Peindre avec moi : créer une pâtisserie à partir de différentes techniques

1. Intro: Quelle est votre pâtisserie ou votre pain préféré ? Est-ce un rouleau à la cannelle ou peut-être ces beignets végétaliens de votre boulangerie préférée en bas de la rue, ou le pain de banane sans gluten de votre grand-mère ou peut-être ce n'est même pas nécessairement votre favori de tous les temps, mais c'est quelque chose qui tient un souvenir vraiment spécial pour vous, peut-être de l'enfance ou d'un voyage que vous avez fait. soit, la pâtisserie et le pain ont tendance à faire partie de ces groupes alimentaires que beaucoup d'entre nous apprécient vraiment. Ils sont associés à des souvenirs ou des vacances spéciales, et ils ont tendance à être un aliment qui est vraiment évocateur pour nous à travers de nombreuses cultures différentes. Donc, cela en fait un sujet fantastique pour les illustrations et les peintures. Ils sont également très intéressants en termes de texture, couleurs différentes, et de sculpture. Donc, une raison de plus pour faire de l'art à partir de ça. Je m'appelle Kendyll. Je suis illustrateur commercial et artiste. Pâtisserie et pain est l'une de mes choses préférées absolues de tous les temps à peindre. Dans ce cours, vous aurez un regard intérieur par-dessus mon épaule, dans mon atelier, alors que je crée une peinture médiatique de photos d'une délicieuse pâtisserie feuilletée. Vous m'entendrez expliquer chaque phase, y compris l'image de référence que j'utilise, les matériaux que j'utilise, et pourquoi, et comment j'utilise diverses techniques de médias mixtes pour créer cette illustration de pâtisserie réaliste. Cette classe s'appuie sur ma première classe Skillshare, peinture au crayon de couleur, qui a été publiée plus tôt cet été. Si vous êtes un vrai débutant ou quelqu'un qui n'a aucune expérience du tout avec l'aquarelle ou les crayons de couleur, je vous encourage à prendre ce cours d'abord, car il va vraiment en profondeur tous les fondements principes que nous mettrons en œuvre dans ce cours. Ce cours est le mieux adapté pour ceux d'entre vous qui ont déjà un peu d'expérience avec l'aquarelle, crayon de couleur , médias mixtes, et qui veulent juste apprendre à prendre les illustrations de médias mixtes, et des peintures en particulier ceux des pâtisseries et du pain au niveau supérieur, ou pour ceux d'entre vous qui sont particulièrement intéressés par illustration et la peinture alimentaires réalistes et qui veulent apprendre à le faire vous-même. Ce sera également un excellent choix pour ceux d'entre vous qui apprennent par l'action, et par exemple puisque dans cette classe, la démonstration, l'enseignement sont vraiment entrelacés, et ils vont ensemble tout au long du cours. Chaque fois que j'explique quelque chose, vous le verrez jumelé avec moi faire quelque chose dans la création de la peinture réelle. Donc, si vous apprenez par démonstration, en voyant quelqu'un le faire et ensuite l'action le suivre vous-même, ce sera vraiment un bon ajustement pour vous. Ensuite, pour le projet de classe, vous serez en mesure de télécharger exactement la même image de référence que j'utilise, et vous pouvez peindre avec moi tout au long du cours ou si vous voulez utiliser votre propre référence, peut-être pour un de ces aliments qui a un souvenir spécial pour vous, pour le pain de banane sans gluten de votre grand-mère. Par exemple, vous pouvez utiliser votre propre référence et suivre les mêmes étapes que je fais pour créer une pièce qui est vraiment non seulement belle, mais aussi sentimentale et spéciale. Donc, tout cela étant dit, nous sommes prêts à plonger dans le parcours, et j'espère vous y voir. 2. Travail préparatoire: D' accord. Donc, juste quelques morceaux de terrain à parcourir avant de plonger dans la création réelle de la pièce. Notre première étape est les matériaux. Pour cette classe, j'utilise des médias mixtes, donc une variété de matériaux différents, et ceux comprennent Faber-Castell Albrecht Durer crayons aquarelle, aquarelle liquide Hydrus et palettes, crayons de couleur Prismacolor, Gamsol qui est un esprit minéral inodore, stylo de peinture Sharpie, un numéro deux pinceau acrylique rond et numéro deux pinceau plume et un numéro six pinceau aquarelle ronde, et un numéro quatre Filbert, et également utiliser une fusion de papier imprimante et un papier aquarelle, je vais utiliser du papier aquarelle à froid Fabriano Artistico 300 livres. Last but not least, Dbmier lumière pad. Ces choses sont toutes répertoriées dans le programme et j'ai fait de