Paysages à l'aquarelle pour les débutants : des techniques simples pour de belles scènes de nature

1. Introduction: Que vous débutiez avec l'aquarelle et que vous cherchiez à apprendre à peindre des paysages ou que vous ayez une longueur d'avance, mais que vous souhaitiez consolider votre processus et vraiment perfectionner ces techniques importantes pour les peintures de paysage afin d'obtenir de meilleurs résultats de manière plus cohérente Ce cours est pour toi. Salut, tout le monde. m'appelle Erika et je suis une artiste des médias traditionnels travaille avec une gamme de techniques de dessin et de peinture Et ma vie quotidienne tourne autour de la création et de la vente d'œuvres d'art, ainsi que de l'enseignement à des artistes du monde entier Outre les cours particuliers que j'enseigne en ligne, je crée régulièrement du contenu utile pour les artistes débutants et intermédiaires qui souhaitent développer leurs compétences, que je partage via mon site Web, ma chaîne YouTube et, bien sûr, mon site d'adhésion. J'ai plus de 15 ans d' expérience dans les domaines créatifs et artistiques, abord en tant que graphiste, puis j'ai travaillé en tant que professeur d'art en chef dans un environnement scolaire pendant de nombreuses années. Pendant ce temps, j'ai commencé à enseigner à des artistes de tous niveaux et de tous âges dans mon propre studio à domicile. Peu de temps après, j'ai commencé à intégrer ce que je faisais localement à l'espace en ligne afin de toucher encore plus de personnes. Je suis très passionnée par le fait de partager le message et de faire comprendre que tout le monde peut développer ses compétences en dessin ou en peinture s'il comprendre que tout le monde peut développer le souhaite Je cherche à encourager les gens à leur chemin artistique afin qu'ils puissent eux aussi profiter de l'épanouissement et de toutes les belles choses que le fait de grandir en tant qu'artiste peut apporter non seulement à vous, mais aussi à ceux qui vous entourent. Dans ce cours, je vais vous expliquer mon processus complet, de l'esquisse au crayon à la superposition d'aquarelle Trois paysages différents. Au cours du processus de dessin au crayon, je fournis des informations précieuses sur la façon dont je crée ces scènes à partir de imagination et sur la manière dont je m'assure d'apporter un sentiment d'équilibre et un look intéressant Nous passons ensuite au processus de peinture à l' aquarelle où j'explique exactement comment je mélange couleurs afin une belle gamme de valeurs ou de tons tout au long de la composition, comment je combine les techniques humide sur humide et humide sur sec pour une impression crédible d'espace ouvert et des où j'explique exactement comment je mélange les couleurs afin d'obtenir une belle gamme de valeurs ou de tons tout au long de la composition, comment je combine les techniques humide sur humide et humide sur sec pour créer une impression crédible d'espace ouvert et des résultats équilibrés. Parallèlement, nous allons nous entraîner à peindre les arbres, le ciel, l'eau, les rochers, tous ces éléments essentiels très courants dans ce type de composition. J'ai vraiment pensé qu'il était important pour moi d'intégrer trois paysages différents dans ce cours afin que nous puissions pratiquer le même processus, les mêmes techniques et voir comment ils s'appliquent à différents types de scènes. En suivant ce processus avec moi à trois reprises, vous serez en mesure de vraiment renforcer vos compétences pour peindre tous ces différents éléments importants du paysage, mais vous pourrez également mieux comprendre la stratégie macroéconomique pour peindre des stratégie macroéconomique pour peindre paysages et comprendre ce que vous devez peindre en premier, ce qu'il faut aborder ensuite et ce que vous devez laisser jusqu'à la fin. Lorsque vous peignez à l' aquarelle, il est extrêmement important d'adopter une stratégie, en particulier lorsque vous peignez des paysages plus complets, des scènes ou des compositions en général comportant plusieurs couches, objets au premier plan, objets au milieu et des éléments en arrière-plan et des éléments en Pour obtenir d'excellents résultats, il est essentiel de savoir ce que vous allez aborder mouillé sur mouillé , ce que vous allez aborder mouillé sur sec et où vous allez appliquer des couches pour contraste et les Si vous débutez avec l'aquarelle, je vous recommande vivement de consulter mon cours individuel d'aquarelle ici sur Skillshare, car dans ce cours, j'explique tout ce que vous devez savoir sur l'aquarelle et je vous aide vraiment à établir une base solide sur laquelle vous pouvez vous lancer avec des exercices essentiels afin que vous puissiez vraiment vous sentir plus en confiance pour aller de puissiez vraiment vous sentir je vous recommande vivement de consulter mon cours individuel d'aquarelle ici sur Skillshare, car dans ce cours, j'explique tout ce que vous devez savoir sur l'aquarelle et je vous aide vraiment à établir une base solide sur laquelle vous pouvez vous lancer avec des exercices essentiels afin que vous puissiez vraiment vous sentir plus en confiance pour aller de l'avant et aborder des compositions plus complètes, telles que celles sur lesquelles nous travaillons dans ce cours Cela étant dit, allons-y et passons au numéro de classe. 2. Projet du cours et informations indispensables: Bienvenue dans ce cours où je vais tout expliquer sur le projet sur lequel nous allons travailler ensemble dans le cadre de ce cours. À la fin de ce cours, vous aurez terminé trois paysages d' aquarelle différents Dans toutes les vidéos suivantes, vous allez me voir travailler sur la moitié de mes feuilles d'aquarelle J'ai donc découpé mes feuilles d'aquarelle en deux moitiés. C'est à vous de décider si vous voulez créer de plus petits tableaux comme moi. Pratiquez votre peinture seulement la moitié de vos feuilles d' aquarelle, ou si vous souhaitez utiliser votre feuille complète Je mettrai mes croquis de plan à disposition pour les trois paysages en deux tailles différentes. C'est juste au cas où vous souhaiteriez sauter la phase d'esquisse à main levée et transférer mon croquis sur votre feuille de papier aquarelle, quel que soit le format que vous choisissez de travailler Bien sûr, si vous souhaitez améliorer vos compétences en dessin, je vous recommande de vous entraîner à créer votre esquisse préliminaire avec moi dans ces cours de dessin au crayon Je vous guide étape par étape dans mon processus d'esquisse et je vous fournis également des informations clés que vous pouvez emporter avec vous, qui vous aideront à créer des croquis préliminaires plus efficaces pour les futures aquarelles Si vous souhaitez apprendre à utiliser du papier calque pour transférer votre croquis sur votre feuille de papier aquarelle, mon cours individuel d'aquarelle comprend un cours sur lequel je vous guide étape par étape tout au long de mon Vous allez pouvoir trouver ce cours ainsi que mes autres cours ici sur Skillshare En plus de mes croquis, vous pourrez également trouver votre liste de fournitures téléchargeable et des photos de mes trois peintures finies que vous êtes libre d'utiliser comme référence pendant que vous travaillez J'ai créé toutes ces scènes de nature à partir de mon imagination, je ne vais donc pas ajouter de photos de référence spécifiques. Vous allez pouvoir les trouver tous téléchargeables dans l'onglet projets et ressources. Vous remarquerez qu' avant de commencer le processus pour chacun de ces paysages, j'ai inclus une vidéo sur les fournitures. En effet, pour chaque paysage, j'ai utilisé des fournitures légèrement différentes, du papier différent, des pinceaux différents, des couleurs différentes. Cependant, je tiens à vous encourager à utiliser les fournitures dont vous disposez. Il n'est pas nécessaire d'utiliser exactement les mêmes couleurs que celles que je vais utiliser pour obtenir d'excellents résultats, ni d'utiliser exactement les mêmes tailles de pinceaux que je vais utiliser pour obtenir d'excellents résultats Il est toutefois important de savoir que si vous utilisez du papier aquarelle de meilleure qualité, vos effets mouillé sur mouillé seront probablement bien meilleurs. Vous obtiendrez des transitions plus fluides entre les couleurs et meilleurs effets généraux lorsqu'il s'agira d' utiliser les techniques qui nécessitent plus d'eau. Et je recommande également d'avoir sous la main au moins un ou deux grands pinceaux plats ou ronds, deux pinceaux ronds de taille moyenne et un petit pinceau rond que vous pouvez utiliser pour des formes et des détails plus petits. Je dirais qu'un pinceau plus grand est peut-être un pinceau plat de 1 pouce si vous aimez utiliser des pinceaux plats, ou si vous préférez des pinceaux ronds, il peut s'agir d'un pinceau à serpillère de taille 6 ou 8 Ou peut-être un rond en taille 16, 18 ou 20. Des pinceaux plus grands seront essentiels pour peindre ces premiers grands lavages rapidement et facilement. En ce qui concerne les pinceaux de taille moyenne, je dirais entre 8 et 14 ou même 16 selon la marque et la provenance du pinceau Fais-le très bien. Enfin, ce qui est de votre plus petit pinceau rond, je dirais qu'une taille trois, deux ou une serait parfaite. Tant que vous utilisez des pinceaux qui se situent dans ces limites, tout ira bien. N'oubliez pas de passer de l'un à l'autre lorsque nous travaillons sur les premiers grands lavages Vous devez utiliser des pinceaux plus grands Lorsque nous travaillons sur des formes de taille moyenne, vous souhaitez utiliser des pinceaux de taille moyenne. Et lorsque nous travaillons sur formes et des détails plus petits et que nous améliorons les textures, utilisez peut-être un pinceau plus petit. Je vous ferai savoir quand je changerai pinceau tout au long du processus, mais souvenez-vous toujours que l'outil que vous avez en main doit être utile, peu importe ce que vous essayez de faire à un moment donné tout au long du processus. devez vous demander si cet outil Vous devez vous demander si cet outil vous sera utile pour ce que vous essayez de faire, et si vous devez passer à un autre pinceau, allez-y et changez avant passer à la prochaine étape. Ou si vous devez vous assurer d' avoir deux pinceaux main pour pouvoir passer rapidement de l'un à l'autre, ayez ces deux pinceaux à avant de vous lancer ce que vous allez faire J'expliquerai plus en détail les éléments particuliers que vous allez me voir utiliser pour chaque paysage plus tard. Publiez une photo de votre travail ici sur Skillshare, il vous suffit de cliquer sur l'onglet Projets et ressources Une fois inscrit, vous verrez ce bouton violet sur la droite qui indique Soumettre le projet. Lorsque vous cliquez sur ce bouton, vous serez redirigé vers une nouvelle page où vous pourrez facilement télécharger une photo de votre œuvre et partager vos réflexions, expériences, difficultés ou questions que vous pourriez avoir pour moi. Ici, vous pouvez créer un titre pour votre projet et cliquer sur la section de contenu plus large ci-dessous. Et si vous souhaitez ajouter cette photo au début, vous pouvez continuer et cliquer sur l'icône de l'image en bas. Recherchez la photo que vous souhaitez partager sur votre ordinateur ou appareil, sélectionnez ce fichier, cliquez sur Ouvrir Il sera immédiatement ajouté à cette section de contenu. Ensuite, sous votre image, partagez tout ce que vous voulez, qu'il s'agisse des difficultés, des questions, des victoires, des moments que vous avez pu vivre tout au long de ce cours. Tout ce que tu aimerais partager, j'aime toujours avoir de tes nouvelles. Au bas de cette section de contenu, vous verrez différentes icônes. L'un d'eux est destiné à la mise en forme de votre texte. L'autre consiste à ajouter des emojis, l'icône Aimage, dont nous venons de parler, et vous pouvez également intégrer Vous pouvez ajouter encore plus de photos si vous le souhaitez. Ils peuvent être des images de processus, des images de fourniture. Et ici à droite, nous avons cette zone d'aperçu où nous voyons essentiellement une miniature ou une image de couverture de votre projet Vous pouvez la remplacer par une image de titre que vous avez créée dans un format plus horizontal, ou vous pouvez simplement la laisser telle quelle et en faire telle section recadrée d'une des images que vous avez téléchargées dans votre zone de contenu. Cela dépend de. Une fois que vous êtes prêt, continuez et faites défiler la page vers le haut. Cliquez sur le bouton vert Publier, et vous aurez terminé. Si vous souhaitez partager votre travail sur Instagram, assurez-vous de me taguer Erika Underscore Lancaster Underscore Art J'adore voir votre travail là-bas et saluer les étudiants dans mes récits Et, bien sûr, allez-y et taguez également le compte Skillshare Cela va très loin et incite d'autres étudiants à partager leur travail en tant que. Skillshare est un espace d'apprentissage sûr nous pouvons tous continuer à grandir Assurez-vous donc que vous utilisez cette galerie, et connectons-nous et aidons-nous les uns les autres. J'ai hâte de voir votre travail et de répondre à tout ce dont vous pourriez avoir besoin. Passons à notre prochain cours. 3. Fournitures de maison et de chemin: Bonjour mon ami et bienvenue dans ce court cours où je vais expliquer les fournitures que je vais m'assurer d'avoir sous la main au fur et à mesure que j'avancerai avec le paysage numéro un, en termes de mon article, Je vais utiliser une feuille de papier aquarelle de Prim Rosier. Il s'agit d'un papier pressé à froid et mesure 140 livres d'épaisseur ou de poids. Et je ne vais pas utiliser la feuille complète. En fait, je vais utiliser un peu plus de la moitié d'une feuille . La feuille de papier aquarelle sur laquelle vous allez me voir travailler aura 8 pouces de largeur et 6 pouces de hauteur. Donc huit sur six ». Pour ce qui est de ma peinture, je vais utiliser sept couleurs différentes. Six d'entre elles proviennent de mon ensemble d'aquarelles Daniel Smith. Et l'un d'eux est un brun que j'ai apporté parce que je n'en ai pas dans mon set de Daniel Smith. Et c'est l'ombre brute. Vous pouvez voir cette demi-casserole bas à droite de l'écran. Il s'agit d'une petite demi-poêle que j'ai apportée de mon set d'aquarelles. Et encore une fois, la seule raison pour laquelle j'ai introduit celui-ci, c'est parce que je brun que j' avais dans mon set Daniel Smith's et que je dois le remplacer. Si vous vous êtes déjà demandé, si vous pouviez combiner différentes marques de peinture à l'aquarelle dans une même peinture. Tu peux certainement. Je le fais tout le temps. Je dirais cependant que si vous envisagez de combiner de la peinture de deux marques différentes, les résultats seront bien meilleurs si la peinture est de la même qualité ou à peu près de la même qualité. Parce que si vous combinez une peinture de très mauvaise qualité avec une peinture de meilleure qualité, vous pourriez avoir du mal à mélanger votre peinture tout au long du processus et le résultat sera probablement pas aussi bon comme cela pourrait être le cas si la peinture était de qualité similaire, j'utilise un total de sept couleurs différentes pour créer cette peinture. Et ces couleurs sont le bleu cobalt, le Scarlett foncé, vert sous-marin, le jaune Hansa, le clair, jaune, l'ocre, la teinte neutre et l'ombre brute. Comme toujours, je tiens à vous rappeler qu' il n'est pas nécessaire d'utiliser exactement les mêmes couleurs que celles que je vais utiliser. Tant que tu utilises des couleurs relativement similaires aux miennes, relativement similaires aux miennes, tout ira parfaitement bien. Et je vais découper toutes ces couleurs pour vous sur du papier afin que vous puissiez voir à quoi elles ressemblent et que vous puissiez les remplacer si nécessaire par celles dont vous disposez. Très bien, à partir de là, je vais utiliser cinq pinceaux aquarelles différents pour ce processus. Je vais utiliser un pinceau plat d'un pouce. Et ce pinceau provient du set d'aquarelles et de lignes Royal and Len Nichols. Et je vais utiliser différents pinceaux ronds. Deux d'entre eux proviennent de la gamme Winsor et Newton Cotman , pinceaux à aquarelle de la série 111. Et ces pinceaux ronds sont de tailles 14,6. J'ai aussi un autre pinceau, qui provient d'un autre ensemble de la marque Magritte. Mais je suis passé par Amazon il y a quelque temps. Ce pinceau est le pinceau bleu clair qui apparaît à l'écran. Il s'agit d'un pinceau rond de taille 8 environ. La raison pour laquelle je dis approximativement est qu'ils proviennent d'un ensemble chinois et les tailles de ces pinceaux sont très différentes. Il est donc comparable à un pinceau rond de taille 8 en tailles américaines ou britanniques. Enfin, le plus petit pinceau que je vais utiliser est un pinceau rond de taille trois. Et il s'agit de la série de pinceaux pour aquarelle Princeton, Aqua , Elite. Outre ces fournitures de base pour l' aquarelle, j'ai aussi mon contenant contenant de l'eau propre, que je vais changer plusieurs fois au cours de ce processus. Je te préviendrai quand je le ferai. J'ai aussi ma serviette de magasin bleue absorbante Scott. Il est très important d'avoir une sorte de serviette absorbante à portée de main lorsque vous peignez à l' aquarelle afin de contrôler l'eau et soulever les nuages ou des textures ou quelque chose comme ça que vous pourriez avoir à faire. J'ai aussi au moins quelques bouts de papier aquarelle à portée de main pour tester les couleurs et translucidité. Avant d' entrer dans ma peinture, j'ai un rouleau de trois quarts ordinaires, donc un ruban adhésif d'un pouce, que j'utilise actuellement pour déposer mon papier aquarelle sur mon tapis de découpe noir, que j'utilise comme support ici. La seule chose que je fais en sorte de faire passer mes morceaux de masking tape sur mes vêtements trois à quatre fois avant de coller mon mouton aquarellé avec du ruban adhésif. Afin d'adoucir cet adhésif et de réduire le risque que j'endommage mon papier à la fin lorsque je retire ce ruban adhésif. Enfin, j'ai également quelques fournitures de croquis à main pour pouvoir créer mon esquisse préliminaire à main levée. Mais pour commencer le processus de peinture, je vais utiliser un crayon à dessin 2D de Faber Castille pour créer mon esquisse. D'habitude, j'aime bien me procurer un crayon à dessin HB. La seule raison pour laquelle j'utilise un futur est que le graphite est légèrement plus doux, donc le triangle apparaît un peu plus foncé pour que vous puissiez le voir un peu mieux en vidéo. J'ai aussi généralement quelques gommes à portée de main pour ce processus de croquis préliminaire. Une sorte de gomme à effacer en graphite souple et aussi une gomme pétrie. J'ai donc utilisé la gomme en graphite souple pour effacer et corriger les erreurs qui se produisaient lorsque je créais ce croquis à main levée. Ensuite, la gomme à effacer pétrie que j' utilise à la fin du processus d' esquisse adoucit pour éclaircir encore plus mon croquis avant de commencer à peindre, afin de ne pas voir mon crayon travailler à travers le peinture. Et aussi pour ramasser tout excès de graphite qui pourrait flotter sur ma feuille d'aquarelle et qui pourrait salir ou embrouiller ma peinture éclatante. Ça suffira, euh, pour ce petit cours sur les fournitures pour le paysage numéro un. Une fois que vous serez prêt avec toutes vos fournitures, rejoignez-moi pour le prochain cours où nous travaillerons ensemble sur notre esquisse préliminaire au crayon. voit là-bas. 4. Esquisse de la maison et du chemin: Bonjour encore et bienvenue dans ce cours. Ou nous allons créer ensemble notre esquisse préliminaire au crayon afin de passer au processus de peinture du paysage numéro un Cette partie du processus n'est pas vraiment nécessaire si vous Je vais transférer mon croquis de plan sur votre feuille de aquarelle à l'aide de papier calque ou de la méthode de transfert que vous préférez. D'ailleurs, dans mon cours individuel d'aquarelle, j'inclus un cours complet dans lequel je vous apprends étape par étape comment utiliser calque comme méthode de transformation pour obtenir votre plan des croquis sur votre papier aquarelle. Donc, si vous souhaitez en savoir plus à ce sujet, je vous recommande vivement de suivre ce cours dans le cadre de ce cours. Toutefois, si vous souhaitez vous entraîner à dessiner à la main libre, vous devez connaître les informations essentielles à apporter afin créer un croquis préliminaire réussi pour peinture à l'aquarelle. Ou vous voulez simplement pouvoir créer vos propres dépenses, croquis pour passer à la peinture à aquarelle et peut-être ne pas avoir à trop dépendre des dépenses, des croquis fournis par d'autres. Je recommande vivement de donner ce cours il y a quelque temps. D'accord, donc sans plus attendre, passons directement à la première partie de ce processus, qui est le processus préliminaire de croquis au crayon ou mon esquisse de plan pour cette pièce, Je n'ai pas vraiment utilisé de photo de référence en particulier. Ce que j'ai fait, c' est que je suis entré sur Google. J'ai fait une recherche rapide sur les scènes de nature en général. Et je me suis inspirée d' un tas de photos différentes que j'ai trouvées géniales. J'ai ensuite créé trois croquis miniatures rapides dans mon carnet de croquis, en y reprenant différentes idées à partir des différentes photos que j'ai vues, différents éléments qui, selon moi , iraient bien combinaison, également, explorant différents arrangements de ces éléments dans l'espace. Et une fois, j'ai trouvé une miniature qui, selon moi , serait superbe. Et cela conduira à une belle composition visuelle pour une œuvre, pour une peinture. J'ai choisi celui-ci et c'est essentiellement ce que je transfère à main levée sur ma feuille d'aquarelle. Alors que vous me voyez créer ce dessin, j'observe mon croquis que j'ai créé sur mon carnet de croquis chaque fois que je dessine un type de scène, la toute première chose que je dessine est la ligne d'horizon. La ligne d'horizon est la ligne qui sépare le sol du ciel ou l'océan du ciel. En c s'échappe, la ligne d'horizon correspond essentiellement à la hauteur de nos yeux en tant que spectateur de la scène depuis notre point de vue actuel. point. Ensuite, je commence à dessiner toutes les formes les plus grandes et à créer toutes les couches. Ils seront inclus dans cette scène, en arrière-plan, en arrière-plan, au milieu et au premier plan est important de penser à cette superposition chaque fois que vous dessinez ou peignez type de scène ou de paysage. Parce que ce sont ces couches en arrière-plan, au milieu et au premier plan qui vont donner de la profondeur à la scène. Je me concentre sur les formes générales les plus grandes. Je n'essaie pas vraiment d' ajouter de petits détails ou de faire de l'ombrage avec mon crayon ou quoi que ce soit d'autre. J'ajoute simplement les formes dont j'ai besoin, toutes les sections que je pourrais avoir besoin de visualiser afin de pouvoir plus tard peindre mes arbres, mes plantes et d'autres objets de ce genre. C'est ce que j'essaie d' ajouter à mon croquis à ce stade. Comme vous pouvez le voir, j'essaie de garder mes lignes très irrégulières car il s'agit d'une scène naturelle en dehors de la maison, qui est évidemment construite par l'homme et qui est plus géométrique et sa structure, tout le reste est naturel, les éléments organiques. Et il est important que les bords ces éléments organiques comportent beaucoup d'irrégularités d'imperfection, sinon cela ne semblera pas très crédible. Comme vous pouvez le constater, je fais en sorte de dessiner bien et légèrement. Et cela pour trois raisons principales. Premièrement, je ne veux pas rayer ou endommager mon papier aquarelle pendant que je dessine, car je ne pourrai pas supprimer ces rayures plus tard. Deuxièmement, je veux pouvoir effacer mes erreurs et affiner mon dessin au fur et à mesure. Parce que le dessin et l'esquisse sont un processus de raffinement. Et troisièmement, je ne veux pas pouvoir voir mon crayon passer à travers ma peinture à la fin. N'oubliez pas que l'aquarelle est transparente et que si vos traits de crayon sont très, très foncés, vous pourrez probablement les voir à travers la peinture. Très bien, donc je vais y retourner et te montrer exactement comment j'ai dessiné la petite maison. Ensuite, je vais vous donner quelques conseils pour dessiner des arbres crédibles. Donc, en revenant en arrière et en faisant une petite lecture ici, commencez par les verticales que je visualise pour les angles de la structure de la maison. Ces trois verticales vont donc essentiellement me dire où se trouve le plan avant de la maison et où se trouve le plan latéral de la maison. Nous sommes donc en mesure de voir de ce point de vue, c'est. Une fois que mes trois verticales ont pris place dans mes angles, j'ajoute le petit toit. Maintenant, souvenez-vous, je dois visualiser cette structure comme étant une combinaison de formes géométriques simples. Et les maisons sont des structures composées, c'est-à-dire qu'elles sont composées de deux ou plusieurs formes géométriques simples. Dans ce cas, pour cette maison, je visualise le fond ou la structure de base de la maison comme étant un prisme rectangulaire. Et puis le toit au-dessus est un prisme triangulaire posé au-dessus du prisme rectangulaire. Pourquoi est-ce que je dis tout ça ? C'est important. Si vous voulez améliorer vos compétences en dessin, vous devez visualiser ce que vous essayez de dessiner comme étant un simple formulaire 3D ou une combinaison de formes 3D simples, vous devez reconnaître que peu importe vous dessinez a du volume, possède des plans ou des côtés différents. Et vous devez comprendre cette structure, au moins dans une certaine mesure, pour pouvoir la dessiner manière crédible avec un sens crédible de la forme 3D. Et même dans une perspective crédible, la forme que j'ai créée juste là sur le toit est un parallélogramme. Ainsi, les deux lignes horizontales, les lignes du haut et du bas, sont parallèles et les lignes inclinées, ou lignes diagonales, à gauche et à droite, sont parallèles. N'oubliez pas que les lignes parallèles sont des droites qui peuvent s' étendre au loin jusqu' infini et qu'elles ne se croisent jamais. C'est l'un des côtés ou plans que nous pouvons voir de ce prisme triangulaire qui se trouve au-dessus de la structure rectangulaire à base de prismes. Parce que cette maison se trouve dans la nature dans l'herbe et qu'il y a des plantes tout autour. Je voulais m'assurer d'avoir un bord irrégulier en bas afin de pouvoir donner l' impression qu'il y avait de l'herbe recouvrant légèrement bord inférieur de cette maison où le bord inférieur du mur rencontre le sol. Je ne voulais pas que cette ligne soit nette et nette. Je voulais m'assurer qu'il y avait de l'herbe et des plantes recouvrant cette section, cette partie inférieure du mur. Après avoir compris cela avec une perspective crédible et tout ça, j'ai ajouté cette petite porte, en passant un guide central sur les conseils à connaître pour dessiner des arbres. Les arbres doivent présenter beaucoup d' irrégularités et d' imperfection. Parce que par opposition à la structure artificielle que nous étions en train de dessiner en ce moment, c'était la maison. Ce sont des éléments naturels organiques. Il n'y a pas deux arbres identiques et ils présentent de nombreuses imperfections. Nous voulons donc éviter l'apparence de lignes horizontales ou verticales parfaites ou toute sorte de ligne lisse en général Même s'il s'agit d'une ligne diagonale ou inclinée, essayez d'intégrer l'irrégularité tout au long des lignes que vous créez. J'aime travailler du bas vers le haut. Je commence donc par la base inférieure de ce tronc d'arbre, là où il est le plus large, puis je remonte à partir de là. Le gros tronc de base de l'arbre devient généralement un peu ou légèrement étroit au fur et à mesure qu'il remonte. Et puis, bien sûr, chaque branche sortant de ce tronc d'arbre de base devient également de plus plus étroite ou plus fine mesure qu'elle s' éloigne du tronc de l'arbre. Je suis toujours en train de m'en sortir et je pense à cet aspect effilé à la fois sur le tronc d'un arbre et sur les branches. Maintenant, en ce qui concerne les formes spécifiques que je crée, les branches, je me fie à mon intuition et à ce qui se passe sur le papier, je n'ai rien de prévu. Je m'assure simplement que dans mon esprit, j'ai l'idée de tout garder très asymétrique. J'essaie de m' éloigner de la symétrie. Cela signifie que je ne veux pas que le côté gauche de mon arbre soit le même que le côté droit de mon arbre. Si je devais le réduire de moitié, je voudrais que les nantis soient différents les uns des autres. Je veux que tout soit asymétrique, donc je suis très souple quant à la façon dont je dessine mes branches. Je vois simplement ce qui se passe sur le papier et je prends des décisions au fur et à mesure que j'ajoute de nouvelles branches, de ce côté ou de l' autre côté à différentes hauteurs, en sortant de différents endroits prends des décisions au fur et à mesure que j'ajoute de nouvelles branches, de ce côté ou de l' autre côté à différentes hauteurs, en sortant de différents endroits tronc principal de l'arbre et aussi dans les petites branches. Ainsi, je peux avoir beaucoup d' irrégularités et d'asymétrie et non un schéma