Loose mais précises : peintures florales expressives et simples à l'aquarelle

1. Introduction: Dessiner des fleurs au trait précis et à l'aquarelle ample et expressive est une technique incroyablement rapide et Bonjour, je m'appelle Julia. Je suis dessinateur de carnets de croquis et illustrateur de la nature. J'adore dessiner des plantes avec cette approche intuitive. Ce cours consiste à dessiner des fleurs en combinant des lignes détaillées et des textures Et des lavis à l'aquarelle fluides. Ce sac ample, à l' approche précise que je mettrai en valeur et en fraîcheur à n'importe quel croquis floral. Tout en restant agréable et ludique. Vos croquis de fleurs deviendront plus éclatants et expressifs plutôt que surchargés de Dans ce cours, je vais vous montrer les techniques et les meilleures pratiques pour créer des captures de plantes sans effort, y compris des approches de base pour le dessin et de nouvelles idées pour combiner le dessin au trait Les principes fondamentaux de l'approche du dessin, tels que la forme, le volume, la valeur et la couleur, peuvent être appliqués à n'importe quel sujet avec les mêmes résultats expressifs Vous ferez des exercices d' échauffement qui vous aideront à capturer l'essence de votre fleur tout en obtenant un dessin précis qui montre les détails et L'aquarelle souple sur le dessus, nous ajouterons une couche de souplesse et de En tant qu'artiste qui aime autant la précision que le travail spontané et vif au pinceau. Pour moi, c'est l'équilibre parfait entre ces deux pôles. Le cours comporte plusieurs démos complètes qui vous expliqueront mon processus étape par étape Les fleurs sont un excellent sujet à dessiner pour les débutants, car elles sont très patientes et se présentent sous toutes les formes et couleurs. Et je ne me lasse jamais de dessiner des fleurs. Que vous veniez de commencer à peindre à l' aquarelle ou que vous soyez un artiste intermédiaire, je vais vous montrer une façon vraiment inspirante de dessiner des fleurs J'adorerais vous voir dans ce cours pour dessiner ensemble de belles fleurs. Alors plongeons-nous 2. Votre projet: Merci beaucoup de m' avoir rejoint. J'ai structuré les leçons de ce cours de manière à ce qu'elles s'appuient les unes sur les autres et soient faciles à gérer, même pour les débutants. J'espère vraiment que les exercices pratiques vous plairont. Veuillez consacrer un peu de temps aux notions de base du dessin et de la peinture pendant les échauffements car cela vous permettra d'avoir une bonne base sur laquelle vous appuyer pendant la phase de peinture. Peindre des aquarelles lâches et fluides est très amusant. Mais pour cette technique, elle fonctionne mieux lorsque vous la maintenez en place avec quelques lignes et détails de texture très bien observés J'aimerais vraiment que vous appréciiez le processus au maximum. Nous procéderons à quelques échauffements pour vous familiariser avec le processus de dessin Et ce sera la base de vos croquis. examinerai également de plus près termes liés à la peinture tels que la valeur et la couleur pour faciliter un peu le processus de coloration à l'eau. Ce cours vous donnera un aperçu très rapide des bases du dessin et de la peinture, mais il n'entrera pas dans les détails. L'accent sera plutôt mis sur la création d'un style d' esquisse souple mais précis et sur l'élimination de la nécessité de rendre un dessin parfaitement fini J'expliquerai de nombreuses choses pendant que je montrerai mon processus de dessin et démonstrations, comme le rapport peinture/eau, variations de couleur, comment ajouter des ombres, des reflets et des différences, le papier et les pinceaux Votre projet consistera à utiliser les techniques présentées dans ce cours pour créer votre propre croquis botanique représentant la fleur de votre choix, idéalement une fleur que vous avez étudiée sur le vif. Vous pouvez utiliser l'onglet projets et ressources pour télécharger votre projet. Si vous souhaitez recevoir des commentaires de ma part sur votre travail, veuillez partager vos croquis en classe sous forme de projet. J'adorerais voir l'ensemble de votre processus s'échauffer et étudier votre dessin de fleurs et la version peinte finale Veuillez nous faire part de vos réflexions sur le processus et de ce que vous avez appris. Cela me permettra de vous aider plus facilement. C'est normal de partager ses difficultés. Ils sont très utiles pour progresser. Et je suis là pour vous guider en cours de route. Sur le côté droit, dans la section des ressources, vous trouverez un PDF téléchargeable avec les matériaux et les peintures que j'utilise. Et vous trouverez également quelques liens vers d'autres de mes cours Skillshare qui vous aideront à en savoir plus sur le dessin du monde naturel, des fleurs et 3. Matériaux: Jetons un coup d'œil aux outils dont vous aurez besoin pour ce cours. Et ce n'est vraiment pas grand-chose, car j'aime garder ma boîte à outils très simple et très accessible Cela me permet de commencer très rapidement. Cela signifie également que cela élimine cette fatigue décisionnelle que vous ressentez parfois lorsque vous avez trop de matériaux incroyables à votre disposition et que vous ne savez pas quoi choisir. Je vais donc rester très simple pour ce cours. Commençons par les pinceaux. J'ai trois pinceaux différents ici. En gros, si vous avez un bon pinceau, vous n'en aurez besoin que d'un ou deux. J'ai un grand pinceau synthétique rond. Il s'agit d'un pinceau de taille 8, et je l'utilise pour toutes mes aquarelles en vrac J'ai aussi un pinceau plus petit. C'est une taille deux pour le travail détaillé, et cette taille cinq, je dois dire que je ne l'utilise pas très souvent. Vous pouvez donc utiliser un pinceau de taille moyenne pour le mixage ou pour les zones où vous avez besoin d' un pinceau légèrement plus petit mais pas d'un pinceau détaillé Quoi qu'il en soit, une chose à laquelle il faut faire attention lorsque vous choisissez des pinceaux, c'est qu'ils forment une très belle pointe et que vous aurez besoin de ces pour ajouter un peu de texture et de détails. C'est donc très important. Ce ne sont pas des pinceaux sophistiqués, ils sont juste bon marché. Pinceaux sans nom provenant de mon magasin de fournitures artistiques local et ils fonctionnaient très bien. Ensuite, j'ai ma palette d'aquarelle de base et j'utiliserai ici ma palette d' esquisse standard Je laisserai un lien vers cette palette particulière si vous êtes intéressé par les pigments individuels. Mais en gros, vous aurez besoin d' une palette complète avec deux jaunes, deux rouges, deux bleus, quelques verts et quelques tons de terre C'est donc essentiellement ce que toutes les bonnes palettes préfabriquées sont fournies avec cette configuration En ce qui concerne le papier, j'utiliserai du papier aquarelle en coton de 300 g/m² ou 140 livres J'utilise du papier que j'ai découpé sur mesure à partir de feuilles. C'est exactement ce que je préfère. C'est aussi un peu moins cher de cette façon. Et voici du papier pressé à chaud, c'est une presse à chaud Saunders Waterford, 300 g/m² Je préfère le papier pressé à chaud. C'est très fluide car cela fonctionne mieux pour dessiner et ajouter de petits détails, mais c'est vous qui décidez ce que vous voulez. Le papier pressé à froid fonctionne donc également très bien si vous le préférez. Je découpe mon propre papier à partir de feuilles plus grandes, vous pouvez bien sûr également utiliser votre carnet de croquis ou du papier livré Arches Hot Press est donc un autre très bon article qui pourrait également fonctionner pour ce cours. Et puis j'ai mon crayon. Il s'agit d'un crayon mécanique Pentel avec une mine HB de 0,7 millimètre C'est exactement ce que j'aime utiliser, mais tous les crayons HB feront l'affaire et il y a aussi une gomme à effacer à l'extrémité Munissez-vous également de cette petite gomme fine. Si je veux supprimer les petits bords, ce sont des détails, mais vous pouvez apporter n'importe quelle gomme que vous pourriez avoir sur vous Ensuite, bien sûr, vous aurez besoin de petites choses comme un Painting REG et votre réservoir d'eau Et je mettrai un PDF avec tous les documents que j'ai mentionnés ici dans la section des ressources. Vous pouvez donc y naviguer et télécharger le PDF avec la liste des matériaux si vous le souhaitez. 4. Exemples de mon carnet de croquis: Je voudrais vous montrer, si vous le souhaitez, des exemples de la façon dont j' aborde cette technique souple mais précise. mon travail sur les carnets de croquis et même dans mes illustrations détaillées, je cherche à garder une certaine dose de spontanéité et de pinceau Je pense que tu pourrais le dire comme ça. Je veux du réalisme, mais avec juste une touche d'impressionnisme. Dessins basés sur un contour affiné observé avec des couches de peinture lâches et associatives J'ai trouvé que cela allait très bien dans le carnet de croquis. L'idée qui sous-tend cette technique est d'utiliser votre trait comme base solide pour une application lâche et expressive de la peinture Vous pouvez vraiment vous déchaîner avec votre technique de peinture. Si vous définissez le trait , il est suffisamment précis pour montrer clairement tous les éléments de votre fleur Au fil des ans, j'ai trouvé moyen de m'entraîner à créer des carnets de croquis de manière ludique tout en ne me concentrant pas trop sur le perfectionnisme J'ai tenu un journal sur la nature ou un journal de terrain et, au cours de cette période, j'ai également considérablement amélioré mes compétences en dessin. Je partage mes aventures journalistiques et de nombreux cours et articles de blog Cette méthode souple mais précise est un excellent moyen de réaliser leurs croquis botaniques détaillés sans avoir à passer des heures à superposer des lavages tout obtenant un résultat reconnaissable et frais Je trouve que cette combinaison est vraiment attrayante et que la technique me reflète également très bien. J'aime la précision et le contrôle, mais une autre partie