Les six étapes de l'illustration : guider les clients à travers votre art

1. Bande-annonce: C'est probablement la classe la plus ennuyeuse que j'enseignerai, mais c'est aussi le sujet le plus important pour tout illustrateur qui veut gagner sa vie en réalisant son art. Je parle du processus d'illustration pour les clients. C'est une chose que de pouvoir faire de grands arts, mais c'est tout autre chose de pouvoir le faire au nom d'autres personnes. Un de mes héros, Christoph Niemann, a dit un jour : « S'appuyer sur l'artisanat et la routine est beaucoup moins sexy que d'être un génie artistique. Mais c'est une excellente stratégie pour ne pas devenir fou. » Ce cours est ma tentative de vous donner une telle stratégie. m'appelle Tom Froese, et je suis illustrateur et professeur de premier plan ici sur Skillshare, où j'ai aidé plus de 100 000 élèves débloquer le monde de l'illustration commerciale. Bien que chacun ait sa propre façon d'illustrer, que ce soit avec de la peinture ou des pixels, il y a des étapes courantes que nous traversons presque en particulier lorsque nous travaillons commercialement pour des clients payants. Si vous travaillez en tant qu' illustrateur maintenant ou que vous planifiez dessus, cette classe identifie et systématise ces étapes afin que vous puissiez les parcourir plus habilement avec vos clients. Si vous voulez faire du travail que vous aimez ou rendre vos clients heureux, j'ai créé ce cours pour vous. Si vous voulez apprendre à préparer chaque emploi pour réussir et à les voir jusqu' à la fin, jusqu'au point où vous êtes payé, restez là parce que j'ai créé ce cours pour vous. Basé sur mes presque deux décennies d' expérience de travail pour des centaines de clients dans le monde entier, y compris Yahoo, Airbnb et GQ France, ce cours vous offre un système, un cadre organisé pour accomplir votre travail et le garder sur la bonne voie. cadre du système, vous apprendrez non seulement à relever les défis liés à la créativité à la demande, vous aurez également accès à des ressources exclusives qui vous permettront de vous relever et de tout de suite, y compris mon système de classement propriétaire et mon modèle de jeu de présentation, et même une carte illustrée du processus. En tant qu'illustrateurs, nous ne faisons pas que de jolies photos, nous menons nos clients à travers le désert de notre créativité. Ce n'est qu'en connaissant notre propre chemin à travers ce désert que nous pouvons guider autres à travers elle en toute sécurité et en toute confiance de l'autre côté. Ce cours est la combinaison d' années passées à errer dans la nature sauvage, à essayer de répondre à la question : comment puis-je mieux guider les autres dans mon propre processus d'illustration ? Maintenant, je suis ravi de partager enfin ce que j'ai trouvé avec vous. Je vous verrai en classe. [MUSIQUE] 2. À PROPOS DE CE COURS: [MUSIQUE] Ce cours s'adresse à tous ceux qui veulent en savoir plus sur la façon d'illustrer les clients payants. Vous êtes peut-être un illustrateur chevronné qui cherche moyens de rendre votre processus plus efficace, ou vous êtes peut-être un débutant cherchant à découvrir comment fonctionne l'ensemble de l'activité de l'illustration commerciale. Il existe toutes sortes de cours et de livres sur l' industrie de l'illustration et sur la façon de se lancer dans le domaine de l'art commercial. Il existe étonnamment peu de ressources qui donnent aux artistes un moyen clair de guider leurs clients dans leur propre processus créatif. n'y en a presque aucun qui le fait, en mettant l'accent sur la maximisation de votre taux de réussite obtenir votre meilleur travail approuvé avec le moins de hoquets en cours de route. Je veux changer cela. La plupart des idées que je partage dans ce cours ne proviennent pas du travail d'illustrateur indépendant, mais du fait ne proviennent pas du travail d'illustrateur indépendant, d'être designer et directeur artistique des agences de publicité plus petites et plus grandes. En travaillant au sein d'équipes entières, j'ai pu voir comment les projets créatifs professionnels sont menés. J'ai également été poussé travailler avec des clients beaucoup plus grands que ce que j'aurais pu faire seul à l'époque en tant que pigiste. J'ai porté une attention particulière à la façon dont les problèmes créatifs ont été définis dans le mémoire, façon dont les idées ont été développées et présentées, à la façon dont les commentaires des clients ont été gérés et, dans certains cas, mal gérés. Je crois que l'intégration de ces connaissances dans ma pratique tant qu'illustratrice indépendante m' a rendu plus efficace. Très peu d'illustrateurs ont la chance de commencer en tant que designer travaillant pour de grands clients comme celui-ci, donc je suis ravi de partager ce que j'ai appris avec vous maintenant. Voici comment fonctionne cette classe. abord, nous allons passer en revue certains concepts et outils de base qui sont essentiels au processus que j'utilise et que j'enseigne. Ensuite, nous allons passer par chacune des six étapes du processus d' illustration, y compris l' intégration, la compréhension, l'idéation, la réalisation, la livraison et la fermeture. À la fin du cours, je vous enverrai un exercice de réflexion guidée qui vous aidera à mieux comprendre le fondement de ce que vous faites, ce que vous voulez faire et la valeur que vous fournir à vos clients en tant qu'illustrateur. Pour être clair, il ne s'agit pas d'une classe affaires au sens approprié. Nous n'allons pas approfondir des sujets tels que la tarification ou la gestion de projets. Il s'agit plutôt d'un cours de stratégie. Il s'agit de structurer votre propre processus créatif afin que vous puissiez guider les clients avec plus de clarté et de confiance. Ce cours a été fondé sur la conviction que nous ne faisons pas seulement de l'art pour nos clients. Pour vraiment faire notre travail, nous devons guider nos clients de manière proactive tout au long du processus d'y parvenir. Il n'y a pas de mauvais client. Il existe un processus créatif mal guidé. La plupart des conflits que nous avons avec nos clients proviennent d'un échec de notre part à les guider dans ce que nous faisons. La créativité est une nature sauvage et il est de notre devoir de guider nos clients à travers elle. Cette classe est une carte à travers cette nature sauvage. Prenez un café, un carnet de notes et un crayon, et installez-vous pour une plongée profonde, car celui-ci va être un doozy. Allons-y. [MUSIQUE] 3. Le processus: Lorsque vous partez en voyage, vous avez besoin d'une carte. Une carte vous montre l'étendue de la terre et un chemin à travers celle-ci. Cela ne garantit pas que vous y arriverez, il ne vous dit pas exactement quelles aventures vous vivrez en cours de route, mais cela rend certainement le voyage plus prévisible. Le processus d'illustration pour les clients est toujours différent. Différents clients, différents problèmes à résoudre, différentes périodes de votre vie, mais les étapes et les étapes que vous traversez sont toujours les mêmes. C'est comme voyager dans le même état, traverser les mêmes villes, voir les mêmes sites touristiques, prendre la même route, mais chaque fois que vous partez, c'est différent. Des gens différents, des conditions météorologiques différentes, des saisons différentes, et peut-être que chaque voyage a un but différent. Mais revenons à ce mot prévisible. n'est pas un mot que nous aimerions associer à ce que nous faisons en tant que créatifs, mais c'est exactement ce dont nous avons besoin pour être professionnellement créatifs. Bien sûr, nous ne voulons pas faire de travail prévisible, et la bonne nouvelle est que nous n'avons pas à le faire, et je vous recommande vivement de ne pas le faire. Le paradoxe de la créativité professionnelle est que pour produire des résultats imprévisibles de manière fiable, nous devons nous appuyer sur un processus hautement prévisible. C'est ce processus que j'aimerais vous montrer maintenant. Je l'appelle le processus 6S car il comporte six étapes. 6S sonne aussi beaucoup de succès, et c'est une super blague de papa juste là, une blague hilarante. Jetons un coup d'œil aux étapes globales du processus 6S. J'ai identifié ces étapes globales et organisé leurs étapes respectives sur la base de nombreuses années passées dans ce secteur. Bien que chacun ait sa propre vision unique de ces étapes, je pense qu'elles sont toutes communes à plupart des illustrateurs et, dans une certaine mesure , aux concepteurs, et ils sont les suivants : intégration, compréhension, idéation, réalisation, livraison et clôture. Examinons chaque étape maintenant juste au niveau élevé. La première étape est l'intégration. L' intégration consiste à prendre en charge un nouveau client et à déterminer la nature globale du projet. intégration commence lorsque le client répond pour la première fois à une demande et se termine lorsque vous commencez officiellement le projet. principales étapes de cette étape comprennent le mémoire, le devis et le coup d'envoi, ainsi que le traitement des contrats ou autres documents nécessaires à l' établissement de la relation. La prochaine étape est la compréhension. La compréhension est une étape où vous en tant qu'illustrateur, travaillez à comprendre autant que possible et que nécessaire le sujet de l'illustration. La première partie de l'étape est recherche où vous avez une meilleure compréhension mentale de votre sujet et des besoins du projet. La deuxième partie concerne les études, où vous utilisez le dessin à partir de références pour mieux comprendre le sujet. La prochaine étape est celle de l'idéation. L'idéation est une étape où nous commençons réellement à trouver des idées ou des solutions au problème créatif tel que défini dans le mémoire. L'idéation commence par des esquisses grossières où vous recherchez essentiellement des idées, puis se transforme en croquis raffinés où vous sélectionnez votre meilleure idée et que vous les améliorez davantage. La phase d'idéation est le premier point du processus où vous présenterez votre travail au client. Votre client aura la possibilité de visualiser les croquis, faire des sélections si nécessaire, proposer des commentaires et de demander des modifications. La phase d'idéation se termine lorsque le client a approuvé l' esquisse ou les esquisses à prendre en compte dans l'illustration finie. La prochaine étape est la réalisation. L'étape de réalisation est le deuxième point du processus où vous présentez votre travail au client. Cette fois, le client a la possibilité voir l' illustration terminée, proposer des commentaires et de demander des modifications mineures si nécessaire. L'étape de réalisation prend fin lorsque le client a approuvé l'œuvre finie pour que vous puissiez commencer à préparer la livraison finale. À ce stade, le client voit l'illustration terminée mais ne reçoit aucun fichier, c'est à cela que sert la prochaine étape. La prochaine étape est la livraison. La livraison est une étape où vous préparez les fichiers d'illustrations pour utilisation finale et vous les envoyez au client. Ici, vous passez du temps à vous assurer que l'illustration est exempte d'erreurs et facile à utiliser et que tous les calques appropriés sont inclus sur demande. Enfin, vous envoyez le fichier au client. La dernière étape se termine. La clôture est une étape où vous envoyez la facture finale au client et que vous êtes payé. À ce stade, vous pouvez également saisir la chance d' archiver votre dossier de projet à des fins de sauvegarde. Eh bien, rien dans la scène n'est essentiel pour faire votre travail d'illustrateur, c'est important pour vous assurer d'être payé, et c'est aussi un rituel intéressant pour marquer la fin d' un travail bien fait. Maintenant, pour tout ce qui parle de cartes, je voulais vous donner une carte réelle du processus. Je l'ai inclus en tant que PDF téléchargeable et imprimable dans la page des projets et ressources de la classe. Pour les personnes intéressées, la carte est également disponible à l'achat sous forme imprimée. Pour en savoir plus, visitez tomfroese.com/processmap. Maintenant, je n'ai qu'une note avant de passer à autre chose, la façon dont j'ai nommé ces étapes ne sont pas des termes standard de l'industrie. Ce ne sont que des catégories utiles qui sont devenues ma propre nomenclature personnelle. Lorsque vous parlez avec vos clients, en particulier les directeurs artistiques et les designers de l'industrie créative, vous serez mieux familiarisé avec des termes tels que bref, esquisses ou ébauches, et finales. ou de l'art fini, et parfois ils appellent ça des œuvres d'art colorées. Je dis cela pour que vous ne ressentiez pas le besoin de parler de l'étape de la réalisation avec votre client qui ne connaît peut-être pas ma terminologie inventée. 4. Les outils: [MUSIQUE] Vous n'avez pas besoin de grand-chose pour être illustrateur. En dehors de la location et de notre équipement numérique ou de nos supports physiques, il n'y a pas besoin d'avoir beaucoup de frais généraux. Dans ce cours, nous allons supposer que vous savez quels outils vous avez besoin pour réaliser votre art. Les outils dont nous parlerons ici sont plutôt directement liés au processus des 6s décrit dans la classe. Bien que vous puissiez trouver que vous avez besoin de plus que ces outils. C'est ce que je considère comme l'essentiel des os nus. Les outils dont je parlerai dans cette vidéo incluent le deck, le système de classement, le logiciel de facturation et le partage de fichiers Cloud. Passons maintenant en revue chacun et un peu de détails. Le premier outil est le système de classement. Un système de classement est la façon dont nous structurons nos fichiers et dossiers sur nos disques durs. Cela peut sembler étrange à inclure comme outil dans cette classe. Mais en tant qu'illustrateurs, nous accumulons beaucoup de fichiers tout au long de la vie d'un projet, et ils doivent aller quelque part. Un système de classement nous aide à rester organisé en nous aidant à savoir comment nommer et stocker différents types de fichiers tels que des modèles, des contrats, des images de référence et bien sûr nos croquis et fichiers d'illustrations. Les fichiers les plus importants que vous voudrez suivre sont ceux que vous allez produire et présenter pour votre client. Cela inclut des croquis et des illustrations finales. Au moins, vous devez disposer d'un système permettant de nommer vos fichiers professionnels et de suivre les versions ou les révisions que vous envoyez à votre client. Vous disposez peut-être déjà d'un système de classement qui fonctionne bien pour vous. Si c'est génial. Je ne veux pas vous dire que j'ai un meilleur système de classement que vous. Cependant, si vous êtes comme moi quand je me demandais comment un professionnel organise ses dossiers, je vous donne mon propre système de classement pour commencer. Vous êtes libre de l'utiliser et de vous en servir comme bon vous semble. Il sera disponible sous forme de fichier zip téléchargeable dans la section Projets et ressources de classe de cette classe. Mon système de classement n'est qu'un ensemble prédéfini de dossiers imbriqués principalement nommés et organisés selon les étapes de mon processus. Il comprend également un modèle InDesign pour présenter des croquis et des illustrations finales. Il est très utile d'avoir un système de classement organisé comme celui-ci pendant que vous travaillez sur un projet, c'est encore plus utile lorsque vous devez trouver un ancien fichier pour une raison ou une autre, avoir tous vos fichiers organisé exactement de la même manière à chaque fois il est beaucoup plus facile de trouver vieux dossiers d'années dans le futur. L'outil suivant est le Deck. Lorsque des professionnels partagent leur travail créatif avec leurs clients, ils le présentent dans un deck. Un deck est essentiellement un format de diaporama pour présenter nos croquis et nos œuvres d'art finis à nos clients. Dans mon processus, le deck est l' outil le plus important lorsqu'il s'agit d'inclure le client dans votre processus créatif. Un deck encadre mon travail d' un jour professionnel. Cela me donne l'occasion d'expliquer le travail et m'aide à suivre les révisions. Je sais que de nombreux illustrateurs préfèrent envoyer leur travail sous forme de pièces jointes à leurs clients. Mais je ne pense pas que ce soit une très bonne idée. Que je partage des croquis ou une illustration finie, je veux que mon client perçoive le travail comme important et nécessite toute son attention car c'est le cas. Au contraire, si je devais envoyer mes idées en pièces jointes lâches, mon client peut avoir l' impression que je les ai dessinées très rapidement sur une serviette ou quelque chose comme ça. Par conséquent, ils peuvent passer moins de temps avec travail et y prêter moins d'attention. Nous aurons l'occasion de regarder de plus près le pont à partir de l'étape 3, idéation. J'ai également inclus un modèle de bureau simple dans la section des projets et ressources de classe, que vous êtes libre d'utiliser et de vous adapter à vos propres besoins. Le prochain outil est le logiciel de facturation. Le logiciel de facturation est une application ou un service qui vous permet de créer, envoyer et de suivre des devis et des factures. J'ai inclus le logiciel de facturation comme outil clé car devis et les factures mettent fin à l'ensemble du processus. Bien que ce cours ne porte pas sur le prix de votre travail, je vais parler de la façon d'utiliser logiciel de facturation pour communiquer la portée et le coût au début et m' assurer que vous êtes payé à la fin du projet. Personnellement, j'ai utilisé Harvest comme application de facturation et cela semble très bien faire le travail. Mais n'importe quelle application ou logiciel de facturation aujourd'hui le fera. Le prochain outil est le partage Cloud. Cloud Sharing est utilisé pour partager des fichiers sous forme de liens plutôt que d'envoyer les fichiers réels par e-mail, utilise une technologie simple et vous élever immédiatement au-dessus de nombreux autres illustrateurs. Comme vous le savez, je ne recommande pas d'envoyer votre travail en tant que pièces jointes à vos e-mails, mais plutôt de le présenter dans un deck. Mais cela signifie également éviter d'envoyer vos decks eux-mêmes sous forme de pièces jointes à vos e-mails. Au lieu de cela, téléchargez votre présentation et vos fichiers d'illustration finaux