mon mieux pour essayer de lister quelques substitutions, vous n'avez pas besoin d'utiliser les mêmes marques que j'utilise. Je sais que certaines de ces choses ne sont pas nécessairement disponibles à l'étranger, en particulier les étudiants de ma dernière classe m'ont dit que les Gamsols difficiles à obtenir à l'étranger. Donc, j'ai la liste des choses que j'utilise réellement, puis avec cela quelques substitutions recommandées en fonction de l'endroit où vous vivez, dans différentes gammes de prix et tout cela. Donc, n'hésitez pas à utiliser la version que vous voulez si vous suivez ou même une combinaison différente de médias. Ok, la deuxième et dernière petite pièce de terrain que je veux examiner est l'image de référence. Donc, j'utiliserai cette image de référence, c'est une photo d'une pâtisserie appelée a pain aux raisin, et je ne parle pas français, alors j'espère que j'ai prononcé ça d'accord. Quoi qu'il en soit, la pâtisserie vient d'une de mes boulangeries locales préférées et j'ai juste pris la photo avec mon iPhone il quelques mois quand j'étais à la maison de mes parents, c'est juste sur leur comptoir de cuisine. Donc, comme vous pouvez le voir, ce n'est pas une photo particulièrement fantaisie, mais il y a quelques raisons pour lesquelles cela fonctionne vraiment bien comme une image de référence. En premier lieu, tout le sujet est mis au point, sorte que nous pouvons voir tout le chemin de l'avant de la pâte à l'arrière de la pâte vraiment clairement, il n'y a pas de flou. photos qui ont une profondeur vraiment, vraiment peu profonde de champ sont de belles photos, mais elles ne fonctionnent pas nécessairement bien pour les images de référence pour la nourriture puisque vous voulez être en mesure de voir le tout. Numéro deux, il y a une source de lumière claire et c'est la lumière naturelle que je préfère toujours. Cela ne doit pas nécessairement être de la lumière naturelle, mais à mon avis, cela fait pour quelques-unes des plus belles peintures, donc ça a tendance à être ce que je préfère. Numéro trois, ça ressemble à de la nourriture. Maintenant, cela peut sembler une évidence, mais lorsque vous créez des illustrations alimentaires réalistes, il est vraiment important de choisir un sujet et une image de référence qui est immédiatement reconnaissable comme nourriture pour votre spectateur. Donc, il y a certains types d'aliments qui sont absolument superbes et beaux, mais ils sont tellement stylisés et dans certains cas, ils peuvent même ne pas vraiment ressembler à de la nourriture plus, et vous pouvez les peindre, mais à mon avis, ils ont tendance à ne fonctionnent pas aussi bien pour les sujets de l'illustration alimentaire. J' ai tendance à aimer les choses qui semblent vraiment réelles et authentiques et peut-être même imparfaites, qui ont tendance à être pour moi où une partie de la magie vient quand on traduit ça en une peinture. Donc, si vous choisissez votre propre image de référence plutôt que de télécharger la mienne, gardez simplement ces critères à l'esprit lorsque vous la sélectionnez ou que vous prenez si vous la prenez à partir de zéro. Gardez simplement ceux à l'esprit pour vous assurer que vous obtenez une image de référence vraiment solide à partir de laquelle travailler. Ok, donc sur cette note, nous sommes prêts à entrer et à commencer. 3. Esquisse et ébauche: Ok, donc je commence avec ma feuille de papier d'imprimante de base et un crayon numéro quatre. J' utilise du papier d'impression peu coûteux pour le croquis afin que je puisse le gâcher et ne pas avoir à m'inquiéter du nombre de fois que j'efface et passe en revue les choses. Ce sera beaucoup plus facile de faire mon croquis de cette façon et ne pas avoir à être trop bien rangé et parfait, puis je vais transférer ce croquis sur du papier aquarelle. Maintenant, ce n'est pas une classe de base de dessin. Donc, je ne vais pas aller super en profondeur sur le comment de cela, le How-to est en fait de faire un dessin réaliste avec des proportions réalistes. On pourrait avoir une classe entière probablement plusieurs cours juste sur ça. Juste sur le séchage proportion réaliste. Si c'est quelque chose qui vous intéresse de me voir enseigner, faites-le moi savoir dans la section des commentaires de classe, envoyez-moi un tweet ou envoyez le message sur les réseaux sociaux. Je serais certainement prêt à faire ce cours, mais nous n'allons pas revenir sur ça ici. Les bases de ce que je fais sont que je regarde mon image de référence et que j'utilise mon crayon pour mesurer les proportions de la