Peindre des paysages ensoleillés à l'aquarelle : lumière, texture et tranquillité ility

1. Bienvenue au cours !: Bonjour, tout le monde. Je m' appelle Will Elliston Et aujourd'hui, nous peignons une scène de campagne paisible qui capture la douce chaleur d'un paysage ensoleillé Ce cours vise à explorer la lumière, les couleurs et les textures de la nature tout en donnant vie à un moment de calme bord de l'eau, entouré d'arbres aux couleurs dorées. Nous nous concentrerons sur la création d' atmosphère et de profondeur à l'aide de lavis superposés, de coups pinceau expressifs et de subtils changements de température C'est un projet parfait pour tous ceux qui cherchent à développer leurs compétences paysagères et expérimenter la capture de la lumière de manière naturelle. Je suis artiste professionnel depuis de nombreuses années, explorant de nombreux sujets différents, tels que la faune et les portraits, les paysages urbains et les J'ai toujours été fasciné par les possibilités de l'aquarelle Mais quand j'ai commencé, je ne savais pas où commencer ni comment m'améliorer. Je ne savais pas de quel matériel j'avais besoin, comment créer les effets que je voulais, ni quelles couleurs mélanger. Aujourd'hui, j'ai participé à de nombreuses expositions dans le monde entier, figuré dans des magazines et j'ai eu la chance de remporter des prix décernés des organisations réputées telles que l'International Watercolor Society, la Masters of Watercolor Alliance, Windsor and Newton et la SAA L'aquarelle peut être bouleversante pour ceux qui débutent, c'est pourquoi mon objectif est de vous aider à vous sentir détendu et à apprécier ce médium étape par étape. Aujourd'hui, je vais vous guider à travers une peinture complète, démontrant diverses techniques et en expliquant comment j'utilise toutes mes fournitures et tous mes matériaux. Que vous soyez débutant ou que vous ayez déjà de l'expérience, vous serez en mesure de suivre votre propre rythme et d'améliorer vos compétences en aquarelle Si ce cours est trop difficile ou trop facile pour vous, j'ai une variété de cours disponibles à différents niveaux de compétence. J'aime commencer par une approche expressive libre, sans crainte de faire des erreurs, lorsque nous créons des textures passionnantes pour la sous-couche Au fur et à mesure que la peinture progressera, nous ajouterons plus de détails pour lui donner vie et la faire ressortir. Je m'efforce de simplifier les sujets complexes en faire des formes plus faciles qui encouragent l'espièglerie Tout au long de ce cours, je partagerai de nombreux conseils et astuces. Je vais vous montrer comment transformer les erreurs en opportunités, éliminant le stress lié à la peinture pour vous amuser. Je vous fournirai également mes tableaux de mixage d'aquarelles, qui sont un outil précieux pour choisir et mélanger les couleurs Si vous avez des questions, vous pouvez les poster dans le fil de discussion ci-dessous. Je ne manquerai pas de lire et de répondre à tout ce que vous publiez. N'oubliez pas de me suivre sur Skillshare en cliquant sur le bouton « Suivre » en haut de la page Cela signifie que vous serez le premier à savoir quand je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux Vous pouvez également me suivre sur Instagram chez Will Elliston pour voir mes derniers travaux Commençons donc le processus de peinture d' un paysage ensoleillé avec une énergie chaude et calme 2. Votre projet: Merci beaucoup d'avoir rejoint ce cours. Je suis heureuse de vous guider à travers cette scène de campagne chaleureuse et calme. Nous verrons comment utiliser une palette limitée pour créer de la profondeur et contraste et comment créer lumière éclatante en utilisant un équilibre de tons chauds et froids Nous allons commencer par les lavages de fond pour suggérer des falaises et des feuillages lointains Passez ensuite à des détails plus riches sur les arbres, les rochers et l'eau. Nous porterons une attention particulière à la façon dont la lumière du soleil interagit avec chaque surface C'est un excellent projet pour pratiquer l'harmonie, l'atmosphère et la texture naturelle. Dans la section des ressources, j'ai ajouté une image en haute résolution de ma peinture terminée pour vous guider. Vous pouvez suivre exactement ma peinture ou expérimenter votre propre composition. Comme nous allons nous concentrer sur l'aspect peinture de l'aquarelle, j'ai fourni des modèles que vous pouvez utiliser pour transférer ou tracer le croquis avant de peindre Il est bon de le tracer lorsque vous l'utilisez comme guide pour apprendre à peindre. Il est important que le sous-dessin soit correct afin que vous puissiez vous détendre et vous amuser en apprenant le médium de l' aquarelle lui-même Quelle que soit la direction que vous prenez dans ce cours, serait formidable de voir vos résultats et les peintures que vous créerez grâce à ce cours. J'adore donner des commentaires à mes étudiants, alors prenez une photo par la suite et partagez-la dans la galerie de projets étudiants sous l'onglet Projet et ressources. Je suis toujours intriguée de voir combien d'élèves ont des approches différentes et comment ils progressent dans chaque classe J'aimerais connaître votre processus et ce que vous avez appris en cours de route, ou si vous avez rencontré des difficultés. Je vous recommande vivement de regarder travail de chacun dans la galerie de projets des étudiants. C'est tellement inspirant de voir le travail de chacun et extrêmement réconfortant de bénéficier du soutien de ses camarades de classe N'oubliez donc pas d'aimer et de commenter le travail de chacun. 3. Matériel et fournitures: Avant de commencer cette peinture de paysage, passons en revue tous les matériaux et fournitures dont vous aurez besoin pour peindre. Le fait de disposer des bons matériaux peut un impact considérable sur le résultat de votre œuvre d'art. Je vais donc passer en revue toutes les fournitures que j'utilise pour ce cours et au-delà. est très utile de les avoir à votre disposition et nous vous aiderons Il est très utile de les avoir à votre disposition et nous vous aiderons à les suivre plus facilement. Commençons par les peintures elles-mêmes. Et comme la plupart des matériaux que nous utiliserons aujourd'hui, cela dépend en grande partie des préférences. J'ai 12 couleurs stables dans ma palette que je remplis à partir de tubes. Ils sont jaune cadmium, jaune ocre, sienne brûlée, rouge cadmium, rouge d'alizarine, bleu opramarne, bleu cobalt, bleu serléen, lavande, violet, viridien, noir Et à la fin du tableau, j'utilise souvent de la gouache blanche pour les petits reflets Je n'utilise aucune marque en particulier, ces couleurs peuvent être obtenues auprès de n'importe quelle marque, même si j' utilise personnellement les peintures Daniel Smith, Windsor and Newton ou Holbein Passons donc aux pinceaux. Le pinceau que j'utilise le plus est un pinceau rond synthétique comme ce pinceau Escoda Purl ou ce pinceau Van Ils sont très polyvalents car non seulement vous pouvez les utiliser pour des travaux détaillés avec leur pointe fine, mais comme ils peuvent contenir beaucoup d'eau, ils conviennent également aux laveuses Ils sont également assez abordables, j' en ai donc pas mal de tailles différentes. Viennent ensuite les brosses à balai. Les pinceaux à balai sont parfaits pour les coups de pinceau larges, remplir de grandes surfaces et pour créer des transitions ou des lavages en douceur Ils ont également une astuce nocturne qui peut être utilisée pour les petits détails. Mais pour les plus petits détails, les reflets ou tout ce qui demande plus de précision, j'utilise un pinceau synthétique de taille zéro. Toutes les marques en ont, et ils sont super bon marché. Un autre pinceau utile est un pinceau de calligraphie chinoise Ils ont tendance à avoir de longs poils et une pointe très pointue. Ils sont parfaits pour ajouter de la texture ou créer des lignes dynamiques dans vos peintures. Vous pouvez même les étaler ainsi pour obtenir des textures de fourrure ou de plumes Et c'est tout pour les pinceaux. Sur du papier. votre papier est de qualité, plus il sera facile à peindre. Le papier bon marché se froisse facilement et est très impitoyable, ne vous permettant pas Il est plus difficile de créer des effets attrayants et appliquer des techniques utiles comme le frottement des pigments. Cependant, le papier de bonne qualité, tel que le papier à base de coton, vous permet non seulement de retravailler les erreurs plusieurs fois, mais comme le pigment réagit beaucoup mieux, les risques d' erreur sont beaucoup plus faibles et vous aurez plus de chances faibles et vous aurez plus créer de meilleures peintures J'utilise du papier archers parce que c'est