Masterclass de bande dessinée : Crimson Cat | Techniques d'encrage et de mise en couleur pour l'illustration numérique

1. Bande-annonce: Hé, là. Bienvenue à ma classe de maître d'art de la bande dessinée au large du Crimson Cat. Créer une illustration de bande dessinée complète est extrêmement difficile car elle repose tellement sur une compréhension claire de votre processus, que de nombreux artistes ne développent pas complètement même après avoir appris les fondamentaux. Donc, si vous voulez toujours créer une bande dessinée étonnante qui gagne le respect de vos pairs, fin impressionne vos fans. Je vais partager mon propre processus avec vous dans cette classe et vous montrer exactement comment l' exécuter. Pendant des années à des centaines, voire des milliers d'étudiants, le même flux de travail numérique que vous êtes sur le point d'apprendre ici. Quelle que soit l'illustration sur laquelle vous travaillez, vous pourrez compter sur ce processus à maintes reprises, quelle que soit sa complexité. C' est simple, facile à suivre, et nous vous donnerons des résultats cohérents dans votre travail commencera au tout début avec un croquis basique pour faire descendre notre idée sur la page à partir de là, Will Inc dans le menu de les ombres et rendre les matériaux et les textures à l'aide divers hachures et détails croisés. Les techniques ING ajoutent enfin de l'humeur et du drame à l'illustration avec une touche de couleur, ajoutant des ombres et des reflets pour créer un tout nouveau niveau de profondeur et de dimension à un kamikaze. Il va sans dire qu'il faut beaucoup de temps, de pratique et de dévouement pour maîtriser n'importe quelle compétence. Mais avoir un traitement sur lequel vous pouvez compter est la moitié de la bataille. Donc, après avoir pris ce cours et avoir appris que le pied de travail couvrira, vous devriez voir des améliorations significatives dans votre travail et vous sentir beaucoup plus confiant d' aborder une illustration de bande dessinée de n'importe quelle taille et complexité. J' ai vraiment aimé créer l'illustration de la démonstration tout au long de cette classe, et j'ai hâte de vous emmener à travers tout le processus. Étape par étape, dit Boucle vers le haut, Prenez votre styliste et entrons directement dans elle. 2. Introduction: Hé, hé ! Faire son Clayton ici de Had a draw Comics start Net et bienvenue à ma nouvelle classe de maître d'art comique . Dans cette démonstration, vous allez aux pieds, apprenez un flux de travail numérique complet pour le crayon, l' encrage et la coloration. BD. Je vais vous emmener à travers tout le processus du début à la fin commencera par un brouillon très basique et rugueux de la composition générale qui voudra se développer le long du chemin pour notre illustration. Et une fois que c'est fini et prêt à partir, nous allons aller dans le haut et commencer à l'encrerer avec un travail d'alignement lisse, rationalisé et énergique. Et enfin, nous allons lui donner une touche de couleur, construisant les différentes formes tout au long de notre illustration et en lui donnant un niveau supplémentaire de trois dimensions. Sans plus tarder, nous allons tout droit dedans. 3. Matériel: Donc, la première chose que je voudrais couvrir ici est juste un matériel que j'utilise quand il s'agit de produire une illustration de bande dessinée numérique. Maintenant, je n'utilise pas de teck de péché, et je n'ai pas vraiment une nouvelle tablette technique très avancée que j'utilise non plus. En fait, la tablette que j'utilise un coup de maison dans nous trois. Vous pouvez le voir juste là. Ce sont les stylistes qu'il vient avec très, très simple et basique. Il a environ 10 à 15 ans. Je n'ai vraiment pas mis à jour depuis. Et la raison pour laquelle j'ai mentionné ceci est parce que cela va juste montrer que quel que soit le niveau de matériel que vous avez à votre disposition pour l'art numérique à ce stade, il va probablement faire les spécifications sur mon PC sur tout ce crash hot, soit . En fait, j'ai désespérément besoin d'une mise à jour. Le PC amusant est également probablement vieux d'une décennie. Donc encore une fois, quel que soit le matériel que vous utilisez, en ce qui concerne votre PC, il va probablement battre le mien à ce stade. D' accord avec cela dit, passons 4. Logiciel: instant, quand il s'agit de logiciels, mes applications préférées sont les clips, peinture de studio, précédemment connue sous le nom de Mangus Studio, et j'utilise cette application pour tout mon travail de crayonnage et d'encrage. Et en ce qui concerne la coloration, je préfère utiliser des boutiques de photos. J' ai de vraies applications là-bas que j'utiliserais généralement tout au long de mon illustration de bande dessinée numérique . Workflow. Maintenant, quelle que soit l'application que vous préférez utiliser, ce soit la procréation ou autre chose, je n'en ai vraiment pas beaucoup moi-même. Cela n'a vraiment pas d'importance, parce que beaucoup de sujets que je vais traiter avec vous et les explications vous donneront souvent fois qu'ils vont appliquer partout, quelle que soit votre candidature choisie. Maintenant, la mesure où certains des effets de post vont dans la partie de coloration de cette démonstration, oui, certains d'entre eux sont spécifiques à la boutique plus loin, donc les approprier où vous pouvez dans l'application que vous utilisez. Je sais que les prix très loin de ces applications concerne, donc il est complètement à vous à ce point clip peinture studio. Beaucoup de gens utilisent ça. C' est une application très populaire et aussi sur le dessus, un extrêmement abordable. Donc, je vous suggère fortement au moins de télécharger la démo pour celui-ci et de vérifier, voir si cela fonctionne pour vous. D' accord, c'est tout. Passons à l'écoute suivante. 5. Flux de travail: Donc maintenant, ce que j'aimerais vous donner est juste un aperçu très rapide de l'ensemble du processus d'illustration de bandes dessinées numériques que nous allons couvrir ici tout au long de cette classe de maître . Maintenant, comme vous pouvez le voir, une illustration de Crimson Cat en plusieurs étapes, et nous allons couvrir six étapes principales tout au long de ce flux de travail ici. Donc, c'est l'étape numéro un est d'esquisser les fondations de l'illustration Ici, nous travaillons très, très lâchement, très grossièrement, et un objectif principal est d'expérimenter et d'exp soufflé le design afin que nous puissions trouver quelque chose que nous voulons vraiment développer et à laquelle nous nous engageons alors que nous entrons dans l'étape plus raffinée du crayon. Et cela nous amène à l'étape numéro 2, où nous nous appuyons sur le squelette sous-jacent du dessin, nous nous appuyons sur le plan que nous avions initialement établi dans la première étape. Donc, voici où nous peaufinons tout ce que nous avons déjà fait, et nous commençons à assommer certains des détails dans le design et aussi pas seulement parler de la conception en référence au personnage, mais aussi à l'arrière-plan aussi bien, parce que c'est important. Tout cela va nécessiter que nous commencions à penser de manière plus analytique en recoupant beaucoup des principes de base du dessin qui servent de fondement à cette illustration. Donc, ce dont je parle, il y a des choses comme les proportions du personnage et de faire en sorte que nous corrigions celles si elles ne regardent pas bien et perspective. Donc, la perspective de l'arrière-plan et le personnage lui-même. Encore une fois, nous voulons nous assurer qu'ils sont à la fois en ligne était l'un l'autre et également aligné sur la perspective que nous avons mis en place pour la scène ou sur le rouleau. Maintenant, une fois que nous avons pris soin des crayons raffinés, il est temps de passer à l'étape numéro 3, où nous encrons sur le dessus de notre dessin. Nous allons donc prendre l'esquisse de base et l'utiliser comme brouillon pour créer la ligne d'arrivée. Pas au lieu de polir les crayons, nous allons sauter directement sur les encres pour nous faire gagner du temps. Chaque contour sera attendu à ce stade, l'ombre est bloquée et les détails rendus ici sur lesquels vous allez vraiment vouloir concentrer principalement est de garder une main stable. C' est la partie la plus importante, s' assurer que vous avez une excellente utilisation d'un contrôle couché lorsque vous allez au-dessus des crayons et que vous posez ce qui sera finalement le Leinart final sur votre illustration. Bon, passons aux couleurs ici dans la quatrième étape. Maintenant, ce que nous allons faire pour commencer ceci est établi le schéma de couleurs global que nous allons vouloir utiliser pour l'illustration. Donc, ce que cela va nous obliger à faire est de mettre dans les tons de couleur de base. Ce qui était particulièrement considéré ici, ce sont des choses comme la théorie des couleurs, assurant que tous les tons de base qui se trouvaient à travers le personnage et l' arrière-plan vont bien ensemble d'une manière complémentaire. Et nous sommes concentrés sur ici est de rester à l'intérieur des lignes comme nous étions dans ces appartements, définissant quelle couleur sa peau va être sa tenue et ensuite le fond aussi bien. Ensuite, à l'étape numéro cinq, nous allons peindre dans la première passe des ombres et des reflets. Ceci est fait d'une manière extrêmement rugueuse et préliminaire. Nous nous sommes concentrés sur les grandes formes ici, décomposant l'anatomie du personnage en rien de plus compliqué que les cylindres et les sphères et aussi la pensée de fond en termes de formations de blocs. Et nous considérons la source de lumière. C' est la chose la plus importante à penser à ce stade, car au fur et à mesure que nous définissons le premier passage, le rendu ici et l'établissement des conditions d'éclairage sur la scène, nous allons construire en plus de cela à l'étape 6. étape six est l'endroit où nous ajoutons les superpositions et donnons à l'éclairage un peu de couleur. Et cela va établir un schéma d'éclairage plus réaliste, ce qui nous permettra de créer une palette de couleurs beaucoup plus enrichie à son tour. À partir de là, il s'agit simplement de construire les faits saillants et les formulaires pour leur donner plus de définition . donc la vue d'ensemble du flux de travail que nous allons couvrir tout au long de cette démonstration. Sautons directement dedans 6. Encrage du chat: Hé, hé, faire son Clayton d'ici avait un filet de bande dessinée et bienvenue à la vidéo d'aujourd'hui. Dans cette démonstration, je vais travailler sur une illustration de bande dessinée assez ancienne que j'ai créée il y a probablement quelques années. Maintenant, je pense que c'est une de ces illustrations qui non seulement vous permet de voir comment je vais poser les fondations d'un personnage en arrière-plan, mais aussi comment je vais rendre les différents matériaux qui allaient voir tout au long de cette illustration. Et pour cette vidéo en particulier, ce sur quoi nous allons nous concentrer, c'est juste établir toutes les bases que vous pouvez me voir mettre ici. Et puis le contour, le contour de l'encre pour le personnage, puis dans la vidéo suivante sera complètement encres pour l'arrière-plan et dans la vidéo. Après ça, eh bien, coloriez-le, Allons-y. Qu' est-ce que je fais ici ? Eh bien, comme vous pouvez le voir, j'ai établi les fondements de base du personnage. Cela a été assez rapide, et généralement c'est un processus assez rapide, mais c'est la partie la plus importante du processus dans son ensemble parce , bien sûr, que, bien sûr, c'est la composition sur laquelle l'illustration entière va être construite . Ainsi, les éléments de fond qui ont été incorporés, bien qu'ils ne soient pas aussi détaillés, ils créent une certaine quantité de lisibilité visuelle qui aide à encadrer le personnage et attention du tiroir à elle. Et puis, bien sûr, le personnage lui-même, nous nous opposons établi. On lui a positionné un placement et la taille à laquelle il va être dessiné. Tout a fonctionné à ce stade, et avec ces éléments compris, ce qui était alors en mesure de faire est de libérer la jante élémentaire pour commencer à ajouter dans les détails supplémentaires qu'il va venir en plus de cela. Donc, ce que nous avons essentiellement, c'est que j'aime le considérer comme américain dans une vitrine, par exemple. Tu connais un mannequin. C' est vraiment juste une ardoise vierge qui est habillée juste pour mettre en valeur les vêtements qu' il va essayer de vendre. C' est essentiellement ce que nous établissons ici, peu comme le mannequin du dessin d'une manière que nous allons habiller avec, oh, les détails qu'ils vont consister dans l'arrière-plan et dans le personnage et les éléments de conception qui vont venir avec que tout l'éclairage, tout va être construit au-dessus de cette composition de base. Donc, je vais dans l'arrière-plan et j'ajoute quelques détails finaux pour cela. C' est toujours très rude et calme, croquis. Comme vous pouvez le voir, il n'y a rien qui ait été super bien ici. Mais ces petits détails supplémentaires vont m'aider juste à comprendre, vous savez, quel genre de matériel vais-je traiter là-bas en arrière-plan ? Vous savez quel est son bâtiment sur lequel elle est assise, et très clairement c'est fait de ces briques et, ah, ça va être une sorte de rupture de style ancien. Donc, en ce qui concerne l'architecture, il s'agit bâtiment très vieux qui est à moitié en train de s'écrouler. C' est peut-être abandonné, un peu délabré, et donc avec ça, je suis capable de capturer le genre d'ambiance dans le contexte dans lequel le personnage va être présenté parce que tous ces trucs de fond sont vraiment juste un plate-forme qui est là pour la complimenter. Si vous avez déjà vu ces super détails assez grands superhéros de bande dessinée, des statues que vous pouvez acheter à partir d'endroits comme des objets de collection de sideshow comme un exemple où ils ont les plates-formes géantes sous la statue et tout ce qui est à l'intérieur de ces plates-formes. Habituellement, ils sont décorés avec tous ces éléments, vous savez , très détaillés qui aident à fondre le personnage, à fondre la statue et à donner un sens de la place pour aider à faire connaître l' histoire du personnage et juste une vraiment augmenter la quantité d'humeur dans leur présentation. Eh bien, c'est un peu ce qu'on fait ici. Nous essayons de mettre l'accent sur l'ambiance avec un sens vif du sentiment et du caractère aux illustrations, afin que nous puissions faire une expérience plus immersive au public lorsqu'il regarde notre illustration ici. Et c'est quelque chose où les milieux entrent en jeu d'une manière énorme. Ils sont souvent sous-estimés, et nous essayons de les éviter parce qu'ils sont constitués de tellement de détails différents qui prennent beaucoup de temps à mettre en œuvre. Mais quand il est fait correctement, milieux peuvent vraiment aider à simplement complimenter votre personnage et à leur rendre justice d'une manière qui aide vraiment à souligner qui ils sont. Cette histoire et la volonté dans laquelle ils habitent. Et ce que cela fait, à son tour, c'est attirer le spectateur en plus qu'il obtient, plus il aide à les attirer dans ce même monde que le personnage est une partie de l'écart. Donc arrière-plans de fantastiques. C' est une bien meilleure alternative, même si cela prend un peu plus de temps que d'avoir un fond, qui est complètement vide ayant un caractère, qui est cette cannelure dans ce vide blanc. Donc maintenant, je vais dans le haut de ce croquis de personnage vraiment rugueux, et j'utilise l'outil G stylo dans méga studio A k un clip studio douleur à l'encre dans le Leinart final pour le personnage. Et ce sera vraiment juste le personnage sur lequel nous nous concentrons encore ici. Nous allons juste laisser l'arrière-plan tel quel, et Puli se concentrant juste sur obtenir cette gamme agréable, lisse et boutique cherchant à vraiment donner à la présentation finale du personnage la même quantité d'énergie que nous avons vu dans ce projet initial. Et c'est une chose difficile à faire parce que lorsque vous commencez à dessiner dans le personnage , il y aura inévitablement une plus grande quantité d'énergie. Ils sont juste parce que hors des caractéristiques des lignes que vous avez affaire, leur lâche, leur lâche, aussi rude, il y a plus de mouvement en eux juste par défaut dans. Donc, vous savez que les lignes, encapsulant le personnage et établissant vraiment les contours délimitants vont avoir ce niveau supplémentaire de vivacité en eux. Mais veulent dizaines orteil arriver quand nous allons sur le dessus d'eux et nous commençons à penser que le tapis est la position de personnage pour raidir. Et donc nous perdons une partie de cette vivacité et de la flexibilité à l'intérieur de ces lignes, elles commencent à devenir un peu moins vivantes et plus sans vie, ce qui peut vraiment enlever le caractère et la façon dont elles ont représenté, parce que c'est la finale que je ne suis pas. Donc, ce que nous voulons faire pour éviter que cela se produise afin d'éviter un produit plat, sans vie, c'est que nous voulons essayer d'obtenir est beaucoup d'énergie dans mis en œuvre dans ces lignes dans ce Leinart Final Inc que possible. Et la façon dont j'aime faire cela est en les dessinant rapidement et avec confiance en m'assurant que la façon dont je caresse en cela les contours de zinc n'est pas faite mais forte et qu'ils sont déterminés. Ils avaient ce sentiment de ou d'appartenance dans l'illustration, et ce que je veux dire par cela est souvent temps, surtout pour les ancres peu confiants, le déclin vous remorquez, pas tout à fait sûr, familier avec les outils juste pour l'instant comme ils ont tendance à esquisser dans le contour encré. Et je le ferai aussi de temps en temps pour capturer certaines des subtilités que je veux intégrer dans la ligne. Et parfois ces caractéristiques subtiles que je veux avoir en eux ne vont tout simplement pas être en mesure de mettre en œuvre en un seul coup rapide. Donc, je vais entrer et tout manuellement sorte de. Je l'appelle sculpter, sculpter la ligne droite, et que c'est vraiment ce que vous faites, c'est que vous le sculptez là-dedans. Vous ajoutez un peu de maladie ici, sortant la gomme, en taillant là-haut. Et c'est vraiment ce qui vous permet de vous démarquer de la ligne dans un endroit beaucoup plus contrôlé. Mais parfois cela peut produire ah, sentiment quelque peu fabriqué à la ligne et une esthétique visuelle qui ne semble tout simplement pas authentique ou je suppose que vous pourriez dire qu'il semble artificiel, et vous voulez éviter cela aussi. Il s'agit donc toujours d'un équilibre entre obtenir le genre de ligne que vous voulez tracer sur la page , en s' assurant qu'elle est sculptée de la manière