Masterclass sur l'aquarelle Procreate : améliorer vos compétences en peinture numérique

1. Introduction: Vous avez commencé à peindre à aquarelle numérique et en connaissez les bases, mais vous vous sentez bloqué ou vous ne vous améliorez pas ? Nous nous préparerons à approfondir l'aquarelle numérique avec mon nouveau cours de niveau intermédiaire. Salut, je suis Nathan Brown. Je suis artiste et illustratrice professionnelle depuis 25 ans, et je suis absolument amoureuse de l'aquarelle numérique Je suis le créateur du set de pinceaux à aquarelle Master le plus vendu, ainsi que du master class Procreate Watercolor , tous deux créés pour partager mon expérience et mon amour de ce partager mon expérience et mon amour J'ai développé ce cours pour approfondir encore vos compétences en aquarelle Nous aborderons tout, de la recherche de l'inspiration à la manière de l' inclure dans votre travail. Découvrez comment développer des idées et des concepts et les transformer en dessins à peindre Nous aborderons toutes les techniques d' aquarelle dont vous devez vous souvenir, ainsi que les pinceaux et les méthodes les mieux adaptés pour les créer. Nous examinerons également la composition, les valeurs et l'harmonie des couleurs selon une approche légèrement différente afin de vous aider à les intégrer à votre processus. Après quelques exercices pratiques, nous aborderons le projet de cours final en plusieurs étapes faciles à suivre. J'utiliserai l'iPad et Procreate pour ce cours et j'inclurai les pinceaux et le canevas que j' Je vous fournirai également mes croquis à partir desquels vous pourrez peindre, ainsi que des instructions et des informations vous permettant de créer votre propre croquis si vous préférez. Alors rejoignez-moi dans mon studio pour ce cours unique sur l'aquarelle Je l'ai filmé en tête-à-tête, dans un style super décontracté. Cela crée une expérience plus libre et plus légère, ce qui vous permet de vous immerger dans le processus de création et de réduire la pression que vous pourriez ressentir lors d'autres Alors, prenez votre iPad et préparez-vous à plonger plus profondément dans le monde de l'aquarelle numérique 2. Trouver de l'inspiration: Bonjour, et bienvenue dans ce tout nouveau cours. Je suis très heureuse que vous soyez là et j'ai hâte que nous y réfléchissions. Maintenant, si vous connaissez certains de mes cours précédents, celui-ci va être un peu différent parce que je le tourne de manière à ce qu'il y ait moins de séquences intercoupées et qu'il y ait moins de dialogues scénarisés Je viens de recevoir les caméras, et j'espère que cela créera une atmosphère plus agréable, comme si vous veniez dans le studio et que nous étions veniez dans le studio et que nous étions juste en train de traîner ensemble , d'avoir une conversation, faire de l'art et d'apprendre. Maintenant, si vous avez suivi mon précédent master class Procreate Watercolor, vous savez que ce cours a commencé concepts fondamentaux et pour débutants, puis qu'il est progressivement passé à des notions de niveau plus avancé Mais cela n' a vraiment touché que cette zone. Dans ce cours, nous allons donc passer plus de temps à aborder plus en profondeur des concepts plus intermédiaires. D'accord ? Dans cette première leçon, nous allons donc voir comment trouver l' inspiration, puis comment l' appliquer à notre propre travail. Trouver l'inspiration est une chose, mais l'appliquer à notre propre travail en est une autre. J'ai donc présenté quelques exemples, et nous allons les examiner. Mais d'abord, je voulais parler du fait qu'il y a vraiment deux sources, à mon avis. Il y a deux sources d'inspiration. Nous pouvons trouver de l'inspiration dans le travail d' autres artistes, et cela pourrait être un artiste du passé Il pourrait avoir 100 ans. Il peut s'agir de quelque chose qui vient d'être publié hier, d'un artiste que vous admirez et dont vous aimez le travail. Et la deuxième source est simplement le monde qui nous entoure, inspiration que nous puisons dans une promenade dans un parc ou dans une promenade en ville ou peut-être simplement dans la maison, la façon dont la lumière entre par une fenêtre ou quelque chose comme ça. Encore une fois, j'ai présenté des exemples des deux, et nous allons les examiner et voir ce que nous pouvons trouver. Très bien, mon premier exemple est tiré d'un artbook de l'artiste Bob Peak Bob Peak fait maintenant partie de ces illustrateurs que j'aime et que j'admire vraiment Il a beaucoup travaillé dans les années 60, 70 et 80, et c'était vraiment une période idéale pour les artistes qui réalisaient beaucoup d' illustrations commerciales et d' œuvres d'art de style traditionnel. Maintenant, la première pièce que j'ai marquée ici et que je voulais que nous regardions était celle-ci parce que je pense que c'est une illustration de mode parce que c'est une illustration de mode parce le chapeau qui contient le plus de détails. Mais ce qui m'a vraiment frappé dans celui-ci c'est ce fond vert uni, qui donne également la couleur au visage du modèle. Ce qui a vraiment attiré mon attention, c'est ce rouge vif aux couleurs complémentaires. Ainsi, le vert et le rouge sont des couleurs complémentaires opposées l'une à l'autre sur la roue chromatique, et ce rouge est vraiment le point culminant. Donc, en voyant quelque chose comme ça, vous savez, comment pourrais-je intégrer cela dans mon propre travail ? Eh bien, peut-être que je fais une illustration. C'est peut-être un portrait d'animal ou le portrait d'une personne, et je remplis simplement l' image entière d'une couleur unie. C'est peut-être une couleur cool, comme bleu, le violet ou le vert comme ça. Et j'utilise un surlignage brillant comme celui-ci. La gratuité crée un contraste de couleurs vraiment incroyable. Donc, avec le violet, ce serait peut-être un jaune vif dans le surlignage ou quelque chose comme ça. J'aime aussi beaucoup la façon dont ce détail moins important est simplement griffonné Par exemple, c'est fait très vite, et c'est juste ce genre de gribouillage qui crée une texture vraiment agréable donc de multiples aspects de cette image dont on peut s'inspirer. En regardant un autre, celui-ci m'a marqué et a attiré mon attention à cause des éclaboussures ou de la façon dont elles sont incorporées à la composition, et elles ressemblent en quelque sorte à des points de lumière, ce que j'aime vraiment beaucoup Et je trouve que c'est une utilisation vraiment incroyable des éclaboussures. Maintenant, je pense aussi qu' ils ont été peints individuellement. Par exemple, ce n'est pas une vraie éclaboussure. C'est, par exemple, peint intentionnellement point par point. Si je dis cela, c' est parce que cela correspond parfaitement à la composition, cela ne fait qu'ajouter à l'éclairage de la pièce et que cela semble très, très intentionnel plutôt que très intentionnel plutôt taper des éclaboussures au hasard sur la pièce, ce que je fais souvent Donc, comment intégrer ce type d' inspiration dans mon propre travail serait d' essayer de peindre des éclaboussures individuelles et de les rendre très intentionnelles et très directionnelles pour voir si je pouvais les intégrer davantage dans la composition globale de mon Donc, en revoyant le travail de Bob Peak, celui-ci m'a également marqué en raison du noir et rouge, principalement uni, qui met vraiment en valeur le point d'intérêt ici, le point central de cette image. J'aime aussi ces quelques lignes griffonnées parce que cela crée du mouvement dans la pièce Je trouve ça vraiment cool parce que les personnages ont eu l' impression qu'il était peut-être en train de plonger. Je pense que c'est peut-être sept heures, et il est peut-être en train de plonger ou d'esquiver quelque chose, et cela crée juste un beau mouvement dans ce qui serait autrement une image statique J'adore donc ces lignes et ce qu'elles créent. Maintenant, comment pourrais-je m'en servir ? Eh bien, peut-être que je vais intégrer une sorte de lignes ou de vagues griffonnées dans ma prochaine pièce qui essaie vraiment d'intégrer un tel mouvement Alors que nous étudions le travail d'autres artistes, je veux que vous remarquiez et que vous compreniez que je ne compare pas mon propre travail à celui de ces artistes Je ne dis pas qu' ils sont meilleurs que moi, et ils sont à un niveau que je n' atteindrai jamais, car c' est une façon très malsaine de voir le travail des autres artistes Vous voulez adopter cette approche dans un esprit d'apprentissage. Vous voulez donc examiner le travail de quelqu'un et vous demander qu'est-ce que je peux en tirer ? Que puis-je comprendre de ce que pensait l'artiste ? Qu'est-ce qui me plaît dans cette œuvre ? Que puis-je apporter à mon propre travail ? Garder cet état d'esprit est une façon saine d' utiliser le travail d'autres artistes comme source d'inspiration plutôt comme source de comparaison. D'accord ? Jetons donc un coup d' œil à un autre exemple. Vous savez, c'est une couverture de bande dessinée l' artiste Bilsonkevich Maintenant, celui-ci utilise beaucoup de couleurs vraiment géniales, mais ce que je remarque le plus celui-ci, ce sont les éléments de composition, la façon dont le point focal trouve en quelque sorte dans ce cadre carré, façon dont le point focal se trouve en quelque sorte dans ce cadre carré, et il y a ces lignes qui passent et les lignes qui entrent passent et les Ces navires sont en train de partir. Mais ce qui se passe, c'est que les lignes arrivent et pointent vers le point focal ou le sujet principal. Maintenant, ce que je fais souvent dans mon travail, c'est d' encadrer le sujet principal dans une boîte comme celle-ci. Et il y a aussi quelque chose de vraiment cool dans tout ça c'est de casser le bord de ce cadre ou de cette boîte. Et cela se produit en fait plusieurs fois parce qu'il y a cette boîte intérieure avec d'autres personnages qui cassent le cadre. Je pense que briser le cadre de cette façon est une très belle astuce de composition que vous pouvez toujours appliquer à votre propre travail. J'en jette un coup d'œil à un autre. Il s'agit d'un guide télévisé, publié du 4 au 10 juin 1983. Encore une fois, c'est un peu comme cette illustration commerciale de l'âge d'or, parce qu'il s'agit d'une couverture de guide télévisé. Cela aurait été dans un kiosque à à la caisse de l'épicerie. Et c'est juste cette magnifique œuvre d'art qui était presque là comme quelque chose que l'on achetait puis que l' on jetait. Et c'est incroyable pour moi que ce genre d'art soit si omniprésent et si courant. Donc, l'artiste, son nom de famille, sa signature, c'est Dudash Je connais un peu moins cet artiste, mais cette œuvre en particulier est tout simplement incroyable pour moi. Je pense que c'est peut-être un média à base d' eau. C'est peut-être du guash. Mais ce qui attire vraiment mon attention, c'est la façon dont les personnages sont tracés avec cette sorte de contour épais et multicolore. Et je pense que ce qui s' est passé ici ou une partie du processus pour l'artiste a peut-être été de prendre une partie de cette couleur au-delà du bord de ces personnages , puis de la recouvrir d'une couleur blanche ou d' une sorte de crème. Et cela crée une bordure de couleur un peu abstraite qui dépasse légèrement la bordure. J'aime aussi la façon dont le bleu de son chapeau passe dans l'ombre là-bas, et ça lui vient aussi un peu dans les yeux. Également les contours sombres de cet hélicoptère et de cette voiture. Au lieu d'être noir, c'est à nouveau le même bleu, et je trouve que c'est un petit aspect vraiment cool. L'orange des tons chauds de la peau contre le bleu crée un très beau contraste de couleur. Maintenant, si je devais essayer intégrer quelque chose comme ça dans mon propre travail, je pourrais essayer de laisser peinture déteindre sur la bordure, puis de revenir avec du blanc et de le remplir simplement pour voir quel type de bords cela créerait D'accord, il s' agit donc de regarder le travail d'autres artistes et de le considérer comme une source d'inspiration et de retirer certains éléments ou certaines choses, processus que nous pourrions intégrer dans le nôtre Aujourd'hui, dans mon atelier, il regorge d'œuvres d'art et d'artistes que j'admire et dont je m'inspire de temps à autre. Par exemple, si je suis bloqué sur quelque chose, je peux prendre l'une de ces couvertures, l'un de ces livres, une affiche ou une affiche de film, l'étudier et me demander une affiche ou une affiche de film , vous savez, quoi pensait cet artiste lorsqu'il a fait telle ou telle chose, puis essayer de laisser cela à quoi pensait cet artiste lorsqu'il a fait telle ou telle chose, puis essayer de laisser cela absorber et appliquer à mon propre travail. Examinons quelques exemples de sources d' inspiration dans le monde qui nous entoure, dans notre maison, lors d'une promenade, pendant que nous sommes en ville ou autre, et comment nous pourrions l'appliquer à notre propre travail. Très bien, regardez cette photo, qui est facilement quelque chose que nous aurions pu prendre en nous promenant dans la rue inspirer ou peut-être que ce qui a attiré notre attention, c'est la façon dont la lumière du soleil frappe ce mur et traverse la scène comme ça Maintenant, si nous remarquons ici, ce mur est une sorte de couleur neutre, une sorte de beige. Donc, ici-bas, c'est dans l'ombre, et là-haut, c'est là que la lumière du soleil frappe. Donc, si on regarde, la couleur ici est très chaude. C'est un peu cette couleur beige chaud. Et puis, en prenant un coup d'œil ici dans l'ombre, regardez comment ça saute jusqu'à ce gris bleuté. Maintenant, en le regardant, nous savons qu'il est de la même couleur. Ce mur est de la même couleur. Mais en échantillonnant ces deux éléments, nous pouvons voir quel type de saut se produit dans l'ombre et dans la lumière. Alors, comment pourrions-nous nous en inspirer et l'utiliser dans notre travail ? Donc, si nous y jetons un œil, nous avons peut-être le croquis d'un oiseau. Maintenant, cela peut être n'importe quoi de couleur unie, peut-être le ton de la peau de quelqu'un ou un mur de briques, comme sur la photo ou quoi que ce soit d'autre. Mais nous allons utiliser le même concept pour nous aider dans notre sélection de couleurs. Alors peut-être que cet oiseau est principalement orange. Dans le ton, puis dans la lumière là où la lumière entre en contact, il sera de cette sorte de couleur orange. Et puis ce qui tombe dans l'ombre est tout bleu. Il suffit de prendre un concept aussi simple que celui-ci, et peut-être que la lumière se brise, et ça fait comme un motif sur sa poitrine. Quelque chose d'aussi simple que cela, qui est l'inspiration que nous avons tirée de cette photo. Maintenant, peut-être que nous sortons la rue et que nous sommes dans un parc et que nous prenons simplement cette simple photo d'un oiseau sur une branche. Maintenant, les couleurs sont toutes très neutres sur cette image. Maintenant, j'aime cette sorte de ton brunâtre, sorte de sienne en forme d'oiseau, par rapport à tous ces tons rapport à tous ces Mais dans l'ensemble, l'image entière, même l'oiseau lui-même, est un peu neutre. Mais ce que nous pouvons en déduire, ce que je trouve très intéressant, c'est toutes ces branches réduisent la taille de mon pinceau. Toutes ces branches qui sont en quelque sorte éparpillées dans l'image, donnant juste un aspect sympa à l'image. Il pourrait être utilisé, je pense, comme élément de composition. Et si nous dessinions ou peignions un oiseau et que nous utilisions les branches pour encadrer le sujet d'une manière intéressante, quelque chose qui pourrait simplement intégrer attirer l'attention du spectateur et définir notre point focal. Nous pourrions donc nous inspirer de quelque chose comme ça juste pour nous aider à développer une composition intéressante. Hein ? Alors maintenant, peut-être que nous sommes rentrés chez nous. Peut-être qu'il pleut dehors, que nous sommes coincés à l'intérieur et que nous avons les fenêtres ou simplement des moyens intéressants lesquels l'éclairage entre dans la pièce depuis l'extérieur et dont nous pourrions nous inspirer Donc, en regardant cette fenêtre, nous pouvons voir que l' image elle-même est plutôt bien encadrée parce que nous avons ces plantes qui font en quelque sorte cette vue en diagonale ici. Mais ce que je trouve le plus intéressant cette image, c'est la palette de couleurs. Donc, si nous devions retirer certaines de ces couleurs il y aurait peut-être de belles couleurs froides. Mais ensuite, nous avons cette très belle sorte de brun chaud ici, en bas, qui arrive. Maintenant, si nous y jetons un œil, vous pourriez penser que c'est noir, mais ce n'est pas le cas. C'est juste une sorte de jaune orangé foncé, presque noir mais pas tout à fait. Même chose avec ça. Sur l'image, vous pourriez penser que cela devient plus clair, que cette couleur de lumière devient plus claire qu'elle ne le fait, mais ce n'est pas le cas en réalité. Il nous reste encore beaucoup de place ici avant de passer au blanc pur. Il y a beaucoup de place pour les moments forts. Donc, le simple fait de tirer le schéma de couleurs de cette image, de s'inspirer des couleurs présentes cette image donne vraiment naissance à de nombreuses idées créatives ou à des façons d' utiliser ce type de palette de couleurs vertes froides sur ces bruns utiliser ce type de palette de chauds Je trouve donc incroyable que l'inspiration soit omniprésente. Il y en a partout, tout le temps. C'est tout autour de nous. Et c'est un carburant créatif, le sachant. C'est un carburant créatif pour mon cerveau, savoir que je peux simplement trouver quelque chose qui suscite de la créativité, peu importe où Et je veux que tu essaies un devoir en trois parties pour cette leçon. d'abord, je veux que vous trouviez un artiste que vous admirez vraiment, que vous aimiez vraiment, que vous regardiez son travail, sans le comparer au vôtre. Je veux juste dire, trouvez un aspect que vous aimez et voyez si vous pouvez en tirer quelque chose et peut-être l' intégrer à votre propre processus, quelque chose que vous trouvez vraiment intéressant. Et je ne parle pas non plus de copier. Je tiens à être très précis à ce sujet car il ne s'agit pas de copier le travail de quelqu'un si vous utilisez simplement une sorte de processus ou une sorte de petit élément que vous pouvez apporter, puis vous pouvez éventuellement vous l'approprier une sorte de processus ou une sorte de petit élément que vous pouvez apporter, puis vous pouvez éventuellement et y ajouter votre propre style Ensuite, la deuxième chose à faire est de trouver l'inspiration autour de vous, comme chez vous ou lors d'une promenade dans votre quartier. Peut-être, encore une fois, c'est la lumière qui passe par la fenêtre. Ce sont peut-être les couleurs d'un mur de briques ou peut-être une couverture de livre que vous avez sur la table basse, tout ce qui vous entoure dont vous pouvez vous inspirer Et la troisième partie est à partir de maintenant, ne quittez jamais votre domicile sans un téléphone avec un bon appareil photo ou un petit appareil photo portable que vous pouvez emporter avec vous, ou si vous êtes de la vieille école, ou si vous êtes de la vieille école, peut-être s'agit-il d'un bloc-notes ou d'un carnet de croquis, un petit carnet de croquis dans lequel vous pouvez noter quelques idées ou quelques Juste quelque chose que vous pouvez enregistrer certaines idées que vous voyez le moment et dont vous pouvez vous souvenir pour vous aider à vous en souvenir et à utiliser plus tard dans votre travail. Ce sont donc toutes des choses qui vont alimenter votre créativité et vous aider à susciter des idées et à apporter de l'inspiration à votre travail. Dans le prochain article, nous allons donc examiner la combinaison de certains éléments. Il faut donc intégrer plusieurs images de référence et combiner ces éléments pour créer une seule image ou une seule idée pour une œuvre d'art. Très bien, alors je t'y verrai. 