ce que l'on trouve dans ma boutique d'art locale Un jet d'eau est absolument indispensable. En l'utilisant, vous aurez plus de temps pour peindre les zones que vous souhaitez avant qu'elles ne sèchent. Cela vous permet également de réactiver la peinture si vous souhaitez ajouter une ligne lisse ou enlever de la peinture J'ai aussi un vieux chiffon ou t-shirt que j'utilise pour nettoyer mon pinceau Nettoyer la peinture avant de la plonger dans l' eau prolongera la durée de vie de l'eau Il est toujours utile d' avoir un mouchoir à portée de main lorsque vous peignez pour enlever l'excédent de peinture. De plus, vous ne savez jamais quand éclaboussures ou des gouttes indésirables peuvent se produire et qu'il faut les essuyer rapidement. J'ai également un compte-gouttes pour garder les peintures humides. Lorsque vous peignez, il est important que leur consistance soit similaire à celle des tubes. De cette façon, il est plus facile de prélever suffisamment de pigment. Un sèche-cheveux est utile pour accélérer le temps de séchage et contrôler l' humidité du papier. Et enfin, du masking tape. Bien entendu, il s'agit simplement de maintenir le papier immobile sur surface pour l'empêcher de glisser pendant que vous peignez. De plus, si vous prévoyez de peindre jusqu'au bord, cela vous permettra de créer une bordure très nette et propre. Et c'est tout ce dont vous pourriez avoir besoin pour ce cours d'aujourd'hui. Si vous souhaitez expérimenter avec d'autres outils et fournitures, c'est parfaitement bien. Allons-y et commençons le croquis. 4. Préparer la composition: La première chose à faire lors de la planification de votre croquis est donc de cartographier les grandes formes. Je commence par l'arbre parce que c'est essentiellement le point focal, et j'ai juste mis un simple cercle pour cela. Ensuite, je trace la ligne d'horizon approximative. Bien sûr, on ne voit pas l' horizon dans ce tableau, mais ce n'est qu'un guide. Puis, petit à petit, nous ajoutons de nouvelles formes, en commençant toujours par les plus grandes et les plus petites. Vous pouvez donc voir que c'est très difficile, mais ce n'est pas grave. Nous ne voulons pas ajouter trop de détails pour commencer. Ce n'est que maintenant que nous avons cartographié toutes les formes principales et élaboré une composition que nous pouvons ensuite commencer à ajouter les détails Il est toujours préférable de commencer avec la fin en tête. Vous ne voulez pas commencer à dessiner avant de savoir où se trouvent les objets. C'est pourquoi le fait de commencer par de grandes formes nous aide à organiser notre esprit. Et vous pouvez faire quelques petits croquis miniatures. Vous pouvez même faire le tableau entier, pas plus grand que la taille de votre paume, juste pour avoir une idée de la composition la palette de couleurs et tons que vous souhaitez utiliser pour le tableau principal. 5. Lavis de sous-couche: Je vais donc tout décomposer étape par étape. Nous allons d'abord faire une sous-couche, et je vais utiliser de l'ocre jaune et un peu de sienne brûlée, mais vous pouvez également utiliser de la sienne brute, et vous pouvez également utiliser Si vous avez l'habitude d'utiliser différents pigments, vous pouvez voir à l'écran le type de couleur que j'utilise. Et si vous en avez un similaire, vous pouvez l'égaler. Peu importe qu' il s'agisse d'une marque différente ou même d'un nom différent pour la teinte. Vous pouvez voir que c'est une couleur jaune brunâtre chaud couleur jaune brunâtre Nous appliquons donc un nettoyant à base de thé très légèrement dilué, puis nous utilisons l'humidité du papier pour apporter légères variations de ton, car nous ne faisons qu'appliquer une sous-couche Et nous empruntons évidemment la principale sorte de berge rocheuse au bord de l'eau ici. Nous devons rendre cette zone plus foncée que nous ne le pensons parce que le reste du papier est blanc, mais ce sera en fait la partie la plus claire de la peinture plus tard. J'utilise maintenant du jaune pur là où se trouvera le reflet. Nous n'avons pas besoin d'être aussi attentifs à l'endroit où nous appliquons ces couleurs car il ne s'agit que de la sous-couche C'est censé être libérateur, juste comme si vous mettiez du pigment sur le papier Nous avons tout esquissé, donc nous avons une idée approximative de l'endroit où il se trouve Ainsi, dans les limites du croquis au crayon, nous pouvons simplement expérimenter et nous amuser Nous pouvons appliquer de la couleur, puis corriger et donner un sens à tout cela avec des tons plus tard. Je dirais donc que le jaune est la couleur mère, pour ainsi dire, la couleur principale de cette composition, et tout va s'arranger pour créer une harmonie. Que nous utilisions des couleurs complémentaires ou adjacentes pour aider à l'harmoniser L'orange est donc évidemment une couleur adjacente au jaune, c'est pourquoi j'utilise beaucoup de ces oranges et de la Sienne brûlée Vous pouvez même y mettre du rouge pur, comme je le fais maintenant, et cela se mélange au jaune pour créer une orange, une belle orange éclatante. Toute cette section est donc mouillée maintenant, et maintenant nous pouvons simplement pousser et tirer avec le pinceau. J'utilise une brosse à balai. C'est en fait un pinceau très bon marché. Ce n'est pas mon meilleur car je n'ai pas besoin d'être affiné pour cela. Je n'ai donc pas besoin de pinceaux coûteux. Il ne s'agit tout simplement pas d' un petit pinceau qui ne retient pas beaucoup d'eau, un peu plus grand pour que vous puissiez appliquer beaucoup d' eau en une seule fois. Donc, les reflets, que j' ajoute maintenant, ont un petit bord dur en bas. Et puis il devient légèrement plus clair là où se trouve le bas de la banque. Et puis au fur et à mesure que nous montons en haut, c'est à nouveau légèrement plus clair. 6. Créer les tons: En continuant avec les mêmes couleurs. Nous pouvons désormais utiliser des pigments plus épais, en utilisant les mêmes pigments et couleurs que ceux que nous utilisions auparavant. Mais comme le produit commence à sécher, les coups de pinceau garderont un peu plus leur forme. Nous pouvons donc utiliser des lignes plus fines comme celle-ci. J'utilise toujours cette brosse à balai parce qu'elle se résume à une petite pointe Mais si vous n'avez pas de brosse à balai, c'est très bien, vous pouvez la remplacer par une brosse plus petite si vous le souhaitez, juste pour créer ces jolis petits traits, ces lignes douces et ces lignes douces sont dessinés intentionnellement Ils ne sont pas dirigés au hasard. Ils suivent les plans de cette rive pour que vous puissiez voir qu'ils suivent cette sorte de chute en diagonale du haut vers la gauche. Certains d'entre eux seront verticaux dans les reflets ce qui implique le type de nature verticale d'une réflexion. Il est un peu trop difficile d'adoucir certaines de ces lignes maintenant. C'est ce qu'il y a de bien avec Wet and Wet. Nous pouvons les ramollir, les pousser et les tirer, avoir un mouchoir en papier dans main parce que je ne veux pas exagérer ici. Je fais très attention cela parce que nous allons peindre un ciel bleu et nous allons faire de notre mieux pour créer un fort contraste, une division, et non une ligne floue. Parce que le bleu sur le brun ou orange se neutralisera Comme ce sont des couleurs complémentaires, elles deviendront grises. Nous devons donc nous méfier un peu de cela, mais nous n'avons pas à limiter notre liberté et notre expressivité à cause de cela Essayez d'expérimenter et ne vous contentez pas de laver à plat ici. Vous pouvez voir comment j'ai incorporé de l'orange, jaune, et j'ai également rendu certaines zones plus claires, d' autres plus sombres. Encore une fois, il n'est pas nécessaire que ce soit exactement pareil. Vous pouvez évaluer votre peinture, regarder où elle se trouve sur la mienne, retirer les parties les plus claires, retirer avec le pinceau, nettoyer votre pinceau, utiliser une éponge ou une serviette pour faire en sorte que votre pinceau ressemble à une éponge, gros, réabsorber les zones qui doivent être en gros, réabsorber les zones qui doivent être plus claires et plus de pigment là où il doit être plus foncé Tu vois, je suis en train de pincer mon balai ici pour faire une précision. Et je vais grimper sur certains troncs d'arbres avec le même jaune Bien sûr, dans la nature, le jaune n'est pas le même, mais nous utilisons ce type de palettes limitées pour que tout soit harmonisé et cohérent C'est juste pour jouer. Ce n'est pas le moment de la peinture où je pense à quelque chose de précis. J'essaie de ne pas réfléchir et de simplement jouer, en gros. 7. Sous-couche d'arrière-plan layer: Je l'ai donc complètement asséché, et nous pouvons passer à l'étape suivante. Et ce