référence, puis les traduire sur papier. Donc, je n'ai pas besoin de m'inquiéter pour trop de détails, j'essaie juste d'obtenir la perspective de forme de base et les proportions. Puisque c'est vraiment le fondement et c'est ce qui va rendre ma dernière pièce vraiment réaliste. Vous pouvez penser à cela comme le squelette ou la structure, les os sous votre dessin. Ils doivent tous être dans le bon ordre et vraiment sonner pour qu'il ait l'air réaliste. À ce stade, je me prépare à transférer mon croquis sur mon papier Fabriano de 300 livres à l'aide d'un tampon lumineux. Vous pouvez également utiliser une fenêtre si vous n'avez pas de tampon lumineux. Donc, j'ai enregistré mon croquis pour m'assurer qu'il ne bouge pas et ensuite j'enfile mon papier d'art sur le dessus. Je veux m'assurer qu'ils restent tous les deux au même endroit et ne bougent pas juste au cas où je doive revenir sur le dessin plus tard pour tout aligner peut être une sorte de douleur. Donc, je vais revoir le croquis avec une ligne très légère d'un crayon aquarelle super pointu. Faire cela plutôt que d'utiliser un crayon graphite, cela signifiera que je peux éviter de finir avec des lignes de crayon à la fin puisque le crayon d'aquarelle lui-même est soluble dans l'eau. Donc, quand je vais le revoir, les lignes que nous allons juste saigner dans la peinture elle-même et elles ne seront même pas visibles à la fin. Une fois que nous dessinons juste transfert, je vais utiliser crayons d'aquarelle castell en papier pour créer un sous-tableau. J' utilise un crayon aquarelle car il me permet de suivre avec les lignes de mon croquis transféré. Si je suis juste allé juste au-dessus du transfert avec de l'aquarelle, je pourrais potentiellement perdre certains de ces espaces réservés, certaines des lignes que j'ai soigneusement transférées de l'esquisse, puisque ces lignes sont faites avec crayon aquarelle. C' est le seul inconvénient avec l'utilisation d'un crayon aquarelle pour votre transfert est que vous pouvez vraiment facilement perdre ces lignes. Donc, travailler dans cette méthode me permet de garder une trace de l'endroit où je mets tout et je peux juste mouiller les choses par phases, de sorte que tous mes détenteurs de places restent en place et cela me met vraiment en place pour être prêt pour plus de détails et la différenciation des valeurs dans les couches suivantes. Maintenant, je mélange les choses avec mon pinceau acrylique numéro 2 et de l'eau, et ensuite je vais la laisser sécher. Bon, donc à ce stade, nous avons notre croquis et un sous-tableau complet et je vous encourage à prendre une minute et à partager les deux dans la section du projet de classe. Si vous n'êtes pas sûr de votre esquisse ou en particulier de vos proportions dans votre esquisse, vous pouvez partager votre esquisse avec votre image de référence dans la section projet de classe et demander des commentaires. Je ne peux pas garantir que je regarderai chacun, mais je ferai absolument de mon mieux. Si vous voulez des commentaires sur la question de savoir si quelque chose semble réaliste ou non ou doit être ajusté, s'il vous plaît être explicite à ce sujet lorsque vous partagez. Puisque tout le monde ne veut pas vraiment des commentaires constructifs quand ils publient leur travail. Donc, si vous cherchez des commentaires constructifs de la part de moi ou de vos camarades de classe, s'il vous plaît laissez-moi savoir quand vous le publiez, et je serai heureux de faire de mon mieux pour le fournir. Ok, donc ensuite, une fois que la sous-peinture est sèche, je vais utiliser l'aquarelle liquide pour ajouter plus de détails, plus de couleur, plus de dimension de profondeur, juste pour vraiment commencer à prendre la peinture au niveau suivant avec le milieu couches. 4. Aquarelle: D' accord. Donc, je commence ici avec mes aquarelles liquides. J' utilise l'aquarelle hydre du Dr. Martins. Vous pouvez également utiliser l'aquarelle tube ou stylo tout ce que vous préférez, j'aime vraiment l'aquarelle liquide. Je vais les mélanger dans des palettes qui fonctionnent vraiment bien pour aquarelle liquide parce qu'ils ont différents petits puits profonds et aussi des taches pour le mélange. J' utiliserai un numéro pour la plume, un numéro six rond, et une brosse de lavage ovale d'un demi-pouce. Donc, je fais juste un mélange initial de couleurs ici avant de plonger, ça m'aide juste d'avoir tout prêt à partir. Pour commencer, je sais que je vais avoir besoin d'un brun doré chaud et d'un brun neutre plus frais ainsi que de petites zones d'or clair plus