Les bases du dessin : Apprendre les compétences essentielles dont chaque artiste a besoin

1. Bienvenue dans le cours de dessin pour débutants: Bonjour, et bienvenue dans ce cours sur les principes fondamentaux du dessin. Si vous avez déjà eu l'impression que vos dessins ne sont pas tout à fait corrects, c'est souvent parce que les fondations sont absentes. Dans ce cours, nous nous concentrons sur les compétences essentielles, les lignes, les formes, les contours et les ombres Vous apprendrez à observer, à simplifier et à construire votre dessin étape par étape. Tout est expliqué clairement à l'aide exercices simples et d'un projet complet pour vous aider à appliquer ce que vous apprenez. Ce cours est conçu pour vous donner une base solide afin que vous puissiez dessiner avec plus de confiance et de compréhension. Vous souhaitez améliorer vos compétences en dessin de manière structurée et accessible, vous êtes au bon endroit. 2. Matériel de dessin essentiel pour les débutants: Jetons un coup d'œil au matériel dont vous aurez besoin. Lorsqu'il s'agit de dessiner, papier est un élément essentiel, et il existe de nombreux types différents parmi lesquels choisir. Par exemple, j'ai ici deux types de papier un bloc-notes comme celui-ci, où les feuilles de papier sont détachables, permet de travailler sur des feuilles individuelles, qui permet de travailler sur des feuilles individuelles, un carnet de croquis relié comme un carnet de notes pour que vous puissiez dessiner Il existe également des blocs-notes à spirales comme celui ici, qui vous offrent deux options. Vous pouvez retourner les pages et l' utiliser comme carnet de croquis, ou si vous le souhaitez, vous pouvez également déchirer les feuilles de papier pendant que vous terminez votre Il existe également différents formats et formats de papier. Le papier est disponible en différentes tailles, et le choix des bons formats dépend de vos besoins. Ici, j'avais un bloc-notes de taille A, qui offre un espace de travail plus grand. En revanche, ce carnet de croquis et ce bloc-notes sont au format A4, ce qui est un format standard et polyvalent Il existe également des carnets de croquis A five, qui sont plus compacts et portables, et en outre, vous pouvez trouver des feuilles individuelles vendues séparément en taille standard La texture de votre papier joue également un rôle crucial dans l'apparence et le toucher de votre dessin. Cette texture est appelée grain du papier. Par exemple, sur ces feuilles de papier, j'ai un papier à grain léger. Vous pouvez voir son effet lorsque je teinte avec le côté de mon crayon. Le grain fait que certaines zones du papier restent blanches car la surface ne recouvre pas complètement la surface. Si vous zoomez, vous remarquerez que minuscules points blancs apparaissent entre certains traits de crayon. Cela est dû à la texture du papier, qui empêche le graphite de remplir chaque petite crevasse Il existe différents types de texture de papier en fonction du grain. Il y a du papier très lisse. Il a une petite texture qui permet un ombrage sans effet granuleux Il est idéal pour un travail très détaillé et une transition fluide. Il existe du papier à grain léger comme celui-ci que j'utilise, qui offre une texture subtile contribue à créer un effet d'ombrage naturel Et du papier rugueux ou de toutes les textures, dont le grain est plus prononcé, qui laisse encore plus de trous blancs dans l'ombrage Ce type de papier est idéal pour le dessin expressif et texturé, mais il peut être plus difficile travailler avec un réalisme très détaillé. Le bon papier dépendra donc du style de dessin que vous souhaitez obtenir. Dans ce carnet de croquis, par exemple, le papier est légèrement plus lisse Cela signifie que lorsque je travaille avec mon crayon, les marques apparaissent moins prononcées que sur le papier précédent. Si je zoome, vous pouvez voir qu'il y a moins de trous visibles dans l'ombrage Cela est dû au fait que la texture est plus fumée et qu'il n'y a pas beaucoup de petites crevasses où le graphite saute sur Il existe donc également des papiers ultra lisses comme le papier Bristol, dont je n'ai quasiment aucune texture. Personnellement, j' aime beaucoup ce papier car il permet d'obtenir une surface très lisse, ce qui permet d' obtenir plus facilement des ombres réalistes et des détails fins Cependant, le choix du papier est entièrement personnel et dépend de ce