Masterclass sur la composition de pistes sonores : musiques de films et de jeux vidéo

1. Bande-annonce: Bienvenue sur la bande son de Composure, masterclass, le cours qui va vous montrer comment faire de la musique, films complets et des jeux vidéo. Essentiellement, une bande son est ce qui sépare juste une série d'images à l'écran d'une histoire qui donne au public l'émotion de l'or, cette force pour vous montrer comment utiliser un logiciel pour trouver une idée musicale à partir de rien. Développez cela, et vous pouvez faire une partition orchestrale entière en utilisant seulement un logiciel. Ensuite, vous pouvez l'utiliser pour faire une bande son pour votre film. Votre jeu vidéo et vos bandes-annonces. Faire des bandes son est l'une des choses les plus amusantes que vous pouvez dio. Tout le monde devrait avoir la chance de le faire. C' est un compositeur de bande-son. Masterclass. Commençons à faire de la musique. 2. Aperçu du cours: bienvenue à la classe de maître de notation de la bande son. C' est le cours qui va vous montrer comment créer de la musique sonore professionnelle pour vos films et jeux vidéo. Ce cours est destiné aux musiciens ou aux compositeurs pour ceux qui veulent réellement appliquer la théorie musicale plutôt que de simplement mémoriser des choses pour les cinéastes ou les concepteurs de jeux qui sont curieux savoir comment la musique est faite pour leurs produits ou tout le monde est curieux de savoir comment marquez un film avec un jeu vidéo ? Il y a beaucoup de sujets que nous aborderons ce cours, et nous commençons par les bases de la théorie musicale, mais d'un point de vue pratique. Nous allons donc examiner comment la musique est utilisée dans l'industrie dans les films et les jeux vidéo. Qu' est-ce qu'ils font quand on veut créer une émotion ? Comment faites-vous ça avec la musique ? Ensuite, nous prendrons ça et nous développerons des idées musicales. L' utilisation de logiciels ira à la création de musique orchestrale. Alors, comment créer des cordes sonores réalistes, des cuivres et des bois ? Nous ferons la même chose pour les percussions afin que le son de votre batterie soit réaliste dans une certaine gestion du temps afin que vous puissiez composer le plus efficacement possible. Nous allons jeter un oeil à une bande-annonce et la décomposer en morceaux afin que vous puissiez trouver une bande-annonce que les gens voudront alors acheter votre jeu vidéo ou aller voir votre film. Et enfin, nous allons plonger dans la rencontre avec le concepteur de jeux directoraux. Quel sera le processus de planification ? Comment vous préparez-vous à ces réunions ? À quoi ressemble la budgétisation ? Que devez-vous savoir à l'avance ? Il y a donc beaucoup de sujets que nous aborderons, mais je suppose que vous ne savez rien dans ce cours, donc vous n'avez rien à avoir. Vous n'avez pas besoin d'avoir les antécédents. Je vais passer de l'étape 1 jusqu'à la fin, et au début je vais vous faire commencer par apprendre comment fonctionne une station de travail audio numérique . Si vous êtes intéressé par cela et nous allons aller dans la théorie musicale où vous n'avez pas besoin d'avoir une formation musicale, mais si vous le faites, cela couvrira le développement d'idées musicales, orchestration, conseils et de astuces, marquer des bandes-annonces et travailler avec le réalisateur et concepteur de jeux. Afin de tirer le meilleur parti de ce cours, je vous recommande d'avoir un clip vidéo ou un jeu vidéo que vous pouvez utiliser comme référence, puis vous pouvez prétendre que vous êtes réellement en train de marquer pour cela. Et quand vous apprenez une leçon dans ce cours, vous pouvez l'appliquer à votre propre situation. Donc, c'est la masterclass de notation de la bande son, et quand vous sortirez de ce cours, vous serez en mesure de marquer un film, un jeu vidéo, et c'est plutôt cool. Alors commençons et commençons à faire de la musique. 3. Ressources du cours: Ce cours comporte plusieurs ressources dont vous voudrez profiter. Tout d'abord, il y a le manuel de cours recommandé, qui pour ce cours est les producteurs de musique Ultimate Guide to FL Studio 20. Ce manuel vous donnera des informations sur l'utilisation de FL Studio, ce que sont les plugins dans le logiciel et comment les utiliser, comment ils fonctionnent. Il couvrira les progressions d'accords, les techniques de mixage et de mastering, le traitement vocal, les vocodeurs. Il couvre la façon de vendre votre musique sur les boutiques en ligne ainsi que des conseils pour promouvoir la carrière de votre propre artiste. Alors regarde ce livre. Celles-ci, la communauté de producteurs et compositeurs de musique Facebook. Et cette boucle Facebook est pour vous de partager votre musique avec d'autres étudiants, collaborer, d'obtenir des commentaires. Donc, tout ce que vous venez avec dans le cours que vous voulez partager, c'est l'endroit où le faire. Il y a quelques autres pages Facebook que nous voulons recommander est un club de producteurs de musique. cette page Facebook, ils publient des interviews, des techniques d'artistes musicaux en vedette, quoi que ce soit du jour, le genre, la façon de faire des genres spécifiques, etc. Il y a beaucoup de techniques et de ressources sur cette page Facebook. Voici une autre page Facebook appelée le club des cinéastes. Donc, pour ceux d'entre vous qui aiment les bandes sonores, la composition de films, vous allez créer des listes de pages, beaucoup de ressources pour cela. Et enfin, bien sûr, il y a la page Facebook de Chester sky, qui sera toute sorte de mises à jour de cours ou nouveaux contenus seront publiés sur cette page Facebook. Alors consultez ces ressources, le manuel, partagez votre musique sur la communauté de la production musicale et des compositeurs et des ressources sur le club de producteurs de musique, club médical diplômé et la page Facebook de Chester Skype. 4. Livre recommandé sur la composition de la bande sonore : musique pour le cinéma et les pistes sonores de jeu avec FL Studio: Mais ceux d'entre vous qui sont intéressés à devenir compositeurs, il y a un nouveau livre intitulé music for film and game soundtracks avec fl Studio. Vous apprenez la production musicale, composé de la musique orchestrale et vous avez lancé votre carrière musicale. Ce livre couvre une variété de sujets. Il parle de la composition de bandes sonores. Par exemple, si vous essayez d' apprendre à entrer dans l'industrie, comment décrochez-vous un poste ? Avez-vous présenté un client ? Comment organiser l' ensemble de la partition du début à la fin et le faire de manière professionnelle ? Eh bien, ce livre contient des conseils pour vous. Il parle de la physique du son. Comment la musique vient-elle réellement du son, et quel est son rapport avec les gammes, les modes ? Est-ce que c'est lié à la théorie des accords ? Nous allons toutes ces choses, comment tout cela s'harmonise-t-il les uns avec les autres ? Et comment l'utiliser à des fins pratiques. Il parle de design sonore, de musique orchestrale. Donc, si vous voulez faire de la musique avec instruments live tels que des instruments à cordes, et que vous devez organiser toutes ces différentes parties ensemble. Comment fais-tu ça ? Il parle de créer des partitions pour musiciens live afin que vous puissiez simplement exporter votre projet FL Studio et le transformer en une partition complète. Score vous indique comment enregistrer des vidéos côte à côte avec de la musique. Et il vous montre également comment créer une variété d' émotions qui apparaissent généralement dans les films ou les jeux vidéo. En parlant de jeux vidéo, il explique comment créer de la musique interactive. Si vous voulez créer un jeu vidéo où la musique change d' une scène à l'autre. Eh bien, ce livre vous montrera comment créer de la musique qui s'adapte au gameplay réel du joueur. De nombreux sujets sont abordés dans ce livre et c'est une ressource utile pour les compositeurs. Donc, si vous essayez de vous lancer dans la composition, jetez un œil à ce livre. 5. Musique de film avec deux accords: Apprenons à faire de la musique. ressemble aux sons que vous entendez dans les films. Donc la façon la plus simple que j'ai entendue est de la pression de Scott Murphy de l'Université du Kansas. Et il est cette idée que vous pouvez faire la plupart de la musique de film en utilisant seulement deux cours. Tu n'as pas besoin de connaître beaucoup de théorie musicale. Il utilise également, et c'est un moyen très robuste et rapide de générer des bandes sonores musicales. Alors jetons un coup d'oeil à ça. L' idée est en quelques étapes. Tout d'abord, vous devez savoir ce qu'est un tribunal. Un accord majeur, un accord de mine, comment faire la transition entre deux accords, et c'est tout. C' est tout ce dont vous avez besoin, ce qui est ridicule quand on pense au nombre d'années que certaines personnes passent à essayer de composer de la musique, et cela pourrait être distillé dans cette idée simple. Alors jetons un coup d'oeil à ça. Alors apprenons à faire de la musique en utilisant seulement deux accords. Donc, tout d' abord, vous devez apprendre ce qu'est un tribunal majeur. Un accord majeur a les propriétés suivantes. Vous avez un ton qui monte à quatre demi-tons arriver à votre troisième majeur, puis à partir de là vous montez trois demi-tons et puis vous êtes parfait. Cinquièmement, vous faites ça. Tu as un accord majeur. Et si vous voulez faire un accord mineur, comment faites-vous ça ? Eh bien, vous recommencez avec une chose Un à nouveau. Sauf dans ce temps, au lieu de monter quatre demi-tons choses temps, nous montons seulement trois demi-tons sur eux. De là, on y va. 1234 Et tu reviens à ta cinquième parfaite. Et c'est comme ça que tu arrives à ton mineur. Essayez-le. Donc Major a essayé un mineur. La seule différence entre eux est juste les distances entre le troisième. Maintenant, vous pouvez le faire pour n'importe quelle note que vous voulez commencer. N' importe quel tonique. Notez n'importe quelle première note que vous pourriez commencer dans F. Par exemple sur Do you have have have perfect cinquième dans les deux cas. Mais la différence entre le major et le mineur, il va juste être si la note du milieu que le troisième est sur le troisième majeur avec un mineur certain Donc maintenant nous savons ce qu'un grand Courtis et nous savons ce qu'est un tribunal mineur. Que se passe-t-il si nous devions les structurer de telle sorte que nous finissions par un tribunal majeur en une corde mineure. Eh bien, ça a une saveur intéressante. Il a un son que nous pourrions utiliser. Nous utilisions cela dans la cour de la progression de la cour et menant à quelque chose de si fait dans beaucoup de films est que nous avons remarqué que beaucoup de films utilisent certaines combinaisons de tribunaux en compétition et en utilisant cela. Nous avons créé une liste dans cette vidéo, et vous pouvez utiliser ces combinaisons de cour qui sont apparues des films tout le temps avec une certaine association. Alors maintenant, je veux donner à cela un nom pour que nous puissions y faire référence facilement. Donc je vais appeler ça un major de cour avec un M. majuscule et je dirai que la distance entre la première cour et la seconde corde a un numéro. Donc, si je vais d'ici à ici Capital et Major minuscule et pour mineur, je vais dire la distance entre la première note les notes toniques, je vais dire que la distance entre eux comme un nombre, et dans ce cas je vais pour dire le nombre de demi-tons entre eux, dans ce cas, cinq. Donc je vais appeler ça un majeur cinq mineur mineur cinq mineur. En utilisant cela, nous pouvons alors vous donner une liste de différentes combinaisons d'accords. Et ceux-ci ont des associés à eux, qui est très pratique parce que c'est une façon de les utiliser dans la musique de film. Le sénateur Alice vous donne quelques exemples de ce à quoi ils ressemblent dans le film, et vous serez en mesure de sortir cet outil et de commencer à composer immédiatement. - Oh oui , donc une autre chose qui vaut la peine de mentionner, c'est que le cours peut être réarrangé avec des inversions. Donc, si j'avais une corde comme cette grande cour de G, je peux prendre n'importe quelle note de ces trois, et je peux le déplacer. Soit huit pneus ton entier ou huit maisons dit plus bas, et le tribunal sera encore fondamentalement le même. Aiken prend, par exemple, son G. Et au lieu de jouer dans le fond, je peux jouer au sommet, et je pourrais prendre cette note qui est une ado, et je pourrais le déplacer jusqu'ici, donc c'est toujours un tribunal majeur en G, mais je l'ai complètement étalé sur tout le clavier, et il sonne en fait beaucoup mieux parce que les notes et si grattées entre les autres afin que vous puissiez prendre n'importe quel accord et vous pouvez réorganisez les notes de sorte qu'il s'agisse d'une inversion tout au long de votre clavier simplement en déplaçant l'une des notes vers le haut ou vers le bas. Huit notes. Maintenant, nous pouvons laisser le rôle de Bianna à beaucoup de travail pour nous quand nous essayons de trouver si dans progressions judiciaires, surtout quand nous avons affaire à des moments, nous n'avons pas vraiment à nous soucier de penser cela à cause du piano. Wilken double effectif. Alors rappelez-vous tout ce que nous devons savoir, c'est quel est l'accord majeur et mon record. Une cour majeure est juste un, un tiers majeur, qui est quatre demi-tons, 1234 et puis un cinquième parfait, qui est trois demi-défi de la 3e majeure 1 Trop doux. Si nous avons cette façon, toujours avoir un tribunal majeur, peu importe la clé sur laquelle nous commençons. Et maintenant rappelez-vous ce que nous avons un exemple plus tôt, nous utilisions un majeur cinq mineur, donc c'est exactement cinq demi-tons au début, Donc, si c'est un majeur cinq demi-tons mineurs. On pourrait saisir ça et passer à une nouvelle clé de la structure. Essentiellement être la même chose. C' est une façon de prendre votre progression sur le terrain et d'explorer différents modes. Explorez les différentes touches assez facilement en utilisant votre piano pour faire tout le travail pour vous. C' est donc un outil utile pour trouver de la musique. Cool cordes pour une émotion dont vous avez besoin essentiellement pour tricher feuille, où vous pouvez dire que j'ai cette scène et il a un protagoniste en elle et j'ai besoin de quelque chose heureux ou quelque chose qui est sympathique. Et quel genre de musique fonctionnerait bien avec ça ? Eh bien, je ne sais pas devrait avoir la batte, mais je connais des accords qui sont utiles pour commencer, et que je peux ensuite étendre à une progression en cour. Avait c'est un moyen utile de le faire. Vous pouvez simplement savoir que j'ai besoin de ce genre de caractéristique, et je peux me baser sur cela pour que cela soit utile. Et sur ce côté gauche est ce que vous venez de couvrir dans la vidéo où essentiellement je viens juste avoir les cordons et la description sur votre côté droit ici est exactement la même information. C' est juste formulé d'une manière que ceux qui en théorie musicale comprendront et seront clairs. C' est dire la même chose, bien que le premier essai majeur, selon l'échelle, passer au deuxième accord majeur Try à l'échelle. Et si ceux d'entre vous ne comprennent pas ça, c'est bon. C' est la même chose. L' information est juste un moyen que les gens en théorie de la musique apprécieront, alors j'espère que cela sera utile et vous pourrez l'utiliser pour trouver des émotions musicales dont vous avez besoin pour vos scènes. 6. Motifs, des thèmes et de l'analyse du temps (chanson de thème de (Inception: Parlons de la partie la plus importante d'une bande son pour le film du nouveau jeu, et ce sont les thèmes et les motifs. Le motif est la plus petite quantité de musique que vous pouvez rendre significative. C' est le groupe ou la phrase de notes qu'un jeu ensemble transmet une sorte d'idée, et cette idée peut être répétée tout au long du jeu ou du film. Et à chaque fois, il peut avoir des significations différentes, selon celles de Sina. Mais vous continuez à y revenir, et quand vous continuez à élargir ce motif, il peut se transformer en un thème, qui est la mélodie reconnaissable et qui est la partie sur laquelle repose toute la composition. Quand vous pensez à un film populaire qui pourrait être une chanson thématique qui vient à l'esprit et semble vous l'entendez, vous savez ce que veut le film. Même si vous ne voyez pas le film, vous entendez juste le son. reconnaître ? Ok, ça vient de ce film. C' est ainsi qu'un motif s'est développé, et la différence entre eux est que le motif est une petite idée ou un symbole qui aide à bien expliquer le thème. Le thème est l'idée centrale du message Alors jetons un coup d'oeil à quelques motifs et thèmes dans certains films populaires et jeux vidéo, puis vous comprendrez ce qu'ils sont. Fallis Un des clips que je viens de jouer vue était la chanson Time from Inception By Hand Zimmer. C' est sur une plage autorisée d'environ 60 ans et est dans la clé d'un mineur. Et c'est un exemple fantastique de la façon dont un motif est développé en thème. Et la raison en est parce que c'est vraiment simple. Cette chanson est faite à partir de quatre tribunaux. Il a un accord mineur, et le mien accorde un accord G puis un accord D. Et cette cordiale s'est lentement développée tout au long de la chanson ainsi que tout au long du film que nous avons en regardant une partition musicale. Ici, nous avons l'introduction des cordons qui progressent lentement. Ensuite, ils ajoutent une note secondaire au cordon. Dans la section la plus basse, on commence à ajouter un motif rythmique dans la main gauche, la clé de basse, puis on commence à ajouter une contre-mélodie autour de ces points autour de la 40 ou de la 49e barre, je suppose, puis autour de la 65e barre, nous commençons à ajouter l'ostinato, qui joue à côté. Et puis nous revenons progressivement à notre contre-mélodie, puis nous fermons avec seulement une seule note que nous avons été présentés au début. Donc c'est un morceau très court, en fait. C' est très simple,pièce simple, pièce simple, mais il a beaucoup d'émotion quand on l'entend, et la raison est à cause de la façon dont il est utilisé tout au long du film. Il a utilisé les différentes parties qu'il est utilisé dans les séquences d'amour. Il utilise les séquences d'action quand il se souvient des choses quand il y a du stress émotionnel , quand il y a la croyance que vous entendez ça. La chanson a été jouée à de nombreuses parties différentes. En fait, c'est partout. Le film entier s est principalement seulement 11 chansons pour le film, avec des éléments clés différents joués dans différentes scènes. Jetons un coup d'oeil aux notes de notre séquence, n'est-ce pas ? C' est la chanson entièrement jouée, et nous pouvons commencer par regarder simplement l'introduction des tribunaux. Donc, ici, nous avons un dans la mer dans le G, le G et le B et le thé et la chemise, et vous pouvez voir cela se répète plusieurs fois. Au moins, vous pouvez le voir visuellement, surtout quand il est joué dans votre séquence où vous pouvez voir ces notes. C' est en fait les mêmes notes tout au long de la pièce pour voir leur répétition, mais la différence est qu'il commence Lee au début pour ajouter différents motifs rythmiques dans la main gauche. Quand nous arrivons à cette section ici lentement, il est introduit. Je vais jouer. Vous pouvez voir que le modèle est introduit, la main gauche et c'est une belle façon de le voir, parce que c' est ce que vous allez faire. Quand vous composez, votre propre motif est que vous commencerez. Les cours commencent à ajouter un motif rythmique, puis vous ajouterez progressivement la contre-mélodie, qui est ce qui se passe autour de cette barre. Alors ils ont introduit la mélodie de la contre-mélodie, et plus tard, vous commencerez à voir. Il introduit hors scénarios à la section ultérieure entière qui saute cela. Et puis il retourne à l'ici, et puis il revient aux tribunaux. La fin. Je trouve qu'en regardant les notes de votre séquenceur, les notes Midi, c'est parfois un bon moyen de comprendre comment la musique était réellement composée. Quand on voit en partitions, parfois c'est difficile à visualiser, mais dans un séquenceur, vous pouvez vous déplacer autour du nez et vous pouvez jeter un oeil. Donc je trouve que si vous voulez analyser une partition musicale, si vous comprenez comment lire des partitions, c'est génial. Mais il est également utile de le diviser en séquenceurs, pour voir comment il pourrait être créé, parce que c'est généralement plus facile d'entendre les notes, alors que lorsque vous regardez juste une histoire musicale, vous pouvez Ne le voyez que si vous n'avez pas un piano, non ? Permettez-moi de résumer comment cette école est essentiellement composée ici. Nous avons commencé avec leurs cordes, puis ajouté quelques motifs rythmiques. Assez côté gauche, nous avons ajouté. Dans certains Austin Altos, nous avons introduit différentes mélodies de contre-mélodies, qui sont jouées à différentes parties tout au long de la chanson. Et ce que fait alors Hans Zimmer, c'est qu'il le divise en différents instruments, instruments électroniques, cuivres en ce qu'il pense être approprié pour la scène qu'il écoute , qu'il est regarder et quand vous jouez ces à différents points clés dans le film, avec des vitesses différentes avec différents instruments avec différence um, contre-mélodie parties. Vous introduirez différents sentiments d'émotion et vous le faites tout au long du film, qu'il ne lance pas. Cette chanson est continuellement jouée dans presque toutes les scènes Dans le film, vous pouvez créer un thème vraiment puissant, qui est ce que les gens se souviennent quand ils voient le film. 7. Leitmotifs: Maintenant, introduisons le concept d'un leitmotiv. Tout d'abord, un petit résumé. Qu' est-ce qu'un mobile ? Un motif est une petite idée musicale qui n'est pas représentée. Quelque chose dans un récit. Quel est le thème ? Un thème est une idée musicale complète. Pensez donc à la cinquième de Beethoven, où vous avez un motif et qui se développe dans le thème. Maintenant, un leitmotiv est un peu différent. C' est l'idée qu'une idée musicale représente quelque chose de concret dans un dirigeable, quelque chose de spécifique. Donc, si vous pensiez à Pierre et au Loup où vous avez une histoire qui est racontée avec chaque personnage représenté par un instrument, vous avez le chat qui a un instrument. On a le canard avec un instrument. Vous avez le grand-père avec un instrument spécifique. Leitmotif est venu de William Richard Wagner, qui a eu cette idée parce qu'il croyait à Gaza. Const. Œuvre, qui combine des éléments musicaux pour créer quelque chose de plus grand que ses parties individuelles . Et il avait ces opéras où tout ce qu'il voulait pour microgérer chaque action, tous les personnages sur scène, ils devaient tous blesser leurs propres idées musicales. Et ce qui en est ressorti, c'est que nous pouvons demander signer différents personnages, différentes actions, différents lieux modifie leur propre concept musical. Pensons donc aux rencontres proches de la fumée. Eh bien, vous avez cette idée musicale qui a montré tout au long du film, et vous comprenez quel est le sens à la fin du film, cela signifie bonjour. Mais l'idée de la musique a sa propre signification spécifique. Derrière, le sens est bonjour. Je veux dire, vous voyez ces notes, vous réalisez quel est le sens de la musique au fil du temps. Donc c'est ce que votre leitmotiv est. Il a une signification spécifique complète. Maintenant, pensons à d'autres exemples. Pensons au thème Dark Vader. Chaque fois que tu vois Dark Vader, tu entends ces notes, tu sais que c'est Dorthe. L' appât est une signification spécifique. Derrière ça, ils l'ont fait. Chaque fois que vous entendez ces notes, vous savez ce que le personnage va être sur scène. La vitesse de la lumière sera trop proche d'un système. Il se sentait surpris était Wijers Maladroit. Aziz Way serait honoré si vous pouviez nous rejoindre pas vrai chemin. Ah, encore une fois, un leitmotiv est une idée musicale qui représente quelque chose de concret dans un récit et c'est une façon de raconter l'histoire à travers le son. Ok, donc nous avons notre motif, nous avons notre thème et nous avons notre leitmotiv. Que dois-je faire avec ces informations ? Eh bien, réfléchissons à ce qui va t'arriver. Quelqu' un va venir vous voir, et ils vont vous dire que j'ai ce film et j'ai ce jeu vidéo et je fais une bande son pour moi, puis ils vont s'attendre à ce que vous sachiez quoi faire de cette information. Et votre travail est de prendre cela et de trouver des pièces que vous pouvez assembler dans une bande son. Et au début, cela peut sembler un fardeau écrasant parce que vous n'êtes pas sûr de comment tout va se réunir, mais vous avez quelques outils à votre disposition, et c'est l'un de ces outils que vous êtes va avoir à votre disposition. Vous pouvez dire que j'ai ces personnages les événements, ces actions qui se passent dans le film ou le jeu vidéo, et je vais les associer à une sorte de son, et puis vous pouvez venir avec cette liste de leitmotifs que vous allez pour trouver un de ses personnages un pour cette scène. Un pour cet environnement, cet événement, et vous pouvez continuer à réutiliser ces éléments chaque fois que vous revenez à eux dans l'histoire du film du jeu vidéo. Donc, plutôt que de le considérer comme une grande quantité d'informations, vous pouvez le considérer comme des pièces individuelles pour lesquelles vous allez marquer. Et c'est l'un de ces outils que vous pouvez utiliser de le diviser en différents motifs et thèmes et comme des motifs, et vous pouvez continuer à les utiliser tout au long de l'histoire au moins le temps. Utilisez-les. Ils peuvent avoir un peu différents, signifie en fonction de ce qui se passe pour le spectateur à l'époque. Une sorte d'action est légèrement différente, mais vous jouez la même musique. Cela peut avoir une signification différente, mais c' est ainsi que vous pouvez trouver une bande son. C' est juste en le divisant en morceaux individuels, comme l'un de ces outils d'un thème mobile dans leitmotif, et vous pouvez les utiliser pour sortir votre histoire pour construire une bande son complète. 