Peignez depuis votre canapé : Illustration de nourriture réaliste dans un cadre confortable

1. Intro: Hé les gars. Je m'appelle Kendall Villegas et je suis un illustrateur commercial indépendant à temps plein. Notre travail est utilisé dans les journaux et les magazines sur les produits de vente au détail et l'emballage. J' ai travaillé avec des clients comme Wall Street Journal, Real Simple et Oprah Magazine. Je pense à peu près tout et tout ce que vous pouvez imaginer, les gens, les lieux, les animaux, les choses, vraiment tout ce dont le client a besoin, mais l'une des choses pour lesquelles j'investis, c'est mon illustration réaliste de la nourriture. Aujourd'hui, je crée la majeure partie de mon travail à partir d'une table de rédaction dans un studio. Quand je commençais à commencer, j'ai créé tout ce que j'ai fait à partir du canapé. À cette époque, j'avais tendance à me concentrer sur des sujets que j'avais surtout autour de la maison, comme les objets ordinaires et la nourriture. Même si je travaille à temps plein dans un studio maintenant, il y a encore beaucoup de raisons que je ou vous pourriez vouloir créer travaillé à partir du canapé. Peut-être que vous n'avez pas d'espace de travail dédié à la maison ou peut-être que vous ne vous sentez pas bien et que vous devez travailler à la maison ou peut-être que vous voulez juste être un peu plus confortable et rattraper votre émission Netflix préférée pendant que vous créez du travail, quelle que soit la raison, faire de l'art à partir du canapé, à partir du canapé est totalement possible tant que vous avez la bonne configuration et les bonnes fournitures. Donc, dans ce cours, je vais vous emmener avec moi pour créer une illustration multimédia mixte du début à la fin, tout du fauteuil d'accompagnement. Nous allons nous concentrer sur l'un de mes sujets préférés de l'époque où j'étais moi-même peintre à plein temps, et c'est la nourriture. Donc, dans cette classe, nous allons parler de la façon de sélectionner le sujet pour votre peinture. Nous allons parler de la façon de vous installer dans n'importe quel type d' équipement spécial et de fournitures dont vous aurez besoin pour créer de l'art à partir du canapé et puis, bien sûr, le cours principal de la classe sera la création d'une pièce de démonstration. Je vais montrer l'ensemble du processus du début à la fin en temps réel et expliquer ce que je fais chaque étape, chaque phase du processus, afin que vous puissiez avoir une bonne idée de ce que cela ressemble à de créer une pièce cette façon et comme je vais montrer ce processus de bol et le travail et les techniques mixtes, cette classe aura un peu de technique mixte sorte de cuit dans le cours aussi. Vous n'avez pas besoin d'être un expert pour suivre ce cours et vous n'avez pas à avoir le même genre de style réaliste que moi, mais vous devriez avoir un peu de confort et expérience déjà avec une sorte de création artistique fondamentale, des trucs comme les valeurs, les lumières, les sombres, la couleur, les choses de base du dessin d'observation. Nous allons aborder toutes ces choses comme elles se rapportent à la pièce de démonstration. Mais je ne vais pas aller en profondeur dans aucun d'entre eux. Si c'est comme la première fois que vous prenez un crayon, je suggère de revenir en arrière et de jeter un oeil à certains de mes cours fondamentaux qui sont vraiment orientés vers les débutants. Mais si vous avez certains de ces trucs initiaux, si vous avez essayé quelques choses et que vous cherchez juste à expérimenter, à essayer un nouveau sujet ou un nouveau paramètre, alors cette classe est certainement pour vous. Donc, si vous êtes coincé à la maison et que vous ressentez l'envie d'être créatif, ou si vous n'avez pas d'espace de travail dédié, mais que vous voulez vraiment trouver un moyen de dessiner et de peindre régulièrement, venez avec moi et nous serons confortables et créatifs ensemble . 2. Installation et fournitures: Quelques choses que je pense sont utiles à garder à l'esprit lorsque vous créez de l'art à partir du canapé ou d'une chaise confortable, c'est que vous voulez toujours avoir un éclairage décent. Si vous ne travaillez pas à la lumière du jour, si vous allez travailler le soir, assurez-vous d'avoir une lampe de travail ou une lampe de table à côté de vous. Il peut être utile d'avoir aussi une petite table, que ce soit une table d'appoint ou une table basse pour mettre vos fournitures et ensuite personnellement, je préfère avoir quelque chose qui a un accoudoir. Si vous ne pouvez pas vous pencher en avant sur votre table, il est agréable de pouvoir vous pencher en arrière et utiliser un accoudoir pour étudier votre bras et étudier votre main pendant que vous peignez. En ce qui concerne les fournitures, vous aurez besoin d'un tableau de rédaction de petite à moyenne taille. Le tableau de rédaction est juste comme un morceau de masonite qui a une petite fixation de presse-papiers dessus. Vous pouvez même aller à la quincaillerie et obtenir un morceau régulier de masonite et utiliser des pinces d'art ou des bandes de caoutchouc ou un ruban de dessin pour sécuriser votre travail à la planche. Vous pouvez également utiliser un grand livre plat, c'est ce que j'ai utilisé au départ quand je faisais de l'art à partir du canapé. Les livres pour enfants sont particulièrement grands parce qu'ils sont grands et plats, mais ils ne sont pas vraiment lourds comme un grand atlas de table, qui est ce que j'utilisais. Vous avez besoin de quelque chose de dur et de plat pour mettre votre travail sur vous puisque vous allez travailler sur vos genoux. Pour le papier bien sûr, vous pouvez utiliser n'importe quel papier pour faire de l'art sur le canapé, ils n'ont rien à voir les uns avec les autres, il suffit de choisir votre papier préféré. Mais si vous allez faire le même processus que ce que je fais ici, si vous allez utiliser des médias mixtes, je suggère d'obtenir le papier le plus lourd que vous pouvez trouver, quelque chose qui est d'au moins 300 g/m² ou 140 livres. Si vous pouvez obtenir quelque chose qui est encore plus lourd que ça, c'est génial. Cela va juste vous permettre de mettre plus de pigment dans le papier, ce papier peut prendre beaucoup plus de travail qu'un papier plus léger. Je vais utiliser quelque chose qui est en fait 400 g/m² donc c'est un papier aquarelle très lourd pressé à froid, pressé à froid signifie qu'il a un peu plus de texture sur la surface. Je vais faire une combinaison de crayons aquarelle et de crayons de couleur, donc c'est mon papier préféré à utiliser pour la combinaison de ces deux médiums. Maintenant, cela nous pousse vraiment gentiment à parler de fournitures. Lorsque vous travaillez à partir du canapé ou du canapé, vous pouvez utiliser n'importe quel support sec qui ne crée pas de poussière. Crayons de couleur, la plupart des crayons de graphite, des marqueurs, en fait je ne sais pas si les marqueurs seraient classés comme humides ou secs, j'ai tendance à les considérer comme secs, mais ils sont techniquement un