Peindre la lumière et l'ombre à l'aquarelle : un guide complet

1. Introduction: [MUSIQUE] Imaginons la lumière et l'ombre comme le sel et le poivre d'un tableau. Ajoutez une pincée d'ombre ici et une pincée à la lumière, et l'art prend vie. Bonjour. Je suis Francoise et je suis pastel à l'huile aquarelle, un artiste mixte basé en France. J'enseigne l'art ici sur Skillshare, YouTube et Instagram. J'ai collaboré avec plusieurs marques artistiques dans ce processus. [MUSIQUE] Dans la première moitié de la classe, nous allons nous concentrer sur les techniques. Vous pouvez l'utiliser pour choisir la lumière et l'ombre d'un tableau. Il existe de nombreuses façons de s'y prendre, de l'utilisation de techniques d'aquarelle simples pour le débutant à outils ou astuces inattendus pour obtenir l'effet que vous souhaitez créer en quelques secondes. Plus tard dans le cours, nous paierons pour fermer le paysage d'automne en utilisant certaines de ces techniques afin que vous puissiez voir pourquoi et comment mettre en œuvre ce que vous avez appris dans un tableau. Pour ce faire, nous étudierons la photo de référence et repérerons les parties sombres et claires. Ensuite, nous allons préparer ce croquis. Vous apprendrez ce qu'il faut dessiner et ce qu'il ne faut pas dessiner pour planifier la lumière et l'ombre. Ensuite, je vais vous montrer comment je choisis les couleurs avec le résultat final à l'esprit. Nous commencerons à peindre l'arrière-plan, le premier calque fondamental et vous apprendrez comment améliorer la lumière et ombre avec le second. En peignant nos sujets principaux, une table et une tasse à café, vous découvrirez exactement pourquoi, quand et comment commencer par la lumière, terminer avec des ombres et vice versa. Enfin, je vais vous apprendre comment amplifier votre travail avec de petites touches puissantes. Tout au long, nous utiliserons de nombreuses techniques enseignées au début, de sorte que vous avez terminé ce cours en toute confiance pour mettre en œuvre certaines de ces techniques dans vos propres projets. J'ai conçu ce cours pour nous faire comprendre clairement comment représenter la lumière et les ombres à l'aquarelle qu'il s'agisse d'un style lâche ou plus réaliste. Un artiste aquarelle plus expérimenté trouvera des techniques qu'il n'a peut-être pas pensé et des solutions pour aider à réparer une peinture plate ou terne. Rencontrez-moi ensuite pour en savoir plus sur le projet de classe et sur façon dont vous pouvez améliorer vos compétences en peinture à l' aquarelle en utilisant ce cours. 2. Projet de cours: [MUSIQUE] Le projet d' aujourd'hui est un paysage atomique paisible avec une belle pièce, une lumière et une ombre. Peindre la lumière et l'ombre peut sembler assez abstrait quant à l'endroit où commencer et comment créer cet effet lors de la première mise à l'aquarelle. Je me souviens m'être senti perplexe savoir comment le faire fonctionner pour les aquarelles, car il s'agit d'un milieu humide et que les techniques sont très différentes des dessins au crayon, par exemple. Il y a aussi plus de spontanéité et de planification jeu et peut sembler très intimidant. C'est pourquoi, dans la première partie de ce cours, je vais vous montrer comment utiliser 70 jours pour créer de la lumière et de l'ombre dans un tableau. J'ai classé toutes les techniques que je connais et ai utilisées dans mes peintures à l'aquarelle en une seule pièce. Vous terminerez ce cours avec un tableau clair et complet de ce qui peut être fait pour créer lumière et des ombres dans l'aquarelle. Vous pouvez utiliser les techniques qui vous conviennent le mieux votre étape de peinture actuelle et à vos préférences. C'est littéralement une boîte à outils que vous pouvez utiliser, que vous soyez débutant ou plus expérimenté, et elle profitera à n'importe quel style de peinture. Par exemple, il y a ici des techniques que j'utilise rarement, d'autres que j'utilise tout le temps. Cependant, ils peuvent tous devenir utiles à un moment ou à un autre pour créer tel ou tel effet dans une peinture. Une fois que c'est mon style, peut-être pas le vôtre, donc je vous encourage vivement à regarder toutes les leçons techniques avant vous lancer dans le projet de classe. Dans la deuxième partie de ce cours, les projets de classe, nous utiliserons certaines des techniques que je vais vous montrer. Ce sera une excellente façon de pratiquer et de voir et de ressentir comment vous allez d'apprendre quelque chose jusqu'à savoir réellement en faisant. Téléchargez la fiche récapitulative des techniques dans la section Ressources de la classe et la photo de référence si vous avez besoin et que vous êtes prêt à commencer. Si vous souhaitez obtenir des commentaires, vous pouvez partager vos progrès avec tous les membres de la section Projet de ressources de la classe. Nous sommes prêts à plonger. vous verrai dans la prochaine leçon où je vais développer la première technique pour créer lumière et de l'ombre dans un tableau. [MUSIQUE] 3. Technique n° 1 : Moyens de conserver: [MUSIQUE] Explorons notre première technique que vous pouvez utiliser pour représenter la lumière et l'ombre dans un tableau. À l'aquarelle, il existe plusieurs façons de préserver le papier. En préservant, je veux dire, le laisser intacte sans aucune peinture. Si vous êtes débutant, vous pouvez conserver le papier pour commencer une nouvelle peinture avec plus de contrôle et moins accablée, et je vais approfondir cela au fur et à mesure que nous progressons. Si vous êtes plus avancé, vous apprendrez de cette leçon et du projet d'aujourd'hui comment tirer pleinement parti de cela pour l'appliquer aux paysages aquarelles. Le moyen le plus courant de conserver le papier est utilisé pour représenter la lumière. C'est parce qu'une grande majorité des papiers aquarelles sont de couleur blanche. Voyons comment nous pouvons le faire. La première façon de conserver le papier consiste simplement à éviter une zone spécifique pour qu'il reste blanc. Pour ce faire, il vous suffit de prendre n'importe quelle couleur et de peindre une zone tout en évitant la forme que vous souhaitez conserver comme telle. Si cela vous aide, vous pouvez esquisser la forme avant de peindre afin qu'il vous soit évident que peindre ou ne pas peindre. Pour connaître cette technique, il suffit de rappeler qu'avec l'aquarelle, la peinture s'arrêtera toujours là où l'eau s'arrête. Si vous évitez une zone complètement petite ou grande, il ne devrait jamais y avoir de peinture qui s'y étale. Si c'est le cas, je vais vous montrer plus de moyens de préserver le papier avec plus de précision. [MUSIQUE] difficile d'éviter certaines zones, c'est que lorsque vous ciblez plusieurs d'entre eux à la fois, il est possible que vous perdiez la trace de ce qui était déjà mouillé et de ce qui ne l'était pas, surtout lorsqu'il n'y a pas de croquis. Si cela se produit, inclinez votre papier lorsqu'il est encore mouillé et vous serez en mesure de savoir ce qui est encore sec. Cette technique fait des merveilles pour donner à une peinture des reflets blancs forts et lumineux. Cependant, il créera également des arêtes très dures. Beaucoup d'artistes au style lâche quittent les bords, mais si, comme moi, vous préférez un bord plus doux, une variante de cette technique consiste à utiliser un pinceau propre et légèrement humide pour les adoucir pendant la peinture est toujours mouillé comme ça. C'est à vous de décider comment vous l'aimez. Personnellement, je conserve rarement le papier de cette façon car même si les reflets papier blanc donnent aux peintures un éclat fort et frais, pour mon style plus réaliste, je préfère les reflets qui se fondent dans un un peu plus. Cependant, je l'utilise toujours pour peindre la neige ou d'autres grands éléments principalement blancs. Ces peintures en sont d'excellents exemples. Une autre façon de préserver le blanc du papier tout en obtenant des résultats plus précis consiste à le masquer avec du liquide de masquage ou de la