Peindre avec moi : l'illustration botanique vintage à partir de différentes techniques

1. Intro: Bonjour, je m'appelle [inaudible]. Je suis un artiste et illustrateur qui se concentre sur l'illustration de médias mixtes réalistes. Mon travail a été utilisé sur les vêtements, dans les jeux vidéo, magazines étendus comme Real Simple et Milk Street, et bien sûr sur l'emballage, tant aux États-Unis qu'à l'étranger. J' ai également une chaîne YouTube où je parle d'une partie de mon expérience quotidienne en tant qu'artiste et d'un aperçu des compétences et du savoir-faire de l'industrie. Bien sûr, j'ai enseigné ici sur Skillshare juste depuis quelques mois, où je suis en mesure d' approfondir certains de ces mêmes sujets et de donner un aperçu très rigoureux de mon processus et de partager certains de ce que je connais comme un artiste de travail. Après avoir publié mon dernier cours, j'ai lancé un appel sur les réseaux sociaux pour vous demander quel sujet vous vouliez que je couvre dans ma prochaine classe, et de loin, le sujet le plus souvent demandé était les fleurs. Les fleurs sont à l'une de mes choses préférées à peindre, donc je suis super excité d'offrir ce cours. Dans ce cours, vous m'accompagnerez pour créer une illustration botanique détaillée et vintage. Je vais commencer la pièce en regardant l'inspiration et les images de référence, et vous me verrez développer la pièce couche par couche expliquant le processus au fur et à mesure que je vais. Vous verrez comment j'utilise l'aquarelle pour descendre ces couches initiales, crayon de couleur pour développer les détails, et gouache pour peaufiner la pièce et corriger toutes les erreurs que je fais. À la fin de chaque leçon, je donnerai récapitulatifs verbaux et à l'écran pour m'assurer que vous avez une bonne idée des choses à emporter importantes. Nous consacrerons la majeure partie du cours à mon processus de peinture. Ce cours est probablement le mieux adapté pour ceux qui ont déjà certaine expérience dans le dessin et qui se sentent à l'aise de dessiner eux-mêmes à partir d'une image de référence, et qui comprennent des concepts de base tels que la composition, la valeur et la saturation. Après avoir terminé ce cours, vous aurez une perspective détaillée sur les techniques que j'utilise pour créer cette pièce, et dans le projet de classe, vous aurez la possibilité de traduire ces techniques dans vos propres pour créer vos propres illustrations botaniques d'inspiration vintage. Commençons. 2. Inspiration et esquisse: Pour commencer, je suis dans mon compte Pinterest sur un tableau Pinterest que j'ai créé et qui a une certaine inspiration pour l'Illustration Botanique Vintage. Je viens de les rassembler ici, principalement en choisissant ceux que j'aimais. Je n'avais vraiment rien en tête. Je mettais juste des choses ici qui me prenaient envie et que j'appréciais. Donc, je veux regarder à travers maintenant et voir ce que je peux retirer les éléments communs de certaines de ces images qui me sont attrayants, et cela va m'aider à créer une pièce qui évoque vraiment ce style. La première chose que j'ai remarquée comme un élément commun, et ce n'est pas une grande surprise parce que c'est quelque chose que j'aime dans tout mon travail, c'est le niveau élevé de détail. Donc ce sera certainement quelque chose que je veux inclure. J' apprécie aussi comment ils sont un peu stylisés. Certaines de ces images, en particulier celles comme celle-ci, sont réalistes, mais elles ressemblent davantage à l'interprétation du réalisme de l'artiste. J' aime aussi comment ils ont inclus des feuilles, mais c'est assez minime. Si vous cherchez, par exemple, une photo réelle d'un Dahlia, les feuilles seraient juste prendre le dessus. Il y aurait des tonnes de feuilles, mais l'artiste a décidé d'inclure quelques sélections, quelques images de ce à quoi ressemblent les feuilles, mais n'a pas laissé les feuilles prendre le dessus. J' aime aussi vraiment comment il y a des bourgeons, nous regardons tous les fleurs ici. Donc, il y a des bourgeons et des angles différents, montrant essentiellement la fleur à différents stades de croissance, et c'est quelque chose que je vois comme un thème répété à travers beaucoup de ces images et c'est juste un thème global dans beaucoup d'illustration scientifique en général. Certains d'entre eux vont même beaucoup plus loin comme ce trèfle ici n' a pas seulement les différentes étapes dans la plante et les fleurs et les feuilles, mais il a aussi les graines et les différentes parties anatomiques de la fleur, et c'est quelque chose Je trouve vraiment intéressant aussi. Je ne suis pas sûr si je vais le faire sur cette pièce, mais j'aime cet élément des différentes étapes de croissance, ayant tout cela inclus dans une seule pièce. Alors peut-être juste parce que c'est l'automne quand je fais ce cours, mais je remarque aussi que je suis vraiment attiré par ceux qui ont une palette de couleurs plus chaudes donc je pense que je peux essayer de faire quelque chose dans cette gamme aussi bien. C' est donc ce qui m'attire en termes d'inspiration. Cela étant dit, je suis prêt à passer à la phase suivante, qui consiste à créer mon croquis à partir de l'inspiration que j'ai trouvée dans mon tableau Pinterest. Donc, en gardant à l'esprit que l'esthétique générale de l'illustration botanique vintage, je commence par un croquis à main levée très rugueux. J' utilise juste le crayon Apple, et l'iPad, et le programme procréer, mais vous pouvez faire tout cela avec un morceau de papier régulier et un crayon. Je suis juste d'ajouter dans les différents éléments que je sais que je veux que la composition comprenne les tiges, les feuilles, les fleurs aux différents stades de croissance, et les déplacer autour, et de peaufiner les angles juste pour faire sûr que je peux obtenir ce type de look botanique vintage que je vais chercher. Voici donc le croquis de composition vraiment rugueux. Cela me servira de guide lorsque je sélectionne mes photos de référence et que je décide quelles images je veux utiliser pour fonder l'illustration. Alors maintenant, j'ouvre ma photothèque et je vais juste parcourir quelques-unes des photos que j'ai prises au cours des dernières semaines qui, je pense, fonctionneront bien comme des images de référence pour cette pièce. Dans l'ensemble, ils sont tous pris dans le même éclairage, ils sont pris à partir de la même plante ou ensemble de plantes. Je sais donc qu'ils vont bien travailler ensemble. Puis retour dans la procréation ici et mon croquis de composition approximative, et je suis juste en train de déposer différentes photos dans et effacer l'arrière-plan pour isoler juste l'élément de la photo que je veux. Je travaille mon chemin à trouver la fleur face à l'avant, la fleur orientée vers l'arrière, tous les différents éléments que je sais que je veux et je sais que je vais utiliser, et je les retournerai, ou les miroirs chaque fois que j'ai besoin de m'assurer qu'ils fonctionnent dans ma composition. Donc, je suis juste en train de parcourir la pièce, de trouver tous les différents éléments qui vont constituer l'image de référence. Si vous faites ça avec du crayon et du papier, je le fais tout le temps aussi, et c'est très bien. En fait, la plupart du temps, je ne crée pas cette référence où tout est en un, je vais juste avoir toutes mes images de référence dans un endroit où je peux facilement les atteindre comme sur mon bureau ou dans ma bibliothèque de photos, et Je vais juste rebondir entre les différentes images. Mais je voulais vous montrer une version de ce processus juste au cas où cela serait utile pour vous. Donc, cela étant dit, si vous faites cela à l'ancienne et que vous faites juste un morceau de papier pour votre croquis de composition, c'est tout à fait bien et vous pouvez toujours faire ce travail vraiment bien de cette façon. Voici mon croquis fini. Il a été créé en procréation et j'ai fait référence à l'esquisse de composition approximative pour le placement global des différents composants et la forme et le balayage des tiges, puis j'ai fait référence aux images comme mes références pour les fleurs et les feuilles dans les éléments plus détaillés de la composition. Donc, une fois que j'ai fini, puisque j'ai créé le mien numériquement, je l'ai imprimé sur deux feuilles de papier huit et demi sur 11 , puis je les ai tapés ensemble parce que mon papier aquarelle est en fait 11 par 15, et puis je suis en utilisant mon tampon lumineux Dbmeir pour transférer le croquis sur mon papier aquarelle. Donc, à retenir de cette leçon, mon objectif principal était de créer un croquis pour l'illustration, évoquant cette esthétique d'illustration botanique vintage scientifique. J' ai donc commencé en regardant l'inspiration et en prenant note de ce que j' aimais dans l'inspiration et les éléments spécifiques que je voulais évoquer dans ma propre pièce, puis en utilisant cela, j'ai trouvé un croquis de composition juste hors de ma tête, ne regardant aucune image de référence particulière. Ensuite, pour prendre ce croquis au niveau suivant, j'ai utilisé des images de référence réelles de vraies fleurs pour me donner ce sens du réalisme avec la stylisation. 