saturé, et d'un violet de raisin vraiment profond. Je suis juste en train d'avancer et de tester les choses comme ils vont voir si j'ai les bonnes couleurs. Je sais que je vais certainement avoir besoin de faire plus de mélange plus tard que je travaille, mais il est vraiment utile pour moi d'avoir ces couleurs principales définies avant de commencer à peindre. Maintenant, quand je commence à peindre, j'utilise mon pinceau plume d'abord parce qu'il est grand mais il me permet quand même d'obtenir de petits détails, donc c'est le meilleur des deux mondes. Puisque la structure globale et les proportions sont en place avec le croquis et la sous-peinture, j'essaie vraiment de ne pas être trop pris par ces petits détails et les petits paillettes de la pâtisserie. J' essaie principalement de ne pas les obtenir trop parfaits, j'ai besoin de le garder un peu aléatoire pour qu'il ait l'air réaliste. Même si la pâtisserie est quelque chose qui est techniquement fabriqué par l'homme, elle n'est pas fabriquée à la machine, et la façon dont elle monte et change dans le four signifie qu'elle a un aspect organique, donc je dois être très prudent pour éviter trop de perfection. Je continue juste à passer à travers le sujet, approfondissant les valeurs dans les couleurs. Je colle avec le pinceau plume plus grand pour l'instant parce qu' il fonctionne vraiment bien pour capturer cette forme de la de la desquamation dans les couches et cela m'empêche de devenir trop pris dans les petits détails. Maintenant, pour commencer, j'ai ma peinture très arrosé et je suis en train de construire progressivement pour des applications plus sombres et plus saturées au fur et à mesure que je vais. Ici, je viens de réaliser que j'ai besoin d'un jaune plus frais, plus verdâtre pour la partie intérieure de la pâtisserie. Donc, j'ai mélangé ça avec un peu de jaune frais et la plus petite touche d'un vert viridien. Viridian vert est une couleur vraiment forte, donc j'ai probablement neuf parties jaune à une partie verte. Peut-être même moins que ça, juste la plus petite quantité et juste le laver sur la zone où j'en ai besoin avec un pinceau rond numéro deux. Maintenant, j'ajoute un peu plus d'or chaud aux zones plus légères de la pâtisserie et je me rends compte que je l'ai un peu trop sombre, donc je l'écrase avec une serviette en papier propre à sec. C' est un excellent moyen d'ajouter plus de texture à votre pièce et il fonctionne vraiment bien pour le backtracking à condition que vous n'ayez pas descendu trop lourd, et que vous le faites tout de suite lorsque la peinture est encore humide. Maintenant, je continue juste à ajouter progressivement plus de valeur sur la couleur, en comparant les couleurs de ma pièce les unes aux autres, puis aux couleurs dans la référence pour voir si j'ai les valeurs relatives correctes. Donc, je veux qu'ils correspondent non seulement à ce que je vois dans la référence, mais aussi à la relation entre eux si cela a du sens. Donc, les couleurs claires de ma peinture doivent être aussi relativement claires par rapport aux couleurs sombres, que les couleurs sombres et claires dans la référence. Donc, obtenir les couleurs elles-mêmes justes ainsi que les relations entre ces valeurs va être ce qui crée vraiment ce sens du réalisme. Maintenant, j'ajoute enfin les raisins secs, cette couleur est principalement le rouge frais avec encore une petite touche de ce vert viridien, cette combinaison fait un très beau violet profond. Maintenant, que j'ai les raisins secs super sombres vers le bas, je peux voir que j'ai vraiment besoin d'approfondir certaines ombres. Comme je l'ai dit, la lumière et l'obscurité sont relatives. Donc, cela peut arriver parfois quand vous pensez que vous avez la valeur vers le bas correctement ou quand je pense que j'ai la valeur faite correctement, et puis j'ai une zone qui est beaucoup plus sombre ou beaucoup plus légère et soudainement, boom, il est clair que certains des et les relations entre ces valeurs dans le reste de ma peinture doivent changer d'une manière ou d'une autre. Donc, il n'y a vraiment pas beaucoup de nuance de couleur dans la pièce à ce stade, j'utilise juste ces couleurs principales et j'ai mentionné, l'or plus chaud, l'or plus frais, et puis ce jaune verdâtre plus frais, juste pour être sûr d'avoir les couleurs relatives et droit des valeurs. D' accord, je suis assez proche de la fin ici, juste ajouter quelques lavages finaux avec la brosse ovale et sécher avec mon fidèle sèche-cheveux studio, que je puisse passer au crayon de couleur. Très bien, à ce stade, nous avons fait les couches intermédiaires de la peinture et c'est moment idéal pour prendre une photo et la partager aux projets de classe. Ensuite, je vais passer au crayon de couleur, qui est où nous allons ajouter beaucoup de détails, et la complexité des couleurs et continuer à modifier ces relations de valeur, les relations entre les lumières et les sombres, à vraiment commencer à rendre notre pièce réaliste. 