exacte dont elle doit être sculptée si c'est le cas. Mais sinon, ce que vous voulez essayer de faire chaque fois que vous pouvez le retirer est de simplement obtenir ces lignes tracées. Et un coup rapide, rapide et rapide. Mais vous découvrirez, c'est qu'il y a juste cette énergie inhérente à eux. Il y a cette maladie vivante qui y est incorporée, monsieur, c'est vraiment quelque chose que vous voulez garder à l'esprit autant que possible et quelque chose que vous voulez pratiquer parce que, ne faites pas erreur, qui prend très certainement beaucoup. Entraînez-vous à être confiant en étant en mesure de jeter une ligne sur une seule fois pour une grève comme ça. Entraînez-vous à être confiant en étant en mesure de jeter une ligne sur une seule fois pour une grève comme ça Je veux dire, c'est des nerfs. Si vous n'utilisez jamais le stylo G avant, c'est le nerf racking pour le faire encore plus avec un stylo traditionnel à l'encre parce que vous savez, traditionnellement non seulement en mesure d'effacer facilement les encres que vous avez fait encore la piscine au large et fixer c'est ainsi, et cela pourrait être un peu laborieux en soi. Numériquement, au moins on a la capacité de revenir en arrière et d'augmenter si on le gâche. Donc, il n'y a certainement aucune excuse pour vous de mettre ça souvent juste à cause de nerveuse, parce que avec quoi que ce soit pour devenir bon, vous allez le faire encore et encore. Tu vas être répétitif avec ça. Vous allez y faire face, la tête et faites ce que vous n'êtes pas compétent pour en être compétent . Et ce qui est génial, c'est que tu es capable d'être bien juste en le faisant. Et, oui, court va sucer au début. Et ça ne se passera pas comme vous l'attendiez aussi. Et, hé, c'est toujours décourageant. Mais sachez juste dans votre esprit qu'en étant tout simplement assez courageux pour vous y mettre , vous irez mieux. Vous gagnerez des points d'expérience et vous serez récompensé pour votre initiative d'aller là-bas et d'apprendre quelque chose de nouveau. C' est quelque chose dans lequel vous devez vraiment vous parler et que vous devez être passionné pour vous ennuyer assez pour vraiment essayer en premier lieu. Mais s'il était passionné d'obtenir du bien et de maîtriser une compétence dans l' illustration de porc de Comey comme moi, alors vous le ferez et vous serez tout à fait d'accord. En fin de compte, ça ira. Tu vas avoir la foi que tu iras mieux. C' est un peu comme si tu avais déjà regardé le dragon de Siri. Bosie, je sais que je fais toujours référence à Dragonball Z parce que mon gros geek Dragonball Z, mais tu sais, tu as ces êtres. Et si vous avez déjà vu Dragonball Z que ces êtres appelaient des super dictons et l' invité général du super dicton est qu'à chaque bataille qu'ils perdent, ils deviennent plus forts, ils se stabilisent, ils se mettent en puissance. Et j'adore ce concept, monsieur, vous savez, comme dans les balles de dragon, que vous aimez une bande dessinée en super disant, vous savez, vous savez, chaque bataille que vous perdez, vous serez plus fort et vous apprendrez de cela votre esprit se concentrera sur les domaines qui peuvent être améliorés, mais vous ne pouvez les découvrir que lorsque vous échouez. Vous ne pouvez les découvrir que lorsque vous les rencontrez, et c'est ainsi que cela fonctionne. Les erreurs ne sont pas des mauvaises choses. Ils se sentent très bien parce que nous nous sentons comme des échecs. On a l'impression de vouloir faire de notre mieux. Et bien sûr que nous l'avons fait. Peu importe ce que nous avons décidé de faire, nous voulons faire de notre mieux. On va être les meilleurs, la quintessence de ce qu'on peut être. Mais parfois on vient de l'avoir. Nous avons un peu de chemin à faire, et nous devons surmonter ces obstacles pour les surmonter, et nous finirons par le faire . C' est juste une question de pouvoir les voir être capables de reconnaître le pouce, parce qu'au début vous ne reconnaissez rien jusqu'à ce que vous rencontrez ces obstacles. Vous ne pouvez tout simplement pas rendre compte d'eux. n'y a aucun moyen pour vous de savoir si oui ou non vous faites la bonne chose jusqu'à ce que vous fassiez la mauvaise chose. Ensuite, faisant la mauvaise chose, vous êtes capable de naviguer à nouveau, trouver une route différente pour arriver au résultat que vous essayez d'arriver pour que vous puissiez me voir franchir le sommet de la ah, le brouillon ici. J' ai fait la tête. J' ai un peu de l'ah que le torse a fait là-bas. Le bras est dedans et vous pouvez voir maintenant que je suis un peu en train de sauter dans le ventre ici où elle a ce cours de déchets qui s'enroule autour de son torse là-bas et en général. Mais vous avez probablement remarqué que c'est belle dame de chat regarde un peu comme une femme de chat . Et au début, elle allait être. Elle allait être une interprétation de mon point de vue sur Catwoman de Batman, bien sûr. Et finalement elle s'est avérée si différente que je pensais, Hey, tu sais quoi ? Cela pourrait être un personnage original complètement nouveau qui a créé, même si elle était en quelque sorte basée sur Catwoman, Um, elle pourrait être complètement différente. Alors j'ai décidé de le faire à la place, et vous verrez ceci pourquoi, j'ai décidé de la doubler avec ce nom. J' ai décidé de doubler comme les crèmes et le chat et comme vous le verrez dans la vidéo colorée, nous allons la colorier avec une palette de couleurs pourpres qui fait vraiment passer le nom à travers , ah, ah, manière plus littérale. Mais je pensais que ce serait plutôt cool. Vous savez, crèmes en vous que l'association avec le sang là-bas. Donc, elle est un peu pénible, pas quelqu'un avec qui on doit se tromper. Et, vous savez, je voulais vraiment passer à travers une ambiance séduisante de type dominatrix. Avec ce personnage particulier, vous pouvez voir qu'elle a le avec leur Catwoman, mais elle l'est aussi, et c' était le genre de processus mental que j'ai traversé dans son design était que, que, eh bien, peut-être qu'elle a plus de design de personnage de type dominatrix qui aurait du sens qui lierait en quelque sorte le fouet et la tenue de dominatrix ensemble dans un si elle a un fouet et qu'elle utilise un fouet, eh bien, peut-être qu'elle a plus de design de personnage de type dominatrix qui aurait du sens qui lierait en quelque sorte le fouet et la tenue de dominatrix ensemble dans un façon. Cela serait plus logique, donc il y a quelques documents que nous traitons dans cette illustration particulière. La plupart est en cuir et en lycra. Ah, sa mosquée et le manchon de bras que vous pouvez me voir placer les ombres et autour de l' éclosion de croix. Ils sont faits d'un matériau de type Lycra, et il va être coloré de cette couleur pourpre que j'ai mentionnée précédemment. Il est donc légèrement plus léger que le cours qui va être ce cuir noir. Donc ce sont les deux matériaux primaires. Et puis, bien sûr, nous avons les zones exposées de la peau, qui seront laissées assez vides. ne va pas y avoir, ah, ah, tenir un détail incorporé dans eux, quantité très minime de rendu. Donc, vous savez, la peau, d'une certaine manière est et la façon dont ces zones du corps qui sont représentés, mais vous avez les zones exposées de la peau. Beaucoup de ce qui va les faire passer au spectateur est d'une manière précise, est purement leur forme. Ainsi, les contours extérieurs que vous n'avez pas les trappes transversales là-bas, et le rendu et l'ombrage que nous pouvons voir dans les zones plus sombres de son dessin de personnage pour aider à décrire la forme de ces zones exposées de chair. Donc, ce dont nous devons dépendre dans ce cas particulier, c'est juste le contour extérieur, nous assurant que nous sommes capables de capturer une forme agréable, forte , vive, et tout cela va être englobé dans le primaire, a décrit l'allié principal dans et vous pouvez voir autour de l'épaule que la façon dont nous avons vraiment essayé d'incorporer cela et beaucoup de temps afin de rendre ces contours extérieurs intéressants. Aspect esthétiquement agréable. Mais nous voulons essayer de faire est d'incorporer des réveils de ligne bien surveillés juste pour rendre le lion plus intéressant. Parce que sans ces files d'attente, ce que nous finissons par obtenir est cette maladie constante tout au long du contour qui a juste l'air ennuyeux, comme s'il n'y avait pas de dynamique nous à la zone, et donc ça aplatit le et ne lui donne pas vraiment la même vie en métal qu'un zit aurait autrement. Donc, afin de créer une plus grande quantité d'attrait pour vos contours, essayez toujours d'incorporer juste un peu de poids de ligne, variation et tout ce qui est, si vous n'êtes pas familier avec la ligne Attendre. Je sais qu'on en a parlé avant, mais peut-être que tu ne sais pas de quoi je parle ici. Vin attend un vraiment juste en vous assurant que vous avez certaines zones de la ligne, le plus épais que d'autres zones et généralement les zones dans lesquelles vous allez trouver le plus malade , contour plus lourd se produire est dans la partie du contour qui sont face à l'écart de la lumière. Où est dans les zones les plus légères de la forme que le contour est englobant, Vous allez trouver qu'il commence à s'éclaircir un peu. Ça va devenir plus léger, plus faible , et ce ne sera pas un Sevy maintenant. Bien sûr, les poids de ligne peuvent également être utilisés dans d'autres contextes ainsi pour souligner que certaines parties du personnage à nouveau, comme nous venons de le dire, transmettre d'où vient la direction de la lumière. Mais aussi en plus de cela, il vous aide à créer l'illusion hors profondeur. Donc, par exemple, ici nous dessinons dans son autre bras, et vous pouvez voir que ce genre de sauts avait un peu maintenant que si ce euh venait vers nous et qu'il était pointé directement vers nous pour que nous ayons autant plus dramatique niveau quatre raccourcissement. Mais ce que nous verrions autour de l'avant que l'extrémité des bras des quatre sur la partie du bras qui était la plus proche de nous, c'est que nous verrions un contour plus épais. Donc, les poids de ligne seraient beaucoup plus lourds autour de cette partie particulière de l'armure. Comme le bras a reculé, bancaire à l'épaule comme un tiré en arrière loin de nous, le contour serait plus pécheur et plus mince. Cela créerait cette illusion de profondeurs. Même si nous avons affaire à un morceau de papier plat ici, nous avons affaire à un personnage qui est essentiellement bidimensionnel en fait, même si nous dépeignons la dimension mystérieuse que le contour seul créerait sens de la profondeur. Et c'est dans Ah, c'est définitivement un jeu de visuel, c'est là. C' est l'un des outils que nous avons à notre disposition pour créer cette illusion de la mort et celui qui, en tant qu'artiste de bande dessinée, vous voulez utiliser autant que possible partout où vous le pouvez. Parce que l'illustration de bande dessinée est tout au sujet de vous faire sortir où pop autant que possible . Maintenant, avec facilité, des trappes croisées que j'implémente autour de son bras, vous savez, placées dans l'ombre de la première chose que je fais parce que ce genre de choses m'a dit où sera le plus grand nombre d'éclosions croisées. Cela m'aide à comprendre à quelle densité tous ces tons vont devoir être pour que le formulaire se lise correctement. Mais une fois que ces ombres apparaissent, ce que je fais, c'est que je place les trappes autour du bras, c'est bras, qu'elles suivent la surface des bras. Et c'est vraiment important parce qu'au-delà de l'ombrage de la forme, les trappes transversales ont également aidé à décrire sa surface les dimensions de sa surface en l' enveloppant autour d'elle. Donc ne dessinez jamais vos trappes croisées complètement à plat. Ils devraient toujours avoir un certain niveau de courbure à eux. Et en faisant cela, vous trouverez à nouveau que vous êtes capable d'implémenter ce niveau supplémentaire de trois dimensions qui donne à votre illustration de règle supérieure ce niveau supplémentaire de profondeur en dimension, quelque chose qui est incroyablement important quand il vient à nouveau. Illustration de bande dessinée C' est pourquoi c'est une forme d'art si percutante et pourquoi je l'aime tellement. C' est ce qui me fait tellement bourdonnement. L' art de la bande dessinée est, c'est l'un de ces médiums qui attirent votre attention et vous attirent directement dans la bande dessinée. Il vous arrête dans vos traces, mais cuisinez une bonne bande dessinée. Est-ce que ce mauvais comique Wolcott ne va pas laisser beaucoup d'impression du tout si vous laissez hors des poids de ligne. Si vous êtes croix hachurage ne décrit pas la forme que ce soit et l'illustration semble juste plat en conséquence. Alors malheureusement, ce qui en résultera n'est qu'un nid, hein ? Tickly agréable, regardant le travail. Il n'y aura pas le même montant d'appel. Il n'aura pas le même impact. Les gens vont juste passer devant elle sans flotter. Et j'ai menti. Donc, vous pouvez voir ici qu'avec les ombres qui se sont incorporées dans son design, ils contrastent assez radicalement avec les zones nues de la peau dans tout son corps et autour sa jambe. Ici, les cuisses ont, elle n'importe quoi, elle hors de la cuisse. Nous verrons une fois de plus que nous avons cette section où son corps est révélé, la chair sous-jacente sera exposée. Et, monsieur, encore une fois, nous allons voir ce contrat danser tout au long de l'illustration. Et c'est cette danse de contraste que vous voulez essayer de mettre en œuvre dans vos créations, pour les rendre plus intéressantes à regarder, parce que lorsque vous avez cette variation du temps visuel, cela crée un certain rythme de niveau tout au long de la surtout si vous avez réussi à le disperser et de la manière correcte. Maintenant, quelle est la bonne façon ? Comment équilibrer ce contraste quand il ajoute les tons plus foncés où vous ajoutez les tours plus légers en ce qui a été convenu ? Vous les ajoutez ? Eh bien, pour moi ? J' essaie toujours de m'assurer que la tête elle-même a un certain niveau de tournage sombre, car c'est ce qui attire l'attention du spectateur maintenant. Ce n'est pas seulement un ton sombre, et ce n'est pas juste comme un tunnel, et c'est le contraste de la relation entre ces temps. Donc dans notre cas avec le Cat Crimson, ce que nous pouvons voir c'est qu'elle a son masque, qui a cette ombre épaisse et ces lignes de jouets très dramatiques , est ça les taches de contraste. Nous avons les ombres autour de son visage à l'intérieur des années, puis nous avons ces reflets très lumineux et réfléchissants qui ne se fondent même pas autant dans les ombres. La transition très, très brutale là-bas. C' est quoi, même un stock ? Une transition, cependant, est les trous des yeux et le trou de la bouche est, bien où nous voyons la mosquée et une peau arrière pour révéler le visage. Maintenant encore une fois, Ce que cela finit par nous permettre de faire est essentiellement encadrer les fenêtres des yeux, encadré le I hos avec ces temps super points et ensuite les avoir directement contraster couches, tons sombres en ayant ces zones exposées hors de son visage. Donc maintenant ce que nous finissons avec essentiellement ces, vraiment, il y a vraiment des valeurs blanches contre ces valeurs super sombres. Et pour cette raison, non seulement notre attention est attirée sur cette zone spécifique du personnage dès la chauve-souris cause de ce contraste brutal à cause de la fille blanche en toile noire ou, dans ce cas, deux points blancs dans une toile noire. Mais ce que nous finissons avec, c'est que nous sommes également en mesure d'avoir notre attention presque 100% prévisible être attirée dans les yeux du personnage. Et c'est important. Pourquoi ? Parce que les yeux des personnages de fenêtres dans leur âme. C' est comme ça que nous nous rapportons avec le personnage. C' est le premier point d'entrée. Afin de pouvoir essayer de les comprendre, aussi. Trouve. Tu sais quel genre de personnalité ils ont. Il y a beaucoup de choses qui peuvent être dites dans les yeux du personnage. Beaucoup de communications non verbales, et nous pouvons en dire beaucoup sur eux sur ce qu'ils ressentent à propos de qui ils sont. Et c'est quelque chose qui mérite certainement d'attirer l'attention, parce que cela retiendra l'attention tout le public pendant beaucoup plus longtemps, période de temps libre. Donc tu le sais stratégiquement, quelque chose que j'ai fait ici. Et je pense que c'est un excellent moyen d'avoir un design de personnage qui attire intrinsèquement votre attention sur tous les endroits corrects tout au long du personnage, bien sûr, travaillant notre chemin vers le bas du corps. On a les épaules de l'Expos et le milieu de sa poitrine, ce qui, vous savez, j'aime penser à ça car c'est presque comme une tête de chat, juste sans les oreilles. Et ah, tu sais, on a sa taille aussi. Maintenant, toutes ces zones une sorte de, bien sûr, vous savez, zones, tout le corps qu'un peu vous pourriez dire sexuellement attrayant. Et bien sûr, c'est quelque chose que les gens en général aiment voir pour une raison ou une autre. C' est une biologie, c'est probable. Mais vous savez, il peut créer un personnage sexy avec un carry sexy à la conception. Cela va, bien sûr, bien sûr,attirer l'attention et ah, vous savez que tout le monde aura une opinion différente à ce sujet. Personnellement, je pense qu'il attire l'attention dans un niveau supplémentaire, en plus attrayant en elle permet aux gens de devenir attirés par votre œuvre d'art, pas seulement pour le voir, pas seulement pour être immergé avec un peu, aussi d'être attiré par elle. Et pour moi, c'est une façon beaucoup plus puissante d'avoir le public en contact avec votre personnage qui va leur permettre de rester avec eux beaucoup plus longtemps, et ça va rester dans leur esprit pendant une longue période de temps. Encore une fois, tout le monde aura une opinion différente à ce sujet. Nous ne voulons pas que chaque personnage soit surexualisé dans les bandes dessinées, bien sûr. Mais tout comme avec le contraste autour de la conception de personnages ici même, il est bon d'avoir un contraste de différents personnages dans vos histoires. Tu vas vouloir des personnages sexy. Vous allez vouloir des personnages forts. Vous allez vouloir des caractères gras. Vous allez vouloir des caractères réservés. Certains font des personnages timides. Peut-être que vous voulez des personnages qui ont l'air faibles mais qui sont en fait forts que vous voulez le rattrape un peu parce que les gens n'aiment pas la même chose. Ils aiment être stimulés par la variation et la variation est précisément ce que nous recherchons dans la conception d'un personnage et dans les différences dans les variations entre chacun des