Masterclass sur l'aquarelle Procreate : apprendre la peinture à l'aquarelle numérique sur votre iPad

1. 1. Introduction: Je m'appelle Nathan Brown. Je suis artiste professionnel depuis un peu plus de deux décennies. Mais je crée de l'art depuis que je suis enfant. C'est pour moi un amour et une passion de longue date, et c'est une matière que j'adore enseigner. Je peins avec des supports traditionnels et numériques et j'essaie d'intégrer les deux autant que possible. Je suis l'auteur de la boîte à outils Ultimate Bush et des ensembles de pinceaux à aquarelle Master, tous deux créés avec un amour de la peinture traditionnelle et du réalisme à J'ai créé ce cours pour tous ceux qui souhaitent apprendre l' aquarelle numérique en utilisant des techniques traditionnelles sur iPad et Procreate Nous partirons de zéro et aborderons les bases jusqu' à des sujets plus avancés. Donc, que vous débutiez dans le domaine de peinture numérique ou que vous ayez de l'expérience avec ce médium, ce cours a quelque chose pour vous. Je partagerai mes réflexions et techniques pour trouver le bon état d'esprit artistique, comment dessiner pour l'aquarelle, comment planifier et composer, comment choisir le bon pinceau, et toutes les astuces et techniques que j' utilise pour atteindre le réalisme à l'aquarelle À la fin de ce cours, vous aurez confiance en vous et vous aurez appris toutes les étapes d'une aquarelle , du début à l'impression finale Le cours est structuré de manière à inclure à la fois de la théorie et des exemples pratiques afin que vous puissiez suivre le cours ou vous lancer directement dans les tâches de projet au fur et à mesure de votre progression. J'ai également inclus un ensemble de pinceaux personnalisés pour Procreate spécialement conçus pour ce cours Vous aurez donc tout ce dont vous avez besoin pour suivre. Il existe également des illustrations et des exemples superposés que vous pouvez étudier et revoir pendant que nous travaillons. Je suis très heureuse que vous suiviez ce cours, alors prenez votre iPad et préparez-vous à explorer la peinture à l' aquarelle sous un tout nouvel angle 2. 2. État d'esprit artistique: Au fil des années que j'ai passées à créer des œuvres d'art, je me suis rendu compte qu'il y a plusieurs concepts clés que je dois garder à l'esprit afin de conserver ce que j'appelle un état d'esprit artistique. Ce sont des choses dont je dois me souvenir pour créer et être créative. Je voulais les inclure dans cette vidéo car je pense que votre état d'esprit et la façon dont vous percevez votre propre art sont des éléments clés du processus de création et doivent être placés au bon endroit avant même de mettre un crayon sur du papier. Vous ne vous en rendez peut-être pas encore compte, mais vous créez mieux dans certaines conditions. Et je pense que ces conditions doivent être remplies pour que votre moi créatif puisse s'éveiller et prendre le dessus. J'ai commencé à m'en rendre compte il y a quelques années. J'ai commencé à remarquer que je pensais, dessinais et peignais mieux lorsque certaines conditions étaient réunies dans mon environnement. Je crois que ces conditions sont propres à chaque artiste. Ainsi, par exemple, quelqu'un pourrait mieux travailler dans son café préféré avec des écouteurs dans les oreilles et une tasse de café bien fraîche. Mais pour un autre artiste, cela peut être source de stress , car il craint que quelqu'un ne regarde par-dessus son épaule J'ai la chance d'avoir un studio chez moi, que j'appelle le laboratoire. Il regorge de choses que j'aime et dont je m' inspire, comme des livres, des jouets, des bandes dessinées et des œuvres d'art. Le simple fait de franchir la porte stimule tellement ma créativité que je n'ai vraiment pas envie dessiner ou de peindre ailleurs. Maintenant, ce n'est pas grave si vous ne savez pas ce dont vous avez besoin dans votre environnement pour mettre en valeur votre créativité. simple fait de savoir que vous pourriez avoir besoin certaines conditions est un pas dans la bonne direction. Je vous suggère donc de commencer par un espace dédié à l'art, un lieu séparé de tout ce qui pourrait vous distraire Ainsi, par exemple, vous ne voudrez peut-être pas peindre sur le même bureau que celui que vous utilisez pour payer les factures. Votre cerveau associe déjà cet espace à une activité qui peut être gênante Si vous n'avez qu'un seul bureau pour travailler, essayez de changer l'éclairage ou la musique pour donner une tonalité différente à l'espace. Au fur et à mesure que vous consacrez de plus en plus de temps à votre art, assurez-vous de prêter attention à ce qui alimente votre créativité. Créez intentionnellement le bon type d'environnement propre à vous et à votre créativité. Vous arrive-t-il de passer du temps à admirer d'autres artistes sur les réseaux sociaux et à demander pourquoi mon art n'atteint pas ce niveau Mon conseil est d'arrêter de faire ça. Je ne veux pas dire arrêter de regarder l'art. Je veux dire, arrête de le comparer au tien. Il faut se rendre compte et se contenter du fait que l'art est un voyage. On ne sait pas toujours quelle a été l'expérience d' un autre artiste ou ce qu'il a dû sacrifier pour atteindre son niveau. Ce sont peut-être des années de pratique et d'étude qui ont impliqué des centaines, voire des milliers de peintures. Au lieu de comparer votre art, essayez de regarder votre prochaine œuvre avec satisfaction et en sachant que vous en êtes au stade où vous en êtes dans votre parcours artistique et que vous vous améliorez continuellement Chaque fois que vous dessinez ou peignez, c'est une étape de plus pour devenir meilleur. Garder cet état d'esprit vous donnera envie et vous donnera toujours envie de créer le prochain tableau et de poursuivre sur la voie artistique. Alors que je continue à discuter avec nouveaux artistes débutants, je me suis rendu compte que le stress est un problème majeur pour la plupart d'entre nous. Je fais référence à un artiste qui peut s'asseoir pour travailler sur une œuvre et être stressé idée de faire les bons choix. Je crois que ce stress vient directement du manque d'expérience lié à l'expérimentation La seule façon de prendre confiance en votre art est de réussir et d'échouer en expérimentant de nombreux petits succès ou échecs. Plus tard dans ce cours, vous me verrez le faire en plaçant des éléments dans une peinture , puis en les retirant immédiatement. J' expérimente le placement, puis ma confiance et mon expérience antérieure me disent si j'aime ce placement ou non Au fil des ans, j'ai découvert que j'aimais beaucoup les éclaboussures et les éléments abstraits dans mon art. La seule façon dont je l'ai découvert c'est par l'expérimentation. J'ai commis de nombreuses erreurs terribles pendant cette période, mais j'ai fini par obtenir résultats et des techniques sur lesquels je m'appuie dans mon travail. Si j'avais eu peur d' expérimenter de cette façon, je n'aurais jamais fait ces découvertes. Avez-vous déjà acheté un nouveau set de pinceaux et vous avez eu l'impression de ne pas savoir comment vous en servir ? Par conséquent, vous avez eu l'impression les utiliser correctement. La prochaine fois que vous chargerez de nouveaux pinceaux, essayez ceci. Expérimentez avec chaque pinceau, observez le type de marques qu'ils font, puis demandez-vous comment puis-je intégrer cela dans l' art que j'aime créer. Ou comment fonctionne ce pinceau pour moi ? Le simple fait de passer de l'incertitude à la certitude vous donnera confiance, et cette confiance vous permettra de prendre mesures audacieuses et d' améliorer votre art. La question du style et de la manière d'y parvenir est une question vieille que j'ai vue même se poser par des artistes chevronnés. J'ai toujours pensé que cette question ne méritait même pas d' être abordée par un artiste, car je crois style est ce qui se produit naturellement pour chaque artiste grâce à la combinaison de l' expérience et de la confiance en soi. Le style est ce que vous commencez à faire naturellement au fur et à mesure que vous progressez dans votre art. Au fur et à mesure que vous acquerrez de l'expérience artistique, vous découvrirez qu'il y a de plus en plus de choses que vous faites qui vous semblent naturelles et qui vous semblent claires. Ces choses ne sont pas les mêmes pour tous les artistes. Vous pouvez rendre les ombres et les reflets d'une certaine manière ou vous pouvez dessiner des angles durs dans vos formes parce que vous les aimez. Ces types de choix reposent sur l'expérience que vous avez acquise et sur le fait de savoir ce que vous aimez et ce que vous n'aimez pas. Par exemple, j'ai déjà mentionné que j' aime les éclaboussures et les effets abstraits dans mon art. Je suis arrivé à cette conclusion à travers de nombreuses peintures, et non parce qu'il y avait un style spécifique que je voulais imiter Donc, en ce qui concerne le style, je vous recommande de ne pas vous en préoccuper et commencer par peindre ce que vous aimez d'une manière qui vous convient. Plus tu peins, plus tu sauras ce que c'est. J'ai toujours préféré les histoires ouvertes, celles qui laissent une phrase comme ça, et l'aventure continue. Cela capte mon imagination, sachant qu'il y a encore beaucoup à découvrir. Et c'est en fait mon aspect préféré de l' art, c'est de savoir que je ne le saurai jamais du tout. Il y a toujours quelque chose de nouveau, qu'il s'agisse d'un nouveau média, d'un nouveau sujet ou d'un nouveau concept. Chaque fois que vous vous asseyez pour créer, c'est une expérience d'apprentissage, même si vous l'avez déjà fait 1 000 fois. Soyez donc toujours prêt à garder cela à l'esprit et à vous contenter du fait que vous serez toujours dans ce voyage artistique. Je ne pense pas qu'il y ait une fin à cette route, et je trouve cela incroyablement excitant et humiliant titre de mission, j'aimerais que vous notiez ces cinq clés un état d'esprit artistique et que vous les affichiez quelque part dans votre espace artistique afin que vous ne les oubliiez pas. N'oubliez pas d'en partager une photo sur les réseaux sociaux et de me dire comment ces clés ont contribué à libérer votre esprit créatif et comment cela a affecté votre art. Bien, maintenant sortons un peu de peinture et faisons le bordel. 3. 3. Caractéristiques de vraies aquarelles: Très bien, les gars, avant de passer aquarelle numérique, à l'aquarelle numérique, je voudrais passer quelques minutes à examiner aquarelle traditionnelle afin nous familiariser avec la peinture sur papier, connaître ses caractéristiques et de savoir ce qu' il faut rechercher lorsque l'on travaille sur iPad La première technique que je veux vous montrer est celle de la peinture humide dans la peinture humide. Cela commence par enduire le papier d'eau propre. Le pinceau est également humide et plein de peinture. Cela crée un trait de bord vraiment doux. Dans cette peinture sur la truite, vous pouvez voir des exemples de traits doux sur la ligne de la mâchoire ici et autour de l'œil Des bords plus doux comme ceux-ci peuvent suggérer de la rondeur et des transitions subtiles Nous allons recréer ce type de look avec des pinceaux à bords souples et procréer Dans cet exemple, j'utilise des pinceaux à bords souples pour créer une transition subtile entre les ombres et le pelage de ce renard. Les bords souples apparaissent un peu plus en retrait et ne sont pas immédiatement perceptibles à l'œil nu La technique suivante est appelée « humide à sec ». Cette fois, le papier est sec, mais le pinceau est encore humide et plein de peinture. Cela crée un trait de bord dur. Dans le même tableau sur la truite, vous pouvez voir quelques exemples de traits tranchants sur la mâchoire supérieure, ici dans l' œil, et sur cette ligne qui forme les branchies Nous allons recréer ces types de traits avec des pinceaux à bords durs et procréer Dans cet exemple, j'utilise des pinceaux à bords durs pour les détails du visage du renard, tels que les yeux et le nez. Les bords arrondis sont particulièrement utiles pour créer une mise au point précise dans ces zones. Nous parlerons encore plus des arêtes dans une vidéo ultérieure. Un autre aspect très important de l'aquarelle est la transparence Il n'est pas aussi opaque que l'huile ou l'acrylique. Ainsi, lorsque vous peignez sur une couche existante, ce qui se trouve en dessous sera toujours visible. Et généralement, une nouvelle couleur est créée en conséquence. La plupart des pinceaux que nous utiliserons dans Procreate ont été conçus avec ce type de transparence à l'esprit Au fur et à mesure que vous peignez, les coups de pinceau apparaîtront les uns sur les autres pour recréer l' aspect superposé d'une véritable aquarelle La transparence est également directement affectée par la quantité d' eau par rapport à la quantité de peinture contenue dans le pinceau. Ce trait est principalement composé d'eau et, comme vous pouvez le voir, il est très transparent. Ce trait contient plus de peinture que d'eau et apparaît donc beaucoup plus foncé, tout en restant transparent. Cela revient à ajuster le curseur d'opacité votre pinceau pour contrôler la transparence et Il est également important de noter que les couleurs se mélangent entre les couleurs mouillées, ce qui signifie que lorsque le papier est encore humide, les couleurs se mélangent Nous allons recréer ce type d'effet et procréer à l'aide de pinceaux et du Ces deux couleurs peuvent être facilement mélangées comme si nous peignions sur une surface de papier humide C'est un excellent aspect de la peinture numérique car notre papier ne sèche jamais vraiment. Ainsi, les couleurs peuvent être mélangées à tout moment pendant le processus de peinture. Il existe de bons exemples de couleurs mélangées dans cette peinture au chia Par exemple, ce rouge et ce jaune se sont combinés, créant un bord perdu et une teinte orange. Le pinceau mixeur a également été utilisé pour créer ces bandes comme si de l'eau coulait sur le papier. L'aquarelle est souvent abstraite. C'est un peu lâche, ce qui entraîne généralement beaucoup de textures et d' éclaboussures accidents heureux peuvent survenir lorsque vous gardez ces choses à l'esprit et que vous permettez à l'aquarelle de se peindre d'elle-même. Je suis très heureuse de vous montrer comment recréer ce type d' effets et procréer au fur et à mesure que nous avançons dans ce cours Maintenant que nous connaissons peinture sur papier traditionnelle et son comportement, lavons-nous les mains et sortons l'iPad 4. 4. Esquisser pour l'aquarelle: Un aspect de la peinture qui est souvent négligé est le dessin. Une partie d'entre nous veut toujours passer à la partie amusante de la peinture, mais apprendre les bases du dessin vous apprend à voir comme un artiste et à vraiment comprendre votre sujet. Prendre le temps d'apprendre à dessiner fait de vous un meilleur peintre. Je vous recommande vivement de passer le plus de temps possible à dessiner et à esquisser Jetons un coup d'œil à l'esquisse en ce qui concerne Lorsque je travaille sur l' esquisse initiale d'une peinture, j'essaie de visualiser les formes autant que possible. Je fais cela parce qu'il est plus facile de comprendre des formes simples que des formes complexes. Même quelque chose d' aussi simple qu'un oiseau peut être difficile à dessiner sans visualiser d'abord les formes sous forme de formes J'essaie de concevoir les formes de deux manières. La première est la structure de forme de base, décomposition d'un sujet en la décomposition d'un sujet en formes les plus simples possibles lorsque vous commencez à dessiner. Jetons un coup d'œil à cette photo de référence d' une mésange et voyons si nous pouvons trouver des formes de base Quand il s'agit d'oiseaux, j' aime surtout utiliser des cercles. Je vais donc créer un cercle pour la tête et un plus grand pour le corps. J'en ajouterai une autre ici où la queue et l'aile se rejoignent. Je vais maintenant ajouter quelques directives, une pour la queue, pour les pattes et pour la branche sur laquelle l'oiseau est assis. Je pense que je vais en ajouter une autre pour représenter la direction du bec, et cette ligne m'aidera également à placer les yeux Bon, maintenant nous avons réduit notre oiseau à des formes simples. Maintenant, il est beaucoup plus facile de comprendre les proportions de cet oiseau partir de ces trois cercles. Essayons maintenant de dessiner cette mésange avec les formes de base que nous venons de trouver dans Mais avant de commencer, passons en revue quelques notions de base. Pour tous mes croquis et peintures, je travaille généralement sur une toile de 5 000 x 4 000 pixels à 300 DPI. Il s'agit d'une très grande échelle d'environ 16 x 13 ». Vous n'êtes certainement pas obligé de travailler à cette taille. Même la moitié de cette taille est suffisante. Je le fais parce que j'aime réduire la taille de mon travail par rapport à l'original, mais nous en parlerons plus en détail dans une vidéo ultérieure. J'utilise également le pinceau du jeu de pinceaux de cours pour tous mes croquis de ce cours. Lorsque je dessine, je tiens mon crayon de différentes manières Vous voudrez peut-être le faire ou non, mais je