vers un service de partage de fichiers Cloud tel que Dropbox ou WeTransfer. Il suffit ensuite d'envoyer le lien de téléchargement à votre client. Pour les logiciels de facturation et le partage Cloud, j'ai inclus quelques suggestions dans la section des projets et ressources de classe. Mais vous pouvez vraiment utiliser n'importe quel service que vous voulez tant qu'il fournisse les fonctions décrites dans cette classe. Maintenant que vous connaissez bien ces outils, vous serez en mesure de suivre plus facilement lorsque je les ai mentionnés tout au long de la classe. [MUSIQUE] 5. La base (Connaître votre art): Gérer le processus d' illustration commerciale signifie guider vos clients toute confiance d'une étape à l' autre tout au long de votre travail. Ce que vous faites, c'est votre art. Pour guider vos clients à travers votre art, vous devez savoir ce qu'est cet art. Pour moi, connaître son art signifie savoir ce que vous faites, comment vous le faites et cela signifie aussi des choses comme savoir pourquoi vous voulez le faire et pour qui. Eh bien, c'est peut-être le sujet d'une classe entière. Je voulais aborder cela rapidement, car c'est la base de tout ce que vous ferez dans le travail de votre client. Le fondement de la connaissance de votre art repose ce que j'appelle les 3V, votre virtuosité, votre vision et votre valeur. Passons en revue chacun. La virtuosité est définie comme une grande compétence dans une poursuite artistique. Absolument, en tant qu'illustrateurs, nous devrions devenir maîtres de ce que nous faisons. Cela ne veut pas dire qu' il s'agit d'être des maîtres artistes au sens académique à l'ancienne. Je veux dire, quoi que ce soit que vous fassiez, vous devriez être très doué. Cela implique de savoir ce que vous faites, de quoi êtes-vous maître et de savoir comment vous le faites de manière fiable. Qu'est-ce que vous faites bien ? Ou qu' aspire à bien faire ? Quelle est votre chose unique ? Quel est le style, la vision ou perspective pour laquelle vous voulez que les autres vous reconnaissent et vous engagent ? Quels sont les outils et techniques spécifiques que vous utilisez pour réaliser ce que vous fabriquez ? sont ceux qui sont si importants pour votre art que sans eux, tout le reste s'effondre ? Ces questions sont importantes car elles vous aident à connaître les limites de votre travail. En connaissant votre virtuosité, vous savez exactement comment faire ce pour quoi vous avez été embauché. Vous savez également mieux comment identifier les clients qui viennent peut-être pas chez vous pour ces points forts, ce qui peut vous aider à éviter les emplois problématiques avant même qu'ils ne commencent. Sur une note plus positive, connaissance de votre virtuosité vous aide à savoir avec quoi vous devez travailler. Ce sont les outils et les contraintes que vous pouvez utiliser pour résoudre les problèmes de vos clients. C'est ce qui vous rend unique et espérons-le, ce que les autres attendent de vous. Parlons maintenant de votre vision. En tant qu'entrepreneur créatif, vous êtes une entreprise. Toutes les entreprises ont des énoncés de vision. Avoir un énoncé de vision peut sembler ennuyeux, mais c'est un élément fondamental de votre identité et de votre sens du but en tant qu'illustrateur. Pour moi, connaître sa vision signifie savoir ce que vous voulez. Cela englobe tout ce que vous faites en tant qu'illustrateur. Pourquoi êtes-vous illustrateur ? Que voulez-vous en faire ? Pour qui voulez-vous illustrer ? Quel type d'illustration voulez-vous faire ? Quelle influence souhaitez-vous avoir sur votre public ? Qui croyez-vous que votre public pourrait être ? Lorsque vous connaissez votre vision, vous pouvez prendre de meilleures décisions quant aux types de projets que vous allez poursuivre et entreprendre. Cela vous permet de vous commercialiser plus facilement lorsque vous savez quel type de travail vous voulez faire et pour qui vous pouvez vous concentrer davantage sur ce genre de travail et attirer ce genre de travail. clients. Votre vision doit être forte, mais cela ne veut pas dire qu'elle doit être statique. En tant qu'être humain, vous évoluez tout le temps. Votre idée de ce qui mérite d'être poursuivi changera au fur et à mesure que vous apprenez et grandissez. Avoir une vision forte signifie simplement qu'en ce moment, vous savez ce que vous voulez ou ce que vous voulez plus que d'autres choses. En passant régulièrement en revue les questions que j'ai exposées ici vous aidera à construire une vision forte et dynamique pour vous-même en tant qu'illustrateur professionnel. Le dernier V ici est votre valeur. Lorsque je parle de connaître votre valeur, je veux dire la valeur que vous apportez à vos clients. Qu'est-ce qui est unique chez vous qu'ils ne peuvent pas obtenir d' un autre illustrateur ? Une grande partie de votre valeur provient des aspects plus techniques et esthétiques de votre virtuosité. Mais cela dépend en grande partie de vos compétences non techniques. Qui êtes-vous ? Avec quoi aimez-vous travailler ? Quel est votre point de vue ? Quel genre de pensée votre résolution de problèmes apportez-vous à la table ? En d'autres termes, qu'est-ce qui vous rend précieux en tant que membre de l'équipe de votre client ? Être facile à utiliser peut être précieux, mais peut-être être confiant et disposé à donner une opinion forte, même lorsqu'il n'est pas facile parler est précieux pour vos clients. Peut-être aimez-vous travailler dans des délais courts et travailler toute la nuit. Peut-être êtes-vous super secret et mystérieux, mais émergez toujours à temps avec une solution surprenante et délicieuse. La valeur que vous souhaitez apporter à vos clients dépend largement de qui vous êtes et de ce que vous considérez comme vos forces uniques. Chacun de nous est notre propre ensemble de compétences dures et douces. Et c'est mieux pour certains projets et clients et pas si bien pour d'autres. Lorsque vous considérez la valeur que vous apportez, vous pouvez vous demander quelles sont vos compétences non techniques ? En plus de votre art, qu'est-ce que les gens apprécient de travailler avec vous ? Quelle est votre expérience ou votre expertise unique en dehors du monde de l'art qui fait de vous un illustrateur d'une valeur unique. J'ai appelé cette vidéo le fondement parce que savoir que votre art est vraiment à la base de tout ce que j' enseigne dans ce cours. C'est tellement important que je me lamente de ne pas pouvoir enseigner cela plus pleinement et de ne pas pouvoir l'enseigner avant de prendre ce cours. Mais au fur et à mesure que j'ai écrit ce cours, il est devenu de plus en plus évident pour moi que la mise en place d'un projet pour réussir et le maintenir sur la bonne voie commence vraiment par cette fondation. À la fin de ce cours pour le projet, je vous enverrai une série de questions guidées qui vous aideront à mieux connaître votre art. 6. Étape 1 : Intégrer: intégration est le processus d'abord à affronter un nouveau client et à déterminer l'objectif en détail sur quoi vous allez travailler. Cela signifie définir le problème visuel que vous êtes engagé pour résoudre avec votre art. intégration commence lorsque le client répond pour la première fois à une demande et se termine lorsque vous commencez officiellement le projet. L'objectif de cette étape est de gagner le projet et mettre en place pour obtenir le meilleur résultat possible. Les étapes de cette étape comprennent le premier contact, le mémoire, la citation et le coup d'envoi. À la fin de cette étape, vous devriez avoir un bref de projet, un devis accepté, un accord ou un contrat d'une sorte quelconque, je l'inscris dans mon devis et un calendrier qui décrit les dates clés pour examen et livraison finale. Passons maintenant à chaque étape du processus. La première étape consiste à interroger les clients. Chaque projet commence lorsqu' un client potentiel vous contacte généralement par e-mail pour voir si vous êtes disponible et intéressé par un emploi. Les demandes de renseignements peuvent être très courtes et précises, d'autres peuvent être un peu plus alambiquées, mais elles impliquent généralement une description de haut niveau du poste et vous demandent si vous êtes intéressé (e) et disponible pour le poste. vous demandera souvent de donner un tarif ou un devis de ballpark, mais nous traiterons cela séparément. Les demandes de renseignements des clients peuvent prendre différentes formes, mais une demande très typique peut ressembler à ceci. Je regarde un e-mail provenant d' un client fictif pour un magazine fictif. s'appelle Ashley et elle écrit : « Bonjour Tom, je suis la directrice artistique du magazine Crypto Today et j'ai un travail qui pourrait vous intéresser. Nous avons besoin d'une page complète et quatre spots pour un article intitulé The Cult of Crypto qui explore les nuances religieuses de la culture crypto. Il est prévu vers la fin du mois. Nous avons un budget de 1500$. Êtes-vous capable de faire face à cela ? » Dans cet exemple, la demande du client est courte et douce. Le client donne une description simple de l'emploi, ce qui est destiné, et inclut même une date limite et un budget. C'est un bon début , mais j'ai besoin d'en savoir plus avant de dire oui au travail. Avant toute autre chose, je me demande si je pense que le projet est intéressant. Si je ne suis pas intéressé et que je ne suis pas affamé pour le travail, je pourrais passer. Qu'est-ce qui pourrait rendre un projet intéressant pour moi ? Voici quelques questions que je me pose, est-ce que la mission m'intéresse d'une manière ou d'une autre ? Par exemple, est-ce que j' aime bien le sujet ? Ou le format de cet exemple, illustration éditoriale, est-il quelque chose que je veux faire davantage ? Est-ce que je veux travailler avec ce client ? Sont-ils alignés sur mes valeurs ou sont-ils une bonne réputation à avoir sur mon CV ? Une autre question que je pourrais poser est est-ce que j'ai le temps d' entreprendre le projet, ou va-t-il compromettre mes engagements et priorités actuels ? Une autre question que je pourrais poser est le budget est-il attrayant ou du moins juste ? Enfin, le projet créera-t-il de nouvelles opportunités ? J'espère pouvoir trouver quelque chose qui m' intéresse personnellement au sujet du projet. Bien sûr, si le projet dispose d'un budget alléchant, cela peut à lui seul être plus important que les intérêts personnels. Je pourrais être intéressé par presque n'importe quoi si l'argent est bon. Cela dit, je m'assure surtout penser que le projet est vraiment intéressant, car c'est ce qui me permettra de participer beaucoup plus facilement au projet. Mais l'argent compte aussi. J'ai laissé passer beaucoup d'emplois très intéressants parce que le budget était trop bas. Ce n'est pas parce qu'une entreprise semble cool ou que je crois vraiment au projet que je vais prendre un coup sur les frais. Je pourrais, mais j'ai mes limites. Bien sûr, peu importe à quel point le travail est intéressant ou bien rémunéré, j'ai besoin d'un certain minimum de temps pour pouvoir le faire. De nombreux emplois sont filtrés à ce stade parce que le calendrier est trop agressif, surtout compte tenu du budget. Cet exemple est bien parce que nous avons obtenu un budget. Mais parfois, on ne vous donne pas budget, mais on vous demandera de fournir un devis. Cela est particulièrement vrai pour les agences de publicité et de nombreux clients éditoriaux connus. Que vous obteniez un budget ou non, à ce stade où le client prend la main pour la première fois, on vous demande essentiellement si vous êtes disponible et intéressé. Habituellement, la réponse devrait être retentissante : « Cela dépend ». Bien sûr, ne le dites pas comme ça. Vous pouvez faire preuve d'intérêt initial et de professionnalisme en disant : « Cela me semble intéressant, mais j'aimerais en savoir un peu plus pour m'assurer que je peux m'en occuper. » À ce stade, vous avez lancé le processus de briefing, qui constitue la prochaine étape. Tout au long de ce cours, je vais vous offrir quelques-uns de mes conseils les plus importants. Le conseil est juste que vous pouvez faire ce que vous voulez, mais ce sont principes clés que je respecte dans ma propre pratique. Ils sont assez importants pour que je doive les appeler règles. Voici le premier. Règle. vous engagez jamais dans des inconnues. Lorsque vous recevez un mémoire, vous avez le droit d'en savoir autant que possible sur le poste avant de lui dire oui et avant d'envoyer un devis. Assurez-vous d'avoir un mémoire approprié et un devis accepté pour en apprendre autant que possible et assurez-vous savoir exactement dans quoi vous vous embarquez. La prochaine étape est le mémoire. briefing est le processus qui consiste à être pleinement informé et préparé pour le travail à venir. Lorsque vous êtes intéressé et que vous souhaitez en savoir plus sur un projet, vous pouvez passer à la phase d'information. C'est à ce moment que vous découvrirez ce dont le client a besoin et comment vous vous inscrivez dans l'image. Dans la conception et l'illustration, un dossier créatif décrit qui, quoi, pourquoi, où et quand d'un projet. Il s'agit d'une définition de haut niveau du problème créatif et des éléments livrables qui l'entourent. Un bref devrait vous indiquer tout ce vous devez savoir sur le prix, calendrier et tout ce dont vous avez besoin pour commencer votre travail créatif. Parfois, un bref vient du client dans un seul document ou sur un seul e-mail, mais le plus souvent, un bref est une conversation va-et-vient jusqu'à ce que l' on vous demande de faire exactement et pourquoi. devient clair. En tant que leader de votre processus créatif, c'est là que vous avez l'occasion de commencer à renforcer la confiance de vos clients. les interrogeant sur les spécificités de leur demande, cela montre que vous prêtez attention aux détails. Lorsque vous posez des questions de cette façon, votre client a l' occasion de vraiment réfléchir à ce qu'il veut et à ce dont il a besoin, et il appréciera probablement cette valeur ajoutée. C'est à vous de vous assurer que vous disposez de tout ce vous devez savoir sur ce qu'on vous demande de faire et, par extension, ce que l'on vous demande de tarifier dans un devis. Il y a presque toujours quelque chose que vous ne savez pas avec certitude, quelque chose que vous aimeriez savoir, des informations vitales qui ne vous ont pas encore été données. Le mémoire est l' occasion de poser cette question. Dans notre exemple pour notre client de magazine cryptographique fictif, je vais vous montrer comment je répondrais et les questions que je poserais. Dans ma réponse à Ashley, je dis : « Merci pour votre e-mail. Cela a l'air super intéressant. J'ai juste quelques questions pour m' assurer de savoir si je peux y répondre. Je suis heureux de passer un appel si c'est plus facile pour vous. La première question que je pose est : » Quel est le sujet de la page complète des spots ? Que sont-ils censés appeler spécifiquement ? » Il est toujours utile de savoir à un haut niveau auprès de mon directeur artistique ou client quel est leur point de vue sur ce qu'il s'agit. Une autre question que j'ai posée est : « Pouvez-vous m'envoyer l'article ou le titre ? » Très souvent, un client éditorial vous envoie l'article ou il vous donnera un résumé de l'article, mais s'il ne le fait pas, vous devriez le demander. « Avez-vous une direction artistique spécifique pour la pièce ? » L'approche qu'ils veulent adopter sur le plan conceptuel ne fait jamais de mal de poser cette question non plus. Une autre question très importante à poser est quelles sont les dimensions de chaque illustration ? Je ne démarre jamais un projet ou je ne cite même pas un projet à moins connaître la taille spécifique des illustrations que je suis censé livrer. Une chose avec l' illustration éditoriale est vos illustrations sont souvent placées dans la même disposition que lettrage, les titres et autres choses comme ça. Je demande si la page complète devra-t-elle contenir des lettres ou des titres ? Surtout avec la page complète, si elle occupe toute la page, ils veulent peut-être y avoir un libellé. Vous devez poser ces questions à l' avance afin de vous assurer que l'illustration peut s'adapter à cela. Une autre question à poser ici serait les taches seront-elles rectangulaires ou flottantes dans l'espace ? plupart du temps, les illustrations ponctuelles flottent dans l'espace et elles n'ont pas comme un bord carré dur. Il y a plutôt des espaces blancs derrière eux, mais parfois, vous voulez simplement vous assurer préciser avec le directeur artistique si ces illustrations peuvent se remplir directement jusqu'aux limites de l'espace rectangle dans lequel ils s'insèrent. Enfin, et c'est en fait une question très importante que vous devriez poser à chaque client est êtes-vous en mesure de citer des exemples d' autres travaux qui vous ont fait penser à moi ? Il s'agit d'une question importante à poser, surtout si vous n'êtes pas certain de ce qu'ils peuvent attendre de vous en termes de style. Ensuite, je ferme simplement l'e-mail et je dis : « Une fois que j'ai plus de clarté là-dessus, je peux confirmer ma disponibilité. » Pour en savoir plus sur ce qu' il faut poser dans un bref mémoire, j'ai inclus une série de questions à poser au moment du briefing, y compris des choses que vous devez absolument savoir avant de dire oui à un emploi dans la section projets et ressources de la classe. À la fin de la phase d'information, vous devriez avoir des réponses claires à ces questions idéalement par écrit. Je tiens à souligner à quel point il est important d' obtenir un mémoire complet à ce stade et de ne pas être trop décontracté à ce sujet. L'un des principaux problèmes rencontrés lors illustration pour les clients est quand il semble que le client continue de changer les choses au fur et à mesure. Peut-être que le poteau de but ne cesse changer dans les esquisses ou que vous avez presque terminé l'illustration finale et que le client change les dimensions. Cela m'est arrivé plusieurs fois. Pour savoir ce que vous voulez viser dans votre travail, vous devez verrouiller une cible. Le dossier est l'endroit où vous et le client d'accord sur cet objectif. Dans le jeu de bowling, vous devez renverser plusieurs épingles en leur lançant une balle lourde. Tout comme il y a plusieurs épingles à renverser, il y a souvent plusieurs objectifs à atteindre métaphoriquement dans un travail. Pouvez-vous