personnages au sein de votre casting de caractères comparables. Nous voulons la variation dans le travail du lion lui-même que le choix, le caractère qui a aidé à définir leur illustration dans la façon dont ils ont présenté nous voulons variation dans les différentes pièces ont été traités au sein de la variation de contraste est la clé pour créer une expérience intéressante et beaucoup alléchante de travail pour votre public. Visuellement, alors essayez toujours de garder cela dans mon regard pour les zones de votre illustration. Où vous pouvez avoir cette danse de contraste est la danse de Variation, et vous verrez qu'elle laisse beaucoup plus d'impact qu'elle attire plus d'attention que cela. Il reste à nouveau avec les gens pendant une période beaucoup plus longue de temps. Cela les aidera à s'en souvenir. Cela vous aidera également à créer une illustration de bande dessinée plus lisible. Il peut voir que ce personnage est la conception est en fait un peu assez complexe est quelques éléments différents qui sont entrés dans elle ici. Et pour cette raison, si nous ne sommes pas en mesure de le diviser avec différents niveaux de valeur, si nous ne sommes pas en mesure de mettre l'accent sur certaines zones avec des poids de ligne, il devient un peu difficile de déchiffrer visuellement non seulement pour nous, mais aussi pour notre public. Parce qu'il commence manque de profondeur des orteils à nouveau, nous commençons à perdre la quantité d'impact visuel qu'il aurait autrement. Donc c'est vraiment envie que cette variation va vous aider à tirer dans votre illustration , et c'est ce qui rend difficile à repérer. Parfois, vous savez, nous ne parlons pas nécessairement de ce qu'ils sont sur la page. Nous parlons de ce qui n'est pas là sur la page, de ce qui est souvent souvent laissé de côté, et en l'intégrant simplement et en l'ajoutant. Ce que vous constaterez, c'est que votre œuvre se transforme d'un coup et que vous êtes en mesure de le créer . Quoi, ce que vous créez avant, très certainement. Mais c'est à un tout autre niveau maintenant que ce pourrait être la plus petite chose, la plus petite chose qui fait toute la différence et fait vraiment passer votre œuvre d'art au niveau supérieur . Donc je vais faire le tour et j'articule les contours qu'ils vont définir les jambes . Le personnage peut sembler un peu ajouter des poids de ligne sur la façon dont je suppose que je le fais. Un premier passage de ligne attend que je dessine la ligne, puis je reviens sur le haut et vous pouvez me voir faire une ligne. Attendez de sculpter là quand je sors la gomme et, vous savez, que la ligne est centrée dans certaines zones, en pensant à d'autres. Et j'essaie vraiment de m'assurer que non, je suis en mesure de définir un beau, propre, clair boutique regardant et intéressant, attrayant contour, et que cela va finalement présenter le caractère dans sa forme finale, vous savez, est facilement encres du personnage. C' est ce qui sera ceux-ci. Qu' est-ce qui va définir les personnages Leinart à la fin. Donc, nous devons nous assurer que nous les faisons rouler, que nous faisons vraiment attention et et prendre le temps de capturer le bon type de ligne que nous recherchons. J' ai donc esquissé cette ombre. Est-ce qu'il y aura une présence sur elle comme des leggings Roe ? Et maintenant, je remplis les hommes. Donc, nous regardons quelques ombres très, très épaisses ici, qui vont essentiellement contraste directement avec les faits saillants qui vont être présents. Et il y a plusieurs faits saillants et des ombres multiples ici auxquels nous avons affaire. Et il n'y a pas qu'une seule façon d'y arriver. Soit dit en passant, tout cela se résume souvent à l'esthétique. Donc vous regardez en quelque sorte, vous savez, combien d'immobilier prend l'ombre par rapport aux faits saillants ? Et c'est la bonne quantité ? Est-ce que ça va marcher ? Est-ce qu'il décrit le formulaire de la bonne façon ? Est-il compatible avec les lumières mises en place ? Est-ce que cela décrit ce que nous essayons de montrer au spectateur de manière cohérente d'une manière cohérente avec le reste de l'illustration ? Parce que tu sais, souvent des fois qui peuvent être la seule chose. Si nous faisons un faux pas à cet égard, cela pourrait être avec la seule chose qui provoque l'effondrement de toute l'illustration. Augmenter la cohérence lorsqu'elle est présente dans l'illustration peut simplement créer ce petit niveau d'insincérité au sein de l'œuvre. Tout d'un coup, vous ne pouvez pas vraiment faire confiance à ce que vous voyez parce qu'il y a des incohérences dans A. Cela n'a pas de sens. Et donc vous voulez vous assurer que lorsque vous tombez dans l'ombre, bien que vous pourriez avoir affaire à un matériau différent, un matériau sensiblement différent , tout comme dans ce cas, vous voulez toujours vous assurer que les ombres, qu'elles soient un niveau d'ombre supplémentaire et mettent en évidence un niveau élevé de contraste qui, au fur et à mesure que vous les incorporez, restent cohérentes dans le contexte hors du caractère global. ne signifie pas que vous devez donner aux zones exposées de la chair comme dans cet exemple particulier du même niveau d'ombre et de détail, ni aucun. Vous pouvez laisser cela complètement vide, mais vous avez des matériaux différents, et donc vous avez différents niveaux de valeur et d'ombre là-bas qui vont inévitablement être incorporés en eux juste à cause des différents niveaux de la réflectivité, les différents niveaux de contraste vont vraiment être présents dans ces matériaux. Je veux dire, sont vraiment les choses que vous composez d'avant en arrière afin de transmettre une variété de matériaux différents, mais tant qu'ils sont ombragés et que les ombres et les reflets qui se produisent à l'intérieur d'eux dans quel que soit le regard qu'ils pourraient être représentés sont cohérents avec l'illustration générale, parce que, encore une fois, cela va faire une illustration beaucoup plus convaincante. Cela aura du sens pour le spectateur et le et donc ils seront plus immergés à l'intérieur. Là, incrédulité suspensive s'intensifiera, et ils oublieront le monde extérieur. Ils oublieront la réalité, ce qui rendra votre personnage plus crédible et parce qu'ils sont plus crédibles, ils seront plus immersifs pour le public. Donc maintenant, nous allons dans l'endroit où ajouter des trappes croisées qui vont être retirées des ombres que je viens de placer. Mais parce que nous avons affaire à nouveau un matériau assez réfléchissant ici, nous allons voir que les transitions, le mélange que ces trappes croisées créent un encore assez soudain. Ok, donc on n'a pas affaire à un matériau complètement mat. Donc il y a des transitions, ces ingrédients. Nous ne voulons pas qu'ils soient super doux. On veut toujours les orteils. Transmettre que ce certain niveau de réflectivité dans le matériau afin qu'il reste encore à l'air comme s'il était fait de ce matériau de type Lycra ou cuir, qui a souvent ces points forts très frappants qu'un super reflété que juste alliés hors d'eux avec une quantité extrême d'intensité. Donc maintenant je vais passer et je commence sur les leggings sur l'autre jambe et ah, juste en plaçant dans les ceintures autour du haut là-bas. Pour une raison quelconque, j'ai un petit problème avec ça. Heureusement, j'ai mon outil à effacer à portée de main. Tout ce que je vais faire est juste d'appuyer sur le raccourci ici sur mon clavier quand j'ai besoin de le retirer ou , alternativement, appuyer sur le bouton d'annulation. Si je n'aime pas la ligne qui vient de placer. Et souvent je ne sais pas, je suis très pointilleux quand il s'agit du genre de lignes que je laisse dans l'illustration parce que, vous savez, je veux vraiment m'assurer que ça va paraître aussi beau que possible peut-être l'obtenir à regarder. Vous remarquerez que de temps en temps je reviens et je commence à modifier ce que j'ai déjà placé sur la page. Vous savez, titre d'exemple, j'ai ajusté la toux de la moitié arrière de la jambe pour cette adorable dame de chat, et je l'ai fait parce que j'avais juste l'impression que la forme n'était pas vraiment correcte, surtout quand nous retournez l'image. Ce que j'essayerais fera beaucoup ici juste pour m'assurer que tout vérifie parce que sans retourner l'image est très difficile de repérer les erreurs. Parfois, je sens que quelque chose ne va pas, mais je ne saurai pas exactement ce qui ne va pas dans l'illustration jusqu'à ce que je le retourne et tout d'un coup, il devient très clair ce qui doit être corrigé. Donc, dans ce cas, c'était la moitié arrière de cette jambe et je l'ai simplement apporté un peu plus de forme et c'est tout ce qu'il fallait vraiment, ce qui était vraiment très bien. Je veux dire, je pense que tant que vous ne serez pas trop stressé à propos de réparer ces erreurs, vous savez, parfois cela peut arriver au point où nous réparons certaines erreurs et nous sommes découragés parce que nous avons fait un erreur et tout d'un coup tout est ruiné et nous devons jeter toute l'illustration. Non, Non, non, vous n'avez pas à faire ça. C' est très bien de faire une erreur. C' est juste que cela vient avec le territoire d'être un artiste, peu importe le niveau de compétence que vous y êtes. En fait, je dirais que tout cela fait partie du plaisir. Donc, vous savez, les erreurs sont en train de se produire. Ne vous découragez pas quand ils se produisent. Il suffit de les fixer tranquillement. Alors passez à autre chose. Ah, plupart du temps, ce qui va faire de vous un artiste à succès, c'est d'avoir la capacité d'aller de l'avant et de continuer. Continuez à progresser. Tu sais, ne laisse personne se tromper te retenir. Elles feront toujours partie du processus. Et si vous n'aimez pas faire des erreurs, eh bien, peut-être que vous êtes dans le mauvais domaine parce , que,comme je disais, vous savez, erreurs et les faire régulièrement probablement plus parfois. Et je voudrais les faire fait partie de l'amusement pour May, vous savez, me garde sur mes orteils. Si je n'ai jamais fait d'erreurs, je suis devenu complaisant et, je ne sais pas, peut-être ma créativité avec souffrir. Au lieu de cela, vous savez, parfois il ne s'agit pas seulement de la façon dont le dessin est représenté. Parfois, beaucoup de ce qui rend l'art bon est juste les idées que vous venez avec. Et la plupart du temps, ces idées vont provenir des erreurs que vous faites. Vous savez, vous allez essayer quelque chose qui, selon vous, fonctionnerait bien et qui ne fonctionne pas bien et cela vous oblige à trouver une nouvelle solution qui n'avait peut-être pas encore envisagé. Et donc vous avez essayé. Et qu'est-ce que tu sais ? Tu finis avec quelque chose de bien mieux que tu ne l'imaginais au départ, et c'est la beauté de nous. Parfois, c'est une surprise. Parfois, ce que vous vous engagez à faire n'est pas tout à fait le même que le résultat final . Et ce sont quelques-unes des meilleures illustrations que j'ai personnellement créées lorsque je quelque chose que je ne m'attendais jamais à créer Maintenant, idéalement, vous voulez essayer de créer quelque chose de mieux que votre objectif initial que votre initiale. Ce que vous vouliez initialement créer. Mais parfois, ah, tu sais, ça ne marche pas toujours comme ça non plus. Et vous apprenez de ça, vous savez, peut-être pris l'illustration jusqu'à la fin, et il n'y avait rien de sauvé. C' était peut-être une idée terrible pour commencer. Peut-être que quelque part le long de la ligne vous avez perdu votre chemin et encore, ce n'est pas une perte. Ça ne veut pas dire que tu devrais abandonner et ne plus être un artiste. Ça ne veut pas dire que tu sais que tu ne le sais pas. Tu n'auras jamais le don. 7. Encrage du premier: Ce que nous allons principalement nous concentrer ici dans cette vidéo est d'écrire le reste des éléments de fond, l'environnement de fond, essentiellement, qui va fondre le personnage dans un monde de très gagné et arrière-plans que j'aime à penser comme étant une extension de la croyabilité des personnages. Et non seulement cela ne développe pas seulement leur histoire et permet également au public de s'engager avec eux à ce niveau plus profond, mais en plus, le fond peut vraiment améliorer la composition toute l'illustration globale telle qu'elle entoure et encapsuler le personnage et leur donne vraiment un niveau hors contexte supplémentaire . Encore une fois, il s'appuie sur leur récit. Au lieu d'être un personnage juste flottant dans un vide noir wydell, nous arrivons en fait à voir une partie du monde qu'ils habitent, et cela aide à construire sur leur histoire, étendre et à tirer un incendie criminel plus loin. Maintenant, nous pouvons faire partie de cette histoire. Nous pouvons être amenés dans ce monde, et donc pour moi, au moins, il peut vraiment juste améliorer l'expérience visuelle que le public va orteil avoir tout votre personnage et c'est pourquoi il est si important de ne pas recueillir arrière-plans quand il s'agit d'illustration de bande dessinée. La plupart du temps, on l'oublie. Et l'une des raisons pour lesquelles nous laissons des arrière-plans est que, d'une part, que le Nord est passionnant la plupart du temps en tant que personnage dans cette démonstration particulière , nous allons rendre des briques Maintenant. rendu sur une brique peut être si excitant, et ça commence vraiment à l'intérieur quand vous faites des briques pendant, vous savez, la moitié de nos heures peut-être même comme nous allons le faire ici. C' est un peu accéléré, donc je ne vous ferai pas traverser cette horrible épreuve. Mais tu sais, ça prend du temps. Si vous voulez vraiment faire justice à votre illustration, vous devrez vous asseoir là et rendre fastidieusement les textures et les matériaux qui seront présents dans les éléments d'arrière-plan de votre illustration. Et pour cette raison, souvent d'éviter les arrière-plans, mais nous essayons aussi d'éviter les arrière-plans parce qu'ils prennent juste la place, beaucoup plus de temps à compléter qu'un personnage. Vous savez, quand vous regardez un personnage, il n'y a que tellement de biens immobiliers qu'ils vont prendre sur la toile et humide de ce bien immobilier ne sera probablement pas rendu à un degré plus élevé de détail de toute façon. Vous pouvez voir avec le Crimson Cat, vous savez qu'il y a des zones de peau posées tout au long de son design. Vraiment ? Ah, juste défini par un contour seul. Aucun détail réel n'a été incorporé dans ces zones spécifiques, et les parties de la conception qui ont ces ombres et les trappes transversales incorporées dans celles-ci pour aider à décrire l'aspect visuel des matériaux. Eh bien, vous savez encore une fois que ça se passe quand vous avez fait les leggings et que vous avez le vous savez, son corset et ensuite ses gants. Eh bien, vous savez, il y a vraiment que vous pouvez finir ça assez vite. Cela ne prend certainement pas quelque part près d'une za, tant que cela va nous prendre pour terminer le reste de l'arrière-plan. Et en fait, le temps total que j'ai passé à écrire le personnage n'était qu'environ 1/3 du temps total de production qu'il a fallu pour compléter l'illustration entière le reste du temps que j'ai passé sur ce fond, et vous verrez pourquoi dans un moment que nous commençons à mettre dans tous ces détails qui vont nous aider à décrire les briques et à créer un niveau supplémentaire de contraste d'intérêt visuel qui non seulement rend l'arrière-plan plus intéressant et visuellement attrayante à regarder, mais fait apparaître le personnage directement sur la page avec une profondeur et une dimension supplémentaires. Parce que c'est ce que nous créons ici, alors que nous plaçons dans ces bâtiments de fond qui préparent le terrain pour le personnage lui-même, ils sont conformes à une sorte de perspective, la perspective que j'ai établie pour eux. Et vous pouvez voir que vous savez, quand il s'agit de perspective, bien sûr que vous voulez essayer orteil, vous savez, peu près vous assurer que toutes les choses qui sont présentes dans le fond sont conformes à la que vous avez défini pour eux. Mais pour moi, j'essaie de ne pas le faire à strictement j'ai essayé Teoh grossièrement dessiner les bâtiments, assurez-vous que la composition globale est superbe, et j'aime le garder un peu lâche. Je n'aime pas forcément me conformer à un ensemble de règles que mon idée doit nécessairement intégrer . Et je trouve que lorsque je commence à utiliser des choses comme des grilles de perspective afin de m'assurer que tout est aligné avec précision, ce que je pourrais faire plus tard. Mais certainement pas au début. Je trouve juste que cela provoque vraiment la présentation finale de l'illustration pour perdre la vie qu'il aurait eu autrement si je l'ai dessiné organiquement et je suis allé avec mon instinct, utilisé mon oeil pour essayer de tout aligner encore une fois, au moins pour commencer. Maintenant, je vais vérifier que la perspective est sur le point plus tard. Une fois ces bâtiments esquissés dans l'air, vous savez, je pourrais poser dans une grille de perspective au-dessus de ce brouillon juste pour réparer à nouveau toutes les zones qui sont évidentes et, bien sûr, absolument veulent essayer de vous assurer que les choses sont aussi précises que possible. Mais ne laissez pas le niveau de précision de vos illustrations diminuer le niveau créativité que vous avez pu y intégrer. Cettesensation naturelle et organique, sensation naturelle et organique, un attrait que votre œuvre a quand vous êtes juste dans le sol et que vous ne pensez pas aux détails techniques de tout cela. Mais tu te laisses vraiment plonger dans l'acte. Créativité, juste s'éloigner, ne pas le juger, pas l'analyser, mais simplement laisser ces idées sortir sur la page. Maintenant, avec cela dit, nous avons parlé des raisons pour lesquelles nous essayons d'éviter les milieux. Mais vous savez, l'importance d'avoir des antécédents est vraiment de vous assurer que vous êtes en mesure de développer histoire du personnage, leur donner un sens de la place dans le contexte et de s'assurer que l'engagement au sein du l' illustration même que les gens vont vivre est présente. Parce que sans ce fond, ce n'est qu'un personnage qui est présenté dans le voile blanc. Comme je l'ai dit avant et ainsi déjà. Peut-être que le personnage a l'air convaincant, et peut-être qu'ils ont l'air réalistes. Mais quand vous les mettez dans cette toile blanche vierge et que c'est la présentation finale, vraiment, ça perd tellement de ça. Tu sais que Tanja Lability ça ne se sent plus réel. On dirait que vous regardez un diagramme de présentation du grenier. Tout d'un coup, tout ce personnage qui a été, vous savez, traqué dans une certaine mesure, ils ne font pas partie d'un monde et vous ne pouvez pas faire partie