trouve que cela m'aide à créer différents types de lignes, ce qui ajoute de la variété à mes croquis. Pour les formes initiales, je tiens mon crayon avec ce type de poignée car je dessine principalement traits larges avec mon bras au début d'un croquis. Pour les formes plus petites, j'ai tendance à tenir le crayon par le bout car je trouve que cela m'aide à être plus souple. Enfin, pour plus de détails, je tiens le crayon plus près de la pointe. Ce type de prise en main m'aide à être plus précis dans mes lignes. Très bien, commençons. Comme précédemment, je vais dessiner une série de cercles en commençant par la tête. Ensuite, je vais ajouter ce plus grand cercle pour le corps. Ensuite, j'ajouterai cette forme plus petite pour l'union de l'aile et de la queue , et je mettrai une ligne directrice pour la queue. Je vais maintenant créer la forme de l'oiseau en ajoutant quelques lignes en utilisant les cercles comme guide. Je ne vais pas encore changer la poignée de mon crayon , car je veux tout de même rester souple à ce stade. Je vais aller de l'avant et faire la queue ici pour le placement du bec et des yeux Maintenant, je vais changer de prise parce que je veux repartir à zéro dans un petit moment sur ces lignes. En gros, je prends des décisions plus finalisées concernant le placement de ma ligne. Lorsque je trace des lignes, je me sers toujours de mes notes précédentes comme guide, ce qui facilite chaque étape successive. OK. Très bien, je vais maintenant ajouter quelques détails sur le bec, et je jette un coup d'œil à la référence pour m'aider à trouver la bonne taille et les bonnes proportions par rapport à la tête et je jette un coup d'œil à la référence pour m'aider à trouver la bonne taille et les bonnes proportions par rapport à la J'ai tendance à utiliser des lignes droites même autour des courbes. Maintenant, ce n'est qu' un choix de style. C'est une esthétique que j'aime dans mes croquis. Pour moi, cela a juste tendance à rendre les courbes un peu plus intéressantes. Donnons donc une forme à la queue, mais je vais continuer et réduire un peu mon croquis. Je pense que je dessine un peu trop grand pour la taille de la toile. Maintenant que j'ai plus de place pour la queue, je regarde la référence pour en connaître la longueur par rapport au corps. Je veux en quelque sorte que le corps en arrive à un point plus simplement parce que j'ai l' impression que la forme en a besoin. D'accord, j'ajoute donc quelques lignes pour les jambes ici. Et je vais planter une branche sur laquelle l'oiseau pourra se tenir debout. Je pense que je vais juste ajouter quelques marques pour représenter les pieds qui entourent la branche. Pour conclure, je vais aussi faire un petit cercle pour les yeux. Très bien, voici maintenant notre premier croquis en utilisant les formes de base comme guide La deuxième façon dont je visualise les formes consiste à concevoir des formes, en élaborant les détails du sujet en utilisant des formes aussi intéressantes que possible. Cela peut s'appliquer à la lumière et ombres et même à la fourrure et aux cheveux. Cette fois, nous cherchons des formes dans les groupes de plumes et les ailes de l'oiseau Je trace les formes que je vois afin que vous puissiez avoir une idée de ce que nous recherchons. Notre objectif est de reconnaître ces formes et peut-être de leur donner un peu d'intérêt en exagérant le dessin des courbes et des angles Terminons maintenant notre esquisse en utilisant le dessin de forme que nous venons de trouver dans la référence. Je vais travailler sur une couche séparée au-dessus de notre croquis. Bien, commençons par regarder le bec de plus près Encore une fois, j'ajoute généralement plus de lignes droites que de courbes, mais c'est quelque chose que je fais par choix, simplement parce que j'aime ça. Ne vous sentez pas obligé de faire la même chose. nous voulons simplement nous concentrer sur des formes bien stade, nous voulons simplement nous concentrer sur des formes bien conçues. Nous voulons en dessiner de bonnes car ces formes finiront par servir de guide à la peinture. J'aimerais donc zoomer un peu pouvoir faire des traits plus grands avec le stylo. Je trouve cela plus facile, et cela rend mes lignes un peu plus propres également. J'ai également tendance à faire beaucoup pivoter la toile parce que j'aime tirer des lignes vers moi plutôt que de les repousser, et c'est simplement parce que c'est plus confortable pour moi dans ma façon de dessiner. L'œil d'un oiseau n'est donc généralement pas rond à cause de la peau qui le recouvre Je définis donc ici une forme différente autre qu'un cercle pour refléter cela. Je pense que je vais supprimer certaines de ces lignes et les redessiner pour qu'elles se rejoignent un peu mieux OK, en regardant ces groupes de plumes pour l'aile maintenant, on dirait qu'il y en a un plus petit groupe ici L'aile se soulève donc et s'enroule sur le corps à cet endroit OK, voyons voir. Que faut-il d'autre ? Je vais définir un peu plus les jambes, et nous n'avons vraiment besoin que d'une ligne pour les représenter. Mais je vais aller de l'avant et définir meilleures formes pour les pieds ici. Et j'ai également besoin d'un peu plus de définition pour la branche. Allons-y donc et faisons-le aussi. Au deuxième coup d'œil, je pense que la queue devrait être légèrement plus longue par rapport au corps. Et je vais continuer et réduire à nouveau le dessin car je pense qu'il est encore un peu grand par rapport à la taille de la toile. Oh, allons-y et désactivons la couche d'esquisse approximative. Nous pouvons maintenant le réduire. Et il semblerait que j'ai oublié quelques lignes autour du bec maintenant que nous avons retiré cette couche. OK, maintenant nous avons terminé notre croquis basé sur une bonne structure et avons terminé avec une bonne conception de forme. Voyons maintenant à quoi peut ressembler une peinture terminée sur la base d'un croquis comme celui-ci. Même si certaines formes ont des bords souples dans la peinture, vous pouvez toujours voir que le dessin de forme de l'esquisse est toujours présent et transparaît dans la pièce finale. Au revoir. Très bien, parlons des croquis lâches par rapport aux esquisses serrées et de l' endroit où appliquer les détails En tant qu'artistes, il est de notre devoir de guider le regard du spectateur dans nos peintures afin de créer un point focal. des détails est un excellent moyen d'y parvenir placement des détails est un excellent moyen d'y parvenir. Dans ce sketch de Fox, je veux que le spectateur se concentre principalement sur les yeux et le centre du visage. Tout le reste est moins important et nécessite donc moins de détails. J'ai tracé quelques lignes ondulées pour indiquer où la fourrure s'arrête ou change de couleur, mais les détails de la fourrure autour de la tête sont moins importants que ceux autour des yeux et du nez Vous pouvez le voir transparaître dans le tableau final. Les yeux et le nez sont les plus pointus et les plus détaillés. Jetons un coup d'œil à un autre exemple. Cette esquisse de moineau est entièrement réalisée au crayon. Il n'y a rien de mal à cela, mais il y a beaucoup de détails. Trop de détails dans tous les domaines ne permettent pas au spectateur de se reposer. Vous pouvez ainsi voir à quoi ressemble le tableau. J'ai essentiellement tonifié le crayon en brun clair et j'ai ajouté quelques touches d'aquarelle sur Il y a plus de rendu au crayon que de peinture. Encore une fois, il n'y a rien de mal à ce résultat, mais je veux que vous compreniez à quel point une esquisse affecte une peinture . Par conséquent, j'espère que vous serez conscient et un peu plus stratégique avec vos croquis. Regardons maintenant ce même croquis de moineau avec beaucoup moins de rendu Ce croquis servira essentiellement de guide pour la peinture avec plus de détails sur la tête et quelques lignes pour suggérer où devraient se trouver les plumes, les ailes et la queue. En regardant le tableau final, vous pouvez voir à quel point cette version est différente et à quel point le dessin sous-jacent peut avoir un effet sur le résultat final. Ici, l'accent est davantage mis sur l'œil et le bec de l'oiseau en raison du contraste des arêtes vives et détails par rapport au reste du tableau C'est intentionnel, car je veux que la tête de l'oiseau soit le point central. En guise de mission, essayez de dessiner quelque chose simple, comme un oiseau ou peut-être un fruit N'oubliez pas de rechercher des formes de base dans la structure et le design de votre dessin. N'hésitez pas à me faire part de vos croquis sur les réseaux sociaux. J'aimerais savoir si les formes de base ont eu un impact sur votre façon de dessiner. Bien, maintenant que nous maîtrisons bien le dessin pour l'aquarelle, passons Je vous verrai dans la prochaine vidéo. 5. 5. Travailler à partir de références: Avant de parler de l'utilisation de la référence, je voudrais dissiper certaines pensées ou idées que vous pourriez avoir sur le besoin de référence Ce n'est pas parce que vous avez besoin d'une aide visuelle pour produire un dessin ou une peinture que vous êtes moins un artiste. En fait, cela fait de toi une meilleure personne. Par exemple, si vous peignez un animal, il est absolument impossible que votre mémoire contienne les informations dont elle a besoin pour décrire avec précision l' anatomie et les caractéristiques de cet animal, à moins que vous ne l'ayez peint une douzaine, deux douzaines ou peut-être même 100 fois auparavant Cependant, il vous faudra de nombreuses fois pour conserver les informations nécessaires sur le sujet. Et malgré tout, vous aurez peut-être besoin de références pour différents angles ou poses. Tout au long de l'histoire, les maîtres artistes se sont appuyés sur la référence pour produire leur art. Donc, n'ayez pas l'impression que la référence est de la triche. C'est en fait un outil essentiel dans la boîte à outils de tout artiste. Maintenant que nous savons que la référence est une bonne chose, parlons des différents types d'utilisations de la référence. C'est probablement la façon dont j'utilise le plus la référence. Il consiste à recueillir des images du sujet sous différents angles et sous différents éclairages. J'aime avoir ce type de référence ouverte lorsque je dessine et que je peins. fait d'avoir plusieurs images m'aide à comprendre les formes du sujet. J'utilise une application appelée Vizaf pour garder plusieurs images ouvertes à la fois. Cela me permet également d'enregistrer plusieurs collections de photos de référence pour une utilisation ultérieure. Lorsque je travaille à partir de références comme celle-ci, je produis un dessin qui ressemble à ce que je vois, mais qui ne correspond pas exactement. Cela permet une certaine liberté créative dans le positionnement et les proportions du sujet. Mais je fais toujours une mesure visuelle pendant que je travaille. Je le fais généralement en trouvant un point de repère dans mon dessin et en comparant ce point de repère au même point de repère sur la photo de référence. Ensuite, je mesure visuellement des parties du sujet à l'aide de ce point de repère. Par exemple, l' œil de cet oiseau se trouve à un œil de son bec et à environ trois de l'arrière de sa tête Je le fais généralement dans ma tête car je cherche une mesure indirecte Je trouve que je suis généralement assez proche car j'ai tellement l'habitude de mesurer de cette façon. Vous pouvez voir des artistes traditionnels le faire en levant le pouce ou le pinceau et en fermant un œil tout en regardant le sujet. Ils utilisent la taille de leur pouce pour obtenir la hauteur de la tête d'un sujet, par exemple, puis utilisent cette mesure pour déterminer la longueur d'autres parties du corps. La référence peut également éclairer les décisions que vous prenez lorsque vous peignez. Par exemple, mon croquis est plus proche de cette photo, mais j'aime beaucoup mieux l'éclairage sur cette photo. Alors que je commencerai à appliquer de la peinture, je vais utiliser cette photo pour éclairer mon ombre éclaircie Alors que je commencerai à assombrir les ombres, je vais utiliser cette photo comme référence pour le placer autour du bec et La référence peut également être utilisée comme sujet pour votre peinture. En d'autres termes, vous faites une copie exacte ou peignez ce que vous voyez sur une photo ou ce que vous voyez encore vivant. Pour ce type de peinture, je recommande de mesurer avec précision, surtout si vous peignez un portrait. Si vous cherchez à capturer une image et les yeux de votre sujet, ou même à les décaler un peu, je vous promets que cela se remarquera Pour mesurer avec précision, nous utiliserons la même méthode de référence qu'auparavant, mais cette fois, au lieu de la regarder, nous allons effectuer notre mesure et la copier-coller sur le visage Je vais utiliser l'œil de Luke comme point de repère. Oh, non Copiez, faites glisser trois doigts pour copier-coller. Et on dirait qu'il y a environ un œil entre ses yeux. Et nous verrons également que la longueur de son nez, de l'arête du nez au bout de son nez , est également d'environ la longueur d' un œil. Donc, sur sa joue, il a environ la longueur d'un œil plus un quart. l'autre côté de son visage, il environ deux yeux et un quart de longueur. Vous pouvez continuer à effectuer cette mesure sur tout le visage pour obtenir un positionnement précis de chaque élément. Tous les artistes professionnels prennent le temps de mesurer. C'est quelque chose que vous vous habituerez à faire, et plus vous le ferez, plus vous deviendrez rapide et compétent Prenez le temps de mesurer avec précision et de voir dans quelle mesure cela améliore votre travail. En matière d'art, il y a souvent plus d'une façon de faire les choses. méthode très utile pour copier une méthode très utile pour copier une référence que vous pourriez trouver un système de grille est une méthode très utile pour copier une référence que vous pourriez trouver un peu plus facile. Pour cette méthode, vous devez placer une grille sur votre référence et placer la même grille sur votre canevas. Vous disposez désormais d'une mesure constante à partir de laquelle travailler. Esquissez simplement ce que vous voyez dans chacun des carrés de la grille. Cela vous permet de produire votre sujet à l'échelle exacte. J'ai configuré cette grille en ouvrant ma photo source et en ouvrant d' abord Procreate Appuyez sur l'icône de l'outil et activez le guide de dessin. Appuyez ensuite sur Modifier le guide de dessin. À partir de là, vous pouvez ajuster la taille de la grille et changer la couleur. Ensuite, je prends une capture d'écran et je la recadre dans et autour de la photo. Ensuite, je le copie dans le presse-papiers et je le colle dans Vizraf. De là, je peux supprimer la photo, procréer et commencer à dessiner Je tiens également à mentionner le traçage. Bien sûr, il est possible de retracer votre sujet, mais je vous mets en garde sur cette méthode. À moins que vous ne compreniez les formes que vous tracez et que vous ne puissiez ajouter un peu de saveur et de personnalité à la trace au fur et à mesure, le résultat peut être quelque peu irréel. Si vous choisissez de tracer votre sujet, je vous recommande de rechercher les zones que vous pouvez exagérer ou de trouver des formes auxquelles vous pouvez ajouter un peu plus de design En d'autres termes, utilisez le tracé pour obtenir des proportions de base, puis remplissez les blancs avec votre propre style et vos goûts en matière de design Aussi importante que soit la référence, je ne veux pas que vous vous sentiez limitée par elle Comme je l'ai déjà mentionné, utilisez-le pour vous aider à comprendre votre sujet, mais recherchez toujours des zones où ajouter du design, forme et de la forme à vos dessins. Cela vous aidera à insuffler votre touche personnelle à votre travail, et cela se reflétera certainement dans vos peintures titre de mission, j'aimerais que vous choisissiez trois sujets que vous aimez peindre et rassembliez une collection de cinq à dix bonnes photos de référence à garder à portée de main afin d'utiliser cette référence pour de futurs travaux. Conservez-les dans une galerie de photos, sur votre iPad, sur Dropbox ou dans une application telle que Vsref. Dans vos croquis, entraînez-vous à mesurer visuellement puis à prendre des mesures réelles pour voir à quelle distance vous vous êtes rapproché. Assurez-vous de publier la comparaison sur les réseaux sociaux. J'adorerais savoir comment les mesures ont eu un impact sur votre art. 6. 