planifié et contrôlé. air organisé, ce n'est pas quelque chose que je recherche. en va de même pour la forme créée par les feuilles de l'arbre. J'ai essayé de m'éloigner de ce que j' appelle un arbre ressemblant à une sucette. Parfois, j'ai encore du mal avec ça aussi. Le jour où j'ai parlé des feuilles, j'ai essayé de m'assurer que la forme, la forme générale que j'ai visualisée pour les feuilles, soit très asymétrique et qu'il y ait beaucoup d'irrégularités tout au long. généralement des arbres qui se trouvent dans la nature comme ça. Ils n'ont pas une forme circulaire parfaite leur ajoutent pas de structure. Parfois, lorsque nous nous rendons dans des jardins aménagés par l'homme , etc., nous voyons des arbres coupés de manière très spécifique, coiffés de manière spécifique. Mais lorsque les arbres sont dans la nature comme ça, il doit y avoir beaucoup d' irrégularités sur ces feuilles. Maintenant, en général, quand il s'agit planifier nos compositions visuelles, j'essaie d' éviter les paires. Ce sont donc deux arbres. Habituellement, j'essaie d' ajouter un élément en nombres impairs et non en nombres pairs. Cependant, comme j'ai la maison sur la gauche, il y a beaucoup d' asymétrie dans l'ensemble de la composition. Et j'ai aussi essayé de m'assurer que les arbres étaient différents. Je voulais m'assurer que le tronc de l'arbre de droite soit plus long, plus fin, plus étroit. L'arbre de gauche ainsi que la forme générale et la position des branches sont très différents de l'un et de l'autre. C'est pour ne pas donner un aspect estampillé à mes arbres. C'est donc quelque chose que je recommande vivement. Assurez-vous qu'il existe des différences entre vos arbres. Vous pouvez même intégrer plus de différences, comme le fait de rendre l'un de vos arbres plus court que l'autre, etc. manière générale, nous voulons nous assurer qu' il y a une grande asymétrie dans l'ensemble de la composition. Je pense avoir trouvé un bon équilibre dans cette petite composition que j'ai créée à partir de mon imagination. nous se trouvent En tant que spectateur de cette scène, ces deux grands arbres les plus proches de sur le côté droit de la pièce. Et puis il y a la petite maison avec d'autres sections de plantes derrière elle, sur la gauche. En plus de cela, j' ai également un bon nombre d' éléments qui se chevauchent au premier plan au milieu et à l'arrière-plan, ce qui me permet de m'assurer qu' il y aura beaucoup de profondeur à la fin une sensation crédible d' espace ouvert dans ce tableau. Très bien, j'en ai presque fini avec mon esquisse préliminaire. Comme vous pouvez le constater, je n'ai rien effacé avec mon crayon. Et je n'ai ajouté que les plus grandes formes générales dont j'ai absolument besoin pour peindre les arbres, les arbustes, les plantes, la maison, toutes ces zones nécessaires que je dois l'emplacement des tailles et tout Je comprends l'emplacement des tailles et tout cela afin de pouvoir passer à leur peinture. Et c'est tout pour ce cours. Prenez le temps de créer votre esquisse préliminaire. Et quand tu seras prête, rejoignez-moi dans le prochain cours où je vais vous expliquer comment je crée mes premiers mélanges de couleurs et la première partie de ce processus de peinture. On se voit là-bas. 5. Processus de peinture de la maison et du chemin A: Bonjour et bienvenue dans ce cours où je vais vous expliquer la première partie de ce processus de peinture. Avant de me lancer dans la peinture, je vais vous montrer comment je crée mes premiers mélanges de couleurs afin de me préparer au succès du processus à venir en planifiant les couleurs qui vous allez participer au processus de peinture et savoir comment vous allez créer les différents mélanges de couleurs dont vous aurez besoin en cours de route, vous aurez un processus de peinture beaucoup plus fluide et il est beaucoup plus probable que vous obteniez d' excellents résultats après avoir réparé les mélanges de couleurs qui nous aideront à démarrer. Je vais vous expliquer ces premières grandes touches de couleur. Lors de ces premiers lavages, nous allons utiliser une grande quantité de produit humide sur mouillé, ce qui donnera de belles transitions et bords flous, doux et diffus. Pour créer mon mélange de couleurs, vous allez me voir utiliser un pinceau que je n'utilise pas tout au long du processus de peinture. Je vous recommande d'utiliser le pinceau avec lequel vous vous sentez le plus à l'aise lorsque vous créez vos mélanges de couleurs. J'aime utiliser un pinceau de taille moyenne qui me permet de puiser de l'eau dans mon contenant et de faire pivoter confortablement les poils de mon pinceau dans ce petit puits de peinture de ma palette de couleurs pour ajoute de la peinture à mes mélanges de couleurs. Si j'utilise un pinceau trop petit ou trop grand, je ne pourrai pas faire ces choses confortablement ou faire sortir suffisamment d'eau de mon contenant si nécessaire. J'opte pour un mélange de couleurs agréable et juteux avec un bon niveau de pigmentation ou de peinture, mais aussi un peu d'eau dedans. Donc, si vous avez suivi mon cours individuel d' aquarelle, je vous parle des différentes consistances de nos mélanges de couleurs que nous utilisons lorsque nous peignons avec aquarelle dont la consistance ressemble à celle du T, la consistance du café, la consistance du lait et la consistance du beurre. Donc, ce que je cherche ici, c'est quelque part entre la consistance du café et celle du lait. OK, alors laisse-moi parler de ce que je fais ici. J'ai commencé par créer mes deux mélanges de couleurs que j' utiliserais pour mon ciel. Donc, en commençant par le mélange de couleurs à l'extrême droite, ce mélange de couleurs d'apparence bleu-violet est un mélange de bleu cobalt et d'un peu de bleu écarlate foncé et de rouge égal au violet. Je voulais m'assurer qu'il était plus d' un violet bleuâtre que d'un violet rougeâtre, afin qu'il puisse bien s'intégrer au bleu du ciel. Le bleu à côté est simplement bleu cobalt avec de l'eau dedans. ce moment, je commence à créer mes mélanges de couleurs vertes. Je veux donc un vert plus foncé et un vert plus clair. Le vert plus foncé que je suis en train de créer en ce moment est simplement du vert sous-marin avec de l'eau dedans. Et le vert plus clair sera le vert sous-marin plus le feu jaune Hansa. Et ce sont les verts que je vais utiliser pour l'herbe, mais aussi pour les feuilles de mes arbres et toutes ces petites zones végétales que je vais peindre. Nous voulons nous assurer de nous préparer au succès et de savoir comment nous allons développer différentes valeurs dans les différentes sections de notre peinture. C'est pourquoi je veux m' assurer que dès le départ, je sais comment je vais créer mes verts plus foncés, mes verts moyens et mes verts plus clairs en utilisant mon vert plus foncé, qui est ma crème sous-marine, et qui fait entrer la lumière jaune de la Hansa. Je sais que je vais être capable de créer une large gamme de légumes verts, des verts très foncés aux verts moyens en passant par les verts plus clairs. En décalant et en modifiant les ratios de ces deux couleurs dans mes mélanges de couleurs, je peux créer des verts très, très foncés, verts très clairs et toute une gamme de tons moyens entre les deux. Si nous voulons donner un aspect plus crédible à un tableau. La valeur est numéro un. Si vous utilisez une couleur plate sur une zone, cela ne vous semblera pas très réaliste. Parce que dans la vraie vie, nous voyons un large éventail de valeurs dans les différentes sections de ce que nous voyons, en raison la structure de l' objet ou de la soustraction que nous sommes dessiner ou peindre les éléments autour de cet objet ou soustraire qui présentent des couleurs et des valeurs spécifiques et qui peuvent empêcher cette lumière de toucher certaines sections de cet objet principal en raison de la situation lumineuse dans laquelle se trouve l'objet ou le sujet un impact énorme sur les couleurs et les valeurs que nous percevons dans un sujet. Et nous ne voyons jamais rien avec une seule couleur ou une seule valeur uniforme. Nous devons donc nous préparer au succès et savoir comment développer cette illusion d' ombre et de lumière et de dimension dans tout ce que nous dessinons ou peignons. C'est pourquoi il est si important prévoir les couleurs spécifiques que nous allons utiliser pour une pièce, ainsi les couleurs que nous allons intégrer à nos différents mélanges de couleurs. créez des versions plus claires et plus foncées de nos différentes couleurs. Enfin, dans cette partie supérieure de ma zone de mixage, je crée mes tons neutres, mes bruns que je vais utiliser. Petit chemin pour les troncs d'arbres, pour la petite maison, pour la petite clôture qui entoure la maison. Le neutre le plus clair, à l'extrême droite est de l'ocre jaune uni avec un peu d'eau dedans. Le brun moyen au milieu est un mélange d'ocre jaune et d'ombre brute. Enfin, je vais créer un brun très foncé en mélangeant de l'ombre brute et une teinte neutre. Encore une fois, je prépare versions plus claires et des versions plus foncées de ces couleurs dont je vais avoir besoin dans ces sections brunes de ma peinture. Avec cela, je sais que je vais être capable créer des zones claires, des zones tons moyens et des zones d' ombre plus foncées afin de donner à toutes ces choses une sensation crédible de lumière, d'ombre et de dimension. Je prends mon temps pour ce processus et je m' assure d'avoir suffisamment de toutes ces couleurs différentes. Parce que dans cette toute première partie de ce processus de peinture, nous allons procéder rapidement, mouillé sur mouillé. Et nous allons ajouter de la couleur tout au long de la pièce. Nous allons peindre un premier lavis sur ces différentes sections et nous ne voulons pas manquer de couleurs différentes. Très bien, j'ai presque fini créer mes premiers mélanges de couleurs dont je vais avoir besoin pour premier lavage de l' ensemble de la pièce. Comme je l'ai dit , le brun le plus foncé est un mélange d'ombre brute et de teinte neutre. Je vais découper ces couleurs qui me manquent pour toi sur mon bout de papier aquarelle. De cette façon, vous pouvez voir toutes ces couleurs que j'ai utilisées pour commencer, échangées pour vous afin que vous puissiez voir à quoi elles ressemblent. J'aime toujours prendre le temps de planifier et de préparer les différentes couleurs dont j' aurai besoin pour chacune de mes pièces avant de commencer. Parce que je sais qu'en choisissant mes couleurs avec soin réfléchissant à la façon dont je vais répéter les couleurs dans mes mélanges, à la façon dont je vais créer différentes versions de mes couleurs tout en conservant mes couleurs limitées. Cela conduira non seulement à des résultats mieux intégrés, à des résultats plus harmonieux à la fin, mais cela m'aidera également à me tenir à l' écart des couleurs indésirables et de Medina. Cela peut donc se produire tout au long du processus si j' apporte simplement des couleurs au hasard en cours de route. Très bien, alors que nos mélanges de couleurs initiaux sont prêts à être ajoutés à notre palette de mélanges de couleurs, il est temps de commencer par la première partie de ce processus de peinture. Nous allons créer ce premier lavage tout au long de cette pièce, mouillé sur mouillé. Donc, ce que vous me voyez commencer moment, c'est que je fais la pré-mariage en utilisant mon grand pinceau plat de 1 pouce et l'eau propre que je sors petit à petit de mon contenant. Je fais sortir un peu d'eau à la fois. Et ce que je recherche ici, c'est un bel uniforme brillant sur toute ma feuille d'aquarelle. Je le fais avec soin. Je suis juste en train de planer. Mon pinceau se hérisse doucement sur mon papier aquarelle. Je ne veux pas modifier le format de mon papier en le brouillant. Comme vous pouvez le constater, j'ai d'abord fait des traits horizontaux, puis traits verticaux et je vais tout passer en revue, moins je dirais quatre à cinq fois. Cela dépend totalement de l'environnement dans lequel vous travaillez. Si vous travaillez dans un environnement froid, un environnement chaud, un environnement humide, un environnement sec. Si vous avez un ventilateur sur un système de chauffage, sur une unité de climatisation, sur quelque chose comme ça, cela aura une incidence sur la rapidité ou lenteur avec laquelle votre peinture ou votre papier commencera à sécher sur vous. Et je veux dire tout au long du processus de peinture. Mais dans cette partie également, vous constaterez peut-être que vous devrez prendre un peu plus de temps, car peut-être que l'environnement de travail dans lequel vous vous trouvez actuellement n'est tout simplement pas très utile. Prenez votre temps avec ce processus de prélecture, assurez-vous qu'aucune section de votre feuille d' aquarelle ne soit utilisée trop rapidement, car si c'est le cas, cela signifie que vous devrez probablement passer plus de temps faire ça avant le mariage. Maintenant, si nous y allons avant le mariage, c'est parce que l'eau que nous préparons, largeur de notre papier, nous aideront à faire différentes choses. Tout d'abord, cela va créer de belles transitions douces entre les différentes couleurs que nous avons mises sur papier. Ces jolis dégradés organiques propres à ce médium sont magnifiques et peuvent vraiment nous aider à créer beaucoup de profondeur dans une pièce. Lorsque nous combinons des bords plus doux et des effets flous avec des bords plus nets, nous allons peindre plus tard , en plus de ce premier lavage, teneur en eau que nous préparons, la largeur du papier. va nous y aider. Mais en faisant cela avant le mariage, nous nous donnons également plus de temps de travail. Nous augmentons le temps de travail dont nous disposons lorsque nous développons toutes ces teintes et valeurs initiales lors de ce premier lavage, et ce, de bout en bout. Ce que je veux dire par là, c'est que vous devez vous rappeler que lorsque vous travaillez sur du papier sec, ce papier sec a très soif. Il absorbe cette peinture et commence à sécher immédiatement. Lorsque vous placez de la peinture sur du papier. Cela fait en sorte que vous vous retrouvez avec des bords nets et définis autour des formes que vous peignez, ce qui n'est pas très utile lorsque vous peignez de grandes formes, grandes surfaces ou que vous essayez de créer de grands lavages. . C'est pourquoi je laisse les techniques « humide sur sec » pour les étapes ultérieures de mon processus peinture, lorsque je peins sur des formes plus petites, que je cherche des détails plus précis, etc. Mais en préparant notre papier avec une couche d'eau, nous augmentons ce temps de travail. Nous n'avons pas à avoir l'impression de courir contre la montre parce que notre peinture commence à sécher trop rapidement. Ce ne sont donc que quelques raisons différentes pour lesquelles la lecture préalable de notre article est si utile, en particulier au début du processus de peinture. Si vous remarquez des flaques d'eau quelque part, c'est probablement que vous y allez avec un peu trop d'eau. Mais ne vous inquiétez pas, c'est pourquoi nous avons notre serviette absorbante avec nous. Et vous pouvez également y aller avec les poils propres et légèrement humides de votre pinceau. Passez les poils de votre pinceau sur section qui contient beaucoup d'eau , les poils de votre pinceau sur votre serviette absorbante pour éliminer cet excès d'eau et juste lissez à nouveau cette zone avec les poils de votre pinceau. Une fois que mon papier a eu une belle brillance uniforme, il était temps de commencer le processus de peinture. J'ai opté pour mon pinceau rond taille 4. Je l'ai trempé dans mon eau parce qu' il était complètement sec et nous devions préparer les poils du pinceau en les faisant pivoter ou en les récipient intérieur du pinceau avant de les mettre dans la peinture avec. Une fois qu'il a fait beau et humide, j'ai rempli les poils de mon pinceau d'une bonne quantité de bleu cobalt. J'ai fait tomber du bleu cobalt sur toute la partie du ciel de façon très irrégulière. Et après avoir pris un peu de bleu cobalt et mon ciel, j'ai ajouté un peu de bleu violet ici et là ici et là de manière très irrégulière afin de pouvoir avoir une belle variété de teintes partout. mon ciel. Je voulais que certaines sections soient bleues et que d'autres soient bleues et violettes. Et maintenant, vous pouvez aussi voir comment j'ai laissé des sections mon ciel qui ressemblent un peu à des nuages parce que je ne les ai pas peintes. Cela s'est produit de manière organique alors que je déplaçais simplement mon pinceau dans mon ciel de différentes manières. Et je les ai simplement laissés parce que c'est toujours agréable d' intégrer ce type d'effet et de créer l'illusion d'au moins deux nuages. Ne vous inquiétez pas si une petite partie de cette barre bleue violette commence à couler vers le bas. Cela va se produire parce que la page entière est mouillée. Ne t'inquiète pas pour ça. Risque de créer tout ce lavage. Je veux vraiment vous encourager à profiter des effets qui se produisent lorsque vous perdez de votre couleur. N'essayez pas de trop jouer avec cette peinture une fois qu' elle a été posée sur du papier car cela va tout aplatir. Et cela donnera également un look plus surmené. Si tu en fais trop. Après avoir peint dans mon ciel, il était temps de peindre dans l'herbe. J'ai retiré tout ce bleu et ce bleu-violet des poils de mon pinceau. Et toujours en utilisant mon pinceau rond taille 14, j'en ai d'abord un, puis j'ai ajouté mon vert clair sur toute la pelouse. Au milieu et au premier plan, nous avons essayé d' éviter de tomber du vert directement dans la petite maison et également sur le petit chemin ou la route. Si un peu de vert se répandait dans ces zones ou ces formes, je ne m'inquiétais pas trop. Une fois qu'il y avait une bonne quantité de vert plus clair partout, j'y suis entrée et j'ai ajouté du vert plus foncé dans ombres plus sombres où j'imaginais des plantes ou des plantes créant des ombres. Donc, à ce stade tout mon article est encore assez humide, assez réalisable. Aucune section n'est arrivée à cet état semi-sec étrange où je ne devrais pas faire grand-chose d'autre. Et il me reste encore quelques choses à faire lors de ce premier lavage avant que mon papier ne commence à sécher. L'une de ces choses consiste à peindre au loin dans la limite des arbres juste le long de la ligne d'horizon. Pour ce faire, j'ai créé un bleu-vert en mélangeant mon vert sous-marin avec mon bleu cobalt. Une fois qu'il y a eu un bon bleu-vert sur ma palette de mixage, j'ai opté pour mon pinceau rond taille 8 et j'ai ajouté un peu de ce bleu-vert juste le long ligne d'arbre que j'avais esquissée. précédemment. Alors pourquoi ai-je créé un bleu-vert pour peindre ces arbres éloignés ? Donc, la raison pour laquelle je l'ai fait est à cause de la perspective aérienne ou de la perspective atmosphérique. perspective aérienne nous indique que La perspective aérienne nous indique que plus les objets sont éloignés de nous, plus la température de couleur est bleue ou froide , plus la température de couleur est bleue ou froide , plus vous serez floue ou floue. C'est pourquoi j'ai voulu peindre dans cette limite d'arbres, au loin, alors que ce papier était encore humide, afin que teneur en eau puisse m'aider à créer cet effet de flou. Si j'avais commencé à peindre dans cette limite d'arbres et au loin sur du papier sec, les bords autour des formes de mes arbres seraient très nets et bien définis. Et je voulais opter pour une vision floue pour donner l' impression que ces arbres sont loin de nous. Et je l'ajoute à cette incroyable sensation de profondeur en créant un bleu-vert, en refroidissant le chlore. Ici, vous me voyez déposer certaines de mes zones vertes plus foncées et certaines parties que je voudrais assombrir un peu plus, ainsi que ces zones gazonnées. Ensuite, je vais passer à la peinture sur le chemin en utilisant au moins deux de mes couleurs neutres que j'ai préparées moi-même. J'utilise donc toujours la couleur la plus claire que j'ai préparée pour la zone à portée de main, puis j'assombrit certaines sections de cette forme plus grande. Donc, en utilisant toujours mon pinceau rond taille 8, vous allez d'abord me voir déposer un peu de mon ocre jaune le long de ce chemin. Et puis avec cet ocre jaune, je vais ajouter un peu de mon brun moyen, de mon ocre jaune et vais ajouter un peu de mon brun moyen, de l'ombre crue. Et une fois que j'aurai terminé, tout sera chronométré pour que tout soit complètement sec et vous pouvez vous servir d' un sèche-cheveux si vous voulez accélérer le processus de séchage, mais s'assure absolument que tout est complètement sec avant de passer à la prochaine étape de ce processus de peinture. Très bien, donc juste avant de passer à autre chose, je voudrais passer en revue la perspective aérienne ou atmosphérique, car il s'agit d'une information clé à comprendre en matière de perspective et de création une sensation crédible d'espace ouvert et profondeur dans tout type de dessin ou de peinture de scènes, de paysages et de tout ce que vous devez connaître. perspective atmosphérique ou aérienne a à voir avec la façon dont nous voyons les choses dans la vie réelle. Dans la vraie vie, si vous vous trouvez dans un grand espace ouvert, vous remarquerez que la façon dont vous voyez les choses de plus près de vous est différente de la façon dont vous voyez les choses plus éloignées de vous. Non seulement les objets deviennent de plus en plus petits au fur et à mesure qu'ils s'éloignent de vous, mais les objets énormes, comme les montagnes seront toujours très grands par rapport à tout le reste. Disons que les maisons, les bâtiments, les arbres, les voitures, les personnes, tout ce qui ressemble paraîtra de plus en plus petit à mesure que ces objets s'éloigneront de vous. C'est un élément clé à intégrer dans n'importe quel type de scène afin de représenter le réalisme, n'est-ce pas ? Mais à part cela, perspective aérienne ou atmosphérique nous indique que plus un objet est éloigné de nous, plus la température de couleur est froide, plus sa valeur sera claire. Ce sera le plus flou ou le plus flou , le moins défini ou le moins détaillé. Ce sera le cas par rapport à des choses plus proches de vous. Encore une fois, cela a à voir avec la façon dont nous voyons les choses dans la vie réelle, dans le monde réel. C'est pourquoi il est si important prendre ces informations et de les intégrer dans nos dessins ou peintures si nous recherchons un certain niveau de réalisme. Donc, dans cette scène, par exemple, fait en sorte d'apporter mes connaissances perspective atmosphérique en refroidissant la perspective atmosphérique en refroidissant le vert que j' utiliserais pour peindre les arbres les plus éloignés. distance en arrière-plan. Et j'ai également veillé à utiliser les techniques qui me permettraient de créer un aspect plus flou et plus flou Je vais peindre les arbres les plus proches de nous, mouillés, sur du sec pour que les bords, les détails et tout le reste sont plus nets et Morgan fine, créant ainsi cette distinction entre ce qui est le plus proche de nous et ce qui est plus éloigné. Et cela va créer une sensation plus crédible d'espace ouvert et de profondeur. En d'autres termes, nous en avons terminé avec la première phase de ce processus de peinture pour le paysage. Tout d'abord, une fois que vous aurez terminé cette partie et que votre peinture sera sèche, allez-y et rejoignez-moi dans le prochain cours. On se voit là-bas. 6. Processus de peinture de la maison et du chemin B: Bonjour encore, mes amis et bienvenue dans la deuxième partie de ce processus pour le paysage numéro un. Maintenant que nous avons peint dans ces grands lavages généraux avec un léger flou, diffusé à partir de faits. Nous allons commencer par peindre des éléments de taille moyenne. Nous allons maintenant utiliser des techniques qui nécessitent moins d'eau et nous allons peindre sur du papier sec. Je ne veux pas te donner un seul conseil. Si, pour une raison quelconque, vous ne parvenez plus à voir les formes, marques ou lignes importantes que vous avez créées vous-même lors de votre processus d' esquisse préliminaire. Une fois que ces premières couches de peinture ont été peintes et séchées, je recommande de les dessiner, toujours avec un crayon. Tant que la peinture est complètement sèche, vous pouvez certainement redessiner ces formes et ces lignes si nécessaire. Très bien, sans plus attendre, allons-y et intervenons. Je suis passée à mon pinceau rond taille 6, que je n'ai pas utilisé jusqu'à présent. Je me suis donc assurée de pré-humidifier ces poils en mettant mon pinceau dans mon contenant d'eau. Et je vais commencer par peindre dans la maison. Je vais utiliser mes couleurs neutres pour peindre la maison. Et comme vous pouvez le constater, ces petites flaques que j'ai créées sur ma palette de mixage sont assez sèches. Je dois donc créer davantage de ces couleurs et réactiver la peinture en y faisant ressortir de l'eau. C'est donc sur cela que je travaille ici. Et une fois que je serai prête, je commencerai à peindre dans la maison. Encore une fois, je commence toujours par la couleur la plus claire du bouquet, qui dans ce cas est l'ocre jaune uni avec un peu d'eau dedans. Je vais choisir cette couleur plus claire. Et puis, pendant que cette première couche d'ocre jaune de couleur la plus claire est humide, je vais y ajouter un peu de brun moyen pour assombrir certaines parties de celle-ci. Au fur et à mesure que je développe toutes ces différentes valeurs brunes sur les différents plans de cette maison. Je pense à ce que je sais être vrai à propos du comportement à la lumière. Surtout parce que dans ce cas, j'ai créé cette composition par imagination et je ne suis pas en train de regarder une photo de référence. Donc, si je veux atteindre un niveau de réalisme moyen à supérieur avec cette pièce, je dois vraiment réfléchir au fonctionnement de la lumière. Comment l'ombre est créée lorsqu' une certaine section d'une structure ou des plantes bloquent cette lumière dans certains cas et empêchent cette lumière d'atteindre certaines sections. très important de garder à l'esprit toutes ces choses. Je réfléchis donc aux plaines de cette structure orientées vers la lumière. Quelles parties de la structure sont orientées à l'abri de la lumière et comment les différentes parties de la structure créent elles-mêmes des ombres sur les autres sections de la structure. Ainsi, par exemple, le petit toit, la façon dont il sort légèrement, les sections qui en sortent empêchent cette lumière atteindre la partie supérieure de l'avion juste en dessous, la lumière ne peut pas atteindre ces sections de ces avions. Je veux donc qu'ils paraissent plus foncés. Je souhaite créer un petit effet d' ombre en utilisant le brun moyen ou le brun le plus foncé. Cela dépend de la couleur que j'ai déjà utilisée en dessous. donc imaginé que ce plan gauche de J'ai donc imaginé que ce plan gauche de la maison se trouvait en face de la source lumineuse. J'utilise donc le brun moyen pour peindre tout ce plan dans un premier temps. Et puis je suis entrée pour ajouter du brun foncé dans ces zones d'ombre sous le rebord du toit. Ensuite, ce plan avant de la maison qui fait face à la lumière. J'ai d'abord opté pour ma couleur la plus claire, le jaune ocre, et j'utilise le brun moyen pour créer cet effet d'ombre. Et le parallélogramme, c'est le plan de ce prisme triangulaire que nous pouvons voir. Eh bien, j'ai créé cette lumière elle-même parce que c'est le plan le plus proche de toute cette structure, du moins en termes de plans que nous pouvons voir depuis ce point de vue le plus proche de la lumière. Et il n'a pas vraiment d'autres structures couvrant des sections. Mais même sur le toit, je voulais m'assurer de créer une variété de valeurs. Donc, les avions qui font face à la lumière, je veux les alléger. Je m'assure donc d' utiliser les couleurs les plus claires, donc le jaune ocre et peut-être le brun moyen, mais ensuite l'avion qui fait face à la lumière. Eh bien, je peux commencer par un brun moyen, puis assombrir certaines parties avec du brun le plus foncé. Dans cette forme brune moyenne plus grande. Vous pouvez constater que , dans tous les plans qui composent cette petite maison, j'ai des valeurs variées. J'ai des parties plus claires et des parties plus sombres qui semblent crédibles parce que je pense à la structure de la maison elle-même. Et aussi le fonctionnement de la lumière, le comportement de la lumière. Comme vous pouvez le voir, j'ai laissé des irrégularités le long du bord inférieur des plans de la maison afin de créer cette illusion de plantes devant maison. Très bien, après avoir fait ce travail dans la maison, il était temps de tout laisser sécher avant d'essayer de peindre la petite porte et les autres petits détails que je vais être à ajouter à la maison plus tard. En attendant, je vais faire du travail humide sur sec pour les petites sections de plantes et les arbres. Tout au long de cette œuvre, j'ai retiré tous les poils bruns de mes pinceaux. Et je continue à utiliser mon pinceau rond taille 6 pour ces petits éléments que je vais maintenant peindre sur du papier sec. Donc, avant de commencer , j'ai fait en sorte de réactiver et davantage mes différents mélanges de couleurs vertes sur ma