liquide. Nous déposerons cette discussion pour un autre jour, mais tout média qui ne crée pas de poussière. Pour les médias humides, vous pouvez utiliser juste des aquarelles régulières dans votre propre palette comme des aquarelles tubulaires ou des aquarelles liquides, mais je trouve qu'en utilisant un petit ensemble portable d'aquarelles de stylo ou encore mieux encore, si vous les avez, crayons à aquarelle, ce qui est ce que je vais utiliser dans cette classe. utilisation de l'un ou l'autre est un peu plus facile car il vous permet de tenir la couleur vous-même, d' entrer dans une position confortable plutôt que d'avoir à constamment se pencher vers l'avant ouà se pencher sur entrer dans une position confortable plutôt que d'avoir à constamment se pencher vers l'avant ou le côté pour tremper votre pinceau dans une nouvelle chose de peinture. Si vous voulez utiliser un seul média, c'est très bien. Vous pouvez utiliser un seul média ou vous pouvez faire ce que je vais faire et mélanger quelques médiums différents que j'obtiens les forces et le meilleur des deux mondes. La dernière chose dont vous aurez besoin est une photo de référence imprimée ou une photo de référence sur votre iPhone ou iPad, autre appareil portable que vous pouvez avoir près de chez vous pour regarder votre photo de référence. Si vous avez déjà pris un cours avec moi, en particulier l'un des cours de dessin des débutants, vous m'avez entendu parler longuement probablement pourquoi il est vraiment bon de tirer de la vie et comment quand vous commencez, vous devriez vraiment essayer de regarder le sujet réel plutôt qu'une photo imprimée. C' est toujours vrai, mais un défi avec cela lorsque vous dessinez du canapé ou d' une chaise est que vous vous penchez constamment en arrière et que vous changez de position. Quand vous faites cela, si vous dessinez de la vie réelle, si vous dessinez à partir des objets assis en face de vous, cela va changer la position à partir de laquelle vous regardez, ça va changer votre point de vue, cela va changer l'angle, ça va changer même les proportions en fonction de la distance où vous vous déplacez. C' est vraiment difficile à faire, si vous créez du travail à partir d'un siège confortable comme celui-ci, je recommande vraiment d'utiliser une photo plutôt que de travailler de la vie. 3. Choisissez le sujet que vous allez peindre: Quand vient le temps de choisir votre sujet, vous pouvez bien sûr créer un travail en se concentrant sur n'importe quel sujet que vous voulez de cette façon, il n'y a pas de contrainte particulière. Mais pour les besoins de cette classe, je pensais que nous nous concentrerions sur la nourriture car c'est quelque chose que la plupart des gens ont déjà autour de la maison et si nous allons aller plus loin cette analogie, c'est quelque chose qui est réconfortant et nous allons en parler un peu plus. Si vous créez du travail à partir du canapé dans cette atmosphère plus détendue et confortable, j'ai l'impression que ces choses vont bien ensemble. Comme je l'ai déjà dit dans l'intro, c'est la plus grande chose que j'ai dessinée quand je commençais à faire du travail depuis le canapé tout le temps. Pour choisir votre sujet, choisissez quelque chose que vous avez déjà autour de la maison. Cela peut sembler une chose redondante à dire. C' est un peu redondant à dire, mais je trouve pour moi et pour beaucoup d'autres artistes que quand ils commencent à faire une pièce surtout dans leur temps libre, si c'est quelque chose qui n'est pas dirigé, il y a une vraie tentation de dire : « Je dois trouver le sujet parfait ou m'asseoir et passer beaucoup de temps à réfléchir à ce que serait le sujet parfait ». et bien sûr, c'est inévitablement quelque chose que vous n'avez pas autour de la maison. Pour ce cours, je vous mets au défi d'essayer de peindre quelque chose que vous avez déjà dans la maison, que ce soit de la nourriture ou non. Ce n'est peut-être pas votre sujet idéal le plus parfait , mais essayez de trouver quelque chose auquel vous pouvez vous connecter en tant que sujet et de vous enthousiasmer par les choses qui sont déjà dans votre maison. Pour faciliter ce choix un peu plus facile, je dirais que quel que soit le sujet que vous sélectionnez répond à au moins un des critères suivants et mieux encore deux. Le premier et le plus grand critère est que vous voulez juste vous assurer que tout ce que vous choisissez est intéressant à regarder, et je veux dire intéressant pour vous de regarder. Bien sûr, c'est subjectif, nous allons avoir des définitions différentes de ce que c'est, mais c'est vous qui allez passer quelques heures à regarder cette chose pour que cela soit logique pour vous. Essayez de faire tout ce que vous dessinez pour essayer de choisir le sujet pour ce que vous dessinez est quelque chose qui vous intéresse réellement et aime regarder et peut regarder pendant une période de temps, donc peu importe définir cela, faites-le numéro un est quelque chose que vous êtes intéressé à regarder. Le deuxième critère est que vous vous sentez connecté émotionnellement à lui d'une certaine façon et encore, c'est très subjectif, mais tout ce que je veux dire c'est que c'est quelque chose qui signifie quelque chose pour vous, que ce n'est pas quelque chose que vous êtes complètement déconnecté de. Si c'est de la nourriture qui est déjà dans votre maison, vous êtes probablement déjà quelque peu connecté à elle. Comme si vous avez de la confiture qui est dans votre maison, c'est probablement la confiture que vous aimez plutôt qu'une autre confiture aléatoire. Même chose avec les objets et c'est une autre raison pour laquelle il est vraiment génial de vous mettre au défi de choisir quelque chose de votre maison, donc que ce soit votre genre préféré de cette chose ou que vous avez une histoire sur cette chose ou cette nourriture ou un souvenir sacré particulier qui vous est vraiment spécial. Essayez de choisir quelque chose que vous ressentez une certaine traction émotionnelle ou une connexion vers. Ça n'a pas besoin d'être super profond et significatif, ça n'a pas besoin d'être la pomme spécifique que ta grand-mère a dit qu'elle aimait sur son lit de mort et a ensuite transmis la recette à ta mère. Ce n'est pas forcément si dramatique, ce grand, juste quelque chose avec lequel vous vous sentez un peu lié à un lien émotionnel. Je dirais que ces critères seraient valables, que vous dessiniez de la nourriture ou des objets, quel que soit le sujet que vous choisissiez dans votre maison. Ce sont deux façons de s'assurer que c'est un bon sujet sur lequel concentrer votre temps. Maintenant, nous allons nous pencher davantage sur ce qui fait d' un sujet de nourriture intéressant. Encore une fois, ce sont toutes les choses que j'espère penser que beaucoup de gens auront déjà autour de la maison donc il y a bien sûr, beaucoup et beaucoup aux nombres infinis d' idées ici, mais je vais me concentrer sur trois seaux principaux. Le numéro 1 est les fruits et légumes. fruits et les légumes sont toujours une excellente idée, ils