Les impressionnistes : une révolution dans le monde de l'art

1. Une introduction à l'impressionnisme: Bonjour, bonjour les gars. Aujourd'hui, nous allons parler d'un mouvement et d'un style dont vous avez probablement entendu parler auparavant. Il est très peu probable que vous n'ayez jamais entendu le mot impressionniste avant, n'est-ce pas ? Il fait déjà partie de notre culture et nous le considérons essentiellement comme un classique de l'art. Lorsque l'impression de parler est aujourd'hui, il y a des mots qui ne viennent pas précisément à l'esprit. Révolutionnaire, rebelles, aventureux. Mais c'est vrai. Aujourd'hui, nous découvrirons comment un groupe majoritairement français et quelques femmes très audacieuses ont changé votre art amoureux pour toujours et ouvrent les portes de la modalité. 2. La naissance d'une révolution: C'est Louis Leroy, critique d'art qui a utilisé le mot impressionnisme, considérant l'œuvre comme une simple impression loin de la réalité, habituée à composer avec soin habituée à composer avec soin des peintures réalistes exposées chaque année au Salon de Paris. Leroy a été choqué par leurs coups de pinceau lâches et composition décontractée de l'argent. Et ses amis. Il pensait que le sujet principalement des paysages ou des scènes des gens de la rue qui vaquent leur vie quotidienne, vulgaires et banals. En outre, il considérait que la manière de peindre adoptée était loin juste attrayante et incomplète. Inspiré précisément par le titre de ce tableau, il a intitulé ses hôtes ont critique dans le journal. Ils exposent un prénom impressionniste dans une troisième chaîne d' exposition du mouvement les peintres avaient au XIXe siècle la France était le Salon de Paris, lié à l'École des Beaux-Arts, qui avait un jury prestigieux qui a été sélectionné et les œuvres envoyées. Le seul problème, c'est qu'il y avait des artistes qui essayaient d'être modernes ou d'apporter un peu de changement au Salon ont été immédiatement rejetés. Les artistes étaient dans une position désespérée parce qu'ils étaient acceptés avec le seul moyen réel de faire connaître votre nom aux autres. Avoir une sécurité financière. Ventralement, il s'agirait de la seule solution. Les peintres qui se sont rassemblés autour du net ont décidé de créer un forum d'exposition différent de celui officiel dans lequel tous les artistes indépendants pouvaient présenter leur travail. C'est ainsi que se produit. La première exposition de la Société anonyme des peintres, sculptures et des graveurs s'est déroulée entre avril et mai 1874 dans les salles que le photographe ne leur prête pas. 3 500 visiteurs sont venus, mais la plupart d'entre eux, et juste pour rire des peintures mères qu'ils ont vues. Pour ne citer que quelques exemples. Dans cet élément, je dirai que nous commençons à peindre la Symphonie numéro un, jeune fille et blanche a été présentée, créant un grand choc car elle avait déjà été rejetée par le Salon français et par les Britanniques Royal Academy. Nous devons considérer qu'au début il ne titre que la jeune fille en blanc, essayant d'éviter tout type de message secondaire. Son point de vue, un tableau ne devrait pas avoir de contenu narratif ou oral, mais nous apprécions tout cela tout seul la même manière qu'une licence pour une œuvre musicale. Ce n'est qu'après qu'il commencera tout juste ajouter ces autres titres, harmonie, symphonie, arrangement, Nocturne, pour faire ce pont avec toutes les pièces musicales qu'il aimait et admirait. Ce sera à cette même occasion que mon filet présentera sa vision de travail la plus controversée. Également. Il sera rejeté par le jury officiel et totalement censuré par les critiques. Malgré une nouvelle fois l'aération des jeunes artistes très attirés par son travail. Cette peinture minuscule est nouvelle en ce sens qu'elle présente un noeud de la vie quotidienne, c'est-à-dire sans que nous ayons besoin dans le passé de restaurer des figures mythologiques pour montrer la beauté féminine. Sans fermer, il emploie son modèle préféré entre roman, qui apparaît accompagné la sculpture de la duchesse Ferdinand le sabot, Angus tap, le frère des peintres. Mais ce qui est le plus frappant, c' le contraste entre la nudité de la femme humaine et les deux hommes qui l'accompagnent complètement. C'est également le cas du travail que nous voyons à droite. Dans cette œuvre, la peintre présente figure d'une prostituée de haut niveau, nue, allongée sur un canapé accompagnée