3. Aquarelle - Les premières couches: Pour commencer ici, je vais juste mettre ma table en place, je suis prêt à y aller. J' ai de l'eau sur ma droite et mes palettes et j'ai l'aquarelle juste ici. C' est ce que je vais utiliser pour les premières couches de la peinture, c'est une marque appelée Dr. Ph. Martin. C'est leur ligne hydre. J' utiliserai un rouge chaud semblable à un rouge cadmium, un rouge frais semblable à l'alizarine, une quinacridone, magenta, un jaune chaud semblable à un jaune cadmium et un jaune froid et enfin, un vert viridien. Ensuite, j'utiliserai aussi ma palette liquide et ensuite pour les pinceaux, j'utiliserai deux pinceaux, j'utiliserai ce pinceau rond taille quatre de Princeton, c'est la ligne Neptune, c'est un pinceau aquarelle synthétique, et un pinceau rond de taille zéro par Isabey, ce pinceau a une pointe vraiment, vraiment fine, donc c'est parfait pour les petits détails. Je vais commencer par mélanger un violet neutre, je veux quelque chose qui va se lire comme une ombre vraiment subtile et ça m'aide juste à marquer la forme initiale et la forme de la pièce. Je vais petit à petit en ajoutant quelques chutes de compte-gouttes de l'aquarelle à mes puits de palette. Une partie de la couleur qui est déjà séchée sur la palette, je suis capable de réactiver et de réutiliser. Une des raisons pour lesquelles j'aime tellement ces aquarelles c'est qu'une fois qu'elles sont sèches sur le papier, elles ne se réactivent pas, mais quand elles sont sur la palette, elles le font réactiver avec de l'eau, donc c'est le meilleur des deux mondes. J' ajoute juste plus de chutes de compte-gouttes là où j'en ai besoin et j'essaie de les garder dans les mêmes puits que j'ai déjà utilisé ces couleurs avant pour éviter que les choses ne deviennent boueuses. J' ajoute juste un petit peu de ce jaune chaud que tu viens de voir là-bas à ma couleur pourpre pour l'aider à le tonifier et m'assurer que ce n'est pas trop intense. Je vais venir un peu plus près ici en accélérant que vous puissiez voir ce que je fais de plus près et tout ce temps je vais juste utiliser cette même couleur pourpre faisant la même chose, essayant de marquer sur les ombres initiales et la forme globale et la valeur de la pièce, donc rien ne va vraiment changer, j'utilise simplement la photo de référence comme guide, essayant de suivre et de construire les ombres là où je les vois. Si vous êtes nouveau à l'aquarelle et que vous vous demandez à ce sujet, le violet est vraiment léger parce que je l'ai beaucoup arrosé, c'est probablement surtout de l'eau et très peu de peinture. n'y a pas de blanc qui y a été ajouté. Le violet est un mélange de la couleur alizarine et un tout petit peu de vert viridien, puis un peu de jaune plus chaud pour le tonifier. Je passe à la deuxième fleur et encore une fois j'utilise cette même pourpre sourdine, cette fleur je vais être un peu plus lourd avec elle parce que la fleur, comme vous pouvez le voir dans la référence, a plus de couleur à elle. C' est une couleur de base pourpre plus foncé et puis il a juste un accent léger, donc je vais couvrir la plupart de celui-ci avec cette couleur pourpre sourdine. Alors la dernière petite chose sur laquelle j'ai besoin d'utiliser cette couleur est l'extérieur du bourgeon, le petit pinceau qui ne s'est pas encore ouvert, a juste un soupçon de cette couleur violette, donc je vais juste marquer ça avec mon pinceau et une partie du couleur de l'eau ici. En général, c'est ainsi que je l'aborde, surtout à une phase antérieure d'une peinture. Quelle que soit la couleur que j'utilise, j'essaie de l'utiliser tout au long de la pièce. Cela aide juste à éviter de l'avoir sec ou d'avoir à laver ma brosse et remixer les choses et il semblait juste la façon la plus simple de le faire pour moi, mais si vous préférez travailler dans une zone complète, puis passer à une autre zone, cela fonctionne bien à. Les gens font les deux approches, j'ai juste tendance à préférer l'approche globale d'abord. À ce stade, je change de brosses et de couleurs. J' ai mélangé ce qui est fondamentalement juste une version vraiment, vraiment édulcorée de la plupart du jaune froid avec un petit peu de jaune chaud mélangé dedans et puis encore, presque toute l'eau, il y a très peu de pigment. Je passe à ma brosse ronde de taille quatre. Cette brosse, elle est évidemment plus grande, donc elle contient beaucoup plus d'eau et elle n'a pas non plus une pointe aussi fine, donc je suis plus heureux de la serpiler autour et de l'utiliser pour mélanger les choses, parce que je ne suis pas inquiet de grignoter la belle pointe fine à la fin. Oui, j'ajoute juste le jaune au centre de la fleur parce que j'en vois un peu dans la référence et ensuite à certains pétales extérieurs. Maintenant, je saute sur l'autre fleur et je vais la laver sur toute la fleur. Il va vraiment tonifier le violet beaucoup, parce que le jaune est le compliment du violet. Mais c'est bon parce que cette fleur va devenir beaucoup plus sombre plus tard et beaucoup de zones claires de cette fleur, pour moi, au moins dans la référence ressemblent à une bonne quantité de jaune en eux, donc je veux juste faire le lavage toute la fleur. Maintenant, je change de couleur à nouveau. J' ai mélangé un très, vraiment léger arrosé, rose cool. Utilisez l'alizarine pourpre. Je pense que j'ai aussi utilisé un petit peu de certains du rouge cadmium desséché que j'avais sur ma palette juste pour le réchauffer légèrement, mais c' est quand même dans l'ensemble un rose assez cool, vraiment l'eau vers le bas et je vais juste passer sur tous les pétales du centre d'une fleur. Maintenant, à ce stade, je vais passer à un rose beaucoup plus chaud et un peu plus sombre, un peu moins d'eau vers le bas. C' est à peu près juste un rouge cadmium droit et je veux ajouter un peu de chaleur à ces pédales extérieures. Dans l'image de référence pour moi, il semble qu'il y ait beaucoup plus de chaleur dans ceux-ci, donc le rouge cadmium va être un ajustement parfait pour cela, car c'est un rouge vraiment chaud et je suis revenu à ma taille zéro pinceau, le pinceau plus fin. Puisque c'est un peu plus de détails, alors je veux m'assurer de m'en tenir juste à ce domaine et je commence à ajouter ces premiers petits détails colorés réels. Il y a beaucoup d'autres choses à faire, mais il est généralement bon d'utiliser une brosse plus détaillée pour eux afin que je ne finisse pas avec du pigment dans des endroits où je ne le veux pas. Petit résumé rapide d'une aquarelle première partie. L' objectif était de créer une carte de couleur et de température rugueuse, comme une esquisse en couleur des principaux sujets, qui dans cette illustration sont les deux plus grandes fleurs. J' ai parlé de mes matériaux dans ma configuration et j'ai passé un peu de mélange de couleurs très basique et tout au long de la leçon, j'ai ajouté des couches de lumière initiales de couleur et de lavages aux deux fleurs, en le gardant vraiment lumière à travailler progressivement. Dans l'ensemble, j'ai essayé de garder la palette de couleurs minimale et d'utiliser les mêmes couleurs encore et encore partout où elles se sont produites tout au long de la pièce. 4. Aquarelle - Les détails: Changement de couleurs à nouveau, mais toujours avec la même brosse plus détaillée. En fait, je vais rebondir entre le pinceau de détail et le pinceau numéro quatre pour faire un peu de mélange. Mais j'utilise le même violet sourd que nous avons commencé avec au début, mais la version moins édulcorée de celui-ci. Je commence à ajouter des ombres plus dimensionnelles, donc quelques ombres sous les pétales. Cela va juste aider à illustrer la forme et la forme de la fleur et à la faire commencer à paraître plus tridimensionnelle. Je vais entrer ici avec une couleur dorée en sourdine. C' est surtout le jaune plus chaud, le jaune de type cadmium, mais il a été légèrement tonifié avec un peu de violet sourd. Je voulais qu'il se lise comme une couleur plus douce de tige dorée. J' utilise ceci au centre, certains des pétales intérieurs à nouveau pour essayer d' illustrer la forme et donner ce sens de la dimensionnalité. Je vais juste faire des allers et retours entre ce jaune plus sourd et le violet plus sourd. Je vais l'accélérer un peu ici car je fais mon chemin à travers la fleur, essayant d'illustrer la forme et les valeurs. Vous pouvez voir que je garde habituellement n'importe quelle brosse que je n'utilise pas dans ma main non dominante, ce qui m'aide à passer d'avant en arrière entre les deux très facilement. J' ai tendance à mettre du pigment sur la brosse principale que j'utilise, qui