de moi recherche simplement expression spontanée et libre. Je travaille toujours à partir d'un flux de base et c'est exactement la façon dont je fonctionne et c'est la façon dont j'apprécie le plus le processus. Observer quelque chose pendant que je le dessine m'aide à le comprendre et je peux déjà réfléchir à l'endroit où je souhaite conserver les détails plus tard. Faites ressortir les tons clairs et les ombres pendant que je place les lignes. Un tracé précis ne signifie pas que vous devez passer des heures à dessiner à fond Essayez simplement d'observer de près ce que vous voyez et de placer vos lignes J'aimerais vraiment vous encourager à mettre en pratique ces principes de base. Et à partir de là, trouvez votre propre style de dessin. Explorez le moyen. Vous pouvez trouver des moyens intéressants de montrer des lignes et des marques et indiquer différentes textures avec un stylo ou un crayon. Ces croquis de cerises, je savais que je voulais montrer les structures pliées des feuilles et les pétales détachés des fleurs J'ai également laissé les reflets ici, simplement du blanc, ce qui est très facile avec l'aquarelle Lorsque le dessin est en place, je peux immédiatement passer à la couleur et à la peinture avec cette approche souple. J'ai essayé de tenir compte des valeurs dès le départ Je pourrais donc laisser les zones blanches non peintes pour préserver les reflets Et j'enfonce également le pigment dans ces zones plus sombres. Et dans la deuxième couche, je reformule et resserre légèrement ces déclarations de couleurs pour qu'elles se lisent plus clairement dans ces feuilles ici Et lorsque vous disposez de ce cadre de lignes et de lieux, vous pouvez décider jusqu'où vous voulez le porter, soit en couleur, soit laissant des parties inachevées, comme dans ces deux croquis Cela montre donc le caractère d'étude de votre pièce et vous permet également de gagner un peu de temps. l' aquarelle Il est possible d'obtenir des reflets et un croquis à ne remplissant pas la zone de couleur et en laissant simplement à quoi ? C'est ma méthode préférée car elle vous donne des résultats vraiment nets et écrits. Selon votre approche, vous pouvez également enlever les zones peintes avec un pinceau propre pour un effet plus doux ou appliquer une couche de peinture blanche épaisse pour un aspect plus pictural Et dans les deux cas, il faut peaufiner davantage un croquis. J'essaie donc généralement de l' éviter dans notre travail, mais cela peut aussi donner des résultats dans les arènes Vous pouvez donc voir ici les points forts de ces baies. J'ai simplement peint autour d'eux. Encore une fois, sur la feuille et sur la photo géniale, j'ai simplement omis les parties blanches. vous pouvez le voir sur la feuille ci-dessous, j'ai oublié cela et j'ai rajouté quelques reflets avec de la peinture blanche Je pense que cela montre que ce n'est pas vraiment Cela ne ressort pas comme les autres reflets, mais cela crée un effet plus subtil. Encore une fois, dans cette esquisse d'une rose, j'ai essayé de préserver les reflets en appliquant simplement la couleur de manière lâche et en peignant autour de ces zones Dans les croquis floraux ou botaniques, j'aime souvent montrer des ombres sur la fleur elle-même dans une couleur locale plus foncée, rouge foncé sur une fleur rouge clair ou du vert foncé sur une feuille vert clair Ainsi, les ombres paraîtront moins lourdes que si vous utilisiez du violet ou du bleu tout le temps. Et cela s'appelle aussi une ombre botanique. Pour les fleurs avec beaucoup de petits éléments, comme ce type de fleurs groupées Il est très efficace de n'indiquer que quelques détails et de laisser le cerveau s'occuper du reste. Cela vous permet également de gagner beaucoup de temps et probablement d'être un peu dépassé. Donc, si vous ne montrez qu'une ou deux des fleurs détaillées sur le devant, comme je l'ai fait ici. Je n'ai même pas pris la peine de l'essayer ici. Ensuite, vous pouvez laisser le reste indéfini. Le tout reste très lisible. Vous pouvez utiliser l'aquarelle à merveille pour laisser les éléments du fond s'estomper légèrement afin d'ajouter un petit effet spatial à la dernière étape pour tous mes croquis libres mais précis, comme toujours, afin d'ajuster l'esquisse une dernière fois et d'ajouter Donc, des endroits aux accents et aux textures nets. C'est beaucoup de PFK-1, et je dois m'empêcher de trop travailler sur le sketch Ce sont toujours plus de détails à observer dans la nature et à ajouter, mais nous devons faire en sorte que le croquis reste lisible pour communiquer de quoi il s' agit essentiellement Ce croquis d'iris, j'aurais pu ajouter de plus en plus de petits points et de veines, mais j'ai décidé de me limiter aux détails à quelques zones sélectionnées, mes points focaux, pour ainsi dire De cette façon, je peux guider doucement l'œil du spectateur vers les zones intéressantes de l'esquisse. Comme vous pouvez le constater, j' ai étudié tous les détails de cette feuille très intéressante. J'ai donc essayé d'enregistrer tout ce qui se passait, puis j'ai décidé de le laisser de côté dans mon croquis détaillé ici. La texture est donc importante, mais uniquement à faible dose, vous pouvez choisir d' utiliser votre crayon ou petit pinceau pour les détails comme je l'ai fait ici. Tout ce qui prend le plus de temps et tout ce qui prend le plus de temps n'est en fait pas immédiatement visible sur ces croquis. Il s'agit de l'observation et des décisions qui se prennent avant que le crayon ou le pinceau ne soient posés sur du papier. En prenant le temps d'explorer un plan fond, vous obtiendrez un meilleur dessin. Et cela facilitera l'obtention d' un croquis floral lâche mais précis. Les hommes, c'est vous qui décidez ce qu' il faut laisser de côté et ce qu'il faut apporter à votre croquis. Voici donc mon approche de ce style de dessin. Cela s'est avéré très flexible et agréable pour moi et j'espère que vous ressentirez la même chose lorsque vous essaierez cette façon de dessiner 5. Échauffement: J'aimerais faire quelques échauffements avant passer à de plus grands croquis de fleurs Et je pense que ces exercices sont vraiment payants. Ils vous aideront à vous détendre et à développer un peu de mémoire musculaire Et cela vous permettra de dessiner plus rapidement et avec plus de confiance au fil du temps. Et vous pouvez accélérer ces échauffements. J'ai utilisé une fleur assez simple ici, c'est un chiot et je l'ai dessinée plusieurs jours de suite. Mais dans ce but, j'ai en quelque sorte résumé cela en une seule grande leçon. Donc, ce que je veux faire, c'est examiner de près la fleur sur mon sujet et voir comment je peux la simplifier. Et en gros, ce petit bourgeon a une sorte de forme elliptique J'ai essayé de le décomposer en formes géométriques de base et d'essayer de trouver la plus grande forme qui lui convient, cette ellipse Et à partir de là, un support plus bas en parties gérables. Et j'ai délibérément commencé avec une forme très, très simple comme ce chiot Mais ce que je fais souvent à ce stade, c'est plisser un peu les yeux, car cela m' aide à comprendre les différentes formes, les différents angles Une autre chose que vous pouvez faire est d'utiliser votre crayon pour mesurer les différents angles et les distances. J'ai essayé de faire en sorte que les premières lignes soient très souples. Et lorsque j'ai trouvé la forme définie, je peux placer des lignes plus larges avec plus de confiance. En faisant cela, en plaçant ces lignes, j'ai essayé de réfléchir à la façon dont cet oiseau, cette fleur est un objet tridimensionnel et à la façon dont les pétales s'enroulent à l'intérieur Et surtout avec cette fleur qui se déploie, la façon dont les différentes zones et pétales s'enroulent et Et si je le tourne, je l'avais en main pendant que je le dessinais, je peux voir comment le volume change, comment les formes et les plans changent. J'ai donc essayé de l'intégrer dans mon tube à croquis. Le dessin repose en grande partie sur une bonne observation. Essayez de mettre de côté votre idée de ce à quoi devraient ressembler les choses lorsque vous dessinez quelque chose pour vraiment essayer d'observer et noter sur la page exactement ce que vous voyez. Au fil du temps. Vous développerez votre mémoire musculaire en dessinant beaucoup. Dessiner quelque chose sous des angles similaires à ceux que je fais ici aide également. Et je remarque toujours que même si je dessine presque tous les jours, j'ai toujours besoin de quelques échauffements le matin et mes premiers dessins ne sont généralement pas très beaux. Donc, un autre conseil serait si vous remarquez que vous faites une erreur, passez à autre chose. Il suffit de continuer. Tu dessines au crayon. Vous pouvez l'effacer ultérieurement comme bon vous semble. De cette façon, le dessin et la peinture sont toujours un processus qui consiste à faire une supposition éclairée, puis à l' affiner tout au long du processus, car ce n'est jamais parfait du premier coup. Le style d'esquisse que je montre ici est basé sur le dessin Il est donc très important de disposer de ce cadre. Observez donc les formes de base. Placez votre dessin au trait, puis ajoutez quelques détails, ajoutez quelques textures pour le rendre plus intéressant. Et c'est essentiellement tout ce qu'il y a à voir. Je peux donc passer à mes peintures. Maintenant, quand je fais cela, j'ai l'habitude de plisser à nouveau un peu les yeux pour avoir un aperçu des valeurs Les valeurs sont les différentes tonalités entre le noir et le blanc. Donc, les reflets, les ombres et tout ce qui se trouve entre les deux. Et il est intéressant de noter qu'ils sont bien plus importants pour une peinture lisible que la couleur. Vous pouvez donc utiliser vos couleurs de manière assez délirante si vous conservez votre structure de valeurs intacte. Ainsi, une façon d'apprendre les valeurs C peut être en fait un appareil photo argentique. Si vous passez en mode noir et blanc, vous verrez où se trouvent les zones claires