imaginer si les épingles continuaient à se déplacer au bout de la voie pendant que vous visez votre tir ? Ces épingles doivent rester en place pour que vous ayez une chance de les renverser. L'étape suivante est le devis et le contrat. Une fois que vous avez un mémoire en place et que vous savez plus certainement ce qu' on vous demande de faire et que vous voulez le faire, vous pouvez passer à l'étape de la citation. Un devis est une estimation du coût de votre produit ou service. devis peut ne pas sembler nécessaire si votre client vous donne un budget, mais cela vaut toujours la peine d'en configurer un et d'en faire accepter le client car cela vous donne la possibilité mettre le prix écrit. Plus important encore, cela vous donne l'occasion de déclarer ce qui est inclus pour ce prix et, par extension, ce qui n'est pas inclus. En d'autres termes, avec le bref, un devis vous aide à définir la portée du projet. Revenons à l'analogie du bowling, alors que le slip ressemble aux épingles que vous avez définies comme objectif, la citation met en place les garde-corps qui maintiennent la balle hors de la gouttière. Maintenant, juste une note sur la tarification. Parallèlement au sujet des citations toute la canette de vers sur le prix de votre travail ? Dans cette classe, nous adoptons une vision de plus haut niveau de la façon de franchir un projet créatif et de le maintenir sur la bonne voie, donc nous ne ferons que gratter la surface sur le sujet de la tarification. Ici, j'aimerais me concentrer davantage sur la façon dont le devis s'inscrit dans le flux global du projet. Des ressources sont disponibles pour tarifier votre travail, et je laisserai des liens dans la section des projets et ressources de classe pour commencer. En parlant de la citation elle-même, une citation doit toujours être spécifique. Par exemple, plutôt que de dire qu' une illustration d' une certaine taille coûtera X montant, vous devez élaborer. À quelle vitesse le client le veut-il ? Combien de détails va-t-il y entrer ? Comment sera-t-il utilisé ? Combien de croquis le client espére-t-il voir au début ? Que se passe-t-il si le client souhaite la même illustration mais avec deux options de couleurs ? Bien que vous ne puissiez pas tenir compte de toutes les possibilités, vous pouvez écrire exactement ce qui serait inclus dans une possibilité spécifique. En fait, une citation n'est qu'une refonte plus précise du mémoire. Il est probablement utile de voir une citation plutôt que de simplement m'entendre en parler , alors je vais juste ouvrir une de mes citations ici, et je l'ai fait dans Harvest, mais jetons un coup d' œil à certains détails. En regardant ma citation ici, j'ai tous les éléments standard que n'importe quelle citation va avoir. Il va avoir votre adresse, vous et vos coordonnées. Il va y avoir à qui le devis est destiné, donc votre client en haut de la page. Il a un sujet et, dans ce cas, il s'agit d' une page pleine page et de spots. Ensuite, bien sûr, j'ai ici une petite section appelée Devis ID, et pour vous, cela pourrait ressembler à un numéro un, et un numéro deux, numéro trois. J'ai un schéma de nommage plus fantaisiste pour ça. Ensuite, j'ai la date d'émission. , cette partie supérieure est presque comme un e-mail ou un papier à en-tête puis c'est là que nous entrons vraiment dans le moi d'un devis, et c'est là que vous commencez à énumérer exactement ce que vous avez fournissent et pour combien. En gros, nous avons une description qui réitère ce que le directeur artistique et moi avons parlé au cours la phase d'information et que nous avons simplement écrit. Illustration éditoriale, je décrit à quoi cela sert et les livrables dont je parle non seulement de ce que je fais, mais aussi de ce que je fais en cours de route. Cela comprend 2 à 3 croquis ou concepts par illustration. Ensuite, bien sûr, je livre une illustration pleine page, puis j'ai juste les dimensions sur lesquelles nous avons convenu, puis quatre illustrations ponctuelles, et je fais également une mention de ce que le format et la résolution du fichier seront, juste pour que ce soit clair. J'ai eu des cas où j'ai fourni fichiers Photoshop parce que c'est ce que je travaille et que les gens attendaient Vector, et vous voulez vous assurer que vous abordez en haut ici et non bien plus tard, une fois que vous avez créé l'œuvre d'art. Il est également très important d' avoir des délais, même s'ils sont lâches. Je dis juste que les croquis sont attendus en fin de journée le 11 février, les finales sont prévues en fin de journée le 18 février dans ce cas. Ensuite, bien sûr, le montant et les taxes, tous ces trucs standards. Maintenant, dans la description, je prends soin de dire : « Voir les conditions générales des révisions et des barèmes de frais. » Nous allons en parler un peu, mais ici au bas de la citation, j'ai ici toute cette section où je les détails de la façon dont cela fonctionne. Qu'est-ce qu'une révision ? Combien en avez-vous ? Des trucs comme ça. Nous allons en parler un peu, mais je suis sûr de l'inclure dans mes citations. Pour moi, le devis n'est pas seulement une liste de prix ou un numéro, mais un contrat. Un devis décrit ce que vous allez fournir et pour quelle quantité. Il indique également ce qui est inclus en cours de route, y compris le nombre de concepts uniques que vous fournirez pour chaque illustration, nombre de séries de révisions que vous autorisez lors de l'esquisse et des étapes finales, et ce qui suit : format de fichier que vous allez livrer à la fin. Dans ma citation, j'expose également le calendrier, si possible, et j'inclut définitivement un barème de frais et s'il y a ou non des frais de tuerie, et oui, vous devriez absolument inclure des frais de destruction. Une autre chose que j'intègre dans mes citations est une description des usages et une déclaration de droits d'auteur. À moins que le client ne demande expressément et que vous n'ayez négocié des frais plus élevés, vous devez toujours conserver les droits d'auteur sur votre travail. Je n'ai pas inventé ça. La plupart de ce que j'ai appris sur tarification et les éléments à inclure dans mon devis et sur la façon de rédiger mes termes et accords, j'ai appris dans le manuel de la Guilde des artistes graphiques. Il s'agit d'un guide très pratique pour tous ceux qui veulent connaître leur chemin dans le domaine de l'illustration ou du design. Il ne contient que des pages et des pages d'informations à ce sujet. intéressant dans ce guide, c'est qu'il dispose de ces tableaux spécifiques où il parle scénarios très spécifiques tels que vous créez ce type d'illustration pour ce type de client, et c'est coûtent dans cette fourchette de prix. Une autre chose intéressante dans ce guide c' est qu'il n'a pas seulement ces listes de prix. Il y a également toute cette section à l'arrière avec ces exemples de formulaires et accords, de contrats et d'autres choses semblables. Une bonne partie du libellé que j'ai choisi d'inclure dans mes conditions générales, j'ai tiré de ces exemples. Il s'appelle le Graphic Artists Guild Handbook to Pricing and Ethical Guidelines. C'est une bouchée, certaines personnes l'appellent simplement The GAG Guide, mais oui, super utile. Je vous recommande vivement d'en choisir un. Avant, j'avais un contrat distinct que mon client pouvait signer, mais maintenant je ai inclus dans la section Conditions générales de mon devis. Pour être honnête, je suis sûr qu'il existe une façon plus officielle de faire, mais pour mes besoins, cela fonctionne. Ce n'est pas un conseil juridique, je vous encourage à faire vos propres recherches pour voir ce qui vous convient le mieux. Pour plus d'informations sur les devis et quelques exemples, veuillez consulter les liens de la page projets et ressources comme toujours. Maintenant, juste une autre note sur les citations avant de passer à l'étape suivante, tout comme le mémoire, la citation doit être considérée comme une conversation. Si le client n'a pas fourni budget et n' a pas demandé de devis, demandez ce que vous voulez. Si le client mord, alors super. Si ce n'est pas le cas, revenez demander s' ils avaient un budget qui leur conviendrait mieux. Négocier un prix ne signifie pas que vous devez fournir la même valeur à moindre coût, vous pouvez négocier en supprimant des fonctionnalités ou en ajustant les attentes dans la chronologie ou la livraison. Vous avez peut-être entendu l' adage, de bon, rapide ou bon marché, vous ne pouvez en choisir que deux, vous ne pouvez pas avoir les trois. J'espère que vous ne partirez jamais bon pour la négociation, mais vous pouvez parfois vous tromper de la vitesse et de la quantité. La phase de devis prend fin lorsque le client accepte votre devis. La façon dont j' obtiens une approbation sur mon devis est basée sur le fonctionnement de mon application de facturation. Dans Harvest, après avoir configuré mon devis, je l'envoie au client dans l'application. Le client reçoit un e-mail contenant un lien vers le devis sous forme de page Web. Sur cette page se trouve un vieux bouton qui indique « Accepter le devis ». Lorsque j'envoie le devis, j'écris toujours une petite note personnelle disant : « Si le devis vous semble bien, assurez-vous de cliquer sur « Accepter » sur le devis Web. Dans la section Modalités et conditions de mes devis, j'ajoute un peu qui dit : « En acceptant ce devis, vous acceptez ce qui suit », et c'est ainsi que je sais que le client a accepté mon citation. Le client doit avoir un moyen d' accepter le devis d'une manière qui revient à signer manuellement. En leur demandant de cliquer sur le bouton Accepter, ce document prouve qu'ils acceptent les termes et conditions du devis. Si vous préférez une signature manuelle, ce n'est pas une mauvaise idée. Encore une fois, rien de tout cela n' est un conseil juridique, je ne fais que vous montrer ce que je fais dans ma propre pratique. Enfin, la dernière étape ici est le coup d'envoi. Une fois que vous avez obtenu un bref devis et un devis accepté, le poste est à peu près le vôtre. Vous pouvez simplement vous lancer dans le travail réel à ce stade, mais je pense que c'est agréable enregistrer une dernière fois avant d'aller avant pour m'assurer que le travail ressemble à une réalité, c' est ce que j'appelle le coup d'envoi. coup d'envoi peut être aussi simple qu'une note remerciement et vous êtes enthousiaste à l'idée de travailler avec eux. C'est également l'occasion d' affiner la chronologie du projet, fixant des dates plus concrètes pour des livrables ou des points de contact spécifiques. Dans le processus, les points de contact incluent les fois où mon client verra les croquis, l'art fini, puis les fichiers d'illustration finis. Le travail que je partage avec le client est toujours un livrable terminé. Lorsque nous travaillons à la chronologie, j'évite les enregistrements linguistiques, car je ne pense pas qu'il soit créatif de montrer le travail en milieu de processus. Cela pourrait vraiment nuire au processus, car le travail d'illustration en cours peut sembler alarmant même pour nous-mêmes au moment où nous le faisons. Si le client demande un enregistrement, effectuez cet enregistrement la première fois qu'il verra un croquis de votre part. Nous allons en parler davantage au stade de l'idéation. Mais pour l'instant, mon principal point est vous voulez avoir un calendrier que vous voulez avoir un calendrier très simple et élégant, de sorte que vous avez moins de dates à planifier et moins de chances de perdre la trace des commentaires. Au coup d'envoi, premier programme dans ces trois points de contact principaux : premier regard sur les croquis, premier regard sur l'art fini et livraison finale du fichier. J'aime dire premier coup d'oeil parce qu'il y aura peut-être un deuxième et un troisième regard plus tard, mais la planification de toutes les possibilités devient compliquée. Ensuite, assurez-vous de laisser suffisamment de temps entre chacun de ces points de contact pour que le client donner des commentaires réfléchi et que vous mettiez soigneusement en œuvre les modifications apportées à vos propres révisions. Habituellement, cela signifie un délai d'au moins une journée pour les commentaires des clients et un autre jour pour que vous retourniez les révisions. J'aime également programmer au moins 1 à 2 jours en fonction de la complexité du projet après l'approbation finale pour nettoyer les fichiers avant de les remettre au client. Juste un conseil, les commentaires et les révisions sont faciles à perdre de vue s'ils ne sont pas gérés correctement. Vous devez éviter que les commentaires proviennent par fragments ou provenant de plusieurs personnes via plusieurs courriels ou appels. Pour éviter la confusion et l'écrasement, j'ai toujours besoin de commentaires pour passer par un seul contact et être rassemblé dans un seul document organisé. Je le communique dans les termes et conditions du devis. Un excellent moyen de concrétiser un projet consiste à créer un dossier de projet. Plus tôt, je vous ai présenté mon système de classement Six S et il est maintenant temps de commencer à l'utiliser. Le système de classement n'est que la structure des dossiers imbriqués nommés et classés selon les étapes et les étapes de ce processus. J'ai toujours un système de classement vide ou fictif sur mon disque dur prêt à dupliquer et à donner un nouveau nom à chaque projet. Disons simplement que j' ai commencé ce travail pour ce magazine fictif, Crypto Today. Je nommerais mon dossier de cette façon. Ici, je n'ai que mon dossier fictif et il a un nom générique. La prochaine chose que je veux faire est de le dupliquer, je veux toujours garder mon dossier fictif seul pour qu'il soit toujours disponible, mais je veux le dupliquer et ensuite commencer à lui donner un nom unique. Je donne à mes projets ces noms gobbledygook, mais il y a un peu de raison à cela. Les quatre premières lettres sont le nom du client, donc dans ce cas, c'est Crypto Today, et je vais juste mettre CRYP comme petit raccourci pour cela. La date serait alors février 2022, ce qui lui donne un moyen clair d'identifier quand j'ai réalisé ce projet. Ensuite, je lui donne un petit numéro de série, juste un chiffre, juste au cas où Crypto Today me reviendrait le même mois pour un autre projet distinct. Je créerais simplement un dossier avec exactement le même code , mais j'incrémenterais simplement ce numéro de série à deux. Bien sûr, j'ai mis le nom du client ici, Crypto Today, et nous allons juste dire des illustrations. Le gobbledygook à 11 caractères est le code du projet , puis je le suit avec une description de base du projet. Pour plus d'informations sur la façon dont je conçois des codes de projet et que je nomme mes dossiers, j'ai inclus quelques notes avec le système de classement, Zip File, inclus dans la page des ressources de classe. 7. Étape 2 : Comprendre: [MUSIQUE] Maintenant que vous avez intégré votre client et officiellement lancé le projet, c'est à vous, illustrateur. Le moment où un projet débute peut être intimidant pour les nouveaux illustrateurs. Puisque la grande question est que faites-vous ensuite ? chose la plus naturelle à faire pourrait peut-être être de prendre un crayon ou même sauter directement dans Procreate ou Illustrator et commencer à élaborer des idées. Mais avant même de penser à dessiner ou à illustrer quoi que ce soit, vous devez d'abord jeter les bases de la compréhension. C'est ce qu'est l' étape de la compréhension. La compréhension est l'étape de l' apprentissage autant que possible du projet pour que vous puissiez faire correctement votre travail. Ce processus comprend des recherches de base et la collecte d'images de référence, mais il faut bien comprendre votre sujet. Dans le processus 6S, cette étape comprend également des études, qui signifie dessiner à partir de vos images de référence. Quiconque a suivi mes autres cours le connaîtra en mode observation ou en mode O. L'objectif de la phase de compréhension est d'en savoir autant que nécessaire afin d' illustrer soigneusement votre sujet. Cette compréhension se situe à la fois au niveau intellectuel et visuel. Cette étape commence par quelques recherches primaires de base puis passe à des études visuelles, ou ce que j' appelle parfois l'esquisse en mode O. À la fin de l'étape, vous aurez recueilli des notes et de la documentation de vos recherches primaires, ainsi que quelques images de référence. Bien sûr, vous aurez également des esquisses en mode O, basées sur vos images de référence. Au stade de la compréhension, la première étape est la recherche. La recherche pour les illustrateurs est plutôt fondamentale. Nous ne parlons pas de recherche universitaire, mais simplement d'arriver à un endroit où vous comprenez ce que vous êtes censé illustrer. Pour démontrer la partie recherche de cette étape, disons simplement que nous travaillons sur une illustration pour un client éditorial. Dans un projet d' illustration éditoriale typique, la recherche commencera vraiment par l'ébauche d'article du directeur artistique. L'article est souvent présenté sous document texte avec le titre et le corps principal du texte, bien qu'il soit sous forme de brouillon, ce qui signifie que le titre et le libellé exact du contenu peuvent changer auparavant. publication. Cependant, il devrait vous suffire de glaner des idées. Dans cet exemple, votre première étape devrait être de lire et de comprendre le texte, ainsi que de trouver quelque chose d' intéressant à ce sujet. Tous les articles éditoriaux ne sont pas vraiment capitoyants. Quand je reçois un article, je l'ai lu plusieurs fois, chaque passe ayant un focus différent. La première lecture consiste simplement à connaître l'article, alors je l'ai lu sans autre objectif que de simplement le passer à travers. La deuxième lecture consiste à comprendre de quoi il s' agit réellement de l'article. Cette fois, j'ai un crayon ou un stylo à la main et souligne tout ce qui me distingue comme intéressant, surtout tout ce qui me donne un signal visuel fort. À ce stade, il se peut que je me rende compte que je ne sais pas autant que ce que j'ai pensé à ce sujet, donc je pourrais aller faire des recherches supplémentaires. Par exemple, si l'article porte sur l'investissement crypto, je devrai peut-être faire des recherches supplémentaires pour savoir ce que signifient les termes comme haussier ou tout-petits. Ce qui est bien, c'est que vous n'avez pas besoin d'être