5. Crayons de couleur: D' accord. Donc, pour commencer avec le crayon de couleur, je suis juste en train de construire mon palais comme je l'ai fait avec d'autres médias. Je vais à travers ma boîte de crayons de couleur, tirant ce que je pense que je veux utiliser, et en le mettant de côté. J' ai une sélection de différents or ici de la couleur de la verge d'or, que je pense que je vais probablement utiliser beaucoup dans la pièce, à d'autres or plus léger plus sourds, puis une sélection de bruns, bruns chauds, cool bruns, bruns beigy, puis quelques violets différents, ils ne ressemblent pas vraiment au violet sur la caméra, mais c'est une augmentation très sombre en violet puis un violet plus chaud. Ensuite, j'ai aussi quelques verts, que j'utilise probablement au centre de la pâtisserie, et puis j'ai quelques roses différents, tout d'un rose chaud à quelques roses plus sourds grisés qui fonctionneront très bien pour les faits saillants. Ensuite, bien sûr, j'ai un peu de gris blanc et environ 10 pour cent français, qui sera utilisé pour les plus brillants, et puis j'ai un peu de noir aussi et je ne suis pas sûr de commencer si je vais l'utiliser, je ne Je ne sais pas avec certitude que je vais l'utiliser, je n'utilise généralement pas de noir dans mes morceaux, mais, Je l'ai sorti juste au cas où parce que j'ai un sentiment que cela peut bien fonctionner dans les raisins secs. Au fur et à mesure que je commence ici, ma main repose sur un morceau de papier d'imprimante et j'essaie toujours de le faire lorsque je travaille avec des crayons de couleur car cela m'aide à éviter les taches. Initialement, j'utilise juste cette couleur de verge d'or que j'ai mentionnée car c'est un très bon ton moyen pour ce sujet, et si vous aimez utiliser la couleur prisma aussi, cette couleur de verge d'or, dans mon expérience fonctionne vraiment bien dans beaucoup de différentes pâtisseries et pains. Donc, c'est ma couleur de Saint Graal pour faire de la pâtisserie et du pain. À ce stade, je commence enfin avec plus de bruns usés plus profonds, l'ocre de Sienne, et je continue à construire ces couleurs et ces valeurs à travers la pièce. Maintenant, travailler avec un sujet comme celui-ci, un morceau de pâte qui a une texture vraiment squameuse, un élément clé pour le rendre réaliste est de s'assurer qu'ils obtiennent la saturation juste. Je trouve qu'il peut y avoir une tendance à sursaturation et à avoir air vraiment trop jaune comme un jaune vif, et cela ne lit pas comme de la nourriture autant ou pas aussi réaliste, il semble beaucoup plus stylisé. Ou, la tendance est de le tonifier et de l'avoir trop désaturé. À mon avis, ça n'a tout simplement pas l'air appétissant. Donc, si vous voulez que la nourriture regarde, je ne sais pas, heureux, je suppose, ou si vous voulez qu'elle soit vraiment attrayante, vous devez avoir un très bon équilibre entre les saturés et les désaturés que je ressens. Donc, frapper que juste juste aide vraiment avec le sens du réalisme. À ce stade, je me sens comme si je suis enfin prêt à commencer à ajouter une certaine complexité de couleur. Donc, je travaille dans un peu de vert jade sourd dans certaines zones d'ombre. Un aspect délicat de ce sujet particulier, cette douleur aux raisin, est que certaines des zones qui sont dans l'ombre sont plus légères que les autres zones qui sont dans l'ombre. Donc, j'ai encore besoin de cette petite, cette section sur laquelle je travaille ici, j'ai toujours besoin de ceci pour lire comme une ombre, même si c'est plus léger que le reste de ce qui l'entoure. Donc, j'essaie de le refroidir un peu avec cette couleur verte sans l'assombrir trop. Parfois, juste un changement de température suffit pour faire lire quelque chose comme une ombre. Donc, je vais aller et venir ici dans le côté ombre de la pâtisserie avec les couleurs claires plus fraîches comme le beige et le jade et les couleurs sombres plus chaudes de l'ogre et de la sienne. Alors que je travaille sur cette pièce, j'ai tendance à bouger mon crayon en petits traits circulaires. Le papier sur lequel je travaille est assez texturé, donc, faire mes coups de crayon