Maîtriser les techniques de l'illustration : les principes de bases de l'esquisse, de l'encrage et des couleurs

1. Introduction: Je pense que ce que j'aime le plus dans l'art, c'est qu'il n'y a pas de règles. Vous pouvez créer votre propre monde, vos propres histoires. Vous pouvez être ce que vous voulez être à travers le médium que vous utilisez. Bonjour, tout le monde, je suis Jazza, je suis artiste, animateur, illustrateur. La classe d'aujourd'hui consiste à vous donner les moyens d'agir avec les étapes fondamentales que j'ai trouvées et suivies qui m'ont permis d'obtenir un résultat que j'aime. Quand vous voyez une dernière illustration que quelqu'un a fait et que vous admirez, c'est comme quelque chose que vous ne pourriez jamais atteindre ou vous ne pouvez pas voir comment ils sont arrivés là. Je veux démontrer que peu importe votre style, vous pouvez suivre ces étapes à votre manière et dans votre propre support pour obtenir les meilleurs résultats pour vous. Maintenant, j'ai abordé ce cours un peu différemment. En fait, j'ai créé deux œuvres finales que je vais partager avec vous comment je les ai trouvées. Nous allons passer à travers beaucoup de choses, commençant par une discussion sur le style, nous allons passer à une exploration d'idées, et ensuite quand nous nous salirons les mains, nous allons faire des croquis, nous allons faire du travail d'encre, fois de base et de pointe, puis nous allons passer à la couleur. Trop souvent, nous sommes pris par la peur de la prochaine étape ou l'intimidation du résultat que nous voulons atteindre, cela nous arrête ou nous rend trop autocritiques. Bien que chaque artiste soit à un stade différent, si vous pouvez trouver le plaisir dans le processus et capturer le sentiment qui vous permet de créer, alors il n'y a pas de vous arrêter. Nous allons commencer par un peu de marche, puis courir, puis un peu de battement, et puis vous volerez. Ça avait l'air magnifique dans ma tête, un peu stupide à voix haute. Donc je pense que nous avons couvert tout ce dont nous avons besoin en guise d'introduction, je pense qu'il est temps de commencer. 2. Découvrir votre style: y a jamais eu un point dans ma vie d'adulte quand j'ai décidé, je suis un illustrateur professionnel. Il y avait toujours ce dégradé de l'époque où j'étais très, très jeune, et j'aimais juste le dessin et je suis devenu qui je suis, plutôt que quelque chose que j'ai décidé de faire. Quand j'ai lancé ma chaîne YouTube en 2012, elle était vraiment centrée sur les tutoriels d'art et d'animation. Au fil des ans, YouTube a changé en tant que plate-forme et il est devenu beaucoup plus axé sur le divertissement ce qui est vraiment amusant pour moi de le faire aussi. Mais j'ai aussi beaucoup appris, surtout ces dernières années, que je suis excité de revenir et de frapper fort avec vous dans ce cours, en particulier autour de l'illustration. L' illustration en particulier est l'une de ces choses que j'ai trouvées, l' une des façons les plus cool de découvrir des histoires, des projets, et des choses dans lesquelles vous pouvez plonger. C' est l'endroit que vous pouvez explorer sans frontières. Il n'y a pas de mauvaise réponse ou d'erreur. C' est vraiment juste un endroit illimité de plaisir, mais avant de sauter dans un truc pratique, je veux commencer par parler de style. Raison étant qu'il va y avoir des gens de tous les niveaux de compétence et avec tous les différents médias et styles qui regardent ce cours. Je veux vraiment dire dès le départ, que c'est pour tout le monde. Le processus et les étapes que je passe s'appliqueront à votre support et aux résultats que vous voulez atteindre, quel que soit votre niveau ou votre style. Maintenant, afin de le démontrer aussi efficacement que possible, je vais créer deux œuvres d'art à travers toutes les leçons. Juste pour vous montrer que toutes les choses que je traverse dans les mêmes étapes peuvent être appliquées dans deux styles différents pour obtenir deux résultats radicalement différents. La première pièce que je vais créer va être beaucoup plus fantaisiste, simple, mignonne, amusante et légère. La seconde, je vais vraiment me défier. Mon espoir est qu'en faisant cela, si votre style est différent, même de ces deux qu'il sera, parce que tout le monde a un style différent, vous allez toujours vous sentir habilité et enlever beaucoup de choses que vous pouvez appliquer à votre style et à votre niveau de compétence. Une autre chose que je voulais juste aborder en ce qui concerne le style, c'est la question que l'on me pose beaucoup  : « Comment développez-vous votre propre style ? Comment avez-vous eu votre style ? » La réalité est que nous voyons souvent d'autres artistes comme ces paquets complets. Nous pouvons identifier leur style et leurs œuvres d'art et nous ne nous considérons pas comme ayant un style particulier. Mais la réalité est que nous avons tous un style unique. Moi, je n'ai pas nécessairement l'impression d'avoir ce style unique, mais on m'a dit maintes et maintes fois par des gens qui regardent mes illustrations, mes animations, mes vidéos que j'ai un style unique qu'ils peuvent identifier avec moi. C' est comme si l'herbe entière était plus verte de l'autre côté. Nous pouvons clairement voir ce que nous voulons, mais pas nécessairement ce que nous avons. Ne vous inquiétez pas d'où vous êtes parce que si vous êtes un artiste, vous le ferez pour le reste de votre vie. Au lieu de cela, concentrez-vous sur le processus et les choses que vous pouvez prendre pour vous autonomiser et vous donner l'impression que vous pouvez prendre confiance à chaque étape que vous passez à l'étape suivante. 3. Outils et matériel: Des trucs dont vous allez avoir besoin. Tu n'auras pas besoin de tout ça. Tu n'auras pas besoin des mêmes trucs. Vous pourriez avoir des choses différentes, vous aurez probablement des choses différentes. C'est très bien. Vous serez en mesure de passer par les étapes et le processus et de l'appliquer à vous-même, que vous soyez un artiste numérique ou un peintre, peu importe. Le processus sera le même et vous arriverez à un résultat dont vous êtes fier. Cependant, je vais utiliser des matériaux spécifiques et ils sont assez faciles d'accès, et la plupart d'entre vous devraient pouvoir avoir quelque chose de similaire à eux. D' abord et avant tout, un crayon et une gomme. Rien de tel que de fantaisie, une gomme de base de n'importe quel magasin de papeterie ou agence de presse. J' ai un crayon mécanique préféré, mais vous pouvez utiliser votre crayon de plomb de base que vous aiguisez. C' est très simple. Ce dont vous aurez besoin pour vous assurer, c'est que vous avez la capacité de garder un crayon pointu, surtout lorsque nous arrivons à notre esquisse raffinée. Une pointe de crayon émoussée ou douce va rendre vos croquis moins contrôlés, un peu plus rugueux et plus brumeux. C' est pourquoi je préfère un crayon mécanique, parce que la pointe est à peu près toujours pointu. Ensuite, si vous sentez qu'il devient un peu plus doux ou émoussé à une extrémité, vous ne pouvez pas simplement faire tourner le crayon et continuer. Mais, si vous utilisez un crayon en bois avec un taille-crayon, c'est bien aussi. Je vais utiliser des stylos à encre. Maintenant, quand je dis stylos à encre, ce sont des fineliners. Ils sont très basiques, vous pouvez les obtenir dans un tas de marques différentes. J' utilise un 0.2, un 0.4 et un 0.8. Fondamentalement, un médium mince et légèrement plus audacieux, mais même le gras est assez mince. Tout le travail d'encre que nous allons faire repose principalement sur ceux-ci. Alors pour l'encrage avancé, quand j'ai un peu de fantaisie, j'aime vraiment ce stylo. C' est un stylo de calligraphie tombow. C' est comme un pinceau, mais avec une pointe fine et dure. Je ne l'utilise pas beaucoup, mais j'adore quand je peux l'utiliser, donc je vais juste l'inclure. Puis aussi parfois j'aime utiliser quelque chose appelé un stylo à pinceau. J' ai deux stylos à pinceaux ici. L' un s'appelle un gazenfude copique, je pense que c'est comme ça qu'il est prononcé. Il s'agit d'un stylo à pinceau composé de poils. La pointe est composée de toutes les fibres individuelles qui arrivent à un point et qui a un flux d'encre à travers elle. C' est plutôt organique, comme si tu peignais avec un pinceau et de l'encre, ce qui est plutôt cool, mais tu n'as pas à le tremper. Mais si vous voulez quelque chose d'un peu plus rigide et fiable à l'aide d'un stylo pinceau tombow, c'est double face et peut venir en différentes couleurs aussi bien. Mais la pointe du pinceau de ce stylo est douce, mais tient aussi sa forme et il est assez large, donc je peux colorer dans de grandes zones et avoir beaucoup de ligne, contrôle de variation blanche. Ce sont donc les choses que je vais utiliser pour la base de mon illustration. Mais quand il s'agit de couleur, il y a tout un monde d'options pour vous. Maintenant, à la fin de la journée, je ne peux pas couvrir tous les supports de cette classe, donc je ferai de mon mieux avec deux crayons et marqueurs d'alcool. Je sais que je fléchis avec ma grande collection de copics ici. Mais même avec un ensemble de 12 ou 20 marqueurs d'alcool, vous pouvez à peu près obtenir tout le spectre de couleurs pour rendre votre pièce remarquable. Il en va de même pour les crayons. Vous pouvez appliquer tout ce que nous traversons avec le paquet 12 crayons. L' avantage des deux médiums est qu'ils se mélangent vraiment bien ensemble, et vous pouvez mélanger des couleurs nouvelles et uniques et créer un contraste grâce au mélange et à la superposition. Mais à la fin de la journée, tout ce que vous avez vraiment besoin de participer à cette classe, et vraiment de dessiner des images, est espérons-le au moins un crayon et une gomme. La ligne est facultative, et je vous encourage à avoir quelques fineliners, et certainement quelque chose sur lequel vous pouvez tirer. Mais une fois que vous aurez tout réuni, attachez votre enthousiasme et votre créativité, et nous commencerons à faire des illustrations sympas. 4. Réfléchissez à votre création: A propos de la scène, tu devrais être prêt à partir. Vous connaîtrez les matériaux avec lesquels vous allez travailler pour votre illustration. Vous serez excité de commencer, donc je vous encourage à prendre vos matériaux et les emballer temporairement, et prendre quelque chose comme un ordinateur portable ou votre téléphone intelligent, ou un bureau, ou de petites encyclopédies du grenier, parce que la première chose que vous voulez faire est de vous préparer. Je sais ce que tu penses, « Jazza, je me suis déjà préparé. J' ai mon matériel. Peut-on arrêter de dessiner déjà ? Je croyais que c'était la classe d'illustration. » C' est vrai, mais vous seriez surpris à quel point il est important réfléchir et de planifier votre illustration avant de commencer. Il est extrêmement important et vous aide à éviter les problèmes qui pourraient apparaître plus tard et à découvrir choses qui peuvent vraiment améliorer et faire ressortir le meilleur de votre illustration potentielle. Je vais diviser la phase de recherche et d'exploration en trois approches que vous pourriez adopter. Vous pouvez utiliser un ou plusieurs d'entre eux et les mélanger ensemble. Le premier est le plus rapide et le plus simple, que beaucoup d'entre vous voudront peut-être suivre avec seulement quelques-unes des illustrations les plus simples ou quelque chose sur lequel vous voulez vraiment commencer, et c'est juste un peu de réflexion. Il est important de le faire parce que vous pourriez constater que si c'est quelque chose qui mérite d'avoir un peu plus d'explications derrière certaines choses ou qui a été fait auparavant, c'est la phase où vous vous retrouvez dans certains de ces pièges. C' est aussi la phase où les choses qui pourraient être les choses les plus intéressantes sur l'illustration ou le personnage ou le même, peuvent être identifiées et améliorées ou examinées un peu plus. Comment peux-tu en faire plus ? Sur les deux illustrations que je vais faire dans ma classe, la première va être un peu plus simple. Je n'ai pas vraiment besoin de faire beaucoup de recherches ou d'ambiance pour les deux enfants qui jouent dans certaines aires de jeux. Je vais juste poser quelques points, scène de terrain de jeu. C' est juste pour moi d'aider à visualiser ce que je vais dessiner et nous pouvons le faire plus lors de la séance de remue-méninges. Mais il peut simplement être qu'ils sont, disons d'âge 2-3 ans enfants, vous fait penser à des endroits aussi bien. J' ai la possibilité de faire quelque chose comme un jardin ou un lieu public. Je vais aller dans la cour pour que ça se sente un peu plus à l'aise. Je vais aller aux couleurs primaires. C' est vraiment aussi simple que ça. C' est la chose la plus simple que vous pourriez vouloir faire juste pour assurer que vous couvrez la fondation avant de plonger dans. Comme je l'ai dit, il y a trois façons principales aborder cette étape de recherche et de préparation. Le premier est le remue-méninges, ce que nous venons de faire. La seconde est un peu plus une recherche et une étude intensives, ce que nous n'avons pas besoin de faire pour cette illustration. Mais le troisième, que je trouve vraiment utile pour la plupart des illustrations dans lesquelles je vais vraiment me perdre, est de faire quelque chose qu'on appelle un tableau d'humeur. C' est là que vous pouvez commencer à incorporer un peu plus de ce système de rétroaction visuelle pour obtenir de l'information ou de l'inspiration. J' aime le faire simplement en venant à Google Images et en regardant vers le haut, les enfants en terrain de jeu. Vous pouvez le faire dans certains sites d'images boursières ou autre. Cela découle de tout ce que les gens faisaient, comme découper des magazines et les mettre sur des tableaux d'inspiration et d'autres choses. C' est fondamentalement ça. Rien de tout ça ne fait beaucoup pour moi. Mais si j'écris des enfants dans une fosse à sable. C' est la chose qui commence à être beaucoup plus proche de ce à quoi je pense. Deux enfants interagissant au niveau des yeux. Quelles choses de couleurs vives autour d'eux avec lesquelles ils jouent. J' aime ce journal derrière ces deux petites filles qui jouent ici, alors je vais juste copier ça. Je colle littéralement ça dans Photoshop comme une idée. Je peux aussi faire des choses comme chercher des enfants de dessins animés mignons. C' est là que je pourrais avoir des idées sur les styles qui conviendraient à ce que je cherche. Évidemment, il va y avoir une grande variété de façons de dessiner des enfants de dessins animés mignons. Mais juste regarder ce que les autres ont fait peut vous donner idées de proportions ou de schémas de couleurs, juste des attributs que vous pensez fonctionner vraiment bien, et j'aime cette proportion des enfants, et je pense que marié les couleurs vives et cet environnement pourrait être vraiment cool. Même regarder quelque chose comme des jouets de bac à sable donne une chose visuelle que je peux inclure et une référence que je peux aller si je suis un peu coincé quant à ce que je devrais ressentir la même chose avec. C' est un tableau d'humeur assez simple. J' appellerais cela parfaitement adéquat. Il n'a pas besoin d'être soigné, ordonné, ou joli, et vous n'avez pas à combler toutes les lacunes de votre tableau. Vous avez juste besoin de le faire jusqu'à ce que vous vous sentiez habilité à commencer. C' est notre scène de terrain de jeu. Mais qu'en est-il de notre scène de bataille ? Eh bien, ce sera un cas où, franchement, quelques points ne vont probablement pas le couper, surtout s'il y a un contexte qui est un peu plus grand que l'illustration elle-même. Dites par exemple, la scène de bataille que je crée est pour un client qui a un roman graphique ou un livre pour lequel je fais une couverture ou une pièce promotionnelle pour. Maintenant, évidemment, pour ce cours dans mon exemple d'illustration, je n'ai pas une histoire riche ou une loi de caractère que je suis prêt à ancrer. Mais improvisons quelque chose d'un peu plus profond que nous n'avons avec notre scène de terrain de jeu et voyons où nous pouvons l'emmener. Évidemment, l'illustration que je vais créer va être un moment dans le temps, deux personnes se battant d'une manière ou d'une autre, principalement parce que j'aime illustrer des scènes de combat comme ma tasse de thé, et aussi créer une interaction entre deux personnes est une excellente façon de pratiquer votre dynamisme dans la façon dont les personnages interagissent les uns avec les autres. Avec mes premières notes sur la scène de la bataille, je viens de parler un peu du monde, deux forces sont en guerre depuis des milliers d'années : la noble civilisation de Delma'ar et les tribus barbares deux forces sont en guerre depuis des milliers d'années : primitives de Krogathar. C' est un nouveau cours que j'écris. Ok, je ne suis pas un auteur, mais c'est la base avec laquelle je commence, et nos deux personnages vont être de chacun de ces groupes, l' un des Delma'ar et l'autre des Krogathar. Avant de m'y plonger, on fait un peu plus de recherches. Tout d'abord, ces noms ont-ils été pris ? Ont-ils existé sous une autre forme ? meilleure façon de le faire est simplement de copier le nom, coller dans Google. Qu' est-ce qu'on a ? Qu'est-ce que Delma'ar ? Hôpital privé Delmar, Delmar comme un endroit. C' est juste orthographié différemment, et cela pourrait être un peu problématique. C' est bon de l'attraper avant de consacrer beaucoup de temps à la réalisation de cet endroit et de ces gens. Je vais changer de nom, parce que je suis même attaché à lui à ce stade. Voyez d'où je viens. Je vais aller avec Thunissia. Il y a trois résultats, et rien n'est pertinent. Fait. Allons avec Thunissia, et passons à quelques points que je peux suivre pour ma scène illustrée. Je vais diviser mes points en deux groupes, un pour le personnage 1 et l'autre pour le personnage 2. On appellera ça l'environnement. Parce que vraiment l'environnement devrait être traité comme un personnage, et avoir autant d'efforts et de commentaires ou de recherches sur lui que toute autre chose dans la scène. Imaginons que cette scène est une représentation illustrée d'un champion de chacun de ces groupes qui vient se battre pour que les gens de chaque groupe n'aient pas à aller à la guerre. C' est une chose, n'est-ce pas ? Je pense que c'est dans certaines fictions. C' est le champion de Thunissia. Il est noble, porte une armure pleine plaque, et se bat avec une grosse épée. Le nom de ce personnage peut être Voth et il est le champion de Krogathar. Commençons à façonner ça un peu. C' est un homme plus âgé, mais aussi le guerrier le plus puissant que les tribus connaissent, alors ils ont envoyé le vieil homme. C' est un guerrier endurci. À ce stade, j'ai l'impression que mes choix commencent à diminuer un peu et j'ai l'impression d'être assez proche de ce que je veux. Donc je ne pouvais pas passer à l'embarquement d'humeur, mais aussi je pouvais me dire : « Tu sais quoi ? Cela ne semble pas si original. » Si je crée ma propre idée, ma propre illustration ou mon propre monde, personnellement, j'aime faire les choses un peu différemment, ou du moins d'une manière que je ne pense pas immédiatement. Parce qu'à la fin de la journée, si vous faites des choses que vous pensez de la première fois, vous n'allez pas trouver beaucoup d'idées nouvelles, originales, ce qui m'amène à un petit élément que j'aimerais introduire dans cette phase parfois de génération d'idées aléatoires. Un excellent moyen non seulement d'enlever la pression, mais d'introduire des trucs vraiment cool, est de retourner une pièce de monnaie ou de rouler les dés, littéralement. Alors pièce de monnaie, dés, j'aimerais avoir ce travail. C'est très simple. Disons que vous ne basez pas cela sur une œuvre de fiction particulière, et que vous essayez juste de trouver une histoire ou une scène cool à créer. Une façon de façonner la façon dont j'aborde l'illustration comme celle-ci est retourner une pièce et de voir si Davin ou Voth est le protagoniste, celui dont nous sommes garants. Alors têtes, Davin est un bon gars, Queues Voth est le bon gars. Heads, Davin est le bon gars. Davin est notre héros, Voth est le méchant. En voici un intéressant. Nous pourrions avoir une perspective sur qui est le héros. On ne sait pas qui gagne. Ça pourrait être une chose intéressante aussi. Donc, tête, Davin gagne, queue Voth gagne. Tails, le méchant est en tête, vaincre Davin. Tout prêt, vous pouvez voir à quel point le simple retournement d'une pièce façonne la réalité viscérale de l'illustration que nous allons créer. Ce que nous faisons a une image très claire tout d'un coup, juste en impliquant un peu de chance. C'est super amusant. L' endroit où vous pourriez impliquer les dés est si c'est un peu plus gris que noir et blanc, disons l'environnement, par exemple. Le temps des dés. Six, au sommet d'une tour. Ça a l'air bien. Je vais le laisser là. Je pense que ça me donne vraiment tout ce dont j'ai besoin pour commencer à faire une planche d'humeur, parce que c'est assez clair dans ma tête. Maintenant, j'ai juste besoin de voir des choses qui correspondent à cette clarté. Je veux mettre la scène un peu. Avant que j'arrive aux personnages, regardons quelques villes barbares. J' aime l'idée qu'il y a beaucoup de structures en bois, de granges, de cordes. Désolé, je ne vois pas beaucoup de ce que j'aime, c'est le plus proche jusqu'à présent, mais je pourrais juste affiner ma recherche et ajouter une tour en bois. C'est plutôt cool. Tu vois, tout d'un coup, juste en affinant la recherche, j'aime vraiment ça en tant que visuel. Je vais coller ça dans mon tableau d'humeur. Vraiment comme ça, ça saisit certainement le sentiment que je cherche. C' est cool pour la tour. Et la ville ? Je cherche quelque chose de vraiment corde ensemble et assez rugueux et rustique à la recherche. Peut-être que si j'essaie de chercher un champ de bataille barbare, une ville primitive. Il est vraiment juste de passer à travers les termes de recherche jusqu'à ce que vous commenciez à voir l'idée de ce que vous cherchez réellement. C' est en fait le plus proche jusqu'à présent, ce qui est bon, mais ce n'est pas assez grand. Mais sous les images connexes, vous pouvez commencer à voir que ça se rapproche un peu de ce que je regarde. Je pense que c'est assez pour l'environnement. Jetons un coup d'oeil à ce que nous pouvons trouver sur nos héros. Maintenant, j'aime cette image, ce n'est rien comme comment j'imagine Davin, mais c'est l'esthétique de la situation et vraiment noble guerrier avec une grande épée. Je vais mettre cela sur mon tableau d'humeur simplement pour l'armure qui, je pense, est une chose vraiment cool pour s'inspirer, pas copier, mais mentionné si je me perds un peu dans certains éléments, donc nous aimerions une certaine inspiration. Même cela, pour être honnête, est vraiment tout ce dont j'ai besoin dans un tableau d'humeur. J' ai vraiment l'impression que, à ce stade, j'ai posé une excellente base. J' ai des références visuelles vraiment passionnantes pour obtenir des idées et de l'inspiration. Maintenant, nous sommes prêts à mettre le stylo sur le papier, ou le crayon sur le papier, parce que nous faisons des croquis. L'encre arrive plus tard. 5. Commencez votre esquisse: Nous mettons enfin notre crayon sur papier. Mais vous remarquerez qu'il y a évidemment un peu d' approche d'accumulation basée sur les étapes dans laquelle j'ai présenté cette classe. C' est simplement parce que c'est l'approche que je suis et je pense qu'elle est la plus raisonnable. La réalité est de dessiner quelque chose de vraiment cool vient avec beaucoup de pression, et plus vous voulez qu'il ait l'air bien, plus vous mettez de pression sur vous-même, et parfois cela peut être une barrière, c'est pourquoi je trouve cette étape processus vraiment utile. Ce croquis grossier, le croquis de remue-méninges , est ce que je vais aborder dans cette leçon, et c'est vraiment une façon de se détendre et d'enlever la pression. Je vais juste utiliser mon crayon, un crayon de couleur et ma gomme, et c'est tout ce que je vais utiliser pour mes illustrations et la phase de remue-méninges. Nous allons commencer par un peu de remue-méninges croquis pour Alcuta. Une illustration un peu plus stylistiquement simple. Je vais briser le processus du remue-méninges avec vous. Ensuite, une fois que nous avons traversé ça et que ce sont les vignettes, quand nous arriverons à l'image plus complexe et ambitieuse, vous aurez une idée de ce que je fais quand je me sentirai plus mal dans un peu plus exigeant esquisse de remue-méninges processus. Maintenant, gardez à l'esprit avec ces deux illustrations séances de remue-méninges de croquis, mon tableau muet est ouvert sur le côté, donc je peux le référencer et juste obtenir quelques idées et me rappeler visuellement et esthétiquement ce que je vais chercher. Je vais vraiment commencer par gribouiller. Je n'ai pas besoin d'être soignée, je n'ai pas besoin d'être ordonnée. Je n'ai aucune pression pour que je fasse quoi que ce soit ressemblant à mon résultat final, moins que vous puissiez voir, je suis vraiment gribouillé ici. Maintenant, on pourrait se serrer au fur et à mesure. Je sais que c'est un esquisse horrible, mais devinez quoi ? Ça n'a pas d'importance. Si quoi que ce soit, c'est bien que j'aie juste posé le crayon et dessiné quelque chose d'horrible pour que je puisse me dire : « Tu sais quoi ? Ça ne va pas être pire que ça, continuons. » Je vais commencer par penser aux proportions des personnages que je veux dessiner. Je pense aux grands fronts et j'ai fini si je veux de grands yeux ou de petits yeux, donc je le ferai avec les deux. L' approche générale est vraiment si vous avez une pensée, un doute ou une question, vous venez de le poser visuellement. Est-ce que je veux faire une forme de visage plus bidimensionnelle ou quelque chose d'un peu plus tridimensionnel ? Est-ce que je veux devenir pétillant ou un peu plus bloqué ? qui est génial, c'est qu'il agit à la fois comme une exploration et comme un Walmart. Alors que vous faites un remue-méninges, vous constatez que vous êtes naturellement un peu plus net, un peu plus raffiné et un peu plus clair avec chaque ligne que vous dessinez. L' autre chose que vous remarquerez, c'est que je simplifie tout d'abord. Je ne dessine pas les yeux, ni le nez, ni les détails. Je commence par la géométrie large très grossièrement. Ceci est universel dans toutes les formes de croquis, qu'il soit raffiné ou rugueux. Je n'apporte pas les détails une fois que j'ai une idée approximative de la forme ou des proportions, et où je veux aller à partir de là. Si quelque chose se sent bien, pourchasse-le, si ça ne se sent pas bien, passez à autre chose. y a vraiment pas besoin de perdre votre temps. Il s'agit juste de se concentrer sur ce qui se sent juste et de le développer. Je commence à rassembler quelques idées, mais elles sont aussi dans le même domaine que j'ai tendance à dessiner. La grande partie de ce processus est que vous pouvez commencer à pousser à l'extérieur de votre zone de confort parce qu'il n'y a pas de mauvaise façon de le faire, et vous pourriez découvrir des choses qui fonctionnent parce que vous ne les avez pas essayées auparavant. Je vais consacrer toute cette page à des choses différentes. Peut-être que je vais dessiner un visage avec des angles complètement rigides. Maintenant, faisons un personnage avec des proportions complètement ridicules. Les yeux sont aussi grands que la tête ressemble presque à Invader Zim. Petite bouche, grandes oreilles, plus bas dans la tête, gros yeux pétillants. Ce n'est en fait pas trop mal, nous n'en avons même pas fini avec les cheveux sur les côtés de la tête, qui a l'air assez cool. Je vais aller vraiment arrondi avec celui-là. Vraiment petites joues rondes, gros front, petits tuffs pétillants de cheveux. Peut-être que pour celui-là, je vais aller ultra simpliste. Petits points pour les yeux, minuscule petit [inaudible], petit nez, petite bouche. Pour être honnête, c'est en fait mon préféré jusqu'à présent. Je pense que l'approche vraiment simpliste commence à capturer ce sentiment pétillant facile, insouciant ou un dans mon illustration, donc c'est la direction que je veux aller dans. Quand je me sens comme ça à propos d'un de mes croquis rugueux, c'est quand j'apporte mon crayon de couleur, parce que ce que j'aime vraiment faire est juste de dessiner un petit hangar derrière elle et de colorer ça dedans. presque encadré mon petit croquis. C' est plus juste pour donner une incarnation à mon processus de pensée, plus pour moi que pour n'importe quoi, donc quand je regarde mes croquis, je peux voir clairement où j'ai encadré ou identifié les choses qui, selon moi, fonctionnent le mieux. Commençons à façonner ces deux personnages avec cette esthétique à l'esprit. Maintenant, vous remarquerez que je suis toujours en train d'esquisser, mais mes lignes deviennent un peu plus sûres. Ce n'est pas que je m'installe sur quelque chose en particulier, mais le style et le sentiment de ce que j'essaie de capturer commencent à prendre forme. Par conséquent, mes dessins le sont naturellement aussi. Je ne me dis pas de dessiner moins gribouillé, mais je suis naturellement, comme je trouve mes pieds dans l'esthétique que je suis vraiment apprécier. J' ai l'impression d'être dans un endroit assez clair et sûr pour passer à quelques miniatures. Maintenant, c'est un processus très simple, et c'est la même approche et le même style que les esquisses de remue-méninges, sauf que c'est dans le contexte de la construction de l'image elle-même. La meilleure façon que je trouve de faire des vignettes est de dessiner littéralement quatre pages sur une page. De cette façon, vous vous forcez à travailler un peu plus dans une zone fermée, et si vous vous laissez rester gentil et rude, vous savez que vous avez encore quelques tentatives devant vous, donc à moins de vous détendre un peu plus avec le que vous êtes sur. Le premier devrait toujours être fasciné vient à l'esprit. Si vous avez une illustration que vous êtes déjà en train de créer des chances sont au moment où vous êtes à cette étape du processus, vous avez déjà une photo dans votre tête. Pour cette première illustration, c'est la composition rugueuse que j'avais dans mon esprit quand j'ai conceptualisé faire une jolie petite image simple de deux enfants jouant dans la fosse à sable. De Tom photo avec eux côte à côte dans une scène assez symétrique, peut-être quelque chose en arrière-plan comme une clôture, peut-être une petite maison cubby ici. Peut-être une petite balançoire ou quelque chose en arrière-plan et un petit chien ici sur le côté. En sortant et en le déposant, ça me permet de libérer la première chose que j'avais dans ma tête. J' ai fini, j'ai essayé ça, essayons autre chose. Peut-être qu'avec cette photo, nous irons beaucoup plus près. Essentiellement le même cadrage, mais cette fois nous sommes d'un demi-plan des deux enfants. Je vais garder l'action entre ces deux personnages la même dans toutes mes vignettes différentes que la fille aide à remplir le seau que le garçon tient. Pour celui-ci, allons-y un peu différent en arrière-plan. Peut-être ajouter une perspective légèrement inclinée en arrière-plan plutôt que de simplement garder tout plat. Si je veux créer quelque chose qui vous attire, dans un peu plus ou se sent un peu plus comme une scène d'une émission de télévision pour enfants ou quelque chose comme ça. C' est peut-être l'approche que je prendrai. Peut-être que je veux vraiment le simplifier encore plus. Et si on revenait à notre idée originale et qu'on dépouille tout sauf les nécessités. Peut-être que pour ce pouce maintenant, l'accent est un peu plus près dans et sur les personnages. Nous voulons l'environnement, mais gardons cela très simple et fondamentalement simplement faire allusion aux éléments de fond. Peut-être qu'il y a juste quelques formes simples qui pourraient ressembler à un ensemble de balançoires, mais nous n'allons pas ajouter quelques détails, nous allons juste avoir quelques silhouettes simples. Ensuite, pour notre dernier exemple, allons vraiment nous pousser un peu plus loin en ce moment avec tous nos exemples. Il est à l'avant avec les deux personnages côte à côte. Allons le changer un peu. Laissons notre garçon ici au premier plan, et il pourrait faire face dans cette direction. Tom me manque, nous avons créé une perspective. Nous avons le petit garçon et le chien au premier plan face à la fille au milieu du terrain, et peut-être que nous pouvons juste avoir quelques formes en arrière-plan faisant allusion à la cour dans laquelle ils sont. Nous faisons une miniature croquis, vous voudrez peut-être explorer plus et vous pousser plus loin dans des directions différentes. C' est un concept assez simple et j'ai l'impression qu'après avoir parcouru tous ces éléments, je dois aimer celui-ci. Mon approche de fond simpliste, un peu plus de concentration sur les personnages, mais complimentant le stand simpliste que nous allons pour les personnages en simplifiant l'arrière-plan, peut-être même dans un stylistiquement sur la voie supérieure. J' ai une vignette, je vais suivre notre croquis raffiné. J' ai une approche stylistique. Je ne l'ai pas mis dans la pierre, mais j'ai assez de clarté et de confiance pour aller de l'avant sur un croquis raffiné où je peux trouver que 10 pour cent de clarté perdu pour faire une image exactement ce que je veux. Je vais mettre cela sur le côté et je vais obtenir à vous, l'esquisse raffinée de ce plus tard dans la leçon suivante, mais il est temps de passer à un peu plus compliqué personnages et vu. Même si les deux pièces finiront complètement différentes dans la complexité et l'esthétique, l'approche pour obtenir le résultat final est exactement la même. Je commence mon processus par un remue-méninges en esquissant Davin, le champion de Tunisie. Il y a très peu que je sache sur lui. part ça, c'est un protagoniste, il est noble et il porte une armure. J' ai gardé mes croquis de remue-méninges vraiment lâches et joué avec autant de spectateurs visuels que je pouvais, en essayant de cocher ces cases. J' ai commencé par me concentrer sur le visage, et une fois que j'ai eu l'impression d'avoir une bonne base pour notre personnage héroïque, j'ai passé à quelques-unes