gomme à dessiner. Les deux sont assez similaires dans leur façon de fonctionner et ils livrés dans des bouteilles comme celle-ci ou un stylo comme celui-ci. Mais aussi plus économique pour couvrir de grandes surfaces, le liquide est plus facile à obtenir, mais les stylos sont plus pratiques pour précision et les petites touches. Un outil similaire et coûteux à utiliser à la place est la cire. Je vais commencer par le liquide de masquage. Le mien est livré dans une bouteille, donc j'utilise parfois un vieux pinceau usé, mais je préfère un colorant car le liquide de masquage est à base de latex et il va facilement ruiner un pinceau à moins que vous ne le préparez correctement avec du savon avant de l'utiliser et nettoyez-le rapidement après utilisation. colorants sont fabriqués à partir de silicone et le fluide se décolle très facilement et j'aime beaucoup ça pour ça. Ce que fait le liquide, c'est qu'il empêche l'eau de se glisser sous l'endroit où vous l'appliquez, ce qui facilite la conservation des zones du papier et ne vous inquiétez jamais lors de la peinture. Pour un débutant, c'est un moyen pratique mieux se concentrer sur le processus de peinture. Je recommande de masquer les zones souhaitées avant de commencer à peindre, pas lorsque vous peignez déjà, car le liquide de masquage a besoin de temps pour sécher. Lorsque vous avez fini de peindre ce que vous voulez et que c'est sec, vous pouvez retirer le liquide de masquage avec une serviette en papier ou un chiffon en appuyant fortement et en faisant un tour. Il fonctionne aussi avec les doigts, mais il n'est pas très agréable sur la peau après un certain temps. Prenez votre temps lorsque vous retirez le liquide de masquage , car le tirer dessus pourrait endommager le papier. Vous pouvez voir ici que la forme a été entièrement préservée , c'est pourquoi il peut parfois être préférable d'éviter une zone. J'utilise du liquide de masquage pour les parties de la peinture qui doivent rester nettes parce que vous allez être peintes plus tard et pas tellement pour les pièces qui doivent rester blanches car les bords sont tellement fort et sévère. Ici, par exemple, je voulais vraiment garder la plus grande partie de la peinture, car elle allait être la seule partie blanche qui contraste avec le fond. Parce que la forme était si complexe, je l'ai masquée et je l'ai finie plus tard avec des peintures noires et oranges faire une partie crédible de la peinture. J'ai mentionné la cire comme une autre façon de préserver. Il fonctionne de la même manière comme fluide de masquage qu'il est appliqué avant de peindre dans les zones qui doivent rester blanches. La principale différence est qu'il ne sera pas aussi précis que liquide de masquage que vous ne pouvez pas voir clairement où il a été appliqué. Mais cela peut être utilisé pour ajouter texture tout en préservant la majeure partie du papier afin de rendre cette forme que vous préservez moins parfaite. C'est comme le meilleur des deux mondes entre éviter une zone et le masquer avec du liquide. Je l'utilise rarement, mais je trouve que c'est une alternative géniale et bon marché à connaître. J'aime aussi qu'il ne soit pas nécessaire de l'enlever par la suite. De plus, le papier ne sera jamais endommagé et il n'est pas très évident que de la cire a été appliquée sur papier une fois la peinture terminée. Cependant, contrairement aux méthodes précédentes, une fois qu'elle est là, elle est là, alors prenez-en compte. Le ruban de masquage est très efficace pour masquer une zone de la peinture. Ce n'est pas le plus pratique de masquer autre chose qu'une ligne droite pour être honnête. Mais si c'est tout ce que vous avez à la maison, cela fonctionne. Je l'utilise surtout pour coller mon papier sur la surface sur laquelle je peins et, en même temps, il m'aide à obtenir ces bords propres et jolis autour de mes tableaux. Parfois, je vais l'utiliser pour séparer le ciel de la mer ou de la terre lorsque je peins si c'est une ligne droite. Vous pouvez envisager d'aller plus loin et couper des pièces pour masquer une zone de la peinture. Il est également possible d'appliquer ces techniques en préservant les ombres. Cela fonctionnera avec le papier aquarelle noir, même s'il n'est pas aussi utilisé que le papier blanc, mais c'est quelque chose à considérer. Rencontrez-moi ensuite pour découvrir comment préserver les blancs en soulevant la peinture plutôt que d'éviter ou de masquer le papier. [MUSIQUE] 4. Technique #2 : Moyens de soulager: Dans cette leçon, nous allons explorer les moyens de soulever des peintures afin créer des reflets et donc de placer plus de lumière dans un tableau. La technique de levage signifie que nous enlevons la peinture déjà appliquée sur le papier. Il conviendra à tout le monde car il peut être utilisé à n'importe quel moment de la peinture pour créer plus de lumière, mais aussi pour corriger les erreurs. Pour cela, c'est une technique d'aquarelle très utile. Il peut être utilisé avec spontanéité, que vous aimiez la peinture lâche ou réaliste. Il rend également les reflets plus subtils qu'avec la conservation du papier. En effet, lorsque vous soulevez des peintures, nous ne retournons la plus grande partie du blanc du papier que dans une zone déjà peinte. Permettez-moi de vous montrer plusieurs façons de le faire. Vous pouvez soulever pendant que la peinture est encore mouillée. Pour ce faire, il est utile de prendre un pinceau propre et juste humide. Ensuite, vous appuyez dessus et retirez la peinture. Rincez, retirez l'excès d'eau et répétez l'opération pour augmenter la surbrillance. Il est important qu'un pinceau soit juste humide, comme s'il était encore mouillé, vous risquez d'avoir une floraison comme celle-ci. Une brosse assoiffée est bien meilleure car elle absorbe mieux la peinture et l'eau qui repose sur la surface du papier. Vous pouvez également soulever les peintures lorsqu'elles sont sèches tant qu'elles vous mènent. Puisque toutes les peintures et les nuances ne sont pas égales. Certains seront faciles à soulever, autres seront difficiles à soulever et c'est quelque chose que vous pourrez tester sur les couleurs que vous envisagez d'utiliser. Pour soulever des peintures sèches, vous devez mouiller la zone d'où vous souhaitez retirer la peinture , puis utiliser un pinceau ou un essuie-tout pour enlever la peinture. Vous devrez peut-être appuyer un peu, rincer le pinceau ou changer le côté de l'essuie-tout à chaque fois pour revenir à une version plus légère de la couleur que vous soulevez. Soyez prudent avec cette méthode de ne pas insister trop longtemps, car le papier pourrait commencer à se décoller. Rappelez-vous également qu'en général, avec les peintures de levage, qu'elles soient humides ou sèches, le papier ne redeviendra pas complètement blanc. J'aime beaucoup cette technique, comme les blancs, les points forts que certains obtiennent sont subtils et ils ont l'air naturels. C'est également une excellente technique pour créer un joli dégradé entre la zone peinte et la zone levée. Contrairement au fluide de masquage ou à l'évitement des méthodes papier, les bords sont assez doux ici. J'utilise la technique de levage pour peindre le ciel, la mer pour créer un bouquet, et pour presque tous les sujets que je peins. Dans la prochaine leçon, je vais vous enseigner une autre façon de créer lumière dans un tableau, alors je vous y verrai. 