un expert sur quelque chose pour pouvoir l'illustrer. En fait, lorsque vous lisez quelque chose en tant qu'étranger total, le processus d'apprentissage vous permettra mieux l'illustrer. Vous pouvez vous mettre à la place du lecteur moyen et donc savoir quelle est la façon la plus compréhensible de communiquer à ce sujet. Après avoir compris le texte et tiré quelques idées clés, la prochaine étape consistera à rechercher des images de référence. Le but de cette étape est de créer une bibliothèque visuelle de votre sujet. Ici, il vous suffit de rechercher des images sur le Web et les enregistrer dans un dossier de votre ordinateur. Dans l'exemple ci-dessus, l'article porte sur l'investissement cryptographique. C'est un sujet très abstrait, vous aurez donc besoin d'un point d'entrée visuel. Quels sont les symboles et les visuels qui peuvent être significatifs dans ce sujet ? Plus précisément, à quoi ressemble la crypto ? Puisque la crypto n'a pas de forme physique réelle, vous verrez beaucoup de visuels qui fusionnent monnaie et les tropes numériques ou électroniques. Cela signifie beaucoup de pièces d'or avec des motifs de circuits. Quels sont les autres visuels qui existent dans ce sujet ou dans la culture qui l'entoure ? Qui sont les personnes présentes dans cet espace et à quoi ressemble-t-elle ? Quelles sont les métaphores sur lesquelles vous pouvez vous inspirer comme haussier ? Quels que soient les visuels que vous pensez devoir référencer, recherchez-les et enregistrez-les dans votre dossier d'images de référence. Soyez également à l'affût de nouveaux visuels possibles au fur et à mesure. C'est un autre avantage de réaliser cette étape de recherche sur l'image. Maintenant, lorsque vous recherchez des images de référence, vous ne cherchez pas de solution à votre problème d'illustration. Vous n'allez probablement pas trouver un concept complet prêt à être lancé dans votre recherche. Au lieu de cela, vous ne cherchez que des images de référence, et dans un instant, nous allons en apprendre davantage sur ce que vous allez en faire. Pour guider cette recherche sur l'image, je trouve qu'il est utile d'écrire d'abord une liste de mots-clés , puis de l'utiliser comme base de mes recherches primaires. Je peux simplement passer en revue ces mots un par un. Une fois que j'ai trouvé des images pour chaque mot-clé, je peux passer à l'étape suivante. Maintenant, juste un avertissement amical. Internet regorge de clichés et visualisations très peu imaginatives pour chaque sujet. En regardant la crypto, vous constaterez rapidement que les gens n'ont pas pu imaginer plus loin que des pièces avec divers symboles de crypto-monnaie entourés de motifs numériques. Bien que vous ayez besoin d'inclure quelque chose de ce genre pour que votre art ait un sens pour le lecteur moyen, votre travail consiste à pousser pour quelque chose d'autre en plus. Comment pouvez-vous pousser les clichés dans quelque chose plus intelligent ou leur donner plus de personnalité ? Ou comment faire tourner les vieilles idées d'une nouvelle manière ? Quels nouveaux liens pouvez-vous créer entre les idées spécifiques de l'article et les motifs communs du sujet ? recherche peut prendre 15 minutes à lire le matériel fourni et à rassembler quelques images de référence, ou cela peut prendre une journée entière se perdre dans les trous de lapin, alors que vous découvrirez un nouveau sujet et que vous vous intéressez beaucoup au processus d'apprentissage. Comment savez-vous quand vous avez terminé vos recherches ? Je réserve habituellement une demi-journée pour la recherche et la collecte d'images. Je sais que j'en ai fini, soit lorsque temps est écoulé, soit lorsque j'ai trouvé images pour toute ma liste de mots-clés ou jusqu'à ce que je sois juste fatigué de faire des recherches. L'étape suivante est celle des études visuelles. Pour les artistes, les études sont des dessins réalisés à des fins pratiques ou expérimentales. Mais dans mon processus, les études ont un objectif plus précis. Dans certains de mes cours, j'appelle cette esquisse observationnelle ou en mode O. C'est un esquisse que je fais avant commencer à trouver des idées réelles. En mode O, nous parcourons nos images de référence collectées et dessinons ce que nous voyons. Nous ne trouvons pas d'idées, dessinons simplement ce qu'il y a sur la page. Nous n' essayons même pas nécessairement de bien les dessiner. Il suffit souvent de dessiner quelque chose rapidement et mal, tant que cet acte nous amène à voir le sujet de plus près et à conserver quelque chose de sa forme dans notre mémoire. Je parle parfois de téléchargement d' informations visuelles dans notre cerveau. Plus tard, lorsque nous commencerons à chercher des idées au stade de l'idéation, nous aurons un répertoire de formes visuelles liées à notre sujet, fraîches dans notre mémoire. Il est donc beaucoup plus facile de trouver des idées à ce moment-là. Pendant ce temps, à ce stade, la pression est interrompue, mais en même temps, nous avons le sentiment que nous progressons en effectuant des travaux réels, et ce sentiment de progrès est énorme dans nous empêchant de nous sentir coincés. Pour les esquisses ou les études en mode O, je passe en revue autant d' images de référence que possible. J'essaie de ne pas y réfléchir trop fort. fur et à mesure que vous apprenez cette compétence et que vous le faites plusieurs fois, vous choisissez mieux les images lors vos recherches initiales et de votre collecte d' images, et vous aurez l'impression que vous devez accorder le plus d'attention. à vos études. Lorsque vous avez l'impression d'avoir rempli suffisamment d'informations visuelles dans votre cerveau ou que vous avez manqué de temps, il est temps de passer à l'étape suivante, l'idéation. Je fixe généralement une limite de temps pour les études visuelles d'une heure à une demi-journée, en fonction de la quantité dont j'ai besoin. Règle. Ne partagez pas d' esquisses en mode O avec votre client. Ces croquis sont faits pour vous seul. Bien que vous aimiez peut-être leur apparence et que vous finissiez leur apparence et que vous finissiez les utiliser dans vos croquis idéationnels à l'étape suivante, ils ne sont probablement qu'un tremplin. À ce stade, vous voudrez peut-être les partager avec le client pour lui faire savoir que vous êtes au travail, surtout s'il le demande. Mais si vous montrez les croquis du mode O à votre client, le risque est qu'il y réagisse comme si vous les entendiez comme un concept réel. Ils pourraient vraiment l'aimer et rester coincés dessus, ce qui vous rendrait plus difficile de développer des idées plus intéressantes et uniques. Ou d'un autre côté, ils peuvent penser qu'ils sont plutôt mauvais et s'inquiéter, c'est le mieux que vous puissiez faire. De toute façon, l'affichage des esquisses en mode O au client risque de perdre le contrôle du processus créatif à ce stade antérieur. Attendez la fin de la prochaine étape, idéation, pour montrer quoi que ce soit à votre client. [MUSIQUE] 8. Étape 3 : Idéation: [MUSIQUE] Maintenant que vous vous êtes échauffé depuis le stade de la compréhension, vous vous sentirez beaucoup plus prêt à trouver des idées réelles, qui est exactement à quoi sert l'étape de l' idéation. idéation est le processus qui consiste à trouver des solutions réelles au problème visuel du client. Pour les illustrateurs, cela signifie proposer des concepts sous forme de croquis. Le processus d'idéation commence par des esquisses grossières, puis passe par un processus de sélection et de raffinage et, en fin présentation de vos meilleurs esquisses au client. À partir de là, le client va soit approuver le concept pour entrer en finale, soit il vous donnera très probablement des commentaires ou des modifications à intégrer dans un croquis révisé avant d'aller de l'avant. Bien sûr, tout le processus consistant à trouver des idées et à les présenter au client et surtout à travailler à travers commentaires et les révisions est un point fort pour nous. Puisque ce cours vise en fin de compte à garder le contrôle du processus créatif afin atteindre les objectifs du projet, nous allons accorder une attention plus détaillée à cet aspect. L'objectif ultime de la phase d'idéation est d' avoir une esquisse approuvée par le client pour chaque illustration sur laquelle vous travaillez. S'il n'y a qu' une seule illustration, vous souhaitez avoir une esquisse approuvée que vous pourrez transformer en pièce finie à l'étape suivante. S'il y a 10 illustrations, vous devriez avoir 10 croquis approuvés, etc. Les étapes de ce processus comprennent des croquis grossiers, des esquisses raffinées, la présentation, ainsi que les commentaires et les révisions. Dès que nous commençons nos croquis grossiers, nous sommes confrontés à la page blanche. Si nous avions essayé de commencer ici sans passer par la phase de compréhension, en particulier les études, cela aurait pu être beaucoup plus intimidant. Mais après avoir déjà amorcé notre imagination avec des informations visuelles, nous avons probablement quelque chose en tête pour commencer. Si vous voulez approfondir la façon dont j'aborde les esquisses grossières, je vous le montre dans ma classe Drawing Toward Illustration. Parfois, un client a quelque chose en tête qu'il veut que vous puissiez illustrer, parfois même vous donner son propre croquis au moins comme point de départ, d'autres fois, le client finance pour laissez les idées entièrement à vous. Dans les deux exemples suivants, nous allons examiner à quoi pourrait ressembler chaque situation. Souvent, un directeur artistique a en tête un concept avec lequel vous pouvez travailler. Bien qu'il puisse sembler que cela facilite votre travail, cela peut en fait rendre la tâche plus difficile puisque vous n'avez peut-être jamais abordé le problème visuel cette façon et vous passez donc beaucoup de temps à adapter votre style et façon de penser à quelqu'un d'autre. Une grande partie de son style n'est pas seulement ce à quoi ressemble une illustration, mais les idées mêmes sur lesquelles l'illustration est basée. L'illustration ne consiste pas seulement à faire des images, c'est l'approche globale pour y arriver. Heureusement, dans la plupart des cas, l'esquisse ou le concept que vous a donné le client est ouvert à votre interprétation ; c'est un point de départ, votre travail consiste à trouver un moyen d'interpréter le point de départ à votre manière. Voici un conseil. Lorsque le client vous donne un point de départ comme celui-ci, il reste une très bonne idée de passer par l'étape de compréhension complète, y compris la recherche et l'esquisse des modes, avant de passer aux étapes ultérieures de le processus. Lorsqu'un client vous donne une esquisse approximative, vous pouvez vous demander s'il y a même un intérêt à faire vos propres croquis grossiers. Bien sûr, la réponse est un oui retentissant. Dans un tel cas, j'essaierais au moins deux approches différentes : l'une qui suit de plus près une esquisse du client et l'autre qui interprète l'esquisse de manière plus naturelle. ou intuitif pour vous. Je voudrais souvent essayer une troisième approche où je mettrai de côté les idées préconçues du client et aborde le problème d'une manière complètement nouvelle. Je ne le ferais que s' il semblait pouvoir le faire sans contredire les objectifs du mémoire. Dans un exemple, un client est venu me voir avec un concept et des croquis qui avaient déjà été approuvés par son client, une association automobile qui fournit soutien routier d'urgence à ses membres. C'était une agence de publicité et ils venaient me voir pour exécuter leurs idées dans mon style. Une partie de la tâche consistait en un lettrage personnalisé et l'autre partie illustrait quelques icônes simples pour prendre en charge le texte. Le lettrage serait assez simple, c'est l'icône qui me semblait plus incertaine. Ils voulaient que je représente une batterie de voiture, un pneu crevé et une dépanneuse. Dans les ébauches, j'ai passé un certain temps à essayer de comprendre comment je tirerais une batterie de voiture, un pneu crevé et une dépanneuse. Ce serait le niveau 1 où je ne fais redessiner ce que le client a déjà esquissé. Ici, je pense aux qualités de mon style. Quel personnage puis-je apporter à ces objets plutôt simples ? Il peut y avoir beaucoup de place pour l'interprétation. Le niveau suivant, appelons-le niveau 2, consisterait à aller plus loin dans les idées. Maintenant, je pense plus conceptuellement. Que dit le texte et quel est le ton général du projet et comment puis-je l'intégrer plus créative dans l'illustration ? Dans cet exemple, le ton général est thème de Noël et le texte joue sur l'idée de cartes de vœux de Noël dans des situations où l'on peut avoir besoin d'un service routier d'urgence. Au fur et à mesure, j'ai commencé à réfléchir à la façon de rassembler ces deux idées. Pour la batterie, j'ai atterri sur l'idée de câbles de démarrage comme une chaîne de lumières de Noël, pour le pneu crevé, j'ai atterri sur l' idée comique de la crevaison causée par la conduite au-dessus de la vitre. pour la troisième pièce, je savais que le client voulait littéralement représenter l'une de leurs dépannes de marque reconnaissables. Il s'agissait simplement de savoir comment le faire tourner un peu pour qu'il y ait plus de concept. Ici, j'ai ajouté un costume de Rudolph avec un nez rouge devant et les bois attachés au haut. Dans mes ébauches, je viens de jouer avec des variations sur ces deux choses ; le niveau 1 et le niveau 2 s'approchent de chaque pièce. Nous examinerons comment cela s'est développé à l'étape suivante, mais commençons par voir quand le concept dépend totalement de vous. Je préfère de loin ne pas recevoir de croquis pour mon client. Comme l'a dit un autre artiste sur Twitter  : « S'il vous plaît, ne m'envoyez pas de croquis, c'est pourquoi vous m'avez engagé, je fais les photos. » J'espère que je vous ai montré comment vous pouvez toujours être créatif quand on vous donne un croquis. Mais regardons maintenant le défi de travailler à partir d'une ardoise propre. Dans cet exemple, le directeur artistique m'a donné un mémoire assez simple et ouvert. Cet article porte sur le travail à domicile pendant le COVID. J'ai cherché des images qui me donnaient une idée de ce à quoi ressemble le travail à domicile. Dans ce cas, ce sont les gens à maison qui zooment sur les ordinateurs, ils sont dans un environnement domestique, peut-être dans une cuisine ou une chambre à coucher. J'ai passé cette étape de repos à parcourir cette idée simple et à voir où allait aller mon imagination. Dans cette étape plus difficile, je ne fais que explorer et laisser ma main et mon esprit errer. Parfois, mes idées se rassemblent dans leur intégralité ici et j'ai juste besoin de les affiner un peu à l' étape suivante, mais d'autres fois, les choses arrivent en parties ou en morceaux incomplets. Très souvent, je ne pense pas avoir quelque chose d'aussi génial, donc à un certain moment, je dois m'arrêter, faire une pause et y revenir avec un esprit frais, ce qui pourrait être après une pause collation ou même le lendemain. Règle. Ne partagez pas le travail en cours depuis votre étape difficile. Lorsque vous présentez des croquis à votre client, votre objectif doit être de définir votre idée et faire approuver immédiatement par le client. Si vous présentez des croquis que vous n'avez pas entièrement résolus vous-même, votre client peut ressentir le besoin d' intervenir et de les résoudre pour vous, ce que je doute que l'un ou l'autre de vous veuille. Tout aussi important, vous ne voulez pas présenter un concept que vous ne pouvez pas réellement développer dans votre médium et votre style ? Eh bien, il est bon de laisser de la place à surprise entre les croquis et les finales, vous ne voulez pas préparer le client avec attentes que vous aurez vraiment du mal à répondre. Dans l'étape des croquis grossiers, vous exploitez des idées, exploitez les diamants bruts. Mais à la fin des croquis grossiers, vous aurez trouvé quelque chose même s'ils semblent incomplets. Dans les étapes raffinées, c'est là que vous avez la chance de façonner l'esquisse à quelque chose de plus spécifique. Vous avez peut-être eu toutes les bonnes idées, mais il est temps de choisir celles qui sont les plus viables. Une idée est viable quand elle répond d'abord à l'objectif du bref, deuxièmement, elle promet d'être quelque chose que vous pouvez livrer dans votre style, et troisièmement, c'est quelque chose que vous pouvez facilement décrire. Si vous ne pouvez pas le dire en mots, vous n'avez probablement pas d'idée ; à part cela, il vous suffit l' aimer et de vivre avec elle. Règle. Si vous ne voulez pas que le client choisisse vos pires idées, ne les présentez pas. Nous en reviendrons davantage dans la prochaine étape, la présentation. Mais une plainte courante des illustrateurs est que le client choisit toujours ses pires idées. Pour moi, cela semble évitable ; ne présentez pas d'idées qui ne vous plaisent pas. Bien que vous ayez peut-être une idée préférée, vous devriez être en mesure d'obtenir toutes les idées que vous présentez. S'il y a des idées que vous ne voudriez exécuter pour quelque raison que ce soit, vous ne devriez pas l'inclure. Si cela signifie présenter deux concepts au lieu de trois, il suffit d'en présenter deux. Si cela signifie que vous n'avez pas d'idées, vous avez encore plus de travail à faire au stade difficile. Dans ce cas, demandez-vous ce qui ne fonctionne pas dans votre concept, puis continuez. Règle. Ne présentez pas plus de trois options par illustration. montrer trop d' options rend choix plus difficile pour votre client et cela leur indique que vous ne pouvez pas décider de ce que vous pensez être la meilleure façon de procéder. Apportez une recommandation forte, soyez décisif. Aussi difficile que cela puisse être, choisissez vos trois meilleurs concepts et laissez tout le reste aller. Dans un mois, vous aurez oublié toutes ces idées précieuses de toute façon. Aidez votre client à décider en ne montrant que vos idées les plus fortes. Faites de votre travail de décider quelles sont vos idées les plus fortes et non les clients. C'est l'un des principaux moyens de rester dans le siège du conducteur créatif et d'empêcher le projet de sortir de la piste. Dans le premier exemple, les pièces de batterie, de pneu et de dépanneuse, mon objectif est de proposer au moins une prise de niveau 1 et de niveau 