sera peindre les falaises lointaines. Je ne vais pas ajouter de jaune pour le moment, juste de la Sienne pure brûlée, juste pour commencer, pour me faire une idée, et peut-être un peu d'ocre jaune, pas de jaune cadmium parce que le jaune camium est un peu Et cela se trouve au loin en arrière-plan Nous ne voulons donc pas que l'arrière-plan soit plein de vitalité, sinon cela s'éloigne du point focal Nous restons donc un peu plus modérés. Encore une fois, essayez de suivre cette ligne, sans dépasser la ligne du crayon en haut. Il y a donc une distinction claire entre le ciel et les rochers ici. pivoter mon pinceau pour l'amener là où je veux qu' il soit, de manière à ce qu'il se courbe autour des rochers. Je ne peins pas de fond en comble. J'ai des buissons sur cette petite rive, ce petit monticule pour lequel j'ai besoin du blanc du papier Le reste ici peut être mélangé assez facilement, mais il y a quelques petits buissons que je veux conserver parce que je vais peindre en vert dessus J'y retourne encore une fois parce que c'est sec. Nous pouvons ajouter une petite couche, un peu de texture à cette banque. Tout est donc très harmonisé pour le moment. Nous n'avons pas vraiment beaucoup varié de couleurs, mais maintenant nous ajoutons un peu de vert aux buissons dont je viens de parler. Et j'ai fait attention à ne pas le relier au lavage ci-dessus. Si on le touche un peu, c'est bon. Cela se mélangera assez doucement parce que vous pouvez voir je n'y ai pas mis beaucoup d'eau, et vous pouvez voir qu'elle s'y mélange, mais c'est également contrôlable 8. Le ciel: Il est maintenant temps de peindre le ciel. Je commence par le bleu cérame. C'est ma couleur principale pour le ciel. Et vous pouvez simplement l'utiliser directement dans le tube ou dans le moule. Mais j'aime le varier un peu, avec un peu de bleu outremer, simplement parce que le bleu cérlean, même s'il est toujours bleu, se rapproche davantage du vert sur la Et l'ultramarine se tourne davantage vers le violet. L'ultramarine est donc en fait un bleu plus chaud que le bleu serlean. Donc, mélanger les deux avec un autre type de pigments et de granulation là-dedans, sur le papier, une fois qu'il sèche, cela semble plus intéressant C'est quelque chose qui n'est pas très évident sur une photo ou sur un écran. Mais dans la vraie vie, dans votre propre peinture, vous verrez comment les différents niveaux de pigment s'aplatissent les uns sur les autres et le rendent un peu plus dynamique Voyez dans quelle mesure j'ai utilisé ma palette. Il y a des casseroles gratuites, essentiellement de ce produit de lavage, parce que je dois m'assurer qu' il y en a assez pour toute la zone. C'est une zone assez vaste, un grand lavage et parfois de grands lavages peuvent être intimidants Il faut beaucoup d'entraînement pour s'assurer d'en obtenir un propre, en particulier avec le bleu serlean, qui contient beaucoup de granulation C'est un pigment assez épais. Il faut donc beaucoup mélanger et travailler assez rapidement. Si vous agitez à nouveau l'erreur, vous devrez en quelque sorte tout refaire car le coup de pinceau ne sera pas à sa place car il commence à sécher au moment où vous l'enfilez Vous vous êtes donc mis au travail assez rapidement, ce qui peut être un peu difficile car, comme vous pouvez le constater, je fais très attention à ne pas franchir l'orange des collines lointaines. Et les arbres ici parce que je veux le blanc du papier là-bas. C'est pourquoi avoir une brosse à balai ou du moins ce n'est pas nécessairement une brosse à balai coûteuse, Les brosses à balai peuvent coûter cher si ce sont des cheveux naturels, mais cette brosse, vous pouvez le voir dans ma vidéo sur le matériel et les fournitures, n'est pas une brosse à cheveux naturels C'est un matériau synthétique, donc c'est beaucoup moins cher, ce qui signifie que je n'ai pas peur de l'utiliser, qu'il contient beaucoup d'eau et qu'il tient une belle pointe fine à la pointe. Je peux donc contourner tous ces arbres et adoucir certaines bordures parce que je ne veux pas que tout soit bordé. Maintenant que nous avons peint le ciel, nous comprenons un peu mieux la relation avec ce premier plan, et nous pouvons commencer à changer un peu mieux les tons J'utilise donc ce vieux pinceau juste pour le frotter un peu, réagiter le pigment et utiliser un mouchoir pour le retirer afin de le rendre un peu plus clair à Il est toujours difficile de se faire une idée juste lorsque vous peignez la sous-couche pour la première fois, mais le point positif, c'est qu'il n'y a pas encore de détails, nous pouvons donc les corriger. De même, avec le ciel ici, une brosse similaire, efface simplement l'endroit où se trouvent certains arbres Nous aurions pu le faire en peignant le lavis pour le ciel, mais je ne voulais pas le compromettre . Vous pouvez toujours revenir en arrière et frotter tant que le pigment que vous utilisez n'est pas très tachant cerlan, le bleu cobalt et le bleu ultrane ne colorent pas beaucoup Le bleu Thalo l'est, il serait donc plus difficile de le nettoyer. 9. Sous-couche d'arbres: Nous pouvons maintenant commencer à peindre l'arbre. C'est du jaune cadmium. Peut-être une petite touche de rouge cadmium juste pour le rendre légèrement plus orange. J'ai maintenant remplacé mes pinceaux par mes pinceaux synthétiques Van Gogh. Tout comme les pinceaux ScodaParl, en fait. Ils sont juste un peu moins chers parce que je les lis assez rapidement. Mais ils ne coûtent que deux euros ou 3 dollars, selon l'endroit où vous regardez ce film Ils coûtent donc environ la moitié du prix des scodas et ils ont tout de même un très bon point Ainsi, pendant que nous utilisons ce jaune vif, nous pouvons réfléchir à l'endroit où nous pouvons l'utiliser pour créer une harmonie sur la toile. Alors peignez ces petits buissons ici. C'est toujours une sous-couche. Donc, même si nous ne voulons pas nous retrouver avec des buissons jaunes, nous pouvons ajouter un peu de bleu plus tard pour le rendre vert. Mais comme nous avons déjà établi ce jaune, il y a une sorte de lien. Ce n'est pas hors de propos. Pendant qu'il est encore humide, appliquez un peu de rouge. Il y a donc un peu de mouillé sur cette sous-couche. Lorsque nous peignons des arbres, nous devons d'abord penser aux formes principales, puis nous pouvons commencer à séparer les détails. Pensez-y comme des blocs de tons et couleurs plutôt que comme des milliers de feuilles différentes réunies. Je pense que les arbres sont l'une des choses les plus difficiles à peindre, mais lorsqu'ils sont bien faits, ils sont très saisissants, et j'ai toujours envie de m'entraîner C'est pourquoi je continue à les peindre. Laisser passer de petits trous. Nous pouvons toujours ajouter le bleu du ciel plus tard, mais en fait, c'est l'esprit qui le remplace. Donc, considérez d'abord l'arbre comme une forme, et non comme une collection de feuilles. Vous devez masquer la canopée dans son ensemble, puis la briser avec quelques formes négatives stratégiques. Il y a donc généralement trois étapes pour peindre l'arbre. Pour le moment, nous sommes dans la phase de blocage, mais vous pouvez voir que nous passons progressivement à la deuxième étape, qui consiste à réfléchir qualité des bords et à la manière dont nous devrions la faire varier. C'est plus difficile lorsque la lumière se heurte à l'obscurité, mais plus doux lorsque la forme se détourne ou prend des valeurs similaires Vous pouvez donc voir où l' orange se fond dans le jaune. Il est généralement plus doux. C'est donc ce que j'essaie de faire. Bien sûr, il y a des domaines que j'ai oubliés, mais cela crée en fait un peu d'authenticité, comme ces petites erreurs donnent l'impression que c'est vrai. Il ne s'agit pas d'une sorte de perfection forcée, car elle n'est pas parfaite si elle est forcée. Donc, le fait d'autoriser ces petites erreurs ou ces petites lacunes que j'ai manquées involontairement donne impression que c'est un peu plus réel, un peu plus authentique J'ajoute donc un peu de violet en arrière-plan parce que ce n'est pas le point central, ces arbres. Ce n'est pas l' arbre principal. Donc, ajouter un peu de violet sur ce jaune l'atténue 10. Ombres distantes: En le tamisant, il ajoute un peu plus de profondeur. C'est plutôt au loin. Il ne vole ni ne rivalise pour attirer l'attention. même pour ce que je fais actuellement avec les falaises lointaines, qui sont ultramarines Il s'agit essentiellement d'un pur ultramarin. J'ai un peu de teinte neutre que j'ai mélangée. De plus, jouer avec différents bleus, comme serleon, peut-être un peu de violet Et je suis en train de prendre un petit bout du rocher baigné par le soleil au sommet Et puis le reste c'est de l'ombre, et les ombres sont plus froides, et