Peindre un coquillage à l'aquarelle : forme, lumière et texture

1. Bienvenue au cours !: Bonjour, tout le monde. Je m' appelle Will Elliston Et aujourd'hui, nous peignons une nature morte à l'aquarelle Ce qui rend ce sujet si gratifiant, c'est son élégance discrète. Une forme unique, une source de lumière claire et une belle interaction entre les zones chaudes éclairées par le soleil et les ombres environnantes froides La structure en spirale nous donne du rythme. Les arêtes créent une texture subtile, et la longue ombre projetée ancre l'ensemble de la composition avec drame et simplicité Nous explorerons les vitrages doux, les transitions douces et une palette limitée qui laisse la température et la valeur agir. Il est calme, concentré et faussement riche en leçons Je suis artiste professionnel depuis de nombreuses années, explorant de nombreux sujets différents, tels que la faune et les portraits, les paysages urbains et les J'ai toujours été fasciné par les possibilités de l'aquarelle Mais quand j'ai commencé, je ne savais pas par où commencer ni comment m'améliorer. Je ne savais pas de quel matériel j'avais besoin, comment créer les effets que je voulais, ni quelles couleurs mélanger. Aujourd'hui, j'ai participé à de nombreuses expositions dans le monde entier, figuré dans des magazines et j'ai eu la chance de remporter des prix décernés des organisations réputées telles que l'International Watercolor Society, la Masters of Watercolor Alliance, Windsor and Newton et la SAA L'aquarelle peut être bouleversante pour ceux qui débutent, c'est pourquoi mon objectif est de vous aider à vous sentir détendu et à apprécier ce médium étape par étape. Aujourd'hui, je vais vous guider à travers une peinture complète, démontrant diverses techniques et expliquant comment j'utilise toutes mes fournitures et tous mes matériaux. Que vous soyez débutant ou que vous ayez déjà de l'expérience, vous serez en mesure de suivre votre propre rythme et d'améliorer vos compétences en aquarelle Si ce cours est trop difficile ou trop facile pour vous, j'ai une variété de cours disponibles à différents niveaux de compétence. J'aime commencer par une approche expressive libre, sans crainte de faire des erreurs, lorsque nous créons des textures passionnantes pour la sous-couche Au fur et à mesure que la peinture progressera, nous ajouterons plus de détails pour lui donner vie et la faire ressortir. Je m'efforce de simplifier les sujets complexes en faire des formes plus faciles qui encouragent l'espièglerie Tout au long de ce cours, je partagerai de nombreux conseils et astuces. Je vais vous montrer comment transformer les erreurs en opportunités, éliminant le stress lié à la peinture pour vous amuser. Je vous fournirai également mes tableaux de mixage d'aquarelles, qui sont un outil précieux pour choisir et mélanger les couleurs Si vous avez des questions, vous pouvez les poster dans le fil de discussion ci-dessous. Je ne manquerai pas de lire et de répondre à tout ce que vous publiez. N'oubliez pas de me suivre sur Skillshare en cliquant sur le bouton Suivre en haut de la page Cela signifie que vous serez le premier à savoir quand je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux Vous pouvez également me suivre sur Instagram chez Will Elliston pour voir mes derniers travaux Alors, commençons et découvrons la beauté cachée dans cette coque simple. 2. Votre projet: Merci beaucoup d'avoir rejoint ce cours aujourd'hui. Cette peinture est une excellente occasion de ralentir et de profiter du côté plus calme de la peinture à l'aquarelle Plutôt que de nous fier à de nombreux objets ou à des couleurs éclatantes, nous nous concentrons sur de petits changements de ton, de température et de texture. La coque offre une agréable sensation de mouvement dans sa spirale, tandis que les arêtes captent la lumière d'une manière à fois naturelle et sculpturale Autour, le doux lavis environnant et les ombres fortes créent un contraste sans bruit. Le but n'est pas d' exagérer, je pense, mais de laisser des décisions subtiles construire une peinture calme, lumineuse et complète Dans la section des ressources, j'ai ajouté une image en haute résolution de ma peinture terminée pour vous guider. Vous pouvez suivre exactement ma peinture ou expérimenter votre propre composition. Comme nous allons nous concentrer sur l'aspect peinture de l'aquarelle, j'ai fourni des modèles que vous pouvez utiliser pour transférer ou tracer le croquis avant de peindre Il est bon de le tracer lorsque vous l'utilisez comme guide pour apprendre à peindre. Il est important que le sous-dessin soit correct afin que vous puissiez vous détendre et vous amuser en apprenant le médium de l' aquarelle lui-même Quelle que soit la direction que vous prenez dans ce cours, serait formidable de voir vos résultats et les peintures que vous créerez grâce à ce cours. J'adore donner des commentaires à mes étudiants, alors prenez une photo par la suite et partagez-la dans la galerie de projets étudiants sous l'onglet projets et ressources. Je suis toujours intriguée de voir combien d'élèves ont des approches différentes et comment ils progressent dans chaque classe J'aimerais connaître votre processus et ce que vous avez appris en cours de route, ou si vous avez rencontré des difficultés. Je vous recommande vivement de regarder travail de chacun dans la galerie de projets des étudiants. C'est tellement inspirant de voir le travail de chacun et extrêmement réconfortant de bénéficier du soutien de ses camarades de classe N'oubliez donc pas d'aimer et de commenter le travail de chacun. 3. Matériel et fournitures: Avant de dessiner cet enfant, examinons tout le matériel et fournitures dont vous aurez besoin pour peindre dans le cours d'aujourd'hui. Le fait de disposer des bons matériaux peut un impact considérable sur le résultat de votre œuvre d'art. Je vais donc passer en revue toutes les fournitures que j'utilise pour ce cours et au-delà. Ils sont très utiles à avoir à votre disposition et vous faciliteront le suivi. Commençons par les peintures elles-mêmes. Et comme la plupart des matériaux que nous utiliserons aujourd'hui, cela dépend en grande partie des préférences. J'ai 12 couleurs stables dans ma palette que je remplis à partir de tubes. Ils sont jaune cadmium, jaune ocre, sienne brûlée, rouge cadmium, rouge d'Alizarine, bleu Opraarne, bleu cobalt, bleu serléen, lavande, violet, vidian, noir Et à la fin du tableau, j'utilise souvent de la gouache blanche pour les petits reflets Je n'utilise aucune marque en particulier, ces couleurs peuvent être obtenues de n'importe quelle marque, même si j' utilise personnellement les peintures Daniel Smith, Windsor and Newton ou Holbein Passons donc aux pinceaux. Le pinceau que j'utilise le plus est un pinceau rond synthétique comme ce pinceau Escoda Purl ou ce pinceau Van Ils sont très polyvalents car non seulement vous pouvez les utiliser pour des travaux détaillés avec leur pointe fine, mais comme ils peuvent contenir beaucoup d'eau, ils conviennent également aux laveuses Ils sont également assez abordables, j' en ai donc pas mal de tailles différentes. Viennent ensuite les brosses à balai. Les pinceaux à balai sont parfaits pour les coups de pinceau larges, remplir de grandes surfaces et pour créer des transitions ou des lavages en douceur Ils ont également un joli embout qui peut être utilisé pour les petits détails. Mais pour les plus petits détails, les reflets ou tout ce qui demande plus de précision, j'utilise un pinceau synthétique de taille zéro. Toutes les marques en ont, et ils sont super bon marché. Un autre pinceau utile est un pinceau de calligraphie chinoise Ils ont tendance à avoir de longs poils et une pointe très pointue. Ils sont parfaits pour ajouter de la texture ou créer des lignes dynamiques dans vos peintures. Vous pouvez même les étaler ainsi pour obtenir des textures de fourrure ou de plumes Et c'est tout pour les pinceaux. Sur du papier. votre papier est de qualité, plus il sera facile à peindre. Le papier bon marché craque facilement et est très impitoyable, ne vous permettant pas Il est plus difficile