2 sur leurs croquis, avec le niveau 1 suivant leurs croquis plus littéralement, et le niveau 2 apportant plus de mon propre point de vue à la table. En fait, je me suis retrouvé avec trois directions à partager avec eux. Ici, pour les affiner suffisamment pour leurs commentaires, je me suis assuré qu'ils avaient tous un niveau de finition similaire à eux. Lorsque l'on élabore des idées pour un ensemble d'illustrations, les croquis doivent tous être cohérents pour éviter de se demander pourquoi l'un peut être différent de l'autre. Je me suis également assuré que le lettrage et mes croquis avaient tous un sentiment similaire à eux, même si c'était assez rude à ce stade. C'est ce sur quoi je me suis concentré dans mes croquis raffinés ici. Je voulais aussi peu de variations dans la qualité de mes esquisses et autant de variations dans les concepts distincts que je présentais. Lorsque vous présentez plusieurs options, rendez chaque option aussi distincte que possible. De cette façon, vous pouvez éviter les demandes de mélange et de correspondance, alias Frankenstein vos croquis. Cela pourrait vraiment affaiblir votre concept global. affichage de différentes options avec seulement des différences mineures rend la décision plus difficile pour vous et votre client. Lorsque chaque concept est aussi différencié que possible des autres, sa valeur unique est claire. S'il y a un petit détail que vous n'êtes pas sûr d'inclure ou non, évitez la tentation de l' inclure comme option supplémentaire. Cela affaiblirait votre position de leader créatif. Vous devriez comprendre ce détail vous-même. Il suffit de supprimer l'une des variations et savoir que si c'est vraiment si difficile à décider, cela ne fait probablement aucune différence de toute façon. Un aspect notable de ce projet était que je travaillais avec un directeur artistique dans une agence publicitaire et que nous étions ensemble créatifs, à présenter à leur client. Bien que j'autorise habituellement trois séries de croquis, ici, je dois d'abord permettre de faire des va-et-vient entre moi et le directeur artistique, car l'équipe créative de l'agence voudra vérifier mon travailler avant de l'envoyer à leur client. Dans ce cas, les premières esquisses que j'ai partagées étaient un peu plus lâches que je ne le veux habituellement parce que je devais d' abord définir les concepts généraux avec eux, et les concepts ont besoin de moins de raffinement que le contenu dans la composition. Une fois que le directeur artistique est revenu avec ses commentaires internes, j'ai pu peaufiner encore plus l'ensemble des concepts, cette fois prêt à être examiné par son client. Dans le cas de mes croquis pour mon client éditorial, une fois que j'ai sélectionné mes meilleures options, je les affine simplement en les retraçant et en les faisant paraître aussi près de la façon dont j'illustre dans mon style final que possible. Bien que beaucoup puissent aborder les croquis de manière beaucoup plus rapide et plus lâche, je préfère passer beaucoup de temps ici. C'est pourquoi je fais des croquis grossiers et je les affine en fonction de ma propre idée de ce qui doit être clair plutôt que de présenter des croquis plus grossiers à mon client et de devoir les affiner en fonction de leur commentaires. Bien que les commentaires et les révisions souvent qu'une partie du processus, j'aime les rationaliser autant que possible, et je pense que mes clients apprécient ne pas avoir à demander trop de changements. C'est juste une intuition. J'ai essayé d'utiliser mon expérience et mon intuition pour anticiper ce que le client pourrait dire et résoudre ces problèmes moi-même. Si je ne peux pas dire ce que le client dira, je lui montrerai simplement mon meilleur travail et je laisserai les commentaires du client me donner plus d'orientation lors du prochain tour. Tout en s'inquiétant de mes croquis raffinés, cela peut sembler prendre trop de temps, cela permet de gagner plus de temps dans les étapes de révision, et surtout au stade de l'art final. Prenez le temps de bien faire les choses dans les croquis. Dans votre scène artistique finie, cela se passera beaucoup plus doucement. Travaillez dans les croquis, pas en finale. Que vous clouiez les croquis et le client approuve sans commentaires, ou qu'il ait beaucoup de commentaires pour vous aider à travailler, il est toujours préférable de travailler dans les croquis, non dans le exécution terminée. Il est toujours plus facile de changer les choses au crayon que de peindre [BRUIT]. Jusqu'à présent, nous n'avons pas rencontré le client depuis le coup d'envoi. Peut-être que nous y donnons quelques questions supplémentaires au début, mais nous ne leur avons pas encore montré de travail. Maintenant, avec quelques croquis raffinés en main, vous êtes prêt pour votre première présentation client, notre premier point de contact depuis le lancement. Eh bien, vous pouvez imaginer qu'une présentation client se produise en temps réel lorsque vous amenez votre client à travers vos concepts Je recommande plutôt d'envoyer vos concepts par e-mail, car cela leur donne du temps et de l'espace pour formuler leur réponse. Cela signifie que vous obtenez des commentaires plus réfléchis plutôt que des prises chaudes. Dans la vidéo Outils plus tôt, j'ai fait allusion au deck comme étant votre outil le plus important pour guider votre client dans votre processus créatif. Maintenant que vous avez votre esquisse ou vos esquisses à partager avec votre client, vous allez avoir besoin de ce deck. Votre deck est la façon dont vous devez présenter tous les travaux à votre client. Je suis surpris du nombre d' illustrateurs qui envoient encore leur travail sous forme de pièces jointes à leurs clients. Si vous êtes un nouvel illustrateur travaillant pour votre premier client, vous pouvez facilement vous démarquer tête et épaules en partageant votre travail sur un deck. Une bonne esquisse présentée dans un deck pourrait paraître beaucoup plus précieuse qu'une esquisse étonnante envoyée sous forme de pièce jointe. présentation dans un deck permet à l'illustrateur de garder le contrôle de son processus en effectuant les opérations suivantes : Il est plus facile de suivre les versions depuis toutes les esquisses, surtout lorsque vous travaillent sur des multiples, peuvent être regroupés ensemble et étiquetés avec un numéro de version commun. La présentation dans un deck permet de s'assurer que vos croquis et vos descriptions restent toujours ensemble. Si vous envoyez des esquisses en vrac, elles peuvent être envoyées sans vos descriptions ou autres informations importantes de paramètres de contexte susceptibles de susciter des commentaires non pertinents. Présenter dans un deck encadre votre croquis de la même manière qu'un cadre peut élever n'importe quelle œuvre d'art, même un gribouillage. Enfin, il est plus probable que votre client passe suffisamment de temps et de soin à revoir votre travail. La dernière chose que je veux, c' est que mon travail soit rapidement écrémé sur un petit écran de téléphone, et que les commentaires soient donnés sur la base de ce visionnement moins attentif. Il y a un plus grand risque que quelque chose soit manqué et je devrai faire face à des changements plus tard dans le processus quand ils seront face à des changements plus tard dans le processus quand plus chers à effectuer. Dans la section Outils, j'ai rapidement introduit ce que j'appelle le deck, et dans certains des exemples ci-dessus, nous avons vu le deck en action. J'aimerais maintenant y regarder de plus près. Pour tous ceux qui sont intéressés, j'ai inclus un modèle de deck de base en téléchargement gratuit dans la page des projets et ressources de classe. Pour revenir à l'exemple ci-dessus pour le projet éditorial, voici à quoi ressemble mon deck pour celui-ci. La première page est évidemment la couverture et, bien sûr, vous indiquez des éléments tels que le nom du client, la description du projet, le type de présentation, date et le numéro de version. Ce numéro de version est vraiment important. Vous souhaitez toujours avoir votre numéro de version sur la couverture. Ensuite, à l'intérieur, sur la première page, j'ai choisi de présenter un croquis par page car je n'ai qu'une seule illustration pour laquelle je partage des concepts. Toutefois, si je présente plusieurs croquis pour plusieurs illustrations, il est préférable d'afficher tous les concepts chaque illustration sur sa propre page, afin qu'ils soient faciles à visualiser et à comparer pour le client. Lorsque vous présentez des esquisses, vous n'avez pas besoin de beaucoup, simplement de vos esquisses et d'un texte descriptif pour les soutenir afin de préciser clairement ce que le client regarde. Les croquis doivent être clairs et explicites et ne pas avoir besoin de texte supplémentaire pour les comprendre. Les textes descriptifs aident simplement à renforcer un peu votre pensée. Je dirais qu'il suffit de garder un court paragraphe, peut-être quelques 100 caractères ou moins. Maintenant, dans la dernière page, j'aimerais montrer les étapes exploitables pour le client, afin qu'il sache comment réagir au travail et ce que j'attends d' eux en ce qui concerne les commentaires. Si vous utilisez InDesign, exportez votre deck au format PDF et téléchargez-le dans le Cloud. À partir de là, vous pouvez copier un lien partageable. Ensuite, écrivez votre e-mail, incluez le lien et envoyez-le au client. Vous pouvez écrire vos e-mails quand vous le souhaitez, mais je vous recommande de garder l'e-mail court et précis. Voici un exemple de ce que je pourrais envoyer. « Bonjour Ashley, merci beaucoup de votre patience lorsque j'ai assemblé ces croquis. Voici un lien vers les esquisses », puis, bien sûr, je colle cette URL dans mon fichier sur le Cloud, puis je ferme et je dis : «  Jetez un coup d'œil, faites-moi savoir quel concept vous voudriez J'aime y aller avec. » Une fois approuvé, nous pouvons passer à l'œuvre finale. Tout d'abord avec la ligne d'objet. C'est un nouveau sujet, spécifique à la scène des esquisses, et je l'ai clairement étiqueté comme des esquisses. Ensuite, j'ai salué le client avec un salut très reconnaissant. Ensuite, je partage immédiatement le lien de présentation. Enfin, je donne une promesse rapide et réalisable. Si le client choisit et approuve l'esquisse, il peut commencer à voir l'illustration plus tôt. Ensuite, je signale. N'exprimez jamais de doute dans votre travail. Ce que je tiens à souligner, surtout, c'est le fait que je n' exprime aucun doute ni aucune excuse pour mon travail, même si je suis un peu incertain. Il y a toujours de la place à l' incertitude et c'est pourquoi nous présentons des croquis et que des révisions sont intégrées au processus. Cependant, mon travail a tout le temps été de trouver de bonnes idées et je ne présenterais à mon client rien qui ne fonctionnait pas ou du moins fonctionnait surtout à mon client. Si je présente quelque chose, il doit respecter mes propres normes. S'il répond à mes normes, je suis derrière. Par conséquent, je ne suis pas désolée, et je veux que mon client aille avec ma recommandation. Pour cette raison, je ne dis jamais des choses comme, j'espère que cela fonctionne pour vous ou s'il vous plaît, cela fonctionne pour vous ou s'il vous faites-moi savoir si vous avez besoin de changements ou explorations supplémentaires ou quelque chose dans ce sens parce que signale que je ne suis pas derrière mon travail. Cela ouvre trop les choses à douter de la part du client. De plus, si je demande des commentaires, cela peut leur suggérer qu'ils devraient avoir des commentaires, même s'ils n'en auraient pas eu autrement. Lors de la présentation du travail à votre client, en fonction de ce que vous et votre client avez convenu lors de la phase d'intégration, pour chaque illustration, vous souhaitez que votre client ne choisisse qu'un seul croquis pour passer dans le prochaine étape. Si vous travaillez sur deux illustrations ponctuelles pour un magazine, vous pouvez afficher trois options pour chacun ou six croquis au total. Parmi ceux-ci, votre client devrait pouvoir choisir une seule esquisse par illustration. C'est pourquoi, lorsque vous présentez différentes options, vous souhaitez que chacune soit aussi distincte que possible. Vous voulez qu'il y ait un choix clair. Ensuite, le client devrait pouvoir dire que j'aime l'option B ou quel que soit le choix qu'il choisit. Ensuite, vous pouvez vous concentrer sur l'affinage d'une deuxième révision en fonction de leurs commentaires, ou l'intégrer en finale. mesure du possible, j' essaie d'éviter les situations où je prends plusieurs concepts pour la même illustration dans les prochaines révisions. Une fois que vous avez envoyé vos premiers croquis à votre client, il ne reste plus qu'une question de temps avant qu'il ne réponde. Selon votre calendrier, cela peut prendre quelques minutes, quelques heures ou même un jour après leur envoi. Si votre client ne répond pas immédiatement, ne paniquez pas. Un client qui prend plus de temps avec sa réponse pourrait simplement signifier qu'il passe du temps avec elle, ce qui est bien. Toutefois, si vous attendiez des commentaires à un certain moment qui passe, vous pouvez vous enregistrer auprès d'un client et lui rappeler que vous aurez besoin d'un certain temps minimum pour faire demi-tour. changements. À ce stade, suggérant la possibilité de changements, peut-être stratégiquement bénéfiques. Sinon, prenez une pause et profitez du fait que pour l'instant, le travail est hors de vos mains. clairement comment vous souhaitez que le client fournisse des commentaires. Au cours de l'étape de l'intégration, j'ai mentionné m'assurer que vous indiquez au client comment vous préférez recevoir des commentaires. tout en un seul endroit, venant d'un seul contact. S'il y a un doute que votre client a compris cela, assurez-vous de le préciser lorsque vous envoyez vos premiers croquis. Cela vous aidera à obtenir des commentaires sur son forum le plus utile. Chaque fois que vous envoyez du travail au client, c'est l' occasion pour lui de peser sur le travail. Vous souhaitez que ces échanges restent aussi propres et aussi peu que possible, et dans chaque révision, aborder tous les points de retours possibles. Vous voulez que votre client comprenne que s'il souhaite tirer le meilleur parti de l'un des cycles de révision inclus, il doit s'assurer qu'il est complet et clair dans sa réponse. [BRUIT] Après un certain temps, vous recevrez ce courriel très attendu ou très redouté de votre client. Pour moi, c'est toujours un peu gênant quand cet e-mail tombe dans ma boîte de réception. Est-ce que ce sera une approbation complète sans changement ou le client détestera-t-il tout et me demandera-t-il de recommencer ? Y aura-t-il des tonnes de changements ennuyeux ? Est-ce que je me sentirai comme un gagnant ou un perdant ? Bien sûr, c'est le mauvais état d'esprit. Il ne s'agit pas de gagner ou de perdre. Vous avez fait de votre mieux et le client répondra à la façon dont il réagira. Respirez profondément et ouvrez l'e-mail. [BRUIT] À ce stade, il existe quelques scénarios possibles. Le premier scénario est que le client choisit un croquis et l'approuve pour aller en finale. Le deuxième scénario est que le client choisit une esquisse mais qu'il a des commentaires et qu'il souhaite voir quelques changements. Cela signifie parfois qu'ils ont demandé de voir une combinaison de ce que vous sentez, une sorte de Frankenstein. Le troisième scénario est moins probable lorsqu'ils rejettent toutes vos esquisses et qu'ils souhaitent que vous fournissiez plus d'options. Passons en revue chacun de ces scénarios un par un. Dans le scénario le plus idéal, votre client dit qu'il adore ce que vous lui avez montré et si vous avez montré des options, il choisit un gagnant clair que vous pourrez prendre en finale. Dans ce cas, vous êtes prêt à entrer dans l'étape de la réalisation. Assurez-vous simplement que le client comprend qu'il doit d'abord approuver l'esquisse pour entrer en finale et deuxièmement, une fois approuvé, il ne peut y avoir de retour en arrière et de modifier ce qui a été convenu dans le croquis. Je communique toujours ce point dans les conditions générales du devis plutôt que de le soulever à cet âge, qui serait probablement injuste pour le client. Sinon, félicitations, nous vous verrons dans la prochaine étape. Le deuxième scénario est celui où vous recevez un peu plus de commentaires et des demandes de modification. Dans ce cas, considérez les commentaires de votre client comme une acceptation globale de vos idées. Votre idée est assez bonne pour qu'ils puissent travailler avec eux, et c'est une bonne chose. Maintenant, il s'agit simplement d' interpréter leurs commentaires et c'est là que les choses peuvent vraiment se rassembler ou s'effondrer. n'y a pas de règles strictes quant à ce qui est acceptable et n' est pas acceptable en termes de commentaires. Cela dépend vraiment de ce que vous considérez comme vos points négociables et non négociables, choses que vous considérez comme faisant partie intégrante votre art et des objectifs énoncés dans le mémoire. Les commentaires plus faciles de ma part porteront davantage sur le contenu, ce qui est représenté dans l'art et comment. Les commentaires plus délicats porteront davantage sur le concept et la composition. En tant que créatif au travail, il peut honnêtement être un peu ennuyeux de recevoir commentaires détaillés sur la façon dont vous devriez résoudre le problème créatif. Lorsqu'un client vous demande de changer quelque chose qui modifie le concept, peut-être même le déraille, cela peut être vraiment difficile à accepter. va de même s'ils demandent des changements qui semblent rompre avec votre style. Mon approche des commentaires ressemble à ceci. Tout d'abord, ne répondez pas tout de suite. Lisez-le, puis donnez-vous le temps de le laisser digérer. Relisez-le pour vous assurer de bien comprendre. Deuxièmement, ne soyez pas défensif. Vous avez peut-être toutes sortes de raisons pour lesquelles vous êtes en désaccord avec les commentaires ou pourquoi pensez-vous que votre solution est parfaite. Votre client n'a pas tort de répondre de la façon dont il répond plus qu'il ne pourrait être reproché d' aimer le bleu plus que le jaune. Ils ressentent ce qu'ils ressentent au sujet du travail et c'est à vous de les aider à se sentir mieux à ce sujet. Demandez-vous ce qui amène le client à réagir