3. Créer des concepts à partir de références: OK, nous avons donc simplement examiné comment trouver l'inspiration, où la trouver, comment l'intégrer dans notre propre travail et comment l'intégrer dans notre cerveau artistique, n'est-ce pas ? Alors maintenant, dans celui-ci, nous allons voir comment rassembler différentes références et comment générer des idées pour des peintures potentielles. Nous pouvons donc utiliser cette inspiration, et nous pouvons peut-être avoir un arriéré d'idées différentes, de différents concepts pour les travaux futurs Ce que j'ai fait ici, c'est que j'ai rassemblé quelques références, des images de référence de toutes sortes, et nous allons les examiner ensemble et voir ce que nous pouvons faire pour les rendre plus intéressantes, pour leur donner un peu d'intérêt afin créer une image vraiment attrayante. D'accord ? Allons-y et jetons un coup d' œil aux références que j'ai trouvées ici. J'ai donc beaucoup de chats. J'ai un chien, un lapin, quelques portraits. Fleur Maintenant, beaucoup de chats parce que j'aime les chats. Donc, si vous aimez les chiens, soyez cool, non ? J'ai donc aussi un chien ici. J'adore faire des portraits d'animaux de compagnie. Si vous avez déjà suivi l'un de mes travaux, vous avez vu de nombreux portraits d'animaux de compagnie, donc c' est vraiment amusant à faire. Et je pense que nous pouvons vraiment les prendre et peut-être les pimenter un peu au-delà d'un portrait d'animal de compagnie normal. Maintenant, une chose à propos des portraits d'animaux de compagnie, que je tiens à mentionner ici, c'est que si , par exemple, c'est notre chat, si c'est mon chat, cela m'attire émotionnellement parce que c'est mon animal de compagnie, ou s'il s' agit d'un portrait d' animal commandé, cela attirera émotionnellement cela attirera émotionnellement le client ou la personne pour laquelle vous le peignez. Mais pour le grand public, nous devons probablement faire quelque chose pour le rendre un peu plus intéressant, pour lui donner une touche universelle afin que ceux qui le regardent puissent le vouloir. Il s'agit peut-être d'un tableau ou d'une estampe que nous vendons, ils le voudront peut-être, même s'il ne s'agit pas de leur chat, mais il y a quelque chose d' amusant et d'attrayant dans la peinture. D'accord ? Voyons donc comment nous pourrions faire quelque chose comme ça. J'ai donc trouvé cette image de référence de ce chat. Maintenant, ce qui m'a marqué dans celui-ci, bien sûr, les yeux bleus. OK, donc ils se démarquaient vraiment de toutes ces sortes de blancs et de gris monotones sur l'image Donc je garde celui-ci avec celui-ci ici avec le papillon parce que, oh, ouah, il y a un chat avec un papillon sur le nez. Je veux dire, c'est incroyablement mignon. Et c'est un peu ce que je veux dire quand je parle d'un attrait plus universel parce qu'il se passe quelque chose ici qui va inciter tout le monde à dire  : Oh, euh, oh, c'est tellement mignon. Tu sais, je dois avoir cette image et, tu sais, accrochée à mon mur ou, tu sais, à un endroit où je peux la voir souvent De plus, les couleurs sont vraiment superbes. J'aime aussi le bleu et les oranges dans celui-ci. Cela m'a donc vraiment marqué. Alors, en voyant ces deux images de chats ensemble, je me suis demandé, vous savez, que puis-je faire avec les deux pour les rendre un peu plus intéressantes ? Maintenant, j'adore l'idée du papillon sur son nez, mais cela obstrue en quelque sorte une partie du visage du chat Alors je me suis dit : « Eh bien, que pouvons-nous faire à ce sujet ? Parce que nous voyons une plus grande partie de son visage ici ». Donc j'ai l'impression qu'un papillon sur son nez, vous savez, va obstruer une grande partie de son visage ici Je ne voulais donc pas faire ça. Et j'ai aussi pensé que j'aimais l'angle sous lequel le chat regarde. Alors je me dis : D'accord, eh bien, peut-être que nous pourrions faire une sorte de composition rectangulaire Vous savez, où le chat est peut-être un peu dans une scène mais qu'il est partiellement en casser le cadre, ses oreilles, sa tête ou le cadre. Et peut-être qu'il y a peut-être un champ herbeux, vous savez, peut-être qu'il y a des fleurs qui cassent un peu le cadre ici, quelque chose comme ça Ensuite, nous pourrions probablement déposer ce papillon ici, et il est sur le point de se poser sur son nez. Cela ne s'est pas encore produit. Il regarde donc le papillon. Et ce que nous avons fait ici, c'est que nous avons en quelque sorte créé cette scène intéressante. Maintenant, cela m'attire plus universellement qu'un simple portrait de chat. D'accord. Maintenant, jetons un coup d'œil à un autre chat, celui-ci m'a aussi marqué à cause de ses oreilles. Les oreilles sont vraiment grandes et ce reflet dans les yeux est un superbe portrait de chat avec un très bon éclairage. Mais maintenant, que pourrions-nous faire à celui-ci pour lui conférer certain attrait universel ? Donc, une chose à laquelle je pensais serait d' ajouter peut-être des écouteurs. Peut-être écoute-t-il de la musique, et c'est ce qui lui donne cette expression. Maintenant, nous devrions probablement faire quelque chose avec les oreilles car la partie supérieure du casque peut être un peu obstruée, ce qui pourrait obstruer un peu les oreilles Mais ça pourrait être très amusant parce que c'est comme : «   Eh bien, j'adore la musique. J'adore les chats. J'ai besoin de cette image. Cela me plaît vraiment parce que c'est un chat aux yeux écarquillés, oreilles bien garnies qui écoute de la musique Mais essayons-en un autre parce que j' aime beaucoup celui-ci, et je pense qu'une autre chose qui pourrait fonctionner pour celui-ci serait peut-être une sorte de chapeau amusant. C'est peut-être un chapeau d'hiver. Maintenant, ce serait probablement simplement nous enlèverions complètement les oreilles parce qu'elles seraient rentrées dans le chapeau Et peut-être qu'il porte ce grand foulard. Tu sais, quelque chose comme ça peut être vraiment amusant à faire, amusant à peindre. Et encore une fois, cela lui donne un attrait amusant et universel. Je vis dans un climat froid ou c'est Noël. C'est les fêtes, peu importe ce que c'est, tu sais, peut-être que le chapeau peut être rouge et le foulard vert, quelque chose comme ça qui donne un peu d'attrait, du genre « Oh, je veux cette image ». J'adore ce tableau. J'adore ce tableau. Ce lapin m'a vraiment marqué, et j'adore surtout sa forme, non ? C'est une superbe image complète de ce lapin Et je pense que c' est aussi cette expression qui a attiré mon attention . Et je pense juste que je donne de la personnalité. Mon imagination donne de la personnalité à ce lapin qui, vous savez, n' existe probablement pas, bien sûr. Mais je ne peux m'empêcher d' imaginer ces moustaches. Je veux dire, c'est une si belle image. Je me demande donc, vous savez, que pourrions-nous faire à ce lapin qui pourrait simplement le frapper un peu au-delà du portrait d'un lapin vraiment mignon. Donc, c'est parce que les yeux sont sur le côté de la tête ici. Je ne peux m'empêcher de penser qu'il a ces grandes lunettes, tu sais, quelque chose qu'un lapin n'aurait jamais voulu dire, je le sais déjà. Je vais probablement devoir le peindre parce que c'est tellement amusant. Et peut-être que les montures ou les côtés des lunettes devraient être placés derrière sa tête. C'est une gomme. Je pense que quelque chose comme ça serait vraiment très amusant. OK, en regardant notre chien ici, c'est notre dernier animal. Donc, celui-ci, je trouve que la forme générale est géniale. Et je pense que nous pourrions probablement ajouter un cadre à celui-ci également parce que je suis peu mon imagination qui le voit là. Et je vois de nombreuses opportunités de briser en quelque sorte les limites du cadre. Tu sais, c'est peut-être un peu mince comme ça. Et puis, vous savez, nous voulons probablement être en bonne forme. Pour la tête. Vous pouvez donc voir que je veux dire, cela doit probablement être peint aussi, parce que je trouve juste que c'est une très belle image. Vous savez, quelque chose comme ça où nous avons un beau cadre, donc la composition est plus haute que large Nous avons donc cette jolie composition qui ferait un superbe portrait de ce chien. Mais maintenant, que pourrions-nous faire à celui-ci qui pourrait bien l'embellir un peu plus qu' un simple portrait ? Permettez-moi donc de passer à une couleur rouge ici. Tu sais, des lunettes seraient géniales, mais on vient de le faire pour les lapins Alors peut-être qu'il a, tu sais, un grand foulard ou un grand col ou quelque chose qui serait cool. Mais je pense que cela briserait un peu notre composition. Peut-être qu'il a peut-être des lunettes de moto à l' ancienne, tu sais, quelque chose C'est juste qu'il est vraiment grand Peut-être que ce chien monte dans notre side-car jusqu'à notre moto. Et puis il a un bracelet pour le C'est un peu une esquisse, mais j'espère que vous pouvez voir où je veux en venir. Comme il roule dans le side-car de notre moto, il a parfois besoin de lunettes, et quelque chose à ce sujet me donne vraiment envie de le peindre Rien que ce concept, nous devrons peut-être même créer une version laquelle il est réellement dans le side-car, ce serait incroyablement amusant. Bon, maintenant nous avons un portrait. C'est donc un peu différent ici, car nous avons maintenant affaire à un portrait de cette femme. Alors maintenant je pense à la composition, d'accord ? Alors, quelle partie de ce portrait ? Parce que c'est quelque chose comme, vous savez, peut-être qu'elle est en train de déjeuner ou quelque chose comme ça, et, vous savez, quelqu'un a pris un téléphone et a pris ce portrait vraiment très simple. L'éclairage est très uniforme. Tu sais, ce n'est pas comme de la photographie de mode, pas comme ça. L'éclairage est très uniforme. Donc, ce que je remarque ici dès le départ, c' est que son regard est tourné dans cette direction, et cela me donne l' impression que nous pourrions faire certaines choses ici avec ses cheveux et peut-être ajouter des éléments ici autour de sa tête Mais pour commencer, je voudrais saisir quelque chose d' elle qui ajouterait à la composition ou créerait en quelque sorte la composition. Je pense donc à quelque chose comme ça où nous n'allons pas mettre tous ses bras, mais ses cheveux dans la composition. Peut-être quelque chose comme ça. Maintenant, elle pourrait être une sorte de personnage fantastique. Elle a donc peut-être ces fleurs, peut-être qu'elle a de grandes fleurs dans ses cheveux, des fleurs de tailles différentes Et peut-être qu'il y a des pièces florales. Comme s'il y avait peut-être des tiges qui ressemblent à des fougères qui sortent d'ici, quelque chose comme ça Et peut-être qu'à cause des fleurs dans ses cheveux, il y en a peut-être qui attirent des papillons Il y en a peut-être un. Il y en a peut-être deux ici qui sont de tailles différentes. Et peut-être que c'est une sorte de personnage de déesse florale, et peut-être qu'elle a ici un collier qui pourrait être vraiment orné. Peut-être qu'elle a, genre, un petit tatouage facial ou quelque chose comme ça, ça a quelque chose à voir avec qui elle est, peut-être. Quelque chose comme ça. Je veux dire, ça pourrait faire un personnage vraiment cool et très intéressant à peindre. Je déménage ici, près de notre fleur. Maintenant, on dirait que c'est un décor aquatique qui ressemble à l'eau là-bas en arrière-plan. Et je vois déjà une composition de type vertical, peu comme ce que nous avions ici avec le chien. Peut-être que la fleur constitue la base de notre composition globale. Il est donc plus haut que large, et cela nous donne de la place pour peut-être créer quelque chose dans cette zone. Peut-être qu'il y a peut-être une sorte de lavage, et peut-être que nous avons déjà fait des papillons, alors peut-être que celui-ci parce que c'est un réglage du type d'eau, peut-être qu'il y a un drag Whoops Il y a peut-être une libellule. Vous pouvez voir à quel point mes croquis sont approximatifs, et c'est juste pour que nous puissions nous faire une idée. Il s'agit simplement de générer rapidement des idées qui pourraient potentiellement devenir quelque chose. Vous n'avez donc pas à y consacrer beaucoup de temps. Tu n'as pas besoin de faire une tonne d'efforts pour te faire une idée rapide. Pensez-y presque comme à un carnet de croquis. Maintenant, en regardant ce dernier portrait, je vois qu'il y a deux choses qui font que c'est un portrait vraiment intéressant . Maintenant, j'ai d'abord pensé que nous avions parlé de ce que nous avions vu Bob Peak faire avec la couleur générale, puis les points forts étaient cette couleur réelle, juste lumineuse et complémentaire. Et je me suis dit : Oh, tu sais, si nous prenions quelque chose qui était juste, peut-être une sorte de couleur aqua qui donne l' impression. Eh bien, j'ai besoin de quelque chose de plus transparent pour que nous puissions voir quelque chose comme ça. Si toute la couleur de base était le vert aqua, le bleu aqua, et que nous avions, genre, ce jaune que nous pourrions utiliser pour souligner tous les reflets. C'était ma première idée, tu sais, faire quelque chose comme ça. Donc, toutes ces zones de surbrillance seraient les suivantes, comme le jaune, le jaune vif. Un peu comme ça. Puis je me suis dit : « Eh bien, mais nous faisons toutes ces autres choses vraiment cool ». Alors, que pourrions-nous faire pour rendre cela un peu plus intéressant ? Quel type d'élément pourrions-nous ajouter ? Parce que l'expression ici est juste une expression que je ne connais pas. C'est plutôt intéressant. C'est étrange. Il y a juste quelque chose que je ne sais pas là-dedans. C'est juste intéressant pour moi. Et si nous ajoutions quelque chose que je ne sais pas, juste une sorte de fantaisie, quelque chose à ajouter à cette expression et donner plus d'intérêt à l'ensemble de la peinture. Je me demande : et si nous ajoutions un poisson ici ? Il est peut-être en train de nager autour du cou. À quoi cela ressemblerait-il ? Et peut-être qu'étant donné qu'il y a un poisson dans cette scène, et s'il y avait des bulles ? Alors maintenant, quelque chose à ce sujet, c' est vraiment comme si suscitait déjà un certain intérêt portrait lui-même suscitait déjà un certain intérêt, mais c'est presque comme s'il avait été amélioré maintenant parce qu'il y a juste un aspect visuel cool ou un aspect visuel potentiellement intéressant. OK, donc ce que nous avons fait ici, c'est que nous avons pris toutes ces images de référence, et nous y avons ajouté un concept. Nous avons ajouté, encore une fois, ce niveau d'intérêt qui pourrait les pousser au-delà simples réinterprétations de la référence telle qu'elle est, vous savez, sans ajouter aucun élément Et je pense, encore une fois, que cela crée un intérêt visuel un peu amusant. Donc, comme mission pour celle-ci, j'aimerais que vous rassembliez au moins trois images de référence comme celles-ci, et elles peuvent être aléatoires qui attirent votre attention, quelque chose qui intéresse dès le départ, et je veux que vous ajoutiez une sorte d' élément sympa aux images que vous trouvez afin ajouter un attrait visuel général. vous créez cet arriéré de concepts que vous pourrez utiliser pour de futurs tableaux Maintenant, si vous avez du mal à penser à quelque chose, essayez de visualiser, par exemple, deux choses qui n'ont aucun lien entre elles. Par exemple, nous avions du chat et de la neige. Nous avions un lapin à lunettes. Nous avons mangé Potrit et du poisson. Vous avez peut-être un chien dans l'espace. Vous pourriez avoir un chat sur la plage ou papillon dans la neige ou quelque chose comme ça, juste deux choses sans rapport ou deux choses que vous n' associeriez pas normalement parce que cela peut ajouter de l'attrait et créer une image intéressante. OK, alors essayez cette mission , et dans la prochaine, nous allons commencer à faire quelques croquis de composition pour approfondir ces concepts, afin de les tester pour voir si nous voulons créer de futurs tableaux avec eux. Je serai donc là, et je serai prête quand tu seras là. 4. Transformer une idée en une ébauche: C'est bon. Dans cette leçon, nous allons essayer de reprendre certains de nos concepts de leçon précédente, puis de les affiner pour en faire une esquisse complète que nous pourrons ensuite utiliser dans nos peintures finales. Je considère donc qu'il existe vraiment trois méthodes différentes pour créer nos croquis, et elles sont les mêmes en ce sens que vous utilisez une sorte de guide pour créer l'esquisse finale. Mais chaque méthode a ses propres avantages et inconvénients. Nous allons donc aller de l'avant et y jeter un œil maintenant. J'ai donc retenu trois des concepts de la leçon précédente qui me tenaient le plus à cœur et qui, selon moi, pourraient constituer des croquis intéressants ou bons exemples pour réaliser nos croquis de bons exemples pour réaliser nos croquis et peut-être même notre peinture finale. Tout d'abord, j'ai ce lapin ici, et voici les croquis ou, désolé, les concepts s'ouvrent dans une application appelée VizRF Il s'agit donc d'une application que j'utilise pour gérer et suivre toutes mes images de référence pour des projets individuels. Et pour ouvrir un écran partagé comme celui-ci, il suffit de le faire glisser vers le haut depuis le bas. Et puis, lorsque ce petit menu apparaît, vous pouvez prendre Viz Rf et simplement le faire glisser jusqu'à ce que vous voyiez l'écran partagé, puis vous pouvez ajuster la largeur de l'écran qu'il occupe Revenons donc à ces trois méthodes pour créer nos croquis. La première que je veux examiner est simplement la méthode des mains libres. Et cela implique simplement de prendre et d'observer toutes les formes que vous voyez et de créer un croquis approximatif à partir de celles-ci Comme vous pouvez le voir ici, j' ai utilisé des formes et des formes de base pour générer un brouillon à partir duquel travailler. Donc je prends juste quelque chose qui fait peut-être trois cercles ici. Créez simplement le visage à partir de, puis imitez une forme générale ici. Il suffit d'étudier la référence et d'en tirer les grandes lignes. Et vous pouvez voir en le regardant que je veux dire, c'est vraiment très grossier, et je vais y aller et le peaufiner. Je vais utiliser le brouillon comme guide pour un croquis plus raffiné. D'accord ? Maintenant, le principal inconvénient de cette méthode est qu'elle va prendre le plus de temps. Et il utilisera probablement au maximum vos compétences en dessin, car vous vous fiez à votre propre perception des formes à partir de la référence. Mais je pense que l' avantage est que cela vous donne le plus de liberté pour créer votre propre interprétation, ce qui signifie qu'il n' y aura pas de représentation exacte de la référence. Cela ressemblera davantage à votre point de vue sur ce que vous voyez. Donc, pour vous donner un exemple, j'ai Whoops. Donc, mon lapin regarde plutôt le spectateur. Et puis, si nous examinons la référence, je pense qu'il a probablement l'air un peu plus décalé, un peu comme ça. D'accord ? Ce n'est donc pas une représentation exacte. Maintenant, encore une fois, je vais prendre ça brut et je vais en récupérer l'opacité Ensuite, je vais utiliser le brouillon comme guide pour créer un croquis plus raffiné. Je vais essentiellement créer un dessin au trait suffisamment raffiné pour pouvoir le faire si je voulais l'utiliser et le laisser visible dans le tableau final Parce qu'en ce moment, cette ébauche est probablement un peu trop rugueuse , griffonnée et rugueuse. Je veux donc quelque chose d'un peu plus raffiné auquel je prête attention, peut-être en tenant compte d'une partie de la fourrure, en créant de la texture avec mes lignes, ce genre de choses Donc, si je devais suivre et tracer l'intégralité du brut, je pourrais me retrouver avec quelque chose comme ça. Donc, si je désactive le brouillon, vous pouvez voir que le tracé des lignes est un peu plus net. Il a encore un aspect sommaire, et il y a encore beaucoup de place qui lui donne une apparence de main libre Mais il est suffisamment propre pour que je puisse certainement le laisser dans le tableau, je pense. Encore une fois, comme les aquarelles sont transparentes, vous verrez toujours les parties de l'esquisse visibles J'ai donc également créé une autre couche ici avec les moustaches et une autre couche pour les lunettes Donc, pour créer les lunettes, parce que si vous remarquez que c'est un dessin au trait vraiment très épuré, qui vous le montrera très rapidement. Lorsque vous créez une ligne et que vous la maintenez enfoncée, cela vous donne cette petite capacité d' édition dans Procreate qui vous permet d'affiner cette Parce que vous n'allez probablement pas créer une courbe aussi parfaite. Ainsi, lorsque vous le maintenez, vous pouvez presque le modifier comme une ligne vectorielle. Alors maintenant, si nous le dupliquons puis le retournons horizontalement, nous pouvons l'utiliser pour créer l' autre côté des lunettes. Il s'agit donc d'une petite astuce rapide pour obtenir forme plus raffinée dans vos croquis. D'accord. Examinons maintenant la méthode de la grille. Cette grille se trouve donc sur une couche séparée et elle est transparente. Vous pouvez donc l'apporter. C'est un fichier ping transparent, et je vais l'inclure dans les ressources du cours, et vous pouvez l'importer dans Vizref si vous le souhaitez Et comme elle est transparente, vous pouvez superposer une grille au-dessus de votre image de référence Maintenant, pour cette méthode, je pense que l'inconvénient de celle-ci est probablement qu'elle vous prendra également un peu plus de temps. Mais celle-ci permet une représentation plus précise de la référence par rapport à la méthode du globe oculaire et à main levée, à la main levée uniquement Mais cela laisse un peu de place à votre propre interprétation car vous tracez toujours des lignes en fonction de ce que vous voyez. Il va donc y avoir une petite marge de manœuvre ici. Disons donc, par exemple, c'est ici que je vais commencer à examiner ces quatre carrés. Je vais commencer par celui-ci, du bout de l'oreille. Je vais donc choisir quatre carrés ici et simplement tracer la même ligne ici, juste dessiner ce que je vois là dans la référence. Et ce qui est cool , c'est qu' il suffit de suivre, et la plupart du temps, je vais juste laisser mon doigt sur la référence pour me montrer où je me trouve. Et je trouve que cette méthode est plutôt cool parce qu'elle me donne une certaine liberté pour faire ma propre interprétation de la ligne, ce qui signifie que je peux rendre certaines courbes plus nettes, mais elle me permet également d' être assez précise en ce qui concerne la référence. Et je crée juste des formes en fonction de ce que je vois. Et la référence, une fourrure plus foncée, je ne fais que la transformer en formes. Et il suffit de regarder la référence d' avant en arrière. Nous ferions donc le croquis complet en utilisant cette méthode. Et si nous le faisions, nous pourrions nous retrouver avec quelque chose de plus similaire. Laisse-moi éteindre le réseau. Je pense donc que le dessin au trait qui en résulte est probablement suffisant pour être utilisé comme guide pour la peinture ou simplement pour peindre à partir de ce croquis Mais si vous le vouliez, bien sûr, vous pourriez reprendre l'opacité puis, sur un nouveau calque, commencer à créer votre propre esquisse plus raffinée Si vous vouliez une ligne plus propre, vous pourriez certainement le faire Maintenant, pour terminer cela, nous devons