de sa femme de chambre et d'un chapeau noir. Pour ce tableau, l'argent serait inspiré par Titien est Vénus. Cependant, la nouveauté de Monette est encore une fois qu'il présente la figure nue sans le soutien de la mythologie ou de l'orientalisme. C'est une scène très contemporaine. À partir d'ici. Beaucoup d'autres seront inspirés pour créer d'autres scènes fraternelles qui deviendront plus tard célèbres, comme Toulouse-Lautrec. Dans ce cours, nous apprendrons que nous ne pouvons pas parler d'un seul artiste matière d'impressionnisme, nous devons parler d'eux dans leur ensemble, en tant qu'équipe qui, qu'équipe qui, même s'ils ne l'ont pas fait. travailler nécessairement ensemble, le monde s'efforce d'atteindre le même objectif de se libérer enfin de ce que l'art académique leur demandait en tant qu'artistes. Nous allons essayer de nous mettre dans la peau de l'artiste, essayant de vraiment voir au-delà de ce que nous voyons normalement. Par exemple, dans cette image, nous savons que nous comprenons quels sont nos sens les plus élémentaires que nous voyons un paysage, que nous voyons un coucher de soleil et un reflet de l'eau. Mais comment capturer la couleur d'une scène ? Le dernier, juste un instant. Je ne veux pas sauter de l'avant. Mais en énumérant cela aujourd'hui, nous sommes très habitués à l'idée de geler le moment avec la photographie. Cette fois-ci, la photographie était nouvelle pour beaucoup de gens. L'idée de geler un instant était donc encore quelque chose qu'ils devaient saisir leur esprit. Il y a encore un problème technique. Jusqu'au début de l'impressionnisme, peintres universitaires n'utilisaient pas de pigments crus. L'art du peintre consistait les mélanger et à les superposer en couches pour les nuancer et imiter les tons. Un autre ne les montre que comme des variétés traumatisantes. Qu'est-ce que cela signifie que chez les oiseaux ont un nouvel art, un des points les plus importants et nous ignorons généralement le rôle qui progresse dans la science et la technique. La technologie a les choses les plus petites, utilisant une pièce métallique pour toucher la brosse, les poils sur la poignée. Les nouveaux pinceaux étaient beaucoup plus résistants que les anciens et permettent d'appliquer coups de pinceau intenses et précis. Au milieu du XIXe siècle, les premiers pigments synthétiques ont rencontré des vétérinaires laitiers industriels commercialisés, tels que le jaune, le jaune cadmium, bleu orange, le bleu outremer, pourpre et bleu de Prusse. Celui que nous connaissons aujourd'hui qui l'oxyde noircit. Cela nous amène à l'un des points les plus importants de l'œuvre impressionniste, comme l'argent, la possibilité de travailler en plein air. Jusque-là, les artistes mélangeaient des pigments en poudre, les broyant parfois eux-mêmes avec de l'huile de lin, obtenant la quantité et la densité désirées. qui nous amène à cette belle journée d'été, capturée par Monet dans toute sa splendeur avec tout le pot-de-vin et la pop est complétée par les nuages bruyants dans un ciel bleu clair, dilué les contours et construit une couleur pour le rythme avec des taches de peinture a commencé à partir d'un saupoudrage de chiots que ces taches proportionnellement grandes au premier plan dans la suprématie de la grotte, il a mis sur l'impression visuelle. Un pas vers l'abstraction a été franchi. 3. Capturer le moment fleeting: Le groupe des impressionnistes comprend, bien qu'il ne s'agisse pas d'une liste exclusive, la marque de naissance. Beehive va, pourquoi pas ? Alfred Sisley ? J'ai oublié de leur dire seulement de me démêler. Camille Pissarro, fils du patron. Et je vais vous expliquer. Pourquoi est-ce que je n'inclut pas un nain ? Eh bien, c'est parce qu'il était impressionniste de la presse écrite. Il est néanmoins la base de cette conversation car il sera admiré et suivi par beaucoup de ces artistes que nous verrons aujourd'hui. Il a toujours été le père des autres impressionnistes. Et aux côtés de Cézanne et Picasso, il sera l'un de ces personnages qui ouvriront le modernisme au monde européen. Le troisième, de gauche à droite, nous voyons le garde Degas comme Edgar de Dieu, parce qu'il venait d' une famille aristocratique. C'était donc la façon de représenter d' où venais-tu. Ce plus dur n'est pas déplacé comme base mono si Tunis a besoin d' interpréter la nature. Il ne comprend les intérêts que suscite le paysage chez peintres comme Pissarro ressemblent à la Sicile. Comme