6. Composition: Chaque fois que vous commencez un croquis ou une peinture, vous composez. Vous placez des éléments sur la toile d'une manière qui vous semble esthétique Je pense que la composition est souvent considérée en relation avec des paysages dans lesquels vous placez des éléments tels que l'horizon, les arbres et les nuages. C' est certainement de la composition, mais cela s'applique en fait à tous les types de peinture, quel que soit le sujet. Même avec des sujets uniques, car vous composez également avec des valeurs, la pose du sujet et même son placement sur le canevas jouent un rôle. Je tiens également à souligner que la composition et le design vont de pair. Ainsi, lorsque vous composez votre art, vous ne faites en réalité que concevoir, et un bon design et une bonne œuvre d'art peuvent surmonter tous les autres pièges J'irais même jusqu'à dire que le design est l' élément le plus important de votre art. Si votre peinture est bien conçue, presque tout le reste se met en place, et les autres choix que vous avez ont beaucoup moins d'importance et deviennent plus faciles à faire. simple fait de planifier une composition contribue énormément à la réussite d'une peinture. Vous ne commenceriez pas à construire une maison en clouant des planches ensemble et en voyant ce qui en sort Il en va de même pour un tableau. La meilleure façon de planifier une composition est d'en faire un croquis miniature Je ne commence jamais un tableau sans une miniature pour me faire une idée de ce que je suis en train de Je vous recommande de faire trois à cinq croquis miniatures rapides pour toutes les peintures que vous réalisez, car cela vous donne l'occasion d' explorer et d' expérimenter avec peu ou pas d'engagement Vous pouvez essayer le placement des valeurs et la mise en page de différentes manières, et vous constaterez souvent que vous finissez par opter pour quelque chose complètement différent de ce que vous aviez initialement en tête pour la pièce. Il existe une tonne de théories matière de design et de composition, tel point que cela peut être un peu intimidant à comprendre. Mais je les ai réduits à cinq astuces simples que je considère comme les plus courantes lorsque je travaille sur une aquarelle Et la bonne nouvelle, c'est qu'il n'y a pas beaucoup de conjectures Ce sont des règles et des idées assez établies que vous pouvez appliquer directement à tout ce que vous peignez. Lorsque je commence une composition, j'aime me limiter aux formes de base ou la forme générale de la silhouette du sujet. Il est utile de voir la pièce de cette façon afin que vous puissiez composer sans vous laisser distraire par les détails. Il est tellement plus facile de faire des choix de conception lorsque vous visualisez des formes simples que d'essayer de prendre ces décisions une fois que vous avez déjà commencé à peindre. Par exemple, dans cette mise en page florale, j'utilise des formes simples pour déterminer l'arrangement avant de dessiner ou de peindre le moindre détail. Mais non seulement j'organise des formes simples ici, j'utilise également une forme simple pour guider mon placement. Vous pouvez également laisser des formes simples influencer votre décision concernant les angles et le placement de votre sujet sur le canevas. Dans cette peinture de poisson-ange, la silhouette du poisson est assez forte et bien définie avec des bords nets tout autour du poisson, ce qui la distingue du délavé de fond. Cette peinture de renard, en revanche, présente de nombreux bords perdus qui se fondent dans les lavages, mais la silhouette du renard est toujours visible dans toutes les zones importantes Dans ces deux tableaux, une silhouette bien dessinée aide à définir le sujet. Même vu à une taille plus petite, vous pouvez toujours voir clairement quel est le sujet. La règle des tiers consiste à décomposer votre toile en trois sections verticale et à l'horizontale. La grille qui en résulte vous donne une orientation générale pour le placement. Par exemple, il peut être un peu plus intéressant visuellement de placer votre sujet un peu décentré plutôt que directement au milieu de votre toile. Dans cet exemple d'illustration, vous pouvez voir que la grille de la règle des tiers est utilisée pour aider à orienter le placement de plusieurs sujets d'une manière agréable à regarder. Et notez également qu' une forme de triangle est également utilisée pour placer les personnages. Pour créer une grille de règle des tiers et procréer, activer le guide de dessin et appuyer sur Modifier le guide de dessin Divisez la hauteur des pixels par trois et définissez la taille de la grille sur ce chiffre. Mon Canvas mesure 4 000 pixels de haut, j'utilise donc 13 33. Faites ensuite glisser le point bleu vers le coin supérieur et touchez OK. Appuyez maintenant sur la miniature d'une couche et sur l'aide au dessin de chaussures. Tracez deux lignes horizontales pour diviser le canevas. Procédez exactement de la même manière pour les lignes verticales, mais cette fois, divisez la largeur par trois. Mon Canvas mesure 5 000 pixels de large, j'utilise donc 16 67. La même couche trace les lignes verticales. Vous pouvez maintenant désactiver le guide de dessin et vous vous retrouvez avec une grille qui divise votre toile en trois parties. Vous devez toujours tenir compte du nombre d'éléments que vous placez dans une composition. Le cerveau humain, pour une raison ou une autre, semble trouver un équilibre avec les nombres impairs. Le plus simple à composer est le chiffre trois. Si vous souhaitez inclure plus de trois éléments, je vous recommande 5/4, pour ne pas dire que vous ne pouvez pas avoir un nombre pair, mais un nombre pair d'éléments dans une scène a tendance à se disputer un peu d'espace Jetons un coup d'œil à ce tableau de NC Wyeth. Vous pensez peut-être qu'il s'agit d'une peinture à sujet unique, et vous ne vous trompez pas, mais nombres impairs sont utilisés ici avec des points focaux. Nous voyons également à nouveau cette forme de triangle familière. Je pense qu'une partie de la raison pour laquelle le cerveau humain trouve un équilibre dans le chiffre trois est directement liée au triangle. revenir à notre disposition florale, j'en utilise trois dans cette composition pour créer un équilibre avec des nombres impairs. Leur taille varie, mettant l'accent sur la plus grande fleur. Nous en avons parlé un peu dans les vidéos précédentes. Le mouvement fait référence à la façon dont l' œil du spectateur interagit et se déplace dans l'œuvre ce faire, vous pouvez utiliser des lignes ou des formes qui pointent directement vers le sujet, le placement de détails ou même quelque chose plus subtil, comme des valeurs contrastées, qui seront abordées plus en détail dans la prochaine vidéo. Il est important de réfléchir à la façon dont le spectateur verra et interagira avec votre œuvre, et si vous pouvez faire preuve de détermination dans cette interaction, cela peut rendre votre œuvre plus intéressante Dans la peinture précédente sur les mésanges, l'œil du spectateur est attiré sur la tête de l'oiseau par une valeur contrastée ou par la partie la plus sombre de Mais nous pourrions renforcer davantage le point focal en l' encadrant de feuilles, par exemple Notez que les feuilles servent également de lignes directrices pointant et dirigeant directement l'œil vers le point focal. L'espace positif fait référence aux zones du tableau qui incluent le sujet ou les zones importantes. Alors que l'espace négatif est exactement le contraire avec les zones moins focalisées qui entourent le sujet. Souvent, l'aquarelle a exposé papier blanc comme élément Cette zone est généralement considérée comme un espace négatif. Il est donc important de réfléchir à la manière dont nous gérons cet espace négatif. J'utilise souvent des lavis pour combler ces zones autour de mon sujet, car c'est un aspect de l'aquarelle que j'apprécie mon sujet, car c'est un aspect de l'aquarelle Souvent, l'espace négatif est le plus affecté par la façon dont nous recadrons notre peinture La façon dont le tableau est recadré peut réellement changer la dynamique de la pièce finie Par exemple, je place cet oiseau au centre et je recadre la toile en tenant compte de l'espace négatif dans la partie supérieure L'utilisation de la règle des tiers m' aide également dans le placement. Remarquez comment le changement de position affecte la pièce. fait d'être trop près du bord nous donne un sentiment de déséquilibre. Vous pouvez toujours penser qu' un espace négatif donne au sujet de l'espace pour respirer. Un autre bon exemple est l'épinglage du poisson. L'original n'est pas nécessairement recadré avec un bon équilibre entre espace positif et négatif J'ai donc créé une nouvelle version et j'ai utilisé la grille de la règle des tiers pour créer un recadrage plus serré Le point central de la pièce est le visage du poisson, que j'ai conservé dans le tiers inférieur inférieur. Il y a aussi un bon équilibre entre l' espace négatif sur tout le pourtour. Je voulais montrer au poisson qu'il faisait demi-tour et qu'il s'éloignait à la nage très vite. Ce mouvement est suggéré par les ailerons et les éclaboussures qui se déplacent vers le coin supérieur droit utilisant la règle des tiers, en gardant à l'esprit le mouvement et un bon équilibre entre les espaces négatifs, je pense que c'est une bien meilleure représentation pour cette pièce. Maintenant que nous avons exploré certaines idées qui sous-tendent la composition, j'espère que vous vous sentez désormais doté d'une nouvelle confiance lorsqu'il s'agit de planifier vos peintures Je pense que vous constaterez qu'avec ces astuces simples à l'esprit, les règles de composition peuvent être facilement ajoutées à votre boîte à outils artistiques À titre de mission, j'aimerais que vous choisissiez un sujet et que vous fassiez trois à cinq croquis miniatures, en tenant compte de la silhouette, de la règle des tiers, des nombres impairs, du mouvement et de l'espace positif par rapport à l'espace négatif Chaque miniature ne doit pas nécessairement contenir tous ces éléments, mais si vous pouvez en inclure un ou deux, vous êtes sur la bonne voie pour obtenir une composition fantastique N'oubliez pas de publier vos résultats sur les réseaux sociaux et de me taguer. J'adorerais savoir comment vous avez conçu votre peinture. Très bien, nous avançons, et je vous verrai dans la prochaine vidéo 7. 7. Comprendre le contraste des valeurs: Dans l'art, le contraste peut faire référence à de nombreuses choses, comme la texture par rapport aux traits lisses, aux petites formes par rapport aux grandes formes ou aux lignes droites par rapport aux lignes irrégulières Mais quand il s'agit d'aquarelle, je crois que le contraste le plus important réside dans les valeurs Vous avez besoin de bonnes valeurs de contraste dans vos peintures pour créer un niveau de réalisme et de profondeur. Si vous avez déjà peint quelque chose et que vous vous demandez pourquoi il semble plat ou s'il n'éclate pas, le coupable est probablement un manque de contraste de valeur Dans cette vidéo, nous allons donc approfondir la question de la valeur, puis vous verrez votre travail sous un nouvel angle. Vous saurez ce qu'il faut rechercher pendant que vous peignez et comment vérifier si votre œuvre présente un bon rapport qualité-prix. Et je vous garantis que ces compétences à elles seules feront une différence incroyable dans la façon dont vous percevez votre. La valeur fait référence au degré de clarté ou de noirceur d'une couleur. Par exemple, en regardant cette échelle, nous voyons une gamme de gris allant du noir pur ou une valeur de 100 % au blanc ou une valeur de 0 % Votre peinture doit toujours inclure des valeurs sur cette échelle, qui signifie que votre ton le plus clair doit se trouver ici, vos tons moyens ici et vos tons les plus sombres quelque part ici Si votre peinture ne contient que des tons moyens, vous obtenez un aspect plat, ce qui rend plus difficile pour l'œil de discerner les différentes formes Remarquez dans cette peinture de chat vue en noir et blanc tous les tons utilisés se situent dans le milieu de gamme de notre gamme. Le résultat est plat et il est certainement plus difficile pour nos yeux de percevoir la profondeur réelle des ombres ou des reflets. Je pense que beaucoup d' artistes débutants peignent dans valeurs moyennes parce qu'ils se sentent plus en sécurité. Procéder à des changements de contraste extrêmes peut sembler intimidant au début, comme si vous alliez trop loin. Il est également possible que vos yeux ne soient tout simplement pas habitués à rechercher une plage de valeurs de cette manière. Lorsque nous visualisons le tableau original en noir et blanc, nous pouvons constater que la plage complète de l'échelle des valeurs est présente. Il est très clair où se trouvent les ombres les plus sombres et où se trouvent les reflets les plus clairs Il en résulte plus de profondeur que de réalisme. La profondeur d'une peinture est créée par la séparation de ces valeurs. La peinture semble plus réaliste car il s'agit la plage de valeurs que nous voyons tout le temps dans le monde réel. Notez également que la valeur est relative aux valeurs environnantes, ce qui signifie qu'une valeur apparaîtra plus foncée entourée d'une valeur plus claire et claire lorsqu'elle sera entourée d'une valeur plus foncée. Cela a plus de sens lorsque nous le considérons sur l'échelle des valeurs. Vous pouvez voir que le même ton du milieu apparaît plus clair à une extrémité et plus foncé à l'autre, même s'il s'agit du même ton de gris sur toute la longueur. Regardons un exemple de cela. Il s'agit d'une peinture pour un design de t-shirt que j'ai réalisée pour un client il y a quelques années. Lorsque nous le visualisons en noir et blanc, pouvez-vous choisir la valeur la plus claire ? On dirait que les petits poissons sont légers, mais vous pouvez trouver la même valeur dans la truite mouchetée située sous l'œil Les petits poissons semblent en fait plus brillants parce que la valeur environnante est beaucoup plus foncée. Cela crée plus de séparation, de profondeur et de contraste autour de ces petits poissons, ce qui en fait un point focal. Vous voyez également la même échelle de valeurs en couleurs. L'ajout de blanc à une couleur la déplace vers le haut l'échelle en créant une teinte de la couleur de base, tandis que l'ajout de noir la déplace vers le bas de l'échelle en créant une nuance de la couleur de base. Certaines couleurs ont une valeur de base plus claire tandis que d'autres sont plus foncées. La couleur est ce que nous avons tendance à remarquer le plus dans une peinture, mais la valeur réelle est ce qui fait tout le travail. En fait, je pense que la couleur que vous choisissez est moins importante que sa valeur. Je vais te montrer ce que je veux dire. Nous avons déjà parlé du point central de cette peinture de renard étant le centre de son visage car c' est là que le plus de détails sont placés. Mais il attire également l'attention du spectateur car c'est lui qui se distingue le plus également lui qui se distingue le plus du reste du tableau. Même si nous changeons la couleur de la peinture, elle fonctionne toujours car les séparations de valeurs sont toujours présentes Souvent, vous composez avec une gamme de valeurs dans une Une peinture peut être à dominante foncée, claire ou moyenne. Dans cet exemple, nous pouvons voir que le point focal est créé avec un objet à valeur foncée et une composition dominante à valeur moyenne, ou que l'inverse peut être le contraire avec une scène à valeur claire et une scène dominante à valeur foncée. Il est important de réfléchir au placement de valeur dans votre composition, car ce contraste crée souvent des points focaux . Un autre regard sur cette peinture de poisson-ange, cette fois en noir et blanc, nous donne à peu près trois valeurs Le blanc du papier est le plus clair la valeur moyenne représentant le fond lavé. Le point focal est créé par contraste des valeurs claires et foncées dans la tête, sans oublier l'aide de quelques lignes directrices. À ce stade, je vous ai montré plusieurs tableaux en noir et blanc. C'est en fait le moyen idéal pour vérifier votre travail pendant que vous peignez. Il suffit de balayer à trois doigts, de procréer et de sélectionner tout copier , puis de balayer à nouveau avec trois doigts pour coller votre peinture sur un calque au-dessus Et puis réduisez la saturation. Examinez votre plage de valeurs actuelle et déterminez où vous avez besoin d'un ajustement. Comparez-le à une échelle de valeurs pour voir où vous avez besoin de plus d'une certaine valeur. Faites-le plusieurs fois si nécessaire pendant que vous travaillez sur une pièce. Très vite, vous allez entraîner vos yeux à voir les couleurs sous forme de valeurs, et vous verrez où un bon contraste est nécessaire pendant que vous travaillez. À partir de maintenant, j'aimerais que vous réfléchissiez aux valeurs de vos peintures, que vous en preniez conscience et que vous preniez conscience de la façon dont elles sont utilisées pour créer du contraste, la composition, de la profondeur et du réalisme dans votre travail. À titre de mission, j'aimerais que vous créiez une échelle de valeur. Utilisez neuf carrés pour créer la gamme allant du noir au blanc. Comparez-le à votre dernier travail et voyez si vous pouvez trouver une bonne plage de valeurs de lumière, de milieu et d'obscurité. Cela vous donnera probablement une idée de votre situation actuelle lorsqu'il s'agit de peindre avec un bon rapport qualité-prix. Maintenant que nous avons acquis une bonne théorie de la peinture tirée des dernières vidéos, jetons un coup d'œil à quelques pinceaux. 8. 