ajouter les verres et les moustaches sur une couche séparée Maintenant, l'examen de la méthode finale consiste simplement à créer une trace de la référence. Permettez-moi de clarifier quelques mythes, je suppose, peut-être, à propos de quelques-unes de ces méthodes ici. Maintenant, j'ai vu des commentaires et des personnes disant que l'utilisation de la grille ou même traçage est considérée comme de la triche Et je peux vous dire que rien n' est plus éloigné de la vérité, car pour être artiste, il faut faire preuve de débrouillardise Et si vous souhaitez utiliser un guide, une grille ou tracer une image pour créer votre pièce finale, votre processus est votre affaire, et la façon dont vous créez une image dépend entièrement de vous. La tricherie n'existe pas. Tant que vous mettez votre propre contribution créative, votre propre pensée créative, votre propre imagination créative dans tout ce que vous créez. J'ai suivi les illustrateurs par le passé et nombre d'entre eux, en particulier dans un environnement de production, recherchaient une référence Et comme c'est plus rapide et que vous utilisez essentiellement cette image de référence comme guide, comme nous l' avons fait avec le brouillon dans le premier exemple, vous l'utilisez simplement comme guide pour créer votre esquisse finale. Maintenant, je pense qu'il y a encore de la place pour jouer dans votre dessin au trait, vos formes et vos formulaires lors du traçage Je vais vous montrer comment faire. Mais je voulais juste dissiper une partie de la connotation peut-être négative qui a tendance à suivre le traçage recul, nous allons donc utiliser l'image elle-même comme brouillon. Encore une fois, si je devais simplement suivre ces lignes exactement telles qu'elles sont, nous pourrions avoir une image un peu plus statique qui un peu moins de vie parce que nous ne faisons que tracer une photo. Nous voulons donc être en mesure d' ajouter notre propre touche créative. J'ai donc tendance à vouloir le faire exactement de la même manière que je dessinerais. Cela signifie donc que je vais vous donner un exemple. Ce n'est pas ma phrase. Au lieu de cela, il est composé de deux angles différents, de quelques lignes différentes pour créer cet intérêt, touche qui éclairera l'illustration et qui se reflétera dans la peinture. OK, donc je ne veux pas simplement faire comme ça et faire glisser la ligne parfaite ou simplement une courbe. Je veux y ajouter de la forme, du dynamisme. Je veux le rendre plus dynamique. Comme vous pouvez le voir ici, nous allons nous retrouver avec quelque chose qui sera légèrement différent de nos deux exemples précédents. Encore une fois, je tiens à préciser que quelle que soit la méthode que vous utilisez, et peut-être que vous utilisiez une combinaison de ces méthodes pour créer votre esquisse finale, cela dépend entièrement de vous, et je ne veux pas que vous considériez le traçage comme ayant une connotation négative, car il n'y a absolument rien de mal à cela J'ai tendance à utiliser la méthode à main levée pour la plupart de mes croquis, mais je mesure et je prends le temps d'essayer d' obtenir des proportions précises, surtout si j' essaie d'être très fidèle à la référence. Et il m'arrive même parfois ouvrir la référence ci-dessous comme ça et de simplement mesurer ce que j'ai fait pour voir dans quelle mesure j'étais précis. Je pense également que c'est une excellente façon d'apprendre à dessiner, car si vous dessinez à partir d'une référence, vous pouvez simplement prendre cette référence, l' ouvrir en dessous sur un calque ouvrir en dessous sur et voir à quel point vous vous en êtes rapproché. Bon, maintenant nous pouvons voir que nous nous retrouvons avec quelque chose qui est plus proche de la référence et qui a un petit trait plus dynamique que le simple fait de tracer lignes droites et précises sur l'image Comparons-le donc ici à notre méthode à main levée. Et nous pouvons voir en comparant les deux que la méthode de traçage est beaucoup plus photoréaliste C'est plus fidèle au sujet. Mais la méthode des mains libres, bien qu'elle prenne beaucoup plus de temps, a un peu plus de personnalité en ce qui concerne l'artiste. J'ajoute probablement un peu plus de la mienne, ma propre interprétation de la référence. Bien que les deux aient du mérite, ils ont tous deux des avantages, je pense que c'est à vous de décider à 100 % de ce que vous utiliserez dans votre propre processus. Donc, comme devoir pour celui-ci, j'aimerais que vous repreniez un ou deux des concepts de la leçon précédente et que vous fassiez quelques croquis plus finalisés. Parce que nous allons intégrer ces croquis dans la prochaine vidéo, explorer différentes options de composition et élaborer un plan finalisé pour nos peintures. Maintenant, ne soyez pas pressés de faire ces croquis. Ne vous précipitez pas. Prends ton temps car je serai là à ton retour, prête à partir. 5. Les secrets de la composition: Donc, à ce stade, tu te demandes peut-être, mec, Nathan, quand allons-nous passer à la peinture ? Quand allons-nous déposer de l'aquarelle ? Eh bien, il y a des étapes que nous utilisons comme celle-ci pour élaborer un plan avant commencer à appliquer de la peinture, car la plupart du temps 80 à 90 % de la peinture est consacrée au processus de planification parce que nous ne voulons pas nous contenter de peindre et de suivre les étapes de création d' une image sans ces étapes de planification, car c'est un peu comme nous nous exposons à l'échec parce que cette peinture ne ressemblera peut-être pas à ce que nous avions imaginé dans notre tête. C'est donc comme une façon de confirmer l'idée, ce que nous voyons dans notre tête, et de nous en rapprocher le plus possible avant de commencer à peindre. Dans cette leçon, je voudrais examiner certains éléments de composition que nous devons prendre compte parce que nous avons notre idée, nous avons nos croquis, mais maintenant nous devons décider de la manière de placer ce sujet sur la page et d'autres aspects de celui-ci avant de commencer à peindre J'ai donc ici quelques exemples que nous pouvons examiner. Maintenant, tout d'abord, j' ai un bref croquis d'un oiseau en vol. Maintenant, je peins beaucoup d'oiseaux, et c'est un sujet très simple. C'est un excellent moyen d'illustrer le but de cette composition, ces éléments de composition dont je veux que vous vous souveniez Alors maintenant, en regardant cela, nous pourrions simplement penser, eh bien, placons-les simplement au centre de la page, ce qui est vraiment bien car cela semble toujours assez équilibré concerne l'espace négatif au-dessus et en dessous. Comme ça, c'est plutôt équilibré et plutôt agréable. y a donc vraiment rien de mal à le placer juste au centre. Mais si nous le rapprochons du bord, cela raconte une histoire un peu différente du point de vue de la composition car j'ai maintenant l' impression qu'il vole dans cette direction, et la composition lui laisse l'espace nécessaire pour le faire Mais on peut faire exactement le contraire, le déplacer ici. Maintenant, c'est un peu différent, parce que maintenant on a l' impression on a l' impression d'être au sol et de regarder l'oiseau. Et cet espace représente la distance qui nous sépare de l'oiseau. C'est donc une peinture très différente du simple le déplacer dans l'espace que nous avons sur la page. Maintenant, ce que nous voulons éviter, c'est quelque chose comme ça. Parce que maintenant c'est vraiment inconfortable. Et la raison en est qu'à cause de ce bord très étroit , le sujet n'a tout simplement pas d'espace pour bouger, il n'a pas de place pour respirer. Il a donc simplement l'impression que cela semble inconfortable à nos yeux cause du positionnement. C'est exactement le même croquis. Le format de page est exactement le même, mais le simple positionnement du sujet sur la page produit ce genre d'effet. Donc, une autre chose à considérer est de savoir comment remplir cet espace négatif, parce que nous pourrions prendre l'espace négatif et le remplir avec un lavis, quelque chose comme ça, ou nous pourrions faire quelque chose où nous pourrions simplement un lavage qui entoure l'oiseau comme ça. Ou nous pourrions remplir le tout, la page entière autour de l' oiseau avec peut-être, genre, un bleu clair qui représente le ciel ou quelque chose comme ça. Mais une chose à considérer, cependant, est une option frontalière. Et si je dis cela, c'est parce qu'à l' aquarelle traditionnelle, le papier est souvent étiré et collé Et c'est pour que la page elle-même pas et ne se plie pas lorsqu' elle est mouillée et sèche Ainsi, lorsque vous retirez ce ruban, cela crée une bordure blanche autour du tableau. Et je pense que cette bordure aide à la composition. Cela permet de libérer de l'espace et de donner à la peinture un peu d'espace pour se reproduire. C'est une technique d'aquarelle qui finit par donner l' aspect réel à la peinture finale, lui donnant cette bordure blanche ou ce bord blanc Mais une autre chose à prendre en compte est la taille de cette arête. Maintenant, la bordure collée devient davantage un élément de composition, car nous pouvons prendre cette bordure et la recouvrir un lavis ou nous pouvons la remplir d'un bleu uni, un peu comme si nous devions remplir toute la page, et cela représente en quelque sorte Mais ce qui est vraiment génial d'un point de vue compositionnel, c'est la façon dont certains éléments du sujet brisent le cadre Et je pense que cela le rend intéressant à regarder. Cela en fait simplement une composition plus intéressante, et il y a quelque chose à ce sujet qui attire juste le regard. Maintenant, une autre chose à prendre en compte est la taille globale de la page. Peut-être que nous ne voulons pas utiliser cette orientation portrait standard où il était plus haut que large Peut-être qu'un carré comme celui-ci pourrait fonctionner pour ce sujet en particulier, car nous pouvons voir ici qu'il s'agit toujours du même espace positif et négatif. Il remplit toujours très bien cela et semble toujours très équilibré. Et si nous le regardons ici et que nous remplissons simplement cet espace négatif, vous verrez que cela semble toujours équilibré, mais une autre chose à prendre en compte est la silhouette. Maintenant, le truc avec la silhouette, c'est qu'elle nous aide à nous assurer que le sujet est lisible. Donc, si nous faisons un zoom arrière, nous pouvons toujours voir qu'il s'agit d'un oiseau. Cela permet de cimenter en quelque sorte l'ensemble de la composition et de s' assurer que notre sujet est une bonne représentation lisible. C'est donc également important. Maintenant, si nous jetons également un œil à nos croquis. Je suis allée de l'avant et j'ai fait un sketch de chat basé sur le concept que nous avions, et j'aime la façon dont celui-ci s' intègre du point de vue de la composition Je pense que ce rectangle général convient vraiment bien à l' orientation paysage de la page Et je pense qu'il y a là une opportunité d'avoir une rupture avec les oreilles et la poitrine du chat ici. Et le tout me semble vraiment agréable et très équilibré. Et je pense que nous allons probablement faire quelque chose comme ça ou aborder celui-ci pour notre projet final. Mais en repensant au lapin, c' est le croquis de la dernière vidéo. Maintenant, c'est un peu comme l'oiseau. Je veux dire, c'est assez simple en ce qui concerne le sujet et la forme générale. Maintenant, je pense qu' il y a deux ou trois choses que nous pourrions probablement faire ici. Je pense que nous pourrions l'ancrer avec une ombre ici. Ensuite, je pense que nous pourrions probablement voir si nous voulions le déplacer plus bas dans la page. Cela nous donnerait l'occasion de faire quelque chose ici pour le rendre plus grand, pour remplir l'espace Tu sais, ça peut être rempli d' un lavis, d'un dégradé ou quelque chose comme ça. Ou nous pourrions même essayer d' ajouter un lavis qui a une forme un peu comme celle-ci, peut-être, où il descend et remplit simplement la moitié supérieure du lapin. Et peut-être que nous laissons même cette zone non peinte, ou, vous savez, que nous laissons simplement le croquis remplir le reste Ou peut-être que s'il est peint, il s'agit d'une couleur très neutre, gris très clair ou simplement très neutre. Donc, si toutes les couleurs étaient présentes et que la majorité des valeurs de peinture étaient ici, cela renforcerait en quelque sorte ce point central, à savoir les lunettes. Maintenant, bien sûr, nous pourrions aussi faire quelques éclaboussures , vous savez, quelque chose qui prolongerait un peu le lavage, quelque chose comme ça Il s'agit donc d'un sujet assez simple et d'une mise en page assez simple, mais il reste encore quelques décisions importantes à prendre en compte du point de vue de la composition. Et j'espère que cette démo vous aidera à comprendre qu' il y a vraiment des choses auxquelles vous n'avez peut-être même pas pensé, mais qu'il y a en fait des décisions importantes pour créer un tableau réussi. Donc, comme devoir pour celui-ci, je veux que vous preniez vos croquis de la leçon précédente et que vous les disposiez dans une composition sur la page une composition sur la page sur laquelle nous allons peindre. Maintenant, je veux que vous gardiez à l'esprit la taille de la page et son orientation. Alors, c'est du paysage ? Est-ce un portrait ? C'est carré ou autre chose ? Assurez-vous de penser aux bordures et aux bords. S'agit-il d'une bordure scotchée ? Si c'est le cas, quelle est la taille de cette bordure collée ? Tenez également compte de l'espace positif et négatif. Assurez-vous donc que tout est équilibré et que le sujet a de la place pour respirer. Vérifiez également la silhouette de votre sujet et assurez-vous qu'il est lisible à distance. Très bien, alors essayez ces choses, puis passons à la leçon suivante où nous allons parler de la façon de simuler des techniques d' aquarelle réalistes 6. Techniques d'aquarelle à retenir: Bien, nous voilà de retour , prêts pour une autre leçon Et dans celui-ci, nous allons voir comment simuler de véritables techniques d'aquarelle traditionnelles dans un environnement numérique Et je vais réitérer certains concepts que vous connaissez peut-être déjà, mais je veux m' assurer que ces concepts sont ancrés dans votre cerveau, car parfois vous avez besoin d'entendre des choses plusieurs fois, ou peut-être avez-vous besoin de les entendre d'une manière légèrement différente pour avoir un moment du genre « Oh, ouah, c'est logique Je pourrais le mémoriser et commencer à l'appliquer. Nous allons donc passer en revue les pinceaux que nous avons et qui sont inclus dans le cours. Et je veux qu'ils comprennent à quoi ils servent, les différents types de pinceaux et la technique traditionnelle qu'ils assimilent Très bien, alors allons-y et examinons certains des pinceaux que nous avons. Maintenant, le premier est le crayon du kit de croquis, qui est juste un crayon que vous m'avez vu utiliser dans les leçons précédentes juste pour dessiner et esquisser. Mais notre premier pinceau à aquarelle est le pinceau pointu en zibeline. Maintenant, celui-ci est utilisé spécifiquement pour créer des bords durs dans notre peinture. Maintenant, si vous vous souvenez, le concept vient peut-être du fait que vous avez vu mes vidéos précédentes ou que vous avez suivi mes cours précédents, le concept des différents types d'arêtes, et il y en a trois. Il y a donc des bords durs, souples et complètement perdus. Maintenant, ce pinceau est spécialement conçu pour créer un bord dur. Maintenant, cela permet de mettre l' accent sur le tableau, créer des détails nets et précis principalement au point focal où nous voulons attirer l' attention du spectateur. Nous voulons qu'il voie cela en premier, car notre œil est automatiquement attiré par les arêtes vives d'une peinture. Maintenant, il s'agit également d'assimiler une technique traditionnelle appelée « humide à sec », laquelle le pinceau est mouillé avec de l'eau et de la peinture, et le papier est sec. Maintenant que le papier est sec, l'eau ne va pas s'écouler au-delà des bords mouillés du coup de pinceau, d'accord ? Le résultat est donc ce coup de bord très dur. Supposons maintenant que nous voulions ajouter de la couleur à ce trait, une couleur supplémentaire à ce trait. Donc, si nous le voulons, prenons une orange et nous peignons avec le même pinceau sur cette zone humide, nous allons obtenir un mélange de couleurs, et nous allons obtenir un peu de flou ou adoucir les bords de la couche initiale Nous allons donc voir que ce bleu se mélange maintenant à l'orange. D'accord ? Cela se produit parce que nous n'avons pas laissé sécher ou que nous n'avons pas attendu que cette couche initiale sèche. Maintenant, c'est ce qui se passerait également dans une peinture traditionnelle. Les deux couleurs commenceraient à se mélanger. Nous créerions une plus grande surface d'eau ou de peinture humide dans laquelle les deux couleurs pourraient entrer. Supposons maintenant que nous voulions que cette zone de couleur initiale reste intacte. Nous voulons conserver tous ces points forts. Nous voulons ajouter une couleur supplémentaire. Donc, dans le sens traditionnel du terme, il faudrait attendre que cette couche sèche pour que la couche ci-dessus n'affecte pas le bord. Maintenant, lorsque nous peignons sur un nouveau calque, nous obtenons toujours ce mélange de couleurs car l'aquarelle est transparente, mais nous ne perdons pas le bord du calque initial C'est donc un concept important à retenir , car nous voulons parfois ces arêtes dures. Parfois, nous voulons que deux couleurs se mélangent. Nous voulons perdre ces arêtes dures ou les adoucir. Et c'est une façon de se souvenir de ce concept afin que nous sachions comment le faire. Nous voulons soit laisser cette couche sécher, soit peindre dans la zone humide. Et la façon de le faire d' un point de vue traditionnel est de peindre dans la même couche ou une couche par-dessus. Le pinceau suivant auquel je voudrais jeter un œil est le super Wet into Wet. Maintenant, ce pinceau simule une technique où le papier n' est pas complètement sec. C'est peut-être un peu humide. Le bord du trait va donc saigner un peu. Il a donc un avantage défini, mais il est juste un peu plus doux dans l'ensemble. Donc, ce pinceau est également similaire dans la façon dont vous pouvez empiler ou superposer les couleurs. Maintenant, si nous peignons directement dessus avec une autre couleur, empêchant essentiellement le trait initial de sécher, encore une fois, nous allons perdre ou continuer à adoucir les bords du trait initial. Mais si nous peignons sur un nouveau calque, même manière qu'auparavant, effet sur les bords du trait initial est moindre. Nous avons donc encore quelques arêtes définies, mais dans l'ensemble, elles sont un peu plus souples. Maintenant, le pinceau suivant est similaire en ce sens qu'il crée un bord plus doux. C'est donc une sorte de technique mouillé sur mouillé. Mais ce pinceau est différent car il continuera à créer de la valeur. Plus j'applique de couches, plus le devient de plus en plus foncé, alors que le pinceau précédent ne devient que trop foncé avant d' atteindre sa valeur maximale. Par exemple, il ne fera tout simplement pas aussi noir que la brosse à pression ou le pinceau à pression. Voyons maintenant comment le peintre sous pression va créer des valeurs. Maintenant, j'applique et j'applique plus de pression vers la gauche puis je deviens plus claire vers la droite, et cela se fera sans pression, il se fondra complètement pour devenir complètement transparent. Maintenant, si nous voulons appliquer une autre couleur par-dessus celle-ci, nous allons avoir un aspect similaire à celui d'avant, où l'orange se mélange vraiment au bleu presque au point que où l'orange se mélange vraiment au bleu vous ne pouvez pas le détecter Je vais aller à l'extérieur vous puissiez voir qu' il y a de l'orange, mais ça capte vraiment beaucoup de bleu. Donc, si nous appliquons une nouvelle couche et que nous laissons sécher complètement, nous avons plutôt un effet de glaçage. Maintenant, le bleu sous-jacent a beaucoup d' effet sur l'orange parce que cette couche est sèche. Cette orange ne fait donc que recouvrir le bleu. OK, donc le même pinceau, mais deux effets très différents Il suffit de comprendre le concept qui consiste à mélanger les couleurs mouillées à mouillées ou à laisser sécher la première couche mouillée à sèche. Maintenant, le pinceau suivant chargé dans de l'eau crée également un bord très doux. pour quoi j'aime principalement utiliser celui-ci c'est pour l'outil de maculage Disons simplement que nous avons une zone de peinture dont le bord est très dur et que nous voulons adoucir une partie de ce bord, mais pas le tout. C'est donc un excellent moyen de vraiment affiner et contrôler. Ce serait donc comme si nous avions une zone de peinture ici. Notre trait est encore humide, nous prenons l'eau claire et nous peignons sur cette zone de peinture humide, en laissant une partie de la peinture s'écouler dans l'eau. C'est donc un bon moyen de contrôler réellement quelles zones ou quels bords sont conservés et quels bords sont perdus ou adoucis Le pinceau suivant est donc un lavage des bords mouillés. Maintenant, il existe un concept à l' aquarelle où vous étalez de l'eau claire sur le papier Et puis, lorsque vous déposez la peinture, laissez simplement se répandre dans l'eau, laissez-la agir d'elle-même, et cela crée ces jolies fleurs et textures d'aquarelle Et c'est une technique préférée. C'est en partie ce qui rend l' aquarelle attrayante. À mon avis, laisseriez-vous certaines de ces zones se peindre d'elles-mêmes Ainsi, avec celui-ci, vous pouvez simplement appliquer pression différente, une