de créer des effets attrayants et appliquer des techniques utiles comme le frottement des pigments. Cependant, le papier de bonne qualité, tel que le papier à base de coton, vous permet non seulement de retravailler les erreurs plusieurs fois, mais comme le pigment réagit beaucoup mieux, les risques d' erreur sont beaucoup plus faibles et vous aurez plus de chances faibles et vous aurez plus créer de meilleures peintures J'utilise du papier Arches parce que c'est ce que l'on trouve dans ma boutique d'art locale. Un jet d'eau est absolument indispensable. En l'utilisant, vous aurez plus de temps pour peindre les zones que vous souhaitez avant qu'elles ne sèchent. Cela vous permet également de réactiver la peinture si vous souhaitez ajouter une ligne lisse ou enlever de la peinture J'ai aussi un vieux chiffon ou t-shirt que j'utilise pour nettoyer mon pinceau Nettoyer la peinture avant de la plonger dans l' eau prolongera la durée de vie de l'eau Il est toujours utile d' avoir un mouchoir en papier lorsque vous peignez pour enlever l'excédent de peinture De plus, vous ne savez jamais quand éclaboussures ou des gouttes indésirables peuvent se produire et qu'il faut les essuyer rapidement. J'ai également un compte-gouttes pour garder les peintures humides. Lorsque vous peignez, il est important que leur consistance soit similaire à celle des tubes. De cette façon, il est plus facile de prélever suffisamment de pigment. Un sèche-cheveux est utile pour accélérer le temps de séchage et contrôler l' humidité du papier. Et enfin, du masking tape. Bien entendu, il s'agit simplement de maintenir le papier immobile sur surface pour l'empêcher de glisser pendant que vous peignez. De plus, si vous prévoyez de peindre jusqu'au bord, nous vous permettrons de créer une bordure très nette et propre. Et c'est tout ce dont vous aurez besoin pour peindre dans le verre d'aujourd'hui. Maintenant, commençons et dessinons cette coque. 4. Preparing The Composition: Lorsque je dessine un sujet comme celui-ci, je veux que les choses restent très simples pour commencer. Je n'essaie pas de décrire toutes les arêtes ou toutes les textures cassées de la coque. À commencer par une simple forme ovale. Pour établir d'abord les grandes formes. Parce que si la structure globale est correcte, les informations les plus petites ont un endroit sensé où vivre et un moyen plus simple de les organiser. Et si la forme la plus grande est fausse, alors tous les petits détails que nous passons du temps à définir ne la sauvegardent pas. En fait, ils seront incorrects par nature. Je commence donc par examiner le contour extérieur, la silhouette générale de la coque, et il est utile de le considérer comme quelques grandes sections plutôt que comme un contour compliqué. C'est pourquoi j'aime créer quelques grandes formes, je les relie par des lignes tourbillonnantes. Il y a une sorte d' ouverture pointue sur la droite, un corps arrondi plus large au milieu, puis la spirale se rétrécissant vers la gauche Si je peux placer correctement ces trois idées, j'ai déjà une base solide. Et c'est l'une des habitudes utiles du dessin en général. Mais surtout dans les natures mortes, vous vous demandez peut-être à quel point je peux à peine voir les lignes en ce moment, et c'est intentionnel parce que je dessine de la lumière, et je le fais pour pouvoir facilement effacer ou corriger. Je reviendrai plus tard avec des lignes plus dures avec un crayon différent, et elles seront alors beaucoup plus claires. vois, j'ai échangé mon crayon, et maintenant je peux entrer dans une définition un peu plus précise Malgré cela, la tentation, avec une coque en particulier, est de s'enfoncer directement dans la spirale et dans toutes les petites rainures car c'est ce qui attire l'attention en premier. Mais en réalité, il ne saisit cette section que parce qu' il se trouve dans une forme plus grande. Donc, une fois que j'ai établi cette grande forme, je pourrai passer aux sous-sections Je voudrais également réfléchir à cette inclinaison. La coque n'est pas parfaitement plane ou mécaniquement horizontale Il est traversé par ce léger mouvement diagonal qui suit l'ombre, cette attraction directionnelle qui donne à la composition une sorte de fluidité. Je suis donc consciente de cet angle car si je le rends accidentellement trop droit ou trop plat, l'ensemble du tableau peut sembler un peu moins naturel. Maintenant que la forme extérieure est en place, je commence à suggérer les principales divisions au sein de la coque. Je ne dessine toujours pas toutes les arêtes dans leur intégralité. J'essaie juste de comprendre comment les formes plus grandes s'enroulent autour du corps. La coque est en fait une séquence de bandes tournantes. Certains captent la lumière. Certains se déplacent dans l'ombre, d' autres se chevauchent Et le dessin est simplement là pour m'aider à comprendre cette structure lorsque je présente la peinture. Donc, je ne vais même pas donner certains détails uniquement ceux qui sont pertinents à titre de guide. J'ai déjà dessiné ma forme d' ombre, belle et ample, mais il y a un moment où je dois prendre conscience de placer cette ombre projetée car même s' il ne s'agit que d'une ombre, il s'agit d'une forme majeure. Et je ne veux pas le laisser au second plan, car cela aide à la composition Je le place donc assez tôt légèrement et tout simplement. Il s'étire vers la gauche selon une forme triangulaire assez large , puis s' adoucit et s'élargit au fur et à mesure qu'il s'éloigne Je n'ai pas besoin de dessiner parfaitement chaque arête à ce stade. Je veux juste savoir où il se situe par rapport à la coque, car cette relation entre l'objet et l'ombre est très importante. Ce n'est pas juste un espace vide. Cela fait partie du design et de l'architecture du tableau. 5. Commencer très facile.: Donc, pour commencer la peinture de la manière la plus simple possible, je vais juste prendre un gros pinceau et utiliser de l'eau pure juste pour mouiller le fond. Et je peins partout, sauf le coquillage. Vous pouvez même peindre la zone d'ombre. Je le fais parce que nous allons commencer par peindre le fond. L' arrière-plan sera plus sombre à certains endroits que la coque. Nous voulons transmettre une agréable sensation de lumière sur la coque. Pour ce faire, nous devons assombrir certaines zones de l' arrière-plan, afin de peindre négativement la coque. Et pourquoi mouiller le papier au départ nous donne plus de liberté C'est plus indulgent et les coups de pinceau sèchent moins coups de pinceau avant que nous ne soyons prêts Techniquement, il est toujours possible de commencer à peindre le fond avec du pigment et de la peinture immédiatement, mais j'aurais du mal à le faire parce que nous avons toutes ces petites subtilités, ces arêtes que nous devons contourner Donc, simplement en prenant notre temps avec de l'eau pure, nous pouvons le faire de cette façon. Et puis, une fois que nous avons appliqué du pigment sur mouillé et mouillé, les pigments s'y retrouvent Et si nous devions peindre sur les petites arêtes dès maintenant ou dépasser la limite, ce n'est que de l'eau. Nous pourrions utiliser un sèche-cheveux, l' annuler et réessayer C'est donc certainement la façon la plus simple de commencer. Je ne veux pas qu'il soit complètement gazonné et mouillé. Je viens de voir une jolie étincelle sur le papier. Vous pouvez y voir le reflet de la lumière. Certaines zones peuvent donc commencer à sécher. C'est bon Ça aide juste pour un petit raccourci. Les couleurs que je souhaite utiliser pour le fond seront donc assez neutres. Je ne veux pas qu'ils soient trop dynamiques. Je vais commencer par le bleu outremer. C'est une bonne base, peut-être un peu serlean. Ce ne sont que de petites préférences, rien d'autre que des règles strictes. J'utilise une teinte neutre ou noire, si vous en avez pour le neutraliser un peu J'ai juste pris un peu de sarin cramoisi pour transformer ce bleu en une couleur plus violette Et c'est par cela que je vais commencer . Je peins mon bleu cobalt là aussi, juste des bêtises, je m' amuse un peu 6. Appliquer le lavis de l'arrière-plan: Il est donc