mon cou. Le gars est un amoureux de Paris quand il se promène sur maths de servir les habitants de la grande ville dans les cafés de l'opéra. À l'abri de la lumière naturelle. C'est ce que nous appelons la peinture mentale. Enfermé dans son atelier, le dos tourné vers la Nature. Il se trouve à distance d'une spontanéité informatique. Il viendrait voir tout au long de la transformation, l'imagination collabore avec la mémoire et le peintre reproduit ce qui l' a le plus intéressé. C'est-à-dire ce qui est le plus nécessaire. Par exemple, dans le tableau de l'orchestre d'opéra, l'objectif principal est de faire traiter le portrait de son ami à cette époque. Mais une partie du thème du développement de l' Opéra de Paris est suggérée dans la partie supérieure du tableau. Un thème qui finira par envahir toute la composition deviendra l'un de ses motifs préférés car il lui permet de combiner l'étude de la forme, du mouvement et de la couleur. On peut comparer sa représentation et sa gestion des personnages à la façon dont beaucoup représentaient les gens. L'argent, né en 1832, était déterminé à être peintre. Il a acquis une solide formation dans les ateliers Thomas Couture. Il a donc eu beaucoup de chance à ce sujet, complété par de nombreux voyages à l'étranger pour voir le travail des classiques en C, pour copier les œuvres des salles Titian, Rembrandt, Velazquez, entre autres, et peintres profondément admirés du baroque espagnol. Vous pouvez reconnaître l'argent parce que ses personnages seront surtout dans messages plus offensants ou dans le fait de savoir qu'un portrait est en cours de réalisation. Beaucoup d'entre eux se penchent sur ce que serait la caméra. Et les thèmes qui les entourent sont des thèmes que le Salon de Paris accepterait probablement. D'autre part, il doit avant tout sa renommée à la série des danseurs. Un univers qui ne pouvait pas vivre chez des artistes soucieux de l'équilibre et du mouvement, indifférents. Le monde du ballet offre un gars un vaste répertoire de motifs. Des danseurs attachent la chaussure, se reposent, font des exercices de bar, des potes dans les mains qui souffrent de l'effort. En raison de l'équilibre instable, il défie la loi de la gravité. Le cours de danse est un hommage à joules parallèles, le grand danseur et chorégraphe du Romantic Ballet. penchant parallèle ou sa canne occupe le centre de la composition et contraste avec la légèreté des danseurs. Bien que le chat ne dissout pas la forme, l'influence de l' impressionnisme se révèle dans l'utilisation de tons clairs. Cela connaît les contours. Quelle photographie le chat découvre que l'œil est comme un projecteur qui peut être placé à n'importe quelle hauteur et n'importe où. Par conséquent, les fragments de cette vision, l'introduction de nouveaux angles, de vues d'en haut ou d'en bas, se rapprochent aussi, bien sûr aussi important que les détails tirés des estampes japonaises. Les couleurs concernent également l'assymétrie systématique de la composition. C'est quelque chose qui est très original pour le spectateur occidental. Il y a quelques choses ou détails qui, de nos jours, ne sembleraient pas être une grosse affaire. Mais à ce moment-là, ils l'étaient. Tout d'abord, s'agit-il du dynamisme de la scène ? Deuxièmement, que pour la première fois dans l'histoire de l'art, la plupart des personnages et il y en a beaucoup, et cela est généralement anonyme. Troisièmement, et c'est probablement le plus important, c'est que maintenant nous comprenons que la nature humaine est en fait dans le moment présent, dans le moment où nous essayons de geler l'instant. que nous partons. Même si ce n'est pas quelque chose d'héroïque. Ils ne le sont pas après tout, les changements de vie sont des moments qui changent la vie, mais c'est ce qui fait la vie humaine. 