pression douce et une pression forte pour obtenir un lavage varié ou varié sur la zone que vous peignez. Maintenant, une autre façon de créer un lavis à l' aquarelle consiste à utiliser ces effets ou à tamponner des pinceaux où le lavis est appliqué en un seul clic sur le pinceau ou l'épingle Maintenant, cela est créé à partir d'une photographie d'un véritable lavis à l'aquarelle Il a donc un aspect plus varié et plus organique. Et ce qui est génial, c'est de savoir comment nous pouvons les déplacer et les positionner dans le tableau exactement comme nous le souhaitons. Par exemple, si nous voulions simplement cette zone légèrement éclaboussée, nous pourrions simplement laisser cette zone dans le tableau, la positionner exactement où nous le voulons, puis nous pouvons brouiller le reste, ou nous pouvons effacer le reste ou fondre dans le tableau, comme nous le Il y a donc un contrôle total sur endroit exact où ces lavages sont placés, ce qui donne un aspect très organique Maintenant, ce dernier pinceau que je voudrais passer en revue, il y a un aspect ou une technique de l' aquarelle que j' aime beaucoup , où l'on éclabousse l'alcool sur une zone de peinture qui n'est pas Donc, ce qu'il fait, ce pinceau à alcool crée en quelque sorte une sorte d'éclaboussure inversée Et je vais d'abord l' appliquer avec un pinceau pour vous montrer ce qui se passe ici. Cela reviendrait donc presque à ajouter de texture à cette zone de peinture. Mais si nous l'utilisons avec le pinceau à effacer, c'est presque comme s'il simulait ce qu'il fait réellement à une peinture traditionnelle, est-à-dire créer ces éclaboussures inversées car l'alcool agira comme une résistance et poussera agira comme une résistance et poussera peinture vers les bords des éclaboussures s'agit donc d'une technique vraiment amusante et très créative que j'aime utiliser de temps en temps dans certaines de mes peintures numériques. Donc, un autre aspect de l'aquarelle traditionnelle que je veux m' assurer que vous comprenez est le rôle que joue la texture, particulier la texture du papier Le papier aquarelle a une texture grossière très rugueuse qui lui permet de retenir la peinture d'une manière spécifique Et si nous examinons fichier sur lequel nous peignons, et que ce fichier est inclus dans le cours, il provient en fait de l'ensemble de supports humides du créateur Ultimate Canvas. Et si je le compare ici à du papier aquarelle réel, vous pouvez voir que la texture est la même, notamment parce que j'utilise ce papier pour créer cette texture Maintenant, il s'agit d'une texture pressée à froid qui est commune à ce qui est probablement le papier aquarelle le plus courant Et vous pouvez voir ici qu'il est constitué ou constitué de plusieurs couches de texture de papier différentes et de quelques couches d'effets de peinture. Donc, si nous allons de l'avant et que nous ajoutons un trait ici, ajoutons quelques pinceaux ici. Et si nous désactivons ce groupe de couches, vous pouvez constater la différence entre l' activation et la désactivation de la texture. Cela lui donne soudainement cette texture très réaliste. Maintenant, voici le jeu de texture du papier, et voici le jeu d'effets de peinture. Maintenant, nous pouvons probablement simplement laisser les couches de texture du papier seules. Mais ceux-ci, si nous les déverrouillons vers la gauche, nous pouvons modifier l'opacité des textures de peinture et cela donne un aspect très différent à la Je voulais donc m' assurer que nous avions examiné ces couches de texture afin que vous compreniez le rôle qu'elles jouent dans l'ensemble de la peinture. Maintenant, je n'ai pas vraiment de devoir spécifique pour cette leçon, si ce n'est que je veux que vous installiez le jeu de pinceaux grossiers et que vous jouiez avec les pinceaux comme nous l'avons fait dans cette leçon et que vous vous assurez de comprendre comment ils fonctionnent, essayer différents niveaux de pression, essayer de les superposer les uns sur les autres dans la même couche et sur une nouvelle couche juste pour que vous vous familiarisiez avec leur fonctionnement et les différentes marques qu'ils produisent Dans la leçon suivante, nous allons utiliser ces pinceaux et ces techniques, et nous allons créer une peinture de démonstration d' une couleur à peinture de démonstration d' une couleur partir de l'un de nos croquis précédents. Alors retrouvez-moi là-bas et préparez-vous à jeter un peu de peinture. 7. Se rendre à une peinture: Très bien, nous avons donc trouvé de l'inspiration. Nous avons rassemblé quelques références. Nous avons développé certains concepts. Nous avons fait quelques croquis. Nous avons étudié nos pinceaux et leurs bords, les marques qu'ils laissent. Nous sommes maintenant prêts à faire une peinture d' entraînement avec une seule couleur. Maintenant, si vous voulez utiliser votre propre croquis ou si vous voulez suivre avec moi le croquis de lapin que j'ai fourni et les ressources, dans les deux cas, le processus est le même. Nous allons étudier les valeurs et simplement créer des contrastes, créer des valeurs. Maintenant, avant de commencer, il y a un concept que je voudrais vous présenter et qui, à mon avis, est très utile pour vous rappeler comment commencer à peindre Ainsi, avec une peinture traditionnelle ou une aquarelle traditionnelle, vous vous dirigez souvent vers le noir . Vous commencez donc par très clair, et comme les aquarelles sont transparentes, vous créez couche après couche, et certaines zones deviennent de plus en plus sombres à chaque couche L'idée ici est donc de vous faufiler sur un tableau Vous ne voulez donc pas entrer, par exemple, vous ne voulez pas y entrer avec votre couleur la plus foncée, la pression la plus forte et la plus opaque Au lieu de cela, vous devriez commencer très légèrement afin de pouvoir vous faufiler . Couche par couche. Il fait de plus en plus sombre au fur et à mesure. D'accord, parce que cette méthode ici vous donne de la marge de manœuvre pour prendre des décisions au fur et à mesure. Si cette méthode existait, c'est comme si la décision finale avait déjà été prise. Nous y sommes allés, bam, avec notre couleur la plus lourde. Il fait aussi sombre que possible. Nous n'avons vraiment pas de place pour faire autre chose. C'est donc la méthode que nous voulons utiliser pour commencer. OK ? OK, alors jetez un œil à notre croquis. J'ai la référence ouverte ici à gauche dans Isref, et la plupart du temps, j' utilise simplement mon doigt pour savoir où je me trouve, ce que je regarde Encore une fois, mon croquis n'est pas exactement le même que la référence, donc je ne pourrai pas le faire correspondre parfaitement, mais je peux l'utiliser comme un guide vague pour les valeurs. Par exemple, voici cette forme foncée. Voici cette forme foncée, ici. C'est un peu plus sombre que le dessus de son nez, choses comme ça que je n'utilise que comme guide général pour savoir où vont aller mes valeurs. Je vais donc commencer par une couleur bleu clair. Et je pense que je vais me laver juste pour mettre une grande surface de couleur claire, puis nous allons continuer sur cette lancée. Je vais prendre ce pinceau, et je vais simplement déposer un lavis bleu très clair sous le croquis. Encore une fois, nous sommes juste en train de nous faufiler sur ce tableau. Il s'agit donc d'un vernis bleu vraiment très léger et très transparent que je suis en train de poser juste pour nous donner une sorte de point de départ, très, très simple, très, très rapide. Je vais maintenant ajouter une nouvelle couche au-dessus de mes couches d'esquisse, et je vais obtenir un bleu un peu plus foncé, un peu plus profond, un peu plus saturé. Et je vais utiliser le pinceau pointu en zibeline. Encore une fois, je vais juste entrer ici et je cherche les endroits où je vois des valeurs sombres ou sombres, et je vais commencer à peindre certaines de ces valeurs. Et ces premiers traits auront des arêtes dures, et nous en mélangerons quelques-uns ici et là si nécessaire. OK ? Nous allons rester très simples et simplement continuer et ajouter de la valeur. Et si vous me suivez sur le croquis du lapin, ne vous sentez pas obligée de faire exactement les mêmes traits que moi, car laissez-le être votre propre interprétation Vous savez, vous ne serez pas capable de faire exactement la même taille et le même placement de vos traits. Il n'y a donc pas lieu de s'inquiéter à ce sujet. Évaluez simplement la référence et l'endroit où vous voyez des formes plus sombres dans la fourrure. Faites quelques petits traits lâches pour représenter ces zones. De plus, ne vous inquiétez pas de peindre aussi vite que moi si vous voulez faire une pause et rattraper le temps perdu. N'hésitez pas à le faire à tout moment. Et ne vous inquiétez pas d'être très précis. Tu sais, c'est de l'aquarelle, donc ça va être souple de toute façon Et ce pinceau, tu sais, de cette taille ne nous permettra pas d' être super précis de toute façon. Il n'y a donc pas lieu de s'inquiéter à ce sujet. Et, bien sûr, que ça soit amusant, non ? Ne vous inquiétez pas trop de son apparence. Vous savez, ils vont faire confiance à ce processus qui consiste simplement à parcourir, à remplir, à construire ces valeurs couche par couche. Nous n'allons donc pas nous inquiéter trop de ce à quoi cela ressemblera en attendant. La dernière chose que nous voulons faire est d'être stressés par ce qui peut être une étape laide de la peinture parce qu'ils passent tous par là. Ils passent tous par cette horrible étape où, vous savez, cela ne semble pas encore tout à fait correct, et vous devez juste le mener à bien jusqu' au point d'être terminé. Très bien, j'en suis presque à la deuxième couche. Maintenant, je ne sais pas encore si je veux rester dans le sketch. Nous allons donc devoir voir quand nous y arriverons. Vous savez, nous allons peut-être désactiver le croquis ou le laisser dedans, mais je vais continuer et esquisser grossièrement certains de ces croquis ondulés pour qu'il y ait quelque chose là si nous décidons de désactiver le croquis Donc, pour ce qui est de la fourrure, c'est parfaitement normal d' être un peu abstrait, surtout dans ce domaine. Comme si c'était notre point central ici. C'est probablement là que nous allons avoir le plus de valeurs et le plus de points forts. Mais une fois que nous commençons à arriver ici, c'est un peu comme s' il y avait juste quelques marques abstraites. Comme si je voyais un peu ces formes de fourrure plus foncées se rejoignent un peu. Je vais donc créer des formes abstraites ici, juste de petites flaques de couleur Bien entendu, cette zone est plus sombre , et nous allons la toucher à nouveau avec une autre couche pour faire apparaître la valeur. Donc, cette deuxième couche bleue, vous pouvez en quelque sorte la considérer comme les valeurs du ton moyen. C'est donc probablement très bien. Un petit peu plus juste là. Je pense qu'en regardant autour de moi, j'étudie juste un peu pour voir s'il y a des domaines qui en ont besoin. Nous pouvons toujours revenir à cette couche, mais je veux juste essayer d'en saisir la valeur. Non, c'est probablement le cas. Peut-être quelque chose comme ça. Non Il suffit donc d'expérimenter. Ne vous sentez pas mal à l'idée de cliquer sur Annuler. C'est pour ça qu'il est là. Fixer une valeur, mais cela ne fonctionne pas vraiment. Annulez toujours. OK, allons-y et passons à une nouvelle couche. Et faisons encore plus sombre ici, peut-être quelque part là-dedans. Et je vais garder le même pinceau en zibeline bien aiguisé, et nous allons probablement combiner ces couches et peut-être en maculer un peu les bords Mais pour l'instant, passons à notre bleu plus foncé. Cela fonctionne plutôt bien. J'aime le fait qu'il fasse un peu plus sombre. C'est une esquisse assez simple, je voulais rester simple parce que je voulais que ces concepts soient faciles à appliquer. Plus l'esquisse se complique, plus il devient difficile de définir les valeurs. Il s'agit donc d'un croquis très simple parfait pour ce que nous faisons ici, car il est très facile de voir où se trouvent les valeurs. OK, maintenant, en zoomant sur le visage, c'est assez sombre ici , redimensionnez mon pinceau un peu pour entrer Et vous pouvez voir que je n'ai vraiment pas peur d'être super précis. Encore une fois, je trace un peu de ces contours au cas où nous voudrions supprimer la couche d'esquisse, ce que nous pourrions essayer, je pense. Cela signifie donc que je vais devoir passer en revue le I parce que c'est dans le sketch qu'une grande partie de la valeur se trouve dans le I. accord. Ça a l' air plutôt bien. Vous pouvez voir à quel point c'est rapide et souple. Par exemple, nous ne le sommes pas. Vous savez, nous ne perdons pas beaucoup de temps. Cette peinture ne nous prendra pas beaucoup de temps, ce qui la rend idéale pour une étude pratique. Oh, je vois bien ce n'est pas le cas. Je n'ai fait aucun contour sur les oreilles, donc les bords des oreilles disparaîtront si nous désactivons le croquis. Nous allons donc probablement devoir revenir et les ajouter. Et je devrais peut-être ajouter quelques éclaboussures à l' Faites-le également avec une couleur différente. Fais-en deux. Je vais revenir à cette couche et voir si je peux simplement obtenir un bleu plus clair juste pour passer au-dessus des oreilles d' une sorte de trait, afin qu'elles ne le fassent pas simplement pour que les bords ne disparaissent pas si nous désactivons cette couche d'esquisse. Nous allons également devoir en appliquer une couche et les assombrir dans les lunettes Je vais aller de l'avant et ajouter un peu plus de valeur ici avec ce type de bleu moyen, parce que nous avons un peu trop de valeur. Il y a juste trop de contraste entre le clair et le foncé. n'y a pas assez de valeur moyenne là-dedans, je pense. Peut-être juste ici. OK. Oui, peut-être quelque chose comme ça. Ajoutez-en un peu juste là. OK. Alors maintenant, allons-y et ajoutons une nouvelle couche. Revenons à ce bleu plus foncé. Et ajoutons simplement la forme des lunettes. Je vais utiliser le pinceau pointu en zibeline pour. C'est bien ici. Je vais devoir le réduire parce que je veux que les lunettes soient assez foncées. Et je veux aussi rester dans la ligne sur ce parce que je ne veux pas que la forme soit très souple au départ. Il se peut que nous floutions un peu ou que nous adoucissions un peu les bords, mais au départ, je veux que les lunettes soient assez bien en forme Je ne veux pas trop m'y perdre parce que c'est un point central. Je pense que ça va être très beau. Ici, dans une minute, lorsque nous éteindrons ce sketch. Oh, nous devons le faire, cette partie des lunettes a failli manquer. Très bien, je vais éteindre le sketch des lunettes Nous pouvons donc voir quelques domaines. Allons-y et nettoyons le bord. Ici. Peut-être parce que j'aime le fait qu'il parce que j'aime le fait ait encore des arêtes vives là-dedans Je vais l'assombrir ici. Oui, on dirait que ça ressemble à une vraie aquarelle, comment je pouvais encore voir certains bords du trait OK, si nous devions désactiver l'esquisse à ce stade, je peux voir que nous n'en avons pas assez, que nous n'avons pas assez de détails pour le faire, et qu' elle se lit toujours très bien, alors laissez l'esquisse activée pour le moment, revenons à la couche sombre. Dimensionnons un peu mon pinceau et abordons certaines de ces zones détaillées pour définir un peu plus les choses afin de pouvoir désactiver le croquis. ce que nous voulons faire. Je finis par le laisser allumé. Mais le fait de superposer ces traits comme celui-ci lui donne vraiment son apparence et ces bords durs qui se chevauchent, comme si ces deux traits avaient un bord dur Ces deux traits ont un bord dur, mais lorsqu'ils se chevauchent, cela s'adoucit visuellement Et nous allons en fait adoucir encore un peu pour voir si nous pouvons perdre quelques points ici et là. C'est bon. Encore une fois, c'est une excellente étude, surtout si nous la réalisons en une seule couleur. C'est une étude très intéressante. Mais dans la leçon suivante, lorsque nous réaliserons le même croquis en couleur, ce sera vraiment une expérience différente, mais nous utiliserons ce que nous savons déjà sur le sujet grâce à nous savons déjà sur cette étude sur une seule couleur. C'est bon. J'aimerais vraiment avoir quelques détails sur le contour de l'œil parce que j'ai remarqué qu'il était un peu perdu. Et puis celui-ci aussi. Et c'est toujours souple et rapide. Par exemple, ne vous inquiétez pas d' être trop détaillé. Très bien, voyons où nous en sommes sans croquis ici Oui, je pense que ça commence à fonctionner, zoomons sur l'œil. Laissons peut-être un peu plus sombre ici juste pour entrer , car c'est l'œil qui est important, surtout dans une peinture animalière. Il faut vraiment s'assurer que nous avons ce détail dedans. Et nous pourrions probablement assombrir un peu les lunettes aussi, mais je veux dire, nous pouvons essayer une astuce pour cela, juste pour voir qu' il va probablement falloir effacer ce surlignage OK, allons-y et fusionnons ces deux couches. Maintenant, nous pouvons utiliser l'outil de maculage et nous pouvons les mélanger un tout petit peu Nous pouvons en quelque sorte changer la forme. Je vais te montrer ici. Nous pouvons simplement modifier la forme de certaines de ces marques. Maintenant, nous voulons conserver une grande partie des arêtes dures. Je mélange juste un peu ici et là. Je ne veux pas mélanger toutes les arêtes, car cela donnera à tout un aspect vraiment doux et flou. Et nous voulons vraiment éviter cela, car ce n'est tout simplement pas à cela que ressemble l'aquarelle Vous savez, certains de ces points forts vont subsister, et ils doivent le faire pour que tout ait l'air clair. Puis-je revenir à la zibeline pointue, et je vais définir un peu mieux cette zone du nez. Et nous allons adoucir un peu cela. Nous prenons l'outil de maculage. Vous devez ajuster la taille de l'outil de maculage au fur et à mesure que vous travaillez pour l'obtenir Parfois, vous voulez juste une petite tache de détail au lieu d'une très grande tache OK. Et pour ces lunettes, dupliquons simplement la couche, et elles s' assombrissent instantanément simplement en dupliquant la Je vais donc les fusionner parce qu'ils deviennent davantage un point focal. Je ne sais pas quelle est cette petite marque perdue, je vais m'en débarrasser Voyez où cela en est. C'est bon. Maintenant, en regardant le tableau dans son ensemble, allons-y, transformons le super humide en mouillé, et ajoutons une ombre ici en bas. Faisons-le sur un nouveau calque, et obtenons un bleu plus foncé. Et peignons juste un peu la taille de mon pinceau. Et nous peignons juste dans une ombre ici. Je pense que nous allons également devoir ajouter un peu de noir à ses pieds. Je vais donc en effacer une partie. Et je vais aussi utiliser le mouillé pour adoucir un peu le bord. Maintenant, prenons un bleu plus foncé et utilisons le sable tranchant, et nous allons simplement assombrir OK, alors maintenant je pense que allons-y et allons-y , je vais déplacer cette couche d'ombre vers le haut et combiner avec le lapin Ensuite, je vais utiliser l'outil Smudge, et je vais juste adoucir certaines de ces arêtes qui se trouvent juste dans cette zone Il y a donc moins de mise au point, moins d'arêtes vives. Et je pense que nous pourrions également aller de l'avant. Permettez-moi d'ajouter encore une fois le sable pointu et d'ajouter un petit aperçu ici et ici. Ensuite, je vais aussi aller de l'avant et adoucir une partie de ce bord extérieur adoucir une partie de ce bord extérieur. Certains de ces domaines. Nous allons donc en quelque sorte perdre certains des bords qui trouvent ici à cause de cette zone en bas, nous l'adoucissons parce que c'est juste moins un point focal, et je suis juste en train de transformer certaines d'entre elles en zones de type plus abstrait Et vous pouvez voir comment je travaille le pinceau légèrement sur tout pour adoucir ces bords Il y a encore des difficultés, donc nous pouvons toujours savoir de quoi il s'agit. Mais dans l'ensemble, c'est juste un peu plus doux qu'ici. OK, donc nous y sommes presque. Allons-y, voyons voir si c' est notre couche de lunettes. Adoucissons un peu, juste pour le fun. Voyons si nous pouvons simplement le réduire , adoucissant le bord des verres à quelques endroits, pour qu'il donne l'impression qu'il se fond dans la peinture Comme s'il n'était pas assis dessus. Et vous pouvez voir ce que je fais ici, qui consiste simplement à dimensionner le pinceau et à le faire passer d'avant en arrière sur un bord pour l'adoucir, remodeler un peu Il s'agit simplement d'ajouter un effet très subtil. Et cela donne simplement plus d'apparence aux lunettes. Encore une fois, elles font simplement partie du tableau. OK, c'est super subtil, mais ça fait une différence. OK. C'est bon. Alors, que pouvons-nous faire d'autre pour en finir avec ce type ? Allons-y, peut-être ajoutons-nous peut-être approfondissons un peu notre analyse en arrière-plan. Essaie ça. Ajoutez une nouvelle couche au-dessus ce premier lavage. Prenons une sorte de bleu moyen. Revenons à nos bords mouillés, et voyons simplement s'il fait peut-être trop sombre, un peu plus de linge là et sur le bord. C'est trop. Quelque chose comme ça parce que maintenant nous allons en avoir l'opportunité. Créons une nouvelle couche par-dessus tout le reste. Prenons le blanc ou changeons la couleur au blanc et utilisons un pinceau en zibeline bien aiguisé. Et maintenant on peut y aller comme si c'était du guash blanc. Par exemple, si vous avez suivi mon cours d'aquarelle traditionnel, vous aurez vu comment j'utilise la gouache blanche pour mettre en valeur une aquarelle sèche Nous pouvons donc