d'ajouter quelques touches plus sombres comme celle-ci sera largement suffisant pour créer une zone réaliste pour votre farine. Encore quelques petits éléments à ajouter ici et là dans cette zone, et c'est chose faite. Et nous allons pouvoir passer à la partie suivante. Pour la prochaine, puisque nous sommes maintenant habitués à peindre cette fleur et que nous avons vraiment maîtrisé la peinture, nous pouvons aller un peu plus vite et peindre cette plus grande surface en une seule fois. Je vais donc commencer par appliquer ma couleur sur toute la surface, puis nous avons eu les détails et y avons travaillé comme nous l'avons fait jusqu'à présent. Ici, j'ai clairement défini ces zones avec un rouge légèrement foncé et vif, et maintenant je vais peindre entre elles. Je remarque donc que nous avons un rouge légèrement rosé, un peu plus clair. J' applique donc délicatement, et j'utilise ce pinceau assez fin que, lorsque j'applique ma couleur, je puisse également essayer de la mélanger très doucement avec la couleur qui l'entoure. Nous obtenons ainsi un résultat réaliste avec des éléments plus ou moins connectés les uns aux autres. Puis je remarque qu'au fur et à mesure que nous nous dirigeons vers le bord, il y a une courbe légèrement plus foncée, encore plus foncée à certains endroits. Je vais donc devoir ajouter ces détails un peu plus sombres pour que tout ressorte vraiment, et je le ferai par la suite. Il est maintenant temps de passer à la phase de détail. Comme nous l'avons fait auparavant, je vais observer où je peux voir quelques petits motifs ici et là, plus ou moins sombres, mais encore une fois, essayez de regarder attentivement où se trouvent ces éléments, puis appuyez légèrement sur la touche en tapotant légèrement en ajoutant quelques touches plus sombres ici et là. Cela devrait suffire à rendre mes éléments plus réalistes. Ici, je vais ajouter quelques lignes légèrement plus foncées au bas de mon pétale et également dans la zone centrale pour le faire ressortir davantage Je dois aussi vraiment faire ressortir le bord supérieur qui est plus clair Je vais donc recharger mon pinceau avec ce rose et travailler sur le bord pour m'assurer qu'il ressorte bien Ensuite, ce sera fait, et nous pourrons passer à la zone suivante de cette fleur, cette zone pourpre rougeâtre, qui est nettement plus foncée et qui créera un réel contraste avec cette première partie de Pour cette nouvelle fleur, nous allons travailler à peu près de la même manière que pour la première partie. C'est-à-dire que nous travaillerons zone par zone, car je crains que si nous décidions, par exemple, de traiter l' ensemble de la zone en une seule fois, cela ne soit un peu compliqué car il y a beaucoup de petites sections qui nécessitent beaucoup de précision avec valeurs très différentes les unes des autres. Donc, si je disais, par exemple, « OK, je vais tout peindre avec une base foncée, puis appliquer des touches plus claires sur le dessus », je crains que les touches les plus claires ne ressortent pas assez. Et d'un autre côté, si nous avions dit : « Peignons tout avec une couleur claire, Peignons tout avec puis ajoutons les touches les plus foncées sur le dessus », je crains qu'il ait fallu beaucoup de temps pour vraiment faire ressortir ces touches sombres, car elles se fondraient trop dans la base plus claire, et nous aurions dû les revoir plusieurs fois. Je pense donc que cette méthode est la meilleure approche, ce qui signifie que nous essaierons d'aller dans un domaine à la fois, en étant vraiment aussi précis que possible à chaque fois. C'est-à-dire que j'ai commencé par appliquer et travailler sur les éléments les plus sombres, puis juste à côté d'eux, je place la zone la plus claire et ainsi de suite. Je vais donc essayer de continuer comme ça car comme je le disais, cela me semble être la meilleure stratégie. Donc à chaque fois je vais essayer d'être précis avec mon pinceau pour appliquer la bonne couleur dans chaque zone. Et comme vous pouvez le voir sur ma palette, j'ajuste constamment mes couleurs pour m'adapter et m' assurer que la couleur est