4. Impressionnisme, la joie de vivre: Conventionnellement, en 1839, la photographie, qui seulement dix ans plus tard serait déjà l'art visuel le plus populaire du siècle était l'élément le plus influent de la sensibilité visuelle de l'époque. Dans la mesure où le peintre universitaire Paul la Roche a affirmé en 1850 que la peinture était morte. Certains comme la boucle SAM, le sceau, le gars n'utilisent qu'une nouvelle invention comme point de référence et d'inspiration et plus d'une occasion. Bien que certains d'entre eux aient hésité à le reconnaître. Le point de départ de la peinture moderne, opposition à celui des ventes académiques, consistait à comparer et à mettre en évidence le caractère de la peinture de l'œuvre, distinguer de la photographie, qui était déjà le plus dur concurrent. Examinons donc ces exemples. Sur la gauche, on voit la boîte des artistes accentue et la preuve est une peinture et ce que c'est vraiment, c'est un tissu teinté. Le spectateur, également en tant que spectateur, ne voit plus cette scène car à travers la fenêtre, il faut s'arrêter et considérer le tableau comme une surface de l'autre côté à droite. Sans avoir recours à un islam sentimental ou à un commentaire moral. La voiture nous confronte à travers composition à six sacs avec ces cette composition à six sacs avec ces personnages ivres, marginalisés et solitaires. Beaucoup, malgré leur proximité avec d' autres êtres humains dans leur propre solitude. Au lieu de ce velouté, ils sont défendus par les peintures académiques. Les impressionnistes font des coups de pinceau lâches visibles avec beaucoup d' impasse pour créer un relief ou tellement dilué que la largeur de la toile est perceptible. Dans tous les cas, en montrant la matérialité de la surface. Pour défendre la réalité visuelle, les impressionnistes découvrent que la nature est vivante et changée. Ombres ou transformations. Ils se reflètent par les nuances de l'environnement. Les couleurs pures n'existent pas. Ils sont entièrement influencés par l'environnement chromatique. La lumière n'est pas statique, mais mutable et inébranlable. Avez-vous déjà vraiment remarqué cela dans votre environnement ? La naissance d'une nouvelle classe, le livre Gua a été une autre conséquence de la révolution industrielle. La plupart des impressionnistes, comme beaucoup de leurs clients, appartiennent à leur famille. Les seules exceptions où l'argent, nous voyons dans cette image, est un peu ironique que c' précisément lui qui deviendrait l'impressionniste le plus moniste, qui l'apprécie, le jouissance de la vie dans le Paris de son époque. Le reste de nos artistes est issu de familles aristocratiques. Par exemple, avec des parents magistrats ou des hommes d'affaires, marchands, des propriétaires, des biens immobiliers de spéculateurs. En fin de compte, ils faisaient partie d'une France prospère qui, à l'époque, s' était développée et pirate en Afrique et en Inde, en Chine. La période impressionniste entre 18751914 coïncide avec cette belle époque tadjik. ce moment où Paris laisse toute trace rurale pour devenir le critère, nous connaissons la capitale sur ses objectifs, un temps de transformation complet Napoléon, le troisième, et en Hausman viral qui a promu le la plus grande réforme urbaine. On pouvait y voir de nouveaux systèmes d'eau, égouts qui éliminaient les mauvaises odeurs de la rue et réduisent les pandémies. La construction de nouvelles gares et de nouveaux marchés. De grandes résidences privées, des bâtiments publics spectaculaires comme des boulevards, des parcs publics et des cafés et restaurants extérieurs. Le favori de ces établissements pour notre groupe d'artistes. mathématiques d'Orlando à Amman sont toujours à la périphérie de la ville avec un air rural qu'il perdrait encore. Mais le mot qu'ils appréciaient des rassemblements continus et une atmosphère festive où bon nombre de leurs tableaux les plus importants verraient la lumière. La plupart des impressionnistes, en particulier le renouveau, seraient durement critiqués parce que bon nombre des peintures sembleraient inoffensives ou douces. Et quand on ne reçoit pas ses détracteurs qui ont dit, oui, nous essayons de trouver de la beauté et de montrer de la beauté montrer notre vie dans la rivière et de nous confesser avec nos amis. Et oui, cette vie est heureuse et jolie. Oui, Pretty. Leur objectif principal n'était pas avoir de thèmes offensifs ou sombres, mais d'avoir une technique révolutionnaire. Et en parlant précisément de technique. Quel rôle la moitié du dessin dans ce processus ? Le dessin a été rejeté par beaucoup d'impressionnistes qui considèrent que c'est un obstacle à l' académicien. Ils ont préféré peindre directement sur Canvas. Le gars de l'autre côté pensait que le dessin était le moyen d' appréhender vraiment la réalité. Il a dit : Ce n'est pas la forme, c'est la façon dont nous voyons la forme. Par exemple, chez le chanteur avec le gant. Le point de vue choisi pour ce gros plan est celui du spectateur ou dessous du schéma, la décision des lignes et de l'air caricatural, ainsi que le thème du globe, sera les ressources que Toulouse-Lautrec utilisera. Ces affiches ouvrent la porte de la technique de la publicité. 