faire la même chose ici. Nous pouvons imiter cette même technique avec le numérique. Et cette brosse pointue en zibeline ressemble vraiment à du vrai guash blanc Donc, juste quelques endroits. Peut-être que nous allons ajouter un point fort aux lunettes. Peut-être quelque chose comme ça. Et nous allons peut-être adoucir un peu le ton. Nous allons juste adoucir cela. J'utilise cet outil de maculage pour adoucir certains bords de mon guash blanc Oh, et nous pouvons également redonner cette petite touche à l'œil. Quelque chose comme ça. Maintenant, nous pouvons également utiliser l'outil d' effacement et effacer ces surlignements Mais je pense que c'est juste une autre façon de procéder. Cela produit un look un peu différent. OK, pour terminer, revenons à cette couche de lavage supplémentaire, prenons la gomme et le mélange d'alcool et appliquons un ou deux coups, juste pour alléger un peu le lavage J'ai eu l'impression qu'il faisait peut-être un peu trop sombre. Allons-y et créons une nouvelle couche au-dessus de notre couche de surlignage. Et utilisons les éclaboussures humides. Tamponnez ici, effet de tampon. Et retrouvons ce genre de bleu moyen. Déposons-le juste ici. Je vais vous montrer À ce propos, déplaçons-le un petit peu et ajoutons-y un peu , des éclaboussures supplémentaires Et puis je pense que c'est un bon point d'arrêt pour celui-ci. Ce n'est pas trop compliqué. Encore une fois, nous avons un bon niveau de valeurs ici, et je vais vous montrer très rapidement comment nous pouvons le tester. Si nous copions tout, et encore une fois, nous sommes sur la couche supérieure avec trois doigts, glissez vers le bas et Maintenant, si nous prenons cela et que nous passons aux réglages de saturation des teintes, à la saturation des teintes, réduisons complètement la saturation. Maintenant, nous pouvons en quelque sorte voir ici. C'est à peu près notre point noir le plus sombre. Laisse-moi utiliser ce pinceau. C'est le plus foncé. Nous avons une sorte de valeur moyenne ici, ou nous dirons que c'est probablement la plus sombre Et puis peut-être ici. Et puis, bien sûr, nous avons le blanc du papier. Nous avons donc cette belle plage de valeurs ici. Nous avons donc ce ton foncé et quelques tons moyens jusqu'à la lumière la plus claire. Et à l'aquarelle, la lumière la plus claire est généralement le blanc du papier OK ? C'est donc un bon moyen de convertir en noir et blanc et de voir si la plage de valeurs est suffisante. Maintenant, si nous ne voyions pas si nous avions fait ce test et nous n'avions pas vu ceci et cela, vous savez, si tout ce que nous voyions était juste au milieu, voyions sans cette obscurité ni cette lumière, alors nous saurions qu' il y a probablement de place pour nous d'assombrir nos valeurs ou de revenir à nos points forts si nécessaire. Par exemple, si nous n'y voyons pas assez de points forts, nous devrons y retourner et en trouver quelques points forts. OK, ce n'est donc qu'un moyen rapide de tester vos valeurs. Pour en revenir à notre lapin, je pense que nous pouvons dire que c'est terminé. En guise de mission pour celui-ci, j'aimerais que vous fassiez un autre croquis et que vous essayiez une autre méthode de peinture en couleur , car comme vous pouvez le constater, cela n'a pas besoin d'être compliqué. Cela ne doit pas vous prendre un temps incroyable. Et c'est ce qui fait la beauté de l'aquarelle, c' est qu'elle peut être simple tout en restant très belle Et c'est souvent le cas, plus c'est simple, mieux c'est. Alors essayez-en un autre. Choisissez une couleur. N'oubliez pas de créer vos valeurs et de les tester lorsque vous avez terminé pour vous assurer que vous disposez d'une plage allant de l' obscurité à la valeur claire. OK, donc dans le prochain, nous allons reprendre même croquis , mais cette fois, nous allons le peindre en couleur, et nous allons parler de théorie des couleurs et d'harmonie des couleurs en cours de route. 8. Trouver l'harmonie des couleurs, partie 1: D'accord, je suis enthousiasmé par celui-ci parce que nous allons parler de couleur C'est mon aspect préféré de l' aquarelle en raison de sa transparence et de façon dont les couleurs s'empilent et se superposent, créant ainsi de nouvelles couleurs C'est juste très amusant. Et si vous avez suivi l'un de mes cours précédents ou si vous m'avez suivi en direct, vous savez que je parle théorie des couleurs, comme la roue chromatique, couleurs complémentaires, schémas triadiques, etc. C'est une excellente méthode pour choisir vos couleurs initiales mais parce que la peinture numérique est plus fluide, ce qui signifie que les couleurs peuvent être modifiées et éditées à tout moment du processus. Maintenant, je pense qu'une approche un peu plus intuitive fonctionne vraiment bien ici, et c'est en quelque sorte ce que je veux faire dans cette pratique de peinture, c'est simplement vous montrer quelques façons travailler avec les couleurs et ajuster pour trouver une harmonie au fur et à mesure. Maintenant, je voudrais également vous présenter le concept selon lequel faut être prêt à il faut être prêt à perdre le tableau et à le retrouver. Ce que je veux dire par là, c'est être toujours prêt à expérimenter, à essayer des choses en cours de route qui pourraient être toujours prêt à expérimenter, à essayer des choses en cours de route qui pourraient vous bouleverser ou simplement bouleverser un peu votre processus, et vous pourriez perdre le tableau, mais vous pourrez toujours le retrouver et le ramener. Et je pense qu'au final, cela permet d'obtenir une peinture plus intéressante. Très bien, alors allons-y , jetons un coup d'œil à nouveau à notre croquis et commençons Bien, pendant que nous y travaillons, essayons de conserver les éléments d'inspiration que nous avons trouvés dans Video One Gardons-les à l'esprit pendant que nous travaillons, et il se peut qu'il soit d'intégrer certaines de ces choses. Maintenant, dès le départ, je pense à cette boîte de couverture de bande dessinée qui ressemblait un peu à un cadre carré, et je me demande si nous pourrions peut-être intégrer quelque chose comme ça dans le lapin ici Je vais donc créer une nouvelle couche et déplacer en dessous de tout le reste. Et voyons si nous pouvons faire une sélection rectangulaire. Permettez-moi de commencer ici et nous le positionnerons ici de manière à ce que ses oreilles cassent le cadre et qu'il y ait quelques moustaches là Et nous pourrions simplement le remplir d' un gris très clair juste pour pouvoir le voir. Je vais annuler la sélection. Créons un nouveau calque, et je vais utiliser le crayon à croquis. Et si nous faisons glisser une ligne ici ou si nous dessinons une ligne et maintenons le bout du crayon sur l'écran, la ligne se redressera et nous pourrons quelque sorte l'ajuster là Faisons-le donc aussi pour les côtés. Je vais le ramener jusqu'à l'endroit où il rencontre sa jambe. Des deux côtés. Oups. Je n'ai pas reçu le premier. Oui, quelque chose comme ça. Je vais désactiver cette couche. Nous avons donc maintenant cet élément de composition supplémentaire Je pense que cela semble un peu plus intéressant ou ajoute un peu d'intérêt. Je vais utiliser le Sabal tranchant et courir là où ses oreilles se cassent le cadre. OK, cool. Nous avons donc intégré un peu de cette inspiration à cette pièce, et je pense que cela n'a fait qu'ajouter un peu d'intérêt à la composition. Parlons de quelques couleurs initiales pour celle-ci car je me souviens également de cette pièce de Bob Peak où il avait, genre, le vert froid en arrière-plan, puis la couleur la plus marquante était ce rouge complémentaire, et c'était vraiment saisissant. Et je me demande si nous devions remplir notre rectangle d' arrière-plan avec du violet ou du bleu, alors nous le ferions si nous faisions du bleu, nous pourrions peut-être faire de l'orange, un peu d'orange dans le lapin Il y a donc comme une belle palette de couleurs complémentaires. Et si ces couleurs se chevauchent, cela créera un peu de gris neutre. Commençons donc peut-être par allons-y et remplissons une partie du rectangle d' arrière-plan. Je vais donc créer une autre nouvelle couche ici. Et je vais continuer et utiliser ce rectangle comme sélection. Je vais donc sélectionner ça. Nous allons donc peindre à l'intérieur du rectangle sur cette nouvelle couche. Et prenons juste un plat qui n' est pas super saturé. Allons juste quelque part au milieu, un peu bleu clair. Et utilisons le nettoyant pour bords mouillés . Et allons-y et remplissons-le. Redimensionnons un peu ce pinceau. Allons-y et remplissons-y une partie de ce rectangle. Je pense que je vais faire une autre passe. Pression légère réelle. Maintenant, je vais utiliser l'outil d'effacement ici Je vais avoir besoin de laver à nouveau le bord mouillé, et je vais juste effacer une partie du contenu de l'illustration du lapin , juste pour en retirer une partie OK, nous avons donc un peu de bleu. Oups. J'ai une petite trace bleue qui coule sur le bord du lapin, et je pense que c'est parfaitement normal Donc, pour rappel, si vous voulez prendre votre temps ici, et si jamais je vais trop vite, mettez simplement la vidéo en pause. N'oubliez pas non plus de faire des pauses, de prendre un café, un thé. Restez super détendu pendant que vous suivez le cours. Ne vous inquiétez pas de faire exactement les mêmes marques que moi. Ne vous laissez pas stresser. Encore une fois, si je vais trop vite, ralentissez-moi, mettez-le en pause. Tout est à votre disposition. Alors restez détendu et amusez-vous en suivant, car c'est un aspect très important de la peinture. C'est juste pour rester détendu et passer un bon moment. OK. Voyons maintenant si nous pouvons ajouter une nouvelle couche ici. Et je pense que je vais garder les bords mouillés propres. Et prenons une orange, qui ferait office de complément au bleu. Et peut-être quelque chose de pas encore trop saturé. Et faisons un vrai lavage léger sur le lapin. Et encore une fois, si ça saigne par-dessus bord, c'est très bien. Il s'agirait donc d'une situation où le papier est encore humide, et nous ajoutons un produit de lavage qui circulera librement où il le souhaite, en gros. Je vais prendre la gomme et en supprimer un peu Encore une fois, la gomme a également été réglée sur la brosse à bords mouillés, les bords mouillés sont lavés OK, je pense que quelque chose comme ça est un bon début pour nous. Maintenant, nous allons créer une nouvelle couche , car il s'agit essentiellement de créer une nouvelle couche Nous disons essentiellement que cette peinture, ce lavage initial, est sèche. Et je vais légèrement incliner mon orange vers le rouge Et nous allons opter pour le Pressure Painter cette fois parce que je veux les formes initiales soient un peu plus douces. Et encore une fois, comme avant, je vais utiliser cette référence au lapin pour indiquer où se situent mes formes sombres où nous devons commencer à ajouter de la valeur, même si mon croquis ne ressemble pas exactement à ce lapin, mais il va tout de même influencer les formes que nous peignons OK, alors allons-y. À partir de là, assurez-vous. Oui, je suis sur une nouvelle couche et vais commencer à remplir certaines des zones de formes les plus sombres que je vois dans la référence. Et nous sommes juste en train de nous faufiler subtilement dans le tableau Nous n'allons pas trop nous lancer dans quoi que ce soit pour l'instant. Et encore une fois, se faufiler comme ça , comme je l'ai déjà mentionné, est aussi une façon de rester très détendu quant à votre approche et à votre processus car c'est presque comme si, à ce stade, rien n'était vraiment un engagement très fort Je veux dire, rien dans le numérique n'est vraiment un engagement très fort, mais cela vous donne simplement la possibilité de prendre des décisions pendant que vous travaillez. OK, faites le tour de l'œil ici. OK, allez-y et revenez sur certaines de ces zones car d'autres zones deviennent plus sombres. Certains de mes premiers pass nécessitent quelques ajustements. Très bien, dans l'oreille. Et je veux que vous voyiez aussi comment je déplace à nouveau le stylo, et je suis un peu lâche avec lui. Par exemple, je ne suis pas vraiment en train de manger des nouilles fines. Vous savez, j'essaie d' être un peu libre et expressif dans ma façon de travailler sur la couleur. Et ces pinceaux sont parfaits pour cela parce qu'ils me donnent un bon mélange de bords durs et souples, et c'est une bonne chose. Ce pinceau permet un bon mélange Il se fond donc avec des couleurs déjà en place ou avec des traits déjà en place. OK, je vais utiliser l'outil de maculage et prendre un peu de recul. Assurez-vous qu'une partie de cela va juste vous mener dans le bleu. Et, d'accord. Alors maintenant, allons-y et ajoutons une autre nouvelle couche. Et ajustons un peu notre orange pour que je sois peut-être tentée de voir si elle devient un peu plus jaune. Je ne sais pas si cela apparaîtra assez bien. Essayons-le. Voyons ce qui va se passer. est donc le pinceau pointu en zibeline que nous allons utiliser pour cette couche. Et en fait, je vais le rajouter sur cette couche parce que je veux vraiment qu'il y ait un peu plus de variation de couleur ici. Allons-y donc. Je vais en parler avec ce jaune, juste pour en ajouter un peu. Si vous pouvez le voir, c'est vraiment très subtil, mais il y a juste une petite variation de couleur à quelques endroits. C'est un autre trait de l'aquarelle. Il suffit d'ajouter juste pour que cette couche entière ne soit pas d'une seule couleur. OK. Maintenant, revenons à notre nouvelle couche, qui va être plus foncée. Repoussons-le donc vers le rouge. Va dans un endroit un peu plus sombre. On va descendre par là, peut-être un peu plus rouge. Quelque chose comme ça. Essayons et voyons à quoi cela ressemble. Bien, comme nous utilisons maintenant le sable pointu, nous allons avoir des arêtes un peu plus nettes et avoir la possibilité de créer un peu plus de netteté pour certaines de ces formes marque errante. Oups Donc ici. Mets le pinceau en zibeline sur la gomme et débarrasse-toi de ça OK, alors maintenant, je vais créer certaines de ces formes plus sombres. Et nous avons ici différentes couleurs avec lesquelles nous pouvons jouer en une seconde et voir avec quoi nous devons travailler. OK, j'utilise de la zibeline tranchante pour peindre, et dans l'outil à maculer, je l'utilise chargée pour la mouiller Je vais donc faire des allers-retours au fur et à mesure que je vais arriver ici et juste régler certaines d'entre elles. Je veux me débarrasser de tous les points durs. Je suis juste en train d'en lisser certains au fur et à mesure, et cela remodèle en quelque sorte certains de ces traits Encore une fois, je ne veux pas me débarrasser de tous mes points durs. OK, ça a l'air cool. Très bien, alors laisse-moi entrer dans cette oreille. J'ai gardé cette forme dedans. Et travaillez un peu, déplacez-le. Donc, vous savez, nous mettions de la peinture et le papier est sec, donc il est mouillé pour devenir sec, puis nous revenons avec de l'eau claire et un pinceau et nous déplaçons ce pigment ou créons des zones dans lesquelles le pigment peut s'écouler. Non, ce n'est pas que vous deviez le savoir, mais je pense qu'il est important de comprendre les techniques de l'aquarelle traditionnelle, juste pour savoir ce que vous imitez ici, juste pour avoir une idée de la technique C'est juste que c'est vraiment amusant et satisfaisant de voir un tableau comme celui-ci se réaliser. Je veux dire, ce n'est pas un sujet très complexe, mais c'est amusant, et c'est juste le bon moment pour regarder le s'accumuler et les couches commencer à se fondre Et allons-y , très vite. Eh bien, avant de changer quoi que ce soit, ajoutons-en quelques autres ici. Revenons en arrière et continuons à utiliser le Sharpsable pour ajouter un peu plus à nos formes plus sombres Accroître la valeur, développer le tableau. Je pense que pour cette version, nous allons probablement garder le croquis intact. Par exemple, nous n' allons probablement pas l'éteindre, laisser faire partie du tableau. Maintenant, lorsque j' utilise l'outil Smudge, j'utilise une technique similaire, vous savez, où je le fais simplement d' arrière sans enlever tous les bords durs Mais je ne suis pas là, vous savez, je ne suis pas là et j'essaie vraiment de le faire, vous savez, je suis juste en train je ne suis pas là et j'essaie vraiment de le faire, de travailler sur quelque chose, puis de le laisser faire le trait et de le laisser faire partie de la peinture au lieu d' essayer vraiment de contrôler tous les aspects de ce qui se passe. J'espère que cela a du sens, car la peinture traditionnelle est également autre aspect très intéressant de un autre aspect très intéressant de l' aquarelle Vous n'avez jamais vraiment contrôle total des zones humides ou du papier mouillé OK, donc très vite, je voudrais également ajouter une petite variation de couleur à cette couche. Nous pouvons le faire de plusieurs manières, mais allons-y et essayons de peindre en jaune plus clair par-dessus une partie de cette peinture et de voir si cela ajoutera une petite variation, car ce pinceau permettra de peindre un peu de style opaque. C'est un pinceau tellement amusant à utiliser parce qu'il ajoute vraiment un effet cool et en ajoute un parce qu'il se fond si bien sur lui-même. Bien, je vais laisser cette variation jaune peut-être vers le haut, sans vraiment la porter vers le bas. Dans les pieds. Alors allons-y pour le moment. Et voyons si nous pouvons manipuler un tout petit peu ces couleurs, voyons quel genre d'harmonies nous pouvons trouver ici Bien, pour ce faire, revenons à cette couche, où nous avons commencé à renforcer notre ton. Et allons-y et ajustons la saturation des teintes. Et je vais commencer par la teinte et la faire glisser d'avant en arrière. Le vert est intéressant. Mais j'ai tendance à préférer le rouge. C'est une sorte de couleur corail là-bas. Voyons voir s'il est possible de le rendre un peu plus foncé ou plus clair. Un briquet est intéressant. Nous poussons un peu plus loin. En fait, je vais le laisser à 50 %. Je pense que c'est à peu près juste. La saturation n'est peut-être qu'une touche. Essayons d'ajuster la deuxième couche et voyons ce que nous allons obtenir. Donc, pousser les choses un peu plus en rouge crée vraiment un look intéressant. Je ne pense pas vouloir trop saturer quoi que ce soit pour le moment Alors si on fait plus sombre, c'est plutôt cool. Environ 48 %, 49 %, juste un coup de pouce. Oui, j' aime bien ça. Voyons s'il est possible de faire la même chose avec la couche d'arrière-plan. Je suis donc descendue à cette couche initiale laquelle nous avons mis le linge en forme de rectangle. Et faisons la même chose là-bas. Voyons voir. Oui, tu vois, ça fait un peu plus d'eau avec ça, c'est plutôt cool. Je n'ai donc probablement pas besoin de plus de saturation. Je vais laisser ça tranquille. Si nous le rendons plus sombre, je ne pense pas que cela vous fasse vraiment du mal. C'est plutôt cool. Mais je vais le ramener à environ 47 % Ensuite, voyons ce que nous en pensons. 