comme c'est au loin, il fait beaucoup plus frais. C'est pourquoi j' utilise le bleu. Les falaises reculent parce que leur température est plus fraîche. Cela donne cette sensation d'atmosphère, distance car c'est un élément de fond. Si nous le rendions aussi éclatant que l'arbre, cela aurait l'air étrange. Il le proposerait lorsque nous voudrions le faire reculer. De plus, sa valeur sera plus légère. Je sais que pour le moment, c' est la partie la plus sombre du tableau, mais les ombres que nous utiliserons au premier plan, là où se trouvent les reflets, là où se trouvent les rochers sur la rive, seront d'un noir pur Il sera donc plus léger, frais en température et plus doux en termes de qualité de bord. J'ai donc quelques arêtes dures pour le moment, mais ce n'est qu'une sous-couche Nous les adoucirons peut-être plus tard. J'ai laissé transparaître un peu de cette couleur dorée, surtout au sommet J'utilise beaucoup de traits angulaires, alors j'ai même fait le type de triangle sur la gauche et quelques traits verticaux pour indiquer la forme de la roche qui descend. Vous n'avez besoin que d'un ou deux , puis de quelques arêtes abstraites. Ajouter un peu plus de pigment pour indiquer la forme de ces roches. Une grande partie de ces détails, cependant, est suggérée. C'est pourquoi nous utilisons le mouillé et le mouillé. Nous ne le disons jamais directement avec des lignes dures. Bien sûr, je vais le prendre avec une pincée de sel car j'y ai ajouté des lignes dures, mais je viendrai les adoucir un peu plus tard. Il serait impossible de durcir une ligne souple, mais nous pourrons toujours adoucir les lignes dures à l'avenir. Les formes restent donc principalement horizontales pour renforcer la distance et contraste avec les verticales et diagonales plus complexes de la zone focale, comme les arbres, très L'horizontalité de cet arrière-plan crée donc un sentiment d'équilibre Je vais donc l' amener dans les buissons. 11. Ombres humides sur humides: Maintenant, je mélange du vert viridien à ce bleu, car il est encore mouillé sur mouillé Je suis juste en train de le déposer maintenant que j'ai peint les zones que je veux couvrir autour des buissons ici, en utilisant le bout de mon pinceau juste pour le remplir et le relier au lavis ci-dessous parce que, bien sûr, il lavis ci-dessous parce que, bien sûr, sera plus foncé en bas moins de lumière arrivera et vert parce que les buissons sont verts en bas, mais pas d'un vert jaune, une sorte de vert froid, un vert bleuté J'essaie d'y apporter mon pinceau de façon organique. Il y a une petite interaction entre froid et le chaud dans cette pièce, car c'est une scène très chaleureuse C'est l'idée même de tout cela. J'ai l'impression d'un coucher de soleil doré et chaud. Mais même dans ce genre de scène jaune éclairée par le soleil , nous devons introduire de subtiles notes froides Le ciel, les ombres de fond. Et ces petits accents de fraîcheur donnent vers une sensation de chaleur supplémentaire grâce à ce contraste Cette petite astuce subtile est donc en fait très puissante pour transmettre la sensation de température. Si j'ajoutais simplement du brun pour les ombres, il ne ferait pas vraiment chaud On aurait juste l'impression qu'un filtre recouvre tout. Et ces ombres sont en fait toutes des couleurs complémentaires à celles du premier plan. Il est donc principalement jaune au premier plan. Donc, le violet comme couleur d'ombre principale complète ce jaune. Et puis nous avons des oranges, bien sûr, et puis du bleu dans l'ombre pour compléter les oranges. Un peu de rouge. C'est pourquoi nous avons un peu de vert. Ajoutez donc ces détails horizontaux lorsqu'il est mouillé sur mouillé. Mouillé et mouillé car il adoucit les bords. Et vous pouvez utiliser un pistolet pulvérisateur pour le pulvériser. Mais en fait, si vous travaillez rapidement, vous vous forcez à travailler rapidement, cela crée une sensation plus organique. Je l'ai donc complètement séchée avant de commencer ce nouveau lavage, et je l'ai fait en mélangeant Sienne brûlée au vert que nous venions d'avoir sur notre palette C'est donc une sienne brûlée et un vert pour créer cette couleur. Je vais passer en revue cette zone que nous avons peinte auparavant, mais comme elle était sèche, elle a un bord dur et elle s'adoucit légèrement lorsque nous l'agitons un peu plus Mélanger un peu de bleu à ce brun. 12. Retirer le lavage: Au fur et à mesure que nous descendons dans l'eau, elle devient plus éclatante donc mélanger un brun plus fort exactement au niveau de l'eau, puis le fusionner Veillez également à ne pas peindre petit à petit la rive qui se dirige vers la gauche en diagonale, trait par trait, en gardant mes traits très horizontaux, ajoutant de l'eau pure pour que le linge tombe tout seul Utiliser le côté de mon pinceau pour créer une sorte d'effet de brosse sèche. Il ne s'agit donc pas d'une ligne plate en bas. Et nous pouvons commencer à appliquer un peu de bleu, à modifier et à jouer avec cette touche de violet humide et humide , en essayant de trouver les bons tons J'ai pris le temps d' évaluer ce que je dois faire. Je pense que tout doit être un peu plus sombre. Donc, petit à petit, en ajoutant plus de bleu, puis en ajoutant un peu d'ocre jaune au brun que j' ai sur ma palette Je vais travailler avec audace de bas en haut, en ajoutant au lavage, pour qu'il y ait un beau changement de ton progressif , parce que je veux qu'il y un beau contraste fort sur cette rive, cette rive du fleuve Mais je veux aussi qu'il disparaisse progressivement dans l'ombre de ces collines lointaines. Rendre la couleur encore plus riche au fur et à mesure que nous descendons. Je fabrique mon propre vert en mettant de l'ocre jaune et en le mélangeant avec du bleu C'est encore humide, encore très humide. Donc, en appliquant ces petits traits se fondent légèrement dans le mouillé et le mouillé, ils conservent à peu près leur forme. Mais ils suggèrent des détails plutôt que de les énoncer explicitement. Et si je les trouve trop rigides, je les repasserai avec plus d'eau. Donc bleu outremer. J'essaie de choisir quels bords doivent être souples et lesquels doivent être durs. Parce que je ne veux pas être un peu flou, mais je dois laisser entendre une sorte de forme 13. Rochers distants: Avec le recul, il semble qu'il y ait plus de détails que nécessaire en arrière-plan. Je vais donc l' adoucir complètement avec un peu de violet L'esprit a tendance à vouloir trop détailler les choses, et cela m'affecte toujours. Je passe tellement souvent du temps à ajouter des détails que je passe ensuite en revue et adoucis. J'ai ajouté quelques lignes diagonales pour cette colline éloignée sur la rive, juste pour indiquer la direction, car cette composition comporte presque un élément en zigzag Vous pouvez voir que les lignes descendent de cette façon. Ensuite, la banque va dans l'autre sens, puis le reflet descend dans l'autre sens. Et cette composition en zigzag ajoute à la perspective, mais elle attire également le spectateur Cela le rend plus immersif. Si vous regardez de nombreuses peintures de campagne, vous verrez que les S et les Z sont un thème commun. Ajoutez un brun plus foncé maintenant. Cela part directement du bord du papier pour obtenir une belle bordure propre, et elle s'amincit au fur et à mesure. Cela crée donc presque une flèche abstraite. Bien sûr, cela ne ressemble pas à une flèche, mais c'est le genre d'intention. J'essaie toujours de lui donner un aspect organique. Mais tous ces petits zigzags et formes ressemblent à des flèches pointant vers Ce sont des directions implicites, des lignes implicites. Ils ajoutent une sensation de mouvement et de fluidité pour que votre œil ne se perde pas. Vous pouvez regarder n'importe où dans la composition. Il existe une sorte de guide qui vous permet de vous déplacer et de vous donner une impression de fluidité. J'utilise le marron pour ce monticule de roche ou cette forme ou pour cet outil abstrait que j'ai utilisé pour la composition Si j'utilise le bleu, je pense que cela semblerait un peu trop abstrait. Nous avons déjà utilisé le bleu ci-dessus. Le fait de l'avoir brun ajoute donc un peu de variété. 