dans ce cas est la brosse de taille zéro et ensuite si j'en ai besoin, j'utiliserai la brosse de taille quatre pour aider à adoucir les bords et à le mélanger. Vous pouvez voir que c'est juste un développement vraiment progressif. Je vais couche par couche, peu à peu pour essayer de travailler à la bonne valeur et la bonne couleur. En plus de prêter attention aux valeurs, aux sombres et aux lumières, j'essaie de faire très attention à la température. Je veux que le côté droit de la fleur, le côté ombre lise beaucoup plus frais, et le côté gauche de la fleur, qui est le côté plus léger, lise beaucoup plus chaud. En plus d'avoir un sombre et une lumière, avoir la valeur clairement différenciée, avoir la température différenciée avec le froid et l'ombre et la chaleur et la lumière va l'aider à avoir ce vraiment lumineux, sensation éclatante qu'une fleur au soleil fait. Maintenant, j'y vais avec une couleur plus foncée. J' ai ajouté du rouge de type cadmium à la couleur pourpre pour l'approfondir et le réchauffer. Je veux qu'il se lise comme une ombre, mais je ne veux pas devenir trop sombre, donc j'essaie d'augmenter un peu la saturation et d'aider à l'éclairer de l'intérieur. Je continue à ajouter cela dans toute la fleur, le côté gauche de la fleur, le côté plus léger. J' utilise la même couleur, la couleur rougeâtre que j'ai utilisée dans la zone sombre, mais je l'ai arrosé de manière significative, donc ce n'est pas aussi intense et il se lit comme une couleur beaucoup plus claire. Maintenant, je deviens un peu plus audacieux avec les ombres. C' est ce même violet sourd depuis le début, mais avec encore moins d'eau dedans maintenant. Je l'utilise pour essayer d'illustrer les zones sombres les plus sombres de la fleur et essayer de l'aider à lire comme plus tridimensionnel. Je dois certainement plus loin d'aller sur la fleur principale ici, mais je vais en fait passer à ce stade à l'arrière face à la deuxième fleur et essayer d'obtenir une partie de la valeur sombre vers le bas sur cela. Cela va vraiment m'aider à voir comment sombre et comment la lumière je veux garder la fleur principale puisque les valeurs sont toutes relatives basées sur ce qui les entoure. Je veux obtenir cette fleur à un achèvement plus pointu avant continuer à avancer sur la seconde juste pour m'aider à éviter de devenir trop sombre ou trop clair dans n'importe quelle zone. Ce violet ici est un peu différent du violet initial. Je l'ai fait plus ou moins de la même façon. C' est l'alizarine avec un peu de vert viridien et un petit peu de jaune, mais ce n'est pas autant de jaune, donc il a un peu plus de saturation et je ne l'ai pas arrosé presque autant parce que je veux qu'il soit beaucoup plus sombre. Je vais essayer de suivre cette structure de la feuille. Toutes les zones qui ressemblent à une veine, vous pouvez voir dans leur référence, cette zone veineuse plus légère que je suis en train d'éviter complètement et d' essayer de coller aux zones qui ont réellement l'air violet pour moi. À ce stade, je peux dire que je, même si je n'ai pas ajouté autant de jaune au violet, c'est encore un peu trop sourd et j'ai besoin d'avoir un peu plus d'une sensation vibrante saturée. Je vais entrer avec du substrat, de la quinacridone, du magenta. Je n'ai pas coupé ça avec autre chose. Il est un peu plus large, bien sûr, mais il n'a pas été désaturé avec du jaune, donc il est vraiment lumineux et vif et il a vraiment aidé à lire plus comme la couleur dans l'image de référence. suis juste en train de traverser les pétales ici. Aller-retour entre eux, le violet plus sourd et la quinacridone. À ce stade, je vais commencer à ajouter un peu d'une version abreuvée de cette quinacridone magenta aux extrémités des pétales extérieurs de la fleur principale. Cela n'est pas vraiment représenté dans l'image de référence. Je peux en voir quelques preuves dans la couleur, mais je suis certainement en train d'amplifier et d'aller au-delà de ce qui est dans l'image de référence. J' ai décidé de le faire parce que maintenant la fleur principale est comme très douce, très délicate et cette fleur de soutien, la plus petite est partie à droite, va être beaucoup plus sombre et beaucoup plus vive. Même si la différence de taille aide à les équilibrer, puisque le doux est beaucoup plus grand et il a plus de détails dedans, je ne veux pas qu'ils se sentent déséquilibrés en termes de couleur. Je veux apporter un peu de cette obscurité dans cette saturation dans ces pétales extérieurs. Maintenant, revenons à la fleur plus petite avec ces deux mêmes couleurs, ce violet foncé sourd et la quinacridone, et je vais juste encore et encore jusqu'à ce que j'ai l'impression que j' ai la valeur et la couleur pour la plupart correcte. Révision rapide de ce que j'ai passé à cette étape. Mon objectif principal était de développer la valeur et la couleur dans les deux fleurs. J' ai progressivement ajouté des valeurs plus sombres et plus sombres et de plus en plus de saturation et de complexité aux deux fleurs, ce qui m'a permis de commencer à créer un sens de la forme et de la dimensionnalité, ajouté quelques détails anatomiques initiaux au comme les veines, et dans l'ensemble, j'ai utilisé un petit pinceau quand j'ai ajouté la nouvelle peinture et un pinceau plus doux pour plume sur les bords si nécessaire. Cela est particulièrement vrai si j'ajoutais une couleur vraiment sombre ou vraiment saturée à une zone qui ne l'avait pas auparavant, une zone qui était initialement vraiment légère. 5. Aquarelle - La végétation: Il est enfin temps de passer à une partie de la verdure. Pour commencer, je fais une couleur très basique, jaune très clair, vert. Ceci est fait en mélangeant principalement le jaune plus frais, le jaune Hanukkah est ce qu'on appelle dans cette marque, et juste un minuscule peu de vert viridien, même pas la valeur d'un compte-gouttes complet, mais j'ai mis le compte-gouttes dans son propre petit compartiment dans la palette et juste prendre dans mon pinceau et a obtenu un petit tampon de vert, puis mélanger satin avec un jaune. Le vert viridien est une couleur vraiment, vraiment forte, sorte qu'il peut facilement prendre en charge quelque chose qui n'est pas aussi dominant, comme le jaune Hanukkah. J' ai mélangé ça et fait une version diluée. Vous savez que la perceuse à ce stade, ces premières couches sont toujours assouplies, donc mélangées une version édulcorée et je passe juste sur toute la verdure avec elle. La verdure va en fait avoir un ton plus frais à la fin, mais une partie des nuances, ce qui se montre dans les zones plus larges me semble plus chaud, donc c'est pourquoi je fais un vert très jaune. Je vais ajouter un peu plus de détails et plus de développement de valeur aux feuilles. J' ai mélangé un vert plus frais, ce vert a encore un peu de chaleur dedans, mais c' est certainement plus frais que nous avons commencé avec. C' est la même base jaune fraîche avec un peu de viridian, évidemment plus que j'ai commencé avec. Peut-être qu'un compte-gouttes vaut quatre compte-gouttes pour le jaune, donc un vert pour le jaune. Ensuite, j'ai également ajouté un peu de jaune plus chaud, plus le type de cadmium jaune, et cela aide juste à abattre une partie de la saturation et lui donner un peu plus d'une sensation de vert olive. Je voulais avoir l'air vraiment réaliste, et pour moi, le vert qui est dans l'image de référence est certainement un vert plus frais, donc cela devrait bien fonctionner. À ce stade, je suis principalement juste le long de la structure de la feuille, la seule zone que je vais essayer d'éviter d'obtenir un pigment sur est la veine principale qui monte le centre de la feuille. Toutes les feuilles ont beaucoup de veines, et je pourrais obtenir super, super détail sur les feuilles si je voulais, mais je veux que la plupart de l'accent soit sur les fleurs et la forme globale et la composition de la pièce. J' ajouterai quelques aubes plus tard avec un crayon de couleur, mais pour l'instant, je veux juste m'assurer que cette veine centrale est clairement bloquée, et la façon la plus simple de le faire est d'éviter de mettre un vert plus foncé dessus. Je travaille juste à éviter ces veines centrales et à ajouter le vert sur toute la surface de la feuille. Je fais également attention aux valeurs globales de la feuille, donc les zones où il est un peu plus sombre, je mets plus concentré, moins édulcoré version du vert et les zones où il est plus léger, je l'arrosage vers le bas plus, mais c'est tout de même vert. Je vais juste l'accélérer ici pendant que j'avancerai. C' est la même couleur verte, je fais juste varier comment elle est édulcorée, l'intensité de la couleur basée sur ce que je vois dans les valeurs de l'image de référence. Maintenant que je passe au petit bourgeon, j'utilise ce même vert et je fais la même chose. J' essaie de garder les veines au centre des feuilles, libres de tout