de cette façon crée également une texture vraiment intéressante. J' ai tendance à prendre des décisions sur la texture en fonction de mon sujet. Donc, à peu près chaque fois que je fais quelque chose dans la famille de la pâtisserie ou du pain, j'aime vraiment avoir beaucoup de texture parce que ces sujets sont texturés eux-mêmes. Donc, ce sera différent si je faisais quelque chose comme de la crème glacée ou du jello, quelque chose qui était vraiment lisse, mais pour ces sujets vraiment texturés, j'aime non seulement laisser émerger la texture , mais peut-être que même faire quelques choix permettez -moi de l'amplifier. À ce stade, j'ajoute beaucoup plus de structure avec l'ocre, essayant de capturer les petites ombres qui dénotent cette texture squameuse dans la zone de ton moyen de la pâte. Je suis en train de chercher le noir et les nuances plus sombres de brun et de violet. Le noir, je n'utilise que dans le côté ombre des raisins secs, il ne touche pas la pâte, il n'est pas du tout dans la pâte, c'est juste sur le petit côté ombre des raisins secs. Juste continuer à développer et ajouter plus de valeur en allant et en arrière entre ces couleurs que j'ai mentionnées. D' accord. Maintenant, je suis enfin prêt à ajouter quelques faits saillants en utilisant ces roses et de la crème en sourdine. Je vais m'éloigner du blanc d'abord car tous les points forts ne sont pas blancs. Maintenant que j'ai obtenu certains de ces faits saillants plus doux vers le bas, j'ai réalisé que j'avais juste besoin d'un peu plus de peaufinage dans certains des tons moyens. C' est ce même processus qui compare les couleurs et les valeurs les unes aux autres dans la peinture, puis compare ces relations à celles de la référence. Maintenant, certains artistes sont plus à l'aise de poser les couleurs et les valeurs les plus sombres tout de suite, puis de travailler jusqu'aux valeurs plus claires ou vice versa, lumière d'abord sombre à la fin. Si c'est comme ça que vous travaillez, alors c'est génial. J' ai juste tendance à vraiment prospérer avec ce genre de rythme de va-et-vient. Je fais exactement ce que j'ai fait depuis le début, depuis que je travaillais sur un dessin, qui commence par les plus grandes choses et je travaille jusqu'aux petites choses. Donc, avec le dessin, c'était la forme globale qui travaillait vers le bas et vers le bas et vers les petits détails, et les proportions, et en s'assurant que tout s'adapte ensemble, et avec la peinture, avec la couleur, a été la même chose. Nous avons commencé avec la sous-peinture et les couches intermédiaires avec aquarelle liquide et nous avons utilisé cela pour obtenir les choses larges en place, les bonnes couleurs globales, et les formes d'écriture globales, et maintenant travailler avec le crayon de couleur surtout que nous nous rapprochons de la fin, je me concentre vraiment sur la découpe plus de ces petits détails. Donc, pas seulement les grands flocs et plis de la pâte mais comme la petite texture à la surface de la pâte, les choses qui vous permettent vraiment de savoir quel est le sujet. Donc, avoir ce mouvement du plus grand au plus petit, le moins détaillé au plus détaillé, c'est ainsi que je crée ce sens du réalisme. Donc, à ce stade, ma peinture est à environ 90 pour cent du chemin là-bas. Si vous êtes sur la voie de l'achèvement et que vous avez presque terminé avec le vôtre, veuillez prendre une minute pour prendre une photo rapide et la poster sur vos projets afin que nous puissions tous voir votre progression. D' accord, ensuite, je vais faire un tout petit peu de tache en se mélangeant avec du gemsol, puis on passera aux derniers détails et aux faits saillants et on finira ce tableau. 6. Mélange et finition: Très bien, à ce stade, je me prépare à me fondre. Donc, je vais utiliser le gamsol, qui est un spiritueux minéral inodore, pour m'aider à mélanger le crayon de couleur. Ce que fait le gamsol, c'est qu'il dissout le liant qui tient le pigment dans le crayon ensemble, et permettez-moi de le déplacer un peu avec la brosse pour obtenir une finition lisse. J' utilise deux tailles différentes d'une brosse en tissu ici. Le tissu est mon préféré pour le mélange. C' est comme une extrémité ovale arrondie à la brosse, et c'est relativement rigide. Ce sont des pinceaux aquarelle. A une bonne quantité de claquage à elle, mais il est encore assez doux pour être bon pour le mélange. Donc, pour commencer, je prends juste une très petite quantité sur mon pinceau. Je ne peux pas insister assez sur ça. C' est un tout petit montant, et je tamponne