correcte et correspond à ce que je veux avoir dans mon modèle, car il est vrai que nous avons ce que nous voyons sur la palette, mais lorsque nous l' appliquons et que nous voyons à quoi cela ressemble réellement sur le papier, il y a parfois une légère différence qui nous fait réfléchir ma couleur n'est pas tout à fait correcte, je dois l'ajuster. Euh, je sais que cette partie demande beaucoup de précision et de patience, mais c'est vraiment là que tout se combine. Prenez votre temps, observez attentivement les variations de couleur en solo et souvenez-vous que ce sont précisément ces petits détails qui donneront vie à votre fleur. Même si vous avez l'impression de progresser lentement, chaque coup de pinceau est un pas avant vers le résultat final Pensez-y de cette façon. Chaque détail que vous ajoutez maintenant renforce la qualité globale de votre peinture. Et même si cela peut parfois être un peu fatiguant, c'est aussi dans des moments comme celui-ci que vous progressez le plus dans votre technique et dans vos capacités d'observation Alors respirez profondément, détendez votre main et profitez du processus. C'est exactement le genre de travail soigné qui vous aidera à améliorer vos futurs tableaux. Plus vous investissez de temps ici, plus vous aurez confiance en vos prochaines œuvres. Considérez cette étape comme une véritable formation artistique. Aujourd'hui, non seulement vous fabriquez votre fleur, mais vous développez également votre instinct de peintre. Alors restez concentré, continuez à profiter du processus de peinture et avancez calmement et petit à petit. Lorsque nous travaillons zone par zone de cette façon, cela peut sembler un peu lent, mais c'est vraiment le meilleur moyen d'être précis et d'obtenir un résultat réaliste. Vous contrôlez bien mieux la transition chromatique et vous commencez vraiment à comprendre comment la lumière interagit avec votre sujet Même si vous avancez lentement, ce qui compte, c'est la cohérence. Pensez-y comme si vous construisiez un puzzle pièce par pièce. Chaque élément s'adapte et, petit à petit, l' ensemble du tableau se met en place. C'est également en travaillant de cette façon que vous aiguisez votre sens artistique et que vous apprenez à anticiper les valeurs et le contraste avant même de placer la couleur sur la toile Ne testez donc pas cette journée pour ajuster vos mixages au fur et à mesure. Il est parfaitement normal que la couleur de votre palette et celle de votre toile présentent une légère différence. Alors adaptez, testez et corrigez. Et c'est exactement le processus qui vous permet de vous améliorer. Et surtout, n'oubliez pas que la patience que vous investissez aujourd'hui vous permettra d'être plus rapide et plus confiant dans vos futurs tableaux. H Maintenant, je vais mélanger un rouge légèrement intense à appliquer tout le long du bord de ma fleur. Vous pouvez remarquer qu'il y a quelques petits éléments qui sortent vraiment du lot, et c'est sur ceux-ci que j'ai envie de travailler. Je vais donc commencer par appliquer ce rouge, puis ensuite, je pourrai ajouter une touche légèrement plus foncée sur le dessus et quelques marques plus claires également. Quant au reste de la fleur, je ne l'ai pas filmée car il s'agit essentiellement du même processus que celui que nous avons déjà fait pour cette première partie supérieure Donc, accrochez-vous là, vous l'avez. C'est la même approche qu'avant, puis nous nous retrouverons pour peindre le fond, ce qui changera vraiment l'apparence de notre peinture, ou du moins je l'espère. Alors je te verrai dans un moment. 