des parties du corps et des pièces d'armure. Maintenant, au moment où les caractéristiques, les proportions et les costumes de Davin ont commencé à ressentir que ça se formait ensemble, je suis passé à un quatrième personnage. commençant par quelques vieux visages barbares, j'ai trouvé que lui donner un long mohawk ou juste quelques cheveux en haut de sa tête qui pourraient couler devant son visage pourrait ajouter au drame de la scène, surtout si le la tour est assez haute. Je voulais avoir l'air venteux et instable. Les cheveux de ce personnage étaient probablement un moyen de communiquer cela, en plus de lui faire paraître un peu plus mystérieux et imminente. J' ai trouvé que l'approche un peu plus primitive du costume de Voth était bénéfique, autant plus que la tribu qui vient a beaucoup de tours en bois. Il va de soi que ses vêtements sont probablement composés de cuirs et de peaux. morceaux de métal occasionnels peuvent être, mais beaucoup plus de cordes et d'animaux et d'enveloppements et tout ce genre de choses. Avant de passer aux vignettes, bien sûr, la tour elle-même doit être échangée un peu comme un personnage. Combien d'espace est sur la tour ? C' est quelle forme ? Qu' est ce que la silhouette ? Quelles sont les proportions ? Toutes ces choses contribueront à l'intensité des mêmes champs et à quoi ressemble la culture des gens [inaudibles]. Maintenant, il était temps de passer aux vignettes. J' ai dit très clairement que je m'étais préparé pour un défi. Ma première miniature était vraiment plate et je me suis approché de cette façon, commençant en toute sécurité et en devenant plus extrême à partir de là. C' était essentiellement sur notre front de niveau, du point de vue du sommet de la tour, voyant Voth se profile au-dessus de Davin. Ma deuxième vignette, je suis devenu un peu plus ambitieux et j'ai pensé que j'aurais un peu une perspective dessous de l'onglet et en regardant vers le haut comme si Davin était sur le point d'être poussé hors du bord, ce qui ferait clairement qu'il perd. vignettes 3 et 4 sont là où j'ai vraiment commencé à sentir que j'étais en train d'obtenir cette dynamique. Le troisième étant plus du point de vue de Davin dans ce où sous la scène de bataille et étant dominé par Voth. Alors que je sentais que c'était une perspective vraiment cool pour les scènes à avoir lieu et je ne savais pas que ce gars était un peu trop MD, et je n'avais pas vraiment l'impression d'être au sommet de la tour. Vignette 4, j'ai l'impression que j'ai commencé à voir tous les éléments se rassemblent. Voth se tournera légèrement vers notre point de vue en ce qu' il tient les actes prêts à faire une dernière grève à Davin. La scène que nous voyons nous permet de voir que Davin perd. Il est sur le point d'être frappé de la tour, et nous pouvons également voir sur le bord de la tour où j'avais prévu d'avoir beaucoup d' autres éléments de la ville de la tribu barbare et peut-être aussi certaines de ces tribus qui applaudissent Voth. J' ai soudainement l'impression qu'après avoir traversé tout ce processus, j'ai quelque chose que je peux m'ancrer et travailler avec clarté. Plus précisément la vignette 4, j'ai vraiment l'impression d'avoir une scène qui va avoir beaucoup d'impact. Maintenant que nous avons tous traversé ce processus, nous avons tout ce dont nous avons besoin pour commencer avec notre œuvre finale. Conservez vos esquisses rugueuses comme référence lorsque vous commencez votre esquisse avant. Mais à ce stade, maintenant que nous sommes prêts à commencer notre croquis avant, nous pouvons nous adapter et prendre du temps avec cette dernière pièce. Je vous verrai tous dans la prochaine leçon. 6. Peaufinez votre esquisse: Dans cette leçon, nous allons commencer notre dernière pièce. Il est toujours esquissé comme la dernière leçon cependant, vous remarquerez que cela va être un peu différent. Tout d'abord, je vais aller beaucoup plus lentement et je vais dessiner beaucoup plus léger. Deuxièmement, je vais mettre en vedette ce petit gars beaucoup plus, en utilisant une gomme au fur et à mesure que je vais. Maintenant, ce n'est pas parce que nous travaillons sur le croquis qui deviendra notre dernière pièce que nous avons perdu de la place pour la flexibilité ou l'expérimentation. Il y a encore un peu de place pour jouer, mais c'est juste un autre genre de jeu. C' est un peu plus lent et plus méthodique. C' est pourquoi le processus d'esquisse raffiné est physiquement très différent. C' est un croquis beaucoup plus léger simplement parce que tout d'abord, vous obtenez un résultat plus ciblé visuellement pour travailler à partir de quand vous passez sur vos encres s'allument. Mais deuxièmement, parce que cela rend l'effacement plus facile et plus propre. Ce que vous ne voulez pas faire, c'est avoir des lignes d' esquisse vraiment rugueuses comme celles que nous avons faites et qui sont alors difficiles à effacer. Plus vous effacez, plus vous effacez lentement le papier ou créez ces micro-larmes qui signifient que vous finirez par détruire votre papier, ou vous obtenez simplement ces taches fantaisistes sombres tout au long de votre croquis. Avant de commencer, tout le travail que vous avez fait jusqu'à présent entre en jeu ici. J' ai mes images de référence dans mon tableau d'ambiance là-bas de mon côté, et juste en face de moi, j'ai mes miniatures et mes croquis de personnages auxquels je peux me référer lorsque je commence sur ma dernière pièce. Donc je vais y travailler en deux ou trois étapes. Le premier est comme une composition rugueuse. C' est là que je suis vraiment léger et tu vas à peine le dire à la caméra. Je le vois à peine en personne. Vous mettez vraiment légèrement des choses comme votre ligne d'horizon, les positions de personnage. Vous remarquerez, même la façon dont je tiens le crayon est tout à fait différente. Quand je faisais des croquis ici, c'était assez ferme et vers la pointe du crayon et vraiment rude. Par ici, je suis vraiment lâche et léger. Vraiment, je laisse le large du crayon lui-même faire les marques. Donc, en suivant mes vignettes, j'ai deux caractères qui vont être à peu près autour de cette position. Je vais dessiner la tête en premier pour chacun. Maintenant cela peut changer c'est pourquoi je dessine vraiment la lumière et je vais juste commencer à faire des fantômes là où sont leurs poses. Alors juste quelques lignes directionnelles comme, quelle façon sont-ils confrontés ? J' aurai une ligne au milieu pour montrer la direction qu'ils font face sur un plan horizontal et soit courbe vers le haut s'ils regardent vers le haut, soit vers le bas s'ils regardent vers le bas pour voir où ils regardent sur l'axe vertical. Peut-être que vous aurez ce gars regardant vers le bas vers le seau en cours de remplissage crée juste un peu de différence, une variation dans leurs lignes hautes. C' est le truc essentiel. Donc, je vais juste remplir le reste de la pièce avec choses qui équilibrent ça ou le complimentent. Maintenant, j'essaie de jouer avec ce que je veux faire avec l'horizon, et je sais que je veux quelque chose derrière ces personnages. Pour le faire ressembler à un jardin, j'ai l'impression qu'une clôture pourrait aider, mais cela pourrait aussi nuire un peu. Mais je peux encore expérimenter et essayer des choses. Donc, je vais juste mettre très vaguement une ligne horizontale à un niveau que je pense que je pourrais vouloir une clôture. C' est ma ligne de clôture, mais je veux la briser un peu. C' est juste ennuyeux si c'est juste la clôture. Donc je vais juste mettre quelques formes en arrière-plan et je ne vais pas être trop fou avec ça. Je veux juste complimenter la scène. Évidemment, je ne suis pas encore là, mais c'est un endroit vraiment agréable pour commencer à le définir et ajouter plus de détails. Alors maintenant, je vais revenir aux sujets de la pièce. Les deux personnages en particulier, je vais commencer à façonner les silhouettes un peu plus et commencer à mettre un peu des détails de l'expression, leurs vêtements. Je ne vais pas devenir trop fou ou trop solide, mais vous remarquerez que mes lignes commencent à devenir un peu plus fermes et je peux aussi effacer certaines des constructions les plus confuses que je vais le soigner. La première chose que je remarque avant de plonger dans les détails de la tête, est pour cette pose interactive, sa tête est en fait un peu trop loin en arrière. C' est comme si tout son corps se penchait vers l'avant en tenant ce seau et on dirait qu'il recule avec sa tête. Donc avant d'entrer et de faire les détails, nous allons juste entrer et repositionner ça. C' est un peu plus naturel pour moi. Je vais donc commencer à faire les détails de ce personnage. En commençant par son expression, qui est la chose la plus importante pour se mettre sur le visage d'un personnage. C' est la fenêtre de l'âme, et l'âme de ce gamin est extrêmement heureuse qu'il sorte, en liant son seau. Ce sont les petites choses, n'est-ce pas ? Donc, je vais juste passer par le reste de la scène et définir les choses un peu plus, mais la chose la plus importante à faire et à faire droit est ce que j'ai déjà. Aussi, il n'y aura pas beaucoup de détails ailleurs. Donc, je suis à ce stade, vraiment heureux de mon croquis raffiné de ma pièce de minou ici. Je pense que c'est vraiment amusant. Il capture exactement ce sentiment et l'atmosphère que je voulais. Ce n'est pas sur le haut détaillé en arrière-plan. En fait, ce sera encore plus simple lorsque nous aborderons le long travail de la leçon suivante. Mais avant de le faire, je vais mettre cela de côté et je vais recommencer tout ce processus avec un style complètement différent et une approche plus intense. Le processus que je vais suivre avec ma deuxième pièce est le même, mais la façon dont elle se déroule va être un peu différente. Principalement parce qu'il y a beaucoup plus d'attention sur le réalisme et sur le drame, et il faut beaucoup plus de bricolage et de réglage fin pour obtenir quelque chose à paraître naturel et organique et épique surtout si vous allez pour quelque chose avec plus de proportions réalistes, et un angle ambitieux, que j'essaie de faire ici. Vous remarquerez que je passe par des reflux et des flux, en me concentrant sur le personnage principal au premier plan, ce personnage barbare parce qu'une grande partie de la direction de l'image va se concentrer sur son mouvement. Tout dépend vraiment si je peux trouver son angle et ce sentiment de mouvement comme s'il était sur le point de faire sa dernière grève à notre protagoniste. Maintenant, il y a quelques problèmes ici. Tout d'abord, je veux vous montrer son visage, ainsi que le visage de notre protagoniste, mais ce faisant, je dois vraiment l'avoir un peu face au protagoniste. Maintenant, la façon dont j'essaie de contourner tout ça c'est de le faire pirater ou se tordre en préparation de son coup final. Mais cette posture d'anatomie torsadée est vraiment difficile à rendre naturel, mais c'est bon parce que c'est vraiment pas de pression. Je n'ajoute pas beaucoup de détails et dès que je peux voir que, à la fin de la journée, cette pose ne va pas paraître organique, je vais recommencer. Enfin, j'ai trouvé une pose qui, selon moi, fonctionnait. Il fait face loin des protagonistes prêts à faire sa dernière grève sans nécessairement ressembler à un feuilleton, quand les personnages sont face les uns aux autres et se parlent les uns aux autres, et cela semble vraiment anormal. J' aime cette pose parce que j'ai l'impression qu'il se déforme vraiment pour une dernière grève, mais nous avons une très bonne vue de lui, de son design et de son visage, ce qui était vraiment important pour moi au moins démontrer le processus d'obtention de du début à la fin ici. Maintenant que je suis content du personnage de premier plan qui occupe une grande partie de l'image, c'est un peu risqué de mettre en arrière-plan quand je ne sais pas vraiment ce qui va le mieux fonctionner. Maintenant, quand je dis que je ne sais pas ce qui va le mieux fonctionner, je vais vraiment l'approcher comme je l'ai mis dans des croquis miniatures. Mais c'est à ce stade que de petits ajustements comme l'angle ou la perspective de la plate-forme sur laquelle ils se trouvent, la position ou la position des protagonistes, tous font une énorme différence. J' ai pris la pression sur moi-même en prenant simplement une photo de l'image que j'ai jusqu'à présent, et en revenant à mon mode gribouillé en gribouillant sur mon téléphone quelques variations de ce qui pourrait fonctionner. Ma troisième variante, je me sentais vraiment dynamique. Une vue très haute de la plate-forme avec notre héros qui crie et se brouille vers l'arrière, peut-être ayant tout juste reculé, mais potentiellement capable de prendre son épée et de se défendre. Puis, sachant comment je voulais aller de l'avant avec confiance, j'ai rempli le reste de mon croquis raffiné. En prenant un pas à la fois et en remplissant mon chemin jusqu'à ce que je trouve les choses que je sentais fonctionnaient très bien, puis j'ai juste doublé sur celles-ci. Enfin, mon croquis raffiné prenait forme et à ce stade, j'ai un peu rempli l'arrière-plan, ajouté plus de perspective et un sens de l'échelle et de la portée en mettant quelques tours plus loin en arrière-plan pour vous montrer ce que le ville barbare ressemble. Plutôt que de remplir l'arrière-plan d'une foule qui, à mon avis, pourrait bousiller la scène avec trop de détails, j'ai pensé qu'il serait vraiment cool d'avoir de la fumée et même des flammes visibles en arrière-plan comme si la ville brûlait. La seule chose qui restait était de revenir à mon personnage de premier plan et d'ajouter beaucoup plus de détails. Plus précisément là où les éléments de la tenue allaient, où les cordes étaient des morceaux attachés ensemble, et même des rayures, cicatrices et dense tout au long du personnage et de son amour. Donc, après toutes nos recherches et remue-méninges, et maintenant notre façon de croquis raffinée de deux œuvres d'art prêtes à être encrées. Ce sont des styles très différents et des résultats extrêmement différents, transmettant une atmosphère et un sentiment complètement différents. Pourtant, pour moi, ils sont tous les deux vraiment cool et amusant. Donc je suis vraiment content de ça, ce qui signifie qu'il est temps de passer à l'encrage. Maintenant, en faisant ça, je vais les scinder en commençant par mon illustration de minou ici. Je vais passer par cela un peu plus lentement et passer par certains des éléments d' encrage de base qui vont aider à faire ressortir vos pièces si vous utilisez le travail en ligne. Ensuite, nous allons plonger profondément dans le minutieux et obtenir de vrais détails, textures et contrastes qui se produisent avec nos encres dans cette pièce. Je te verrai dans les prochaines leçons. 