l'excédent sur une serviette en papier. Puisque je vais coller uniquement des zones sélectionnées, je veux vraiment faire un effort pour préserver toute cette texture que j'ai soigneusement construite dans la peinture. Donc, c'est pourquoi j'utilise si peu de gamsol, et honnêtement, même si j'allais faire beaucoup plus de mélange, c'est l'un de ces produits que je me sens personnellement comme moins est plus. Donc, il est préférable d'utiliser juste un petit peu, puis d'en construire progressivement plus si vous en avez besoin. Donc, les zones que je vais mélanger sont presque exclusivement dans l'ombre. La raison pour laquelle je fais ça, c'est que lisser ombres va les rendre plus aplaties. Donc, si vous pouvez imaginer ou quelque chose qui est vraiment texturé comme de l'herbe, quand la lumière du soleil le frappe, il a vraiment l'air de la texture. Il y a beaucoup de variations, beaucoup de hauts et de bas, vous pouvez dire que c'est dans la lumière. Mais, si cette même herbe de sujet est dans l'ombre, vous ne pouvez pas voir autant de détails. Ça a l'air un peu plus lisse presque. Donc, quand il est à la lumière, il a l'air plus rude, quand il est dans l'ombre, il semble plus lisse. Donc, lisser quelque chose et mélanger votre pigment, est un excellent moyen de rendre vos ombres un peu plus plates, et c'est un bon moyen d'intensifier une zone d'ombre sans avoir à l'assombrir. Donc, si vous vous sentez : « Oh, mec, ce n'est pas assez sombre, je dois ajouter du noir ici. » Avant de le faire, s'il vous plaît essayer de mélanger. Je fais tout ce que je peux pour éviter d'utiliser le noir juste parce que je ne veux pas. J' ai l'impression qu'il peut assombrir la peinture, donc je l'ai vraiment juste être vraiment des couleurs vraiment sombres et peut-être quelques couleurs complémentaires, et puis quand nécessaire mélanger. Donc, je vais le répéter, je l'ai déjà dit, mais le seul endroit où j'avais du noir dans ce tableau est à l'ombre de l'élévation. Donc, il n'y a pas de noir nulle part ailleurs. J' utilise juste cette technique de mélange pour m'aider à lisser un peu cette ombre et l'amener à se coucher plus. Vous pouvez voir que de prendre vie au fur et à mesure que cela arrive, vous pouvez voir que ces zones ont l'air plus sombres, et je n'ai plus ajouté de pigment. C' est juste parce qu'ils sont mélangés. D' accord. J'ai donné au tableau, au gamsol un peu de temps pour sécher. Donc, je passe maintenant aux derniers détails, et je vais répéter certains détails dans les zones sombres du milieu. Ceux-ci ont un peu à mélanger pour moi, et je veux ajouter juste une petite quantité de texture. C' est une chose vraiment agréable à propos de cette méthode ainsi que cela peut vous permettre de poser un peu plus, mettre quelques couches plus bas, surtout si vous travaillez dans un papier vraiment texturé comme celui-ci. Donc, je passe juste à travers le tableau, et pourtant je découpe ces petits détails que j'ai peut-être trop lissés. Maintenant, j'ajoute ces derniers faits saillants de crayon de couleur en utilisant le crayon de couleur blanche. Je l'utilise sur les zones où j'ai besoin que les choses soient encore plus légères et où j'aurai effectivement un vrai point culminant opaque. Je voudrais ajouter une partie du crayon de couleur blanche à ces zones d'abord car il adoucit et le rend plus réaliste. Avoir beaucoup de faits saillants vraiment durs dans votre peinture où il n'y a aucune sorte de transition ou de mélange à la zone qui l'entoure, peut rendre le sujet vraiment stylisé ou dessiné. Je ne veux pas dire ça mal du tout. n'y a rien de mal avec la pâtisserie stylisée ou de dessins animés, mais ce n'est pas ce que nous allons faire ici, nous allons pour une sorte de réalisme. Donc, pour ce faire, nous devons garder assez douces les zones de transition dans la plupart de nos points forts. J' ai pris une décision de dernière minute pour ajouter une ombre portée ici. Une ombre portée est juste une petite ombre sous un objet qui vous permet de savoir qu'elle est assise sur une surface. Donc, comme je n'ai rien d'autre autour du tableau, je n'ai pas le sujet plutôt, je n'ai pas d'assiette, je n'ai pas de serviette, je veux juste dire clairement que c'est un vrai objet, il est assis sur une surface, ce n'est pas seulement flottant dans l'espace. Donc, j'ajoute une minuscule ombre portée, et j'utilise du gris chaud 10 pour cent, 20 pour cent, puis 70 pour cent, je crois, French Gray, qui est gris très chaud. J' ai décidé de faire chaud pour l'ombre parce que l'ombre dans la référence