qui vous convient le mieux et de ce qui convient à votre style de dessin. Ainsi, en expérimentant différentes textures vous pourrez trouver celle qui convient le mieux à votre technique Bien entendu, vous aurez également besoin de crayons, et il en existe de nombreuses de différentes marques, chacune offrant de grandes qualités Personnellement, je préfère le crayon Fiber Castle et surtout le crayon graphite mat. Et il est très important de souligner cet aspect mat, car la finition mate fait vraiment la différence, car plupart des crayons graphite ordinaires ont tendance à produire des reflets lorsqu'ils appliquent de fortes pressions ou créent des zones très sombres Cela est dû au fait que le graphite possède un éclat naturel qui peut donner certaines parties d'un dessin un aspect brillant en fonction de l'angle de lumière. Cependant, un crayon graphite fabriqué élimine complètement ce problème. Cela change la donne car cela améliore l'aspect général du dessin en conservant un ton encore plus profond. Par exemple, si j'appuie fort avec un crayon graphite ordinaire, les zones les plus sombres capteront la lumière et produiront des reflets indésirables. Il se peut que vous ne le remarquiez pas toujours devant la caméra. Mais en personne, cette réflexion peut être distrayante et ne pas être quelque chose que nous voulons vraiment Avec un crayon graphite fou, il n'y a pas de reflets et la couleur reste uniforme quel que soit l'éclairage. De plus, les crayons graphite ont tendance à apparaître plus près du noir que du gris, ce qui est un avantage considérable lorsque vous travaillez sur des dessins en noir et blanc. Cela permet d'obtenir un contraste plus riche et plus profond, ce qui rend l' œuvre d'art encore plus remarquable. Maintenant, nous pouvons nous demander pourquoi avoir autant de crayons ? Ici, j'avais acheté deux sets, l'un contenant six crayons et l'autre 11. Ils sont organisés de cette façon pour que le crayon reste bien rangé. La question est donc de savoir pourquoi avoir autant de crayons ? Tout simplement, les crayons que nous utilisons n'ont pas tous la même teinte ou la même luminosité Certains sont plus foncés tandis que d'autres sont plus clairs, ce qui permet une plus grande gamme d' ombres et de contrastes dans le dessin que nous réalisons Pour mesurer l'obscurité, nous pouvons utiliser une échelle de valeurs que nous créerons ultérieurement. Le crayon standard est le HB. Plus le chiffre B est élevé, plus le crayon est foncé. Par exemple, 14 B est le plus foncé de ma série, et plus le chiffre H est élevé, plus le crayon est clair Personnellement, je n'en utilise que deux mais il y en a aussi 46 à dix qui produisent des marques très légères. C'est pourquoi il est utile d' avoir plusieurs crayons, ce qui vous permet de créer une large gamme de gratons, du plus clair au plus foncé Quelques crayons, c'est bien, six c'est bien, mais idéalement, un ensemble de 11 permet d'obtenir une plus grande variété, ce qui permet d'obtenir plus facilement des dégradés lisses et des ombres précises En haut de chaque crayon, vous trouverez son excellent rapport qualité/prix. Par exemple, celui-ci est étiqueté quatre B, que vous pouvez voir en haut. Pour les identifier plus facilement lors du dessin, j'ai également ajouté de petites étiquettes. Cela m'aide à trouver rapidement le bon crayon, et cela vous permet également de voir plus facilement lequel je vais utiliser pendant le cours. Un petit mot à propos de deux crayons H. Vous ne les trouverez pas dans les ensembles en graphite mat car ils sont si légers qu'ils ne se stabilisent pas. Les deux crayons H peuvent être achetés séparément. Ensuite, il y a aussi ce type de crayon mécanique, qui est plutôt sympa. Il est doté de fils rétractables qui peuvent être ajoutés ou retirés selon les Ce type de crayon est idéal pour le dessin initial, en particulier pour le tracé et l'esquisse Cependant, ce n'est pas un outil essentiel, mais il vaut peut-être la peine de l'essayer pour voir s'il convient à votre style de dessin. En fin de compte, c'est à vous de décider si vous le trouvez utile. Les gommes à effacer sont également des outils incroyablement utiles, et il en existe deux types principaux qui sont particulièrement utiles pour dessiner La gomme standard, c'est la gomme classique que la plupart des gens utilisent, idéale pour la correction générale lors de l'effacement de grandes La