9. Trouver l'harmonie des couleurs, partie 2: OK, je suis vraiment d'accord avec la direction que cela prend parce que, avec ces couleurs ici, comme l'orange et une sorte de corail , je n'aurais pas choisi ça au départ. C'est donc quelque chose que nous avons découvert en faisant preuve de flexibilité dans nos couleurs, en apportant quelques ajustements au fur et à mesure et en recherchant cette harmonie des couleurs Allons-y et essayons simplement de voir si nous pouvons ajouter une nouvelle couche au-dessus du rectangle délavé et essayons simplement ce type de couleur orangée que j'ai Et essayons d'y ajouter un effet « soft wash one stamp » ici. Allons-y, ajoutons-le et voyons si nous pouvons en quelque sorte l' intégrer à la peinture. Et je vais le déplacer un peu. Tu vois, on dirait que c'est parce que ça coule dans sa jambe ici, et que ça s' écoule aussi de cette façon. Et c'est un peu sympa, ça ajoute juste un bel effet unificateur à l'ensemble Travaillons donc avec cela et voyons ce que nous pouvons trouver maintenant. Je pense que nous devons aller de l'avant et remplir les verres, leur forme. Alors faisons-le aussi. Et je vais penser à un bleu foncé, quelque chose d'un peu plus foncé que le fond, bien sûr. Je vais utiliser le pinceau pointu en zibeline, et je vais remplir cette forme. Si cela dépasse un peu les limites, je pense que c'est parfaitement bien. C'est ce que l'aquarelle a tendance à faire. D'accord, donc ça a l'air plutôt beau et ça va bien. Mais souvenez-vous comment j'ai parlé de la volonté de perdre un tableau puis de le retrouver. se peut donc que nous devions y donner une petite chance avant de dire que c'est fait. Et disons, essayons peut-être un bleu très clair, un peu très clair. Et j'en suis à une nouvelle étape. C'est sous les lunettes, et voyons si nous pouvons peindre une couleur légèrement différente ou quelque chose qui ressemblera à des verres, peut-être, pour que ce qui se trouve derrière les lunettes soit d'une couleur légèrement différente. Oh, c'est marrant. OK, donc je vais probablement réduire l'opacité à 50 % juste pour qu'elle soit là et qu'elle change un peu la couleur , mais ce n'est pas fou Tu sais, ce n'est pas trop. Donc, oui, c'est plutôt amusant. OK, alors maintenant allons-y et prenons cette couche, qui est la valeur la plus foncée que nous ayons jusqu'à présent, jusqu' à cette couche de lavage, et combinons-les Et avant de retoucher les couleurs, parlons de la possibilité d'inclure le croquis dans la peinture finale. Pour ce faire, prenons toutes nos couches ici, y compris le contour du rectangle et Whoops Je vais vous montrer comment combiner des couches, vous le savez probablement, mais juste au cas où vous les pincez, pincez-les ensemble comme ça pour les combiner. OK, maintenant nous avons tous nos croquis sur une seule couche. Et je vais donner un nom à ce sketch pour que nous ne le perdions pas ou que nous ne l'écrasions pas. OK. Alors maintenant, essayons autre chose ici. Allons-y et allons-y Appuyons sur la miniature et choisissons Alpha Et allons-y, il va falloir que ce soit un gros pinceau. Peut-être que le Sharp Sabo le fera. Mais allons-y, je vais juste sélectionner un bleu clair ici et colorier l'ensemble avec le verrou alpha activé Vous pouvez simplement peindre dans les limites de ce qui se trouve dans cette couche Nous avons donc simplement fait passer notre croquis au bleu, et je vais désactiver le verrouillage Alpha. Et maintenant, effectuons un énorme ajustement de saturation. Maintenant, il ne s'agit que d' une autre méthode pour jouer avec les couleurs et essayer d'intégrer des variations de couleurs dans notre pièce. Parce que lorsque nous faisons cela, cela s'intègre mieux à la peinture parce que le noir n'est pas trop marqué, et il semble que cela fasse davantage partie de l'œuvre au lieu d'être simplement une ligne noire foncée. Je pense que je vais essayer ça. Je vais remettre la teinte sur 50. J'aime bien le bleu foncé maintenant, et je pense que cela convient mieux à la pièce. OK, juste un rappel que c'est bon moment pour s'arrêter et faire une pause, mettre la vidéo en pause, se lever, s'étirer, prendre un café, un thé, de l'eau. Et puis, quand tu reviendras, nous finirons cette pièce. Mais je voulais juste vous rappeler de vous détendre et de faire une pause, car c'est un bon endroit. OK, maintenant, j'ai déjà mentionné que nous modifiions la ligne de couleur ou que nous changions la couleur des lignes pour qu'elle fasse davantage partie de la peinture. Maintenant, pour approfondir cette idée, nous allons passer à notre ligne d'esquisse ici. Et nous prenons l'outil de maculage avec le pinceau humide chargé, et nous pouvons simplement en lisser une partie, pas la totalité, mais juste un petit peu ici et là Nous ne voulons surtout pas nous débarrasser des moustaches, mais nous pouvons simplement créer l' apparence d'une sorte d'aquarelle Peut-être que c'était du graphite soluble dans l'eau ou un crayon de couleur ou quelque chose comme ça, et nous sommes en train d'intégrer ce look. Je vais agrandir un peu mon pinceau. Nous allons donc faire le tour. Encore une fois, nous ne voulons certainement pas nous débarrasser de toutes ces lignes. Nous voulons juste mélanger un peu ici et là et voulons certainement pas nous débarrasser des moustaches Ils sont très importants. Je fais juste le tour de la pièce, et c'est aussi une bonne occasion de perdre quelques points de vue, susciter un peu plus d'intérêt. Et certains bords, certaines lignes sont un peu flous Ils ne sont pas partis. Et maintenant, la pièce est un peu plus belle, ressemble un peu plus à l'aquarelle et n'a pas toutes ces lignes au crayon à arêtes dures, ces lignes d' esquisse Très bien, maintenant je le regarde, et je peux le voir. Je veux dire, le lapin est si noir. Je pense que je veux que l'arrière-plan soit un peu plus foncé, ce bleu en arrière-plan, et que nous l' ayons toujours sur une couche séparée, et que nous puissions l'assombrir très facilement en le dupliquant simplement Et vous pouvez voir, je veux dire, vous pouvez le dupliquer plusieurs fois, et vous pouvez voir que cela s'approfondit vraiment Et je vais aller de l'avant et les combiner. Nous avons maintenant un peu plus de saturation des couleurs en arrière-plan sur laquelle travailler. Et je remarque également que je n'ai pas coloré ces lunettes, les jantes des lunettes, la partie qui recouvre l'oreille OK, donc c'est juste là. Je viens prélever des échantillons. Je vais essayer cette couleur ici et la peindre très rapidement C'est juste un oubli. Et puis celui-ci Et, bien sûr, en repensant à notre référence, vous vous souvenez du guide télévisé de 1983 que nous regardions et qui contenait un peu de bleu incorporé dans ombres et tout le reste, il se trouvait dans certaines des zones les plus noires du tableau Je me demande si nous pourrions simplement utiliser cela comme un moyen d' essayer de voir si nous pouvons l'utiliser. Créons simplement une nouvelle couche au-dessus de tout le reste. Utilisons le pinceau pointu en zibeline pour voir si nous pouvons peindre une partie de ce bleu plus clair sur certaines de nos zones les plus sombres. Oui, je peux déjà le dire. Cela va égayer la pièce, et ça va être plutôt intéressant, je pense Vous utilisez donc simplement la même technique qu'avant, en peignant dans certaines zones sombres. Et ce qui est intéressant ici aussi, c'est qu'il existe en fait une sorte d'aquarelle turquoise et peinture traditionnelle très opaque sur laquelle nous allons peindre de la même manière Nous allons peindre par-dessus la couleur existante. Oui, cela ajoute un bel effet que j'aime bien. Et nous allons faire une étape de plus pour l'intégrer, je crois, en incorporant certains bords, mettre un peu autour des jambes. D'accord, je vais prendre l'outil de maculage, et je suis juste en train d'adoucir certains de ces bords, mais pas trop. Je n'en ai pas besoin de beaucoup. OK. Oui, c'est très intéressant. OK, donc je pense que nos moustaches sont un peu perdues ici, alors je vais opter pour un jaune très clair, presque blanc, mais pas tout à fait Nous pouvons prendre le pinceau pointu en zibeline, mais le réduire considérablement, car c'est un bon pinceau pour les détails. Et assurons-nous que nous sommes sur une nouvelle couche, et que nous pouvons simplement suivre un rapide trop petit. Le pinceau est trop petit. Il suffit de suivre un rapide. Je vais vous montrer très vite, très vite. Il n'est pas nécessaire que ce soit parfait. Suivez simplement ces lignes de moustaches existantes. Je vais certainement vouloir en adoucir quelques-uns . Je veux adoucir un peu l' endroit où ils rencontrent le nez pour que cela ne ressorte pas trop. J'ai toujours quelque chose comme ça qui est probablement très bon. Maintenant, je pense qu'une chose que j'entends souvent, c'est que les gens ont l' impression que leurs couleurs sont peut-être un peu floues. Et une façon d' y remédier Il y a plusieurs façons, en fait, de régler ce problème, mais je vais vous montrer que nous allons peut-être examiner les deux, c'est d' aller de l'avant et de le faire. Faisons une nouvelle couche, et utilisons peut-être le peintre sous pression, et nous utiliserons le même type de couleur jaune clair. Je m'éloigne du blanc juste parce que je pense que ce sera trop clair. Et nous pouvons repeindre certains de ces points forts pour simplement redonner un peu de lumière. En fait, je pourrais même utiliser, essayons le mouillé dans le mouillé, pour ramener des zones plus molles. Et je vais aussi utiliser le Sharp SB, pour quelques fois, je dois l'agrandir. Quelques points qui pourraient avoir besoin d' un bord un peu plus dur, comme cette oreille. Juste ici sur son nez, en dessous, juste là, sur son nez, ce petit espace. Juste ces petits points forts, je me débarrasse d'une manière ou d'une autre de cette confusion, parce que parfois, la confusion est simplement due à un manque de contraste et de simplement Comme si c'était trop, c'est trop proche des tons moyens. Je pense que nous y sommes presque. Je vais peut-être ajouter un peu de reflet dans les lunettes, adoucir quelques points ici. Mon point fort. Et je pense que ce sera très proche ici. Peut-être devrions-nous y jeter quelques éclaboussures et voir à quoi ça ressemble Oh, et je voulais vous montrer une autre façon d' ajuster ce qui peut sembler trop boueux Si nous désactivons les textures du papier et que nous faisons un balayage et une copie à trois doigts , puis que nous balayons à nouveau avec trois doigts et Oups. Désolé, je ne copie pas. Copiez tout. Puis collez. Nous avons donc maintenant une couche avec l'image aplatie dessus Nous pouvons réactiver la texture du papier et ajuster les courbes, mais nous voulons le faire d'une certaine manière ici. Nous voulons tirer vers le bas sur cette ligne, puis pousser un peu vers le haut sur cette ligne, et vous obtiendrez juste une petite partie de et vous obtiendrez juste une petite partie de ce contraste s'il s'agit simplement d'un léger ajustement. Tu ne veux pas y aller trop fort. Si tu y vas trop fort, des choses étranges commencent à se produire. Nous restons donc vraiment subtils et doux avec ces ajustements. Quelque chose comme ça. Nous allons ramener un peu de cette couleur. Et pour le mien, je ne pense pas que ce soit quelque chose que je veuille garder. Oui, je pense que je vais laisser le mien tel quel, mais je voulais juste que tu sois au courant de ce petit ajustement. Et donc, dernière petite étape, prenons un échantillon de bleu, et je vais y aller un peu plus légèrement Je viens de le goûter directement dans cette zone. Et je vais ajouter ça à une nouvelle couche. Et utilisons simplement le Wet Splatter Five. Et ici, il faudrait peut-être que ce soit un peu plus léger, mais en fait, j' aime bien ça. Essayons-en un autre. Maintenant, lorsque vous utilisez les mêmes effets d' éclaboussures ou les mêmes lavages, vous devez absolument être conscient des motifs qui se répètent, comme ici et ici Donc, tout comme n'importe quel type de motif répétitif que vous voyez. OK, je veux aussi un peu d'éclaboussures plus claires, donc je vais créer une autre couche, pousser un peu plus vers blanc et peut-être l'agrandir un peu Voir ici. Oui, quelque chose comme ça, mais je vais en effacer une grande partie parce que je n'en veux qu' une petite partie. Encore une fois, faites attention aux motifs qui semblent se répéter parce que j'utilise le même tampon. En fait, il se peut que je sois juste Whoops. Je pourrais juste en peindre quelques-uns ici. Et souvenez-vous encore une fois de notre inspiration, nous avions des motifs d'éclaboussures peints, peut-être manuellement, et ils allaient tous dans le même sens C'est donc un peu ce que j' essaie de garder à l'esprit ici. Mais je pense que c'est probablement suffisant pour dire que c'est fait. Bien, maintenant que nous avons terminé celui-ci, je veux dire, qu'en pensez-vous ? Que pensez-vous de cette façon de sélectionner les couleurs et de les rendre un peu plus fluides ? Je pense que cela vous donne l'occasion de faire des découvertes avec vos couleurs car si vous partez d'une bonne perspective fondamentale, concerne la théorie des couleurs, exemple avec de simples couleurs complémentaires ou peut-être même un schéma triadique Et au fur et à mesure que vous commencez à créer ces couleurs neutres et que vous vous en tenez à des couleurs de milieu de gamme, sans trop saturer ou trop claires, vous avez de la place pour vous ajuster et jouer, comme nous l'avons fait ici. Nous avons fini par en découvrir un peu, comme orange corail, et il y a un peu de rouge foncé là-dedans. Nous nous sommes également retrouvés avec une sorte de bleu aqua que nous avons repeint dans l'ombre. Et dans l'ensemble, la pièce semble très, euh , unifiée, et on a l'impression qu' il y a des couleurs harmonieuses , ainsi que des couleurs neutres. J'espère donc que vous avez trouvé cela instructif en ce qui concerne le choix de la couleur , la théorie des couleurs et le travail avec la couleur Donc, comme devoir pour celui-ci, j'adorerais que vous repreniez l'un de vos croquis des leçons précédentes et que vous l'essayiez à nouveau. Commencez par la gratuité. Effectuez des ajustements au fur et à mesure. Et une fois que vous avez trouvé un schéma qui vous plaît, vous pouvez simplement commencer à échantillonner les couleurs dès la sortie de la peinture pour apporter des ajustements ici et là. Très bien, essayez-le, et dans le prochain, nous allons commencer à jeter les bases de notre projet final de peinture 10. Projet de peinture 1 Démarrage: OK, nous sommes prêts à commencer le projet final de peinture pour ce cours. Et je suis enthousiasmé par celui-ci parce que le sujet est un peu plus complexe que notre pratique de peinture, car nous traitons de multiples sujets dans la composition. Mais je pense que vous allez découvrir, peut-être serez-vous surpris de voir à quel point c'est facile, car nous allons adopter la même approche détendue et simple qu'auparavant. Maintenant, je vais diviser ce projet en plusieurs vidéos juste pour le rendre plus facile d'accès et pour suivre les étapes. Donc, si nous allons de l'avant et que nous examinons mon croquis, je vais maintenant inclure ce croquis dans les ressources du cours si vous souhaitez utiliser le même croquis pour suivre ou, bien sûr, vous êtes invités à créer le vôtre. Maintenant, avant de passer à nos premiers lavages, allons-y et parlons d' un véritable plan de base pour une palette de couleurs Et ce que je pensais pour celui-ci, c'est d' utiliser peut-être juste des couleurs chaudes contre des couleurs froides, une palette de couleurs complémentaire, quelque chose de vraiment simple pour commencer. Et j'ai pensé que dans ce rectangle en arrière-plan, nous avons du ciel et de l'herbe, peut-être ce bleu-vert sur fond de couleurs complémentaires, cette sorte de zone rouge, orange, peut-être jaune. Je pense que les vers sur fond cool fonctionneront bien ensemble. Donc, pour notre chat et notre papillon, ce seront les couleurs les plus chaudes, puis le fond restera frais. C'est vrai. En repensant à notre croquis, sur la gauche, j'ai l'image conceptuelle originale ou la photo de référence sur laquelle nous avons dessiné la petite image conceptuelle juste pour référence parce que, comme nous l'avons fait auparavant avec le lapin, je voulais en quelque sorte utiliser l'image du chat juste pour éclairer nos décisions sur endroit où placer les détails sur le visage du chat et ensuite où placer notre des lumières et des ténèbres. Mais le reste ne vient que de l'imagination. Nous allons donc simplement remplir l'arrière-plan, peut-être un peu abstrait avec l'herbe, et nous allons simplement créer quelques couleurs pour le papillon, juste par imagination. Bien, avec tout cela au carré, voyons si nous pouvons procéder et ajouter quelques premières touches de couleur Créons donc un nouveau calque et placons-le sous le calque d'esquisse. Et faisons en sorte que le ciel soit bien bleu. Peut-être juste quelque chose d'un bleu clair qui n'est pas trop saturé. Et passons au pinceau Super Wet and to Wet. Alors allons-y et ajoutons-nous un peu de bleu. Ne vous inquiétez pas si cela dépasse les limites. C'est parfaitement bien. vais aussi le varier un peu en assombrissant légèrement mon bleu, faisant une passe supplémentaire ici. Maintenant, allons-y et achetons un green. Mais faisons-le sur une autre couche. Faisons-le sur une couche en dessous du bleu. Et passons au bleu en utilisant le même pinceau, mais cette fois, prenons un vert pour l'herbe, ce qui serait peu comme si je voulais que le vert soit plus jaune que bleu. Faisons donc quelque chose comme ça. Peut-être juste ici. Et nous allons simplement peindre avec un chiffon doux pour représenter en quelque sorte notre zone gazonnée. Nous allons donc avoir besoin de peindre des détails un peu abstraits Je pense que pour le gazon , il faudra un peu plus de détails que cela pour le laver . Essayons donc d'ajouter une nouvelle couche, et allons-y un peu. Passons à un peu plus sombre et peut-être un peu plus chaud. Passons maintenant à la brosse pointue en zibeline. Je pense que ce sera mieux pour peindre des brins d'herbe. Et vérifiez bien, assurez-vous que nous sommes sur une nouvelle couche. Commençons simplement à peindre. Donc, des traits pour représenter des brins d'herbe ici. Ne vous inquiétez pas s' ils sont parfaits. Nous voulons simplement nous assurer qu'ils ne sont pas trop répétitifs. Nous voulons également remplir toute cette zone ici. Je pense que je vais peut-être en faire un de plus. Je vais faire un peu plus sombre, faire une dernière passe. R Maintenant, nous pouvons aussi prendre le pinceau à effacer, nous assurer qu'il est réglé sur la zibeline tranchante, puis nous pouvons en quelque sorte le ramener ajoute en quelque sorte au caractère aléatoire de l'herbe Très bien, voyons voir. Permettez-moi faire quelques ajustements supplémentaires ici. OK, je pense que maintenant voyons voir si nous allons peut-être continuer et combiner ces deux couches vertes. Maintenant, souvenez-vous de notre article d'inspiration, le guide télévisé dont les bordures étaient en quelque sorte à la pointe de la technologie. Voyons si nous pouvons recréer quelque chose comme ça ici parce que j'ai vraiment aimé cet effet, et je ne sais pas s' il fonctionnera ou non, mais nous pourrions l' essayer juste pour expérimenter Nous avons donc notre couche verte ici et l'outil de maculage chargé dans de l'eau Complétons-le en quelque sorte ici. Juste pour que ça saigne un peu par-dessus le bord En fait, je peins. Voyons voir. Peut-être que si je peignais avec le papier mouillé , juste un peu ici pour nous donner un peu plus de marge en dehors des lignes, d'accord, revenons à l' outil de maculage juste pour revenir vers la bordure Quelque chose comme ça pourrait avoir l'air plutôt cool plus tard. Nous en resterons là pour le moment. Peut-être pourrons-nous toujours l'ajuster plus tard. Nous pouvons toujours y revenir. Et l'herbe a l'air plutôt cool aussi. Je pense que ça se lit vraiment comme de l'herbe. OK. Voyons maintenant comment faire Allons-y et faisons un peu d'orange derrière la partie du croquis qui représente le papillon. Optons donc pour une orange qui n'est pas super saturée et peut-être un peu plus rouge. Essayons quelque chose comme ça. Passons à nouveau au pinceau Let's keep it soft now et subtil avec le pinceau humide à humide. Oh, et nous le sommes. Passons à une nouvelle couche au-dessus du bleu. Nous allons conserver quelques couches distinctes pour le moment afin pouvoir effectuer des ajustements si nécessaire. Et je pense que je veux faire, genre, une petite variation dans cette couleur ici. Alors revenons peut-être un peu au jaune juste pour nous donner une petite différence de couleur. Revenons à cette orange et devenons encore plus foncées, peut-être un peu plus rouges. Et puis, vers le bout des ailes, peut-être que la couleur soit un peu plus saturée. C'est bon. Quelque chose comme ça va probablement fonctionner pour le moment. Mais je me demande si je suis un peu plus saturé. Très bien, alors maintenant Très bien, allons-y et lavons le visage du chat à l'orange . En fait, nous pouvons simplement le garder sur la même couche que le papillon parce qu'ils sont déjà séparés Revenons donc à un peu plus de jaune dans l'orange. Et nous allons utiliser C' est une plus grande surface, alors utilisons le lavage des bords mouillés voir comment cela fonctionne pour nous. OK, alors souvenez-vous également que je regarde cette référence pour m'indiquer où se situent couleurs les plus claires par rapport aux tons plus foncés. Son nez est donc le plus sombre, autour de ses yeux c'est le plus sombre Ses oreilles sont plus foncées, mais nous avons ensuite ce genre de tons gris ou plus neutres sur les bords du visage. Gardons donc cela à l'esprit et utilisons cette référence lorsque nous travaillons ici. OK. C'est assez subtil ici avec ce premier pass. Et je vais aussi opter pour une couleur plus jaune, parce que je pense qu'en ce qui concerne la lumière, le jaune pourrait en fait fonctionner un peu mieux ici. Je vais aussi bien mélanger. Je vais saigner un peu dans ce green à cause de l'herbe Je suis juste en train d'empiler ces couleurs ici. Vous pouvez donc voir ce que je fais. Je suis juste en quelque sorte. Permettez-moi de revenir à cette orange que nous avions au départ. Rendez-le un peu plus saturé. Allez-y un peu , diminuez légèrement l'opacité et passez en bas Oh, allons-y et ce premier passage aussi, allons-y et faisons en sorte que les yeux soient d' un bleu aussi vif que celui que nous voyons dans le ciel. Donc, pour ce faire, il va falloir effacer la partie orange qui se trouve au-dessus de ses yeux. Sinon, le ton sera trop neutre. Nous avons donc déjà le pinceau bien aiguisé en zibeline pour la gomme, et effaçons simplement la trace orange qui s'est accumulée sur les yeux. Alors maintenant, vous allez voir dans cette couche que nous avons effacé un peu de cette touche orange. Maintenant, passons au bleu. Donnons un bleu similaire à celui que nous avions dans le ciel, peut-être un peu plus clair. Et ajoutons-le. Je vais le faire avec une brosse bien aiguisée en zibeline juste pour avoir un bon tranchant. Et ce n'est pas grave aussi, si ça dépasse un peu les limites. Encore une fois, ne vous inquiétez pas d'être trop parfait avec. Et je pense que pour l'instant, allons-y et arrêtons-nous ici, c'est notre premier passage, notre premier lavage initial. Laissons ça reposer un peu. Faisons une petite pause, puis nous reviendrons dans la vidéo suivante et nous continuerons à créer des valeurs plus sombres sur une nouvelle couche. D'accord ? Je te verrai dans un instant. 