pigment vert foncé, juste pour les garder belles et brillantes. Puis les zones plus sombres du bourgeon que je vais dans avec une version vraiment sombre non coupée de ce vert, pas arrosé du tout. Ensuite, les zones plus légères, je suis l'arroser un peu juste pour aider à différencier la valeur et m'aider à créer un sentiment de forum et de dimensionnalité. Maintenant, cette feuille dans l'image de référence est en fait orientée vers l'arrière, donc elle me semble plus légère que les autres feuilles. Je vais essayer de créer ce sens dans l'illustration aussi, donc j'ai arrosé le vert un peu plus et cela signifie que plus de jaune est visible à travers. Je vais probablement devoir travailler plus dur quand j'utilise crayons de couleur plus tard pour l'équilibrer et le faire lire comme cool. Mais pour l'instant je veux toujours juste éviter de devenir trop sombre avec elle, donc j'ai le vert assez arrosé. Maintenant, je vais ajouter une partie du vert au sommet de la tige, la base de la fleur, je ne sais pas comment cette zone de la fleur est appelée, mais la partie verte de la fleur, je vais commencer à ajouter un peu plus de la vert là et en essayant de décrire la forme de certains de ces petits pétales. Je me concentre sur le vert vers le centre , puis le décolore dans un dégradé vers l'extérieur, parce que c'est comme ça que cela me regarde dans la référence. Maintenant, je passe à la tige principale, comme la tige descend de la fleur, il ressemble à ce même vert pour moi, donc j'ai surtout gardé ce vert le même et l'ai apporté en partie dans la tige. Maintenant, j'ai mélangé un peu plus d'une version silencieuse de celui-ci, donc j'ai ajouté plus de cadmium jaune, puis un petit peu de rouge de type cadmium, et cela a aidé à créer un brun verdâtre vraiment sourd. J' essaie de fondre cela dans la partie plus verte de la tige, je veux créer un gradient vraiment lisse, puisque c'est à ça que ça me ressemble dans l'image de référence. Cela va aussi m'aider à créer look stylisé vraiment graphique que je vais chercher, je veux qu'il soit réaliste, mais je veux aussi qu'il ait ce style vintage stylisé. À mesure que je me rapproche de la base de la tige, je deviens de plus en plus sombre avec ce brun, ce qui signifie juste que j'ajoute de moins en moins d'eau. Quand je remonte la tige vers la partie verte, c'est plus arrosé, donc c'est plus transparent et m'aide à créer ce dégradé, puis à mesure que je me rapproche de la base, je deviens de plus en plus sombre, donc de moins en moins d'eau. Maintenant, je retourne dans le bourgeon avec un peu plus de quinacridone essayant d' illustrer cette zone rosâtre de la fleur, le bourgeon. Ensuite, j'utilise aussi un peu plus de vert, cette même couleur verte, juste une version plus sombre de celui-ci, encore une fois, essayant d'obtenir les bonnes valeurs, obtenir tout ce qu'il devrait être avant de passer au crayon de couleur. La dernière chose que je veux faire avec la couleur de l'eau ici est juste refroidir cette feuille, c'est la feuille orientée vers l'arrière, puisque je l'ai fait vraiment léger, ce qui devrait être selon la référence, il a montré beaucoup plus de les nuances jaunes. En plus d'être vraiment léger pour moi, il semble vraiment cool, donc j'ai ajouté juste un peu de vraiment, vraiment arrosé vers le bas viridian. Viridian seul est un très bleu-vert, donc ça me semble vraiment cool. Je l'ai juste arrosé autant que possible et je fais juste un lavage mince sur le dessus de cette feuille. Avec cela, j'ai fini avec la partie aquarelle de ce tableau, donc pour revoir ce que j'ai fait à cette étape de la peinture, toujours en utilisant l'aquarelle, mon objectif principal était de développer la valeur, la couleur et la forme dans la verdure, donc j'ai commencé par parler de mon approche pour mélanger les couleurs pour la verdure. Puis j'ai travaillé en couches avec un vert chaud en dessous et un vert plus foncé sur le dessus. En général, j'ai évité les très petits détails comme les veines avec le vert plus foncé, ce qui me permet de garder ces zones légères qui auront plus de contraste et juste rendre plus facile à construire les détails dans la couche de crayon de couleur. 6. Crayons de couleur - Les grandes fleurs: Je me prépare à passer aux crayons de couleur. Je vais utiliser des crayons de couleur à noyau doux Prismacolors. J' en ai une grande boîte. J' aime juste passer à travers et choisir les couleurs que je pense que je vais utiliser tout au long de la pièce. Je ne sais pas avec certitude lesquels je vais utiliser, mais je vais juste commencer à choisir en fonction de l'image de référence, ceux qu'ils pensent sont les plus susceptibles d'être utiles pour moi. Ici, vous pouvez voir que j'ai commencé avec des roses pâles et quelques roses plus profondes. J' en ai des pêches et d'autres plus roses couvrant ainsi le spectre entre des couleurs plus chaudes et des couleurs plus froides. Alors je fais la même chose avec les jaunes. Certains jaunes plus clairs, jaune très clair comme une couleur crème, puis plus jaunes moyens. Encore une fois, j'ai certains qui sont plus vers la fin fraîche et d'autres qui sont plus vers la fin chaude. Ajout également dans quelques violets et quelques violets neutres gris, puis quelques couleurs vert olive. En fait, je suppose que ce n'est pas un vrai vert olive, plutôt une couleur de sienne brute, mais une couleur vraiment brunie avec un léger sous-ton verdâtre. Ensuite, j'ai des couleurs plus foncées, des violets plus foncés et du magenta. Ceux-ci vont tous être utilisés juste avec parcimonie dans la grande fleur, puis plus généreusement dans la petite fleur. Ensuite, j'ai aussi obtenu un vrai orange vif. Je pense qu'à Prismacolor, c'est juste orange. Je pense que je vais l'utiliser un peu dans la fleur de lumière. Ce n'est pas vraiment présent dans la référence, mais je pense qu'il sera beau comme une couleur d'accent. Je viens d'ajouter quelques autres jaunes orangés après ça. Je ne sais pas lequel fonctionnera le mieux. Je me donne un couple à choisir. Ensuite, pour les verts, j'ai surtout des verts plus sourds. J' ai vert marin et vert varech. Ensuite, pour la partie plus légère, j'ai un vert sève ou en fait non, je pense que c'est vert printemps, mais c'est juste un vert jaunâtre vif. Je veux surtout que les verts se penchent vers l'extrémité plus fraîche, mais il y a des zones chaudes, c'est pourquoi j'opte pour le vert printanier. Ensuite, j'ajoute ici à gauche quelques tons plus clairs. Ceux-ci seront utilisés pour donner un sentiment de réflexion et de cire sur la feuille. J' ai le vert jade et le vert céladon, qui sont tous deux très cool et se penchent plus vers l'extrémité bleue du spectre. Ils sont aussi assez muets, pas très saturés du tout. Puis finir ici avec un super vert clair et un peu de blanc et puis j'ai aussi jeté dans un brun foncé très mince là à la fin sur le côté droit. Cela je pense que je pourrais utiliser pour quelques détails vraiment minuscules. Je ne suis pas encore sûr. Ensuite, j'ai aussi un crayon de couleur noire ici. Je n'utilise presque jamais le noir, mais comme je vais pour ce look plus vintage, ces pièces ont souvent un peu de noir en eux. Je pense que je pourrais utiliser du noir dans les zones d'ombre de la tige. Je l'ai sorti au cas où j'en aurais besoin. Mais on verra combien je finis par l'utiliser. En commençant ici, je vais commencer sur la plus grande fleur principale d'abord, tout comme je l'ai fait quand je passais par l'aquarelle. Je commence principalement en utilisant un rose très clair et un peu blanc pour essayer de donner une définition en détail au bord des fleurs. Ensuite, j'utilise aussi une couleur presque toke très sourdine, mais il a beaucoup de violet dedans. Je pense à Prismacolor. Je pense que ça s'appelle Clay Rose. Il se lit comme violet mais il est très sourd, comme je l'ai dit, presque gris topper. Ceci que j'utilise dans les zones d'ombre. Je rebondit d'avant en arrière entre ceux-ci, essayant de décrire plus de la forme et de la valeur dans chacun des pétales individuels. Dans l'ensemble, je pense que la zone plus sombre de la fleur va avoir besoin de beaucoup plus de développement. C' est là que je concentre la plupart de mes efforts. La zone plus légère de la fleur, j'ai l'impression que je vais devoir faire attention à ne pas surmenage. Je dois faire attention à ne pas exagérer tout ça. Mais il est plus facile de surtravailler la zone plus légère lorsque vous travaillez avec ce média, car il n'est jamais aussi facile d'ajouter la lumière en arrière que d'ajouter plus sombre sur le dessus, même si je vais probablement utiliser des médias opaques plus tard. Il est juste préférable de le laisser aussi léger que possible si vous voulez qu'il soit léger à la fin. vous suffit de gagner du temps et il a un look plus frais et plus lumineux que si vous ajoutez des tonnes de blanc sur le dessus. Je