8. Sélection des pinceaux: Prenons quelques minutes pour parler des pinceaux. Les pinceaux sont essentiels pour créer l'effet d'aquarelle que je recherche dans mes peintures numériques formation en art traditionnel J'ai donc tendance à rechercher dans mes pinceaux certains éléments qui sont importants pour moi, comme les textures, les bords souples et durs, certains types d' éclaboussures et d'effets de lavage J'ai inclus un ensemble de base de 14 pinceaux avec ce cours. Nous utiliserons cet ensemble pour peindre dans toutes les vidéos à venir. Jetons un coup d' œil aux pinceaux cet ensemble afin que vous puissiez vous familiariser avec eux et que vous sachiez quel type de pinceau utiliser pour les différentes zones d'une peinture. Le premier pinceau de ce set est un crayon. Celui-ci est probablement assez évident car il est destiné à être utilisé pour vos croquis. Le pinceau crée une fine ligne lorsqu'il est maintenu normalement ou une ligne d'ombrage plus épaisse lorsqu'il est incliné sur le côté J'aime utiliser une couleur gris foncé plupart du temps avec ce pinceau, sauf si je l'utilise comme crayon de couleur créer une esquisse tonale. Vient ensuite le détaillant d'aquarelles. Ce pinceau est conçu pour les petits travaux de détail. Il serait proche d'un petit rond par rapport à un pinceau traditionnel. Le pinceau est transparent et crée un bord dur. Même si le pinceau est destiné aux travaux de détail, vous pouvez certainement l'agrandir et peindre de plus grandes surfaces avec lui si vous le souhaitez. Le pinceau à eau est un autre pinceau rond à bord dur, mais celui-ci est plus transparent comme s'il contenait plus d'eau que de peinture. Il est sensible à la pression, donc plus vous appuyez légèrement, plus l'eau pénètre dans le pinceau. Le pinceau a également une belle texture qui devient plus visible avec la pression. Le pinceau opaque est équivalent à un pinceau traditionnel rempli de peinture et sans eau. Je sais que j'ai déjà mentionné que l'aquarelle est toujours transparente Mais plus vous appliquez de peinture, plus elle commence à apparaître opaque. Vous pouvez faire de même avec un pinceau transparent comme ceux que nous venons de voir, mais ce pinceau vous fera gagner du temps vous permettant de tracer rapidement des zones plus opaques Celui-ci deviendra un élément classique de votre sélection de pinceaux car vous utiliserez pour créer un contraste de valeur plus rapidement qu'en superposant des couches Le pinceau plat imite un pinceau traditionnel dont la pointe est plus blanche Vous l'utiliserez pour ombrer de plus grandes zones ou pour créer des variations dans vos traits, car les traits ne sont pas toujours visibles avec les pinceaux ronds. Les pinceaux Soft Wash et Soft Wash créent des traits doux, comme ceux que nous avons créés dans la vidéo consacrée à l' aquarelle traditionnelle Ils sont parfaits pour les lavis ou pour ajouter des bords subtils à vos peintures Les pinceaux à effet alcool et sel servent à créer certains types d'effets spéciaux qui seront abordés plus en détail dans une vidéo ultérieure. Le mixeur à eau est spécialement conçu pour le mixeur, mais sachez que vous pouvez certainement peindre avec lui, tout comme vous pouvez également utiliser les autres pinceaux cet ensemble avec le mixeur. Ce pinceau est rempli d' eau et estompera tous les traits comme si vous peigniez mouillé sur mouillé. Les deux pinceaux à tampon permettent de créer rapidement de grands lavages, mais ils ont également plusieurs autres utilisations, dont nous parlerons plus en détail dans une vidéo ultérieure Les pinceaux anti-goutte et anti-éclaboussures font partie de mes préférés. Je termine presque toujours tous mes tableaux avec quelques éclaboussures Le pinceau anti-goutte ajoutera quelques points, tandis que le pinceau à éclaboussures fera mouche en projetant de la peinture sur toute la surface Faisons une petite plume pour vous donner une idée de ce que ces pinceaux peuvent faire et n' hésitez pas à peindre avec moi si vous le souhaitez Je vais esquisser cette plume de mémoire parce que je veux que ce soit une démonstration rapide au pinceau, et je pense que la forme est suffisamment simple pour que je puisse la faire sans référence Pendant que je travaille, je vais essayer de garder à l'esprit une silhouette forte et d' éviter de répéter des motifs sur la plume Je vais également garder le croquis assez vague, car je sais que dans quelques minutes, je vais peaufiner à l'étape suivante. OK, j'appuie sur l'outil de transformation, je vais le réduire légèrement, puis je vais l' incliner légèrement. Maintenant, je crée une nouvelle couche et je la déplace sous la couche d'esquisse. J'utilise le pinceau opaque de couleur bleu foncé pour dessiner la silhouette de la plume, en utilisant le croquis comme guide Je ne suis pas vraiment exactement les lignes d'esquisse ici, car je veux continuer à ajouter de la variation et un intérêt visuel pendant que je travaille. C'est quelque chose dont j'essaie vraiment de rester constamment consciente, surtout au début de la peinture. La forme que je crée ici servira de base à notre sélection de plumes que nous allons peindre sur d'autres couches Cela ne fera pas vraiment partie de la peinture finale. Maintenant, je suis en train de remplir le contour et je vais créer d' autres pièces de plumes fines en un seul coup, d' autres pièces de plumes fines en un seul coup, dans le seul but d'ajouter peu plus d'intérêt visuel à la forme J'utilise donc le même pinceau opaque, mais cette fois avec l'outil d'effacement pour éliminer certaines zones de la silhouette de la plume Dans une peinture traditionnelle, ces zones sont créées à partir d'espaces entre les coups de pinceau qui n'ont pas été mouillés. Parce que l'aquarelle ne s'écoule pas dans ces petites zones sèches moins que vous ne l' y enfondiez avec un pinceau Donc, en effaçant ces espaces, c'est comme si j' imitais l'apparence de l'aquarelle traditionnelle Maintenant que nous avons une forme de plume, je vais renommer cette base de couche Je vais faire une sélection cette couche et désactiver la visibilité. Ensuite, je vais créer une nouvelle couche et la remplir d'un gros trait avec la brosse à laver douce. Et maintenant, nous avons cette belle base de texture à partir de laquelle travailler. Maintenant, je vais choisir une couleur violette pour peindre dans une variation de couleur Ensuite, en utilisant le même pinceau doux avec le blurtl, je vais mélanger le bleu et le violet Je vais créer une autre nouvelle couche et je vais prélever une couleur violette sur la plume et la rendre un peu plus foncée En utilisant à nouveau le même pinceau doux, je vais peindre en dehors de la sélection, laissant juste le bord du pinceau se répandre sur la forme de la plume Cela assombrira le bord de notre plume, ce qui reproduira le comportement de l'aquarelle traditionnelle car la peinture a tendance à couler vers le bord d'une forme J'utiliserai à nouveau le blentol pour flouter également quelques zones sur les bords Et sur la même couche, je choisis une brosse à laver et nous tamponnerons un peu de violet foncé à la base de la plume Et en raison de notre sélection, le tampon est limité à notre forme de plume Maintenant, sur une autre couche en utilisant le pinceau à eau cette fois, détaillons à nouveau les bords. En fait, utilisons plutôt le pinceau de détailleur pour aquarelle Je vais tracer une fine ligne de détail autour de la plume, pour renforcer l' effet de bord foncé créé tout à l'heure Au fur et à mesure que je travaille sur la plume, je vais assombrir certains bords et en omettre car je veux que l'effet soit un peu varié Je crée maintenant une nouvelle couche et je la déplace sous notre couche de bord détaillée. Je choisis à nouveau un pinceau humide, cette fois en utilisant une couleur bleue et en tamponnant l'autre partie de la plume juste pour ajouter un peu plus Sur une autre nouvelle couche, je vais continuer et ajouter de la variation en sélectionnant un bleu clair et en peignant une texture à l'aide du pinceau à effet alcool. Pour terminer cette pièce, je vais ajouter quelques éclaboussures la sélection de plumes en utilisant à nouveau une couleur bleu clair Je vais maintenant annuler la sélection et ajouter quelques éclaboussures supplémentaires autour la plume en bleu foncé OK, comme dernier ajustement, je vais combiner toutes les couches augmenter la saturation et varier légèrement la teinte. Et je pense que ça suffira pour celui-ci. La question que je reçois le plus souvent à propos de mes ensembles de pinceaux est comment savoir quel pinceau utiliser ? La réponse à cette question est : que peignez-vous ? Si vous créez une arête dure, saisissez l'une des cartouches. Si vous avez besoin d'un bord doux ou d'un objet plus texturé, prenez une brosse de lavage douce. Si vous détaillez une petite zone, utilisez le détailleur ou même le pinceau à crayon Je pense vraiment que le choix des pinceaux est d'expérience, car l'expérience s'accompagne de confiance , de savoir ce que vous faites , de savoir ce que vous recherchez et que vous peignez. Si tu as l'impression de ne pas y être encore, c'est bon. Nous avons beaucoup d'autres choses à aborder dans ce cours, et vous y serez avant même de vous en rendre compte. 9. 9. Créer de la variété de bords: Nous avons abordé un peu le concept de variété des bords, mais je voulais créer une vidéo spécifiquement sur le sujet, car je pense que c'est un élément essentiel d'une peinture. Il est important pour moi que vous ayez une solide compréhension de ce sujet et que vous sachiez comment l'appliquer à votre propre art. Je crois qu'il existe trois types d'arêtes dans une peinture dures ou tranchantes, les arêtes souples et les arêtes perdues. Ces trois types d'arêtes jouent un rôle dans la hiérarchie visuelle. Cela signifie que nous avons tendance à voir certaines arêtes ordre d'importance ou de clarté visuelle. Les arêtes dures sont les plus hautes de ce classement. Comme ils sont les plus clairs, c'est ce que nos yeux ont tendance à remarquer en premier. points focaux situés dans les zones de détail ont tendance à avoir les bords les plus durs dans une aquarelle Les arêtes souples sont généralement secondaires et revêtent une certaine importance, mais moins que les arêtes dures. La fourrure est un bon exemple de bords souples. Parfois, je peins la fourrure très doucement avec peu ou pas de détails Votre œil voit qu'il est là et l'enregistre comme de la fourrure, mais il ne s'attarde pas nécessairement sur ces zones du tableau. Les bords perdus sont en quelque sorte cet espace magique où nous sous-entendons que quelque chose est là sans vraiment le montrer C'est comme si votre cerveau remplissait l'espace sans vraiment le voir. C'est en fait un très bon plat à emporter et quelque chose à garder à l'esprit Dans un tableau, il n'est pas toujours nécessaire de tout montrer. Ce faisant, nous suscitons en fait plus d'intérêt parce que votre cerveau aime le mystère de combler les lacunes avec de l'imagination Les bords perdus peuvent également être utilisés pour ajouter une touche abstraite à une peinture. Et c'est quelque chose que je trouve personnellement très intéressant dans ces domaines lorsqu'il s'agit de décider où ils devraient être situés. Voyons comment les pinceaux ont été utilisés pour créer de la variété dans cette peinture florale afin de lui donner un bon équilibre et une bonne hiérarchie visuelle. La forme générale de la silhouette de la fleur a été peinte avec un pinceau à bords durs, comme le pinceau aquarelliste ou le pinceau opaque Ensuite, les couleurs intérieures à l'intérieur des pétales ont été peintes à l'aide du pinceau plat. Ensuite, les bords ont été adoucis à nouveau à l'aide du pinceau plat avec l'outil de maculage. J'ai choisi de perdre certains bords de la forme de la fleur comme si la peinture s'échappait de la silhouette. Je l'ai fait vers l'arrière de la fleur pour donner un peu de profondeur et combiner un peu la forme avec l'arrière-plan. Je l'ai également fait un peu à l'avant juste pour suggérer un peu de profondeur de champ. profondeur de champ fait référence à la distance entre les éléments les plus proches et les plus éloignés d'une photo ou d'une peinture, dans ce cas, qui semblent nets et nets En regardant cette peinture, nous pouvons donc clairement voir les trois arêtes à l'œuvre. Les bords durs mettent l'accent et donnent priorité visuelle à la silhouette de la fleur. Ils sont également utilisés dans les détails situés au centre de la fleur. Les bords souples sont utilisés pour peindre la couleur des pétales de fleurs, et les bords perdus sont utilisés pour donner un peu de profondeur et d'intérêt à l'arrière-plan et un peu au premier plan Une question que je reçois souvent est comment éviter de flouter mon tableau cause la plus probable est que vous n'avez pas assez de variété de bords, en particulier les bords durs. Vous avez besoin de la netteté des bords durs et de vos points focaux pour que votre œil puisse y être guidé et y être guidé et faites attention à toute utilisation excessive de l'outil de maculage Si votre peinture semble trop floue, il est probable que cette netteté vous manque Je vous recommande donc de faire attention aux bords et de vous assurer que votre peinture présente un équilibre entre les types de bords afin d'éviter cet aspect flou Comme mission, j'aimerais que vous essayiez une simple peinture représentant un fruit, quelque chose de facile comme une tranche d'orange, une pomme ou une fraise, comme je le fais ici. Je veux que vous gardiez à l'esprit la variété Edge. Positionnez ces trois types d'arêtes de manière stratégique . Si la peinture commence à paraître floue, commencez à rechercher ces bords durs pour la remettre en valeur Dans ma peinture à la fraise, j'utilise des bords plus doux dans l'éclairage de la fraise pour suggérer la rondeur. Les bords de la fraise et des petites graines ont des bords plus durs pour lui donner de la netteté et de la netteté J'ai même un léger bord perdu à la base là où commence l'ombre car aucune lumière n' y atterrit. Essayez-le et assurez-vous de le partager et de me taguer sur les réseaux sociaux et de me dire comment vous avez utilisé les bords pour donner plus de dimension et de netteté à votre peinture. 10. 10. Qu'est-ce qu'un lavage à l'aquarelle ?: Le terme lavage fait référence à une technique qui consiste à peindre une très fine couche d' aquarelle sur une grande surface d'eau Cela fait que la peinture se déplace dans le bassin d'eau, créant des tourbillons, des fleurs et toutes sortes d'effets aléatoires Encore une fois, il s'agit d'une technique qui permet à l'aquarelle de se peindre elle-même, puisque vous perdez le contrôle en un sens et que vous laissez la peinture prendre le dessus Une fois que la peinture sèche, vous vous retrouvez avec des zones de la peinture qui ont vraiment une vie bien à elles. Les textures laissées par le mélange d' eau et de peinture insufflent de la vie à la peinture. Personnellement, j'adore cet aspect de l'aquarelle, et je l'utilise tout le temps dans travail traditionnel et numérique J'aime créer des lavages et procréer de deux manières , et j'utilise souvent ces deux méthodes ensemble afin avoir une flexibilité et un contrôle complets sur l'apparence La première méthode consiste à les peindre à l'aide de pinceaux doux. Ici, j'utilise les pinceaux doux du set de pinceaux grossiers. tels lavages permettent une certaine liberté dans formes et les zones claires et foncées , car vous les peignez à partir de zéro J'utilise souvent l' outil de maculage avec le même pinceau que celui que j'ai sélectionné pour étaler le produit délavé ou décoloré sur les bords L'autre technique que j'utilise pour créer des lavages consiste à utiliser des pinceaux à tampon Ici, j'utilise les deux pinceaux à tampon du set de pinceaux de cours. Ces pinceaux ont été créés à partir photos à haut risque ou de scans de lavages réels créés avec de la peinture traditionnelle sur papier Le résultat est donc aussi réaliste que possible. Ces pinceaux sont rapides et faciles et créent souvent des aléas et des accidents heureux, ce que je trouve très amusant Les lavages peuvent être utilisés pour créer et mélanger des formes, et ils peuvent également être utilisés pour créer des arrière-plans abstraits Essayons d'abord de peindre une forme, et n'hésitez pas à peindre en même temps si vous le souhaitez. Nous allons commencer par dessiner une feuille avec le pinceau à dessin au crayon. Ensuite, nous allons créer une zone de confinement pour la peinture. Dans une aquarelle traditionnelle, cela équivaudra à une zone humide du papier La peinture restera dans les limites de l'espace humide et ne coulera pas et ne se déplacera pas sur du papier sec. Dans Procreate, nous allons créer la même zone confinée avec une sélection Allons-y et définissons forme de nos feuilles à l'aide de l'outil de sélection. Cela nous donne l'équivalent d'une zone de papier humide. Ensuite, nous pouvons tamponner ou peindre quelques lavages pour nous donner notre forme peinte C'est si facile à faire, et cela peut être le point de départ de tant de