7. Encrez votre esquisse: Très bien tout le monde, il est temps d'écrire notre première des deux œuvres que je traverse aujourd'hui, et c'est un moment où beaucoup d'artistes, y compris moi-même, deviennent un peu nerveux. Voir jusqu'à ce point, nous pourrions toujours revenir en arrière, et l'encre est l'une de ces choses où quand elle est en panne, eh bien on sent certainement qu'il n'y a pas de retour en arrière et il y a des façons de réparer, de peaufiner ou de réparer certaines erreurs avec de l'encre. Mais la raison pour laquelle nous avons traversé le processus que nous avons traversé jusqu'à présent est que nous nous sommes permis d'être une configuration pour la certitude possible, sorte que lorsque nous posons le stylo d'encre, nous avons un guide très clair pour savoir exactement où il devrait aller. Donc il n'y a pas beaucoup de conjectures. Maintenant, nous allons commencer simple avec cette première pièce, nous allons juste utiliser trois fineliners de base de trois tailles différentes. Tous les fineliners seront bien, et ceux-ci sont comme un fineliner léger, moyen et légèrement lourd. J' ai 0,2, 0,4 et 0,9. Les encres peuvent être un moyen de créer du contraste et de la profondeur dans votre pièce, même avec des lignes simples simplement en fonction de la façon dont vous les placez et de la façon dont vous l'approchez. Donc nous allons commencer avec notre stylo moyen, mon 0,4, et je vais faire le tour de mes deux personnages principaux et de mon chien. C' est un processus assez simple. Je suis littéralement juste de retracer tout le travail que j'ai fait, j'ai supprimé tellement de devinettes parce que j'ai fait beaucoup d' exploration à travers la phase d'esquisse raffinée, et je suis sûr que vous pouvez dire par les états qu'il y a un peu d' qui se passe avec les étapes que nous prenons. Chaque partie du processus donne plus de certitude, confiance et de structure à l'autre. Maintenant que je passe à l'encrage, parce que j'ai mis tout ce travail dans mon remue-méninges mon dernier croquis, je dessine juste avec mes stylos à encre. Lorsque vous dessinez avec votre stylo à encre, il n'y a pas de bonne ou de mauvaise façon de faire une marque sur le papier, mais il convient de garder à l'esprit qu'il est plus naturel tirer le stylo vers vous plutôt que de le repousser pour deux raisons. Si vous repoussez le stylo, il y a plus de force sur la plume du stylo, et vous ne pouvez pas vraiment voir ce que vous venez dessiner comme il est sous votre main quand vous le tirez vers vous, vous pouvez avoir beaucoup plus de contrôle, à la fois parce que vous pouvez utiliser tout votre bras et ensuite aussi vous pouvez obtenir tous les détails et vous trouvez le dessin génétique avec votre poignet. Maintenant, vous remarquerez qu'il y a quelques points où je n'ai pas tracé de ligne, comme le bas des jambes et le bas de la pelle, c'est parce que je vais dessiner l'arrière-plan et quelques accessoires avec le dernier stylo feutre, Donc je les laisse juste jusqu'à ce que j'arrive à celle-là. Je vais passer au petit garçon maintenant, et même si cela peut être nerveux pour certains artistes de commencer à travailler avec de l'encre, en même temps, si vous pouvez enlever la pression ou ajuster votre état d'esprit sur ce que ça fait de travailler autour ou vous donner le pouvoir en vous préparant à l'avance autant que possible, ce processus peut en fait être vraiment amusant. Cela peut être l'une des choses les plus satisfaisantes parce que vous sentez que vous le dévoilez lentement. Vous remarquerez parfois que je m'éloigne de ce que j'ai esquissé, et c'est parce que même si je fais de l'encre, croyez-le ou non, il y a encore un certain degré de ressenti. Même si vous êtes encreur, assurez-vous de vous donner un peu de place pour jouer un peu. Donc ça va se réunir, je suis plutôt content de ça. Je suis prêt à passer au cogee, mais je viens de faire une petite erreur où, dans mon croquis, je vais faire tomber du sable dans le seau, et j'ai tracé une ligne là-bas. Ça arrive avec de l'encre, ça arrive tout le temps. Vous travaillez juste autour de ça et j'y arriverai plus tard et je vous montrerai comment je surmonterai ça quand j'arriverai à mon fineliner plus mince. Mais je vais finir avec ce 0.4 avec le cogee ici. Je suis plutôt content de ça. Maintenant, je vais passer à mon fineliner plus mince, mon 0.2, et je vais être tout l'arrière-plan avec ce fineliner plus mince, et je vais aussi le faire un peu différemment. Avec un 0,4, toutes les lignes sont vraiment propres, claires et solides. Avec un 0,2, je vais être grossier. Pas esquissé dans ce sont aller et venir sur la même zone avec le même stylo, mais plus en ce que je suis vraiment léger et je laisse la façon de la plume elle-même faire la plupart du travail. Souviens-toi ici avec un sable, je n'ai pas laissé cet écart, pas de problème. Je dessine juste à l'intérieur du seau pour montrer que le sable y va, peut-être faire quelques petits points là-dedans et ça suffit. Alors que vous pourriez penser à quelque chose comme ça est un gros problème, évidemment, j'avais prévu de faire entrer du sable. Je peux toujours obtenir le même effet en travaillant autour d'elle et en pensant à l'extérieur de la boîte et en me relaxant un peu. Mais bien sûr, la meilleure façon d'éviter ces erreurs en premier lieu est de se pencher en arrière et de prendre tout cela dans la mesure du possible. Maintenant, le look esquissé avec des pentes de lumière vraiment détendues fonctionne particulièrement bien avec le sable et en fait, je peux me laisser un peu trembler et briser les lignes, mais même avec les accessoires, je garde toujours choses vraiment lâches, disons avec la balle ici, je laisse quelques lacunes dans mes lignes, juste en le gardant vraiment détendu, ne pas me soucier des petits shakes. Maintenant, nous commençons à combler un peu les écarts entre les personnages et l'arrière-plan, simplement en dessinant ces lignes lumineuses là où ils rencontrent le sol sur lequel ils se trouvent, et vous pouvez voir que cela les fond dans leur environnement même s'ils sont dessinés avec des lignes stylistiquement différentes. Donc c'est tout le sable fait. Maintenant, vous avez ce journal ici, que je pourrais faire avec la même ligne. Je vais en fait revenir au 0.4 juste parce que je veux qu'il y ait un peu plus de séparation entre ce milieu et l'arrière-plan derrière eux. Donc, je ne fais rien de drastique, et en fait, je garde toujours mes lignes assez détendues et lâches, ne pas les faire aussi audacieux que je l'ai fait ces personnages, mais je veux juste que cette ligne apparaisse un peu plus fort pour créer un peu de contraste et de suivre le long de mon horizon. Maintenant que je suis de retour de 0,2, je peux ajouter un peu de ce grain de bois qui sont esquissés dans. Bon, donc maintenant on est sur l'arrière-plan et je vais aller plus loin ce que j'ai fait avec cette lumière 0.2. Je vais à peine toucher le papier et je vais juste prendre des lignes très légères. lacunes et les petits shakes sont bien, j'essaie juste de le rendre aussi léger et doux que possible. C' est presque un effet ambiant, comme la moitié des choses au loin, moins visibles que les choses en votre présence immédiate. J' utilise mes lignes pour créer cet effet. Maintenant, avec les nuages, vous pourriez penser, d'accord, ce sont des nuages, je n'ai probablement pas besoin de lignes solides et c'est vrai. Je vais à peine le toucher, en fait je vais laisser le large du stylo faire tout le dessin et je vais juste laisser cela vraiment inégalement et organiquement dessiner cette inégalement et organiquement dessiner ligne presque pointillée autour de l'endroit où j'ai esquissé le nuage. Donc, dans l'ensemble, je suis assez content de la façon dont cela est assemblé. Maintenant, je vais revenir au 0.2 dans une minute juste pour ajouter quelques petites textures, mais avant de le faire, je vais créer encore plus de séparation entre notre focus et tout le reste en allant à notre 0.8, notre fineliner plus épais. Avec cela, je vais simplement tracer autour la silhouette des personnages qui sont mis au point. Je vais revenir à mon style de dessin vraiment même solide. Mais je ne vais pas entrer dans les détails ou l'intérieur des personnages. Je traque littéralement autour du bord extérieur et cela épaissit à peine le personnage. L' avantage de cela aussi, est qu'il peut vous permettre de soigner les choses un peu. Parfois, je vais enregistrer cette étape quatre après la couleur parce que si vous utilisez des marqueurs d'alcool par exemple et que vous passez sur les bords à certains endroits, vous pouvez nettoyer ces bords en revenant avec un stylo plus épais et juste en faisant le tour de la à l'extérieur. Vous pouvez également annuler certains choix, par exemple ici, quand j'ai dessiné les cheveux, j'ai fait une extrémité fendue qui normalement aurait l'air bien, mais avec ce style, j'allais vraiment pour la simplicité. Donc je vais annuler ce choix juste en dessinant une ligne épaisse sur ça, et juste comme ça, je l'ai annulé et simplifié la forme des cheveux là-bas. Ce sont les cheveux, je ne suis pas allé à l'intérieur dans les détails ou même là où la tête superpose les bras ou quoi que ce soit du genre, je vais juste contourner les autres bords et je vais faire la même chose avec ce petit garçon. Maintenant, pendant que j'ai mon stylo plus épais, je vais vraiment entrer et remplir certains des détails que je veux, par exemple, les yeux. Je vais faire ces noirs avec juste des petits points de points saillants sur les bords et je vais utiliser cela pour remplir les ouvertures intérieures de la bouche. C' est vraiment ensemble et j'en ai presque fini avec mon encrage. Je vais en fait revenir à mon 0.2, mon petit gars et moi allons l'utiliser pour ajouter juste des petites floraisons de texture et de détail, pas au-dessus, parce que évidemment le style ici se concentre sur la simplicité. Mais avec quelque chose comme le sable, nous avons vraiment besoin d'ajouter quelques petits points, petits indentations pour communiquer au spectateur que c'est bien du sable. Maintenant, nous ne voulons pas mettre des points partout dans le morceau qui va paraître trop occupé et moche, mais je choisis juste un côté en général, je vais avec le côté gauche de petits monticules de sable, et je suis juste mettre en quelques points, quelques petits cercles. Parfois, au milieu, je vais faire un groupe de quelques points juste pour rappeler à l'œil que c'est la même substance. Maintenant, nous avons quelque chose comme ces trempettes d'où ils ont creusé. Je ne peux pas vraiment faire plein de points là-dedans. Ça va avoir l'air un peu bizarre, mais je vais juste faire quelques lignes simples dans la même direction, vraiment certaines lignes plates juste comme ça. C' est ce qu'on appelle l'éclosion, et c'est une façon d'ombrage. Puis quand je regarde ce rythme, aussi cool que ce soit jusqu'à présent, j'en profite vraiment. Mon œil a du mal à faire la différence entre l'arrière-plan dans la cour et ensuite la fosse à sable, et la chose qui sépare les deux est la bûche. Donc, ce que je peux faire pour embolder ce journal comme facteur de séparation est de faire la même chose à nouveau, cette seule ligne d'hachure tout le long. Maintenant, je ne vais pas aller jusqu'au haut de la bûche. Je vais le traiter comme il y a un point culminant au-dessus de la bûche d'un chargement de la journée ensoleillée ci-dessus. Beaucoup vous allez commencer cette ligne hachurant environ un quart du chemin du haut sur le même angle, n' est pas un angle particulier, j'aime juste le faire sur cet angle, parce que je suis droitier et je peux naturellement tirer dans cette direction assez facilement, et je vais juste essayer de garder cela constamment tout le chemin à travers, et juste comme ça, j'ai terminé mon travail de ligne pour ma pièce de minou. Je suis vraiment content de ça. La chose cool dans la façon dont j'ai abordé cela est même si je viens d'utiliser trois stylos simples, vous pouvez voir très clairement qu'il y a un premier plan, un milieu et un arrière-plan. Il ne reste qu'une chose à appeler cette œuvre d'art encrée terminée, c'est d'effacer mes lignes de construction. Assurez-vous avant de le faire, vous lui donnez quelques minutes pour sécher complètement parce que l'encre tombe mouillée. Assurez-vous simplement de le tester un peu d' abord pour vous assurer que vous n'avez pas de taches, puis lorsque vous êtes sûr que vous pouvez effacer ou vous les lignes de construction. J' adore ça, j'en suis vraiment content et c'est prêt pour la couleur. Maintenant, c'est à ce stade, je recommande fortement si vous allez colorer votre œuvre d'art encré que vous la numérisez, cela vaut la peine juste pour que vous puissiez peut-être essayer quelques expériences avec des couleurs plus claires, mais aussi que vous avez une sauvegarde juste au cas où les choses tournent horriblement mal. C' est tout pour mon processus pendant l'encre sur cette illustration. Ensuite, je vais faire l'encre sur mon illustration plus complexe et complexe. Si vous avez apprécié le processus de dire combien elle peut faire avec trois fineliners simples, vous allez adorer la prochaine leçon où nous plongons dans des trucs grossiers et passionnants que vous pouvez faire avec de l'encre, effets de textures, toutes sortes de des trucs. Mais c'est pour une autre leçon et je vous y verrai. 8. Encrez des personnages complexes: La fête va vraiment commencer. Nous allons faire quelques techniques d'encrage plus avancées dans cette leçon. Les choses que nous avons déjà couvertes sur lesquelles nous allons aller un peu plus loin dans cette leçon sont des choses comme la création de profondeur, l'utilisation de nos outils d'encrage et la création d'un peu de texture. Mais quelque chose sur lequel nous allons travailler ici aussi est d'ajouter de l'intensité et d'accentuer le style. Ensuite, je veux obtenir mes matériaux et j'utilise les mêmes trois stylos que la dernière fois pour une majorité de cela, mais il y a quelques stylos supplémentaires que je vais présenter. Un que j'aime vraiment utiliser est celui-ci. C' est un stylo de calligraphie de Tombow et c'est en fait comme un stylo à pointe dure. C' est presque quelque part entre un stylo à pinceau et un liner fin. Laissez-moi vous montrer visuellement la différence entre toutes ces choses. Nous avons un 0,2, un 0,4 et un 0,8. Ceux-ci sont assez simples. Les différences entre eux sont silencieuses et subtiles mais apparentes. Donc ce stylo à pinceau de calligraphie me permet d'obtenir les mêmes effets que les trois, mais dans un seul stylo. j'appuie dur, plus je peux appliquer de pression et obtenir un coup vraiment épais. Ce qui est génial, c'est que je peux obtenir une variation de pression et créer des coups vraiment uniques et intéressants ici. Donc la première chose que nous allons écrire est notre personnage barbare au premier plan ici. Maintenant, je vais aborder cela très similaire à la façon dont j'ai fait mon croquis précédent. Je vais être un peu plus audacieux avec mes lignes sur ce personnage. Au milieu du terrain, je vais aller un peu plus simpliste et pousser les choses un peu plus loin dans l'arrière-plan. Je vais aller beaucoup plus avec les lignes fines et les textures. Donc je vais commencer avec mon stylo 0.4, et je vais commencer à faire le tour des zones et des bords principaux, comme cette épaulière ici. Maintenant, dans certains endroits, j'improvise. Par exemple, s'il y a une éraflure ou une bosse, je pourrais juste introduire une petite bosse à laquelle je peux ajouter une égratignure plus tard. Alors vous remarquerez que je vais passer à autre chose. Je ne vais pas remplir les détails à l'intérieur de ça. Je vais faire ça avec mon 0,2. Je sépare les zones de géométrie. J' ai commencé avec l'épaulière parce qu'il était très visuellement commandant et il était en face de la plupart des choses, mais je vais en fait m'éloigner et venir à cette main ici. Maintenant, je vais passer au gant. Nous avons un peu de texture ici avec la fourrure, c'est à l'extérieur de ce cuir, et je garde mes lignes assez lâches parce que pour créer une texture, je dois m'assurer de capturer la sensation de cette texture plutôt que de simplement dessiner des lignes autour des formes qu'elles sont. Avec cette fourrure en particulier, elle va sentir qu'elle est un peu moelleuse et grossière. En parlant de corde, maintenant on a de la corde autour de son poignet. Puis lentement, je suis juste en train de reculer. Maintenant, même si cette image est plus intimidante à l'encre, il y a encore de la place pour l'expérimentation. À la fin de la journée, c'est plus détaillé et passionnant. J' ai peut-être envie d'ajouter les choses ici ou là. Comme dans la zone des biceps, j'ai l'impression que ça va améliorer l'aspect tridimensionnel de son bras, ainsi que d'ajouter un peu de détails au personnage en ayant un anneau en acier enroulé autour de ses biceps. Je vais juste dessiner ça. Il n'y a rien dans mon croquis qui me dise quoi faire là-bas, mais je fais juste confiance à mon instinct, en dessinant légèrement quelque chose qui pourrait être une bande d'acier et en faisant ça tout le tour. Alors je vais dessiner les muscles en dessous. Je pense que ça marche plutôt bien en fait. J' ai l'impression que ça ramène le bras vers l'avant et que nous sachions que cette épaulière est soulevée un peu et que le bras est soulevé encore plus loin parce que nous essayons de montrer que le bras tenant la hache à l'avant est aussi loin avant que nous pouvons visuellement le faire regarder. En parlant d'être loin en avant à notre image, c'est la zone la plus importante de notre image de ce caractère barbare, mais qui couvre le visage. Maintenant, le visage est quelque chose que nous allons accorder une attention particulière. Je ne vais pas dessiner les détails du visage, comme les yeux et le nez avec ce 0,4. Je vais en fait passer à mon 0.2 juste parce que cela me donne un peu plus de détails et de flexibilité. Les yeux, le nez et la bouche, en particulier, dans des images détaillées comme celles-ci, sont des zones que vous ne voulez pas boueuses avec des lignes épaisses. Il est préférable de commencer mince, puis une fois que vous obtenez l'expression et les choses correctement, si vous pensez que les zones doivent être plus épaisses, vous pouvez revenir en arrière avec un stylo plus épais et allumer. Je vais être honnête avec toi maintenant. Cet œil gauche, je ne suis pas satisfait à 100 %. J' ai l'impression que c'est un peu trop loin à gauche et un peu trop bas. Ce n'est pas la fin du monde. Ne vous inquiétez pas, nous pouvons utiliser de la magie de l'encre pour pousser un peu celui-ci dans un endroit, et nous pouvons réellement déplacer cet autre œil dans la direction opposée. Ce que je vais faire, c'est de l'encre sous l'œil, juste épaissir ça, et je vais ajouter un peu de masse sur le côté droit. Je vais faire le contraire ici. Je vais pousser vers le bas à droite. Juste comme ça, et c'est très subtil et on pourra le faire plus tard avec notre ombrage, mais je suis juste en train de pousser ça avec des lignes plus épaisses. Évidemment, c'est un peu beaucoup en ce moment, mais le plus important est de trouver cet équilibre. C' est un peu une erreur, mais vous constaterez qu'une fois que toute l'encre sera là et que toute l'image sera réunie, cela ne sera pas un problème. Mais juste en poussant les lignes dans certaines directions, vous pouvez en fait, légèrement remodeler les proportions même si vous travaillez