14. Transitions sombres: J'atténuerai peut-être ce point un peu plus tard, mais je vais passer à autre chose parce que vous pouvez facilement vous retrouver coincé dans une zone et perdre de vue la situation dans son ensemble. Je passe donc aux reflets en bas, en prémouillant d' abord le papier, puis en laissant tomber peu d'ocre jaune et de rouge cadmium Correspond essentiellement aux couleurs que nous utilisons au premier plan. Et remarquez que je ne le fais pas baisser. Je laisse un petit espace blanc en bas parce que je vais y ajouter un peu de bleu, pour passer de l'orange au bleu. Et je ne vais pas trop l'agiter parce que si je l'agite, le bleu se mélangera à l'orange et il aura l'air assez Ainsi, chaque fois que vous travaillez avec orange et le bleu ou toute autre couleur complémentaire, vous pouvez faire attention à ce qu' ils n'interagissent pas trop. Mais il ne faut pas trop insister, car gardez à l'esprit s'agit que d'une sous-couche pour le reflet, nous allons donc peindre à peu près tout cela de toute façon Ce ne sera qu'une influence subtile. Ils se regardent l'un à côté de l'autre. Ils sont beaux quand ils jouent ensemble. Mais lorsqu'ils se mélangent complètement, ils deviennent gris ou verts. Parfois, nous voulons un peu de boue, donc cela ne me dérange pas d'avoir un peu de verdure ici Comme vous pouvez le voir, je n'ai pas trop déconné, juste quelques coups vers le haut pour exprimer cette sensation de réflexion Et l'orange ne s'est pas mélangée à ce bleu pour créer une couleur trouble. Il a toujours l'air assez propre. Et ils remplissent le reste du bleu de l'autre côté pour la sous-couche de ce reflet et de l'eau Donc, le linge en bas, là où il est bleu, est complètement sec maintenant. J'ai utilisé un sèche-cheveux et nous pouvons commencer par le deuxième passage, la deuxième couche par-dessus, qui sera beaucoup plus éclatante et plus forte. J'ai de nouveau mélangé de la Sienne brûlée et un peu d'ocre jaune et je l'ai progressivement abaissée, en m'assurant qu'elle ne dépasse pas la rive Je l'utilise pour peindre négativement la banque, en fait, et je peux opter pour un brun plus tamisé, un brun plus foncé avec moins Donc, une teinte foncée mélangée à une teinte neutre ou vous pouvez même utiliser du bleu pour le neutraliser un peu Vous pouvez donc voir que nous avons une sorte de réflexion horizontale en cours. Il commence par la terre, puis il vire au brun, puis il passe progressivement à un brun plus foncé et plus tamisé. ce que ces traits, même s'ils sont doux, soient horizontaux, car c'est ainsi que nous créons l' illusion d'un reflet. Une belle Sienne brûlée pure et éclatante. Mais ensuite, nous ajoutons un pigment plus foncé. Vous pouvez utiliser du violet, du bleu, du noir ou même, quelle que soit la couleur foncée que vous voulez, et des pigments à mélanger et à mélanger de manière organique Ça a l'air noir, mais ça ne l'est pas. C'est du bleu outremer mélangé à de la sienne brûlée pour créer un pigment très foncé sienne brûlée pour créer un pigment très Et voici du bleu cobalt. Regarde comme ça a l'air sombre. Mais quand il s'amincit, vous pouvez commencer à en percevoir le dynamisme 15. Ajouter de la variété: Nous faisons donc des allers-retours entre la lumière et l'obscurité. Maintenant, j'opte pour cette sienne brûlée éclatante, et je fais très attention à ne pas laisser de traces de papier blanches et à les garder là comme ça J'ai volontairement laissé un espace de quelques millimètres parce que cela ressemble à un reflet, et cela sépare le bleu, le bleu foncé et le brun et je fais le tour de l'autre côté pour le Mais je garde cette petite lacune. Vous n'en avez besoin que d'un ou deux, et bien sûr, vous pouvez les ajouter avec du guash blanc à la fin En fait, j'ai commencé à y ajouter un peu d' ocre jaune parce que je vois ce buisson sur la rive qui se reflète dessus Je veux donc l'influencer un peu avec cela Et maintenant je pense qu' au-dessus de ce buisson, les montagnes lointaines sont un peu violettes. J'ajoute donc un violet chaud. Cela ressemble plus à une couleur marron maintenant. Ce n'est pas le même violet, mais c'est une sorte de rouge très froid, en gros. Ce n'est pas un jaune-rouge. Il penche davantage vers le bleu. Ajout de traits horizontaux pour le moment. Horizontal ou vertical Quand il s'agit d'eau, il ne faut pas penser en diagonale, ou du moins les limiter. En caressant de temps en horizontalement avec le bout de mon pinceau, en utilisant les différentes étapes de séchage Maintenant, j'ajoute des lignes verticales. Donc, je tiens mon pinceau au bout et j'utilise mes doigts juste pour le caresser de haut en bas. J'ajoute un peu de marques de pinceau abstraites ici. n'a pas besoin d'être propre ou bien rangé car ce n'est pas l'objectif J'essaie de créer des formes organiques intéressantes car l'eau est de toute façon assez déformée. Cela déforme les formes des choses. Nous pouvons donc nous permettre d'être un peu plus ludiques dans l'eau. Oh, remarquez que je n'ai pas fait tout le chemin avec le reflet. J'ai autorisé la réflexion de la lumière sur cette banque pour le moment. Il y a plusieurs choses que vous pouvez faire pour créer l'illusion de l'eau. Il est donc évident que les reflets sont placés directement sous leurs formes sources, mais ils sont légèrement plus foncés. C'est pourquoi je fais du ciel ici un bleu plus foncé, et les bords sont plus doux que ceux qui se reflètent. Cela signifie donc beaucoup de technique humide sur mouillé. Il s'agit principalement de traits horizontaux, mais nous utilisons des tirages verticaux et traits pour créer cette idée de réflexion. Et puis l'horizontale pour que les ondulations le suggèrent. Nous essayons d'éviter de créer des reflets aussi nets que l'objet, car nous ne voulons pas qu'il ressemble à un miroir. Idéalement, nous voulons impliquer une sensation de mouvement de l'eau qui coule, de vagues qui se déplacent doucement Nous ne voulons donc pas que ce soit comme un miroir propre et stagnant. 16. Ombres des arbres: Nous pouvons maintenant faire une petite pause dans les reflets, le laisser sécher un peu et commencer à affiner ce buisson, en utilisant un peu de pinceau sec pour déterminer la forme, la forme négative, puis en le remplissant d' un peu d'orange ou d' un peu de rouge sur le dessus du jaune pour rendre l' orange plus foncée en bas, et progressivement de plus en plus claire et pâteuse au fur et à mesure que nous Nous ne voulons pas qu'il soit parfaitement rond. Nous voulons nous agiter et rendre les choses un peu irrégulières au fur et à mesure que nous nous déplaçons. Ils n'ont pas vraiment besoin de ressembler à des buissons évidents. Par exemple, si vous deviez découper cette section, elle n'a pas besoin de ressembler à un buisson. C'est juste l'indication de la présence de quelques feuilles, formes très abstraites, en fait. Et au fur et à mesure que nous montons sur ce monticule, les buissons s'éloignent Le contraste est moindre et nous le relions aux ombres en arrière-plan. Passons maintenant à l'arbre Je remplis certaines zones blanches d'un peu de bleu, puis j'utilise un mouchoir pour les adoucir. Juste pour qu'il corresponde légèrement au ciel. Mélangez ensuite un brun très foncé, l'aide d'un pinceau qui peut contenir une grande quantité de pigment, mais dont la pointe est belle et fine, car nous pouvons commencer à ajouter un peu plus de profondeur et de contraste, car cet arbre est sans doute le point central Nous avons donc besoin qu'il soit vraiment au centre de l'attention. Cela ne signifie pas que nous devons nous occuper de nombreux détails, mais nous devons créer un peu de contraste netteté. Il s'agit de la deuxième étape de l'arbre, essentiellement, car les brindilles et les détails fins viennent en dernier Et ce n'est que dans les zones focales qu'ils devraient donner l'impression d'un accent naturel. Ce n'est pas comme une étude botanique où tout doit être uniforme. J'essaie juste de peindre autour de la branche jaune pour la faire ressortir. Relier petit à petit les buissons lumineux et vibrants avec le sol en dessous, en utilisant des tons différents. Nous n'avons besoin que d'une ligne très fine dans certaines de ces zones pour en déduire la forme. Garder des couleurs chaudes pour le moment. Vous pouvez voir que nous utilisons de la Sienne brûlée avec un peu de noir, un peu de violet, et maintenant que j'utilise, j'ai mélangé un pigment très épais et éclatant pour ajouter un peu de texture C'est donc du jaune cadmium avec du rouge de cadmium pour obtenir une belle orange forte. Je brosse en essayant de créer une petite marque de pinceau sèche pour donner l'impression que les feuilles semblent encore grandes, mais comme c'est un pinceau sec, cela crée de la texture et implique donc des feuilles 17. Masses d'arbres: Vous pouvez voir qu'il s'agit d'une approche à plusieurs niveaux. Nous avons commencé avec ce jaune pur. Ensuite, nous avons opté pour une orange moyenne, et maintenant nous utilisons une orange très épaisse sur une orange très épaisse les bords, parfois de manière assez aléatoire, dispersant pour créer une sensation organique, essayant de ne pas trop y réfléchir, en créant un peu de désordre, puis plus tard, en donnant un peu plus de sens J'ai d' abord