8. Major et mineur: Donnons un peu de théorie de la musique ici. C' est la petite échelle. C' est juste sur les notes blanches d'un piano. Et c'est ce qu'on appelle Une chose à laquelle on vous appelle est appelée Tes trois sont la culture de quatre. C' est ce qu'on appelle vos cinq Cette écologie six fois appelée à 1/7 chose. Ça t'appelle encore une fois. En fait, vous vous êtes tourné vers celui à la fin de l'échelle et vous remarquerez que c'est le même cas pour toutes les échelles. Maintenant, quand on dit « retour », qu'entendez-vous par « retour » ? Tu veux dire que si on répétait cette information, mange des tons entiers plus haut, on obtiendrait exactement la même mélodie. Alors, qu'est-ce qu'on peut faire avec ça ? Eh bien, commençons à faire un tribunal en dehors de ça. Donc c'est un corgis fait. En regardant la première note sur 1/5 ? Pourquoi appelons-nous cela 1/5 ? Eh bien, c'est 123455 notes de haut. Tu te souviens ? On regarde juste les notes blanches de l'échelle A mineure. Donc c'était ton premier. On appelle ça une route, et ça s'appelle un renard. Maintenant, essentiellement, c'est une autre façon de dire que c'est le tribunal du pouvoir. Il n'a pas d'élément majeur ou mineur. C' est juste un accord utilisant une première dans les cinquième yeux sur une échelle mineure. Mais cet accord n'a pas encore de sexe. C' est juste un tribunal. Donc ce que nous avons ici, ce que nous avons, c'est 1/4 et ceci a un nom spécial nous appelle une sous-dominance, et ceci est le cinquième. Nous appelons cela une dominante, et la raison pour laquelle nous l'appelons ceci est qu'ils viennent beaucoup quand nous avons affaire à la théorie de la musique. Alors rappelez-vous juste, 1/4 est toujours appelé sous-dominance, et un ajustement est toujours appelé un dominant. Si vous entendez ça à l'avenir, vous ne savez pas ce que c'est. Faisons les tribunaux mineurs, cependant, cependant, qu'ils ne soient plus sans sexe qu'ils aient une caractéristique, une sorte de son nuancé deux d'entre eux. Maintenant, nous transformons les cordes en accords majeurs ou mineurs. Vous pouvez avoir une échelle mineure, une échelle mineure, mais les accords eux-mêmes ne peuvent pas être majeurs et mineurs aussi. Donc ici, au début, nous avons un petit accord de son mineur, ce qui signifie qu'il a son son sombre. Et ce qui distingue un accord mineur, c'est que le troisième dicte si le tribunal est en mineur majeur, et ce qui détermine s'il est majeur un mineur, c'est à quel point il est éloigné de la première note. C' est donc toujours trois demi-tons, à part la première ou la note racine pour en faire un tiers mineur. 123 demi-orteils. Si c'est trois demi-tons, c'est un accord mineur. Ensuite, vous avez votre premier et un troisième avantage mineur. Si vous deviez faire ces quatre demi-tons, c'est maintenant un major de cour. Maintenant, quelques choses que vous remarquerez, c'est que certains des tribunaux de l'échelle sont majeurs et que certains cordons sont mineurs. Ainsi, la distance entre dans le premier accord est de trois demi-tons du premier des tiers. C' est mineur, mais maintenant tout d'un coup, un tribunal majeur a cette propriété heureuse ? J' ai retourné votre mineur, puis majeur à nouveau mineur, il est donc intéressant de noter comment certains des cordons de l'échelle seront plus heureux cordons de sonde et certains d'entre eux seront mineurs Sattar plus sombres cours de sonorité, Et ceci est quelque chose dont vous pouvez profiter. Que vous souhaitiez mettre l'accent sur une partie heureuse de votre chanson ou un élément plus sombre dans votre chanson, selon les cordes sur lesquelles vous vous concentrez, vous concentrez et passez beaucoup de temps sur les principaux éléments d'accords de celui-ci ? Des éléments mineurs de celui-ci. Alors. Donc juste en regardant la notation, nous avons les yeux et les V et vous verrez les yeux en minuscules et vous voyez majuscule. Et la minuscule indique mineur. Où est la capitale ? Indique majeur. Vous remarquez probablement aussi que c'est la cour ici, a un petit cercle et dit Dim. Ça indique juste que c'est une corde diminuée. Donc, c'est dire, au lieu d'une façon régulière d'accords mineurs, avoir une corde mineure diminuée qui signifie juste que l'ajustement est inondé. Et ce n'est pas quelque chose pour cette vidéo, mais juste le souligner pour vous. Ok, identifions aussi ce qui est une inversion. Donc, c'est un accord sur une aversion signifie juste que vous pouvez réorganiser les notes dans ce, essayer d'accord de la manière que vous voulez, tant que vous utilisez les mêmes trois notes. Je peux déplacer une note yeux plus haut, juste une inversion, ce qui signifie que nous avons maintenant utiliser les mêmes notes dans le tri accord juste dans une combinaison différente . Mais on utilise les mêmes notes pour que je puisse être arrangé n'importe où comme sur. C'est toujours avec la même cour, c'est juste une inversion de la cour. C' est alors que l'inversion est. Parfois, c'est déroutant pour les gens. S' ils ne comprennent pas, c'est juste de réorganiser la cour en une combinaison différente, mais d'utiliser la même chose. Alors regardons un mineur relatif, un majeur relatif et essentiellement, Ce que nous disons ici, c'est que nous pouvons utiliser les notes dans la même échelle, mais en les utilisant, commençant sur une note différente, et il aura un plus heureux propriété t à elle si nous sommes à la recherche d'un majeur relatif. Donc, plus tôt, nous avons regardé la façon mineure étaient de commencer sur la mer. , Pas question,non comment ce son plus heureux, et essentiellement un relatif mineur majeur est une échelle qui utilise exactement les mêmes notes, et chaque mineur a une majeure relative. Chaque major a un mineur relatif, et la propriété intéressante entre eux est que nous nous concentrons davantage sur les tiers majeurs que sur les tiers mineurs. Si nous avons regardé dans leur début ici, quand nous regardons le mineur un mineur, vous verrez que le troisième est un mineur 3ème 123 demi-tons séparés. Alors que si nous devions regarder l'échelle principale, nous avons remarqué que le troisième est maintenant quatre demi-tons séparés. Donc maintenant, c'est intéressant. Si nous devions nous concentrer sur les troisième éléments mineurs, nous aurons un son triste. Mais si nous nous concentrons sur les principaux, les troisième éléments allaient obtenir un son plus heureux. Donc voici un petit exemple. Écoutons ça dans l'échelle A mineure, et ça a l'air triste. Pourquoi est-ce que c'est bon ? Eh bien dit, regardons le tribunal d'abord, les tribunaux mineurs de l'air. Comment puis-je savoir qu'ils sont mineurs à cause de la distance entre les racines et le troisième est trois demi-tons, donc ça va sonner. C' est traitable. Et maintenant, du côté mélodie, nous nous concentrons à nouveau sur les troisième éléments mineurs parce que nous passons à une troisième relation mineure , nous continuons à faire le tour de ces notes, donc c'est pour ça que ça va sonner. si nous voulions rendre cela plus heureux ? Comment pouvons-nous faire ça ? On pourrait avoir une mélodie qui se concentrera sur le troisième set majeur de la troisième mineure. C' est intéressant. Tout ce que nous avons fait est de choisir des notes dans la même échelle. Encore que des notes blanches. Mais la différence est que nous nous concentrons maintenant sur les relations de troisième rang majeures et que nous établissons relations de troisième rang mineures. Et nous avons cette saveur intéressante d'une mélodie majeure sur un accord mineur. Et si on faisait la cour eux-mêmes, major ? Maintenant, nous avons le major des deux côtés. Donc, ce n'est qu'un exemple de spectacle que vous pouvez mélanger et faire correspondre majeur et mineur, même en même temps. Vous pouvez avoir une mélodie majeure sur les accords mineurs, et vous pouvez faire le contraire est bien, vous pouvez avoir une mélodie mineure sur les tribunaux majeurs, et c'est vraiment facile à retourner et flop entre majeur et mineur. Tout ce que nous avons à faire est d'identifier les cordons sur lesquels vous voulez vous concentrer. Voulez-vous avoir la moitié de votre sonorité ? Pourquoi, Sattar sonorité sonore Donc ceci est une vue d'ensemble pour vous aider à comprendre comment la relation principale et mineure fonctionne à un moyen facile de commencer à l'implémenter, identifiant simplement les tiers dans votre accord d'essai et en choisissant quel ceux sur lesquels vous voulez vous concentrer . 9. Quel DAW dois-je utiliser: Pour effectuer la notation de films, vous devez disposer d'une station de travail audio numérique. Maintenant, lequel avez-vous besoin ? Ça n'a pas d'importance. Vous pouvez utiliser n'importe quelle station de travail audio numérique dans laquelle vous avez un arrière-plan dans celui dans lequel vous êtes à l'aise, vous pouvez l'utiliser. Vous n'avez pas besoin d'utiliser Apple Studio, qui est celui que j'utilise. Donc, si vous n'utilisez pas fo studio cette section, bien sûr, vous pouvez sauter cette section et passer à la section suivante où nous allons plonger dans les aspects en cours du film. Pour ceux d'entre vous qui veulent utiliser plusieurs studios cette prochaine section, ce que j'ai fait c'est que j'ai suivi quelques conférences de mon autre cours sur la production musicale, vous pouvez suivre si vous voulez approfondir les fonctionnalités avancées de FL Studio et j'ai pris quelques-unes de ces conférences et je les ai collées ici juste pour donner à quelques-uns d' vous un cours de recyclage rapide juste pour démarrer et courir avec FL Studio pour la notation de films. Donc, encore une fois, si vous n'utilisez pas, est-ce que Fl Studio a complètement ignoré cette section ? Passez à la suivante. Si vous utilisez fl Studio et que vous voulez juste un peu de rafraîchissement. Cette prochaine section du cours vous fournira tout ce que vous devez savoir. Ok, on y va. 10. Utiliser des modes: vous pouvez donc savoir ce qu'est une échelle majeure et une échelle mineure. Mais il y a en fait des tonnes d'échelles différentes là-bas, et l'échelle principale et mineure sont en fait seulement deux sur une sélection de sept échelles et ces sept échelles air appelé Moz. Maintenant, ces modes sont quelque chose qui sont utilisés au moins quelques-uns de sont dans beaucoup de bandes sonores dans les films et les jeux vidéo. Donc, il vaut au moins la peine d'identifier ce qu'ils sont et comment vous pouvez les utiliser dans vos propres compositions. Donc, dans cette vidéo va décrire Tout d'abord, quels sont les modes et d'où viennent-ils ? Ensuite, nous allons vous montrer quelques exemples de leur utilisation dans les films, puis comment vous pouvez implémenter modes pour vos propres compositions. Alors, d'où viennent les modes ? Eh bien, ils proviennent de la grande échelle. Tout d'abord, racontons ce qu'est une grande échelle. Si l'on regarde l'échelle majeure la plus simple, l'échelle en C majeur est composée des distances suivantes entre les notes, elle a une prise sur le ton entier, la demi-tonalité, la tonalité entière. Quand je dis un ton entier, je veux dire deux demi-tons combinés, donc c'est 1/2 ton. Et voici une zone d'attente d'ici à ici est que je dois d'ici à ici est 1/2 ton. Donc, les tons du cul de l'échelle en C majeur. Maintenant, si je devais changer la distance entre ces notes, nous n'avons plus une échelle de C. majeur. Si je devais faire au lieu de tout le ton aller à un autre tient propre, je suis allé seulement 1/2. Ce n'est plus une échelle de do majeur, et vous pouvez réellement entendre cela. Mais l'essentiel est que nous avons créé une nouvelle échelle en changeant ces distances entre les notes. Que se passe-t-il si nous avions toutes les notes dans l'échelle du do majeur ? Mais je devais en quelque sorte changer les distances entre eux sans changer les notes. Laissez-moi vous montrer ce que je veux dire. Si je devais commencer au lieu de la première note. Vous voyez, Major, si j'ai commencé sur la deuxième note sur, j'ai fait des notes dans l'échelle du do majeur, mais j'ai commencé le 2e 1 Maintenant, les distances entre les notes ne sont plus exactement dans le même ordre que ce qu'elles étaient auparavant . Maintenant, c'est au lieu d'une attente sur Hold on. Maintenant, c'est une demi-tonalité entière, donc c'est subtil, mais nous avons changé l'échelle parce que nous avons changé les distances entre les notes . Nous avons changé l'ordre des tons entiers et des demi-tons, et ce faisant, nous avons quelque chose de nouveau. Donc, quand vous commencez sur une note tonique différente, c'est le nom que nous donnons pour la première façon de note. Commencez par la seconde. Ah, dans la grande échelle au lieu de la première commencée sur la seconde, nous avons une nouvelle échelle. Nous pouvons le faire exactement sept fois avant de revenir en mer afin de créer sept échelles différentes juste en utilisant les mêmes notes dans la grande échelle en commençant sur une première note tonique différente. Donc je le sais. Cela prendra un peu de temps pour envelopper votre montant mental, mais cela deviendra plus facile une fois que je vous montrerai le raccourci rapide plus tard dans cette vidéo. Donc, pour l'instant, réalisez que c'est l'échelle C majeure, et nous avons un nom pour chacune de ces échelles que nous pouvons créer en commençant sur différentes notes toniques. Donc, si nous commençons dans la première note de la manière principale à l'échelle. Appelez ça un mode. Le premier mode et le nom que nous avons donné, c'est Ionien. Donc, à chaque fois que vous entendez Ionien, c'est identique au Major. Vous pouvez penser à lui est le même, mais nous commençons dans la deuxième note tonique d'une échelle majeure. Nous avons le nom Dorian. Si nous commençons dans la troisième voie, appelez ça le frigo en chemin. Commencez dans la quatrième. On appelle ça le lydien. Si nous commençons dans la cinquième, nous appelons cela que de mélanger un mélange leader O Lydian. C' est l'Olean A, et c'est en fait la même que l'échelle mineure naturelle. Donc, chaque fois que vous entendez le terme mineur naturel, c'est le mineur relatif à une échelle majeure. Utilise toutes les mêmes notes C échelle majeure, sauf qu'il est mineur. Utilise donc toutes les mêmes notes, mais c'est la mineure, et la dernière est appelée le localement dans. Donc, la partie intéressante est que même si nous utilisons les mêmes notes comme une échelle majeure, elles sonnent différentes. Cela semble significativement différent mince que les principaux mineurs, mais ils utilisent les mêmes notes dans l'échelle, et pourtant ils ont une telle saveur différente telle une émotion différente que nous sortons d'eux . Et même si ce sont les mêmes notes, on peut arriver à des progressions d'accords différentes en disant que les choses vont être notre premier accord. Oh, ça va être un premier tribunal. Et en changeant ce que nous avons décidé d'être nos cordes dans une progression, nous arrivons à des mélodies différentes, nous savons même que nous utilisons les mêmes notes dans l'échelle. Donc, ce que nous avons fait dans beaucoup de bandes son, c'est que nous avons découvert qu'en ajustant l'échelle d'un mode, d'un mode, orteil un autre mode réveil obtenir une émotion complètement différente. Eh bien, réfléchissons à la façon dont ces airs ont réellement été utilisés dans les bandes sonores. Tout d'abord, je pense au son. Un mode ionien n'est qu'un mode majeur. C' est juste la grande échelle. Le Dorian est essentiellement une échelle mineure avec un six Freedy élevé et est tout à fait différent. Le Lydien est essentiellement juste la grande échelle, avec un quatrième couru, donc il semble surtout majeur, mais avec un quatrième relevé. Le mélange de leader est un majeur, mais avec un septième abaissé. L' extraterrestre est mineur, donc ça va être plus triste plus sombre. Et puis le creen bas est un peu un chapeau sauvage partout. Alors, comment sont-ils réellement utilisés dans les films ? Eh bien, Ionien est utilisé, évidemment, pour l'air heureux Césaire. Sons heureux. Le Dorian est plus un son jazzy. Le frigo est généralement utilisé pour des chansons émotionnelles sombres. Le Lydian est tendance à être un mélange sonore jazzy, mondain et triomphant. Un leader est idéal pour un triomphant sons avec des cuivres et des cordes. Alien est l'échelle mineure, donc c'est généralement quelque chose de beau, quelque chose de plus sombre, plus triste et alors personne ne va utiliser le localement dans très souvent parce que c'est un peu étrange son. Alors maintenant, j'ai quelques exemples pour vous où ces échelles sont réellement utilisées dans les films, et c'est juste une boîte d'un exemple de façon à vous envelopper la tête autour. Comment j'utiliserais ces modes pourrait gagner du temps dans une bouteille. La première chose que je voudrais faire pour dire chaque jour t location façon juste de les dépenser avec vous façon un grand site qui est utile au cas où vous oubliez jamais ce que sont les modes, quelles notes ils sont et vous avez un clavier. A proximité est de penser aux échelles de piano dot warg, et c'est un excellent site Web parce qu'il vient de le décomposer extrêmement simplement, il vous montre que sept modes, et si vous voulez cliquer dans l'un des modes, il montrera vous les notes exactes que vous avez dans le clavier à partir de chaque note individuelle. Donc, si vous deviez commencer par un tonique, notez votre première note étant de voir ceux-ci, les notes que vous utiliserez. Nous avons commencé avec de ne pas de ces air les notes que vous allez utiliser afin de piano échelles les orgues vraiment utiles. Vérifiez que maintenant si vous utilisez FL Studio vos travaux sont encore plus faciles pour vous car ils ont intégré les balances pour vous. Si vous allez dans un rouleau de piano, vous verrez un petit bouton qui s'appelle l'outil Stamp Tool. Vous pouvez sélectionner cela, et vous pouvez voir les différentes échelles déjà intégrées pour vous. Là, la porte est dedans. Ils ont les Éoliens. Ils ont grand réfrigérateur lydien en mélange conduit dans, et vous pouvez sélectionner l'un d'entre eux. Choisissez une note pour être tonique. Notez votre première note et vous pouvez voir toutes les notes qui seront dans cette échelle. Et puis vous savez que toute note que vous choisissez une chanson, il frappe une note. C' est à l'intérieur de cette échelle, il sonnera sur la base de ces qualités que nous vous avons données plus tôt. Donc, vous saurez que tout ce qui est Éolien va sonner beau, sombre tant que vous restez dans les notes de cette échelle. Donc, c'est la façon dont vous utilisez les modes est d'où ils viennent et comment vous pouvez les utiliser. 11. Comment faire de la musique Scary: comment faire de la musique effrayante pour que nous parlions. A propos de quelques choses vont discuter de la façon de faire saut effrayer discutera de la musique effrayant. Quel genre d'effets peut-on utiliser pour faire de la musique effrayante ? Et, bien sûr, quel genre de combinaisons ne pouvez-vous utiliser ? Donc, la première chose qui me vient à l'esprit, bien sûr, est la peur du saut, et il y a un bon moyen et une mauvaise façon de faire des effractions de saut. Les gens pensent que c'est juste du silence et puis un bruit fort, mais il y a en fait plus si vous voulez le faire correctement. Sinon, vous finissez avec une sorte de peur de saut vraiment pénible que les gens n'ont pas peur. Et de cette façon, vous avez ces très mauvais films, donc la bonne façon de le faire est l'endroit où vous avez construit en premier. Ensuite, vous avez vos côtés et le bruit fort. Mais qu'est-ce qui va dans l'accumulation ? Eh bien, vous devez penser à ce qui rend la musique effrayante, et c'est ce qui rend les choses effrayantes en premier lieu. C' est là que ton cerveau essaie de te le dire. Vous devez faire quelque chose pour éviter le danger. Si vous courrez dans les bois et qu'il y a quelque chose qui pourrait vous nuire. Vous devez être averti de ça, surtout si vous dormez. Ou si c'est des cheveux foncés et que vous ne pouvez pas voir où vous allez ou ce qui se cache là-bas, vous avez besoin d'années pour ramasser ces sons, donc si c'est une sorte de petit animal, il fait généralement un son de hauteur plus élevé. Donc tu n'as pas à t'inquiéter autant du danger. Si c'est un son plus élevé, vient généralement d'une petite chose moins susceptible de vous manger. D' un autre côté, si vous avez un gros animal qui pourrait vous manger, ça va probablement avoir un son plus profond. Donc ça va être un son plus dangereux. Ça fait partie de l'équation. Mais ce n'est pas tout ce qui n'explique pas pourquoi les choses sont effrayantes. Il parce que vous pouvez avoir des choses à un comme la musique de bébé et vous placez ceux dans certains contextes et que Syl devient extrêmement effrayant. Il y a donc un autre élément, et c'est la dissonance cognitive. C' est là que votre esprit n'est pas sûr de ce qu'est ce son. C' est la partie que si vous pouvez l'utiliser, vous pouvez trouver des sons effrayants si tendus scène plus musique innocente, votre esprit essaie d'interpréter deux choses différentes. D' un autre côté, vous pouvez retourner cette équation autour. Et vous, si vous n'avez pas d'innocents, scène avec des dizaines de musique qui coûte cher. C' est drôle. Donc, si vous avez un son élevé et un son faible et rien entre les deux, votre esprit ne sera pas sûr de ce que c'est parce que ce n'est pas normalement du même genre d' animal. Habituellement, un animal fait un bas ou un haut, pas les deux. Alors, nous allons vous montrer comment créer une peur de saut à partir de zéro. Ici, nous avons notre son élevé dans un son bas, son élevé et un son bas, et je vais les jouer isolément, tout d' abord. Donc voici le son élevé. Théo. C' est quoi ce son ? Ça n'a pas vraiment d'importance tant que c'est quelque chose d'anormal. Et puis vous pouvez ajouter quelque chose comme la réverbération ou le délai, qui est ce que vous entendez. Et l'idée est que c'est juste une sorte de devrait être un son sûr parce qu'il est élevé, mais c'est un peu inconnu. Donc tes affaires peuvent y avoir quelque chose de bizarre à ce sujet, et ensuite on a notre faible son. Une fois de plus, un son inférieur est quelque chose qui est une plus grande créature, donc potentiellement un peu plus de danger. Et c'est un son étrange, donc on ne sait pas ce que c'est non plus. Maintenant, quand vous combinez ces deux-là, vous avez un son élevé. Vous avez un son faible. Tu n'as rien entre les deux. Rien dans le milieu de la gamme de fréquences, années sûres, essayant de comprendre quel genre de créature c'est. Mais il ne sait pas ce que c'est. Donc, quand vous les jouez en même temps, vous êtes là, un peu effrayant. Maintenant, la prochaine chose que j'aime faire est d'ajouter une certaine automatisation de volume, qui est tout ce que c'est. Donc, je suis progressivement de plus en plus fort à un moment d'apogée et à ce moment-là, vos oreilles pensant que cette créature se rapproche de moi, donc le danger est de plus en plus élevé, et ensuite nous donnons à votre esprit un petit moment de libération quand nous Dis , Oh, ça disparaît parce que ça devient plus calme. Je peux me détendre un instant et puis vous avez votre surprise avec votre peur de sauter à la toute fin. Donc, vous ajoutez ces choses ensemble et voici à quoi ça ressemble. Donc, les sons qui vont être utiles pour cette peur de saut fort vont être sauts de fréquence, des harmonies non standard, une sorte de bruit ou de chaos. Tout ce qui est au-delà de la portée normale de ce son. Par exemple, si vous avez un donc c'est pour la musique effrayant. Si vous avez un violon qui joue à un niveau très élevé plus élevé que normalement vos oreilles vont dire que c'est un peu bizarre ou quelque chose de semblable à son cri, c'est pourquoi vous entendez ces violons qui sont très bientôt matures. Crie ton oreille le ramasse instantanément. Quelque chose est potentiellement dangereux aussi ? Donc cette liste ici peut être utilisée pour tout ce qui flippe ou n'importe quoi sorte de dénigrer tous ces sons. Biologiquement, vos oreilles disent que ce sont des sons dangereux. Ce ne sont pas des sons naturels. Je dois faire attention à ça. C' est donc la première pièce clé de ce qui peut faire quelque chose d'effrayant. Maintenant, afin de le faire avec des logiciels, nous pouvons trouver des effets et des utilisations à notre avantage pour trouver un son naturel . Voici quelques choses que vous pouvez faire. Vous pouvez inverser la musique. Vous pouvez le ralentir accéléré les changements de vitesse au fur et à mesure que vous allez le long. Tous ces sons sont contre nature. Vous pouvez régler la musique. Vous pouvez brusquement changer la clé à mi-chemin. Ou, bien sûr, vous pouvez ajouter des effets de réverbération ou de glitch. Et une sorte d'écho de retard. N' importe lequel de ces sons en combinaison peut être utilisé pour rendre votre musique un peu plus effrayant. Laisse-moi te montrer ça. En pratique, trouvons quelque chose qui n'est pas effrayant du tout. Ce n'est pas effrayant. Maintenant, nous allons l'inverser. Maintenant, je vais le ralentir. Maintenant, je vais ajouter des effets clinquants que c'est un peu