gomme nécessaire est un outil formidable pour les artistes car elle peut être moulée dans différentes formes permettant des ajustements précis, et elle présente plusieurs avantages Tout d'abord, il ne laisse aucune marque ni résidu lors de l'effacement, puis il peut éclaircir traits de crayon au lieu de les effacer complètement, ce qui est utile pour créer Par exemple, comme vous pouvez le voir ici, lorsque j'efface, il ne reste aucune trace ni trace. Comme mentionné précédemment, un autre grand avantage de cette gomme est que vous pouvez la façonner besoins pour travailler avec précision et éclaircir les marques de graphite sans les effacer complètement Par exemple, en tapotant doucement ou en effaçant légèrement, je ne peux retirer qu'une petite quantité de graphite, ce qui rend la zone légèrement plus claire au lieu de l'effacer complètement Cette technique peut être utilisée de différentes manières , et au cours du cours, nous verrons comment éclaircir certaines zones avec cette gomme Et bien sûr, il y a la gomme traditionnelle, mais je ne pense pas avoir besoin d' expliquer comment elle fonctionne Une autre gomme que j'utiliserai est une gomme traditionnelle, mais sous la forme d' une gomme à effacer à stylet Ces outils permettent un effacement précis, ce qui le rend idéal pour les corrections détaillées et les surlignages Ce stylo, je ne l'utilise pas uniquement pour supprimer des erreurs ou des zones sombres. Je l'utilise également pour créer des surlignages. Au lieu de simplement effacer parce que je ne suis pas satisfait, je supprime intentionnellement le graphisme pour mettre en valeur certaines zones claires de mon pour mettre en valeur certaines zones claires Une autre gomme que j'utilise est la gomme électrique. Certains peuvent le voir comme un gadget, mais en réalité, il est extrêmement utile. Comme le stylo effaçable, il permet un effacement précis, mais ce qui le rend spécial, c'est sa puissance et son efficacité Il est particulièrement utile pour supprimer les zones très sombres, qui sont généralement difficiles à effacer. Lorsque vous appliquez un ombrage intense avec un crayon 14 B, par exemple, les gommes ordinaires peuvent avoir du mal à soulever le graphite Cependant, avec la gomme électrique, elle est suffisamment résistante pour éliminer efficacement ces marques profondes Il est idéal pour les corrections dans les zones sombres, ce qui permet de corriger les erreurs ou d'affiner les détails plus facilement. Pour moi, cet outil est essentiel lorsque vous travaillez avec un ombrage intense, car il permet un effacement plus rapide, plus net et plus précis Un autre outil dont nous aurons besoin, surtout si nous voulons travailler sur des techniques de propulsion en utilisant la méthode de la grille ou la technique de la perspective, est le maître d'œuvre. Et plus le format sur lequel nous travaillons est grand, plus la règle doit être longue, bien entendu. Un autre outil très utile que nous utiliserons beaucoup est le mélange de produits. Ils sont disponibles en différentes tailles des pointes fines aux plus grandes, et ils aident à adoucir traits de crayon et à les rendre moins visibles. Parfois, nous avons besoin d'utiliser cette technique, parfois non, mais ce sera un outil très pratique à cette fin, comme nous le verrons en travaillant sur l'ombrage au cours de la leçon de ce cours les autres outils qui peuvent être utilisés pour mélange, citons les pinceaux plats, comme celui que je vous montre, qui nous permet de mélanger de grandes surfaces Nous pouvons également utiliser des mouchoirs, coupés sur des tampons, et nous les explorerons plus tard Un autre outil dont nous aurons besoin est le taille-crayon. existe de toutes sortes, y compris des aiguiseurs standard comme ceux-ci Personnellement, j'ai choisi de passer à un aiguiseur électrique. Certains pourraient penser que ce n'est qu'un gadget, mais ce n'est pas du tout le cas. J'en avais vraiment marre que les fils de crayon se cassent ou que je ne parvenais pas à les aiguiser parfaitement avec un taille-crayon ordinaire Avec ce taille-crayon électrique, chaque fois que j'insère mon crayon en quelques secondes, il devient parfaitement tranchant et long, le fil se casse à la moindre utilisation J'ai donc fait ce choix, et je ne le regrette vraiment pas. Je le recommande vivement car il vous donne des pointes de crayon impeccables Un autre outil qui peut être