palette de mixage. Je voulais m'assurer d' avoir du vert plus clair. Mon vert sous-marin et mon feu jaune Hansa se trouvent donc juste en haut. J'en ai du vert plus foncé, qui est du vert sous-marin ordinaire avec de l'eau dedans. Et j'ai aussi créé une petite flaque de bleu vert. Donc du vert sous-marin et du bleu cobalt. Je voulais avoir un peu de ce bleu-vert à portée de main pour l'utiliser, en particulier pour les sections de plantes et les arbres au milieu. Ce que je fais ici avec mon pinceau rond taille six c'est peindre dans les arbres derrière la maison. Et comme vous pouvez le constater, comme je peins ces formes d' arbres sur du papier sec, je me retrouve avec des bords bien définis autour des formes que je peins. Même si j'opte pour bords nets et définis autour de ces formes, je pense tout de même à certaines des choses que je me suis assurée de faire jusqu'à présent. Donc, par exemple, je m'assure de créer beaucoup d' irrégularités en termes de forme elle-même, exemple sur ses bords. Mais aussi par souci de régularité , je souhaite créer une grande variété de valeurs vertes à l'intérieur de cette forme en utilisant mes différents verts et en utilisant la translucidité du médium. Ce que je veux dire, c'est que je veux m' assurer que certaines sections de cette forme, claires et les plus translucides, tandis que d'autres sont plus sombres et plus saturées. Pour les sections d'arbres et de plantes situées derrière la maison et au juste milieu, j'ai principalement utilisé mon avion vert sous-marin contenant de l'eau, ainsi que mon bleu-vert que j'ai créé en mélangeant mon vert sous-marin avec un peu de bleu cobalt. Encore une fois, j'ai commencé par le plus léger des deux , à savoir l'avion vert sous-marin. Et puis j'ai ajouté mon bleu-vert, qui dans ce cas est la couleur la plus foncée des deux. Encore une fois, il s'agit de développer une large gamme de valeurs vertes, verts plus clairs aux verts moyens en passant par les verts plus foncés. C'est ce qui va apporter un certain réalisme à tel ou tel élément. Et qu'est-ce qui va lui donner une impression de dimension d'ombre et de lumière ? Vous pouvez même voir comment j'ai laissé de petites sections de ce papier peint avec cette nouvelle couche de peinture. Et ce que vous pouvez voir est la couche précédente qui brille à découvert. Et cela crée une belle illusion de points forts dans certaines sections. Après avoir peint ces arbres et ces plantes au milieu, je vais commencer par peindre les feuilles de cet arbre le plus proche de nous au premier plan. Pour cela, j'ai opté pour mon pinceau rond taille 8 car cet arbre est beaucoup plus grand que les petits arbres que je peignais au milieu. Et comme toujours, je commence par l'écran le plus clair que je vais utiliser à l'intérieur de cette forme, qui est mon vert plus clair que j'ai créé en mélangeant mon vert sous-marin avec mon Hansa Yellow Light. Ainsi, avec une nouvelle perspective aérienne, les éléments les plus proches de nous au premier plan apparaîtront plus chauds et plus chauds. C'est pourquoi j'ai voulu utiliser davantage ce vert clair qui contient une grande partie de jaune, qui est évidemment plus chaud parce qu'il contient tellement de jaune. Bien plus que les arbres et les plantes du juste milieu, qui sont des éléments plus éloignés de nous. Au début, je suis donc entrée et j'ai créé une forme très irrégulière avec ce vert plus clair, le vert jaune. Et une fois, j'ai eu une certaine forme irrégulière très abstraite pour les feuilles peintes. J'ai commencé à utiliser mon vert plus foncé que j' utiliserais pour cet arbre ici, qui est le vert sous-marin. Je me suis à nouveau souvenu du fonctionnement de la lumière et de la structure irrégulière de la partie foliaire de l'arbre lui-même, de sa rondeur. Bien sûr, il y a beaucoup d' irrégularités dans cette rondeur. Mais si vous pensez à une forme sphérique, imaginez comment la lumière affecterait cette sphère. Comment la lumière atteindrait la partie supérieure et moins la partie inférieure. Et à cause de tous les groupements de feuilles ou des groupements réguliers de feuilles qui se recouvrent. Bien sûr, vous avez des valeurs plus sombres partout. Mais dans l'ensemble, d'une manière générale, si vous imaginez que la partie des feuilles est une sphère, imaginez quelles sections de cette sphère auraient la plupart des valeurs les plus sombres ? Si la source lumineuse est située au-dessus, si la source lumineuse est le soleil. Et j'ai placé la majeure partie de ce vert plus foncé que j' utiliserais dans cette section. Dans les zones où j'imagine que se trouvent des zones d' ombres, vous pouvez voir comment j'ai utilisé le vert sous-marin et un état légèrement plus saturé. Donc, moins d'eau et plus de peinture dans la partie inférieure des feuilles, où j' imagine que moins de lumière atteindrait. Et j'ai préféré ce vert plus clair, plus jaune, vert translucide dans la partie supérieure de la feuille, où la lumière était plus forte. Cela ne signifie pas que je n'ai pas utilisé de vert sous-marin dans la partie centrale ou même supérieure de cette zone foliaire, car il y a beaucoup d'irrégularités et différents groupes de feuilles créent des ombres l'un l'autre. Cela signifie que la majorité du vert foncé saturé que j'ai utilisé ou que j'ai essayé de mettre dedans, dans les sections les plus sombres. Et comme j'ai travaillé rapidement et que je me suis assurée de le laisser tomber dans ce mur vert plus foncé, ce vert plus clair initial était encore humide. Vous pouvez voir comment je me suis retrouvée avec belles transitions douces entre mes différentes valeurs vertes. Lorsque vous peignez des feuilles, il est également essentiel de vous assurer laisser les petites fenêtres ou sections non peintes où vous pouvez voir à travers les groupes de feuilles et à l'intérieur le fond, ce qui me permet de créer toutes ces irrégularités sur les feuilles et les différentes parties de la plante que je vais peindre ensuite, c'est vraiment laisser le pinceau faire tout seul et lâcher prise avec mon bras et mon poignet. Je n'essaie pas de contrôler mon bras et mon poignet. Je joue vraiment je change et je change la façon dont j' utilise mon pinceau en termes d' angle d'utilisation. Parfois, c'est plutôt un angle de 30 à 35 degrés par rapport à la surface de ma table. D'autres fois, il s'agit plutôt d' un angle de 42 ou 45 degrés, déplace et modifie l'angle, mais qui exerce parfois plus, parfois moins de pression sur ces poils, de sorte que moins ou plus de ces poils entrent en contact avec mes papiers. Parfois, c'est juste le bout de mon pinceau, d'autres fois c'est tout le ventre de mon pinceau qui entre en contact avec le papier. Et toutes ces variations dans la façon dont j'utilise mon pinceau me permettent de créer toutes ces formes abstraites irrégulières et toutes ces zones. Allons jouer avec. N'essayez pas de le contrôler. Et tout cela vous aidera beaucoup lorsque vous peignez des éléments organiques naturels. Il en va de même pour la petite section végétale située en dessous de l'arbre. Je suis d'abord entrée avec mon feu vert le plus clair, mon vert sous-marin et mon feu jaune Hansa. Puis, alors que cette première couche de peinture était encore humide, j'ai laissé tomber une partie de mon vert le plus foncé que j' utiliserais pour cette forme, savoir le vert sous-marin contenant de l'eau. Je l'ai ensuite laissé sécher complètement et il était temps de peindre la petite porte de la maison, qui, bien entendu, était complètement sèche à ce moment-là. Et je l'ai peint avec mon brun le plus foncé. Donc, avec mon ombre brute et ma teinte neutre, je suis passée à mon pinceau rond taille 6 parce que sa forme est très, très petite et que je voulais avoir plus de contrôle. Vous remarquerez que je peins dans cette petite forme rectangulaire. Ensuite, ce que je fais, c'est y retourner et je soulève un peu de peinture pour ajouter un peu plus de dimension à cette zone. Un petit effet de lumière. Parce que lorsque nous utilisons trop de couleurs saturées, surtout lorsqu'il fait si sombre, vous pouvez finir par créer un trou négatif dans votre peinture. Tout cela revient à l'idée de vouloir que chaque élément de votre pièce une variété de valeurs, n'est-ce pas ? Si j'opte pour ce brun foncé très saturé, cette petite forme rectangulaire donnera une forme très nette, plate et lourde. J'ai donc peint cette forme. J'enlève cette couleur pour les poils de mes pinceaux. J'y suis retournée avec un pinceau très propre et légèrement humide et j'ai simplement soulevé un peu de cette feuille brune pour m' assurer qu'il y a au moins une légère variété de valeurs dans cette porte. Et après avoir peint dans cette petite porte, je suis passé au jargon, certaines sections d' ombres les plus sombres, à nouveau juste en dessous du rebord du toit, où ce toit crée une ombre sur la partie supérieure des parties de ces plans latéraux de la structure de la maison ou des murs de la maison. Il était alors temps de passer à la peinture sur le tronc et les branches de l'arbre. Dans cet arbre le plus proche de nous, au premier plan. Donc, pour le tronc et les branches, je vais utiliser mon brun moyen, c' est-à-dire mon ocre jaune et mon ombre crue. Ensuite, je vais utiliser mon brun le plus foncé, juste pour assombrir certaines zones d'ombre au sein de cette forme plus grande. C'est toujours moi qui vais avec mon pinceau rond taille 6. Et encore une fois, au départ, j' opte une couleur plus claire des deux. Et une fois que j'ai peint dans cette forme, je commence avec mon brun le plus foncé. Comme je peins le tronc et les branches de l'arbre, je fais très attention. Encore une fois, en gardant à l'esprit ce look effilé. Surtout quand je peins sur les petites branches, j'essaie de le faire d'un seul trait parce que je sais que si je avec plusieurs coups de pinceau, je vais commencer à élargir en faisant ces petites branches que je veux faire très fines. Je vais commencer à les épaissir de plus en plus en utilisant plusieurs coups de pinceau, donc autant que possible, je veux utiliser un seul coup de pinceau pour les petites branches. Avec les petites branches vous devez toucher juste le bout de votre pinceau sur votre papier pour obtenir aspect très fin et effilé. Maintenant, la consistance de votre peinture doit être utile et, pour que vous puissiez tracer une ligne cohérente, entre guillemets, pour ces branches car votre mélange de peinture est moyen si vous êtes trop sec, vous ne serez probablement pas en mesure de charger suffisamment les poils de votre pinceau pour pouvoir peindre une ligne fluide et constante. Vous allez commencer à brosser à sec et cette peinture ne coulera tout simplement pas en même temps. Si votre mélange de couleurs est beaucoup trop liquide, vous vous rendrez brosser à sec et cette peinture ne coulera tout simplement pas en même temps Si votre mélange de couleurs est beaucoup trop liquide, probablement compte que vous y allez tu essaies de peindre cette branche, tu ne pourras pas vraiment la voir. Vous pouvez donc instinctivement y aller et le peindre à nouveau. Et tout à coup, vous créez une branche très épaisse ou une branche très floue avec de la graisse parce que votre papier est humide à cause du trait précédent que vous avez fait. Assurez-vous donc que la consistance de votre peinture est utile lorsque vous allez ajouter ces branches. Et en cas de doute, c'est pourquoi je recommande de toujours avoir des bouts de papier à portée de main afin que vous puissiez tester tout ce dont vous avez besoin. Pratiquez tout ce que vous devez pratiquer avant de le faire sur votre peinture. Entraînez-vous à peindre de fines lignes effilées sur votre morceau de papier aquarelle , puis allez-y et appliquez-le à votre peinture. J'opterais pour un café ou une consistance semblable à du lait pour ces branches. D'accord. Après avoir peint le tronc et branches de l' arbre le plus proche de nous, il est temps de commencer à peindre la partie foliaire du deuxième arbre qui se trouve derrière celui-ci. Pour cela, j'ai opté pour mon pinceau rond taille 8. Maintenant, comme je l'ai déjà mentionné, il est très important que nous communiquions ce qui est le plus proche de nous en tant que spectateur de la scène et ce qui est plus éloigné. L'une des façons dont j'ai personnellement décidé de le faire dans ce processus est d'aborder ces deux arbres séparément, laissant sécher l'arbre précédent, en particulier la partie foliaire de l'arbre précédent complètement avant de peindre le deuxième arbre en. Pourquoi ? Parce que si je n'attendais pas, tous les légumes verts des feuilles des arbres précédents se retrouveraient dans les feuilles du deuxième arbre. Et je pourrais prendre le risque de créer une seule goutte qui encapsule en quelque sorte les feuilles des deux arbres. Et il n'y aurait pas cette distinction entre ce qui est arbre et lequel. C'est pourquoi j'ai décidé de les aborder séparément. Et je me suis assuré que l'arbre précédent, en particulier la partie foliaire de l'arbre précédent, était complètement sec avant de commencer à peindre la partie foliaire de l'arbre secondaire. Maintenant, une autre chose que je veux que vous remarquiez, c'est que, en général, les feuilles et le deuxième arbre derrière l'arbre le plus proche de nous sont légèrement plus léger que les feuilles de l' arbre le plus proche de nous. Les couleurs et les techniques que j'utilise sont les mêmes pour les parties foliaires des deux arbres. Dans le deuxième arbre, j'ai également opté pour mon vert plus clair que j'ai créé en mélangeant mon vert sous-marin et mon feu jaune Hansa. Et puis je suis tombée dans mon vert plus foncé, qui n'était que du vert sous-marin plat avec de l'eau dedans. Cependant, j'utilise ces couleurs dans un endroit légèrement plus humide au sud de l'État. Cela signifie que si j'utilise une consistance semblable à celle du lait pour peindre les feuilles de l'arbre au premier plan, le plus près de nous, je m'assurais que la consistance de mes couleurs que j'avais l'habitude de peindre les feuilles du deuxième arbre se situaient plutôt entre le T et une consistance semblable à celle d'un café assez édulcorée. Parce que n'oubliez pas que l'une des choses que nous apprend la perspective aérienne, c'est que ce qui est le plus proche de nous aura plus valeur que ce qui se trouve derrière. J'espère que vous pouvez voir comment, dans l'ensemble, j'ai utilisé moins de vert plat sous la mer dans ce deuxième arbre Vous pouvez également modifier les ratios entre votre jaune et votre vert et vos mélanges de couleurs et créer assurez-vous que les mélanges que vous utilisez pour votre arbre plus éloigné contiennent un peu plus de jaune que de vert. OK, après avoir peint les feuilles du deuxième arbre, je suis entrée et j'ai commencé à peindre le tronc et les branches avec mon pinceau rond taille six. Et j'ai pensé à toutes ces différences que j'avais prévues dès le début de mes esquisses Je voulais m'assurer que la forme du tronc et des branches de mes deux arbres était très différent. Je voulais donc m'assurer que le tronc et le deuxième arbre étaient plus étroits et que la forme générale était différente de celle du premier arbre ici. Je suis juste en train de terminer en approfondissant et en assombrissant certaines ombres, sections dans les troncs et des branches des deux arbres. Et avec cela, nous en avons tous terminé avec cette deuxième phase pour ce paysage. Dès que vous serez prêt , rejoignez-moi dans le prochain cours, où nous finirons cette peinture avec formes et des détails plus petits et améliorerons les textures. On se voit là-bas. 7. Processus de peinture de la maison et du chemin C: Bonjour et bienvenue dans la troisième partie du processus de peinture de processus de peinture de ce premier paysage dans ce cours. Dans cette partie du processus, nous nous concentrons sur l' ajout de zones de contraste, d' approfondissement et d'assombrissement afin communiquer une sensation de profondeur plus crédible, en particulier parce que l' aquarelle a tendance à sèche plus légèrement qu'elle n'en a l'air lorsqu'elle est mouillée. Nous allons donc approfondir et assombrir certaines sections. Et en même temps, nous allons ajouter les derniers détails et introduire des techniques qui nous aideront à améliorer les textures. Allons-y tout de suite. Il était temps de laisser ces arbres sécher complètement. Et je vais maintenant travailler sur les sections gazonnées. Je voudrais donc ajouter quelques plantes supplémentaires ici et ce sont davantage ces superpositions qui apporteront de l' intérêt à la scène en profondeur. Je vais approfondir certaines valeurs et certaines sections afin d' apporter plus de profondeur, un plus grand effet d'ombre et de lumière. Et parallèlement, je vais également m'occuper du développement de la valeur dans le cadre du petit chemin. Je suis donc revenue à mon pinceau rond taille 8. J'ai pensé que c'était une taille plus appropriée pour cette taille de formes ou d'espaces dans lesquels nous allons travailler. Et ce que vous me voyez faire en ce moment, c'est que je commence soudainement à assombrir une certaine section juste derrière cette portion d'herbe au premier plan. Où je veux créer un petit effet d'ombre parce que je veux élever cette section de gazon au premier plan où se trouvent les deux arbres. Je veux l'augmenter. Je veux donner l' impression que c'est légèrement au-dessus de cette partie inférieure, au milieu, où le chemin se courbe vers l' arrière des arbres. Et en assombrissant cette section située derrière cette partie saisissante au premier plan, je crée cette distinction entre ce qui est quoi et je soulève cette section juste en m'assombrissant soudainement cette zone avec un ton moyen un peu plus foncé. Et encore une fois, j'ai commencé par le vert le plus clair , à savoir mon Hansa Yellow Light plus le vert sous-marin. Et alors qu'il faisait encore humide, j'ai ajouté un peu de vert plus foncé que j'ai créé en ajoutant un peu plus de ce vert sous-marin sur mon écran le plus clair. Donc, sur ma palette, vous avez vu comment j'ai créé un ton intermédiaire entre mon vert le plus clair et mon vert sous-marin plat en mélangeant les deux. Après avoir travaillé dans ce domaine, j'ajoute maintenant quelques plantes et juste une illusion d'arbres plus éloignés, au milieu. Je ne voulais pas être aussi sombre que les greens que j'utilisais derrière la maison. Je voulais créer un petit effet de lumière sur cette ligne d'arbre que j'ai ajoutée au milieu. J'ai donc veillé à ce que la couleur soit belle et translucide, belle et arrosée avec ma couleur afin que les arbres derrière la maison et cette nouvelle lignée d'arbres ne commencent pas à se fondre, juste en m'assurant que la valeur couleur des barres obliques dans les calques, les différents calques que je crée tout au long cette scène sont différents les uns des autres. Et même si je n'ai pas utilisé mon bleu-vert dans cette limite d'arbres plus éloignée que je viens d'ajouter, j'ai quand même rendu cette valeur plus claire que les arbres que j'ai peints derrière la maison, qui sont l'un des les éléments clés que nous apprend la perspective aérienne. N'oubliez pas que vous pouvez utiliser une seule des informations que la perspective aérienne nous apprend, ou une combinaison des trois choses majeures qu'elle nous apprend. Souvenez-vous de son niveau de détail ou de flou par rapport à la netteté, sa valeur, c'est-à-dire de la luminosité à l'obscurité, et de sa température de couleur. Donc, dans quelle mesure la teinte que vous utilisez est chaude ou froide, en particulier par rapport aux autres teintes qui l'entourent. Et n'oubliez pas que plus quelque chose est proche de vous, généralement plus sa valeur est foncée, plus les détails et la netteté sont élevés et plus la température de couleur est chaude. Et vous pouvez décider si vous souhaitez n'en utiliser 12 ou une combinaison de ces trois éléments pour créer une sensation crédible d' espace ouvert et de profondeur dans vos scènes. Et cela vaut aussi bien pour les dessins que pour les peintures. Très bien, il y a juste un instant, tu m'as vue travailler un peu plus sur le chemin. J'ai simplement développé un peu plus de tons moyens plus foncés et de tons plus foncés. Et j'autorise les valeurs de luminosité et les zones surlignées précédentes à être laissées seules sur la peinture avec cette deuxième couche de peinture. Je me suis donc concentrée uniquement sur l'approfondissement et assombrissement de certaines zones d'ombre sur le tracé que j'ai voulu repousser un peu plus tout en laissant la couche précédente complètement transparente et plus claire. zones de valeur, je visualise les endroits où je voulais approfondir et assombrir certaines sections d'ombre. J'ai choisi d'abord mon brun moyen , puis mon brun le plus foncé. Et je me suis assuré de voir toutes ces formes d' ombres comme des formes abstraites et irrégulières. Éviter la lourdeur , éviter les lignes et tout ce qui pourrait nuire au niveau de réalisme que j' essaie de créer. Après avoir travaillé dessus, je suis passée à mon pinceau rond de taille 6 et je travaille actuellement sur des sections de plantes plus petites en essayant de développer un peu plus de texture. À ce stade, nous sommes officiellement dans ce que j' appellerais la dernière étape de ce processus de peinture. Je me concentre maintenant davantage sur les formes plus petites qui mènent à des textures visuelles, les petits détails que je pourrais vouloir ajouter et ce genre de choses. Je passe donc toujours des lavages les plus volumineux que je fais à des formes de taille moyenne, concentrant toujours sur le rapport qualité-prix. Ensuite, je laisse les petits détails et les textures sur lesquels je voudrais insister un peu plus, jusqu'au bout, et c' jusqu'au bout, et c'est là que nous en sommes actuellement. Après avoir ajouté une légère texture d' herbe subtile devant la maison et également le long de l' un des bords du chemin en utilisant un mélange de gribouillage et d'équilibrage, qui, soit dit en passant, mon cours individuel d' aquarelle, j'inclus un cours sur coups de pinceau de base et les exercices pratiques pour débutants où j' explique en profondeur tout ce qui concerne le rebondissement et le gribouillage. Et je propose des exercices pour les débutants, qui vous aideront à améliorer contrôle de votre pinceau et vous aideront à obtenir tous ces détails et textures de manière encore plus complète. avec succès. Ce que je fais en ce moment, c'est essentiellement la technique d'équilibre. Tout cela, c'est que j'entre et que j'utilise une sorte de mouvement d'estampage de haut en bas avec juste le bout de mon pinceau. Et cela m'aide à créer un peu de texture de feuille, un effet de feuille. Vous pouvez me voir faire pivoter mon pinceau dans ma main dans toutes sortes de positions différentes. Au lieu de m'en tenir au même angle ou à la même position, je fais pivoter ma main au repos de différentes manières. Je fais de mon mieux pour ne pas exagérer car moins c'est plus quand on peint à l'aquarelle. Mais je pense vraiment que l'ajout d'un peu plus de détails et de texture à ces arbres, en particulier au premier plan, contribuera à nouveau à créer cette distinction entre ce qui est le plus proche de nous et ce qui est plus éloigné, ce qui ajoute de la profondeur. Après avoir fini de rebondir, il est temps de passer au plus petit pinceau que j'ai choisi pour ce processus, savoir mon pinceau rond taille trois de Princeton. Et je vais utiliser ce pinceau pour faire mon mouvement de scintillement afin de créer une petite texture d'herbe. Encore une fois, je fais de mon mieux pour ne pas exagérer avec ces derniers détails et textures. Je vais donc juste ajouter quelques brins d'herbe ici et là, surtout au premier plan. Je dirais cependant que nous devons nous rappeler que si nous voulons ajouter des brins d' herbe dans des sections qui se herbe dans des sections qui rapprochent le plus de nous en tant que spectateur de la scène, il devrait probablement s'agir d'un Un peu plus longtemps, au moins. Puis des brins d'herbe que nous ajoutons aux sections de la scène qui sont plus éloignées. Cela a également à voir avec la perspective, car je fais ces mouvements de glissement vers le haut pour créer ces brins d'herbe effilés. Vous pouvez voir comment je fais de mon mieux pour les incurver légèrement dans un sens ou dans l'autre afin de ne pas lignes verticales complètement raides vers le haut créer de lignes verticales complètement raides vers le haut. cela va entraîner de la rigidité et de la planéité et cela ne semblera pas très réaliste. Et je m'assure également de les regrouper ou de les regrouper de différentes manières pour que tout soit plus naturel. Je m'assure également qu'il y a beaucoup d'irrégularités ce qui concerne la façon dont je distribue ces brins d'herbe, ces groupes d'herbe toute la portion d' herbe. Tout est irrégulier, la façon dont ils se courbent dans telle ou telle direction, la façon dont ils se regroupent, leur longueur, leur position dans l'espace, etc. Très bien, donc me voici Je vais enfin ajouter la petite clôture autour de la maison. Et j'utilise toujours mon pinceau rond taille 3 pour cela. J'utilise mon brun le plus foncé. Voici donc mon ombre brute plus un peu de teinte neutre. Et j'ajoute de l'eau à ce mélange sur ma palette pour pouvoir l'arroser un peu. J'ai obtenu une consistance semblable à celle du café parce que je ne veux pas le manger trop saturé. Je veux y aller avec juste le bout de mon pinceau. Et même avec la clôture, je veux y créer beaucoup d' irrégularités. J'ai donc commencé par les deux horizontales de cette clôture, où se trouvent les horizontales. Je crée ensuite les petits poteaux ou les verticales, en rapprochant ces deux horizontales. J'espère que vous pouvez voir comment j'ai fait de mon mieux pour certaines irrégularités et imperfections dans les guillemets, lignes que j'utilise pour créer la clôture. Je ne voulais pas avoir des lignes droites parfaitement horizontales ou des lignes droites verticales. Je voulais qu'il y ait une certaine irrégularité , car si j' ai des lignes parfaites, elles auront probablement l'air très raides, très peu naturelles. Et comme il s'agit essentiellement de lignes que nous créons pour représenter cette clôture, les lignes peuvent être très, très distrayantes, surtout si vous les ajoutez avec une couleur très foncée comme celle-ci brun que nous utilisons. Assurez-vous donc que la consistance de votre brun n'est pas trop sèche pour qu'il paraisse incroyablement foncé lorsque vous le déposez. Et veille également à intégrer cette irrégularité et cette imperfection. Faites varier l'épaisseur traits sur toutes les lignes que vous créez. Faites donc en sorte que certaines sections de ces lignes soient claires, plus translucides ou plus fines, et que d'autres sections de ces lignes soient plus foncées et plus épaisses. Et cela aidera ces lignes à devenir plus naturelles et moins distrayantes. Après avoir terminé avec cette clôture, j'utilise mon pinceau rond taille trois pour ajouter un petit effet de texture sur le toit de la maison. Et c'est ce que j'ai fait avec mon brun moyen. Encore une fois, j'ai veillé à intégrer cette variation d'épaisseur dans les lignes que j'ai ajoutées pour les détails sur le toit de la maison et à ce que les lignes que j'ai créées ne le soient pas trop trop gênant ou trop gênant. Et finalement, j'ai recommencé à utiliser mon pinceau rond taille 6. Et j'ajoute quelques derniers brins d'herbe, en m'assurant de faire des pauses en cours de route et ne pas exagérer en ajoutant trop d'herbe. C'est très facile à faire. Vous devez également vous assurer que le vert que vous utilisez en largeur n'est pas très foncé et saturé, surtout si vous voulez ajouter ces brins d' herbe sur un fond qui très léger car ce contraste va rendre les lignes que vous utilisez pour vos brins d'herbe très nettes et très distrayantes. Tenez donc toujours compte de la valeur que vous avez déjà en dessous, puis assurez-vous que la couleur que vous utilisez et la consistance de cette couleur ne seront pas super contrastant sur cette couleur de fond. Et avec ça, nous en avons tous fini avec ce premier paysage. Je tiens à vous encourager Si vous n'obtenez pas de résultats qui vous plaisent, essayez celui-ci à nouveau. Parce que maintenant que vous avez suivi le processus une fois, vous avez beaucoup plus de chances de réussir ces techniques et la méthode globale. Je travaille à l'aquarelle ou depuis le 2 015,2, jour où je dois encore travailler sur la même œuvre deux à trois fois avant d'apprécier le résultat final, en particulier lorsque je travaille avec un nouveau type de soustrait ou sur un sujet que je n'ai pas pratiqué récemment. C'est tout à fait normal et c' aussi pourquoi j' aime souvent n'utiliser que la moitié de ma feuille d'aquarelle afin de pouvoir m'entraîner plusieurs fois sur la même feuille. Ce ne sont donc que quelques points à garder à l'esprit lorsque vous avancez dans votre parcours avec l'aquarelle aquarelle n'est en aucun cas un support facile. Ce n'est pas très indulgent. Mais je te promets qu' avec un entraînement constant, tu vas gagner en confiance. Vous aurez plus de plaisir tout au long du processus et vous plus régulièrement des résultats que vous allez adorer. Maintenant que nous avons terminé le paysage numéro un, passons au second. On se voit au prochain cours. 