ajouté quelques ombres pour pouvoir y ajouter ce mélange éclatant, car le jaune camium est assez opaque Il contient des pigments assez épais. Vous pouvez donc peindre sur le dessus de nombreuses ombres avec ce cabium jaune, un peu comme de la gouache On y mélange un vert naturel. Et je le fais sans même toucher à Viridian. Les varidiens sont un vert assez artificiel. J'ai utilisé le cerrillm que j'avais pour les reflets de l'eau sur le dessus de la casserole et mélangé un peu de jaune et d'ocre jaune y ai mélangé un peu de jaune et d'ocre jaune parce que c'est un De plus, pour créer des verts réalistes, ils doivent être très variés. Donc, juste en utilisant viridian pur ou du vert de sève pur, c'est trop plat. La nature possède d'innombrables variétés de légumes verts. Donc, créer votre propre green rend en fait plus réaliste. Et en fait, ce n'est pas dans le contexte de la peinture, ça a l'air vert, mais c'est en fait plutôt du jaune, un jaune tamisé Remplissez les zones, mais essayez de laisser un peu de blanc ou de lumière sur le papier ci-dessous, juste pour indiquer certaines branches. Ensuite, je peux utiliser d' autres couleurs, comme cette lavande pour ajouter de la fraîcheur et, encore une fois, cela créera un peu de profondeur Tout est donc un peu mouillé et simple fait de le laisser tomber dedans le rend insaisissable. Et il fait vraiment le travail pour nous. À l'heure actuelle, il y a une distinction assez nette entre la zone ombragée des arbres et l'endroit où se trouve le monticule, là où il passe soudainement au jaune clair Donc, petit à petit, nous allons devoir le connecter d' une manière qui ne soit pas trop choquante Nous pouvons donc le faire en ajoutant des traits en zigzag à l'aide du bout du pinceau pour indiquer progressivement les ombres ou les incohérences qui J'utilise donc maintenant la même couleur sur mon pinceau et j'utilise traits rapides qui sont secs pour laisser apparaître quelques ombres. Nous pouvons également ajouter d'autres mini-arbres, des arbres verticaux, qui ne sont arbres verticaux, qui ne sont fait que de simples traits que nous ajouterons plus tard pour les relier au premier plan 18. Définir les branches: R, en utilisant la même couleur sur mon pinceau, ce genre de mélange de lavande, maculant certaines zones pour les adoucir Je réfléchis à l'endroit où se trouverait l'ombre. Il y a donc toujours de la lumière en haut, puis là où il se courbe pour s' éloigner de la lumière. Ne pas être trop timide avec un pigment épais. C'est une pure sienne brûlée que j'ai. Passez maintenant à un pinceau encore plus petit. J'ai donc un bon point. Des ombres si nettes. H. Je n'ai pas encore utilisé de noir pur. Même les tons les plus foncés du moment sont un mélange de couleurs complémentaires qui se combinent pour créer un ton neutre Dans cet exemple, il s'agit de la Sienne brûlée et de l'ultramarine. Tu dois faire nuit complète. Vous devez enregistrer ces tons dans les zones où vous souhaitez obtenir le contraste le plus élevé, et nous les ajouterons ultérieurement si nécessaire. Oh, en utilisant mon dessin pour voir quelles parties je veux relier aux feuilles et la branche au sol. Voyez comment il commence à faire nuit en haut. Et puis, lorsqu'il entre dans la zone ombragée, il devient clair. Certaines de ces branches passent du foncé au clair. Nous commençons maintenant à relier les arbres au premier plan en faisant descendre les ombres dans la zone la plus claire. Peindre négativement cet arbre principal. En commençant par un ton plus foncé, juste pour le compléter, puis nous pouvons soit l'adoucir, soit utiliser notre pinceau comme une éponge pour l' éclaircir à certains endroits. Je commence donc à ajouter plus de couleur avec un vert plus fort, en comblant une zone rugueuse, une forme abstraite, rien de trop géométrique, puis en utilisant un pinceau sec pour adoucir certains bords. Donc, en gardant des lignes dures, des bords souples, puis en mouillant complètement mon pinceau pour obtenir des transitions douces, il faut obtenir des transitions douces, il toujours un peu pousser et tirer quand il s'agit de ces arbres Étant conscient des petites lacunes du ciel qui se trouve derrière elle, je ne veux pas toutes les couvrir. Donc, en ce qui concerne la connexion, je dois faire attention à ne pas tout bloquer. 19. Textures de pinceaux secs: Maintenant, c'est l'arbre à peu près terminé. À la toute fin, nous ajouterons peut-être quelques accents, juste pour le mettre en valeur, mais cela suffit pour le moment. Nous pouvons maintenant commencer à penser aux ombres au sol, en ajoutant un peu de forme et forçant un peu plus la perspective, aux points de contact, aux notes plus sombres, notes plus froides, aux notes plus chaudes. À l'aide d'un pinceau sec, maintenez cette direction diagonale avec la plupart de ces ombres. Tout est donc conforme à ce genre de mouvement en zigzag qui indique l'endroit où se trouveraient certaines pierres Certaines de ces petites lignes fines, même si elles sont très subtiles lorsque nous les peignons, occupent une place très importante dans le tableau. Ils influencent subtilement la composition, le mouvement et la direction de l'œil Et vous pouvez agiter certains d'entre eux. Une fois que vous avez utilisé votre brosse sèche pour les mettre en place, vous pouvez nettoyer votre brosse, ajouter de l'eau pure ou même un léger lavage d' une couleur différente juste pour les agiter afin qu'elles ne soient pas toutes uniformes Comme toujours, en commençant par la lumière puis en renforçant le ton, les pigments les plus foncés ensuite. Vous pouvez passer sur l' ensemble de la zone de premier plan, même jusqu'à l'endroit où se trouveront les reflets, car nous ajouterons ombres fortes et du contraste pour les roches principales plus tard C'est donc toujours en quelque sorte la sous-couche. La sous-couche subtile. Même s'il s'agit d'ombres, elles ont une texture, où nous donnons l'impression que c'est de la terre, du sable ou de petites ondulations sous forme de roches En utilisant les mêmes pigments que ceux que nous avons utilisés pour la sous-couche à ce stade, mais juste dans une consistance plus concentrée Création de formes ambiguës, de formes d'ombres. Quelques rectangles étirés, des triangles asymétriques, les reliant 20. Reflets de Bush: Quelques traits verticaux courts et nets, puis associez-les plutôt à des traits horizontaux ou diagonaux. Je commence à préparer l'eau et les reflets maintenant. Certaines zones essaient donc d'abord de distinguer où la rive atteint réellement l'eau et où elle se transforme en eau car lorsque nous peignons de tels reflets, l'apparence est à peu près la même pour le moment. Mais j'ai mon crayon là. Je veux éclaircir cette zone parce qu'il y a un buisson sur cette rive auquel je n'ai pas pensé Je nettoie donc le pigment rendre aussi léger que possible Ensuite, j'y ajouterai un peu de jaune verdâtre pour imiter le buisson du haut Et je peux l'adoucir un peu en utilisant la même couleur ou frottant avec un pinceau propre pour que les couleurs environnantes s'y fondent Encore une fois, cela peut être assez grossier et abstrait parce que ce n'est qu'un reflet. Nous pouvons commencer à ajouter quelques lignes horizontales et verticales supplémentaires , en ayant une vision assez large pour le moment. Quelques touches d'orange car le reflet sera plus foncé que la rive Ajoutez quelques traits verticaux fins pour imiter ce type de reflet flou. Vous pouvez utiliser un vieux pinceau pour frotter ou même un pinceau plat comme moi, qui frotte et ajoute une ligne horizontale Vous pouvez également utiliser un mouchoir. Vous pouvez mouiller la zone que vous souhaitez frotter , puis frotter brusquement avec un mouchoir en papier pour éliminer ce pigment En utilisant un pigment foncé pour revenir à certaines de ces roches. J'attends donc que l'eau sèche à nouveau un peu. 21. Ombres de roches: Nous pouvons revenir à ces rochers et ajouter un peu plus de définition. Ces lignes ajoutent au sentiment de perspective car nous les voyons sous un angle. Si nous regardions droit vers le bas, comme à vol d'oiseau, nous verrions des formes plus grandes, mais les voir sous forme de lignes les biaise, les aplatit et nous donne l'impression qu' il y a de la profondeur là-dedans Maintenant, pour commencer par les reflets, je veux que les pierres du dessus s'y fondent parfaitement. Nous allons donc peindre les rochers sur le dessus avec des couleurs vives, commençant par cette terre de Sienne fortement brûlée mélangée à un peu de violet On peut, en fait, mélanger un peu de bleu. Le Burnsiena en lui-même sera donc évidemment d'un brun plus éclatant Ensuite, au fur et à mesure que nous ajoutons du bleu, il se