très utile est celui-ci. Cela nous permet de continuer à utiliser notre crayon même lorsqu' il devient très court. C'est dommage de jeter un crayon alors qu'il en reste encore un peu, mais il peut être assez difficile d'utiliser des crayons très courts Avec cet outil, nous pouvons continuer à utiliser nos crayons même s'ils sont extrêmement petits. Un dernier outil qui peut être intéressant, même s'il n'est pas indispensable, est une sorte de papier abrasif qui nous permet d' aiguiser notre moignon à mélanger et de le recycler une fois qu'il est Par exemple, j'ai ce moignon à mélanger qui a beaucoup de noir sur son extrémité parce que je l'ai utilisé pour mélanger de nombreux éléments En frottant le moignon contre cet outil, je peux progressivement éliminer les résidus foncés Vous pouvez déjà constater une légère différence, même s'il faudrait que je continue un peu plus longtemps pour obtenir un effet complet. Et pour cela, mon moignon à mélanger est devenu beaucoup plus léger Cela permet donc de réinitialiser le moignon de mélange afin qu'il puisse être Je vous ai donc montré pas mal d'outils. Je pense que les plus essentiels restent le crayon et le papier, un ensemble de six crayons, un petit carnet de croquis, et avec cela, quelques souches à mélanger et une gomme, ce qui signifie une gomme ordinaire et une gomme à effacer nécessaire et, signifie une gomme ordinaire et une gomme à effacer nécessaire et éventuellement, un stylo à effacer un Je pense que tout cela est suffisant pour démarrer. Il n'est pas nécessaire d'acheter tous les matériaux que j'ai suggérés. Et avec ce kit de base, qui devrait coûter environ 30 euros, vous disposez d'une configuration idéale pour les débutants. Cependant, au fur et à mesure que vous vous entraînez , que vous progressez et que vous dessinez très fréquemment, les autres outils que j' ai mentionnés, tels que le taille-crayon électrique, la gomme électrique ou le papier abrasif pour affiner votre moignon à mélanger, ou le papier abrasif pour affiner votre moignon à mélanger Et pour environ 50 euros, vous pouvez obtenir un kit entièrement professionnel pour obtenir des résultats encore meilleurs avec vos dessins. 3. Comment dessiner de meilleurs lignes et traits.: Bienvenue dans ce module dédié aux lignes. Les lignes ne sont que l'un des éléments fondamentaux du dessin. C'est une étape essentielle pour progresser lors du dessin. La maîtrise du travail en ligne vous aidera à créer des dessins solides et précis Ce module vous aidera à prendre de bons abdos et éviter de prendre de mauvais abdos qui ralentiront votre progression lors du dessin. Nous verrons donc comment tenir votre crayon pour obtenir un trait plus lisse et précis, et nous ferons quelques exercices de base pour bien maîtriser les traits. exercices que je vais vous montrer sembler un peu faciles, un peu répétitifs, mais ils sont très importants pour progresser. Passons maintenant au travail et voyons comment y faire face. Avant de commencer à tracer des lignes, voyons d'abord comment nous pouvons tenir le crayon. Il existe plusieurs poignées. L'essentiel est de trouver une position dans laquelle vous vous sentez à l'aise. Vous ne devez pas vous forcer à utiliser une poignée qui ne vous convient ou qui ne vous convient pas pour dessiner certains éléments. La première prise est classique, comme lorsque vous écrivez avec un stylo, le crayon maintenu entre l' index et le pouce. Je peux m'en servir pour tracer des lignes, et ce grip me permet d' avoir un certain niveau de précision. Ce qui le rend très agréable, c'est qu'avec lui, je dessine des lignes courtes ou longues, je peux les dessiner avec assez de précision. C'est donc la première poignée que vous pouvez utiliser. Mais il y en a d'autres. Il y en a un qui est particulièrement apprécié par de nombreux artistes. C'est ce qu'on appelle le overhand grip, comme vous pouvez le voir ici. Le crayon est également tenu avec le pouce et l'index, mais d'une manière différente. Il repose également sur mon poignet. Cette poignée est également très utile pour dessiner des éléments longs, car elle apporte une certaine fluidité au trait Personnellement, ce n'est pas un grip que j'utilise la plupart du temps. Parfois, j' utilise la poignée Hohand, mais pas nécessairement tout le temps. Lorsque je travaille sur les contours, je peux même tenir mon crayon comme ça, comme un stylo. En fait, cela dépend