du monde qu'ils pourraient avoir parce qu'il n'y a pas d'arrière-plan là-bas pour vous informer de ce que cela pourrait impliquer. Et donc ça vaut la peine. Il vaut vraiment la peine sera le temps et les efforts supplémentaires que vous allez inévitablement prendre à placer dans tous ces détails de texture de petite croix Sanches complexes et le rendu des matériaux afin de vraiment apporter le monde que le personnage est en présenté en remorquage. La vie. Donc ici, je veux juste prendre un moment pour vous expliquer exactement ce que je fais maintenant. Je suis dans le studio de Minga, que vous connaissez déjà, et parfois les gens m'appellent pour appeler l'application. J' utilise Mega studio parce qu'il est maintenant de savoir comme clips studio peinture, Bien sûr Menu studio a changé leur nom pour clip studio douleur. C' est donc un vieux terme, je suppose, pour l'application. Mais je n'ai pas encore mis à jour, et c'est juste parce que je n'ai pas été en mesure d'être pris la peine de le faire. Donc tu sais que je suis paresseux pour moi. J' aime sauter beaucoup plus vieux que vous savez, les aspects techniques beaucoup du temps et juste aller directement au dessin, et je ne m'inquiète pas trop des outils que j'ai à ma disposition. J' essaie de trouver quelque chose qui fonctionne vraiment, vraiment vite, et puis je vais rester avec elle pendant des années que j'utilise encore pour écrire cette illustration jusqu'à un vieux de 10 ans, probablement plus de 10 ans, maintenant en nous. Bienvenue tablette dans ses trois. Et vous savez, si vous êtes pleinement où venir, vous savez que jusqu'à, vous savez, leur sixième ou septième le modèle hors comprimés. Donc vous savez, c'est assez vieux maintenant, il est assez daté, mais ça fait toujours le travail comme vous pouvez le voir, et j'aime la sensation de ça. Tu sais, j'aime le sentiment du vieux temps souvent parce que je m'y habitue. Et quand je saute à la nouvelle, c'est un peu étrange. Tout prend du temps pour s'adapter, mais peu importe ce que vous utilisez, vous pouvez en effet s'y adapter tant que vous pratiquez régulièrement avec elle. Cela n'a donc pas vraiment d'importance à la fin de la journée, quelles visites vous utilisez ou quel logiciel vous avez choisi de développer vos illustrations ou vous allez faire est d'obtenir le travail des orteils, rendre à l'encrage, rendre au le dessiner à la coloration et essayer de développer un processus que vous pouvez apprendre, maîtriser et répéter à partir de ce point afin d'exécuter vos illustrations. Parce que le truc, c'est qu'il n'y a que peu de temps que vous allez pouvoir dessiner, vous savez, même maintenant, même maintenant, à l'âge de ah, j'ai presque 30 ans pas encore tout à fait. Et certains diraient que c'est jeune et je suis d'accord que je suis encore un jeune mec. Cela dépend vraiment de l'âge que vous avez pour savoir si vous voyez 30 ans est jeune ou vieux. Mais même maintenant, dans ce jeune âge, , je commence Teoh. Je suis un peu fatigué plus vite au poignet. Si je travaille pendant une longue période, ils commencent à s'emparer, et je dois prendre plus de pauses. Sinon, je trouve que si je me suis vraiment exagéré et dessine pendant des heures et des heures sans, vous savez, prendre un peu de temps pour lever les yeux et respirer un peu, euh, je trouve que je finis juste ne pas être en mesure de dessiner le lendemain à cause de porté mon poignet à son fatigué. Donc, vous allez vraiment à gérer même quand vous êtes jeune, les freins et la quantité de temps, la quantité de off si une énergie que vous mettez dans votre dessin et assurez-vous que vous êtes au repos quand vous avez besoin de vous reposer. Sinon, cela peut vraiment avoir un impact sur votre capacité à continuer à produire au rythme que vous produisez, c'est toujours un équilibre. Est-ce que vous pourriez être capable de dessiner pendant 24 heures d'affilée sans regarder vers le haut ? Mais si vous faites cela, combien de temps sera-t-il durable pour vous ? Et cela s'applique particulièrement à l'encrage parce que, comme vous pouvez le voir, c'est vraiment ce que ce processus implique. Encrage. Tu es assis là pendant des heures, des heures et des heures. Vous savez où va l'illustration. Tu sais ce que le résultat ne sera pas. Vous devez juste passer par le haut et, vous savez, assommer les encres pour ça, et ensuite ce sera fait à un moment donné. Le conduit fusty Oh, mieux c'est. Mais vous devez toujours vous assurer que le temps qu'il va prendre est équilibré avec un nombre raisonnable de pauses en cours de route, afin que vous puissiez maintenir votre productivité durable. Parce que si vous vous fatiguez et que vous vous usez, alors cela va simplement entraver vos progrès à long terme. Et ce n'est bon pour personne. Il peut même causer des dommages à long terme, comme le canal carpien et ce genre de choses. Essaie donc de l'éviter, autant plus que tu reviens à mon point d'origine. Je sais qu' aumoment où j'atteindrai 40 ans au moment où j'atteindrai 50 ans, je ne serai pas en mesure de m' asseoirpendant une longue période sans aucune pause et de tirer au même niveau de productivité moment où j'atteindrai 40 ans au moment où j'atteindrai 50 ans, je ne serai pas en mesure de m' asseoir pendant une longue période sans aucune pause et de tirer au même niveau de que je fais maintenant. Donc vous savez, 60 70 plaisantent toujours autour de ça quand j'ai 70 80 ans et que l'arthrite a frappé, je deviendrai juste un Je veux faire des films un jour, alors deviens un réalisateur et parce que ma main bien saisie quand j'ai des ennuis une caméra de cinéma de toute façon ? Donc, tout sera bon d'y aller. Tu sais, j'essaie de penser et de me préparer au pire et de penser que tu sais, qu'est-ce que je vais faire ? Une fois que je ne peux plus dessiner, il y a toujours cette imminente ah, malheur avant mai, ce qui , vous savez, peut être réaliste à garder à l'esprit, mais me motive quand même à faire ce que je peux faire maintenant et pour vous vraiment essayer de tirer le meilleur parti la situation et le point merveilleux dans, comme la Corée en tant qu'artiste et ce que je suis capable de faire et de le faire autant que possible pendant que je peux le faire, vous devez être capable de, vous savez, ne voulez pas votre limiteur. Et vous savez, vous devez garder une idée globale réaliste à l'esprit pour savoir jusqu'où vous pouvez pousser ce truc. Parce que si vous courez hors de la piste et que vous le prenez pour acquis et que vous n'êtes pas au courant exactement , vous savez quel impact vous avez sur votre santé physique et même parfois vous pouvez tomber dans la fatigue créative. Je parlais de ça avec un de mes amis créatifs il y a quelques semaines. C' est un musicien, mais la créativité en fait toujours partie et comment, si vous êtes vraiment créatif un jour le lendemain, il y a de bonnes chances que vous allez commencer à courir à faible consommation de ce carburant créatif parce que a besoin de temps pour récupérer votre imagination, votre esprit. Il a besoin de temps pour traiter toutes les idées qui vont venir ensuite, avant de pouvoir les sortir et le mettre sur la page ou quel que soit le format d'expression artistique et créative dans lequel vous avez choisi de présenter ces idées. Donc vous savez, tout est question de sortie et de repos. Mais comme je disais, vous savez, j'essaie d'optimiser mon processus autant que possible et de m'en tenir aux choses qui fonctionnent pour moi afin que je puisse faire beaucoup de dessin et passer moins de temps sur les choses techniques cela ne contribue pas vraiment à cela encore une fois. Vous pouvez utiliser presque tout pour produire votre bande dessinée sur, et les gens le font à peu près ces jours-ci. L' art comique vient dans les temps anciens et différents de formes. Certains ne sont même pas de l'encre de nos jours, et certains sont peints, vous savez, ce n'est même pas coloré comme une bande dessinée, alors trouvez un processus qui fonctionne pour vous, optimisez-le autant que possible pour que vous pouvez produire plus de travail plus rapidement maintenant. C' est pourquoi j'ai choisi de rester avec Mega Studio, et j'ai cette très vieille tablette, et je connais la façon dont je travaille. Je connais mon processus de retour à l'avant. J' espère que tout au long de ces démonstrations, je suis en mesure de partager un peu de ce processus avec vous maintenant de retour aux outils réels dans le studio Mangus que j'aime utiliser quand il s'agit d'encrage. Pour moi, bien sûr, est le stylo G qui fonctionne le mieux. C' est tellement comme utiliser un stylo plume traditionnel à tête d'oie. Vous savez que la façon dont il se connecte avec la toile et ils vont genre de lignes que je suis capable de produire, ce soit juste un peu plus légal, comme les encres que les artistes au sommet de Cow avaient l'habitude d'aller là-bas travailler avec . Je crois que c'était Joe Williams. En fait, j'ai regardé son ancien tutoriel, Siri est de retour dans l'atelier numéro un de la journée, et je me souviens avoir suivi son cours d'encrage et l'avoir regardé au travail et ces encres meme . L' esthétique en eux était exactement ce que je voulais capturer dans mon propre travail. C' est donc un regard visuel pour les encres que je fais que j'ai été triée après et j'ai essayé rapprocher le plus possible au fil du temps. Et ce n'était qu'une question de pratique et de contrôle extrême sur mes stylistes alors que je posais les encres et la quantité de pression que je lui appliquais en combinaison avec la taille du pinceau que j'utilisais. Et c'est vraiment ce à quoi ça revient, les encres que vous me voyez posées ici sur la toile et le travail de ligne qui est en cours fabrication. En conséquence, tout se résume à la taille de la brosse que j'utilise, qui est contrôlée à la volée à tout moment en utilisant les touches de support de mon clavier, et j'utiliserai souvent les touches de support pour ajuster la taille de la brosse comme nécessaire pendant que je travaille parce qu'il va y avoir différentes zones tout au long de cette illustration qui varient en termes de complexité et de détail qui nécessitent une taille de brosse plus ou plus petite pour vraiment entrer et près de la ligne de travail à l'intérieur de ces zones. Et puis, bien sûr, c'est compensé par la pression que j'applique au styliste à un moment donné . Bien sûr, plus je veux cette ligne et le médecin que je voulais être le chaud ou je vais appuyer sur ma tablette que je pose ces lignes dans le briquet je veux qu'elles soient plus fines et subtiles, moins je s'appliquera au styliste pendant que je travaille, et cela rendra la ligne beaucoup plus fine. Donc, c'est vraiment comme ça que je capture les lignes que vous me voyez placer autour de l' illustration ici pour articuler les éléments d'arrière-plan finissent le personnage lui-même. Au-delà de cela, c'est juste de la pratique et d'essayer de s'habituer à la façon dont vous travaillez naturellement. Parce que, vous savez, voici aussi le petit caviar que vous devez considérer est que la pression naturelle de tout le monde qu'ils appliquent à leurs stylistes pendant qu'ils travaillent va être différente. Certaines personnes vont avoir une main lourde. Certaines personnes ont une main plus légère, et donc vous devez comprendre ce que vous étiez naturellement assis ? Qu' en est-il du lâche ceci ou de l'étanchéité de votre prise autour de ce styliste pendant que vous travaillez , cela va être différent pour tout le monde aussi. Comment vous sentez-vous le plus à l'aise quand vous travaillez loin et que vous êtes en train d'écrire ? Vous montez l'illustration. Ce sont les éléments qui auront également un impact sur votre flux de travail et le processus que vous suivez à chaque fois pour produire les encres de vos illustrations. Et donc vous savez, il suffit d'équilibrer la taille de la brosse avec la quantité de pression que vous appliquez. Mais aussi vous devez équilibrer tout cela avec la façon dont vous aimez naturellement le travail des orteils de la façon qui se sent bon pour vous, parce qu'il n'y a pas de raison d'imiter ou de prendre sur les techniques de quelqu'un d'autre quand alors de façon naturelle de travailler qui se sent à l'aise pour eux n'est tout simplement pas cliquer pour vous parce qu'en tant qu'artiste, une partie du plaisir de passer par le processus de création de quelque chose à partir de rien est l'exécution de celui-ci, et le sentiment que vous obtenez lorsque vous êtes dans ce processus créatif. Lorsque vous êtes dans cette période de production et que vous assemblez cette illustration, vous obtenez de la joie ajouté l'acte hors, littéralement la créer. Et ce n'est pas seulement le produit final qui compte. C' est aussi le voyage que vous prenez sur le chemin que vous y réfléchissez et que vous vous souvenez. C' est la seule chose que vous arrivez à garder dans l'expérience de la création de cette illustration que personne d'autre n'a les orteils ont cela. Ils pourraient être en mesure de profiter des fruits de votre travail. Mais vraiment, en fin de compte, vous êtes le seul à faire ce voyage du début à la fin quand vous produisez votre idée et la mener à bien. Donc, vous devez profiter de ça. Tu dois aimer ça. Sinon, vous ne serez pas obligé ou motivé de le faire très souvent. Plus vous apprécierez l'acte de créativité qui consiste à assembler ces illustrations, plus vous aurez envie de le faire. Vous vous réveillerez tous les jours, et vous ne serez pas en mesure d'attendre pour y sauter directement. Maintenant, contrastez cela avec un processus que vous savez que vous pensez être laborieux. Cela ne vous semble pas bien, juste ou agréable. C' est juste une traînée tout le long du chemin, alors vous ne voudrez pas ramasser un stylo ou un crayon et, vous savez, commencer sur cette prochaine illustration, vous allez l'éviter à tout prix. Peut-être même pas à un niveau conscient, mais au moins un niveau subconscient. Synet peut me voir rendre sur les tuiles de toit. Il, je suis juste en train d'envelopper cette partie de l'illustration de fond, et vous pouvez voir que jusqu'à présent, je suis allé à rendre et détailler une variété de matériaux différents que nous avons affaire ici. Et je veux que vous remarquiez que, même si nous allons dans les briques et que nous commençons à les rendre dans une minute, je veux que vous voyez comment ces matériaux peuvent apparaître différents et comment je les sépare . J' ai créé un contraste et une distinction entre chacune des textures et les matériaux que nous traitons afin que vous puissiez voir les tuiles de toit. Tu sais, ils ont l'air vieux et vieux. Ils sont censés être, vous savez, qu'elle est assise sur un bâtiment en brique délabrée, donc je veux m'assurer que je veux réfléchir à la façon dont est un résultat. Je vais représenter ces tuiles de toit. Compte tenu du contexte dans lequel ils sont présentés, ne sont pas de nouvelles tuiles de toit, elles ne sont pas brillantes et, vous savez, juste en cours de construction. Ils sont là depuis un moment. Ils ont peut-être souffert, tu sais, pour un solitaire. Et donc je pense qu'ils sont fabriqués à partir de ce genre de matériel. Et cela dirige la façon dont j'ai présenté au sein de l'Ingle Aina. Le genre de détails va inclure à l'intérieur de cela la façon dont je vais représenter cette pourriture et la texture avec le bois est moi comme il est mangé par qui sait ce qui pourrait être . termites pourraient être à nouveau, juste altérés par les conditions environnementales qui ont traversé au fil des ans . Et donc ces considérations ne me permettent pas seulement de représenter et de placer dans le rendu, et bien que les détails de texture subtils qui vont m'aider à le présenter en tant que tel, Mais il m'aide aussi à rendre la présentation globale beaucoup plus convaincante parce que maintenant l'amour soudain c'est un endroit dans un contexte, et il est cohérent avec lui-même aussi. Ce ne sont pas seulement les tuiles de toit qui ont été présentées de cette façon, mais c'est aussi la tuyauterie environnante qui monte sur le côté du bâtiment. Là, vous pouvez voir que ce n'est pas un nouveau métal chromatique propre . Cela a été une texture rouillée, mangée autour de ce métal qui lui a vraiment donné que vieilli. Regarde, il est là depuis un moment. Ça n'a pas l'air neuf, et ça n'a pas l'air joli, et c'est exactement comme ça que je voulais rencontrer. Et donc, vous savez, la tuyauterie a l'air vieux. Et bien sûr, la toiture a un air vieux, et aussi les briques aussi. Et plus tard, comme nous plaçons, cependant, est dans, vous verrez comment ces briques de tomber loin. Vous savez, ils se sont effondrés sous leur propre poids en vieillissant, et le bâtiment a commencé à s'effondrer. Et vous savez que, bien sûr, en soi, produit une certaine ambiance qui entoure le personnage. Et ça montre l'environnement dans lequel elle pourrait habiter, vous savez, ce vieux genre délabré de Ah, vous savez, urbain, urbain, je suppose que vous pourriez dire environnement. Je pense que lorsque vous conduisez cela quand vous pouvez penser à ces choses et les mettre en œuvre dans la présentation finale, tout le caractère et leur environnement environnant. Il peut vraiment juste enrichir leurs histoires, enrichir leurs antécédents. Donc je vais entrer et vous pouvez voir en plaçant quelques affiches ici sur le bâtiment. Je suis juste en fait Rothley esquisse et où les freins vont être situés et comment ils vont être composés dans ces structures. Juste que j'ai un peu plus d'informations avec lesquelles je travaille lorsque nous entrons dans les encres pour ces éléments particuliers et que nous les construisons à nouveau. Cela prend un peu de temps, et vous devez trouver un moyen de vraiment engager votre intérêt plein ces exposants périodes prolongées de temps parce qu'il est juste un jeu d'attente et une capacité de s'asseoir et d'avoir assez de patience pour être capable de faire vieux et de faire la même chose encore et encore. Cette répétition, parce que quand il s'agit de penser, ce n'est pas si difficile en soi de faire le plein fond sur ce que cela implique. Vous savez, nous avons parlé de la façon dont ces lignes ressemblent à elles, donc c'est une taille, votre brosse et la quantité de pression qui contrôle l'apparence de cette ligne et vraiment, tant que vous pourriez le faire, c' est à peu près tout ce qu'il y a à faire. Parce que, bien sûr, vous avez les autres considérations en plus de l'exécution technique comme l'éclairage, vous devez vous assurer que vous êtes au courant des conditions d'éclairage dans la scène pour assurer qu'elle est allumée d'une manière cohérente. Parce que sinon ce que vous obtiendrez, c'est, vous savez, ce manque de crédibilité, ce ah sentiment de suspense d'incrédulité