bégaiement sons en combinaison, bien sûr, avec l'inverse et le ralentissement. Et enfin, j'ai ajouté une réverbération et un délai. réverbération n'est que le son, un effet qui fait retentir les choses plus loin dans un espace plus vaste. Et le retard est juste essentiellement, échos étaient des sons répétés, euh, dans Tenneco essentiellement réaliser qui venait de ce thème. Tout ce que nous avons fait était de nouveau inversé, nous l'avons ralenti, ce qui diminue également la hauteur pour faire que plus bas et ajouté dans certains effets de bégaiement et vous vous retrouvez avec une fois que vous avez ajouté délai de réverbération avec quelque chose comme ça s afin que vous puissiez utiliser . Vous n'utilisez pas tout cela tout le temps, mais vous pouvez en utiliser quelques-uns et vous pouvez vous retrouver avec des bruits effrayant très intéressants . Que pouvez-vous faire d'autre ? Quel genre de théorie musicale peut-on appliquer à cela ? Eh bien, il y a quelques choix de notes qui fonctionnent souvent assez bien. Et, bien sûr, l'évidence. L' une est la clé mineure. Utilisez une clé mineure. Il est souvent associé à une musique effrayante, et c'est là que les affrontements interviennent à la note racine et la note à trois tons entiers est un son de conflit. En outre, deux notes qui sont un demi-ton sont séparées lors de la lecture en combinaison en même temps. Com à travers est en conflit si vous aussi. Si vous jouez de mauvaises notes qui se croiseront comme un peu de nerf ing. Et si vous utilisez juste des tons entiers sur Lee, ça peut être un peu troublant. Laissez-moi vous en montrer quelques exemples. Donc, tout d'abord, je vais vous montrer ce que je veux dire si j'ai juste trois tonalités entières à part. J' ai une note, et j'ai une note qui exactement trois tons entiers loin de lui. Souviens-toi, c'est un ton entier. Deux tons entiers, demi-ton, Colton. Ton entier, ton entier. Holton. Donc, trois tons entiers séparés créent ce son de choc. Maintenant, ça pourrait être plus élevé. Trois tons qui pourraient être les plus bas, trois demi-tons fonctionnent. Et si vous êtes en vie, fini ici est que j'ai augmenté le volume au fil du temps, et aussi vous avez ce sens juste un peu dérangeant. Ce que j'ai fait avec ces violons tout à l'heure, c'était la même chose. Tout ce que j'ai fait, waas a une note et la note qui est exactement à trois tons entiers. Et c'est comme ça que nous avons obtenu ce son Eyes est un violon jouant une combinaison de notes, donc c'est la méthode à trois tons séparés. Ah, vous pouvez avoir des notes en conflit, bien sûr, aussi, qui est là où vous avez une note qui est exactement un demi-ton loin d'une autre note et joue en même temps. Donc j'ai dans ce cas un C et ils le seront, et je le suis. Je les joue en même temps, et cette note est exactement un B aussi. Donc c'est juste une octave plus haut ce son méchant pendant des années, et ça sonne désagréable et c'est contre nature. Donc, je jouerais à nouveau. Je ne fais qu'augmenter le volume aussi. Aussi dénerveuse ing un peu effrayant. Vous pouvez utiliser de mauvaises notes. Mauvaises notes, bien sûr. Un peu inhabituel pour vos oreilles à entendre. Donc je vais juste prendre ces notes, faire un peu de hasard. Juste si vous utilisez FL Studio, vous pouvez aller aux outils et randomiser et vous pouvez juste me faire envoyer comme ça et enfin, nous avons tous les tons sur Lee. Donc, quand j'utilise un ton entier une fois de plus, notez tenir tout le temps, toute la ville et vous pouvez choisir ça avec n'importe quelle clé. Ça n'a pas d'importance. Je peux juste les déplacer. Donc, n'importe laquelle de ces méthodes viendra avec des petites mélodies qui vont durer deux ans. Alors voici votre feuille de triche. Pour faire peur au saut, vous avez une accumulation d'un son haut effrayant combiné avec un son bas effrayant sans rien entre les deux. Vous vous levez d'intensité au fil du temps, ce qui vous trompe les oreilles pour penser que quelque chose se rapproche, mais il ne sait pas ce qu'est ce son. Vous avez un moment de sortie suivi d'un son fort qui se heurte. Donc, c'est comme ça que vous faites votre saut effrayer correctement. Maintenant, quel genre de sons effrayants sont des sauts de fréquence, une sorte d'harmonie non standard, du bruit, du chaos, quelque chose qui est au-delà de son enregistrement sonore normal quelque chose qui joue à un très haut son de très faible son est l'endroit où vous changez le tangage qui fonctionnera. Vous pouvez créer de la musique effrayante en utilisant des sons naturels, ce qui est ces sons effrayants que je viens de dire. En outre, les effets que vous pouvez utiliser ou inverser la musique, ralentir, accélérer, changer la vitesse que vous allez le long d tuning de la musique, changer la touche que vous allez le long. Tout ça va sembler un peu bizarre à tes oreilles. Vous pouvez combiner la réverbération, effets de glitch et le retard à l'une de ces choses ci-dessus, et ceux-ci serviront tous à améliorer l'effet. Et si vous voulez faire quelque chose, ça va être un peu bizarre pour votre public, s'il y a vraiment regarder l'écran, avez-vous une scène tendue ? Mais vous avez de la musique innocente qui peut venir à travers effrayant et enfin, les combinaisons de notes. La partie de la théorie de la musique est que vous pouvez entendre l'utilisation d'une touche mineure, vous sorte de notes de conflit comme la note racine et une note qui est à trois tons entiers loin. Vous pouvez utiliser deux notes qui sont semi déchirées. Vous pouvez utiliser de mauvaises notes, et vous pouvez utiliser uniquement des tons entiers. Donc c'est ta feuille de triche. Vous pouvez l'utiliser pour construire de la musique terrifiante seule, et vous constaterez que si vous le faites, la musique elle-même, même sans aucune aide visuelle, deviendra effrayante et déconcertante. Voici comment vous faites de la musique effrayante. 12. Obtenir le studio de FL: Donc pour ce cours, vous allez avoir besoin de FL Studio. Vous pouvez télécharger une version gratuite sur ce site Web, www dot image line dot com slash fl studio. Accédez aux téléchargements et vous pouvez obtenir une version de démonstration d'essai. Cela vous permettra d'utiliser tous les plug-ins avec quelques limitations. Par exemple, vous pouvez enregistrer, mais vous ne pourrez pas ouvrir vos projets sûrs tant que vous n'aurez pas acheté une version complète du logiciel. Et certains des plug-ins seront des démos. Si vous choisissez l'achat Good Apple Studio et plusieurs ajouts différents avec différentes fonctionnalités entre eux, vous pouvez vérifier toutes les comparaisons. L' une des principales différences est celle entre l'édition Food et l'édition Producer, où l'édition producteur vous permettra d'être en accord avec votre microphone et d'enregistrer l'audio dans votre logiciel. Donc, vous pourriez vouloir considérer qu'une fois que vous avez téléchargé la version gratuite ou acheté que d'ouvrir FL Studio et nous pouvons commencer 13. Première chanson dans le studio de FL: dans cette vidéo, nous allons créer votre toute première chanson dans FL Studio. Nous allons créer un piège très simple, battre et vous présenter le rack de chaînes et la liste de lecture dans FL Studio. Donc j'espère que quand vous avez ouvert un studio fédéral, vous voyez quelque chose de similaire à cet écran que je regarde ici. Juste au cas où votre écran avait l'air un peu différent. Allez au dossier. Vous êtes des modèles. Base minimale avec limiteur. Assurez-vous que vous pouvez voir ce rack de canaux. Vous pouvez l'ouvrir en cliquant sur ce bouton, et le canal de retour apparaîtra. Qu' est-ce qu'une épave de canal, exactement ? Qu' est-ce qu'une épave de canal, Eh bien, il contient un tas d'instruments ou de sons ou d'automatisation, et il vous montre un léger instantané des notes qui sont pressées par l'instrument. Ce que nous avons ici, c'est quatre instruments différents. Nous avons un kick drum, ils sont favorables et sonne un kick drum, un clap sonore, un chapeau et une caisse claire. Et nous pouvons créer des notes à presser par un clic gauche, et nous pouvons les conduire en cliquant avec le bouton droit de la souris. Donc, ce que je vais faire est de créer un piège battements que vous pouvez copier ou créer le vôtre , et ensuite nous allons exporter la chanson pour jouer le son. Assurez-vous que ce bouton est enfoncé, qui indique à FL Studio de lire le motif. Ok, vous avez l'idée générale, vous pouvez ajouter des notes, et vous pouvez faire des mélodies intéressantes juste en jouant avec la chaîne. Manque moyen vraiment facile de le faire Maintenant que vous avez votre mélodie, ajoutons ce modèle à la liste de lecture, qui est cette année. Si vous ne voyez pas cela, vous pouvez afficher la liste de lecture en appuyant sur ce bouton pour ajouter le, euh, le modèle clic droit sur ce bouton qui ressemble à un piano clic gauche sur le modèle, puis vous pouvez ajouter le motif à la liste de lecture. Ce que vous allez faire dans les prochaines vidéos, c'est que nous allons empiler différents éléments ensemble et les jouer en même temps, ce qui aidera à créer une chanson à son complet pour jouer la playlist. Assurez-vous que ce n'est pas sélectionné, et vous verrez que cette petite flèche est maintenant. Ce curseur fléché est maintenant apparu, et vous pouvez jouer thème sonore, sorte que vous obtenez l'idée. Maintenant, sauvegardons notre chanson. Si vous avez acheté la version complète. Si vous avez seulement acheté la version de démonstration, vous devrez, euh, sauter ce step-house. Vous pouvez aller à l'exportation et le fichier wave, l'enregistrer où vous voulez. Je mets sur mon bureau et ces paramètres, ok, ok, pour l'instant, donc tu peux juste appuyer sur Start, et c'est tout. Nous avons donc créé notre tout premier studio de battements de batterie NFL, et c'est tout pour cette vidéo. On verra si c'est dans la prochaine. 14. Rack de canal: dans cette vidéo, nous allons explorer le rack de canaux beaucoup plus en profondeur. Nous allons parler de toutes les fonctionnalités impliquées dans l'épave de la chaîne. À partir du côté gauche, vous pouvez voir la possibilité de muter sur les canaux muets. Alors jouons à ça. Et si vous êtes parti, cliquez sur l'un de ces moins ici, n'est-ce pas ? Cette section si vous contrôlez en bas puis que vous cliquez sur le bouton gauche vous permet de vous concentrer sur un seul son spécifique suivant qui ont la possibilité de stylo. C' est ce que ce petit ne fait pas ici. Après cela, le volume qui est le mixeur vous indique quelle canalisation vous allez mettre à la table de mixage et nous allons traiter cette autre vidéo. Ensuite, nous avons les échantillons ou les instruments que vous pouvez cliquer sur le son, et il apportera plus d'options. Dans ce cas, puisque c'est l'exemple, vous pouvez voir la forme juste ici, et il y a un tas d'options qui seront probablement explorateurs plus tard. Après cela, nous devons étape séquenceur où vous pouvez faire un clic gauche pour ajouter des notes, et vous pouvez faire un clic droit pour supprimer des notes. Ici, nous avons la possibilité de voir soit le séquenceur de pas ou simplement les notes de piano parce que , essentiellement, lorsque vous ajoutez à un séquenceur de pas vos notes, qui pourraient être visualisées dans le rouleau de piano, et vous pouvez réellement le voir en cliquant sur ce bouton Ici. Vous pouvez le voir dans la vue du but du piano. C' est la balançoire. Ce qu'il fait. Est-il à un léger retard entre l'heure de début de jouer une note ? Mais si vous le vouliez ? Je n'ai que le swing affectant l'un de ces sons au lieu de tout dans ce modèle, ce qui fait bien. Ce que vous auriez à faire, c'est d'aller à votre son ou à votre instrument, et en cliquant sur ce bouton avec la clé, vous pouvez voir qu'il y a une option pour gérer la balançoire juste pour ce son particulier. Ce bouton est ici le bouton de pause. Par ici. Nous avons d'autres options où vous pouvez. C' est juste un menu avec un tas de fonctionnalités. Voici comment vous ce bouton plus ci-dessous vous permet d'ajouter différents instruments de différents sons. Il s'agit de la possibilité de créer des groupes. Disons que je voulais regrouper les applaudissements et qu'ils ont eu ensemble. Eh bien, comment je ferais ça ? Eh bien, tout d' abord, je devrais sélectionner plusieurs sons différents, et je pourrais le faire en cliquant sur le bouton gauche, puis en maintenant les changements et en cliquant sur un autre son . Et puis ce que vous pouvez faire est que vous pouvez les regrouper en cliquant sur cette liste déroulante là-bas sur aller au groupe sélectionné ou vous compresser tous G dans une presse Ulchi et il s'appelle son chapeau et chapeaux et horloge. Donc maintenant, vous pouvez voir qu'on ne voit que deux de ces choses arriver, applaudissez. Et la raison est que nous avons créé un groupe appelé Chapeaux et Clap. On peut toujours tout voir si on a tout choisi. Mais si nous voulons voir ces groupes maintenant, nous pouvons aller avec un coup de main et ça nous montrera les deux. Ceci est plus utile lorsque vous avez des dizaines et des dizaines d'instruments tous alignés, et vous avez juste besoin de voir quelques-uns d'entre eux à la fois. Ensuite est le renommage où ce que vous pouvez faire est que vous pourriez être nommé vos sons et instruments. Disons que je voulais renommer le clip le coup de pied ou je voulais l'identifier d'une manière que je puisse bien choisir cela, vous pouvez faire un clic droit et aller à renommer la couleur et l'icône, et il y a un tas d'options ici. Disons que je veux lui donner un Nikon. Donnons-lui un pouce en haut et nous appelons ce coup de pied génial et notre couleur. C' est quelque chose en cliquant sur le rouge gauche afin que vous puissiez maintenant voir que cela est indiqué qu'il se démarque de la façon dont il a l'habitude de le faire. Si vous voulez juste faire est par défaut, vous pouvez écrire, vous pouvez faire un clic droit. Nous appelons Color Nikon, et il y a un bouton déroulant ici et il y a un tas de valeurs par défaut. Disons que je ne peux pas cliquer ici. Vous pouvez le voir automatiquement choisit juste un pour moi. Ok, parlons des éléments vraiment importants ici, et c'est la possibilité de copier et de supprimer. Tu vas utiliser ça une tonne. Une façon de faire un clic droit et cliquer sur Clone Clone est essentiellement copier et FL Studio, et vous pouvez voir qu'il est fait une copie de cela. L' autre façon est d'appuyer sur le contrôle de notre ultime, puis voir, et vous pouvez voir que tout est mis en évidence a été copié juste en maintenant enfoncé, modifier et impressionnant la mer sur le clavier, vous pouvez copier. Que faire si je veux supprimer cela alors que je peux soit droite, cliquer et supprimer ? Eh bien, l'alternative est de mettre en évidence ceux que je veux. Encore une fois, tu peux. Je, hum, sélectionne en fusion mince, un en cliquant avec le bouton gauche, puis en maintenant les rétrogradations et en cliquant à nouveau. Et vous pouvez supprimer en cliquant avec le bouton droit de la souris et en appuyant sur Supprimer ou en appuyant sur, également en maintenant cela enfoncé, puis en cliquant sur Supprimer sur le clavier. Cela va vous avertir que vous êtes sur le point de supprimer le clip, alors assurez-vous que votre 100 n'est pas sûr de cela car il n'y a pas d'indu lorsque vous supprimez en ce sens, en général, quand vous voulez annuler quelque chose, Disons que j'ai quelques notes. Ici. Vous pouvez appuyer sur contrôle et dit, Et ce que les contrôles qui fait est des contrôles qui est le bouton d'annulation. Mais si vous voulez vous lire quelque chose, vous voulez continuer à faire quelque chose que vous devez appuyer sur contrôle Altman set, et c'est indu. Alors que redo est des contrôles qui Ok, parlons de décalage qui disent que vous voulez déplacer ces coups de pied vers le bas . Comment on fait ça ? Eh bien, tout d' abord, vous sélectionnez tous ces éléments. Ensuite, vous maintenez le boulon enfoncé et vous appuyez sur les touches fléchées vers le bas. Si vieux et eux en bas. Et si je voulais déplacer quelques notes ici ? Disons que je voulais déménager les caisses par ici. Il y a un moyen de le faire, et c'est d'appuyer sur la touche Contrôle vers le bas, puis sur la gauche ou sur les droits avec vos touches fléchées sur votre clavier. Je n'utilise pas cette fonctionnalité trop souvent, mais les vers le bas que j'utilise assez souvent s'ouvrent vers le bas. Donc c'est Alton Arrow keys. Ok, la dernière chose que je veux mentionner ici, je sais qu'il y a eu un peu dans cette vidéo c'est juste la couleur rayonnante. Donc, une façon est de changer constamment les couleurs de tous ces éléments, et je peux devenir assez fastidieux. Quelle meilleure façon est de sélectionner tous les instruments et les sons, puis cliquez sur la flèche déroulante, aller à la couleur sélectionnée et un int gourmand ou aléatoire. Si vous cliquez sur l'int gourmand, vous sélectionnez la première couleur qui sera ici, puis vous allez sélectionner la couleur finale, qui sera ici et vous pouvez voir qu'elle est bien sélectionnée. Une gamme de couleurs que vous pouvez voir sur alternative est d'aller à la couleur sélectionnée puis aléatoire, et c'est probablement la façon la plus cool de le faire. Ok, c'est tout pour cette vidéo. Maintenant, vous à peu près un expert avec l'épave de canal, et nous allons voir dans la prochaine vidéo. 15. Aperçu du piano de: et cette vidéo, nous allons explorer le studio Piano Bowl NFL, où vous allez composer la plupart de vos mélodies pour ouvrir le piano. Eh bien, tout d' abord, vous devez avoir un instrument avec lequel composer. Voici donc le rack de canal, et j'ai besoin d'ajouter un instrument à la chaîne en arrière, donc je vais faire un clic droit dessus, remplacer par Let's Go avec FL Keys. Mesure de sonde générique. Ok, maintenant je vais faire un clic droit et aller au piano Roll. C' est comme ça que tu l'ouvres. C' est donc le but du piano. Si vous êtes un plus petit, il suffit de cliquer sur chaque taille, et cela devrait faire ce plein écran. Donc c'est le Piano Bowl. C' est ce que vous allez regarder beaucoup de temps. Vous pouvez ajouter des notes en cliquant avec le bouton gauche. Vous pouvez supprimer des notes en cliquant avec le bouton droit de la souris et en faisant glisser la note sur celle-ci. Si vous avez besoin de couper la note en deux est une caractéristique ici, juste ici. C' est l'outil de tranche, et il vous permet de couper des notes en deux. Si vous avez besoin de vos muets une note, vous pouvez double-cliquer avec le bouton droit et qui répondra à la note. Donc maintenant, si nous avions joué ça et que vous pouvez le ramener en faisant les choses exactement la même chose. Donc double clic droit. Ok, nous allons parler de la façon de copier vous apprendre à une copie sait. Donc, si je vais voir ici ouvrir les modifications et que vous pouvez voir qu'il y a un tas de contrôles similaires que vous auriez pu voir auparavant dans un document Word. Donc exemple. Pour couper son contrôle x une copie, contrôler, voir coller et duplique celui que je suis utilisé la plupart du temps qui est contrôlé. Sois donc, tout d' abord, je suppose que nous devons apprendre à sélectionner les notes. Donc, pour sélectionner la note, vous maintenez la touche Contrôle gauche Cliquez, et cela sélectionnera une note. Si je veux que nous ayons plus d'une note, disons que j'ai sélectionné ces deux notes sur l'une des autres. Je vais contrôler le décalage, puis cliquez sur la note que je veux ajouter. C' est aussi la même façon de sélectionner, donc je peux encore une fois appuyer sur le décalage de contrôle, puis cliquer sur une note, et cela va sélectionner la note. D' accord. Comment zoomer avant et arrière ? Disons que j'ai un tas de notes partout et que je veux voir à quoi ça ressembled'un point de vue plus large. Disons que j'ai un tas de notes partout et que je veux voir à quoi ça ressemble Je peux appuyer sur le contrôle, puis faire un clic droit avec ma souris et je vais zoomer pour fournir la vue optimale. Si je suis descendu et j'appuie sur le contrôle et le clic droit. Encore une fois, il va se réajuster à trouver la vue optimale. Si vous voulez voir une plus grande échelle, vous pouvez également jouer avec cela. Montez ici et il sera juste de vous. Mais je ne joue pas vraiment avec ça. J' ai juste touché le contrôle, clic droit, et il trouvera tout pour moi. Aussi. Vous pouvez frapper le contrôle et puis tout un et je vais tout sélectionner. Parfois, je fais ça. Et si je veux jouer juste une petite section de ces notes ? Donc je veux jouer d'ici à ici. Comment puis-je faire ça ? Eh bien, j'ai laissé le clic. Désolé. J' espère que je suis le contrôle et ensuite je suis parti. Cliquez sur cette ligne de temps et je peux faire glisser aussi longtemps que je veux jouer. Donc maintenant, si j'appuie sur le jeu, ça ne va jouer que dans cette section ici, et ça va revenir au début. Ok, c'est quoi ce truc ici ? Eh bien, c'est la vitesse, et c'est similaire au volume, mais c'est un peu différent, et je vais l'illustrer dans une seconde. Donc c'est à quelques notes ici. Groupes. Donc c'est la vitesse. Aiken. Réduisez la vitesse ou augmentez-la. La raison est différente du volume. Vous pouvez cliquer ici et vous pouvez voir qu'il y a plusieurs options différentes, c'est que lorsque vous jouez avec certains instruments, la vitesse peut changer la façon dont l'instrument sonne. Par exemple, il pourrait être plus intense. Si vous jouez un violon, alors une vitesse plus faible, alors que le volume est sur Lee. Comme bruyant et calme contre. Parlons d'autres options dans le buff. Donc, en haut, vous avez également la possibilité de regarder les échelles en cliquant sur ce bouton. Ici, vous pouvez voir toutes les différentes échelles que vous pourriez vouloir, et il y a beaucoup à choisir. Disons que je veux une échelle bleue voir, Donc si je clique dessus et que je cuisine sur l'une de ces notes, il trouvera l'échelle bleue pour cela. Donc, ces air savent que sont dans l'échelle bleue pour un actif, - pas le plus grand. Mais vous avez l'idée. C' est un moyen très pratique juste de voir ce que Notre dans l'échelle tout de suite. Quelque chose d'autre que vous allez vouloir savoir est l'aimant ici, et c'est la taille et le zoom avant Allez-vous pouvoir interagir avec les notes ? Disons que je veux faire un non. Mais je veux le faire entre ce rythme ici. Comment puis-je faire ça ? Eh bien, vous avez joué cet aimant ici, et il vous permet d'apporter des modifications à des incréments plus petits. Donc maintenant, je peux faire n'importe quel commit à mi-chemin. Et je pense que tu peux même aller plus petit que ça. Oui, donc c'est à votre disposition. Parfois, je n'en choisis pas aussi. Si je veux avoir une variation aléatoire juste pour jouer avec, alors vous pouvez vraiment choisir des points ? Très bien, et la dernière chose que je veux mentionner est quelque chose qui s'appelle des notes fantômes, et c'est extrêmement utile. Une fois que vous avez la chance d'utiliser un bol de piano et d'utiliser Montel Instruments. Donc, tout d'abord, vous devez activer ces notes fantômes. Alors allez à ici et cliquez sur la vue. Assure-toi que Oh, non. Si vous nous aidez à traverser encore les aides et voici des notes de chèvres, assurez-vous que vous avez cette disponible comestibles à vous que vous le vouliez ou non. Donc maintenant, si j'ai un autre instrument, je vais ramener la chaîne. Et je vais appeler ça pour l'instant. En fait, non. Faisons de cet instrument un autre. Faisons de ça un Boo Bass. On dirait un instrument Seinfeld qui va à droite. Cliquez sur. Ça va être un roman de la base. Arrête. Euh euh euh euh euh. Donc si je joue ça, euh, mais si je vais dans le piano maintenant loin de mon instrument de basse, je peux vraiment voir les notes de basse, et c'est vraiment utile timing similaire. Si vous choisissez de n'en utiliser aucun pour votre aimant, vous partout. Ensuite, vous changez d'avis sur la mise à l'échelle ou votre enregistrement avec le clavier midi ou autre chose, et vous n'avez pas de chronométrage précis. Parfois, vous verrez que c'est en fait un peu hors du rythme. Donc nous Ce que vous pouvez faire est que vous pouvez sélectionner toutes les notes ou les notes que vous voulez. Je viens juste que je vais juste quelques uns de ceux-ci et vous pouvez aller au dossier et il un outil de site. Et puis il y a Qantas, et ce qu'il fera, c'est qu'il verrouillera la note dentée heure de début de l'étape que vous choisissez , donc vous verrez ce que je veux dire quand je frapperai ça. Donc, vous voyez, il est automatiquement ajusté. Oui, juste là. Et si tu te demandes comment je fais ça ici, je fais juste annuler et refaire. Alors lise-le. Ici, tu vois que c'est le contrôle, n'est-ce pas ? Et refaire, c'est le contrôle. Ultra facile, mais désactive généralement tout ce dont vous avez besoin. En fait, non, j'utilise les deux. Ok, donc nous avons couvert un peu dans cette vidéo. Nous avons parlé de la façon d'entrer dans le rouleau de piano, comment déplacer les notes autour des notes de décalage et regardé quelques-unes des fonctionnalités ci-dessus sur le dessus, comment couper les parties, l'outil aimant, comment voir les échelles. Et enfin, comment utiliser le fantôme sait. Très bien, ça suffit de cette vidéo. Nous verrons dans la prochaine 16. Première chanson avec le piano: Dans la dernière vidéo, nous avons exploré le bol de piano. Maintenant, nous allons faire notre toute première chanson, et cela vous aidera vraiment enraciné l'idée de comment utiliser P. animal. Donc, je viens de charger jusqu'à un autre instruments les clés FL et le cas de base bleu. Vous ne vous souvenez pas de vous il suffit de faire un clic droit, d' insérer ou de remplacer. Et puis il y a FL Keys ici, et j'espère que vous verrez la base de démarrage ici. Si vous ne voyez pas la base bleue, vous pouvez l'ajouter en allant à plus de plug-ins. Et tu devrais trouver le sein quelque part par ici. Et puis si ce n'est pas vérifié, assurez-vous qu'il est vérifié. Ensuite, vous pouvez aller pour un insert de clic, et le booby devrait être là-haut. Ok, donc je vais m'assurer qu'il est sélectionné. Aller dans ma base bleue en cliquant avec le bouton droit de la souris but de piano et rappelez-vous, semaine ajouter des notes par clic gauche. Donc je vais faire une simple mélodie ici. Euh euh oh. Pour jouer, je dois m'assurer que le modèle sélectionné pour qu'il joue le modèle à copier. Sélectionnez les notes en en-tête le contrôle, puis en regardant à gauche je peux copier par contrôle. Tu vois, je vais dupliquer en appuyant sur le contrôle et moi Sokoto . Maintenant, si je veux aller dans mon autre épave de canal d'instruments maintenant, je peux voir que la base a quelques notes dans le trou. Je vais aller dans mon instrument de piano maintenant en cliquant avec le bouton droit de la souris Maintenant je peux voir qu'il y a quelques notes ici. L' air, les notes fantômes. Dans le cas où vous ne vous souvenez pas comment les obtenir, vous allez dans l'option. Allez aux outils. Désolé. Les aides sur les notes fantômes. Assurez-vous que ces air sont visibles, donc vous aider avec le timing. Très bien, je vais copier ce décalage d'Aiken à l'autre instrument par un double clic droit sur la note de fantôme, et ça me ramènera à n'importe quel instrument dans ce cas. La base bleue va copier ça ? Dupliquer ça. Je vais retourner à mes touches de piano. Une autre façon de copier est de maintenir la touche Maj, puis de cliquer avec le bouton gauche sur les notes et faire glisser. Je peux choisir de jouer juste cette section en cliquant avec le bouton gauche, puis en faisant glisser. - On doit des sons de maintien. Ok, donc c'est tout pour créer votre première chanson à l'intérieur d'un rouleau de piano Maintenant, c'est un motif, et ce n'est qu'à l'intérieur d'un seul motif. C' est donc une bonne pratique de mettre ceci dans la liste de lecture. Donc je vais sortir du rouleau de piano et tout cela est dans le modèle un, et vous pourriez avoir plusieurs modèles et vous pouvez les ajouter à la place. Alors faisons ça. Je vais ouvrir la playlist maintenant. Je dois choisir quel modèle dans ce cas, nous n'en avons qu'un. Mais si vous en aviez plus d'un, comment l'ajouterais-tu ? Eh bien, il y a un bon moyen d'ajouter des motifs à avec le panneau, et c'est à droite. Cliquez sur ce bouton ici. Ensuite, vous pouvez vous voir une liste de tous les modèles que vous avez. Ce cas, nous seulement un, et puis vous pouvez l'ajouter à votre playlist. Si vous jouez va jouer la playlist, ça ne va pas jouer. Side va jouer le modèle, mais nous voulons vraiment jouer la playlist maintenant les termes un peu confus au début, mais une fois que vous jouez autour, vous comprendrez. Maintenant, nous pouvons jouer ce rôle. Ok, donc tu as une idée de comment tu peux utiliser le bol de piano pour créer des chansons et des mélodies. N' hésitez pas à créer votre propre chanson et à partager, et j'espère que nous serons en mesure de comparer avec certains de vos pairs, et ils pourraient aimer la chanson aussi. Donc j'espère que cette vidéo est utile et nous verrons dans la prochaine. 