vais accélérer un peu ça ici pour que tout le monde ne s'endorme pas. Que fondamentalement, je fais juste ce dont j'ai parlé, essayant d'approfondir la valeur si elle doit être plus sombre, pour augmenter la valeur si elle doit être plus légère, puis en essayant d'ajouter plus de saturation et plus de détails où elle appartient, tout au long de la fleur et en utilisant la même palette que j'ai choisie au début. Tu me verras, balbutant d'avant en arrière. Plusieurs couleurs différentes ici. Maintenant, puisque je travaille sur un papier de presse chaud, le papier est très lisse et je n'ai pas vraiment besoin de faire un mélange pour obtenir un look lisse. Si je travaillais sur un papier plus texturé ou si je voulais un look ultra lisse plus que ce que j'ai ici, alors je pourrais faire un mélange avec le mélangeur incolore ou avec Gamsol. Mais pour l'instant, je pense que comme c'est un papier lisse, je me sens plutôt content de la façon dont ça arrive juste avec les crayons. Ici, je vais à l'intérieur avec le brun très mince. Si vous n'êtes pas familier avec eux, très minces ils sont toujours fabriqués par Prismacolor. Mais ils sont beaucoup plus durs que les noyaux mous. Vous pouvez obtenir une pointe vraiment pointue sur eux et la pointe reste forte beaucoup plus longtemps qu'elle ne le fait avec les Prismacolors réguliers. Je suis en train d'utiliser ça pour m'aider à définir certains des bords de ces pétales. Je vais l'accélérer à nouveau. Tout ce temps, alors que je développe le détail et je modifie la couleur et que je pousse la valeur d'une façon ou d'une autre, ce soit plus sombre ou plus clair, je prends presque toutes ces décisions basées sur l'image de référence. Je regarde la référence que vous voyez ici et je décide. Est-ce que cette zone doit être plus rose, ou doit-il être plus jaune ou doit-il être plus sombre, doit-il être plus léger. Chaque fois que je dois faire un choix comme ça, je regarde juste en arrière la référence et essaie d'obtenir ce que je crée sur la page pour ressembler autant que possible à la référence. C' est comme 90 % de ce que je fais. Alors 10 pour cent, c'est moi qui décide que, je vois à quoi ça ressemble dans la référence, mais je veux qu'il soit légèrement différent. n'est peut-être pas la division exacte. Peut-être que 80 pour cent de ce que je fais est de prêter attention à la référence et ensuite 20 pour cent de prendre mes propres décisions. Mais avec le point que j'essaie de traverser , c'est que l'image de référence est super importante. Si vous regardez et vous demandez comment elle fait ça, pourquoi elle prend cette décision ? La plupart des décisions sont prises en fonction de ce que je vois dans l'image de référence. Ce sera certainement une leçon importante à retenir en termes de création de votre propre travail. Si vous voulez créer des choses plus ou moins réalistes. Vraiment juste de prêter une attention particulière à la référence et de développer une habitude de regarder la référence chaque fois avant de choisir une couleur, chaque fois avant de la poser. Consultez cette image de référence pour vous assurer rester proche de la réalité ou si vous vous éloignez de la réalité, que vous le faites avec intention et avec un plan. Cette autre 10-20 pour cent que je rattrape en continuant, elle est toujours informée par la réalité parce qu'elle est éclairée par ce que j'ai vu dans d'autres fleurs ou ce que j'ai vu dans la vraie vie. Mais par exemple, une chose que j'ai décidé amplifier que je ne vois pas autant dans leur référence est ce rose plus foncé, plus orangé dans les fleurs extérieures. Je veux le faire parce que j'essaye de gâcher la température de la fleur. Ne pas gâcher, mais être intentionnel avec la température. Je veux que le côté plus léger soit plus chaud et que le côté plus sombre soit plus frais. Mais à l'intérieur, j'ai quelques zones fraîches dans les parties claires et quelques zones chaudes dans les parties sombres. La raison pour laquelle je fais ça d'avant en arrière est qu'il crée vraiment ce beau sentiment de vibration dans la couleur. Il lui donne juste l'air beaucoup plus vivant, lumineux et dynamique, comme une vraie fleur le fait. Dans cette leçon, mon objectif était d'utiliser un crayon de couleur pour développer davantage les valeurs, la couleur et le détail de la fleur principale. Vous pouvez probablement comprendre que c'est un thème dans ce processus global est juste un développement progressif de ces trois choses. La valeur, la couleur et le détail dans tout le sujet. En me concentrant initialement sur la grande fleur, j'ai sélectionné mes couleurs en fonction de l'image de référence. En fait, j'ai commencé par sélectionner toutes mes couleurs pour toute la pièce, mais j'ai commencé à travailler uniquement sur la grande fleur d'abord. J' ai ajouté la définition et le détail à la grande fleur graduellement et j'ai modifié la couleur et la saturation au fur et à mesure que j'allais, tout cela aidant à décrire la forme de la plus grande fleur. Lorsque j'ai décidé de m'écarter de l'image de référence dans mes choix de couleurs, je l'ai fait stratégiquement, en gardant à l'esprit les objectifs esthétiques globaux de la pièce et en veillant à ce que l'histoire des couleurs serve ces objectifs. 7. Crayons de couleur - Les petites fleurs et la verdure: D' accord. Donc, à ce stade, je passe à faire un peu de travail sur la deuxième fleur, la fleur pourpre, la fleur plus foncée. Je commence par redéfinir certaines de ces veines. J' utilise une couleur très douce, une couleur crémeuse jaunâtre douce. Je ne veux pas entrer avec du blanc pur parce que ce serait trop dur. Mais je me sens comme quand je regarde la zone de référence, la base de la fleur qui a encore le vert à elle. Les bords de cela semblent se fondre dans la partie plus légère des pédales pour moi. J' essaie de connecter certaines de ces sections de veines jaunes plus légères à la section verdâtre à la base de la fleur, et aussi d'essayer de la réchauffer un peu avec des zones jaunes. Ensuite, je commence progressivement à ajouter des roses aux pointes des fleurs. Puis commencer à travailler dans un peu plus sombre, une couleur grenade, une couleur magenta, puis un violet très foncé pour définir les zones plus foncées des feuilles. Je fais un, excusez-moi, pas les feuilles, les pétales. Je fais la même chose que j'ai faite avec l'aquarelle où je porte une attention particulière à l'anatomie de la fleur et essaie de préserver ces petites crêtes, petites veines. Puisque ça fait partie de ce qui est vraiment distinctif chez Adelia. Si vous êtes un fan de ce genre de travail, les illustrations botaniques plus scientifiques, vintage inspiré. Vous remarquerez que c'est vraiment une caractéristique clé de ce style de travail. Un artiste peut vraiment styliser quelque chose et il peut ne pas sembler parfaitement réaliste comme une photographie. Mais ils sont très prudent d'inclure ces caractéristiques archétypiques, sorte que la forme globale de la feuille, la forme globale des pétales, et toutes les caractéristiques distinctives des pétales. Ces choses sont toutes très importantes si vous voulez créer cette ambiance d'illustration scientifique. Vous pouvez être un peu plus expressif et stylisé, mais vous devez toujours revenir à ces ancres qui font vraiment savoir au spectateur ce qu'il regarde, car cela lui donne ce sentiment d'être, plus une illustration scientifique ou quelque chose soit un manuel botanique. D' accord. J'accélère encore ça ici. Je suis juste sauter d'avant en arrière entre les violets plus sombres, que les roses de ton moyen, et puis ces jaunes plus légers plus sourds pour le dessous, veines dans les dessous et se déplaçant à travers la fleur en essayant de développer la forme et le et la couleur. D' accord. Maintenant, à ce stade, je vais commencer à développer certaines tiges et la verdure. Les tiges, je veux qu'elles soient assez simples parce que les fleurs sont tellement ornées et je veux que les fleurs soient au centre de la pièce, mais j'ai encore besoin d'ajouter quelques détails sur les bords pour les faire lire en trois dimensions. Ici, je commence à développer la feuille à droite. C' est celui qui, dans l'image de référence, est orienté vers l'arrière. Il a un très cool et en même temps plus léger, regarder que les autres feuilles font. Donc je vais aller et retour entre céladon et vert jade, et des petits morceaux de jaune ici et là. Même quelques petits morceaux de blanc pour ajouter des dimensions et des reflets. Juste essayer de le garder vraiment délicat, vraiment doux, vraiment cool, mais en même temps, le faire lire en trois dimensions. D'accord. Maintenant, j'ajoute certains des mêmes contours, ce même développement à la tige principale. Même si j'ai pu créer un dégradé avec l'aquarelle, il a certainement besoin d'un peu de raffinement. Je reviens avec les différents verts que