5. Le rôle de la photographie dans le monde de l'art: Un autre artiste révolutionnaire de cette époque était la naissance de Morrison. Elle a commencé à développer une sorte de raccourci visuel de coups rapides et courts pour peindre avec ce qu'il y a devant ses objets de perles ou ses gens. Elle a capturé le mouvement et s'est enflammée en traçant des lignes discontinues avec la surface du pinceau, lignes rapides avec la pointe du pinceau, puis en grattant la peinture avec la poignée. Aucune de ses impressions n'est collègues ont travaillé de manière aussi expérimentale. Comment a-t-elle pu développer un style aussi authentique ? Elle a eu la chance dans les citations aériennes de ne fréquenter aucun type d'école ou de milieu universitaire. Elle a peint essentiellement ce qu'elle vu et elle a même été interdite de se rencontrer au plus grand effet de bloc est jusqu'à ce qu'elle comprenne l'impressionnisme mieux que quiconque. En n'étant pas autorisé à entrer dans les écoles. Sa peinture n'a jamais été imprégnée la saison académique que ses collègues tentaient de défaire. La coiffure était beaucoup plus unique que n'importe quel autre peintre. Donc oui, elle serait critiquée et ridiculisée comme étant trop féminine. Mais il y avait des gens qui essayaient de l'aider et il a reconnu son talent. L'un d'eux était ado notre argent, que nous avons vu était la première impression impressionniste. Comme vous finiriez par épouser son frère Eugène. Il l'a aidée à entrer dans le cercle même si Marissa travaillait à une époque où les femmes n'étaient pas autorisées à suivre cours d' anatomie de peur qu'elles ne soient solides dans des pensées impures. On croyait que les femmes n' avaient pas les pouvoirs d'abstraction nécessaires pour transformer la nudité en nus. En outre, étant une femme dans un livre, j'ai eu de la famille. Elle était limitée aux thèmes qui l'entourent, tels que sa maison, le parc, son mari, sa fille. Elle a travaillé toute sa vie, participe à toutes les expositions impressionnistes sauf une. Et c'est parce que Julie, sa fille venait de naître. Elle emmène l'impressionnisme aux États-Unis et l'American Heart Association et vend plus de peintures que l'argent saisonnier ou Pissarro, réalisant même des expositions individuelles. Malheureusement, le système patriarcal ne voulait pas qu'une femme reçoive la reconnaissance qu'elle méritait. Et elle a été reléguée à une artiste féminine en raison de son thème accueillant. Comme beaucoup de ses collègues comme l'Amérique se sont assis. Et si je peux vendre ça aujourd'hui, bien qu'elle soit connue comme une grande dame de peinture. Marika a donc dit que c'était l'une des autres artistes féminines qui étaient de la plus haute qualité de travail et qui émettent ou non une femme, nous parlerions d' elle dans les musées au niveau de n'importe lequel de ses compagnons amis impressionnistes. L'Amérique est considérée comme le premier impressionniste américain. Elle a fait partie du groupe dès le début et se joint avec enthousiasme à leurs coûts. Elle n'a pas assisté aux réunions de Morisot dans le passé, mais elle les a rencontrées en privé et dans des expositions. Les gardes sont devenus son grand allié. Il a été l'un des premiers à l' aider à franchir ces frontières de communication entre l'art américain et quand l'Europe s'attendait à voir son œuvre est pertinente, non seulement parce que sa technique est également révolutionnaire, mais en raison du fait qu' elle était très cynique et qu'elle a essayé de travailler comme photo de l' actualité dans son travail, même si nous voyons encore certains des thèmes qui étaient considérés comme accueillants. Mais l'Amérique était féministe et elle soutenait activement le suffrage des femmes, luttant pour l'égalité. Et j'ai tendance à gagner la liberté et le droit de vote pour les femmes. Son ami, le gars, devenait progressivement aveugle en vieillissant. Finalement, il a commencé à travailler plus en plus dans les sculptures dans les promenades. Ce petit danseur de 14 ans est un sculpteur créé par lui en 1881 et représente la jeune étudiante danseuse nommée Marie. Le sculpteur était à l'origine fait de promenades et n'a été coulé en bronze qu'en 1922. Cet animal expérimente et un nouvel os à la fois, œuvres étaient une sélection de matériaux rares pour l'époque. De plus, la sculpture est