17. Aperçu de mélange: mixage est le processus dans lequel vous choisissez les instruments et les sons qui se distingueront des autres instruments de la zone. Donc, vous allez choisir que la mélodie principale se distingue en termes de pouvoir être entendue clairement et a droit à un volume que les éléments inférieurs qui sont moins importants en termes de mélodie. Il s'agit donc de décider soigneusement quels sons sonneront bien et ceux qui sonneront mauvais et doivent être minimisés. C' est aussi le point où vous commencez à ajouter des effets pour créer soigneusement vos sons. Donc, dans cette vidéo, ce que je vais faire est sur quelques-unes de toutes les fonctionnalités qui viennent avec la table de mixage, et après cela, je vais rapidement faire un mix de cette chanson ici. Donc, la première chose que nous faisons est aux instruments de la table de mixage. Il y a quelques façons de le faire. L' un est d'ouvrir tous les sons instrumentaux et de sélectionner le bouton sous piste. Si vous ne voyez pas ce bouton, assurez-vous que vous obtenez les paramètres et ensuite vous serez en mesure de voir cela afin que vous puissiez appuyer sur ce bouton de piste et il ajoutera l'instrument sonnera mélangeur denté ainsi que les couleurs et le nom sur alternative pour ce faire, c'est de tout sélectionner. Je viens de double-cliquer à gauche, et maintenant je peux sélectionner un canal dans la table de mixage. Maintenez la touche Contrôle Maj enfoncée et la lettre L, et cela ajoutera tous les instruments et sons qui se trouvent dans le canal lech à la table de mixage, y compris les couleurs et les noms. Une fois dans le mélangeur, vous pouvez changer de position en tenant des quarts de travail et en scolarisant avec vos bouches, et cela les déplacera. Alternativement, vous pouvez simplement l'école vers le bas sur l'instrument réel avec votre souris sur votre école. Ou vous pouvez le faire avec n'importe quel instrument. Ils font tous la même chose, juste changer la position. Bon, maintenant on a ajouté nos instruments à la table de mixage. Jetons un coup d'oeil à ce que le mélange a. Il y a quelques façons de regarder le mélange. Différentes vues que vous pouvez zoomer pour rencontrer un peu plus, vous zoomez. Zoom large deux ou trois. Ensuite, vous pouvez réellement voir les nombres dans le volume. Reste avec large, aussi. C' est bon pour l'instant. Tout d'abord, c'est le niveau de pointe, donc cela va montrer le volume. Donc si je devais jouer à la prochaine, c'est le muet et un bouton Knute. Donc, c'est comme ça que vous vous déplacez en cliquant gauche, vous pouvez solo, qui signifie que vous jouez cet instrument sur son propre et tout le reste devient YouTube maintenant le contrôle, puis en cliquant à gauche afin que vous puissiez voir tout le reste en sourdine, un sourd. Si vous maintenez la touche Maj enfoncée et le clic gauche qui parcourra la piste de sorte que lorsque vous effectuez d' autres changements globaux, ces pistes verrouillées ne seront pas affectées ci-dessous. C' est le panoramique. Donc, cela va choisir si les haut-parleurs à gauche ou à droite je vais recevoir le son à tout moment. Vous pouvez cliquer avec le bouton droit de la souris et réinitialiser pour rétablir la valeur par défaut du contrôle de l'instrument. C' est le volume ci-dessous qui est le séparateur de face et le canal gauche et droit, que vous n'utiliserez pas trop au début. Ceci est le contrôle mono et stéréo tout le chemin, écrit son mono tout le chemin à gauche de la stéréo. Je couvre l'esprit stéréo qu'une autre vidéo. Cela vous dit que vous allez enregistrer et recevoir tout le signal audio si cela est sélectionné, donc il s'agit de l'enregistrement audio. Après cela, nous avons la possibilité d'acheminer des canaux vers d'autres canaux. Donc, si je veux envoyer le son de ce signal à un autre canal qui, disons, disons, Channel 10, c'est à ça que sert cette zone. Je peux faire un clic droit sur une flèche déroulante et sélectionner un itinéraire vers la piste ou le changement de côté de cette piste. Si je route vers cette piste, tout le signal audio et l'entrée seront envoyés à ce canal. Si je sélectionne la chaîne latérale à cette piste, quelles sont les différences entre la réalité et la chaîne latérale, il détermine si c'est sec ou humide. Donc sec signifie que c'est sur la valeur zéro et ce que cela signifie que c'est sur la valeur 100 si bien ou dans la pièce entre. L' idée est que c'est complètement éteint, et c'est complètement activé. Donc, quand quelque chose est sec, il est éteint. Et quand quelque chose est mouillé, c'est sur c'est surune chaîne latérale 100% eso. Dans ce cas, cela signifie simplement que vous allez commencer en position off dans la position sèche et que la route est juste dans la position on. Donc, c'est à dire, ne l'envoyer qu'à ce trek. Il existe d'autres moyens de le faire. Par exemple, vous pouvez cliquer avec le bouton droit de la souris et dire sélectionner puis routé vers une autre piste. Mais je trouve que le moyen le plus simple est juste d'utiliser les zéros. Disons que j'ai routé sur cette piste et que j'ai changé d'avis, donc j'ai choisi. Que se passe-t-il maintenant ? Si je joue, je ne l'entends plus. Il sonne et la raison est que tout le signal a été envoyé à Channel 10 et ensuite j'ai coupé ce signal. Donc maintenant, il n'y a plus de sortie pour ce son. Ce que je dois faire dans ce cas, c'est de le renvoyer au canal maître afin que je puisse sélectionner le canal clic droit. Peut-être que cette astuce façon ont le volume de retour sur le côté droit est les effets, Donc si je sélectionne un canal, je peux appliquer des effets à elle. Je peux sélectionner une fente en cliquant avec le bouton gauche de la souris et en choisissant l'un de ces effets que j'aime. FL Studio est livré avec un grand nombre d'effets de haute qualité. Choisissons quelque chose comme le retard. Donc, si j'ai ce délai maintenant, si j'aurais joué waken Voir que l'effet de retard est maintenant appliqué à ce canal. Si je sélectionne cela et que je veux supprimer l'effet, je peux frapper l'endroit et ensuite aller à aucun que j'ai d'effet de film. Une autre chose à considérer est que les fentes de la sont en fait important de l'ordre. Donc, si j'ai un retard et puis j'ai eu de la fièvre, le retard sera affecté sur le canal d'abord, et la rivière inclura tout à l'avance, Donc, il inclura le retard. L' ordre selon lequel ces choses sont une position est donc important. Vous pouvez également copier ces effets en cliquant sur le bouton gauche, puis enregistrer les prêtres comme Et vous pouvez le faire glisser vers un autre canal comme So. Donc j'ai copié le délai de restauration de mes touches FL à la base Boo si vous voulez supprimer un canal. Donc disons que ce canal basé sur boo je veux tout supprimer dessus. Je n'aime pas le règlement. Donc, ce que je peux faire est de sélectionner un canal vide, clic droit sélectionner le fichier, enregistrer la table de mixage , piste , State ass, et je pourrais le faire glisser sur le canal que je veux supprimer qui va maintenant complètement vide que canal. Cependant, nous jetons un coup d'oeil à la base bleue, nous verrons qu'elle est toujours acheminée vers le canal. Tout ce que nous avons fait est d'enlever tous les effets, quelque chose à garder à l'esprit. Encore une fois, je vais juste le ramener. Channel 2 allait signer une chaîne libre qui se trouve être la chaîne libre. Numéro deux station d'accueil est la possibilité de s'assurer que vous pouvez voir l'un de ces canaux tandis que votre école dans la table de mixage afin que je puisse sélectionner un canal tel que, Disons, Disons, je me sentais base bleue et je pourrais cliquer avec le bouton droit de la souris sélectionner Doc à je peux choisissez Gauche Milieu, droite. Si je choisis la gauche, Je peux maintenant l'école à travers le mélangeur et il conservera la position hors du canal sur Laissez ici nous avons une automatisation e que très simple est la capacité de contrôler certains d'entre eux . Certaines de ces caractéristiques novice automatiquement tout au long de la chanson. Vous pouvez ajouter l'automatisation en cliquant avec le bouton droit sur n'importe quelle fonction. Dans ce cas, je vais choisir le volume, et vous pouvez sélectionner crée clip d'automatisation. Vous pouvez sélectionner la région pour laquelle vous souhaitez créer l'automatisation en maintenant la touche Maj enfoncée et le clic gauche, puis en cliquant avec le bouton droit sur l'automatisation, ce qui ajoutera l'automatisation uniquement pour cette durée. Cependant, il y a un avertissement et un danger à faire cela. Si je veux changer le volume après l'automatisation, je peux rencontrer des problèmes, alors laissez-moi vous montrer. Donc je vais jouer qui vient de se venger d'être ici. Si j'appuie à nouveau sur Play, vous remarquerez qu'il remonte à la position d'origine. La raison en est que l'automatisation remplace tout ce que je pourrais faire avec le volume. Donc, vous devez faire attention à l'automatisation que vous avez. Et parfois même lorsque cette automatisation se termine, vous pourriez toujours être affecté. Donc, ce que je recommande habituellement est juste permettre l'automatisation pendant longtemps que la chanson est, ou tout simplement être très prudent orteil lorsque vous supportez l'automatisation lorsque vous commencez. Si vous appuyez sur, créez l'automatisation découpée par défaut, elle dure simplement toute la durée du morceau. Donc, vous n'avez pas à faire face à ne pas savoir quand le volume ou autre non va changer, parce que vous pouvez toujours le voir pour donner un petit exemple. Automatisation. Je vais diminuer le volume et puis juste augmenter lentement impliquant. Entendons ce sens et vous verrez que le bouton se lève lentement. Ok, donc ce sont les principales caractéristiques de la table de mixage. Vous pouvez faire beaucoup de choses avec ceux-ci, surtout une fois que vous commencez à explorer les effets. Pour l'instant, mélangeons ce morceau que j'ai ici, Donc c'est juste un très simple Il y a un piano, une basse, une basse, basse, son d'instrument pincé et quelques percussions de base. Alors écoutons ce que ça ressemble sans aucun mélange, et ensuite on va le mélanger. J' ai pensé. OK, donc c'est évidemment très simple, rien de trop spécial ne se passe ici. Donc, ce que je veux faire, c'est m'assurer que la mélodie principale se démarque et que tout le reste soutient plutôt que de la surcharger. Donc, je crois que la mélodie principale est en fait la section pincée. Je veux donc m'assurer que la section de la cueillette se distingue le plus. Donc, ce sera probablement l'une de mes zones de volume plus élevé et tout le reste que je peux réduire autour que c'est juste que la ligne directrice n'est pas une règle générale, pas une règle complète. Une chose qui est un peu plus proche de la règle est de décider d'augmenter le volume sur votre mélangeur ou de diminuer le volume et La recommandation est généralement de diminuer le volume plutôt que d'augmenter le volume, pour plucs dans ce cas, et la raison descend à l'étape suivante qui fera couvrira plus tard dans le cours, qui est la maîtrise. mastering est lorsque vous augmentez le volume global de votre chanson et de ses parties individuelles. Pour augmenter le volume, vous devez avoir un volume faible pour commencer. Donc, si vous augmentez le volume au maximum au début, il n'y a nulle part où le volume augmente. Donc, plutôt que de faire ressortir la mélodie principale en augmentant le volume, ce que vous devriez faire est de diminuer le volume de tout ce qui l'entoure. De cette façon, ce sera relativement plus fort, et vous pouvez toujours augmenter le volume plus tard. Ok, alors jetons un coup d'oeil à ça et identifions les zones principales. Quand je l'écoutais, je crois que la base de coffre était un peu faible. Il n'était pas assez fort. Le pincé était la mélodie principale dit d'accord, mais l'effort qu'il semblait être un peu fort. En même temps, je pourrais réduire les clés un peu de préavis mois à nouveau. Je ne peux pas changer ça ici parce que j'ai une automatisation. Donc, je dois changer le volume d'automatisation. - D'accord , donc à mon avis, c'est un peu plus équilibré que ce que j'espère. J' ai la capacité principale, il se démarque. Je peux entendre les tambours clairement sans rien d'accablant directement. Donc c'est votre aperçu du mélange. Vous comprenez maintenant les fonctionnalités qui sont impliquées dans le mélangeur, comment les utiliser et le but général du mélange. 18. Installation de plugin externe: Si vous avez acheté une prise externe ou un instrument, comment les amener dans FL Studio ? Eh bien, la première chose que vous faites est de l'installer en utilisant n'importe quelle installation logicielle que vous utilisez, que ce soit en téléchargement ou en utilisant un CD, puis allez à votre épave de chaîne, cliquez avec le bouton droit, Aller à insérer. Dans ce cas, j'ai installé massive et je veux apporter massive dans mon studio fl et je ne le vois pas listé ici. Obtenez. Donc je vais aller à plus de plug-ins, gérer les plug-ins, et voici où tous les plug-ins seront envoyés par défaut. Vous pouvez sélectionner Démarrer l'analyse. Votre ordinateur devrait pouvoir le trouver tout de suite. Et puis je dois juste localiser massive quelque part ici qu'il est là, il n'est pas montré. Vous devrez peut-être aller pour localiser vos plug-ins en trouvant un dossier studio et en l'ajoutant via ce bouton Ici. Une fois que vous avez localisé votre plug in pour sélectionner check, vous pouvez x out, et maintenant je peux aller dans insert et il y a massive. Elle est montrée maintenant 19. Enregistrement audio et Midi: Parlons de la façon d'enregistrer audio et midi dans ce studio complet. Je vais vous montrer trois façons, la première façon d'utiliser Edison comme éditeur audio, la deuxième comme utiliser un clip audio, ce qui est généralement le moyen le plus rapide. Et puis je vais vous montrer comment enregistrer le Midi et l'automatisation dans Apple Studio. Donc la première façon d'aller vers vous, assurez-vous que j'ai dormi dedans pour faire monter la table de mixage. Assurez-vous que vous pouvez voir la section Effets en cliquant sur ce bouton et que vous voulez choisir et mettre en surbrillance une chaîne de sélection. Choisissez ensuite le microphone dans lequel vous souhaitez enregistrer. Dans ce cas, je vais choisir un mon téléphone qui est donné par défaut, qui est modèle parce que je n'ai qu'un microphone d'enregistrement modèle. Si vous n'avez pas de microphone stéréo, vous ne pourrez pas choisir que la plupart des microphones n'était qu'une seule entrée, donc ce sera celui pour la plupart d'entre vous. Ensuite, je vais aller à un disque, donc je pense que ce n'est pas si d'après Edison et dire que c'est l'audio. Il y a beaucoup d'outils d'édition ici et vous voudrez peut-être explorer. Ce n'est pas tout seul, mais pour l'instant je vais simplement le faire glisser en cliquant sur ce bouton et en faisant glisser dans la liste de lecture. Allons entendre à quoi ça ressemble. Alors maintenant j'enregistre dans Edison, et tout ce que je dis est enregistré. Ok, donc c'est la première façon. Regardons l'enregistrement dans un clip audio. Vous remarquerez également que ce bouton devient rouge lorsque Audio Channel est courtisé en Tout droit. Donc je vais faire le sexe et toi, Channel et le tribunal. Donc, nous sommes des dangers du deuxième trimestre. Entendons ce sens. Voici donc le deuxième enregistrement utilisant la méthode du clip audio. Ok, Maintenant, voyons comment s'accorder. Peut-être, tu sais, pour enregistrer, peut-être que tu dois avoir un mini-instrument. Donc tu penses avoir fait un piano ou une batterie ou quelque chose comme ça ? Je vous ai montré comment le faire et le connecte dans une autre vidéo. Si vous avez cela, Je vais faire un clic droit sélectionner inserts, avoir l touches ou tout instrument que vous choisissez. Et je vais m'assurer que dans mon épave de canal, c'est la chaîne qui va enregistrer. Il y a aussi des options si vous avez plusieurs instruments dont vous voulez enregistrer, puis vous pouvez choisir comment vous voulez recevoir les notes sur quels instruments voulez-vous ? Pour l'instant, je suis juste que je n'ai qu'un seul connecté. Donc ça va juste être enregistrer à travers mon clavier MIDI, qui est ce que je veux, puis aller à ici sélectionné Accord. Donc, comme les notes et l'automatisation. Et une fois qu'il va compter à rebours parce que j'ai choisi le compte à rebours et puis il va commencer à enregistrer. Entendons ce son qui sonne. Je vais dans mon rouleau de piano. Nous pouvons voir plus en détail comment les notes ont été enregistrées. Nous pouvons voir que vient de les enregistrer sur la base des notes de piano ici, et est ajouté dans une certaine vitesse parce que mon clavier de piano peut prendre en vitesse. C' est à quel point j'ai appuyé dur, combien d'accent j'ai utilisé, et dans ce cas, philosophie pour le clavier est juste le volume, donc c'est vous l'avez fait. Il semble que si je change la vitesse, vous remarquerez également que si nous zoomons sur certaines touches, les notes ne commencent pas exactement au début des barres. Et la raison est que je n'ai pas tourné les boutons sur, euh, au bar, donc c'est seulement être accroché à chaque pas. Vous pouvez changer cela et jouer autour de cela en fonction du type d'enregistrement que vous voulez avoir. Si vous jouez avec du piano, il ne voudra peut-être que s'accrocher à aucun ou deux, peut-être à chaque demi-pas. Ok, donc ça vous donne une idée de base de la façon dont il s'agit d'un tribunal utilisant trois méthodes différentes dans Edison comme clip audio ou comme Mitty. 20. Exporter votre chanson: Ok, tu as créé une chanson. Maintenant, vous devez sortir cette chanson de FL Studio. Comment faites-vous ça ? Eh bien, il y a un tas de façons de faire exploser votre chanson. Voici une façon d'aller à l'exportation de fichiers, puis choisir le format de fichier que vous voulez exporter en tant que nom de votre chanson. Je vais appeler cette chanson pour s'amuser. Je vais juste mettre ça sur mon bureau pour l'instant. Et voici les différents formats que vous pouvez choisir loin. Fichier MP 30 g f l a c Immédiatement etcetera. Le fichier de façon en général est de la plus haute qualité. Le son est aussi la plus grande taille de fichier. Si je choisis MP trois, vous verrez que cette taille de fichier est significativement plus petite et compressée. Cependant, cela peut affecter la qualité sonore de la chanson. Il peut être plus faible si vous utilisez wave. Vous voulez vous assurer que vous êtes le plus élevé, au moins lorsque vous effectuez l'exportation finale, ainsi que dans l'échantillonnage et le nombre le plus élevé. Si vous utilisez MP trois, vous voudrez jouer avec le débit binaire inférieur plus élevé. Vous pouvez voir à nouveau la taille du fichier dépend de la quantité que vous compresser, mais il s'agit d'un son de meilleure qualité. Supposément, les fichiers MP trois et wave vont être proches de la qualité sonore quand ils sont à leur puissance maximale. Mais c'est vraiment à vous de décider si c'est vrai ou non. Donc une fois que vous avez décidé que vous pouvez frapper export et que votre chanson sera envoyée hors de FL Studio Et si vous voulez envoyer les mini-notes de vous-même à quelqu'un d'autre ou pour l'utiliser dans un autre projet, comment faites-vous ça ? Donc une fois que vous avez décidé que vous pouvez frapper export et que votre chanson sera envoyée hors de FL Studio Et si vous voulez envoyer les mini-notes de vous-même à quelqu'un d'autre ou pour l'utiliser dans un autre projet, Accédez à l'élément qui va être exporté. Donc, dans ce cas, je veux exporter ces clés. Votre allez dans le menu déroulant, Sélectionnez le fichier exporter autant de fichiers. Ensuite, vous pouvez choisir la section dans le nom de la chanson dans ce château est appelé Midi Notes Aide avec cela sur mon bureau. Maintenant, si je voulais ajouter un instrument, je vais le dire à un nouveau modèle. Donc ça n'a pas encore de notes, et je vais juste ajouter quelques notes à mon évaluation. Les touches peuvent trouver mes notes MIDI et le faire glisser dans l'instrument et vous pouvez voir les notes de maintenant être ajoutées et je peux jouer ces notes. Que faire si je veux envoyer cette chanson à un lecteur d'instruments ou que je veux envoyer cette connaître cette chanson sous forme de partition afin que d'autres personnes puissent les lire qui n'utilisent pas FL Studio du tout. Vous pouvez aller dans le menu déroulant, sélectionner l'exportation de fichier en tant que partition, puis nommer votre pièce en choisissant le nom de votre pièce. Choisissez la signature temporelle et l'échelle et appuyez sur le départ, et ici vous pouvez voir qu'il est en fait converti toutes ces mini-notes en une partition de piano. Oui, dans des partitions. Il est limité dans la mesure où vous ne pouvez pas les contrôler manuellement. Vous devrez utiliser un logiciel externe si vous voulez utiliser des touches encore plus raffinées pour contrôler quand vous voulez l'espacement dans les claps de problèmes et les clubs de basse. Mais c'est pour les personnes qui n'utilisent pas Apple Studio. C' est pour si vous voulez obtenir un autre logiciel. Ce sont donc les trois façons que vous pouvez exporter. Votre chanson vient d'aller dans le fichier et de les exporter dans différents formats de fichiers autant de notes que de partitions ou de partitions. Lorsque nous arrivons à la partie mastering de ce cours, vous apprendrez également à envoyer les tiges individuelles de votre chanson afin que vous puissiez envoyer votre chanson à un ingénieur de mélange ou de mastering. Mais nous y reviendrons dans la section du mastering. 