11. Projet de peinture 2 Créer des valeurs: Nous sommes donc sur le point de nous lancer et de commencer à ajouter des valeurs notre peinture, à faire entrer les ténèbres et à créer de la profondeur Mais avant cela, quelqu'un a entendu. Quelqu'un a entendu dire que nous étions en train de peindre un chat orange, et malheureusement, Roscoe a décidé de se joindre à Il ne va donc probablement pas me laisser me concentrer sur ce tableau, mais nous verrons comment cela se passe. Bien, en regardant où nous en sommes dans notre peinture, allons-y et commençons à intégrer certaines des valeurs les plus sombres. Encore une fois, je vais utiliser la référence ici et simplement regarder tous les endroits sombres autour des yeux, le pelage plus foncé, les oreilles, le nez, ce genre de choses. J'ai envie d'utiliser le bleu. Un bleu foncé pour commencer à intégrer ces valeurs. Et voyons comment cela fonctionne pour commencer. Assurons-nous donc d'être sur une nouvelle couche pour ce faire. Et utilisons un bleu qui juste au milieu, et il ne l'est pas trop, comme un ultramarin, mais ensuite ça devient trop vert. Donc quelque part au milieu. Et je vais utiliser le super humide et le mouiller à nouveau parce que je veux que ces bords soient souples au début. Et encore une fois, nous nous faufilons, donc je ne veux pas non plus rentrer trop sombre au début Je vais juste le construire et prendre des décisions en fonction de cela. Je vais donc faire le tour des yeux et du nez. J'adore quand l' orange et le bleu se chevauchent, et cela crée une sorte de ton neutre, neutre, grisâtre. Ils s'annulent en quelque sorte parce qu'ils sont gratuits. Alors, dans l'oreille, allons-y. Faisons un passage supplémentaire sur cette couche, puis nous devrons probablement créer une nouvelle couche, peut-être utiliser le sable fin et un peu de bleu plus foncé pour faire ressortir les valeurs ou les rendre encore plus profondes. Plus sombre. Très bien, alors je change un peu plus mon bleu. Et puis sur une nouvelle couche, essayons le pinceau pointu en zibeline. Voir. Allons-y, zoomons ici et commençons vraiment à faire plus sombre sur ce pass. Et c'est probablement assez sombre, je pense. Par exemple, je ne pense pas que nous ayons besoin de faire plus sombre que ça. Je vais passer du mouillé au mouillé , juste pour faire comme si cette couche plus foncée avait peut-être légèrement pénétré dans la peinture orange Je pense également que nous avons probablement l'occasion d' essayer d'ajouter une petite variation de couleur à ce que nous avons ajouté à ce que nous avons ajouté, peut-être un peu de couleur expérimentale. Je vais prendre l'outil de maculage, et j'ai sélectionné le pinceau chargé dans l'eau, et je vais juste adoucir quelques-unes de ces arêtes ici même, dans l'œil Détail très important. Et ici, dans cet autre œil, montre-toi ce que je fais ici. Je cherche juste quelques arêtes ici ou là que j'ai envie d'adoucir un peu. Je pense que c'est plutôt bien. Laisse-moi vérifier si l'oreille est OK. Voyons voir peut-être, une petite expérience juste pour voir ce qui se passe. Je vais créer une nouvelle couche, et je vais utiliser Let's just get, commençons par une couleur orange, et faisons juste un passage, peut-être avec le type mouillé à humide, sur cette zone, cette zone où une grande partie de son visage est ce type de gris neutre, et nous voulons ajouter à cette valeur. Donc si je prends cette orange, tu vois, j'aime déjà un peu ça. Je ne sais pas si cela nécessitera beaucoup de réglages de couleur, mais nous allons essayer et voir. On ne sait jamais ce qui va se passer. Et ça fait aussi partie du fun , parce que, eh bien, tu sais, voyons juste ce qui se passera. Soyons des artistes curieux et voyons ce qui se passe ici. OK, donc cette couche est l' orange que nous venons de peindre, et faisons un ajustement et une saturation des teintes. Et voyons comment déplacer légèrement la saturation. Mais je pense que cela nous aiderait davantage si nous avions une certaine variation de couleur dans le vernis que nous venons de peindre. Faisons donc Alpha Lock. Passons simplement cette couleur au jaune et repassons-la simplement pour créer une et repassons-la simplement pour certaine variation au sein de ce lavage. Faisons maintenant un ajustement de la saturation des teintes. Le vert est intéressant. Le bleu est intéressant. Je pense qu'en insistant légèrement sur cette couleur , j'ai presque envie d'essayer le violet. Je me demande ce qui se passerait si nous réduisions la saturation. Oh, ça commence à être un peu plus et ça a fait baisser la luminosité. C'est en quelque sorte ce que je pensais un peu plus. Maintenant que nous avons une sorte de violet neutre, sorte de violet neutre c'est un peu ce que j'espérais. OK, c'est très intéressant. Je vais y aller et en rester là. J'ai la teinte à 39 %, la saturation à 18 et la luminosité à 43. Mais ces mêmes réglages vous donneront pas exactement le même effet dans votre peinture à moins que vous ne choisissiez exactement la même idée de couleur. se peut donc que vous deviez ajuster ce qui convient à vos yeux ou à ce qui convient le mieux à vos yeux. Maintenant, j'ai quelques arêtes dures, comme juste là sur le nez, que je vais juste adoucir un peu , puis peut-être les pousser un peu là. OK, c'est plutôt bien. Je pense que ça va marcher. D'accord, je trouve ce réglage des couleurs vraiment cool et excitant Je pense que celui-ci va vraiment bien sortir. OK, alors faisons la même chose avec le papillon ici, et nous pouvons le faire. On peut le faire sur la même couche, rien n'est vraiment touchant. Et je vais aller de l'avant et combinons les deux. Nous pouvons avoir toutes nos couleurs foncées sur la même couche, et nous pouvons également y peindre le papillon Ajoutons donc simplement de la valeur. Passons juste à ce rouge orangé vif. Et déposez-le un peu vers le bord des ailes, juste pour ajouter de la saturation ou pour donner une petite touche de couleur au papillon. À quelques endroits. Et maintenant allons-y, prenons la même orange, mais passons à une couleur beaucoup plus foncée et peignons le bord. Des ailes. Et ne t' inquiète pas d'être super parfaite. Vous savez, je veux dire, vous pouvez voir au fur et à mesure que mes couleurs ou mes traits ne sont pas toujours parfaits. Et cela fait partie du plaisir de l'aquarelle. Il n'est donc certainement pas nécessaire que ce soit parfait tout le temps. Je vais donc en ajouter un petit peu sur l'aile arrière. C'est peut-être tout ce dont nous avons besoin pour le papillon. Je n'ai probablement pas besoin de beaucoup de détails. OK, en le regardant et en le comparant à notre référence, je constate qu'il y a une séparation ici sur le bord de son visage, le visage du chat, là où il fait plus sombre derrière lui. Et en regardant notre tableau où il se trouve, et comme nous ajoutons des valeurs plus sombres, j'ai l' impression que je dois assombrir un peu le haut du ciel ici. Essayons donc avec peut-être un bleu un peu plus foncé. Et je vais juste utiliser le sable pointu, et je vais le faire sur une nouvelle couche au cas où cela ne nous plairait pas. Agrandissez le pinceau et déposez simplement une valeur un peu plus profonde ici, juste en haut. C'est peut-être un peu par ici. Ensuite, nous allons simplement y mélanger un peu les bords. Maintenant, je pense que cela va nous donner un peu de place pour mettre en valeur le visage du chat, le bord de son visage, et cela fonctionnera parfaitement avec ce ciel bleu plus foncé. D'accord, nous avons maintenant ajouté des valeurs supplémentaires à notre peinture. Et je pense que nous allons maintenant devoir essayer d' ajuster certains points forts et peut-être faire d'autres expériences dans la prochaine vidéo. Faisons donc une pause. Encore une fois, levons-nous, promenons-nous, et laissons ce tableau s'imprégner et laissons ce tableau s'imprégner un peu avant de continuer. 12. Projet de peinture 3 : ajouter des reflets: OK, nous avons atteint un point dans notre peinture où nous avons ajouté une valeur plus sombre, et nous sommes arrivés à un point où nous devons probablement évaluer où nous en sommes. Et je pense qu'il est possible d'ajouter des valeurs plus légères pour faire ressortir certains points forts. Cela reviendrait à ajouter un peu de guash blanc à une peinture traditionnelle Et je pense qu'il est également possible de s'assombrir à certains endroits, notamment en ce qui concerne les détails. Allons-y et voyons si nous pouvons apporter ces ajustements. Maintenant, avant de passer à d'autres valeurs, passons à cette ligne d'esquisse au crayon noir que nous avons, car elle affecte actuellement la façon dont nous voyons le tableau. Voyons donc si nous pouvons le faire se fondre un peu dans les couleurs que nous avons. Donc, sur la couche d'esquisse d'origine, il suffit de la dupliquer pour créer une sauvegarde. Et je vais désactiver celle du bas. Et sur le nouveau, appuyons sur la miniature et choisissons Alpha Maintenant, je vais utiliser le pinceau pointu en sable, et je vais me dire Oh, commençons par une orange, peut-être. Essayons simplement. Et nous devrons probablement garder la couleur de la ligne au-dessus des yeux, du nez et la bouche foncée, peut-être bleu foncé. Mais vous pouvez voir que pendant que je peins, certaines de ces lignes se mélangent ou disparaissent un Prenons un bleu foncé. Allez-y et vous pouvez voir que lorsque je passe en revue ces lignes, elles se mélangent en quelque sorte. Je vais passer en revue l'ensemble du visage ici. Ensuite, je vais choisir une couleur plus foncée pour revenir. Je vais prendre un bleu plus foncé pour les yeux. Vous pouvez voir où je peins ici. Il faut probablement faire encore un peu plus sombre pour les yeux ici. Et peut-être qu'ici, sur le bord, peut-être même passer au violet. Juste pour ajouter, genre, un choix original pour voir comment ça fonctionne. En fait, ça a l' air de fonctionner. Et sur le gazon, je pense que je vais opter pour du vert foncé. Peut-être. C'est marrant comme les lignes d' esquisse ont tendance à disparaître dans le tableau. Ils sont à nouveau bleu foncé pour ce qui est là-haut sur le papillon. Ils font en sorte que tout se fond en quelque sorte. OK, je pense que c'est plutôt bien pour nos lignes d'esquisse. Et voyons voir j'ai l'impression qu'en arrière-plan, dans cette zone, nous devons peut-être créer quelque chose qui fasse ressortir les papillons un peu de l'arrière-plan. Et je me demande si un lavage peut faire ça pour nous. Allons-y, faisons une couche sous l'esquisse, et choisissons la couleur blanche. Et puis allons-y, j'ai ajouté quelques lavis et éclaboussures à l' ensemble de pinceaux que nous pourrions utiliser Et faisons-en un doux lavage. Et je vais juste le placer ici, puis nous pourrons le déplacer et l'ajuster. Je veux en quelque sorte que ce point culminant se trouve sous le papillon. En fait, il se peut que nous devions le faire glisser sous cette couche. Eh bien, cela n'aura pas autant d'effet si nous le faisons. Cela ne se démarque pas autant. Laisse-moi le remettre en place. Oh, c'est cette couche supplémentaire que nous allons déplacer vers le haut. Je vais juste effacer une partie de ce qu'il y a au-dessus du papillon. Maintenant, faisons juste une éclaboussure blanche, je crois, sur cette même zone La a utilisé du Splatter Five humide. Il suffit de le déplacer. Peut-être juste là. OK, maintenant allons-y et abordons certaines de nos valeurs. Je vais le faire, je vais juste créer une autre couche, peut-être au-dessus de l'esquisse. Essayons ça. Et regardons simplement notre référence ici. Maintenant, ce dont je parle, c'est que ces zones comme le nez, ne sont pas aussi sombres qu'elles pourraient l'être. Et puis cette zone de la bouche , ici, le bord de l'œil, juste quelques occasions de nous offre juste quelques occasions de faire un peu plus sombre, je crois que c'est dans ces zones. Alors allons-y. Eh bien, n'utilisons pas le noir. Prenons juste un bleu très foncé. Et je vais utiliser la brosse pointue en zibeline, et je vais commencer par le nez, et je vais juste le dimensionner en quelque sorte. Je vais le définir un peu mieux. Ces formes sombres. Ensuite, cela se transmet jusqu'à la bouche. Il y a cette forme de narine ici, et tout le côté du nez est un peu plus foncé Cette zone de la bouche est plus foncée ici et là. Ici, jusqu'au bord de l'œil, c'est plus foncé, juste dans le coin. Et puis la pupille de l'œil devient plus foncée. Ici. Et regardons cet œil. Il devrait faire un peu plus sombre, surtout sur la pupille. Ensuite, je vais utiliser l' outil de maculage et lisser un peu ce bord Pareil pour le nez ici. Prends ça. Regardez ces formes et voyez simplement comment leur valeur pourrait être un peu plus foncée. Et je pense que cela doit probablement faire une grande différence quant à notre position dans la peinture et à son faire une grande différence quant avancement. Surtout lorsque nous reviendrons et que nous ajouterons ces points forts, cela fera vraiment une grande différence. OK, il y a probablement du noir dans les oreilles. Ou du moins cette année. OK, brosse pointue en zibeline. Juste un peu dans le coin. Et adoucissez ce bord. OK, maintenant j'ai l'impression que nous sommes probablement un peu plus en phase avec nos ténèbres. Regardons maintenant cette petite tache sur le nez qui a juste besoin de s'assombrir un peu Bien, revenons aux points forts. Commençons simplement par ajouter ces points forts à l'œil. Je vois ici que cela mélange en quelque sorte cette obscurité. Mais dans ce cas, il fait très très clair ici. Et je fais tout cela sur la même couche pour le moment. Parce que je vais devoir changer. Cela doit être un peu plus sombre. Les yeux sont vraiment importants, vous savez, donc je veux juste corriger cette partie parce que les yeux sont généralement un bon point focal. va falloir y aller un peu plus foncé dans le bleu. Le bleu apparaît. En gros, il était trop blanc. Je crée juste une petite transition à cet égard. Voir à propos de. C'est probablement mieux. C'est probablement encore un peu trop blanc. Vous savez, il faut du temps pour avoir les bons yeux Parfois, le principal aspect de la réussite d' un portrait animalier est de savoir si un portrait animalier vous avez les bons yeux. devient moins brillant et Ici, le blanc devient moins brillant et les différentes couleurs deviennent moins intenses. R OK. C'est plutôt bien, je trouve. Bien, pendant que nous sommes ici, allons-y et abordons quelques points saillants. En fait, je vais utiliser un jaune, très jaune clair et pas complètement blanc pour cela. Mais cette ligne qui se trouve sous son œil, où il y a juste un peu de fourrure très claire , puis juste au-dessus de l'œil, allons-y et trouvons ces deux points et peut-être deux autres avant de passer à autre chose. Donc, peignons simplement ceci sur Allons-y et faisons-le sur une nouvelle couche. Et c'est juste cette zone. On en revient à du guash blanc. Où d'autre ? Peut-être juste ici. Je vais adoucir certains de ces bords. Je peux voir où ça nous mène ? Oui, c'est plutôt bien. Je pense que je vais simplement rajouter cette ligne. Et oui, je regarde cette fourrure blanche ici le long du nez puis juste ici, le long du bord de cet œil. Je vais l'ajouter très rapidement avant de passer à autre chose. C'est là-haut. R Et où d'autre avons-nous besoin d'une petite touche de mise en valeur à ce stade. Ce n'est probablement pas le seul ajustement que nous allons apporter aux valeurs. Il se peut que nous devions revenir quelques fois et apporter quelques ajustements si nécessaire. OK, un point que nous pourrions aborder maintenant est celui des cheveux qui recouvrent les oreilles. Et je ne sais pas si nous pouvons peut-être recréer un peu et essayer de voir si c'est quelque chose que nous voulons ajouter Je vais atténuer un peu les nuances. OK, je pense que nous sommes au bon endroit pour faire une autre pause, puis nous reviendrons, et nous allons commencer à ajouter ce que j'appellerais des effets spéciaux. Peut-être allons-nous ajouter quelques gouttes et peut-être quelques éclaboussures et nous pourrions faire quelques expériences avec Et puis je pense que nous serons très près de terminer celui-ci. 13. Projet de peinture 4 Pour aller plus loin: Bien, nous voilà de nouveau, prêts à continuer notre peinture, et nous avons atteint un point où nous sommes arrivés à un point intéressant, car nous pourrions dire que ce tableau est terminé, et je pense que je le considérerais comme un succès car nous avons de bons rapports qualité-prix. Nous avons de bonnes couleurs qui fonctionnent bien ensemble, et c'est une belle composition. Nous pourrions nous arrêter ici. Mais nous avons l'occasion d'aller de l'avant de pousser les choses un peu plus loin et d'expérimenter. J'ai introduit plus tôt le concept selon lequel faut être prêt à perdre un tableau puis à le retrouver. Et en gros, cela signifie être prêt à expérimenter. Maintenant, je dis « perdez un tableau » parce qu'avec un tableau traditionnel, il y a toujours le risque de le ruiner parce que vous êtes allé trop loin et que vous ne pouvez pas le récupérer Et cela est dû en grande partie à la transparence des aquarelles, car vous ne pouvez pas simplement corriger les erreurs parce que vous les verrez toujours Mais avec le traditionnel, nous avons le filet de sécurité qu' est le bouton d'annulation. Nous pouvons toujours emporter ce que nous n'aimons pas. Nous pouvons donc simplement expérimenter et expérimenter, et cela ouvre vraiment la porte à toutes sortes d' opportunités, car vous n'allez pas vraiment les perdre. Allons-y apportons quelques modifications supplémentaires, et tentons quelques expériences juste pour voir jusqu'où nous pouvons aller et voir si nous pouvons passer du bon niveau où nous sommes aujourd'hui à l'excellence. Très bien, alors essayons certaines choses et voyons ce qui se passe. OK, la première chose que je veux que nous regardions est basée sur mon croquis original , il semblerait que j'ai voulu ou eu l'intention d'y mettre des fleurs, ce qui est vraiment une bonne idée, juste étant donné que nous avons cette orange ici et un peu d'orange ici, et ce serait bien de le porter avec des fleurs et des des éclaboussures et peut-être même ici ou ici, juste quelques opportunités qui, je pense, pourraient apporter un peu plus d'intérêt Donc, pour ce faire, allons-y et j'ai une nouvelle couche au-dessus de tout le reste. Donc, si nous utilisons une brosse tranchante en zibeline, cela nous donnera des arêtes assez tranchantes, ce qui, à mon avis, convient probablement, étant donné que nous avons des arêtes tranchantes dans notre gazon là-bas, et cela semble plutôt bien fonctionner pour cela. Essayons donc avec les fleurs. Mais le problème que nous allons rencontrer c' est qu'il faut ajouter un peu plus de jaune. Est-ce que ça va être un peu jaune terne parce que ça se mélange au bleu Alors d'abord, peignons un peu de blanc pour que cette couleur plus vive passe par-dessus. Et je pense que cela va aider la farine à se démarquer. Et ajoutons quelques éléments aléatoires. Peut-être un ici. Peut-être ici. Ici. Peut-être qu'ici, peut-être que nous transformerons cette éclaboussure en fleur Peut-être que celui-ci aussi. Quelque chose comme ça. Alors prenons cette couleur jaune. Peut-être quelque chose comme , un vrai jaune vif. Je vais prendre un peu plus d'orange. Essayons. Essayons ça. Peut-être ajouterons-nous du jaune et de l' orange aux fleurs. Donc, si nous passons à autre chose, nous avons maintenant une lumière beaucoup plus lumineuse. Il y a moins de mélange avec le bleu, donc c'est bien. Je vais prendre un peu plus d'orange. Voyons voir. Oui, je pense que ça mélange un peu mieux Blends avec le chat et le papillon. Et ce sont des fleurs très, très abstraites. Ils n'ont pas besoin d' être très précis ou être identifiables comme une fleur en particulier ou spécifique. Je pense que quelque chose comme ça fonctionnera. Allons-y et lançons-en quelques-unes sur la droite ici. Et ne vous inquiétez pas s' il n'y a pas de tige. Parce que c'est une sorte de représentation abstraite. Chaque fleur n'a donc pas besoin d'une tige. Passons à un orange vif et peut-être juste à ombrer la partie inférieure de chacune d'elles Je vais prendre l'outil à maculer, et je l'ai chargé dans du mouillé, mais je le redimensionnerai, et je vais simplement mélanger un peu le bord ou adoucir la transition entre le jaune et l'orange D'accord. Maintenant, il semblerait que nous ayons eu quelques éclaboussures blanches très tôt , et je pense qu'il y a probablement une bonne occasion d'ajouter des éclaboussures supplémentaires peut-être juste à différents endroits Voyons voir si nous pouvons en peindre quelques-uns, mais j'ai quelques pinceaux à éclabousser ici J'ai ajouté ces grosses éclaboussures supplémentaires, et je me demande presque si nous ne pourrions pas créer un peu plus l'illusion de fleurs de différentes tailles avec une fleurs de différentes tailles avec une Expérimentons donc cette idée et voyons. Je vais essayer cette couleur jaune. Je vais le déposer sur une couche au-dessus de la couche de fleurs, et voyons voir. Je vais peut-être le mettre ici. Et je voudrais peut-être qu' il soit un peu plus jaune, juste un peu plus brillant. Mais je pense que ça va marcher. Je vais le réduire un peu parce que cela donne juste l' impression qu'il y a peut-être encore quelques fleurs ou des fleurs plus petites. Et je vais en effacer certaines. J'ai une brosse tranchante en zibeline comme gomme, et débarrassons-nous de certaines d'entre elles pour qu'elles ne soient pas trop lourdes une chose que j'aime dans l'utilisation d'un pinceau à éclaboussures comme celui-ci qui produit beaucoup d' Cela me laisse de la place pour en retirer un peu parce que cela ajoute beaucoup de place. Il y a donc suffisamment d'espace à retirer et en faire une sorte d'éclaboussure personnalisée, car si nous réutilisons ce pinceau à éclaboussures à quelques autres endroits, nous ne voulons pas avoir un motif d' éclaboussures répétitif OK. Alors maintenant, j'aime bien ça, et j'aime l'ajout de fleurs. Je me demande si la taille des fleurs rivalise un peu avec la taille de nos éclaboussures blanches Voyons donc si nous pouvons le trouver. C'est sur cette