vraiment de la situation. La poignée que je choisis est tout simplement celle avec laquelle je me sens le plus à l'aise en ce moment. Parfois, lorsque je veux ombrer certaines zones, que je fais quelques coups de crayon et que je travaille avec le côté de la mine, je tiens le crayon de cette façon, peu comme sur la poignée et très près du papier Je peux donc vraiment utiliser le côté de la pointe de manière efficace. Ce qui est vraiment important, c' rappeler que vous devez choisir la poignée qui vous semble la plus naturelle et celle qui convient le mieux à la situation. Parfois, j'utilise le crayon comme un stylo, et d'autres fois je retouche différemment. À chaque fois, je m'adapte en fonction de ce que je pense être le mieux adapté pour dessiner l'élément à portée de main. Donc, à travers les exercices suivants , vous pratiquerez différents traits de ligne. Et dans le module suivant également, lorsque nous travaillerons sur les formes, je vous recommande de vous entraîner à dessiner des lignes et des formes à l'aide des différentes poignées Cela signifie la poignée du stylo, qui est celle que nous utilisons le plus souvent, mais aussi la poignée en surplomb, cette façon de tenir le crayon avec le support du poignet, qui vous donne une certaine fluidité qui peut parfois être vraiment très utile De cette façon, vous pouvez essayer les deux et voir lequel vous préférez le plus. Cela explique donc comment tenir le crayon. Maintenant que nous apprenons à utiliser nos outils, voyons également comment utiliser correctement la gomme. Dans la première partie de la leçon, lorsque nous avons passé en revue le matériel, j'ai mentionné qu'il existe deux principaux types de gomme, la gomme normale et la gomme nécessaire, ce qui est excellent car elle ne laisse aucun C'est très utile car parfois, lorsqu' une gomme laisse de petites miettes sur le papier, l' ombrage peut créer marques indésirables qui ruinent Avec la gomme nécessaire, je peux l'effacer très facilement et la déplacer en arrière sans aucun problème Cependant, avec une gomme ordinaire, il existe une erreur courante que presque tout le monde commet en effaçant dans les deux sens À l'école, on nous apprend à effacer en frottant d'avant en arrière Mais le problème avec cette technique, c'est qu'elle augmente le risque de froisser le papier et d'endommager le dessin Ce serait dommage de ruiner votre travail de cette façon. La solution est très simple. Effacez dans un seul sens. Que ce soit vers le haut, le bas, gauche ou la droite, l'essentiel est d'éviter les allers-retours. Il suffit de faire un seul passage dans une direction. Et en travaillant de cette façon, je réduis considérablement les risques de froisser mon papier Et en attendant, mon porte-monnaie aide en maintenant le drap en place pour que tout reste stable Quant à l'utilisation du stylo rasoir, c'est très simple. Je l'utilise comme un crayon, comme si je dessinais de petits traits avec. Cela me permet de définir les plans et les surlignages de manière plus précise dans mon dessin. Pour commencer à travailler en ligne, le premier conseil que je vais vous donner est très basique mais extrêmement important. Ayez toujours un crayon bien aiguisé. Sur la droite, j'ai un crayon bien aiguisé, tandis que sur la gauche, la pointe est légèrement terne La différence de résultats est perceptible. Par exemple, lorsque je trace une ligne avec le crayon bien aiguisé, je n'ai aucune difficulté Cependant, avec une ligne terne, les lignes risquent de ne pas être aussi nettes et peuvent même parfois être un peu inégales. Selon la partie du crayon que j'utilise, pointe émoussée peut glisser sur le papier, ce qui rend le trait un peu rugueux et imprécis C'est pourquoi il est essentiel de toujours garder votre crayon aiguisé Prenez le temps de le faire régulièrement. Ensuite, voici un autre conseil que je vous donne pour la première fois, mais que je vais répéter d'innombrables fois. Touchez très légèrement toutes les lignes que vous tracez tout au long de votre croquis. Les lignes sur lesquelles nous travaillons actuellement et celles que vous allez dessiner tout au long du cours sont destinées à être effacées Les premières lignes d'un dessin sont là pour établir un contour approximatif, un peu comme les lignes de construction. Au début, vos lignes ne seront pas très précises, et c'est tout à fait normal au fur et à mesure que vous affinez