et sombres pour ces chiots. Mais je commence par une simple sève verte et je l'applique dans un nettoyant très dilué. Ainsi, lorsque vous ajoutez de l' aquarelle à une esquisse, il est important de connaître l'intensité votre peinture et la mesure dans laquelle vous l'avez diluée. Parce que cela affectera directement la valeur. Ainsi, plus votre peinture est claire ou foncée et plus vous ajoutez d'eau à votre peinture et à votre pigment, plus vos lavages sont clairs Bien entendu, la quantité d'eau influencera également la réaction de la peinture. Essayez donc de ne pas perdre trop d'eau sur le pinceau lorsque vous ajoutez une deuxième couche Vous pouvez voir la peinture ici aussi brillante que j' y ajoute de la peinture, du pigment Et j'essaie de faire attention à ne pas y ajouter trop d'eau car cela repousserait le reste du pigment. Quoi qu'il en soit, avec l'aquarelle, vous travaillez du clair au foncé. Cela signifie que vous pouvez créer des zones sombres en ajoutant d'autres couches ultérieurement. Pour cette technique rapide, je ne dois pas peindre plus de deux ou trois couches au total. Alors que je travaille sur les parties vertes du chiot, j'ajoute du pigment dans les zones qui ont une valeur plus foncée et qui sont censées être plus foncées plus tard. Je peux donc utiliser l' aquarelle comme celle-ci en modifiant la quantité d'eau que j' ajoute aux différentes zones J'essaie donc de faire attention à quantité d'eau que j'ajoute à ma peinture et à mon pinceau. Vous pouvez donc peindre avec un pinceau humide ou sec. Et en général, la première couche peut être très souple et fluide avec beaucoup d'aquarelle comme les verts que j'ai déposés ici À ce stade, j'ai essayé de laisser couler la peinture et de ne pas trop la manipuler Et vous le verrez à nouveau plus tard dans la fleur qui se déploie, où je peins vraiment de grandes surfaces avec beaucoup d'eau pour ces petits chiots Mais je veux être un peu plus prudente. Je veux placer suffisamment de pigment dans la première couche pour ne pas avoir à travailler beaucoup sur la deuxième couche. Je charge donc mon pinceau d' une grande quantité de pigment , puis je le décolore en quelque sorte dans les zones qui sont un peu plus claires et qui ont ensuite une valeur plus claire. Et je laisse également les zones noires. Je les laisse complètement larges. Cela dépend entièrement de vous. Vous pouvez également simplement remplir toute la zone, puis la recouvrir de noir plus tard, car vous pouvez travailler du clair au foncé C'est toujours une option. Ici, je fais tomber beaucoup de pigment rouge, beaucoup de peinture concentrée. Et vous pouvez voir que je laisse encore quelques petits points saillants. Je tiens tout de même à préserver ces points forts dans la mesure du possible. Et au fur et à mesure que les parties rouges sèchent, je reviens au vert plus pâle que je peux observer à l' intérieur du chiot Avant de vraiment trouver et approfondir le rouge, je voudrais ajouter les parties noires du chiot. Et cela me donnera un très bon contraste. Tout ce temps avec les petites fleurs. J'utilise un pinceau plus petit et j'ajoute ces quelques détails concentrés à quelques endroits seulement. J'essaie de me rappeler ne pas trop tripoter pour rester rapide, charger mon pinceau, remettre à sa place, le toucher, puis de repartir Et aussi pour faire attention au travail hiérarchique que j'ai écrit plus tôt afin de pouvoir l'adapter si je vois qu'il doit être légèrement différent , mais en général, mon schéma de ligne est déjà en place à ce stade et je dois simplement le suivre. C'est donc un peu comme peindre par numéros si vous le souhaitez. Mais en réalité, il s'agit plutôt d'un processus créatif. Et c'est vous qui déciderez un peu plus de la structure des valeurs et de la qualité des coups de pinceau. Maintenant, ma couche de peinture rouge est complètement sèche et je recommence avec de la peinture rouge plus concentrée et un petit pinceau. Et je veux vraiment mettre en avant ces valeurs plus sombres, ces plis sur le coquelicot, ces ombres intéressantes et ces structures Il s'agit donc d'un mélange entre l'ajout d'une deuxième couche et le fait de déjà penser aux textures, aux détails. Où est-ce que je veux que le spectateur regarde ? Qu'est-ce qui est intéressant dans ce sujet ? Cette étape est généralement très amusante et je dois me retenir davantage pour me perdre dans les détails. Alors, de temps en temps, je prends du recul pour bien regarder. Peut-être que je plisse les yeux un peu et que quels sont les éléments essentiels de cette fleur de pavot ? Quels sont les points importants sur lesquels je dois insister pour communiquer visuellement de quoi il s'agit. Encore une fois, la philosophie ici est d'utiliser le moins de coups de pinceau possible et indiquer clairement quelles sont vos intentions avec le pinceau. Je pense que cela s'est très bien passé. Je dirais donc qu'il faut revenir à la table à dessin et faire quelques études supplémentaires. Le chiot s'est donc ouvert et on nous présente des formes plus intéressantes de cette fleur. Et cette fois, je prends un peu plus de temps pour comprendre la forme extérieure complète des fleurs. Je trace donc ces lignes libres juste pour me rappeler où se terminent les pétales comment ils se plient et où je dois passer un peu plus de temps pour les observer de près. Et c'est exactement ce que je suis en train de faire à ce stade. J'ajoute donc un peu plus de détails au milieu, à l'endroit où se trouvent ces petits points. Et à partir de là, j' essaie de rester très simple avec les pétales. Et ces formes sont plutôt difficiles. J'essaie donc de rester sur le bord et de suivre ce bord avec mon crayon. Et je fais beaucoup de va-et-vient entre le chiot et mon bout de papier pour essayer de donner un sens à cette forme intéressante. Je n'efface ou ne corrige même pas erreurs que je pourrais voir parce que je peux les comprendre, je peux corriger cela plus tard dans la phase de coloration. Donc, oui, une forme de fleur vraiment très complexe et intéressante. Passons à quelque chose d' un peu plus simple. Cette fleur pour chiot a donc essentiellement la même forme ronde, mais elle est un peu plus facile à structurer. Il y a moins d'irrégularités et cela devrait être vraiment amusant à dessiner. J'ai ce genre de trois points de suspension, ces trois cercles La partie centrale est arrondie par rapport aux parties les plus foncées et les pétales rouges. Et je peux immédiatement commencer par placer ces trois éléments et ajouter un peu plus d'informations. Comme ces petits points au milieu où la fleur sera pollinisée. En gros, je prends un peu d'avance et j'ajoute quelques textures, mais je pense que pour cette forme vraiment très simple, je peux me le permettre. Il ne me reste plus qu'à ajouter ces pétales ultérieurement. Cela a donc des effets vraiment intéressants en plaçant ces petites lignes autour du centre, je peux indiquer le volume et la façon dont les pétales se courbent vers le haut Je suis en quelque sorte en train de me frayer un chemin du centre vers les zones extérieures. Maintenant que le milieu est vraiment en place, je vois qu'en bas, je peux en quelque sorte regarder ces plis entre l'essence. Je dois donc faire attention à ce qu'ils se compressent vraiment Et au niveau des bords supérieurs, ils sont plus grands. Et au cours de la deuxième phase, lorsque le spectateur se trouvait au bas de l' échelle, il a vraiment changé de perspective, pour ainsi dire. Et c'est un autre exercice intéressant que vous pourriez faire. Vous pouvez prendre la fleur que vous voulez dessiner et la dessiner sous plusieurs angles. C'est un très, très bon échauffement qui vous mettra vraiment plus l'aise avec tout ce que vous voulez dessiner. Je peux vraiment le recommander. Oui, dans ce cas, je pense que mon croquis de base est fait ici. Je ne fais que renforcer un peu plus certaines lignes, en ajoutant un peu plus de contraste à ce milieu plus foncé et à quelques points qui, je pense, ajouteront un peu plus d'intérêt visuel à l'esquisse florale. Je passe donc à l'aquarelle, et encore une fois, je commence par une partie verte Ils sont minoritaires cette fois-ci, donc juste les tiges et les zones intermédiaires Et j'utilise le même vert légèrement dilué et légèrement bleuté dilué et légèrement bleuté mélangé à un peu de bleu cobalt à mon vert sève ici Et je vais laisser sécher ça. Et puis je mets un beau vermillon sur mon pinceau. Et j'aurais dû prendre un très gros pinceau ici. Je ne sais pas pourquoi je suis restée avec un petit pinceau. Donc, si vous avez une grande surface d'une seule couleur, utilisez absolument le plus grand pinceau que vous ayez. Vous le verrez dans les autres démonstrations. En gros, ce que j'ai essayé de faire depuis le début, c'est encore une fois rechercher des valeurs. Je recherche des zones plus claires et plus sombres. Et j'essaie de diluer ces zones avec de l'eau là où je peux voir les zones claires et j' ajoute plus de pigment aux zones où je peux voir des valeurs plus sombres. J'essaie donc de faire attention dès le départ à ma structure de valeurs. Ici. Encore une fois, je laisse quelques reflets, ces plis et ces pétales qui se chevauchent Je ne veux pas simplement peindre comme une peinture par numéros. J'essaie de me demander quoi a besoin cette fleur ? Où se déplace-t-il ? Quels sont les domaines qui présentent peut-être des points forts ? Je veux donc inclure cela dans le croquis. Au fur et à mesure que je progresse. Le côté droit de la couche de peinture est déjà un peu sec et je peux utiliser peinture plus concentrée et ajouter des peintures plus foncées. Excellente. Ainsi , parfois, vous n' avez pas besoin de partir ou de faire une pause. Vous pouvez simplement passer à un autre endroit du croquis comme je le fais ici, je travaille actuellement sur la deuxième fleur. Vous pouvez voir que c'est un mélange assez aqueux. Encore une fois, j'aurais aimé sortir mon plus gros pinceau Encore