étant brisé à cause de ces inexactitudes tout au long l'illustration. Encore une fois, si vous savez que vous avez tout allumé d'une manière, et puis il y a des éléments dans les illustrations que l'élite d'une manière complètement différente celle qui va détruire le suspense de l'incrédulité. Donc, vous voulez vous assurer que ces choses sont constamment considérées comme vous travaillez , vous savez, plus de cela, plus des textures et des matériaux avec lesquels vous avez affaire, beaucoup de il ne fait que répéter constamment toutes ces choses jusqu'à ce que toute l'illustration ait rempli cela. Donc, vous obtenez beaucoup de pratique dans une illustration de profondeur super détaillée comme celle-ci. C' est quelque chose que vous savez qui va vraiment vous amener à tester vos limites et la quantité de temps que vous pouvez rester immobile et que vous pouvez garder votre main en mouvement. Biz se concentrer sur la tâche, qui est, vous savez, vraiment, une forme d'art mourante en soi. Je veux dire, qui conduit ça à cette époque où nous sommes constamment, vous savez, vous savez, à la dopamine est constamment dopée alors que nous prenons de nouvelles informations, nouvelles formes de divertissement. C' est vraiment, vraiment dur parce que nous avons entraîné notre esprit à sauter, d'une chose à l'autre dans une succession très rapide. C' est donc difficile pour la plupart d'entre nous. Moi inclus pour juste s'asseoir et vraiment passer des heures sur la fin de se concentrer sur cette tâche à nouveau . Ce n'est pas nécessairement une bonne idée de rester immobile et de ne jamais bouger. Ne jamais attirer votre attention sur ce que vous faites pour les mêmes raisons dont je vous ai parlé avant, vous savez, vous voulez vous assurer de vous arrêter au poignet. temps en temps, j'essaie de me lever, promener, faire du café et de le faire de cette façon, mais je vais trouver que jusqu'à ce que l'illustration soit faite, ça va juste vous demander de vous asseoir là et s'y engager. Il n'y a pas beaucoup plus que de pouvoir pratiquer l'art. Concentrez-vous et construisez votre concentration. Muscle vers le haut. Tu sais, plupart du temps, ça va être aussi fatigant que ta créativité. Et le résultat que ça va être est fatigant. Comme vous avez construit physiquement l'illustration et la longue file d'attente focalisée pour, plus il est difficile de garder votre attention sur cette chose. Donc vous savez, c'est quelque chose que vous devez construire avec tout le reste que vous pratiquez . C' est drôle parce que lorsque nous parlons d'illustration de bande dessinée, nous faisons souvent l'accent sur, vous savez, les techniques, les méthodes et les considérations techniques qu'il faut faire. Mais nous ne rendons pas compte de toutes les autres choses qui entrent en dehors de ça. Au-dessus de cela, je dirais même que c'est salut une chose de larme qui vient vraiment pour vous acheter une fois que vous avez passé l'apprentissage de ces techniques, une fois que vous avez dépassé les obstacles initiaux que vous avez présentés comme une bande dessinée illustrateur à venir dans le jeu. Et quand vous arrivez à ces niveaux supérieurs, alors ce que vous devez faire, c'est votre capacité à concentrer votre énergie qui vous reste afin de réaliser ces illustrations plus tard sur la ligne. Parce que si vous n'êtes pas en mesure de vous asseoir et de les faire réellement, même avec les compétences et les capacités nécessaires pour le faire, cela ne va pas vraiment vous faire beaucoup de bien. Essayez de pratiquer cela en vous asseyant et essayez de simplement travailler sur quelque chose. Tu sais que je ne sais pas pour toi. Mais si la vidéo dure plus de cinq minutes, vous savez que je perds l'attention. Et vous avez peut-être même commencé à perdre l'attention dans cette vidéo. Ah, à titre d'exemple. Mais voilà le truc. Si vous pouvez vous asseoir et vous entraîner à regarder une vidéo même tout le long du début à la fin, c'est juste exercer votre muscle de concentration. Et puis, si vous pouvez prendre ça et vous asseoir et tirer la photo pendant 10 minutes, c'est génial. Vous ne le faites pas si un 10 minutes vous monte, vous savez, essayez un travail jusqu'à une demi-heure, puis essayez de vous entraîner pendant une heure. Tryto vraiment vous entraîner à vous concentrer parce que cela deviendra une marchandise chaude plus tard, je peux vous assurer, quand tout le monde dans la société moderne est essentiellement conditionné à ne pas être en mesure de prêter attention à quoi que ce soit d'autre pour plus longtemps que littéralement 10 minutes. Et j'ai vu ça, je vous le dis, vous l'avez peut-être vu aussi. Il est de plus en plus difficile pour les gens de faire attention même quand vous leur parlez. Vous savez, c'est moi qui entrais dans mes c'est moi qui entrais dans mes petites philosophies et l'état des choses au large du monde et comment je pense que c'est. Mais je suis presque sûr que même d'après mes propres observations en tant qu'artiste, il avait l'habitude d'avoir une énorme capacité de s'asseoir pendant une longue période de temps dans son travail. D' une part, même j'ai commencé à perdre ma capacité à le faire. Et ça craint beaucoup de temps, tu sais. Bien sûr que j'ai dû faire des pauses. Comme je l'ai dit, Ah, en vieillissant, je ne suis pas capable. , Tu sais, pousse-moi aussi loin que je l'ai fait physiquement, mentalement. Mais je pense que vous savez, il y a encore de la place pour vous pousser et pratiquer l'art de la concentration afin que vous puissiez mener à bien ces illustrations. La plupart du temps, vous avez peut-être découvert que je sais que c'est certainement le cas pour mai que vous avez commencé illustrations et puis vous n'avez jamais eu le tour de les finir parce que vous vous ennuyez d' eux ou, vous Vous vous êtes arrêté et vous les avez posés et vous ne pouviez pas revenir dans l'espace de tête dans lequel vous vous trouvez quand vous les avez commencé. Et c'est pourquoi j'essaie de faire mes illustrations aussi vite que possible. Dès que je les commence, j'essaie de m'assurer que je ne passe pas plus de quelques jours sur cette idée. Donc, une fois que j'ai commencé, j'essaie de le faire le plus vite possible parce que je perds l'intérêt. Je perds ce Fergus à nouveau si un Si je n'ai pas ce succès roman que je reçois de quelque chose de nouveau quand il s'agit de créer et de mettre mes idées à travers les illustrations que je produis, alors je juste vous sais, je finissent par vouloir le mettre bas et puis c'est presque comme la torture, essayant d'y revenir aussi, si j'en ai fini. Donc vous savez, c'est mon conseil dans les jours modernes, où la portée de l'attention est assez limitée pour essayer de faire les choses aussi vite que possible. C' est pourquoi c'est génial de pouvoir optimiser votre processus de cette façon, car cela vous permet d'y parvenir. Cela vous permet de faire ces choses. Donc vous pouvez voir ici que j'aborde la maçonnerie dans tout ce bâtiment, et c'était probablement la partie la plus longue de toute l'encrage de tout ce segment particulier dans l'arrière-plan. Et c'est parce que, bien sûr, de tous ces détails que vous voyez là maintenant, ce que vous remarquerez est un équilibre à la ligne attend ici d'une manière qui suggère la chute de la lumière à travers le front de cette et je pense que c'est un avion comme presque un Grady int de lumière qui est dispersé travers le plan avant de ce bâtiment sur le côté gauche du bâtiment, on peut voir qu'il devient subtilement plus sombre. Il y a plus de détails sur le côté gauche du bâtiment, la tonalité globale est ramenée à un niveau abaissé, alors que sur le côté droit, où l'on peut voir le type de bâtiment s'effondrer, leur et essentiellement s'effondre sur lui-même dans un tas de gravats, nous pouvons voir les poids de ligne devenir progressivement plus mince très, très soudainement. Bien sûr, vous savez qu'il n'y a pas de différence énorme là-bas, mais ils deviennent soudainement plus minces. Et en plus de cela, nous voyons aussi moins de détails. Et il y aura moins de détails dans ces briques près de la fin. Et ce que cela nous permet également de faire est de pousser la profondeur perçue dans l'illustration parce que les temps plus sombres finissent par nous regarder plus près que les virages plus légers ne le font. Et une partie de la raison en est que la plupart du temps, quand nous regardons un objet lointain en arrière-plan, ces choses semblent plus légères. Ces éléments semblent avoir, cette valeur plus légère pour eux en raison de choses comme le brouillard environnemental. Et c'est ce qui crée aussi cette idée de distance entre un élément à l'autre. Et c'est une sorte de ce qui se passe ici, ou du moins ce que j'essaie de suggérer dans ces encres, c'est que la fin du bâtiment qui plus loin de nous et qui s'éloigne en perspective est légèrement plus légère en raison non seulement de la point direct où la lumière frappe à sa surface, mais aussi un peu de ce brouillard environnemental qui va se produire aussi. Au début d'un niveau subtil, il n'y a pas beaucoup de choses. Il y aura plus évident dans ces bâtiments de fond quand nous en aurons 12 dans la prochaine écoute, mais pour l'instant, c'est un peu ce qui se passe. Donc, quelques choses étaient un jeu ici car nous équilibrons les détails et nous ajoutons dans ces files d' attente où créer de la profondeur et nous essayons de faire en sorte que cela vienne à travers. Mais en même temps, nous suggérons aussi que la lumière suggérait où la lumière frappe la surface ancienne , cet objet particulier à travers les zones que nous avons incorporées, plus de détails et les parties de celui-ci que nous avons laissé ces détails au moins un peu plus loin et que nous voulons essayer d'équilibrer les choses autant que possible. Nous voulons vraiment que ces suggestions soient claires grâce à l'approche stratégique que nous adoptons pour la mise en œuvre des détails qui rendent à nouveau la fin de ces pondérations linéaires. plupart du temps, ce truc est facile à placer dans l'illustration. Pourtant, la façon dont nous le faisons et comment et où ces airs sont, les parties difficiles de celui-ci. En fait, la maison est assez facile, mais c'est là que nous les plaçons que nous devons commencer à réfléchir et à élaborer des stratégies exactement quel effet et quel impact il va avoir. Et donc j'essaie d'être très réservé dans les endroits où je joue le détail. Maintenant, je sais que cela pourrait ne pas sembler de cette façon que j'ajoute dans le rendu à ces briques et articuler leur texte Oring et vous pouvez voir qu'il y a beaucoup de texture et se passe dans ces briques. Vous savez, ils ont l'air très vieux et délabrés, et ce n'est certainement pas nouveau, c'est exactement comme ça que je voulais qu'ils rencontrent. Je voulais qu'ils aient cet effet vieilli et altéré d'eux. C' est un vieux bâtiment. Il s'effondre sur lui-même. Donc, pour que cela soit logique pour que dans la réalité trop ravage, présentation non soignée avec lui-même et dos et de plus en plus. Je veux dire, tout s'inscrit dans la prochaine chose d'une manière qui a du sens pour que cela se produise que je dois m'assurer que les matériaux que je fais sont appropriés à l'élément que je rende. Et dans ce cas particulier, cet élément est le bâtiment sur lequel le Cat pourpre est assis, et que la construction de chaque élément, un atout qui le compose. Bien que toutes les textures de bois, toutes les tuyauteries qui s'écoulent sur le côté, toutes les maçonneries doivent être rendues la même manière, même si les matériaux que nous avons affaire à un sensiblement différent avec la tuyauterie . Bien sûr, vous avez ceci, vous connaissez l'acier, et ensuite vous avez le toit en bois avec les carreaux de bois, qui sont encore des matériaux complètement différents. Pourtant, en même temps, même si nous essayons de faire une distinction entre ces matériaux, ce qu'ils ont presque en commun, c'est la variation vieillie de chacun. Il nous faut une variante vieillie, tout le bois que nous essayons de rendre. Il nous faut une variante vieillie, Nous avons besoin d'une variation d'âge sur la maçonnerie. Nous avons besoin d'une variation ancienne de la tuyauterie en acier. Il ne peut pas regarder près. Sinon, ce n'était pas logique. Et le moment où quelque chose n'a pas de sens dans votre illustration visuellement est le moment où le public en est sorti. Tout d'un coup, ils se rendent compte, Ah, tout attend une seconde. Je regarde une illustration plate ici sur une page et leur immersion. Elle est cassée. Essayez donc de faire en sorte que tout ce qui peut grandir dans le plus cohérent possible afin de vous assurer que cette immersion pour le public est maintenue aussi longtemps que possible. Ce n'est qu'une seule illustration. Et, bien sûr, dans une seule illustration, vous voulez essayer de raconter l'histoire dans une seule image. Mais quand vous parlez de bandes dessinées, séquentielle cela devient même impactante parce que tout d'un coup vous donnez au lecteur ce récit. Vous les présentez dans un support visuel, et cette histoire est en train de jouer les personnages. Mais aussi vous voulez vous assurer que vous prenez le temps orteil vraiment donner à ces personnages un sens de la place pour créer un monde pour eux à travers les arrière-plans que vous tombez derrière et quand vous pouvez le faire à nouveau, en particulier d 8. Encrage de l'arrière-plan: dans cette démonstration, nous allons continuer avec les encres pour le Crimson Cat, et nous sommes de retour à l'arrière-plan, remplissant le reste des détails que cela implique. Et comme vous pouvez le voir, nous avons encore un peu à faire. Mais nous avons fait des progrès décents jusqu'à présent. Dans la vidéo précédente, nous avons travaillé sur les éléments de premier plan sur lesquels la Cat Crimson elle-même est assise, et je pense que cela crée juste une très belle plate-forme pour la présenter. Et il arrive vraiment au point où le fond sert principalement à compléter le personnage, le sujet principal de la paix, quoi que ce soit, il pourrait être un personnage. Cela pourrait être quelque chose d'autre important. Mais l'arrière-plan. Bien que ce ne sera pas vraiment le centre d'attention la plupart du temps parce que vous savez que c'est juste qu'il est poussé à l'arrière. On ne le remarque pas, du moins pas au début. , cela Cependant a vraiment aidé, aussi,à aussi, repousser l'impact sur le sujet principal de la pièce. Il le complète. Il crée un cadre décoratif agréable pour présenter le personnage à nouveau, tout autre sujet d'importance à l'intérieur et donc les arrière-plans sont vraiment sous-estimés pour cette raison parce qu'ils ne sont pas beaucoup remarqués. Mais ils apportent une certaine justice pour le sujet principal de la paix, et je pense que c'est pour cela que ça vaut la peine de consacrer le temps et les détails. Je dois dire que la chose qui a réellement pris le moins de temps pour écrire dans cette pièce en particulier est le Cat Crimson, et le fond était vraiment le gros ventouse sur lequel j'ai dépensé le plus d'énergie à la fin. Donc vous savez, et c'est un peu ennuyeux aussi, parce que, comme vous pouvez le voir, tout ce que nous faisons vraiment ici est de détailler les choses passionnantes que vous pourriez penser à dessiner comme les détails dans la maçonnerie. Comment s'amuser, c'est ? Ou le carrelage sur le toit ? Ou le grain de bois sur les éléments en bois dans les bâtiments ici qui se sont délabrés et tombés en morceaux ? Vous savez, ceux-ci en eux-mêmes ne sont pas super excitants travail sur les orteils, et donc vous avez aussi non seulement le fait que cela va vous prendre beaucoup plus de temps pour finir les encres pour l'arrière-plan, mais aussi, en plus de cela, le sujet n'est pas vraiment très intéressant. Il ne va pas, ah pour vraiment vous immerger de la même manière qu'un personnage serait vous personnages ou intéressant. Ils ont de la personnalité, et nous nous rapportons avec eux comme d'autres personnes comme des personnages et quand il s'agit, vous savez, plutôt, éléments statiques à la recherche tels que Ce que vous allez trouver réside dans une majorité de tous l' arrière-plan est, ah est juste à nouveau. C' est comme regarder la peinture sécher essentiellement sauf votre peinture et vous avez juste à continuer, en posant chaque petit détail jusqu'à ce que l'ensemble du fond soit complet. Donc nous continuons ici. On a fait les éléments de premier plan. Nous passons dans les éléments de fond du milieu, puis nous allons remonter les pieds dans les éléments de fond lointains et encrez le reste de cela. En fin de compte, autant de temps que vous consacrez à votre œuvre, c'est toujours satisfaisant de pouvoir l'appeler « fait », et quand vous savez que vous avez mis tout votre dedans et que vous avez vraiment, vraiment repoussé une limite que vous avez, vous avez fait du mieux que vous auriez pu faire. Ça vaut la peine. Bien que vous le savez, à l'époque, vous n'êtes peut-être pas si excité à ce sujet. Tu n'es peut-être pas ravi de travailler sur cette chose qui t'a pris une éternité à faire parce que tu perds cette motivation. Tu perds cette excitation. Mais quand c'est fait, il n'y a rien d'autre comme ça. C' est très, très satisfaisant. Bon, jetons dans les trucs techniques, lui et parlons de la façon dont j'exécute ces encres à ce point de vue, les vidéos précédentes, vous savez probablement déjà comment je vais le faire. Mais nous sommes dans les clips, studio paint, autrement connu sous le nom de méga studio, et je n'ai même pas mis à jour la dernière version. Donc, je suis toujours en méga studio, pas les clips peignent techniquement, mais cela fonctionne à peu près de la même manière. Et pour écrire cette illustration, j'utilise maintenant le stylo G. Le stylo G est bon à aller, comme c'est pour moi. Personnellement, je ne ressens pas le besoin d'entrer et de désarmer avec les paramètres et d'ajuster quoi que ce soit. C' est tout par défaut défini et prêt à partir. Je pense que c'est pour ça que j'adore les méga studios, , clips, peinture de studio. Donc Don beaucoup est parce qu'il est livré emballé avec toutes les brosses dont vous avez besoin. n'y a aucune raison de tout gâcher et d'avoir à tout modifier, et c'est comme ça que j'aime ça. Quel que soit l'outil que j'utilise pour ma bande dessinée, moins j'ai besoin de le modifier et de le modifier, mieux c'est . Je veux juste aller directement à la pop de dessin, et tant que je suis capable d'arriver à ce point aussi vite que possible, alors je vais continuer à utiliser cet outil. Et, vous savez, je trouve le pire, dont sont ceux que vous devez ajuster chaque fois que vous voulez aller les utiliser. Je pense que c'est une sorte d'ancienne procrastination