sont toujours un grand sujet.j Incroyablement puisqu'ils sont cultivés et non fabriqués par l'homme, ils ont des formes et des couleurs organiques intéressantes, beaucoup de petites imperfections naturelles qui sont vraiment amusantes à remarque et regarde, donc j'ai tendance à préférer choisir ceux qui sont étrangement en forme ou qui ont des marques intéressantes sur eux. J' aime aussi choisir un angle surprenant ou une perspective différente sur le sujet. Une autre chose que j'aime faire pour le garder intéressant est de le couper ou de le peler ou d'en prendre une bouchée pour changer l'apparence et la sensation du sujet. Vous ne voulez pas garder à l'esprit que certains sujets de fruits et de légumes en particulier avec beaucoup de détails comme les fraises, les framboises, les légumes verts à peu près feuillus. Ceux-ci vont être beaucoup plus complexes et peuvent prendre beaucoup plus de temps à dessiner selon votre style. Le deuxième seau est les aliments emballés. Les aliments emballés peuvent également être très intéressants. Non seulement visuellement, mais parce que les gens ont souvent des liens et des souvenirs vraiment forts liés à des aliments de marque particuliers ou à des aliments emballés. Par exemple, ils pourraient avoir des céréales préférées ou une sauce piquante préférée, une confiture préférée comme je l'ai déjà mentionné. Les étiquettes peuvent aussi être visuellement intéressantes à dessiner et très stimulantes aussi bien, donc si vous êtes à la recherche d'un défi, quelque chose à relever, c'est quelque chose à considérer là. Personnellement, j'aime les choses avec des éléments réfléchissants. Je trouve juste ceux vraiment amusants et intéressants à regarder, difficiles à dessiner. Vous pouvez également bien sûr, sortir quelque chose de l'emballage si vous êtes un vrai grand fan de la nourriture, mais pas nécessairement un grand fan de l'emballage ou vous pouvez choisir de simplifier l'emballage ou l'étiquette si vous aimez l'idée, mais trouver tous les détail sur elle intimidante. Le troisième et dernier seau est des aliments qui ont un mélange de textures différentes. Par exemple, ici, j'ai du pain et de la confiture, qui est à la fois hautement texturé et non réfléchissant dans le pain, et brillant collant réfléchissant dans la confiture. Encore une fois, prendre une morsure peut le rendre encore plus intéressant à regarder et peut changer la sensation du sujet. D' autres exemples de choses qui auraient accords texturaux différents pourraient être le lait et les céréales, donc si vous avez la céréale qui est vraiment sèche et non réfléchissante, le lait est liquide et réfléchissant. Un bon cuit au four avec une boule de crème glacée sur le dessus. Fondamentalement, n'importe quelle façon que vous pouvez penser à jumeler différents éléments texturaux qui feront généralement une très bonne illustration alimentaire. 4. Cherchez une image de référence à la maison: Maintenant, quand vient le temps de prendre votre photo, il y a quatre choses vraiment importantes que vous devriez garder à l'esprit. Numéro 1, c'est que vous voulez vous assurer de prendre la photo de suffisamment loin pour que vous puissiez inclure l'ensemble du sujet sans aucune distorsion. Si vous êtes vraiment sur le dessus trop près, l'appareil photo, surtout si vous utilisez un appareil photo smartphone, comme je l'ai fait, vous pourriez finir avec des distorsions bizarres dedans. Alors assurez-vous de le prendre assez loin pour inclure tout le sujet et éviter cela. Numéro 2, c'est que vous voulez avoir une forte lumière naturelle indirecte provenant d'une seule source. Dites, vous allez dessiner une pomme plutôt que de la mettre au milieu de la table et d'allumer la lumière, essayez de la mettre à côté d'une fenêtre au moment de la journée quand il n'y a pas de lumière du soleil directement sur la pomme, mais il y a juste de la lumière qui arrive doucement. Cela va vous donner un environnement d'éclairage beaucoup plus agréable. Ça va être très facile de voir toutes les couleurs de cette façon. Bien sûr, vous pouvez ignorer ce très fort. Que ce soit la lumière directe ou naturelle ou non naturelle, vous pouvez totalement éviter toutes mes suggestions là-bas. Mais si vous voulez avoir quelque chose que vous pouvez voir toutes les couleurs de la paix et quelque chose, ce sera le plus simple de créer une illustration réaliste à partir de, essayez de le faire à côté d'une fenêtre avec lumière indirecte, et je vous donne un bon départ. Le numéro 3 est d'éviter les filtres. Donc, si vous utilisez une application de caméra, utilisez simplement votre appareil photo ordinaire. N' avez pas de filtre dessus, laissez-le tel quel. Vous pouvez toujours modifier la photo plus tard, mais essayez de la capturer comme elle est. Comme je l'ai déjà fait allusion à plusieurs points différents, vous n'avez pas besoin d'avoir une caméra fantaisie. J' utilise un iPhone ici pour prendre une photo du sujet que je vais peindre. Je l'ai fait exprès pour vous montrer que vous n'avez pas besoin d'équipement de fantaisie, peu importe la caméra que vous avez autour de vous, c'est bien. chose la plus importante est que vous l'avez dans un bon éclairage et que vous l'avez mis au point, et vous vous tenez à une bonne distance pour obtenir tout le sujet dans le cadre. Vous pouvez voir quelques-unes des différentes photos de référence que j'ai prises avec un iPhone. Voilà celui que je vais utiliser pour la peinture. Nous sommes donc enfin prêts à aller de l'avant et à plonger dans la démo. 5. Esquisse et première couche: En commençant ici, j'ai ma photo de référence sur mon iPhone, et je vais juste la poser sur ma planche à dessin à côté de moi pour que je puisse la voir vraiment bien. Vous pouvez voir que j'ai mon crayon graphite et je commence à travailler sur mon croquis, puisque j'essaie de garder ce simple et relaxant, et c'est en fait un sujet relativement simple. Je fais juste ce croquis directement sur le papier aquarelle. Si je faisais quelque chose de plus compliqué ou si j'avais mon début complet dans le studio, je ferais probablement un croquis alors que pas probablement. Je ferais certainement un croquis sur papier rebut ou croquis avec du papier d'abord, puis le transférer sur mon papier aquarelle. Mais dans ce cas, comme il s'agit essentiellement de deux cercles et tout ce dont je dois m'inquiéter sont les proportions, je le fais juste directement sur ce papier à aquarelle presse à froid, nettoyant tous les bords si nécessaire, et puis je suis prêt à passer à l'aquarelle crayon. J' ai choisi mes couleurs en fonction de mon image de référence, et j'ai tendance à choisir toutes les couleurs dont je pense que je vais avoir besoin, donc j'ai mis une petite palette ici, et je vais les mettre dans un récipient séparé plutôt que tout le grand récipient de crayons aquarelle avec moi assis sur la chaise, que je devrais creuser à chaque fois. En gros, je prends juste cette petite partie d'entre eux. Je n'utiliserai pas nécessairement tous ces éléments, mais il est