21. Plugins orchestraux recommandés: Allons vous chercher quelques branchements pour commencer à marquer vos bandes son. Tout d'abord, consultez votre station de travail audio numérique. Vous en avez peut-être déjà avec celui que vous utilisez. En supposant que ça ne suffit pas, vous êtes quelques recommandations. Tout d'abord, le Blake Robinson Synthetic Orchestra. Open Source gratuit. Blufgan a de grandes articulations et des instruments. Certainement. Vérifie celui-là. Nous avons le Brazilian Chamber Orchestra est un autre buggin d'instrument libre et open source avec beaucoup d'instruments différents que vous pouvez vérifier et l'orchestre virtuel aussi libre et open source. Donc, vérifiez l'un de ces 31 d'entre eux est très bien. Et si vous en prenez un, vous êtes bon pour ce cours, vous n'avez besoin de rien d'autre. Vous n'avez pas à payer plus d'argent si vous ne voulez pas. Ce sera bien si vous êtes prêt à vous séparer d'un peu d'argent. Voici quelques autres recommandations, mais pas requises pour les scores. Juste des recommandations. Si vous possédez déjà le bouchon de sérum. C' est un pack préréglé par un cachemire et sept cieux, où ils ont enregistré un tas d'instruments différents et ils ont fait un excellent travail. C' est donc un préréglage pour être certain que vous pouvez ensuite manipuler dans la fiche. Et c'est une bonne chose. Si vous cherchez à vraiment entrer dans le professionnel, vous pouvez commencer à dépenser un peu d'argent. Et c'est probablement là que tu cherches à dépenser tout ton argent, et c'est East West. Donc c'est les grands gars où ils ont vraiment utilisé ces plug ins pour beaucoup de films hollywoodiens dernièrement. Donc, vous condamnez inné vérifier ça. Et enfin, inquiétant. La peur est, eh bien, n' est pas génial pour orchestral, mais ils ont beaucoup d'instruments, qui sont vraiment bons pour d'autres types de bandes sonores. Donc, ils ont des objets métalliques et juste quelques instruments vraiment intéressants que vous êtes allés attendre. Et ces air aussi vraiment utile pour la notation de films ou de jeux vidéo. Donc, ces sur mes recommandations pour les plug-ins que vous pouvez utiliser lorsque vous marquez vos bandes son 22. Disposition de fil: Maintenant, nous allons plonger induit jumeaux arrangement. Et c'est ainsi que vous allez créer un son d'orchestre à son complet La plupart du temps, cela vient de la temps, façon dont vous organisez et créez une mélodie dans votre mélodie principale. Donc ça va être divisé en plusieurs parties. Tout d'abord, nous allons discuter d'ajuster votre partie de voix, d' écrire des notes d'analyse, d'avoir des mélodies de rencontre, d' avoir des autos Austin, d'ajouter de l'espace, d' ajouter des courses, puis de casser les parties pour chaque instrument. Faites toutes ces choses, vous savez, avoir un arrangement de cordes très intéressant. Donc la première chose que je veux faire est de jeter un oeil à cette simple progression judiciaire que nous avons ici et nous allons utiliser ceci comme une référence à partir de laquelle nous commençons, et nous allons transformer ça en une milady beaucoup plus intéressante. Ce n'est que huit bars. ce moment, c'est dans la clé du sol majeur. Vous pouvez répliquer. C' est si tu veux. Je vous enverrai aussi les notes Midi pour que vous puissiez jouer avec ça. Et maintenant écoutons ça. Et puis la plupart commencent à se diriger dans tous ces autres outils. Ok, donc la première chose dans laquelle je veux aller est l'écriture partielle. Et c'est ainsi que les progressions judiciaires sont mises en place en premier lieu. C' est que chaque note, dans un accord devrait faire un pas satisfaisant vers les notes suivantes dans la cour. Donc, la façon la plus simple de le faire est d'isoler les sections individuelles. Par exemple, si je voulais juste écouter la note la plus élevée de la cour, est-ce que cela semble conduire à la note suivante ? Alors écoutons ça. Donc, il semble que dans cette section sera ici. C' est juste répéter. Alors peut-être pourrions-nous rendre cela un peu plus intéressant en ayant quelque chose de mawr. Et nous pouvons le faire en ajoutant peut-être une inversion. Donc, une inversion prend juste, par exemple, la note la plus basse et met sur le haut de la note en mettant sur le fond, juste réarrangeant la structure de la cour elle-même. Donc dans ce cas, ce que je vais faire, c'est que je vais prendre la note en bas, ce qui est un avant. Je vais mettre ça en haut, voir si ça sonne mieux. Eh bien, peut-être que celui-là sonne comme ça pourrait aussi conduire à quelque chose d'un peu plus proche . Et c'est, il s'avère, est aussi juste une inversion sur la note de fond. Donc, nous allons entendre que la prochaine chose que nous voulons faire est de créer une sorte de notes d'analyse . Et ce sont des étapes entre les cordons principaux pour créer une sorte de mouvement. Oui, je peux aller de n'importe où dans l'échelle, et je pourrais simplement ajouter une note qui va aller d'une position à l'autre. Heureusement d'écouter vos oreilles et de vous assurer que cela sonne bien, mais en général, c'est ici peut aussi le faire dans la même cour aussi. Juste s'assurer qu'il y a un peu d'espace de cela est perceptible. Mais l'idée générale est que vous voulez juste ajouter quelques étapes entre les accords principaux. C' est un mouvement entre chaque cour. Ok, maintenant cela va se lier à l'étape suivante, qui est de créer une mélodie de contre-mélodie et vous utilisez des notes de la même clé et essayez créer une mélodie qui va aussi à Bork et est un peu différente de la principale mélodie pour qu'on puisse entendre que c'est une sorte de bas en bas, puis ça s'effondre et on va avoir une contre-mélodie qui va faire quelque chose de différent de ça. Donc je vais trouver un endroit qui n'a pas encore trop de mouvement. Peut-être que ce tribunal là-bas, nous verrons ce que les notes d'Aiken se mêlent ici qui aura des comptes. Je pourrais le faire à plusieurs endroits, mais vous aurez l'idée générale suivante, nous allons ajouter quelques Austin à fait, et nous allons avoir un mouvement entre les notes on et off de l'intérieur du cordon principal. Une fois de plus, on va trouver un endroit qui n'a pas encore trop de mouvement. N' oublie pas qu'un certain point va devenir trop encombré et que tu ne le remarqueras pas . Toute différence va juste être un peu gâchis. Donc tu vas juste faire ça avec des zones qui ne sont pas déjà trop occupées ? Donc peut-être par ici, on verra ce qu'on peut faire avec ça. Quel genre de mouvements pouvons-nous avoir sur et hors ? Non, juste ajouter un peu de rythme dans ce Maintenant, d'accord, ce n'est peut-être pas la plus grande utilisation de cela, mais je veux juste fournir. C' est un exemple. Ok, Ensuite, on va ajouter un peu d'espace pour descendre à une seule note, donc ça va le rendre plus perceptible. Et vous aurez un certain mouvement à venir, en élargissant les notes et en les étalant ainsi qu'en arrivant pour que vous soyez plus attentif à cela. Donc ce que nous allons faire est que nous allons trouver des cordons ici, multi, en fait soustraire et dit de l'affaiblissement précoce, juste ajouter des notes. Maintenant, on va prendre des notes pour que tu sois attentif. Mawr pour commencer par pièces. Donc juste pour le répéter encore, ce que nous faisons c'est que nous prenons en fait des notes loin de certaines parties agissent dans l'espace pour que les notes qui existent soient plus perceptibles parce que, quel silence ? Vous ferez attention à plus où il y a du son et ainsi de suite. Ok, maintenant ce qu'on peut faire, c'est que tu peux ajouter quelques courses si tu veux, et ce que je veux dire par course c'est juste que tu sais, rythme rapide est le rythme des notes. Habituellement, cela se déplace vers le haut dans l'échelle, et cela se fait souvent à la fin d'une phrase. Donc, ce que nous pouvons faire ici, c'est jeter un oeil à cette partie finale et transformer cela en une course une fois de plus, nous restons dans la clé pour la plupart. Donc, ce que nous avons fait est globalement, nous avons décomposé les accords de cordes, tout d' abord en écriture partielle, donc chaque note devrait être une étape satisfaisante d'une note à la note suivante. Ensuite, nous ajouterons un peu de voix. Faire. Cela fait partie de cela, et vous ajoutez simplement des versions, déplaçant certaines notes vers le haut ou vers le bas. Nous ajoutons quelques notes d'analyse, qui sont des étapes entre les tribunaux principaux. C' est ce qu'on a fait ici. Ensuite, nous avons ajouté des contre-mélodies en utilisant des notes de la même clé. Encore une fois, nous l'avions ostinato un tel mouvement entre les notes sur et les notes souvent. Il suffit d'ajouter un peu de rythme dans vos cordes. Nous avons ajouté un peu d'espace, en enlevant quelques notes dans certaines parties. Vous prêterez plus attention aux sons qui existent. Ensuite, nous avons ajouté quelques courses aux extrémités, et la dernière chose que je veux faire est de parler de la façon dont vous pouvez diviser cela en différents instruments en ses propres modèles. Par exemple, dans notre mélodie principale ici, nous avons plusieurs parties différentes ici, par exemple, nous avons nos accords clés. Nous avons des batailles géniales. Nous avons un contre-mélodies. Nous avons nos courses. Tout cela pourrait être en utilisant différents instruments, donc affaiblir. Émulez cela et utilisez différents instruments au sein de notre station de travail audio numérique. Et ce que je vais faire, c'est que je vais diviser ça en différentes sections. Par exemple, ce moment, j'utilise juste une alto, mais je pourrais avoir un violon pour les notes supérieures. Je pourrais avoir un violoncelle pour les notes inférieures. Je pourrais si tu as une différence. Articulation, Par exemple, j'utilise East West Instruments ici, et East West est livré avec différentes articulations pour le même instrument. Par exemple, dans mon alto, j'ai une option qui dit fonctionne et avec cela fonctionne ici. Ce qu'il fera, c'est qu'il rendra la course beaucoup plus visible car c'est un instrument conçu spécifiquement avec des échantillons pour une course. Alors sortons ces parties individuelles. Tout d'abord, je vais regarder la section haute dans la section haute pour moi signifie que c'est probablement un violon joue ça, donc je vais prendre ces notes et je vais les déplacer vers un autre instrument. Mettons-les dans le violon, avons créé un instrument d'échantillonnage de violon, et je vais juste les coller là et je ferai la même chose pour le fond. Pour moi, on dirait que ce serait un instrument inférieur, donc peut-être que ce serait un violoncelle. Enlevez-les. Colle ça dans un Chilo. Non, j'ai aussi un instrument spécialement conçu pour les courses. Je vais donc prendre cette course à la toute fin, et je vais le coller dans sa propre section. Bon, écoutons ce que tout sonne. Tout d'abord jouera le début. Ce sont les tribunaux originaux où nous n'avons encore rien changé, et ils sont tous statiquement posés sans aucun mouvement de modèle et de rythme à l'intérieur. Et puis nous aurons notre deuxième version où vous pourrez voir toutes les différentes combinaisons qui se produisent. Alors écoutons le début 23. Étude de cas: Maintenant, il est temps de faire une étude de cas. Donc, c'est une chanson que j'ai créée récemment, et je vais la jouer pour vous dans cette vidéo et dans les prochaines vidéos, je vais faire référence à cette chanson est un exemple et certains des éléments qui ont été utilisés dans la création de cette chanson. Je vais ensuite déconstruire et expliquer que vous pouvez le faire en utilisant cette astuce et ainsi de suite. Donc je n'ai pas écouté la chanson et j'en profite, et puis dans les trois prochaines vidéos, nous allons la décomposer. 24. Faire des cordes réalistes: Comment faites-vous des cordes de ponçage réalistes dans vos partitions ? Nous plongons plus profondément dans les éléments d'orchestration ici, et c'est là que les gens pensent à sa partition hollywoodienne pour Fillmore pour le jeu vidéo. Et ils ont une grande idée d'un orchestre entier qui joue. Alors identifions comment faire ça. Tout d'abord, pensons à ce qui se passe et être une vie. Si vous alliez voir un concert d'une grande symphonie jouant, quel serait tout ? Vous aurez un tas de personnes sur scène jouant différents instruments disposés dans différentes sections, et vous aurez ce compositeur qui a inventé ces pièces pour qu'ils puissent jouer ensemble. Donc, si vous regardez seulement la section de cordes, si vous regardez la définition traditionnelle d'un groupe de cordes de chambre standard, vous aurez les premiers violons, deuxième violons, les bases d'Ola et les Tello. Traditionnellement, ce nombre dans un groupe de cordes de chambre standard est de huit violons, cinq violons , quatre villas, deux bases et quatre Tello. Si tu devais aller voir un groupe de cordes symphoniques standard, ça veut dire que tu auras probablement 18 violons. 14 2ème violence 10 villas, huit pièces et des ellos de tanche. Et quand on voit un énorme groupe comme celui-ci, c'est vraiment un gros son parce qu'il y a beaucoup de gens qui jouent ces instruments maintenant. Ce n'est pas pratique pour les logiciels, parce qu'un qui est beaucoup pour écrire et être votre ordinateur ne peut probablement pas gérer autant instruments, ou du moins pas facilement, sauf si vous avez dépensé beaucoup d'argent. Donc, ce que nous avons trouvé est quelques raccourcis ici sur l'expérimentation et que le nombre minimum d'instruments pour obtenir une bande de cordes sonore complète est le suivant. Habituellement, quatre violons suffisent. Trois secondes de violons à révéler comme trois bases et trois frissons. Tu as ce numéro ? Cela semble assez complet, et la plupart des gens ne seront pas en mesure de dire la différence que vous utilisez MAWR ou utiliser ce numéro. C' est un son assez complet que je suis sorti pour que vous puissiez vous en tenir à ceci comme votre guide. Alors maintenant, nous savons combien d'instruments à utiliser si vous vouliez faire un groupe de cordes à son complet , mais comment puis-je faire en sorte que quelqu'un les joue plutôt que juste le logiciel le fait depuis le son ? que C' est làqueles articulations vont entrer en jeu. Et c'est quelque chose que le musicien qui joue réellement l'instrument saura tout à ce sujet. Mais comme quelqu'un qui pourrait ne pas jouer du violon ou de l'alto sur le violoncelle basse et ainsi de suite, vous devrez jouer avec différentes articulations pour obtenir le coup. Ce qui semble réaliste et ce qui ne l'a pas. Donc, c'est quelque chose qui va acquérir une certaine pratique, mais l'idée est assez simple. Chaque fois qu'un musicien joue d'un instrument, elle peut choisir d'exercer une certaine pression sur les forces qu'elle va presser . Les longs sont un son très court. Elle va appuyer dur pour obtenir beaucoup plus de son. Le volume va être plus fort ou vraiment doucement et tranquillement, et tous ces sons et expressions différents qu'elle peut appliquer donneront sentiment différent à cette musique. C' est là que l'on peut dire qu'un musicien est meilleur dans un autre, parce qu'ils ont pu appliquer plus d'articulations d'une manière qui a eu un impact plus important sur le public. Maintenant, les logiciels ont parcouru un long chemin, et ce qu'ils ont fait c'est qu'ils ont enregistré tous les différents types d'articulations que vous pouvez faire avec ces instruments, et ces airs échantillonnent maintenant des sons que vous pouvez utiliser. Ce que nous allons faire est de vous montrer comment vous pouvez utiliser ces circulations et ces logiciels. Alors maintenant, plongons dans la façon dont vous pouvez réellement utiliser ces articulations. Donc, si je devais charger une prise d'un violon, souvent ils viennent avec des articulations différentes construites. Dans ce cas, j'ai quelques sons courts. Par exemple, j'ai parlé. Oddo est le Caddo. J' ai des sons llegado, et alors ? Donc, ce que je peux faire, c'est d'abord, il y a plusieurs façons d'avoir un instrument différent pour chaque type d' articulation. C' est ainsi que vous pourriez devoir le faire s'il n'y a pas d'autre moyen où vous pouvez charger dans un staccato comme le son Adul et ainsi de suite. Ce n'est pas très pratique, n' est pas basé super vous, euh, efficace. Donc c'est le pire embout. Tu peux le faire. Il y a un autre moyen. Parfois, un plug in est livré avec des capacités de commutation à clé, donc c'est ce que vous voyez ici. J' ai une certaine clé pour une articulation différente, et si j'appuie sur cette touche et que j'ai changé l'articulation. Je vais obtenir un autre type de son et voir cela sonne beaucoup bas, un plus court et c'est en fait l'articulation qui joue. Ainsi, parfois, par exemple, en utilisant le contact, vous pouvez affecter certaines clés pour la commutation de touches. Donc c'est une façon de faire ça. Et c'est quelque chose que vous pouvez explorer. Maintenant, il y a 1/3 moyen que certains plug-ins ont intégré, ce qui est le moyen le plus simple, à mon avis. Donc, ce que j'ai ici, c'est que j'ai trois articulations différentes chargées. J' étais le Caddo. J' ai trois types différents et ce que j'ai fait est que ma première articulation sera acheminée vers un certain midi out. Dans ce cas, je l'ai envoyé à Media 1, ma deuxième chaîne. Deuxième articulation. J' ai routé vers beaucoup de Channel 5 et ma troisième articulation. J' ai routé vers Midi Channel 10 pour cette prise en trois articulations qui sortent est deux canaux Midi différents. Vous remarquerez que je n'ai pas routé aucun d'entre eux Tau omni Eh bien, tout tau omni Tout ce qui est prêt à omni sera toujours affecté ensemble. Cela peut parfois vous causer des problèmes. Si vous je veux changer une chose, vous changez tout à la fois, donc je recommande de les router vers différents canaux midi out. Maintenant qu'ils sont détournés, que puis-je faire avec ça ? Je peux aller dans mon instrument. Je peux ensuite accéder au canal de sortie MIDI. Au moins, c'est comme ça que vous faites NFL Studio. L' utilisation de votre propre station de travail audio numérique est différente. Il devra peut-être trouver une façon complètement différente où vous ne pourrez peut-être pas le faire. Je ne sais pas que c'est à ton chien de décider. Mais NFL Studio Aiken Sélectionnez mon canal MIDI Out et je peux obtenir une certaine articulation si je sélectionne mon MIDI out Channel cinq maintenant, que j'ai assigné. Je reçois une articulation différente et j'en ai assigné 1 à 10 pour que je puisse obtenir ma troisième articulation et que je puisse les jouer tous dans mon même piano. C' est donc un moyen extrêmement pratique sans avoir à échanger des canaux sans avoir à échanger des instruments. Je pourrais le faire dans le même instrument. Maintenant, cela ne se limite pas aux instruments d'orchestre. Par exemple, si je l'ai, je suis ce sentiment être ici, Je peux en fait un signe et un instrument à un canal média différent. Par exemple, dans mon Amity. canal 1 a un instrument. Mon mini canal deux a un autre instrument par de nombreux canaux. Trois a un autre instrument. Donc, si je devais aller dans mon piano, mais mon premier instrument maintenant mon deuxième instrument et mon troisième instrument, donc vous pouvez voir comment cela est vraiment utile non seulement pour les instruments d'orchestre, mais cet outil peut être appliqué pour n'importe quelle sorte d'instrument qui vous permet de faire le routage midi . L' autre avantage de ceci est qu'il est beaucoup plus pratique pour votre CPU que avoir 20 articulations différentes, vous pouvez juste avoir un instrument vieilles articulations combinées. Et si l'utilisation de quelque chose comme ça est vraiment intensive en CPU comme l'atmosphère, alors c'est une autre façon d'utiliser moins de CPU. Vous pouvez juste avoir une instance d'atmosphère créée avec tous vos différents instruments chargés en n'ayant qu'une seule instance de peur inquiétante , donc c'est l'idée globale. Off articulations est un Vous pouvez utiliser différentes articulations pour chaque canal, staccato, llegado et ainsi de suite. B. Vous pouvez utiliser la commutation de clé, ce qui est ce que c'est, ou voir si vous êtes branché permet à chacun de faire le routage de viande. Vous pouvez charger vos articulations dans une seule prise. C' est ainsi que vous pouvez utiliser les articulations pour créer des instruments de sonde réalistes. 25. Articulations et expression pour les cordes de bois, et d'instruments de calques: Maintenant, donnons un petit exemple de la façon dont je fais mes cordes réalistes. Donc c'est la chanson que je vous ai montrée tout à l'heure dans le cours. Et je vais juste jouer la section des cordes cette fois. Alors écoutons ça. - Donc, la première chose est théorique que j'ai mentionné plus tôt, et je fais quelques choses ici,au moins des et je fais quelques choses ici, commutateurs à clé sage. Voyez si je peux trouver ça pour vous. On y va. Donc ici, j'ai changé mes interrupteurs à clé. Donc quand j'ai cette note inférieure, alors je peux obtenir ce son soutenu. Mais si je change mon interrupteur à clé pour cette note, je reçois un son plus court. Tu vois, ça meurt de la fin. Donc je fais ça chaque fois que je rencontre une mélodie plus rapide avec des notes plus courtes. Donc, je suis passé à mes sons plus courts et puis quand j'ai eu envie de ma note plus longue, Je retourne en arrière et changer Mikey commutateur et je le fais plusieurs fois à d'autres solidement donc là. Je crois que je le ferai plus tard. C' est bien ici, donc j'ai ces notes plus rapides. Alors je change mon articulation une fois de plus Maintenant, j'ai dit que ces articulations des cordes mais ces articulations air pour tous vos instruments orchestraux, surtout pour vos cuivres et vos bois aussi. Donc, pensez certainement à utiliser des articulations pour tous ces trois. Donc c'est la première chose maintenant. La deuxième chose, qui est extrêmement importante pour faire sonner vos cordes, est l'expression. Et c'est ce que ces choses sont en bas. C' est mon expression, et vous pouvez voir que j'ai un peu d'expression que j'ai fait tout au long de ma pièce. On y va. Donc, tout ici est en hausse et en baisse. , C' est essentiellement de plus en plus fort,puis de plus en plus silencieux, de plus en plus fort et de plus en plus silencieux. Si je devais jouer certaines de ces pièces avec expression, laissez-moi voir si je peux en trouver une pour vous. Contraste que si je n'avais pas d'expression ne semble pas aussi bon. C' est ainsi que l'expression peut être utilisée pour améliorer les sons de vos pièces, et vous pouvez avoir une expression similaire sur tous les instruments de jeu en même temps . Donc, mes violons, mes violoncelles, mes bases, mes villas, mes villas, ils peuvent avoir des hausses similaires en même temps et tomber en même temps en combinaison les uns avec les autres. Donc c'est une chose à faire, expression sage. Maintenant, comment automatisez-vous réellement cela ? Allez-vous simplement aller dans votre plug in et vous allez vouloir jeter un oeil à vos fonctionnalités d'automatisation ? Maintenant, vous êtes branché aura probablement l'air différent. Et si vous n'utilisez pas FL Studio, il sera très différent. Mais essentiellement, l'idée est que vous allez trouver le non que vous pouvez automatiser. Et dans ce cas dans FL Studio, je vais juste appuyer sur les paramètres. Regardez ici pour une expression appelée, et ici je peux ensuite cliquer avec le bouton droit de la souris et sélectionner éditer les événements dans le rouleau de piano. Et quand je fais ça, je comprends ça et puis je peux changer ça comme je fais école de souris. Donc c'est une façon de le faire, et vous pouvez juste le dessiner quand vous obtenez ah, pic plus élevé. C' est un plus fort quand il devient plus bas qu'il est plus silencieux, et vous pouvez jouer avec cela maintenant. Vous n'avez pas à le faire dans un rôle apparent. Vous pouvez le faire en dehors de lui aussi. Vous pouvez dire, créer un clip d'automatisation et si je regarde, maintenant, j'ai ce clip d'automatisation ici, et je pourrais le dessiner aussi. Je trouve que c'est un peu moins flexible parce que si vous voulez avoir une augmentation progressive, vous devez réellement bouger cela. Mais vous pouvez le faire de cette façon si vous le souhaitez et ensuite vous serez en mesure d'obtenir ces courbes exactes parfaites si vous les vouliez. Eso ouais. Donc, c'est comme ça que vous pouvez obtenir des cordes sonores réalistes. Vous pouvez utiliser des articulations et vous pouvez utiliser l'expression. 