j'utilise, et certains d'entre eux sont plus saturés, plus frais, plus légers et plus sourds genre de brownie. D' accord. À ce stade, je vais ajouter un peu plus de détails et la plupart des détails au petit bourgeon, le bourgeon dahlia. Celui-ci a beaucoup de jaune dedans pour moi de tous les éléments verts. Celle-ci est la plus jaune, donc j'essaie de vraiment avoir une idée de cette zone violette qui a l'air un peu plus sombre que le reste de l'œuf. Mais je veux aussi qu'il ait l'air vraiment luxuriant et vert. J' amplifie définitivement cette couleur pourpre un peu plus que ce que je vois dans l'image de référence. Principalement parce que je veux qu'il se sente cohérent avec les deux autres éléments floraux, et c'est bien ici, dans la partie inférieure de la composition. Cette zone est également verte. Je voulais apporter un peu de cette couleur pourpre et une partie de cette couleur rosée du haut de la composition. C' est ce 10 à 20 pour cent où je me rends compte que je vais et que je prends des décisions sur la façon dont je veux qu'il ressemble, le support, le style et l'ensemble de la pièce au lieu de simplement refléter la réalité exacte de l'image de référence. Je vais ici avec le vert foncé, c'est le prismacolor, c'est leur nom pour la couleur vert foncé, qui n'est pas en fait plus sombre que l'autre vert que j'utilisais, celui qui est dans ma main gauche. Mais c'est beaucoup plus saturé. Il fait vraiment sombre et aussi assez saturé. Il a une belle sensation de verdure cireuse. Ça aide à développer ça. Je vais dans les parties les plus sombres du bourgeon avec ça et ensuite le mettre en évidence avec du blanc, du blanc pur. ce moment, je passe à développer le détail dans les autres feuilles, les feuilles sur le côté gauche de la pièce sous la plus grande fleur. Ceux-ci, je sens en fait que j'ai eu la valeur peu près là où je veux qu'il soit avec une couleur d'eau. Ce qui est vraiment sympa parce que je vais pouvoir ajouter certains des verts plus légers sur le dessus pour créer ce sentiment de brillance et de cire. Alors je vais juste avoir besoin de faire les verts plus sombres dans quelques zones. Comme je l'ai dit quand je travaillais sur l'aquarelle, j'avais voulu laisser cette veine centrale intacte parce que c'est assez important et c' l' une de ces caractéristiques archétypiques dont je parlais. Je veux que ça soit vraiment mis en valeur. Je ne sais pas si vous pouvez voir ici, mais si vous regardez de très près dans la feuille, la section de la feuille qui se connecte à la tige, juste au centre de la veine, il y a une petite zone ronde. Vous pouvez le voir dans l'image de référence, et pour moi c'est aussi l'un de ces éléments distinctifs. Ces deux zones, la veine centrale et ce petit truc de cercle rond de connexion. J' essaie de garder ces deux briquets. Ensuite, à part cela, je passe juste à travers la surface de la feuille avec les verts plus sourds, plus légers, plus frais et puis j'essaie de donner une idée de certaines des veines avec les verts plus foncés. Il y a tellement de façons différentes de peindre et de dessiner une feuille. Vous pouvez être vraiment exact et inclure toutes les veines comme chaque petit détail ou vous pouvez faire aucun du tout ou vous pouvez faire les veines sombres ou vous pouvez rendre les veines claires, et vraiment il ya des tonnes d'approches pour prendre en fonction de la façon réaliste ou stylisée que vous voulez qu'il ressemble. Je vais pour assez réaliste, mais aussi assez stylisé. Je ne veux pas que toutes les veines apparaissent, mais je veux quand même que les feuilles soient dimensionnelles. Donc, partout où je vois une veine dans la référence, cela peut indiquer un peu d'un pli ou une forme et une dimension à la feuille. J' utilise, plutôt que de dessiner une ligne exacte, j'utilise la couleur plus foncée pour pousser vers le bas les zones du forum et les couleurs plus claires pour faire apparaître les zones du forum. Je le fais tout au long de chaque feuille puisque chaque feuille a sa propre forme et sa propre dimensionnalité. D'accord. Je vais l'accélérer ici et je fais ce processus de pousser les parties plus sombres et de tirer les parties plus légères, suivant l' anatomie générale de la feuille, mais pas vraiment ajouter de veines super détaillées spécifiques. D' accord. Ici, je continue à développer les tiges et à essayer de traiter cette tige de la même façon que j'ai traité la tige provenant de la fleur principale. Essayer de connecter et d'adoucir ce dégradé. Maintenant travailler sur la feuille finale, faire la même chose que j'ai fait avec les autres feuilles. Plus loin, je reçois avec ces, je me laisse un peu plus en détail. Quelques-unes des veines les plus visibles, tout en continuant à essayer de s'appuyer principalement sur la description de la forme et de la forme. D'accord. Maintenant, à ce stade, je veux vraiment donner à la tige une sensation plus graphique et stylisée. Je vais y ajouter un peu de noir, juste aux zones d'ombre, à la face inférieure, juste pour essayer de l'aider à avoir plus de sensation de lithographie vintage. Pendant que j'utilise le noir, j'essaie d'être vraiment prudent de ne pas exagérer et encore juste utiliser leurs verts vraiment sombres, les couleurs marron verdoyant partout où je peux. Je vais l'accélérer ici comme je continue à passer sur d'autres parties de la tige, rebondir d'avant en arrière entre les verts et les bruns et essayer juste d'obtenir toutes ces valeurs et couleurs, d'accord. D' accord. À ce stade, tout est plus ou moins où je le veux avec les crayons de couleur, mais je tire un peu en arrière et vous donne plus d' une vue d' oiseau comme je vais à travers toute la pièce, juste en essayant d'attraper n'importe quel ces derniers petits détails que je voulais ajouter avec un crayon de couleur. Ajustez un peu de couleur dans quelques domaines, et assurez-vous juste que je reçois plus de ce sens du détail et de la dimensionnalité que je termine avec les crayons de couleur. D' accord. À ce stade, j'en ai fini avec les crayons de couleur. Je vais ajouter de la gouache ensuite, et nous parlerons de ce que la gouache est dans cette leçon et pourquoi je l'utilise. Mais oui, j'en ai fini avec les crayons de couleur pour l'instant et je vais probablement en faire plus à la fin après la gouache. Je ne suis pas tout à fait sûr au moment où je crée ceci. Mais pour l'instant c'est tout avec des crayons de couleur. D' accord. Il est temps de récapituler rapidement une fois de plus. À cette étape de la peinture, mon objectif principal était d'ajouter forme, définition et détail à la petite fleur et à la verdure. Les mêmes objectifs sont la dernière leçon que je viens me concentrer sur un autre domaine de la peinture. J' ai continué à utiliser principalement des verts frais dans les feuilles tout comme je l'ai fait dans ces couches supérieures d'aquarelles, donc je veux vraiment continuer à aller dans cette direction, et j'ai équilibré la plus petite fleur avec une plus grande un en le rendant plus sombre et beaucoup plus saturé. J' ai continué à être consciencieux inclure ces détails archétypiques et distinctifs du sujet, sorte que les formes des feuilles, des veines, des formes des pétales, toutes ces choses qui en font vraiment ressemble à Adelia. 8. Gouache: Bienvenue de retour. À ce stade, j'ai obtenu l'illustration à un niveau de détail assez élevé. Souvent dans mon processus, je vais faire la plupart du temps juste de l'aquarelle au crayon de couleur, et même pas vraiment faire l'étape de la gouache ou si je fais c'est juste dans des détails vraiment minuscules. Mais pour cette illustration et pour cette classe de partage de compétences en général, je garde ce super authentique et je suis juste de vous emmener avec moi dans ce processus et de le laisser se dérouler naturellement. Je n'avais pas nécessairement prévu d'inclure la gouache à coup sûr, mais à ce stade, je pense que l'illustration en a besoin pour m'aider à développer un niveau plus précis d'une valeur de lumières et de sombres dans l'illustration. Ensuite, je pense aussi qu'il y a certaines zones que j'ai obtenu peut-être un peu neutre dans les couleurs, et je dois le repousser plus vers saturé. Je pense que la plupart du travail va être fait dans la fleur principale et je vais utiliser quelques marques différentes principalement Holbein acrylique gouache, mais j'ai aussi Winsor Newton. Je pense que la gouache que j'utilise, la gouache Holbein est à base d'acrylique ce qui signifie qu'elle ne se réactive pas une fois qu'elle est mouillée. Un peu de gouache même une fois sèche, vous pouvez y ajouter de l'eau à nouveau et la réactiver, comme vous pouvez le faire avec certains types d'aquarelle, mais avec la gouache à base acrylique une fois sèche, elle est sec. La raison pour laquelle j'utilise la gouache de base acrylique est parce que je vais au-dessus du crayon de couleur. Il