temps d'appliquer ce pigment sur le fond humide. Bien entendu, j'utilise ce gros pinceau car cela me fait gagner du temps. Et nous ne donnons aucun détail. Ce pinceau possède une pointe légère. Mais même dans ce cas, nous partons de l'extérieur pour nous frayer un chemin. Comme je l'ai dit, je commence d'abord par peindre l'arrière-plan parce que c'est plus logique, du point de vue technique. Techniquement, vous pouvez également peindre d'abord la coque, puis peindre soigneusement autour de celle-ci. Il existe des moyens de le faire, mais j'aime souvent penser équitablement à l' atmosphère environnante car l'atmosphère et l' aquarelle jouent un rôle très important Notez que j'y applique juste un peu de jaune et un peu d'orange. Il peut être jaune ocre, cabby en jaune. Vous pouvez vous amuser à explorer vos préférences. Ce sont des compliments naturels au violet. C'est pourquoi j'ai choisi ça. Le violet et le jaune vont bien ensemble. J'utilise le jaune plus près de la coque au fur et à mesure qu'il se mélange, mais nous allons poursuivre sur ce point petit à petit. Nous allons nous amuser. Nous n'allons pas stresser, nous pouvons donc le peindre très rapidement si nous le voulons. Mais je m' amuse juste à explorer les couleurs, me frayer un chemin à travers elles. Le papier est mouillé. Il n'y a aucun signe de séchage de sitôt, alors je prends juste mon temps pour me procurer ces bons mélanges. Et vous pouvez voir que certains de mes articles s'empochent un peu, créant des vallées et une accumulation d' eau, c' Nous nous en occuperons le moment venu. Nous pouvons redistribuer cette eau. J'ajoute une bonne partie de ce jaune maintenant parce que cela lui donne une sensation de chaleur et de lumière. Mon idée générale est d'avoir des ombres douces sur le côté et une lumière chaude au milieu, des ombres diffuses Il suit ce type général de flux de droite à gauche. J'ai donc dû ajouter plus de bleu maintenant. Le bleu que j'utilise n'est qu'un mélange complet de mon serlean, de mon cobort Donc, quand je dis bleu, cela peut être un mélange de n'importe lequel de ces éléments, et c'est ce que je ressens en ce moment. Je ne le calcule pas tant que ça. De même, pour le rouge, j'utilise une zarine et rouge de cadmium. Je suis juste en train de le déposer. Ils ne semblent pas très bien mélangés pour le moment, mais comme je l'ai dit, je vais poursuivre sur cette mélangés pour le moment, mais comme je l'ai dit, je lancée encore et encore pour qu'il y ait une belle fluidité, et les pigments se granuleront et se mélangeront comme ils le font si bien lorsqu'ils sont mouillés sur mouillés J'évite cette section d'ombre pour le moment. 7. Ajouter un peu de chaleur: Donc, comme je le disais, même si c'est de la nature morte, je veux quand même qu'il y ait une sensation d'atmosphère. Et je dois y réfléchir très tôt, car cela m'aide à évaluer la coque par rapport à quelque chose. Si je laisse la coque flotter trop longtemps sur du papier blanc totalement intact, il peut être difficile de juger de sa luminosité ou de sa chaleur réelle car la principale source de fraîcheur cette peinture réside dans ce C'est comme une sorte de fraîcheur sourde. J'aime donc établir au moins une partie de l'environnement environnant. Bien sûr, j'utilise simplement une coque aléatoire avec une lampe sur la table, donc je ne le fais même pas sur une feuille de papier blanc. Le fond ici est doux et frais, principalement du gris bleu, des gris violets Mais regardez comment j'utilise le tiff my brush. Je vais me concentrer un peu plus sur le bord pour augmenter le contraste, car je regarde et j' observe la coque, et sur le dessus se trouve l' endroit où elle est la plus claire, là où elle capte la lumière. J'ai donc besoin de peindre négativement là-bas pour le faire ressortir. Je dois donc absolument assombrir un peu cette zone en haut. commence à paraître un peu brun maintenant, alors je vais ajouter un peu plus de bleu pour neutraliser cela C'était un peu à retenir, en fait. Maintenant, il a l'air un peu vert. C'est très bien C'est un peu vert sourd. Ce n'est pas censé être occupé. Il est juste là pour créer une atmosphère qui soutienne la coque et pour fournir suffisamment de contraste pour que la lumière chaude sur cette coque rende un peu plus éclatante. C'est toujours très léger. Je pense donc que je vais encore ajouter de plus en plus de pigments. Vous pouvez voir l'accumulation d'eau. C'est très bien Nous pouvons les agiter un peu, redistribuer, les égaliser un J'ai donc commencé par un lavage très léger, comme on peut le voir sur du papier déjà humide, très doux, très dilué et assez large. Je n'essaie pas de peindre un mur texturé au sens littéral Mais en raison de la nature de l'aquarelle, les pigments que j' utilise sont granulés Donc, quand il sera sec, nous verrons de jolis effets, j'espère. J'essaie juste de créer ce champ de couleur ambiant car je n' utilise ni couleur ni réalité comme référence. Je suis en train de l'inventer moi-même. Et ce sont ces premiers lavages de fond à aquarelle qui permettent d'effectuer deux tâches à la fois Ils établissent la couleur, mais ils établissent également l'ambiance. Et dans ce tableau, l'ambiance est fraîche, spacieuse, calme. Et c'est ce qui m'a guidé mes décisions ici, plutôt que le nom des pigments eux-mêmes. Je veux donc cette subtile chaleur du jaune au centre. Ce n'est pas un jaune vif. C'est comme une couleur crème. Parce que nous avons ce jaune, je veux que le violet l' harmonise et le complète Ce genre de choses me trotte dans la tête. Lorsque je déplace le linge autour de la coque, je fais attention à ne pas trop mécaniser les bords. Je veux que l'arrière-plan soit doux et organique. Pas comme une silhouette soigneusement découpée sur tout le pourtour. C'est pourquoi je crée un peu de variété. 8. Déplacer le pigment et l'eau: À certains endroits, je laisse le linge se rapprocher un peu plus de la coque. Dans d'autres domaines, je laisse un peu plus de marge de manœuvre. Vous pouvez voir comment j' utilise mon pinceau pour redistribuer le pigment qui remonte vers le haut dans certaines zones Et vous pouvez voir la texture créée sur le côté gauche parce que j'utilise du papier rugueux. Du papier d'allaitement froid, en gros. Je n'utilise pas de papier épais. Le papier épais ne se heurterait évidemment pas ou ne serait pas aussi irrégulier que celui-ci, mais c'est très bien J'aime bien ne pas y voir un problème parce que tout finit par s' aplatir de toute façon Et je redistribue toutes les flaques et je m'amuse beaucoup, et c'est ce qui compte Et en redistribuant tout ce pigment autour du tableau, cela le rend plus cohérent quant à l'unité Et peut-être y a-t-il quelques petites variations pour empêcher la peinture de se raidir. Nous commençons donc à accumuler le pigment. Je pense déjà à la zone lumineuse située derrière la coque. Ce sera sur le côté droit. Vous le voyez un peu plus clair là-bas avec le jaune derrière. Nous allons peindre sur cette zone, bien sûr, par-dessus la coque. Et c'est là que la lumière semble se rassembler, bien sûr, l'autre côté c'est l'ombre. Et le fond y est un peu plus pâle et plus chaud. Je veux préserver cette subtile sensation de lueur, alors j'essaie de faire attention à ne pas rendre cette zone trop foncée ou à ne pas perdre ces jaunes Je ne traite pas le fond comme un ton plat, bien sûr. Je l'autorise à déplacer légèrement les zones les plus froides, les zones plus chaudes et légèrement plus sombres sur la zone supérieure gauche. Je vais le rendre plus lumineux de ce côté de la coque. les natures mortes en général, il est utile de penser que l'arrière-plan n'a pas besoin d'être passif après réflexion. Il peut soutenir discrètement l'ensemble du design lumineux du tableau, la logique de l'ombre et de la lumière. Si l'objet est fortement éclairé d'un côté, il est logique que l'arrière-plan environnant contribue à renforcer cet éclairage en le rendant légèrement plus clair ou plus doux la manière appropriée. Et la texture en arrière-plan est également importante. J'aime beaucoup la pigmentation que j'utilise. 