peintures. J'aime le caractère aléatoire de la construction de formes de cette façon par rapport à la peinture dans des zones de couleur unies Les peintures à l'aquarelle n' ont généralement pas de zone unie de couleur opaque, contrairement aux peintures à l'huile. Il y a généralement un certain degré de texture. Ces mouchoirs de lavage sont donc également parfaits pour décomposer les zones de couleur unie de manière un peu aléatoire OK, essayons-en un autre. Cette fois, nous allons utiliser les brosses de lavage souples. L'action est déjà terminée, et je vais peindre le bord de la feuille sans lever le bout de mon crayon jusqu'à ce que je sois prête à commencer une nouvelle couche de lavage. Je peins également le pourtour, l'extérieur de la feuille pour assombrir les bords Prenons la brosse de lavage la plus douce et agrandissons-la un peu. Peignons une autre couche de lavis. J'utilise également une très légère pression ici. Ainsi, le fait d'assombrir les bords cette façon aidera à créer l'apparence d' vraie peinture, car elle a tendance à se déplacer vers le bord lorsqu' elle commence à sécher D'accord. Voilà, nous l'avons. Voici notre deuxième feuille peinte cette fois avec des pinceaux de lavage. Lorsque j'utilise des lavages comme arrière-plans, je pense qu'il s'agit de mélanger des zones qui ajoutent ou améliorent la composition Avec ce concept à l'esprit, vous ne voulez pas tamponner n'importe quel produit de lavage n'importe où. Je vais vous montrer ce que je veux dire dans cet exemple. Finissons-en avec l' arrière-plan de ce renard. J'ai inclus cette peinture dans les ressources du cours au cas où vous voudriez suivre, mais ne vous sentez pas obligée laver les articles dans les mêmes endroits que moi N'hésitez pas à expérimenter et à voir ce que vous pouvez créer. OK, nous allons utiliser les pinceaux humides du set de brosses grossières. Je vais commencer par Wash Damp Two. Notre fichier est en couches, et nous voulons placer une nouvelle couche en dessous de toutes les autres. C'est là que nous allons effectuer nos premiers lavages. Je vais essayer une couleur à l'arrière de la tête du renard, et je pense que je vais faire mon premier lavage dans cette zone. Dimensionnez légèrement le pinceau. OK, ça a l'air plutôt bien. Déposez-en un autre ici. OK, j'aime déjà ça. Je vais essayer une orange plus foncée, en placer une plus basse. OK, j'aime bien ça. Je vais en laver un humide. Je vais en déposer un autre au milieu. Cela fonctionne plutôt bien. J'aime le flux naturel que cela a. Cela ajoute déjà à la forme du renard, et j'ai l'impression que c'est une extension naturelle de la peinture. Si je devais en lancer un autre ici, vous voyez en quoi cela le déséquilibrerait un peu ? Cela ne semble pas aussi naturel. Je vais opter pour un bleu froid ou un gris froid maintenant. Je vais encore une fois en laver deux, et je vais créer un fond pour le visage du renard. D'accord ? Encore une fois, je cherche une extension naturelle du tableau. Lorsque je place ces nettoyants, mon œil est à la recherche d' une composition équilibrée OK, c'est un peu trop bas. Je vais chercher l'outil de flou Je vais effacer certains de ces éléments répétitifs. Les outils de flou sont déjà réglés sur le mélangeur à eau. J'ai juste certaines de ces éclaboussures récurrentes dont je veux juste me débarrasser L'humidité du lavage change à chaque fois que vous le placez, mais de temps en temps, vous pouvez toujours retrouver certains de ces éléments répétitifs. Il est facile et rapide de simplement les effacer ou de les mélanger. D'accord, créons une nouvelle couche au-dessus de toutes les autres cette fois ? Ce sera pour quelques points saillants. Je veux diviser certaines de ces zones de couleur que je vois. En réduisant le pinceau cette fois, je veux diviser cette zone ici Agrandissons-le un peu. D'accord. Il y a un autre domaine que je voudrais séparer. C'est plutôt bien. J'ai aussi cette ligne dure que je vois dans le visage, et je veux également diviser cette zone. C'est plutôt bien, mais c'est peut-être un peu trop. Essayons-en un autre. C'est un peu plus subtil. C'est ce que je préfère. Utilisons maintenant les brosses de lavage souples pour améliorer les lavages que nous avons déjà définis. Je vais créer une nouvelle couche dessous de la couche des reflets, et je vais choisir le pinceau Soft Wash. Je recherche donc ces zones dans les lavages où il semble que de la peinture ait coulé dans l'eau avant qu'elle ne sèche Et je veux en quelque sorte améliorer ou assombrir ces zones. Chaque fois que je prends et pose le bout du crayon avec ce pinceau, le trait s'assombrit, mais ce n'est pas grave, car je vais les mélanger un tout petit peu Je vois donc un autre domaine dans lequel je voudrais également ajouter un peu de fluidité. Et une autre ici aussi. Maintenant, je vais utiliser le mixeur avec le même pinceau doux que celui sélectionné, et je vais juste estomper certains de ces bords plus durs. Mais je ne veux pas les mélanger toutes parce que je veux tout de même avoir cette variété avant-gardiste au lavage. J'essaie simplement d'imaginer où la peinture aurait coulé et où elle se serait étalée. Il est si facile d'exagérer l'outil de flou avec quelque chose comme ça Mais les bords de nos tampons sur une autre couche aident à éviter que les choses ne paraissent trop floues OK, je trouve que ça a l'air plutôt bien. Encore quelques retouches. Bien, voyons ce que nous avons fait en activant et en désactivant la couche. Ce que nous avons fait était assez subtil, mais cela a créé de belles zones sombres lors des lavages et a ajouté de la variation à la fourrure Je pense que je suis plutôt content de ce renard pour le moment. Vous voyez à quel point il peut être facile de peindre avec des lavages ? Nous sommes passés de cela à cela en 5 minutes environ. C'est plutôt cool. J'espère que l'idée d'utiliser des lavis de la manière que j'ai décrite vous a ouvert nouvelles idées pour vos peintures et vous a incité à peindre des éléments plus abstraits dans votre art. Maintenant que nous avons examiné certains lavages à l'aquarelle, passons à d' autres effets spéciaux Oh 11. 11. Effets spéciaux à l'aquarelle: Un aspect vraiment intéressant de l'aquarelle est la façon dont elle interagit avec l'eau, l' alcool et le sel lorsqu'ils sont introduits juste au moment où la peinture commence à sécher De plus, le type de papier utilisé et la surface de ce papier jouent un rôle dans le résultat final. Ces effets peuvent donner à une peinture à l'aquarelle une texture tout à fait unique Nous pouvons également appliquer ces effets spéciaux à nos peintures numériques pour créer plus de profondeur et de réalisme. Examinons de plus près ces effets et la façon dont ils sont créés. L'eau est certainement l' élément qui influence la façon dont une aquarelle est réalisée. Il faut de l'eau pour activer le pigment afin de commencer une peinture, mais elle peut également être utilisée pour créer des effets spéciaux une fois que la peinture est sur le papier. Par exemple, un pinceau humide peut être utilisé pour étaler ou déplacer la peinture ou pour l'estomper complètement Nous pouvons utiliser le pinceau du mixeur à eau pour faire la même chose et procréer Ici, j'ai l'outil de maculage avec le pinceau du mélangeur à eau sélectionné Je lance le pinceau en dehors du lavage et j'y déplace le trait. Cela revient à faire pénétrer de l'eau claire dans la peinture, alors que commencer le trait pendant le lavage et la déplacer vers l'extérieur est le contraire, comme si vous déposiez la peinture dans l'eau Un autre effet d'eau peut se produire lorsque de l'eau est introduite dans la peinture alors qu'elle commence à sécher sur le papier. L'eau fait que la peinture se répand sur elle-même, ce que l' on appelle une floraison. Je pense que les fleurs sont un bon effet pour décomposer les zones de couleur unies dans une peinture numérique. Nous pouvons créer des fleurs en utilisant les pinceaux humides avec la gomme ou en les peignant manuellement à l'aide d'un pinceau de lavage et de l'outil les peignant manuellement à l'aide d'effacement Le sel et l'alcool sont deux méthodes pour créer des textures vraiment uniques dans une peinture. Lorsque du sel ou de l'alcool sont introduits dans la peinture avant qu' elle ne sèche, cela crée une résistance dans la peinture. Les résultats créent une texture rugueuse et aléatoire. Dans une peinture traditionnelle, vous pouvez saupoudrer de l'alcool pour créer une sorte d'effet d' éclaboussures inversées une grande surface de Nous pouvons faire de même dans Procreate en utilisant le pinceau à effet alcool avec l'outil de suppression. Vous pouvez également l'utiliser avec le pinceau pour étaler le lavis en lui donnant un bord texturé plus rugueux Lorsque vous utilisez du sel sur une peinture traditionnelle, il est généralement saupoudré sur de la peinture humide, puis laissé sécher avant de le retirer Il en résulte une texture fine et granuleuse. Nous pouvons créer ce look et procréer en utilisant le pinceau à effet sel et une peinture de couleur plus claire que celle sur laquelle nous peignons C'est un excellent moyen d'ajouter de la texture à une zone plus lisse d'un tableau. Les Splatters sont l'un de mes préférés. Dans une peinture traditionnelle, elles ont un aspect qui vous oblige à abandonner le contrôle que vous avez sur ce qui se passe. Vous pouvez faire certaines choses pour orienter la direction des éclaboussures, mais pas grand-chose Dans nos peintures numériques, nous avons un peu plus de contrôle sur l' endroit où nos éclaboussures atterrissent. J'ai inclus deux pinceaux à éclabousser dans le set de pinceaux grossiers Le peintre au goutte-à-goutte appliquera une seule éclaboussure à la fois, et le pinceau à éclaboussures en appliquera beaucoup à la fois, la pression du stylo contrôlant à la fois J'adore appliquer des éclaboussures pour obtenir un meilleur rendu de la peinture d'une certaine manière, car les éclaboussures ont Cela permet de mettre en évidence des zones de la peinture, ce qui signifie que notre œil les verra en premier plutôt qu'une zone plus douce de la pièce. Je les aime aussi en tant qu'élément de composition car ils peuvent également fournir une forme ou une direction subtile ou une direction Les types de papier ont un impact important sur les aquarelles traditionnelles. Il existe essentiellement trois types de papier, quelle que soit leur qualité ou leur marque. Les trois types sont le pressage à froid, le pressage à froid brut et le pressage à chaud. La presse à froid est probablement la plus courante avec une texture semi-rugueuse. Appliquer la texture du papier et procréer est assez facile, mais cela a un impact important sur la peinture J'ai inclus une texture de papier pressée à froid de base dans les ressources du cours. Le moyen le plus simple d'appliquer cette texture de papier est de la placer sur une couche au-dessus de toutes les autres et définir le mode de fusion de cette couche pour qu'il se multiplie. La texture obtenue donnera une peinture numérique et un aspect beaucoup plus réaliste. Maintenant, prenons tous ces effets spéciaux et utilisons-les pour terminer notre peinture de renard de la vidéo précédente. Encore une fois, je n'ai pas l' impression d'avoir besoin de jouer aux éclaboussures et aux effets aux mêmes endroits que moi L'objectif est de se familiariser avec le fonctionnement de ces pinceaux et comment ces effets peuvent être utilisés pour terminer une peinture. Je vais commencer par une nouvelle couche au-dessus de toutes les autres, et j'ai sélectionné wash damp two comme pinceau. Je vais essayer cette couleur de fourrure claire, et je veux créer une petite fleur ici, dans cette zone, et peut-être la faire couler un peu vers le bas. Je tape donc sur la fleur avec le nettoyant humide, et je vais utiliser un pinceau plus doux pour peindre un peu plus comme si la fleur s'étendait. D'accord, je trouve que ça a l'air plutôt bien. Maintenant, je vais prendre à nouveau le pinceau Wash Humid Two, et je voudrais ajouter une autre petite fleur où blanc passe au foncé sous le nez. Bien, créons à nouveau un nouveau calque, et je veux utiliser le pinceau à effet sel cette fois Nous allons utiliser ce pinceau pour décomposer des zones de couleur plus lisses, comme celle située sous l'œil. Je vais essayer ce type de couleur de Sienne brûlée, et je vais l'éclaircir Il va falloir une pression plus légère. Bien, je vais faire la même chose ici, donc je vais essayer cet orange foncé, mais je vais le rendre un peu plus clair OK, je vais juste regarder autour de moi et je vais en placer quelques autres où je pense qu'il faut décomposer un peu de couleur. Utilisez-en un peu plus bas dans la zone grise. D'accord, c'est assez subtil. Je pense que la couleur doit être plus claire. D'accord, c'est mieux. Je vais regarder autour de moi. Cela semble assez équilibré jusqu'à présent. Je pense que je vais ajouter une nouvelle couche, et essayer des couches plus sombres. Je vais donc faire le contraire. Je vais essayer cette couleur de fourrure foncée, mais je vais la rendre plus foncée. OK, c'est trop. Je vais agrandir le pinceau, et je vais essayer juste quelques coups au lieu de coups de pinceau ou d' épingle OK, c'est bon. J'aime la façon dont ça brise ce blanc. Je vais en ajouter un peu dans la tête avec une vraie légère pression, juste un tout petit peu. OK, ça a l'air bien. J'aime la texture du sel brise la peinture, et elle correspond vraiment bien la texture de cette peinture. C'est trop. OK, j'aime bien ça. Encore un petit peu. Ça fait du bien. Je vais réessayer le blanc juste pour voir si je peux juste ajouter un peu plus de variation à certains endroits. Pour en revenir à cette couleur claire. J'utilise donc le pinceau opaque avec l'outil d'effacement pour me débarrasser de certaines de ces petites taches Bon, maintenant c'est le mode d'expérimentation complet, il suffit de voir si certaines de ces éclaboussures de sel blanc fonctionneront dans Bien, en regardant autour de moi, je pense que ça suffira pour l'effet salin Ajoutons donc une autre couche pour quelques éclaboussures. Je commence généralement par des éclaboussures plus foncées Je vais donc sélectionner à nouveau la couleur de fourrure la plus foncée et la rendre encore Je vais donc utiliser le pinceau à éclaboussures. Il est déjà réglé sur une taille assez grande. Passons-en quelques-unes et voyons ce qui se passe. Et je tape juste sur l'épingle pour les placer. Je tiens à garder à l'esprit ce type de flux directionnel dans la fourrure et à maintenir avec les éclaboussures si possible Je pourrais en essayer quelques-unes autour de la tête. Je vais réduire un peu la taille du pinceau. N'oubliez pas que la brosse est sensible à la pression coups légers produiront de petites éclaboussures et les coups durs en produiront Je vais en essayer des foncés, des gris foncés ici. Et peut-être quelques uns en haut, aussi. Très bien, alors allons-y, essayons quelques éclaboussures légères sur une nouvelle couche et voyons dans quelle mesure J'utilise à nouveau le pinceau à éclaboussures pour ces éclaboussures plus légères OK, même processus qu'avant. Je vais essayer des couleurs claires cette fois et simplement appuyer sur les éclaboussures. OK, donc très légers et petits pour certains d'entre eux, vous ne pourrez peut-être même pas les voir dans la vidéo. OK, je vais y jeter un œil maintenant, et les choses semblent plutôt bonnes et équilibrées. Je pense que c'est vraiment quelque chose que tu dois décider toi-même. Si tout vous semble juste à l'œil, vous le saurez certainement. Vous voulez que ces effets apparaissent comme une partie naturelle de la peinture, mettant en valeur ce qui s'y trouve sans en détourner l'attention Enfin, ajoutons une texture rapide au papier. Je vais aller dans la galerie et récupérer texture du papier dans les ressources du cours. Je vais faire glisser trois doigts pour le copier et retourner au tableau Maintenant, je vais balayer à nouveau pour le coller et régler le mode de fusion des couches pour qu'il se multiplie OK, je pense que cela complète notre peinture sur le renard. J'espère que cette vidéo vous aidera à comprendre à quel point il est facile et amusant d'ajouter des effets spéciaux et comment ils peuvent être utilisés pour améliorer le rendu et l'amélioration de vos peintures. 12. 