loin de l'orteil. Vous savez, si vous tendez là dehors, vous êtes en train de ralentir vos selles. Vous vous attardez à sauter dans l'illustration et vous trouvez ces raisons, et généralement si vous avez une application là-bas que vous n'êtes pas encore familier ou avez le potentiel d'y apporter beaucoup de modifications. Ensuite, vous vous arrêterez à faire réellement la chose qui compte, c'est-à-dire exécuter l'illustration et la compléter et gâcher avec ces paramètres, jouer avec eux et vraiment vous sentir comme si vous êtes productif sans réellement avoir n' importe quoi à montrer pour elle. Donc, ouais, je veux dire , pour moi, à la fin de la journée, si je peux trouver un outil qui ne nécessite aucun ajustement qui vient prêt à sortir du paquet, je suis tout pour ça. Et le stylo G fait vraiment ça pour moi. Donc je suis juste que je l'utilise et la façon dont je pose les lignes, il peut voir que j'essaie typiquement d'arriver à des lignes très fines, très élégantes qui n'ont pas beaucoup d'épaisseur pour eux. À moins que je ne le veuille, généralement ils vont être assez minces, et la façon dont je les reçois, alors, est simplement en ajustant la quantité de pression que j'applique en conjonction avec ce taille de la brosse que j'utilise. Donc, si je veux envoyer une ligne, je vais simplement appliquer moins de pression et utiliser une petite taille de pinceau si je veux une belle épaisse ligne sombre noire épaisse. Ensuite, je vais augmenter la taille de la brosse et pas Preston Hatta. En fait, c'est assez simple. C' est comme utiliser un stylo traditionnel ou un crayon traditionnel. Le comment pressez-vous l'obscurité de la ligne et le plus épais ? Ce sera plus dense qu'il apparaîtra sur la page. Cependant, en contraste total avec cela, le grand nombre d'entre vous appuyez et le plus petit qui brossera plus fin et plus faible la ligne finira par être. Et j'aime le travail de ligne très complexe et détaillé. J' essaie donc de surveiller en permanence exactement comment se déroule la gamme. Vous savez ce que la sortie apparaît sur la page ? Parfois, je vais avoir la ligne que j'ai descendu tout de suite et je serai totalement content de ça, et je vais la garder. Cependant, plupart du temps, ce n'est pas le cas. La plupart du temps, j'ai posé une file d'attente. Un coup d'oeil. Je ne vais probablement pas être heureux avec ça. Alors je vais appuyer sur l'ancien bouton d'annulation et je vais lui donner une autre chance. C' est la beauté de travailler numériquement aussi est. Vous pouvez si vous faites une erreur facilement dans un seul bouton cliquez. Fais un autre y aller, essaye de faire un peu mieux. C' est pourquoi je pense que travailler numériquement vous permet vraiment de découper toutes les excuses et de faire de votre mieux. Vous n'avez pas besoin d'essayer de faire fonctionner ces erreurs pour vous. À long terme, vous pouvez complètement les refaire, débarrasser, faire une autre tentative qui, espérons-le, aura un peu plus de succès. Et c'est la façon dont j'aime y penser. Pourquoi je travaille en numérique maintenant et n'ai pas regardé en arrière comme faras les méthodes traditionnelles de travail que j'avais l'habitude d'entreprendre. Et j'étais un artiste traditionnel. J' utilisais l'ancien crayon et papier A et un carnet de croquis, et j'avais ma ligne fine un stylo, et je fais mes illustrations de cette façon, sauf que je ne l'ai pas trouvé aussi flexible. Non, quand vous travaillez, traditionnellement, vous êtes traditionnellement, un peu confiné aux outils que vous avez dans ces outils, ont des limitations qui ne vous permettent pas souvent de travailler dans un autre, plus manière. Et c'est ce que j'aime le plus dans le numérique. Est-il si optimisé. C' est si rapide, vous pouvez faire des choses avec une quantité minimale de déconner et et si vous faites des erreurs , ils facilitent un fixe. Il n'y a pas tout un gâchis que tu dois gérer. Contrairement à si vous travaillez traditionnellement et que vous gâchez les Yanks, alors vous savez que vous devez sortir le large et ensuite vous devez passer par le haut des encres et ensuite vous saurez, j'espère revenir sur le blanc puis, et faites une meilleure ligne quand vous le pouviez. Si vous traduisez cela en numérique, appuyez simplement sur ce bouton d'annulation et explosez-le. Donc c'est une ardoise propre. Tu es prêt à repartir. Donc vous savez, ce sont les préférences personnelles de tout le monde à la façon dont ils fonctionnent. Je me souviens quand j'ai commencé à travailler numériquement, c'était très mal à l'aise. Je n'ai pas aimé ça. J' étais vraiment habitué à travailler avec du stylo et du papier. Et donc, pour vraiment s'habituer à être capable de travailler numériquement a pris un certain temps et une certaine familiarité. Je devais me présenter au numérique, apprendre à savoir comment cela fonctionnait et devenir à l'aise de travailler dans ce milieu pour renforcer ma confiance afin d'aller mieux et lentement mais sûrement créer un processus pour moi qui a vraiment fonctionné, Vraiment bien. Cela m'a permis d'accomplir ce que j'essayais d'accomplir. Et, monsieur, je pense que la plupart du temps, c' est d'apprendre à connaître vos outils, de savoir ce que vous avez à votre disposition et vous-même en tant qu'artiste, façon dont vous aimez aborder les choses et même votre processus global, façon dont vous abordez cela pour moi. Si vous avez regardé l'une de mes vidéos, vous remarquerez que j'ai un processus assez solide vers le bas qui a plus complet à chaque fois. Indépendamment de l'illustration sur laquelle je travaille. Je pourrais avoir deux illustrations complètement différentes et elles seront abordées exactement de la même manière, ce qui me permet de former un certain niveau de prévisibilité dans la façon dont je travaille. Cela me permet de penser à l'idée que je veux manifester sur la page et ensuite me donne un plan de jeu que je peux mettre directement en action afin de commencer à réaliser cette idée pour commencer à la réaliser. Et je sais que tant qu'ils auront pleinement ce processus, ils arriveront à un point où je peux appeler cette illustration faite. Et il a de bonnes chances de travailler d'une manière que j'ai l'intention de finir . Donc il n'y a pas beaucoup de devinettes et de ma part, tant qu'artiste qui veut vraiment faire de mon mieux pour produire le meilleur entraînement que je peux et pour en produire beaucoup, j'ai besoin d'avoir l'assurance que ça va marcher, que si je vais y jeter cet énorme investissement de temps et d'énergie dans la production j'ai une idée que ça va marcher, que ce processus que je suis va conduire à de bonnes choses, que ça va conduire au résultat que je Je cherche. Et le processus de tout le monde va être différent. J' ai développé ma propre façon de travailler et sans aucun doute vous développerez votre urne. Comment allez-vous faire ça ? Eh bien, vous travaillerez d'abord avec d'autres artistes, tout comme la vidéo que vous regardez en ce moment. Tu vas aller aux pieds, apprendre des choses de ce que tu vas enlever quelque chose. Espérons que, même si c'est tout simplement plus petit, n'est peut-être pas le processus complet qui ne résonne pas avec vous. Peut-être que ce n'est pas bon pour toi, et c'est ce qui compte. Tu dois d'abord trouver ce qui te semble bien. Et une fois que vous serez en mesure de le faire, c'est à ce moment que vous commencerez à avoir non seulement un processus que vous pouvez essayer pour obtenir le résultat final de votre idée, mais aussi au-dessus de celle-ci. Vous l'optimiserez. Vous allez le modifier, et vous le ferez pour obtenir plus rapidement, pour arriver à ce point final plus rapidement en un minimum de temps avec une quantité minimale d'énergie afin d'augmenter la précision de votre exécution afin que vous puissiez prendre même mawr devinettes et ne pas le laisser en dehors de lui et ne pas le laisser au hasard tout le temps, ce que je pense, vous savez. Si vous laissez les choses au hasard et que ça ne marche pas, ça peut être vraiment décourageant. Et cela ne vous donne pas envie de continuer à poursuivre l'illustration de bande dessinée, parce que quand vous perdez sur un investissement de temps et d'énergie comme ça, c'est la dernière chose que vous voulez faire est de revenir en arrière et de l'essayer à nouveau. Personne ne veut faire ça parce que c'est juste que c'est vainqueur. Et une fois que vous avez vaincu, il faut une quantité incroyable de motivation pour remonter sur le cheval et continuer à continuer de s'efforcer de surmonter vos défaites et de devenir un meilleur artiste pour elle. Ça peut être vraiment difficile à faire. Mais cela fait partie de la bataille et malheureusement, trop familier pour la plupart des artistes là-bas qui ont, vous savez, traversé ces épreuves et tribulations et grandissant de lui a évolué au-delà de là où ils étaient à seulement en raison des erreurs qu'ils ont commises en cours de route. Donc, c'est quelque chose à garder à l'esprit, surtout si vous venez de commencer et que vous n'avez pas encore développé une approche , essayé quelques choses différentes. Expérience, Voyez ce qui fonctionne pour vous. Voyez ce qui vous convient. Ce sont peut-être les choses que vous n'avez pas essayé que vous ne pensiez pas marcher pour vous qui vous ont le plus surpris parce qu'elles finissent par cliquer d'une manière que rien d'autre n' a jamais auparavant et quand il a confiné un processus qui le fait vraiment, J' ai l'impression que c'est toi, comme si c'était bien pour toi puis Ott et la créer devient beaucoup plus amusante . Vous tirez du plaisir de l'acte de création lui-même, et quand vous pouvez atteindre cet espace, c'est quand vous devenez un artiste incroyablement puissant où vous ne pouvez pas vous arrêter. Vous savez le moment où vous vous asseyez à la table de dessin et vous commencez à travailler le moment où stylet frappe la tablette ou si vous travaillez traditionnellement, le moment où le crayon de panneau frappe le papier, les heures s'échappent. Le temps n'est plus quelque chose que vous surveillez à un niveau conscient. Vous êtes complètement et 100% immergé dans l'acte de création, et c'est là que vous êtes le plus productif. Et c'est aussi le moment où vous allez faire de votre mieux. Et laissez-moi vous dire c'est un endroit formidable où être, et c'est un endroit que je m'efforce de réaliser chaque jour lorsque je m'assois pour faire et travailler sur une illustration comme celle que vous pouvez voir se réunir ici devant vous. Comme je l'ai dit, avant quand je pense à un fond comme celui-ci qui a des éléments assez ennuyeux à l'intérieur. Vous savez, je suis juste en train de détailler ces briques, une sur l'autre une brique à la fois. Et il y a des points où c'est tout ce à quoi je pense. Je pense juste à faire la prochaine brique. Je ne regarde pas trop loin vers les 1 000 000 000 autres briques que je dois faire. Je suis juste pour les invités pour faire la prochaine pause, et ensuite je vais faire celle-là et je ne passe pas à la prochaine et à la prochaine après ça. Et parfois, je vais regarder en arrière les progrès que j'ai réalisés et j'espère que je ne vais pas être découragé de cela. J' espère que j'ai fait un bon progrès, mais je n'aime pas m'attarder sur le travail que j'ai à faire avant de pouvoir appeler une illustration faite, parce que cela peut se sentir très désespéré dans beaucoup de temps afin de obtenir votre tête dans le bon espace qu'il doit être et vous voulez vraiment essayer de vous assurer que vous contrôlez le mieux que vous pouvez, la direction de vos pensées afin de maintenir une bonne quantité d'élan et motivation afin que vous pouvez vous pousser à le faire. Parce que si vous êtes coincé sur l'énorme quantité de travail qu'il reste à faire avant pouvoir appeler l'illustration complète et passer à la prochaine chose, cela va vous donner envie d'abandonner juste là. Et puis qui, bien sûr, conduit à connaître la productivité il ya. Ça ne revient vraiment à rien si vous abandonnez donc vous voulez essayer orteil à travers Mawr ? Est-ce que plus de charbon sous le feu le maintiendra-t-il brûler du mieux que vous pouvez, même si vous le devez ? Tu sais, mentir à toi-même. Dites-vous que vous faites vraiment bien et que, hé, vous savez, peut-être qu'il y a un peu plus à faire, mais vous avez fait beaucoup de choses jusqu'à présent. Quoi que vous ayez besoin de vous le dire, faites-le et espérons que vous continuerez à pousser Ford. Gardez cette étincelle Nice Inlet et apportez vos illustrations à la fin, parce que souvent ce qui finit par arriver est et l'artiste fera à moitié des choses, et je sais que cela m'est arrivé. Un regard en arrière dans la journée est que je commencerais par l'illustration et ça se passerait vraiment, vraiment bien. Et puis je m'ennuyais de ça ou ça ne fonctionnait pas comme j'avais espéré que ça marcherait, et je finis par ne pas le finir. Et tôt ou tard, j'ai l'habitude de ne pas finir les choses. Et avant que je le sache, il y a toute cette pile de dessins à moitié finis qui n'a jamais vu la lumière du jour. Ils n'ont jamais vraiment eu la chance de devenir l'incarnation de ce qu'ils auraient pu être. Et donc je pense que c'est toujours une valeur. Alors qu'une compétence à développer parallèlement à votre capacité à dessiner une encre en couleur est de vraiment essayer de Herne l'état d'esprit d'un puissant, artistes imparables qui finit tout ce qu'ils commencent. Donc maintenant, nous passons sous les éléments de fond lointains, et vous pouvez voir ici qu'ils approchent de cela. Je prends l'isme, en décrivant la forme globale de ce bâtiment en toile de fond, juste en assommant les formes principales, et la raison pour laquelle je fais cela est parce que les formes principales les contours extérieurs sont assez vague, comme c'est, vous pouvez voir qui ont utilisé des lignes très lâches et croquantes là pour les faire tracer juste pour les amener là-dedans pour voir général ce que la composition peut impliquer. Et puis après cela, je vais sur le dessus avec mon stylo, et je suis en train de décrire les dernières lignes qui les décriront qui définiront ces éléments d' arrière-plan. Et je trouve que si je pouvais juste décrire les grandes formes en premier, et que je peux travailler mon chemin dans, pourrais-je commencer à remplir ces détails intérieurs, et j'ai une sorte d'idée de l'espace dans lequel je vais être confiné comme je remplissez ces détails au fur et à mesure que je les rende. Et je suppose, dans un sens, que j'essaie de me concentrer uniquement sur un domaine à la fois. Alors tracez une zone, puis dans cette zone remplira les détails plutôt que de sauter sur tout l'endroit. J' aime briser une illustration de cette façon pour la garder gérable, pour m'assurer que je ne suis pas accablé à nouveau. Vous garder à dire dans ces vory une longue illustration dessinée est quelque chose qui vous profitera d'une manière énorme. Et vous pouvez voir en particulier comment cela serait vrai si vous travaillez sur une bande dessinée complète, par exemple, parce qu'un projet comme celui qui dure des mois peut-être qui sait combien de temps, selon la passion que vous avez pour une bande dessinée et prendre un temps très, très long. Mais vous voulez essayer de le gérer et de le décomposer en petits morceaux, et cela peut aller pour une bande dessinée complète. Vous pouvez également opter pour une seule illustration comme celle sur laquelle je travaille ici, et j'aime garder mon processus compartimenté de cette façon. Cela m'aide à garder une trace de tout, vous savez, faire le contour en ce moment, et c'est ce sur quoi je me concentre ne sont pas concentrés sur autre chose. Je ne suis pas encore inquiet pour les détails ou l'anneau de texture des matériaux. Je suis juste inquiet pour les grandes lignes, et mon esprit ne s'éloigne pas de ça. Il ne s'étend pas au-delà de cette étape particulière dans le processus, et donc je peux jouer. Donc, mon attention juste sur cette étape singulière et je peux faire un bon travail de l'exécuter parce que mes intentions ne se répartissent pas sur toute l'illustration et tout ce que je vais avoir à incorporer dans elle. Je suis capable de juste vraiment faire un travail fantastique et de m'assurer que, par exemple, ce contour est à la recherche vraiment, vraiment magasin, que ces contours et bien défini que le travail de la ligne est propre, Slick, puis une fois que c'est fait, je peux passer à l'étape suivante et je trouve que si je mélange les choses, si je commence à passer à un pas alors que je n'ai pas terminé le précédent avant, je finis par me perdre. Je suis désorienté dans ma propre façon de travailler, et je finis par souffrir d'une grande façon parce que je travaille juste. Donc, je suis désenchanté dans un sens parce que je n'ai pas une idée solide de la direction que je vais suivre. Je ne sais même pas où je suis dans le processus, et donc pour moi, ça ressemble à un sentiment très semblable à celui d'être perdu, et je n'aime pas me perdre. J' aime tout garder en échec pour que vous puissiez voir. Je travaille en quelque sorte sur la conception de cette horloge que je veux dans ce bâtiment, et j'essaie de trouver quelque chose de bon. J' ai quelques références avec lesquelles je travaille pour trouver un visage d'horloge réaliste, convaincant, qui va sembler attrayant quand il va avoir du sens. Et j'essaie de reproduire cela dans l'illustration ici, et j'espère que ça marche et que quand je l'ai toujours dit et fait, ça ressemble ce qu'il est censé ressembler. Et je pense que quand il s'agit de l'illustration de bandes dessinées, c'est tout ce que nous pouvons espérer, c'est que quoi que ce soit que nous essayons de représenter dans notre art, il arrive au spectateur de la façon dont nous le comprenons parce qu'un il s'agit en fait d'une interprétation subjective et, idéalement, parce que nous savons que notre art va être traité de cette façon. Nous voulons nous assurer que tout le monde l'interprétation subjective est juste, bien la même que c'est le même énorme, un sens objectif que tout le monde voit ce que c'est, nous montrons de la même manière, parce que s'ils sont tous interpréter de différentes façons, alors cela peut laisser beaucoup au hasard. Et peut-être que notre idée n'est pas tout à fait efficace. Et cela peut, bien sûr, les faire perdre dans l'interprétation et la traduction, notre capacité à traduire notre idée et pour eux, le public, pouvoir la traiter d'une manière qui est va être cohérent, ce qui va être efficace, parce que sinon pourquoi faisons -nous ce genre de choses ? Eh bien, nous essayons de créer un message. Nous voulons envoyer ce message. Il peut être dans un support visuel, Oui, mais je veux dire, même temps que le support visuel est