9. Quelques éclats: Je pense que je veux augmenter cette texture. Je pense que le ton est plutôt correct maintenant. Bien sûr, il est mouillé et il sèche beaucoup plus facilement qu'il n'y paraît pour le moment. Et je peux voir la pigmentation. Je ne pourrai pas dire quel pigment crée cet effet de granulation parce que j'y ai mélangé tellement de pigments aléatoires C'est probablement un peu serlean et peut-être une touche de Sienne brûlée, mais c'est probablement aussi du bleu cobalt Ce sont des granulations et des pigments très lourds. Si vous nettoyez votre baignoire avec de l'eau à la fin, c'est généralement toujours du bleu cobalt que vous voyez des résidus au fond. Je jette simplement plus de gouttes de bleu et d'eau pure sur les zones extérieures pour augmenter cette texture Parce que, comme je l'ai dit, la texture est très importante. Je ne veux pas qu'elle soit trop lisse ou polie, car cela pourrait donner l' impression que la coque est simplement collée sur le dessus J'ai donc laissé le linge se casser un peu. J'ajoute quelques éclaboussures ici et là. Je laisse la couleur se mélanger assez doucement au lieu de la mélanger pour obtenir une uniformité complète Cela donne à l'arrière-plan juste assez de vie et de variation sans qu'il ne détourne trop l'attention de la coque Et il y a quelque chose de très plaisant. C'est certainement ma partie préférée de la peinture de ces grands fonds expressifs. Je pourrais facilement prendre deux fois moins de temps pour les faire, mais il y a juste quelque chose dans cette partie de l'aquarelle que je trouve très éthérée et intéressante, comme les mélanges que vous manipulez en quelque sorte Mais c'est l'aquarelle qui le fait d'elle-même. Il suffit de le voir apparaître, et je pourrais le refaire Cela peut sembler similaire, mais ce ne sera pas pareil. C'est totalement unique. Elle possède sa propre identité. Et cela donne le rythme de la peinture. Eh bien, je vous expliquerai comment je veux faire le shell plus tard Commençons par le relâchement, allons-y doucement, laissez-nous entrer dans la peinture plutôt que de commencer par les détails tout Grâce à cette maniabilité large et généreuse. Cela nous aide ou nous empêche de devenir trop précis trop tôt. Nous ne voulons pas commencer par de petits détails tout de suite. 10. Commencer la coquille: Maintenant que j'ai complètement séché le papier, vous pouvez voir à quel point toutes ces valeurs se sont atténuées. Il est complètement plat. De plus, il est beaucoup plus léger. Il a cette sensation d'air et la lueur de l' intérieur qui en sort. Juste assez de variation, mais pas trop distrayant. Maintenant que je travaille sur la coque, j'utilise simplement les couleurs restantes ma palette depuis l'arrière-plan, ce genre de couleurs brunâtres et jaunes sur la moitié Et je bloque juste zones les plus claires que je pouvais voir, à part le blanc, bien sûr, il y a des reflets lumineux intenses sur le dessus. Mais je m'en tiens au ton, en commençant par le clair plutôt que le foncé En utilisant mes traits de crayon comme une sorte de guide. Je peux toujours frotter si la couleur devient trop foncée ou l'enlever s' il n'est pas déjà sec. J'essaie d'être un peu patient ou du moins d'y aller doucement parce que je ne veux pas perdre le sens de la lumière parce que c'est un objet assez pâle. Je pense que c'est le bon moment pour parler quelque chose qui revient souvent à l'aquarelle, à savoir comment peindre des objets pâles ou des objets qui semblent blancs ou presque blancs C'est une question très utile car nombreux sujets entrent dans cette catégorie, qu' il s'agisse de coquillages, de céramiques, draperies, de fleurs claires ou de peintures de paysages Je peins beaucoup de bâtiments blancs ou j'éclaire des bâtiments au soleil Ils nous demandent tous la même chose. Comment peindre quelque chose qui est généralement léger sans le perdre complètement ou le rendre trop lourd ? La première chose, je dirais, c'est que les objets blancs ne sont jamais vraiment peints à la peinture blanche, bien sûr, à l'aquarelle Les passages proviennent du papier lui-même, et nous travaillons à notre façon en utilisant cette luminosité du papier et du pigment Peindre un objet blanc consiste donc décider où ne pas peindre, puis à utiliser de délicats changements de couleur et de valeur pour décrire la forme autour de ces lumières préservées très subtilement la forme autour de ces lumières préservées ou même à l'intérieur C'est pourquoi l'observation est si importante. Il faut remarquer que l' objet n'est pas simplement blanc. Il contient des crèmes, des gris doux, des violettes fraîches. De plus, quelques reflets chauds subtils , comme des notes d'ocre jaune, peut-être une touche de bleu sur l'autre côté ombré. Et ce sont ces notes subtiles qui permettent à l' objet de paraître réel. Si nous le peignons comme une silhouette vierge ou si nous en restons là, il a tendance à avoir l'air plat et vide. Donc, quand je regarde cette coque, je ne me demande pas comment peindre une coque blanche ou une coque légère. Je me demande où est le chauffe-coquillages ? Où est-ce qu'il fait plus frais ? Où se déplace-t-il dans l'ombre ? Mais ce que je peins maintenant, c'est essentiellement dans l'ombre, donc je sais que je peux y aller très fort. Nous avons déjà couvert les zones les plus claires en haut, et nous pouvons maintenant commencer à les mélanger peu là où elles se transforment en ombre Où capte-t-il également la lumière réfléchie ? quels bits ai-je besoin pour économiser un peu plus sur le papier intact Où se trouve-t-il le plus près du papier intact ? Et ce changement de mentalité est très utile lors de l'observation. Je suis juste en train d'adoucir ce peu de jaune maintenant, même si je vais m' assombrir avec une ombre plus tard Je ne sais pas encore dans quelle mesure je le veux, donc je ne veux pas avoir de bord dur en dessous. C'est une sorte de jaune orangé. Techniquement, il est toujours orange, mais il est plus jaune que rouge. 11. Building The Tones: Une autre chose utile à retenir est que les objets pâles dépendent fortement de leur environnement. Ainsi, une coque blanche est plus lumineuse lorsqu'elle se trouve dans un environnement plus frais et légèrement plus sombre. Un bol en céramique pâle, par exemple, est plus lumineux s' il y a une ombre foncée en dessous. Nous peignons donc souvent la lumière de manière indirecte. Nous le rendons visible par ce que nous plaçons autour de lui. Et cela se voit également très clairement dans ce tableau. La coque semble lumineuse, non pas parce que nous l'avons recouverte de peinture , mais parce que l'atmosphère fraîche, le fond derrière elle et l'ombre projetée que nous ajouterons plus tard permettront à ces passages pâles de vraiment briller. Il est difficile de l'évaluer complètement sans penser à cette ombre plus tard Même si elle n'est pas là, nous devons en être conscients au fond de notre esprit. Surtout à ce stade précoce où nous n'avons aucun autre type de contexte pour l'obscurité. Les sujets clairs sont également tentés de surcompenser , car ils peuvent sembler si faibles au début nous pouvons ressentir le besoin de continuer à ajouter de la couleur, modélisation ou Nous avons besoin de suffisamment d'informations pour que le formulaire puisse tourner et pour le décrire. Mais souvent, la meilleure approche consiste à rester un peu plus léger qu'on ne le pense. Et au moins au début, construisez lentement. Nous n'avons pas besoin de nous presser . C'est l'heure de se détendre. C'est le moment de vous détendre et de vous amuser. C'est vraiment le moment où nous stressons le moins. C'est un très bon moment pour déconnecter, se détendre et observer l'aquarelle récompenser les patients ici Il est beaucoup plus facile d' approfondir progressivement un objet pâle que de retrouver sa fraîcheur plus tard une fois qu'il est devenu boueux ou surchargé Parce que certains pigments sont également très tachants. Je ne pourrai peut-être même pas récupérer les parties très légères. Les bords jouent également un rôle important dans la peinture d'objets pâles. Vous pouvez donc voir que certains bords sont souples