avec de l'encre. J' ai fait tout ce que je veux faire avec le 0.2. Je reviendrai et la texture et l'ombre du visage et des cheveux avec le 0.2 plus léger, mais je vais juste revenir à mon 0.4 et revenir à me concentrer sur les zones solides de la masse tout au long de mon image. Je ne veux pas être trop pris par les détails pour l'instant. J' ai maintenant bloqué la plupart de notre personnage barbare ici. Je vais en fait revenir à mon 0,2 doublure fine, et vous remarquerez qu'il y a quelques zones qui ont été laissées à remplir avec des détails tels que le coussin d'épaule, certaines zones de cuir, les cheveux, mais aussi le hache. Je n'ai pas dessiné l'extérieur des bords de la hache, qui lui-même est un objet très solide évidemment, mais je l'ai laissé parce que je veux aider à employer le mouvement. C' est là que nous pouvons utiliser un peu de presque comme un effet de flou, que nous pouvons créer avec de l'encre. Pour ce faire, tout d'abord, je vais retourner à mon stylo plus mince simplement parce que quand quelque chose est floue, il est moins solide, donc aller avec un stylo plus mince va aider à créer cet effet, puis je vais commencer à dessiner le contour de ma hache mais je vais juste laisser quelques lacunes. Donc, je vais très légèrement autour du contour de la hache, mais je le fais presque en petits tirets, vais tout faire, ne pas remplir tout intentionnellement. Ce que je vais faire, c'est m'assurer que je le fais en toute confiance. Je vais retourner à mon crayon et cartographier la motion. S' il tourne comme ça, je veux juste faire quelques lignes dans cette direction. Si ça me fait du bien, ce qui est le cas, alors j'aurai quelques lignes directrices que je peux suivre comme ça. Je vais récupérer 0,2 maintenant. Dans cette direction, je vais juste ajouter des lignes floues. Certains d'entre eux peuvent être assez longs, autres peuvent être petits. Juste pour briser le mouvement, nous suivons la ligne directrice que nous avons créée et nous pouvons même en ajouter à d'autres zones de la hache juste pour montrer que c'est plus que la lame elle-même qui bouge, même sa main. Mais nous suivons ce guide que nous avons déjà mis en place. On peut être assez rude au moins avec ça. Nous pouvons parcourir certaines zones, encore une fois, certaines longues, d'autres courtes, autres sur toute la direction de la hache, mais c'est tout à fait aléatoire. Juste comme ça, cette hache a beaucoup de mouvement. Maintenant, si vous voulez ajouter de la force à la silhouette, nous pouvons revenir à notre 0.4, et juste faire le tour de certaines zones du bord même qui ne sont pas envahies par cette ligne juste pour s'assurer que l'œil sait où se trouve le contour de la hache. On ne passe pas en revue toutes les lignes, on s'assurait juste que la silhouette ait une certaine clarté. Je suis très heureux de cela. On dirait qu'il bouge et se balance. Maintenant, avec mon 0,2, je vais aller dans certaines de ces zones comme l'épaule, les cheveux, le cuir, et je vais ajouter quelques détails. Je vais être vraiment détendu dans la façon dont je le fais. Je suis extrêmement content de sa position. On n'a pas encore fini, mais je ne veux pas en faire trop. Je veux trouver l'équilibre de l'image. Pour ce faire, je vais passer par le reste avec une approche similaire. Ensuite, nous pouvons regarder l'ensemble et trouver de meilleures façons d'ajouter du contraste, profondeur, et de la séparation entre ces éléments. Je suis presque prêt à passer à autre chose, mais avant, et maintenant que l'encre est sèche, je vais effacer le croquis de construction sous le caractère barbare. Maintenant, vous remarquerez qu'il a l'air un peu sombre et boueux là où se trouvent les croquis de construction. Lorsque vous l'effacez et que vous montrez simplement l'encre, elle semble beaucoup plus propre. Il est vraiment clair s'il y a des zones ou des détails que vous avez manqués qui valent la peine d'ajouter. Donc ça simplifie vraiment ce que je regarde. Je suis vraiment content de ça. Ça a l'air assez épique, et aussi ça me donne beaucoup de confiance pour passer à l'étape suivante. 9. Encrez des espaces détaillés: profitant de mon milieu de terrain avec mon protagoniste dans la plate-forme, je vais m'en tenir au liner fin 0.2, ce qui signifie juste que ça va être un peu moins lourd que le personnage de premier plan, mais je vais vraiment l'aborder de la même manière, travailler de premier plan à fond, en commençant par notre protagoniste parce qu'il est la partie la plus importante. Maintenant, 0,2 est le stylo le plus fin que j'ai préparé ici. Mais en fait, j'ai un stylo plus mince, et je vais aller le chercher. C' est un 0,05. Là où c'est notre 0,2, c'est à 0,05. Vous pouvez voir à côté de l'autre, ils sont proches mais c'est assez bien et détaillé que je vais avoir beaucoup plus de flexibilité quand il s'agit des détails du visage. En venant ensemble, j'ai mon milieu de terrain rugueux. Je vais commencer à faire quelques choses pour en faire un encore plus chic qu'il ne commence à regarder. Tout d'abord, terminons le milieu du terrain en ajoutant un peu de texture. Maintenant, la chose cool d'avoir cette plate-forme carrée avec les planches dans cette direction le fait, involontairement, mais heureusement, c'est que cela crée ces lignes d'action qui dirigent vers le destin imminent. C' est mon bon ami, Bob Ross, aime appeler ça un heureux accident, mais vraiment cool. On va accentuer ça en obtenant mon 0.05 ici. Je vais commencer à ajouter du grain de bois très légèrement, juste des lignes qui suivent ici. Il suffit de choisir quelques endroits aléatoires juste pour ajouter des planches dans la direction de leur perspective. Maintenant, je vais monter la longueur de toutes ces planches avec juste quelques lignes ondulées. Parfois, je vais ajouter un noeud dans le bois, mais sinon ça va être assez aléatoire. Mais cela va ajouter à ce sentiment de mouvement orientant vers la direction de l'action. Maintenant, l'autre chose que cette texture fait, plus d'aider à souligner ces lignes d'action, c' est qu'elle sépare les personnages de la plate-forme, ce qui est vraiment très efficace. Maintenant, je vais aller plus loin et créer encore plus de séparation en obtenant mon stylo de calligraphie et en faisant le tour des contours, la silhouette très extérieure de notre personnage barbare. Ensuite, je vais obtenir mon 0.4 et faire la même chose autour d'un protagoniste. Commençons par le barbare. Maintenant, cela va être un peu différent de la simple encrage que nous avons fait. Nous allons faire le tour du contour extérieur, mais nous allons aussi aller dans certaines zones qui se chevauchent juste pour nous assurer que nous ajoutons de la profondeur. L' autre chose est aussi parce que nous utilisons le stylo de calligraphie, nous allons pouvoir devenir plus épais dans certaines zones et plus mince dans d'autres. Je vais commencer par la hache et la main. Cela va être assez épais parce que c'est la zone la plus importante et la plus réduite du personnage. Je vais suivre avec la hache et devenir plus mince à mesure qu'on s'en va plus loin. C' est mon caractère barbare fait. Maintenant, avec mon 0.4, je vais faire le tour du protagoniste et juste les bords de la plate-forme. Maintenant que j'ai fait ces contours, vous pouvez voir que j'ai créé une séparation assez décente entre le premier plan et le milieu de terrain. La texture des planches aide vraiment aussi à mettre en évidence les personnages eux-mêmes. Maintenant, nous allons passer à l'arrière-plan. Je vais prendre mon 0,2 et mon 0,05. Maintenant, je veux passer à l'arrière-plan. Je ne veux pas faire autant que je rende la scène occupée. Il y a déjà beaucoup de choses qui se passent et ça marche plutôt bien. Je vais me concentrer sur deux choses. Premièrement, je vais faire ressortir les tours et certaines des pointes. Deuxièmement, je vais définir l'atmosphère, et la scène, et la profondeur en ajoutant un peu de fumée, et des nuages, et de la poussière en arrière-plan. Avant de commencer sur les tours, qui vont être l'objectif principal, je suis en fait à mon 0,05 et je vais juste dessiner des nuages très rugueux. Ça va juste être au-dessus de ce que je dessine. La raison pour laquelle je dessine ceci en premier, c'est parce que certaines des tours vont être dessinées à travers les zones des nuages et ça va changer la façon dont je vais les dessiner. Par exemple, partout où les nuages sont devant les objets que je dessine, ils vont être silhouettés derrière la fumée. Il sera dessiné différemment. Mais où qu'ils soient derrière, bien sûr, les lignes seront plus épaisses et tout sera plus clair. La fumée se déplace avec le vent dans la même direction. Je vais le pousser jusqu'ici. Je vais en ajouter plus tard, mais je commence juste avec quelques bases que je peux utiliser comme un peu de guide pour aller de l'avant. Je vais aller à mon 0,2. Je vais commencer à dessiner les sommets des pointes et des tours. C' est là que nous pouvons commencer à avoir un peu de fantaisie. Nous pouvons ajouter un peu plus de profondeur à notre arrière-plan sans ajouter trop d'agitation ou de détails. Nous pouvons également ajouter à l'effet de cette fumée et de cette ambiance, en passant à notre fine doublure et simplement en ombrageant là où se trouveraient les formes. Disons, par exemple, que nous voulons faire allusion à une structure de tour derrière ici. Nous avons peut-être une forme différente de celle que nous avons. Petit toit à pic, une petite pointe carrée par ici. Mais c'est plus immergé dans la fumée. Je vais continuer à ombrager dans la direction de notre perspective verticale. À mesure que d'autres lignes traversent, je vais aller sur cet angle et tout le chemin à travers, je vais descendre vers cet angle. Tout comme ça, ça donne l'illusion qu'il y ait une forme derrière les nuages. Que je peux ajouter quelques couches de fumée en ombrageant ici, mais en laissant cet espace au milieu là, même en ajoutant quelques panaches supplémentaires, un peu de poussière. Nous pouvons également l'utiliser pour continuer les structures que nous avons commencées comme cette tour ici. Au fur et à mesure que nous allons plus profondément dans la fumée, nous pouvons commencer à ajouter notre ombrage. Plus la structure est dense, plus près de la ligne devrait être ensemble, donc il semble un peu plus épais. En outre, plus la fumée est épaisse, plus les lignes sont minces. C' est aussi un peu de jouer ici, juste approchez-le assez pour que l'œil pense que vous l'avez cloué. Honnêtement, je suis vraiment satisfait du contexte. Je ne pense pas qu'il ait besoin d'autre chose. Je n'ai pas fait beaucoup, mais je ne veux vraiment pas faire grand-chose. Je pense que ce que j'ai fait est exactement ce que je voulais faire. Ajoutez à cette ambiance barbare, la fumée ajoute à l'intensité et à l'environnement, et à toutes ces bonnes choses. Mais maintenant, nous sommes de retour à l'endroit où nous voulons nous concentrer sur nos personnages ici, ce qui nous amène à la toute dernière chose que je veux aborder avec les encres, à savoir l'ombrage. On va faire beaucoup de ça avec la couleur. Je ne veux pas revenir sur le haut de la page, mais il y a des domaines qui nécessitent certainement une certaine attention. Par exemple, sous sa peau ici, cela devrait être à peu près entièrement ombragé, mais je veux ajouter à la texture. Je vais juste faire pivoter mon image et juste, l'aide de mon stylo de calligraphie, aller d'épaisseur à mince en succession rapide, menant de sous la capsule. Cela va juste créer ce sentiment d'être ombragé, mais aussi un peu de dégradé. Je vais prendre un stylo plus uniforme, disons mon 0,2. Il y a certaines zones que je veux juste ombrager complètement, comme ce tissu déchiré. Je veux que ce soit une texture et un matériau qui sorte poussé à l'arrière-plan et a une consistance familière partout où il apparaît. Enfin, je veux juste ajouter un peu de profondeur à son visage. Pour ce faire, je vais rester avec mon 0.2 et je vais juste ajouter un peu d'ombrage de ligne vraiment mince sous les sourcils ici. Ça va s'assombrir sous les yeux. Cela lui fera paraître un peu plus menaçant et intense et cela a effet supplémentaire de cacher légèrement cette petite erreur de ligne que j'avais avant, et simplement donner généralement à son visage un peu plus de forme. Je vais faire la même chose autour de son visage. Il suffit de choisir quelques zones que je veux approfondir et pousser un peu, et juste ajouter une partie de cet ombrage juste pour pousser le lot autour un peu. Encore une fois, nous ferons beaucoup plus avec la couleur quand il s'agit de l'éclairage. Mais parfois, utiliser des lignes pour pousser les choses est vraiment utile. Par exemple, dans la langue, c'est l'intérieur de la bouche. Je n'ai pas besoin de ça pour me démarquer. Je vais juste utiliser mes lignes et vraiment mettre beaucoup de détails là-dedans, et vraiment des lignes fines pour ombrager ça dedans. Là, nous l'avons. Ceci est mon œuvre d'art extrêmement cool d'un combat sur le sommet d'une tour barbare. Maintenant, je pourrais être heureux avec cela, comme c'est le cas, et je suis très heureux avec cela. Cela étant dit, je vais scanner cela aussi bien juste pour avoir une sauvegarde, mais il est temps de passer à l'événement principal ; couleur. 10. Choisissez votre palette de couleurs: Dans cette leçon, nous allons expérimenter et faire un peu de remue-méninges avec les couleurs. Ensuite, dans notre prochaine leçon, nous allons appliquer ces couleurs. Maintenant, comme vous pouvez l'imaginer, je ne vais pas faire ça sur mon téléphone, beaucoup de travail. Je vais mettre ça sur le côté, et c'est là qu'il y a un autre avantage pour numériser vos œuvres d'art. Parce que je les ai scannés, j'ai pu les dupliquer et en mettre quatre sur une page chacun, ce qui me permet d'avoir quelques options différentes et d'avoir un peu de jeu. Commencer par des devinettes sages et sûres, puis aller un peu en dehors de mon instinct naturel pour voir si je peux trouver quelque chose de cool avec lequel travailler. Maintenant, nous avons deux œuvres d'art très différentes ici. Il est logique que lorsque vous avez deux approches différentes avec la couleur, nous allons passer par le même processus pour atteindre un résultat final, mais les médias eux-mêmes seront différents. Pour ma pièce complexe pleine d'action, je vais utiliser mes marqueurs de sélection de couleur. Ensuite, pour cette pièce, mon bonheur fantaisiste aller chanceux petits enfants dans la pièce de jeu, je vais utiliser des crayons de couleur. Nous commençons par le schéma de couleurs qui vient d'abord à l'esprit. Si on sort ça du chemin, ça laisse place à l'expérimentation. Comme vous pouvez le voir, c'est un processus vraiment détendu. Ne vous inquiétez pas des textures, ne vous inquiétez pas de rester dans les lignes. Ce n'est pas je raffiné processus de coloration. Il s'agit vraiment de gifler les couleurs et de voir à quoi ressemblent les choses ensemble, et de trouver un bon équilibre. Tout comme faire nos croquis miniatures et nos remue-méninges, c'est une coloration de remue-méninges. Eh bien, le temps que j'arrive à la vignette numéro 3, j'essaie d'expérimenter avec de nouveaux éléments ou idées. Par exemple, dans le fond ici, j'ai un peu d'un lever de soleil, et un peu d'une offense sombre, quelques couleurs plus larges dans la balançoire et le café, et dans ce cas, les illustrations assez simples. Après avoir fait trois échantillons de couleur de taille miniature, j'ai une idée assez claire de ce que je pense fonctionne, et essayer de créer une compilation de ces choses dans la quatrième miniature, ce qui, je pense, s'est avéré assez bon. peu d'un simple gradient bleu dans le ciel, [inaudible] dans la fille, et [inaudible] dans le garçon. En général, les couleurs en arrière-plan et dans l'environnement sont beaucoup plus douces que celles sur les personnages et les accessoires. Dans l'ensemble, je me sentais comme le numéro quatre, peu près frappé le [inaudible] sur la tête. Je serai très confiant d'aller de l'avant avec ce schéma de couleurs dans ma dernière pièce. Maintenant sur une illustration plus difficile. Croyez-le ou non, le processus est à peu près exactement le même. C' est désordonné, c'est plutôt aléatoire, gifle dans les couleurs qui viennent à l'esprit dans le premier terminal, puis commence à expérimenter. La seule différence entre cette illustration et l'illustration la plus simple est qu'il y a quelques autres choses à garder à l'esprit, en particulier l'éclairage, l'ombrage, et je suppose que vous pourriez dire quelques effets spéciaux. Par exemple, nous avons un peu de fumée et de feu en arrière-plan, et nous pourrions vouloir jouer avec la façon dont la lumière se reflète sur la peau et comment les ombres dansent autour de la scène. Dans la vignette 2, je suis allé un peu plus extrême que j'aurais dû, avec un éclairage de jante jaune vraiment apporté sur les bords du personnage face à l'arrière-plan, et quelques reflets chauds rudes faisant face à la direction opposée. C' était un peu extrême, mais ça m'a dit que je pouvais jouer avec ça. Je jouais avec ça de la mauvaise