8. Fournitures de collines et de fleurs: Bonjour encore une fois, avant de passer au processus de croquis préliminaire et plus tard au processus de peinture du paysage numéro deux, je vais à nouveau vous parler des fournitures artistiques que je m' assure d'avoir sous la main. Donc, pour ce qui est de mon papier, je vais utiliser une feuille de papier aquarelle de Prim Rosier. Il s'agit d'un papier aquarelle pressé à froid. Il mesure 140 livres d' épaisseur ou de poids. En fait, j'ai coupé l'une de ces feuilles en deux moitiés. La petite feuille d'aquarelle sur laquelle vous allez me voir travailler mesure 8 pouces de largeur et 6 pouces de hauteur. Maintenant, c'est à vous de décider si vous voulez faire la même chose que moi et n'utiliser que la moitié de l'une de vos feuilles d'aquarelle ou si vous voulez utiliser la feuille complète. La peinture que je vais utiliser est donc entièrement de Daniel Smith. Je vais utiliser sept couleurs différentes jaune, ocre, Sienne brûlée, Hansa, Yellow Light, Deep Scarlett, bleu cobalt, vert sous-marin et teinte neutre. Vous n'êtes en aucun cas obligé d'utiliser exactement les mêmes couleurs que celles que je vais utiliser. Je tiens à vous encourager à utiliser ce que vous avez qui ressemble le plus à ce que j'utilise. Et comme toujours, je vais choisir mes couleurs avant commencer le processus de peinture afin que vous puissiez voir à quoi elles ressemblent sur le papier et choisir ce que vous avez ressemble le plus à ce que je vais utiliser. Je vais utiliser différents pinceaux. Je vais utiliser un pinceau plat d'un pouce de la gamme Aquarelle Zen de Royal and Largging Nichols. Je vais utiliser une brosse à serpillière taille 6 de la gamme Princeton Neptune. Et je vais utiliser deux pinceaux ronds différents de Princeton, gamme Aqua Elite en tailles 10.3. En plus de ces fournitures, j'ai aussi mon contenant contenant de l'eau propre, que je m'assure de changer au fur et à mesure du processus de peinture. Et je vous recommande vivement de faire de même. Chaque fois que vous voyez que votre eau commence à devenir trouble, assurez-vous de la changer. Et vous pouvez également utiliser deux , voire trois récipients contenant de l'eau. Si vous ne voulez pas lever autant pour changer votre eau, vous pouvez certainement le faire. Utilisez deux contenants, puis l'un de vos contenants, que vous utilisez essentiellement pour rincer votre pinceau afin que la majeure partie de cette peinture reste et que le contenant le plus sale reste. Et puis l'autre récipient que vous utilisez pour prélever de l'eau chaque fois que vous avez besoin pour des techniques spécifiques ou tout ce dont vous avez besoin pour faire ressortir l'eau afin de modifier la consistance de vos mélanges de couleurs sur votre palette. Vous pouvez le prendre dans ce deuxième récipient ou dans celui contenant une eau plus propre. Personnellement, cela ne me dérange pas de devoir me lever pour changer d'eau parce que je n' aime pas rester assise trop longtemps, mais cela dépend entièrement de vous. Quoi que vous décidiez de faire, assurez-vous simplement de surveiller quel point cette eau devient sale, car cela peut certainement embrouiller ou salir couleurs vives de votre peinture si tu ne fais pas attention. accord, à part ça, j'ai aussi un bout de papier aquarelle à main pour tester les couleurs et la translucidité Je vais apporter une palette de mélange d'aquarelles séparée. Et c'est juste pour que vous puissiez mieux comprendre la consistance des mélanges de couleurs que je crée et utilise tout au long de ce processus de peinture. Et pour que je puisse séparer mes mélanges de couleurs et les organiser mieux que ne le permet cette palette particulière que je partage en ce cette palette particulière que je moment à l'écran car cette autre palette que je vais être l'utilisation possède des puits séparés. J'ai un rouleau de ruban adhésif ordinaire de trois quarts de pouce. Et c'est ce que j' utilise pour coller ma feuille d'aquarelle sur mon tapis de découpe noir, que j' utilise actuellement comme support. Et tout ce que j'ai fait en utilisant du ruban adhésif ordinaire pour coller mon papier aquarelle, c'est de faire ruban adhésif ordinaire pour coller mon papier aquarelle passer mes morceaux de ruban adhésif sur mes vêtements trois à quatre fois, ramollir cet adhésif et pour éviter que tout endommage mon papier à la fin lorsque je le retire, je veille également à avoir une de mes serviettes absorbantes Scott bleues à portée de main, ce qui est absolument essentiel pour rester en place arrêtez le contrôle de l'eau et soulevez tout ce qui pourrait être nécessaire en cours de route. J'adore ces serviettes absorbantes Scott bleues. Je peux les réutiliser plusieurs fois avant de devoir les jeter. Enfin, j'ai aussi quelques fournitures de croquis à portée de main. J'y suis un peu, vous allez me voir créer mon esquisse avec mon crayon HB. J'ai également une gomme à effacer en graphite souple à portée de main pour corriger les erreurs lors de la création de mon croquis. Et ma gomme pétrie, qui est cette gomme bleue mâchée qui ressemble à du chewing-gum à l'écran, que j'ai utilisée pour tapoter doucement sur mon croquis pour blanchir n'importe quel crayon ou m'en débarrasser n'importe quel crayon ou m'en débarrasser excès de graphite avant commencer le processus de peinture. C'est donc tout pour ce qui est de mes fournitures artistiques. Dès que tout sera prêt avec toi, vas-y et rejoins moi pour le prochain cours. 9. Hills and Flowers: Bonjour et bon retour en classe. Dans celui-ci, je vais vous expliquer mon processus préliminaire de dessin au crayon pour le paysage numéro deux. Encore une fois, je vais partager informations et des conseils sur les musulmans. Ils vous aideront à créer des esquisses préliminaires réussies pour tout paysage à l'aquarelle sur lequel vous souhaiterez peut-être travailler à l'avenir. Commençons. Je vais donc commencer à préparer mon crayon à dessin HB. C'est ce que j'aime utiliser pour créer mes esquisses préliminaires avant de commencer peindre à l'aquarelle, car un crayon HB contient graphite en son centre, ce qui n'est pas trop. dur et pas trop doux. Cela me permet de créer un croquis préliminaire relativement propre et léger qui ne sera pas très visible à travers ma peinture translucide. Mais même dans ce cadre, j'aime m'assurer dessiner légèrement afin de pouvoir effacer facilement les erreurs ne pas rayer ou endommager mon papier aquarelle. Et aussi parce que je ne veux pas pouvoir voir mon crayon travailler à travers ma peinture à la fin. Ainsi, comme pour chaque processus d' esquisse que je pratique, je pars toujours des formes générales les plus grandes et je me dirige vers des formes et des détails plus petits. Donc, en ce qui concerne cette pièce de paysage, je n'ai pas de ligne d'horizon complètement horizontale, je n'ai pas de ligne d'horizon complètement horizontale, et c'est ce que j'ajoute toujours en premier lorsque je dessine des paysages ou des scènes, j'aime m'assurer d'établir le ligne d'horizon, qui correspond à la hauteur de nos yeux en tant que spectateur de la scène. Mais dans ce cas, je voulais créer un paysage ou une scène naturelle très vallonné . Et je voulais avoir beaucoup de diagonales, peu comme une falaise, dans ce cas, sur laquelle se trouve cette maison, ce chemin se trouve sur la colline. J'ai d'abord ajouté ces grandes collines ou ces légères diagonales, bien sûr, avec beaucoup d' irrégularités le long de ces bords. Parce que dans une scène de nature, il devrait y avoir des irrégularités partout. Si nous utilisons simplement des lignes droites ou symétrie ou si les choses semblent un peu trop organisées. Les choses sont également éloignées les unes des autres et des choses comme ça. Cela ne va pas avoir l'air très crédible. Ainsi, chaque fois que vous dessinez ou peignez une scène de nature ou un paysage, toujours à l'esprit cette irrégularité et cette imperfection. Sauf, bien sûr, lorsqu'il s'agit d'ajouter quelque chose de fabriqué par l'homme ou de manière plus géométrique, dans ce cas, nous avons une petite maison. Et en ce qui concerne la petite maison, bien sûr, est composée de formes plus géométriques. J'aime visualiser un prisme rectangulaire comme base de la maison et un prisme triangulaire posé au-dessus de ce prisme rectangulaire de base. Il s'agit donc d'une structure composée, d'une forme composée, ce qui signifie simplement qu' il s'agit d'une combinaison de deux ou plusieurs formes géométriques simples. Il est important de comprendre que tout ce que vous dessinez a une masse, un volume et qu'il est composé de différents plans et qu'il est composé de différents plans afin de pouvoir aborder efficacement et à sec. ça. Perspective inefficace. Je vais arrêter la vidéo ici et faire un petit retour en arrière afin de vous expliquer les étapes à suivre pour dessiner la maison. Ensuite, je vais recommencer à expliquer comment je dessine cet arbre au premier plan ici. Très bien, donc la première chose que j'ai faite a été de tracer les trois lignes verticales qui seraient les coins de la maison. Nous sommes en mesure de voir de ce point de vue, de ce point de vue. Cela signifie que depuis que nous avons visité cette maison, nous avons pu voir deux de ses avions. C'est le plan avant où se trouve la porte et aussi le plan latéral le plus grand ou le plan latéral long. J'ai ajouté une ligne irrégulière en bas. Et c'est parce que cela va m' aider à créer davantage l'illusion de plantes recouvrant cette section du mur. Plus tard, une fois que je l'ai fait, j'ai ajouté le toit. Et le toit, comme je l'ai dit, est un prisme triangulaire posé au-dessus de ce prisme rectangulaire de base. Pour y parvenir, la manière la plus simple possible, j'ai d'abord pris soin de ce triangle en pointe qui se trouverait au-dessus de la porte, dans le plan avant de la maison. Ensuite, j'ai simplement reproduit cette ligne inclinée ou inclinée à droite du triangle situé à l' arrière de la maison. Et je voulais m'assurer que ces deux lignes étaient parallèles. Les lignes parallèles sont des lignes qui ne se croisent jamais. Donc, si je devais étendre ces lignes à l'infini, elles ne se croiseraient jamais. Ensuite, j'ai simplement ajouté les horizontales, l' horizontale supérieure et inférieure de ce prisme triangulaire. Après cela, j'efface toutes les lignes inutiles dont je n'ai plus besoin avec ma gomme en graphite souple. Et vous allez me voir ajouter la petite porte, la forme d'un petit rectangle. Très bien, donc après avoir ajouté la maison, j'ajoute une forme irrégulière à l' arrière de la maison, où il y aura des arbres. Enfin, il était temps d'ajouter cet arbre le plus proche de nous au premier plan. Donc, quand il s'agit de dessiner les arbres, je pense toujours à l'irrégularité , à l' imperfection et à l' asymétrie. Je pars du bas et me dirige vers le haut. je dessine des arbres, je n'ai aucune idée précise de la forme Lorsque je dessine des arbres, je n'ai aucune idée précise de la forme des arbres Je lâche simplement ma main et mon poignet et commence simplement à ajouter ces formes de manière très irrégulière. Et puis en fonction de ce que je vois se produire sur le papier sur les formes que je crée. Je m'assure ensuite que les prochaines formes que je continue à créer sont très différentes de ces formes. Et ils ne sont pas placés d'une manière organisée qui conduirait à une symétrie ou à une rigidité ou quoi que ce soit d'autre. Cela permet également de m'assurer que lorsque je dessine des arbres, des troncs et des branches d'arbres, ils ont au moins un aspect légèrement effilé. Habituellement, le bas du tronc ou la base du tronc est plus large et devient légèrement plus étroit. Et puis, bien sûr, les branches elles-mêmes, lorsqu'elles sortent de cette base ou du tronc principal de l'arbre, deviennent également de plus en plus étroites. Je sors et je m'assure que les branches s' amincissent de plus en plus. Et enfin, j' ajoute la partie foliaire de l'arbre. Et je veille également à bien tenir compte des irrégularités afin de ne pas créer accidentellement un afin de ne pas créer accidentellement arbre ressemblant à une sucette, ce qui peut certainement se produire très facilement. Je veux créer une symétrie, une irrégularité et une imperfection. Cet arbre au premier plan va nous aider à créer beaucoup de profondeur dans cette pièce. Lorsqu'il s'agit de dessiner ou peindre des scènes ou des paysages, nous devons toujours penser à superposition qui se produit. Quels sont donc les éléments que nous avons en arrière-plan ? Quels sont les éléments qui se situent entre les deux ? Quels sont les éléments que nous avons au premier plan ? Parce que c'est cette superposition de différents éléments, ainsi que les techniques que nous utilisons tout au long du processus de peinture. Que nous les abordions mouillé sur mouillé ou mouillé sur sec, cela créera une sensation crédible d'espace ouvert et de profondeur. Et pas seulement cela, mais si vous ne pensez pas à cette superposition de différents éléments, une scène ou un paysage peut finir par paraître un peu plat et ennuyeux. Et ça va suffire, euh, pour ce cours. Prenez le temps nécessaire pour préparer votre esquisse préliminaire car c'est la base de tout ce qui va suivre. Et quand tu seras prête, je t'attendrai au prochain cours. On se voit là-bas. 10. Processus de peinture des collines et des fleurs A: Bonjour et bienvenue dans ce cours où je vais vous la première partie du processus de peinture du paysage numéro deux. Une fois de plus, dans cette première partie du processus, nous nous occupons des premiers grands lavages de couleur en vrac en utilisant des techniques qui nécessitent beaucoup d'eau. Vous pouvez voir ces premières touches de couleur, ces effets doux, diffus et flous comme base de notre peinture sur laquelle nous allons créer des formes plus petites et des détails plus nets la largeur. Mon esquisse préliminaire, prête à l'emploi, il est temps de commencer à créer mes mélanges de couleurs. Maintenant, les couleurs de cette peinture que vous allez me voir créer en ce moment ne correspondent en aucun cas à la totalité de la peinture à l'aquarelle que je vais utiliser tout au long de ce processus de peinture. C'est exactement ce que je dois créer pour commencer. Mais je vais vous expliquer le contenu de tous ces mélanges de couleurs, car en cours de route, au fur et à mesure que vous serez à court de mélanges de couleurs, vous saurez exactement quelles couleurs vous devez obtenir pour utilisez davantage vos mélanges de couleurs. De plus, la peinture à l'aquarelle est un processus très fluide lequel nous changeons et changeons constamment le rapport eau/peinture dans nos mélanges de couleurs en fonction de ce que nous faisons. Si nous devons utiliser notre couleur dans un état plus épais et plus saturé, ou si nous devons utiliser notre couleur dans une eau plus translucide en aval. C'est quelque chose que nous changeons et changeons constamment en cours de route. Mais parallèlement, les ratios des couleurs elles-mêmes dans nos mélanges de couleurs changent également. Donc, en cours de route, si vous avez besoin d' une couleur légèrement plus foncée ou légèrement plus claire , vous savez exactement quelle couleur vous devez apporter à ce mélange de couleurs plus claire ou trop foncée . D'accord. Cela dit, les deux premières couleurs que je me suis préparées sont les deux couleurs que je vais utiliser dans mon ciel. Donc, dans ce premier petit puits circulaire en haut à gauche, il est bleu cobalt ordinaire avec de l'eau dedans. droite, dans cet endroit plus rectangulaire. Eh bien, j'ai un mélange de bleu cobalt et d'écarlate foncé, donc vous pouvez voir à quoi cela ressemble à un bleu-violet. Je voudrais apporter une petite variation de teinte dans le ciel. J'ai donc voulu y créer un violet bleu pour pouvoir le déposer dans le ciel bleu ici et là. Et rendez le ciel un peu plus intéressant avec au moins deux couleurs légèrement différentes. dessous, je commence à préparer mes légumes verts. Il s'agit d'une scène naturelle et de paysages. Il est donc important que nous sachions comment nous allons créer nos différents greens. Nous ne pouvons pas simplement utiliser le même vert, car il aura l'air très plat et peu réaliste. Ici, vous allez me voir créer au moins trois verts différents et aussi un bleu-vert afin pouvoir l'utiliser pour les éléments les plus éloignés. Et cela a à voir avec la perspective aérienne. Je veux m'assurer d'avoir au moins trois verts différents, un vert plus foncé, un vert moyen et un vert plus clair. Donc, dans ce deuxième puits circulaire, le vert le plus foncé est plat, vert sous-marin avec un peu d'eau dedans à droite de celui du puits rectangulaire, j'ai un bleu-vert que j'ai créé en mélangeant ensemble du vert sous-marin et un peu de bleu cobalt. Et puis en dessous, dans cette troisième circulaire, eh bien, j'ai mon vert moyen, qui est vert sous-marin, plus lumière jaune hansa à droite de cette troisième circulaire, eh bien, j'ai mon écran le plus clair, et ce feu est vert. J'ai créé en mélangeant vert sous-marin et plus de lumière jaune Hansa que le mélange précédent. Donc, à la fois l'écran vert moyen et l'écran plus clair, ou une combinaison de lumière verte sous-marine et jaune Hansa. C'est juste que les ratios sont légèrement différents. L'écran le plus léger contient beaucoup plus de lumière jaune rendre encore plus clair. Donc, en dessous, je vais commencer par les couleurs que je vais utiliser dans la maison, dans les sections du petit chemin et des petites forêts, les poteaux, le tronc d'arbre et les branches du puits circulaire, j'ai mon brun rougeâtre, qui est simplement de la sienne brûlée avec de l'eau dedans. Puis dans ce puits rectangulaire à droite de la Sienne brûlée, ocre jaune et de l'eau. Et puis dans les deux puits situés en bas, je crée une version plus sombre pour chacun d'eux. Dans cette dernière circulaire. Eh bien, je crée un mélange de Sienne brûlée et d'un peu de teinte neutre. Et puis, dans le dernier rectangle, je crée un mélange d' ocre jaune et d'un peu de teinte neutre. En préparant toutes ces couleurs, en particulier les verts et les bruns, je me prépare vraiment réussir en m' assurant d'avoir les couleurs qui me permettront de développer de la dimension tout au long de mon œuvre. Qu'est-ce que je veux dire par là ? Je sais que je vais être capable de créer des zones vertes plus claires, des zones vertes moyennes et des zones vertes plus foncées, ainsi que des zones brunes plus claires et des zones brunes moyennes et des zones brunes plus foncées. Tout cela est donc lié à la création de zones plus claires, zones qui ressemblent tons moyens et de zones plus sombres. C'est essentiel pour que nous puissions créer une sensation crédible d'ombre et de lumière dans son œuvre. Nous savons que lorsqu'il s'agit de travailler avec de l'aquarelle, nous pouvons certainement créer un large éventail de valeurs en utilisant une seule couleur. En ajoutant simplement plus de peinture ou plus d'eau dans ce mélange pour le rendre plus foncé et plus saturé ou plus clair et plus translucide. Cependant, lorsque nous visons niveau de réalisme moyen ou supérieur, il est essentiel de commencer à mélanger les couleurs, car le simple fait d'utiliser la même couleur n'aura pas l'air très réaliste. Ça va quand même avoir l'air assez plat et peu naturel. Non seulement, dans la majorité des cas, les couleurs sortent tout droit du stylo ou du tube. C'est très anormal en soi. Mais même dans la vraie vie, les choses qui nous entourent ne sont jamais d'une seule couleur. Il y a une variété de teintes et de tons. Vous allez donc vous préparer succès en sachant comment vous allez développer des valeurs différentes dans les différents domaines de votre œuvre. Non seulement en utilisant les médiums, translucidité et en ajoutant plus ou moins d'eau selon que vous souhaitez que votre couleur soit plus ou moins translucide. Mais aussi lorsque vous vous assurez de savoir quelle couleur vous devez choisir si vous souhaitez assombrir encore plus cette couleur ou l'éclaircir encore plus. OK, donc, ce que je fais , c'est prélever tous ces différents mélanges de couleurs que j'ai préparés moi-même sur le bout de papier aquarelle afin que vous puissiez voir on dirait que c'est sur le papier. Donc, en commençant par le bleu, le violet et le bleu, sont les deux couleurs que je vais utiliser dans le ciel. Ensuite, j'ai mon vert le plus foncé, mon bleu-vert, mon vert le plus clair et mon vert moyen, le bleu-vert. Je vais avoir l'habitude de peindre dans la montagne au loin. Et aussi pour peindre dans certains arbres plus éloignés derrière la maison. Et puis mon écran le plus sombre, vert moyen et le vert le plus clair, je vais utiliser pour les zones gazonnées et aussi pour peindre les feuilles de l'arbre au premier plan le plus proche de nous en tant que spectateur de cette scène. Et puis, comme je l'ai dit, j'ai les tons neutres, les bruns que je vais ajouter pour peindre la maison, pour peindre le chemin, et aussi pour peindre petits poteaux et le sapin le tronc et les branches. Avant de commencer le processus de peinture, je tiens également à souligner que ces mélanges de couleurs que j' ai en bouche sont bons et juteux. Ils contiennent beaucoup de pigments ou de peinture, ainsi qu'un peu d' eau. Ils se situent donc quelque part entre une consistance de café et de lait sur ma palette. Si vous ne connaissez pas encore les différentes consistances que nous utilisons pour peindre à l'aquarelle. N'oubliez pas de consulter mon cours d'aquarelle , car c'est très, très important à comprendre. Nous voulons être en mesure de bien charger les poils de nos pinceaux tout au long ce processus de peinture afin de pouvoir peindre grandes surfaces assez rapidement. Et s'il n' y a pas assez de peinture sur notre palette ou si elle est trop sèche, nous ne serons pas en mesure bien charger les poils de nos pinceaux Assurez-vous donc que la consistance de vos couleurs se mélange sera utile afin que vous puissiez bien charger les poils de votre pinceau. Et avant de commencer chaque phase suivante de ce processus de peinture, je vous recommande de vérifier si vous avez suffisamment de mélanges de couleurs que vous allez utiliser pour cette phase suivante. Parce que si vous n'en avez pas assez, je vous recommande d'en faire plus avant de commencer, car si vous peignez une nouvelle section et que vous manquez de ce mélange de couleurs en cours de route, ce qui se passe, c'est qu'au fur et à mesure que vous fabriquez ce mélange de couleurs, votre papier ou votre peinture commence à sécher sur vous. Et puis vous vous retrouverez probablement avec des bords ou une texture bien définis que vous ne recherchez pas. En guise de récapitulation, assurez-vous d'avoir jolis mélanges de couleurs juteux sur votre palette. Ensuite, B s'assure qu'en cours de route, au fur et à mesure que vous continuez à utiliser vos couleurs dans votre palette, vous en produisez davantage selon besoins avant de passer à la partie suivante du processus de peinture. afin que vous ne soyez pas à court en cours de route et que ces sections ne commencent pas à vous intéresser. Très bien, mon croquis étant prêt et mes mélanges de couleurs également prêts, il est temps de commencer le processus de peinture. Je commence donc à faire mon pré-mariage. Dans toute la partie médiane et supérieure de la pièce, j'utilise mon pinceau plat de 1 pouce pour cela et prends un peu d'eau à la fois dans mon contenant. Je vais m'attaquer aux premiers lavages humides plus larges. Et je vais créer en deux parties distinctes. D'abord, de la partie médiane à la partie supérieure , puis de la partie médiane à la partie inférieure. Donc, toute la section où se trouvent le milieu et le premier plan, où se trouve la maison, où se trouve le chemin, et toute cette petite zone vallonnée la plus proche de nous que je suis vais aborder séparément plus tard fois que j'aurai fini avec cette section supérieure. Comme vous pouvez le voir en ce moment, je prépare le mariage dans tout le ciel, en montagne et au loin. Et j'ai même pré-marié ces arbres derrière la maison parce que je veux aussi qu' ils aient l'air flous. Donc, les seules choses que je ne suis pas avant le mariage ou la maison elle-même et toutes les sections du milieu et du premier plan de cette colline la plus proche de nous. J'ai même pré-marié toute la partie médiane et supérieure de l' arbre au premier plan. Et si je l'ai fait, c'est parce que le tronc et les feuilles seront d'une couleur plus foncée que les couleurs que je vais placer en ce moment en arrière-plan derrière eux. Donc, le développement des couleurs que je fais dans le ciel en ce moment et la grosse montagne au loin n'affectera pas vraiment les couleurs de l'arbre que je vais peindre plus tard devant eux. J'ai continué à puiser un peu d'eau à la fois dans mon contenant et je m' assure de passer puiser un peu d'eau à la fois dans mon contenant et je m' doucement les poils de mon pinceau sur toute cette surface, au moins trois ou quatre fois. Parfois, je fais des coups de pinceau horizontaux et d'autres fois, ce sont des coups de pinceau plus verticaux. Je contourne soigneusement la forme de la maison afin de ne pas faire entrer accidentellement de l'eau dans la maison. Prenez vraiment votre temps avec ce processus de prélecture. Ceci est essentiel pour qu' aucune section ne commence à sécher trop tôt sur vous. Vous voulez obtenir une belle brillance uniforme toute cette zone avant de commencer à perdre votre couleur. Faire ce mariage dans les arbres nous aide de différentes manières. Tout d'abord, cette teneur en eau que nous avons déposée ou préparée sur la largeur de notre papier va vraiment nous aider à créer ces transitions douces et douces entre nos différentes couleurs et sont floues. effets et ces éléments les plus éloignés de nous en même temps. Ce qui est cool, c'est qu' en faisant avant le mariage, vous prolongez, prolongez votre temps de travail. Parce que ce que vous devez comprendre, c'est que lorsque vous travaillez à l'aquarelle, lorsque vous commencez à peindre sur du papier sec, ce papier absorbe immédiatement cette peinture et commence à sécher immédiatement parce qu'il a tellement soif, il absorbe cette peinture, l'absorbe immédiatement et commence à sécher sur vous. Lorsque vous essayez de peindre une surface assez grande, un grand espace ou même une grande forme, cela peut vraiment vous nuire. Et vous pouvez avoir l'impression de devoir travailler ou courir contre la montre. Et en le préparant avant le mariage, vous avez préparé ce papier avec une bonne quantité d' eau afin qu' il n'ait plus aussi soif et qu'il ne sèche pas aussi rapidement. Et cela allonge votre temps de travail afin que vous puissiez continuer à ajouter de la couleur si vous souhaitez approfondir et assombrir certaines zones. Ou si vous voulez soulever un peu de peinture, peut-être que vous avez placé un excès de peinture sur du papier, vous devriez le soulever avant que la peinture ne commence à sécher. Vous pouvez faire toutes ces choses et prendre un peu plus de temps. Et comme je l'ai dit, cela est particulièrement utile au début du processus de peinture, lorsque vous abordez des lavages plus importants, surfaces plus grandes, des formes plus grandes. Très bien, après avoir obtenu cette belle brillance uniforme sur toute la partie médiane et supérieure de mon dessin, j'ai opté pour mon pinceau à serpillière taille 6. Et ce que je fais en ce moment alors que je commence à avoir de la couleur dans le ciel. J'ai donc commencé par le bleu cobalt et je viens de charger mon pinceau une fois. Je ne voulais pas simplement apporter de plus en plus de couleurs au ciel parce que je voulais la partie inférieure du ciel soit la plus proche la maison et aussi de la montagne lointaine. Être très, très léger et translucide. Vous pouvez voir qu'il y a très, très peu de pigment là-dedans. J'ai donc chargé mon pinceau et la majeure partie de ce pigment a été placée en haut. Et j'ai fait mon chemin vers le bas. Et en descendant, il y avait une très petite quantité de pigment dans mon pinceau. Je ne l'ai pas rechargée. Je viens de tirer un peu de ce bleu vers le bas et c'est ainsi que j'ai créé un dégradé naturel d' apparence organique dans lequel la majeure partie de l'état de saturation du bleu se situe en haut. Et puis, en redescendant, il n'y a qu'une très petite quantité de pigment. Est-ce qu'il y avait du bleu sur mon papier ? J'ai commencé à mettre mon bleu violet ici et là de façon très irrégulière. Et comme tout était beau et humide, le bleu violet s' est vraiment dissipé vers l'extérieur et se fond à merveille avec le bleu cobalt. Je me suis assuré que la majeure partie de ce pigment bleu-violet était également placée quelque part dans les deux parties supérieures médianes du ciel. Et une très petite quantité de pigment a atteint la partie inférieure, où le ciel rencontre les montagnes et les collines. En plaçant ma couleur dans le ciel, je continue de vérifier la quantité de couleur je continue de vérifier la quantité de couleur que je place