y a encore beaucoup de surface qui n'a pas été touché avec un crayon de couleur, mais la surface qui a été touchée avec un crayon de couleur a une bonne quantité de cire dedans. Je ne serais pas vraiment capable de passer sur le dessus était quelque chose qui était juste à base d'eau comme l'aquarelle, il serait juste pilonner sur la surface et n'était pas vraiment couler dedans. Mais puisque la gouache acrylique a un liant en plastique ou en polymère, cela me permet de le mettre sur le dessus des crayons de couleur. Je suis juste en train de traverser la surface avec ce blanc abord essayer d'obtenir les valeurs à l'endroit où je les veux. Encore une fois, je suis juste vraiment honnête et transparent avec vous sur mon processus, ce qui s'est passé en me sentant comme le bon côté de la fleur, c'est que je suis devenu un peu trop neutre et peut-être un peu trop sombre. J' essaie de l'alléger un peu et je pense que je vais aussi ajouter un peu plus de saturation. Une partie de la raison pour laquelle je suis vraiment transparent avec vous sur ce que mes processus aiment à cette phase est que, j'espère que l'une des choses que cette classe peut communiquer est que travailler dans les médias mixtes, peut être un excellent moyen de faire face à certaines des boules de courbe qui peuvent venir lorsque vous faites de l'art. Il peut vous permettre de modifier les choses et de choisir un média qui résoudra le problème unique auquel vous avez affaire. Dans cette situation pour moi, c'était de la gouache et ils avaient besoin de quelque chose qui collerait aux crayons de couleur et serait assez opaque. Bien que cela ne fasse peut-être pas partie de mon plan de jeu initial, c'est ce qui a fini par se passer et c'est assez précis pour la façon dont je crée à peu près chaque pièce. Je vais commencer par savoir, oui, pour sûr que je vais utiliser des crayons à l'aquarelle ou à l'aquarelle, puis j'ajouterai des crayons de couleur. Je fais presque toujours ces deux choses, mais quand il s'agit des couches finales, je pourrais juste faire quelques petits détails avec une poêle Sharpie, ou je pourrais faire quelque chose de beaucoup plus vaste comme je le fais ici avec la gouache. Je pourrais même faire quelque chose d'un peu différent comme un pastel de cire ou une barre d'huile. Fondamentalement, j'ai juste laissé la pièce me dire ce dont elle a besoin, et pour cette pièce dans cette situation, et pour cette pièce dans cette situation, elle me disait qu'elle avait besoin de gouache, donc c'est pourquoi nous faisons ce que nous faisons. À ce stade, je commence à mélanger dans une certaine couleur et j'essaie ajouter un peu de chaleur à l'intérieur de certaines de ces zones de pédale, et celles-ci avaient du jaune en eux, mais je me sentais juste comme si ce n'était pas assez saturé. Passant à la gouache comme supposé au crayon de couleur me permet de couvrir certaines des couleurs neutres, plus sourdes que j'avais là-bas avec une couleur plus saturée. J' aurais pu aller sur le dessus avec le crayon de couleur plus saturé, mais les crayons de couleur n'ont tout simplement pas le même niveau de capacité que la gouache fait. Je l'accélère encore ici, continuant à ajouter cette chaleur, jaune d'or, la couleur que j'utilise est à nouveau un jaune de type cadmium. À ce stade, j'ai mis un peu de magenta sur ma palette et le mélange avec du blanc, et un petit peu d'un jaune plus frais pour essayer de créer un ton rose plus frais qui va aller à l'extérieur de certains des pétales sur le côté droit de la fleur. Encore une fois, je fais la même chose que ce même objectif dans l'esprit d'augmenter le niveau de saturation, et j'essaie aussi de m'assurer que je garde les pétales qui sont sur le côté droit de la fleur. Gardez le rose dans ces pétales au moins, plus d'une peinture plus fraîche pour vraiment l'aider à lire comme une ombre. Je profite également de l'occasion pour ajouter quelques détails structurels du pétale. Dans l'image de référence, j'ai l'impression de voir un pianiste errant à certains pétales. Je me permets d'obtenir un peu plus graphique avec l'application de la peinture ici pour essayer de vraiment communiquer cet effet. Maintenant, à ce stade, je vais à nouveau tordre mon papier et je vais passer à travailler juste un peu sur la plus petite fleur. Maintenant, cela n'a pas besoin de beaucoup, mais je veux ajouter quelques zones de encore, cette couleur plus intense dans les sommets des pétales. Les domaines qui sont vraiment attraper le point culminant. Je me sens un peu trop désaturé, donc je veux ajouter quelque chose qui n' est pas très léger mais très saturé et un peu léger en même temps. J' ai mélangé fondamentalement juste le magenta et l'allégé un peu avec le blanc, donc il est très saturé. N' a pas été vraiment renversé du tout avec une couleur gratuite. Je suis juste frapper certains des points forts de cette fleur et je veux vraiment réserver plupart du blanc pur pour la grande fleur parce que c'est tellement plus léger dans l'ensemble que la petite fleur. Avoir une couleur comme point culminant ici dans la petite fleur va vraiment m'aider à faire ça. Je suis juste en train de finir ici avec une gouache, je ne l'ai utilisé que sur les deux fleurs. Surtout, principalement comme vous l'avez vu sur la plus grande fleur avec un peu sur la plus petite fleur, mais n'ont pas vraiment utilisé sur les feuilles ou la verdure et c'est parce que ce sont vraiment les seuls endroits que je me sens comme il était nécessaire. Je vais m'arrêter maintenant et le laisser sécher et ensuite, je vais passer à la touche finale et à l'envelopper. Un examen rapide. Mon objectif principal dans cette phase de la peinture était d'utiliser la gouache pour corriger la couleur et la valeur qui avait obtenu un peu de kilter dans la grande fleur. J' ai parlé de la façon dont l'utilisation de médias mixtes peut être utile pour corriger les erreurs, puis j'ai utilisé une gouache à base d'acrylique blanc pour éclaircir certaines des zones qui étaient devenues trop sombres, puis j'ai utilisé de la gouache à base acrylique colorée pour ajouter de la saturation et ajuster la température. 9. Touches de finition: Nous sommes dans le tronçon de la maison ici. J' ai fait des couches d'aquarelle, des couches de crayon de couleur, et puis nous venons de finir les couches de gouache que j'ai utilisé pour ajuster les valeurs dans le niveau de saturation des fleurs et depuis le gouache a une texture quelque peu différente de celle du reste des médias. Je vais maintenant revenir sur la gouache avec quelques crayons de couleur juste en très petites quantités pour tisser ensemble la texture de la couche de crayon de couleur et la couche de gouache et assurer que rien ne se démarque ou attire trop l'attention à lui-même. Je commence juste avec un crayon de couleur magenta et un crayon de couleur rose plus clair et adoucissant certains des bords de l'endroit où la gouache blanche rencontre les autres couleurs dans les pétales de la fleur. Juste travailler partout où je vois des bords vraiment durs ou tout ce qui surgit vraiment et juste ramollir un peu avec le crayon de couleur. Maintenant, la raison pour laquelle cela fonctionne, la raison pour laquelle je suis capable de faire crayon de couleur puis gouache puis crayon plus de couleur sur le dessus est parce que j'utilise une gouache acrylique. Je tiens à insister encore une fois sur ce point. Je sais que j'en ai parlé dans la dernière leçon, mais si vous utilisez une gouache à base non acrylique, la gouache n'aura pas le même pouvoir de collage. acryliques sont parfaits pour coller sur tous les différents types de surfaces et s'accrocher vraiment tant qu'il y a quelque chose pour eux à saisir. Tant qu'il y a encore de la texture de papier à travers. Mais essayer de le faire en plus d'une gouache à base non acrylique pourrait entraîner l' écaillage de la peinture lorsque vous utilisez la pression du crayon de couleur. Une autre grande chose à propos de la gouache, c'est toute la gouache, pas seulement la gouache à base d'acrylique, mais elle a une texture très mate. La gouache à base acrylique en particulier a cette texture mate. Vous pouvez facilement utiliser des crayons de couleur sur le dessus car ils ont quelque chose à coller par opposition à comme une peinture acrylique vraiment brillante. Je sais que certaines personnes utilisent des crayons de couleur sur la peinture acrylique, mais pour moi j'ai toujours eu plus de chance avec la gouache. À ce stade, je passe à un stylo Sharpie. Donc ce que je fais ici, c'est que je suis juste ajouter un peu minuscule lumières blanches partout où je vois un point fort très lumineux que je veux le lire comme vraiment blanc sans aucune coloration. Je vais avec le stylo à peinture Sharpie et c'est aussi la version à pointe fine. Ils ont un moyen et un lourd, je ne me souviens pas s'ils l'appellent un lourd