façon. J' ai, cependant, aimé comment l'horizon avait l'air. La fumée ondulée orange et jaune a travaillé pour séparer le premier plan et le milieu du plan de l'arrière-plan tout en définissant la scène. Pour la vignette 3, j'ai décidé d'expérimenter avec virages beaucoup plus neutres au premier plan et au milieu du plan, avec l'idée qu'une fois que je [inaudible] toutes ces choses d'une manière que j'étais satisfait, je pourrais expérimenter en ajoutant plus couleurs et la mise en évidence sur le dessus. Je suis allé assez extrême avec le fond qui améliorent soit, J'étais un grand fan de. Mais le but avec autour des personnages et les teintes plus orange dans l'ombre des personnages, je me sentais très bien fonctionné. Une autre chose que j'ai senti très bien fonctionné aussi, est d'ajouter des ombres sur la plate-forme sur laquelle les personnages étaient sur la direction opposée des flammes au-dessous d'eux, ajoutant à l'intensité de la chaleur et du feu qui sont protagonistes pourraient être pleinement dans n'importe quel moment maintenant. J' ai essayé de regrouper tout cela dans une quatrième vignette pour essayer de représenter tous les morceaux que j'aimais, être honnête, je n'ai pas compris. J' ai senti que certains des éléments étaient assez bien équilibrés. Mais en général, il semble qu'il y ait un peu de quelque chose dans chaque vignette que j'ai vraiment aimé. Dans ma première expérience, j'ai vraiment aimé le schéma de couleurs du protagoniste. Il se sentait noble mais aussi un peu sur terre, et gentil et chagrin. J' allais pour ce terme, ce que je suis. Dans la deuxième expérience, j'aime vraiment le ciel en arrière-plan. Dans la troisième expérience, j'aime le chemin à l'envers avec des ombres sur la plate-forme, poussé loin de la direction des flammes. Puis le quatrième, j'ai vraiment aimé l'équilibre de l'éclairage sur notre caractère barbare au premier plan, les bords dorés et les ombres orangées chaudes. Après avoir traversé le même processus avec mes deux illustrations ici.. D'une part, j'ai une illustration qui a une direction assez claire. D' autre part, j'ai quelques directions que j'aime, que je vais essayer de mettre en place dans ma dernière pièce. Venir à un résultat final et aller de l'avant est vraiment bon. Mais aussi vous n'avez pas besoin d'avoir un jeu de couleurs ou un test de vignettes qui fonctionne parfaitement, vous pouvez simplement découvrir les éléments que vous aimez bien. Lorsque vous vous sentez assez confiant pour aller de l'avant, vous pouvez simplement prendre ces pièces et les assembler dans votre illustration finale. Quoi qu'il en soit, la prochaine étape, qui consiste à prendre ce que nous avons appris ici et à l'appliquer à notre illustration finale, est certainement passionnante. 11. Ajoutez de la couleur avec des crayons: C' est juste moi ou c'est vraiment monumental ? Nous avons traversé un voyage intense pour arriver à ce point où nous allons ajouter de la couleur à nos deux illustrations. C' est une grosse affaire, et ça l'est, mais en même temps, ça n'a pas besoin d'être effrayant, peu comme s'approcher de l'encre oui, une certaine mesure, il y a un élément de ne pas pouvoir annuler ce que vous mettez vers le bas, et cela peut être effrayant. Mais en même temps, nous avons établi assez de confiance dans nos expériences avec la couleur. Aussi dans le temps que nous avons passé à apprendre à connaître les illustrations que nous créons, que nous devrions être en mesure d'aller de l'avant et vraiment juste profiter du processus. commençant par une approche un peu plus simple et en utilisant mes crayons de couleur, puis en passant avec certains, je suppose que vous pourriez dire, des éléments un peu plus difficiles avec cette pièce. Penser à des choses comme l'éclairage dynamique, l'ombrage et les effets d'éclairage de jante, et toutes sortes de choses cool. On y arrivera plus tard. Commençons par notre pièce de crayon de couleur. Donc, je vais aller pour un style de coloration assez plat, mais je ne veux pas trop de la texture du crayon à montrer, au moins les lignes de l'ombrage. Pour y parvenir, j'ombrage vraiment léger, en gardant entre les lignes et en gardant mes grèves vraiment lisses et cohérentes. Dès que j'ai l'impression que je vais être coincé dans un coin où après avoir appliqué plus de pression, je fais juste pivoter mon angle pour obtenir plus de cohérence. Plus vous avez d'expérience avec les crayons, plus vous apprenez à sentir quelle forme la pointe de la laisse est sous vos mains. Donc, quand il commence à se sentir un peu émoussé, vous faites pivoter le crayon pour obtenir une pointe plus nette vers le bas, sorte que vous pouvez obtenir plus de pigment sur le papier. Il y a donc une couche de la couleur plate, mais je vais en fait revenir dès le début et je descends un angle différent cette fois de la première couche dans laquelle je suis descendu. Je vais juste aussi bien que possible sur l'ensemble de la même zone de couleur. Maintenant, vous remarquerez aussi que près des bords, c'est un peu plus léger parce que nous essayons aussi de ne pas dépasser les bords, et ce faisant, nous n'allons pas vraiment jusqu'aux bords tout le temps. Donc, vous pouvez juste revenir en arrière et ajouter un peu d'amour supplémentaire sur les bords là-bas. Maintenant, il est important de penser au style et à l'esthétique que vous voulez, et dans ce cas, je veux des couleurs très brillantes et riches avec nos personnages principaux, le chien et le bol. Avec tout le reste, je vais le garder comme une ou deux couches de couleurs très douces et lisses. C' est la troisième couche cette fois, et je reçois une couleur plate assez lisse, changeant ma direction à chaque fois et gardant mes traits vraiment lisses. Mais en le faisant de cette façon, cela signifie que je ne suis pas en train de creuser le papier dans ma première couche et de créer des textures dures. Donc là, vous avez eu cette forme assez bien, je suis en train de finir maintenant et c'est ma quatrième couche de couleur pour la seule couleur de la chemise. C' est assez simple quand il s'agit d'une seule couleur. Mais ce que je vais démontrer, c'est le mélange. Désolé, les tons de peau, par exemple, quand il s'agit de crayons, je ne suis notoirement pas grand. Je veux dire, pour des personnages comme ça, si je voulais une peau de pêche tons, sont les couleurs qui viennent dans les crayons et pour obtenir le pigment vers le bas, vous devez finir par appuyer assez fort, et le résultat final est en fait assez fade, ou du moins je pense. Ce que j'aime faire, c'est mélanger mes propres couleurs. J' ai trois crayons ici. J' ai un rose clair, un brun chaud moyen et un jaune. J' aime commencer par le rose et faire ce que j'ai fait avec la chemise rouge. Mais sur tous les tons de peau, il suffit d'obtenir une couleur vraiment uniforme d'un rose très clair. J' ai donc parcouru la peau de ce personnage avec quelques manteaux de rose, gardant un joli lot avec assez de place pour ajouter quelques couleurs sans qu'il soit trop saturé. Donc maintenant passer au brun plus chaud, et je vais faire la même chose, mais cette fois va être encore plus léger avec mon application. Cela va neutraliser un peu le teint de la peau. L' utilisation d'un brun chaud ajoute un peu de profondeur et de chaleur au teint de la peau, mais cela le rend aussi un peu plus terreux et un peu moins saturé. L' autre avantage de travailler avec plusieurs couleurs comme je le fais pour le teint ici, c' est qu'il vous permet de travailler en cinq, six, sept couches par opposition à une ou deux. Faire cela avec plusieurs couleurs et travailler avec vos coups dans différentes couches et directions, en fin de compte, je crois que les résultats dans un résultat beaucoup plus lisse et une application plus dynamique et variante de la couleur. J' ai donc fait une couche très légère de ce brun chaud. Maintenant, je vais passer à mon jaune et je ne peux pas insister assez sur la lumière que tu dois être avec ce jaune. Il ajoute juste un peu de vie à la peau. Mais gardez à l'esprit qu'il y a du jaune en marron, alors gardez vraiment la lumière ici. C' est juste pour ajouter un peu d'éclat, ce que je trouve, surtout avec une illustration fantaisiste comme celle-ci, est assez agréable. Maintenant, je viens de me remarquer, et il vaut la peine de souligner que lorsque j'applique vraiment beaucoup d'applications lacées avec les crayons de couleur, je tiens le crayon assez loin en arrière et me permet d'avoir vraiment léger mais applications rapides et très douces de la couleur. Je ne sais pas que j'ai l'impression que ça me donne un peu plus de contrôle, mais garde aussi l'application agréable et subtile. Ce résultat dans ces niveaux de couleur est juste, à mon avis, vraiment cool. Donc je vais passer à travers le reste de la pièce et faire la même chose. Comme vous pouvez le voir, le processus se répète à peu près. Couche par couche, en ajoutant de la couleur, parfois je vais mélanger dans une teinte différente ou une autre couleur juste pour déplacer le ton dans la direction que je veux. Mais sinon, en général, il est d'environ trois ou quatre couches, si je vais pour une couleur vraiment forte, que je vais pour les deux personnages principaux, le chien et la balle. Au moment où il arrive à l'arrière-plan, mon approche reste la même, mais l'application est juste beaucoup plus légère. Donc je fais toujours trois ou quatre couches pour chaque section. De temps en temps mélangeant d'autres couleurs, mais je n'applique pas autant de pression. Si quoi que ce soit, je tiens le crayon un peu plus loin en arrière. Mon mouvement est un peu plus large et j'essaie juste de créer une séparation d'intensité entre la mise au point de la pièce et un fond doux. Ici, nous l'avons, la première de deux œuvres finies. Tout était un processus de découverte, mais ce n'était pas sûr à 100% jusqu'à ce que j'aie fini. Maintenant fini, j'adore ça. J' espère que vous avez aimé venir avec moi pour voir cette pièce du début à la fin. En parlant de ça, il est temps de finir deux des deux pièces. Je te verrai dans les prochaines leçons. 12. Ajoutez de la couleur avec des feutres: Nous avons ma ligne de travail pour ma pièce la plus ambitieuse et la plus épineuse ici. J' ai mes choix de couleurs que je vais mettre sur le côté est une référence ici, tout simplement parce que je ne me suis jamais installé sur une vignette, j'ai un mélange de choses que je sais que j'aime. C' est là qu'il est important de souligner, encore une fois, que je ne sais pas ce que je fais pour aller de l'avant. Je sais ce que je vais essayer. Je ne sais pas si ça va marcher, mais j'ai hâte de voir si c'est le cas. Maintenant, les marqueurs ressemblent beaucoup à des crayons de couleur. Vous travaillez dans des calques, vous utilisez le mélange pour créer des mélanges de couleurs. Donc finaliser cette pièce avec de la couleur va être similaire dans son approche. Ça va prendre un peu plus de temps et de réflexion. Je vais aller beaucoup plus lentement parce qu' il y a évidemment beaucoup plus à prendre en considération. En travaillant avec les marqueurs, je vais mettre en évidence certaines des différences entre ceux-ci et les crayons. Le premier, le plus évident est qu'ils descendent très fort. Les crayons prennent beaucoup d'encouragement pour obtenir les pigments à attacher au papier et obtenir un look vraiment uniforme. Marqueurs, même les couleurs plus claires, quand vous les appliquez en quelques coups, ils descendent assez fort. Ensuite, lorsque vous les appliquez encore plus loin pour obtenir un look uniforme, il fait assez sombre au moment où vous avez terminé. C' est une couleur très claire. Si c'est un teint de peau avec lequel je travaille, c'est assez sombre pour une base. J' ai tendance à commencer par le teint de peau le plus léger possible pour le ton sur lequel vous travaillez avec la peau. Dans ce cas, notre personnage de premier plan a beaucoup de teint et notre personnage de fond est un peu plus un teint sépia et brun. Je vais juste obtenir des bases claires pour chacun de ces tons de peau et poser les couleurs de base. La façon dont j'applique la couleur ici va être très incrémentielle et je garde aussi à l'esprit ce qui se passe ensuite. En particulier, dans ce cas, j'ai quelques effets d'éclairage que je veux ajouter autour des bords, le bord inférieur sur le devant du personnage, un peu de chaleur orange, puis sur les bords arrière, un peu de jaune. Donc, en fait, je ne vais pas colorer tout le chemin jusqu'à ces bords en particulier, parce que je veux m'assurer que les couleurs que je finis par choisir pour ces effets d'éclairage vont être en mesure de se tenir seul sans avoir besoin de mélanger sur le teint de peau que j'ai choisi. Vous remarquerez que je passe sur les bords à certains endroits, parce que je travaille avec un ton si léger, ça n'a pas tant d'importance. Une fois que je serai dans l'ombre, je vais devoir être beaucoup plus précis, mais je suis toujours assez détendu. Donc, je viens de faire les reflets des tons de peau. Je vais passer aux tons moyens, mais je ne vais pas m'inquiéter des ombres avant plus tard. Tu trouves un ton de peau, ton moyen, c'est plutôt bon. Avec les marqueurs, vous pouvez créer de beaux dégradés en fusionnant davantage. Donc, une fois que j'ai déposé mon ton médian, je peux revenir à mon ton original et le mélanger pour créer un joli mix. L' alcool va se mélanger sur la page et se fondre entre votre ton moyen et votre ligne haute, ce qui est la raison de l'amour en utilisant des marqueurs d'alcool. C' est tous les tons de peau dans mon image fait. Vraiment, c'est assez simple d'aller de l'avant. Je fais ça pour chaque section. Donc juste pour être aussi clair que possible, voici comment je construis toutes les couleurs. Je pose juste cette couleur de surbrillance plate, laissant un peu de blanc blanc sur les bords où il y aura de la lumière réfléchie plus tard. Ensuite, j'ajoute un ton médian que je mélange qui est en quelque sorte au milieu et à droite, créant un peu d'aspect tridimensionnel, mettant en place la scène pour avoir un ensemble d'éclairage cohérent. Je vais le faire à travers toutes les sections : l'alma, le tissu, la tour elle-même, et l'arrière-plan va être un peu différent. Donc nous le couvrirons plus en détail quand nous y arriverons. C' est vraiment en train de se réunir, mais on n'est même pas encore arrivés à des trucs dingues. Nous venons de poser quelques couleurs fondamentales dans les zones principales. Maintenant, je vais aller de l'avant et remplir l'arrière-plan. Je vais le garder assez rude et lâche parce qu'à la fin de la journée c'est l'arrière-plan, je veux le repousser, garder l'accent sur le plaisir, mais nous allons commencer à incorporer un peu de chaleur. Avant d'arriver aux trucs enflammés, je vais simplement remplir quelques couleurs de bois d'avion pour les zones supérieures des plates-formes et des pointes. Comme je l'ai mentionné, je garde ça assez rude parce que je vais être superposer dans la fumée et ensuite je vais tout ramollir avec juste de l'alcool posé sur le dessus plus tard ; très lâchement, en remplissant les zones supérieures, en particulier les tours en bois qui s'échappent du feu et de la fumée. Je fais tout ça avec la seule couleur, les cordes, les plates-formes, et les piliers simplement parce qu'une fois que je commence à superposer toute la fumée et tous les effets de feu, eh bien, si je prenais du temps à faire des couleurs différentes, vous ne le remarquerait pas. Ça fera juste pour les zones en bois. Maintenant, je vais commencer à passer dans la fumée. Je vais commencer avec mes gris et je vais ajouter lentement la chaleur. 