sur mon papier. Chaque fois que j'ai l'impression d'en avoir mis suffisamment, j'enlève cette couleur aux poils de mon pinceau en le faisant pivoter dans mon récipient rempli d'eau. Et je reprends le pinceau le plus propre, légèrement humide, et je tire simplement même couleur vers le bas pour n'avoir qu'une petite quantité de couleur. Atteint le sommet de la colline et de la montagne. Ces deux nuages qui se sont retrouvés dans le ciel se sont produits naturellement naturellement. Alors que je sautais autour de moi, ce type est tombé dans ma couleur. Lorsque je peins un ciel en utilisant cette technique, je soulève simplement mon pinceau de mon papier plusieurs fois en cours de route. Et ces nuages finissent par se produire de manière organique sans vraiment les planifier. Et je leur laisse cette blancheur, cette brillance de ce papier qui transparaît à travers la peinture et crée vraiment cette illusion de nuages. Parce que j'ai pris le temps de préparer mon mariage. Toute cette section est encore humide et utilisable. Je suis donc capable de faire ce que je voulais faire au départ, c'est-à-dire peindre dans cette montagne lointaine, que je voulais peindre mouillé sur mouillé pour avoir un beau bord diffus et vraiment crée l'illusion que cette montagne est plus éloignée. Et je peins aussi dans ces arbres derrière la maison. perspective aérienne nous indique donc que les objets plus éloignés paraîtront flous et plus froids, que la température de couleur sera plus claire. Donc, en entrant et en peignant la montagne au loin, et aussi ces arbres derrière la maison sur du papier humide, cette humidité m'aidera à créer ces beaux espaces diffus bords et cette valeur plus légère. C'est ainsi que j'ai peint la montagne lointaine avec mon bleu-vert. C'est donc mon vert sous-marin avec mon bleu cobalt que j'ai utilisé pour peindre la montagne sur la gauche. Et puis ces arbres derrière la maison, je peins avec mon vert sous-marin et j'ai ajouté un tout petit bout de bleu-vert également. Comme vous pouvez le constater, je me suis retrouvé avec jolis bords souples et une belle valeur claire. Cela va m'aider à créer une belle illusion crédible d'espace ouvert et de profondeur. Parce que les éléments les plus proches de nous, je vais peindre avec des bords plus nets. Je vais y ajouter plus de détails. Et je vais aussi les assombrir. Ainsi, ces éléments plus sombres, plus nets, définis et détaillés au milieu et au premier plan sembleront être plus proches de nous que ces éléments situés à une distance plus éloignée, qui sont plus clairs et flous. La perspective aérienne est quelque chose que j'apporte toujours, toujours à mes paysages et à mes scènes. C'est quelque chose qu'il est extrêmement important d' apprendre si vous aimez peindre ou même dessiner ce genre de sujet. Parce que la perspective aérienne va pair avec la façon dont nous voyons les choses dans la vie réelle. Si vous cherchez à développer un sens crédible espace ouvert et de la profondeur dans vos œuvres d'art. C'est vraiment quelque chose que vous devriez apprendre. OK, donc après avoir travaillé sur la partie médiane et supérieure de cette peinture, il était temps de tout laisser sécher complètement. Si vous souhaitez accélérer ce processus de séchage, n'hésitez pas à vous servir d'un sèche-cheveux, mais assurez-vous que tout est complètement sec. Avant de passer au processus de prélecture suivant pour la partie médiane à inférieure de l'article, avant de commencer mon processus de prélecture il y a quelques minutes à peine, vous avez vu moi, assurez-vous avoir assez de mon vert clair, de mon vert moyen et de mon vert plus foncé dans ma palette de mélange de couleurs. Souvenez-vous que je vous ai dit que vous devriez vérifier que vous avez suffisamment de mélanges de couleurs différents chaque fois que vous allez commencer avec un nouveau domaine. Eh bien, c'est exactement ce que j'ai fait sur place. Pourquoi ? Parce que je ne veux pas faire mon pré-mariage et devoir ensuite préparer mes mélanges de couleurs. Et puis, tout à coup, j'ai des zones qui sont déjà sèches sur moi. Il vaut mieux que vous prépariez vos mélanges de couleurs , puis que vous fassiez votre pré-mariage. J'utilise à nouveau mon pinceau plat d'un pouce pour le faire avant le mariage. J'ai vraiment consacré mon temps à ce processus jusqu'à ce que j'arrive à un bel éclat uniforme, je n'ai pas vraiment mouillé la maison. La maison est la seule chose qui n'a pas été peinte ou pré-mariée de quelque façon que ce soit. Et c'est parce que je veux avoir plus de contrôle lorsque je peins des formes très géométriques, c'est-à-dire des formes plus parfaites. Je l'ai donc laissé complètement sec. J'ai assez mouillé le chemin et tout le reste dessous de cette bordure de cette zone vallonnée, cette zone gazonnée la plus proche de nous au milieu et au premier plan. Une fois arrivée à cette belle brillance uniforme, je suis passée à ma brosse à serpillière taille 6. Et je commence toujours par la couleur la plus claire que je vais utiliser pour cette section, qui dans ce cas était bien sûr l'écran le plus clair. C'était donc mon vert sous-marin, d' où un mélange de couleurs de lumière jaune intense sur la lumière jaune de la Hansa. Je suis tombée sur un green très clair et d'une manière très irrégulière en sautant sur toute cette zone, essayant d'éviter le chemin. Si un petit bout de ce green atteint ce chemin, c'est parfait. Vous pouvez même aller de l'avant et soulever des objets avec votre pinceau le plus propre et légèrement humide. Utilisez votre pinceau comme une petite éponge absorbante. Si vous voyez trop de vert pénétrer dans cette trajectoire, retirez simplement cette couleur des poils de votre pinceau et utilisez-le comme une petite éponge absorbante. Il va prendre ce green. J'entre et je soulève des objets avec les poils de mon pinceau ou quelques fois pour alléger certaines sections. Parce que je sais qu'en incorporant cette brillance du papier à certaines zones de cette section herbeuse, cela m'aidera à développer cette sensation de lumière et de dimension partout cette zone. Cette irrégularité qui va rendre les choses plus réalistes une fois qu'il y aura un peu de vert plus clair dedans, j'ai ajouté du vert moyen et certaines sections ici et là, et Je commence maintenant avec le vert le plus foncé. Mon objectif est de créer une belle variété de valeurs vertes sur toute cette zone gazonnée au milieu et au premier plan. Je joue simplement avec mes différents greens et je les laisse tomber dedans, de manière très irrégulière. Et mon objectif principal en ce moment est de m' assurer de développer une belle gamme de légumes verts. Je veux m'assurer que certaines zones semblent très claires et translucides, si elles ont une grande partie de la blancheur du papier qui brille à travers d'autres zones qui ressemblent à du vert moyen, puis autres zones qui ressemblent à des verts plus foncés. Cela va m'aider à développer cette dimension crédible et cette sensation d'ombre, de lumière et irrégularité dans toute cette zone du sol. À ce stade du processus, tout est encore très humide et utilisable. Encore une fois, parce que j'ai pris mon temps faire ce processus avant le mariage dans à faire ce processus avant le mariage dans cette partie centrale et inférieure de la pièce avant de commencer à tondre mon gazon. Et il était temps de commencer à peindre sur le chemin . Si le chemin est beaucoup plus petit, si on le compare aux zones gazonnées que j'ai peintes, j'ai décidé de passer à ma taille dix brosse ronde. Et encore une fois, j' ai commencé avec la couleur la plus claire que j'utiliserais pour cette section , à savoir le jaune ocre. Après avoir peint à l'ocre jaune, j'ai ensuite déposé une partie de ma sienne brûlée certaines sections que je cherchais à assombrir, principalement sur cette section du chemin la plus proche de nous, le spectateur de la scène. Et j'essayais vraiment de faire sorte que la section du chemin la plus éloignée, la plus proche de la maison, soit plus proche de la maison, juste plus claire, juste avec un ocre jaune dedans. Et je cherchais à assombrir les sections les plus proches de nous. donc tombée sur la Sienne brûlée, que je considérerais comme étant d'un brun rougeâtre moyen, que je considérerais comme étant d'un brun rougeâtre moyen, principalement du milieu au bas du chemin le plus proche de nous. Et une fois la Sienne brûlée, qui était d'un brun moyen, j'ai version plus foncée de ma Sienne brûlée, laquelle on a ajouté un peu de teinte neutre. Mais ce brun plus foncé, je n'ai vraiment placé dans certaines zones d'ombre que je cherchais à approfondir et à assombrir et plus loin, en particulier dans cette section la plus proche, le chemin qui mène à nous, tout comme pour les zones gazonnées, je me concentrais vraiment sur le développement d'une gamme de bruns sur tout le chemin. Je voulais que certaines sections soient plus claires à la fin. D'autres sections ressemblaient à un brun moyen et d'autres sections un peu plus foncées. tellement hâte de commencer à peindre à la lavande avant que toute cette partie inférieure et l'herbe ne commencent à sécher sur moi. Tout est encore assez humide et réalisable parce que j'ai pris le temps de le faire avant le mariage avant de commencer. Comme vous pouvez le voir, je suis en train de mettre ce violet, que j'ai d'ailleurs remplacé par mettre ce violet, que j'ai d'ailleurs remplacé le plus petit pinceau que j' utilise pour ce processus, qui est mon pinceau rond taille trois . Et j'utilise mon mélange de couleurs bleu et violet, mon mélange cobalt et écarlate foncé que j'ai utilisé dans le ciel. Si vous devez modifier d'une manière ou d'une autre les proportions de votre mélange de couleurs bleu et rouge et violet pour le rapprocher d'une lavande, du violet. Alors vas-y et fais-le. Parce que peut-être que le violet que vous utilisez dans votre ciel est plutôt un violet rougeâtre. Et pour la lavande, je recommande qu'elle ressemble davantage à un violet bleuté. Cela signifie simplement que vous devez ajouter un peu plus de bleu cobalt à votre mélange de couleurs. Comme vous pouvez le voir, je laisse tomber de petites fleurs violettes sur ce vert alors qu'il est encore humide. Et je touche à peine le bout de mon pinceau sur mon papier. Et pendant que je fais cela, ce bleu violet coule dans cette humidité. Et cela crée un bel effet doux, diffus et flou, car cette peinture s'étend dans cette humidité. Rappelez-vous toujours que l'aquarelle va s' étendre et se répandre sur du papier mouillé. Et alors que je laisse tomber ces minuscules fleurs violettes, je déplace très doucement mon pinceau vers le haut. Pour créer cette illusion de la longueur de ces fleurs de lavande. Parce que la lavande est un peu comme une grande fleur verticale composée de minuscules fleurs violettes. Je crée donc ces toutes petites fleurs en touchant le bout de mon pinceau et en déplaçant simultanément mon pinceau vers le haut, si vous faites telle ou telle peinture ne crée pas petites fleurs minuscules dans lesquelles ce bleu-violet se fond dans cette humidité. Cela est probablement dû au fait que votre papier a déjà commencé à sécher. Il y a donc quelques conseils que je peux vous donner si vous rencontrez ce problème. La première est de vous assurer que vous faites votre pré-mariage efficacement, que vous prenez vraiment votre temps avec ce processus de prélecture. Assurez-vous de passer doucement les poils de votre pinceau sur tout au moins trois à quatre fois. Je suggère également que si vous avez un ventilateur sur un système de chauffage sur une unité de climatisation allumée, vous pouvez essayer de l'éteindre ou de vous en éloigner, surtout lorsque vous peignez dans de plus grands lavages. également à l'esprit que si votre environnement de travail est très chaud ou très froid, trop humain ou très sec. Cela aura également un impact énorme sur la rapidité ou la lenteur avec laquelle votre papier commence à sécher sur vous. Une autre chose qui pourrait poser problème, c'est que vous avez peut-être fait votre pré-mariage efficacement, mais que vous avez ensuite mis beaucoup trop de temps à peindre dans l'herbe et sur le chemin qui commence maintenant à sécher sur vous. Donc, si c'est le cas, je vous recommande de travailler un peu plus rapidement, de bien charger votre pinceau avec cette belle couleur juteuse, de ne pas passer trop de temps une seule zone et de ne pas le manipuler trop de peinture après l' avoir placée sur du papier, déposez-la et laissez-la reposer le plus possible. Je fais en sorte d' apporter beaucoup d' irrégularités lorsque je peins ces fleurs. Irrégularité en termes de placement sur le papier. Certaines fleurs se regroupent plus que d'autres. Irrégularité en termes de longueur. Irrégularité en termes de flexion ou de courbure d'un côté ou de l'autre. Et je m'assure également d' apporter une perspective crédible. perspective nous indique donc que les choses les plus proches nous seront plus grandes que celles qui sont plus éloignées. Donc, comme vous pouvez le voir, les fleurs de lavande que j' ajoute et qui sont plus éloignées de nous sont très, très petites par rapport aux fleurs plus longues que j'ajoute, les sections le plus proche de nous. Je fais également de mon mieux pour ne pas en faire trop. Je ne veux pas en ajouter trop, et je les ajoute principalement dans la partie inférieure du tableau. Et au fur et à mesure que je me dirige vers le juste milieu, j'en ajoute de moins en moins et ils deviennent de plus en plus petits. N'oubliez pas que moins c'est plus lorsque vous peignez à l'aquarelle, vous ne voulez pas en faire trop avec la lavande. Nous allons également en ajouter d' autres plus tard, mouillées sur sèches, afin de pouvoir à nouveau faire distinction entre les fleurs de lavande les plus proches de nous, que nous verrons nettes et des fleurs plus définies et des fleurs lavande plus floues, plus éloignées. Et cela va vraiment contribuer à renforcer cette sensation crédible d'espace ouvert et de profondeur. Et maintenant, nous en avons terminé avec la première partie de ce processus de peinture. Laissez ces lavages sécher complètement. Et une fois que tout est sec, allons-y et commençons par la deuxième partie. Rendez-vous au prochain cours. 11. Processus de peinture des collines et des fleurs B: Bonjour encore, mes amis et bienvenue dans ce cours où je vais vous présenter la deuxième partie de ce processus de peinture de paysage. Maintenant que nous avons créé nos premières grandes touches de couleur, nous allons passer à la peinture de formes de taille moyenne. Et pour cela, nous allons utiliser des techniques humides sur sec, c'est-à-dire peindre sur du papier sec, ce qui nous aidera à bords plus nets et plus définis. N'oubliez pas qu'il s' agit de passer du général. Les formes plus grandes sont des zones orientées vers des formes et des détails plus petits. Allons-y et sautons directement dedans. D'accord, alors j'ai laissé tout sécher complètement parce que je vais peindre dans la maison. Je ne voulais pas commencer à peindre dans la maison si vert en dessous était encore humide car les bruns que j' utiliserais dans la maison commencent couler sur ce vert une fois que tout a été fait. sec, je me suis assuré d'en avoir assez de mes mélanges de couleurs brunes préparés sur ma palette avant commencer à peindre la maison. Je me suis donc assuré d'en avoir assez de mon ocre jaune, ma version plus foncée de mon ocre jaune, qui est de l'ocre jaune, plus un peu de teinte neutre. Je voulais aussi m' assurer d'avoir ma Sienne brûlée et ma version plus foncée de ma Sienne brûlée, qui contient également une petite teinte neutre. Une fois prête, j'ai commencé à peindre dans la maison. Et pour cela, j'utilise mon pinceau rond taille 10. Et comme toujours, je commence par la couleur la plus claire de la paire ou du groupe que je vais utiliser pour chaque zone. Donc pour les parties inférieures ou les murs inférieurs de la maison, j'utilise dans un premier temps l'ocre jaune. J'ai peint dans cet ocre jaune, j'ai fait en sorte de passer les poils de mon pinceau sur tout cela plusieurs fois pour m'assurer que cet ocre jaune restait humide avant de tomber dans le une version plus foncée de mon ocre jaune, qui contenait un peu de neutre. Et comme vous pouvez le voir, je propose cette version plus sombre dans des zones d'ombre juste en dessous du toit. Ou j'imagine que ce toit crée une ombre. Cela empêche cette lumière d' atteindre les sections de mur situées juste en dessous. C'est ce que je propose dans la version plus sombre. Et comme je l'ai laissé tomber alors que l'ocre jaune était encore humide, j'ai obtenu un bel effet diffus. Puis j'ai commencé à peindre sur le toit. Maintenant, parce que je peins à la Chambre sur du papier sec. Il essaie assez rapidement. Et si les parties inférieures de la maison, les murs initiaux dans lesquels vous avez peint ne sont pas secs. Sachez simplement que si vous peignez le toit alors que ces sections du mur sont encore humides, brun rougeâtre que vous utilisez sur le toit peut commencer à dans les murs. Si vous ne voulez pas que cela se produise, cela fait simplement laisser sécher complètement ces murs initiaux , puis de peindre le toit. Le toit sur lequel je suis en train de peindre avec ma Sienne brûlée. C'est ma couleur plus claire ici. Je fais un tout petit nettoyage sur les bords, en utilisant les poils légèrement humides les plus propres de mon pinceau pour les absorber. Et j'y vais aussi avec ma serviette absorbante. J'ai accidentellement trouvé un petit bout de Sienne brûlée sur le mur. Vous remarquerez que je dessine très rapidement quelque chose qui ressemble visuellement à une ligne à peindre dans cette petite partie du toit qui est visible, en face de nous. Ensuite, une fois que cette Sienne brûlée est peinte, encore humide, j'ajoute un peu de la version plus foncée de ma Sienne brûlée, qui est la sienne brûlée plus le temps neutre. Et je le dépose sur les sections dans les ombres que je cherche à assombrir un peu plus. Même en ce qui concerne les murs et le toit de la maison, je cherche à développer une gamme de valeurs au sein de ces plans de la maison, car je sais que c'est ce qui va m'aider obtenez un look plus crédible et un effet d'ombre et de lumière. Vous pouvez probablement voir comment j'ai même laissé minuscules formes surlignées. Et cela se produit naturellement et naturellement lorsque je déplaçais petites sections de mon pinceau sur lesquelles la blancheur et la brillance du papier transparaissaient et étaient peintes. Juste ici. J' y vais même avec un pinceau propre et légèrement humide et je retire un peu l'excès de couleur que j'ai placé sur le dessus du toit. Je voulais éclaircir cette petite section située en haut des arrières du toit J'ai donc simplement retiré l'excédent de couleur avant qu'il ne commence à sécher. C'est un excellent moyen de redonner de la dimension à une section que vous avez peut-être un peu trop aplatie avec un simple lavage à plat ou peut-être trop de couleur saturée. Rappelez-vous toujours que vous avez votre serviette absorbante à main et que vous avez également votre pinceau. Vous pouvez faire de petites corrections avec. J'ai ensuite peint la petite porte, en assurant que l'ocre jaune entoure la porte est déjà sec. Si vous ne voulez pas que ce brun foncé commence à couler dans l'ocre jaune. Mais j'y suis allée très prudemment avec mon brun le plus foncé, qui est ma Sienne brûlée, plus ma teinte neutre. Et j'ai peint avec ce petit rectangle très soigneusement en utilisant juste le bout de mon pinceau rond. Même en ce qui concerne cette petite forme foncée pour l'embrasure de la porte, je voulais en créer un peu . Variété de valeurs au sein de cette forme. Je ne voulais pas utiliser mon brun foncé dans un état très saturé et créer un trou plat négatif dans ma peinture. C'est certainement quelque chose que je n'ai pas envie de faire. J'ai donc peint dans ce petit rectangle, puis j'ai retiré cette couleur des poils de mon pinceau. J'enlève cet excès d'eau en touchant le bout de mon pinceau sur ma serviette absorbante. Et j'y suis retournée pour apporter un petit coup de pouce à certaines sections afin de pouvoir créer cette variété de valeurs, même dans cette toute petite forme. Après avoir peint la porte, j'ai opté pour mon pinceau rond taille 10. Une fois de plus, j'ai commencé à peindre dans les arbres derrière la maison. J'utilise mon vert le plus foncé, donc c'est juste du vert sous-marin ordinaire avec de l'eau dedans. Remarquez qu'il n'est pas incroyablement saturé. Il a une consistance semblable à celle du café sur ma palette, ce qui signifie qu'il n'est pas incroyablement saturé. Même si ce vert est assez foncé que j'utilise, il ne sera pas très et contrasté parce qu'il contient de l'eau. Une fois que cette forme initiale a été peinte avec mon vert sous-marin, j'ai ajouté du vert sous-marin à mon mélange de couleurs sur ma palette pour le rendre plus foncé et plus saturé afin de créer un de petites ombres se forment dans la partie inférieure de cette teinte plus grande et plus claire. Une fois, ils ont placé un peu plus de ce vert saturé et plus foncé dans cette partie inférieure. J'enlève la couleur des poils de mon pinceau, et j'adoucit légèrement ce bord, en ajoutant un peu plus de vert sous-marin et d' autres zones d'ombres que je cherche à assombrir et plus encore. Et c'est encore une fois pour créer une variété de valeurs au sein de cette forme d'arbre, j'aurais probablement dû la raccourcir ou la réduire un peu parce que je le fais presque entièrement dissimuler cet arbre flou, un fait que j'avais créé au départ premier lavage que nous avons fait. Donc, si vous voulez avoir plus de ce bord supérieur de cette forme floue que nous avions initialement créée derrière ces arbres. Visible au lieu de simplement raccourcir ou réduire cette forme, cela vous donnera l'illusion d'avoir encore plus d'arbres derrière cette forme d'arbre que nous peignons en ce moment. Très bien, c'est enfin le moment que tant d'entre nous attendaient. C'est le moment pour nous de faire preuve de courage. Parce que nous allons peindre dans ce grand arbre au premier plan le plus proche de nous en tant que spectateur de cette scène. J'ai donc retiré tout ce vert foncé qui existait auparavant pour les poils de mon pinceau et je vais continuer à utiliser mon pinceau rond taille 10 pour cela. Donc, comme pour tout ce que j'ai fait jusqu'à présent, je vais utiliser une variété de couleurs différentes dans une même forme ou zone. Je commence toujours par la couleur la plus claire du bouquet en premier. Donc, dans ce cas, c'est mon vert le plus clair pour les feuilles de cet arbre Je vais utiliser l'écran le plus clair, le vert moyen et le vert le plus foncé, c'est-à-dire mes deux mélanges de couleurs vertes différents qui contiennent à la fois du jaune et du vert dans des proportions légèrement différentes. L'un d'eux est plus jaune pour être plus clair et l'autre est plus vert. C'est plutôt un vert moyen. Et je vais également apporter mon avion vert sous-marin, qui est très profond et foncé en soi. Comme vous pouvez le constater, je me concentre sur la création d'une forme très abstraite et irrégulière. Je m'assure que les bords sont très irréguliers. Je m'assure également de laisser de petites fenêtres, des fenêtres vides où l'arrière-plan travers des fenêtres non peintes, ce qui est très important. Et je m'assure également développer un large éventail de valeurs vertes sur l' ensemble de cette zone foliaire de l'arbre. J'espère que vous pouvez voir comment je change vraiment la façon dont j'utilise mon pinceau. J'appuie dessus à différents degrés. Parfois, c'est juste la pointe de mon pinceau qui entre en contact avec le papier, particulier sur les bords extérieurs, pour que les feuilles les plus extérieures créent cette irrégularité sur les bords. D'autres fois, j'appuie sur tout le ventre du pinceau. En plus de cela, je déplace et modifie également l'angle sous lequel j' utilise mon pinceau. Parfois, c'est presque parallèle à mon papier, à mon bureau sur lequel je travaille. D'autres fois, il s'agit plutôt d' un angle de 25 à 30 degrés. Et d'autres fois, quand je touche ça, la pointe de mon pinceau sur mon papier. Et je veux créer de petites formes irrégulières abstraites sur les bords. C'est plutôt un angle de 40 à 45 degrés par rapport à ma table. Je modifie donc la pression que j' exerce sur les poils de mon pinceau. Je change l'angle sous lequel j'utilise mon pinceau. Enfin, je modifie également la rotation. Comment je fais pivoter mon poignet sur le dessus de mon papier. Tout cela m' a permis de créer beaucoup d'irrégularités et de formes vertes abstraites. Si je n'utilisais mon pinceau que de la même manière, il me semblerait un peu trop rigide et probablement pas très naturel. Maintenant parce que je travaille relativement rapidement. J'obtiens ces bords souples et diffus sur au moins certaines ou la plupart de mes différentes valeurs vertes. Je crée des dégradés doux parce que je travaille rapidement. Ce nouveau type de peinture que je propose fusionne avec la couleur précédente qui est encore humide. Les autres formes vertes ne se diffusent pas autant et c' est parce que je les place sur du papier presque complètement sec. J'aime bien cette combinaison qui consiste à affiner et à définir certaines formes d'ombres et à définir d'autres zones où ces verts créent de légers dégradés les uns sur les autres, c'est parfaitement normal. Vous n'avez pas besoin d'entrer et impression de devoir adoucir tous ces bords plus durs et plus nets ou quoi que ce soit d'autre. Et je vous recommande si vous voulez adoucir ou déplacer de la peinture que vous avez déjà placée sur votre papier. Assurez-vous simplement de le faire manière minimale et douce, car vous risquez vraiment de tout aplatir et de donner l' impression que tout est surchargé de travail. Beaucoup de travail avec l' aquarelle, c'est oui, visualisant les effets que vous souhaitez et en créant une stratégie souhaitez et en créant une stratégie qui vous donnera beaucoup plus de chances d' obtenir les résultats que tu cherches. Cependant, il s'agit également d'apprendre à profiter des effets organiques que permet ce type de peinture. Accepter cela et apprendre à travailler avec cela lorsque nous nous forçons ou que nous essayons simplement de trop contrôler les choses. C'est alors que nos peintures finissent par paraître sans vie, plates et surchargées de travail et qu'elles n'ont pas cet éclat. Cette aquarelle permet ce qui la différencie des autres types de médiums de peinture. Il est essentiel que l' ensemble de la partie foliaire de l'arbre présente une variété de valeurs vertes. Vous voulez des zones plus claires. Vous voulez des zones qui ressemblent à des tons moyens. Vous voulez des zones qui paraissent plus sombres. Pensez à l'arbre de structure. Il est affecté par le soleil. De plus, dans toute la partie foliaire de l'arbre, il y a ces groupes de feuilles qui créent des ombres les unes sur les autres. Si nous avons un même vert plat sur toute la surface foliaire, cela ressemblera probablement à une goutte plate et sans forme, ce que nous ne voulons pas. Si vous trouvez difficile de peindre des arbres, je vous recommande de travailler sur études individuelles isolées sur les arbres, il suffit de peindre des arbres. Je m'efforce de vraiment comprendre les arbres et de les peindre de manière isolée, plutôt que de les peindre en une seule pièce, parce que de cette façon, vous serez mieux préparé et moins dépassé lorsqu' il s'agit d'ajouter vos arbres à une scène complète ou à un tableau complet. Et aidez-vous avec des photos de référence. Observez à quoi ressemblent les arbres dans la vie réelle et comment la lumière du soleil les affecte et crée ces ombres parmi les feuilles. Tout cela va vraiment vous aider à éclairer votre travail. Nous en avons tous terminé avec la deuxième partie de ce processus de peinture. Je suis très heureuse de passer à la dernière partie de ce paysage dans laquelle nous allons nous concentrer davantage sur derniers détails et l'amélioration des textures. Dès que tu seras prêt, on se revoit au prochain cours. 