votre esquisse, vous atteindrez progressivement un contour final qui sera beaucoup plus précis. C'est pourquoi vos lignes initiales doivent être dessinées très légèrement afin de pouvoir être facilement effacées ultérieurement Les lignes que nous utilisons dans nos dessins se présentent sous toutes leurs formes. Nous avons des lignes verticales, des lignes horizontales et des lignes obliques. Nous avons également des lignes courbes qui peuvent se courber dans différentes directions comme celle-ci. Il existe de nombreuses variantes possibles des lignes de courbe. De plus, nous pouvons trouver des lignes brisées avec des changements de direction à plusieurs reprises. Et puis il y a des spirales ou des lignes en spirale. Et enfin, nous avons des lignes profilées. Ce sont les principaux types de lignes nous rencontrons dans nos dessins, bien que les plus courants soient généralement des lignes courbes, verticales, horizontales et obliques. Lorsque vous tracez ces lignes, n'est pas nécessaire qu'elles soient parfaites. Sinon, j'utiliserai un outil pour cela, mon dirigeant. Ce n'est donc pas grave si vos lignes ne sont pas parfaitement droites, car en fin de compte, ce sont que des lignes directrices. Et n'oubliez pas que nous dessinons. Nous ne créons pas une construction mathématique ou diométrique Donc, si vos lignes ne sont pas parfaites, ce n'est pas du tout un problème Détendez-vous. Le ghosting est une technique qui nous aidera à créer les meilleures lignes possibles Cela signifie qu'il faut faire semblant de tracer la ligne avant de la tracer Par exemple, si je veux tracer une ligne oblique, j'imite d'abord le mouvement au-dessus du papier sans le toucher Et une fois que je me sens prête, après avoir répété le mouvement plusieurs fois, je peux tracer les lignes en toute confiance Je l'ai démontré avec une ligne oblique, mais la même technique fonctionne également pour les lignes horizontales, verticales ou courbes. En utilisant cette méthode, mes lignes seront beaucoup plus fluides et mieux contrôlées. Donc, comme je le disais, je peux appliquer cette technique dans différentes directions, et à chaque fois je me sentirai plus à l' aise, ce qui me permettra de tracer la meilleure ligne possible. Remarque importante que j'ai oublié de mentionner tout à l'heure, je travaille sur une feuille de papier gratuite car elle me permet de m'entraîner à dessiner des lignes plus longues de manière plus efficace. Un arbre mesure 42 centimètres sur 30. De plus, il n'est pas nécessaire d'utiliser du papier à dessin spécial pour cet exercice. Le papier à dessin a tendance à être plus cher que le papier ordinaire, et comme nous ne faisons que nous entraîner à tracer des lignes, il n'y a aucune raison d'y dépenser de l'argent supplémentaire. Le papier ordinaire fera très bien l'affaire à cette fin. Il y a quelques mauvaises habitudes à éviter lorsque vous tracez des lignes. Par exemple, lorsque vous tracez une ligne, il est préférable de le faire en un seul mouvement continu plutôt que de diviser en petits traits déconnectés. Lorsque l'on utilise une approche segmentée et agitée, on a tendance à appuyer plus fort dans certaines zones et plus légèrement dans d' autres Et si ces lignes restent visibles sur le dessin final, elles peuvent donner l' impression que l' artiste manque de confiance en lui. Donc, dans la mesure du possible, essayez de tracer des lignes longues et lisses en un seul mouvement. Vous pouvez animer le mouvement à l'avance pour vous préparer. Si nécessaire, vous pouvez également parcourir la ligne plusieurs fois pour l'affiner, ce qui peut vous aider à choisir la meilleure ligne pour rester claire avec vos coups de crayon. Idéalement, que vous dessiniez une ligne droite ou un cercle, essayez de le faire en un seul trait continu grâce à la technique des images fantômes Cependant, vous pouvez le décomposer en plusieurs chemins si nécessaire. Avec de la pratique, vous vous entraînerez à rendre vos lignes plus fluides, plus sûres et plus précises. Ce qui peut nous aider à tracer la meilleure ligne possible, c'est, comme je l'ai mentionné, de visualiser le mouvement avant de le dessiner Mais un autre facteur clé est trouver la bonne vitesse de dessin. Parfois, dessiner plus lentement peut être plus efficace pour vous. D'autres fois, dessiner rapidement peut permettre d'obtenir une ligne lisse. Si ne jamais s'approcher vous convient, pourquoi