de cette façon ? Qu'est-ce qui les amène à donner des commentaires sur la façon dont ils l'ont fait ? Quel est le lieu de se prononcer sur cette question ? Est-ce une question de style ou de contenu ? Donnez à votre client le plus de mots possible en ce qui concerne le contenu. Si vous avez présenté une scène avec quatre pommes et deux bananes, mais qu'ils disent vouloir quatre bananes et deux pommes, vous devriez probablement faire le changement. Une autre façon d'aborder les commentaires consiste à prouver qu'ils ont tort. Bien sûr, pour moi. Je trouve qu'au moment où j'ai rédigé ma défense contre les commentaires du client, j'aurais pu m' en tenir et passer à la prochaine étape. Maintenant, je vais souvent prendre le temps d'essayer ce qu'ils ont dit. S'ils ont tort, cela aura l' air mal et ce ne serait pas quelque chose en quoi je crois assez pour leur montrer. En cours de route, je vais probablement trouver un moyen de résoudre le problème à ma manière, ce qui fonctionne mieux. S'ils avaient raison, nous ne devrions pas avoir de problème à apporter le changement ou à le présenter lors de la prochaine révision. Pendant ce temps, notre client se sent entendu et l' expérience globale est positive, car nous avons évité inflexible ou difficile. Un autre conseil est de préparer votre défense. Si les commentaires du client nuisent vraiment aux objectifs et à l'intégrité du travail, deux outils sont à votre disposition pour orienter le client vers l'avant. Vous avez la portée telle qu'elle est décrite dans le bref et dans la citation, ainsi que votre précédent de style. Si les commentaires du client contredisent la portée d'une manière ou d'une autre, vous pouvez toujours pointer vers le bref ou les livrables décrits dans la portée. Si les commentaires des clients vous demandent clairement de faire quelque chose en dehors de ce que vous faites alors qu'il n'est pas écrit dans le mémoire, vous espérez avoir une certaine compréhension lors de l'intégration. scène sur le style. Par exemple, si le client demande à redessiner un concept avec davantage de perspective 3D, mais que votre style est plus plat et stylisé, il serait juste que vous le souligniez. Bien que nous devrions toujours être prêts à relever un défi créatif, comme dans ce cas, comment pourriez-vous donner une idée de trois dimensions sans briser vos contraintes stylistiques plates, nous ne devrions pas nous attendre à être quelqu'un que nous ne sommes pas, ou forcer notre art à être quelque chose que ce n'est pas le cas. Un autre conseil est d'interpréter. Lire entre les lignes. Souvent, un client demande quelque chose en utilisant des mots imprécis. Ils ne parlent pas exactement la langue que vous faites au sujet de votre travail, ils peuvent donc parler représenter quelque chose dans une perspective de trois quarts, mais pas le dire aussi littéralement qu'il en a l'air. C'est exactement ce qui m'est arrivé récemment. J'ai fait un point d'honneur de clarifier. Pour être sûr, j'ai dit : « Lorsque vous parlez d'une perspective de trois quarts, vous ne voulez pas que je puisse illustrer de manière tridimensionnelle, n'est-ce pas ? » Et ils étaient tout à fait d'accord. N'ayez pas peur de demander des éclaircissements au client. Si vous n'êtes pas sûr ou le client en demande trop, il pourrait être très utile de passer un appel vocal ou vidéo avec lui et de simplement les écouter décrire leur demandes de commentaires ou de modifications. Habituellement, ils veulent que vous fassiez le changement à votre manière, mais pas en vous, ils ne pourront vous dire exactement comment. Un autre conseil est de les guider vers la spécificité. Si le client donne des commentaires négatifs mais ne dit pas pourquoi cela ne fonctionne pas, ce n'est pas à vous de lire ses pensées. Pressez-les pour être plus précis. Je vais en parler davantage dans mon prochain point. Lorsque le client est clair sur ce qu'il veut, même si c'est ennuyeux au début, il vous dit au moins quel est le problème. Les commentaires les plus problématiques sont lorsque le client dit je n'aime pas ça ou cela ne fonctionne pas pour moi. En se rappelant que l'illustration problèmes visuels et qu'elle doit répondre aux besoins du client tel que défini dans le mémoire, vous devez la remettre sur votre client pour être plus précis. Vous pouvez demander à votre client ce qu'il y a à propos du concept, du contenu ou de la composition qui ne fonctionne pas. Plus tard, dans la dernière étape, par exemple, un client peut dire : « Cette couleur ne fonctionne pas. Pourriez-vous essayer quelque chose de différent ? » C'est l'occasion pour vous de demander au client, qu'est-ce que cette couleur ne fonctionne pas. Avez-vous des exemples de couleurs que vous préféreriez, y a-t-il des couleurs que je devrais éviter complètement ? Bien que nous aborderons davantage les problèmes de couleur au cours de la prochaine étape, s'agit simplement d'un exemple facile de quelque chose qu'un client pourrait commenter , mais ne fournit pas de direction vraiment utile à suivre. Vous ne voulez pas simplement jeter des choses sur le mur et voir ce qui colle. Obtenez des informations précises sur les commentaires. Ce n'est pas notre devoir de lire les esprits. Il est de votre devoir d' orienter votre client vers plus de clarté sur ce qu'il veut et ce dont il a besoin. Cela ne se produit qu'en les pressant davantage pour plus de spécificité. Les clients ne sont pas nos mécènes et nous ne sommes pas simples artistes qui essaient de satisfaire leurs caprices. Nous sommes des collaborateurs créatifs avec eux et il n'est donc pas de notre devoir de continuer à leur montrer nouvelles options et à espérer que quelque chose colle. La seule façon d'atteindre véritablement les objectifs énoncés dans le mémoire est que notre client participe à notre processus en nous donnant commentaires clairs lorsque quelque chose ne fonctionne pas pour eux. Attendez-vous à une spécificité. N'essayez pas de lire les esprits. Ne jetez pas de trucs au mur pour voir ce qui colle. Demandez au client de vous donner des commentaires aussi spécifiques que possible afin que vous puissiez apporter les corrections nécessaires lors de la prochaine révision. Nous allons maintenant examiner le troisième scénario, les demandes d'options supplémentaires. Parfois, nous manquons complètement la cible. Cela arrive parfois, surtout au début de notre carrière. C'est à cela que servent les révisions. Dans votre citation, j'espère que vous avez inclus au moins trois séries d' esquisses ou de révisions. Si vous avez fourni des croquis mais que le client n'en choisit aucun, voici ce que vous pouvez faire. Encore une fois, demandez au client d'être précis. Qu'en est-il de ce que vous leur avez présenté qui ne fonctionne pas ? Demandez-vous si vous êtes d'accord avec vos commentaires ? Peut-être pourriez-vous y prendre un autre coup de couteau ou pensez-vous que vous avez résolu le problème en donnant le brief et en donnant votre style et vos forces et que le client est tout simplement trop pointilleux. Une autre chose que vous pouvez vous demander est savoir jusqu'où en êtes-vous ? Si vous êtes à la première présentation v1, vous avez probablement assez de temps pour revenir à la planche à dessin pour un ou deux autres concepts. 9. Étape 4 : Réalisation: Il est maintenant temps d' intégrer votre croquis ou vos croquis d' épreuves dans des œuvres d'art finies. C'est ce que j'appelle l'étape de la réalisation, où vous réalisez ce qui n'était qu'une idée dans vos croquis. Vous prenez les croquis approuvés et les transformez en illustrations finies. J'ai le moins à dire sur cette étape, car c'est votre domaine d'expertise. Vous êtes peut-être peintre à l'huile ou collage, ou vous pourriez travailler dans une ou collage, ou vous pourriez travailler dans technologie nouvelle inventée ou non au moment où vous suivez ce cours. Quoi qu'il en soit, vous connaissez votre chemin et c'est pourquoi votre client est venu vous voir. C'est votre art. Maintenant, c'est à vous de faire ce que vous faites. L'objectif ultime de cette étape est une illustration bien conçue, approuvée par votre client et prête à sortir dans la rue. Les étapes pour y arriver comprennent la création de l'illustration finie, présentation à votre client ainsi que les commentaires et les révisions. Dans mon propre processus, illustrations finies sont plus faciles que les esquisses. Parce que mon style, outils et mes techniques sont assez boutonnés, une fois que j'ai un croquis approuvé, je sais quoi faire ensuite. Je peux faire de la musique ou écouter un podcast en frénésie et simplement profiter de cette partie moins cérébrale du processus. Cela ne veut pas dire que je n'ai pas de difficultés à ce stade. Il y a toujours un nouveau défi auquel je ne m'attendais pas et je devrai peut-être passer plus de temps que prévu à y remédier. J'ai peut-être inclus des poulets dans mon croquis, ce qui semblait bien, mais une fois en finale, je me rends compte que je n'avais jamais eu à illustrer les plumes auparavant, donc je pourrais passer un peu de temps à essayer de comprendre comment les plumes ont l'air dans mon style. Parfois, je vais même compléter une illustration complète pour trouver que ça ne fonctionne pas encore et je vais tout réillustrer. La deuxième fois, j'ai plus de clarté sur ma direction et je peux être plus décisif et moins hésitant dans mon exécution. Lorsque vous avez un style ou une façon de travailler établie, vous avez une base de référence pour ce qui passe comme bon et ce qui ne fonctionne pas. Vous pouvez régler tout cela seul. C'est plus vrai pour les illustrateurs qui ont une façon de travailler plus développée et une idée de leur style. Les choses sont différentes lorsque vous êtes plus au début parce que vous êtes en train de développer ces choses. Vous apprenez sur le tas. Plutôt que d'être découragé ici, vous devriez vous réconforter. Eh bien, c'est dur de travailler sur une échéance et du mal à se sentir bien dans votre travail à ce stade. J'espère que cela aide à savoir que c'est normal et ne signifie pas que vous êtes un illustrateur terrible. Cela signifie simplement que vous êtes dans ce fossé entre savoir ce que vous voulez faire et apprendre comment le faire. Quand je commençais, j' aurais été agréable de savoir exactement avec quoi j'allais avoir du mal. Au moins, je n'aurais pas l'impression d'un échec complet. Je pense que cela m'aurait également aidé à savoir sur quoi je dois concentrer en termes d' apprentissage et de développement. Bien que la lutte et le doute ne soient qu'une partie du processus d'apprentissage, j'espère qu'en partageant cela avec vous, vous aurez des difficultés avec plus d'objectifs. Voici certaines choses avec lesquelles vous pourriez avoir du mal au début mais qui deviendront plus faciles à mesure que vous grandirez. Le premier point douloureux est de rendre vos illustrations finales aussi belles que vos croquis. L'un des points les plus importants pour les illustrateurs est qu'ils trouvent que leurs croquis ont fière allure , mais ils s'avèrent pires qu'ils ne l'espéraient quand ils sont étoffés dans l'illustration finale. Je pense que ce problème consiste en grande partie à ne pas connaître votre style, ce qui implique de ne pas savoir comment rassembler vos idées dans l'exécution de manière cohérente. Dans ma classe de dessin vers l' illustration, l' un de mes points clés est que, plutôt que essayer d'illustrer la façon dont vous esquissez, vous devez apprendre à dessiner et à illustrer. Cela signifie également connaître la différence entre le dessin et l'esquisse. En tant qu'illustrateurs, nous ne dessinons pas d'images. Il y a généralement un processus de développement d' idées en esquisse , puis de développement de cette esquisse en illustration finale à l'aide outils et techniques que nous avons choisis. Habiller un dessin avec une technique multimédia numérique ou physique donne généralement lieu à une œuvre d'art maladroite. Au lieu de cela, les heures supplémentaires nous concevons une façon de styliser nos illustrations finales, en particulier dans la façon dont nous représentons les forums avec forme et ligne. De cette façon, nous développons un langage visuel. Ensuite, dans nos croquis, nous utilisons ce langage visuel en pensant non seulement à l'idée de l'illustration, mais aussi à la façon dont elle pourrait se confondre dans un style plus fini. La couleur est un autre point d' ancrage énorme pour les débutants et même pour les illustrateurs plus établis. questions courantes concernant la couleur incluent : combien de couleurs devriez-vous utiliser ? Quels sont ceux qui fonctionnent bien ensemble ? Comment faire en sorte que les couleurs s'harmonisent correctement et ne se concurrencent pas ? Que se passe-t-il si le client n' aime pas les couleurs choisies ? Lorsqu'il s'agit de travailler avec la couleur, il est toujours plus facile de travailler avec moins. Quand j'ai commencé, je travaillais surtout avec deux ou trois couleurs quand c'était à moi de décider. Je n'aimais vraiment pas ajouter des couleurs supplémentaires car cela ajoutait plus de complexité que ce que je croyais nécessaire dans mon style et franchement, je n'étais pas très douée pour utiliser plus de couleurs. Au fil du temps, j'ai mieux travaillé avec quelques couleurs supplémentaires et j'ai aussi réalisé que j'avais tendance à graviter autour des mêmes couleurs, donc je les formalise en une seule palette que j'utilise presque chaque fois. questions de couleur peuvent être presque éliminées lorsque vous avez ainsi une palette de couleurs incontournable. J'enseigne ce sujet dans ma classe, l'Illustrator à une palette, donc si vous souhaitez en savoir plus sur la façon dont je résout mes propres problèmes de couleur, je pense que vous apprécierez cette classe. constituent un autre point clé pour les illustrateurs questions de style, d' outils et de technique constituent un autre point clé pour les illustrateurs. Cela fait partie intégrante la question de faire en sorte que vos illustrations soient aussi belles que vos esquisses et elles se chevauchent également avec des questions de couleur. Il s'agit de savoir à quoi ressemblent vos illustrations finies, quel style de ligne ou quelle qualité de forme devriez-vous utiliser. Représentez-vous les choses de façon réaliste ou plus abstraite ? Faites-vous preuve d'un sens du volume ou gardez les choses à plat ? Devriez-vous ajouter de nombreux détails ou garder les choses super simples ? Devez-vous utiliser Photoshop ou Procreate ou peut-être Illustrator ? Toutes ces questions touchent les débutants parce qu'ils n'ont pas atterri sur un système qui leur donne les réponses à ces questions. Pour ceux qui ont du mal à savoir dans quel style travailler et quels outils sont les meilleurs pour travailler, nous explorons cela dans une autre de mes classes, la classe de style. Ces points d'épingle ne sont pas des choses que vous voulez comprendre lorsque vous êtes au travail, surtout à cette étape ultérieure du processus. Cependant, si vous êtes débutant, c'est à peu près ce que vous allez faire. Ce sera dur, mais cela ne signifie pas que vous êtes mauvais ou que votre art sera mauvais. Il y a beaucoup de pièces que j'ai faites très tôt où j'ai dû en comprendre tellement que même aujourd'hui, je suis toujours fière. Je vous encourage à vous lancer dans chaque emploi que vous obtiendrez, sachant que c'est la meilleure opportunité que vous ayez en ce moment. Vous le comprendrez au fur et à mesure que vous serez payé en cours de route. Il est maintenant temps de partager le travail avec votre client. C'est la première fois que vous partagerez quelque chose depuis l'étape des croquis. Assurez-vous simplement que lorsque vous présentez votre art fini au client, c'est fini. Vous devez viser à présenter uniquement les travaux que vous considéreriez comme achevés. Le but de cette étape n'est pas de vérifier auprès de votre client ou de voir si elle fonctionne. Tout doute quant à votre travail, par exemple s'il frappe toutes les bonnes notes devrait autant que possible se produire à votre propre heure. Lorsque vous entrez dans la première présentation ici, vous arrivez pour la faire approuver et sortir de la porte. C'est votre objectif en ce qui concerne l'endroit où vous voulez que votre art soit à ce stade. Ça devrait vraiment être aussi bon que ça. Cependant, vous pouvez toujours vous attendre à quelques commentaires concernant des changements mineurs ici. Lorsque vous présentez votre illustration finie, ne montrez que le travail entièrement terminé. Autant que vous pouvez l'aider, ne partagez pas le travail en cours. Pourquoi voudriez-vous montrer le travail en cours ? Vous n'êtes peut-être pas certain de quelque chose et que vous voulez voir ce que pense le client ou peut-être que le client a demandé à voir quelque chose comme enregistrement. Dans les deux cas, cela pourrait faire dérailler le processus. Dans le premier cas, cela indique que vous ne pouvez pas résoudre votre propre travail, ce qui affaiblit votre autorité créatrice. Dans ce dernier cas, il risque d'être jugé prématurément. Plus pratique, il rompt les commentaires et les rondes de révision que vous avez intégrés au projet. Il est essentiel de les protéger pour que le projet soit gérable. Si vous affichez des travaux en cours et que le client commence à peser tôt, puis que vous effectuez des modifications, cela compte-t-il comme un tour ? affichage du travail en cours est un moyen sûr de mettre un projet hors piste et de rendre les rondes de révision floues. Voici un conseil. Si le client demande à voir le travail comme un enregistrement et que vous préférez attendre de lui montrer quelque chose de plus terminé, il est raisonnable de dire que vous êtes sur le tas, mais il n'est pas encore prêt à partager. Assurez-vous à votre client que vous partagerez quelque chose avant la date limite convenue. Vous pouvez même être honnête et dire que vous êtes toujours en train de comprendre les choses. Les clients ne devraient pas être choqués de savoir que les illustrateurs traversent un processus d' incertitude dans leur propre travail. Ce que vous ne voulez probablement pas, c'est qu'un client se penche avec ses propres idées sur la façon de résoudre votre problème créatif. Cela dépend de la relation que vous entretenez avec votre client ou votre directeur artistique, mais de manière générale, façon dont vous