un peu plus facile de choisir la petite section plutôt que de creuser à travers le grand seau à chaque fois. Pour la première couleur, je traverse à peu près toute la surface de la viande de l'avocat avec cette couleur crème douce. Maintenant, je viens avec un vert plus chaud, juste aller vraiment super léger ici autour des bords et fait rebondir d'avant en arrière entre un vert plus chaud et un vert plus frais et les bords très extérieurs. Quand je couchais la crème, je la posais plutôt plus lourd que pressant décemment dur. Mais avec ce vert jaunâtre chaud et le vert printanier plus frais, je vais vraiment léger et juste glisser légèrement sur la surface du papier. Ensuite, je reviens ici et redécrit dans certains de ces détails avec l'och-re, puis rebondir aux crayons de couleur verte. Je pense que c'est un bon début pour la viande de l'avocat. Je passe à la graine, la fosse au centre. Je commence là avec une orange saturée vraiment pure, puisque je vois beaucoup de chaleur et d'orange venir dans l'image de référence. Ensuite, je reviens sur le dessus avec une couleur de sienne plus chaude pour décrire où sont certaines des ombres, puis revenir sur ça avec l'orange. Maintenant, je prends une couleur ronde plus douce de type umber tout le long du bord de l'avocat. Oui, encore une fois c'est l'un de ces domaines où les taux de couleur semblent contre-intuitifs parce que nous pensons en dehors de la peau comme étant noir, mais je veux d' abord entrer avec une couleur plus douce et ensuite je peux ajouter du noir sur le dessus. Même si la peau est vraiment plate, elle n'est pas plate. Il a de la dimension, donc venir ici plus tôt avec quelque chose d'aussi léger va me donner une certaine flexibilité et me permettre de donner à la peau l'impression qu'elle a de la dimension plus tard. Maintenant, je rebondis à la fosse avec une couleur marron plus sombre et chaud. Je commence juste à ajouter certaines des ombres, puis à ramener plus d'orange à nouveau. Je suis juste en train de sauter entre toutes ces couleurs. Vous pouvez voir ceux que je tiens dans ma main gauche et je vais périodiquement transférer dans ma main droite. C' est la couche de base. Les crayons à aquarelle sont tous disposés ici et vous pouvez le voir à côté de la référence. La chose que je voudrais souligner à ce stade est que c' beaucoup plus léger que l'image de référence. Si vous n'avez jamais utilisé de crayons aquarelle avant, bon conseil quelque chose à garder à l'esprit ici est que les crayons à aquarelle auront air beaucoup plus foncés une fois que vous les mélangez avec de l'eau. Soyez plutôt provisoire si c'est la première fois que vous appliquez des crayons aquarelle. Soyez vraiment provisoire et délicat quand vous les posez. Ne les mettez pas trop lourds à moins que vous ne sachiez ce que vous faites et que vous ayez utilisé cette couleur avant. Maintenant, il est temps de se fondre avec l'eau et vous pouvez voir que j'ai juste ma tasse de peinture régulière avec moi. Je vais le tenir dans ma main gauche. Puis j'ai eu une serviette en papier cachée sous la tasse de peinture. Vous pouvez voir que j'ai mon pinceau ici et j'aime utiliser un pinceau rond qui est en fait destiné à l'acrylique. Il s'agit d'une brosse acrylique synthétique. Je crois que c'est une taille quatre. Je préfère ce pinceau pour les crayons aquarelle parce qu'il est agréable et rigide. Vous pouvez mélanger des crayons aquarelle avec un pinceau aquarelle. Mais je trouve qu'il ne fait pas vraiment un excellent travail de mélange et de se débarrasser totalement des petites lignes qui sont laissées du crayon que j'aime faire. Vous finissez par avoir un pinceau qui a un peu plus de texture afin que vous puissiez utiliser la friction pour mélanger. Puisque je travaille avec des crayons aquarelle et pas de couleur d'eau régulière, je n'ai pas besoin d'avoir de petites bandes de test de papier parce que j'ai pris toutes les décisions de couleur quand j'ai choisi les crayons. Mon objectif principal avec tout ce processus est juste d'avoir une carte de couleurs vraiment basique établie. Je n'essaie pas de faire quelque chose de super nuancé. Je veux juste me donner une petite feuille de route avec une certaine direction plus tard quand vient le temps d'appliquer un crayon de couleur. Je viens de tremper mon pinceau dans l'eau. Encore une fois si vous êtes nouveau dans le domaine des crayons aquarelle, quelque chose qui est peut-être contre-intuitif est que vous ne voulez pas vraiment mettre trop d'eau sur votre pinceau. C' est une autre raison pour laquelle je préfère travailler avec des pinceaux rigides qui étaient destinés à l'acrylique, par opposition aux pinceaux qui étaient destinés à l'aquarelle, c'est qu'ils ne tiennent pas autant d'eau. Si vous utilisez trop d'eau lorsque vous mélangez des crayons à l'aquarelle, à mon avis, cela rend la tâche difficile, vous perdez le contrôle et parfois il peut simplement décomposer le papier un peu plus que vous voulez ou avez besoin. De plus, si vous travaillez sur le canapé ou sur une chaise comme nous sommes dans cette classe, cela rend les choses plus gênantes qu'elles ne doivent l'être. C' est un autre grand avantage des crayons aquarelle est que vous pouvez faire tout cela et mélanger tout cela avec relativement peu d'eau. Je suis juste en train de travailler mon chemin à travers le mélange de surface et chaque fois que je fais mon pinceau, je le trempe, j'ajoute un peu d'eau, mais ensuite j'ai effacé sur la serviette en papier. Je le garde aussi loin que les couleurs de l'eau deviennent relativement sèches. La façon dont j'aime aborder un mélange est de mélanger chaque section individuellement, une à la fois donc je vais généralement choisir la zone la plus légère en premier. Puis commencé par mélanger la partie verte de l'avocat, puis je vais faire le tour et mélanger la peau, afin qu'elle puisse fondre un peu dans la partie verte de l'avocat. Alors la dernière chose que je vais faire est de mélanger la fosse de l'avocat. Même à l'intérieur de la fosse, je choisis d'abord les zones lumineuses, et je vais section par section, plan par avion dans mon mélange, plutôt que de faire un grand lavage tout le long du chemin. Quand je mélange, j'aime utiliser des petits coups circulaires puisque oui, je me mélange avec l'eau, mais comme je l'ai mentionné, ce n'est pas vraiment si humide, donc j'utilise une bonne quantité de friction pour mélanger et se débarrasser de ces petites marques dans le travail une partie du pigment dans l'autre afin que je reçois un effet lisse agréable. Ici, nous sommes à la fin, et c'est la version mélangée à côté de l'image de référence. Maintenant, il est temps de passer au crayon de couleur. 