comment vaisseau de communication, au moins dans ce contexte particulier. Nous voulons donc nous assurer que le message est clair, qu'il est transmis au public de la bonne façon et qu'il le reçoive. Et si vous pouviez le faire, mieux vous le faites, plus vous serez efficace. En tant que dessinateur de bande dessinée, illustrateur en général, quel que soit le support dans lequel vous travaillez, et cela s'applique aux films. Il s'applique aux bandes dessinées qui jouent les jeux vidéo qui s'appliquent à l'illustration en général, quelle qu'elle soit. Quel que soit le visuel que vous essayez de montrer à votre public, assurez-vous qu'il est présenté d'une manière qu'ils comprennent vraiment ces gens, gens, ils aiment, ça . Ils aiment pouvoir regarder quelque chose et l'obtenir presque instantanément. Ils ne veulent pas travailler les orteils pour ça. Et si vous les faites travailler pour ça et qu'il y a de bonnes chances qu'ils se déconnectent , parce que pour qu'ils travaillent en premier lieu, ils doivent être investis. Il va y avoir un point d'accrochage là-dedans pour les attirer en premier lieu. Donc tu veux t'assurer que tu as un bon aimant. Je suis aimant. Vous pourriez dire que c'est attirer leur attention en premier lieu si vous avez quelque chose d'un peu plus nuancé que vous essayez de transmettre dans vos illustrations. Donc je vais entrer et je mets dans la maçonnerie dans ce bâtiment de fond de feu et ce que vous remarquerez, et je veux vraiment vous le signaler parce que c'est ce qui nous permet de créer l' illusion de profondeur dans notre arrière-plan illustrations. Est-ce que les freins que je pose ici, un vraiment seulement décrit il n'y a nulle part près du niveau de détail et de complexité que nous avons vu tout au long de l'illustration. Incorporés dans ces briques de fond de feu qu'ils peuvent voir au milieu là-bas que nous avons un tas d'anneau de texture et, vous savez, c'est, euh, euh, effets de dégâts que nous avons appliqués dans afin de vraiment obtenir ce matériau de rupture communiqué visuellement. Cependant, dans le fond du feu ici, nous avons dû le décrocher un peu. Nous avons dû enlever beaucoup de ces détails parce que, bien sûr, nous le regardons de loin ici et en réalité, tous ces détails complexes ne seraient pas visibles à l'œil nu. Et si nous essayions de les enfoncer dans ces pauses tout le chemin là-bas, ce qui finit par arriver, c'est que ce serait si copieux. Je ne suis pas un nous occupé perçu nous occupé visuellement qui se passait qui n'avait tout simplement pas besoin d' être là, et tout ce que cela ferait est de créer une congestion visuelle, une congestion visuelle qui semblait relativement peu flatteur et, honnêtement, il avait beaucoup trop estompé le ton. Plus vous ajoutez de détails à quelque chose, plus il va baisser son niveau de valeur. Il va look orteils et apparaissent comme une nuance plus foncée, tandis que vous laissez ce détail atten et plaira plus léger. Puis le fond des cinq. Vous remarquerez qu'en général, beaucoup d'éléments qui y sont présents vont aux pieds. Éclaircir à cause du brouillard environnemental et de la brume qui finit par diluer beaucoup de couleurs et tous les détails et beaucoup de fois que vous allez voir. C' est donc ce qui est responsable de donner ceci, nous permettant de créer cette illusion hors distance entre un objet en arrière-plan rapport à un autre. Donc, les éléments de premier plan leur ressemblent maintenant beaucoup plus proches que ces éléments d'arrière-plan en raison de la façon dont nous avons équilibré ces détails. Et c'est quelque chose qui, s'il peut l'utiliser efficacement, va donner à vos illustrations beaucoup plus de profondeur à vos illustrations. Et j'ai dit que ça allait les faire paraître en trois dimensions et attirer le public encore plus loin. Que trois dimensions, plus vous pouvez incorporer cela dans votre œuvre, plus vous verrez que l'immersion commence à augmenter dans sa puissance, et le public est absolument encapsulé qu'ils sont absorbés dans votre travail à un tout nouveau niveau. Et c'est finalement tout ce que nous essayons de créer quand il s'agit de bandes dessinées, surtout parce que vous essayez de les attirer dans une histoire de narration visuelle. Et donc vous essayez de les tenir dans ce monde que vous avez fabriqué. C' est un fantasme complet, une fiction complète. Et alors imaginez être si efficace dans ce genre de choses que vous êtes capable de jeter votre public dans une transe qui les tient à l'intérieur et de faire croire à certains qu'ils en font partie. C' est un super pouvoir magique en soi. Et c'est vraiment l'art de l'illustration de bande dessinée que nous faisons et faisons de notre mieux pour réaliser chaque fois que nous mettons un crayon sur papier. C' est vraiment ce que l'objectif principal est ici, et c'est ce que je m'efforce toujours de faire dans mon propre travail, et j'espère que vous verrez comment cela se produit et que je suis capable de vous transmettre certaines de ces informations. Mais pour vraiment traiter, absorber ce que c'est, je vous le dis, vous devez l'essayer par vous-même la prochaine fois que vous allez à un revenu. Une illustration, en particulier celle qui a un arrière-plan, faites de votre mieux pour essayer d'y incorporer un peu plus de profondeur, en utilisant les conseils des techniques que vous avez partagées dans cette vidéo. Alors maintenant ce que je fais, c'est que je reviens sur le personnage, et j'augmente la lourdeur, l'épaisseur des contours extérieurs de son corps pour qu'elle se démarque plus de l'arrière-plan. J' ajoute même ces ombres portées supplémentaires pour la faire sortir de cette atout arrière . Et cela va également augmenter la quantité de profondeur perçue dans l'illustration. Les poids de ligne sont excellents pour cela. Plus vous êtes en mesure d'augmenter l'épaisseur, le poids hors ligne, plus il mettra l'accent sur cet élément particulier que vous esquissez. Et quand il s'agit du personnage, quel que soit le sujet principal de votre illustration, c'est bien sûr quelque chose que vous voulez faire de votre mieux. D' accord, mais en ajoutant quelques cheminées au sommet au-dessus de cette cheminée beaucoup plus grande. Quelques tuyaux ici qui, vous savez, fumée sortira peut-être, mais encore une fois, vous pouvez voir que je commence avec ce contour de base qui va englober cette forme, tout l'élément que je suis en train d'écrire. Et puis je commence à ajouter les détails, en ajoutant ces textures, et que vous avez remarqué que même les petits détails qui y ont ajouté que je suis en train rendre ont des poids de ligne appliqués à eux afin d'indiquer le direction d'éclairage pour les faire regarder en retrait dans ce matériau métallique rouillé que ces cheminées et fait hors . Et vous pouvez voir que le rendu en combinaison avec la ligne attendait des formes qui ont couvert dans les deux éléments de cheminée cylindriques. Ce qui me permet de capturer cette netteté était dans le matériel. Qu' est-ce qui me permet de le transmettre en premier lieu ? De loin, ici ? Comme j'ai zoomé là-bas, toute l'illustration se lit vraiment, vraiment bien, et une partie de la raison de cela est un brisé avec tous ces différents contrastes avant en arrière de noir et blanc , et cette valeur en noir et blanc est ce qui me permet de créer ce joli Patton à base de plantes qui aide l'illustration à devenir beaucoup plus lisible. Vous pouvez voir sur le côté droit de l'écran dans le Navigator Penhall, où nous obtenons ce joli, zoom arrière regarder l'illustration dans son ensemble. Vous pouvez voir comment vous pouvez encore comprendre ce qui se passe. Vous pouvez voir où se trouve le personnage. Vous pouvez voir avec son arrière-plan les bâtiments résident, et c'est un bon signe que vous avez équilibré les valeurs dans votre illustration avec une bonne quantité de contraste et que l'illustration, la composition globale est vraiment, vraiment travailler. Eh bien dit, maintenant j'y vais et je travaille sur la lune. Cela va fournir une majorité de la lumière dans cette illustration, que vous verrez appliquée dans la phase de coloration. Mais pour l'instant, il s'agit juste d'obtenir l'orteil de lune dans l'ensemble, de la façon dont il est représenté avec le reste de ce style. J' aurais pu laisser ça assez simple. Il aurait pu juste être dans un cercle plat qui a été un peu éclairé dans la phase de coloration, mais je voulais vraiment ajouter un peu de texture à elle. Et il ne va pas toujours être clair est orteil comment vous devriez faire pour convertir et traduire quelque chose comme une lune ou quoi que ce soit d'autre, d'ailleurs traduire quelque chose comme une lune ou quoi que ce soit d'autre, d'ailleurs, dans un format de bande dessinée. Et il pourrait être représenté de tant de façons différentes. Et il se résume finalement à utiliser l'artiste et vos propres préférences à cela, votre propre idée de l'enfer, quelque chose comme une lune ou encore quelque chose d'autre devrait être transmis dans un contexte de début de bande dessinée . Mais la façon dont je l'ai compris pour moi-même est que j'observe d'autres artistes, et j'ai regardé le travail de Gregor Polar de dit McFarlane, et je me souviens que lorsque Gregor Polo et dit Nous travaillons dans le Spawn, Siri est ensemble. Certaines des couvertures de bandes dessinées où il a été produit auraient cette lune en toile de fond, et j'aime toujours la façon dont ils ont représenté la lune et la façon dont ils ont incorporé cette belle quantité de détails et de texture qui a aidé à montrer la surface cratée toute la lune. Et donc c'est quelque chose que j'essaie d'incorporer dans mon propre homme, parce que j'aime vraiment ce regard, dans la plupart du temps. Comme je l'ai déjà dit, c'est juste en bas de la préférence. Donc si tu es coincé et que tu te demandes, comment devrais-je être sûr de ce que j'essaie de montrer. Demandez-vous, Comment aimeriez-vous montrer et puis suivre avec cette exportation qui voit ce que vous pouvez trouver ? Peut-être qu'il n'y a pas d'artiste à partir duquel tu peux travailler. Peut-être que vous ne pouvez pas trouver un bon exemple qui résonne avec vous personnellement que cela va fonctionner pour l'illustration que vous créez. Et dans ce cas, cela signifie simplement que vous devez expérimenter. Vous devez sortir sur un membre et voir ce que vous pouvez trouver à travers rien d'autre le processus d'exploration. Et vous savez qu'il y a des accidents heureux où il essaie quelque chose sans aucune attente. Tu n'es pas sûr que ça marche, mais tu le fais quand même. Et puis vous agréablement surpris parce que comme il se trouve juste, c'est la meilleure chose que vous auriez pu faire, et cela fonctionne parfaitement bien et tout fonctionne. Habituellement, vous allez trouver que vous vous y tenez et vous l'incorporez dans votre processus à votre approche chaque fois qu'après. Et c'est ce qui, à mon avis, vous aide à développer un style à la fin. C' est ce qui vous permet de devenir les artistes que vous allez devenir. Mais tu dois être assez courageux pour sortir du prétendu et faire le saut. Et j'ai vraiment confiance en ça. Tu sais, quand tu frapperas le sol, tu finiras avec quelque chose qui va bien marcher pour toi. N' importe qui, si vous ne le faites pas, même si vous ne le laissez pas. L' expérience la plus méchante d'apprendre à se mettre dehors ou à échouer au pire vient au pire juste ? Quelle est la pire chose qui puisse arriver ? Vous pourriez échouer, mais en même temps, même cela est un cadeau parce que c'est tellement que vous pouvez apprendre de l'échec. C' est ce qui te garde sur les orteils. C' est ce qui brille une lumière sur les domaines que vous pourriez améliorer afin d'amener votre jeu de bande dessinée au niveau supérieur et a donc seulement continuer à continuer et vous continuez à pousser vers l'avant. Tu auras ça. Vous pouvez voir ça. J' ai juste essayé de rendre les cratères sur cette lune, et ça n'a pas marché pour moi, pour une raison ou une autre. Je n'aimais pas la façon dont ça allait se terminer. J' ai finalement décidé ça. Hé, tu sais quoi ? Je vais l'effacer, et je vais essayer une autre approche. Et maintenant, je fais le tour du contour et j'essaye de réparer ça et je me sens comme si cette Lune était un peu folle. Ce n'est pas parfaitement circulaire, et j'aurais pu me faciliter les choses en utilisant simplement l'outil d'éclipse depuis le début. Mais j'aime le défi, la façon dont j'aborde ces choses constamment parce que j'ai l'impression que les raccourcis que je prends ne vont pas vraiment m'aider à progresser. Ça ne va pas me pousser vers l'avant pour devenir un meilleur artiste. Maintenant que d'habitude vient un point où je viens juste d'abandonner et de décider d'utiliser l'outil d'éclipse toute façon, et je Mais vous savez, j'ai toujours essayé de mon mieux. J' ai essayé d'éliminer les faiblesses de mon approche en me battant sur le bois. Donc maintenant on va avoir une autre fissure à ça. Je vais essayer de rendre ces cratères à nouveau. Et j'espère que cette fois un Randall aura plus de chance. Mais vous pouvez voir que je fais des erreurs tout le temps. Très, vraiment. C' est en douceur pour moi même. Et je dessine depuis très, très longtemps. Et je pense qu'une partie d'obtenir une meilleure partie de l'acquisition de l'expérience est vraiment toi. Être d'accord avec faire des erreurs est vraiment juste une question de devenir à l'aise en sachant qu'il y a de bonnes chances que vous allez gâcher. Et c'est bon. Tu t'ennuies que ça aille bien. C' est, eh bien, juste ça fait partie de ça qui vient d'être un artiste de bande dessinée, même pour un plus pauvre. Et je ne dis pas que je suis un pro de quelque façon que ce soit, mais qu'est-ce que tu penses qu'ils continuent ? C' est ces moments d'être humbles, d'être humiliés par leurs propres erreurs en essayant quelque chose qu'ils pensaient pouvoir exécuter sans problème, puis en échouant. Et quand cela arrive, c'est un cadeau berlian parce qu'il vous fait magasiner, Il garde votre œil sur la balle et il vous rappelle de ne pas prendre pour acquis la distance que vous êtes venu, ce qui peut arriver tellement. Et en fonction de l'endroit où vous êtes juste et de la façon dont vous venez de commencer, vous pouvez à peine avoir des compétences et de l'expérience du tout. Vous avez peut-être très peu de connaissances en art de la bande dessinée, mais il est peut-être assis là, et bien, vous savez, c'est bon. Je veux juste aller bien. Si je pouvais aller bien, ce serait génial. Mais vous savez, quand vous serez bien, rappelez-vous que vous serez toujours important de trouver des choses pour vous défier, parce que sinon vous deviendrez complaisants et complaisants est le tueur de toute productivité, une croissance horrible. Vous ne voulez pas devenir complaisant. Vous ne voulez jamais être satisfait de ce que vou 9. Coloration: cette démonstration que je vais continuer à partir des vidéos précédentes dans le Crimson Cat Siri, où nous entrons, et maintenant il est temps d'ajouter une touche de couleur à cette illustration. Maintenant, comme toujours, la première étape de ce processus est de calmer dans les couleurs de base. C' est autrement connu sous le nom de processus d'aplatissement, parce qu'ici nous avons juste affaire à des torrents Hugh plats, ce qui signifie qu'il ne change pas en termes de niveau de couleurs de l'obscurité ou de la légèreté. C' est juste une mi-temps. J' aime penser à cela comme un demi-tour de toute façon, quand je tombe dans ces couleurs de base parce que finalement nous serons sur le haut vieux, ces appartements, ces appartements, en ajoutant une couleur d'ombre de base puis une couleur de mise en évidence basse. Cela signifierait, en théorie, que cette première étape serait le processus de placement dans les tons moyens. Et les tons moyens sont juste un ton neutre, toute la couleur que nous voulons aller avec pour notre personnage et la scène environnante, parce que dans ce cas particulier nous avons affaire à une illustration de personnage qui a un fond et que est vraiment plus tard sur la piste, va ajouter un sens accru de l'humeur illustration dentée qui améliore également le sentiment que nous avons quand nous regardons cette présentation et le personnage aussi, parce que cela lui donne un peu de contexte en plus de tout le reste. Donc, comme je passe par ici et je place dans ces couleurs basées sur des calques individuels séparés, qui sont placés dans une poignée de couche une couleur de base étiquetée, comme vous pouvez le voir sur le côté droit de l'écran dans le panneau des calques. Ce que j'essaie de faire, c'est de m'assurer que chaque couleur que j'ajoute dans cette scène jaillit bien ensemble. Je veux m'assurer que chaque couleur se trouve à côté de son voisin d'une manière complémentaire. Maintenant, pour pouvoir le faire, vous voudrez avoir un peu de connaissances de fond en théorie des couleurs. Mais il ne doit pas être la SLA qui a avancé, croyez-le ou non, parce que la plupart du temps nous avons juste cette intuition naturelle quant à ce que les couleurs vont bien ensemble , et quelles couleurs pendant, et la raison que nous venons construit avec cette capacité de pouvoir dire quelles couleurs vont se heurter est parce que menacer notre vie entière dans le monde qui nous entoure. Nous avons vu ces combinaisons de couleurs naturelles et complémentaires se produire dans la nature. Quand vous y pensez simplement par observation passive, nous aurions sûrement pris quelque chose maintenant. Et c'est pourquoi nous pouvons certainement dire quand il s'agit de regarder une illustration qui contient des couleurs qui prennent vraiment mawr loin de. Ensuite, ils ajoutent, C'est pourquoi nous sommes capables de dire qu'ils n'ont pas l'air bien l'un à côté de l'autre. Nous devrions être en mesure de dire au moins quelles couleurs vont bien ensemble. Et donc souvent je veux toujours savoir, aussi immédiatement que j'ai placé vers le bas le ton moyen, la couleur de base plate sur la page, si oui ou non il va orteil travailler bien. Mais c'est bon, parce que toutes ces couleurs sont placées sur deux calques distincts, ce qui signifie que je peux aller dans le menu déroulant de l'image en haut de l'écran, cliquer sur les réglages et retweeter, la teinte, la luminosité et tout autre aspect ancien que la couleur dont j'ai besoin, afin de le rendre en effet dans les autres d'une manière complémentaire, esthétique agréable. Le but de la pose dans ces couleurs à base d'abord et avant tout est de s'assurer que nous avons un schéma de couleurs fantastique qui va bien travailler orteils que nous pouvons construire à partir de, que nous rendons plus tard les formes de la dans les différents éléments d'arrière-plan contenus dans