ne pas essayer de trouver une vitesse équilibrée, quelque chose de modérément rapide ? Et en expérimentant différentes vitesses et en les combinant avec les techniques de ghosting, vous trouverez probablement le meilleur moyen créer des lignes fluides et sûres qui vous conviennent Voilà donc une autre astuce qui peut vous être utile pour tracer les meilleures lignes possibles. Parfois, la vitesse à laquelle vous tracez une ligne est déterminée par la ligne elle-même. Par exemple, si je trace une ligne très irrégulière comportant de nombreux virages et virages, je dois ajuster mon rythme et aller plus lentement pour garder le contrôle. Dans certains cas, il est essentiel d' adapter votre vitesse en fonction de la complexité de la ligne. Vous devez observer ce que vous dessinez et l'ajuster en fonction de la vitesse. Une autre astuce simple mais efficace pour faciliter le dessin des lignes consiste à faire pivoter le papier. Jusqu'à présent, vous m'avez vue tracer des lignes dans une seule direction, mais parfois, le simple fait de tourner le papier rend les choses beaucoup plus faciles. Selon l'endroit où je dois tracer la ligne, certains angles peuvent être plus difficiles pour moi en tant que gaucher, et il en va de même pour les droitiers. Certains angles peuvent naturellement sembler plus difficiles, mais en faisant pivoter le papier, je peux ajuster l'angle et tracer la ligne plus confortablement. Le simple fait de tourner le papier peut faire toute la différence, alors pourquoi ne pas en profiter ? Simplifiez-vous les choses le plus possible. Une dernière chose à propos des files d'attente avant de commencer à nous entraîner. Nous pouvons également contrôler l' obscurité en fonction pression que nous appliquons avec le crayon. En ajustant la pression avec votre crayon, nous pouvons rendre les lignes très claires, légèrement plus foncées ou extrêmement sombres et audacieuses. Cependant, lorsque nous travaillons sur des lignes de base, nous nous concentrons généralement sur le contour et le contour doit généralement être léger Pour le moment, nous nous efforcerons de garder nos lignes douces et délicates. Plus tard, lorsque nous explorerons les échelles de valeur, nous verrons pourquoi il est également bénéfique de rester en ligne léger pour une autre raison. Un autre paramètre que nous pouvons contrôler est l' épaisseur de nos lignes. Si j'utilise la pointe de mon crayon, j'obtiens des lignes fines et précises, condition que mon crayon soit bien aiguisé Si j'incline mon crayon et que j' utilise le côté du couvercle, le trait deviendra de plus en plus épais. Nous pouvons donc également jouer avec l'épaisseur du trait pour créer différents effets dans notre dessin. Passons maintenant à l' entraînement avec ces lignes. Entraînons-nous maintenant à tracer ces lignes. Je sais que cela peut sembler fastidieux et vous pensez peut-être que je me suis inscrite à un cours de dessin pour apprendre à dessiner, pas seulement pour m'entraîner au trait Allez, mais croyez-moi, est essentiel d' établir des fondamentaux solides avant d'aller de l'avant. Prenez donc votre temps et ne sautez pas cette étape. Je vais donc commencer par tracer des lignes horizontales. Et comme nous en avons discuté plus tôt, je peux d'abord faire le mouvement, imitant la ligne avant de la dessiner Et une fois que je me sens prête, une fois que je sais que mes mouvements sont contrôlés et précis, j'appuie le crayon sur le papier et je trace la ligne. Entraînez-vous également à tracer des lignes dans les deux sens, de gauche à droite, puis de droite à gauche pour développer un meilleur contrôle. Une fois que vous avez tracé un grand nombre de lignes horizontales, vous pouvez passer aux lignes verticales, et le processus est le même. Fait d'abord le mouvement pour avoir une idée du mouvement. Une fois que vous vous sentez en confiance et en contrôle, appuyez le crayon sur le papier et tracez la ligne. Pour un entraînement complet, assurez-vous de dessiner de haut en bas, puis de bas en haut également. Pour chaque type de trait que vous pratiquez, essayez d'en dessiner au moins 50 pour remplir une feuille entière, voire deux. Et plus vous vous entraînez, meilleur sera votre contrôle. Commencez par des lignes horizontales et tracez un grand nombre pour renforcer la confiance. Et puis une fois que c'est fait, vous pouvez passer aux lignes verticales suivant le même