6. Le crayon de couleur, partie 1: D' accord. En démarrant avec les crayons à noyau doux, j'utiliserai des crayons à noyau souple Prisma pilier, et j'ai fait le même processus que j'ai fait avec les crayons à aquarelle, j'ai traversé et j'ai choisi ma palette, mis en place ma palette, les couleurs que je m'attends à utiliser dans la pièce, et j'ai aussi mon taille-crayon, et je mets ces deux dans le petit conteneur à côté de moi, et en faisant essentiellement la même configuration que la dernière fois où j'avais mon image de référence sur le téléphone juste à côté de moi afin que je peux voir ce que je fais. Juste nettoyer quelques petites marques bizarres autour du bord de l'illustration avant de commencer, et je vais ici avec le vert printemps, je pense que c'est le vert printemps Prismacolor, qui est un vert agréable, cool, délicat, et similaire à mon approche avec les crayons aquarelle, je vais dans et relativement doux au départ. Maintenant, c'est un papier vraiment lourd comme je l'ai mentionné, donc, je vais en fait devoir être assez dur et appuyer assez fermement pour obtenir tout le pigment vers le bas dans les petits coins et recoins du papier, mais au départ j'ai tendance à aller vraiment doucement, soyez vraiment provisoire juste pour que je puisse m'assurer que la couleur ressemble à celle que je veux qu'elle ressemble, puisque quand vous posez quelque chose vraiment, vraiment dur, il est difficile de le recomposer. Donc, je traîne avec ces deux premières couleurs d'abord pendant un certain temps, et ici vous pouvez voir que j'ai le crayon un peu plus vertical, je suis en fait presser un peu plus dur en essayant travailler ce pigment vers le bas dans la dent de la papier, et j'utilise le crayon de couleur crème pour le faire. Tout comme je l'ai fait avec la couche de crayon aquarelle, cela constitue en fait une bonne quantité de la surface de l'avocat, et puis le vert va vraiment disparaître des côtés. Donc, j'utilise le vert plus frais vers le bord et puis soit en superposant la crème sur cela pour créer un gradient chaud et frais, ou à certains endroits, j'utilise le vert plus chaud entre la crème et le vert frais, et Je travaille tout le chemin à nouveau en essayant de ne pas devenir trop sombre ou trop intense. La crème cependant, chaque fois que je vais avec la crème, je presse un peu plus fort, parce que j'utilise la crème non seulement comme la couleur, mais je fais aussi un peu de mélange et de brunissement avec la crème une fois que je suis assez confiant dans les choix de couleurs que j'ai fait. Une fois que vous brunissez, ce qui signifie simplement appuyer directement vers le bas vraiment, vraiment dur avec votre crayon de couleur, il est beaucoup plus difficile de poser quoi que ce soit d'autre sur le dessus. Cela est particulièrement vrai en fonction du type de papier que vous utilisez. C' est l'une des raisons pour lesquelles j'aime utiliser ce papier de presse à froid vraiment lourd, c' est parce qu'il peut prendre beaucoup de pigment, beaucoup de médias étant superposés avant qu'il ne finisse complètement plein. Donc, si vous utilisez du papier moins lourd ou un papier sans autant de texture qu'un papier de presse chaud, vous constaterez que, oui, c'est un peu plus lisse et il est peut-être plus facile d'obtenir des choses à coucher, ce qui est positif papier, mais un défi avec ce papier est que, il va se remplir de pigment très rapidement. Si vous trouvez que vous n'êtes pas en mesure d' obtenir certains de ces mêmes résultats ou je devrais dire, quand j'entends des commentaires de gens dire qu'ils ne peuvent pas obtenir certains de ces mêmes résultats, ou que le document ne semble pas vouloir prendre comme comme je le mettrais dessus, c'est généralement parce qu'ils utilisent une sorte de papier qui n'est vraiment pas destiné à cela. C' est donc une situation où avoir les bons approvisionnements fait une grande différence. Donc, essayez certainement de trouver ce poids plus lourd papier aquarelle presse froide si vous allez essayer cette même application de médias. D'accord. Je viens d'aller et en arrière pendant un certain temps ici avec ces deux couleurs, le vert Prismacolor et puis le, excusez-moi, le vert de printemps Prismacolor et la crème Prismacolor, et maintenant pour la première fois je vais venir en quelques petites taches ici avec une couleur différente. C' est vert marin, je crois, c'est un vert foncé désaturé, et je l'utilise juste pour marquer quelques petites taches d' ombre dans un peu les zones de détail de l'avocat. La plupart de cette surface est juste vraiment lisse et crémeuse, mais il y a quelques petites imperfections ici sur le côté, ce qui pour moi est la partie la plus intéressante de loin, donc, j'aime vraiment prendre mon temps de revenir en arrière et avec la même couleur que j'avais utilisé, le vert de printemps, puis le vert marin, et la crème juste en essayant de décrire vraiment clairement certains de ces petits détails. Chaque fois que vous travaillez avec un sujet comme celui-ci où il n'y a pas une tonne de contraste naturel dans le sujet et la surface est relativement plate, il est très facile d'aller par-dessus bord avec des ombres dans les détails. Je veux les décrire et je veux attirer l'attention sur eux, mais je ne veux pas qu'ils soient surdimensionnés pour le reste des sujets, donc, ils font partie du sujet mais si je deviens vraiment, vraiment sombre dans super, super intense dans ce domaine, il va juste prendre le dessus et il ne finira pas par fonctionner bien avec le reste de la pièce. D' accord. À ce stade, j'y vais avec un vert plus chaud et un vert plus foncé, et ce même vert marin, puis un vert ocre plus foncé. Je les utilise autour de certaines des zones du bord de l' avocat où il y a en fait une certaine dimension, ce n'est vraiment pas super perceptible, mais je différencie cette couleur, et puis après cela je viens avec gingembre or pour essayer de décrire, en fait excusez-moi, racine de gingembre est le nom de la couleur, pour essayer de décrire certains de ces petits points que vous pouvez voir dans la texture de surface. En fait, je suis en train d'expérimenter quelques façons différentes d'y ajouter. La racine de gingembre est une couleur vraiment géniale, mais je me sentais comme ce n'était pas tout à fait correct au départ, donc, j'ai essayé une sorte différente de jaune et puis un peu de vert sur le dessus, mais j'ai fini par s'installer sur la racine de gingembre depuis que je pense que ce n'est pas parfait, mais c'est le plus proche de la perfection que je vais obtenir, et puisque j'essaie de faire cette pièce relativement rapidement dans le grand schéma des choses pour moi, beaucoup de mes pièces prennent plus de 10 ou 20 heures, mais quand je fais un pour le partage de compétences, j'aime essayer de le garder sous quelques heures si possible, donc, je vais juste me contenter avec, [inaudible] est assez bon pour cette couleur même si ce n'est pas tout à fait parfait. Puis je rebondis sur la petite zone de détail, et maintenant je vais commencer à ajouter une partie de l'ombre coulée pour la fosse de l'avocat. Ce n'est pas une ombre super forte, mais c'est en fait l'un des domaines où je pense que je peux différer légèrement de l'image de référence. Je veux vraiment trop insister sur cette surface, cette ombre coulée ici, je pense juste que c'est une zone intéressante de la pièce et ce n'est pas super visible dans la référence, c'est là, mais je veux vraiment que ce soit un plus visible dans ma pièce que dans l'image de référence. Donc, j'utilise la couleur de racine de gingembre et j'utilise aussi l'ocre jaune dans une partie de la réponse chaude et juste construire progressivement cette ombre coulée. En revenant une fois de plus avec la crème, la crème Prismacolor pour mélanger et brunir les bords de l'ombre, sorte qu'elle ne se sent pas si forte contre le reste de l'avocat, et maintenant j'utilise l'ocre jaune pour passer sur la des couleurs de racine de gingembre car il n'était pas tout à fait exact, je suis juste le peaufiner avec cette couleur ocre d'or pour le rapprocher de l'endroit où je veux qu'il soit. Quelques derniers petits détails autour du bord. D'accord. Tout cela est fait et je suis prêt à passer à la restitution de la fosse. 