5. Technique #3 : Comment se dérouler: Si vous avez apprécié le fichier que seule l'aquarelle a à offrir, et que vous aimez vous sentir libre et créatif en peignant, permettez-moi de vous montrer quelques façons de repousser l'aquarelle tout en créant des reflets et des textures en même temps. Pour repousser les blancs sur le papier, il est préférable d'utiliser de l'eau propre. Vous voulez que la zone sur laquelle vous utilisez cette technique soit recouverte de peinture et de pierre à aiguiser. Nous allons y disperser de l'eau propre à l'aide d'un pinceau ou de vos doigts, comme vous préférez. Cette eau supplémentaire va repousser le pigment et laisser apparaître à nouveau les blancs sur le papier. Un nom pour ce type d'effet est Bloom. Vous pouvez également entendre du chou-fleur ou du retour arrière. La création de fleurs est une technique largement utilisée pour ajouter de la texture à une peinture ainsi que des reflets, et c'est aussi amusant. La différence avec celle que je vous ai montrée dans une leçon précédente, c'est que cette fois, nous sommes intentionnels à cet effet. La quantité d'eau que vous utilisez est ce qui nous différencie du soulèvement de la pièce et vous pouvez voir que le résultat diffère également. Comme le levage, la création de fleurs peut ne pas vous ramener les blancs vifs dans le papier, mais cela ajoutera du caractère à une peinture. C'est un tableau que j'ai réalisé en utilisant cette technique. Une alternative consiste à utiliser du sel. Vous pouvez saupoudrer le sel sur la peinture humide et de la même manière, il repoussera le pigment. texture de la technique du sel sera un peu différente de celle utilisant de l'eau. Cela prend également plus de temps car vous devrez attendre que le tableau sèche pour enlever le sel. C'est un tableau que j'ai créé avec du sel pour créer l'impression de flocs de neige. J'aime utiliser de l'eau et du sel de temps en temps. J'ai remarqué qu'ils fonctionnent mieux lorsqu'ils sont utilisés avec une seule couche de peinture, car les blancs se montreront mieux. Un outil amusant pour repousser l'eau et créer des formes amusantes qui apportent un peu de lumière dans une peinture consiste à utiliser de la pellicule plastique. Pour essayer celui-ci, il suffit d'appliquer le plastique sur la presse à peinture humide pour créer des formes et attendre qu'il sèche. Ensuite, nous allons parler de récupérer ces blancs en les retirant complètement, embrassant ce qui a été fait. Peut-être là pour savoir comment le faire. 6. Technique 4 : Comment supprimer: Dans cette leçon, je veux vous montrer comment faire noir votre papier ou quand vous constaté que vous avez commis une erreur. Techniquement, il n'est pas utilisé pour créer plus de lumière, mais il peut être très utile et servir également à cet effet. Essayez d'avoir une main légère avec les deux façons dont je vais démontrer car elles peuvent facilement endommager le papier. abord, je peux suggérer un outil spécial appelé éponge magique ou gomme magique. C'est quelque chose que vous trouverez dans les magasins d'art ou en ligne, et il peut être utilisé sur des peintures sèches. Mouillez l'éponge puis frottez-la dans la peinture. Vous pouvez rincer et répéter, cet outil vous aidera à corriger une erreur assez efficacement comme vous pouvez le voir ici. Je l'ai utilisé dans l'illustration du carnet de croquis que j'avais complètement varié avec trop de calques et j'ai réussi à tout nettoyer et à recommencer à zéro. Je ne peux que m'en porter garant, même si, comme je l'ai déjà dit, il doit être utilisé avec précaution car le papier pourrait commencer à s'éplucher avec trop d'allers-retours. Un autre moyen que j'ai utilisé sur la même page de carnet de croquis est le papier abrasif. Celui-ci rendra difficile le retour à une surface entièrement blanche qui peut être peinte, car elle va rapidement user le papier. Il est préférable de corriger des erreurs ou une tache peut-être. Ici, je l'ai utilisé pour enlever les bords durs que j'avais créés autour de ce tableau. Je n'ai pas aimé l'apparence et j'ai réussi à les adoucir et à le rendre meilleur. Retrouvez-nous ensuite pour parler de façon dont nous pouvons augmenter la lumière et l'ombre. 7. Technique #5 : Moyens de développer: Il existe quelques outils magiques pour augmenter la lumière et les ombres du tableau. Elles sont idéales pour les détails finaux et quelques améliorations. Même s'ils sont mieux utilisés en petites touches, ils feront une énorme différence dans le résultat final. Un stylo gel blanc ou un stylo Posca blanc font des merveilles pour ajouter des reflets blancs vifs. Voici des exemples de peintures que j'ai réalisées à l'aide de ces outils. Il suffit de les utiliser directement ou la fin de la peinture sur les zones qui ont besoin d'une surbrillance supplémentaire après séchage de la peinture. [MUSIQUE] Ils sont idéaux pour augmenter la lumière car ils sont précis, et il est difficile de laisser des bouts de papier petits avec la technique que je vous ai montrée auparavant. Ils peuvent également être aussi blancs que le papier. Gardez à l'esprit qu'il vaut mieux les utiliser très légèrement. Si le point culminant semble un peu trop lumineux, vous pouvez le tonifier avec votre doigt. Il est également possible de gratter le reflet avec un ongle une fois que le gel ou l'encre est sec. Cependant, il sera difficile de l'enlever complètement. J'utilise régulièrement des stylos gel blancs. Je les trouve plus lumineux que les stylos Posca. J'ajoute certains endroits où, lorsqu' il y a des reflets très nets et lumineux, ils font une grande différence avant et après sur le tableau en quelques traits. De même qu'un stylo gel ou un stylo Posca, un crayon de couleur blanche ou un crayon pastel blanc, vous aidera à ajouter des reflets petits et précis. Ils ne seront pas blancs vifs, ils seront beaucoup plus doux. Je ne les utilise pas beaucoup car j' utilise souvent de la presse à froid, du papier aquarelle. La texture sur papier ne me permet pas de mélanger ces crayons autant que je le souhaiterais. Mais c'est toujours un excellent outil pour la touche finale. [MUSIQUE] La gouache blanche est ma façon préférée ajouter des reflets à l'aquarelle. Il est extrêmement polyvalent. Il peut être utilisé très pur lorsqu'il est sorti du tube et crée des reflets très lumineux. [MUSIQUE] Mélangez avec plus ou moins d'eau. L'effet sera tel que vous le souhaitez, lumineux et opaque, ou léger et transparent. La gouache se marie très bien avec de l'aquarelle aussi. Il est facile à enlever lorsque vous commettez une erreur, par exemple, et il ne laisse pratiquement aucune trace, suffit de mouiller et de tamponner doucement l'excédent avec une serviette en papier. Vous pouvez choisir de faire de grands traits, des traits épais, ce que vous voulez, car gouache doit être appliquée avec un pinceau. [MUSIQUE] La gouache s'étale comme l'aquarelle, et c'est fantastique pour créer des reflets impeccable. Mélangez avec des aquarelles, vous pouvez même rendre une certaine couleur opaque, même si c'est un jaune que vous voulez superposer sur un brun foncé. [MUSIQUE] Enfin, pour plus de plaisir, vous pouvez éclabousser de la gouache blanche. Il est magnifique sur un tableau qui peut même créer à partir de scènes magiques enneigées comme celle-ci. Une autre façon d'augmenter la lumière d'une peinture consiste à utiliser un outil de coupe pointu comme une fraise. Celui-ci s'appelle le couteau X-Acto. C'est génial de créer des reflets fins dans la forme des lignes. [MUSIQUE] Je l' ai utilisé pour créer des cheveux surlignés et pour créer les veines de la feuille. Soyez très prudent avec cet outil, il est très pointu. Parlons maintenant des ombres. Pour créer plus d'ombres, vous pouvez utiliser marqueurs bruns ou noirs ou des stylos Micron. J'aime utiliser ces stylos Faber-Castell Sepia. Parfois, pour souligner les ombres de la peinture, ou même dessiner une texture fine. Assurez-vous que vos stylos et marqueurs sont étanches, surtout si vous souhaitez les utiliser pour tracer votre croquis et peindre dessus. Voici quelques œuvres que j'ai faites pour [inaudible] à l'aide d'un stylo Faber-Castell Pitt pour créer des détails fins et dessiner de la texture. Vous pouvez obtenir un résultat similaire avec un crayon de couleur et pastel, et tout comme les crayons blancs, ils ne seront pas aussi résistants qu'un marqueur ou un stylo. [MUSIQUE] Un autre outil fantastique pour les ombres est l'encre dans une bouteille. Je l'ai déjà appliqué avec un q-tip afin de créer des ombres. Je me suis beaucoup amusé et j'ai