12. Introduction à la théorie des couleurs: Oh. La couleur peut être intimidante au début, mais avec quelques connaissances de base et l'aide d'une roue chromatique, il est très facile de se familiariser avec les bases de la théorie des couleurs Il y a quelques combinaisons de couleurs que j'utilise le plus. La première étant la plus simple. Une palette de couleurs monochromatique est une seule couleur. Ce schéma est une bonne pratique pour comprendre la valeur, car lorsque vous peignez avec une seule couleur, vous êtes obligé d'utiliser différentes teintes et nuances de cette couleur pour obtenir toutes les valeurs dont vous avez besoin dans votre peinture Les combinaisons de couleurs complémentaires constituent un moyen facile de commencer à planifier la couleur d'un tableau. L'idée est d'utiliser une couleur et son opposé sur la roue chromatique. Ces deux couleurs auront toujours un bon contraste de couleurs. Par exemple, vous pouvez commencer par des couleurs chaudes vos lumières et des couleurs froides complémentaires pour vos ombres. Allons maintenant plus loin avec un autre type de palette de couleurs appelé triatique Un triangle est utilisé sur la roue chromatique pour localiser deux couleurs complémentaires à partir de la première couleur choisie. Je travaille souvent avec une variante de ce schéma triatique. Je choisis une couleur et je trouve sa couleur complémentaire ainsi que son schéma triatique et je considère toutes les couleurs situées au bas du triangle sont utilisables Mais sachez que les couleurs d' une peinture numérique peuvent être fluides. L'idée d'une telle palette de couleurs est un bon point de départ, et éventuellement modifiée en cours mais une fois qu' une peinture commence, elle peut être expérimentée de route Regardons un exemple en complétant notre croquis de mésange que nous avons fait plus tôt Prenez votre croquis et n' hésitez pas à le peindre si vous le souhaitez. OK, donc je veux que ce soit une peinture colorée. Mais cet oiseau en particulier n'a pas beaucoup de couleurs. Parlons donc d'un plan pour choisir les couleurs représentant les valeurs de cet oiseau. Je vais donc sélectionner cette Isra. Je suis comme l'image du haut, et je vais la déplacer. Jetons-y un coup d'œil Regardons-y en noir et blanc. OK, vous pouvez donc voir les différentes valeurs. Les tons foncés sont là, les lumières sont là, les lumières sont là, et puis il y a des gris moyens Nous devons donc choisir des couleurs pour représenter ces différentes valeurs. D'accord ? Alors débarrassons-nous de ça. Parlons d' un plan pour la couleur. Je sais que je veux que la couleur foncée de la tête et des plumes de l'oiseau tombe quelque part ici, dans cette gamme de bleu violet Le cadeau serait donc ici dans cette gamme jaune-orange. Mais en utilisant le schéma triatique dont nous venons de parler, je sais que toutes ces couleurs conviennent parfaitement à ce schéma en particulier Donc, pour représenter certains de mes tons moyens, je peux passer à l'orange ou au vert, et mes lumières seront probablement jaunes ou jaune cassé. C'est bon. Commençons donc. La première chose que je vais faire est changer l'opacité, réduire l' opacité de mon oiseau Je vais créer une nouvelle couche au-dessus de l'esquisse. Je voudrais commencer à peindre avec certaines de ces valeurs de tons moyens. Nous savons donc, d'après notre exemple de roue chromatique, que cela se situera probablement quelque part dans cette gamme jaune-orange. Je vais utiliser le pinceau à eau et je vais commencer à peindre certaines des valeurs que je vois dans ma référence. Maintenant, dans une aquarelle traditionnelle, vous peignez du clair au foncé Nous faisons la même chose ici, mais comme c'est numérique, nous allons probablement revisiter les lumières les plus claires ultérieurement. De plus, je peins cette couleur claire sous certaines de ces zones sombres où je sais que le violet bleuté disparaîtra plus tard, mais je le fais parce que je veux créer cet aspect superposé puisque plupart de ces pinceaux sont transparents OK, je vais opter pour un orange un peu plus foncé maintenant. Et je vais utiliser le détailleur d'aquarelle simplement parce que ce pinceau est un peu plus opaque que le pinceau à eau Nous, nous allons aller un peu plus loin. Maintenant, je vais utiliser le pinceau à eau avec l'outil de maculage, et je vais juste estomper certains de ces bords plus durs. Maintenant, je vais utiliser le pinceau à eau avec l'outil de maculage, et je vais juste estomper certains de ces bords plus durs OK, maintenant, cette zone d'ombre en dessous devient un peu plus foncée, j'ai l'impression elle devient un peu plus foncée que celle que j'ai, donc je vais passer encore plus à l'orange pour cette zone simplement parce qu' il y a une belle ombre en dessous. Souvent, les ombres peuvent être des couleurs froides, mais pour ce tableau en particulier, mais pour ce tableau en particulier, je pense que je voudrais l'essayer avec un orange plus foncé, pour voir comment cela fonctionne. Nous pouvons toujours changer. OK, je vais également brouiller les bords, juste un peu, à l'intérieur de l'oiseau Je vais aussi amincir un peu cette jambe. Je vais utiliser le pinceau à eau l'étaler un peu plus, car ce pinceau sera également un peu flou Je pense que cela semble plutôt bon pour l'instant. Bien, pour en revenir à notre roue chromatique, nous savons que nous voulons utiliser un violet bleuté pour les tons foncés Donc je vais essayer quelque chose comme ça, peut-être un peu plus bleu, quelque chose juste là dedans. Et je vais utiliser Je vais réutiliser le détailleur d'aquarelle parce que c'est un pinceau assez opaque Je vais utiliser exactement le même processus que pour le ton plus clair, donc je vais accélérer un peu le temps. Je pense que je voudrais essayer une couleur un peu rose pour combler le fossé entre ce ton foncé et ce ton clair. Maintenant, cela s'écarte un peu de nos choix en matière de roue chromatique. C'est bon. C'est juste pour expérimenter. Et si cela ne nous plaît pas, nous pouvons toujours le supprimer. Je vais donc ajouter une nouvelle couche pour l'essayer. Et je vais opter pour une sorte de rose violacé. Il y a peut-être quelque chose là-dedans. Et je pense que je vais essayer une brosse douce pour cela. J'ai également réglé le pinceau à environ la moitié de son opacité. OK, j'aime bien ça, et je pense que je vais aller de l'avant et fusionner ces couches. Oh. Faisons quelques lavages. J'aime utiliser des lavis, des éclaboussures et des peintures d'oiseaux parce que les oiseaux ont beaucoup de mouvement et d'énergie, et ils sautent et volent Et je pense que le fait d'ajouter des touches à l'arrière-plan représente vraiment ce mouvement et cette énergie OK, je vais donc utiliser les deux brosses Wash Damp. Je l'ai réglé assez haut. J'obtiens une opacité totale. Et n'oubliez pas que vous vous souvenez de notre roue chromatique. Par exemple, nous avions un peu de vert jaune de ce côté, donc je voudrais commencer par cette couleur jaune-vert, voir comment cela fonctionne. Rendez-le assez léger. Et je veux ajouter une nouvelle couche sous notre peinture. OK, encore une fois, c' est de l'expérimentation, donc je vais cliquer et supprimer jusqu'à ce que j'aime le look, jusqu'à ce que je trouve que le lavis ajoute à la forme et à la peinture. OK, je pense que je veux aussi opter pour une orange, mais je veux la rendre un peu plus rouge, un peu plus saturée. Essayons ça. OK, c'est plutôt cool. Je vais réduire un peu l'opacité et peut-être en essayer une ici OK, ça a l'air plutôt cool. Je vais essayer un violet autour de la tête, comme la tête est déjà violette, je vais réduire un peu plus l'opacité et voir comment ça fonctionne Ça a l'air plutôt bien. Je pense que je vais m'en procurer un avec un peu plus d'opacité Oh, je pense que je vais le réduire un peu. Essaie ça. Mm. Ajoutons-en un autre. Je vais encore une fois avec cette orange rouge, ici. Nous y voilà. OK, pendant que nous sommes ici, allons-y et ajoutons un peu d'alcool dans ce nettoyant. Nous allons le faire avec la gomme et le pinceau à effet alcool, et je l'ai fait avec une opacité légèrement réduite Nous avons un ensemble de tailles assez élevé. Et je veux juste qu' avec une légère pression, je vais juste le faire passer et redonner un peu de lumière à l'oiseau en effaçant une partie de ce lavis en arrière-plan OK, allons-y également ajoutons une couche au-dessus de notre couche de peinture initiale, et lançons quelques lavages par dessus. OK ? Je veux voir si je peux obtenir cette couleur violet clair. Et revenons en laver deux humides. Et voyons voir si je veux le réduire un peu. Juste là. C'est plutôt bien. Maintenant, voyons voir. Changez peut-être un tout petit peu le violet. Je vais passer à un peu plus de bleu avec ça. OK, juste là. Réduisez un peu l'opacité Je vais retourner dans mon green. OK, allons-y et revenons sur certains de nos points forts. Créons une nouvelle couche. Je veux choisir une couleur un peu jaune, presque blanche, pas tout à fait blanche, mais juste avec un soupçon de jaune. Je veux utiliser le bouton Oh, nous allons probablement essayer à nouveau le détailleur d'aquarelle L'idée ici est de ramener certains de ces points forts, et nous voulons que certains d'entre eux se mélangent comme si nous utilisions du guash dans une peinture traditionnelle et que nous utilisions beaucoup d'eau pour que le guash se répande et se mélange à la couleur sous-jacente OK. Je vais également ajouter un peu de sel en utilisant la même couleur jaune clair. Je vais le faire sur une nouvelle couche, et je veux juste ajouter un peu de texture à notre peinture existante. En exerçant une très légère pression ici, vous ne pourrez peut-être pas voir ce qui se passe. C'est juste ajouter un peu de texture. Il ne reste plus qu'à ajouter quelques détails. Je vais commencer par ajouter quelques détails sombres autour de la tête et de l'aile. Je vais utiliser le pinceau opaque pour ce faire. Je l'ai réglé sur une taille assez petite. Je vais brouiller certains détails à l'aide de l' outil de flou à l' aide du pinceau à eau Je vais sélectionner un violet foncé et je vais travailler sur un nouveau calque. J'ajoute ces tons foncés pour donner plus de valeur au contraste de la peinture Je recherche donc les noirs les plus profonds sur la photo de référence. Je mélange certains des bords les plus durs pour donner l' impression que la peinture s'est collée Et cela créera également un peu de variété. Maintenant, je vais refaire la même chose pour les détails de la lumière. Cette fois, je vais utiliser du blanc pur. Et je vais peindre sur une autre nouvelle couche. Comme je l'ai déjà mentionné, nous utilisions la courge dans une aquarelle traditionnelle pour peindre le blanc par-dessus d'autres couleurs Guash est de l'aquarelle, mais il est juste opaque. Comme il s'agit d'une aquarelle, je mélange les bords des détails blancs pour donner l' impression que la peinture s'est étendue à d'autres Maintenant, je voudrais terminer le tableau avec quelques éclaboussures Et je vais continuer et terminer ma référence à ce sujet. OK, ma philosophie en ajoutant des éclaboussures est de simplement une orientation vers l'extérieur à la pièce et lui donner un peu plus de mouvement Et je pense que je veux aussi arrêter le sketch maintenant. Et je vais ajouter ces éclaboussures sur une nouvelle couche par-dessus tout Et je vais chercher le pinceau à éclaboussures. Et je vais commencer par ajouter quelques-unes des oranges ici. Maintenant, cette brosse est sensible à la pression, donc plus je tape fort, plus les éclaboussures sont grosses, et les coups légers en produiront Je vais aller chercher un peu de ce vert, mais je vais le rendre un peu plus foncé juste pour qu'on puisse voir les éclaboussures OK. Je pense que je vais en ajouter quelques oranges ici. Je suis juste en train d'échantillonner les couleurs autour l'oiseau près de l'endroit où je place les éclaboussures Trouvez-en des violets ici et peut-être des plus foncés ici. Certains sont vraiment petits. D'accord, je veux aussi en ajouter quelques blancs. OK, j'aime bien ça. J'aime bien ça. C'est vraiment équilibré. Laissez-moi voir, peut-être, oui, allons-y. OK. Oui, c'est vraiment équilibré et j'ai l'impression que c'est une partie naturelle de la peinture. Rien n'est vraiment distrayant. Vous savez, vous ne voulez pas que des éclaboussures tombent sur l' œil ou sur le bec, simplement parce que ce sont de véritables éléments saillants, et une éclaboussure sur cette zone détournerait Je veux essayer autre chose très rapidement. Je veux tout aplatir en une seule couche, sauf les éclaboussures J'ai découvert cette technique il y a quelques jours par hasard. Mais si j'utilise l' outil de maculage et l'effet sel, je fais essentiellement du maculage avec l' Je peux ajouter des éclaboussures vraiment aléatoires et des choses qui semblent s'être produites dans la peinture, juste des effets vraiment aléatoires, et cela crée une sorte d'hybride d'éclaboussures de texture vraiment chouette de texture Ce sont de vrais effets aléatoires, et je trouve que c'est plutôt chouette de n'en sélectionner que quelques-uns. C'est très subtil à certains endroits, mais cela crée un effet vraiment soigné. Maintenant, je veux coller texture de notre papier à partir des ressources du cours, puis je vais me débarrasser de notre roue chromatique et définir la couche de papier, le mode de fusion. Je dois le configurer pour qu'il se multiplie pour ajouter de la texture du papier. Maintenant, souvenez-vous que j'ai dit que couleur peut être quelque chose de fluide. n'est pas parce que vous avez un schéma de couleurs initial que vous utilisez comme base que vous devez vous en tenir à cela. Et je vais vous montrer ce que je veux dire. Je fais généralement quelques petits ajustements de couleur pour terminer une peinture. Et pour ce faire, je vais balayer avec trois doigts et sélectionner tout copier . Nous devons être sur la couche supérieure, et trois doigts pour coller Nous avons donc maintenant toute la peinture aplatie sur la couche supérieure Et je fais généralement un ajustement des courbes. Et j'ai placé plusieurs points sur la courbe. Et je vais simplement les déplacer, et cela crée vraiment un ajustement aléatoire des couleurs très agréable. Et cela crée également généralement un peu plus de contraste, plus de valeur de contraste. Et je fais juste de très légers ajustements sur ces courbes. OK, c'est plutôt sympa. Et un autre ajustement que j'aime faire est l'équilibre des couleurs. Je commence généralement par les tons moyens, et je pense que je veux essayer de pousser les tons moyens un peu vers le rouge. Jaune. Ensuite, j'ai envie de pousser un peu les ombres vers le bleu. Beaucoup d'expérimentations peuvent être faites avec le réglage des couleurs, mais j'en suis plutôt content, et je pense que cela complète notre peinture. J'espère qu'en peignant cet oiseau ensemble, vous aurez découvert à quel point il est facile de créer un plan de couleur dans vos peintures et à quel point il peut être amusant de garder ce plan flexible et d'expérimenter avec couleurs pendant que vous travaillez. 13. 13. Projet de peinture - 1ère partie: En guise de peinture finale pour un projet de classe, j'ai pensé que ce serait amusant de faire une tortue de mer. Je n'ai jamais peint de tortue de mer auparavant, et j'ai pensé que ce serait une excellente occasion de varier. Nous avons examiné la fourrure et les plumes ainsi que certains sujets précédents, et cela contraste bien avec les surfaces plus dures. De plus, j'ai pensé que ce serait amusant de faire une scène sous-marine à peindre avec des lavages et des effets divers Ce sont les photos de référence que j'ai rassemblées, et elles sont toutes magnifiques. Je trouve que l'éclairage est spectaculaire dans chacune d'entre elles. J'aime particulièrement celui-ci parce que j'aime l'air prétentieux du nez en l'air et le fait qu'il nous regarde de haut De plus, les effets lumineux de la surface de l'eau brisent la lumière du soleil sont vraiment cool et seront amusants à peindre. De plus, je trouve que la variation de couleur dans celui-ci était fantastique. Il y a du violet, du vert jaune clair et du bleu sur le fond de l'eau C'est génial, il y a un excellent contraste de couleur. Les poses dans toutes ces photos sont également excellentes, parce que dans certaines d'entre elles, dirait qu'il vole, et j'aime beaucoup ça parce que ses nageoires on dirait qu'il vole, et j'aime beaucoup ça parce que ses nageoires me font penser à des ailes, et je trouve que c'est juste une photo intéressante, surtout celle-ci où il se tourne et où il a le même air prétentieux, que j'adore vraiment Incluez des liens vers des photos de référence similaires dans les ressources du cours, mais n'hésitez pas à rassembler vos propres photos si vous le souhaitez. Jetons maintenant un coup d'œil à quelques croquis miniatures que j'ai réalisés à partir de ces photos de référence J'ai essayé de garder la composition à l'esprit autant que possible lorsque je les esquisse, et j'ai également utilisé une grille de la règle des tiers pour m'aider à orienter ma mise en page Et dans ma première miniature, j'ai voulu essayer de recréer ces J'aime bien la façon dont la nageoire s'étend vers l'avant dans celles-ci, mais dans celle-ci, elle est coupée. Je voulais donc m' assurer que sur mon croquis, on pouvait voir l'aileron entier. Je pense également qu'il y a un bon équilibre entre l' espace négatif au-dessus et en dessous de la tortue. Le tout semble très équilibré. De plus, en ajoutant la surface de l'eau et le fond de l'océan, ainsi que les nageoires, cela donne une belle ligne de démarcation vers notre point focal, qui est la tête. J'ai donc l'impression que celui-ci est une forte possibilité pour le tableau. Maintenant, sur