7. Le crayon de couleur, partie 2: Je commence dans la fosse de l'avocat, je vais faire une technique très similaire à ce que j'ai fait dans la partie verte de l'avocat. Je vais dans un peu du côté plus doux d'abord. C' est un brun foncé ici et j'essaie de travailler section par section, pensant à cela en termes de champs de couleur.. Partout où je vois cette couleur marron plus foncé, je vais commencer par le faire, puis je vais changer de couleur et ajouter d'autres nouvelles après cela. Aller couleur par couleur, zone par zone, surtout lorsque vous travaillez avec quelque chose comme un crayon de couleur, est vraiment utile et fait gagner du temps à la fin. Ici, j'essaie juste de savoir quelle couleur exactement je veux utiliser. J' ai utilisé une orange assez saturée quand j'allais avec le crayon aquarelle, et je ne pense pas que je veux devenir trop intense avec ça, mais je vais toujours utiliser une orange pure, juste saturée ici, mais je la pose assez doucement. J' ai maintenant atteint un autre domaine où je ne vais pas tout à fait diverger de la photo de référence, mais je vais prendre quelques bibliothèques créatives de ce que je vois dans la référence. En bas sur le bord de l'avocat, il ressemble à la lumière réfléchie là-bas. Il a en fait un petit peu d'un ton vert, je le vois dans l'image de référence ici. Je pense que je veux amplifier ça alors je vais entrer avec le vert de printemps et puis rebondir d'avant en arrière pour un brun plus foncé. Il y a un peu plus d'une plage de valeurs. Vraiment, vraiment des lumières et vraiment, vraiment sombres dans la fosse de l'avocat qu'il y avait dans la partie verte de l'avocat. Je vais rebondir beaucoup d'allers et retours pendant que je terminerai ça. Quand je vais en avant et en arrière entre deux couleurs, comme je suis avec l'orange et le brun ici, cela me permet aussi de me fondre en même temps. Si je vais vraiment dur avec une couleur et que je remplis toute la dent du papier, alors il va être plus difficile de poser la prochaine sur le dessus, mais cette danse d'avant en arrière me permet de coucher la couleur et de se fondre en même temps. C' est similaire à ce que vous feriez si vous travailliez dans quelque chose comme la peinture à l'huile. Le crayon de couleur est un médium où il fonctionne mieux pour rester léger dans les zones où vous allez vouloir rester dans la lumière, puis ajouter de l'obscurité sur le dessus. Certaines de ces zones sur le côté où je l' ai gardé assez léger pour l'ombre réfléchie, je vais dans quelques petits endroits et ajouter quelques ombres plus là, quelques couleurs plus foncées et c'est parce qu'une partie de ce qui donne cette fosse la couleur plus claire sur le côté si je regarde vraiment attentivement l'image de référence, oui, c'est un point culminant réfléchi, mais c'est aussi qu'il y a un avocat réel coller à la photo là-bas qui le rend plus léger. Je veux le faire sentir non seulement comme un point culminant réfléchi, mais comme il y a en fait quelque chose de dimensionnel et de lumière là-bas. J' essaie d'entrer à la fois avec ce vert clair et avec la couleur plus foncée dans certaines de ces zones d'ombre pour lui donner un sens de dimension et de forme. Quand je travaillais sur la partie verte de l'avocat, puisqu'il était assez uniforme dans l'ensemble, je veux dire, il y avait cette petite zone qui avait un peu plus de détails sur la différence, l'imperfection sur le côté droit de l'avocat. La fosse est vraiment différente. La fosse a beaucoup plus de détails, beaucoup plus de nuance, petites zones qui sont vraiment irrégulières et erratiques de la meilleure façon possible. Je suis heureux de prêter beaucoup plus d'attention à la photo de référence. Avec la partie verte de l'avocat, une fois que j'ai compris ce que je faisais dans le sens des couleurs, je vais juste faire du vélo, je répète encore et encore et encore. Encore une fois, je mettais la crème, couchais une partie du vert de printemps, puis un peu plus de crème sur le dessus de cela pour mélanger. Bien sûr, il y avait quelques petites nuances, mais c'était l'idée principale dans toute la partie verte de l'avocat. Avec la graine, avec la fosse, ça me prend beaucoup plus de temps parce qu'il n'y a pas vraiment de commande V, pour ainsi dire. n'y a aucun moyen que je puisse simplement copier et coller rapidement le processus que je fais. Il doit être différent dans toute la fosse. Donc, je vais constamment d'avant en arrière entre différentes couleurs, différentes valeurs, en essayant de suivre ce que je vois dans l'image de référence. Une fois que j'ai les formes de base disposées, je vais aller et venir plus avec des couleurs et des valeurs plus extrêmes. J' ai tendance à commencer par des couleurs et des valeurs qui sont plus proches les unes des autres, plus vers le centre du spectre de valeurs, puis plus je m'entends vers un morceau, plus je pousse les choses à chaque extrémité. Ainsi, les couleurs plus foncées deviennent plus foncées et les couleurs plus claires deviennent plus claires. Vous commencez à voir la séparation de la forme et la dimensionnalité de l'image du sujet. Comme je le fais habituellement, je garde le blanc pur pour la fin, et ce sujet va vraiment avoir très peu de noir pur donc j' utilise des bruns vraiment sombres et des rouges vraiment sombres comme le rouge toscan, mais j'essaie de rester loin de la vraiment noir foncé. Ajouter quelques petites ombres autour du bord de la fosse ici pour donner l'impression qu'il est effectivement coulé dans la partie verte de l'avocat. Je pense que c'est presque tout pour le crayon de couleur ici, nous approchons de la fin. Il est temps de passer à la touche finale. 