et d'autres durs. Le contrôle des contours est en fait plus important que les couleurs vives, car un léger changement de valeur avec le bord droit peut dire bien plus qu'un trait gras au mauvais endroit. Je me demande donc toujours ce bord doit se dissoudre un peu ou s'il doit être plus dur et plus clair. Où capte-t-elle la lumière ? Est-il tranchant ou se ramollisse-t-il dans le plan suivant ? Vous pensez à la couleur la plus claire , puis à ce qui va suivre, puis doit-elle être fusionnée ou est-elle séparée ? S'il fusionne, je peux le faire maintenant mouillé et mouillé. Mais s'il y a un bord plus haut, je dois attendre que le papier soit un peu sec pour le faire plus tard. 12. Ajouter quelques tons cool: Enfin, je dirais que nous peignons des objets pâles, c'est un exercice de confiance. L'aquarelle demande beaucoup de confiance. Et nous devons être convaincus que ces petits changements sont importants, car encore une fois, comme je le disais, il est difficile de déterminer dès le départ ce qui est important ou non. J'ai toutes ces marques de crayon, ces marques de pinceau, et elles ne me semblent peut-être pas suffisantes au début. Cela peut sembler bizarre ou faux, mais nous devons être sûrs que lorsque tout le reste sera en place à la fin, tout ira bien. Donc, n'abandonnez vraiment pas si vous avez l'impression que c'est faux. Au moins pour ce tableau, frayez-vous un chemin à travers celui-ci, voyez à quoi il ressemble à la fin. Vous devez avoir confiance dans le fait que ces petits changements sont importants, que ces petits détails sont importants. Ce ne sont pas des détails. Des petits tons, ces tons subtils. Même si vous vous sentez souvent mal à l'aise, le spectateur, le public qui voit la pièce finale sans avoir vu les étapes initiales, lira le formulaire d'une manière plus unifiée. Nous devons donc faire confiance au papier, au pigment et à la sobriété de ce stade précoce. Ce n'est certainement pas facile car l'esprit veut évidemment expliquer plus que ce dont la peinture a besoin. Mais lorsque nous faisons confiance à ces petites relations, décomposons les tons en tons clairs, tons moyens, parce qu'en gros la machine à laver que je suis en train de peindre est du même ton. C'est très subtil. Il y a plusieurs couleurs différentes impliquées. J'ai le jaune-orange sur la droite en bas, puis il se fond en quelque sorte dans une sorte de brun doux vers le froid, le bleu Il a eu un peu de temps pour sécher maintenant. Donc, quand j' appliquerai cette sienne brûlée, elle s'estompera. Je le laisse simplement tomber dedans et je laisse l'eau couler comme je le souhaite ou comme je l'espère, comme elle le souhaite. Ce sont ces petites gouttes, ces gouttes mouillées ou mouillées qui font partie des plus beaux effets de l'aquarelle Et crée également cette luminosité. Donc, lorsque je peins la coque, je veux garder cet esprit : nous n'essayons pas de tout remplir en même temps. Nous essayons de préserver la lumière et de modéliser discrètement la forme qui l'entoure. pensons davantage à la lumière qu'à la coque elle-même, car c'est ainsi que nous créons quelque chose de convaincant en faisant passer la forme et l'ombre à travers elle Parce que sans lumière, nous ne pourrions pas du tout voir la forme. Et quand je regarde la coque ou la référence, je vois une gamme infinie de tons allant du clair au foncé. Mais bien sûr, je ne veux pas transmettre cela. Je ne peux pas transmettre cela. Ce serait impossible. Je le simplifie donc et le minimise. Donc, certains tons que je dois choisir, dois-je les rendre plus clairs pour qu'ils correspondent à celui-ci ? Lavez-les peindre maintenant ou dois-je l'assombrir pour l'ajouter à la prochaine peinture que nous ferons en plus ? Je pense à des domaines généraux plutôt qu'à de petits détails, même si j'ai quelques petits traits liés à cela. Tout d'abord, je pense aux grandes zones, puis à la manière de les fixer par petits traits par la suite. Nous introduisons un peu plus de brun sur ce côté droit. 13. Expérimenter avec les textures: J'examine d'abord les zones de température générales, où la coque est la plus chaude, où il fait le plus froid, où la lumière est la plus forte et où la forme commence-t-elle à se détourner ? Il y a donc beaucoup de chaleur en ce moment, surtout au bas de l'échelle. Et puis un peu plus de fraîcheur sur la gauche, mais pas trop, juste une légère influence de fraîcheur Je pense que je dois le rendre un peu plus clair en bas, alors je prends juste peu de pigment qui se trouve sur le tableau lui-même et je le redistribue vers le haut Et ces petites lignes suivent les contours et la courbure pour lui donner ce rythme et ce sens de la forme. Et il répartit les pigments autour de lui. La coque a donc vraiment une belle gamme de couleurs dans ce qui est essentiellement une palette restreinte, en fait, une palette limitée Il ne se passe pas trop de choses. Il n'y a pas de vert vif, pas de violet vif. Il se peut que de subtiles influences de ces éléments se produisent, mais il s'agit principalement d'une palette limitée. Nous avons les crèmes pâles et les blancs cassés dans les passages les plus clairs en haut. Ils ont l'air d'un blanc pur pour le moment, même s'ils ne le sont pas techniquement Nous nous amusons vraiment avec ce genre de note chaude de pêche en ce moment. L'orange y passe sous forme de crêtes éclairées par le soleil lorsqu'elle se courbe autour de l'ombre Les subtils gris violets et les bleus sourds des sections ombrées en spirale Ce n'est donc pas une grande fête de la couleur, mais pas dans la façon dont nous utilisons toutes les couleurs ou tous les pigments disponibles, mais nous tirons le meilleur parti de ce que nous voulons utiliser. Nous choisissons également des couleurs qui complètent l'arrière-plan. Bien sûr, j'ai choisi les couleurs de fond parce que je savais que j'utiliserais ces couleurs sur la coque, mais le jaune, comme je l'ai dit, lorsque je peins le fond est si beau avec le violet parce qu'il complète les couleurs. Et l'orange se marie bien avec les tons bleus qui se trouvent également en arrière-plan. Il y a donc suffisamment de variété pour qu'il se sente vivant. Mais il serait également intéressant et utile de le peindre en noir et blanc, simplement en sapia, en sienne brûlée ou en une seule Peut-être juste une teinte neutre et du noir, juste pour se concentrer sur les tons. Cela resterait très joli parce que nous créions cette sensation de luminosité, vous pouvez toujours créer une sensation de lumière sans aucune couleur C'est une bonne pratique à suivre. Bien sûr, je pense que si je donnais un cours entier sur peinture en noir et blanc d' un coquillage, ce ne serait pas si populaire. Mais si vous voulez vraiment apprendre à créer cette sensation de lumière, ce serait une expérience et une pratique fantastiques . Maintenant que j'ai commencé ou commencé à me laver à chaud dans les zones ensoleillées, je commence à utiliser quelques couleurs plus froides, en y simplement des bribes Vous pouvez voir que c'est un peu plus turquoise ou bleu. Peu importe, ça pourrait être violet. Juste le contraste entre le chaud et le froid. En fin de compte, peu importe les couleurs froides ou chaudes que vous utilisez, car il s' agit simplement de la température, de la température des séries éliminatoires Autour du corps plus large de la coque, il y a des sections où la lumière capte et se réchauffe très doucement. Je ne veux pas encore les surestimer. Je veux juste teinter ces zones et commencer à établir la relation de température. 