vêtue d'un dessinateur Kurt, et un bandeau repose sur une base en bois. Lorsque la petite danseuse a été exposée à Paris lors de la six expositions impressionnistes de 1881. Il a reçu des critiques mitigées mais surtout négatives. La plupart des critiques ont été scandalisées par cette pièce. Ils le considéraient moche, grotesque primitif. Ce ne sont là que quelques-uns des mots qu'ils utilisent. Donc, bien sûr, le cœur brisé que Dieu a décidé de ne plus jamais se montrer ou de se livrer à des promenades. Allant contre son gré, les sculpteurs ERS ont décidé de vider 27 de ses tatouages en bronze. C' est pourquoi il y a un intervalle de 40 ans entre la fabrication des pièces. Les bronzes, Tatas, 69 sculptures originales en cire et autres matériaux survivent au processus de coulée. Nous pouvons donc voir maintenant, même si de nombreux artistes étaient très différents et sur le thème, ils étaient tous très compromis avec la technique de l'impressionnisme. Être le premier, montre la cohérence de la grille. Tout au long de son travail. Ce travail est plus proche de la fin de sa vie, mais nous voyons des thèmes que nous avons déjà vus. Lui. Un portrait, une relation en tête-à-tête avec une personne représentée. Dans ce cas, il y a des questions techniques qui ont déjà été critiquées, mais qu'il a toujours dit que Nous sommes exprès. Par exemple, l' échelle et la position des jambes du trapèze en haut à gauche. Et le reflet que nous voyons, même si nous voyons la personne à l'avance, il y a un peu incliné. D'autres impressionnistes, en revanche, montreront des moments plus fugaces et surtout plus anonymes. Cette peinture pastel fait partie d'une grande collection où nous voyons des personnages similaires effectuant des gestes similaires. Ici, après avoir mouillé ce coup de poing, le groupe de femmes sonne et appuyé sur une main, lève l'autre pour se laver le dos. Essayons d'aller au-delà la scène quotidienne où nous pénétrons dans l' intimité de la femme. Comment analysez-vous la force, l'équilibre de la posture ? Comment comprenez-vous les plans de la peinture ? Une étrange arité émane de l'actualité, mais ce n'est pas l'expression du désir dans son sens habituel. Dans le Dieu, il y a une obsession de suggérer le mouvement. Toujours avec le désir de permanent, comme l'argent nous a frappés ne pas poursuivre la peinture. Ce qui est fugace, ce qui est transitoire, mais plutôt arrêter le geste qui synthétise et résume tous les gestes. Il dirait que rien dans l'art ne devrait ressembler à un accident, pas même à un mouvement. Toutes ces pièces vont de pair avec un certain noeud sur la modernité. Nous devons considérer que les peintres n'avaient pas besoin de faire preuve de véracité, sorte qu'ils pouvaient réellement faire preuve d'émotion et d'autres concepts à travers leur travail. Ils ont également eu la possibilité d' établir des liens avec le monde oriental. C'était la première fois, par exemple, que l'impression par blocs venait du Japon. Des artistes tels que Hokusai ou connus pour la première fois. Ils l'étaient. En fin de compte, des moments passionnants. Imaginez combien de choses ont été inventées et découvertes quand elles arrivent, accompagnent mon cou jusqu'aux courses. Une diversion passionnée par le règne de Napoléon le troisième. Il ne s'intéresse pas au spectacle banal, mais au mouvement gracieux des chevaux. La tension avant la course ou même les couleurs du parcours se referment. Et la blague est, comme le dit l'histoire, quand Murray Bridge est allé avec ses amis chez le raciste, ils n'ont pas pu comprendre s' il y avait un moment où le cheval arrête de toucher complètement le sol. Et donc il a commencé à expérimenter la photographie à une vitesse plus rapide parce que généralement les gens devaient s'asseoir pendant des heures pour faire un portrait. C'est donc essentiellement la naissance de ce qui allait devenir le cinéma. Et comme vous le voyez, tout l'art commence à marchand ensemble. 