14. Painting of the background: Passons à la peinture du fond. Et pour le fond, ce que nous remarquons, c'est que nous allons avoir une touche légèrement plus claire de ce côté ici. Donc, pour cette partie lumineuse, je pense que cette couleur fera l'affaire. Cependant, pour le reste, je trouve ma couleur un peu trop claire, donc je vais l'assombrir en réduisant la quantité de blanc Concrètement, j' ajoute un peu des couleurs j'ai utilisées pour créer mon mix initial, sauf que cette fois, je n'ajoute pas de blanc De cette façon, j'obtiendrai quelque chose de plus sombre tout en gardant à peu près le même ton. J'ai donc principalement ajouté une bonne quantité de jaune, car je me suis rendu compte qu'il n'y en avait pas assez. Et je peux aussi ajouter un peu de bleu pour le rendre un peu moins intense. Brûlez donc aussi du bois, ce qui contribue à bien l'assombrir Maintenant, je vais commencer, et la première chose que je vais faire est de peindre tout le bord de l'amphore, le bord de la fleur également Cette approche me permet de sécuriser la zone, ce qui signifie que plus tard, lorsque je travaillerai sur le fond avec mon pinceau plat et que j'appliquerai des traits larges pour peindre de grandes surfaces, je disposerai d'une sorte de barrière protectrice qui réduira considérablement le risque de débordement sur l'amphore De cette façon, je le préserve de tout accident. C'est donc ce que je vais faire. Je vais peindre autour de tous mes éléments, puis nous nous reverrons une fois que ce sera fait pour terminer le fond et peindre toutes les zones. J'ai peint sur tous les bords, et maintenant je vais appliquer le reste de mon arrière-plan. Je vais donc peindre de grandes surfaces. Je vais commencer par appliquer la couleur la plus claire comme celle que l'on peut voir sur le côté, il est vrai que la différence valeur est plus perceptible dans ma peinture, mais ensuite j'ajouterai quelques touches légèrement plus foncées dans cette zone, qui rendra le contraste un peu moins prononcé. Sur le côté, je peux également appliquer la couleur la plus claire. Il y en a aussi un peu dans cette zone au milieu de l' amphore, juste ici Je peux donc commencer par le faire, puis nous appliquerons mon autre couleur plus foncée. Lorsque j'applique ma couleur, pour peindre de plus grandes surfaces comme celle-ci, j'essaie évidemment de bien l' étaler pour que les éléments se marient bien entre eux par la suite. J'utilise des coups de pinceau larges, et surtout, je ne surcharge pas trop mon pinceau pour qu'il s'étale plus facilement, et je ne me retrouve pas avec d'épaisses taches de peinture Lorsque je suis à la jonction de ces deux zones de couleurs différentes, je fais plusieurs mouvements de va-et-vient avec mon pinceau pour m'assurer qu'elles se mélangent bien. Et je vais de haut en bas, parfois de bas en haut et aussi de gauche à droite, parfois. L'essentiel pour moi est de m'assurer que l'arrière-plan soit assez lisse et que les coups de pinceau soient aussi invisibles que possible De cette façon, j'obtiendrai le résultat le plus harmonieux possible. L'objectif est également de faire en sorte que la transition entre ma couleur claire et ma couleur foncée soit vraiment subtile afin qu'elle soit à peine perceptible. Vous avez peut-être aussi remarqué il y a un moment que lorsque je remarque qu'il y a trop de peinture accumulée sur mon pinceau, je l'essuie avec un mouchoir puis je poursuis le processus. Maintenant, je vais faire la même chose de l'autre côté. Il n'y a donc rien de particulier à vous dire. Prenez le temps de travailler sur votre arrière-plan la même manière que sur le côté gauche, puis nous nous retrouverons pour peindre le sol du bol ou de la table. Je ne sais pas exactement sur quoi est placé le cenfora Voici donc mon arrière-plan maintenant terminé, et maintenant nous allons mélanger nouvelles couleurs pour la surface sur laquelle l'amphore est posée Donc, ce que je vais faire, c'est partir des gris que j'ai initialement mixés pour l'amphore Mais cette fois, je vais les rendre un peu moins intenses et donc un peu moins bleutés. Comme la couleur complémentaire du bleu est l'orange, je les ajoute beaucoup plus de rouge et de jaune pour obtenir quelque chose qui semble moins bleu et qui contraste bien avec mon amphore Nous voyons donc la différence entre l'amphore et le sol sur lequel est posée l'amphore Je vais commencer par appliquer ma couleur sur le côté gauche. Vous pouvez voir que sur le côté gauche, nous avons des éléments un peu plus foncés par rapport à la zone centrale où il y aura une lumière assez forte. Ce qui est également remarquable, c'est