26. Percussion orchestre: comment faire des percussions orchestrales. Comment rendre votre tambour réaliste et intéressant lors de la notation. Alors, tout d' abord, quoi utilisez-vous la batterie ? Eh bien, quand on pense à ce qui est un tambour dans sa forme la plus basique, c'est juste une surface qui frappe une autre surface. Et si cela se produisait dans la vraie vie, cela signifie que quelque chose a changé. Une sorte d'action s'est produite et va souvent détourner votre attention pour regarder dans la direction de tout ce qui vient d'être touché. Alors réalisez que la batterie peut être utilisée pour attirer l'attention de l'auditeur, donc ils sont parfaits pour quelques choses qui sont bonnes pour ajouter du mouvement. L' utile pour ajouter une sorte de vertige au bruit. Donc, si vous avez une scène d'action, un montage ou une transition, et que vous avez besoin de changer d'atmosphère à l'autre, c'est pour cela que l'air des tambours était traditionnellement utilisé. Et ils sont super pour ça. Vous ne dansez pas souvent quand vous écoutez ou regardez une sorte de film ou de jeux vidéo si souvent vous n'avez pas besoin d'avoir nécessairement un rythme qui va être complètement répétitif que vous auriez dans la musique pop traditionnelle. Alors gardez cela à l'esprit et deuxièmement, tambours seront distrayants s'il y a une sorte de dialogue sur lequel vous devez prêter attention. Donc, si quelqu'un dit quelque chose sur l'écran dans le jeu vidéo, vous devez faire attention à ce qu'ils disent. Ensuite, vous pourriez probablement vouloir réduire le volume ou ne pas avoir de tambours, parce que les tambours peuvent être distrayants de cela. Alors gardez juste toutes ces choses à l'esprit. Mais maintenant, cet accent sur comment faites-vous réellement la batterie ? Donc, quelques choses, tout d' abord, ajouter des rythmes syncopés. Donc ça va être des rythmes qui sont légèrement hors des battus, et ça va ajouter une sorte de rythme qui va être intéressant pour l' auditeur. Deuxièmement, ajouter des vitesses variables, sorte que le mot vélocité est similaire au volume. Mais c'est un peu différent parce qu'il peut avoir un accent différent, alors que le volume est juste bruyant ou silencieux. Mais la vitesse peut également avoir d'autres nuances aussi bien, et ceux-ci viennent juste avec la prise que vous utilisez et troisième est de couches empilées. Donc, si vous voulez l'accent, il bat l'accent, une sorte de tambour qui se produit au lieu de simplement augmenter le volume de ce tambour. Vous pouvez avoir plusieurs tambours jouant cette note en même temps, donc vous empilez simplement des couches dans ce sens. Donc c'est la chanson que je vous montrais plus tôt dans l'exemple, et voici deux sections de batterie différentes qui se produisent dans cette chanson. Donc, tout d' abord, je vais souligner ce que je veux dire quand je dis avoir le rythme syncopé. Donc, si je devais regarder ces notes ici, et je peux voir comment ma grille les divise en barres et il montre aussi les betteraves mis barre . Donc dans ce cas, je regarde 44 fois, donc j'ai un bar, et ensuite j'ai 1234 battements par bar. Si j'avais mon tambour, chaque battement de la barre, ce serait un rythme très terne du gouvernement. Donc, nous allons entendre que cela ne semble pas particulièrement intéressant, mais si je devais ajouter de légères différences de chronométrage, vous pouvez trouver quelque chose de beaucoup plus intéressant que cela. Donc c'est la première chose syncopée avec lui. La deuxième chose que vous remarquerez, c'est que j'ai des vitesses d'anneau différentes, alors qu'est-ce que je veux dire par philosophie ? Je veux dire, ici quand je constate que je peux changer à quel point la note est bruyante ou silencieuse et que je peux varier cela pour que je puisse accentuer certaines notes. Certaines notes seront plus fortes. Certains connaisseurs seront plus silencieux et ils ont beaucoup plus d'importance à leur égard. Donc si je devais jouer ça sans aucune vitesse du tout par rapport à ce qui est utile si vous faites un rythme répétitif, vous faites un rythme répétitif,et si vous voulez avoir une sorte de construction afin que vous ayez une section tôt plus tard dans cette chanson où j'ai en fait obtenu quelques vitesses que j'utilise pour créer un léger changement au fil du temps. Alors jetons un coup d'oeil à ça. Ici, j'ai cette accumulation, qui est essentiellement juste une règle de base, et je change la vitesse pour devenir plus fort au fil du temps. Donc si je devais me concentrer sur ça, si je n'avais pas encore cette vitesse, ça ne sonnerait pas bigot. Pas très intéressant. Vous voulez certainement ajouter une certaine vitesse pour rendre vos drames plus réalistes. Et puis la troisième chose, bien sûr, est l'empilement de couches. Donc, plus tôt, j'ai dit que vous pouvez mettre l'accent sur certaines notes en ayant une vitesse différente pour elle, mais vous pouvez également ajouter d'autres tambours qui jouent exactement en même temps. Ce crash sonne donc ici j'ai un tas de sons de crash qui se produisent à la fin. Je veux avoir beaucoup de bruit de crash parce que c'est ma conclusion. Donc, c'est le crash sonne une partie de celui-ci et la batterie elle-même. J' ai sauté des notes jouant ici en même temps. Pour souligner certaines notes aussi est en bas ici. Donc si tu joues tout ensemble, elle l'a ici. Cela sonne de sorte que cela sonne beaucoup plus intéressant. Et quand vous avez joué ensemble avec tous les autres instruments combinés. 27. Faire un piano réaliste: composer avec des pianos comment faire des mélodies de piano réalistes. Donc, quelques étapes que vous pouvez faire mettre l'accent sur les notes supérieures par rapport aux notes basses. Avoir un motif lorsque vous utilisez des articulations et accentuer les notes avec parcimonie. Donc c'est plus une chose à ne pas faire. N' accentuez pas toutes les barres. Mélangez-les au fur et à mesure que vous allez. Jetons un coup d'oeil à ce que je veux dire par tout ça. Nous regardons notre rouleau de piano et je devais jouer une mélodie. Dans la vraie vie. On verra comment ça s'affiche, tu sais, des logiciels. Alors, comment ça arrive ici ? On peut voir quelques choses. Tout d'abord, nous voyons que depuis que je tenais sur la pédale, chaque note a été traînée. n'y a pas d'espacements entre eux, donc c'est une chose. Deuxièmement, nous pouvons voir qu'il y a un changement de vitesse, et troisièmement, nous pouvons voir que l'espacement n'est pas sur chaque barre, pas à chaque battement. C' est donc ce que vous donne les résultats de la lecture en direct dans votre MIDI, et c'est bon et mauvais en même temps. C' est bon parce que c'est réaliste. C' est mauvais parce que c'est difficile à combiner avec d'autres instruments. Le petit peu de temps concède pas sur tous les bars. Si je voulais qu'un violon accompagne ça, ça va être difficile de chronométrer la carte. Je vais devoir changer ça pour autre chose, parce que comment allez-vous jouer en même temps que cet endroit, vous devez continuer à devenir plus rapide et plus silencieux pendant que vous allez le long ? Donc il y en a. Voici quelques-unes de ces forces et faiblesses de l'utilisation de logiciels pour la composition. La force est que vous pouvez combiner des notes très facilement si vous les programmez réellement. Alors regardons une mélodie pour piano ici. Cinq mots. Ce que j'ai fait ici est en fait tapé dans les notes, avait une mélodie à l'esprit et vous pouvez le voir. Maintenant, tout est linéaire. Tout est exactement sur le rythme, chaque barre, mais c'est un peu moins réaliste à certains égards à cela. Mais l'avantage de ceci est que si je voulais avoir un violon, je peux faire entrer un autre instrument exactement au même moment, je sais que ce sera à temps. Tout est exactement en place. Alors, à quoi peux-tu utiliser ça ? Eh bien, vous pouvez l'utiliser à titre de référence. Vous pouvez comprendre que c'est la mélodie que je veux, et je peux voir ces notes généralement dans ce moment. Je vais devoir réparer ça, , donc je prendrais cette mélodie et je ferais quelque chose appelé Quanta Iing it. Et c'est essentiellement un outil qui vient avec n'importe quel rouleau de piano. Votre logiciel peut sembler légèrement différent, mais essentiellement il y aura une fonctionnalité qui dit Quanta izing. Et quand vous le liez calme, il va déplacer le repositionnement à être exactement sur un timing bat plutôt que juste au hasard et voir ici. C' est juste au hasard. Maintenant, c'est exactement sur un point serré, et c'est la première chose que vous pouvez faire. Ça va le faire tenir un peu plus Robotti, parce que c'est à chaque rythme. Mais il sera plus facile de combiner avec d'autres instruments, et une fois que vous le faites avec suffisamment d'instruments, vous ne le remarquez pas tellement. Curieusement, alors c'est une chose. Tu devras quand même bouger les choses parce que ce n'est pas parfait. , La deuxième chose,c'est les vitesses. Donc c'est ce qui distingue un piano à sonorité réaliste d'un faux cependant, quand vous combinez ces notes pour la plupart ou la mélodie. Parce que quand je jouais dans ma main droite ici, j'essayais de souligner ces notes plus que ma main gauche parce que c'est ce qu'est la mélodie. C' est là que je voulais que tes oreilles se concentrent. Où est ma main gauche ? Je voulais jouer un peu plus silencieux. Le volume était plus bas. Je n'accentuais pas cela autant que je ne veux pas que ce soit l'accent. Je veux que ça soit l'accent, donc je fais ça un peu plus fort que cette main quand je joue une vie. C' est quelque chose que nous devrions essayer de faire dans le logiciel, et c'est très facile à faire. Nous pouvons prendre ces notes que l'air en général plus haut. Au moins, c'est là que se trouve la mélodie. Donc, je vais augmenter le volume de ces légèrement, au moins si je devais taper ces notes, et je peux le faire simplement en scolarisant avec mon devoir d'efforts, au moins en maintenant la gauche, le sel et la scolarisation avec ma souris, et je peux augmenter le volume de la mélodie et je peux réduire le volume hors cour. Donc c'est une chose C'est une chose vraiment facile à corriger leseventies chose après que nous avons mis l'accent sur les notes supérieures, gars avec des notes inférieures est que si vous avez affaire à la cheville Geos, vous pouvez articuler avec un motif. Qu' ai-je fait ici avec ces articulations ? Eh bien, j'ai fait en sorte que les notes supérieures soient légèrement plus bruyantes. Vous pouvez voir ceux-ci ont été perdus ces un peu plus haut, puis ces notes inférieures, qui sont en fait les mêmes. Je pourrais les faire varier un peu aussi. Mais la chose clé est que je veux souligner, est que ces plus haut sait un peu plus fort, ces notes du milieu un peu plus bas quelque part au milieu, et les notes inférieures sont les plus calmes. Si je devais avoir toutes ces mêmes articulations exactement, euh, euh, comparé à donc c'est une chose que vous pouvez faire est d'essayer de créer une sorte de modèle dans ce cas, puisque je vais plus haut, puis plus bas, puis plus haut et plus je fais les mêmes choses comme le volume plus haut et plus bas et plus haut et plus bas, et ainsi de suite. Donc, lorsque vous faites arpège, pensez à articuler dans une sorte de flux dans une sorte de mouvement de balayage, sorte de changement ondulé de volume où une note mène à une autre et vous faites la même chose avec le volume. Donc, si je devais avoir des notes ici, commencez plus fort. J' ai une progression progressive du volume plutôt que de commencer par un volume, et je progresse au fur et à mesure, et je peux faire la même chose dans le logiciel. Donc, c'est la deuxième pointe est pour un animal de compagnie Geos articuler avec un motif, et le 3ème 1 est d'accentuer les notes avec parcimonie. Tu ne veux pas accentuer tous les bars. Vous voulez mélanger les articulations au fur et à mesure que vous allez. Et c'est quelque chose de plus dans le sens de ce qu'un pianiste débutant fera plutôt que de quelqu'un qui joue depuis longtemps. Nous devions jouer des mélodies, et je devais accentuer chaque fois que j'ai une note plutôt que de ne pas faire ça. Permettez-moi de donner un exemple. Ce sera clair, donc je vais tout d'abord, mal joué, tu sais, tu sais, par rapport à la façon dont c'est un peu mieux. Ce que je m'assure, c'est que je n'accentue pas chaque fois que la barre frappe. Alors quoi ? Je veux dire, mon bar, c'est un bar. Une barre, deux barres, trois barres, quatre barres, cinq barres, six barres. Si je devais mettre l'accent sur la première note de chaque barre, ce qui signifie que je la rendrai plus fort. Comment ça sonnerait ? Euh, ça ne sonne pas. Quiconque est proche est bon. Comme si nous ne voulions pas autant accentuer cette note. Euh, pourrait même vouloir accentuer ça moins que ça ne l'est. Mais mon principal objectif est que tu ne veux pas avoir d'accent dans chaque bar. N' accentuez pas toutes les barres et mélangez les articulations que vous allez. Alors suivez ces trois étapes. Mettre l'accent sur les notes, les puits plus élevés que les notes inférieures. Votre main droite, si vous jouez un vrai piano, sera la mélodie en général. C' est donc le volume que vous voulez être un peu plus élevé que les notes inférieures. Les tétées. Les arpèges, articulés avec un motif, ont une sorte de progression en volume. Si vous avez une progression dans les notes, vous allez de plus en plus bas. Peut-être commencé un volume élevé et progresser vers un volume bas ou vice versa, et enfin accentuer les notes avec parcimonie afin que vous ne voulez pas être accentuer chaque barre. Vous voulez mélanger les articulations au fur et à mesure que vous allez. Et en général le piano, vous n'avez pas besoin d'avoir permis des vitesses. Ils n'ont pas besoin d'être défoncés. Ils pourraient être calmes en général et ça paraîtrait plus réaliste. Donc ces trois étapes devraient aider à faire de vous des pianos, plus de veau. 28. Réaliser des mélodies de guitares de basse Interesting: nous allons décrire comment rendre les mélodies de guitare basse plus intéressantes. Donc la sauce secrète fonctionne comme ça. Vous prendrez une mélodie de base assez fade, assez basique, et assez basique, vous ajoutez ces six éléments que vous aviez dans les intervalles, les motifs, motifs syncopation, notes non routières, octaves et les restes. Donc, vous en aviez quelques-unes. Une combinaison de quelques-uns d'entre eux, et vous serez en mesure de transformer une mélodie de base ennuyeuse en quelque chose de beaucoup plus intéressant. Donc ici, nous avons une mélodie de basse fade. Ce n'est pas très intéressant, et nous allons appliquer cette sauce secrète pour la rendre intéressante. Voici comment ça se passe avant qu'on n'y fasse quoi que ce soit. Donc la première chose que nous pouvons faire est de pouvoir y ajouter des intervalles mélodiques. Ceux qui vont être intéressants. Donc, la façon de le faire est d'éviter les intervalles qui ne sont pas intéressants. Quels intervalles ne sont pas intéressants ? Eh bien, ils vont être les quarts parfaits et ils correspondent parfaitement à l'air. Excellents disques, mais quand vous faites une progression mélodique avec seulement des notes simples n'est pas particulièrement intéressant. Vous pouvez vous en souvenir pour chaque fois que vous faites une idée mélodique donc un quatrième parfait sera cinq demi-tons que je veux, car c'est un quatrième parfait. La cinquième parfaite va être sept demi-tons, donc tout ce qui est un quatrième parfait, vous allez vouloir éviter autre chose que ça devrait être correct. Vous allez également vouloir rester à l'intérieur de l'échelle que vous utilisez. Dans ce cas, cela ressemble à une échelle de do majeur parce que ce sont toutes les notes blanches et c'est une mélodie joyeuse . Donc, je vais vouloir rester avec mince mon échelle, mais aussi éviter les intervalles de quatrième et de cinquième notes parfaits. Alors regardons ces notes et voyons si nous pouvons identifier des quarts ou des cinquièmes parfaits et s'ils vont vouloir les changer. Donc, à partir de cette première note, je peux voir que pas un parfait quatrième ou 5e 1 à 447 fois, pas un quatrième parfait ou cinquième parfait. Eh bien, bien. Qu' en est-il de la note suivante ? Eh bien, c'est un quatrième parfait maintenant. Ça ne ressemble peut-être pas à ça d'ici, mais quand on pense aux octaves, si je devais déplacer ces notes de haine, c'est maintenant un quatrième parfait. Donc nous allons vouloir changer cette note ou cette note, donc ce n'est pas une force parfaite. Donc, ce que je vais probablement faire est d'ajouter dans une note plus basse. Voyons comment ça sonne, donc c'est un peu mieux. Et maintenant, allons d'ici à ici. Encore une fois, c'est un quatrième parfait. Alors, changeons ça. Et d'ici à là, ce n'est pas 1/4 ou cinquième. Donc, c'est bien. Et d'ici à là, eh bien, c'est évidemment moins que parfait quatrième ou cinquième. Donc, nous avons fait notre premier outil. Nous avons ajouté à intervalles mélodiques. Maintenant, les outils suivants, nous pouvons ajouter quelques motifs, qui sont des idées mélodiques, petites choses, que nous pouvons avoir une sorte de modèle. Donc, chaque fois qu'on peut ajouter un modèle qui est bon dans ce cas, je vais ajouter, donc je vais avoir une bonne note. Note basse, note haute. Note basse. Juste une petite idée devrait la rendre plus intéressante. Quelque chose de petit, juste un petit motif, une petite idée que vous pouvez ajouter ensuite. Nous allons ajouter un peu de syncopation. Syncopation va juste ajouter de la sagesse à votre idée. Maintenant, comment savez-vous ce qui va être un rythme intéressant et ce qui ne l'est pas. Eh bien, vous pouvez identifier ce qui va être un mauvais rythme. Donc, ici, nous avons un bar. Ce sera votre rythme, votre élément clé. Donc, tout ce qui se trouve dans votre grille va être un rythme droit très direct , ennuyeux. Donc tu vas vouloir trouver quelque chose qui n'est pas exactement sur le bar. Et si vous trouvez quelque chose qui n'est pas exactement dans la moitié de ça, alors vous pouvez trouver quelque chose qui va être un peu plus rythmique. Avoir un peu et de la routine dedans. Donc, si je commence à découper des pièces, ce n'est pas exactement à mi-chemin, et je peux expérimenter avec cela parce que ce n'est pas la méthode coupée et sèche. Mais vous pouvez faire quelque chose comme ça et nous verrons que ça devrait être un peu intéressant. C' est ensuite que vous allez vouloir avoir des notes sans butin, donc vous allez vouloir écouter ce que vous utilisez attendre, puis le changer. Donc, dans ce cas, il s'attend à ce que la mélodie aille. C' est ce qu'il attend. Donc, nous devions anticiper cela et voir ce que nous pourrions faire. C'est un peu différent en cela. Et si on n'était pas allés à cet engourdi ? Et si on le veut ? Quelque chose d'autre, peut-être quelque chose comme ça. Maintenant, j'ai aussi quelques notes répétées, et ce sont une excellente occasion de mélanger et de faire correspondre un peu pour que je puisse déplacer les choses quelque part. , Theo, ça semble que je n'aime pas cette combinaison. Je pourrais même réorganiser un peu différemment. J' aime mieux cette combinaison,en me fiant à mes oreilles cette fois. J' aime mieux cette combinaison, Mais l'idée, encore une fois, est juste d'ajouter une combinaison de notes. Ce n'est pas exactement ce que les années attendent. Non, la prochaine chose est d'ajouter des octaves. Donc, chaque fois que vous avez des notes que répéter c'est une excellente occasion d'ajouter une note qui exactement huit notes plus haut. C' est donc une note qui ne bouge pas, mais on dirait qu'elle bouge. Donc, plus tôt, j'ai eu ces notes répétées. Par exemple, euh, ici ce que je pourrais faire au lieu d'avoir à voir là-bas, je pourrais déplacer le siège vers le bas, et la dernière chose que nous pouvons faire pour les épices est d'ajouter des repos. Maintenant, les restes doivent être utilisés avec parcimonie. Sinon, il va complètement déformer le timing de votre chanson. Donc, un des points de référence utiles faire est que vous pouvez l'ajouter juste avant la barre. C' est donc une de ces périodes qui est un peu franche. Vous pouvez simplement identifier où la barre attend, et vous pouvez faire une pause juste avant cela. Et si vous pensez à la façon dont la guitare basse joue réellement, ils pourraient devoir bouger leurs doigts pour arriver à une position différente sur la guitare basse. C' est donc aussi l'occasion de se reposer. C' est donc la mélodie que j'ai inventée pour cet exemple. Maintenant, écoutons comment cela sonnait avant et après. Donc c'est l'avant, et c'est l'après. Donc, c'est la sauce secrète que vous pouvez ajouter dans des intervalles mélodiques. Motifs, Syncopation. Essayez de changer les notes non routinières. Vous pouvez ajouter des octaves, et enfin vous pouvez ajouter des repos. Faites ces choses certains d'entre eux ou combinaison. Quelques-uns d'entre eux et vous devriez être en mesure de trouver un groupede couchage de base beaucoup plus intéressant groupe 29. Scène par scène: Donnons une idée de la façon dont vous marquez si vous marquez scène par scène. Maintenant, ce sera différent. Si vous marquez un jeu vidéo et que vous avez de la musique récurrente, cela se répète. Mais si vous faites une scène par scène, récupère la bande-annonce comme j'ai ici, C'est l'exemple qui fait plus tôt, Um, vous voudrez réellement la cartographier spécifiquement par l'événement qui se produit sur la vidéo. Donc, heu, tout d' abord, quel que soit le poste de travail audio numérique que vous faites n'a pas besoin d'être FL Studio. Vous devrez charger un lecteur vidéo avec le dans votre station de travail audio numérique, et vous devrez jouer un peu avec lui. J' ai verrouillé ce petit bouton de lien. J' ai vérifié ça et ça. Assurez-vous que chaque fois que je saute dans ma chronologie, la vidéo va sauter aux mêmes moments ici que le positionnement. C' est donc le premier but utile. Et puis ce que je vais faire est de m'assurer que toutes les vidéos sont divisées en morceaux gérables , chapitres inju ou en chansons en soi. Alors peut-être que le film entier aura 20 chansons différentes que j'aurai besoin d'avoir. Il y aura 20 scènes différentes qui sont légèrement séparées, et je pourrai passer par chacune de ces scènes et trouver une nouvelle chanson pour eux. Alors je peux les enregistrer en tant que chapitres individuels. Aussi, Chapitre 1, Chapitre 2 et je vais effectivement nommer mes chapitres par les points de temps. Tout ce qu'il pourrait dire, Mon chapitre un est de 0 à 2 minutes 21 secondes, et l'événement est quelque chose de sorte que de cette façon ont quelques points de référence. Puis, une fois, j'ai effectivement divisé ma vidéo en chapitres. Je vais y aller et je vais le mettre en forme comme ça fera ma vidéo tant que le à ma chronologie tant que la vidéo et ensuite je vais vraiment y aller et je vais jeter un oeil à la vidéo pièce par pièce et dire OK, à ce stade de la vidéo, quelque chose se passe. Je vais en faire une petite note, et j'ai fait cette petite note en sélectionnant NFO Studio Control T et je peux lui donner un nom et en trouver un autre et je ne sais pas, note et ainsi de suite. Et c'est utile parce que quand je viens avec plus de mélodies et que j'ai quelque chose qui se passe. Je vais devoir sauter d'avant en arrière, et ce petit marqueur est utile parce que je peux le planifier visuellement avec le reste de ma chanson et ainsi de suite. Vous pouvez le faire aussi dans le rôle de piano. Donc, à l'intérieur de mon rouleau de piano, je peux aussi ajouter des petits marqueurs. C' est en sélectionnant le contrôle, T et ainsi de suite. Mais c'est à peu près le processus. Tu vas avoir ta vidéo. Vous allez le diviser en chapitres. Ensuite, dans chaque chapitre, vous allez ajouter de petits marqueurs. Tu marcheras la chanson à partir de ça, et c'est à peu près tout. Tu vas continuer à le faire encore et encore jusqu'à ce que les films soient finis. C' est votre vie quotidienne quand vous marquez un film. Est-ce que c'est la plupart du temps 30. Composer de manière efficace: lorsque vous créez des bandes sonores à partir d'un jeu vidéo, vous devez prendre l'habitude de vous asseoir et de pouvoir créer de la musique tout de suite . Vous ne voulez pas perdre beaucoup de temps avec les distractions parce que vous avez beaucoup de scènes à faire, et quand vous faites une scène, vous devrez peut-être faire plusieurs provisions, et vous avez juste besoin de gérer votre temps de manière appropriée. Voici donc quelques astuces et conseils pour rendre ce post nous plus rapide pour vous. Donc, cette vidéo va se concentrer sur ce que vous pouvez faire avant de commencer à composer . Que pouvez-vous faire chez votre chien ? Donc voici ce que je fais est d'abord, je crée un projet vide. Je n'ai pas encore de notes, mais ce que j'ai c'est tous mes instruments chargés. J' ai décidé quels instruments je pourrais utiliser dans les scènes de ce film ou de ce jeu vidéo, et ils sont tous prêts à l'emploi. Dans ce cas, j'ai chargé dans des instruments d'orchestre. Tu ferais peut-être autre chose. Vous pourriez ne pas être professionnel, mais cet exemple sera clair pour cela, et ce que j'ai est ma section de corde de ma section de cuivres, ma section de percussion et ma section de vent de bois, et je les ai codés par couleur pour mon propre visuel commodité, et je les ai acheminés dans le mélange. J' ai aussi des guitares, et de cette façon je n'ai pas à m'occuper tout le temps de trouver l'instrument que je vais utiliser . Quand je commence à faire mes mélodies. Je peux juste dire, OK, je charge ce projet, je vais l'enregistrer sous un nouveau nom et ensuite je peux utiliser toutes ces informations et instruments sans arriver à passer mon temps à les chercher, donc cela devrait économiser vous un peu de temps. Alors ce que je fais est d'ajouter quatre modèles. Si je fais de l'orchestre,j' ai quatre sections différentes sur mes chèques de psy et la section de cuivres,les vents de bois et les percussions. Si je fais de l'orchestre, ai quatre sections différentes sur mes chèques de psy et la section de cuivres, J' en ai peut-être un autre pour le piano et les guitares, mais ah, et je les ai prêts à partir, et ce que je vais faire, c'est d'accélérer la capacité de déterminer les clés aussi. Disons que j'entre dans mes ficelles. Tout d'abord, j'ajoute un instrument factice, un instrument qui ne jouera rien. Tout le but de ceci est juste pour ma référence visuelle, et je vais être animal. Ça et je vais choisir quelle clé ? Je vais le composer. Disons que je choisis ma clé pour être région. Alors ce que je vais faire est que j'ajouterai dans certaines notes fantômes des notes invisibles qui n'existent pas réellement dans aucun but sauf pour référence visuelle comme le seul but de celles-ci. Je suis juste en train de les copier, m' assurer que je commence toujours sur f et de les propager jusqu'au sommet. Assez près, non ? Donc j'ai tout ça maintenant. Surligner. Non. Copiez ces et puis je vais les faire toutes les notes fantômes. Je les enlève tous. Pourquoi ai-je fait ça ? Si je vais dans un autre instrument, disons que je vais dans mon piano. Si je vais dans un autre instrument, disons que je vais dans mon piano. Si je vais dans un autre instrument, J' ai