trouvé qu'il est plus facile peindre ensuite si vous êtes plus habitué au crayon. encre peut être utilisée avant ou après l'aquarelle tant qu' elle est étanche et qu'elle donnera votre peinture une certaine saveur. Un outil simple que vous pouvez utiliser consiste à éclabousser de la peinture sur le pinceau. Ajoutez des éclaboussures sombres ou colorées à la peinture et cela l'embellissera agréablement. Il peut également contribuer à la texture et, bien sûr, aide les ombres. Le sable ici est un bon exemple de la façon dont les éclaboussures sombres peuvent rendre une peinture plus intéressante et équilibrée des tons clairs pour les parties sombres de la peinture. Veuillez partager vos expériences et résultats avec nous dans la section Projet de la classe. J'adore voir ce que vous avez imaginé et quelles sont vos techniques préférées. Dans les deux prochaines leçons, nous allons parler de la façon de créer de la lumière et des ombres pour la couleur. On se voit là-bas. 8. Technique #6 : Moyens de Équilibre: [MUSIQUE] Dans cette leçon, voyons comment les couleurs contribuent à la lumière et à l'ombre. n'y a pas de règles dans l'art, mais en général, un bon équilibre entre la lumière et l'ombre aidera une peinture vivante. Avoir de la couleur sans beaucoup de lumière ni ombre et la peinture peut sembler plate et caricaturale. y a beaucoup d'ombres mais pas beaucoup de lumières et cela peut sembler lourd et peut-être même sombre. Avoir beaucoup de lumière et presque aucune ombre et peut-être qu'il manque un peu de saturation. Comment trouver un équilibre suffisant pour créer un contraste entre les parties claires et sombres d'une peinture afin qu'elle soit plus agréable à regarder et encore plus réaliste ? Une bonne règle générale est de s' assurer qu'avec vos couleurs principales, vous avez une teinte foncée et une teinte très claire avec laquelle travailler. Un moyen sûr de le faire est d'inclure du blanc dans ce tableau, et vous pouvez le faire en utilisant n' importe quelle technique que j'ai déjà montrée. Par exemple, j'utilise souvent la technique de levage et gouache blanche et [inaudible] ici. Le vôtre peut avoir l'air différent. N'oubliez pas que vous pouvez mélanger et associer les techniques d'un tableau à l'autre. Pour les ombres, je recommande de travailler avec du marron ou du noir que vous pouvez ajouter à vos couleurs principales les rendre plus sombres. Indigo, bleu foncé, fonctionne également à merveille pour cela. N'importe quel autre ton foncé fonctionnera, vert perylène, teinte neutre, violet foncé. J'aime le plus utiliser le brun et l'indigo. Comme je le sais, je vais pouvoir les mélanger à d'autres couleurs, mais aussi les utiliser par elles-mêmes, car dans les paysages, vous trouverez souvent des bleus et des bruns. J'utilise rarement le noir seul à cause de cela, mais je trouve qu' il est utile de rendre les sombres comme le brun et l'indigo encore plus foncés. Cette peinture est un exemple de la façon dont j'ai utilisé le brun pour ajouter des ombres. Le brun est mélangé aux jaunes et aux oranges afin de les rendre plus sombres par endroits, mais il se tient aussi seul et contraste avec un ciel beaucoup plus clair et l'eau. Nous travaillerons avec le rouge comme teinte principale par exemple, comme si nous devions peindre un monochrome rouge. Prenez le rouge seul et le tableau serait assez plat et ennuyeux. Ajoutez du blanc et cela devient un peu plus intéressant. Vous pouvez utiliser n'importe quelle technique dont nous avons parlé avant cela pour ajouter des blancs. Pour les ombres, ajoutons une teinte brune, et à partir de là, je peux la mélanger à ma couleur principale, l'utiliser seul ou même y ajouter noir pour la rendre encore plus sombre. Il y a vraiment plusieurs façons de s'y prendre. Maintenant, vous pouvez voir que nous serions capables de peindre quelque chose en utilisant principalement rouge tout en le rehaussant magnifiquement avec de la lumière et de l'ombre. J'utilise cette technique exacte lorsque j'ai peint cette rose bleue et je n'ai pas l'impression d'utiliser autre chose que du bleu au premier coup d'œil. En tant que débutant, je testerais d'abord mes couleurs sur papier et je planifiais tout à l'avance. De nos jours, j'ai pris habitude de jouer avec tous les outils que je vous donne aujourd'hui pour créer le résultat final que j'attends, car je les connais bien, mais le cadre reste le même. Au moins une teinte claire ou technique pour créer teintes claires et sombres en utilisant des couleurs telles que le brun, le noir, indigo et mes principales couleurs entre les deux. Une autre façon de créer de la lumière dans un tableau sans vous soucier conservation ou de l'ajout de blancs consiste à choisir couleurs lumineuses et à jouer avec le mélange des couleurs. Reprenons le rouge. Il est assez lumineux, ce qui aidera à donner vie à un tableau. Pour plus de luminosité, pourquoi ne pas le mélanger avec une teinte jaune vif et une variation de couleur tout aussi vive. Pour les ombres ajoutées, créons une version terne de ce rouge pour équilibrer la luminosité. Pour ternir n'importe quelle couleur, mélangez-la à un peu de la couleur opposée sur la roue chromatique. Le vert est opposé au rouge sur la roue chromatique, alors essayons cela. L'indigo ou le brun sont toujours des choix intéressants et vous pouvez expérimenter toutes les techniques que vous apprenez ici. J'espère vous avoir montré avec cette leçon qu'avec la couleur seule, il y a beaucoup de place pour jouer et expérimenter ici et vous pourrez appliquer certaines de ces techniques à nos projets comme bien. Il y a une autre chose que vous pouvez faire tirer parti des couleurs pour obtenir une lumière et des ombres exceptionnelles Retrouvez-nous donc dans la prochaine leçon avant de commencer notre projet. 9. Technique #7 : Comment s'appliquer: [MUSIQUE] Auparavant, nous avons vu comment certaines couleurs, ainsi que le mélange de couleurs, peuvent aider la lumière et les ombres. Dans cette leçon, nous allons examiner les façons d'appliquer la couleur et comment cela affecte une peinture. Dans quelle mesure diluez le pigment avec l'eau peut avoir un impact sur la lumière et l'ombre ? Prenons l'indigo, une teinte assez forte qui peut créer de belles ombres dans un tableau. Plus vous ajoutez d'eau, l'indigo devient léger, plus il est transparent. Au contraire, plus il y a de pigment à ajouter, il devient sombre, plus il est opaque. Le pouvoir de cette technique est qu'avec beaucoup d'eau, la peinture deviendra transparente et le blanc du papier passera. Remarquez comment dans cette peinture j'ai utilisé de l'indigo, mais je l'ai tellement dilué qu'il a l'air très léger, et cela contribue à ajouter de la lumière ici. L'ombre la plus forte ici est une teinte brune que j'ai appliquée dans une couche très épaisse qui y était très peu d'eau. Il a l'air très opaque et parce qu'il est également assez sombre, il ajoute aux ombres de ce tableau, ce qui montre que même avec tons sombres comme le marron et l'indigo combinés, vous pouvez toujours créer une lumière et des ombres. contrastent magnifiquement les uns avec les autres. Une autre façon de modifier l'intensité d'une couleur consiste à superposer. La superposition consiste à appliquer une couche de peinture, laisser sécher et à ajouter une autre couche de peinture sur la même couleur ou d'une couleur différente. L'ajout de calques rendra la couleur de moins en moins transparente. En fonction de la couleur que vous superposez sur une autre, vous allez créer de nouvelles variations. Laissons l'orange ici et voyons. La première couche est assez légère. Une deuxième couche donne un aspect nettement plus fort. Une troisième couche le rend assez opaque. Je vais maintenant vous montrer comment l'ajout d'une couleur différente au-dessus de la première peut avoir un impact sur la lumière et l'ombre. Cette teinte brunâtre a l'air assez bronzée ici. Mais en ajoutant du jaune sur le dessus, il devient légèrement plus