que le long du bord de l'amphore, il y a des éléments légèrement plus foncés, donc je vais essayer de les faire ressortir un peu plus Puis, au fur et à mesure que nous nous déplaçons vers la gauche, cet effet s'estompe légèrement, et lorsque nous atteignons la zone centrale, il sera particulièrement lumineux Pour cette section, j'ai un peu accéléré la vidéo car dans l'ensemble, elle n'est pas très complexe C'est la même approche que pour la zone d'arrière-plan. Donc, pour toute cette partie inférieure, c'est le même processus, et je l'ai un peu accéléré Nous verrons ensuite comment gérer l'ombre projetée par l'amphore, qui est assez prononcée et qui nous donnera quelques détails intéressants sur lesquels travailler Nous y reviendrons dans un instant une fois que cette section inférieure sera terminée. Pour cette partie de l'ombre que j'ai mentionnée plus tôt, l'ombre de l'amphore, je suis en train d' ajuster légèrement mon gris De la même manière que je l'ai fait pour les zones claires, sauf que cette fois, c' est un gris plus foncé. De cette façon, j'obtiendrai un gris plus chaud penchant davantage vers quelque chose d'un peu brunâtre comme ce que nous pouvons voir sur notre photo de référence Je commence donc par appliquer ma couleur dans la zone, puis je remarque que nous n' aurons pas la même valeur de gris sur toute l'ombre. Certaines zones seront beaucoup plus légères, nous devons donc nous assurer de les mettre également en valeur. Dans l'ensemble, ce que je vais essayer faire, c'est vraiment créer un mélange entre cette ombre assez grande et la surface sur laquelle repose l'amphore Je vais créer ce mélange de la même manière que je l'ai fait pour la transition au sein de l'amphore elle-même, ou pour les rangées, toujours en donnant petits coups de pinceau délicats ici et là Je m'excuse donc. J'ai été un peu imprudente ici parce que dans ce domaine, j'oubliais de m'éloigner à chaque fois que je travaillais suis vraiment désolée pour cela Mais vous pouvez toujours voir ce qui a été fait. Et c'étaient des éléments sur lesquels nous avions déjà beaucoup travaillé. Je ne doute donc pas que vous y arriverez très bien. Nous passons maintenant à la touche finale, et je vais ajouter les derniers détails. Parmi ces détails, nous avons l'ombre juste sous l'amphore, qui est une ligne assez foncée et prononcée avec une légère touche d'orange puis un peu de gris Et, bien entendu, une fois que je l'aurai appliqué, je veillerai à le mélanger correctement pour créer une transition en douceur avec la surface sur laquelle repose l' amphore Je vais devoir revenir au brun de ma palette pour les derniers détails, puis la palette devra être mise de côté car elle me gêne pour les dernières touches à ajouter, et je dois être très précise. C'est vraiment l'étape finale avec les derniers détails qui contribueront vraiment à faire ressortir encore plus ma pièce. Ce que vous pouvez remarquer, c'est que tout autour de l'amphore, il y a des marques légèrement plus foncées qui font ressortir l'amphore encore Vous pouvez le voir à plusieurs endroits, je vais donc les ajouter, en gardant à l'esprit que cela m' aidera vraiment à améliorer mon amphore et à lui donner un aspect tridimensionnel encore plus fort Et d'un autre côté, c'est l' effet légèrement gris que j'accentue. J'ai ajouté quelques touches de gris plus foncé, ce qui contribuera également à donner à mes informations un aspect encore plus tridimensionnel Il s'agit donc d'un tout petit détail, mais il est important. C'est ainsi que se terminera ce tutoriel. Et nous voici arrivés à la fin de ce tutoriel sur la peinture de l'amphore avec cette magnifique fleur Il s'agissait du projet final visant, bien entendu, à apprendre les bases de la peinture. J'espère sincèrement que vous apprécierez chaque étape et que cela vous aidera à vous améliorer et à renforcer votre confiance en vous. Continuez à vous entraîner, explorez d'autres sujets car c'est par la répétition que l'on fait de réels progrès. Merci donc beaucoup d'avoir suivi ce cours avec moi, et à très bientôt pour de nouvelles aventures créatives.