comprenez ces choses est exactement votre travail et celui de personne d'autre. Protégez-le farouchement. Présentez toujours votre art final dans un deck. Je l'ai déjà dit, mais je dois le répéter. N'envoyez pas votre illustration finale sous forme de pièces jointes d'e-mails en vrac. Bien qu'il puisse sembler gênant de parcourir tout le deck, l'envoyer dans un deck fait quelques choses principales. d'abord, comme pour les esquisses, il encadre l'œuvre, ce qui signifie que vous l'appréciez. Deuxièmement, il est plus clair que vous vous attendez à ce que le client passe en revue attentivement le travail avant de l'approuver. Si vous n'envoyez que le fichier sous forme de pièce jointe libre, le client peut penser que vous pensez que c'est fini. Un deck garde l'œuvre d'art en toute sécurité dans la zone d'attente d' approbation alors qu'elle se fraie un chemin labyrinthe organisationnel du client. Eh bien, nous ne voulons pas suggérer que le client ait des commentaires. Nous ne voulons pas non plus faire croire que nous fermons toute rétroaction si cela s'avère nécessaire. L'envoi de travail dans un deck vous permet de suivre plus facilement les changements. Vous pouvez placer un gros V2, V3, etc., sur le pont, ce qui indique clairement où vous et le client en êtes dans le processus. N'a jamais envoyé de fichiers finaux tant que le client n'a approuvé l'illustration telle que vue dans le deck. Les illustrations envoyées sous forme de pièces jointes peuvent également ressembler à l' envoi des fichiers finaux. L'envoi de l'art final dans un deck garantit que le client peut l' approuver entièrement avant que vous ne passiez toute la difficulté de préparer et d'envoyer la dernière œuvre d'art nettoyée. L'approbation complète de l'art signifie qu' aucun autre changement n'est dû. Une fois que vous êtes entré dans la phase de livraison et que vous avez envoyé l'illustration finale, vous êtes protégé par contrat contre toute autre demande de modification du client. La présentation de votre travail ici ressemble beaucoup à la présentation de croquis. Vous utiliserez à nouveau votre deck, mais il suffit de le mettre à jour pour partager des finales plutôt que des croquis. Cela signifie l'enregistrement en tant que nouvelle copie, cette fois en utilisant les finales au lieu d'esquisses dans le nom, réinitialisant le numéro de version version 1 et, bien sûr, en plaçant l' illustration finie ou illustrations dans la mise en page. Habituellement, il s'agit d'échanger les croquis pour l'art fini. Ensuite, je viens de retirer les légendes, j'avais écrites pour les croquis. Nous n'en aurons plus besoin. Lorsque vous présentez des illustrations, 95 % du temps, vous n'avez vraiment pas besoin d' expliquer quoi que ce soit. Le travail doit être évident. Tout comme dans les esquisses, j'aime inclure les étapes suivantes sur la dernière page pour donner au client une orientation claire sur ce qu'il faut faire ensuite. Comme pour la présentation des esquisses, exportez votre deck au format PDF et enregistrez-le dans le cloud et partagez le lien avec votre client. Voici un exemple de ce que j'envoie généralement à mes clients. Bonjour Ashley, j'espère que vous allez bien. Je suis heureux de partager l'œuvre finale avec vous. Voici un lien vers le deck, et bien sûr, j'ai inclus le lien. Une fois approuvé, je peux commencer à les préparer pour la livraison finale. J'ai hâte de m' entendre bientôt. Le sujet est bien sûr mis à jour pour porter sur les finales plutôt que sur les croquis cette fois-ci. Pour V1, je n'inclut pas le numéro de version car je veux vivre dans l'espoir qu'il n'y aura plus de révisions. Comme pour les autres, l'e-mail lui-même est court et doux avec une salutation et un sentiment d' enthousiasme à propos de cette étape. C'est la première fois que le client verra la finale et vous pouvez imaginer qu'il est vraiment impatient de déballer ce cadeau. Gardez à l'esprit que je ne fais pas trop de battage médiatique sur le travail. Cela peut être gênant pour le client s' il a des commentaires critiques, si je donne l'impression que je suis juste au-dessus de la lune à propos de mon propre travail. J'essaie d'équilibrer le fait d'être enthousiaste et modeste. Encore une fois, j'indique clairement quelle sera la prochaine étape, qui ne ferait que renforcer ce que j'ai sur la dernière page du deck sans laisser de doute ou qu' il devrait y en avoir changements. Je n'écris pas quelque chose comme, j'espère que ça vous plaira. C'est plutôt comme, le voilà, un arrêt complet. De temps en temps, je laisserai la porte ouverte et je dirai, s'il vous plaît, faites-moi savoir ce que vous pensez. Mais cela dépend vraiment de la nature de ma relation avec le client et de combien je pense que des commentaires supplémentaires à ce stade aideront vraiment. Bien sûr, la façon dont vous rédigez vos e-mails et l'ouverture que vous voulez faire face aux choses dépend de ce que vous êtes à l'aise. Comme la dernière fois, j'insiste pour envoyer le travail par e-mail, ce qui donne au client le temps et l' espace nécessaires pour formuler ses réflexions sur le travail. n'y a rien à expliquer, donc vous n'ajouterez rien à la présentation si ce n'est d'être là pour entendre le client donner ses bonnes prises. Une fois que vous l'avez envoyé, vous pouvez prendre une pause pendant que vous attendez que leurs commentaires se déroulent. Nous y reviendrons ensuite. Tout comme dans les croquis, vous souhaitez que le client vous fasse part de ses commentaires au même endroit et qu'il provienne d'un seul contact. Si vous sentez que les commentaires sont incomplets ou si vous avez des questions, oubliez pas de poser la même page avant incomplets ou si vous avez des questions, n' oubliez pas de poser la même page avant de procéder à une deuxième révision. Il existe quelques scénarios possibles avec des commentaires sur les finales, tout comme pour les croquis. Dans le meilleur scénario possible, votre client aime simplement votre travail et n'a aucun changement. Dans ce cas, vous êtes prêt à introduire votre art dans la phase de livraison où vous pouvez nettoyer les fichiers et les envoyer au client. Bien fait. Juste un conseil ici. Assurez-vous simplement que le client sait que vous aurez besoin d'un peu de temps pour préparer les fichiers de cette façon. Cela peut prendre une heure ou vous prendre une journée ou plus, Cela peut prendre une heure ou vous prendre selon la quantité de gâchis que vous avez fait. et ce que vous devez faire pour le nettoyer dans le fichier d'illustration. Je dirais que vous donnez-vous au moins une demi-journée pour cela, juste au cas où le processus de nettoyage et d'envoi prend plus de temps que prévu. Bien sûr, le deuxième scénario est celui où vous recevez des commentaires et des demandes de modifications. Soyez prêt à recevoir toute forme de feedback ici, mais il s'agira principalement couleurs, de placement et de proportion de certains éléments. Il peut y avoir des commentaires sur des détails tels que les motifs ou l' apparence des traits du visage et de petits détails de ce genre, qu' il n'était pas possible de connaître à partir des croquis. Parfois, il y a aussi de petites erreurs telles que des erreurs orthographe ou des détails que vous avez complètement manqués. Les commentaires à ce sujet sont très raisonnables. Parfois, un client aura des commentaires plus difficiles qui semblent remettre en question votre jugement ou votre style. Parfois, nous sommes si proches de notre propre travail qu' il est difficile de repérer certains défauts. Accordez-vous un peu d'espace et de temps pour déterminer si leurs commentaires sont raisonnables. Essayez-le vous-même avant de le repousser. Découvrez comment accepter les commentaires et les traduire à votre manière. Le travail sera probablement plus fort et vous rencontrerez comme un illustrateur plus fort en étant flexible. Mon approche des commentaires sur l'art final va comme ça. abord, lisez attentivement les commentaires, comprenez ce que le client pense fonctionner et ne fonctionne pas. Ensuite, notez tous les commentaires qui ne sont pas clairs pour vous. Ensuite, notez les changements raisonnables à ce stade. Si le client demande quelques petits ajustements de taille, proportion ou de couleur, par exemple, c'est probablement raisonnable. Toutefois, s'ils ont demandé à ajouter quelque chose de complètement nouveau ou à apporter des modifications qui rompent considérablement rapport à l'esquisse approuvée. ne s'agit pas d'un ajustement, mais d'un redo complet. Dans ce cas, j'expliquerais au client qu' il faudrait revenir dans les croquis pour établir ses commentaires. Souvent, cela va au-delà du champ d'application convenu et justifie une demande de frais supplémentaires. Tant que le client accepte globalement le travail et ne demande que quelques changements, cependant, ils peuvent être ennuyeux ou inattendus , restez positif. Ils travaillent avec votre art, et ne le rejettent pas. Pensez à quel point vous avez parcouru dans le processus et si le simple fait d'effectuer les changements vous amènera à la ligne d'arrivée plus rapidement et plus fluide. D'autre part, déterminez si leurs commentaires compromettent trop l'intégrité de votre art. Ça vaut peut-être la peine de se battre. Si c'est le cas, assurez-vous de connaître les raisons pour lesquelles vous avez repoussé le client, puis expliquez respectueusement, et gentiment pourquoi ces commentaires ne fonctionneront pas. Par exemple, si la critique porte sur la façon dont vous avez attiré les yeux, mais que votre travail a tous les yeux dessinés de cette façon. Vous pouvez le signaler et demander ce qu'ils attendaient à la place. Lorsque des commentaires difficiles arrivent, il est utile de demander à votre client de manière non conflictuelle et sincèrement curieuse. De quelle façon cela ne fonctionne-t-il pas ? Vous attendiez-vous à autre chose et, dans l'affirmative, pouvez-vous le décrire ? Une autre question importante est pourquoi une demande de modification donnée est-elle importante pour le client ? Vous pouvez le demander honnêtement sans un ton d'exaspération. En comprenant pourquoi, vous aurez quelque chose de plus avec lequel travailler, que cela signifie expliquer comment vous avez déjà abordé son inquiétude ou savoir comment répondre à leur préoccupation dans le prochaine révision. Chaque fois que vous recevez des commentaires, c'est comme un mini brief pour la prochaine révision. Assurez-vous simplement de savoir exactement ce que vous corrigez ou adressez dans chacun d'eux. Ce n'est pas à vous de lire les esprits ou de deviner quel pourrait être le problème. Il vous appartient d'aider le client à définir le problème, puis de le résoudre en toute confiance. Le troisième scénario, bien sûr, est la demande d'autres explorations. À ce stade, vous avez un croquis approuvé et vous l'avez étoffé en finale. S'il répond aux objectifs énoncés dans le mémoire et qu'il est réalisé avec un niveau professionnel d'artisanat, il doit être considéré comme acceptable. Vous devrez peut-être passer par des révisions mineures comme expliqué précédemment, mais rien de majeur. Cependant, un client peut parfois demander à voir différentes sous-options, telles que trois ou quatre explorations de couleurs d' une même pièce ou quelques options présentant de légères variations de détails. À moins d'avoir inclus des explorations supplémentaires cadre de votre service dans le devis, il serait raisonnable de considérer cela comme un module complémentaire moyennant des frais supplémentaires. Si vous avez fourni votre illustration dans une couleur et que le client ne l'aime pas, vous pouvez utiliser la ronde suivante pour en essayer une autre. Vous avez maintenant le choix entre deux options de couleurs. Plus important encore, gardez une trace de vos rondes de révision et indiquez clairement quand elles sont épuisées. Si le client a besoin de plus de modifications que ce que vous incluez, j'inclue généralement jusqu'à la version 3, alors vous avez le droit de le facturer. Assurez-vous simplement de les informer avant de participer à des rondes supplémentaires afin qu'ils aient la chance de s'inscrire ou de se retirer. Pour vous aider à garder le suivi, assurez-vous d'enregistrer chaque fichier en fonction de son nombre de révisions et de même d' enregistrer en tant que deck avec le numéro de version approprié, enregistrez le fichier, exportez au format PDF et envoyer via le cloud comme d'habitude. Assurez-vous de mettre à jour la ligne d'objet vers V2 ou V3 ou où qu'elle se trouve dans l'e-mail. Les projets peuvent disparaître lorsqu' un client est déraisonnable, mais parfois c'est dû à notre propre inexpérience ou à un autre faux pas de notre part. Nous devons être honnêtes au sujet du problème fondamental. Si c'est le client et si vous croyez retarder votre fin de marché, vous êtes autorisé à vous défendre. Si vous arrivez à la fin de vos révisions incluses et que le client ne cesse de changer d'avis, il est peut-être temps d' appeler le client et d' avoir une conversation sur la façon d'aller de l'avant. Nous ne résolvons pas seulement les problèmes visuels. Parfois, nous résolvons problèmes interpersonnels et de communication. Voici le client et j' espère qu'il pourra vous entendre. Vous risquez de manquer de révisions ou de temps, ou les deux, ou vous risquez d'arriver à une impasse sur certains aspects importants du projet. D'autres fois, le client annule simplement le projet. Dans des occasions aussi extrêmes ou rares, le projet meurt très bien avant de voir la lumière du jour. Dans la mesure du possible, le client doit choisir d'accepter frais supplémentaires pour les révisions ou d'abandonner le projet. Mais parfois, c'est peut-être vous qui devez virer le client. Le fait de virer le client signifie généralement que vous n'êtes pas payé intégralement. Si c'est vous qui vous optez pour le projet, c'est vous qui devez réduire vos pertes en sachant que c'est pour le mieux. Peut-être que le projet a commencé à vous coûter beaucoup plus cher à temps qu' il n'en valait de toute façon. Cependant, si le client sort, vous devriez quand même être payé pour le travail que vous avez effectué. Même si le projet a échoué, vous avez toujours fourni de la valeur et vous avez quand même travaillé digne d'être payé. C'est ici que les frais de tuerie entrent en jeu. Si, pour une raison quelconque, le projet avorte, soit en raison d'une impasse ou parce que l'entreprise a changé de direction, vous devriez quand même être payé pour le travail. Les frais de destruction représentent généralement un pourcentage du budget total du projet avec montants croissants au fur et à mesure que le projet avance. J'ai généralement besoin de 50  % de frais de mort après les croquis et de 75 % après avoir présenté une finale. Cela suppose que le client n'utilisera pas le travail. Les vingt-cinq pour cent supplémentaires correspondent à la valeur qu'ils perdront en ne l'utilisant pas. Il ne s'agit certainement pas d'une réduction de 25 %. Si je constate que le client a utilisé le travail de quelque façon que ce soit, je serais en droit d'envoyer une facture de 25 % supplémentaires. Pour plus d'informations sur la tarification votre travail et la définition de frais de destruction, consultez l'une des ressources des projets et ressources de la classe, en projets et ressources de la classe, particulier le guide de la Guilde des artistes graphiques. Une fois que votre client a approuvé votre illustration terminée, vous avez terminé cette étape. En fait, vous avez réalisé l'illustration dans son intégralité. Eh bien, presque, jusqu'à présent, vous avez partagé tout votre travail dans votre deck. Maintenant, votre client va vouloir avoir le ou les fichiers réels à brancher dans sa conception de mise ou où qu'il l'utilise. Parlons de ça dans la prochaine étape, livraison. 