lumineux sans altérer trop sévèrement la teinte d'origine. J'utilise cette technique de temps en temps lorsque je sens que ma peinture manque de dynamisme. C'est ce qu'on appelle le vitrage lorsque vous superposez une couleur au-dessus d'une autre couleur comme celle-ci. Cette scène désertique en est un exemple. J'ai utilisé l'orange vif pour donner au sable un éclat agréable et vif, et le tableau est passé du bronzage au brillant en quelques coups. Le contraire peut être fait pour bronzer une couleur que vous trouvez un peu trop brillante. N'oubliez pas de télécharger le résumé de toutes les techniques pour les garder à portée de main, et je vous rencontrerai dans la prochaine leçon pour parler des fournitures et voir ce dont nous aurons besoin pour peindre le projet d'aujourd'hui. [MUSIQUE] 10. Fournitures utiles pour le projet d'aujourd'hui: [MUSIQUE] Dans cette leçon, je vais examiner les quelques fournitures d'aquarelle, il va falloir peindre le projet d'aujourd'hui. C'est du papier aquarelle. J'ai découpé une pièce de six sur huit pouces. Il est composé à 100 % de coton. N'oubliez pas de télécharger une liste détaillée dans la section Ressources, mais pour vous donner des conseils, je peux recommander des marques telles que Arches, Winsor, Newton, Canson I'Heritage et Saunders Waterford. Dans l'ensemble, je recommande vivement froid 100 % coton papiers pressés à froid 100 % coton si vous voulez essayer, car ils facilitent l'ensemble du processus et améliorent le résultat à mon avis. [MUSIQUE] Le ruban de masquage est très utile pour coller des feuilles d'aquarelle afin qu'elles ne bougent pas pendant la peinture. Ils sont parfaits pour créer ces bords jolis et tranchants autour de la pièce. [MUSIQUE] Nous aurons besoin d'un crayon, d'une règle et d'une gomme pour dessiner un croquis rapide. [MUSIQUE] Pour les pinceaux aujourd'hui j'utiliserai un grand pinceau rond pour l'arrière-plan, [ÉTRANGER] taille 3. Pour les petits traits et les détails fins, j'utiliserai deux petits pinceaux pointus et autour, le pinceau argenté en velours noir tailles 4 et 8, et le pinceau rond [FOREIGN] taille 2/0. [MUSIQUE] Nous n'aurons besoin que de quatre couleurs aujourd'hui, une nuance d'ombre brûlée ou tout brun que vous avez, jaune ou , orange, rouge et indigo. Celles que j'utilise aujourd'hui sont la philosophie de l'art, les peintures de qualité artiste, les aquarelles étudiantes feront tout aussi bien ici. Je les ai versées dans des demi-peintures et j'aime bien l'utiliser pour stocker mes peintures et mélanger les couleurs dans ces grands puits. [MUSIQUE] Ensuite, nous aurons besoin d'une serviette en papier pour tamponner notre pinceau et enlever le liquide de masquage. [MUSIQUE] Préparez deux pots d'eau, un pour mouiller la brosse, l'autre pour rincer. [MUSIQUE] Pour masquer une partie de ma peinture, j'utiliserai cette bouteille de gomme Pebeo. [MUSIQUE] Pour l'appliquer, je vais utiliser ce modeleur de couleur. Si vous avez un vieux pinceau, vous pouvez l'utiliser à la place. [MUSIQUE] Pour augmenter les reflets on utilise de la gouache blanche et un stylo gel. [MUSIQUE] Pour augmenter les ombres qui ne sont pas obligatoires si vous n'en avez pas, j'utiliserai un stylo Pitt Artist étanche Faber-Castell. Celle-ci est très bien, comme vous pouvez le voir ici. Enfin, pour accélérer le temps de séchage, j'aime utiliser un pistolet thermique. Si vous avez un sèche-cheveux ou si vous avez l'habitude laisser sécher tout seul, c'est également une option. [MUSIQUE] Nous sommes prêts à commencer et ensuite nous allons étudier la photo de référence de notre peinture. Je sais que nous allons prendre le tableau étape par étape. Si vous êtes débutant, ne vous inquiétez pas, asseyez-vous, détendez-vous, plongez-vous dans le processus de peinture et prenez chaque leçon à votre rythme. voit ensuite. [MUSIQUE] 11. Partie 1- Études de référence: [MUSIQUE] Dans cette leçon, nous allons identifier une lumière et une ombre ainsi que la photo de référence pour notre peinture. Plus tard, nous verrons comment traduire une photo comme celle-ci en peinture en utilisant les techniques des leçons précédentes. Le choix de la photo elle-même est très important lorsque vous peignez à partir de référence. En ce qui me concerne, j'ai remarqué que si je ne ressens pas la photo, si elle ne m'inspire pas beaucoup, alors le tableau pourrait ne pas être si génial, ça m'est arrivé avant, et tout ce qu'il faut. parfois, c'est simplement changer la référence. Cette photo nous permet déjà de réussir car le contraste élevé entre les parties lumineuses, le ciel, l'eau et la table, et les ombres, les arbres et la coupe est assez évident. Il existe également des éléments bonus pour augmenter encore plus la lumière et l'ombre, l'effet bokeh et le reflet des arbres, ainsi que l'ombre large et longue sous la coupe. En regardant cette photo, je peux déjà dire que pour que la peinture soit couronnée de succès, nous devrons rendre cette quantité de contraste tout en ajoutant un peu de couleur afin qu'elle ne ressemble pas à un monochrome. Cette couleur est ce que j'appellerais la teinte principale du tableau pour équilibrer la lumière et l'ombre. Ici, il y a de l'orange et des variations. Il y en a dans les arbres et le reflet, ce qui est idéal pour que les ombres ne paraissent pas trop sombres, et j'en repère d'autres dans la tasse et un peu pour la table. lumière et l'ombre sont étroitement liées à la profondeur que nous pouvons construire dans un tableau. La profondeur rendra un tableau plus crédible. Avec les paysages, le motif est toujours le même pour cela. Arrière-plan flou et couleurs claires vers le dos et éléments détaillés au milieu ou au premier plan avec des nuances plus audacieuses. Si vous regardez de près la photo, vous pouvez voir que les arbres sont flous et que les couleurs la photo semblent transparentes pour la plupart, qui indique que cette partie n'est pas mise au point et très éloignée, donc nous peut déjà prévoir de rester libre pour garder nos peintures assez transparentes pour rendre le même effet. Dans la tasse, cependant, parce qu'elle est beaucoup plus proche et mise au point, les mêmes couleurs semblent nettement opaques. rendu avec plus de couches ou simplement un lavage de peinture plus épais fera l'affaire et aidera également à mettre l'accent sur notre tasse. La table est de couleur assez légère, ce que nous pouvons traduire en utilisant plus d'eau, mais il y a de petites fissures et des marques de bois que nous pouvons placer pour la rendre plus réaliste avec la texture. Nous ne voulons pas en faire trop pour laisser la coupe rester la star du tableau. Enfin, l'effet bokeh, l'ombre sous la coupe et entre les planches et le bon contraste entre le ciel, l'eau et les arbres, et la coupe nous aideront à peindre une pièce qui devrait paraître réaliste et plaisant à tous en même temps. L'ombre éclaircie nous aidera également à rendre la tasse et la table en 3D. J'espère que cette petite analyse vous a aidé à comprendre comment aborder un paysage aquarelle lorsque vous peignez à partir de référence. Dans la leçon suivante, nous allons commencer à dessiner le croquis. voit ensuite. 