6. L'arrivée du monde moderne: Tous ces essais selon lesquels le monde moderne était déjà là. Beaucoup de nos grands-parents sont probablement déjà nés. Kandinsky, qui deviendra l'un des artistes abstraits et modernes les plus importants du XXe siècle. Finalement, il a dit qu'il était grandement inspiré par les Haystacks de Monet, non pas par le thème, mais par le rythme musical de sa couleur. Ils deviendraient une véritable révélation pour lui et un jalon important ou son chemin vers la destruction. Il dirait que c'est la couleur et la forme qui déclenche une réponse émotionnelle et non les objets, les textes de hâte eux-mêmes. C'est comme s'il n'y avait pas de sujet dans la peinture, seulement de la lumière et de l'atmosphère. Lorsque le terme impressionniste a été accepté vers 1887, un critique lié au groupe Josh Libya, proposant une définition encore plus large qui s'applique aux séries saisonnières de travaux. Traitez n'importe quel sujet par les orteils et non par le sujet lui-même. Voici ce qui distingue impressionnistes de tous les autres peintres. Il a peint une quinzaine de peintures de ces églises du village à différents moments de la journée et à différentes saisons. La pièce ici a été exécutée sur une amende, même dans l'ancienne 94. Basé sur le deuxième étage d'une maison, ma façon plasma, protecteur Sisley, ses impressions visuelles directement sur Canvas. Les couleurs claires et audacieuses appliquent cette plupart des traits capturent les effets fugaces de la lumière du soir. Malgré la spontanéité de cette vision. Dans ces peintures, nous trouvons également la rigueur architectonique et la recherche de dettes qui caractérisent la composition de tous les peintres. Cc était comme beaucoup d'autres membres du groupe, très chanceux. Il est né à Paris, le fils d'un riche marchand anglais qui l'envoie à Londres et de l'équipe entropique pour commencer son statut commercial. Mais le jeune homme se consacre néanmoins à l'étude de la peinture anglaise, en particulier des peintures conceptuelles. Et Turner est déterminé à gagner sa vie grâce à la peinture. Sisley retourne à Paris en 1862, et sa famille l'a soutenu et l' encourage à étudier les arts. La construction est là avec autant d'argent que saisonnier. Pas plus qu'une excuse de fond pour montrer l'authentique protagoniste de la composition. Le pouvoir de la peinture de représenter la qualité dynamique de la lumière et de l'atmosphère capable de donner vie à quelque chose d'aussi Tony et inanimé qu'une façade imposante de l'église ou de la cathédrale. Lorsque Monet a peint cette mauvaise série de la cathédrale, il s'agissait d'une série beaucoup plus importante de 40 tableaux. Mandy cette casserole entre 1892-1894, il avait depuis longtemps été impressionné par la lumière par partie d'un sujet. Il a un caractère distinctement différent à différents moments de la journée et de l'année. Et une tristesse, les conditions changent. Pour de l'argent. Les effets de la lumière sur un sujet sont devenus aussi importants que le sujet lui-même. Ces œuvres visent à illustrer l'importance de la lumière, de notre perception à tout moment et à n'importe quel endroit. En se concentrant sur le même sujet à travers toute une série de peintures, Monet a pu se concentrer sur l'enregistrement des sensations visuelles. La tâche était un grand défi. L'argent a trouvé que la chose qu'il était installé à peindre la lumière était une chose presque impossible à capturer en raison de sa nature en constante évolution et de son extrême subtilité. Par sa capacité à capturer rapidement l' essence d'une scène, puis la terminer plus tard à l'aide d'un croquis combiné à sa mémoire de cette scène. Pour ces peintures, il a utilisé des couches épaisses de peinture richement texturée, exprimant la nature complexe du sujet. Cette série serait connue comme le point culminant de l'impressionnisme. La prochaine fois, vous serez devant la peinture impressionniste. Peu importe l'auteur de l'époque où il s'accouplait. Envisagez de voir au-delà du paysage ou au-delà du personnage représenté. Essayer d'atteindre le sentiment et l'essence du peintre essayait de transmettre, essayer de comprendre son processus de prise de décision de la position Apollinaire, du moment de la journée, des conditions atmosphériques, tout, comme dans de nombreux autres thèmes dont nous parlerons dans l'histoire de l'art, est une décision. Moody avec prendre cette idée de cette série à l'extrême, où il a peint environ 250 Canvas fait référence aux nénuphars et son jardin d'inspiration orientale. Et donnez-moi une œuvre d'art en soi que vous pouvez encore visiter à seulement 20 minutes de Paris. Aujourd'hui, il est chez lui, hébergez-les sur une fondation et un jardin botanique, vous avez travaillé avec le même soin et fascination que les peintures elles-mêmes. Motive a planté les leaders de l'eau avant qu'il ne les peint. Il a organisé sa propriété pour me donner comme