13. Créer des effets avec de la couleur: Maintenant, je vais commencer à passer dans la fumée. Je vais commencer par un numéro 3, qui est un gris chaud moyen à clair et je vais travailler lentement mon chemin de retour au numéro 1, qui est très léger. Je suis juste en train de remplir les zones les plus profondes de nuages et je suis juste très lâche cette fumée vers le haut, choisissant les zones d'indentation des nuages que je veux assombrir. Je veux que les nuages deviennent de plus en plus foncés parce que je veux que le fond ressemble à une lueur de feu. Ça fera pour mes gris chauds. Je vais revenir à mes gris dans un peu, mais maintenant je veux commencer à mettre un peu de chaleur. Je vais trouver un joli jaune clair désaturé. Je m'entraîne à partir du bas de la plate-forme, qui est la partie la plus basse de la ville en feu derrière eux. Je suis juste en train de pousser comme ça et ensuite je vais travailler lentement ça dans les nuages. La chose à propos des nuages et de la fumée est qu'il est fait de particules et de particules qui ont la lumière interagissent avec eux, c'est pourquoi nous allons ombrager notre fumée par le dessous parce que le feu est en dessous. J' apporte juste ce jaune et le pousse contre le fond des nuages rugueux que j'ai couchés. Je peux être assez agressif avec cela parce que je veux que tout le fond soit assez chaud. Je vais commencer à travailler ça dans tous mes gris chauds. Cela va presque remplir l'ensemble de l'arrière-plan. Je ne vais pas le poser, il suffit de tenir à plat parce que je veux des zones claires et de la place pour poser des couleurs encore plus chaudes. On démarre la chaleur ici. Je vais aller dans une direction plus chaude. Je pense que je veux que les bords soient assez légers et éclatants, ce qui signifie que lorsque je deviens plus sombre et plus saturé dans la chaleur, je vais monter dans le nuage. Je vais commencer dans les zones les plus profondes des nuages, travailler mon chemin vers le haut et devenir plus lourd ici. Je vais aller et venir entre mon jaune et cette orange, puis commencer à les mélanger et puis maintenant mélanger ensemble et créer quelque chose entre les deux comme ils se mélangent. Je vais y aller avec un peu d'orange chaude comme ça. Cela devient un peu plus sombre donc je vais être un peu majored ici, mais je vais juste choisir des zones entre les nuages et plus vers le haut où je veux que la pièce soit plus lourde. Juste mettre dans quelques essais juste pour donner un peu de forme aux nuages. Avec le marqueur d'alcool, il est bon de s'habituer à revenir à vos temps précédents, particulier lorsque vous mélangez de la lumière à l'obscurité en revenant à la précédente fois que vous avez utilisé et en les reliant dans un dégradé est la meilleure façon de créer un look lisse. Maintenant, j'en ai presque fini avec l'arrière-plan. Je veux juste me baser un peu sur cette intensité. Je vais juste faire croire que la fumée noire est un style pour former plus loin que nous sommes loin des flammes. Cela fait un petit tour supplémentaire de garder le chaud dirigé vers le bas et vers la scène de bataille intense. Je ne veux pas trop d'intensité et de chaleur trop loin de là où je veux que les gens regardent. Je vais faire le contraire maintenant et je vais prendre un joli jaune chaud. C' est un jaune acide et je vais faire le tour des bords ici et vraiment grossièrement à ces petites fuites de lumière. J' ai presque indiqué les flammes. En fait, faisons-le. Ajoutons juste quelques flammes. Je suis juste en train de scintiller et loin du bord de la plate-forme. Je vais retourner à mon jaune clair et y fondre. Assez généreux avec mon mélange ici juste pour le rendre agréable et doux et trier comme si c'était floue en arrière-plan. Je vais choisir quelques zones pour ajouter un peu d' ombre aussi à cause de l'intensité que nous avons ici. Je ne veux pas devenir trop fou, mais je pense que si je reçois cette orange et que je vais juste passer sur des plates-formes qui vont être clairement dans la direction opposée de la lumière et des flammes. Donnons juste un peu plus de dimension, et la dernière chose que je vais faire en arrière-plan maintenant que je suis assez heureux avec le niveau de chaleur que nous avons va est d'obtenir mon mélangeur incolore, qui si vous n'êtes pas habitué à l'alcool marqueur semblent comme une chose inutile. C' est littéralement juste mélanger de l'alcool et il semble que ça ne fait vraiment rien, mais c'est vraiment utile avec. Pour quelque chose comme tout ce qui se passe ici, je peux généralement adoucir le, je suppose que vous pourriez dire l'intensité, la saturation et la texture de l'arrière-plan en passant sur tout cela avec un code vraiment épais de mélangeur incolore. Il fusionne juste toute l'encre qui est là au même endroit en un peu de mélange là-bas en général, et il force tout à maintenir la même texture. Légèrement tachetée, légèrement dénaturée, texture lointaine, qui agit presque comme un effet de profondeur de champ. C' est vraiment utile de pousser quelque chose en arrière-plan. Maintenant que l'arrière-plan est assez bien en arrière-plan, faisons vraiment ressortir le premier plan et le milieu de terrain. Cela vaut la peine d'arrêter et de parler brièvement parce que vous pourriez regarder cette pièce et dire que c'est plutôt bon. J' appellerai ça une pièce finie. Certaines personnes le pourraient. C'est le point où faire quelque chose de vraiment intense demande beaucoup de bravoure et vous pouvez très bien ruiner votre œuvre d'art. Je ne sais pas ce qui va se passer ensuite, mais ce n'est peut-être pas génial. Mais en même temps, j'ai appris qu'en prenant ces risques et en étant vraiment audacieux avec certains de mes choix, j'ai toujours eu plus de chance d'obtenir quelque chose dont je suis extrêmement impressionné et fier de moi pour le dessin. Essayons et on verra où on finira. J' ai décidé de séparer ça en deux zones. Un, jaune orienté vers l'extérieur vers l'endroit d'où vient cette chaleur et où tout est visible, et deux, orange et une couleur plus foncée plus chaude plus orientée vers la perspective du spectateur. Prenons un jaune très clair et je vais faire le tour de tous ces bords extérieurs qui sont orientés vers la source de chaleur. Maintenant, déjà vous pouvez voir combien il est important que je laisse les bords clairs et blancs parce que comme je mélange dans ce jaune, il est vraiment clair à quel point cet effet d'éclairage est intentionnel. Vous verrez également à quel point il est assez rapide de faire cela donne vraiment un sens à l'image, surtout avec des zones comme celle-ci où nous avons un amour teinté bleu. Si c'est trop bleu où j'essaie de mélanger le jaune, ça finira par paraître vert, ce qui n'est pas l'effet que je vais chercher. Ce que je veux faire, c'est obtenir un jaune légèrement plus intense et je vais juste passer sur des bords vraiment tranchants dans les zones qui seront le plus frappées par cette source de lumière. Cela inclut également la plate-forme. Donc, je vais passer sur les bords ici juste pour m'assurer que la plate-forme a l'impression qu'elle est juste contre la chaleur aussi. Maintenant, il est important de savoir quand arrêter et ça a tendance à être l'une des choses avec lesquelles je suis un peu surexcitée. Je suis plutôt content de ça et où il en est. La dernière chose que je veux faire est d'ajouter de l'intensité à l'ombre et je pourrais encore appeler cela une pièce finie et qui sait comment le prochain morceau va aller, peut-être que c'est l'endroit où arrêter. Mais je veux vraiment essayer d'ajouter beaucoup d'intensité aux ombres en utilisant des couleurs plus chaudes où j'utiliserais normalement des couleurs d'ombre. C' est juste que l'orange clair, mais l'utiliser à la place de l'endroit où je mettrais normalement des ombres et uniformément sur toutes les couleurs que j'espère va titre ensemble et ajouter un sentiment d'intensité. Maintenant, si nous voulons l'adoucir, disons par exemple, sur le teint de la peau, je peux juste revenir à mes couleurs originales, le refondre un peu. Je garde l'effet que j'ai ajouté, mais il adoucit juste l'application très légèrement. Je suis plutôt heureux où se trouve le barbare, et comme vous pouvez le voir, ça a fait une différence assez radicale. Il est majoritairement jaunes et oranges maintenant avec les couleurs originales poussant et façonnant le look général. Je vais passer à notre protagoniste ici et je vais faire la même chose. Encore une fois, en se concentrant sur les zones d'ombres ou où l'ombre serait normalement jetée, ou dans la direction opposée des reflets jaunes que j'ai placés et le feu derrière lui juste travaillant dans cette orange. Donc ça marche assez bien, et enfin, enfin, mais pas des moindres, ils sont sur la plate-forme et je n'ai pas fait les ombres de la plate-forme. Je vais faire la même chose. Où que soient les ombres de la plate-forme, je travaille dans cette orange. Je vais aussi commencer à construire un peu d'orange dans un gradient loin des flammes sur toute la plate-forme. Il va ajouter un peu de chaleur uniforme sur toute la pièce parce que c'est la seule zone de l'image qui n'a pas reçu la même quantité d'amour et de chaleur, et enfin, nous sommes enfin à la fin de cette pièce. J' ai un petit truc que j'aime faire, qui est simplement prendre un stylo gel blanc et je vais juste l'utiliser pour nettoyer certains bords ou ajouter un peu d'accentuation. Surtout sur un morceau comme celui-ci, nous devrions avoir beaucoup de points chauds, surtout plus nous sommes près de la flamme. Je vais juste utiliser ce stylo pour ajouter un vrai bord lumineux et quelques points et réflexions juste à l'endroit où se trouve le feu. En plus d'ajouter un peu de nettoyage et d'intensité, cela aide également à séparer les éléments à nouveau. Parce que maintenant que tout est mélangé et que tout chaud et similaire d'une manière, cela pourrait faire tout se sentir un peu plat. Les dernières étapes font beaucoup. Ils ajoutent juste beaucoup. Que vous pensiez que cela fonctionne ou non est toujours une question de votre propre opinion. Mais j'ai vraiment l'impression que ce que je voulais ici était une scène de bataille intense et chaude et j'ai l'impression que c'est ce que nous avons, et nous l'avons là. Nous sommes arrivés à notre destination finale. Deux œuvres d'art complètement différentes, des styles complètement différents, des niveaux d'intensité pour créer des niveaux de défi pour moi personnellement et pourtant je me sens tellement satisfait des deux. J' ai vraiment l'impression que j'ai commencé à faire quelque chose de très spécifique avec chaque œuvre d'art et j'ai pu y parvenir grâce aux étapes que j'ai traversées et que j'ai partagées avec vous. J' espère vraiment que vous vous êtes senti habilité et que vous avez obtenu tout un tas de trucs et astuces que vous pouvez appliquer à votre processus pour aller de l'avant. J' espère vraiment que vous vous êtes bien amusé et j'espère que vous apprécierez le résultat final de mes œuvres parce qu'à la fin de l'art, c'est de faire des choses que vous aimeriez regarder et j'espère que vous avez aimé les regarder. 14. Réflexions finales: On l'a fait. Nous sommes du côté. Maintenant, je voulais finir en partageant quelques-unes de mes pensées parce qu'à la fin de la journée, tout cela est un voyage et vous êtes à un moment donné dans votre voyage. Je veux juste partager quelques points de vue que j'ai acquis sur mon parcours en étant artiste dans différents médias sur différentes plateformes. Je pense que la chose la plus importante que j'aimerais souligner et que vous enleviez de ma classe, c'est un sentiment d'autonomisation et de confiance. Non pas que tu vas le faire correctement à chaque fois, mais que tu vas aller de l'avant, et c'est tout. Si tu avances, tu vas aller mieux. Cela ne veut pas dire que toutes les illustrations que vous allez faire seront parfaites. Cela ne veut pas dire que vous ne pouviez pas faire d'erreurs ou ruiner des œuvres d'art. Cela arrivera beaucoup. Je pense juste qu'il est vraiment important dans votre voyage que vous ne vous piégez pas dans les sentiments de peur ou d'intimidation auxquels nous sommes tous enclins. Mais remplacez plutôt l'idée de l'incertitude par la possibilité. Parce que la fin de la journée, oui, nous pouvons regarder vers l'avenir et voir beaucoup d'inconnus. Nous ne savons pas si cette œuvre va bien tourner, ou si nous allons la gâcher en cours de route. Mais il est possible que vous puissiez faire la meilleure chose que vous ayez faite ensuite, même si la chose que vous venez de faire n'était pas si bonne. C' est une question de perspective, peut ne pas être si bon pour vous, peut être très bon pour quelqu'un qui regarde votre œuvre d'art. Voici un exercice pour vous, pour vous arrêter une seconde et penser aux trois meilleurs artistes dans votre esprit, aux gens que vous aspirez et que vous voulez imiter dans votre style. Pensez à leurs œuvres d'art que vous avez vues qui vous ont fait vraiment faim de ce niveau de compétence. Pour chaque pièce que vous voyez d'un artiste qui vous inspire, il y en a un millier que vous ne verrez pas qui les ont amenés là. Je suis sûr que, surtout pour les artistes en herbe qui ont suivi ce cours, vous m'avez vu passer par les processus et les étapes et pensé que j'ai l'air vraiment confiant, comme si je sais ce qui se passe ensuite. Mais voici le secret. Je ne sais jamais ce qui se passe ensuite. Pour moi, c'est le plaisir. Oui, il y a des trucs, et il y en a plein. Je les ai documentés et les ai mis sur YouTube. Ça fait partie du plaisir. Donc, si vous pouvez accepter la possibilité et ne pas vous inquiéter de l'incertitude, alors tout d'un coup le monde entier est ouvert à vous et vous allez seulement aller de l'avant et vers le haut. Si vous avez fait une illustration à la suite de cette classe, veuillez la partager dans la galerie du projet afin que moi et vos camarades de classe puissions la voir. Nous pouvons tous nous nourrir et nous construire mutuellement et nous aider mutuellement à améliorer et à nous encourager mutuellement en cours de route. Je vous encourage à faire plus que partager votre résultat final. Il est vraiment utile pour les gens de voir les étapes que vous avez faites. Si vous partagez votre tableau d'humeur, vos croquis rugueux, votre croquis raffiné, puis le processus final. Cela va être très utile pour les autres pour voir comment vous en êtes arrivé à votre résultat. Mais vraiment je pense qu'à propos de l'enveloppe et c'est tout ce que je peux penser à partager dans cette classe. Je vous ai déversé mon âme et j' espère que vous avez apprécié les résultats et que vous vous sentez habilité. Merci beaucoup d'avoir rejoint ma classe. Je vous souhaite tout le meilleur dans votre parcours créatif. Jusqu' à la prochaine fois, je te verrai plus tard. 15. Bonus : avis de Jazza sur votre projet: Donnez à tout le monde c'est un peu d'une vidéo bonus que j'ajoute à la fin de la classe. Tout d'abord, merci pour la réponse incroyable à la classe. Je suis incroyablement reconnaissant et impressionné par vos commentaires et par vos soumissions, qui m'amène ensuite à ce que nous faisons ici. Je vais passer en revue certains de vos projets de classe. Je vais souligner certaines des choses qui, à mon avis, sont vraiment fortes dans certains de ces mémoires particulièrement en suspens. J' espère que nous pourrons tous apprendre les uns des autres à cet égard, j'apprendrai de vous. En même temps, je veux profiter de l'occasion pour partager une ou deux réflexions, un point de critique constructive ou de rétroaction pour vous aider à partager une partie de mon expérience de quelque manière que ce soit qui pourrait vous être utile. Mais tout ce que j'ajoute est une suggestion ou quelque chose qui vient de l'expérience, mais seulement avec l'espoir de contribuer à renforcer votre créativité selon les méthodes que j'ai apprises au fil des ans. De la même manière que vous aidez à renforcer la créativité des autres en partageant vos projets et les choses que vous apprenez en cours de route. Je voulais tout d'abord remercier ceux d'entre vous qui ont soumis des projets de classe pour votre bravoure et votre enthousiasme, et pour avoir participé à la classe. Tout cela compte tant pour aider d'autres artistes en herbe que pour vous aider à développer votre parcours. Je vais passer par des projets de classe comme ils ont été soumis sur le partage de compétences. temps en temps, s'il y a quelque chose que je veux souligner spécifiquement, je vais l'ouvrir dans Photoshop pour pouvoir dessiner dessus et décrire quelques choses ici et là. Mais j'ai hâte de partager certaines des choses exploratoires que vous avez montrées dans vos soumissions de classe. Soumission de Kelly, Nights Scrying. Tout d'abord, j'ai adoré traverser et voir le vôtre et tant d'autres processus. La façon dont vous partagez vos pensées. Si je devais donner des commentaires, ce serait de séparer un peu cette composition, guidant l'œil vers le bon endroit. Il est très clair où l'œil doit aller, et nous pouvons souligner que, nous pouvons nous pencher sur cela encore plus. La façon la plus claire de le faire, de mon point de vue, est d'utiliser la lumière, et les couches de ces arbres dans cette forêt pour encadrer davantage l'image. Juste pour donner un exemple vraiment lâche, je vais juste peindre sur ces arbres de premier plan dans un noir solide dans Photoshop. Sans toucher trop au milieu du sol ou même à l'arrière-plan, je peux réduire l'opacité. Vous remarquerez juste en l'ayant beaucoup plus sombre, cela donne en fait une indication plus claire de la silhouette que les formes sont des arbres, ce qui aide également l'œil et le cerveau très rapidement comprendre que tout derrière qui est des arbres aussi, sans même avoir besoin de regarder là. Une autre chose qui est, une de mes choses préférées à faire est d'ajouter quelque chose appelé éclairage de jante. C' est là qu'il y a une source directe d'éclairage derrière un objet, surtout si cet objet est un point de mise au point. Dites par exemple ce personnage ici. C' est une façon vraiment attrayante d'aiguiser et d'attirer l'attention sur ce sujet. C' est simplement pour ajouter de l'éclairage au bord qui est le plus contre cette source de lumière. On a une source de lumière ici, c'est cette lune dans le ciel. Juste en ajoutant cette lumière de jante, un bord vraiment tranchant dans cette direction. C' est vraiment important de savoir d'où la lumière rebondit. Nous avons le personnel ici, travaillant simplement sur les zones de l'image qui seraient les plus touchées par cette lumière. C' est une excellente