12. Partie 2 - Quoi (non) à dessiner ?: [MUSIQUE] Nous sommes prêts à dessiner un croquis. abord, assurez-vous que votre feuille est bien collée sur la surface vous travaillerez car nous allons peindre juste après cela. J'ai été très surpris de découvrir avec One Accord Painting qu' un croquis n'a pas besoin d'être très complexe, surtout pour les paysages. La plupart du temps, la simple ligne de l'horizon fera l'affaire. Dans ce tableau, nous avons un peu de détails, la tasse sur la table, et c'est ce que nous allons devoir esquisser. [MUSIQUE] Je vais commencer par la ligne d'horizon comme toujours. Vous pouvez clairement le voir sur la photo comme son ciel séparé et l'eau. Je vais le placer à environ un tiers de la page en commençant par le haut. Le tableau semble être situé autour du tiers inférieur de la page et que vous voyez que la ligne n'est pas droite, donc je la trace pour qu'elle soit précise. Cependant, ne vous inquiétez pas car nous n'avons pas besoin d'être extrêmement précis non plus. Il y a un peu de perspective avec la table. Les planches sont plus grandes quand elles sont plus proches de nous et elles deviennent plus petites vers la fin. Assurez-vous de le rendre avec vos propres lignes. Nous avons déjà une excellente base. Parce qu'il y aura de fortes ombres entre chaque planche et parce que les lignes sont si dures sur la photo, j'ai décidé de les tracer pour savoir exactement où peindre ces ombres. En règle générale, vous pouvez dessiner tout ce qui montre déjà une ligne très dure sur la photo. C'est le cas de l'horizon, avec une nette séparation entre le ciel et l'eau, ainsi que la coupe et la table. Tout ce qui est comme les arbres ou les petits détails comme les fissures de la table, nous pouvons peindre sans esquisser d'abord comme vous le souhaitez. [MUSIQUE] Pour plus de conseils, je vais tracer une ligne lumineuse où les arbres se terminent à la fois dans le ciel et dans l'eau, mais je sais que je pourrais m'en passer. [MUSIQUE] Un élément très important de la peinture est la coupe. Il a une forme détaillée et l'étoile du tableau, nous voulons donc l'inclure maintenant. Cela aidera également à vous assurer que vos proportions sont bonnes , car pour l'instant, vous pouvez toujours effacer et recommencer. [MUSIQUE] Je ne dessine pas toutes les formes d'un tableau selon ce qu'il est. Par exemple, si je peins une scène forestière et qu'il y a des roches au premier plan, je pourrais les ajouter directement avec la peinture en dernier, mais cela dépend des techniques de peinture que vous aimez utiliser et aussi à quel point ces éléments sont clairs ou sombres. S'ils sont vraiment légers et contribuent à la lumière de la peinture, il pourrait être judicieux de planifier ces éléments dès la phase d'esquisse. C'est parce que vous ne voulez pas les gâter avec des couleurs sombres. [MUSIQUE] Vous voyez qu'il n'y a pas de taille unique ici. La façon de s'attaquer à un tableau est très personnelle et elle va changer au fil du temps. Il y aura des techniques que vous préférez. Pour mon style réaliste, je veux que cette tasse soit nette et c'est pourquoi je vais utiliser un chewing-gum. [MUSIQUE] N'oubliez pas que vous pouvez utiliser un vieux pinceau sur lequel vous frottez d'abord ce savon. Si vous n'avez pas de gomme à dessiner ou de liquide de masquage, vous pouvez également éviter la tasse et la table, bien que je ne le recommande pas dans ce cas précis car la tasse est trop petite et trop détaillée, elle sera difficile. [MUSIQUE] Par expérience, je sais que je pourrais éviter la table, mais j'aurai du mal à garder ces lignes droites et nettes et cela me ralentira. De plus, la table est de couleur très claire, c'est pourquoi je préfère masquer les zones. Il se peut que je prenne mon pinceau, je ne peins pas l'eau. Puisque nous masquons la tasse, nous pourrions aussi masquer la table. [MUSIQUE] Maintenant, je vais laisser cela sécher complètement et quand c'est le cas, rencontrons ensuite et mélangeons les couleurs. 13. Partie 3 - Choix de couleurs gagnants: Dans cette leçon, nous allons mélanger les couleurs pour pouvoir ensuite nous concentrer sur la peinture. Mes puits sont prêts. Les couleurs d'aujourd'hui sont jaune-orange. Vous pouvez plutôt avoir du jaune ou de l'orange. Bois brûlé, rouge et indigo. bois brûlé et l'indigo vont nous aider à créer des ombres. Le rouge et le jaune, l'orange seront nos couleurs principales. Ceux qui aident à égayer un peu ce tableau. Pour les lumières, nous utiliserons de nombreuses techniques que j'ai montrées précédemment, notamment de la gouache blanche et un stylo gel blanc. Mouillons notre pinceau et on va d'abord mélanger l'orange. Vous voyez que le mien s'appelle un jaune-orange et il ressemble plutôt à une orange. quoi ressemble votre propre teinte n'est pas très important pour le résultat final, c'est d'avoir vos couleurs principales, lumière et de l'ombre. J'aime commencer par de l'eau et des mélanges. Non seulement nous aurons besoin de couleurs transparentes, oubliez pas qu'il est obtenu en utilisant plus d'eau que de pigments, mais il est également plus sûr de commencer par de légers lavages de peinture. Il est utile de voir où vous allez avec un tableau et de le corriger si nécessaire. Je répète avec du bois brûlé et mélange davantage parce qu'il y a beaucoup de choses dans les arbres. Il en va de même pour l'indigo. Nous utiliserons non seulement l'indigo pour les ombres, mais aussi pour peindre le ciel et l'eau. Ici, l'indigo servira deux objectifs : les lumières et les ombres. Ajoutons un peu de rouge que nous pouvons ajouter ici et là dans les arbres. C'est fini , à la suite de notre couche fondamentale. 14. Partie 4 - Coude de fond 1 : Créer une base solide: [MUSIQUE] Maintenant, le papier a été scotché, l'esquisse est terminée, les couleurs sont mélangées, laissez vous détendre complètement dans peinture car nous allons le faire étape par étape. Si vous avez pu utiliser du liquide de masquage sur la tasse et la table de votre peinture, versez-le à l'aide supplémentaire pour que vous puissiez vous concentrer pleinement sur la peinture de fond, ce premier calque fondamental de la peinture. Ce premier calque va nous permettre de placer les couleurs là où nous voulons qu'elles soient et même de placer la première lumière et ombre subtiles. À ce stade précoce, j'aime utiliser mon pinceau rond de taille trois, et c'est une taille parfaite pour la feuille de six sur huit sur laquelle je travaille. abord, mouillons généreusement notre pinceau et appliquons l'eau sur du papier. Puisque ce papier est brut en ce moment, je recommande de bien le mouiller en faisant des allers-retours atteindre tous les coins et recoins et en insistant pendant un certain temps. De cette façon, l'eau peut s'enfoncer dans les fibres et si vous en ajoutez un peu plus, il y en aura aussi sur la surface pour que la peinture se fonde bien. [MUSIQUE] Vous pouvez voir que je peins sur la tasse car je veux que la petite zone à l'intérieur de la poignée soit mouillée, j'évite les parties de la table que je n'ai pas masquées, et ce n'est pas parce que je veux l'utiliser pour la lumière, mais parce qu'il est de couleur si légère et d'une forme si précise, je veux le garder propre et intact afin que nous puissions le peindre plus tard avec notre teinte orange brun clair. Avec mon pinceau rond et pointu, le plus grand des deux que j'utiliserai dans cette classe, je me prépare à peindre le ciel et l'eau. Nous allons utiliser l'indigo avec la technique de transparence, ce qui signifie qu'il s'agit d'une version aqueuse de l'indigo qui contribuera à ajouter de la lumière à la peinture. Pour commencer, vous pouvez voir que j'ajoute très peu. Il est très léger. Nous augmenterons la couleur dans certaines zones plus tard et veillerons à laisser apparaître certaines de ces zones très claires. Appliquons maintenant du bois brûlé pour les montagnes des deux côtés de la ligne horizontale. Vous voulez qu'il soit symétrique et si ce n'est pas parfaitement le cas, c'est bon. [MUSIQUE] N'oubliez pas que nous voulons que certaines de nos couleurs principales, orange et rouge, apparaissent, donc cette peinture n'est pas une couronne modale brune, donc j'ajoute de l'orange maintenant. N'oubliez pas qu'à ce stade, la peinture va s'étaler , alors essayez de ne pas l'appliquer trop près du haut de la page, car le ciel pourrait ne plus apparaître. [MUSIQUE] J'ajoute lentement de la peinture à mes mixages. En effet, la feuille sèche même si vous ne le remarquez peut-être pas encore, donc nous ne voulons pas continuer à utiliser trop d'eau. C'est également parce que nous voulons commencer à construire de la lumière et de l'ombre. Avec un mélange brun plus épais et ensuite un mélange orange plus épais, nous ajouterons de la