ma deuxième miniature, je voulais recréer cette pose. J'aime la façon dont on peut voir la tortue en entier. J'ai également l'impression qu'il y a un bon équilibre dans cette composition. Et encore une fois, nous avons ces belles lignes directrices. ma troisième miniature, je voulais recréer l'une de ces poses volantes où la tortue s'en prend à nous Dans l'ensemble, je trouve cette pose un peu gênante simplement parce que je ne peux pas voir autant de tortue. Sur cette base, j'ai l'impression que ces deux sont probablement mes meilleurs candidats pour le tableau Maintenant, à ce stade, je vous recommande de créer également une série de vignettes De cette façon, vous jetterez les bases et établirez un plan solide pour votre peinture Ensuite, j'ai commencé quelques croquis en taille réelle partir de mes vignettes Et je travaille sur un Canvas de 5 000 x 4 000 pixels à 300 DPI. Maintenant, c'est une très grande échelle, et vous n'avez certainement pas besoin de travailler aussi gros. 3 000 x 2 000 pixels suffiraient. Je travaille à cette taille parce que j'aime réduire la taille ma pièce finale, car cela donne une image plus nette. Mais nous en reparlerons un peu plus dans les dernières étapes de ce tableau. Le premier croquis que j'ai fait était basé sur la miniature 2, et j'ai fait celui-ci parce que j'étais tellement attirée par la photo de référence initiale de cette pose Je pense que cette esquisse offre de nombreuses opportunités de contraste de valeur, et je pense qu'elle est vraiment bien équilibrée sur la toile. Mais une fois que je l'ai vu à cette taille, j'ai senti qu'il y avait un manque d'intérêt visuel, et je pense que cela est principalement dû à la forme des nageoires et de la tête. Si nous examinons simplement les formes de base, nous pouvons constater qu'elles sont très similaires en termes de forme et de taille, et je pense qu' elles se disputeront un peu l'attention des spectateurs. J'ai donc décidé de faire un croquis à partir de ma première miniature. En regardant celui-ci, il a également un bon équilibre, mais il y a plus de variations dans les formes. En considérant celle-ci comme des formes de base, vous pouvez voir qu'il y a plus de variations de taille et de forme. Je pense également que la disposition de ces formes est simplement plus intéressante visuellement. J'ai également décidé de retourner la tortue horizontalement. C'est dans cette direction qu'il fait face sur la photo de référence, et je pense que c'est un peu mieux parce que nous lisons de gauche à droite. Donc, en plaçant le point focal sur la gauche, mon œil le voit d'abord , puis se déplace naturellement vers la droite. Je vous recommande de faire un croquis en taille réelle comme celui-ci en vous basant sur l'un de vos dessins miniatures Cela vous permettra de prendre des décisions de conception plus importantes comme je viens de le faire avant que vous ne commenciez à peindre. Et plus vous planifiez ainsi, meilleure sera votre peinture. Avant de passer à la peinture, établissons un petit plan pour une palette de couleurs. Maintenant, je vois certaines de ces couleurs dorées, une sorte de jaune-orange sur la tortue, donc je sais que je veux que ce soit ma couleur de base pour ma tortue. Donc, cette couleur se trouve probablement ici quelque part. Donc, la couleur complémentaire ou opposée sur le cercle chromatique sera ici, dans cette sorte de bleu-violet, que je vois déjà un peu de violet chez la tortue également. Maintenant, sur la base de notre schéma triatique, nous savons que ces couleurs seront équitables. Comme je l'ai déjà fait dans la vidéo précédente, je vais également considérer ces couleurs comme équitables. Maintenant, je pourrais pousser un peu ce bleu vers le vert parce que je vois une sorte de couleur aqua, ce vert bleu aqua en arrière-plan, la couleur de l'eau. Donc, en regardant ce plan, je pense que je pourrais commencer à l'appeler le plan des voiliers Bien, maintenant que nous avons un bon design, un bon croquis lequel travailler et une idée des couleurs que nous voulons, passons à la peinture. J'ai ma référence ouverte ici à gauche dans Isref et j'ai mon croquis ici dans Procreate Je vais réduire l'opacité de cette esquisse d'environ 30 %, et je vais créer une nouvelle couche en dessous de la couche d'esquisse Maintenant, je voudrais commencer par ajouter quelques touches bleues en arrière-plan pour commencer à naviguer sur l'eau Et je veux choisir un bleu qui se situe quelque part entre le bleu et le vert, une belle couleur bleu aqua. Et je vais utiliser un pinceau plus doux pour les peindre. Et je veux faire varier légèrement la pression, et aussi lever le bout de mon épingle pour créer des zones plus sombres. Maintenant, je sais que ma source de lumière viendra d'ici et viendra en diagonale, comme sur les photos de référence. Je veux que cette zone soit un peu plus légère pour le moment. OK, ça commence déjà à ressembler à l'eau pour moi. D'accord ? Maintenant, créons un nouveau calque et je vais choisir le blanc comme couleur. Et je veux utiliser le pinceau opaque. Ce que je vais faire, c'est créer un masque pour la tortue. je fais cela, c'est parce que dans une aquarelle traditionnelle, nous aurions évité de peindre en forme de tortue, car si nous l'avions fait, notre tortue serait teintée de bleu parce que l'aquarelle est transparente, sorte que le bleu apparaîtrait Très bien, allons-y et ajoutons un peu de ce ton de base en or jaune que nous avons trouvé sur la photo de référence, et qui a servi de base à notre palette de couleurs. Je vais donc choisir un jaune, mais j'y vais. Je vais le pousser un peu plus vers l'orange. C'est un orange très clair. Je vais créer un nouveau calque au-dessus du calque du masque blanc. Je vais utiliser la brosse de lavage douce, allons-y et sélectionnons Faire une sélection parmi notre masque blanc. De cette façon, nous pouvons simplement le peindre très rapidement. Et je pense que je vais utiliser le pinceau à eau pour assombrir certaines zones ombragées C'est juste un petit peu, rends-le orange un peu plus foncé. Il faut donc ajouter un peu de ton. Pouvons-nous peindre dans les tons les plus sombres que nous voyons. Pour ce faire, nous allons choisir une couleur violette, et nous ne voulons pas être vraiment saturés, quelque part au milieu, un peu plus foncé et un peu plus rouge que bleu. Et nous allons peindre sur une nouvelle couche. Je vais utiliser le détailleur d'aquarelle en taille un peu plus grande Maintenant, je vais accélérer le temps en peignant ceci. Mais lorsque vous peignez, prenez votre temps à cette étape et assurez-vous de remarquer toutes ces zones sur les photos de référence qui ont ce violet plus foncé. Et notez également que lorsque je peins des zones comme celles-ci, j'ai tendance à essayer de garder la forme à l'esprit. Je vais donc peindre mes traits dans le même sens que la forme ou plutôt la forme. Et j'essaie d' intégrer la forme, la forme de la forme dans mes traits. Je vais maintenant utiliser l'outil de flou, ainsi que le mixeur à eau atténuer certains de ces bords les plus durs, mais pas tous, juste quelques-uns Maintenant, prenons l'outil d'effacement avec le pinceau opaque sélectionné, et effaçons une partie du motif que nous voyons sur l'aileron Et gardez à l'esprit qu' il y a une forme ici. Nous voulons donc que ces lignes représentent cette forme et qu'elles se retournent et reviennent pour représenter la forme de l'aileron. Bien, je vais utiliser l'outil de flou, et je vais juste flouter quelques-unes de ces lignes ou juste quelques zones, simplement parce que c'est de l'aquarelle et lignes ne sont pas toujours Donc je vais juste en brouiller quelques-unes, mais non, je ne veux pas en faire trop Juste pour que les lignes ne soient pas aussi nettes qu'elles le sont actuellement. En regardant notre référence, nous voyons cette petite couleur rouille, voyons si nous pouvons en ajouter un peu à l'aide de la brosse à laver douce. Faisons-le sur une nouvelle couche. Choisissons une couleur orange. C'est peut-être un peu plus saturé et un peu plus rouge. C'est plus juste là. Maintenant, ajoutons-le simplement dans quelques zones que nous voyons. Je le vois un peu en face. Je vais donc en ajouter quelques-uns. Je le vois ici dans la nageoire et peut-être un peu là, dans le cou, sur la carapace. Et là, le long de la nageoire. Allez-y et ajoutez-en un peu sous le cou. OK, c'est très subtil, donc nous ne voulons pas en faire trop. Je pense que ça va marcher. Créons une autre nouvelle couche et cette fois, nous allons ajouter certains de ces reflets vraiment légers. Nous pouvons les voir, surtout ici, dans cette tortue au visage, autour de l'œil et à l' arrière de sa carapace ici. Regardons ces points forts vraiment légers. Maintenant, je veux utiliser un jaune, mais je veux qu'il soit presque blanc mais pas tout à fait blanc. Je vais utiliser le pinceau opaque pour cela. OK, encore une fois, c'est une étape où vous voulez prendre votre temps et vraiment rechercher ces zones de lumière tout en étant lent et en prenant votre temps. OK, maintenant je vais utiliser l'outil de flou et sélectionner le mixeur à eau, et je vais juste mélanger certains de ces bords Bien, parce que nous voulons un contraste de qualité élevé chez notre tortue, ajoutons une autre couche. Mais cette fois, nous allons revenir aux ténèbres, et nous voulons ajouter les ténèbres les plus sombres que vous puissiez voir, comme ici, dans cette zone, sous la tortue dans les yeux et dans le visage Et quelques unes sur le bord de l'aileron, juste des zones très sombres. Maintenant, il semble que c'est noir, mais nous ne voulons pas utiliser le noir car noir peut être un peu trop dur. Nous voulons donc que cette couleur se mélange. Donc, ce que nous allons faire, c'est revenir à notre violet. En fait, je vais juste essayer notre violet sur le tableau. Et rendons-le un peu plus sombre et un peu plus saturé. Mais je ne vais pas devenir complètement noir ici. OK ? Nous avons notre nouvelle couche, et je vais utiliser à nouveau le pinceau opaque . Et comme avant. Je vais peindre dans les détails, puis je vais brouiller un peu les bords que tout se mélange parfaitement Encore une fois, prenez votre temps. R Allons-y et désactivons notre couche d'esquisse car je pense que nous en avons suffisamment en place pour voir ce que nous faisons sans l' aide de l'esquisse. Je remarque donc qu' il y a quelques endroits où mon ton est trop clair, et je voudrais juste l'ajuster un peu Je veux aussi brouiller cette ligne ici, cette ligne violette C'est juste un peu trop fort, donc je vais juste le mélanger un peu à la forme de la coque, juste pour qu'il n'y ait un peu à la forme de la coque, pas de ligne aussi dure. Et je pense que j'ai envie de goûter à nouveau un peu de cette orange. Je vais passer à ma couche orange, et je pense que nous utilisons la brosse à laver douce. Je veux juste qu'un peu de cette orange passe au-dessus de la tête, juste pour renforcer un peu cette forme , et je vais l'intégrer juste pour que nous ayons un peu plus de ton sur la tête. Peut-être que je vais aussi en ajouter un peu plus sur la coque et mélanger le tout. OK, je pense que ce serait un bon endroit pour s'arrêter et faire une pause et peut-être aller prendre une tasse de café. Nous poursuivrons la peinture dans la prochaine vidéo, et je vous y verrai. 14. 14. Projet de peinture - 2e partie: OK, ensuite, je voudrais retrouver une partie de cette texture légère créée par ces bosses sur la peau de la tortue Et je veux le faire sur une nouvelle couche. Et je veux choisir une couleur jaune jaune-or, pas aussi claire que notre point fort situait quelque part entre les deux Sûrement juste là. Maintenant, vous remarquerez que nous alternons entre le clair et l'obscurité. Nous créons une couche de lumière, une couche d'obscurité, une couche de lumière, une couche d'obscurité. Et nous le faisons simplement pour augmenter ce contraste de valeurs. Nous procédons étape par étape afin de faciliter le traitement. Nous n'essayons pas de tout faire en une seule couche, nous faisons des allers-retours. Et nous allons tester notre contraste de valeurs dans un instant pour nous assurer que nous nous situons dans la bonne plage. OK, nous examinons donc ces textures qui mettent en valeur les bosses de texture présentes dans la peau de la tortue Oh, aussi, je veux que vous remarquiez que la lumière va venir de cette direction, qu'elle va toucher le fond de l'océan et qu'elle va rebondir vers la tortue Nos points forts seront donc ici, au-dessus de la tête, du cou et de la carapace de la tortue. Mais ces points forts sous-jacents doivent l'être, ils ne doivent pas être aussi légers que ces points forts. Donc, à l'heure actuelle, ce point fort est presque le même qu'ici. Nous voulons donc également réduire cela à cette couleur dorée plus jaune que nous avions sélectionnée Alors, recouvrons-le. Et nous franchissons une nouvelle étape. Et nous voulons utiliser à nouveau le pinceau opaque et nous estomperons certains bords si nécessaire Eh bien, cela semble un peu trop doré. OK, c'est mieux. Ça se mélange un peu mieux. Vous savez, utilisons le détailleur d' aquarelle parce qu' il n'est pas aussi opaque OK, c'est mieux. Une chose que j'aime faire à ce stade est de créer une nouvelle couche et de configurer cette couche pour qu'elle soit superposée C'est juste pour expérimenter et pour ajouter un peu de variation à notre éclairage. Je vais choisir un jaune plus clair, et je veux essayer la brosse à laver douce. Je veux juste peindre certaines zones cette superposition pour créer des variations C'est vraiment subtil, cela crée une certaine variation dans l'éclairage. Écoutez, j'ai fait en sorte que cette zone soit un peu plus chaude sur la tête et sur la carapace et un peu sur la nageoire Pendant que nous y sommes, essayons une autre couche, et reprenons la couleur dorée, supprimant simplement le blanc, juste la teinte ici. Et essayons d' ajouter un petit effet de sel, juste pour créer un peu de texture car cette tortue a tellement de texture. Je ne veux manquer aucune occasion d'en ajouter. Ajoutez de la variation et des textures sympas. OK, ça va être une pression vraiment subtile. Oui, je pense que je vais essayer une couleur plus foncée, peut-être violette. C'est un vrai violet sourd, et je vais faire la même chose avec une vraie pression légère Et je vais zoomer pour que vous puissiez le voir ici. C'est tout simplement super subtil. Si vous pouvez le constater, il s'agit simplement d'ajouter cette texture très subtile. Mais cette tortue en a tellement, vous pouvez le voir ici. Il y a tellement de texture. C'est une excellente occasion d'ajouter une partie de cette variation intéressante. Bien, avant de passer à l'arrière-plan, examinons le contraste de notre tortue. Je vais coller l'échelle que nous avons créée à partir d'une vidéo précédente, et je veux faire glisser trois doigts tout copier, puis coller Maintenant, réduisons la saturation. Je pense que c'est une bonne fourchette de contrastes de valeurs pour notre tortue. Je vois toute la balance. Je vois les ténèbres les plus sombres et les lumières les plus claires. Je vois de bons gris moyens. Je pense que nous avons pris en compte le contraste des valeurs pour notre tortue. Passons maintenant à l'arrière-plan. Bien, pour commencer notre arrière-plan, descendons en bas et créons une nouvelle couche. Et goûtons un peu de cette couleur bleu aqua et rendons-la un peu plus foncée. OK, donc ce que nous voulons faire, c'est utiliser cette photo de référence principalement parce que c'est la seule avec le reflet de l'eau et le fond de l'océan visibles Nous voulons donc créer une sorte de ligne d'horizon à créer une sorte de ligne d'horizon arrière où l'eau change de couleur au fur et à mesure qu'elle s' éloigne. Nous voulons également inclure le fond de l'océan ici la surface de l'eau au sommet et la façon dont tout cela se dirige vers un point, vers l'horizon. OK, donc pour ce faire, essayons le pinceau doux, et peignons simplement dans une partie de cette eau lointaine plus foncée. Et je vais commencer par une orientation générale pour le fond de l'océan et l'eau réfléchissante au sommet ou à la surface de l'eau. Je vais rendre ma couleur un peu plus claire. OK, maintenant, sur une nouvelle couche, je vais essayer un peu de cet or jaune provenant de la tortue. Et je vais utiliser le détailleur d'aquarelle, et je voudrais peindre pour commencer à peindre dans une partie de cette zone réfléchissante où se trouve sa carapace, il y a un reflet à la surface de l' Maintenant, vous n'avez pas besoin d'être très précis, car ce n' est qu'un reflet, il se trouve dans l' eau et il est très ondulé. Nous voulons juste quelque chose pour démarrer. Et je pense que je vais utiliser l'outil de flou avec le pinceau à eau flouter un peu certains bords Maintenant, il faut que vous puissiez voir ici qu'il y a des arêtes vives dans ce reflet, donc nous ne voulons pas tout brouiller Nous voulons en conserver une partie. OK. Nous pouvons également constater qu' il existe des variations. Voyez