s'il s'agissait d'un énorme tableau. Merci à une petite armée de jardiniers. Il a détourné la rivière. Planète, nénuphars, fleurs exotiques, saules pleureurs et autres plantes exotiques. Il a assis la pièce et a ajouté des enclos avec des poulets blancs, des canards et des excréments. La nature a été recomposée par l'artiste et elle a commencé à assembler son cœur. Il dirait que mon plus beau chef-d'œuvre est mon jardin. Il dépenserait également beaucoup d' argent dans ces bulbes et ces jeunes plants. Le courant couvre une superficie de 15 hectares, comprenant à la fois la collection botanique, la végétation locale et une petite pépinière d'espèces rares. J'imprime le 261974. bien inscrivait le titre de monuments historiques. L'entrée, le jardin, l'atelier, le pavillon. Et il était également répertorié comme Jack, Mark a gardé un jardin remarquable. En 1976. Le jardin lui-même apportait plus de bonheur à l'argent, probablement que la majeure partie de l'œuvre de sa vie. Ces paysages d'eau et réflexion sont devenus une obsession. Je vais m'éroder. Et en août 198, c'est au-delà de cette tendance d'un vieil homme. Et pourtant, je veux exprimer ce que je ressens. J'ai détruit certains campus. Je recommence une fois. J'espère que quelque chose viendra de tous ces éléments séparés. Oh, si cet effort a rapidement apporté un changement et une vie à lui après la mort de sa femme, il revient sur cette toile est il revient sur cette toile est humique, quelques changements radicaux. Il change l'échelle des campus maintenant qu'ils sont d'échelle monumentale. Et il change également la palette en utilisant des taches de couleur brillantes pour suggérer les fleurs. Il n'a pas eu d'approche. Et son utilisation extraordinaire du point en couleur a commencé la piste des mouvements artistiques subséquents. Ses pulsations contemporaines, Sam s'est affilié au post-impressionnisme. Matisse, qui avait agressé l'argent, est devenu l'un des premiers artistes expressionnistes. Je vais vous laisser ici précisément cet exemple qui nous amènera à notre prochaine leçon pour lui envoyer travailler avec l' esthétique que ses prédécesseurs avaient établie des palettes de couleurs très claires et un traitement de léger. Dans les débatteurs. Il regarde presque le paysage comme à travers la lentille d'un architecte. Il est une question de forme et de géométrie. Et c'est très structurel. Il a été formé pour passer de l'impression à un œil architectural plus logique et plus analytique. Mais il a pris était surtout le processus d' aller dehors et de capturer la lumière. Mais la différence entre le Soleil et impressionnisme, c'est qu'il a augmenté les inondations suffisamment d'espace. Il a utilisé la palette de couleurs de l'impressionniste, mais l'a déformée pour changer le concept du temps et du moment. Réorienter ce rythme alors qu'il le traverse. L'impressionnisme était une révolte visuelle. Les tout premiers artistes renégats qui coulent contre le système. Ils peignaient la vie telle qu'elle était. Il s'agit d'observer la nature, scruter la vie telle qu'elle est, car elle reflète celle d'un objet. À la fin de la période impressionniste, les artistes se sentaient libérés de règles strictes sur la concurrence, sujet et la technique. Ils ne dépendent plus de l'opinion du salon. De nos jours, les artistes sont libres de faire un ping sur ce qu'ils veulent expérimenter avec les nouvelles technologies et poursuivre leurs propres idées et talents. Et c'est surtout grâce aux impressionnistes. Merci beaucoup d'être ici, de partager votre temps avec moi et de m'avoir laissé parler de partager votre temps avec moi et de m'avoir laissé parler de ces thèmes qui me passionnent tant. J'espère que vous l'êtes aussi. Et si vous avez des questions, si vous avez des commentaires, je serai heureux d'en discuter. Vous savez où me trouver. Merci. voit la prochaine fois. 7. Projet de cours de style impressionniste: Bien qu'en un seul mouvement, chaque artiste a contribué dans sa queue à ce qui est devenu le mouvement impressionniste. Selon les caractéristiques et les traits de chaque artiste, ai essayé d'identifier l'auteur des pièces que je montre ici dans le document de classe ci-dessous. Veuillez partager vos résultats et vos commentaires dans le cadre d'un projet de classe. Et je vais m' assurer de le vérifier et répondre à toutes vos questions. Merci d'être ici pour avoir regardé cette leçon d'histoire de l'art et à la prochaine fois.