profondeur à ces arbres, ces parties supérieures qui semblent très claires, brûlées par le soleil et ces parties inférieures plus profondes et plus foncées. L'ajout de pigments aux mélanges et à certaines parties de la peinture contribuera également à plus de dynamisme, car comme vous l'avez peut-être entendu, les aquarelles sèchent plus légères. [MUSIQUE] Je suis content de l'apparence de ces arbres, alors maintenant, ajoutons quelques lignes droites dans l'eau pour souligner le fait que ce sont des reflets. [MUSIQUE] Vous pouvez le laisser sécher ou utiliser votre pistolet thermique ou votre sèche-cheveux comme moi. Il a l'air plus léger et nous avons une jolie nuance bleue subtile qui montre le ciel et l'eau. Retrouvons ensuite une deuxième couche. [MUSIQUE] 15. Partie 5 - Calque de fond 2 : ajustements impactants: [MUSIQUE] J'aime travailler en couches, et certainement parce que cela aide à faire de petits ajustements et petit à petit. Je vous encourage vivement à travailler de cette façon, surtout si vous êtes débutant. Mouillons à nouveau notre papier de la même manière que nous l'avions fait auparavant, sauf que cette fois-ci, cela ne prendra pas beaucoup de temps puisque la dent//et que le papier a déjà été rempli de peinture. Nous ne voulons pas non plus que notre deuxième couche continue s'étaler, donc moins d'eau est bonne ici, et comme nous avons déjà ajouté et comme nous avons déjà ajouté du pigment à nos mélanges, nous sommes prêts à y aller. [MUSIQUE] Je commence par l'eau. Quelques parties plus sombres vers le bas. N'oubliez pas que la superposition contribue à ajouter des ombres, et cela contribuera également à la profondeur. [MUSIQUE] Plus l'eau se rapproche de nous, plus il est sombre. Notez que je laisse cette zone au milieu intacte pour plus de lumière. [MUSIQUE] Maintenant, je veux travailler un peu plus sur les arbres, pour augmenter l'éclat de notre teinte orange pour pimenter un peu le tableau et aussi rendre les ombres brûlées beaucoup plus sombres. [MUSIQUE] Avec le bois brûlé, j'évite la partie supérieure des arbres brûlée par le sous-marin. [MUSIQUE] Dans les exercices, j'ai expliqué que vous pouvez rendre une couleur foncée encore plus foncée avec une autre. C'est le cas ici avec du bois brûlé et de l'indigo. Découvrez comment l'ajout d'indigo au bois brûlé se transforme en une teinte intense et brun foncé. Cela va maximiser nos ombres comme cela serait assez limité en utilisant simplement du bois brûlé. Je pars de la ligne horizontale et je m' assure de l'ajouter à des endroits aussi en haut pour créer un contraste entre les oranges vives et cette teinte brune. [MUSIQUE] Ajoutons un peu de rouge à notre dynamisme, juste un peu pour moi. Je préfèrerai que mon [inaudible] reste principalement orange pour correspondre à la tasse et à la table. [MUSIQUE] J'accroît l'impression de réflexions. Maintenant que le papier sèche et que la peinture est plus épaisse, ils en montreront plus. [MUSIQUE] Je sais que la peinture sera plus légère lorsqu'elle est sèche, donc je n'ai pas peur d'ajouter un mélange d'indigo épais à la base des arbres. [MUSIQUE] Une façon cool de montrer comment les arbres au fond font partie de l'eau consiste à créer un petit point culminant sous la ligne [inaudible], pour séparer les deux arbres de manière très subtile. Si vous regardez la photo, vous pouvez même la voir là. Pour rendre que j'utilise des techniques de levage sur des peintures humides. aide d'un pinceau propre et assoiffé, j'appuie simplement pour imprégner cette peinture dans cette zone et créer un point culminant. Remarquez ici comment toutes ces techniques que je vous ai montrées sont utiles à leur manière. Le levage est mon préféré car il est si utile et discret tout d'un coup, et ici c'est parfait. C'est génial. Essayons ça. [MUSIQUE] J'ai hâte de commencer avec les principaux éléments de la peinture. Rendez-vous dans la prochaine leçon pour peindre la table. [MUSIQUE] 16. Partie 6 - Table : Peindre la lumière d'abord: [MUSIQUE] Dans cette leçon, nous allons peindre la table. Mais d'abord, laissez-moi enlever le chewing-gum. Même sur la tasse, je suis sûr que la forme reste intacte. [MUSIQUE] Peindre des sujets mis en avant, comme la table et la tasse, est une histoire différente de celle de peindre des éléments lointains qui ne sont pas destinés à paraître détaillés. C'est pourquoi ici et pour le reste de la classe, nous allons peindre sans mouiller le papier. Nous allons simplement remplir les formes que nous avons dessinées avec de la couleur. Nous allons peindre la table d'une manière différente de celle de la tasse. Si vous regardez à nouveau la photo de référence, vous remarquerez que le tableau est de couleur très claire. Ce ton brun-orange clair en tire le meilleur parti. Les seuls tons sombres sont les ombres entre les planches et l'ombre de la coupe et les quelques fissures. C'est pourquoi pour cette table, nous voulons commencer la lumière et ajouter plus tard les ombres. Je vais encore utiliser ce pinceau rond et pointu. Je n'utilise pas encore la plus petite taille que je possède, car la table est assez grande et cette taille de pinceau semble plus appropriée. J'ai remarqué que la nuance de la table est brun-orange et c'est pratique car nous avons toutes ces couleurs dans notre palette. Allons juste les mélanger. [MUSIQUE] Notez que j'utilise encore une fois la technique de transparence pour peindre cette table. Pour qu'elle soit légère et contribue à éclairer cette peinture, il est préférable de diluer les pigments dans beaucoup d'eau. N'oubliez pas que vous pouvez toujours ajuster plus tard avec un autre calque. [MUSIQUE] Pour éviter que cette table ressemble à une même teinte exacte et la rendre un peu plus intéressante, j'ajoute quelques traits du même mélange, mais c'est un peu plus sombre. [MUSIQUE] Tant que dans l'ensemble, la table semble beaucoup plus légère que la tasse et les plateaux, elle contribuera vraiment à équilibrer les ombres. Il est normal d'ajouter un peu de pigment dans vos peintures. [MUSIQUE] Nous avons fini ici, alors nous allons nous retrouver à côté pour ajouter des ombres sur la table. [MUSIQUE] 17. Partie 7 - Table - Ajouter des ombres: Pour peindre les ombres sur cette table, je vais commencer par le bois brûlé pour les rendre beaucoup plus sombres que le mélange que nous avons fait auparavant avec du bois brûlé, orange et beaucoup d'eau. Cette fois, nous voulons que le mélange soit plutôt sombre. Vous pouvez voir que le mélange de bois brûlé est également un peu plus crémeux que ce dernier, car il y a un peu plus de pigment là-dedans. Je remplis simplement les lignes pour faire croire qu'il y a un espace entre les planches. [MUSIQUE] Avant qu'il ne sèche, j'ajoute ce mélange de bois brûlé et d'indigo que nous avons utilisé dans la trace auparavant. Il se répand dans l'autre couleur, créant un joli dégradé entre le bois brûlé et la teinte brun foncé. N'oubliez pas que c'est notre teinte la plus sombre et il est très efficace de mettre en valeur les ombres. Comme vous le remarquerez, nous n'avons pas besoin d'en ajouter beaucoup. Juste une touche suffira. C'est exactement la même chose avec des reflets très lumineux que nous ajouterons à la toute fin. [MUSIQUE] C'est superbe, mais vous pouvez voir à quel point les planches semblent fades et ennuyeuses maintenant, déséquilibrées là où les ombres fortes, c'est à ce moment que la texture entre en jeu. Mélangeons plus de bois brûlé et d'orange. Cette fois, nous n'ajoutons pas d'eau. Pour que la texture apparaisse et contraste avec la couche de base de la même couleur que celle que nous avons peinte auparavant, elle doit être plus épaisse avec de la peinture. Nous en avons parlé lorsque j'ai mentionné que plus il y a de peinture dans le mélange, plus elle devient opaque et plus elle peut contribuer à créer des ombres. Nous allons utiliser ici la technique du pinceau sec, ce qui est idéal pour la texture. C'est pourquoi vous me voyez tamponner mon