l'illustration. Maintenant, l'autre chose que je veux mentionner ici est le genre de brosse que j'utilise orteil est dans ces tons de base parce que cela peut être en fonction de votre niveau de compétence et de vos connaissances en art numérique, vous pouvez être je me demande ce que c'est maintenant. Je suis dans la boutique photo ici. Dans le pinceau que j'avais l'habitude de poser dans ces tons de base est un pinceau plat, dur, complètement opaque. En d'autres termes, ce n'est pas le cas. La couleur sort sur la toile sur le calque que j'ai spécifié à sa pleine puissance. n'y a pas d'opacité qui s'applique maintenant. Parfois, vous constaterez qu'il y a des pinceaux comme celui qui sera utilisé pour placer dans l' ombre dans les reflets qui ont un certain niveau d'opacité appliqué à eux. Une certaine quantité de voir à travers nous ou tomber. Cela nous permet de mélanger les ombres et les reflets dans ces temps de base un peu plus facilement en fonction de la pression que nous appliquons à notre styliste pendant que nous travaillons. Mais je n'utilise vraiment pas d'autres pinceaux en plus peut-être trois ou monsieur tout au long du processus de coloration. J' ai un pinceau de type peinture que j'utilise pour rendre les formes et un aérographe, que je vais utiliser quand il s'agit de tomber dans le point culminant sur les couleurs de superposition tardive et ombre . Mais à part cela, c'est juste ce pinceau dur, complètement opaque que j'utilise pour placer dans ces couleurs de base. Et puis c'est juste une question de, à ce stade, de garder à l'intérieur des lignes. C' est vraiment la seule autre considération qui doit être prise ici. Et si vous avez grandi avec la coloriage dans des livres comme je le savais ces jours-ci, je suis sûr que les enfants ont des activités beaucoup plus intéressantes et stimulantes à participer, comme les jeux vidéo et les médias sociaux Instagram en général. Mais à l'époque, le jour où tout ce que nous avions vraiment à faire quand nous étions ennuyés était de compléter notre coloriage dans livres et d'essayer de les faire paraître aussi bien que possible ou de construire une maison cubby dans la cour ou quelque chose comme ça. C' est ainsi que nous nous sommes entraînés, en nous assurant de rester à l'intérieur des lignes. Et c'est vraiment l'objectif ici, assurer que tous ces virages plats de couleur de base restent dans la zone spécifiée dans laquelle nous voulons qu' ils soient dans la mesure où ils ne se répandent pas en dehors des limites. Maintenant, je suis tombé vers le bas pour me concentrer sur l'arrière-plan, et vous pouvez voir que je tombe dans quelques nuages dans le ciel pour essayer les orteils. Augmenter l'humeur en transmettant et suggérant les conditions environnementales, les éléments environnementaux qui sont un jeu maintenant sur une journée ensoleillée , par exemple, au printemps, comment se réveiller et se sentir bien ? Souvent, vous vous sentirez très énergique, positif, positif, heureux à cause de l'environnement extérieur ensoleillé et lumineux et des rayons de soleil qui traversent votre fenêtre. C' est juste quelque chose que nous associons l'identité, le bonheur et la joie. Profitez, cependant, une journée nuageuse ou par nuit nuageuse, Eh bien, c'est un peu plus effrayant, et nous avons vu assez de films d'horreur Nous avons vu assez de bandes dessinées horribles là-bas qui font usage de cette Troie environnementale. Il pourrait y penser comme ça. Permettez-nous de transmettre ce DACA sombre, un assassiné, et c'est vraiment ce que le ciel couvert 10 suggère est cette certaine quantité de sombre. Et donc ici, dans cette illustration, c'est le genre d'ambiance que je voulais introduire. Maintenant, ce que vous pouvez me voir faire avec ces petits points de couleur, c'est que je fais une palette de couleurs, et ce que cette palette de couleurs me permet de faire, c'est de savoir quelles sont les couleurs auxquelles je fais face et si elles sont bien ou non ensemble. Vous savez, je les ai tous commandés là-bas, fin accessible. Je dois le faire si je veux les sélectionner. Est hoedown Oto mon clavier pour convertir ma brosse à l'outil pipette, ce qui me permettra de sélectionner ces couleurs à la volée. Et cela deviendra, surtout, surtout, l'Iran quand nous commencerons à mélanger les différents tons sombres latins des couleurs que nous traitons ici dans cette composition ensemble. Mais l'autre chose que j'ai aussi fait est que je suis allé de l'avant et j'ai créé une version claire et sombre de chacune des couleurs de base et l'ai ajoutée à cette palette de couleurs ici que je puisse simplement les sélectionner à la volée. Et c'est vraiment juste pour des raisons de commodité. Il rend toutes les teintes et les temps des couleurs, et je fais affaire avec beaucoup plus accessible. Et quand il s'agit d'illustration de toute sorte avec leur illustration numérique de livre , quelle qu'elle soit, que vous travailliez pour un client ou non, il est toujours bon d'optimiser et de rationaliser votre processus de cette façon, pour que la navigation soit aussi rapide et aussi fluide que possible afin que vous sachiez que vous ne trébuchez pas autour de l'endroit et que vous devez passer plus de temps à des activités secondaires que vous n'en avez besoin. , Par exemple, essayer de trouver la couleur de base de tournage sombre que vous avez utilisée pour une zone spécifique de l' illustration et essayer de la retrouver à nouveau. C' est déjà là dans la palette de couleurs. Vous pouvez sélectionner que chaque fois que je fais se concentre d'abord et avant tout sur l'arrière-plan , et que la raison pour laquelle je l'ai pris à ce niveau d'achèvement est déjà parce que cela va quelque peu expliquer comment je finis par rendre le caractère. Maintenant, nous pouvons voir la lune en arrière-plan être la principale source de lumière dans cette scène , et elle va se projeter vers le bas sur le personnage. Donc, ce que nous voulons faire lorsque nous plaçons dans les reflets de base et les ombres de base, c'est que nous allons vouloir les peindre autour. Chacun des chats cramoisis se forme selon la direction que la lune projette sa lumière vers le bas sur eux. De. C' est ce qui nous permettra de créer une certaine cohérence dans la façon dont les formes sont rendues et éclairées, et cette cohérence nous mènera à un résultat plus crédible et réaliste. Parce que lorsque vous vous retrouvez avec des incohérences, disons, par exemple, lorsqu'il y a une forme du caractère ombragée différemment d'une autre forme, suggérant qu'il existe une source de lumière différente, ou que ces formes sont placées sous différentes sources de vie qui ne semblent pas nécessairement exister ou n'ont pas de sens dans la scène, c'est quand tout d'un coup sont suspendues. La capacité de mécréance est brisée, et maintenant nous réalisons une attente une seconde. Cette incohérence suggère maintenant que ce que nous examinons, ce n'est pas Riel et hors cours. Nous savons que ce n'est pas vraiment que nous comprenons que nous l'obtenons, mais nous voulons toujours essayer de construire nos illustrations et de les produire de telle sorte que lorsque le public les regarde, ils peuvent imaginer un scénario où ce qu'ils sont regarder pourrait être rial, que ce pourrait être possible. Et quand ces incohérences sont un présent en elle, cela rend beaucoup plus difficile pour eux de le faire. Ce que je fais, c'est que je passe juste maintenant que j'ai peint grossièrement dans les ombres de base et les reflets de base et que je les mélange ensemble. Vous pouvez voir qu'à ce stade dans le temps, les transitions entre les tons clairs et sombres tout simplement sur un lisse comme ils pourraient être autour ces formes. Donc, c'est ce que je fais maintenant, c'est que je suis simplement en train de les lisser, et j'essaie de m'assurer que le mélange entre ces tons clairs et sombres, le plein de lumière comme il se transforme dans les ombres est équilibré en fonction de la forme et la dureté de la lumière dans la scène. Et ce sont ces deux choses qui vont vraiment déterminer les caractéristiques tons clairs et sombres et comment ils sont mélangés ensemble parce que le plein et leur transition seront affectés par ces deux éléments. Et maintenant, ce que je fais est un tapis dans une superposition d'ombre, ce que j'ai fait pour ajouter de la couleur ou de la teinte aux tons d'ombre de l' illustration. Et maintenant, je fais la même chose, sauf avec les surlignements sur le calque, qui est défini sur superposition. Et cela ajoute également de la teinte et de la couleur à la lumière dans la scène. Maintenant, la chose importante que je veux mentionner ici, la raison pour laquelle je vais de l'avant et je coupe, se pose l'éclairage et les ombres, c'est parce que nous ne voulons pas seulement être ombrager le personnage d'une manière qui suggère un environnement éclairage mis en place, ce qui est officieux, non ? Elle est dans un environnement extérieur, ce qui signifie que la lumière naturelle venant de la lune aura tendance à avoir cette teinte bleue saillie vers le bas. Il sera abattu avec cela, et parce que la lumière est de couleur bleue comme elle ruv Elise et couvre le caractère et l'environnement en dessous. Ce qui va se passer, c'est qu'il va superposer cette couleur la couleur sur sa lumière à travers ces éléments, et donc, afin d'émuler cela et de créer un scénario d'éclairage plus réaliste. C' est pourquoi je vais de l'avant et je crée trop le surlignement et assis le mode de fusion vieux ce calque trop, parce que c'est ce qu'il me permet de faire. Et je fais la même chose avec la superposition d'ombre. Il est couche est dit pour se multiplier, et il fait le contraire. Il ajoute de la couleur aux ombres, et dans ce cas, parce que nous avons un éclairage frais venant de la lune, ce que nous voulons faire, à son tour, est d'essayer de réchauffer la teinte des ombres. Maintenant, ils seront toujours un tour de couleur plus fraîche, mais il y aura un refroidisseur légèrement plus chaud, fatigué, donc au lieu de juste bleu, ajoutera un peu de rouge, ce qui le rend violet. Et puis ces teintes fraîches et chaudes dans le spectre de couleurs plus froides viendront bien. Ensemble, ils se complèteront et créeront un éclairage coloré beaucoup plus souhaitable et esthétique mis en place. Maintenant que nous avons enrichi la palette de couleurs, essentiellement en ajoutant la couleur supplémentaire à l'éclairage et aux ombres lors de la création d'un rendu final passe directement au-dessus de tout ce que nous avons fait jusqu'à présent. Et tout ce qui est est vraiment juste le processus de sélection de différents tons. Beaucoup atteint tout au long du personnage avec l'outil compte-gouttes et augmenter la luminosité, parce que l'objectif ici est de donner de la profondeur à ses formes et aussi de décrire les différents matériaux tout au long de son costumage, mais surtout pour ajouter de la profondeur. Et quand nous pouvons égayer les reflets, le point culminant de la forme, celui d'être une lèvre et frappé par la lumière à la plus intensité il va orteils les soulever haut. Cela va leur donner plus de profondeur et de volume, et contrairement à cela, si nous pouvons approfondir les ombres en suivant essentiellement le même processus à la place cette fois ce que nous faisons quand il s'agit d'augmenter l'intensité de la ombres est que nous sélectionnons simplement les parties ombragées de la forme qui assombrit celui que nous avons sélectionné, puis ajoutons pour rendre le côté sombre de la forme plus profond pour augmenter le contraste clair et sombre entre ces valeurs et un yang combiné lorsque vous pouvez avoir cette transition de niveau plus élevé entre la lumière et l'obscurité entre ces formes. Il va le faire paraître Aziz là-bas Il y a plus de profondeur qui est plus de rondeur à ses jambes, à ses bras, à son corps. Maintenant. L' autre chose, comme je l'ai dit en passant, voudra aussi faire de notre mieux pour décrire d'autres matériaux qui couvrent ces formes . Et chacun de ces matériaux, selon ce qu'ils sont, réfléchira la lumière à différents niveaux d'intensité et l'intensité de la lumière réfléchie suggère souvent les qualités de ce matériau. À titre d'exemple, le chat pourpre est ici, pour la plupart portant une combinaison de Lycra et cuir, comme porterdu cuir, comme porter matériaux très réfléchissants qu'ils réfléchissent, laisser à haute intensité. Et donc, afin de transmettre ce matériel comme il enveloppe autour de son corps d'une manière convaincante, mais devra alors faire est de s'assurer que nous augmentons le niveau d'intensité dans les sections éclairées hors de la forme qu'il couvert par ces matériaux. En fait, parce que ces matériaux sont tellement réfléchissants, voudra augmenter les faits saillants autant que nous ajoutons des niveaux élevés de brillants spéculums blancs . Et donc, quel point culminant du spéculum est que c'est littéralement la source de lumière se reflétant dans la forme ou le matériau. Dans ce cas encore, quand il s'agit de vous assurer que vous êtes en mesure de transmettre ces matériaux avec précision, cela peut être quelque chose qui prend également de la pratique. Vous voudrez peut-être étudier la façon dont la lumière se reflète de divers matériaux et la meilleure façon de procéder à une approche, le processus de rendu pour chacun d'eux. Mais si vous pouvez le faire, cela augmentera la crédibilité de vos personnages et de l'arrière-plan, d'ailleurs, parce que l'arrière-plan qui entoure ce personnage est également constitué d'une multitude de différents matériaux ici. Mais c'est quelque chose qui mérite d'être considéré et qui est avec vous prendre le temps de lire et peut-être même de prendre le temps de faire quelques études ici et là. Mais les règles de assez simple si vous voulez quelque chose à regarder brillant, lui donner Ah, haute, intense, mise en évidence le long du côté de la forme avec une lumière est plus intense. Donc, où il frappe directement cette forme quand je suis en train de rendre, j'essaie toujours de penser à n'importe quelle forme que j'essaie d'ombrager dans cette géométrie la plus simple. Donc, au lieu de considérer les groupes musculaires complexes dans tout le corps des Cats Crimson, comme je le rends, je suis vraiment seulement en train de couler toutes ces zones à un niveau qui est comparable aux cylindres et sphères. C' est à quel point simple et combien de stupide vers le bas ce que c'est. Je suis en train de rendre à l'intérieur de mon esprit afin que je puisse avoir une compréhension plus claire à peu près avait une lumière avec plein off et disperser à travers cette forme. Et une fois que je comprendrai comment il se dispersera à travers les principales formes, cela me donne une bonne indication quant à la hiérarchie du ton noir latin lorsque je commencerai à rendre aux sous-formes qu'il contient. Cette dispersion de lumière cette chute a un niveau de hiérarchie, en ce qui concerne le ton de points allégé. Et il est important de garder cela intact pendant que nous rendons les détails les plus fins, parce que tous les sous-formulaires dans les formes principales que nous traitons ici seront ombragés et rendus dans le contexte hors ont ces formes plus grandes ah être allumées. C' est donc quelque chose qu'il est important de garder à l'esprit. Toujours avec cela dit lorsque les dernières étapes du processus de coloration ici, et c'est là que beaucoup de tweak ege arrive. En d'autres termes, je prends ce que j'ai fait jusqu'à présent, et j'ajouterai une variété de réglages différents, principalement accessibles à partir des réglages de calque du menu Alaia. Et puis j'ajoute des courbes. C' est l'un des principaux que je place dans ajuster le niveau de contraste dans l' illustration. Je gâche aussi autour de l'équilibre des couleurs, pour harmoniser toutes les teintes qu'un présent tout au long de l'illustration et pour m'assurer qu' elles vont bien ensemble. Et enfin, je vais modifier les tours de couleur de base qui doivent être ajustés afin de les adapter mieux à l'illustration, parce que parfois cela arrive aussi. Malheureusement, il n'y a qu'un certain montant que vous pouvez contrôler. Menu Aly et c'est la beauté de l'illustration numérique est que vous pouvez revenir en arrière et vous pouvez faire des ajustements. Vous pouvez modifier divers aspects du travail que vous avez fait afin d'améliorer cette présentation finale . Et maintenant, il s'agit juste de revenir sur la scène de fond et d'incorporer divers petits détails. ici et là afin de le faire paraître réaliste mawr en ajoutant plus de profondeur. Et enfin, vous pouvez voir. Et c'est une autre tactique vraiment super que j'aime orteil ajouter à mes illustrations. Et je pense que c'est très évident dans celui-ci en particulier. Et c'est que vous remarquerez que nous avons la source lumineuse principale projetant vers le bas sur les personnages une scène d'en haut. J' ai juste la lune essentiellement. Mais nous avons aussi une source de lumière secondaire, dont vous allez parler pour voir un peu mieux quand nous zoomons à nouveau ici dans un instant . Et la source de lumière secondaire est un temps beaucoup plus chaud que le Siam frais a soufflé de la lune. C' est à ce sujet. J' espère que vous avez apprécié cette démonstration et que vous en avez tiré beaucoup de valeur. 10. Conclusion: Bon, donc c'est tout. On l'a fait finir cette classe de maître de bande dessinée. J' espère certainement que vous avez beaucoup appris en ce que vous allez vous éloigner de cette classe avec une tonne de valeur. Nous avons passé par le processus de crayonnage, le processus d'encrage et le processus de coloriage ainsi que pour l'illustration de bandes dessinées numériques, et nous avons couvert beaucoup d'informations. Donc, si vous ressentez le besoin de revenir en arrière et d'en récapituler une partie, alors s'il vous plaît faire. C' est la beauté d'apprendre à travers une vidéo. L' ancien est que vous pouvez rembobiner et revenir à travers toutes les informations que vous pourriez ne pas être sûr Will peut avoir manqué la première fois par Okay, jusqu'à la prochaine fois continuer à créer, continuer à pratiquer et je vous verrai dans la prochaine bande dessinée classe de maître d'art. 11. Projet: D' accord. Donc, vous projettez pour ce cours est de revenir à travers ce résumé de démonstration, honneur, et essayer de cirque autant d'informations que possible parce que vous allez en avoir besoin. Ce que j'aimerais que vous fassiez, c'est créer votre propre illustration de bande dessinée numérique en utilisant le processus que nous avons couvert tout au long de cette classe de maître. Bonne chance avec ça. J' espère que tu t'en sortiras bien. Mais le plus important, j'espère que tu t'amuses avec ça.