me semble chaude, et il a cette lumière presque réfractée du sujet, qui est très chaude. Donc, je n'ai pas besoin de mélanger l'ombre portée. Je vais juste le laisser tel quel. Enfin, il est temps de passer à ce dernier petit morceau, qui est le stylo à peinture Sharpie. Sharpie est un marqueur de peinture blanche à base d'eau que j'aime utiliser pour ajouter des reflets opaques. C' est très similaire au marqueur posca si vous l'avez déjà utilisé. Je connais beaucoup de gens comme posca, mais j'ai l'impression que le sharpie est un peu plus opaque, donc je le préfère. Cela doit être fait très judicieusement car en faire trop peut vraiment prendre le dessus de votre pièce entière. Mais en ayant un peu, la bonne quantité de lumière blanche opaque peut vraiment transformer une peinture ou une illustration de pâtisserie, parce que la plupart des pâtisseries ont une certaine brillance à la surface, surtout squameuse des pâtisseries comme ça. Donc, avoir un média blanc opaque peut vraiment vous aider à créer ce sentiment de fuite fraîche vraiment attrayante que vous obtenez d'une vraie pâtisserie. Donc, la façon dont je pose ça, c'est que je fais juste des petits points, ce qu'on appelle le pointillage. Donc, je fais juste des petits pointillés partout où j'en ai besoin. Donc, j'ai d'abord identifié les zones qui sont vraiment un blanc brillant, et qui tend à être quelques-uns des points élevés qui sont dans le côté plus léger de la pâtisserie. Donc, les sommets de ces petits flottes. Je suis déjà allé sur ceux avec les crayons de couleur blanche, donc je suis juste au centre des parties les plus brillantes. Je fais des petits petits points du stylo à peinture Sharpie. C' est un processus dans lequel j'ai vraiment essayé de prendre mon temps pour ne pas aller par-dessus bord. Mais, une fois que j'en ai eu là où je sais qu'ils doivent être, où les véritables faits saillants blancs dans la référence sont, parfois je vais prendre une décision, une décision artistique, de les ajouter à d'autres endroits aussi. Par exemple, cette partie centrale de la pâtisserie ici, où toutes ces paillettes intéressantes sont, qui n'a pas vraiment un véritable point culminant blanc pour moi quand je regarde la référence. Mais, je veux que ce soit le point central de la pièce. Donc, je veux y ajouter une texture plus intéressante et des zones plus lumineuses. Donc, j'ai pris la décision de faire juste un peu du stylo à peinture Sharpie là-haut. Cela m'aidera à attirer l'attention du spectateur sur ce point, et à préciser que c'est le point central de la pièce. D'accord. Donc, il y a la peinture finie. Très bien, donc, c'est tout. C' est ma peinture tout fait. Merci beaucoup d'avoir pris ce cours, j'espère vraiment que vous l'avez apprécié. J' espère que cela a été utile et éducatif, et que vous apprenez quelque chose dedans et que vous avez passé du bon temps à le faire aussi. Si vous avez des questions, hésitez pas à les laisser dans la section de discussion en classe. Je ferai de mon mieux pour y répondre. Une autre excellente façon de me joindre est juste sur les réseaux sociaux, je suis toujours sur Instagram. Je suis un peu sur Twitter aussi bien que je suis @KendyllHillegas sur Instagram et Twitter. J' aimerais répondre à vos questions. Vous pouvez également trouver, J'ai fait beaucoup de vidéos sur YouTube au fil des ans, et je vais mettre mon URL à l'écran. Ceux-ci seront tous dans les matériaux de classe aussi. Donc, si vous avez des questions ou d'autres choses que vous voulez savoir, je les ai peut-être déjà abordées dans d'autres vidéos, mais n'hésitez pas à demander, et n'hésitez pas à jeter un coup d'oeil à d'autres choses que j'ai faites. Si vous avez aimé cette classe, j'apprécierais toujours un pouce et une bonne critique. Si vous finissez par faire le projet de classe, n'oubliez pas de partager ceux dans la section projet de classe. Vous pouvez également les partager sur les réseaux sociaux, et si vous le faites, s'il vous plaît étiquez-moi pour que je puisse les jeter un oeil, et peut-être que j'aimerais partager certains d'entre eux sur mes histoires d'instance parfois. Je veux toujours être en mesure de vous donner du crédit et de vous aider à construire votre base aussi, si c'est quelque chose qui vous intéresse. Alors, oui, poster vos photos dans le projet de classe, partagées sur les réseaux sociaux et taguez-moi, et je pense que c'est tout. Alors, merci encore d'avoir suivi ce cours. Je suis vraiment excité de voir ce que tu fais. Alors, sortez et peignez votre pâtisserie préférée.