illustration, mais avec quelques petits réglages simples, l'œil comprend très vite beaucoup plus sur ce qui se passe sans même changer l'illustration elle-même. projet de Georgina. Ruined Faith, est un exemple fantastique de la construction d'une idée en quelque chose de vraiment solide. Tout d'abord, référence en ligne et aussi sortir et prendre des photos de localisation. Plus vous pourrez vous immerger même dans la phase de recherche, plus vous serez vraiment enrichi par le processus de création d'une illustration. De même, au fur et à mesure que vous avez parcouru vos croquis, votre exploration et votre raffinement d'idées, vous pouvez vraiment voir que le niveau d'engagement a évidemment conduit à un niveau de satisfaction, ce qui est absolument quelque chose que beaucoup d'étudiants et je peux apprendre de. Vous avez été incroyablement bien fait. Je pense que mon seul point de rétroaction serait de s'appuyer sur la règle des tiers, quand il s'agit d'une composition comme celle-ci. Surtout quand il y a beaucoup de choses sur lesquelles nous pouvons attirer notre attention. La règle des tiers, pour ceux d'entre vous qui ne savent pas, est fondamentalement si vous avez une composition d'image et que vous la divisez en une grille comme celle-ci, en tiers verticalement et horizontalement, points de la plupart des intérêts devraient en quelque sorte se croiser où sont ces points. Par exemple, si vous avez un horizon, cela aura l'air le plus attrayant ici ou ici. Si vous avez un sujet, il sera mieux placé au milieu ou au point d'intersection entre ces lignes et ces lignes. La raison pour laquelle je soulève cela est quand je regarde cette image, est belle comme elle est, il me semble que je manque quelque chose ou l'ici parce que le point d'intérêt est assez clairement ici. Ce que ce personnage regarde. Bien qu'il y ait beaucoup de blanc dans cette zone visuellement, il se sent juste un peu hors écran, si cela a du sens. En centrant simplement la position de nos personnages, vous n'avez pas nécessairement besoin de remplir le haut et le bas. Vous pouvez simplement élargir l'image de celui-ci. Juste en remplissant un peu plus de ces informations de ce que c'est. C' est une tombe ou une pierre ? Y a-t-il quelque chose qu'il regarde ou est-ce qu'on le regarde, regarde au loin ? Si c'est le cas, peut-être pourrions-nous créer un espace pour que sa contemplation se sente comme elle s'insère. Mais dans la règle des tiers, il est logique de le mettre sur le côté gauche plutôt que sur le côté droit, simplement parce qu'il y a une histoire qui se passe derrière lui et le lieu est autant d'un personnage que les personnages. Pièce brillante. Vraiment bien mis ensemble et la composition est l'une de ces choses qui, je suis sûr que certains d'entre vous voyaient thématiquement à travers les entrées que je traverse, est une partie vraiment cool de diriger l'attention des gens et de faire sentir un morceau juste juste. Catherine Cook. Dancer in the Firelight, passe par un processus d'apprentissage fantastique avant de soumettre la pièce finale, ce qui est génial. Merci de l'avoir montré. J' adore le dynamisme de votre pièce. J' adore que tu aies un peu chaud et froid et que tu as un très bon contraste. Les lumières sont vraiment brillantes, presque blanches parce qu'elles sont face à la flamme et les sombres sont presque noirs comme nous voyons l'obscurité de l'espace derrière les personnages. Il y a des éléments vraiment forts que vous avez mis à bon escient. Je pense que mes commentaires porteront sur l'accent mis sur l'accent. L' une des astuces les plus cool pour créer un peu d' un point focal est de mettre littéralement les choses hors de l'attention. Je vais le faire à la fois en arrière-plan et au premier plan. Encore une fois, gardez à l'esprit que c'est un exemple très lâche, mais si je copie et colle les éléments que je viens d'isoler, ceux-là. Dans Photoshop pour démontrer, j'ajoute juste un peu de flou gaussien. Je vais juste mettre un léger flou. Mais comme vous pouvez le voir en faisant ce léger flou, il contrecarre et aiguise le point de mise au point. Je suis conscient que je fais ça dans Photoshop et que vous êtes pièce est une œuvre d'art traditionnelle. Mais avec cela dit, je pense que ce sont les lignes vives sur les bords des montagnes. Ils pourraient être adoucis avec les aquarelles, ces flammes. Encore une fois, en mélangeant ces matériaux les uns aux autres, juste ce petit peu plus lâche dans les zones qui ne sont pas le point de mise au point, aidera à créer cet effet flou. Quelque chose qui est vraiment plus amusant à faire de temps en temps, est de créer un élément dans le méga plein terrain. Parce qu'elle danse devant les flammes ici, vous pourriez, si vous le vouliez, ajouter comme quelques coups de flamme qui sont juste devant tout. Juste en face de la vue et de la caméra, légèrement superposant les éléments. Peut-être qu'on a quelques petits morceaux ici ou peut-être des braises en l'air. Aide à créer un sentiment de profondeur et d'ambiance sans ajouter de complication ou de détail. La dernière chose que je suggère, c'est l'éclairage de la jante. J' adore l'éclairage des bords, surtout ici quand on entre dans les zones sombres où la peau et les cheveux du personnage se mêlent le plus à l'horizon et au ciel. Vous n'avez même pas besoin de montrer une source de lumière pour faire allusion à une source de lumière. Mais en ayant un petit bord de lumière très simple dans la direction de la source de lumière supposée, nous avons créé un peu plus de séparation et un peu plus de contraste et de netteté. Il n'a même pas seulement besoin d'être sur les bords du personnage. Il peut être sur des parties du personnage qui semblent un peu boueuses lorsqu'elles sont connectées à d'autres parties du personnage. On a les cheveux et l'épaule ici. Vous pouvez mettre une lumière de jante ici qui, s'il y a une source de lumière venant dans cette direction, pourrait avoir touché les deux surfaces. Certains petits outils vraiment simples, faciles et super amusants que j'espère que vous trouverez utile dans les futures illustrations, qui, en passant, belle illustration, vraiment bien fait. La pièce de Samantha, Meet a Mermaid est un autre excellent exemple de montrer le processus de venir à une idée, et aussi d'utiliser des idées générées au hasard pour créer quelque chose d'unique. J' adore qu'elle ait utilisé la méthode d20, une de mes méthodes préférées, surtout en tant qu'amant des donjons et des dragons, pour obtenir vos résultats et votre génération d'idées. Cela peut être un excellent moyen, comme vous pouvez le voir, faire quelque chose que vous n'auriez peut-être pas pensé autrement et vraiment vous étirer de manière créative. Je pense que mes commentaires, Samantha, s'il y a quelque chose, seraient basés sur ce que je vais appeler la densité des détails. Je suppose que je veux parler ici, disons que je vais juste recadrer et copier et coller juste cette petite zone. Vous pouvez voir le niveau de texture, le niveau de ligne et le contraste qui se produit dans cette section spécifique de l'image est à un certain niveau. C'est assez profond. Il y a beaucoup de choses qui se passent dans les textures et les couleurs. Je ne pense pas que quelqu'un qui regarde cela dira que le focus de cette pièce est en fait ces personnages. Si je les isole de tout le reste, je pense qu'il est clair de voir que la densité de ces textures, et de ce contraste est beaucoup plus en arrière-plan que sur le point focal. Même si vous avez gardé le même schéma de couleurs et que vous n'avez pas trop changé, si l'arrière-plan avait un peu moins de contraste ou si les personnages avaient un peu plus, cela seul aiderait à redéplacer [inaudible] l'œil veut aller. Mais d'un autre côté, j'aime ce niveau de détail et de contraste en arrière-plan, et j'aime qu'il y ait une esthétique légèrement différente pour les personnages que l'arrière-plan. Une autre façon de créer un intérêt visuel est simplement en utilisant une couleur différente. Ce que c'est serait à vous de choisir. Mais nous avons tout simplement une pièce qui est submergée avec beaucoup de vert et juste un peu de bleu. C' est génial et ça marche vraiment bien pour la sensation, mais ça pourrait bien être juste la peine de peindre sur le point focal de votre image comme ces personnages ici. Je le fais juste avec un simple blanc. Évidemment, ces modifications sont très rapides et simples numériquement, mais vous pouvez certainement accomplir cela de différentes manières dans le milieu traditionnel. Je passe juste à un mode de fusion des couleurs, et comme vous pouvez le voir, cela a juste transformé en une poussée en noir et blanc dans l'image parce que je l'ai rendue blanche. Mais maintenant, quand je change la superposition de couleur à différentes couleurs. Si vous regardez l'image globale, c'est une excellente façon d'expérimenter et de voir que non seulement nous pouvons rapidement attirer l'attention de manière agressive sur le point focal, mais nous pouvons également voir comment cela peut affecter la sensation de l'image. Elle peut se sentir un peu plus chaude ou invitante si elle est dorée, elle pourrait se sentir un peu lustrée si elle est rose. Il peut se sentir un peu frais ou froid et s'attacher un peu plus avec l'eau et l'élément sirène, s'il est bleu. Nous n'avons pas besoin d'aller à plat comme ça, mais j'essaie de montrer aussi clairement et simplement que possible, c'est que même si vous vouliez garder ce niveau de densité de détail dans les zones où ils sont, couleur est une autre façon fantastique de dire à l'œil exactement où regarder. Mémoire d'Isaac, Space Western Shootout. Tout d'abord, j'apprécie certainement votre choix de sujet et je ne sais pas, je suis un peu une ventouse pour les aventureux et sauvage et fou et fantastique. Non seulement j'aime votre résultat, mais j'aime aussi comment dans la collecte de ressources, vous êtes vraiment allé dans toutes les directions liées, pas seulement pour les choses Space Western ou quelque chose de proche, vous êtes passé classique Western vous êtes allé uniquement l'espace et extraterrestre, vous êtes allé pour des objets mécaniques ou des objets costume à la fois dans les illustrations, puis dans les photos. C' est un exemple vraiment fantastique de la distance et de la largeur que vous pouvez et devriez aller avec votre planche d'humeur pour apporter autant et trouver autant d'inspiration pour donner vie à votre pièce. De même, en passant par la phase de conception de votre personnage et surtout en jouant avec les poses et le cadrage, la composition, c'est génial de vous voir vraiment vous étirer et être aussi inventif que possible. Maintenant, il est clair de voir qu'avec les trois miniatures que vous n'avez pas choisies et celle que vous avez faite, vous allez vraiment à l'aventure d'action et un peu de calamité parce que vous êtes parti avec un peu de jangle hollandais. Vous êtes parti avec cette perspective légèrement biaisée sur la caméra ou la perspective du spectateur. Ce que je suis intéressé à voir ici, c'est surtout dans une scène qui va vraiment profiter d'être un peu fou. Vous pourriez profiter de vraiment vous étirer et de voir quel point vous pouvez obtenir fou et combien vous pouvez apprendre dans le processus. Cela peut être aussi simple que de prendre une dernière pièce ou votre croquis avant de faire la pièce finale, et de tourner peut-être dans l'autre direction. Même en faisant ça, c'est ajouter un peu d'intérêt visuel. Jouer un tour des bords un peu. Maintenant, pensant post il n'y a probablement pas beaucoup que vous pourriez faire, il devrait être à travers la phase de croquis, si vous vouliez aller un peu plus extrême, ce qui si vous vouliez le faire, je pense que l'un des meilleurs les façons de le faire seront de la perspective, parce qu'en ce moment, vous avez un personnage qui est évidemment dans ce mode réduit où il est vraiment tiré dans l'arme. En conséquence, il crée ce sens pour presque une perspective complète. Si vous suivez cette ligne, nous avons déjà cette perspective que si nous suivons cela, nous obtiendrions un sens très clair de l'orientation. Si, dans ce sens, vous suiviez ces lignes pour l'arrière-plan, mais continuez à suivre cet angle légèrement hollandais qui créerait probablement un sens encore plus intense du drame. Si tu voulais aller encore plus loin, tu peux marcher ça, tu pourrais plier la perspective comme ça. Plutôt que d'avoir des lignes de perspective plates, vous avez ça presque comme une lentille de poisson, quelque chose qui enveloppe la scène autour de ce moment dans lequel nous sommes entraînés. Cela peut être une façon vraiment amusante d'ajouter des extrémités. Si vous vouliez encore plus vous étirer. Une autre chose que vous pouvez faire est de créer des sections de flou pour créer un mouvement. Nous pouvons mettre l'accent sur le mouvement et le chaos sans même changer la perspective de l'arrière-plan. J' ai fait cette sélection presque comme une rafale de lignes différentes dans cette perspective. Si je copierai et collez cela, pourrait être aussi simple que de simplement déplacer cela hors de place ou d'étirer cette section. Je sais que cela semble un peu bizarre, mais si vous sélectionnez les deux et si vous créez un flou radial, évidemment vous travaillez numériquement, donc je me laisse plus libre d'utiliser quelques astuces numériques. Vous pouvez utiliser une méthode de flou de zoom, et vous pouvez modifier le point focal et le montant. Comme vous pouvez le voir, cela ajoute beaucoup d'intensité. Maintenant, c'est comme un flou de haut niveau, vous pourriez faire beaucoup plus subtilement. Flou radial, ramenons-le à neuf points de flou. C' est logique de la façon dont j'ai délogé ces zones et cela crée presque comme cet effet secouant parce que nous avons créé cette séparation et étendu ces lignes. Nous perdons beaucoup de détails de fond, c'est pourquoi nous pourrions utiliser d'autres méthodes pour créer un peu plus de ce mouvement et de cette intensité. Isaac est très clair, vous êtes un grand artiste, et maintenant il est temps de pousser les choses que vous pouvez faire pour affecter ce résultat autant que possible. Utilisation de superpositions de couleur et de filtres pour intensifier les choses. Mettre en surbrillance les bords pour créer un sens extrême du drame. Utiliser l'outil esquiver et brûler pour vraiment aiguiser et faire des zones pop qui vont vraiment bénéficier d'une intensité accrue. Utilisez également l'outil de gravure pour repousser les zones en arrière-plan afin de garder l'accent sur les zones les plus nettes et les plus contrastées. Le point est de savoir si ce sera en vous mettant au défi avec la construction de la scène et de la perspective, ou en amplifiant certains effets ou choses que vous pouvez utiliser pour accentuer l'objectif que vous visez parce que c'est vraiment clair que vous êtes déjà venu si loin. Je pense que cela nous amène à un endroit où nous avons exploré beaucoup de projets. Je suis sûr que vous conviendrez qu'il est si inspirant de voir quels domaines les gens sont attirés par l'exploration et ce que nous pouvons tirer de leurs points de vue et de leurs approches. Je suis vraiment excité d'avoir partagé certains de ces projets de classe avec vous aujourd'hui et d'avoir l'expérience de les parcourir moi-même. Je tiens à remercier tous ceux qui ont soumis leurs projets de classe, jusqu'à présent. J' aimerais encourager toute personne qui regarde cela qui n'a pas soumis de projet de classe à vraiment le faire. Vous avez remarqué que l'élément unifiant entre tous ces projets est que lorsque les gens se poussent et explorent leurs idées, ils obtiennent leur meilleur résultat possible, ce qui est la meilleure chose que vous pouvez faire en tant qu'artiste. de vue de la communauté, du point de vue de l'apprentissage, lorsque vous partagez ce processus avec d'autres personnes, non seulement cela vous profite, mais c'est aussi une ressource inestimable pour d'autres personnes à tous les niveaux. pour voir comment leurs collègues et leurs pairs apprennent et comment ils peuvent appliquer ces leçons à leur propre processus. Veuillez prendre un moment pour explorer les autres projets soumis à cette classe. Ils étaient tellement nombreux que je ne pouvais pas inclure dans cette vidéo malheureusement. Ils sont tous si inspirants et vraiment édifiants. Surtout, je tiens à vous remercier beaucoup de vous avoir mis au défi de faire partie de ce cours, de m'avoir soutenu, de soutenir ce cours et de vous mettre au défi et de prendre des mesures pour passer au niveau supérieur. Je suis si reconnaissante d'avoir participé à tout cela d'une manière ou d'une autre et pour les paroles aimables des gens qui estiment que cela a été utile, j'espère vraiment que cela l'a été. Je vous encourage à rester créatif, amuser beaucoup sur votre voyage, à vous défier, mais toujours revenir aux possibilités et à l'excitation infinie que vous pouvez créer. Les mondes et les histoires que vous n'avez pas encore racontées à travers votre art et votre créativité. Merci beaucoup d'avoir regardé et jusqu'à la prochaine fois, je te verrai plus tard.