8. Touches de finition: suis à nouveau à l'aise avec mon installation depuis que j'ai fait une petite pause. Maintenant que j'ai été loin de la pièce et j' ai fini de faire la fosse de l'avocat, tout comme je l'ai mentionné pourrait arriver, j'ai dû revenir à la zone verte de l'avocat parce que certaines des zones sombres ne sont pas plus visible, plus précis, maintenant que j'ai terminé la fosse. C' est une très bonne indication. Une très bonne illustration plutôt que l'obscurité et la lumière ne sont vraiment visibles pour nous qu'à cause de leur contraste les uns avec les autres. Avant d'avoir de vraies couleurs sombres autour, cette ombre coulée semblait assez sombre par rapport au reste de la partie verte de l'avocat. Mais maintenant qu'il est juste à côté de cette fosse vraiment sombre et du côté sombre de la fosse, toutes ces valeurs sombres attirent tellement plus d'attention sur elles-mêmes. Il est presque impossible de voir l'ombre coulée que j'avais construite plus tôt. Maintenant, je reviens en ajoutant beaucoup plus de saturation et beaucoup plus d'obscurité dans la valeur afin que je puisse espérer voir l'ombre coulée plus. J' utilise certaines des mêmes couleurs que celles que j'ai utilisées auparavant, la couleur jaune ocre doré et le vert plus foncé chaud, mais je pousse juste beaucoup plus fort. Je reviens aussi à la section des petits détails, petite zone de détail, pour y ajouter quelques ombres plus foncées et augmenter le niveau de contraste car avoir les couleurs plus foncées dans la fosse l'exige vraiment. J' ai fait quelques petits faits saillants avec le crayon de couleur blanche sur la fosse de l'avocat déjà, mais je n'ai pas vraiment utilisé de blanc sur la partie verte de l'avocat. Je viens juste ici ajouter quelques petits traits saillants le long de ce bord, cette petite imperfection où le couteau a entaillé le bord de l'avocat. J' ajoute quelques petits morceaux de point culminant avec ce crayon de couleur blanche. Je vais aller sur le haut de ces ainsi avec un marqueur de peinture Sharpie, mais j'aime toujours marquer mes reflets blancs avec le crayon de couleur Prismacolor d'abord, car il me donne une idée de l'endroit où je vais les mettre et ce n'est pas tout aussi flagrant que le stylo à peinture Sharpie. Il adoucit également les points forts de sorte qu'il se sent plus comme il va avec le reste du crayon de couleur plutôt que d'être juste cette chose opaque vraiment dur qui se trouve sur le dessus. Où que je sélectionne, je pourrais vouloir un surlignement. Je bloque ça avec un Prismacolor blanc. Je suis aussi juste en ajoutant un peu sur la surface de l'avocat ainsi pour lui donner ce sentiment de brillance et de brillance, puisque l'avocat est vraiment gras et brillant, le Prismacolor blanc sur le dessus lui donne cette sensation. Retourner dans ou encore une fois dans l'ombre, car il ne fait pas encore assez sombre. Maintenant, je suis enfin prêt à prêter un peu d'attention au bord extérieur, à la peau. La plupart de ce que j'ai fait jusqu'à présent sur ce a été que la couleur ocre et ambre ou la combinaison des couleurs ocre et ambre. Maintenant, je reviens, plutôt que de noir, vous pourriez penser à faire du noir sur la peau, mais plutôt que ça, je viens ici avec un vert très foncé. C' est juste le vert foncé de Prismacolor, qui est presque noir, mais il a encore une certaine couleur, et il a juste vraiment l'air bien sur le bord de l'avocat ici. Je reçois la même netteté que je voudrais avec un noir, mais il a toujours une couleur qui est toujours préférable pour moi. Ensuite, en ajoutant quelques détails sur les bords où l'avocat rencontre la peau, il y a maintenant quelques zones que je me sens à nouveau comme elles ont besoin d'être un peu plus foncées. Maintenant, il est temps de passer au stylo à peinture Sharpie. Je suis plus ou moins juste suivre avec toutes les petites zones que j'avais bloqué avec le crayon Prismacolor blanc. stylo à peinture Sharpie est très similaire à un marqueur Posca. Si vous avez un marqueur Posca blanc, vous pouvez utiliser un de ces marqueurs aussi. La raison pour laquelle je préfère le stylo Sharpie est qu'il y a un peu plus opaque qu'un marqueur Posca et qu'il n'est pas brillant du tout. Ce n'est pas le cas. Ça va très bien avec le crayon de couleur. Ce sont un marqueur de peinture à base d'eau donc il est vraiment facile à utiliser, n'est pas puant comme un marqueur de peinture à base d'huile, mais vous pouvez simplement ajouter ce très beau point lumineux que vous ne pouvez pas obtenir avec un Prismacolor blanc. Ici, sur la fosse de l'avocat, plutôt que de simplement faire une très grande forme solide d'un point culminant dans ces centres ici, qui aurait l'air vraiment cartoony, et c'est bien si c'est ce que vous allez pour, mais puisque je suis visant le réalisme, je veux qu'il soit plus doux que cela. Je fais des petits petits points ici dans toute la zone où j'avais déjà posé le crayon de couleur blanche. Cela va augmenter la luminosité du point culminant, mais cela va garder l'air agréable et doux et réaliste. Voici la pièce finie. Dans l'ensemble, cette pièce m'a pris un peu plus de deux heures et demie à terminer. Les images que vous venez de voir sont plus proches de 25 ou 30 minutes. Gardez cela à l'esprit lorsque vous regardez ceci, une grande partie du temps qui est découpé est le temps que j'ai passé à gaufrer, aller et venir, réfléchir à la couleur que je veux utiliser. Tout ce temps est en temps réel qui est investi dans la pièce, mais ce n'est pas nécessairement intéressant pour vous les gars de regarder. Si tu regardes ça et que tu penses : « Eh bien, mon Dieu, pourquoi ne puis-je pas faire quelque chose comme ça en 30 minutes ? » Je ne peux pas non plus, ça me prend plus de temps que ça. Espérons que c'est utile pour vous d'avoir un peu une idée de ce que ce temps implique. Au projet de classe. 9. Conclusion et étapes à suivre: C' est la classe. Il y a la pièce de démonstration faite. Vous avez traversé tout le parcours. Merci beaucoup d'être resté avec elle et d'être venu avec. Il est temps maintenant pour le projet de classe. Bien sûr, en repensant à l'endroit où nous avons commencé, choisissez votre place d'entreprise et assurez-vous que vous avez une bonne chaise ou un canapé avec un bon support de bras, peut-être une table, un peu d'éclairage à proximité, puis rassemblez ce dont vous avez besoin pour votre fournitures. Que vous puissiez utiliser un média combiné comme je l'ai fait ou un média unique, prenez votre photo de référence. Si vous voulez revenir en arrière et regarder nouveau la leçon sur les images de référence et choisir un sujet, faites-le comme une mise à jour. Je vais également avoir certaines de ces notes dans la section du projet de classe sur ce qui fait une bonne image de référence et comment choisir de bonnes images de référence, particulier, quand il s'agit d'illustration alimentaire. Ensuite, bien sûr, suivez le processus dans votre propre style, comment jamais vous voulez l'adopter et l'utiliser d'une manière qui est logique pour votre création d'art. De manière très générale, vous allez créer une esquisse au crayon basée sur cette image de référence, puis utiliser la combinaison de médias ou de supports uniques que vous allez utiliser pour mettre en page cette carte de couleur et de valeur initiale. Ensuite, construisez progressivement ces couches peu à peu, créant plus de profondeur, plus de différenciation des valeurs, ainsi que de forme et de couleur