ce aller à noter ces notes invisibles, non existantes qui sont juste là. Donc, je sais quelles notes sont dans la clé que je peux utiliser. Donc j'ai cette note disponible que je choisis tant qu'ils sont sur la même position, euh, seront dans l'échelle, et je n'ai pas à m'inquiéter d'essayer de comprendre. Eh bien, il y a ce réseau. Est-ce que ça marche ? n'y a pas de travail, donc bien, je peux voir ça visuellement. Donc, je trouve cela utile et je peux simplement les copier pour chacune de mes sections. Et maintenant, si je sors, tu peux voir que j'ai tout ça mis en place. Donc je sais exactement dans quelle clé je vais être. J' ai mon instrument prêt. J' ai mon mélange prêt et je suis prêt à commencer. C' est donc un moyen utile de commencer à mettre en place vos instruments avant même d'avoir composé quoi que ce soit. 31. Scoring: Jetons un coup d'oeil à la force, réveille le score de la remorque et le briser. Alors, bien sûr, quand je dis que la force se réveille, je fais référence au film Star Wars. La Force se réveille, et c'est l'un des films de box-office les plus réussis de tous les temps, un budget de 2 milliards de dollars, soit 300 millions. Mais je veux me concentrer dans la remorque parce que la remorque elle-même a très bien fonctionné. , Sur YouTube seulement, la bande-annonce a 100 millions de vues. Si vous pouvez avoir des millions de vues dans votre bande-annonce, vos films seront probablement regardés. Donc, vous allez vouloir analyser au moins cette partition ou d'autres films populaires qui ont vraiment de bonnes bandes-annonces, parce que c'est quelque chose qu'on vous demande souvent de faire, est correct. Vous pouvez marquer le film ou le jeu vidéo. Tu peux aussi marquer la bande-annonce et tu devrais être capable de dire, oui, oui, je pourrais le faire. Jetons un coup d'oeil à cette bande-annonce. Il y a quelques choses que nous pouvons remarquer ici. Eh bien, tout d' abord, reculez. Quel est le but d'une bande-annonce et demander de vendre un film que vous êtes censé dessiner dans le public, vous êtes censé leur faire dire, Hey, ça a l'air intéressant. Je pense que je vais aller voir que c'était un plus. Si vous avez fait ça, vous avez fait votre travail. Le film des magasins The Force se réveille bande-annonce. On peut le diviser en trois actes dans l'acte un de la bande-annonce. Nous avons des sons tranquilles et clairsemés, des sons et des accords mystérieux qui attirent lentement le public. Et cela est en combinaison avec ce qui se passe à l'écran, bien sûr. Donc, quand certains personnages sont dans un éclairage sombre et que vous ne savez pas vraiment ce qui se passe, c'est là que fonctionne ce son mystérieux. Eh bien, qui êtes-vous ? Non. Un. J' ai été élevé pour faire une chose, mais je n'ai rien à me battre. Dans la deuxième loi, nous avons l'accumulation. C' est là que nous avons la tension pulsante, notes répétitives que l'air s'accumule lentement. À un certain moment, le son coupe leur Si vous avez un autre plateau ou pour une comédie ou quelque chose, vous pourriez avoir une blague. Et c'est là que le son coupe pendant une seconde avant de reprendre, et ils jettent dans un tas de références dentées Star Wars thèmes de score, ce qui est génial si vous avez déjà un tas d'équipes tout au long du film, parce que alors vous pouvez lancer ces dans que vous allez le long. Rien ne nous empêchera ce que vous avez commencé leurs histoires sur ce qui s'est passé. Bougez-le. Et dans l'acte 3, c'est là que vous montez au point culminant et que vous jetez tout et que vous guérissez tous vos tambours, vous pour tous vos grands sons de cordes. Et puis il vient d'éviter la fin même dont le silence Et il a aussi un retour à l'une des principales chansons thème Star Wars aussi, No way, vraiment. Ça t'appelle. Attendez, laissez-le entrer. Alors résumons ça. Comment faites-vous une remorque ? La plupart des bandes-annonces en général sont juste un montage de clips aléatoires, vieux téléphone ensemble, et votre travail est d'identifier où vous pourriez avoir une mini-histoire. Et quand je dis mini-histoire, je veux dire quelque chose que vous pouvez avoir une idée musicale et ensuite vous pouvez passer aux prochaines idées musicales. Vous allez le long souvent, vous pouvez jeter dans les thèmes que vous avez déjà utilisés tout au long du film de jeu vidéo et vérifier ceux dans la bande-annonce aussi, sorte que vous pouvez avoir une certaine référence à ceux-ci. Parfois, vous n'avez qu'un seul clip. Cela se produit souvent dans les jeux vidéo, mais vous n'aurez qu'un seul clip qui se passe, et ensuite vous pouvez simplement le marquer. Encore plus facile est même pas un montage est juste un régulier vu comme tout autre tout au long du film . Un jeu vidéo. Donc, une fois de plus, vous divisez la vidéo en morceaux individuels. Vous essayez d'identifier quel type d'événements ou de scènes clés se déroulent, puis vous pouvez passer entre ceux que vous pouvez avoir ajuster l'intensité de la musique. Cela dépend de ce qui se passe, et vous ajoutez dans les sons de transition entre ceux un tel silence ou des sons montants et tombants , des impacts et ainsi de suite. Et vous devriez vous attendre à avoir plusieurs versions différentes de ces bandes-annonces que vous pouvez présenter. Parce que la remorque est la partie la plus importante du produit. C' est si les gens achètent ou non. Donc ils vont vouloir traiter cela comme une publicité, et vous allez vouloir dire, Est-ce que cette version vous a plu plus que cette version et ainsi de suite. C' est ainsi que vous faites des bandes-annonces pour les jeux vidéo et les films 32. Sélection de cas la bande-annonce du cours: Jetons un coup d'oeil à la bande-annonce du parcours que vous regardez en ce moment et vous verrez comment je l'ai marqué. Et ce sera un peu plus frais, combinant un tas de concepts différents que nous avons abordés tout au long des conférences. Alors voici comment ça sonne. Avant d'ajouter un quelconque du dialogue, puis nous allons le ramasser dans ses morceaux. Ok, donc la première chose que nous voyons est au tout début c'est une petite course que j'ai faite avec flûte à quelques notes courtes. Et puis j'ai le violon et le violoncelle bling, et la façon dont j'ai pu obtenir ces deux dans la même instance générale est de faire la méthode que j'ai mentionnée dans une conférence précédente où nous pouvons assigner différentes sorties, deux différentes instruments. C' est ainsi que vous pouvez voir ce violon et le violoncelle, ce qui est un midi différent. De cette façon, je peux les voir en même temps et les cartographier facilement à partir de là. Nous passons ensuite dans notre accord avec le piano et un instrument de percussion métallique, et essentiellement la seule chose que je veux mentionner ici est d'abord, j'ai fait quelque chose de similaire pour courir à nouveau, et aussi comment j'ai fait cette progression de cour plutôt que d'avoir un cordon droit. Ce que je pensais le rendre sont intéressants. Mélodie. Deux ans, c'est orteil. Ayez une note qui descend. Et quoi ? Laissez-moi vous expliquer la raison d'être quand vous vous déplacez dans les tribunaux, vos oreilles, entendez ça et ça dit : Ok, Ok, vous n'avez pas de mouvement vers le haut, mais si en même temps vous êtes des notes de déménagement vers le bas, votre oreille essaie de comprendre, est-ce qu'elle se déplace vers le bas ou vers le haut et qu'elle ne peut pas tout à fait imaginer. Je n'arrive pas à comprendre ce qu'il fait exactement, et c'est beaucoup plus intéressant pour vous ici. Donc c'est beaucoup mieux que et pourtant c'est la même cour. Tout ce que j'ai fait, c'est un mouvement dû à une octave, donc vous pouvez le faire avec vos tribunaux en les réorganisant, en les déplaçant plus haut ou plus bas, et ainsi de suite. Tout ce que je fais mon clavier pour faire cela est juste mettre en surbrillance une note, puis maintenez le contrôle enfoncé et une touche fléchée soit vers le haut, soit vers le bas. C' est donc une façon d'étaler vos notes avec des cordons, et vous pouvez le faire très facilement. Vous pouvez le faire avec tout le cordon se déplaçant, se déplaçant partout. C' est une méthode très facile de trouver différentes combinaisons de tribunaux. Et si disons que vous aviez un cordon qui était le même, mais que vous ne vouliez pas que ce soit ennuyeux. Qu' est-ce que tu pourrais faire avec ça ? Disons que vous avez fait jouer deux fois dans les mêmes bars. Vous pouvez simplement les étaler un peu et réorganiser le positionnement de la note la plus élevée connue la plus basse. Et cela va déjà sembler différent de vos oreilles juste parce que même s'ils sont le même accord et que vous utilisez les mêmes notes, vous venez de bouger légèrement. Je suis sûr que vous avez celui-là qui ressemble à la même cour, et pourtant ça ne semble pas vraiment répétitif du tout. Donc c'est quelque chose à garder à l'esprit. Ok, alors on passe à ce que j'aime appeler le son de la main Zimmer. Alors, comment faites-vous ça ? Eh bien, la façon dont Hans Zimmer l'a fait avec les films de Bad Man c'est qu'il a utilisé des cornes françaises, et il a utilisé quatre cornes françaises sur le côté gauche du théâtre et quatre cornes françaises sur le dessus, à droite du théâtre et quand vous les jouez tout le même temps avec cette note basse, êtes-vous capable d'obtenir ce son grand, grand et expansif ? Donc, il est en fait assez facile de reproduire le seul nécessaire n'importe quel type de son cuivré bas . Dans ce cas, j'utilise même un son de synthé pour l'obtenir. Et la clé pour le rendre intéressant, cependant, cependant, c'est avec l'automatisation avec la surexpression une fois de plus. Alors on y va pour que vous puissiez voir que j'ai et parler de ça. L' automatisation augmente en fait jusqu'à ce qu'elle touche cette deuxième note, puis elle se rétrécit. C' est comme ça que vous obtenez ce son de Hans Zimmer. Et puis, bien sûr, j'ai superposé ça avec des percussions aussi. C' est tout ce qui est. Et puis j'ai eu un symbole qui croît. Ok, ensuite, nous avons la section orchestre et la clé pour obtenir un orchestre fort et complet. Je n'ai pas vraiment fini ça ici, mais y a-t-il un moyen de le faire ? Est d'utiliser le spectre de fréquence à votre avantage, Donc ce sera un nouveau concept pour beaucoup d'entre vous et c'est l'idée que vous pouvez vérifier les fréquences de vos instruments et utilise pour côté quels instruments font défaut. Alors rendons ça grand pour toi. C' est juste un geek. Vous branchez. Vous pouvez utiliser le vôtre dans n'importe quelle station de travail audio numérique utilisant dans. Et l'idée est que vous avez vos fréquences en bas et que vous avez votre volume sur l'autre axe. Et quand tu joues d'un instrument, aide-moi. Vous pouvez voir la forme d'onde de fréquence sur votre égaliseur. Vous branchez. Donc, ces petits groupes qui apparaissent vous verrez que lorsque je choisis un instrument différent , bandes d'air dans des positions différentes. Ils occupent différentes gammes de fréquences, plus l'instrument est élevé le long du spectre de fréquences. C' est ainsi que le violon est le plus haut. Bien sûr qu'elle verra. Il y a plus de gardes ici. Où est un bas a plus ici et quel est votre objectif quand vous êtes un sang-froid. Si vous essayez d'obtenir un orchestre à son complet, se sentir bien plein est l'indice. Le mot complet signifie essentiellement que vous remplissez cette plage de fréquences que vous essayez d' utiliser autant que vous pouvez. Et quand elle le fera, tu auras ce bel orchestre à son complet. Maintenant, si vous êtes un si votre expérience avec ça, vous réaliserez que, Hey, cet arrangement ici occupe seulement cette section. Alors peut-être que je pourrais ajouter en été de la musique dans cette section inférieure. Mais si vous êtes nouveau dans ce domaine, vous pourriez avoir besoin d'un graphique visuel pour vous aider et vous aider à diriger les listes Google. Et vous devriez être en mesure de trouver un graphique similaire à ce graphique du spectre de fréquences Google . Et voilà, vous pourrez voir les fréquences ici. Ainsi, dans vos basses fréquences, vous pouvez voir quels instruments occuperont cette plage. On verra des tambours sur cette section de tennis. Et alors que, euh, votre flûte va être beaucoup plus haut et vous pouvez dire, OK, eh bien, j'écoute cette pièce, cette pièce d'orchestre et je joue et on dirait que c'est sur. Lee a des instruments de sonorité supérieure et j'ai l'impression qu'il manque quelque chose au milieu, quelque chose dans le milieu ou quelque chose dans la gamme basse, et vous pouvez utiliser ce tableau pour dire Ok, eh bien, Je vais ajouter un instrument qui va tenir dans cette gamme de fréquences, et une fois que vous aurez fait ça, vous serez en mesure d'obtenir que cet orchestre plus complet se sentira. Donc c'est une approche que vous pouvez adopter pour faire cela, accord, et qui occupe une section importante. Et enfin, nous avons la section piano des extrémités. Donc, la seule chose que je veux mentionner le piano, que j'ai abordée lors d'une conférence précédente, est juste de décider quelle mélodie du piano vous voulez faire ressortir. Et cela s'applique à tous les instruments, bien sûr, mais surtout au piano. Et si je devais regarder la vitesse de ces notes, vous verrez que certaines de ces notes sont beaucoup plus bruyantes que ces autres notes, et je l'ai fait. Stratégiquement, vous verrez que ces notes de mélodie principales sont les notes supérieures, la vitesse plus forte, le son plus fort. Et de cette façon, quand je joue ces notes, quand les neiges seront frappées, elles se démarqueront sur le reste du piano. Une fois de plus, quand je l'ai enregistré au début, c'était probablement quelque chose comme ça, et tout ce que j'ai fait c'est que je suis entré dans mon rôle de panel. J' ai sélectionné ces notes et puis je maintiens l'école Ault gauche de mon une souris planant sur la note. Et puis je pourrais juste augmenter le volume, et je peux faire exactement le contraire pour les notes qui sont légèrement plus basses. Je peux sélectionner les notes, cependant, en bas légèrement. Et une fois que vous aurez fait ça, vous serez en mesure de faire ressortir la mélodie du piano que vous voulez mettre en valeur. Donc là, vous l'avez. C' est ainsi que vous pouvez créer une bande-annonce en utilisant toutes ces techniques que nous avons mentionnées . Maintenant, la dernière chose que je veux mentionner n'est pas vraiment dans le cadre de ce cours . Mais c'est ce que j'ai fait pour cette bande-annonce était Theo Audio lui-même. Jetons un coup d'oeil à ce que j'ai fait avec l'audio. J' ai fait quelques choses. Tout d'abord, je suis, euh, essentiellement, essentiellement, l'idée derrière cela est que vous essayez d'enlever les sons de popping que vous entendez quand vous utilisez un microphone et pour ce faire, j'ai juste utilisé une prise. J' étais un préréglage. Si vous avez Maximus et que vous utilisez FL Studio, vous pouvez simplement utiliser un connecteur DSR, euh, préréglage et cela fera le travail pour vous. Ou vous pouvez entrer manuellement et dire que je veux réduire les fréquences des sons S et P et que c'est une façon que vous pouvez le faire manuellement. Mais c'est essentiellement un c'est autour de cette gamme de fréquences. Il suffit de réduire légèrement le volume. Alors ce que j'ai fait avec mon e que brancher si vous arrivez à avoir un égaliseur que vous branchez similaire à ceci est si vous voulez ajouter un peu de puissance à votre voix, vous pouvez augmenter le e que autour 160 hertz. Laissez-moi vous montrer ce que cela ressemble sans les 1 000 000 000 000. Bienvenue. Est-ce que la masterclass de compositeur de bande sonore est maintenant avec elle ? Bienvenue. Est-ce que la bande sonore compositeur masterclass Donc en élevant cette petite section seulement pour le dialogue . Donc, je dois souligner que c'est juste pour quand vous faites quelque chose comme une voix off et que vous voulez vraiment faire ressortir ce son de puissance particulier. Tu ne veux pas faire ça quand tu dis que ça va sembler bizarre, mais c'est ce que j'ai fait pour ça. Et enfin, si vous essayez de comparer la musique à votre audio. Vous voudrez peut-être déjouer le son de la musique quand la voix s'éloigne. C' est ce que je fais pour cette chanson. Laissez-moi vous montrer ce que je veux dire par là. Ce que j'ai fait, c'est que j'ai choisi tous mes instruments, et je les ai acheminés vers un canal spécifique, que j'ai appelé. Tous les instruments font cette image pour vous tous les instruments. Vous verrez toutes les routes , toutes mes chaînes vers cette chaîne. Et je vais réduire le volume à chaque fois que ma voix commence à jouer. Laisse-moi jouer ça pour toi et tu verras ça. Ce volume va diminuer à certains moments où les instruments sont en jeu ou quand ma voix parle. Si vous avez jamais voulu savoir comment faire des bandes sonores dans ce cours est vous. Que vous soyez un compositeur musicien, ils feront un concepteur de jeux ou tout simplement faire de la musique pour le plaisir. Alors comment puis-je faire ça si je veux m'assurer que ma balle, mes voix sortent au-dessus des instruments ? Eh bien, j'utilise un formulaire appelé canard ou aussi remarquer le chaînage latéral. Pour ceux d'entre vous qui sont dans la musique électronique, et l'idée derrière cela est quand la voix parle, le volume va être utilisé pour déclencher une diminution du volume de quelque chose d'autre. J' ai donc ma voix ici, et j'utilise une prise dans le studio NFL appelé un Peak Filter Pete Control ou désolé et essentiellement les idées. Chaque fois que la voix se produit et que ce volume est augmenté, il va déclencher le canal ici pour diminuer le volume de cette quantité, dans ce cas par négatif 50 quelque chose pour cent négatif 50% et vous verrez que le volume va diminuer comme certains incréments chaque fois que ma voix parle. Si jamais tu as voulu savoir comment faire des bandes sonores, Miss bien sûr, c'est toi. Que vous soyez un compositeur musicien, il fera. C' est ainsi que vous pouvez utiliser un canard pour réduire le volume de votre musique pendant que vous parlez en faisant une voix off. C' était donc beaucoup de sujets différents. Je voulais mentionner un peu partout, mais c'est comme ça que j'ai marqué la bande-annonce, et c'est une idée de certains des sujets que nous avons abordés dans le cours, ainsi que pour vous donner un petit exemple de la façon dont une bande-annonce a marqué 33. Travailler avec le directeur et le concepteur de jeu: Discutons de la rencontre avec le réalisateur et le designer Kim. Donc, la première chose que vous faites lorsque vous rencontrez un directeur de concepteur de jeux et que vous avez été approché, vous les approchez à propos de ce projet, c'est de poser des questions. Découvrez autant que vous pouvez sur leur jeu. Vous voulez trouver quelqu'un qui est vraiment curieux et que ce serait un projet qui vous intéresse. Ce n'est pas juste quelque chose que tu fais pour de l'argent. C' est quelque chose que tu fais parce que tu veux le faire. Ok, alors maintenant, quand vous rencontrerez le réalisateur et le concepteur de jeux, vous voudrez en savoir autant sur le projet que possible. Tu vas y retourner et faire des recherches. Vous allez en apprendre autant que vous pouvez sur des projets similaires qui ont été réalisés, et vous allez vouloir apporter cela à la table. Si vous en savez plus sur le score qu'ils font, vous devriez être en mesure de transmettre que vous devriez être en mesure de montrer que ces autres scores air qui ont vraiment bien fonctionné et vous devriez être en mesure de les référencer parce que c'est probablement ce qu'ils vont être en train de faire. Ils vont faire référence à d'autres films ou jeux vidéo et dire que c'est ce qu'ils ont fait. J' aimerais faire quelque chose comme ça et tu devrais déjà le savoir. Donc, s'il y a un jeu vidéo, vous devriez déjà savoir ce que les jeux vidéo similaires air là-bas. S' il y a un film, vous devriez savoir quelles sont les partitions similaires pour ce film. Nos films d'argent là-bas. Donc, votre travail est de construire des rapports et de la confiance. Vous voulez rencontrer quelqu'un qui est sympathique, quelqu'un avec qui il aimerait travailler, parce que c'est une équipe, c'est une collaboration, et c'est une coopération créative pour. Donc, les personnes les plus créatives sont celles qui travaillent dans un environnement d'équipe avec lequel tout le monde pourrait s'entendre. Si vous ne pouvez pas vous entendre avec une équipe riche, il est difficile d'être créatif avec hum, donc vous allez vouloir rencontrer quelqu'un qui est facile à travailler. Maintenant, quand vous êtes assis avec le réalisateur dans le concepteur de jeux, ce que vous allez faire est en fait parcourir tout le film, ou du moins une partie importante du jeu vidéo et vous allez aller scène par scène lentement et méticuleusement pointant, arrêtant et disant, OK, que voulez-vous ici ? Qu' est-ce que tu veux ici ? A quoi ça ressemble ? Et j'espère que si les réalisateurs l'ont fait quatre, il en aura déjà une idée. Mais d'après mon expérience, ils ne l'ont probablement pas très bien pensé. Et vous allez vouloir suggérer des idées au fur et à mesure que vous allez, parce que le réalisateur l'a peut-être fait ou non auparavant. Donc voici les choses que vous allez vouloir découvrir et vous serez comme vous êtes en train de marcher à travers le film un jeu vidéo. Est-ce que le réalisateur a une formation musicale qui va rendre ça beaucoup plus facile, beaucoup plus difficile, et ça va déterminer à quel genre de mots et de phrasés vous utilisez ? Vous allez demander de la musique de référence. Est-ce que le directeur de concepteur de jeux thématiques a déjà quelque chose en tête ? Quels genres de chansons ou de partitions sont-elles en tête ? Quand ils ont dirigé la scène quand ils ont conçu cette idée, vous allez vouloir les avoir à portée de main que vous pouvez vous référer à quel point de vue de perspective devrait la musique avant quand vous regardez une vidéo et est un personnage sur écran. La musique est dictée par ce personnage la plupart du temps. S' il y a un protagoniste, la musique va probablement être de leur point de vue. Tu vas avoir de la musique heureuse. S' il y a une scène heureuse pour un personnage, si c'est une scène effrayante pour un personnage, cette musique sera effrayante. D' un autre côté, si le méchant est celui pour lequel vous faites la musique, est peut-être pas effrayant. C' est donc vraiment déterminé par la perspective du personnage à l'écran pour laquelle vous faites la partition. Donc c'est une façon de faire. Scène par scène est identifiée. Hey, ces personnages sur l'écran en ce moment. Voulez-vous que la musique soit de leur point de vue, du point de vue du public ou du point de vue de l'environnement ? Quel genre de perspective la musique devrait-elle avant ? Et, bien sûr, quel impact émotionnel le réalisateur souhaite-t-il ? C' est chaque scène. Devrait-il être intense, devrait-il l'être ? Détendez-vous, devrait-il être de quel genre ? Quel genre de sentiment voulez-vous aussi pour cela ? Parce que souvent, vous ne voulez pas être trop précis. Tu ne veux pas dire quels instruments tu veux ? Parce que le directeur pourrait dire une chose et tu vas y retourner et le faire. Et le réalisateur dira que ce n'était pas très bon du tout. Alors que si le réalisateur dit, je veux cette émotion, je veux cette intensité. Vous pouvez trouver plusieurs versions différentes et vous contrôlez ce retour chez le réalisateur et il peut dire, OK, je voulais un peu ça, mais j'aime celui-ci MAWR moins et ainsi de suite, Mais si vous êtes limité par des instruments, alors vous avez des ennuis. Essayez donc de vous concentrer davantage sur les émotions que sur les spécificités, si possible. Avec les jeux vidéo, il est un peu utile de comprendre comment fonctionne le processus. Pour les jeux vidéo, c'est plus pour Project. Il y a en fait, euh, des parties qui doivent être faites par étapes qui sont avec un film. Souvent, on vous donne le film déjà fait, et il suffit de marquer. Ce n'est pas souvent que le réalisateur vienne te dire, Hey, j'ai un projet, fais la musique et ensuite je fais la vidéo pour ça. Probablement pas arriver très rarement. Habituellement, c'est la vidéo est faite, et puis ils rencontrent pour le score par la suite, mais pour les jeux vidéo, il y a en fait des délais fixés qui sont censés être faits. Alors voici la chronologie pour ça. Vous avez une formation d'équipe, où ils décident quel membre sera impliqué. Vous avez le concept pitch où des propositions et des présentations ont été faites. Le document de conception avec un design, chaque chose va se passer tout au long du jeu vidéo, et ensuite ils ont la marche à travers, qui est le premier prototype. C' est parfois là que vous avez amené, mais parfois vous avez amené plus tôt. Parfois, vous êtes amené directement dès le début, en fonction de ce que le jeu est, et ils pourraient vouloir vous impliquer tout au long du chemin afin que vous puissiez soigneusement créer de la musique pendant que vous allez le long et le peut être créatif et évolutif . Alors vous avez la version bêta et vous obtenez des commentaires des autres et ils vont tout déchirer. Alors vous avez la version bêta et vous obtenez des commentaires des autres et ils vont tout Tout ce que vous avez travaillé si dur à réaliser sera maintenant supprimé et vous devrez repartir de zéro souvent. Ensuite, ils ont la bande-annonce, qui est où vous allez composer la bande-annonce pour eux et les capacités finales bien sûr, que la fin même. Donc, pour les jeux vidéo, vous avez souvent participé beaucoup plus tôt dans le processus et dans les films où