comment il y a un bleu moyen, un bleu clair et un bleu foncé là-dedans. Nous voulons donc également obtenir cela. Je vais à nouveau utiliser Watercolor Detailer. Cette fois, nous voulons échantillonner ce bleu, et nous allons obtenir ce bleu plus foncé. Je vais incliner la mienne sur le côté parce que c'est plus facile pour moi de tracer certaines de ces lignes sous cet angle. OK, nous voulons garder les choses en perspective, car les choses s'estompent au loin OK, je vais prendre une sorte de bleu plus clair. Et prenons également une lumière , une lumière bleue claire. C'est bon. Je vais également brouiller certains de ces bords OK, nous voulons faire la même chose dans le domaine de l'or. Il y a aussi un peu de jaune plus clair. En fait, je vais aller le chercher, je vais le déguster sur la tortue. Et nous travaillons toujours sur la même couche, le même pinceau. Eh bien, allons-le un peu plus léger. Permettez-moi de brouiller un peu cette limite. OK, et prenons en quelque sorte cette couleur violette parce que vous pouvez la voir se refléter un peu là-haut. Faisons un peu plus attention aux détails, car si vous regardez de très près, vous pouvez également le voir. Il y a des zones vraiment sombres dans ce reflet. OK, reprenons ce bleu. Et ajoutons, voyons voir. Rendons-le un peu plus sombre. Prenons un échantillon d'ici. Voyons si nous pouvons ajouter un peu de cette surface, ces lignes qui sortent par le bas. Agrandissez un peu le pinceau. Et je pense que je vais prendre la brosse de lavage douce. Il y a une zone ici qui est peut-être un peu trop claire. Je vais passer à la couche inférieure ou à la couche inférieure, et je vais juste ajouter un peu plus de nettoyant ici. D'accord, nous voyons également dans notre référence qu'il y a une sorte de petite touche de bleu jaunâtre ou vert jaunâtre sur le fond de l'océan et un peu dans l'eau Voyons donc si nous pouvons prélever un échantillon jaune sur notre tortue et peut-être le pousser un peu plus vers le vert, peut-être un peu plus clair. OK, essayons le pinceau de lavage doux ou peut-être le pinceau de lavage plus doux et peignons un peu de ce point culminant. Et faisons-le également sur une nouvelle couche. Nous allons le faire par-dessus toutes nos couches d'eau. Oups. Réduisons-le un peu. Réduis-le encore un peu. OK, ça apporte vraiment un peu de lumière positive. OK, ça a l'air plutôt bien. OK, maintenant je vais en quelque sorte tout mélanger avec quelques lavages, et je vais le faire en créant une nouvelle couche au-dessus des autres couches d'eau Et je vais essayer un bleu ici, mais je pense que je vais le rendre un peu plus bleu et un peu plus clair, un peu plus éloigné du vert. OK. Et nous allons utiliser le tampon de lavage pour brosser les dents et augmenter l'opacité Je l'ai réglé très grand. Je vais le réduire un peu. Et voyons juste si nous pouvons mélanger. Je suis juste en train de tamponner quelques zones juste pour voir si je peux mélanger un peu tout cela Je vais goûter à ce bleu. Et je fais juste quelques touches pour mélanger les choses. OK, c'est plutôt bien. Je pense que parce que je veux que tout soit plus clair au milieu, je vais essayer de voir cette couleur de surlignage vraiment claire. Et je vais l'essayer sur une nouvelle couche, juste au cas où je voudrais l'annuler. Je vais juste essayer de mettre en valeur le milieu avec ce nettoyant plus léger. Je peux l'agrandir un peu ? Des sources de lumière viennent du haut dans cette direction. Écoutez, je pense que ça a l' air plutôt bien. Je vais réduire l'opacité . OK. J'aime bien ça. Je voudrais réintégrer un peu de violet dans le reflet. Je commence à en perdre un peu. Je vais donc essayer à nouveau ce violet, et revenons au détaillant d'aquarelles et voyons si nous pouvons vraiment, vous savez quoi ? Essayons-le avec un lavage. Voyons ce que ça donne. Augmentons l'opacité. OK, ça peut marcher. Oui, je pense que j'aime bien ça. En fait, je vais brouiller certains de ces petits éléments pour qu'ils soient un peu mieux Très bien, nous allons maintenant créer une nouvelle couche au-dessus de toutes les autres. Et ajoutons quelques éclaboussures. Et je crois que ces éclaboussures vont apparaître comme des bulles parce qu'il s' agit d'une scène sous-marine, et les éclaboussures auront naturellement l'air de bulles. Commençons donc par quelques bleus. Je viens de prélever un échantillon de bleu sur notre arrière-plan, et je vais utiliser le pinceau à éclaboussures Et voyons voir, nous sommes réglés sur une taille assez grande, et je vais juste en sélectionner quelques-unes pour voir à quoi cela ressemble, agrandir un peu. OK, ça a l'air plutôt cool. OK, maintenant, j'en ai un qui tombé juste au-dessus de l' œil et du nez. C'est vraiment distrayant. Je vais donc retirer celui-ci. Très bien, maintenant, prenons l'une de ces couleurs violettes plus foncées en diminuant légèrement la taille OK. Je vais aussi prendre une couleur jaune. accord, ça a l' air plutôt bien, et je pense que nous sommes sur le point de terminer celui-ci. Mais avant de le faire, prenons la gomme et utilisons la brosse de lavage plus douce Et passons à notre couche de masque d'origine. Et effaçons un peu cela pour que notre tortue se fond un peu plus dans l'arrière-plan. Cela va juste éliminer une partie de ce bord dur créé par ce masque blanc. Je veux juste le faire à quelques endroits. C'est juste pour aider notre tortue à se fondre un peu. m'a déjà demandé comment savoir quand on en a fini avec un tableau ? Je pense que la meilleure réponse à cela est lorsque les changements que vous apportez ont peu ou pas d'effet. Ainsi, par exemple, nous pourrions intervenir et ajouter quelques éclaboussures supplémentaires, ou nous pourrions ajouter plus de détails ou quelques Mais à ce stade, il ne fait vraiment rien. Cela n'a pas d' effet majeur sur le tableau. Donc, lorsque vous commencez à effectuer ces petits ajustements qui n'ont pas beaucoup d'impact global sur la pièce, je pense que c'est la meilleure solution. C'est votre meilleur indicateur pour savoir quand la peinture est terminée. OK. Faisons deux ou trois choses pour terminer celui-ci. Une chose que j'aime toujours faire, ce sont les derniers ajustements de couleur. Pour ce faire, je fais glisser mon doigt avec trois doigts et je sélectionne tout copier. Ensuite, je m'assure que je suis sur la couche supérieure, à nouveau glisser trois doigts pour coller J'aimerais ajuster les couleurs par le biais des courbes et de l'équilibre des couleurs. Examinons d' abord les courbes. La première chose que je fais est de créer un grand nombre de petits points sur la courbe. Ensuite, je les peaufine. Je fais juste de petits ajustements. Et quand je fais cela, cela a tendance à ajouter beaucoup de valeur au contraste. Cela bouleverse vraiment les valeurs. J'en suis plutôt content. Examinons maintenant la balance des couleurs. Commencez par les tons moyens. Et je voudrais utiliser les tons moyens, peut-être un peu plus chauds. Je vais donc me tourner vers le rouge et le jaune. Oh, en fait, je pense que je vais y aller , je vais aller vers le bleu. Je crois que je préfère ça. Et essayons de faire légèrement pencher les ombres vers le bleu. Non, je préfère les ombres qui pointent vers le jaune. Je pense que je vais garder le vert magenta là où il est. Regardons les points saillants. J'ai tendance à garder les moments forts là où ils sont parce que cela va jeter un coup d'œil sur le tout. Peut-être pousser légèrement vers le rouge . D'accord, je pense que cela donne un bon ajustement. OK, une chose que je remarque également, c'est que dans ma peinture, par rapport à ma référence, sa tête est un peu plus haute, et vous pouvez le voir sur ces deux tableaux, en particulier Sa tête est la mienne un peu écrasée, donc je vais faire un ajustement là-dessus Pour ce faire, je vais liquéfier. Voyons comment c'est réglé. C'est assez grand, je pense. La taille du pinceau est suffisamment grande. Je vais juste lui étirer la tête pour qu'il soit un peu plus C'est la beauté de la peinture numérique. OK, je pense que ça a l'air mieux. Je vais également coller la texture du papier à partir des ressources du cours. Et je veux régler la texture du papier pour qu'elle se multiplie. Maintenant, dans une aquarelle traditionnelle, lorsque vous avez une peinture qui occupe tout le papier, vous avez souvent une bordure blanche créée à partir de l' endroit où le papier a été collé Nous allons donc recréer ce look en ajoutant une bordure blanche autour de l'ensemble de la pièce Je vais créer une nouvelle couche. Et je vais créer une sélection de rectangles. Et je veux commencer par le bord de l'eau, mais pas jusqu'au bout. Je vais laisser un peu d' espace ici autour de l'ensemble. Et je vais inverser la sélection, puis je vais sélectionner le blanc et le remplir Maintenant, nous voulons nous assurer qu'elle est inférieure à la texture de notre papier. OK, pour notre dernière étape, ne reste plus qu' à le signer. Très bien, les gars, j'espère que vous avez eu autant de plaisir peindre cette tortue que moi C'était ma première tortue de mer. Je suis vraiment content du résultat. Je pense que c'est très amusant. Nous avons une sélection de couleurs vraiment cool et de belles textures, et je suis vraiment contente du résultat obtenu. N'hésitez pas à partager votre peinture avec moi sur la communauté Design Cuts et n' hésitez pas à me poser toutes les questions que vous pourriez avoir. Je suis toujours là et je suis toujours heureuse de vous aider. 15. 15. Préparer l'impression: Je voulais prendre quelques minutes pour passer en revue certains préparatifs en vue de l'impression. J'ai mentionné à quelques reprises que je travaillais généralement sur un grand Canvas de 5 000 x 4 000 pixels. Cela me permet de réduire la taille à une taille plus petite pour l'impression. réduction de la taille est une ancienne pratique d'impression, et l'idée est que l'image paraisse plus nette lorsqu'elle est réduite. Cela fonctionne également pour une présentation à l'écran. Imaginez que vous partagez une image 2 000 x 2 000 pixels. Si vous peigniez l'original à 4 000 x 4 000, cela laisserait plus de place pour créer plus de détails à cette taille plus grande. Un autre élément à prendre en compte est le DPI ou les points par pouce. Le plus souvent, je peins à 300 DPI. C'est la méthode la plus largement acceptée par les imprimeries, et ce depuis des années. Je travaille également en mode couleur RGB sur CMYK. Je le fais parce que le RGB est le support avec lequel nous peignons, car il dépend de la lumière pour produire de la couleur à l'écran. La plupart des impressions que nous allons traiter seront de l'impression numérique et non de l'offset Le mode couleur RGB fonctionnera donc parfaitement. Lorsque je prépare une peinture à imprimer, je supprime toute texture de papier ajoutée, car la texture sera créée par le papier physique sur lequel la peinture sera imprimée. Ensuite, je vais aplatir les couches et affiner une dernière fois la pièce en appuyant sur Réglages et Je fais cela pour ajouter un peu plus de clarté et de netteté à la peinture finale avant l' Enfin, j'exporterai le fichier au format TIF. Ce format utilise moins de compression qu'un fichier JPEG. Le résultat sera une taille de fichier beaucoup plus grande, mais la qualité sera meilleure. Lorsque vous imprimez une peinture, il est également bon de connaître le terme Z clay. L'impression à l'argile Z fait référence aux encres à base de pigments par rapport aux encres habituelles à base de colorants. en résulte des détails plus nets dans un spectre de couleurs beaucoup plus large Et si elle est imprimée sur du papier d'archives, l'impression peut durer des décennies, voire des centaines d' années sans se décolorer Vous pouvez facilement trouver des services d'impression d'argile Z ou d'impression d'œuvres d'art abordables en ligne. Avec un peu de connaissances et de préparation, il est facile d' obtenir des résultats d'impression exceptionnels. Il est également incroyablement satisfaisant de tenir une peinture imprimée finale entre vos mains. 16. 16. Un dernier mot: Je ne saurais trop vous remercier d' avoir suivi ce cours avec moi. Nous avons abordé de nombreux sujets allant de l' aquarelle traditionnelle aux bases de l'esquisse, bases de l'esquisse théorie du design et la composition, passant par la théorie du design et la composition, jusqu'à la création et à l' impression d'une peinture finale J'espère que vous sortirez de ce cours avec tant de nouvelles connaissances et une telle confiance que vous êtes impatiente d' aborder votre prochain sujet. Je vais terminer ce cours par quelques mots de l'un de mes artistes préférés. Drew Strzen a dit que l'art est nécessaire. C'est pour la vérité, c'est pour la gentillesse, c'est pour le bien, c'est pour l'amour. Cela permet au monde de rester heureux, bonne santé et en bonne santé, c'est ce dont nous avons besoin. J'ai hâte de voir vos peintures et de voir comment vous avez intégré les idées de ce cours dans votre travail. Si vous souhaitez suivre un cours de suivi plus avancé, contactez-moi et faites-moi part de votre opinion en me contactant sur le site de la communauté Design Cuts. N'oubliez pas non plus de partager votre art avec moi là-bas et hésitez pas à me poser toutes les questions que vous pourriez avoir. J'ai hâte de le voir et je vous y verrai. 17. Stratégie de pinceau BONUS: Ce cours comprend un ensemble de pinceaux à aquarelle que j' utilise tout au long des leçons, mais vous pouvez certainement utiliser n'importe quel autre jeu de pinceaux à aquarelle que vous possédez Dans cette vidéo, je vais vous expliquer ma stratégie en matière de pinceaux afin que vous puissiez voir comment je catégorise et gère mes pinceaux et quels en sont les avantages Cette méthode peut être appliquée à n'importe quel jeu de pinceaux, mais j'utiliserai mes propres ensembles dans les exemples suivants. L'un des points communs de mes ensembles de pinceaux est qu'ils contiennent généralement un grand nombre de pinceaux, mais il y a une bonne raison à cela. La stratégie de pinceaux numériques que j'ai développée pour mon propre travail repose sur une variété de pinceaux de certains types de pinceaux. Par exemple, le set d'aquarelle principal comprend cinq pinceaux de détail au lieu d'un seul Ces pinceaux ont tous le même objectif, mais offrent une belle variété choix de pinceaux à cette fin. Cela ne signifie pas que j'utilise autant de pinceaux dans une peinture. J'utilise généralement environ six à dix pinceaux de types différents, mais je les échange de temps en temps entre les peintures pour créer une variété de marques et de textures. Je vais te montrer ce que je veux dire. Dans une peinture traditionnelle, je n'utilise peut-être que ces pinceaux, mais ils ont chacun leur propre utilité. Il n'est pas nécessaire de vraiment les échanger, car chaque pinceau est capable de créer une variété de marques ou de traits. Les pinceaux numériques, en revanche, ont généralement une texture ou un type de marque défini . Donc, si nous considérons notre ensemble de pinceaux de cours comme nos principaux types de pinceaux, nous avons un ou deux pinceaux pour toutes les marques dont nous pouvons avoir besoin pour peaufiner les détails, un pinceau opaque, un pinceau plat, quelques lavages et divers effets Vous trouverez les mêmes types de pinceaux et quelques autres dans mes autres sets. Dans le kit d'aquarelle Ultimate Brush Toolbox, vous verrez des pinceaux organisés dans les moindres détails, des pinceaux de lavage plus grands, des effets spéciaux et des pinceaux à maculer au fur et à mesure que vous faites défiler la liste vers le bas Pour le set d'aquarelle principal, vous les trouverez divisés en catégories séparées par ces lignes pointillées, pinceaux détaillés, ronds texturés, pinceaux plats, etc. Pour utiliser un ensemble de pinceaux plus important le cours ou pour toute peinture future, vous suffit de garder à l'esprit ces types ou catégories de pinceaux plutôt que les pinceaux individuels. De cette façon, vous ne serez pas submergé par tous les choix. Par exemple, si vous avez le set principal, utilisez simplement l'un des pinceaux de chaque catégorie pendant que vous suivez le cours. fait de classer mes pinceaux en catégories de types de pinceaux et de m'en tenir à un ou deux pinceaux ces catégories pour chaque peinture permet de simplifier les choses, mais permet de créer une variété incroyable de marques entre les peintures. Ce type de stratégie permet de rafraîchir mon travail tout en le rendant amusant et passionnant. Semblable à ce que je ressentirais avec une peinture traditionnelle. Et en parlant de peinture traditionnelle, vous vous souvenez quand j'ai dit qu'il n'était pas vraiment nécessaire de changer les pinceaux ? Eh bien, cela ne m'arrête pas. Parfois, de nouveaux pinceaux vous pousseront à faire de nouvelles choses. Parfois, cela vous donne juste un peu plus de confiance pour ce petit coup de pouce vers l'expérimentation. La même chose peut également se produire avec le travail numérique, et c'est toujours une bonne chose.