neutralise puis passe à un bleu froid Nous utilisons donc ce spectre entre le brun et le bleu et le gris qui se situe entre les deux Donc, en commençant par le brun sur la gauche, vous pouvez voir comment il est passé au bleu lorsque nous nous déplaçons vers la droite Et nous pouvons simplement choisir. Nous pouvons faire nos propres choix quant à savoir si nous voulons que cette zone soit bleue ou brune. Il n'existe aucune règle stricte quant à la manière dont nous voulons créer des variations. J'utilise un bleu assez vif là-bas. Et vous pouvez voir à quel point ce bleu contraste assez bien avec l' orange ci-dessus. Et le violet contraste avec le jaune. C'est donc un bord assez dur au sommet, là où se trouvent les rochers. En utilisant cette couleur d'ombre, ce violet pour créer un petit buisson ici, quelques petites herbes pour relier ces rochers à la zone de fond. Donc, rien ne semble vraiment isolé. Tout est lié. C'est donc le but de cette petite zone herbeuse , car les rochers seraient assez isolés. Il y aurait un petit écart entre les rochers et le point de départ des berges et des arbres. Donc, le fait d'avoir cette herbe pour la relier à cet arbre éloigné. Je vais juste laisser ce vernis violet et bleu sécher un peu, et je vais mettre un pigment brun épais, un pigment assez foncé sur mon petit pinceau ici et l'accentuer. Ajoutez quelques touches de noir, quelques ombres nettes, encore une fois, pour relier les choses de manière à ce que rien ne soit vraiment isolé, même si cela est très subtilement lié ou implicite plutôt que directement indiqué 22. Définir les rochers: J'ai mélangé ce pigment foncé épais qui semble être noir, mais peu importe qu'il soit bleu très foncé ou brun très foncé. C'est la qualité tonale qui nous tient à cœur, le fait qu'il soit sombre S'il est trop clair, ajoutez du pigment. Nous pouvons commencer à penser à incorporer un brun légèrement plus clair, afin que tout ne soit pas noir. Sur le dessus, du violet avec un peu de brun. Nous voulons que le point le plus sombre soit l' endroit où le rocher rencontre l'eau Et nous voulons qu'il soit épais parce que nous allons le recouvrir d'eau pour l' adoucir et créer une transition harmonieuse. Nous ne sommes donc pas vraiment en train de faire mouillé à ce stade. Nous prévoyons une application humide et humide, mais nous allons tout d'abord appliquer un pigment épais que nous réactiverons un peu plus tard repensant à des formes abstraites, en les masquant, en pensant également au volume, endroit où je veux qu'elles s'estompent, aux formes des rochers, c'est presque comme une silhouette. H. Une sorte de rectangle de forme étrange qui commence par être noir en haut, puis brun au fur et à mesure qu'il s'estompe en quelques points à l'aide de la pointe du pinceau Et puis sur ce dernier point, en fait, c'est une pierre bleue parce que pourquoi pas ? Tous les autres rochers que vous pouvez voir sont sombres à la lumière. Mais avec cette dernière pierre, je la peins en noir derrière elle, donc c'est en fait une lumière sur une roche foncée, et elle est bleue. Cela montre donc vraiment comment vous pouvez utiliser le contraste et la variété. Et donnez-lui toujours un sens. fait du fond de ce rocher une terre de Sienne brune très riche et pure. Et je ne veux pas que ce soit un gros rocher, alors j'utilise cette sienne brûlée pour dessiner la forme de la roche, en la courbant dans l'ombre Ajoutez un peu de violet bien dilué. Et comme il est mouillé, lorsque j'applique ce trait, il se fond bien et doucement. Et lorsque nous atteignons le bas, nous pouvons tous les connecter ensemble. Donc, comme je l'ai déjà dit, c'était pigment très dur et un pigment épais et épais. Mais maintenant, nous allons le réactiver en utilisant ce nettoyant à la Sienne brûlée Ainsi, ce qui ressemble une marque de pinceau sèche pour le moment sera réactivé et lissé. Et le bleu que nous avons utilisé dans l'ombre n'a plus vraiment l' air si bleu. C'est un peu mélangé à de la sienne brûlée pour donner un aspect gris, en utilisant le bout de mon pinceau pour créer quelques ondulations nettes Nous avons donc quelques ondulations sombres sur la lumière, puis quelques ondulations claires sur le noir sur la gauche Commencez par quelques traits verticaux bas pour donner cette impression de réflexion. 23. Réflexions verticales «: Vous pouvez même utiliser un pinceau plus épais. J'expérimente avec ce pinceau plat, mais vous pouvez toujours le faire avec un pinceau rond Si j'utilise ce pinceau, c'est parce qu'il est assez bon marché et qu'il n'a pas de pointe Je ne crains donc pas que cet effet de brosse sèche n'endommage la pointe parce qu'il n'y a pas de pointe. C'est un pinceau plat. J'utilise donc ce genre de verticales fortes regroupées , ce qui implique une sorte de réflexion descendante. Mais en réalité, je m' en sers juste pour me préparer à l'étape suivante car une grande partie de tout cela va être revu. Vous n'avez donc pas à trop réfléchir à ce à quoi cela ressemble maintenant. Vous êtes en quelque sorte en train de préparer l'avenir avec le vernis principal, type de couleurs que vous souhaitez utiliser pour influencer les reflets et les ombres. L'idée principale est simplement de créer une sensation de verticalité et d' horizontalité dans la zone de l'eau, les reflets. Nous allons donc tomber sur un grand nombre d' horizontales dans un instant. Donc, en utilisant ce pinceau, pour créer des traits verticaux confiants. Et le pinceau sec peut également entraîner de petites ondulations. pense aussi à la forme de l'arbre que je reflète. Ainsi, une marque de pinceau en diagonale reflète l' arbre en diagonale qui se trouve au sol. Et puis en appliquant cette orange ici, elle deviendra plus foncée parce que c'est le reflet. Et aussi parce que nous avons un blue wash, il sera désactivé de toute façon, mais ce n'est pas grave R. En regardant les éléments ci-dessus et en essayant d'imiter un peu leur forme et leur couleur dans l'eau en contrebas. J'essaie de le faire avec un minimum de coups de pinceau. Vous pouvez vous en tirer en les rendant très abstraits, car ils sont censés être un peu déformés de toute façon. Elles ne sont pas conçues pour offrir un contraste et une vivacité aussi élevés que les principales formes du terrain , qui utilisent du jaune camium pour appliquer très fins traits horizontaux là où il fait noir 24. Réflexions audacieuses: Maintenant, vous pouvez utiliser une brosse à balai ou une brosse plate comme je l'utilise L'idée ici est d'utiliser une belle couleur profonde et audacieuse, et c' est une teinte purement neutre. Le point le plus sombre où le rocher rencontre l'eau, puis en descendant, nous pouvons commencer à faire marche arrière. Donc, ajouter un peu plus de ce brun. Et j'aime bien ce pinceau plat. En fait, je l'utilise rarement. Mais je trouve que cela m' oblige à faire preuve d' audace parce qu' il y a moins de contrôle. n'y a aucun pourboire. Cela me fait donc réfléchir manière très claire. Il essaie de me simplifier. Ce n'est donc pas indispensable pour la peinture. Il s'agit plutôt de tromper votre cerveau pour qu'il réfléchisse un peu plus à la façon dont vous allez faire quelque chose Ça rend les choses plus intentionnelles. J'ai donc mélangé un vert avec ce brun ici au premier plan, parce que si vous pensez que lorsque vous regardez l'eau, lorsque vous la regardez directement vers le bas, il n' y a pas vraiment de reflet Vous voyez réellement la couleur de l'eau, puis au fur et à mesure que vous regardez vers le haut vers la ligne d'horizon, elle reflète la couleur du ciel. Cette zone reflète donc, bien sûr, la roche foncée, mais c'est avant tout un autre outil de composition Je veux qu'il y ait une sensation de poids. Et une sorte d'ancrage pour le tableau car ce n'est pas le point focal, les points focaux, l'arbre et la zone de contraste le plus élevé. Même s'il fait sombre, je l'estompe en quelque sorte pour qu'il ne s'agisse pas d'une zone de contraste nette C'est un changement graduel qui se transforme en obscurité là-bas. Et le fait d'avoir cette valeur profonde dans coin agit comme une sorte d'ancrage visuel. Cela sous-tend l' ensemble de la composition et évite à la scène de paraître trop lourde avec tout le ciel radieux et le rivage ensoleillé Et en plus de ce noir, nous allons utiliser cet orange vif, ce jaune cadmium avec un peu de rouge cadmium pour y ajouter quelques petites touches afin vraiment créer l'illusion d'une ondulation J'utilise ce pinceau plat, mais cela peut être un pinceau à balai juste pour ajouter un peu de teinte, une teinte chaude sur les rochers, car je pense qu'il fallait un peu plus de contraste Maintenant que nous avons ajouté cette obscurité dans un coin, il est clair que nous devions il est clair que nous devions mieux équilibrer les choses sur le dessus. Maintenant, alors qu'il fait encore humide, passons à l'endroit où cette rive touche l'eau juste pour affiner les formes car nous avons déjà fait tous les lavages abstraits Maintenant, nous devons donner un sens à ce chaos. Et en gros, nous pouvons utiliser du noir pur pour simplement exprimer la forme des rochers en utilisant de l'ombre, de l'ombre pure. Je crée simplement des plans, car si vous pensez aux roches, certaines d'entre elles ont des courbes, mais beaucoup d'entre elles sont irrégulières Ces bords irréguliers ont donc des lignes très nettes. Et pour le rendre un peu plus réaliste, nous pouvons ajouter quelques imperfections, comme des ondulations dans les rochers Ces petites lignes nettes donnent impression qu'il a un peu d' histoire, un peu plus de caractère. 