12. Processus de peinture des collines et des fleurs C: Bienvenue dans la troisième et dernière partie de ce processus de peinture pour le paysage numéro deux. Dans cette dernière partie du processus, nous nous concentrons sur les petits détails pour améliorer les textures. Allons-y et sautons directement dedans. Très bien, il était donc temps de laisser sécher complètement la partie foliaire de l' arbre. Et j'ai ensuite peint les petits poteaux en bois situés le long de ce chemin qui mène à la maison. J'utilise mon pinceau rond de taille trois et mon brun le plus foncé, qui est mon henné brûlé et ma teinte neutre. J'ai fait en sorte d'utiliser au départ une consistance relativement translucide, presque en T, semblable à celle du café de ce brun foncé. Ensuite, j'ai ajouté un peu plus de séné brûlé et teinte neutre à mon mélange pour le rendre légèrement plus saturé une consistance un peu plus épaisse. Ensuite, je suis entrée et j'ai peint ces petites sections sur cette forme marron plus clair, créant ainsi une petite variété de valeurs, même dans ces articles. Et j'ai particulièrement assombri les sections du post les plus proches de nous en tant que spectateur de la scène et j'ai laissé le petit message plus loin, juste avec cette première couche de lumière, plus brun translucide. Et c'est encore une fois pour améliorer cette profondeur et cette perspective car les objets les plus proches de nous seront plus grands et plus sombres, objets les plus éloignés seront plus petits et plus clairs. Une fois les articles terminés, il était temps d'ajouter la lavande que je vais peindre sur du papier sec. Comme je l'ai déjà mentionné, lorsque je peignais dans la première étude, lavande est mouillée sur mouillée. Je voulais vraiment peindre certaines de ces fleurs mouillées sur mouillées afin d'avoir une belle bordure douce et diffuse. Ensuite, je peindrais avec d'autres fleurs de lavande, mouillées sur du papier sec. Ainsi, je pourrais donner l' impression que certaines de ces fleurs sont plus éloignées, plus floues. Et les autres fleurs semblent simplement plus proches parce qu'elles sont plus foncées et plus définies. Ils sont plus nets sur les bords. Donc, en utilisant mon pinceau rond de taille 3, j'utilise exactement la même technique que j'utilisais auparavant. Mais cette fois, les formes que je crée sont très différentes parce que je peins sur du papier sec et que cette peinture ne s'étend pas dans cette humidité. Vous pouvez ainsi voir à quel point ces formes semblent plus foncées et que les bords sont beaucoup plus définis. Et cela, en combinaison avec la lavande floue qui se cache derrière eux, contribue également à renforcer cette sensation d' espace ouvert et de profondeur crédibles. J'ai veillé à ne pas exagérer avec la quantité de fleurs que j'ai peintes une fois de plus, parce que c'est très, très facile à faire. Et gardez également à l'esprit que la lavande la plus proche de nous, dans la partie la plus basse du tableau, doit être un peu plus haute, juste un peu plus haute que la lavande qui s'éloigne de plus en plus. de retour au juste milieu. J'ai à peine ajouté de la lavande, mouillée ou sèche en pleine terre. Je les ai surtout ajoutées dans la partie inférieure du tableau, où se trouvent bien sûr les fleurs les plus proches de nous en tant que spectateur de la scène. Après avoir peint ces quelques feuilles de lavande, c'est sur du papier sec. J'ajoute maintenant un petit effet d'herbe. J'ajoute donc quelques brins d'herbe. J'ai retiré tout ce violet des poils de mon pinceau. Et j'utilise toujours mon pinceau rond de taille 3, qui possède le plus petit pinceau que j'ai choisi pour ce processus de peinture. Et je fais des mouvements de scintillement vers le haut en utilisant mon vert moyen et mon vert le plus foncé, mais je m'assure d' utiliser ces couleurs dans une eau assez translucide en bas de l'État parce que je ne veux pas commencez à ajouter des lignes trop sombres et trop distrayantes. Je veux que ces brins d'herbe soient relativement subtils. Et, encore une fois, je ne veux pas exagérer avec la quantité de brins d'herbe que je crée. Et comme vous pouvez le voir, j'ajoute la majorité de ces brins d'herbe dans les sections de premier plan les plus proches de nous, dans la partie inférieure de ce tableau. Au fur et à mesure que je m'éloigne, j'ajoute de moins en moins de brins d' herbe clairsemés et ils sont également plus petits à mesure qu'ils disparaissent au second plan. Une autre solution pour améliorer cette illusion de profondeur est peut-être de peindre avec des brins d' herbe plus éloignés, encore plus clairs et encore plus translucides que des brins d'herbe que vous ajoutez, dans la partie inférieure du tableau, qui sont plus proches de nous. Vous voulez qu'il y ait beaucoup d'irrégularités lorsque vous peignez ces brins d'herbe, vous vous assurez qu'ils se regroupent différentes manières, sans créer de motifs, et que vous essayez également de créer ces lignes effilées légèrement incurvées dans différentes directions au lieu de créer des lignes effilées parfaitement droites et rigides. OK, donc après avoir fini avec ces brins d'herbe, je vais maintenant travailler sur assombrissement de certaines sections. Dans l'herbe et aussi le long du chemin. Cela contribuera à ajouter dimension d' irrégularité et à examiner ces domaines de manière plus une dimension d' irrégularité et à examiner ces domaines de manière plus crédible. Je ne cherche pas à assombrir les belles valeurs claires et les tons moyens plus clairs. Je cherche juste à placer une section d'ombre, des formes d'ombre le long de ces zones. Et cela va vraiment aider à tout rassembler. Donc, à l'aide de mon pinceau rond taille 10, j'ai d'abord assombri une petite forme de plante juste en dessous de la maison. J'ai veillé à ce que cette petite forme d'ombre que j'ai créée avec mon vert sous-marin soit très abstraite. Et je me suis également assuré qu'il n'y avait pas trop noir sur cette valeur, la valeur verte en dessous, qu' il y ait trop de contraste et que la forme de l'ombre soit très nette très distrayant. Une fois que j'ai peint dans cette forme d'ombre, j'enlève cette couleur poils de mon pinceau et j'adoucit bord inférieur pour adoucir un peu plus cette forme. J'enlève ce vert pour les poils de mon pinceau, et je fais exactement la même chose le long du chemin. Je ne cherche pas à assombrir les zones brunes plus claires. Je cherche juste à assombrir certaines zones d'ombre le long du chemin. Et donc, en utilisant mon pinceau rond taille 10 mon Sienna brûlé et aussi mon mélange de couleurs neutres Burnt Sienna Close. Je suis entrée et j'ai créé des formes d'ombres. J'ai d'abord commencé par une couleur plus claire des deux , à savoir ma Sienne brûlée. Il était relativement translucide comme une pâte légère à café. Et puis, avec ma Sienne brûlée dedans, j'ai ajouté certains de mes tons bruns les plus foncés à certains endroits que j'ai voulu pousser encore plus loin en peignant ces formes brunes le long du chemin. J'ai retiré cette couleur de mon pinceau, les poils, à quelques reprises pour appliquer les poils de mon pinceau les plus propres et légèrement humides sur quelques bords afin d'adoucir certains bords ici et là dans cette nouvelle ombre. formes, puis il était temps de les laisser sécher. Et je suis enfin en train de peindre le tronc et les branches de l' arbre le plus proche de nous, maintenant que toute la partie foliaire de l'arbre est complètement sèche et que je ne vais pas avoir de saignement se produisant. C'est à ce moment-là que je fais ça. Je commence donc par ma Sienne brûlée et vous pouvez voir à quel point cette première couche est assez légère et translucide sur le papier. Cela signifie que mon mélange de couleurs contient une bonne quantité d'eau, ce qui me permet vraiment de créer valeurs les plus claires dont j'ai besoin dans le tronc de l'arbre. Vous remarquerez que je passe les poils de mon pinceau sur toute la forme de ce tronc d' arbre à quelques reprises pour m'assurer que cette forme reste humide lorsque je commence à le laisser tomber dans mon brun foncé, qui est mon du Sienne brûlée et un mélange de couleurs neutres ici , je vais me permettre de créer davantage de mon brun le plus foncé parce que je n'en ai plus. Je fabrique donc davantage de ce mélange de couleur Sienne brûlée et de teinte neutre. Ensuite, je vais continuer à assombrir certaines formes d'ombre dans le tronc de l'arbre. Et ce que je fais, c'est simplement approfondir mes connaissances sur la structure des arbres et je vois où il serait logique que je m'assombrisse. Alors, où seraient créées les formes d'ombres dans cette arborescence ? Quelles sont les parties de la structure qui empêchent cette lumière de toucher certaines sections situées en dessous ou autour d'elles ? Ici, vous pouvez voir comment j'ai laissé une grande partie de ce brun clair initial briller et recouvert de ce nouveau brun plus foncé. Et ici, vous pouvez me voir utiliser les poils légèrement humides les plus propres de mon pinceau pour soulever des objets, en particulier dans la partie centrale tronc de l'arbre, afin que je puisse vraiment compléter cette structure cylindrique irrégulière. Cela ajoute de la dimension au tronc de l'arbre et lui donne un aspect plus réaliste. Encore une fois, servez-vous de votre serviette absorbante et des poils de votre pinceau. Si vous avez besoin de soulever un peu, si vous devez redonner de la dimension à une zone que vous avez peut-être trop foncée ou trop aplatie. Vous avez toujours ces outils. Très bien, il était donc temps de laisser ce tronc d'arbre rouler. Et j'utilise maintenant mon pinceau rond de taille 3 pour revenir au plus petit pinceau que j'ai choisi pour ce processus de peinture. Et j'ajoute les branches, qui, bien sûr, sont beaucoup plus fines et plus étroites. Et je veux que ces extrémités des branches aient l' air d'une sorte de papier. Je fais donc vraiment de mon mieux pour n'utiliser que le bout de mon pinceau pour pénétrer dans ces branches très, très fines et ne pas les épaissir trop. Je saute certaines sections afin de créer l'illusion que des feuilles recouvrent ces branches dans certaines sections. Si vous craignez de ne pas pouvoir créer ces lignes effilées très fines. Je vous recommande de vous entraîner sur un bout de papier avant d'entrer et d'ajouter les branches de votre arbre dans votre peinture. Et si je dis cela, c'est parce que j'ai détruit plusieurs peintures alors que je commençais à peindre à l'aquarelle. En y ajoutant des branches trop épaisses ou trop plumeuses, même si je dois plusieurs traits quand je peignais sur ces branches. Donc, deux choses, je vous recommande de vous assurer que la consistance de votre mélange de couleurs est logique en bouche. Vous voulez qu'il contienne une bonne quantité de couleur, mais aussi une bonne quantité d'eau afin de pouvoir charger efficacement les poils de votre pinceau avant d' entrer et d' essayer de peindre cette ligne pour cette branche. Parce que si vous n'arrivez pas à charger correctement les poils de votre pinceau parce que le mélange de couleurs est trop sec ou si vous n'en avez tout simplement pas assez sur votre palette vous pouvez charger votre pinceau. poils. Eh bien, il est fort probable que vous allez créer un effet de brossage à sec en essayant de peindre sur cette ligne du début à la fin. Ou vous ne serez tout simplement pas en mesure de compléter cette ligne ou cette section de cette branche comme vous le souhaitez. Et vous allez devoir y aller avec plusieurs coups de pinceau, ce qui vous donnera un aspect plumeux. Et vous devez également vous assurer que vous avez suffisamment de contrôle sur votre pinceau pour pouvoir créer une fine ligne du début à la fin. Et au bout de cette branche, si vous voulez qu' elle ait l'air effilée, vous devez retirer celle que vous avez choyée de votre journal. Les deux sont donc des choses que vous pouvez certainement pratiquer avant d'ajouter ces branches à votre peinture. Et très probablement, cela les aidera à avoir une bien meilleure apparence lorsque vous les ajouterez. J'ai ajouté l'illusion de troncs et de branches d'arbres dans les arbres situés derrière la maison. Et j'ai essayé de m'assurer que ces troncs et ces branches étaient encore plus fins que les branches que j'ai ajoutées l'arbre le plus proche de nous. Ensuite, j'ai commencé à approfondir et à assombrir certaines formes d'ombre juste en dessous du toit de la maison. Et j'ai continué à utiliser mon brun le plus foncé, qui est mon mélange de couleur Sienne brûlée et de teinte neutre, et ce pinceau à trois ronds de très petite taille. Et nous en sommes enfin à la toute dernière étape de ce processus de peinture, je voulais ajouter un peu plus de détails sur cet arbre le plus proche de nous. Donc, ce que je fais ici avec mon pinceau rond taille 10, c'est que je fais essentiellement la technique du rebond. Je ne fais que toucher le bout de mon pinceau à mon papier sous toutes sortes d'angles et de directions différents. Je fais pivoter mes poignets pour m'assurer qu'il y a beaucoup d'irrégularités que je crée ces petites feuilles minuscules que je crée avec la pointe de mon pinceau. J'utilise mon avion vert sous-marin pour cela, mais je n'y vais pas avec un mélange de couleurs très sec. Il contient une certaine quantité d'eau. Je vous recommande de prendre note de la simple reconnaissance de la valeur écologique que vous avez développée en dessous. Parce que si vous n'avez que des verts très, très clairs sur toute la partie foliaire de l' arbre et que vous utilisez un mélange de vert saturé très foncé lorsque vous peignez ces feuilles, ça va créer beaucoup de contraste et ça va être très distrayant. Je peux entrer avec mon vert sous-marin, qui est mon écran le plus foncé, car de nombreux tons moyens plus foncés et des verts très foncés sont tons moyens plus foncés et des verts très foncés déjà développés sur toute la partie de ma feuille, ce qui ne crée pas autant de contraste. Donc, si vous avez une forme très foncée sur un fond très clair, elle sera très, très contrastée et peut-être très distrayante attirera beaucoup d'attention ces formes de feuilles que vous ajoutez en ce moment. Donc tout cela pour dire que si vous n' avez pas déjà développé autant de vert foncé tout au long cette première forme générale de feuille, je vous recommande d' opter pour votre vert moyen, peut-être au lieu de ton vert le plus foncé. N'oubliez pas que des niveaux de contraste élevés vont alourdir le poids visuel. Ainsi, lorsque vous créez du contraste, vous devez le faire réfléchie et intentionnelle, car ces zones attireront davantage l'attention du spectateur que les zones moins contrastées. OK, donc revenons à cette technique de rebond que j'utilise pour ajouter ces petites feuilles. Encore une fois, il s'agit d'avoir irrégularité à l'esprit lorsque je fais cela, en m'assurant de créer petits groupes de ces formes. Parfois ils sont pour, parfois ils sont trois, parfois ils le sont aussi. Je m'assure qu'ils sont inclinés de différentes manières et que je n' en ajoute pas trop. Cela contribue grandement à créer cette illusion de feuilles. Après cela, je vais juste terminer cette peinture en ajoutant quelques brins d'herbe supplémentaires ici et là. J'ai voulu ajouter quelques brins d'herbe jusqu'à la fin fois que le plus gros tronc de l'arbre plus proche de nous soit complètement sec, parce que je voulais faire un petit peu de des brins d'herbe se chevauchent sur le dessus du tronc de l'arbre, en bas, encore une fois, je m'assure de ne pas aller trop loin avec les brins d'herbe et de faire en sorte qu'ils ne soient pas très foncés par-dessus ce briquet la valeur écologique qui les sous-tend. Pour que ces lignes ne soient pas trop distrayantes. Je veux que le gazon soit relativement subtil et je ne veux pas exagérer avec la quantité Je fais donc des pauses en cours de route et je me demande simplement s'il est vraiment nécessaire d'avoir plus de gazon. OK, mon ami, et avec ça, nous en avons tous fini avec ce deuxième paysage. J'espère vraiment que vous avez apprécié le processus pour celui-ci et que vous maîtrisez cette stratégie générale que j'ai partagée jusqu'à présent. Où nous travaillons du général vers les détails. Et commencer par des techniques qui nécessitent plus d'eau au début et qui en consomment moins à mesure que nous avançons. J'espère que vous avez également mieux compris comment combiner les techniques mouillé sur mouillé, qui donnent des effets plus flous et plus doux, avec les techniques mouillé sur sec, qui permettent d'obtenir des résultats plus nets, des bords et des détails plus définis lorsque nous travaillons à l'aquarelle, c'est grâce à cette combinaison de techniques que nous avons pu atteindre des niveaux de réalisme et de profondeur plus élevés et intérêts pour une composition visuelle. J'ai hâte de commencer avec Landscape Number Three. Dès que tu seras prêt, on se revoit au prochain cours. 13. Fournitures de la rivière Winding: Bonjour à tous, bienvenue dans ce cours où je vais vous expliquer toutes les fournitures de peinture à l'aquarelle que je vais utiliser. Et je vous recommande d'avoir sous la main ceci ou quelque chose similaire. Pour travailler ensemble sur le paysage numéro trois, je vais utiliser du papier provenant d'arches. Ce sera une presse à froid 140 livres d'épaisseur ou de poids. Et en fait, je vais utiliser seulement la moitié d'une de ces feuilles de neuf x 12 pouces. C'est à vous de décider si vous voulez travailler dans mon format ou si vous voulez utiliser la feuille entière, je vais travailler sur une feuille de papier de 9 pouces de largeur et 6 pouces de hauteur. Donc, environ la moitié d'une lettre. Pour ce qui est de ma peinture, je vais utiliser mon set de peinture à l'aquarelle de Daniel Smith. J'utilise un total de sept couleurs différentes. Et ces couleurs sont le bleu cobalt, le bleu outremer, écarlate profond, le jaune Hansa clair, Sienne brûlé, le vert sous-marin et la teinte neutre. Je voudrais prendre une petite seconde pour vous rappeler que vous n'êtes pas obligé d'utiliser exactement les mêmes couleurs que celles que je vais utiliser. Je vais prélever tous mes mélanges de couleurs sur du papier avant de commencer. Vous pouvez voir à quoi ils ressemblent sur le papier et vous pouvez utiliser ce que vous avez de plus similaire et tout ira parfaitement bien. Très bien, donc pour passer à mes pinceaux, je vais apporter quatre pinceaux différents. L'un d'eux est un gros pinceau plat de 1 pouce. L'autre brosse plus grande que j'utilise est une brosse à serpillière taille 6. Et je vais également proposer des pinceaux ronds de tailles 10.3. Pour ce qui est de mes autres fournitures, j'ai toujours un récipient ou deux avec de l'eau potable à côté de moi. J'ai aussi une ou deux serviettes absorbantes Scott bleues. Super, très important pour que je puisse rester au fait du contrôle de l'eau pour cette pièce. Je recommande également d'avoir un ou deux essuie-tout ordinaires à main, car nous allons utiliser la technique du levage pour créer l'illusion de nuages. Les essuie-tout ordinaires ont tendance à s'effriter davantage, et je les trouve plus utiles que ces serviettes absorbantes. En ce qui concerne cette technique de peinture sur les nuages, je recommande d'avoir du papier essuie-tout ordinaire à portée de main pour cela. En plus de cela, il est très important que vous ayez une palette de mélange de couleurs à portée de main. Vous allez me voir travailler sur cette palette de mixage que j' ai en bas à gauche. Donc, quelle que soit votre palette de couleurs, elle est parfaite. Assurez-vous simplement d'avoir un endroit où créer vos mélanges de couleurs. Et j'ai un rouleau de ruban adhésif ordinaire. Celui-ci mesure trois quarts de pouce et c'est ce que je vais utiliser pour coller ma feuille d'aquarelle sur mon tapis de découpe noir afin d'avoir ces belles bordures blanches et propres au bout autour de mon paysage quand j' enlève ce masking tape, quand finalement j'ai aussi quelques fournitures de croquis à portée de main. Et ceci concerne la première partie de mon processus par laquelle je vais commencer, à savoir mon croquis préliminaire au crayon. Je vais utiliser un crayon à dessin B grade A. habitude, j'utilise un HB, mais je veux m' assurer que vous avez pu voir ce que je fais. Je vais donc y aller un peu plus doucement avec ma grille à crayons. Et en utilisant un B au lieu d'un HB, j'ai aussi une gomme à effacer en graphite souple et une gomme pétrie, et c'est tout pour mes fournitures. Et ça suffira pour ce cours très court. Une fois que vous aurez toutes vos fournitures réunies et que vous serez prêt à commencer, rejoignez-moi au prochain cours. 14. Ébauche de Winding River: Bonjour encore, mon ami et bienvenue dans ce cours où je vais vous expliquer mon processus d' esquisse préliminaire pour le paysage numéro trois, et je continuerai à partager des conseils incontournables et des informations qui vous aideront à créer des esquisses réussies pour de futures aquarelles. Donc, en utilisant ma note de crayon B et avec mes deux gommes à effacer à portée de main, je vais commencer par dessiner rapidement dans les principaux domaines généraux. Il n'est pas nécessaire d' entrer et d'ajouter des tonnes de détails, d'ombrage ou quoi que ce soit d'autre. Nous créons simplement les lignes au crayon et divisons cette zone en formes plus grandes. Je suggère de laisser les choses au strict minimum et d'ajouter simplement les lignes et les formes dont vous pensez avoir besoin pour commencer le processus de peinture. Pensez également à dessiner légèrement, le plus légèrement possible, afin de ne pas rayer ou endommager votre papier afin que votre travail au crayon ne soit pas visible à travers la peinture transparente à la fin. Et aussi pour que vous puissiez effacer les erreurs au fur et à mesure et affiner les formes et les lignes que vous créez si nécessaire. Il y a certaines choses que je ne vais pas ajouter à mon croquis, comme par exemple les brins d'herbe, les excursions vers les plantes en général, ce ne sont que des formes très générales et irrégulières que j'ajoute, mais tout cela changera quand je les peindrai. Lorsque vous peignez des arbres feuilles, des plantes et d' autres objets de ce genre, il est important d'en laisser un peu libre que vous les peignez et de laisser votre repos, votre bras et la peinture agir comme vous le souhaitez. Il m'est impossible de planifier exactement la forme très précise dans les moindres détails pour chaque plante que j'ajoute. Comme je l'ai dit, vous utilisez simplement ces formes que vous tracez avec un crayon pour les visualiser. Mais il se passe beaucoup de choses que vous n'aviez pas prévues pendant que vous peignez. Et surtout lorsqu'il s'agit de scènes organiques et naturelles, nous devons accepter ce relâchement et cette imperfection afin que les choses paraissent plus naturelles. Je ne crée pas ces formes pour les remplir parfaitement comme vous le feriez sur une page de livre de coloriage. Il ne s'agit pas de ça. Il s'agit de tracer des formes et des lignes afin de visualiser la forme générale , l'emplacement, les angles, etc., dont vous avez besoin pour commencer le processus de peinture. J'ajoute donc simplement ce dont je pense avoir besoin pour visualiser ce que je vais peindre plus tard en termes d'emplacement de l'élément, de taille, forme générale, etc. cetera. D'accord, donc quand il s'agit de paysages et de scènes, j'aime toujours établir la ligne d'horizon en premier. C'est donc la première ligne horizontale que vous m'avez vue ajouter le long du tiers supérieur et vous pouvez voir comment je l'ai laissée un peu irrégulière. Ce n'est pas une ligne horizontale parfaite. Et c'est parce que c'est une scène de nature. Et il y aura beaucoup d' irrégularités et d' imperfection partout. Alors pourquoi ne pas commencer par créer une petite irrégularité dans les lignes et les formes que j'ajoute ? Et pour ceux d'entre vous qui ne connaissent pas la ligne d'horizon, la ligne d'horizon est la ligne qui sépare le sol du ciel ou l'océan du ciel en c. Et en fait, il s'agit essentiellement de la hauteur de vos yeux en tant que spectateur de la scène. Il est très important de le reconnaître afin d'apporter de la perspective et de la profondeur à votre scène. OK, donc une fois que ma ligne d'horizon a été ajoutée, j'ai commencé par ajouter une autre forme majeure à cette pièce, qui sera la rivière. Et vous pouvez voir à quel point la rivière présente de nombreuses courbes. J'ai également veillé à ce qu'il soit très, très petit et très étroit dans cette section, plus éloignée de nous, et qu'elle s'élargissait plus à mesure qu'elle se rapprochait de nous. C'est essentiel pour transmettre une sensation crédible de perspective et de profondeur. choses les plus éloignées sont plus petites et celles qui sont plus proches vont être plus grandes. Après avoir ajouté cette forme majeure, j'ai commencé à ajouter la limite des arbres et la distance lointaine. Et vous pouvez voir comment je l'esquisse également avec beaucoup d'irrégularités . Lorsque vous dessinez des plantes, des arbres et tout ce qui est naturel et organique dans la nature, vous devez vous assurer de rester à l'écart des motifs organisés et des formes parfaites. Vous voulez que les choses restent très irrégulières, très imparfaites et asymétriques après y avoir ajouté une petite ligne végétale. Je suis en train de dessiner dans cet arbre au premier plan. Et vous remarquerez que je travaille à partir de la partie inférieure la plus large de ce tronc et que je remonte et m'éloigne de ce tronc d'arbre de base en dessinant les branches, ces branches de taille moyenne et les plus petites branches deviennent de plus petites ou de plus en plus fines à mesure qu'elles sortent de cet arbre. Et vous pouvez également voir comment j'ai fait en sorte que cet arbre ne soit pas symétrique. signifie que si je divisais cet arbre en moitiés gauche et droite, ces moitiés ne seraient pas identiques. La symétrie se produit lorsque vous êtes capable plier un élément ou une forme, un objet ou quoi que ce soit d'autre en deux. Et la moitié gauche est exactement la même que la moitié droite. Nous recherchons une asymétrie. Nous ne voulons pas que ce soit nécessairement pareil. La symétrie n'est presque jamais présente dans la nature. Il s'agit plutôt d'un objet fabriqué par l' homme lorsqu'il s'agit de dessiner dans les feuilles de l'arbre. Je voulais également m' assurer de créer une asymétrie et des tonnes d'irrégularités. Je dois faire un effort conscient pour m' éloigner d' un arbre en forme de sucette. Vous ne voulez pas créer un cercle parfait ou un ovale parfait ou quelque chose comme ça dans les feuilles. Enfin, il était temps de passer aux plus petites formes que je vais ajouter ici, à savoir les roches et pour les roches, car ce sont également des éléments naturels. Vous allez voir que j'ai irrégularités en termes de tout, en termes de taille, de façon dont ils se regroupent, façon dont ils se chevauchent les uns sur les autres. Vous pouvez voir comment je les esquisse avec des angles, en les considérant comme des formes en blocs, en ajoutant parfois simplement des lignes qui ne se connectent pas vraiment, en m'assurant de créer différents types de formes. Et je regarde simplement la composition dans son ensemble, en m'assurant de ne pas exagérer avec la quantité de pierres que j'y ajoute. Et encore une fois, en vous abstenant de tout type d' organisation, de schéma ou quoi que ce soit d' autre lorsque vous dessinez dans vos rochers, vous devez également vous assurer avoir cette perspective à l'esprit. Habituellement, vous voulez vous assurer que les roches les plus éloignées deviennent de plus en plus petites. Cependant, comme les roches peuvent prendre toutes sortes de formes et de tailles différentes, vous pourriez avoir un très gros rocher plus éloigné de vous au milieu et arrière-plan qui est plus grand qu' un raphe plus petit , vous êtes plus proche de vous et cela se produit Cela a du sens, cependant, d'une manière générale, vous voulez vous assurer qu' au moins certaines de ces roches vous vous rapprochez de vous car les spectateurs de la scène sont plus grands et certains des rochers les plus éloignés au milieu, sont plus petits. Cela va rendre cette perspective plus crédible. J'ai aimé l'idée d'ajouter des pierres le long des rives ou des bords de la rivière et également à l'intérieur de la rivière elle-même. Enfin, vous allez me voir ajouter une autre petite forme de plante ou une ligne au milieu. Pour me souvenir, en peignant, que je souhaite créer un petit arbuste ou une plante dans cette zone juste pour m'intéresser un peu plus en profondeur. Enfin, j'y vais avec ma gomme pétrie et vous pouvez voir comment je tape sur mon croquis pour l'éclaircir. Et aussi pour me débarrasser de tout excès de graphite qui pourrait flotter sur mon papier aquarelle. Parce que s'il y a un excès de graphite qui flotte, je risque de le maculer avec mon pinceau et de changer de couleur. Très bien, donc juste en ajoutant quelques détails mineurs ici et là, en ajoutant quelques pierres supplémentaires ici, j'ajoute juste quelques lignes pour visualiser le bord de cette rivière là-bas, parce que je pourrais également ajouter un peu de couleur brune à couleur brune à cette zone pendant le processus de peinture. Il suffit de transmettre une petite sensation de terre humide dans cette zone pour apporter un peu de tapotement ici et ces formes que je viens d'ajouter. Et maintenant, nous en avons terminé avec notre esquisse préliminaire au crayon. Nous passons maintenant à la partie suivante de ce processus, qui consiste à préparer nos premiers mélanges de couleurs afin pouvoir commencer à peindre. Donc, une fois que votre esquisse préliminaire aura été créée, rejoignez-moi dans le prochain cours. On se voit là-bas. 15. Processus de peinture de la rivière a : Bonjour et bienvenue dans ce cours où nous allons commencer à peindre le paysage numéro trois. Comme nous l'avons fait pour nos deux premiers paysages, nous allons travailler avec des techniques qui nécessitent plus d'eau au début et des effets humides pour peindre dans les couches initiales et dans les couches plus larges zones. Ensuite, nous passerons aux formes de taille moyenne puis aux détails et textures plus