une fois, vous pouvez voir que je laisse quelques reflets blancs ici. Je regarde chaque pétale, essaie d'en observer un, essaie de comprendre les différents plis Encore une fois, j'utilise une peinture plus concentrée pour les zones ombragées ou non exposées à la lumière directe. Et ainsi, j'obtiens un effet tridimensionnel immédiat. Je comprends la structure de valeur. Peu importe que ce soit violet, vert ou de toute autre couleur. Ce qui compte, c'est la façon dont vous placez les valeurs et non la couleur. Je fais des allers-retours entre les deux fleurs renforcer les zones les plus sombres, le côté obscur du coquelicot, Et je regarde toujours attentivement la référence qui se trouve juste devant moi. Pour vraiment savoir où je dois placer ces coups de pinceau Vous pouvez voir que je commence à renforcer certaines lignes des bords des pétales des chiots Et je suis également en train de faire glisser ces coups de pinceau et d'ajouter ces petits détails de texture ici C'est en quelque sorte la troisième étape de l'esquisse où je réfléchis endroit où je souhaite obtenir ces effets graphiques. Où je veux attirer l'attention du spectateur avec ces coups de pinceau à contraste élevé Et dans le coquelicot, c'est une combinaison intéressante. C'est en quelque sorte ça. Dans certaines zones, les couleurs s'estompent et s'estompent. Et dans d'autres zones où les pétales sont plus froissés, vous avez ces ombres dures intéressantes bords et ces lignes durs Je joue avec ça en atténuant et en adoucissant certains des dégradés que j'ai Et en plaçant ces lignes et arêtes très dures dans d'autres zones. Et je pense que cela rend le sketch vraiment intéressant. Et comme dernière étape, je dois encore ajouter ces accents noirs au milieu. Et je suis en train de tester mon pinceau si je le peux, si je peux obtenir des lignes assez fines pour y parvenir. Je veux donc vraiment que ces lignes soient vraiment fines et délicates, car je pense que cela donnera un effet graphique vraiment génial. Et je commence par ajouter les petits points et les petites lignes au milieu de la fleur. Lorsque je décide quels détails je veux ajouter, je choisis ceux qui attirent immédiatement mon attention et ceux où je veux avoir de la définition et de la texture. Le milieu de ce coquelicot est certainement une zone où le contraste est élevé et je veux vraiment qu'il y ait où je veux avoir de la définition et de la texture. Le milieu de ce coquelicot est certainement une zone définition et de la texture. Le milieu de ce coquelicot où le contraste est élevé et je veux vraiment qu'il y beaucoup d'inflammation Il y a plein de petits éléments. Habituellement, les couches ci-dessous contiennent déjà une assez bonne quantité d'informations. Cela indique le sujet des croquis. Et tout ce que vous voulez faire à ce stade c'est ajouter un peu plus de clarté, un peu plus de contraste. Vous n'avez pas besoin de détails et de textures partout. Peut-être avez-vous besoin d'un petit coup de pinceau fin pour redéfinir un contour ou pour ajouter des zones, des lignes ou des points à contraste élevé là où il y a de la texture Et je dois être honnête à ce stade, général, si je ne m'arrête pas à un moment donné, cela finira par ressembler à un schéma. Vous devrez donc trouver le moment où vous pourrez arrêter d'ajouter plus de détails. Et en général, vous voudrez ajouter détails et renforcer les lignes là où il y a un bord visible ou un changement soudain de contraste , comme ici au milieu de ce coquelicot Et cela leur permettra de... je sais qu'il y a quelque chose intéressant dans votre sketch qui vaut le détour. Un effet très puissant peut être de montrer un élément individuel alors qu'il y en a beaucoup. Donc, pour des choses comme les fleurs groupées, il suffit de montrer une ou deux fleurs individuelles Et le reste peut être défini par la forme de votre coup de pinceau. Et nous allons y jeter un œil dans l'une des démonstrations. Cela combine vraiment la souplesse de l' aquarelle et les éléments graphiques du dessin au trait, qu'il s'agisse d' un trait de crayon ou d'un fin trait de pinceau Je pense que j'ai bien progressé dans ce domaine. J'en suis essentiellement au stade où je ne joue que sur les plus petits détails Et c'est généralement à ce stade que je dois me dire, d'accord, allons-y. Nous pouvons arrêter de peindre maintenant. C'est vraiment difficile à faire. Mais je trouve que les chiots sont adorables et que ce sont des fleurs vraiment amusantes à dessiner pour votre échauffement Si vous n'avez pas de fleur comme moi à différents stades de croissance, utilisez simplement la même fleur et dessinez-la sous différents angles. Ce sera également un excellent exercice et vous pourrez vraiment entraîner ces muscles à dessiner et en apprendre davantage sur le sujet de cette manière. Je peux vraiment recommander ce genre d'exercices d' échauffement qui portent sur le dessin au trait, la valeur 6. Démo : fleur à coussin en pinces: La première fleur que je vais peindre lors de ces démonstrations est une fleur à épingles ou la gale Et ceux-ci ont une forme ronde très simple. C'est pourquoi c'est bon pour commencer, idéal pour s'échauffer. Et ce que je veux montrer, c'est bien sûr cette forme de bouton rond. Et puis ces longs pétales intéressants qui ressortent de la forme plus longue. Je prends le temps d'observer toutes ces formes intéressantes, ces angles que forment les pétales. Et j'ai essayé de les garder irréguliers parce que c'est plus intéressant pour le I. Et puis ils sont au milieu, nous avons ces différents éléments. Il y a quelques fleurs qui pointent directement vers le spectateur, et je voudrais les sélectionner plus tard et les montrer. Maintenant, il y a aussi beaucoup de petits éléments dans la moitié supérieure de la fleur que je veux peindre plus tard. Je mélange plutôt deux couleurs. J'utilise un rose très précis ici. Et puis aussi le violet de Perlin, qui sera la valeur la plus foncée, la plus foncée Cette très belle couleur rouge foncé. Pour la première couche, je fais en sorte que tout soit vraiment dilué et souple. Je prends mon gros pinceau, puis peins quelques points forts que je souhaite conserver. C'est là que je veux ajouter ces petits points en haut plus tard où se trouvent ces petits éléments que vous pouvez voir dans la fleur qui est plus claire. Et au fur et à mesure que je travaille, je change de couleur. J'ai donc cette couleur plus claire en haut et la moitié inférieure va avoir ce violet et ce violet plus foncés. Et je tiens mon papier incliné pour qu'il soit plus horizontal et que la répartition des pigments soit un peu plus uniforme. Donc, d'habitude, ce que vous pouvez voir ici c'est que j'ai mon papier incliné. Et juste pour cette première couche, je veux que le pigment soit réparti uniformément. J'ai donc cette moitié supérieure plus claire , puis vers le bas, dans la moitié inférieure, une valeur plus foncée qui indique que cette moitié des fleurs est une valeur plus foncée qui indique que réellement dans l'ombre. Et tant que le pigment est encore humide, je peux simplement ajouter du pigment, pour rendre le tout un peu plus intense. Ces roses et violets sont toujours un peu décevants sur le papier car les pigments que vous peignez avec nos pigments ne sont jamais aussi flamboyants et éclatants que les fleurs elles-mêmes Mais je trouve que ces pigments font un excellent travail ici. Au fur et à mesure que les couches de peinture rouge sèchent, j'utilise un pinceau plus petit pour ajouter un peu de sève verte, car ces éléments sont les petits éléments situés sous la fleur, puis le support. Il n'y a donc pas de feuilles sur cette partie de la fleur. En fait la tige est assez longue et puis ce sont de petites feuilles qui y sont attachées. Mais oui, je pense que c'est un bon point de départ pour nos croquis. Maintenant que le rouge est sec , je peux distinguer quelques-unes des fleurs qui apparaissent directement dans l'eau Donc ces petits éléments. Et lorsque vous faites cela, vous n'avez pas à ajouter toutes les fleurs que vous pensez pouvoir voir Il suffit d'en ajouter deux ou trois et le cerveau se chargera du reste. Il comblera donc automatiquement ces lacunes. Au fur et à mesure que je suis ajoutée, j' ajoute également un peu plus d'obscurité, un peu plus de contraste à ces zones. J'essaie de penser au volume de cette fleur entière. Il a donc la forme d'un demi-dôme. Cela signifie que la lumière atteindra le haut et les parties inférieures seront plus sombres, elles seront légèrement plus sombres. Et je l'expose cette année avec rouge plus foncé et un violet Perlin En même temps, je ne veux toujours pas en faire trop. J'ajoute maintenant certains de ces petits éléments en haut. Vous pouvez voir que j'en ai encore retiré certaines parce que je ne veux pas avoir de texture. Et partout où nous en avons déjà parlé, vous n'avez pas besoin d' avoir de la texture partout. C'est un détail important. Je veux ajouter ces points verts qui brillent à travers les parties rouges de la fleur qui proviennent en fait de la base de la fleur Vous pouvez voir ces zones vertes briller à travers et je les ajoute à l'aide d'un petit pinceau. Cela ajoute donc une autre couche, un peu plus d'intérêts. Et j'ajoute également un peu d'ombre à ces zones vertes pour les rendre plus arrondies. Et juste pour renforcer quelques-uns de ces petits éléments au sommet. Et je pense que ce sketch est vraiment terminé à ce stade. On a donc constaté que cela fonctionnait et sa simplicité posait un certain défi . Et je suis vraiment content de la façon dont cela s'est passé 7. Démo : Lily: Mon prochain sketch sera cette spectaculaire Tiger Lily orange. Et je recommence par me procurer du carburant pour la forme générale. Ainsi, cette fleur peut à nouveau être mise en forme ronde. Ensuite, je trouve les formes de base. Et je pense que les pétales de cette fleur ressemblent presque à des rubans qui partent du milieu de la fleur et qui sortent de ce milieu , puis se remplissent à l'extrémité, se replient et s'enroulent en quelque sorte Et bien, je dessine ces formes. J'essaie de faire attention aux différents angles, à la taille des pétales. Ils sont très différents. Il existe trois pétales plus petits et trois pétales plus grands. Et comme vous pouvez le voir, je supprime quelques traits de crayon. J'ai commencé avec des traits de crayon très lâches. Et maintenant, pour ce qui est de la version raffinée, je sais exactement où tout va et je peux tracer traits de crayon très lisses et précis. J'essaie donc toujours de faire attention aux angles et aux volumes, à la position et à l'espace de ces pétales. Et ce qui montre réellement la tridimensionnalité sont les rayures apparentes que vous pouvez voir sur trois des plus gros pétales Cela aidera donc à donner un aspect plus tridimensionnel à l'ensemble. Je pense également à la façon dont c'est quelque chose qui pousse de manière biologique. Donc, du milieu vers l'extérieur , essayez de dessiner comme ça aussi. Je vais donc me frayer un chemin du milieu vers les bords extérieurs. Et les derniers petits éléments que j'ajouterai, ces étamines, qui poussent à nouveau à partir du milieu Et c'est un peu difficile à voir dans la référence. Mais je vais devoir conserver la couleur plus claire pour ceux-là. L'étape des peintures. Alors maintenant je mélange mes couleurs et j' ajoute un jaune et un orange. Je veux donc avoir un jaune plus vif, puis une sorte d' orange moyen et un tout petit peu d'orange plus foncé. J'essaie de garder ma palette légère Je veux donc créer une fleur très vive et éclatante. Je ne veux pas le rendre trop sombre ou trop boueux. Je teste les peintures et je commence par le centre avec la couleur la plus claire. Donc, ce jaune vif ici, j'ai oublié et j'ai affiné le trait de crayon ici, mais j'essaie de travailler du centre vers l'extérieur jusqu'à deux dans les pétales. Ce que je veux faire, c'est appliquer un peu de ce jaune sur les bandes d' apprentissage, sur les zones jaunes des pétales. Ensuite, je veux le transformer en orange. J'ajoute donc un peu d'eau sur les bords pour obtenir un dégradé doux. Ensuite, je prends cette orange centrale et je l'ajoute très soigneusement, mais aussi de manière assez lâche avec mon gros pinceau J'utilise donc le plus gros pinceau que j'ai ici. Je fais juste tomber le pigment orange il se mêle au jaune et le répand Encore une fois, vous pouvez voir comment le pigment s'accumule ici parce que ma surface est inclinée. Je travaille autour de ces zones claires. Je veux conserver cette marge de manœuvre intermédiaire. En fait, je suis sûr qu'ils prêtent des rayures aux insectes. Je suis donc en train de contourner la fleur, les différents pétales qui s'y trouvent. Je dois faire un peu attention car ce sont en fait ces éléments légers que je veux garder légers. Je ne veux pas les recouvrir. Et maintenant, je suis en train de prélever un peu de pigment dans les zones où le pigment s'est légèrement accumulé Il y a certaines zones où je voudrais avoir un orange plus intense, alors je laisse tomber plus de pigment. Tout est encore humide, donc je peux le faire et cela se répandra dans le reste du tableau. Ainsi, pour les parties oranges de la fleur ou pour le séchage, je peux utiliser mon petit pinceau pour le bouillon et aussi pour le bourgeon ici. Donc, ce vert et ce orange ou ce jaune, dont les parties se mélangent, encore une fois, en quelque sorte. Je peux donc le faire mouillé et mouillé. Et il peut être difficile de voir ce jaune et il y a aussi un peu d'orange sur le côté gauche que j'ai présenté ici. Et pour ma deuxième couche orange, j'utilise un orange plus foncé mais toujours très vif. Je ne veux donc pas le doubler ou le rendre boueux de quelque façon que ce soit Et j'applique la peinture aussi intensément que possible. Et juste à la base, j'ajoute une petite quantité de violet Perlin pour les zones sombres situées près du centre jaune Je le fais pour chaque pétale. Encore une fois, soyez attentif aux formes que je vois dans ma référence. Je travaille sur les zones claires et sur la fleur. Et sur chaque pétale, j'ajoute juste un peu de ce pigment plus foncé. Cela peut être un peu délicat avec un gros pinceau que je prends mon temps. La consistance de la peinture est donc un peu moins diluée que dans la première couche. Je ne veux donc pas activer ou obtenir une floraison étrange. Premièrement, cette couche fluide mais contrôlée est restée pour la peinture. Encore une fois, ajoutez ces zones orange vif pour vraiment faire briller ces pétales. Et cela devient un peu délicat lorsque les choses se chevauchent. J'ajoute donc d'abord un peu d'eau , puis je pense que je devrais peut-être sélectionner à nouveau ces zones. J'ai donc effacé la déclaration et je dois la supprimer plus tard. Mais l'élément important que je veux présenter ici encore, ce sont ces gouttes de peinture plus foncées que je ne peux y mettre que tant que les couches de peinture sont encore humides. J'ajoute un peu plus de peinture à chaque pétale. Et je trouve cela magnifique. Cette fleur, ma peinture florale, semble donc un peu plus claire que ce que vous pouvez voir dans la référence, mais je pense qu'elle sera en fait plus éclatante et plus intéressante. Alors que le reste sèche, je commence à ajouter des zones d'ombre, comme le pétale plié qui s'y Et comme tout est sec ici, vous pouvez voir comment je retire la peinture plus foncée des petits éléments qui se trouvent au milieu. Je travaille un peu plus sur le mauvais, et je suis passé à mon pinceau plus petit. Et en fait, je commence à ajouter des détails, comme ces bords époustouflants ici. Je ne suis pas très préoccupé par représentation réaliste absolue de ces bords Je veux que les lignes restent fluides. Je suis en fait très content de la façon dont cela s'est passé. J'utilise mon même mélange foncé pour sélectionner quelques zones qui nécessitent plus de contraste et où je peux assombrir la couleur pour montrer où se trouvent des éléments qui se chevauchent ou des bords réels Je trouve donc vraiment quelques lignes ici et quelques domaines que j' ai abordés auparavant. Je le fais sur tout le pourtour chaque pétale, même un peu sur le bouton C'est donc maintenant une étape où j' ajoute des détails intéressants. Ici aussi, il y a de petits éléments, ces petites actions au milieu. C'est en fait ce qui tient le croquis d'une certaine manière. Ces petits détails et ces zones texturales attireront donc ces zones texturales attireront l'attention du spectateur et seront ce qui l' intéressera, mais il est important qu' ils ne soient pas partout. Vous avez donc quelques-unes de ces zones, mais vous ne voulez pas qu'il y ait de la texture partout. Peu de ces lignes ou points qui définissent des lignes ou des points conviendront. Et je vois déjà, j'aurais dû m'arrêter là. C'est tellement difficile de s'arrêter. Mais encore une fois, je suis très content de la tournure que cela a prise. Et il a fallu beaucoup de PFK-1 pour peindre cette tigresse Lily 8. Démo : Rose: Dans cette leçon, nous allons dessiner une rose, doit être l'une des fleurs les plus classiques, mais elle est également un peu difficile à peindre. Voyons donc par où commencer avec quelque chose de simple. Encore une fois, j'essaie de simplifier la forme extérieure. Je commence par un grand cercle pour la fleur, pour la fleur ronde en haut. Et puis pour mon croquis plus détaillé, je commence en fait par dessiner les feuilles car ce sont formes ovales qui semblent plus faciles à gérer pour commencer cette esquisse Je commence donc par un bouillon et des feuilles, puis y ajoute les épines , la fleur elle-même. J'observe de près ce que fait chaque pétale de l'IPAT. J'essaie donc de donner un sens à un pétale à la fois, puis de le dessiner J'essaie donc de faire attention à la forme générale en faisant cela. D'habitude, je travaille du centre vers l'extérieur, mais cette fois j'ai travaillé du bas vers le haut, en quelque sorte. J'ai donc ajouté ces petits détails jaunes au milieu de la fleur et maintenant j'ajoute ces gros pétales qui forment ces courbes intéressantes Et comme vous pouvez le constater, j' efface beaucoup tous ces pétales qui se chevauchent, ces courbes et ces formes différentes, difficiles à dessiner, n'est-ce pas ? C'est pourquoi je reste en quelque sorte légère. Mais je pense que j'ai trouvé la forme de base en ce moment et que je peux ajouter ces pétales extérieurs. Si vous vous sentez un peu dépassé par un sujet aussi complexe, ne vous inquiétez pas, tout se résume à la pratique. Je n'ai pas commencé comme ça non plus. Et je trouve qu'à un moment donné de votre parcours de dessin, vous pouvez simplement cliquer lorsque vous observez, puis vous tracez vos lignes, puis vous observez à nouveau. Et à un moment donné, cela aura du sens et vous serez en mesure de placer ces lignes exactement. En fait, j'ajoute une deuxième modification avec des feuilles parce que je pense que cela améliorera la composition Encore une fois, j'essaie d'être très attentive à la position de chaque feuille , à la façon dont elles se chevauchent, façon dont elles se situent dans l'espace. Je mélange bien mes peintures ici et encore, nous avons encore une fois un joli rose avec nous , le rose quinacridone Et j'ajoute un peu de rouge aux parties les plus foncées et les plus rouges des rangées. Donc à la fois des pigments très éclatants et très intéressants et ne sont toujours pas aussi éclatants que la vraie fleur. J'ajoute également un jaune chaud pour le centre et un peu de vert sève pour le bouillon. Pour la première couche, je peins simplement un lavis de rose pâle et très dilué. Et j'essaie d'être attentive aux formes, aux formes extérieures. Et je veux laisser le centre de la fleur blanc car je veux y ajouter du jaune plus tard. Et je peux vous voir dans ma référence que la moitié inférieure de la fleur est légèrement plus foncée, légèrement plus ombrée. J'y ajoute donc plus de