14. Certains tons plus foncés: Ensuite, vous pouvez voir la partie la plus ombrée, en particulier autour de la spirale de gauche J'ai commencé à introduire cette note plus froide de violet gris ou une touche de vert. Je n'ai pas vraiment ajouté de vert, mon bleu mélangé à cette sorte de sienne brûlée rougeâtre sur le papier. Je me suis créé tout seul. Ils sont en fait encore assez légers. Ce sont des tons moyens pour le moment. Je ne vais pas encore m'approcher des ténèbres les plus profondes. Ce ne seront que de petits accents à la fin. Je suis simplement en train d'établir cette première conversation entre chaleur et fraîcheur dans l'ensemble du formulaire, en essayant également de créer cette sensation de légèreté et d' atmosphère C'est un autre avantage l'aquarelle. Pourquoi je l'aime. Vous pouvez créer une atmosphère dans un objet. Comme si c'était le cas, comme s'il avait de l'espace pour respirer. L'un des avantages d' une coque est que sa structure nous aide à comprendre le mouvement de ces lavages. Les arêtes ne sont pas simplement aléatoires. Ils sont assez structuraux. Ils se courbent et s'enroulent. Ainsi, lorsque je fais ces premiers lavages, je peux laisser le pinceau suivre ce mouvement Je ne veux pas peindre le formulaire de manière à l'aplatir. Je veux que les marques commencent déjà à soutenir la spirale et cette structure tournante. Et puis, au sein cette structure et de ces marques de pinceau, c'est assez aléatoire. Il y a beaucoup de désordre, de contretemps et d' incohérences, mais cela est quelque peu ancré dans ces touches directionnelles en spirale et d' incohérences, mais cela est quelque peu ancré dans ces touches directionnelles en spirale. C'est influencé par cela. Je veux que les notes le prouvent. Je vais donc laisser encore beaucoup de place glaçage plus tard, car j'aime utiliser le glaçage avec les natures mortes pour créer cette illusion de détail de manière plus contrôlée et détendue, en particulier ce type de sujet qui comporte de nombreuses petites textures et couches. Il y a beaucoup de couches impliquées, et le vitrage est essentiellement une couche. Il est donc très important un sujet comme celui-ci en général, savoir comment créer de la richesse par couches. Si j'essaie de réaliser la coque entière en une seule fois, je perdrai définitivement cette subtilité Je les considère donc comme des premiers qui jettent les bases Ils créent l'atmosphère de la coque, ils ne la complètent pas. Et le journal fait une grande partie du travail à notre place au cours de ces premières étapes. C'est là qu'intervient la beauté de l'aquarelle. Nous mettons une note chaleureuse ici, une note froide là, en les laissant s'installer et faire ce qu'ils veulent, en les laissant respirer. Et déjà, leur enfant commence à émerger. Il commence à se sentir non seulement dessiné mais illuminé. Je regarde d'avant en arrière entre la coque et la zone d'ombre, même si je n'ai pas encore peint cette zone d'ombre parce que je commence à ajouter quelques zones foncées. Lorsqu'elles sont mouillées, elles paraissent très foncées, mais elles s'éclaircissent, surtout lorsqu'elles se incurvent dans la zone la plus ombragée elles paraissent très foncées, mais elles s'éclaircissent, surtout lorsqu'elles se incurvent dans la zone la plus C'est pourquoi je tiens à préserver sens de la hiérarchie. La coque doit rester plus légère et plus délicate, tandis que l'ombre fournira plus tard ce poids. 15. Pinceau sec: Maintenant, je l'ai laissé sécher complètement, et j'ai l'impression d'avoir créé cette sensation d'atmosphère, d' espace et de légèreté Nous pouvons donc maintenant commencer à le glacer, en ajoutant de petites couches pour renforcer la texture plutôt que de tout faire en une seule fois. Beaucoup de mes peintures n'utilisent pas vraiment la technique du glaçage. Il s'agit d'être audacieux et expressif. Mais le glaçage est l'un des points forts de l'aquarelle, en particulier dans les natures mortes comme celle-ci Parfois, les gens pensent à l' aquarelle uniquement en termes de premier lavage, comme si le médium était uniquement une question de fraîcheur immédiate, puis quoi qu'il arrive, cela arrive, ce qui est amusant Et j'ai la plupart de mes cours comme ça. Mais l'une des belles choses de l'aquarelle est également qu'elle peut être construite très délicatement au fil du temps, et pas nécessairement longtemps Il s'agit en fait d'une peinture plus courte que mes cours habituels. D'habitude, mes cours peuvent durer 2 heures et je dois les accélérer, les découper ou en modifier des parties. Mais ce sont toutes mes vidéos, et c'est normal, pas du tout accéléré C'est donc en fait plus rapide que mes peintures habituelles. Les couches transparentes peuvent approfondir la couleur, et c'est ce qu'est l'aquarelle C'est un support transparent. Il affine la forme. Il crée une sensation de richesse sans perdre en luminosité. Mais tant que nous sommes patients, et c'est vraiment la clé de la patience, car la patience, assez drôle, n'est pas une question de temps. Comme je l'ai dit, c'est une peinture rapide, en fait. Mais cela peut sembler peu patient pour certaines personnes, car nous peignons par couches, et un vernis ne fonctionne vraiment que lorsque la couche inférieure est prête à être utilisée Ainsi, si la couche précédente est trop humide, le nouveau passage peut la perturber ou rendre la surface un peu boueuse Et si nous devenons impatients et que nous continuons à travailler sur ce domaine avant qu'il ne soit réglé, nous perdons souvent la clarté qui rend l'aquarelle si spéciale au départ Le glaçage nous apprend donc bien plus que de la technique. Cela nous enseigne le timing, nous enseigne la retenue et nous permet de faire une pause lorsque la peinture doit faire une pause, pas seulement lorsque nous avons envie de faire une pause Concrètement, un vernis est donc simplement une couche transparente posée sur une couche sèche existante afin de l'ajuster C'est le contraire, mouillé ou mouillé, en gros. Mais l'effet peut être incroyablement subtil et puissant, surtout avec tous ces petits détails que l'on retrouve sur une coque. Une glaçure pâle et chaude peut donner soudainement à la coque l'impression d'être éclairée par le soleil Une glaçure froide peut faire reculer doucement un petit avion dans l'ombre Une couche transparente plus profonde peut clarifier encore plus l'ombre, mais sans la rendre morte. Et c'est ce qui le rend si beau à l'aquarelle, c'est que les couches restent optiquement vivantes et qu'elles s' Nous ne pensons pas à la première couche, deuxième couche, à la troisième couche, puis c'est fait. Chaque coup de pinceau constitue techniquement sa propre couche, selon l'endroit où il atterrit 16. Quelques affinements: La lumière continue donc de circuler à travers ces couches. La première couche participe toujours à ce que nous observons, même si elle est enfouie sous d'autres couches. Au lieu qu'une correction opaque en recouvre une autre, comme nous le ferions dans d'autres peintures lorsque nous n'utilisions essentiellement que deux couches Il s'agit plutôt d'une accumulation au fil du temps. La surface devient plus riche mais respirante, bien sûr Cela signifie que nous effectuons une grande partie du travail nous-mêmes, mais c'est pourquoi nous avons créé cette couche atmosphérique aérée au départ. Maintenant, nous faisons le glaçage en plus de cela. Bien entendu, ce genre de techniques, ces techniques de glaçage conviennent mieux à certains sujets que d'autres, comme les natures mortes ou les portraits Cela dépend de votre style. Lorsque je peins des natures mortes, j'ai tendance à aimer ce type de vitrage en couches. Un peu comme mon cours sur les citrouilles. J'ai peint il y a quelque temps sur mon verre, ma classe de verres transparents. C'est une nature morte qui récompense souvent cette construction minutieuse et progressive, car tout tourne autour de la perception et de l'observation. Avec d'autres tableaux, nous pouvons être un peu plus ambigus. Dans le cas de la nature morte, nous sommes rarement contraints de changer de sujet à la vitesse à laquelle nous sommes confrontés. Nous avons l'occasion de dire : OK, je vais juste laisser sécher, puis je reviendrai, peut-être prendre une tasse de thé, changer de chanson à la radio. Alors je vais juste y mettre cette chaleur. Ensuite, je vais approfondir l'ombre. Chaque passe affine un peu plus l'harmonie. Surtout dans une palette limitée, il n'est peut-être pas difficile de se tromper car nous sommes dans cette couleur. Nous n'allons pas choisir une couleur étrange parce que nous nous en tenons à des couleurs telles que l'ocre jaune, la sienne brûlée, les vers, puis le violet et le bleu