petits. Mais d'abord, assurons-nous de nous préparer à réussir. Que nous commençons par bons mélanges de couleurs que nous comprenons, les couleurs que nous allons utiliser dans notre peinture. OK, je vais donc utiliser mon pinceau rond de taille 10 pour créer mes mélanges de couleurs initiaux, car c'est exactement ce me convient le mieux pour faire passer la qui me convient le mieux pour faire passer la peinture de mes pots de peinture sur mon palette de mixage. C'est un pinceau de bonne taille lequel je peux y faire pivoter mon pinceau dans lequel je peux y faire pivoter mon pinceau et faire ressortir un peu de peinture à la fois. Il est très important de pré-humidifier les poils de votre pinceau et de les préparer à être peints avant utiliser votre pinceau dans votre peinture, prenant un peu d' eau à la fois my Container est vraiment mon pinceau dans cette peinture et faites ressortir un peu de peinture à fois sur ces murs sur ma palette de mélange de couleurs, assurez-vous rincer votre pinceau, des poils entre vos couleurs afin de ne pas les contaminer. Je recherche de bons mélanges de couleurs juteuses entre un café et un lait, une consistance semblable à celle du lait. Je veux une bonne quantité de pigment dans ces mélanges, mais aussi de l'eau. Il devrait donc y avoir un mouvement perceptible créé par cette eau dans vos flaques d'eau. C'est important parce que nous allons peindre un paysage et que nous avons de grandes surfaces dans lesquelles nous allons peindre. Nous voulons être en mesure de bien charger les poils de nos pinceaux et de les rapidement sans avoir à les recharger ou à les peindre encore et encore lorsque nous peignons ces grandes surfaces, ces grands lavages. Vous devez donc vous assurer que vos mélanges de couleurs sont beaux et juteux, environ 50 % de peinture 50 % d'eau dans ces mélanges. Et vous voulez également vous assurer de réussir et de créer une bonne quantité de vos différents mélanges de couleurs, en particulier pour les grandes surfaces initiales . Je vais peindre dedans. Bien, cela étant dit, permettez-moi de vous expliquer les mélanges de couleurs spécifiques que je crée moi-même sur ma palette. Tout d'abord, j'ai commencé par préparer les couleurs que j' utiliserais dans mon ciel. Le bleu et le bleu violet vont de gauche à droite. La toute première flaque que j'ai créée pour moi-même est bleu cobalt ordinaire avec de l'eau dedans. Ensuite, j'ai préparé mon bleu violet, qui est un mélange de bleu cobalt, de bleu écarlate profond et de rouge égal au violet. Si vous ajoutez plus de rouge à votre mélange, il ressemblera davantage à un rouge-violet. Si vous ajoutez plus de bleu à votre mélange il ressemblera davantage à un bleu-violet. Et je voulais opter pour un bleu-violet. sur quoi je travaille actuellement, c'est créer mes trois greens différents que je vais utiliser pour mes feuilles et pour mon gazon. Donc, ce que je vais faire, c'est préparer un mélange de couleur vert clair, un mélange de couleur vert moyen et un mélange de couleur vert plus foncé. Mon mélange de couleurs vert clair sera un mélange de mon vert sous-marin, qui est la couleur verte de base que j'ai choisie pour moi. Et d'où un feu jaune, qui est le jaune que j'ai choisi. Ensuite, le green moyen jouera au vert sous-marin avec de l'eau dedans. Enfin, le vert le plus foncé sera un mélange de vert sous-marin et d'un peu de teinte neutre. En d'autres termes, vous choisissez votre écran de base. Et pour créer une version plus claire de cet écran de base, vous ajoutez du jaune. Pour créer une version plus foncée de votre crème de base, vous ajoutez un peu de gris ou de noir. Maintenant, la quantité de jaune que vous devez y ajouter et la quantité de gris ou de noir que vous devez ajouter à votre vert dépendront l'obscurité ou de la luminosité de votre écran de base. Mon vert sous-marin est assez profond, foncé et riche J'ai donc dû ajouter beaucoup de jaune pour l'éclaircir. Alors que lorsqu'il s'agissait d'ajouter des dizaines neutres, j' en ai ajouté une très, très petite quantité car il faisait déjà très sombre. Ce qui est important ici, c'est que vous choisissiez votre écran de base, puis que vous créiez trois verts pour vous-même, un vert clair, un vert moyen et un écran foncé. C'est ce qui est le plus important car c'est ce qui vous permettra de développer rapidement des zones vert clair, des zones vertes moyennes et des zones vertes les plus foncées pendant que vous peignez. qui est important parce que la valeur est réellement ce qui crée dimension, de la lumière et de l'ombre dans une pièce et apporte une touche de réalisme. Si vous n'utilisez qu'un seul vert, si vous ne vous préparez pas ou si vous ne savez pas ce que vous allez faire pour créer ces différentes valeurs vertes pour créer ces différentes valeurs vertes, il est fort probable que votre pièce apparaîtra assez plat. N'oubliez donc pas que tout cela nous permet de réussir, afin de pouvoir peindre rapidement et de réfléchir à la manière dont vous allez développer votre variété de valeurs et de teintes dans différentes zones de votre pièce sont essentielles quel que soit le niveau de réalisme que vous essayez de créer. Donc, oui, il est essentiel de comprendre comment mélanger les couleurs et de se familiariser avec cela. D'accord, donc ici en haut, avec ces puits rectangulaires sur ma palette de mixage, je me prépare à d'autres mélanges de couleurs. Le premier en haut à gauche est bleu cobalt avec une légère teinte neutre. Et puis, juste à droite de ce mélange, je me prépare un gris en mélangeant du bleu outremer et du Sienne brûlée. La combinaison du bleu et du marron est géniale pour créer des gris. Et ce qui est cool, c'est que si vous y ajoutez un peu plus de brun, ce sera un gris plus chaud qui penchera davantage vers le brun. Si vous ajoutez plus de bleu à votre mélange, cela ressemblera davantage à un gris plus froid qui penche davantage vers le bleu. Et si vous en avez 50 à 50, cela ressemblera à un gris moyen. Il est donc très polyvalent et très, très utile. Le bleu foncé va être utilisé dans l'eau et ce gris va être utilisé dans les roches. OK, donc avant de me lancer, je vais examiner tous ces mélanges de couleurs pour que vous puissiez voir à quoi ils ressemblent sur le papier. Et vous pouvez remplacer toutes les couleurs que vous devez remplacer par celles que vous avez sous la main, qui sont très similaires. Ces deux premières couleurs sont donc les couleurs que j'utilise dans mon plan céleste, bleu cobalt et le bleu cobalt plus l'écarlate foncé pour créer ce violet, je vais rincer toute cette couleur pour les poils de mon pinceau, puis je vais choisir la couleur suivante. Ensuite, je vais choisir les trois greens que j'ai créés pour les zones gazonnées et les feuilles. C'est donc mon vert le plus clair, qui est mon mélange de vert sous-marin et de lumière jaune Hansa. Ici, c'est un vert sous-marin pur. Et puis enfin, je vais essayer de supprimer mon vert sous-marin et cette petite teinte neutre. Quand je l'ai examiné, j'ai remarqué qu'il n'y avait pas une assez grande différence entre mon vert moyen et mon vert le plus foncé. Je vais donc ajouter un peu plus de cette teinte neutre à mon vert le plus foncé. Parce que, comme je l'ai dit, je veux me préparer au succès et pouvoir passer très rapidement à un écran plus sombre. Et pour ce faire, je dois m' assurer qu' il y a une différence entre mes mélanges de couleurs. Très bien, et enfin, je vais essayer les deux dernières couleurs que j'ai créées. Donc mon bleu le plus foncé, que j'ai créé pour mon eau , est un mélange de bleu cobalt et d'une teinte neutre. Enfin, je vais essayer mon mélange de couleurs grises, qui est un mélange de bleu outremer et de Sienne brûlée. Très bien, alors voici ma palette de couleurs que je vais utiliser pour cette pièce. Je pense que c'est une excellente combinaison de couleurs. Je n'ai vraiment pas besoin d' apporter autre chose. Ne compliquez pas trop les choses. Limitez votre nombre de couleurs et cherchez des moyens de répéter vos couleurs dans les différentes zones de vos pièces. Et lorsque vous mélangez des couleurs, obtiendrez toujours un résultat plus harmonieux et mieux intégré. Je sais donc exactement quelles couleurs et combinaisons de couleurs je vais utiliser pour chaque zone. Bonjour, je vais éclaircir et assombrir mes couleurs. Je sais exactement quelles couleurs je dois choisir chaque fois que je n'ai plus de mélange de couleurs ou autre Je dois modifier les ratios de mes couleurs dans mon mélange de couleurs pour les rendre plus foncées, pour les rendre plus claires, pour les rendre plus bleus, pour les rendre plus bruns, etc. Bien sûr, cette peinture que j'ai créée pour moi-même sur ma palette de mixage n'est en aucun cas la totalité de la peinture que je vais utiliser le processus de peinture. Lorsque nous peignons à l'aquarelle, nous créons constamment plus de peinture. Nous ajoutons de l'eau à nos mélanges de couleurs. Nous ajoutons de la peinture à nos mélanges de couleurs et modifions également les ratios de nos différentes couleurs dans nos mélanges de couleurs en fonction de ce que nous faisons. D'accord, nous sommes donc officiellement prêts à commencer le processus de peinture. Je vais prendre une petite seconde pour changer mon eau et je vous recommande de faire de même. Cela va être important parce que nous allons faire pré-mariage avec de l'eau potable avant de porter notre couleur. Je prépare mon essuie-tout ici en le froissant plusieurs fois dans mes mains. Vous devez l'avoir sous la main et être prêt à partir pour que nous puissions appliquer notre technique de levage pour ces nuages. Une fois que c'est prêt, je vais commencer mon processus de prélecture dans la section Sky. J'utilise mon pinceau plat d'un pouce pour cela. Et je sors un peu d'eau à la fois de mon contenant, je lisse et je glisse doucement les poils de mon pinceau sur mon papier, mouillant préalablement tout le tiers supérieur de ma pièce, Je passe en revue la partie foliaire de cet arbre au premier plan qui dépasse la ligne d'horizon et aussi la limite forestière au loin. Tout ça, je suis en train de boire de l'eau avant le mariage. Je vais tout revoir au moins trois à quatre fois, m' assurant d'obtenir en m' assurant d'obtenir une belle uniformité dans toute cette zone. Je ne veux pas de flaques d'eau et si j'en vois, j'enlève l'excès d'eau avec les poils de mon pinceau propres et légèrement humides. Vous pouvez utiliser ces poils de pinceau comme petite éponge absorbante pour lisser le tout. Prenez vraiment votre temps pendant le processus de prélecture. Il suffit de ne pas commencer à frotter doucement ou quoi que ce soit d'autre, car cela pourrait affecter le dimensionnement de votre papier. Souvent, les débutants n' arrivent pas aux résultats par la suite et c' est parce qu' ils accélèrent le processus de prélecture. Alors, prenez votre temps. Si une section de ce rectangle en haut, que votre pré-mariage commence à essayer trop rapidement. Cela signifie probablement que vous ne vous êtes pas suffisamment prémarié. Vous n'arriverez pas à obtenir ces jolis dégradés doux et magnifiques effets de flou que permet l'aquarelle si votre papier n'est pas correctement précollé. Donc, après avoir tout évité de manière uniforme, j'ai eu une belle apparence étincelante dans toute cette zone. J'ai commencé par la couleur la plus claire que j'utiliserais dans ma section de ciel, qui est un bleu cobalt uni. Je suis tombée dans le bleu cobalt de façon très irrégulière, en commençant par le haut et en redescendant. Ils veulent certainement de la couleur dans le ciel, mais je veux qu'il soit assez clair et pâle chaque fois que je vois rentre avec beaucoup trop de couleur ou la couleur est trop saturée. J'enlève cette couleur des poils de mon pinceau et j' y retourne avec un pinceau propre et légèrement vers le bas pour adoucir cette couleur et même enlever un peu l' excès de couleur de mon papier. Après avoir placé mon bleu cobalt, j'ai ajouté un peu de violet ici et là, juste pour pouvoir développer une subtile variation de teinte dans mon ciel. J'ai fait la même chose avec mon violet. Je voulais un bel effet subtil. J'y suis donc allée petit à petit, et j'y suis retournée après avoir mon violet pour adoucir cette couleur et travailler sur les transitions très doucement et très minimalement et j'y suis retournée après avoir ajouté mon violet pour adoucir cette couleur et travailler sur les transitions très doucement et très minimalement. en ajoutant un peu plus de bleu cobalt dans la partie supérieure du ciel pour illuminer un peu plus ce bleu. Remarquez comment j'ai laissé la partie foliaire de l'arbre la plus proche de nous, ainsi que la limite forestière au loin, pratiquement dépourvue de couleur. Cette couleur est très claire là-dedans. Il y a une très petite quantité de pigment dans ces zones. Et c'est parce que je ne veux pas que ce violet et ce bleu affectent les verts que je vais peindre dans ces sections plus tard. Vous pouvez même voir comment j'ai laissé transparaître une partie de ce livre blanc à certains endroits, ce qui à lui seul commence déjà à créer cette subtile illusion de nuages blancs. Tout est encore assez humide et praticable dans ce tiers supérieur du ciel parce que j'ai pris temps de faire ce processus de prélecture. Si je ne l'avais pas fait avant le mariage avec de l'eau potable et si je venais de commencer à peindre sur du papier sec. Ce papier sec aurait immédiatement absorbé cette peinture parce qu'il y avait tellement soif et je n' aurais pas eu tout ce temps pour continuer à travailler dans ce domaine en préparant votre mariage. Et non seulement vous vous assurez de beaux effets doux diffus, mais vous vous faites également gagner du temps. Autrefois, j'étais contente de la couleur que j'avais dans mon ciel avant que cette peinture ne sèche. J'ai légèrement soulevé des nuages supplémentaires à l'aide de mon essuie-tout froissé. Je me suis assuré de ne pas exagérer avec la quantité de nuages que j'ai soulevés. Je me suis également assuré qu' il y avait une tonne d' irrégularités dans ces nuages. Encore une fois, j'ai essayé de m' éloigner de l'apparence des motifs ou des formes organisées. Tout ce que vous avez à faire est d'éponger doucement votre essuie-tout froissé certaines sections ici et là. Et cela va faire ressortir une partie de cette couleur sur votre papier. Tu peux explorer en modifiant la forme du papier froissé que tu as dans ta main pour avoir beaucoup d'irrégularités et tes nuages, accord. Donc après avoir peint dans le ciel, Je laisse tout sécher complètement. Et n'hésitez pas à vous servir d' un sèche-cheveux si vous souhaitez accélérer le processus de séchage. Une fois que tout était complètement sec, il était temps de passer à la phase suivante de ce processus de peinture, qui consisterait à peindre dans la zone gazonnée et à peindre la limite des arbres dans très loin. Donc, comme vous pouvez le voir, je fais aussi la pré-mariage en utilisant l'eau potable pour toute cette zone. Et pour cela, j'ai décidé d' utiliser ma grande brosse à serpillière. Je savais que le fait d'avoir cette extrémité pointue me permettrait situer entre ces formes rocheuses. Je ne veux pas pré-mouiller les roches parce que je vais utiliser du gris très clair dans les roches. Et je veux aussi m' assurer que beaucoup de mes pierres présentent des reflets blancs à la fin. Je protège donc ces formes rocheuses en ne leur fournissant pas d'eau. Parce que si je les mouille préalablement avec de l'eau, vert que j'ai déposé ou que je dépose juste à côté de ces formes rocheuses se fondra dans les formes rocheuses. Et je tiens à les protéger. Et comment puis-je faire cela en les laissant au sec. Si vous êtes plus à l'aise, utilisez un pinceau plus petit pour passer entre les formes rocheuses. Vas-y, fais-le. Vous pouvez toujours avoir deux pinceaux à la main lorsque vous préparez votre mariage afin de pouvoir passer besoins, comme pour le ciel. J'ai vraiment pris mon temps avec ce processus de prélecture. J'y suis allée. Tout cela au moins trois ou quatre fois pour m' assurer d'obtenir un bel éclat uniforme sur toute la pelouse, tout au long de la limite des arbres et sur la distance lointaine, et tout au long de la ces petites sections autour et entre les rochers. Prenez vraiment votre temps pendant le processus de prélecture. Ne vous précipitez pas et assurez-vous d'obtenir un bel éclat uniforme sur l'ensemble. Prends le temps dont tu auras besoin. Et n'oubliez pas que la rapidité ou lenteur avec laquelle votre papier commence à sécher sur vous sera directement affectée par l'environnement dans lequel vous travaillez. Si vous travaillez dans un environnement froid ou chaud, ou dans un environnement sec ou humide. Ou vous avez une unité de climatisation allumée , un ventilateur ou un système de chauffage allumé. Tout cela aura un impact énorme sur la rapidité avec laquelle votre papier, votre peinture et votre eau commenceront à sécher sur vous. Donc, selon la situation dans laquelle vous travaillez, vous devrez peut-être en consommer moins, peut-être devrez-vous prémouiller davantage. Par exemple, si vous voulez de beaux effets flous, diffus et doux, vous devez vous assurer de faire tomber votre peinture sur du papier humide. votre papier est mouillé, lorsque vous utilisez cette couleur, plus vous verrez de mouvement le papier devient sec, moins la peinture bouge et se dilate. Je suis en train de terminer mon pré-mariage ici avec mon pinceau à serpillière six plus grand. Vous pouvez voir comment je reviens au début encore et encore. Parce que, évidemment, où que vous ayez commencé à faire votre pré-mariage, cette section par laquelle vous avez commencé va sécher rapidement au fur et à mesure que vous vous dirigerez vers l'autre côté. Donc, où que je commence, je me dirige vers l'autre rive. J'avance un peu vers l'autre côté, puis je reviens là où j'ai commencé, puis j'avance un peu plus et je reviens là où j'ai commencé et ainsi de suite afin de m' assurer que l'endroit où j'ai commencé reste humide. Et puis une fois que j'ai fini, je passe en revue tout ici. Je saute sur toute la surface avec mon pinceau à serpillière. Ce pinceau à serpillère de Princeton retient beaucoup d'eau et ses poils Il est donc idéal pour les fêtes de fin d'année et pour peindre de grandes surfaces. Cela vient de leur ligne Neptune, mais à ce stade, je ne fais que sauter toute l'herbe et l'arrière-plan, forme de la ligne des arbres et je travaille dans ces espaces étroits plus complexes entre les des formes rocheuses et il suffit de faire des allers-retours, en s'assurant que tout est bien prémarié. Très bien, donc je suis plutôt contente d'avoir même brillé dans toute cette zone. Le ciel est donc sec, la forme de la rivière est sèche et les formes rocheuses sont sèches, et il est temps de commencer à peindre avec nos grains. Comme toujours, je commence par la couleur la plus claire du groupe que j'ai sélectionné pour l'ensemble de cette zone, qui est bien sûr l'écran le plus clair. mon vert sous-marin avec le feu jaune Hansa que je suis en train de tomber en ce moment. Vous pouvez voir comment je parcourt toute cette zone, en y ajoutant un peu de couleur à la fois. Et vous pouvez voir que je laisse même des sections dans lesquelles la blancheur et la brillance du papier transparaissent complètement non peintes. Nous ne peignons donc pas le mur d'une maison ici. Nous n'allons pas terminer sur un pied d'égalité. Nous recherchons vraiment l'irrégularité. Nous voulons que la peinture paraisse plus claire et plus translucide ou plus pâle sur certaines sections . Et d'autres sections où cette couleur semble un peu plus saturée, où le papier est un peu plus recouvert de ce pigment. Lorsque nous travaillons à l'aquarelle, nous voulons intégrer cette légèreté et cette luminosité sous la peinture de ce papier dans le cadre de l'œuvre. C'est ce qui donnera à cette pièce un aspect brillant et léger à la fin. Et cela prend de l'ampleur, car c'est la blancheur du papier qui non seulement reflète nos points forts lorsque nous peignons à l'aquarelle, mais qui intègre cette blancheur dans les zones plus claires où vous utilisez votre peinture de manière plus translucide donneront également à cette pièce un aspect beaucoup plus brillant et plus clair. Et c'est ce que nous voulons, après tombés dans mon vert le plus clair, vous pouvez voir du mal tomber dans mon vert moyen à certaines zones ici et là, en particulier le long de la rivière et dans certains les sections de plantes, comme celle située sous l'arbre au premier plan, et la petite forme de la plante au milieu, ainsi qu' en dessous des arbres, à la limite des arbres et au loin. Je pense donc à la position des valeurs vertes et des formes d' ombres plus foncées dans cette zone. Dans ces cas où j'ai créé cette composition à partir de mon imagination. Et je n'utilise aucune photo de référence en particulier pour me montrer où se trouvent les formes d'ombres et où se situent les différentes valeurs, notre gorge, tous ces différents éléments. Je dois vraiment apporter ma connaissance de la structure de ce que je peins et aussi. Connaissance du fonctionnement de la lumière et de l'ombre. Et à ce stade, je commence à choisir entre mon vert le plus foncé et mon vert le plus foncé. Je n'utilise en fait que des zones ombragées plus foncées, Je n'utilise en fait que des plantes et de l'herbe. Je commence également à utiliser le vert le plus foncé pour créer une petite illusion d'ombre sous les rochers, d'où la structure rocheuse empêche la lumière provenant du soleil. heurter cette section d'herbe sous ou à côté des rochers. Et j'en ai fini avec cette section gazonnée au milieu et au premier plan. Je suis plutôt content du sentiment d'ombre et de lumière que j'ai créé en développant un large éventail de valeurs dans toutes ces zones gazonnées. Il est maintenant temps de commencer à peindre dans les verts pour les arbres et la limite des arbres au loin. Vous remarquerez que je n'ajoute pas beaucoup de peinture dans cette zone de gauche où nous allons peindre dans l'arbre au premier plan, car la forme est beaucoup plus petite et Je veux créer un bord supérieur légèrement irrégulier. Dans cette ligne d'arbre, la forme a changé prendre la forme de mon pinceau plus petit, dix pinceaux ronds. Et même pour ces arbres et la distance lointaine, je veux m' assurer de développer un large éventail de valeurs, des zones vertes translucides très claires aux zones de tons moyens en passant zones vertes translucides très claires aux zones par les zones plus sombres. Cette perspective aérienne, également connue sous le nom de perspective atmosphérique, nous indique que les éléments les plus éloignés de nous en tant que spectateur de la scène devraient avoir une valeur plus légère que les éléments les plus proches de vous, c'est-à-dire que les éléments les plus proches de vous doivent apparaître au moins légèrement plus foncés que les éléments les plus éloignés. Des éléments plus éloignés au loin. Ils deviennent plus brumeux, ils se refroidissent et leur valeur devient plus légère. Cela dit, n'oubliez pas que l' aquarelle sèche toujours un peu plus légèrement qu'elle n'en a l'air lorsqu'elle est mouillée. Et je vais développer plus de détails et superpositions, ainsi que des éléments au milieu et au premier plan, créant des valeurs plus sombres dans les éléments qui nous ressemblent plus tard dans la peinture processus. Donc, tout cela pour dire, assurez-vous de développer une large gamme de valeurs et translucidité dans la ligne d'arbre juste au-dessus de la ligne d'horizon. Mais ne soyez pas trop, très sombre. Parce que si vous optez pour une couleur très sombre et saturée, eh bien, tout d'abord, cela n'aura pas air très réaliste au final. Et deuxièmement, vous allez créer tellement de poids visuels cette ligne d'arbre située au loin que ces arbres vont concurrencer les éléments du premier plan où nous voulons attirer l'attention du spectateur. Très bien, donc avant ces greens sur lesquels je travaille, commence à dessiner sur moi. J'ajoute un peu plus de ma Sienne brûlée à mon mélange de couleurs outremer et Sienne brûlée pour obtenir un peu plus de brun foncé. Et je laisse tomber un peu de ce brun foncé sur certaines sections du bord de la rivière. Et comme ce vert est encore humide, vous pouvez voir comment ce brun s'est légèrement répandu sur ces verts, créant ainsi un bel effet doux et diffus . C'est à peu près tout ce que je vais faire avec ce brun là-bas. Très bien, et c'est tout pour cette première partie de ce processus de peinture pour le paysage numéro trois, je vais laisser tout sécher complètement, puis il sera temps de passer à la phase suivante. Prends le temps qu' il te faut avec celui-ci, et je te verrai au prochain cours. 16. Processus de peinture de la rivière Winding B: Bonjour et bienvenue dans la deuxième partie de ce processus de peinture pour paysage. Troisièmement, nous allons peindre dans la rivière puis nous commencerons avec formes et des éléments plus petits. Allons-y donc directement. Après avoir travaillé sur tous ces légumes verts, j'ai laissé tout sécher complètement à nouveau. Et vous pouvez vous servir de votre sèche-cheveux si vous souhaitez accélérer ce processus de séchage. Mais il est très important que tout soit complètement sec. Avant de passer à la partie suivante, nous allons maintenant peindre la rivière. Donc, ce que je fais en ce moment, avant de commencer c'est m'assurer d'avoir les mélanges de couleurs dont j'ai besoin et d'en avoir suffisamment sur ma palette de mixage. Avant de commencer, encore une fois, le processus de prélecture sous cette forme de rivière. Les trois couleurs que je vais utiliser pour la rivière sont donc mon bleu cobalt. Je vais également utiliser mon violet, qui est bleu cobalt, un tout petit peu d'écarlate foncé. Et je vais également utiliser mon bleu plus foncé que j'ai créé en mélangeant du bleu cobalt et un peu de teinte neutre. Je vais utiliser les trois couleurs de la rivière, quelle que soit la couleur que vous souhaitez utiliser ou réactiver en ajoutant un peu d'eau. Allez-y et faites-le, assurez-vous d'avoir de jolis mélanges de couleurs juteux prêts à l'emploi afin de pouvoir commencer à peindre dans la rivière. J'ai des pinceaux à portée de main. Et ces pinceaux sont ronds de la taille 10 et mon pinceau à serpillière de la taille 6 est dans ma main gauche, prêts à être utilisés au cas où j'en aurais besoin pendant le processus de pré-écriture. Mais je commence par le pré-mariage en utilisant mon pinceau rond taille dix, en particulier dans les zones les plus éloignées , en forme de rivière, car ils sont très étroits et mesurent dix pinceaux ronds. plus approprié pour cette taille de forme. Je suis en train de progresser. Et comme vous pouvez le constater, encore une fois, j'ai un peu avancé et je reviens à mon point de départ. Puis j'ai avancé un peu plus et je reviens au point où j'ai commencé encore et encore. Pour que cette section par laquelle j'ai commencé ne m'assèche pas. Une fois qu'ils ont atteint cette section plus large de cette forme de rivière, je passe à ma brosse à serpillière taille 6, qui convient mieux à cette plus grande surface. Je peux certainement mouiller cette plus grande surface beaucoup plus rapidement avec ma brosse à serpillière qu'avec ma taille dix rondes. Cependant, avoir la taille 10 à portée de main est très utile, car il y a des formes rocheuses dans cette rivière que je veux contourner et garder au sec. Je passe donc à mon pinceau brun taille 10 chaque fois que je pense qu'il serait utile d'avoir un pinceau plus petit car cela me permet plus de contrôle. Je fais de mon mieux pour protéger ces formes rocheuses car je ne veux pas qu'elles complètement recouvertes de bleu. Et je veux m' assurer qu'ils sont beaux et brillants et qu' ils ont la majeure partie de la surface plus tard, ainsi que de petites formes surlignées. Et pour cela, je dois m' assurer de protéger ces formes rocheuses afin de les garder au sec. Si j'avais utilisé du liquide de masquage, j'aurais pu masquer ces pierres. Mais pour celui-ci, je voulais vraiment qu'il soit aussi simple que possible et totalement convivial pour les débutants. Nous ne faisons donc que les contourner. Je vais tout passer une dernière fois, surtout en utilisant mon petit pinceau rond de dix tailles. vais à nouveau dans ces zones étroites entre les formes rocheuses, pour m'assurer que rien ne sèche trop vite sur moi. Je sors un peu d'eau à la fois de mon contenant chaque fois que j'en ai besoin. Le papier a été préparé avec une bonne couche d'eau. Aucune section ne commence à sécher trop vite sur moi. Même cette section étroite située au loin est encore assez humide et j'ai obtenu une belle brillance uniforme sur l' ensemble. Nous sommes donc sur le point de commencer à utiliser notre première couleur, qui sera le bleu cobalt avion pour ma mise en couleur dans la rivière. J'ai allumé ma brosse à serpillière. Encore une fois, je pense que cela va me permettre d'ajouter une bonne quantité de couleur et de travailler rapidement. Mais j'ai toujours mon pinceau rond taille 10 dans ma main au cas où j'en aurais besoin. Encore une fois, je commence par la couleur la plus claire du bouquet, qui est le bleu