pigment. Encore une fois, mon papier est incliné, je dois donc le tenir horizontalement pour éviter que la peinture ne s'accumule. Et à un endroit donné, cela produit toujours ces plis sur le papier pressé à chaud, et je n'en veux pas trop. Vous pouvez vraiment me voir tamponner de la peinture ici. Ainsi, lorsque la peinture est encore humide, vous pouvez très bien corriger l'aquarelle J'ai juste senti que cela devait avoir un meilleur aperçu. Vous pouvez donc voir ici que j' ajoute plus de pigment. Je suis maintenant prêt à ajouter le jaune au centre. Les modifications peuvent s'étaler de manière intéressante, mais malheureusement, la partie supérieure du rose est déjà sèche Je dois donc mouiller à nouveau cette partie et je le fais avec un pinceau humide, pas trop d'eau En fait, j'enfonce un peu le pigment jaune dans cette zone pour qu'il puisse avoir un effet intéressant. La partie rose est en train de sécher et j'ajoute mes feuilles ici. Encore une fois, il s'agit d'un lavis vert pâle. Je ne veux pas trop de pigments lors de ce premier passage. C'est un mélange de vert sève et juste un peu de ce jaune pur que j'ai également utilisé au centre de la fleur. J'utilise mon gros pinceau ici. Pour éviter cela, j'ai tripoté trop de détails à ce stade J'essaie également de décider si je dois ajouter cette feuille en particulier sur la gauche, mais j'ai décidé de la modifier, et j'ai trouvé que c' était une bonne décision, ajoute un contrepoint intéressant à la fleur Encore une fois, j'ai essayé de laisser reflets là où les feuilles sont plus brillantes. Les feuilles de rose ont donc ces contrastes intéressants, reflets, ces feuilles très brillantes J'espère que vous pouvez le voir dans la référence. La référence n'est pas claire ici, mais j'ai l' impression que les feuilles ont en fait deux moitiés, donc l'une est plus foncée et généralement ombragée Et l'un d'eux a ces reflets et a également un vert légèrement plus chaud. Et j'essaie de rester fidèle à cela et d'ajouter un vert légèrement plus foncé avec un peu de bleu cobalt mélangé ici. Et encore une fois, lorsque je peux le faire, je laisse de côté ces zones blanches pour les mettre en évidence instantanément Je contourne les feuilles. Je ne suis pas très préoccupée par les zones de peinture qui s' entremêlent. Je peux toujours le retravailler dans la deuxième couche. Je passe maintenant à mon pinceau plus petit et à une peinture légèrement plus concentrée. Et je veux ajouter quelques détails de texture avec un pinceau plus petit J'ajoute quelques coups de pinceau ici et ils apparaissent toujours sur le côté le plus foncé de la feuille, sur cette moitié plus foncée. Comme je veux vraiment préserver les zones plus claires et celles de certaines feuilles, j'ai également légèrement redéfini le contour Avant de tout oublier, j'ajoute également le bouillon, qui est en fait un mélange de violet de pérylène et d'un peu de rouge Donc ce joli brun rouge est très utile pour de nombreux croquis botaniques C'est donc une couleur que on retrouve très souvent dans la nature. Je trouve, et maintenant j'ajoute ce petit bouton de rose avec de la peinture concentrée légèrement plus foncée parce qu'il est en fait assez foncé. J'y ajoute donc beaucoup de pigments. Je suis maintenant prêt à attaquer cette deuxième couche. J'utilise toujours mon gros pinceau et je regarde bien. Il y a donc ces plis sombres entre les pétales et je veux les montrer Et aussi dans la moitié inférieure, je dois montrer les pétales les plus foncés eux-mêmes. Il y a donc dans l' ombre toute la moitié inférieure de la fleur. Et je dois choisir ces zones. Encore une fois, je tiens les objets en biais pour que le pigment ne coule pas dans une seule direction. J'essaie de faire ces lignes très fines. Donc un mélange entre les ridules et ces zones plus grandes que je peux travailler avec un gros pinceau. Je dois parler de la structure de valeur de ces pétales qui se chevauchent C'est assez complexe à peindre et c'est parfois un peu confus. Je n'essaie donc même pas d'être hyperréaliste. J'essaie juste de trouver la bonne structure de valeur globale. Encore une fois, plisser les yeux aide beaucoup ici. Vous y allez petit à petit, en contournant la fleur à ce stade, je trouve vraiment certains contours et j'ajoute des zones un peu plus foncées aux pétales où je vois que je dois être foncée et foncée et que les pétales clairs se chevauchent Je crois que je me suis en quelque sorte perdu ici à quelques reprises. Mais encore une fois, avec l'aquarelle, vous pouvez presque toujours enregistrer votre peinture J'essaie de préserver ce joli centre jaune tout en assombrissant la zone qui l'entoure J'ajoute plus de pigment dans ces zones inférieures et, à un moment donné, je voudrais passer à mon pinceau plus petit afin de pouvoir ajouter quelques lignes plus intéressantes avec un peu plus de contrôle du pinceau. Encore une fois, j'ai ce mélange très concentré de rose et juste un peu de rose. Et je renforce les zones où je peux voir plus de contraste et de bords. Je pense que ce qui sera vraiment utile pour la lisibilité de cette fleur ici, c'est de redéfinir certains contours donc utile d'avoir ces contours très nets par rapport sera donc utile d'avoir ces contours très nets par rapport aux parties claires des pétales . J'ajoute ici quelques marques de texture dont je n'avais pas vraiment besoin, mais que j'ai trouvées intéressantes Vous pouvez donc savoir qu'à ce stade, je suis déjà un peu en train de faire des nouilles Les croquis sont pratiquement terminés, mais j' ajoute juste des trucs plus amusants. Je pense que la fleur est assez lisible à ce stade, donc je ne veux pas trop la compliquer ou ajouter des détails encore plus confus En fait, j'ai ajouté un peu de jaune plus foncé ici pour indiquer les textures au milieu. Et une autre chose que i2 doit réparer est le stock. Je dois donc ajouter un peu de couleur d'ombre, mais un rouge foncé plus concentré pour le rendre un peu plus tridimensionnel et moins plat. Voilà donc la touche finale. Il me reste une zone , ces feuilles sont inachevées Je pense que c'est bien. Ils s'enfoncent vers l'arrière , donc je n'ai pas à les peindre. Ils n'ajoutent rien de nouveau à l'esquisse. Et je pense qu'un plus grand nombre de feuilles qui se chevauchent ne ferait que semer la confusion Je les laisse donc et je peins, mais je trouve que le contour au crayon est beau. Ce sont donc les dernières étapes. Je suis en train d'assombrir quelques zones supplémentaires, en ajoutant un peu d' ombre sur les feuilles Et voici le croquis terminé. a été un peu confus pendant un certain temps, mais je pense que ça s'est plutôt bien Je suis donc très content de ce résultat. 9. Démo : Iris: Dans cette leçon, je dessine un iris bleu et jaune. C'est sûrement l'une de mes fleurs préférées. Sa construction est assez complexe, mais j'adore la qualité graphique de ces petites veines et de ces petits points ainsi que ses couleurs spectaculaires. Je commence mon dessin par le haut. n'y a pas vraiment de forme générale, peut-être un triangle lâche. Mais je ne suis pas vraiment d' accord avec ça. J'essaie donc de placer les pétales supérieurs au bon endroit. Et là où ils se rejoignent, il y a trois autres pétales qui ont quelque sorte la forme de petits toits. Il me suffit donc de les orienter dans la bonne direction. Et de là vers le bas trois grands pétales se déploient vers le bas. Je me suis entraîné à dessiner des iris à quelques reprises et à dessiner mon Maintenant, je suis assez à l'aise pour les dessiner et avec leurs formes particulières. Et pour vous aider, j' ai placé un point là où je pense que le pétale inférieur descendra. C'est même légèrement plus court que ça. Et n'oublions pas le stock. Donc, même si elle est cachée derrière le reste de la fleur, je pense qu'il est important de la modifier car cette perte ne flotte pas dans l'espace, elle nécessite un peu de mise à la terre et l'indication du stock peut vous le donner Les pétales présentent donc toutes sortes de plis et de plis Et ces formes ne sont vraiment pas très faciles à dessiner. Et l'une des façons de les voir est de comprendre les pétales, car ces sortes de bandes plates sont des rubans enroulés dans l'espace et que vous pouvez suivre le long de la Je pense que la clé de ces formes vraiment complexes est de les dessiner au moins une fois, ou du moins d'essayer de les dessiner une fois dans la vie. Parce que si vous tenez une fleur, si vous voyez une fleur directement devant vous, vous pouvez la retourner. Vous pouvez changer de position et vous aurez alors une bien meilleure compréhension de ses différentes formes et de la façon dont elle est construite. Vous pouvez même le démonter. C'est quelque chose que je peux recommander à tous ceux qui veulent dessiner des fleurs. Je réfléchis donc aux couleurs que je veux mélanger. Et nous avons deux violettes différentes. Je commence donc par un violet de dioxazine assez intense. Il fait très sombre. Et je suis en train de le transformer en bleu violet avec un peu de bleu outremer ici J'aime beaucoup cette couleur, puis nous avons ce violet chaud ou plutôt un violet. Et j'ai ajouté un peu de quinacridone, du magenta. Je mélange juste beaucoup de couleurs ici parce que je sais que pour ces grands pétales, je vais avoir besoin de beaucoup de peinture. Et puis nous avons aussi ce jaune. Il y a des contrastes complémentaires intéressants ici. Et j'ai mélangé un jaune chaud et un peu de terre de Sienne crue pour ces zones jaunes Si silencieuse, la combinaison de couleurs saisissante. commence mon processus de peinture et je veux garder les formes très simples et plates dès le premier lavage pour leur donner cet aspect graphique intéressant. Je commence avec mon bleu violet et un gros pinceau puis je place le tout dans la forme des pétales supérieurs. Bien que je les peigne séparément, ne me dérange pas que les deux formes se mélangent et qu'il s' agisse en fait d'un troisième pétale dans le sac