couche ici. Je me demande si nous le réduisons peut-être pour qu'il soit un peu moins visible. Et je vais aller de l'avant et courir. Quelques-uns d'entre eux. Et puis, maintenant je cherche d'autres endroits pourrait y avoir des éclaboussures Voyons s'il est possible d' ajouter un peu de vert. Alors revenons ici. Je vais finir par mettre toutes les éclaboussures sur une seule couche Mais pour l'instant, ajoutons une nouvelle couche juste pour pouvoir les déplacer. Refaisons le Heavy Splatter Six, et mettons-le juste ici Cette fois, je vais le faire légèrement pivoter. Et encore une fois, je veux en retirer une grande partie dont nous n'avons pas besoin, pour qu'elle ne soit pas si lourde. L'élimination des éclaboussures est laissée à votre discrétion, car nous ne voulons pas qu'elles soient gênantes. Et parfois, cela peut arriver avec des éclaboussures. Ajoutons une couche supplémentaire. Cette fois, j'ai toujours le vert, mais je vais utiliser le pinceau Wet Splatter Five, et je vais le déposer ici Ces éclaboussures sont un peu plus transparentes, donc cela nous donne de la variété Et encore une fois, je veux en supprimer une grande partie. J' aimerais vraiment avoir cette partie ici, simplement parce qu'elle ajoute un peu d' éclaboussures au-delà de la bordure ou au-delà de la bordure de notre ligne de crayon OK, alors maintenant je vais y aller. Je les aime bien, alors je vais continuer et les combiner. Voyons ce que nous avons. Je vais continuer et combiner les couches d'éclaboussures. Nous les avons donc tous réunis sur une seule couche. Maintenant, voyons peut-être quelques-unes autour du chat. Je vais donc essayer ce type de couleur orange rosâtre Et prenons le gros pinceau à éclaboussures, et faisons-le tomber, peut-être juste ici, sur le visage du chat En fait, je vais essayer les couleurs un peu sombres. Je vais essayer une couleur un peu plus claire. Encore plus léger que ça. Essayons quelque chose comme ça. OK, c'est bon. J'ai un bruit orange très clair, mais je veux le mettre sur une nouvelle couche D'accord, donc je ne veux pas qu'il y ait d'éclaboussures sur l'œil du chat ou vraiment sur Et une partie de ça ici. Je vais supprimer ça, c'est plutôt bien. Voyez à quel point cela semble plus équilibré dans mesure où rien n'est vraiment trop éclaboussé Tu sais, ce n'est pas distrayant. On dirait que c'est une partie naturelle de la peinture. Alors faisons-en un de plus, peut-être. Tirons peut-être un peu de cette couleur bleue de l'oreille. Et je vais l' utiliser plus léger. Et je vais le déposer sur une nouvelle couche et je vais me procurer le Wet Splatter Additionnez-le par l'oreille. Pensez à simplement le déplacer dans différentes positions. Je vais donc me débarrasser de quelques éléments de celui-ci. Et je pense que c'est plutôt bien pour le moment. Nous pouvons toujours revenir et en ajouter d'autres si nous décidons de le faire. Je vais donc combiner toutes mes couches d' éclaboussures ici en les pinçant Voyons voir si j'ai aussi pensé à faire quelques gouttes, parce qu'ici, sur cette arête, je pense que nous pouvons probablement supprimer cette partie de l'esquisse, ces lignes d'esquisse qui ne font tout simplement pas grand-chose Je veux dire, ils ajoutent un peu de forme à la composition, mais je pense qu'il serait un peu plus intéressant de faire des gouttes ou ajouter des gouttes ici pour faire essentiellement la même chose que ces lignes d' esquisse Supprimons donc je pense que c'est sur cette couche. Je vais désactiver le verrouillage alpha, et je vais juste prendre la gomme et effacer ces lignes d'esquisse ici Et ajoutons, ajoutons une autre nouvelle couche ici. Et j'ai également ajouté des pinceaux anti-goutte à l'ensemble de pinceaux J'ai donc ces deux gouttes de peinture ici en bas. Prenons donc le premier et peut-être juste un échantillon de couleur. Comme la peinture va s'écouler de cette partie du chat, échantillonnons simplement une couleur à cet endroit. Ajoutez le premier. Ensuite, créons une nouvelle couche pour ajouter la seconde afin de pouvoir la déplacer. Peut-être échantillonner une couleur légèrement différente. Déplaçons celui-ci. Je vais combiner ces couches. Et je vais tâcher un petit peu ce côté dur Mais cela semble être une partie assez naturelle de la peinture car les couleurs se marient assez bien et elles sont légèrement différentes les unes des autres. Et j'aime aussi, comme je l'ai déjà dit, cela répond à l'objectif que ces lignes griffonnées servaient à la composition, car cela ajoute quelque chose à cette forme Et vous voulez vraiment prendre en compte le fait que lorsque vous ajoutez de tels effets, lorsque vous ajoutez des éclaboussures, impression que cela fait partie intégrante de la peinture et avez-vous l'impression que cela ajoute à la composition ? Ce n'est pas une distraction ? OK, nous avons donc ajouté quelques éclaboussures. Nous avons ajouté des fleurs. Nous avons ajouté des gouttes de peinture Et si nous ajoutions simplement quelques couleurs expérimentales ? Si nous devions simplement faire preuve de prudence et vraiment expérimenter et voir ce qui s'en sort. Et encore une fois, si cela ne nous plaît pas, nous pouvons simplement le supprimer. Alors, comment s'y prendre ? Eh bien, ajoutons une nouvelle couche par-dessus toutes les autres. Et prenons juste une couleur sauvage à ce stade. Essayons, j'ai toujours tendance à aimer le violet. Je pense que le violet est un bon point de départ. Et prenons quelque chose de vraiment doux comme ce nettoyant pour bords mouillés . Et peignons juste un vernis sur le visage du chat ici. Agrandissez un peu mon pinceau. Et essayons peut-être un vert, quelque chose de vraiment original. Et peut-être allons-y. Laissons les choses comme ça pendant une minute et voyons voir. J'ai envie d'étaler mon violet juste pour qu'il soit un peu plus doux Peut-être quelque chose comme ça. Je vais peut-être les mélanger. C'est donc terrible. Mais attendez peut-être. Peut-être que ça va s'améliorer. Voyons voir. Voyons ce qui va se passer. Je continue en quelque sorte à étaler ces produits de lavage. OK, alors essayons-le ici. Voyons ce qui se passe lorsque nous prenons cette couche. Lissez-le pour que nous puissions le voir. Si nous prenons cette couche et que nous essayons peut-être de brûler les couleurs, c'est probablement un peu fort. Essayons, oui, elles sont trop fortes. D'habitude, la superposition est plutôt sympa , et je peux déjà voir que c'est plutôt sympa Essayons une lumière douce. Maintenant, vous voyez, maintenant, une lumière douce, c'est un peu comme une superposition, mais c'est juste un peu plus subtil Je me sens un peu plus naturelle et d'une manière ou d'une autre, le violet et le vert peu plus naturels Ils ressemblent à ces couleurs mélangées pour former ces couleurs au lieu de penser que cela ne ressort pas aussi fort ou aussi évident. Donc, la lumière dure n'est pas mal non plus. Tu vois, la lumière devient un peu vive. Je veux dire, c'est cool. C'est un effet cool, mais ça commence à paraître un peu anormal en ce qui concerne l'aquarelle Pareil pour la lumière linéaire. Elle a un joli look, mais elle commence presque à s' éloigner de l'aspect naturel de l' aquarelle Et puis, au fur et à mesure que nous descendrons, je pense que cela continuera à nous donner des résultats moins souhaitables. Donc, la superposition est sympa. La lumière douce est agréable. Je pense que nous allons opter pour une lumière douce pour le moment Voyons peut-être comment peindre à l'intérieur cette couche avec quelques couleurs supplémentaires. Essayons donc de devenir un peu plus roses. Et nous avons toujours ce lavage doux, les bords mouillés se lavent. Donc si j'ajoute un peu de rose ici, sur le nez. Alors laissez-moi vous montrer que je ne fais que me balader et que j'ajoute une petite touche ici et là. Et cela a juste cet effet très agréable et subtil de ces couleurs se mélangent en quelque sorte Ajoutez-en un peu au papillon là-haut. Je veux dire, j'ai l'impression que nous avons mélangé ces couleurs d'une certaine manière. Je vais essayer un jaune aussi. Revenez à un jaune plus vif. un très bel effet Cette aquarelle mélangée Une partie de moi veut essayer un modèle plus sombre. Reprenons peut-être le rose violacé et devenons un peu plus foncés, peut-être juste en dessous de l'œil Je veux juste voir ce qui va se passer. Et encore une fois, je suis en train de faire des changements de couleur vraiment subtils. Bien sûr, si cela ne vous plaît pas, il vous suffit d'appuyer sur Annuler et c'est comme si cela ne s'était jamais produit. D'accord, je peux continuer à faire ça pendant un petit moment. Voyons voir ici. C'est juste amusant. C'est amusant de voir ce qui se passe, tu sais, je commence tout juste à prendre ce genre de vie à part entière. Et vous êtes juste une sorte de spectateur, vous savez, comme si nous étions simplement assis et que nous regardions les choses prendre vie. Je vais opter pour un vert un peu plus foncé ici, sur mon gazon. Donc, une dernière chose. Je veux juste voir ce que ferait un rouge vif sur cette zone. Ou peut-être un vrai rose clair. Je ne sais pas Cela n'a vraiment aucun effet. Ce sont vraiment les couleurs les plus sombres. OK. Je pense que juste là, je vais le laisser. C'est donc là que j'en suis. Bien, à ce stade, je veux que nous fassions une autre pause Mais faisons une pause prolongée cette fois. Donc, quelques heures ou peut-être même du jour au lendemain , car ce qui va se passer, c'est que nous devons le voir d'un œil neuf, nous devons donc nous en éloigner pendant un petit moment. À notre retour, nous remarquerons éléments dans la référence et de petites choses sur le tableau que nous pourrons peut-être ajuster et peaufiner pour terminer le tableau. Il est donc difficile pour nous de voir ces choses en ce moment parce que nous les étudions depuis si longtemps. Très bien, alors faisons cette pause et retrouvons-nous ici un peu plus tard pour terminer. 14. Peinture du projet 5 touches de finition: Très bien, nous sommes prêts à terminer notre projet final de peinture J'espère que cela fait un petit moment que vous ne l'avez pas regardée. Tu vas revenir. Vous le voyez avec ces nouveaux yeux, et vous remarquez peut-être certaines choses que vous n'aviez pas vues auparavant Maintenant, pour moi, c'est définitivement le cas. Je regarde la référence, et je ne vois que quelques petits points que nous pouvons probablement ajuster un peu avant de dire que c'est fait. Jetons donc un coup d'œil à ce que je vois ici. Maintenant, si nous regardons la référence, il y a quelques points saillants sur le menton du chat, ce que je n'ai pas vraiment. Il y a un peu de fourrure plus claire entre les moustaches, que nous pouvons probablement faire ressortir un peu et peut-être même éclaircir le bord pour séparer le chat de l'arrière-plan, mais juste un peu, pas trop fort Et puis un peu de surlignage autour des yeux. Et juste ici, la fourrure est probablement un peu plus légère que celle que j'ai. Je peux probablement l'ajuster un peu. Et puis, dans mon croquis, j'ai l'impression que cette ligne, cette ligne d'esquisse est un peu forte, donc je peux probablement l'adoucir , peut-être celle-ci ici. Peut-être un peu de cela ici aussi, juste pour adoucir certaines de ces lignes parce que le visage du chat est très doux, puis j'ai un croquis très dur, et je pense que nous pouvons simplement le recouvrir un peu avec du guash blanc nous allons à nouveau utiliser faire, nous allons à nouveau utiliser notre brosse pointue en zibeline. Mais nous allons imaginer que c'est du guash blanc. Très bien, alors jetons un coup d'œil ici. Faisons tout cela par-dessus tout, ce que je pense avoir déjà fait. Oui, une nouvelle couche par-dessus tout et une brosse en zibeline bien aiguisée. Et je vais peut-être commencer par un vrai jaune clair, peut-être ne pas devenir tout blanc avec. quelque chose juste là. OK, donc en allant ici, je vais commencer par cette zone juste à côté du nez et l'alléger Descendez entre les moustaches, peut-être un petit peu, en regardant la référence d'avant en arrière , juste pour vous assurer que je suis bien là Maintenant, nous allons probablement également adoucir certaines de ces arêtes. Maintenant, c'est sous l'œil. Et puis juste ici, au-dessus de l'œil. OK, maintenant, pour en venir au sommet de la tête, je voudrais adoucir un peu cette ligne. J'y serai toujours. Il sera juste adouci. Je vais essayer une couleur foncée. Peut-être passer en revue ça. Cela ne fonctionnera peut-être pas, en fait. OK, pour adoucir celui-ci, je vais devoir passer au croquis original parce que je ne veux pas y ajouter trop de points forts. Je vais juste le faire. Revenez à ma couche de surlignage. Assurez-vous que j'ai mon jaune clair. C'est bon. Donc, en passant par le haut du nez, par-dessus le dessus de cet œil. OK, maintenant je regarde ce bord ici, juste ici. Peut-être juste entrer, probablement opter pour le blanc complet pour ça. Viens ici et adoucis ces lignes. Ajoutez en quelque sorte une petite lampe de jante, sorte de lampe de jante. Et perdez ces lignes de gribble. Repousse-les un peu. Nous allons trouver cette zone ici. Je vais peut-être revenir à mon jaune pour cela. Donc ce n'est pas si blanc que ça. Très bien, en mélangeant certains de ces nouveaux points forts. OK, maintenant je regarde l'oreille, cette fourrure de couleur plus claire devant l'oreille. Je vais ajouter ou adoucir ce que j'ai. Allez-y, peignez par-dessus ces éclaboussures. Et cela pourrait être un très bon ajustement entre les yeux, pour adoucir les choses OK, probablement. Prenons l'outil à maculer, et il est toujours mouillé Dimensionnez-le un peu et adoucissez simplement certains de ces nouveaux bords. Mais pas tant que nous perdons, que nous perdions les bords ou que nous masquions complètement ce que nous avons ajouté OK, c'est plutôt bien. Allumons-le et désactivons-le ici et voyons ce que nous avons. D'accord. Donc, en regardant ici, oui. Donc, dans l'ensemble, le visage est juste plus doux. Et je préfère cette méthode. C'est juste une petite chose dont nous avions besoin. D'accord. Maintenant, allons-y et examinons quelques derniers détails ici. Et je pense que nous pouvons le faire avec le crayon. Donc, si nous remontons, passons blanc et prenons notre crayon à croquis, il y a maintenant de très petits détails dans la référence, comme les moustaches Mais voici le truc avec les moustaches que je veux que tu remarques Il ne s'agit pas simplement de lignes qui partent du bord du visage. Les lignes varient en épaisseur, en direction et se chevauchent également. Donc, lorsque vous faites des moustaches, nous ne voulons pas faire quelque chose où tout est très uniforme comme ça Nous voulons qu'il y ait un changement ou une différence de longueur. Certains d'entre eux sont donc plus courts, d'autres sont plus longs, autres vont se chevaucher et changer de direction. Quelque chose comme ça, et ça n'a pas à être le cas. OK, donc ici, si je devais faire une telle marque, peut-être que les deux sont trop proches de la même chose. C'est donc exactement le genre de chose à laquelle vous devez faire attention. Ils auront simplement l'air plus naturels si nous essayons d' éviter les éléments que je viens de mentionner, juste le chevauchement ou l'absence de chevauchement et la même longueur, des choses comme ça OK, donc je vais ajouter quelques poils plus clairs autour de l'oreille. C'est très doux ici au-dessus de l'œil. Et puis, si nous voyons dans la référence, nous en avons quelques-unes là-haut, elles sont là devant l'oreille. Et puis sur le côté du visage ? Assurez-vous que j'en ai assez. C'est plutôt bien. Assurez-vous que j'en ai deux au-dessus de l'œil. Et puis si je voulais les épaissir, si je dupliquais cette couche C'est probablement très bien. Ça les fait juste ressortir un peu plus. C'est ce que je vais faire. Et puis je vais aussi aller juste là où ils rencontrent le visage, je vais juste y maculer un peu Vous pouvez donc voir ce que je fais ici, mélangeant un peu de cela pour qu' il ne s'agisse pas d'une simple ligne tracée qui se termine juste au niveau du visage OK, alors maintenant on peut prendre ça. Maintenant, je considère que c'est un crayon de couleur. S'il s'agissait d'une peinture traditionnelle, elle serait certainement réalisée avec un crayon de couleur. Et il y a probablement une opportunité de retoucher quelques très petits détails. Je vais le faire sur une nouvelle couche. Juste ici, au niveau de l'œil, prenez mon crayon de couleur et saisissez le bord le plus net. L'avantage que je suis en train de regarder est juste là. Et juste certains de ces détails juste autour de l'œil, juste pour assurer que nous les avons. Nous tenions compte de certains de ces détails et de cette fourrure. Et quand il s'agit de choses comme ça, moins c'est plus de détails en fourrure. Vous savez, nous ne voudrions pas faire ça sur le visage du chat parce que cela deviendrait une distraction. Ce ne serait pas beaucoup de travail car ce ne serait pas très efficace. OK, un peu de ce petit bout devant le nez. Et puis je suis juste là devant le suivant, entre l' œil et le nez. Il suffit de vérifier certaines formes. Renforcement de certaines arêtes. C'est bon. Maintenant, je cherche juste ici. Y a-t-il autre chose ? Y a-t-il autre chose que je voudrais ajouter ? Et je pense vraiment que nous y sommes. Je ne vois vraiment pas grand-chose. J'ai ce petit point fort juste là. Peut-être que nous pouvons saisir ce petit détail, mais parfois ce sont ces petits détails qui le font passer au dessus. D'accord, je pense que c'est ça. J'ai donc trouvé cette peinture très amusante à réaliser, et elle s'est tellement bien intégrée dès le concept initial, tout au long du croquis et de la mise en page, puis tout au long du processus de peinture. J'espère que vous l'avez trouvée aussi facile et agréable que moi, car c'est une excellente façon de travailler fonder nos décisions sur nos connaissances fondamentales, tout en laissant la possibilité d' expérimenter des valeurs, des couleurs et des effets tels que des éclaboussures gouttes, etc., puis de les , des gouttes, etc., puis de les intégrer Alors passez du temps avec moi pour une autre vidéo. Nous allons parler de la marche à suivre et des moyens de nous améliorer, puis nous allons conclure les choses à partir de là. 15. L'ingrédient clé de l'amélioration: Avant de terminer le cours, je voulais partager avec vous ce que je considère être la recette secrète d' une amélioration continue. Et c'est simplement de la curiosité que d'être curieux pendant que vous travaillez, et ce que je veux dire par là, c'est simplement vous demander , pendant que vous peignez, ce qui se passerait si Que se passerait-il si j'ajoutais ces éclaboussures ? Que se passerait-il si j' ajoutais ce lavis coloré, si je mettais une ligne ondulée ici, si je faisais en sorte que cette ombre soit bleue au lieu de rouge, si je remplissais le tout une couleur unie et que je changeais le mode de fusion des couches, choses comme ça, c'est juste que c'est là que vous trouverez le plus de croissance, simplement parce que vous êtes curieuse et que vous vouliez voir ce qui allait se simplement parce que vous êtes curieuse et passer, que se passerait-il si vous faisiez une expérience. Et il se trouve que vous travaillez sur le support idéal pour cela parce que vous n'allez pas vraiment tout gâcher, alors pourquoi avoir peur ? D'accord ? Je tiens également à vous remercier infiniment d'être ici. Merci d'être venue , de passer du temps avec moi, de peindre et d'avoir appris en cours de route. Cela représente vraiment beaucoup pour moi. Je voudrais vous faire part d'une citation du légendaire professeur Bob Ross. Il a dit : « Je crois que chaque jour est un bon jour quand on peint. C'est bon. À la prochaine. 16. BONUS Trouver votre propre style: Bien, attendez, avant de partir, je voudrais inclure cette vidéo bonus et expliquer comment développer votre propre style et processus. Maintenant, je reçois beaucoup de questions et de commentaires sur le développement de votre propre style Je sais donc que c'est un point de stress pour certains. La première chose que je veux dire à ce sujet, c' est de ne pas stresser. Ne vous inquiétez pas , car il n'est pas aussi difficile que vous le pensez d' obtenir ce que vous appelleriez votre style de peinture. Maintenant, je vais vous donner quelques éléments pratiques pour commencer un processus de recherche et de développement de votre style OK. La première consiste à revenir en arrière et à regarder la première vidéo de ce cours sur la recherche d'inspiration. Et je veux que vous trouviez une liste d'inspirations d'autres artistes et inspirations du monde qui vous entoure et que vous les intégriez dans une série de 12 peintures C'est vrai. 12 tableaux. C'est beaucoup, mais donnez-vous du temps. Ne vous précipitez pas. Donnez-vous juste des mois s'il le faut. Mais voici la clé. À la fin de chaque peinture, je veux que vous preniez des notes sur ce que vous avez aimé dans le processus et ce que vous aimez dans le résultat final. Ainsi, au cours de la réalisation de ces 12 peintures, votre style commencera à se développer à partir de ce que vous aimez voir et de ce qui vous inspire. Et lorsque vous laissez cela s'imprégner et que vous reconnaissez par le biais de vos propres notes, encore une fois, vos propres commentaires, votre style et votre processus commenceront à se développer grâce à cette autoréflexion. Alors maintenant, lorsque vous aborderez une peinture, vous aurez une idée de votre processus général et ce que vous aimez voir dans votre propre œuvre. N'oubliez donc pas d'être patient avec vous-même et de vous amuser .