25. Accents de réflexion: Maintenant que nous avons toute la gamme tonale dans notre palette, nous pouvons commencer à tout arranger et à l'équilibrer encore plus zones qui semblent être au premier plan ont donc besoin de plus de profondeur, comme ces herbes, et nous pouvons les parcourir de manière à ce qu' elles changent progressivement au fur et à mesure qu'elles passent à l'arrière-plan Il y a plus de netteté, de définition et contraste au premier plan en termes Et puis, au fur et à mesure qu'il passe au milieu du plan, il fait moins sombre Il n'y a pratiquement pas de noir pur au milieu de l'arbre Et puis, au fur et à mesure que le son passe au second plan, il devient beaucoup plus doux et moins sévère en termes de tonalité La partie la plus forte du contraste reste l'arbre. C'est cet orange vif contre le bleu qui en fait le point central, car il y le point central, car il y a un contraste saisissant. Et les formes, les branches sont riches contrastes, avec un peu plus de précision et de détails. Donc, une fois que nous sommes satisfaits des zones sombres les plus sombres, des noirs complets et des tons, nous devons penser à l' autre extrémité, les reflets Quels petits accents pouvons-nous apporter pour vraiment le faire ressortir ? Oh, nous en sommes aux dernières étapes de la peinture maintenant, les 10 % restants, la phase d' accent, en fait. Ces derniers accents visent à améliorer et non à réparer. Nous avons dépassé la phase de réparation. S'il y a de petits éléments votre peinture que vous devez réparer, vous devez les réparer avant cette étape d'accent. Il ne s'agit que de petites zones pour approfondir les ombres dans le tronc de l'arbre, peut-être la zone centrale, mais c'est fait maintenant. Nous pensons donc aux légères ondulations Quelques lignes nettes à l'aide de la courge, idéalement une marque de pinceau sèche pour qu'elle soit très fine et légèrement texturée Lorsqu'il s'agit d'une marque de pinceau sèche, nous savons que la gouache blanche est suffisamment épaisse et qu'elle ne pâlit pas trop Ajoutez également une petite ligne fine l' endroit où le rocher rencontre l'eau, là où il y aura plus d'ondulations parce que les vagues ne font que taper sur les rochers en permanence vagues ne font que taper sur les Juste quelques accents. Maintenant, nous allons créer un grand puits, pas un gros, mais un accent audacieux sur cette ombre foncée en blanc pur. Ça fait vraiment ressortir les choses. Quelques reflets de l'arbre au-dessus. Peut-être que des lumières frappent ces parois rocheuses. Le surmenage ici peut annuler tous les efforts que nous avons déployés, alors soyez prudent En fait, je pense que c'est trop fort, alors je vais utiliser un mouchoir pour le retirer. 26. Assembler la peinture: Maintenant, je vais m' éloigner de mon entaille blanche et utiliser ce guash jaune chaud ocre et rouge cium Cela a un peu plus d'éclat. Cela correspond davantage aux couleurs que nous utilisons. En fait, je n'ai pas peur de passer par-dessus l'entaille blanche à certains endroits, car le blanc redonne au moins le ton, et cette entaille secondaire redonne de l'éclat Vous pouvez le mélanger vous-même avec de l'ocre jaune ou du jaune cabium et du rouge camium Ces petits traits fins, vous devez vous assurer qu'ils sont très fins, ajoutent vraiment à cette sensation de réflexion. S'il s'agit de gros coups, cela gâchera un peu l'illusion. Vous pouvez également ajouter quelques traits noirs en dessous dans certaines petites zones, un ou deux au maximum. en revenir à mon blanc et relier ces arbres en arrière-plan au milieu principal, le point central, car encore une fois, point central, car encore une fois, c'était Je donne vraiment du punch à cet arbre. C'est le point central. Ces reflets, bien que peu nombreux et minimes, augmentent donc vraiment cette sensation de contraste et de densité sur laquelle nous voulons vraiment que l'œil se concentre. Bien entendu, nous voulons que le spectateur regarde l' ensemble du tableau, mais il est plus agréable de le laisser guider dans un flux agréable plutôt que de ne pas pouvoir atterrir nulle part. En fait, j'ai mélangé un bleu très pâle, en utilisant du guash, et un peu de bleu cobalt, juste pour peindre certaines de ces formes négatives sur lesquelles j'ai peint Et je suis consciente que cette courge sèche plus qu'elle n'en a l'air lorsqu'elle est mouillée, et ce n'est pas grave, car je ne veux pas qu'elle soit trop frappante. Je veux juste suggérer la sensation de lumière qui traverse les arbres. Parce que ces zones sont assez difficiles à éviter lorsque vous peignez l'arbre et que vous êtes entièrement abstrait. C'est difficile à juger. Donc, pour en revenir à la fin, juste pour rendre ces branches un peu plus pointues, ce n'est pas de la triche Il utilise tout ce qui est à sa disposition pour essayer de créer une image agréable. Redéfinition de certaines arêtes. Ensuite, nous pouvons retirer le ruban adhésif et évaluer réellement le tableau. Peut-être qu'au bout d'une heure, nous pourrons nous en déconnecter, car avec le ruban adhésif et le type de bords peints, c'est difficile à juger, mais en retirant le ruban, en prenant du recul, nous pouvons réévaluer 27. Réflexions finales: Bienvenue et félicitations pour avoir terminé ce paysage de campagne. J'espère que vous avez aimé peindre cette scène chaude et ensoleillée et que vous avez trouvé le processus à la fois paisible et gratifiant agisse de créer des arrière-plans doux il s'agisse de créer des arrière-plans doux ou de créer des tons plus riches au premier plan, nous avons exploré comment la lumière et la couleur peuvent être utilisées pour façonner l'ambiance et donner de la profondeur à une scène naturelle La chaleur silencieuse de ce décor en fait un sujet polyvalent. N'oubliez pas que la peinture à l'aquarelle n'est pas seulement une question de compétences techniques, mais aussi d'expression votre créativité et de votre style personnel Je vous encourage à continuer à explorer, à expérimenter et à repousser vos limites pour créer vos propres chefs-d'œuvre d' aquarelle uniques À la fin de ce cours, j'espère que vous vous sentirez plus en confiance et aise avec vos capacités de peinture à l'aquarelle La pratique est essentielle pour améliorer vos compétences, alors continuez à peindre et à expérimenter Je tiens à exprimer ma gratitude à chacun d'entre vous. Votre passion pour la peinture à l'aquarelle est tellement inspirante, et je suis honoré d' être votre professeur Si vous souhaitez avoir des commentaires sur votre peinture, je serais ravi de vous les donner. Veuillez donc partager votre peinture dans la galerie de projets étudiants ci-dessous, et je ne manquerai pas de vous répondre. Si tu préfères, tu peux le partager sur Instagram en me taguant sur Will Elliston, car j'adorerais le voir Skillshare aime aussi voir mes étudiants travailler, alors taguez-les également sur Skillshare Après y avoir consacré tant d'efforts, pourquoi ne pas partager votre création ? Si vous avez des questions ou des commentaires sur cours d' aujourd'hui ou si vous souhaitez des conseils spécifiques concernant l'aquarelle, veuillez me contacter dans la section discussion Vous pouvez également me faire part de tout sujet, la faune ou de toute scène sur lequel vous aimeriez que je donne un cours. Si vous avez trouvé ce cours utile, j'apprécierais vraiment de recevoir vos commentaires à ce sujet. La lecture de vos critiques me remplit le cœur de joie et m'aide à créer la meilleure expérience pour mes étudiants. Enfin, veuillez cliquer sur le bouton « Suivre » en haut pour pouvoir me suivre sur Skillshare Cela signifie que vous serez les premiers informés lorsque je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux Merci d'être là. J'ai hâte de peindre à nouveau avec vous bientôt. En attendant, Bonne peinture.