ou gras, mais ils ont trois tailles différentes. C' est la plus petite taille du marqueur de peinture à base d'eau. Comme vous pouvez l'imaginer, la plupart de ces faits saillants vont aller sur le côté plus lumineux de la fleur plus légère. C' est là que je concentre beaucoup de mes efforts au départ. Ensuite, je vais travailler mon chemin vers le bas en ajoutant certains de ces faits saillants travers les tiges et sur les bords des feuilles. Les feuilles que je veux avoir comme un très joli look presque juteux ou cireux. Le stylo à peinture Sharpie sera parfait pour ajouter ces petits reflets blancs opaques qui donnent vraiment aux feuilles un look frais et juteux. Si jamais je m'étends trop, je le tamponne rapidement avec mon doigt et cela enlève une partie du pigment et abaisse une partie de l'intensité. Aide à lire comme un peu plus doux surlignement. Je suis juste en train de finir ici et je pense que c'est tout. Je pense que la pièce est finie. Pour la touche finale, mon objectif principal était de mélanger la gouache, les couches de gouache que j'avais ajoutées dans la dernière section pour les mélanger dans le crayon de couleur et ajouter quelques points forts finaux. J' utilise un crayon de couleur supplémentaire pour adoucir les bords de la gouache et pour aider à garder la pièce cohésive afin qu'il n'y ait pas de bords évidents durs. Ensuite, j'ai parlé un peu plus de pourquoi cela fonctionne pour utiliser la gouache acrylique sur le crayon de couleur, et pourquoi vous pouvez utiliser un crayon de couleur sur le dessus de la gouache acrylique. Puis enfin, j'ai utilisé un stylo de peinture blanc pour ajouter juste de très petits reflets finaux. Voici la pièce finie. Je suis vraiment content de la façon dont ça s'est passé. J' ai l'impression d'avoir un bon équilibre entre stylisation et réalisme et évoquer certaines des choses que j'ai vraiment appréciées à propos des illustrations botaniques vintage que nous avons regardées au début, dans la section inspiration. Voici aussi une balayage de l'illustration. Au cours de la dernière leçon, nous allons parler du projet de classe, de la façon de l'exécuter, et d'autres choses pour terminer le cours. Je te verrai dans cette dernière leçon. 10. Synthèse: Bienvenue de retour. Pour terminer ce cours, nous allons discuter du projet de classe. Avant de le faire, je tiens à mentionner un avertissement très rapide, et c'est que la création de cette pièce, celle que vous venez de voir, l'intégralité de la classe a pris plus de dix heures. Même si ce processus a été condensé en moins de quelques heures de séquences, et même cela est une longue classe pour le partage de compétences. La réalité est que ce style de travail prend beaucoup de temps et exige beaucoup de temps. Je l'ai mentionné parce que le numéro 1, si vous décidez que vous voulez faire quelque chose dans ce style et que cela vous prend beaucoup de temps, je ne veux pas que vous ayez l'impression que vous faites quelque chose de mal. Ça me prend beaucoup de temps aussi. C' est exactement comment ça se passe si vous voulez créer un look réaliste plus détaillé. L' autre raison pour laquelle je l'ai mentionné est que vous n'avez pas à le faire de cette façon. Si vous voulez adopter une approche plus simple conceptuellement, où vous faites un sujet qui n'a peut-être qu' un ou deux éléments au lieu de plusieurs éléments comme celui-ci que j'ai fait, cela pourrait le rendre plus rapide. Si vous choisissez un style de fleur différent, quelque chose comme une tulipe qui n'avait pas une tonne de tous ces petits pétales et tant de détails, cela rendrait aussi plus rapide. Peut-être que vos styles sont différents. Peut-être que ce n'est pas aussi réaliste ou pas aussi détaillé, et c'est tout à fait bien. Nous avons tous nos styles différents, nos styles uniques et des façons uniques d'aborder les choses. Mais quelle que soit la perspective que vous venez à vous avec cela, si vous allez essayer de le faire exactement comme je l'ai fait ou si vous allez essayer de le modifier et de le modifier pour votre propre processus, les étapes pour créer votre illustrations botaniques d'inspiration vintage sont fondamentalement ce que nous avons parcouru dans la classe. Je vais leur donner un avis rapide ici. Numéro 1, vous voulez commencer par recueillir votre inspiration. Vous pouvez utiliser Pinterest pour cela comme je l'ai fait et faire un tableau d'épingles. Vous pouvez le faire physiquement, vous pouvez découper des images d'un magazine et les coller sur un panneau d'affichage, ou utiliser des images Google et les enregistrer sur votre disque dur. Quelle que soit la façon dont vous pouvez vous inspirer, optez pour cela. Une fois que vous avez tout rassemblé, vous passez du temps à regarder l'inspiration. Asseyez-vous et regardez tout ce que vous avez rassemblé, et posez-vous quelques questions sur ce qui vous inspire à propos de ces pièces ? Pourquoi aimez-vous ces pièces ? Quels sont les éléments spécifiques qui vous ont attiré vers eux ou qui vous ont fait les trouver inspirants et chercher où vous voyez thèmes communs et cette inspiration à venir encore et encore. J' aime la forme des feuilles ou j'aime les couleurs de celle-ci. J' aime comment celui-ci inclut la section transversale, quoi que ce soit, ces choses qui vous attirent toujours dans les pièces qui remontent encore et encore. Telles sont les qualités d' inspiration que vous voulez essayer d'évoquer dans votre propre composition. Une fois que vous avez cette liste, créez votre composition approximative, puise à partir de ces thèmes qui puisent l'inspiration que vous avez trouvée dans ces autres images. Surtout si vous voulez travailler de manière réaliste, l'étape importante est de rassembler quelques images de référence. J' utilise mes propres images parce que je préfère le contrôler. Mais vous pouvez aussi regarder en ligne, trouver des images de cette façon. Si vous n'avez pas vos propres photos de photos, vous pouvez également essayer d'aller à un magasin de fleurs ou un jardin et prendre des photos de cette façon. L' important à propos de cette étape est que, vous rassemblez des références qui fonctionnent réellement dans la composition, et le style que vous avez prévu de créer, puis créez une esquisse basée sur la combinaison de votre mise en page de composition et vos images de référence. Transférez ensuite ce croquis sur votre papier d'art et utilisez acrylique aquarelle ou un marqueur aquarelle, quel que soit le support de votre choix pour ces premières couches est de créer une sous-peinture. Ensuite, vous pouvez ajouter plus de détails avec un crayon de couleur comme je l'ai fait ou avec un autre média, si vous préférez un autre média. Beaucoup de gens ne font que 100 pour cent d'aquarelle. Pour l'Illustration Botanique qui peut très bien fonctionner. Vous pouvez également poser un marqueur sur l'aquarelle. Assurez-vous simplement que si vous allez combiner différents médias que vous ferez quelques tests. Montre d'abord pour s'assurer qu'ils reposent bien les uns sur les autres. Enfin, une fois que vous avez l'impression que vous avez obtenu la pièce assez proche d'être faite, prenez un pas en arrière pour une journée, puis revenez et regardez-la avec des yeux frais et ajustez et faites des ajustements. Si vous avez vu des erreurs, prenez le temps de les corriger, surtout si vous investissez beaucoup de temps dans une pièce. Cela vaut la peine de le faire à la fin juste pour le prendre ce dernier petit peu de bon à incroyable. Maintenant, comme vous avez peut-être déjà deviné par tout le reste que j'avais dit dans cette section, vous devriez vous sentir totalement libre de moduler ces étapes mais vous voulez modifier le processus cependant, convient le mieux à vos besoins. Si vous voulez sauter une certaine étape ou utiliser un média différent et adopter une approche différente, vous devriez vous sentir libre de le faire. Quoi que vous fassiez, j'espère que vous prendrez le temps de partager votre travail dans les projets de classe. Je fais de mon mieux pour regarder chaque projet, j'adore voir ce que vous faites tous et je sais que vos camarades de classe le font aussi. Si vous voulez partager votre travail sur les réseaux sociaux, n' hésitez pas à me marquer. Je suis à KendyllHillegas sur Instagram et Twitter. J' aime partager le travail des étudiants, j'adore le retweeter et l'inclure dans mes histoires insta. Enfin, n'hésitez pas à laisser vos questions dans la section de discussion en classe, et si vous êtes capable et que vous avez le temps, j'apprécierais une évaluation de classe. Merci beaucoup d'avoir suivi mon cours. J' espère vraiment que c'était précieux. J' espère que vous avez aimé voir mon processus et apprendre nouvelles choses et quelques nouveaux concepts à tirer de cela et à appliquer à vos propres œuvres d'art. Je suis tellement excité de voir ce que tu fais. [MUSIQUE]