on s'attend à ce que vous travailliez beaucoup plus en collaboration avec des gens qui ne sont pas impliqués dans la musique simplement parce qu'ils auront beaucoup plus d'idées à laquelle vous serez exposé, et vous ferez rebondir des idées d'avant en arrière. Et parfois, vous aurez d'autres tests aussi. L' argent, l' argent, l' argent, l' argent, l'argent. Comment êtes-vous payé ? C' est toutes les heures ? Est-ce que c'est ? Projet basé sur le projet dépend du projet. Parfois, ils vous paieront différemment. C' est un domaine de difficulté pour la plupart des gens dans la création, le conseil créatif parce que l'argent est différent dans chaque projet. Parfois, c'est facile, parfois pas. Comment allons-nous le budgétiser ? Le réalisateur va-t-il tout remarquer plus tard ? Et si c'est le cas, comment tu seras indemnisé ? Une fois, j'ai travaillé sur un projet où je ne l'ai pas fait, et nous avons parcouru tout le film quand tout a été marqué, et puis à la toute fin, dit-il. Tu sais quoi ? Je n'ai pas aimé ça, ça et ça, et ça et ça. Je veux que tu refasses tout ça. Et je n'avais pas prévu ça dans le contrat. Je n'avais pas fait ça. Alors ne tombez pas dans ce piège. Assurez-vous de l'avoir configuré au début. Si le directeur du concepteur de jeux veut avoir, Lee écrit plus tard, comment est-ce que cela va être budget ? Est-ce que le réalisateur veut des séances de musique en direct ? Vous devez budgétiser en conséquence, car il peut s'attendre à ce que vous coordonniez toutes les dépenses pour la musique et il ne voudra peut-être pas s'en occuper . Donc il pourrait juste te donner une somme d'argent et te dire, OK, prends soin de la musique et tu vas avoir besoin de ton budget. Si tu veux engager des violonistes ou quelque chose comme ça. Et, bien sûr, quel est le calendrier pour le projet ? Quelle marge de manœuvre avez-vous si vous avez besoin de plus de temps ? Comment as-tu fait ça ? Il y a un logiciel appelé Insta Gand, et je trouve cela est très utile pour budgétiser votre temps Vous obtenez le 1er 3 Eh bien, ceux-ci actuellement vous obtenez le premier nous inst agains gratuit et ensuite vous devez commencer à payer. Mais je trouve cela très utile et c'est un moyen de budgétiser votre temps. Et vous pouvez montrer cela au directeur du concepteur de jeux et dire que vous m'avez donné cet événement , cette scène pour le film, pour le jeu vidéo et voici combien de temps j'ai besoin. Si tu veux que je réécrive ça, ça va prolonger le temps dont j'ai besoin. Donc, cela est utile parce que vous pouvez réellement leur signaler et dire que l'air les tâches que je dois faire. C' est la chronologie, combien de temps j'ai besoin ? Si tu as besoin que je fasse autre chose, ça va être repoussé. Tout le reste prendra un peu plus de temps. Donc c'est une façon de montrer à votre patron Hey ah, vous pouvez demander plus de tâches si vous voulez, mais ça va prendre plus de temps. Il va devoir être budgétisé en conséquence. Donc, avant de commencer à vouloir vous assurer que vous avez résumé toutes les dépenses que vous prévoyez d' avoir à payer, quel genre de logiciel, quel genre de musiciens Et à partir de là, vous devriez être en mesure de budget vous-même 34. Exporter des musiques pour les musiciens (MuseScore): Si vous voulez que de vrais musiciens jouent votre pièce, vous voulez de la musique live, et vous avez besoin de quelqu'un pour réellement comprendre cette musique que vous avez créée dans votre station de travail audio numérique . Ensuite, vous devrez exporter ceci sous forme de partitions. Alors, nous allons décrire comment faire ça ici. La recommandation que j'ai est d'utiliser Mu score, qui est un logiciel libre, open source que vous tolérez télécharger, et cela traduira les notes que les notes Midi que vous avez créées dans votre logiciel pour et le transformera en feuille musique qui est un musicien peut alors lire et jouer. Donc, quelques choses que vous devez faire avant de pouvoir réellement obtenir la partition musicale. Tout d'abord, vous devez planifier pour cela au début. Et quand je dis ça, je veux dire que les partitions commenceront toujours à Bar zéro, et qu'elles se déplaceront plus d'un, et qu'elles se déplaceront vers le haut. Dans votre station de travail audio numérique, nous avons parfois l'habitude de commencer nos modèles de positions qui ne sont pas toujours à la barre zéro, zéro, et si vous prévoyez d'exporter une partition, vous devez commencer votre musique à Barre zéro parce que votre musique commencera toujours à ce début, et il ajustera tout le reste à la 0.0, qui va gâcher civil. Le timing. Je ne voulais pas que ça vienne ici. Je voulais qu'il vienne ici. Ce que je dois faire est d'ajouter dans cet espace vide avant que ma musique ne commence. Alors gardez cela à l'esprit, et c'est quelque chose que vous aurez besoin de planifier. Maintenant, dans votre station de travail audio numérique, exportons les notes midi. Si vous n'utilisez pas FL Studio, les étapes seront un peu différentes. Mais l'idée est la même chose va à n'importe quel rouleau de piano ou système que vous avez pour exporter et sélectionner l'exportation de fichier comme fichier MIDI. Je dis que c'est que, vous savez maintenant dans Muse score, ce que nous pouvons faire est que nous pouvons créer de nouveaux projets, et vous pouvez choisir le type de score que vous voulez utiliser. Dans ce cas, je vais juste choisir l'orchestre classique. Je vais choisir l'échelle que j'utilise, et je vais identifier quel genre de signature temporelle Hominy bat Mais bar et ainsi de suite et finition lisse . Je sais que ce qui est fait est qu'il a réellement créé un modèle de partition à laquelle je peux maintenant ajouter des notes. Donc j'étais vieux dans cette affaire. Différences. J' ai choisi le modèle d'orchestre classique. J' ai tous les instruments que je voudrais utiliser prêts à utiliser. Vous pouvez toujours ajuster l'un de ceux-ci à eux, l' emmener et ainsi de suite. Et maintenant, je vais importer les notes Midi que je viens de créer dans ma station de travail audio numérique , donc vous verrez qu'elles sont ouvertes dans une nouvelle partition. Mais ce n'est pas ça, c'est bon. Ce n'est pas une grosse affaire. Je peux simplement sélectionner les notes frapper le contrôle C à copier, aller dans mon score réel, sélectionner l'instrument que je veux coller dans le contrôle V à Coller. Et nous l'avons là. J' ai maintenant ajouté en trois notes de ma station de travail audio numérique. C' est aussi facile que ça. Donc, une fois que vous êtes ici, vous pouvez ajouter les articulations que vous voulez. Juste en faisant glisser et déposer, je peux ajouter des dynamiques différentes et ainsi de suite, et vous pouvez le faire pour l'ensemble de la partition pour tous les instruments, parce que cela n'a aucun des changements dynamiques que vous avez eu dans votre logiciel n'est pas va inclure l'une des vitesses, l' une des expressions, l' un des changements de volume. Vous allez devoir le faire à nouveau parce que tout ce qu'il a fait était d'importer les notes MIDI, mais aucune des autres informations. Okay, donc maintenant on peut exporter ça quand on aura fini d'ajouter tout et je vais expert ce que je vais appeler. C' est mon score pour l'instant. Et maintenant, je peux l'ouvrir en partitions et je peux voir les notes que je viens de créer, ainsi que la dynamique et ainsi de suite. Et un musicien peut alors jeter un coup d'oeil à cela. S' il y a un violon, je veux dire, ce n'est probablement pas si réaliste, mais l'idée devrait être logique. Ils pourront alors dire, OK, OK, je comprends le problème, Cliff. Je vois la balance. Je vois le timing des notes que j'ai besoin de jouer et ils peuvent aller de là. C' est ainsi que vous pouvez amener un musicien hors de votre musique à l'extérieur de votre station de travail audio numérique et la donner aux musiciens pour qu'ils puissent la jouer 35. Lecture et écriture de musique: Décrivons comment lire des partitions. Donc essentiellement la partition est un groupe de symboles que nous pouvons utiliser pour interpréter une idée musicale . Vous pouvez prendre ce document et vous pouvez le donner à n'importe qui dans le monde qui sait lire des partitions. Ils peuvent prendre leur instrument et le lire et comprendre ce que vous essayez de faire de votre mélodie musicale. Avez-vous besoin de connaître beaucoup de théorie musicale pour lire des partitions ? Non. Tu as besoin d'en savoir beaucoup aussi ? Droit ? musique de joue ? Plus maintenant. Tu le faisais autrefois. Mais ce qui s'est passé, c'est que beaucoup de logiciels ont une place. Le besoin de comprendre beaucoup d'écriture musicale parce qu'il fait tout le travail pour vous. Et c'est la méthode que je vous recommande d'utiliser. Vous composez votre idée dans votre logiciel de piano ou votre station de travail audio numérique, quelle que soit leur utilisation, et vous exportez que vous l'importez dans votre logiciel d'écriture tel que Muse Score, qui est l'open source libre. Quand j'ai recommandé, et vous le laissez doubler le travail pour vous dans votre rouleau de panneau, et puis tout ce que nous avons à faire est d'ajouter dans les détails. C' est ton manqué plus doux. Donc, nous allons juste couvrir les fondamentaux et ensuite vous pouvez commencer à rouler à partir de là. Donc c'est ta partition. Vous avez votre nom hors de votre pièce musicale pour piano PC. Vous avez votre deuxième description. Vous avez l'arrangeur, le compositeur, des informations sur d'où il vient et puis ça commence. Il va de gauche à droite dans un mouvement vers le bas. Donc à gauche à droite, puis à gauche à droite à côté. Une gauche, droite, et ainsi de suite. La première chose que vous verrez déjà s'effondrer. C' est ce qu'on appelle une clef d'aigus. C' est ce qu'on appelle une clé de basse. D' où viennent-elles ? Si vous regardez un piano, une clé de aigus en général, est quelque chose de C. C'est le C. chose de plus haut que le milieu, et pourquoi avons-nous des clips différents ? le Pourlepiano, au moins ça indique la main droite. N' importe quoi à votre place droite. Les yeux ennuient habituellement Cliff quoi que ce soit. Votre main gauche est en général, la clé de basse. Certains instruments ont seulement des fentes de difficulté ou l'effondrement basé parce que leurs notes sont généralement seulement plus élevées que voir vieux Lodin voir, donc ils utilisent généralement qu'une falaise La prochaine chose que vous verrez sont ces choses appelées appartements ou objets pointus. Donc, ces appartements d'air et ce sont des requins, et ce qu'ils font, c'est qu'ils indiquent quelle échelle d'urine. Lorsque nous utilisons un rouleau de piano, vous pouvez voir souvent quelque chose qu'on appelle une balance qui fait tout le travail pour vous. Sélectionnez une échelle et choisissez la note sur laquelle vous voulez commencer, et elle construira l'échelle pour vous afin que vous n'ayez même plus à mémoriser ces choses . Votre logiciel peut le faire pour vous. Mais si nous devions regarder en arrière comment viennent ces choses ? Si je devais regarder mon piano et frapper quelques notes, si je voulais juste regarder l'échelle du do majeur si je devais monter et utiliser les notes noires. C' est d'où viennent les objets tranchants et les appartements. Les tranchants et les plats indiquent Onley les notes noires. Pour la plupart, si vous passez de la note blanche à une note noire, appelez-la un pointu. Si vous passez d'une note blanche à une note noire, appelez cela un plat. Quand utilisons-nous des appartements Quand utilisons-nous des objets tranchants ? Parce que vous ne verrez que des appartements ici ou vous ne verrez que Sharp. Monsieur, vous ne verrez jamais les deux. Pourquoi ? Si nous devions regarder ces notes ici dans l'échelle du C majeur encore une fois frapper chaque note de l' échelle. Une fois que nous avons frappé, voir DVD effigie A, B et C Nous devions choisir une échelle différente basse, par exemple, l'échelle majeure F qui a hey plat dedans. Nous voulons toujours utiliser ces noms de notes seulement une fois que nous voulons utiliser qu'une fois que le G veut un qui soit une fois dans ce cas, nous voulons frapper cette façon de note pourrait l'appeler d'un pointu. Nous avons déjà utilisé un dans l'échelle, nous avons coupé F g un pointu. C' est déroutant pour quelqu'un qui essaie de lire la musique. Donc on appelle ça autre chose. Nous devons appeler ça un être quelque chose, et il est soit forte serait plat. Nous l'appelons un bœuf B parce que c'est vers le bas que, avant d'utiliser son échelle F majeur, nous devons utiliser des plats plats. Sinon, nous allons doubler l'utilisation d'une note afin que vous utilisiez l'une des autres. Ensuite, vous verrez quelque chose qui vous appelle une signature temporelle. C' est ce que ces chiffres indiquent, et cela indique comment Maney vous bat. Avoir un pauvre bar. Regardons votre station de travail audio numérique, et vous devriez avoir une section qui vous montre combien de battements vous avez par barre trois battements par barre. Donc ça devrait être trois sur quatre. Si nous devions changer cela, dans ce cas, il y a deux sur quatre. Donc, vous avez deux battements par barre et vous remarquerez que quelque chose a changé. Ici, vous verrez que ces distances sont en train de changer, ce qui indique combien de battements vous. Avez-vous vu 123 battements mais pas de bar à rencontrer. Si j'en ai seulement deux, vous verrez que ce n'est que 12 battements par bar. Qu' est-ce qu'un bar ? Exactement Cette distance de cette ligne Longue ligne à cette ligne longue suivante Voici votre barre. Essentiellement, ce que nous faisons c'est que nous disons que nous divisons cette barre en morceaux, et ces petits morceaux ici sont les rythmes que nous disons. Donc, si nous utilisions juste Net Metrodome ici, on peut entendre que ça va tous les deux temps avant 12121212 Si nous devions changer les battements d'une barre pour autre chose et jouer à nouveau 123123123 Et c'est combien de battements vous. Prends l'écorce. Vous verrez une certaine dynamique. C' est votre volume. Combien bruyant ou silencieux vous allez jouer Si je devais enregistrer quelques notes, donc j'ai joué quelques notes, et vous pouvez voir ici dans cette section inférieure nous avons ces dynamiques Cesaire, la vitesse. Combien dur de frapper ces notes sur le piano et que je deviens de plus en plus fort. Je frappe ces notes plus fort, et ensuite je les fais plus silencieux. Si je l'ai frappé fort, vous obtenez autorisé un son que nous appelons ce fort indiqué par un F Si je devais les frapper plus silencieux , nous appelons que piano ou pianissimo F pour 14 signifie fort pianissimo est calme. Nous avons également MP, qui est mesurée piano ou piano moyen calme. Je m f moyen fort, et il y a beaucoup de noms différents étaient toutes ces choses et essentiellement ils disent juste , à quel point cet instrument va être fort et qui pourrait indiquer votre vitesse ou il pourrait simplement indiquer que votre volume est que ce sont essentiellement les mêmes choses la plupart du temps. Volume. Plus fort, plus silencieux. Parfois, vous devez aller de devenir beaucoup plus silencieux. Orteil plus fort, plus fort, plus silencieux. Et si vous voulez le faire dans votre partition, vous devriez avoir un petit symbole ici, qui indique plus silencieux, plus fort ou plus fort. plus en plus silencieux. C' est ce que ça indique. Plus silencieux. en plus fort, fort, en plus silencieux. Et enfin, nous entrons là-haut, qui est quelques mots. Parfois, vous verrez un numéro, et ça indique votre vitesse. Alors que dans votre station de travail audio numérique, ils utilisent quelque chose appelé battements par minute. 80 battements par minute est lent 160 battements par minute. Eh bien, c'est beaucoup plus rapide. Comment Maney bat combien de fois tu frappes quelque chose pendant une minute ? Différents genres de musique ont tendance à avoir des vitesses différentes. Exemple. Dub Step a tendance à être 140. La musique house tend à être 128 battements par minute. Cela a été inventé avant les battements par minute et a été utilisé. Il n'y avait pas de chronométrage exact que nous avons avec le logiciel, donc ils devaient juste avoir un timing relatif. Ils ont donc permis au musicien d'improviser un peu plus que d'avoir la seconde exacte. Et puis la dernière chose à mentionner est les notes elles-mêmes. Donc si on n'a rien, c'est vide. n'y a pas de notes. Nous utilisons quelque chose appelé repos. Les repos indiquent qu'il n'y a pas de son. n'y a rien qui se joue. Tout autre chose que l'arrestation est une note, et c'est quelque chose qui se joue. Ajouter des notes. Traditionnellement, vous deviez les écrire au crayon, et vous deviez dire, je vais ajouter une note une note, deux notes, trois notes et comprendre où elles allaient être des positions dans votre balance. Et faire que le timing et comprendre comment faire toute la pièce. Comparez cela à d'autres instruments à ceux qui joueront en même temps et essayez de comprendre où tout va ensemble et Dieu merci, nous n'avons plus à faire ça. Maintenant, votre logiciel peut faire tout ce qui fonctionne pour vous lorsque vous exportez cette partition musicale. Ça l'a transformé en partitions. Il maintiendra tout le temps pour vous. Tu n'as pas à t'inquiéter pour ça. Vous n'avez plus à vous soucier de mettre des notes. Dieu merci. Et quand on compare ça à un nouvel instrument. Vous pouvez simplement avoir un deuxième instrument jouer en même temps, et vous pouvez conserver la position exacte. Donc vous savez, quand cet avis de jouer et de l'avoir frappé exactement en même temps, tellement plus facile que d'essayer de comprendre cela. Cependant, juste au cas où vous vouliez ajouter des notes comme l'Iran et que vous vouliez le changer un peu, vous devez comprendre comment lire ceci au moins Donc, ces lignes indiquent ici la note sur laquelle ils vont être pressés. Chacun de ces Positions indique ici où se trouve la note dans l'échelle. Donc ceci avec cette petite ligne sous la clé de problème sous ces vieilles barres est votre siège du milieu, par exemple, peut-être noter plus haut que ça. Comme nous allons le long, je za note plus haut. Donc c'est votre D qui est indiqué par cette note. Facilitez la note suivante qui est la note suivante et ainsi de suite lorsque vous vous éloignez. Ok, alors quelle est la grande image ici ? En gros, vous n'avez plus à vous soucier de lire et d'écrire de la musique . Vous pouvez laisser votre logiciel faire la plupart du travail pour vous. Il y a des tonnes de symboles que vous pourriez passer tout votre temps à passer à travers la théorie de la musique , à suivre des leçons et à essayer de comprendre ce que signifient tous ces symboles différents . Mais c'est comme des mots dans une langue dans un dictionnaire. Il y a beaucoup de mots que tu n'as pas besoin de connaître. Vous devez en savoir assez pour avoir une conversation. Tu sais ce que j'ai besoin de savoir ? Assez pour que vous puissiez communiquer. Musicien de travail, Vous pouvez passer tout votre temps à composer des mélodies, obtenir le timing, la mélodie, comprendre quels instruments fonctionnent bien ensemble. Alors ce que vous pouvez faire une fois que vous avez fait, c'est que si vous voulez avoir des instruments mystiques Riel joués par de vrais musiciens, ce que vous pourriez faire, il exporte votre musique. Envoyez-le à un logiciel tel que la musique ou il capturera ces mini notes. Mais il n'aura pas la dynamique, donc vous devrez entrer et vous direz, je vais ajouter dans cette sonie, c'est calme et peut-être des articulations aussi bien. Et puis vous pouvez envoyer ça à votre musicien. Le musicien prendra alors cette pièce. Lisez ce document et dites : OK, OK, je comprends ce que vous essayez de transmettre ici. Je peux voir l'échelle dans laquelle je suis. Je vois le timing. Je comprends le timing de ma pièce. Vous m'avez dit ce qu'ils décrivent en silence. Ça va être et je peux voir ces notes d'espacement ce que leur nez est censé être. Et je pourrais lire ça et jouer ta mélodie. C' est ainsi que vous pouvez lire de la musique et juste les fondamentaux. Donc vous savez, juste assez pour que vous puissiez donner quelque chose à un musicien et qu'ils puissent interpréter votre idée. 36. Optimisation de CPU (Retirer le d'un d'une Lagging) ): Peut-être avez-vous un projet où votre ordinateur est en retard et vous voyez que les beautés ne peuvent pas gérer les instruments et les branchements. Voici quelques conseils que vous pouvez utiliser qui peuvent vous aider. Tout d'abord, allez Teoh. Si vous utilisez FL Studio, accédez à vos paramètres audio. Assurez-vous que vous utilisez un comme vous le savez pour tous pour utiliser un son différent, alors il ne sera probablement pas rapide, alors assurez-vous que vous choisissez et que vous avez sélectionné plusieurs threads . Ceux-ci vont utiliser plus de cours sur votre CPU, et ce sera important. Si vous ne les utilisez pas, votre ordinateur ne sera pas optimisé. Vous re échantillonnage devrait être 24 plus bas, au moins pour votre si vous rencontrez des problèmes. Si tu ne l'es pas, alors c'est bon. Vous pouvez utiliser des hauts. Ça va être la qualité de votre échantillon, et 24 moins devraient être assez bons pour la plupart des gens. Au moins lorsque vous êtes encore en train de composer, assurez-vous que ceux-ci sont sélectionnés votre commutateur de tampon de mélange triple tampon, afin qu'ils ont été sélectionnés les sélections que c'est 24 ou moins. Vous avez comme vous pour tous sélectionnés. Et vous pouvez également aller dans vos outils, aller sur Mac Rose et assurez-vous que l'étiquette de commutateur smarts pour tous les plug-ins est sélectionnée. Et ce que cela va faire, c'est qu'il va éteindre tous les instruments qui ne sont pas actifs . Donc, quand quelque chose n'est pas utilisé, éteignez-le quand il est utilisé. Allumez-le. De cette façon, vous n'avez pas à faire face à tout ce qui fonctionne en tout temps. Cela accélérera les choses, et vous pouvez également vous assurer que vos instruments sont acheminés vers leurs propres canaux individuels . Au moins dans la version actuelle d'Apple Studio, les différents canaux sont réellement intégrés à votre CPU différemment. Si tout est routé vers un seul canal, votre ordinateur est en fait ne peut utiliser qu'un seul cœur car il a désigné un cœur pour cela. Mais si vous avez plusieurs canaux et qu'il peut utiliser plusieurs cours, il est donc recommandé en général d'avoir tout arrondi aux canaux individuels. Mais si vous ne l'avez pas fait, c' est peut-être l'une des raisons pour lesquelles votre ordinateur est en retard, c'est parce que vous ne les avez pas séparés . Alors fais ça. Quoi qu'il en soit. Cela devrait être fait peu importe. Et si cela n'a toujours pas résolu vos problèmes, votre ordinateur est toujours en retard. Vous avez deux options. Vous pouvez soit essayer de plaire à vos traces et qu'est-ce que je veux dire par congélation ? Je veux dire transformer vos morceaux en audio et ensuite les importer dans votre chien. Et ce n'est pas une jolie solution. C' est une douleur dans les fesses. Mais si vous n'avez pas d'autre option, alors vous pouvez le faire. Et si vous avez tout un tas de pistes audio au lieu de notes charnues, votre ordinateur sera capable de les exécuter beaucoup plus rapidement. Comment figer les pistes ? Eh bien, nous allons vous montrer comment faire ça. Ils avaient quelques notes ici, et je peux aller à ma table de mixage. Dans ce cas, dans mon piano, je peux sélectionner enregistrement. C' est comme si cet enregistrement de disque décalé ces airs. Très bien, sélectionnez Démarrer. Je sais comment mes pistes audio pour que je puisse jouer ça, ça, et c'est maintenant le fichier audio lui-même en C. Je ne peux pas changer ces notes, mais votre ordinateur peut gérer ça beaucoup plus vite. Pas une jolie solution. Mais si vous n'avez pas d'autre choix, vous pouvez le faire. Et puis bien sûr, vous pouvez acheter un ordinateur plus rapide. Donc, ce sont quelques étapes que vous pouvez utiliser pour faire face. Lentement Cebu ou les ordinateurs commencent à pépiller. Vous entendez beaucoup de sons d'amour. C' est une solution pour vous. 37. Conclusion: félicitations. Vous avez atteint la fin des bandes sonores en cours de masterclass. J' espère que vous avez beaucoup appris. J' espère que tu t'es bien amusé. Je sais que je m'amuse à t'apprendre à aller de l'avant. Il y a quelques ressources supplémentaires que j'ai pour vous qui pourraient vous être utiles. Tout d'abord, je dois Page Facebook est le 1er 1 est le Music Producer Club, et c'est une page Facebook qui publie régulièrement des liens vers des vidéos recommandées sur la théorie de la musique ou la production musicale. Donc, vérifiez définitivement ça. Si vous aimez ça aussi. J' ai une autre page Facebook appelée Club des cinéastes, et celle-ci est orientée vers le cinéma. Donc, si vous aimez les pistes sonores, la mise en scène ou la cinématographie, cette page se concentrera sur les vidéos liées à ces sujets. Donc, vérifiez certainement ceux et songez à donner à ceux comme aussi. Vous pouvez toujours me suivre mon site web, page Facebook, Twitter ou Soundcloud avec toute ma musique. Et j'ai un autre cours sur la production musicale, qui est disponible où j'ai pris les vidéos sur FL Studio que vous avez vues dans ce cours. Donc, dans mon autre cours sur la production musicale, je couvre des sujets tels que le mixage, mastering des effets, traitement vocal et ainsi de suite. Donc, si vous avez apprécié ce cours, vous apprécierez probablement ce cours. Et c'est tout. Vous avez atteint la fin des tribunaux. J' espère que vous vous êtes bien amusé, et je vous souhaite bonne chance dans vos propres productions.