10. Étape 5 : Livraison: [MUSIQUE] Enfin, les illustrations sont finalisées et approuvées. La seule chose à faire est de les préparer leur utilisation finale et de les envoyer au client. Cette étape s'appelle la livraison. Puisque le processus de création peut être désordonné, nos fichiers numériques peuvent également être plutôt désordonnés. Avant de les envoyer au client, nous voulons nous assurer qu'ils sont bien et propres. Cela signifie généralement qu'il suffit d'enregistrer dans un fichier plat où tous les calques de travail sont aplatis sorte que le fichier ne peut pas être facilement modifié. Lorsque le client a besoin d'un fichier en couches. Cela signifie que toutes les couches sont correctement nommées et bien organisées, de sorte qu'elles sont aussi faciles à utiliser côté client que possible. L'objectif de cette étape est d' expédier les dossiers finaux au client. Les étapes de cette étape incluent le nettoyage du fichier et la livraison du fichier au client. Passons d'abord au nettoyage. Le nettoyage de vos fichiers aura un aspect différent selon la façon dont vous créez vos illustrations. La raison pour laquelle nous voulons nettoyer nos fichiers est abord de les rendre plus faciles à utiliser pour nos clients, et deuxièmement, d'empêcher toute modification non autorisée de l'illustration, qu'elle soit prévue ou non. Le nettoyage de vos fichiers reflète également bien vous en tant que professionnel. La première question à poser est quel type de fichiers êtes-vous censé livrer ? Avez-vous accepté d' envoyer les fichiers avec des calques ou simplement des fichiers aplatis ? fourniture de fichiers en couches signifie que le client doit être en mesure isoler ou de déplacer divers éléments de votre illustration. Cela est utile lorsque vous travaillez avec un concepteur qui souhaitera pouvoir déplacer un peu les choses pour s'adapter au type ou à d'autres éléments de la mise en page. Il est également utile lorsque vous travaillez avec des animateurs, ce qui leur permettra de faire plus facilement leur travail. Je travaille dans Photoshop et lorsque je suis en mode créatif, je ne pense pas à la facilité utilisation de mes calques pour quelqu'un d'autre. Mais maintenant, à ce stade, j' essaie de tout organiser logiquement. En regardant une carte que j'ai faite ici pour Airbnb, c'est une carte de Prague que j' ai faite pour eux et comme vous pouvez le voir, j'ai encore beaucoup de couches dans ce fichier. C'est le fichier que j'ai donné au client, mais chaque couche est très organisée. J'ai organisé des groupes de couches, donc j'ai la carte de base ici. J'aurais dû nommer cette carte de base. Nous allons juste faire cette correction maintenant. Ensuite, j'ai toutes les icônes d'un groupe de calques. J'ai toutes les étiquettes d'icônes dans un groupe de calques. Ensuite, j'ai tous ces cercles numérotés, ces petits numéros d'index, ceux que vous pouvez prendre ou enlever, rendre visibles ou invisibles dans la mise en page et des choses comme ça et chaque calque est mobile si en a besoin, je les ai mis en place là où ils devraient aller. Mais si, pour quelque raison que ce soit, le client doit déplacer ou même simplement l'utiliser dans un cas séparé ailleurs. Il est facile d'isoler et de se déplacer un peu. L'idée d'aplatir peut être différente selon vos outils. Dans Photoshop, vous pouvez simplement utiliser une image aplatie de calque à partir du menu. Dans Illustrator, il existe également une fonction d'illustration aplatie. Dans Procreate, vous pouvez aplatir vos calques en les pinçant complètement avec vos doigts dans le panneau des calques. Que vous aplatissiez votre fichier ou que vous fournissiez des calques, assurez-vous de lui attribuer un nom utile et ajouter un trait de soulignement plat pour un fichier plat ou des couches de soulignement, selon la valeur correcte à la fin du nom de fichier. Veillez à ne pas écraser votre fichier d'art de travail réel au cas où vous auriez besoin d' y apporter des modifications ultérieurement car c'est toujours possible. Il se peut que vous deviez réellement apporter des modifications et vous ne voulez pas revenir en arrière et tout est aplati. Passons maintenant à la livraison, une fois que vous avez aplati vos fichiers, il est temps de les envoyer au client. Peut-être pensez-vous que vous pouvez maintenant envoyer des fichiers sous forme de pièces jointes par e-mail, mais je suis désolé de dire que vous ne devriez pas le faire. Les fichiers d'illustrations peuvent être plus petits comme cinq mégaoctets, mais ils peuvent également être très volumineux comme 500 mégaoctets ou plus. Il est recommandé de toujours enregistrer vos fichiers dans le cloud et de partager le lien de téléchargement à la place. S'il s'agit d'un seul fichier, vous pouvez probablement simplement télécharger le fichier tel quel et envoyer le lien. S'il s'agit de plusieurs fichiers, vous devez d'abord les insérer dans un fichier zip et le charger , puis envoyer un lien vers ce fichier zip unique. Vous vous demandez peut-être quand envoyez-vous vos fichiers finaux ? envoyez-vous avant ou après le paiement du client ? Il est en fait courant d' envoyer les fichiers d'illustration avant d'envoyer la facture finale à votre client. Mon choix est d'envoyer les fichiers au client en utilisant un style d' e-mail aussi court et doux que nous l' avons vu ailleurs dans cette classe. Voici un exemple de ce que j'écris. Bonjour Ashley, Merci beaucoup de m'avoir invité à travailler sur ce projet. Vous pouvez télécharger les fichiers finaux sur ce lien, et bien sûr, je fournit le lien. Assurez-vous de télécharger immédiatement les fichiers de votre côté car je supprime régulièrement les anciens fichiers afin de laisser de la place à de nouveaux fichiers sur ma Dropbox. Je suis très content de la façon dont les choses se sont déroulées et j'ai hâte de les voir dans la nature. S'il vous plaît, faites-moi savoir quand et où je peux les trouver une fois qu'ils seront lancés. Par curiosité, quand est-ce que je peux partager le travail le plus tôt sur mes médias sociaux et mon portfolio ? Je vais suivre votre facture sous peu. Merci. Dom. C'est toujours à vous de décider comment rédiger vos e-mails. Mais l'idée ici est que j' envoie clairement l'œuvre finale maintenant, ce qui conclut le projet de mon côté. Je suis sûr également de leur rappeler de télécharger leurs fichiers pour les conserver en toute sécurité. Il est plus courant que vous ne le pensez pour les clients demander les fichiers un mois environ plus tard. Même s'ils avaient une date limite d'utilisation pressée, ils ne se contentent parfois pas de les utiliser de leur côté pendant un certain temps. Ensuite, je veux vraiment savoir quand je peux voir les illustrations dans le contexte final et quand je peux partager l'œuvre. Je me demande parfois même des copies comme si l'œuvre est destinée à un magazine ou à un autre contexte imprimé. Enfin, je précise clairement que la facture sera bientôt envoyée dans un e-mail distinct. Une fois que vous avez envoyé les fichiers, il est temps de fermer officiellement le projet. Cela inclut la facturation et le paiement. Passons à l' étape suivante et en parlons. [MUSIQUE] 11. Étape 6 : Conclusion: [MUSIQUE] Vous pourriez penser qu' une fois que vous avez envoyé les fichiers d' illustration, le processus est terminé. Eh bien, c'est surtout vrai. À moins d'être payé pour votre travail, ce n'est qu'un passe-temps. Vous pouvez considérer les étapes d'intégration et de clôture comme les serre-livres les plus orientés affaires du reste du processus créatif. fermeture est le processus de clôture d'un projet. À ce stade, vous pouvez appeler le travail accompli, sauf si vous voulez vous assurer d'être payé. C'est également le moment de remercier le client et de célébrer un travail bien fait. Nous et nos clients sommes humains et c'est le moment de rendre l'ensemble moins transactionnel et plus relationnel. Si vous avez bien fait votre travail et vous êtes maintenu en tant que professionnel, votre client aura de bons sentiments à l'idée de travailler avec vous et, franchement, il sera beaucoup moins susceptible de sauter. Je vous paye. Enfin, la fermeture inclut également le processus d' archivage de l'œuvre. L'objectif de cette étape est d'être payé et de clôturer officiellement le projet. Les étapes de cette étape incluent la facturation, la réception du paiement et l' archivage du projet. Passons maintenant en revue les étapes. La première étape est la facturation. Tout comme vous ouvrez le projet avec un devis, vous allez maintenant le fermer avec une facture. Le devis et la facture sont à certains égards très similaires. Souvent, la facture n'est qu'un devis modifié. En fait, dans une application de construction comme Harvest, vous pouvez créer une facture à partir d'un devis. Comme mentionné dans la dernière étape, je pense que c'est une bonne idée d' envoyer les fichiers au client , puis de facturer ensuite. Pour moi, cela honore un fiduciaire formé avec le client tout au long du processus, et indique clairement que vous valorisez le client et le travail plus que simplement être payé. Cela étant dit, si le client a perdu votre confiance pendant le processus, il peut être judicieux de le facturer en premier et demander le paiement avant de pouvoir recevoir les fichiers. Le problème est très souvent que le client a besoin des fichiers immédiatement, sorte que les retenir en otage peut être considéré comme hostile et ne faire qu'empirer les choses. Cependant, dans la situation la plus extrême, c'est exactement la pression dont vous avez besoin pour motiver le vilain client, mais je dirais ne recourir à mesures désespérées que dans une situation vraiment désespérée. En regardant ma facture, on dirait le devis que nous avons fait au début de la classe à l'étape de l'intégration. Il s'agit maintenant d'une facture, il s'agit simplement d'une facture au lieu d'un devis. Même la ligne est exactement la même. La seule chose qui est différente, c'est ce qu'il y a en bas. En bas, je n'ai que quelques notes. Je vais parler de la façon dont j'aimerais être payé et j'ai mentionné qu'il y a frais de service mensuels de 1 % et demi pour les retards de paiement et d'autres choses comme ça. J'inclut également mon numéro fiscal qui est important pour certains clients, ils ont besoin de ce genre d'informations. En toute honnêteté, je suis rarement payé à la date d'échéance de mes factures. De nombreuses grandes entreprises ont des départements financiers qui évoluent lentement, et je considère qu'il est normal de recevoir des paiements 2 à 3 mois plus tard. Ce n'est pas idéal, mais j'y suis habitué à ce stade, et je peux le planifier. Même si j'autorise le logiciel de facturation à envoyer des avis de retard de paiement chaque semaine partir de la semaine suivant sa date d'échéance. Est-ce que c'est ennuyeux ? Probablement. Ironiquement, les clients les plus susceptibles vous payer immédiatement sont les petites entreprises ou les particuliers, car il y a moins d'intercalaires pour vous payer. Si vous craignez que le paiement soit en retard et que les e-mails automatiques n'obtiennent pas de résultats, [BRUIT] voici une bonne cause d'action. Veuillez noter qu'il ne s'agit pas de conseils juridiques, mais simplement de ma propre idée de ce qui semble raisonnable. Tout d'abord, envoyez un e-mail directement au client à ce sujet de manière non accusatoire. il y a quelque chose S'il y a quelque chose que je peux faire pour faciliter le paiement, faites-le moi savoir. Chaque mois prochain, vous pouvez envoyer une facture mise à jour avec les frais de retard de paiement ajoutés. Si 1 000$ étaient dus le 18 janvier et que vous ajoutez 1,5  % de frais de retard par mois, vous enverrez une nouvelle facture de 1 015$. Le problème, c'est que si le client n'allait pas vous payer de toute façon, il ne sera pas forcément motivé à vous payer encore plus cher. Pour les gros emplois, les frais de retard peuvent commencer à paraître assez effrayants pour les faire bouger. Si le client vous repousse encore ou vous fantôme, faites suivi par un appel téléphonique. Écouter votre voix ou savoir que vous appelez le bureau pourrait suffire pour qu'ils se sentent assez mal pour payer. Peut-être essayez d'appeler avant de facturer des frais de retard. Si le client vous donne toujours cette il y a une option désespérée, la honte des médias sociaux. Je ne vous conseille pas de le faire, mais je vais vous raconter comment cela a fonctionné pour moi. Un client n'a pas réussi à me payer pendant une bonne partie de l'année et il a ignoré tous les courriels que j'ai envoyés et je n'ai pas pu les joindre par téléphone. Je me demandais si j' étais le seul, alors j'ai regardé le nom de l'entreprise ainsi que les termes de recherche sur le paiement des pigistes et retards de paiement pour les pigistes. Bien sûr, l'entreprise avait une mauvaise réputation parmi les écrivains qui ont contribué au magazine, leur donnant le même traitement que moi. Sachant que je n'étais pas le seul, je me suis senti habilité à me tourner vers Twitter pour leur nommer et leur faire honte. J'ai tweeté une capture d'écran indiquant combien de jours de retard la facture s'affichait dans mon logiciel de facturation et j'ai inclus un lien vers un fil de discussion en ligne provenant écrivains qui avaient des plaintes similaires, et je a directement mentionné le magazine en utilisant leur pseudo Twitter. En quelques instants , ils m'ont promis payer et demander que je retire mon tweet. Une semaine plus tard, j'ai reçu un chèque par la poste. Si tout cela échoue, vous pouvez répondre à une demande légale. J'ai presque intenté une action en justice, mais ce n'était qu'une seule fois et la valeur du projet était trop faible pour justifier les efforts et les dépenses. Si un client vous doit une somme importante et vous fantôme, il peut être utile d' envisager une action en justice. [BRUIT] Règle. Informez toujours le client quand vous recevez son paiement. Heureusement, les clients qui ne paieront pas sont rares. La plupart du temps, vous serez payé. Dès que vous recevez le chèque ou que le paiement en ligne dans votre banque, assurez-vous de marquer les factures payées et d'envoyer un dernier e-mail à votre client pour confirmer la réception et le remercier du paiement. . Certains de mes clients paieront par virement ou directement sur mon compte bancaire, auquel cas je ne le saurai pas si je vérifie moi-même mon solde bancaire. Faites un point d'honneur de vérifier vos soldes chaque semaine pour vous assurer que vous pouvez confirmer la réception et marquer les factures payées dans leur intégralité. [BRUIT] Au fur et à mesure que vous continuez à travailler sur de nouveaux projets, vous accumulez des dossiers de projets sur votre disque dur. Au fil du temps, vous en aurez des centaines. Au bout d'un certain temps, ils occuperont beaucoup d'espace sur votre ordinateur, mais bien sûr, vous ne voulez pas les supprimer définitivement pour créer de l'espace. Il est peu probable que vous ayez besoin tous les dossiers de projets que vous avez créés, mais vous en aurez besoin. Lequel exactement ? Vous ne le saurez jamais, donc vous devez tous les garder et c'est pourquoi vous les archivez. Chacun a son propre système d'archives, mais voici le mien. Sur mon Mac, j'ai deux dossiers parents appelés Active et Archive. Le dossier Active contient uniquement les projets actuellement ouverts. Le dossier Archive contient tous les projets que j'ai récemment archivés. Lorsque je ferme un projet, je le fais simplement glisser dans le dossier Archive. Je viens de terminer mon projet de crypto aujourd'hui, tout est fait, j'ai été payé. Je peux simplement faire glisser ça dans mon dossier Archive, c'est impossible pour l'instant. Ces fichiers sont toujours sur mon ordinateur, mais au moins je peux facilement les extraire de mon dossier Active. J'aime pouvoir voir d'un coup d' œil ce qui se trouve dans mon assiette en regardant le dossier Active. Plus occasionnellement, je déplace des projets de mon dossier Archive vers un disque dur externe, qui sert d'archive permanente de mon travail. Mon système low tech n'est que de deux téraoctets de disques externes tous les deux ans et les utilise comme disques de sauvegarde redondants ou dupliqués. Je le fais parce que je préfère dépenser quelques 100$ en disques durs tous les deux ans plutôt que de m'accrocher au stockage Cloud haute capacité coûteux. Vous pouvez archiver comme vous le souhaitez, mais vous devez conserver une copie de vos projets pendant au moins 5 à 10 ans au cas où vous auriez besoin de revenir en arrière pour trouver un fichier pour vous ou vos clients. En utilisant toujours le même système de classement, vous pourrez toujours trouver n'importe quel fichier pour n'importe quel projet sans trop de problèmes. [BRUIT] Règle. Sauvegardez votre disque dur tous les jours. Je profite de cette occasion pour vous rappeler de garder activement une sauvegarde du disque dur de votre ordinateur. Les utilisateurs de Mac n'ont aucune excuse avec Time Machine capable de fonctionner en arrière-plan. **** arrive et vous voulez être prêt quand c'est le cas. [ÉTRANGER], la chance favorise les personnes préparées. Je fais pivoter entre deux disques de sauvegarde et stocke chacun dans un emplacement distinct. Si je devais me faire voler et trouver mon ordinateur disparu, la machine est précieuse, mais probablement pas aussi précieuse que mes archives et tous mes autres fichiers qui s'y trouvaient. Gardez toujours une sauvegarde. Quand un projet est terminé, je suis libre de déplacer ce dossier de projet de mon dossier Active vers mon dossier Archive, puis j'attends d'être payé. Il arrive presque toujours, le paiement arrive toujours. C'est si rare que je ne sois pas payé que je passe presque pas de temps à m'en inquiéter. Si un paiement est plus long que trois mois de retard, c'est à ce moment que j'ai l'impression de devoir m'enregistrer. [APPLAUDISSEMENTS] Lorsque vous avez totalement [MUSIQUE] terminé le projet et qu'il est facturé, payé et archivé, vous devriez être très satisfait. Bien joué. Une fois que vous avez traversé ce processus une ou deux fois, la progression des étapes devrait être naturelle et vous aurez une meilleure idée de la façon dont votre propre processus créatif s'y intègre et ce qui est personnel. adaptations que vous devriez faire. Si jamais vous êtes perdu, faites une pause et demandez où vous êtes dans le processus et utilisez-le pour guider votre prochain mouvement. Il suffit de faire ce que cette étape exige, puis passez à la suivante. Être illustrateur professionnel c'est vraiment une question de cohérence. Cohérence non seulement dans votre style, mais aussi dans la façon dont vous progressez dans votre processus créatif et dans la façon dont vous guidez vos clients tout au long du chemin. La cohérence rend tout plus prévisible. Vous saurez à quoi vous attendre à chaque fois et vous saurez quelles étapes vous devez faire. Vous pouvez même prédire quelles luttes vous rencontrerez à chaque étape, ce qui les rendra moins effrayantes et plus conquérables. Il vous permettra également de savoir plus facilement combien de temps vous devez travailler et donc de définir des échéanciers plus réalistes et confortables. La prochaine fois qu'un client dit : « Êtes-vous intéressé et disponible ? » Vous avez beaucoup plus de certitude quant à la façon de répondre à cette question. [MUSIQUE] 12. Projet : Connaître votre art: [MUSIQUE] Plus tôt dans la classe, nous avons parlé de la façon dont la connaissance de votre art est le fondement de tout ce que vous allez faire en tant qu'illustrateur. Pour le projet de classe, j'aimerais vous guider à travers une série de questions guidées vous aideront à mieux définir ce que cela signifie pour vous. Voici comment faire cette partie. Dans la section Ressources de classe, j'ai inclus une série de questions guidées en tant que document téléchargeable. À l'aide d'un bloc-notes ou en tapant directement dans votre projet de classe, parcourez les questions et notez vos réponses. N'hésitez pas à compléter vos réponses écrites par des visuels et des exemples à l'appui, peut-être certaines de vos illustrations ou images qui vous inspirent. Lorsque vous avez terminé, partagez vos notes avec la classe. Je vous encourage à partager certaines de vos notes sur votre Instagram, peut-être par opposition ou une série d'histoires ou de rouleaux. Vous pouvez utiliser le hashtag, six étapes d'illustration et me marquer chez M. Tom Froese afin que tout le monde et moi puissions trouver plus facilement vos messages. Prenez aussi longtemps que vous avez besoin de passer en revue ces questions et de réfléchir heureux. J'ai hâte de lire ce que la connaissance de votre art signifie pour vous. Merci beaucoup d'avoir partagé et merci beaucoup d'avoir suivi ce cours. Assurez-vous de me faire savoir comment ce cours vous a aidé dans les commentaires. Je vous verrai dans le prochain [MUSIQUE]