pour les Bien entendu, le vitrage peut mal tourner si nous sommes trop lourds s'il y a trop de couches ou si ces couches sont trop résistantes Je peux simplement donner l' impression qu'une peinture est un peu trop fatiguée. Le vitrage n'est donc pas simplement une correction d'analyste, mais un autre outil que nous pouvons utiliser dans notre boîte. Chaque incendie a toujours besoin d'une raison. Nous ne le faisons pas au hasard. Peut-être que cela réchauffe certaines zones ou qu'il rafraîchit, unifie. Et je suis toujours en train d' expérimenter d'autres choses. Comme si j'avais simplement frotté le pinceau pour l'éclaircir un peu. Ce n'est pas du tout du vitrage. J'incorpore donc toujours d'autres outils en plus du vitrage. Mais je ne parle pas souvent du vitrage dans mes autres cours, alors j'ai l'impression d'en parler un peu plus maintenant parce que c'est toujours utile car dans d'autres peintures, on peut toujours en utiliser des bribes, même si je n'en parle pas nécessairement pendant 5 minutes. Si cela n'a aucune raison, ce n'est probablement pas nécessaire. C'est une bonne philosophie à adopter lors du glaçage. Je pense également que le glaçage devient plus facile lorsque nous cessons de nous attendre à ce que chaque couche fasse tout. Nous détruisons la sculpture , pour ainsi dire, plutôt que de tout faire d'un seul coup La couche de fourrure n'a certainement pas besoin de terminer la coque, et la seconde non plus. Chaque couche ne supportait qu'une petite partie de ce fardeau. Et c'est une façon très apaisante de peindre, en fait. Ce n'est donc pas tant une question d'impatience. 17. avant de mouiller l'ombre: Donc, lorsqu'il s'agit d'observer ma peinture et d' essayer de recréer la vôtre, je vous encourage à ne pas vous contenter de juger, mais simplement à savoir si les arêtes ou les détails correspondent Que l'ombre ait exactement la même forme ou que l'arrière-plan ait le même type de texture ou de couleurs. Je veux que vous regardiez l'expérience globale de la peinture. Est-ce qu'il est lumineux ? Est-ce que cela semble équilibré ? Est-ce que c'est calme ? Est-ce qu'il se sent ancré ? Et si c'est le cas, vous en avez probablement assez dit, vous n'avez pas besoin de trop le détailler Et l'un des plus beaux avantages de peindre un sujet comme celui-ci, c'est qu'il nous enseigne que la complétude peut venir de l'harmonie plutôt que de ce qui concerne la relation avec tous les éléments plutôt que l'explication complète et parfois sa subtilité, j'ai l'impression d' mais je me suis En ce qui concerne la relation avec tous les éléments plutôt que l'explication complète et parfois sa subtilité, j'ai l'impression d'avoir surtravaillé certains domaines avec le recul, frayé un chemin à travers les choses La subtilité est donc parfois plus puissante que la force. Donc, juste avant de commencer à peindre l'ombre, ce que nous allons faire ensuite, je vais chercher des endroits dans le sud de Shalit où quelques accents plus fermes aideront peut-être quelques accents plus fermes à cristalliser la forme, à mieux la définir C'est toujours une étape importante car une peinture peut rester légèrement vague jusqu'à ce que les bonnes notes sombres arrivent. Mais c'est aussi une étape délicate, car les mauvais accents sombres peuvent soudainement donner l' impression qu'une peinture claire est trop lourde. Je me demande donc où sont vraiment nécessaires les notes les plus profondes ? Ils se situent généralement autour des ombres centrales de la spirale, points de contact situés près de la coque et de la surface, et peut-être de quelques passages étroits où les formes qui se chevauchent doivent être mieux séparées car je ne veux pas que l' obscurité soit omniprésente. Je les veux uniquement là où ils créeront le plus de sens. Et c'est l'un des principes les plus utiles concernant les accents sombres. Ils sont plus forts lorsqu' ils sont sélectifs. Si chaque ombre est poussée à la même intensité, le tableau peut perdre sa hiérarchie. Mais si quelques notes sombres sont réservées aux moments structuraux les plus importants, elles peuvent améliorer la netteté de l'image dans son ensemble Commençons donc à peindre l'ombre maintenant, et je commence par prémouiller toute la zone d'ombre juste pour que les choses soient bien mouillées 18. Lavis d'ombres audacieuses: Maintenant que nous avons prémouillé la zone d'ombre, la zone d'ombre projetée, je vais commencer à appliquer ce type de violet violet, commençant par celui qui figurait déjà sur ma palette. Je veux que l'ombre soit froide en général pour contraster avec la chaleur de la coque elle-même Cette ombre projetée est l'une des parties les plus importantes du tableau. Et je dis cela parce que la coquille elle-même est délicate et complexe, mais que l'ombre est large et simple Ce contraste est donc extrêmement puissant. Il confère à la peinture élégance et structure. Mon intention est donc que l'ombre s'étende vers bas et vers la gauche pour former une forme unique. Et il est doux sur les bords les plus éloignés sur la gauche, puis plus foncé et plus ferme près de la coque Et il est plein de tons bleu-violet froids, comme je viens de le mentionner. À bien des égards, c'est le contrepoids visuel de la coque elle-même. Parce que sans elle, la coque ressemblera à une étude et, avec elle, le tableau deviendra davantage une composition artistique. Ainsi, lorsque je peins l'ombre, j'essaie d'abord de penser à la forme unifiée principale. Il s'agit essentiellement d'un ovale. Je ne veux pas le rompre trop tôt. Peut-être en train d'expérimenter avec un peu de ce bord cassé sur le côté gauche. Même s'il présente de légères variations, il peut s'agir d'une note réfléchie légèrement plus chaude près de la coque ou d'une note plus foncée à l'endroit où l' objet rencontre la surface. Où presque aucune lumière n'arrive. L'ombre doit toujours être lue comme une masse connectée. Et comme c'est le cas pour la plupart des choses, ce qui mérite d'être rappelé de manière plus générale en peinture, les ombres sont souvent plus fortes lorsqu'elles sont simplifiées. Dès que nous les surdécrivons , ils peuvent perdre leur pouvoir Tout comme les accents sombres dont je parlais tout à l'heure. Ils peuvent cesser de se sentir comme une ombre et commencer à ressembler à des taches de peinture séparées. Je veux donc préserver la silhouette générale et l' unité globale de l'ombre. Même si j'autorise une petite variation. La couleur de l'ombre est également quelque chose d'amusant avec lequel jouer. C'est une belle leçon de température, car la coque porte toutes les notes chaudes du soleil L'ombre semble naturellement plus froide par contraste. Je suis donc en train de me pencher sur ce blues en ce moment. Des violets au centre. J'utilise du bleu sur les bords parce que je vais passer à un bleu chaud lorsqu'il atteint le côté droit. Mais je ne veux pas que ça devienne ennuyeux ou monotone. C'est pourquoi j'encourage toutes ces couleurs différentes. Je ne veux pas que ce soit plat. Vous pouvez voir maintenant que j'ajoute de plus en plus de ton. Et dans cinq ou dix minutes, je vais peut-être y revenir pour corriger les teintes, mais je ne fais que commencer par là. Je veux toujours qu'il se sente vivant. Je commence donc par cette expression et je continue dans cette direction. Vous pouvez voir que j'expérimente des baisses de température au sein de la famille cool elle-même C'est une transition propre et agréable, ou du moins une transition amusante. Il n'est pas nécessaire que ce soit propre. Je n' essaie pas de me nettoyer. Et c'est généralement suffisant pour que cela reste intéressant sans que cela ne devienne trop bruyant ou distrayant Le bord le plus proche de la coque est particulièrement important. C'est une sorte de bord dur juste sous la coque. Il doit être serré et il s'assombrit un peu au fur et à mesure que nous traversons cette zone. Et cette proximité nous indique l'objet est posé à la surface Cela le motive. Puis, au fur et à mesure que l'ombre s'éloigne, elle s'adoucit et s'ouvre un peu plus. 20. Éclaboussures d'ombre: Donc, cette partie du tableau, encore