cobalt. Je vais me frayer un chemin vers la couleur plus foncée avec cette zone. Je tiens à vous rappeler encore une fois que nous ne peignons pas le mur de la maison. Nous voulons intégrer cette blancheur à la brillance du papier sous la peinture. Et nous utilisons la translucidité du médium pour créer de la légèreté, créer de la lueur, créer une mention, sauter, rendre le tout très irrégulier. Vous pouvez laisser transparaître des sections de ce livre blanc. Et je le recommande en fait , car cela créera l' illusion d'une brillance et d'un reflet de lumière sur l'eau. Ici, vous pouvez me voir utiliser mon pinceau rond taille 10 pour un peu l'excès de couleur et d'eau. J'ai placé la forme d'une rivière, une goutte de couleur à la fois. Et si, à un moment ou à un autre vous avez l'impression d'avoir perdu beaucoup trop de couleur ou de le saturer avec un mélange de couleurs. Enlevez cette couleur de votre pinceau, de vos poils, remettez-y simplement de l'eau dans votre pinceau et adoucissez cette couleur en soulevant un peu de cette couleur, en utilisant vos poils utilisez votre pinceau comme une petite éponge absorbante ou tirez et étendez couleur que vous avez déjà placée sur le papier pour couvrir une plus grande surface. Et cela va adoucir la couleur. Après avoir ajouté une certaine quantité de ce bleu clair initial, je laisse maintenant tomber un peu de mon bleu-violet. Vous pouvez voir à quel point je laisse tomber ce bleu-violet le long de certains bords de la rivière, où je souhaite créer un petit effet d'ombre. Enfin, je vais choisir mon bleu le plus foncé et mon bleu le plus foncé. Je ne garde en fait que les ombres les plus foncées le long de certains bords de la rivière, ainsi qu'en dessous et autour de certains de ces rochers. Tout est encore très humide et utilisable parce que j'ai pris le temps de le faire avant le mariage avant de commencer. C'est vraiment la seule raison pour laquelle je peux continuer à ajouter plus de couleur, à adoucir doucement et à aider cette couleur à s'étendre un peu plus, etc. Si mon papier avait déjà commencé à arriver à cet état semi-sec gênant, je ne devrais vraiment pas travailler du tout. Je dois le laisser sécher complètement, puis faire le travail qui doit être fait plus tard , une fois que doit être fait plus tard tout est complètement sec, continuant à travailler dans une section où c'est déjà fait commencer à sécher est l'une des pires choses que l' on puisse faire lorsque l'on peint avec ce médium. Et c'est un moyen infaillible d' obtenir des textures indésirables et un look surchargé de travail. Gardez donc toujours un œil sur le moment où votre papier commence à sécher. Juste ici. Je termine ce premier lavage sur l'ensemble de la forme de la rivière en ajoutant un peu du premier bleu avec lequel j'ai commencé, qui est un avion plus clair, le bleu cobalt, vient juste de s'éclaircir certaines sections qui contenaient une très petite quantité de peinture. Et j'ai ajouté un peu plus de violet aussi. Je laisse ensuite tout sécher complètement à nouveau avant de passer la partie suivante de ce processus, qui sera la première couche de gris dans les roches. Donc, ce que je fais ici, c'est m' assurer que ma couleur grise se mélange. Mon mélange avec le bleu outremer et la Sienne brûlée est donc d'environ 50 % bleu, 50 % brun. Il ressemble donc en fait à un gris et pas tellement au bleu foncé ou au brun foncé. Je vous recommande vivement de tester votre mélange de couleurs sur un morceau de papier aquarelle pour vous assurer qu'il ressemble à du gris avant de commencer. Et aussi, vous devez vous assurer qu' au départ, vous optez pour un pâle très légèrement dilué gris pâle très légèrement dilué pour cette première couche dans les roches. Une fois que mon duvet gris léger était prêt, j'ai chargé un peu de ce gris à l'aide de mon pinceau rond taille 10. Et vous pouvez voir comment je m'y prends de manière très vague, très légère. Et ce que je fais essentiellement c'est étudier chaque pierre. Je visualise où se trouve ma forme la plus marquante. Et je peins en gris clair autour de cette forme surlignée. Il n'est pas nécessaire d' y aller prudemment. Soyez très précis quant à endroit où vous créez votre forme de surlignage. Remarquez la rapidité avec laquelle je me déplace. Et il suffit de visualiser où se trouvent les plans supérieurs du rocher qui captent la majeure partie de la lumière. Et là où se trouvent les plans latéraux ou les plans inférieurs des rochers là où la lumière ne devrait pas frapper. Nous allons aborder et peindre les rochers en trois couches. Nous voulons donc mettre en évidence, nous voulons des valeurs de gris très clair, ce que nous venons de créer. Ensuite, nous allons laisser cette première couche de gris clair sécher complètement et nous retournerons dans les rochers plus tard fois que tout aura séché avec un peu de gris plus foncé et nous allons assombrir certaines zones d'ombre dans les roches pour développer plus de valeurs dans les roches. Donc les tons gris moyens et les tons les plus foncés. Et cela va créer une sensation plus crédible de 3D. Mais à ce stade, j'ai terminé. J'ai les formes les plus marquantes pour mes pierres et j'ai déjà créé mon gris le plus clair. Laissons cela sécher et nous y retournerons plus tard pour développer nos gris plus foncés. OK, il est donc enfin temps de commencer à peindre dans notre arbre au premier plan. La première chose que je vais peindre, ce sont les feuilles. Comme vous pouvez le constater, je n'ai plus de verts différents dans mes palettes de mélange de couleurs. Je m'assure donc avoir assez de mes différents légumes verts. Donc, mon vert clair, mon vert moyen et mon vert le plus foncé, trois mêmes mélanges de couleurs vertes que j'avais auparavant. Je veux qu'ils soient bons et juteux. Je veux qu'ils contiennent une bonne quantité de peinture et d'eau, environ 50 % ou 50 % d'eau. Et je veux m' assurer d'en avoir une bonne quantité dans ces puits afin de pouvoir charger efficacement les poils de mon pinceau, d'entrer et de peindre bien et rapidement ici, en bien et rapidement ici les prélevant. encore une fois les verts. Juste pour s'assurer qu' il y a suffisamment de différence entre les trois avant de commencer. Ici, j' ajoute un peu plus de cette teinte neutre écran le plus sombre pour m' assurer qu'il y a une différence suffisante entre mon vert moyen et mon vert le plus foncé. Très bien, j'ai retiré tout ce vert foncé sur les poils de mes pinceaux. Et j'y vais, tu crois, avec la couleur la plus claire du bouquet, mon vert le plus clair qui contient du jaune. J'utilise mon pinceau rond taille 10 pour cela. Je vais placer le vert le plus clair en haut, ou j'ai imaginé cet arbre en forme pour capter la plus grande partie de la lumière. Ensuite, je vais utiliser le vert moyen dans la partie centrale et le vert le plus foncé principalement dans la partie inférieure. Cela ne signifie pas que je n'utilise ces écrans que dans ces zones très spécifiques. Il doit y avoir une certaine quantité de vert clair partout, une certaine quantité de vert moyen partout et une certaine quantité de vert plus foncé partout. Parce que lorsqu'il s'agit de peindre des arbres, il existe tous ces groupes de feuilles qui se superposent et créent des ombres les unes sur les autres. Cependant, d'une manière générale, je me fraie un chemin entre le plus clair en haut et le moyen dans la partie centrale, en ajoutant un peu de médium en haut. Et puis, après avoir fini avec ces deux-là, je passe au vert le plus foncé. Et quand j'ajoute un peu de ce vert très foncé en bas. J'ajoute également cet écran plus sombre ici et là dans les parties supérieures de l'arbre je fais attention à ne pas ajouter Mais je fais attention à ne pas ajouter trop de vert foncé, car si je le fais, je lance le risque de rendre toute ma partie de feuille très foncée. Et je veux m'assurer qu' a beaucoup de légumes verts plus clairs dedans pour vraiment transmettre cette sensation de lumière. N'oubliez pas qu'à la fin, plus important est que vous ayez une variété de valeurs vertes sur toute la partie foliaire. Si vous souhaitez communiquer une sensation crédible de lumière, d'ombre et de dimension. Et vous ne cherchez pas seulement à créer une variété de valeurs en utilisant des mélanges de couleurs que vous avez préparés vous-même, un vert plus clair vert moyen et un vert plus foncé. Mais encore une fois, je tiens à vous rappeler que translucidité est la beauté de ce médium. Vous cherchez donc également à jouer avec cette translucidité. Vous pouvez voir dans mon arbre à quel point certaines sections sont très claires et translucides. Et les autres sections semblent un peu plus sombres et plus saturées en termes de technique de coup de pinceau que j'utilise. J'utilise une combinaison de gribouillage et de rebond, surtout quand il s'agit de ce genre d'arbre. Et j'utilise également cette technique de gribouillage et d'équilibrage pour les plantes. Je parle de coups de pinceau de base, de gribouillage et rebond dans mon cours individuel d'aquarelle sur Skillshare. Je vous recommande vivement d' y jeter un œil si ce n'est pas déjà fait. Il s'agit de tenir efficacement votre pinceau de haut en haut, en relâchant votre main et votre bras. Et vraiment changer la façon dont vous utilisez votre pinceau en fonction de l'angle de ce pinceau par rapport à votre papier. Donc, parfois, il s'agit plutôt d' un angle vertical de 90 degrés. autres fois, ce sera un angle de 45 degrés. D'autres fois, ce sera un angle de 30 degrés. Une autre chose que je change constamment est la quantité de poils de mon pinceau qui entrent en contact avec mon papier. Parfois, j'appuie davantage sur ces poils pour que tout le ventre du pinceau crée cette forme plus grande. D'autres fois, ce n' est que le bout de mon pinceau pour créer des formes plus petites. Et j'alterne également mes risques de différentes manières de temps à autre. Tous ces changements, agisse de la façon dont je tiens mon pinceau, façon dont je presse le pinceau, etc., me permettent de créer ces formes très irrégulières correspondant à mes différentes valeurs dans cette zone foliaire en pratiquant les exercices de coup de pinceau dont je parle dans ce didacticiel, vous serez beaucoup plus à l' aise pour changer de vitesse et modifier la façon dont vous utilisez votre pinceau. C'est très important pour que vous puissiez peindre différentes textures. Comme vous pouvez le constater, je me suis retrouvée avec des sections dans lesquelles ces greens se fondent les uns dans les autres, créant progressivement de légers dégradés entre eux. Et d'autres sections où les transitions sont plus nettes et plus définies. Je vais laisser cela essayer et plus tard, je reviendrai pour ajouter plus de détails en utilisant la technique du rebond. Très bien, maintenant que toute la section du graphique est complètement sèche, vous pouvez voir à quel point cette foulée était beaucoup plus légère qu'elle n'en avait l'air lorsqu'elle était mouillée. Je vais entrer et assombrir certaines sections, en particulier les formes de plantes que j'ai esquissées, au milieu et aussi au premier plan, juste en dessous cet arbre le plus proche de nous, Je veux les faire ressortir. Donc, en utilisant mon pinceau rond taille 10, j'utilise une technique très similaire à celle que j'utilisais juste pour les feuilles de l'arbre. Il s'agit donc d'un mélange de gribouillage et de rebond. En commençant par mon vert le plus clair , puis je laisse tomber un peu de mon vert moyen. Enfin, dans les zones d'ombre les plus profondes que je souhaite assombrir davantage, je laisse tomber mon vert le plus foncé, comme lorsque vous travailliez sur les feuilles de l'arbre, vous vouliez travailler rapidement, de sorte que vous obtenez certains de ces dégradés doux et flous entre vos différents greens. Pour que cela se produise, couche de vert précédente doit encore être humide lorsque vous tombez sur la suivante écran. Remarquez l'irrégularité que j'ai créée à la fois sur le bord supérieur de ces formes végétales et également sur le bord inférieur de ces formes végétales. Avoir ce bord inférieur irrégulier est très utile car cela donnera l' impression qu'il y a des herbes et d'autres plantes devant cet arbuste, créant ainsi cette bordure irrégulière. Cela donne un aspect plus naturel si vous créez une ligne ou une arête très lisse ou même horizontale le long du bas de ces formes de plantes. Cela ne va pas avoir l' air très réaliste. Très bien, il est donc temps d'y aller avec notre deuxième couche grise dans les rochers. Je m'assure donc d'avoir suffisamment de mon mélange de couleurs grises dans ma palette. C'est donc mon mélange de bleu outremer et de couleur Sienne brûlée. Et je l'ai testé sur mon bout de papier aquarelle pour m'assurer qu' il ressemble beaucoup à la teinte grise que j' utilisais auparavant. cette fois, je vais utiliser ce gris dans un état moins dilué qu'il soit plus foncé et plus saturé. Comme je l'ai déjà mentionné, lorsque nous avons peint la première couche, avec cette première couche, nous avons essayé de créer les reflets et les valeurs de gris les plus claires. Maintenant qu'ils sont en place, nous allons supprimer les zones de tons moyens plus sombres. Et vous pouvez voir comment je m'en sors avec mon pinceau rond taille 10 de manière très souple relativement rapide, comme je le faisais auparavant. Mais cette fois, je peins dans formes d'ombres abstraites plus petites. Je visualise l'orientation des plans de ces rochers à l'abri de la lumière ou l'endroit où les rochers créent des ombres les uns sur les autres à cause de ce chevauchement. Et c'est là que je peins dans ces formes d'ombres grises plus foncées. Cela crée une plus grande variété de valeurs de gris, car nous avons désormais des tons clairs. Nous avons des valeurs de gris clair et des valeurs de gris moyen plus foncées. Chaque fois que nous élargissons augmentons ou élargissons cette gamme de valeurs, les choses semblent de plus en plus réalistes. Je tiens à vous encourager à adopter ces formes abstraites et irrégulières pour vos différentes valeurs. Ils n'ont pas besoin d'être parfaits et vous n'avez pas besoin de lisser et d' adoucir ces bords. Vous pouvez les laisser, les faire abstraction. Et dans les contextes plus vastes que nous peignons, le spectateur saura que ce sont des pierres. Nous n'avons pas besoin de trop décrire les choses pour le spectateur. Juste ici. J'y vais avec un pinceau propre et légèrement humide et je fais juste un tout petit peu de gommage doux le long des bords de ces formes grises plus foncées. Mais je le fais très peu et je ne vais pas me lancer dans chaque pierre pour essayer de tout adoucir. Alors, toujours en utilisant mon pinceau rond de taille 10, je vais peindre un peu rapidement des rochers distance lointaine sur laquelle je n'avais pas peint. Je m'assure d'y aller avec mon eau grise pour que les formes grises que j'ai peintes ne soient pas trop nettes ou trop gênantes. Je veux conserver de la valeur à ces pierres et à la lumière lointaine. Et je ne vais pas ajouter plus de détails ou valeurs plus sombres aux roches les plus éloignées. Nous en avons terminé avec cette partie du processus de peinture. Dès que tu seras prêt, vas-y et rejoins-moi pour la troisième partie. On se voit là-bas. 17. Processus de peinture de la rivière Winding C: Bonjour encore et bienvenue dans la troisième partie de notre processus de peinture pour notre troisième paysage. Dans cette partie du processus, nous nous concentrons principalement sur les petits détails, améliorant davantage les textures et en ajoutant plus d'intérêt à la pièce. Allons-y et sautons directement dedans. Une fois que j'ai fini de peindre dans ces rochers, il m'a fallu enfin ajouter des brins d'herbe, en particulier dans les sections les plus proches de nous. Pour cela, je sors enfin mon plus petit pinceau que j'ai choisi pour ce processus, qui est mon pinceau rond de taille trois , humidifie bien ces poils car ils étaient complètement secs. Je n'avais pas utilisé ce pinceau jusqu'à présent. Et ce que je fais en utilisant mon vert clair et mon vert moyen, c'est que je fais des mouvements ascendants pour ajouter ces brins d' herbe au premier plan. Donc, lorsque vous ajoutez vos brins d'herbe, il est très important que vous ayez une perspective à l'esprit. Il est important que vous ayez toujours la perspective à l'esprit lorsque vous créez des paysages et des scènes de toutes sortes. Mais lorsque vous ajoutez vos brins d'herbe, vous pouvez vraiment améliorer cette sensation d' espace ouvert crédible, de profondeur et perspective en plaçant les brins d' herbe les plus proches de nous en tant que spectateur. de la scène, légèrement plus haut ou plus long que les brins d' herbe que vous commencez à peindre par sections au milieu. Et je ne vais pas ajouter de brins d'herbe dans les sections les plus éloignées, au milieu. Et au-delà de cela, je vais simplement me concentrer principalement sur la section la plus proche de nous. Donc, deux conseils qui vous aideront à tondre et à rendre ces brins d'herbe plus crédibles. Vous devez vous assurer déplacer rapidement votre poignet vers le haut afin de créer un look fuselé. Il faut que cette extrémité du brin d' herbe soit plus fine et plus étroite et que la base du brin d' herbe soit plus épaisse et plus foncée. Ce mouvement rapide vers le haut vous permettra de créer ce look effilé. Une dernière chose est que vous voulez vous assurer de ne pas créer de lignes rigides et parfaitement verticales. Si vous incorporez de légères courbes lorsque vous effectuez ces mouvements de scintillement, cette courbe se trouve parfois un peu plus vers la gauche ou vers la droite. Vos brins d' herbe auront l' air beaucoup plus naturels. Enfin lorsque vous peignez avec ces brins d'herbe, vous devez tenir compte de vous devez tenir compte la valeur verte que vous avez déjà créée en dessous ce premier lavis vert. que tu as créé. Parce que si vous peignez dans un brin d' herbe très foncé sur un vert translucide très clair. marque que vous créez votre brin d'herbe va s'avérer très nette et très distrayante . Nous ne voulons pas créer de lignes ou de marques trop nettes. N'oubliez pas que si vous peignez une ligne, une forme ou une marque très foncée sur un fond très clair, cela va être très contrasté et créer beaucoup de poids visuel attirer l'attention du spectateur. Nous voulons que les choses restent subtiles. Il est préférable d'utiliser votre écran le plus clair pour créer vos brins d'herbe, ou pour vous assurer que vous optez votre écran le plus clair pour créer vos brins d'herbe, pour un vert moyen assez édulcoré et translucide. Mais gardez vos brins d'herbe subtils. Et une dernière chose, c'est que vous n'avez pas besoin d'aller trop loin avec la quantité de brins d'herbe que vous ajoutez. Quand il s'agit de peindre à l'aquarelle , un peu suffit. Et encore une fois, nous ne voulons pas trop décrire quoi que ce soit. Très bien, il est donc enfin temps de peindre le tronc et les branches de l' arbre principal le plus proche de nous. Donc, ce que je fais ici, sur ma palette de mixage, c'est que je crée un brun plus foncé et un brun plus clair pour moi. Il s'agit dans les deux cas de mélanges de Sienne brûlée et de bleu outremer. J'ai juste joué avec les ratios de ces couleurs dans mes mélanges de couleurs. Ainsi, l'un ressemble à un brun plus clair et un autre à un brun plus foncé. Commencez donc par la Sienne brûlée , puis ajoutez-y un peu d'outremer à la fois pour l' assombrir de plus en plus. Votre mélange qui contient moins de bleu outremer ressemblera à un brun plus clair. Et le mélange de couleurs qui contient plus de bleu outremer ressemblera à un brun plus foncé. Il ne faut tout simplement pas ajouter trop d'outremer pour qu' il commence à virer au gris. OK, donc une fois que j'aurai préparé mes deux bruns avec mon pinceau rond taille 10, je vais commencer à peindre sur le tronc de l'arbre. Je vais me frayer un chemin vers le haut en partant du bas et je vais travailler rapidement afin de ne pas me retrouver avec bords nets et définis autour des formes que je peins. Parce que n'oubliez pas que maintenant que nous peignons sur du papier sec, les objets vont sécher assez rapidement. Je veux donc faire avancer les choses. Si je n'ai plus de peinture en cours de route, je recharge rapidement les poils de mon pinceau et je reviens rapidement là où je m'étais arrêtée, afin de ne pas me retrouver sans bord tranchant lorsque je fabrique mon tout en haut, vers ces branches, c'est juste la pointe de mon pinceau qui entre en contact avec mon papier. Et je suis en train de monter et de sortir. Cela m'aide à créer ce look fuselé. Une fois que le brun le plus clair a été peint, j'ajoute un peu de brun plus foncé dans certaines zones d'ombre, en particulier dans la partie inférieure de la base de ce tronc d'arbre, et certaines sections de ces branches juste en dessous des feuilles. Comme vous pouvez le voir, parce que j'ai laissé tomber dans mon mur brun foncé brun clair initial était encore humide. Le brun foncé a fusionné et créé un léger dégradé dans ce brun plus clair. Je passe à mon pinceau rond de taille 3, mon plus petit pinceau. Et je peins dans les branches que on peut voir à travers certaines de ces feuilles. J'utilise le brun foncé pour cela, mais vous pouvez voir sur ma palette qu'il y a beaucoup d' eau dedans et j'en prends juste une toute petite quantité. Encore une fois, j' essaie de garder les choses subtiles et de ne pas créer lignes ou de marques nettes et gênantes où que ce soit. Je préfèrerais utiliser des branches plus claires et ensuite devoir assombrir certaines parties de ces branches. Ensuite, optez pour une couleur trop foncée ou trop saturée. Je veux que ces branches soient très fines et effilées au fur et à mesure que je me dirige vers la fin. Donc, comme pour les brins d'herbe, je voulais faire un seul trait et je veux faire un mouvement de scintillement pour que cette extrémité soit très, très fine, très étroite, assombrissant certaines parties de mon des branches ici et là. Et c'est tout. J'en ai fini avec la peinture sur le tronc et les branches. Nous sommes donc officiellement dans la toute dernière phase de ce processus de peinture. À ce stade , je cherche simplement à faire noir dans certaines sections et peut-être à ajouter un peu plus de détails sur les éléments les plus proches de nous en tant que spectateur de la scène. En ajoutant un peu plus de contraste, en augmentant la plage de valeurs. ajoutant peut-être un peu plus de détails dans les sections les plus proches de nous et dans les éléments les plus proches, nous allons améliorer cette sensation d' espace ouvert et de profondeur dont je viens de parler. C'est ce que nous dit la perspective aérienne et la façon dont nous voyons les choses dans la vie réelle. choses les plus proches de nous seront plus détaillées et leur valeur sera plus sombre que celles qui sont plus éloignées. Ainsi, en reprenant ces idées que nous donne la perspective aérienne, nous sommes en mesure d'apporter beaucoup plus de réalisme et de profondeur à nos pièces. OK, donc ce que je fais ici, l'aide de mon pinceau rond taille 10 c'est que j'utilise ces mélanges de couleurs que j'avais déjà créés pour la spécialité des zones aquatiques, le violet et le bleu plus foncé. Le violet est donc mon mélange de bleu cobalt , puis d'un tout petit peu de ma Scarlett profonde et mon bleu plus foncé est mon bleu cobalt plus une teinte neutre. Et ce que j'ai fait, c'est simplement assombrir certaines formes d'ombres le long des bords de la rivière dessous et autour de certains de ces rochers, approfondissant et en assombrissant les zones d'ombres les plus sombres et en augmentant cette plage de valeurs. Remarquez à quel point mes formes d' ombres les plus sombres sont abstraites et irrégulières. Je ne crée pas de formes lourdes et en blocs et je ne crée vraiment aucun type de contour autour de ma rivière. n'y a pas de lignes, de contours et réalisme parce que je peins sur du papier sec, il me reste des bords nets autour de ces formes d'ombres. Vous pouvez certainement adoucir ces bords ici et ils utiliseront un pinceau propre et légèrement humide si vous le souhaitez. Mais je n'ai pas fait grand-chose du tout. Après cela, j'assombrit certaines petites formes d'ombres sur les rochers, et cette fois parce que je vais juste assombrir de petites formes d'ombres plus foncées. J'y suis allée avec mon pinceau rond taille 3. Je cherchais simplement à creuser et à découper les parties les plus sombres de ces rochers. Encore une fois, augmenter la plage de valeurs et donner à ces roches une plus grande impression de forme tridimensionnelle. La plupart du temps, je fais noircir ces sections dans les rochers les plus proches de nous. Je n'ai rien ajouté de plus détaillé sur les rochers les plus éloignés. Maintenant, j'ai des reflets, j'ai des nuances de translucidité très claires. J'ai des gris moyens et des gris très, très foncés dans mes rochers. Ils contiennent donc une gamme de valeurs assez large. OK, quelques dernières choses. Je voulais vraiment assombrir cette ombre juste en dessous des arbres, au-dessus de la ligne d'horizon. J'ai l'impression que les choses se sont un peu trop allégées en séchant. Donc, tout ce que je fais ici, c'est de manière très souple je crée des formes d'ombres abstraites allongées au-dessus et au-dessous de la ligne d'horizon. Et j'y vais avec mon vert clair et mon vert moyen. Je n'opterai pas pour le vert le plus foncé car je ne veux pas créer trop de valeurs très sombres dans ces zones très éloignées de nous. J'ai peint dans quelques-unes de ces formes. Ensuite, j'enlève cette douleur aux poils de mon pinceau et je vais adoucir un peu les bords afin d'éviter les lignes, les marques ou les marques qui me distraient ou quoi que ce soit d'autre, en particulier dans cette section si éloignée de nous. Il s'agit d'entrer avec un pinceau propre et légèrement humide et d'adoucir certains de ces bords. Ici, je suis en train d'assombrir certaines formes d'ombre dans les arbustes, au milieu et ici même dans l'arbuste, juste en dessous de l' arbre le plus proche de nous, en utilisant mon vert moyen et mon vert le plus foncé. Et après cela, je vais enfin ajouter un peu plus de détails et de texture sur les feuilles de cet arbre le plus proche de nous. Pour cela, je vais utiliser mon vert moyen et la technique d'équilibrage avec mon pinceau rond taille 10. Vous remarquerez à quel point je déplace et modifie l'angle sous lequel j' utilise mon pinceau. Je fais pivoter ma main et mon bras pour créer une grande variété d' angles dans lesquels je crée ces formes. Et tout ce que je fais, c'est de toucher le bout de mon pinceau à mon papier pour créer une petite forme de feuille qui rebondit Il vous suffit d'appuyer votre pinceau sur votre papier et en permettant à cette forme de pinceau de créer une petite forme pour vous, en fonction de la taille de la forme que vous souhaitez. Vous n'avez touché que le bout ou vous posez tout le ventre de votre pinceau sur votre papier. Parce que je veux de très petites feuilles. Je suis juste en train de toucher le bout de mon pinceau à mon papier. Vous pouvez voir comment ce rebond m' a permis de créer un peu plus de détails dans l'arbre le plus proche de nous Il est important de ne pas exagérer ce détail. Très bien, mon ami. Et maintenant, nous en avons terminé avec ce dernier paysage à l'aquarelle. Si vous avez atteint ce stade du cours, félicitations, ce n' est pas facile à faire. J'espère sincèrement que vous serez en mesure de vous offrir ces trois paysages d' il y a quelques années, ou du moins quelques-uns d'entre eux. Et que tu as beaucoup appris dans ces cours. Et si vos paysages ne se sont pas déroulés comme vous le souhaitiez dès le premier essai, je vous recommande vivement de donner un second au même paysage. Allez-y, en gardant à l'esprit tout ce que vous avez appris du premier coup. Même pour moi, je dois souvent travailler deux ou trois fois sur la même pièce avant d'apprécier le résultat final. Et c'est tout à fait normal. Très bien, ça va suffire, euh, pour ce cours. Je te verrai dans la vidéo finale. 18. Merci !+ Conclusion: Vous en êtes arrivé là, félicitations. J'espère vraiment que ce cours vous plaira et que vous aurez appris de nombreuses nouvelles choses que vous pourrez emporter avec vous dans de futurs paysages à l' aquarelle N'oubliez pas de partager votre travail dans l' onglet Projets et ressources de Skillshare J'ai hâte de voir votre travail et de répondre à toutes vos questions ou commentaires dont vous pourriez avoir besoin. Suivez-moi ici sur Skillshare car j'ai de nombreux nouveaux cours d'aquarelle venir pour vous et assurez-vous de consulter toutes les ressources gratuites que de consulter toutes les ressources gratuites je mets à disposition mon site Web, ma chaîne YouTube et sur Instagram, car chaque semaine, je vous partage des vidéos utiles et des publications pédagogiques et motivantes qui vous pédagogiques et motivantes qui vous restez constant et progressez dans votre parcours artistique. Merci beaucoup de vous être joint à moi sur ce point. Je vous souhaite une excellente fin de journée. Profitez de votre pratique artistique et à très très bientôt.