Donc, si les douleurs se rejoignent, cela n'a pas vraiment d'importance, car je peux distinguer les bords de ma deuxième couche. J'ai essayé de peindre le pétale à l'arrière un peu plus clair, juste un peu plus clair Et je dépose un peu de pigment supplémentaire sur ces zones frontales. Et j'ajoute la même couleur sur les pétales des boutons. Ce n'est donc pas sur la totalité des pétales. Je trouve la forme avec mon pinceau. Encore une fois, j'utilise le plus gros pinceau. J'ai vraiment besoin de cette fluidité et de ces lignes souples. J'utilise un produit légèrement plus léger sur la droite pour l' essence qui s' estompe légèrement dans le dos Je veux montrer qu' il est légèrement tourné vers l'arrière et qu'il est en fait plus clair. C'est ma référence. Je pense donc que cela crée un bon contraste. J'y ajoute déjà un peu de ces veines et structures de points intéressantes. Pendant que la violette sèche, je peux également ajouter les parties jaunes. Elles ne se touchent pas réellement, sorte que les couleurs ne se mélangent pas. Avec un contraste complémentaire, cela signifierait que les deux couleurs réunies finiraient par devenir grises. Mais comme il n'y a pas de zones qui se chevauchent, cela signifie que je peux m'en tirer comme ça J'ai vraiment adoré ces couleurs contrastées. Et comme le jaune et le violet ont séché, je peux ajouter le violet chaud au milieu. Ce n'est pas complètement sec, donc ça coule un peu l'un dans l'autre. Mais ça ne me dérange pas. C'est en fait un effet agréable et intéressant. Pour ma deuxième couche bleu-violet, j'utilise un mélange plus fort et j' ajoute des ombres et des plis Et j'utilise mon petit pinceau pour avoir une grande maîtrise du pinceau. Et ce faisant, je plisse les yeux et j'observe, et j'essaie de rester très simple J'ai également essayé de garder ces pinceau très doux et fluides. Je ne veux donc pas m'attarder sur des détails interminables. Je veux quelques détails. Quelques cahiers de traits intéressants. Je ne veux pas qu'ils aient l'air surchargés de travail. Encore une fois, à ce stade, je peux sélectionner certains contours et les redéfinir de manière à ce qu'ils apparaissent réellement comme s'ils se trouvaient au premier plan Je peux faire la même chose pour ces pétales violets. J'ajoute donc ces coins retroussés avec du violet légèrement plus foncé. Et cela donne aux pétales violets un aspect tridimensionnel immédiat. Il n'y a donc pas grand-chose à faire. Je ne veux pas les surcharger. Assez petit. Ils ont ces virages renversés intéressants Maintenant pourquoi tout cela est en train de sécher ? Je peux ajouter un peu de vert, c'est juste du vert sève que je vais ajouter pour le bouillon. En fait, j'ai oublié un peu plus haut pour ajouter un peu de jaune en bas. Et je vais devoir le laisser sécher. Et maintenant je repasse à mon petit pinceau et commence à ajouter les veines avec de la peinture violette. C'est donc presque comme dessiner avec un pinceau. C'est la partie vraiment amusante. Je dois tout de même veiller à ne pas en faire trop et à prononcer sur quelques éléments essentiels à cet égard J'ai donc essayé de suivre le sens de la croissance, en commençant par la base, puis en effaçant la ligne petit à petit À ce stade, c'est vraiment l'étape la plus amusante de la peinture pour moi. Mais c'est aussi là que je dois me restreindre le plus. Je crois que j' en ai déjà parlé. J'ai donc essayé de faire attention à renforcer les lignes de contour, en ajoutant quelques textures qui soient en quelque sorte représentatives de l'ensemble de la fleur Je modifie également l'intensité des peintures pour ce pétale qui est légèrement plus clair et légèrement en retrait J'utilise du violet un peu plus dilué et je ne crée pas des lignes aussi contrastées et proéminentes que celles du pétale à l'avant Comme je l'ai dit, c'est un processus vraiment amusant pour moi et il y a tellement éléments graphiques intéressants sur l'Iris. Je viens de renforcer les lignes de contour du pétale de la boucle, ici sur le devant Il y a tellement de points et de petites veines. Ce que je cherche ici, c'est une représentation graphique de ces éléments, pas une représentation réaliste de tout ce qui se trouve sur cette fleur car cela prendrait des heures Encore une fois, je renforce certains contours ici juste pour améliorer la lecture du croquis. Je pense que c'est fini. Oh non, je dois ajouter les éléments verts du stock ici. Je sais que les iris semblent très complexes à première vue, mais une fois qu'on les a compris, ils sont vraiment incroyables à dessiner 10. Réflexions finales: J'espère vraiment que vous avez apprécié cette approche dessiner des fleurs amples mais précises Nous traversons tous différentes phases sans Art. Et c'est tellement intéressant d'explorer de nouvelles choses et de faire évoluer son style artistique. dessin est vraiment au cœur de mon travail créatif et c'est l'occasion de montrer la fascinante diversité de la nature à travers la valeur des lignes et les couleurs Cela me ramène toujours à dessiner le monde naturel et en particulier les fleurs. J'ai remarqué qu'au fur et à mesure que j' améliorais et accélérais ma technique de dessin, j'avais de moins en moins tendance à être aussi précise en ce qui concerne l'aspect couleur. L'aquarelle veut s'exprimer librement. Et avec cette technique, elle peut vraiment briller une fois que les formes de base sont en place, le reste se produira. C'est un processus merveilleux si vous vous permettez d' observer de près puis de placer chaque ligne, chaque coup de pinceau, chaque intention et chaque soin Dessiner rapidement et peindre de manière lâche ne veut pas dire bâclé. J'aimerais vous encourager à vraiment pratiquer votre dessin de base ; la vitesse et facilité viendront d' elles-mêmes avec le temps. Laissez l'aquarelle faire son travail et laissez-la tranquille après avoir placé votre coup de pinceau Au lieu d'essayer de le corriger, si vous utilisez de l'encre pour dessiner, obtiendrez le même effet. Vous placez votre ligne de souhaits. Les petites erreurs n'auront pas beaucoup d'importance avec ce processus d' écoulement organique. Et après tout, vous créez des croquis. croquis n'ont pas besoin de perfection et sont souvent intéressants à regarder car on peut y voir l'écriture de l'artiste et les petites Faites confiance à ce processus et profitez-en. À titre de récapitulatif rapide, voici les concepts de base que nous avons abordés dans ce cours Commencez par les formes et les volumes de base. Observez attentivement et placez votre ligne. Simplifiez et concentrez-vous sur l'essentiel. Restez détendu avec votre aquarelle. Réfléchissez bien, utilisez les tons clairs, tons moyens et les ombres, et répartissez le pigment en conséquence Strabisme. Si vous ne voyez pas la structure des valeurs, utilisez un pinceau plus large pour éviter de manipuler trop de détails. Utilisez des couleurs simples et claires. Prenez du recul de temps en temps et voyez quels sont vos besoins en matière de croquis Ne surchargez pas vos peintures ou vos dessins au niveau de la texture et des détails avec parcimonie et dans certaines zones C'est un peu un leurre, arrête quand c'est le plus amusant Enfin, profitez du processus qui ne fait que du pigment et du papier. J'aimerais vraiment vous encourager à vous approprier ce que j'ai montré dans ces leçons. Vous pouvez utiliser ce cours et l' adapter à vos besoins et à vos préférences créatives. J'espère que ce cours vous a donné un aperçu intéressant mon processus que vous pourrez utiliser pour vos propres activités de dessin Vous avez votre propre écriture artistique. Alors affinez et explorez cela. J'espère vraiment que vous avez apprécié ce cours et je vous verrai très bientôt. Au revoir 11. Démo supplémentaire : nymphéas: Je veux vous montrer comment appliquer technique souple mais précise et un croquis légèrement plus grand. J'ai vu ces magnifiques nénuphars et pensé qu'ils constitueraient un excellent sujet de dessin. Et je commence par la fleur elle-même indiquée très librement par un grand cercle Et je ne dessine que l'épitope de la fleur, d'ailleurs, pas la fleur en bas, mais je vais ajouter quelques feuilles Pour cette fleur. Je travaille de l'intérieur vers l'extérieur, et cela semble plus facile pour ces pétales qui se chevauchent Et cela prend certainement un certain temps car j'observe la forme de chaque pétale , la façon dont il est placé et la façon dont il chevauche un autre Je prends vraiment mon temps ici pour observer et placer mes lignes. Et encore une fois, la façon dont je le fais est d'observer de très près , puis je place une ligne. Vous verrez que j' efface parfois mes lignes et que je les corrige. Mais tout cela fait partie du processus. J'ai donc essayé d'être aussi économique que possible avec mes lignes et mon dessin, mais de temps en temps, je corrigerai quelques erreurs Les nénuphars ont donc une symétrie vraiment incroyable. C'est-à-dire qu'il faut un peu de concentration pour dessiner, mais c'est vraiment amusant d'ajouter d'autres formes. Entre la forme que vous venez de dessiner. Les pétales sont en fait un peu incurvés ou légèrement recourbés à l'extrémité Donc, si vous le voyez de côté, vous verrez ce type de bord un peu plus large. Ainsi, une fois que j'ai dessiné la fleur, le placement des feuilles est assez facile. Ils sont tous plus ou moins ronds. Et je dois juste faire attention aux points où ils se chevauchent. Et cela, encore une fois, a été en fait le processus de relaxation. Et c'est aussi une excellente occasion de s' entraîner à dessiner directement depuis l'épaule. Donc en fait, pour ces grands cercles, je n'utilise pas trop mes doigts. J'essaie de placer le mouvement directement depuis l'épaule ou du moins depuis le coude. Essayez cette technique, vous obtiendrez vraiment belles formes rondes et fluides si vous la pratiquez un peu, contrairement aux petites formes rondes de Crockett que vous obtiendrez lorsque vous dessinez