pinceau sur l'essuie-tout quelques fois pour débarrasser de la majeure partie du mélange et m'assurer que ce qui reste sur le pinceau n'est pas aussi humide. Maintenant, brossons la surface des planches et une certaine texture commence à écailler. Assurez-vous de le faire dans la même direction que les planches. [MUSIQUE] Ensuite, utilisons ce pinceau plus fin pour plus de détails. Je veux ajouter un petit peu d' ombres fortes pour la texture, alors j'utilise une teinte brun foncé que nous avons obtenue avec du bois brûlé et de l'indigo. Nous allons peindre les fissures avec. n'y en a pas beaucoup, donc cela améliorera la teinte claire des planches tout en s'équilibrant avec les ombres qui séparent chacune d'elles. [MUSIQUE] Pour ajouter de la texture et du plaisir, je vais aussi éclabousser quelques peintures. Comme on le voit dans la section technique de la classe, vous pouvez utiliser des éclaboussures pour mettre en évidence et ajouter un peu d'ombre. Dans ce cas, je l'utilise pour l'ombre et texture, donc un mélange plus sombre que celui de la table est requis. Au début, j'ai mentionné que si vous trouvez votre première couche trop légère, il est possible de superposer davantage de peintures pour la rendre plus foncée. Je vais le faire, mais dans certains endroits de planches, pas partout, car en tant que tel, il manque encore quelque chose. Je trouve la couche de base. On dirait encore une nuance solide et je veux y ajouter un peu de variété. [MUSIQUE] Utilisons également la superposition pour augmenter les ombres et les espaces entre les planches. Le côté droit devrait être plus sombre que celui qui se trouve en bas de ce que l'on peut voir de ces allures. [MUSIQUE] Je mélange plus de l'ombre brûlée et de l'indigo maintenant pour peindre une ombre longue que l'on peut voir sous la tasse. Essayez de ne pas le rendre trop sombre et opaque car nous voulons que la table et la texture apparaissent encore. Même s'il s'agit d'un mélange assez transparent, c'est toujours une ombre car la couleur est beaucoup plus foncée que la table. C'est pourquoi je ne cesse de parler équilibre entre la lumière et les ombres. [MUSIQUE] Nous sommes prêts à peindre la tasse, alors rendez-vous dans la prochaine leçon. 18. Partie 8 - tasse à peindre d'abord des ombres: Dans cette leçon, nous allons peindre la tasse. Tout d'abord, retirons le chewing-gum. Pour la tasse, nous travaillons définitivement depuis la table. En effet, si vous le regardez, il s'agit de la majorité des tons sombres un peu de tons clairs et des reflets. Il est plus logique de commencer par les ombres et de les ajouter plus tard. Vous pouvez voir que la forme de la tasse est bien conservée par le chewing-gum. Le fond semble un peu décalé, mais c' est tout à fait très bien car nous pouvons mettre l'accent sur l'ombre là-bas et améliorer le bord. aquarelle est connue comme un médium difficile, mais je trouve que lorsque vous vous entraînez à travailler avec l'eau, lorsque vous jouez avec le mélange de couleurs et lorsque vous vous assurez de commencer la lumière, il devient plus facile de peinture. Tout ce que vous décidez avec le temps et la pratique. Vous êtes sur la bonne voie en vous entraînant comme en ce moment. Je ne veux pas un bord dur sur l'ombre. Je me rentre sous la tasse, alors je m'assure de l'adoucir avec un pinceau propre et légèrement humide. Faisons un peu plus de bois brûlé et de bois brûlé et beaucoup d'orange pour créer cette belle couleur que l'on peut voir sur la tasse. Vous pouvez rendre vos mélanges assez crémeux avec des pigments car ici, nous voulons que ces couleurs soient opaques et fassent ressortir cette tasse. Maintenant, les pièces les plus légères ont été peintes dans cette pièce. Je sais que je peux utiliser des peintures opaques en toute confiance. Je veux le faire dans l'autre sens. Je me sens plus en sécurité, je commencerai par la lumière et je m'ajuste petit à petit pour créer un bel équilibre dans le tableau. [MUSIQUE] La partie inférieure de la tasse est plus légère pour l'instant. [MUSIQUE] Puisque j'ai utilisé de l'indigo et du bois brûlé pour créer l'ombre sous la tasse, je l'utilise aussi pour rendre l'intérieur de la tasse que l'on peut voir paraître creux. J'ajouterai un peu plus en bas et quelques détails sur la tasse. [MUSIQUE] Je vais continuer à ajouter à la poignée et aux parties de la tasse. [MUSIQUE] Nous approchons vraiment de finir ce tableau, alors allons nous retrouver à côté pour ajouter de la lumière à cette tasse. 19. Partie 9 - Cups : Ajouter la lumière: [MUSIQUE] Cette leçon et la suivante sont là où la magie se produit, où tout se réunit dans le tableau car maintenant nous allons ajouter points forts à la tasse et plus tard, nous ajouterons quelques touches finales. [MUSIQUE] Je vais travailler avec ma gouache ici. [MUSIQUE] Je recommande de le ramasser directement dans le tube qu'il soit épais et qu' soit blanc vif même après le séchage. [MUSIQUE] Je vais d'abord contourner le bord de la tasse et ensuite je vais utiliser la photo de référence pour placer des points forts sur la poignée et la tasse elle-même. [MUSIQUE] Sur la coupe elle-même, les points forts ne sont pas comme les autres. Je dilue un peu la gouache avec de l'eau. [MUSIQUE] Il n'est pas affiché sur la référence, mais je pense que l'ajout d'un peu de gouache blanche à côté des motifs aidera à mieux l' améliorer. Je vais le faire. [MUSIQUE] Retrouvons-nous dans notre dernière leçon et finissons d'amplifier la ligne et l'ombre. 20. Partie 10 : Amplify les détails: Dans cette dernière leçon, nous sommes prêts à rendre cette peinture encore plus belle avec de la lumière et de l' ombre ajoutées et quelques techniques géniales dont nous avons parlé précédemment. Commençons par éclabousser gouache blanche pour ajouter des reflets sur la table. [MUSIQUE] Regardez à quel point il est déjà joli. Il ajoute vraiment à la lumière générale. Assurez-vous de diluer un peu votre gouache, comme vous le faites, sinon elles ne sortiront pas facilement. Retirez l'eau de la brosse ou les éclaboussures sortent trop grosses. Avec un stylo gel blanc, je vais ajouter quelques reflets nets par endroits, je le fais spontanément là où je pense que c'est nécessaire. C'est vraiment l'étape du tableau où je m'amuse le plus et j' attends impatiemment de voir les looks finaux. [MUSIQUE] Avec mon stylo Pitt brun Faber-Castell, je renforce certaines ombres. J'aurais pu le faire sans honnêtement, mais pour le cours, je voulais vous montrer comment je l'utilise. [MUSIQUE] J'adore cette technique ici pour dessiner des fissures plus petites et finales dans le bois très efficace. [MUSIQUE] Maintenant, c'est cool de soulever les peintures sèches. C'était l'une des premières techniques dont nous avons parlé. Mouillez le papier en forme de cercle et frottez un essuie-tout pour enlever la peinture pour créer cet effet bokeh. [MUSIQUE] J'aimerais bien voir votre version de ce tableau et vos exercices, alors partagez-les avec nous dans la section Projet et ressources de la classe. On se voit encore une fois avec quelques dernières réflexions. 21. Quelques réflexions finales: [MUSIQUE] Félicitations pour avoir terminé ce cours. J'espère que vous avez eu du plaisir à peindre et à apprendre ces techniques de lumière et d'ombre. Avant de partir, n'oubliez pas de partager votre projet et vos techniques pratiques dans la section projet et ressources de la classe Je serai heureux de vous aider si nécessaire et de vous donner quelques conseils. Vous pouvez également me laisser un avis de cours ici sur Skillshare pour me faire savoir ce que vous pensiez de la classe, et suivez-moi pour être mis à jour chaque fois que je télécharge un nouveau cours de peinture. Je suis actif sur YouTube et Instagram avec beaucoup d'inspiration. Vous pouvez également me trouver là-bas et utiliser le #createwithfrancoise pour vous connecter. Merci beaucoup de peindre avec moi aujourd'hui et de vous voir dans la prochaine classe. [MUSIQUE]