avec chaque calque suivant. Comme vous travaillez le long si vous le pouvez, si vous avez votre smartphone à côté de vous l'utilisez pour des images de référence, prenez des photos de votre configuration, peut-être où vous travaillez, où vous avez vos fournitures, votre sujet, la photo de référence que vous utilisez, partagez non seulement la pièce finie, mais le processus dans la section du projet de classe. Je trouve que partager le processus au lieu de juste le résultat final, est vraiment utile et inspirant pour d'autres personnes et il est encourageant pour vous de partager où que vous soyez, même si vous n'avez pas été en mesure de terminer le projet complet encore. Partagez tout ce que vous pouvez du projet, à la fois le processus et le produit. S'il vous plaît faire. Lorsque vous faites cela, veuillez me faire savoir si vous cherchez des commentaires, si vous cherchez des commentaires constructifs critiques, faites-le moi savoir afin que je sache comment vous donner les commentaires qui vous seront les plus utiles. C' est vraiment ça. Merci beaucoup d'avoir suivi ce cours. Faites-moi savoir si vous avez des questions ou des commentaires. Vous pouvez les mettre dans la section de discussion en classe. Si vous avez apprécié la classe et que vous l'avez trouvée utile, veuillez laisser un commentaire. C' est vraiment un excellent moyen de soutenir la classe, un excellent moyen de me soutenir. Merci beaucoup d'être ici et de partager cette fois avec moi et je suis vraiment excité de voir ce que vous faites. 10. Timelapse et rappel de processus: Donc, nous voici dans un time-lapse de toute la pièce où je n'ai pas découpé aucune des sections. C' est juste la pièce entière du début à la fin. Donc, je vais aller de l'avant et expliquer à nouveau ce que je fais à chaque étape, juste à peu près, pour que vous puissiez avoir un peu de recyclage avant de vous lancer dans vos projets de classe. Donc, je viens de faire le croquis graphique au crayon, et je vais ici avec les crayons aquarelle couchant de la crème sur toute la surface de l'avocat, la partie verte de l'avocat, puis je vais dans les bords, vraiment léger et doux avec un vert chaud qui est plus proche du centre de l'avocat et un vert frais qui est plus proche du bord extérieur, et pendant que je travaille avec des crayons aquarelle, juste en essayant de le garder vraiment doux au départ. Ensuite, je vais dans la fosse de l'avocat avec une orange brillante, plus saturée, puis certains des bruns plus chauds, puis tout autour du bord avec la couleur ambre. Puis bruns plus foncés à nouveau dans la fosse de l'avocat, essayant de construire cette feuille de route couleur, je me donne une idée de où je vais aller avec la couleur plus tard sans devenir trop sombre. Maintenant, il est temps de mélanger, et j'utilise cette brosse acrylique ronde de la taille quatre trempée dans juste un peu d'eau avec la plupart de l'eau effacée de sorte que j'ai beaucoup de contrôle quand je suis en train de mélanger. Et je suis juste en train de parcourir toute la surface de l'avocat, me mélangeant en de minuscules traits circulaires. Je vais section par section. Donc je fais toute la zone verte d'abord, puis je vais faire la bordure de l'avocat et mélanger ça aussi, plutôt le peal de l'avocat, excusez-moi, et mélanger ça dans la partie verte. Puis dernier de tout va mélanger la fosse de l'avocat. Même dans la fosse, je vais section par section en fonction de la couleur. Bon, maintenant je nettoie un peu l'illustration et passe à des crayons de couleur à noyau doux en utilisant les crayons de couleur à noyau doux prismacolor ici, travailler mon chemin à travers toute la surface de la zone verte dans une combinaison de la crème prismacolor et le vert printanier prismacolor. Ensuite, il y a quelques zones où j'utilise la chartreuse pour mélanger entre le vert de printemps et la crème. Mais surtout, c'est le vert et la crème tout autour de la partie verte de l'avocat. Je vais plus doux dans mes coups avec le vert et plus dur dans mon coup avec la crème. Depuis que je suis en fait en utilisant la crème, pas seulement pour la couleur, mais pour brunir et mélanger aussi bien. Ensuite, dans certaines de ces petites zones plus détaillées, je vais dans le vert marin pour juste donner un peu de netteté, un peu de définition et d'obscurité. Mais j'essaie vraiment de ne pas aller par-dessus bord ici ou de le faire paraître disproportionné avec le reste de l'avocat. Si tu ne visais pas le réalisme, ça ne serait pas aussi important. Mais puisque je vise le réalisme, j'essaie surtout de m'en tenir à ce que je vois dans la référence et de prendre les libertés créatives d'une manière vraiment restreinte. D' accord, en ajoutant quelques petits points à la surface de la partie verte et en continuant ma danse d'aller-retour entre le vert et la crème tout le long de la surface. Maintenant, juste commencer à bloquer dans l'ombre coulée à côté de la fosse en utilisant la couleur de racine de gingembre et la couleur ocre jaune. Finir ces derniers petits points sur la partie verte de l'avocat. Puis quelques petites touches de finition, et je travaille sur la fosse. Maintenant, pour la fosse de l'avocat, je fais un ton plus clair, des valeurs plus claires dans un peu de vert sur les bords puisque je vois un peu de lumière réfléchie là-bas et ensuite je vais dans toutes sortes de bruns différents, bruns chauds, bruns frais, orangé, bruns rougeâtres. J' essaie vraiment juste de suivre ce que je vois dans l'image de référence. J' en ai parlé pendant la leçon, mais dans la zone verte, j'ai vraiment pu trouver une formule que je viens de faire encore et encore pour la plupart sur toute la surface de l'avocat. Mais avec la fosse, je dois être beaucoup plus prudent pour suivre ce que je vois dans l'image de référence. Donc, selon le type de sujet que vous faites pour votre projet de classe, prenez note de cela, si vous êtes capable de trouver une sorte de modèle reproductible, une séquence répétable que vous pouvez faire encore et encore, ou si vous avez besoin de vraiment coller près de votre image de référence. Très bien, et maintenant que j'ai fait la fosse de l'avocat, et que je peux voir toutes ces valeurs vraiment flagrantes, il est clair pour moi que j'ai besoin d'un peu plus de développement dans certaines zones du vert ici. Donc, je vais dans l'ombre coulée, essayant d'assombrir l'ombre coulée, rendre un peu plus visible et d'ajouter plus de détails et de netteté autour du bord, la peau de l'avocat avec le prismacolor vert foncé. Puis continuer à ajuster et mélanger, ajuster et mélanger peaufiner et mélanger dans tous les domaines de l'avocat, en particulier dans les petites sections qui viennent juste à côté de la peau. Ok, maintenant venir ici avec le stylo à peinture Sharpie pour les beaux reflets blancs durs brillants. Chaque fois que je le pose trop dur ou trop lourd, je vais juste l'effacer avec le bord de mon doigt pour l'adoucir un peu et en ramasser une partie. Très bien, et voilà, la pièce finie encore une fois.