principalement avec le mouvement de vos doigts ou de votre Il y a donc plus de feuilles dans cette référence que ce que je veux dessiner. J'essaie donc de décider quelle composition serait intéressante et convaincante. Comme je l'ai dit, j'ai oublié la fleur en bas, et j'ai également oublié quelques-unes de ces feuilles. J'ai essayé de donner la composition générale et l'irrégularité. Et je pense que cela le rend d'autant plus convaincant et intéressant. Je passe à ma peinture et je commence par l'intérieur de la fleur avec un jaune orangé. C'est assez foncé parce que je ne veux pas trop en ajouter. Avec mes deuxièmes couches. Commencez également à peindre petit à petit les pétales roses autour du centre. Et pour moi, peu importe à ce stade où les couleurs s' entremêlent. Je pense que cela rend le croquis très intéressant, et c'est aussi l'une des qualités uniques de l'aquarelle Donc, pour ce sketch, ça ne me dérange pas. Les couleurs se complètent très bien, et c'est un très bel effet. Ce que je fais aussi ici, encore une fois, c'est que j'essaie de laisser des reflets avec mon pinceau. Ainsi, les zones non peintes où je peux voir la lumière du soleil brillent directement sur les pétales Les nénuphars ont donc une surface dure d'aspect assez brillant, ce qui les rend brillants lorsque le soleil frappe la surface Une autre chose que j' observe, c'est que la couleur, le rose, est en fait plus concentrée dans les parties internes du nénuphar. J'ai essayé d'être consciente de cela vraiment me concentrer sur les cernes intérieurs et d'essayer de l'estomper un peu plus sur les pétales extérieurs. J'ajoute donc plus d'eau à ma peinture. Je n'applique pas de peinture partout. Je laisse des zones blanches, certains pétales sur le cercle extérieur. En fait, je suis presque blanche. J'utilise donc du rose légèrement plus clair comme ombre à paupières. Et au fur et à mesure que cette partie rose sèche, je peux commencer à travailler sur les feuilles extérieures qui ne touchent pas la fleur. Et je trouve ces différentes couleurs très intéressantes. J'utilise le vert ici avec beaucoup de jaune et je le laisse tomber dans un peu plus de vert bleuté ici Et cela produit toutes sortes d'effets intéressants. C'est donc vraiment un sujet pour cette aquarelle lâche et humide Il y a une autre feuille vert jaune clair juste en dessous du nénuphar, coule également un peu dans le rose, qui coule également un peu dans le rose, mais cela n'a pas tant d'importance. Pour les feuilles suivantes, à l' arrière. À droite, j'ajoute un peu de violet de pérylène, ce qui fait presque noyer les feuilles Et là où les feuilles se touchent ou se chevauchent, fleurissent, je fais un peu attention avec mon gros pinceau Et de temps en temps, j'y ajoute des pigments verts légèrement différents. C'était donc un peu de vert sève, puis j'ai ajouté du vert pérylène, essayant également de protéger le contour des pièces déjà peintes Je ne veux donc pas trop les recouvrir. Et beaucoup plus de violet pérylène ici, ce qui le rendait presque gris foncé ou brun foncé Couleur vraiment intéressante. À ce stade, je ne savais pas que je voulais ajouter de l'eau foncée autour de tout, alors j'ai fait en sorte que cette feuille soit vraiment foncée. Après avoir défini mes contours, j'applique la peinture avec de très grands coups de pinceau et j'utilise également beaucoup d'eau pour ces lavages, car je n'ajouterai pas de deuxième couche et je veux que le pigment soit suffisamment éclatant pour ne pas être triste En parcourant les feuilles, je cherche les différents légumes verts que je peux voir. Je mélange un peu de bleu céruléen pour obtenir un vert plus frais, comme dans cette feuille en bas Et ce bleu indiscipliné ajoute un peu de texture à la feuille grâce à ses propriétés granulantes De temps en temps quelques points de bleu pur ou de jaune apparaissent ici et là, ce qui ajoute également beaucoup de structure et d'intérêt visuel Ici, vous pouvez voir un vert bleuté similaire, très vibrant La façon dont je procède ici est de peindre chaque feuille elle-même et de laisser généralement les contours sécher et de laisser sécher les feuilles elles-mêmes avant de peindre celle qui se trouve à côté. Et cela me donne des contours définis très précis. Et c'est quelque chose que j'aime vraiment. Et dans l'ensemble, il s'agit vraiment d'un processus de fan. Je joue avec ces différents greens. Hé, je venais de mettre un peu de jaune dans celui-ci. Et ici, nous avons un vert presque pâle avec beaucoup de bleu dedans. Et j'ai essayé de faire attention à ces grands coups de pinceau, grands mouvements, à la peinture fluide et à l'ajout de différentes couleurs Encore une fois, je jette un peu de peinture sur les différents théorèmes de Green qui s'y trouvent Je pense que cela les rend vraiment attirants. Comme tout est sec, je peux commencer à ajouter une deuxième couche de rose sur les pétales. Et c'est de la quinacridone, rose à l'état pur Et j'ai essayé de plisser les yeux et de voir que j'avais besoin la couleur la plus concentrée au centre de la fleur J'ai essayé de laisser ces petits contours clairs pour les pétales afin que les différentes parties soient toujours lisibles. De l'urine là-bas, je trouve vraiment quelques-uns des outils de base avec une peinture plus foncée. Encore une fois, je prends mon temps pour observer la forme de chaque pétale, façon dont il est incurvé et qui fait de ce petit capuchon le sommet En fin de compte, tout tourne autour de la lisibilité des croquis. Avec mon petit pinceau, j'ajoute également des détails texturaux aux feuilles Maintenant, il y a cette tache légèrement plus foncée au centre de chaque feuille avec des nervures très claires qui en sortent. J'ajouterai également un peu d'ombre projetée ici et là où les feuilles se chevauchent. Ces feuilles ont certainement besoin d'un peu plus de contraste et de certaines zones. Et je pense que c'est à ce stade que j'ai pensé qu'il serait intéressant d'avoir des zones plus sombres où les feuilles ne se chevauchent pas et où se trouvent des espaces blancs parce qu'en fait, il y a de l'eau foncée tout autour d'elles parce qu'en fait, il y a de l'eau foncée tout autour Et il serait intéressant de l'ajouter. Alors que j'ai ajouté mon ombre projetée ici, j'ai pensé qu'il serait intéressant d'ajouter l'eau foncée dans un ton similaire. J'ai donc mélangé du bleu, outremer et du bleu de Sienne brûlée pour obtenir un gris très J'ai commencé par peindre ces petites zones, mais quand j'ai commencé à peindre les feuilles, j'ai pensé que le contraste serait particulièrement saisissant. Cela a créé un contraste vraiment intéressant entre les feuilles claires et les zones sombres où passe l'eau. Cela fait vraiment ressortir les feuilles et redéfinit leur forme Pendant que je peignais ce tableau, j'ai décidé d'ajouter plus d'eau sur l'ensemble du groupe de feuilles. J'ai donc fini par sortir à nouveau mon gros pinceau et ajouté du gris foncé tout autour de la feuille. J'ai donc commencé par ce petit coin. Puis je me suis dit : Attends une minute, pourquoi ne pas l'ajouter tout autour de ce groupe de feuilles et cette fleur pour unifier un peu plus la forme Encore une fois, j'ai d'abord peint ce contour aux arêtes vives, puis rempli le reste avec des coups de pinceau plus larges. Vous pouvez le voir ici. Ce faisant, j'essaie d'être consciente des formes que j'ai déjà établies. Ensuite, je vais devenir folle avec le gros pinceau. J'estompe légèrement l'obscurité de l'eau sur les bords pour indiquer qu' elle passe au blanc du papier Ce fut un processus vraiment passionnant. Je ne savais pas trop pourquoi. Je voulais faire disparaître l'eau et savoir jusqu'où j'allais l'emmener. Je l'ai en quelque sorte inventé au fur et à mesure. J'essaie d'être très lâche avec mes coups de pinceau et de ne pas trop travailler Je ne voulais pas recommencer tout ça avec la même peinture. Encore une fois. J'ai commencé par redéfinir les contours , puis j'ai ajouté un peu d'eau plus foncée environnante. Cela fonctionne même pour cette feuille la plus foncée ici en haut à droite Ce mélange de gris est donc encore plus foncé que cette feuille vert très foncé. Et puis vous pouvez voir qu'au milieu, il y avait un petit effet de floraison et j'ai simplement ajouté de la peinture plus concentrée sur ajouté de la peinture plus concentrée cette zone pour le faire disparaître Pendant que le reste sèche. Je me suis rendu compte que je devais redéfinir un peu le contraste entre les feuilles pour elles aient la même couleur que parties les plus sombres de l'eau afin de les rendre un peu plus lisibles Et comme dernière étape, voici le pad vraiment FUN. Bien que cette esquisse ait été entièrement composée de PFK-1, j'ai ajouté un peu plus de détails texturaux Il y a ces petites imperfections à la surface des feuilles. Et j'ai ajouté quelques points et ce genre de taches et de marques ici et là Au fur et à mesure que je les ajoutais, j'ai essayé d'être très aléatoire et d'essayer de les rendre vraiment irréguliers afin qu'ils ne ressemblent pas à un motif ou une forme régulière récurrente, mais j'essaie vraiment de leur donner un aspect organique et irrégulier. Quelques touches de finition, quelques points, quelques marques de texture, et l'esquisse est presque terminée Une chose que je voulais ajouter était un peu plus de définition et un peu plus de rose foncé au milieu de la fleur de nénuphar. Et je retrouve vraiment quelques contours des pétales. Mais c'est essentiellement tout. Et je suis vraiment content de la façon dont cela s'est passé. J'ai vraiment aimé son apparence. Je pense que ce croquis montre ce que cette technique peut réellement réaliser. Ainsi, ces aquarelles fluides se lavent et, en même temps, des lignes et des contrastes définis avec précision, ainsi que des textures et des détails intéressants J'espère donc vraiment que vous avez une idée de la façon dont vous pouvez utiliser cette technique dans votre propre carnet de croquis