une fois, je regarde vraiment le tableau dans son ensemble. Je jette juste quelques gouttelettes d'eau pure sur cette ombre humide pour la rendre un peu plus éthérée Je trouve que lorsque le linge est presque sec et que vous éclaboussez de l'eau pure, cela crée des marques impossibles à recréer autrement Nous avons donc le spectacle, l'ombre, le fond, les notes chaudes, les notes froides, les passages plus doux, les accents fermes. Nous avons une belle gamme et un bon contraste entre les choses qui se passent. Et je veux qu'ils aient tous l'impression de faire partie de la même atmosphère. Même s'il existe des distinctions claires, ils travaillent tous les uns vers les autres. y a donc une sorte de relation, qu'il s'agisse de contraste ou d'unité. Et si un passage semble un peu trop isolé dans la coque, il est possible de l'unifier avec un vernis très doux Si un bord semble un peu trop abrupt, je vais peut-être l'adoucir ou si une ombre semble trop faible, peut-être que je peux l'approfondir légèrement Mais il s'agit maintenant d'ajustements d'équilibre finaux plutôt que de changements majeurs car nous sommes si près de la fin. La Charlotte elle-même doit avoir l' impression de sortir doucement de la lumière, non d'une manière théâtrale dramatique. Mais d'une manière lumineuse et silencieuse. La spirale doit être suffisamment convaincante, et l'ombre doit donner à l'objet, la coque, suffisamment de gravité et d'ancrage. Sinon, il flotte simplement dans l'espace car il n'y a pas beaucoup de description du formulaire en arrière-plan. Cette ombre contribue donc vraiment au sens de la perspective. Et l'ensemble de l'image en général devrait être stable et calme. Je veux également que le tableau préserve une sensation d'air. C'est ainsi que nous créons l'atmosphère. Ce que j'apprécie le plus dans l'aquarelle. C'est pourquoi j'ai ajouté ces chaussures plates, et je fais maintenant ces petites gouttelettes mouillées sur mouillées Même lorsqu'un objet est solide, je ne veux pas que le tableau semble scellé ou obstrué. Je veux qu'il y ait une sensation d'atmosphère autour de lui, un peu d'espace, un peu de douceur. C'est ce qui rend l'aquarelle si spéciale pour moi. Et quand je regarde des natures mortes comme cette coque, je veux vraiment terminer par ce n'est pas simplement une coque correcte. Je veux une peinture calme, complète et observée avec soin et intention. donc d'une peinture qui donne au spectateur l'occasion de ralentir un peu, d'une peinture qui lui permet de sentir la chaleur du spectacle fond d'ombre froide et le calme de l'ensemble de l'arrangement Et ce calme est important. Cela fait partie de ce qui rend le sujet magique, vraiment. C'est ce que le sujet nous propose. La coque n'a donc pas besoin d'une histoire dramatique comme les autres peintures. histoire est déjà présente dans sa structure, dans sa surface altérée et dans la façon dont la lumière repose sur elle Notre travail consiste simplement à le remarquer assez profondément et à peindre le plus honnêtement possible. Et j'espère que ces choses se concrétiseront. 21. Quelques points forts: Ce que j'aime dans une étude sur les coquillages comme celle-ci, c' est qu'elle nous rappelle à quel point il est possible de vivre dans une forme simple, car à première vue, ce n'est qu'une ombre et une nourriture Mais une fois que nous ralentissons et que nous nous y intéressons vraiment, nous trouvons la forme, le rythme, la lumière , la couleur, la température, toutes sortes de choses, la texture, les bords, le vitrage, l'équilibre de la composition Il y a tellement de choses différentes, toutes ces petites relations discrètes qui font la richesse de la peinture. Ce cours est donc vraiment une invitation à faire confiance à ces relations plus calmes on compare la chaleur au froid et à la façon dont cela peut suffire ou à cette ombre longue et à la façon dont il peut être dramatique sans bruit, cet objet simple peut tout de même être complet et profondément satisfaisant. Et peut-être aussi que nous n'avons pas toujours besoin de complexité pour peindre quelque chose de significatif. En fait, la peinture nature morte a toujours été ainsi, vraiment. Il prend des objets ordinaires et nous permet de les regarder avec plus d'attention que d'habitude. Et ce faisant, cela nous donne souvent plus que de la pratique. Cela nous donne un rythme d'attention différent, une façon différente de voir l' occasion d'apprécier des choses qui, normalement, passeraient inaperçues Et cette coque est l'un de ces sujets. C'est très humble et très simple, mais c'est plein de beauté. La spirale permet le mouvement et les arêtes captent magnifiquement la lumière Nous avons cette ombre projetée forte qui lui donne de l' audace et du poids Le fond le laisse respirer car il est très doux et léger. Et dans tout cela, l'aquarelle nous donne le bon langage, cette transparence, cette luminescence Je ne fais qu'appliquer la touche finale avec le guash blanc, et je m'assure qu'il s'agit d'une marque de pinceau sèche, car je veux avoir cette texture sur les arêtes, car certaines zones sont lisses, mais d'autres ont cette texture sur la coque elle-même J'essaie donc d'expliquer ce mouvement en utilisant la texture sèche du pinceau. J'espère donc que vous continuerez à pratiquer la nature morte après ce cours. Bien sûr, j'ai d'autres classes de natures mortes disponibles. Je pense que les coquillages sont un excellent sujet sur lequel revenir , car vous pouvez essayer d'en peindre un sous un angle différent, peut-être un peu plus petit, un peu plus serré, ou peut-être que vous pouvez en faire un avec une ombre plus claire, pas trop audacieuse Vous pouvez peut-être changer un peu la palette de couleurs, réchauffer l'arrière-plan et refroidir la coque. Il y a donc beaucoup à expérimenter. Vous pouvez peut-être vous entraîner à peindre avec deux ou trois coquilles ou passer à un autre objet simple. Mais je vous encourage tout de même à garder le même esprit de simplicité et de prudence car une fois que vous commencez à voir les choses de cette façon, vous commencez à remarquer à quel point la peinture peut émerger de toutes ces choses simples, comme une palette limitée, une source de lumière claire, et cela change votre façon de voir les choses, qu'il s'agisse d'une pierre, d'une tasse, d'un tissu plié ou d'une feuille. Tous commencent à révéler des leçons discrètes que vous pouvez apprendre et apporter à tous vos futurs tableaux. 22. Réflexions finales !: Bon retour et félicitations pour avoir terminé cette peinture d'un coquillage encore vivante. Dans ce cours, nous avons exploré comment la simplicité peut réellement aiguiser notre attention, nous invitant à examiner plus attentivement les contours, ombres, la texture et la légère transformation des formes Nous avons utilisé une palette limitée pour que tout reste unifié et nous avons laissé les motifs d'ombre et de lumière influencer une grande partie de la narration Les leçons tirées ici vont bien au-delà de cette coquille. Ils peuvent enrichir n'importe quelle nature morte où l'observation, l'atmosphère et la retenue attentionnée comptent. N'oubliez pas que la peinture à l'aquarelle n'est pas seulement une question de compétences techniques, mais aussi d'expression votre créativité et de votre style personnel Je vous encourage à continuer à explorer, à expérimenter et à repousser vos limites pour créer vos propres chefs-d'œuvre d' aquarelle uniques À la fin de ce cours, j'espère que vous vous sentirez plus en confiance et aise avec vos capacités de peinture à l'aquarelle La pratique est essentielle pour améliorer vos compétences, alors continuez à peindre et à expérimenter Je tiens à exprimer ma gratitude à chacun d'entre vous. Votre passion pour la peinture à l' aquarelle est tellement inspirante et je suis honorée d'être votre professeur Si vous souhaitez avoir des commentaires sur votre peinture, je serais ravi de vous en faire part. Veuillez donc partager votre peinture dans la galerie de projets étudiants ci-dessous, et je ne manquerai pas de vous répondre. 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