processus. Une fois que vous êtes à l'aise avec cela, pratiquez des lignes obliques de haut en bas, de bas en haut. Et ensuite, entraînez-vous avec des lignes courbes. Dessinez-les d'abord dans un sens, puis inversez-les et dessinez-les dans le sens opposé. Et en répétant cette opération des dizaines et des dizaines de fois, le processus deviendra beaucoup plus facile et le contrôle de votre ligne s' améliorera considérablement. Ici, nous pratiquons les lignes longues car si vous pouvez maîtriser le dessin de longues lignes en douceur, les lignes courtes deviennent beaucoup plus faciles. Cependant, vous pouvez également pratiquer des lignes plus courtes pour expérimenter différents types de traits. Cela vous aide à développer une technique plus polyvalente et plus contrôlable. Quelques rappels pour vous entraîner au trait : faites des traits légers, car plus vos traits sont clairs, plus ils sont faciles à effacer et évitez d'appuyer trop fort, car cela complique l'effacement et vous pouvez laisser une empreinte le papier comme c'est le cas actuellement Ne fais pas ça non plus. Effacez correctement. N'oubliez pas que vous ne devez effacer que dans un seul sens pour éviter de froisser le papier Une fois que vous avez terminé vos premières lignes horizontales courbes verticales et obliques, un nouvel exercice vous attend. Cette fois, cela va être un peu plus difficile et demander plus de précision, car vous allez maintenant dessiner d'un point à un autre. Auparavant, nous dessinions des lignes librement sur la page sans nécessairement viser un point précis. Ce sera maintenant l'objectif. Lorsque je trace une ligne, j' essaie d'atteindre le point devant moi. Si je ne suis pas précis à 100 %, si le résultat n'est pas parfait, peu importe. Il ne s'agit que d'un exercice, et ces lignes servent de base au contrôle final ultérieur. Quand tu vas dessiner quelque chose de réel. Je veux dire, c'est le genre de ligne qui sert de base. Encore une fois, il n'est pas nécessaire de vous mettre de la pression , ni pour cet exercice ni pour un autre. Maintenant, je vais essayer de tracer ces limites, et si j'y arrive, tant mieux. Je peux faire de même avec les points ci-dessous. N'oubliez pas, si nécessaire, de la ligne avant de la tracer pour faciliter le processus. Si vous éprouvez des difficultés, voici ce que vous pouvez faire. Rapprochez les points. Une fois que vous avez réussi à les connecter, répétez l'exercice avec des points légèrement plus éloignés, puis continuez à augmenter la distance jusqu'à ce que vous atteigniez le bout de la feuille. Une fois la page remplie, je vous invite à faire le même exercice, mais cette fois avec des lignes verticales. Comme précédemment, placez les points à une certaine distance les uns des autres aux deux extrémités de la page, puis tracez des lignes les reliant. Et une fois que vous avez terminé la page entière, vous pouvez probablement deviner la suite. Vous allez répéter l'exercice, mais cette fois avec des lignes diagonales ou obliques, et ainsi de suite. De cette façon, vous deviendrez de plus en plus précis, améliorerez votre contrôle et serez de plus en plus à l'aise avec le dessin de différents types de lignes sur toute la page. L'exercice suivant est similaire au précédent où nous marquons différents points, mais cette fois, au lieu de tracer des lignes droites, nous avons utilisé des courbes pour créer des lignes de courbe précises. Encore une fois, essayez de tracer des courbes de différentes longueurs pour améliorer votre contrôle. Essayez différentes courbures, et parfois pourquoi ne pas ajouter deux courbes sur la même ligne Enfin, vous pouvez également pratiquer des lignes en forme de S. Commencez par dessiner des initiales, puis recommencez. N'hésitez pas à animer le mouvement à l'avance pour bien faire les choses. Une fois que vous avez dessiné un S, essayez d'en faire un plus grand et un plus petit. Et à chaque fois, reprenez la même forme en S pour voir si vous pouvez maintenir la précision tout en affinant soigneusement la ligne. Enfin, dans le dernier exercice, ces lignes consisteront à dessiner le chiffre huit ou le symbole de l'infini et à les parcourir plusieurs fois. Essayez de les fabriquer en différentes tailles pour améliorer votre contrôle. Et vous pouvez également vous entraîner à les dessiner verticalement, en gardant un mouvement cardiaque détendu pour que les lignes restent lisses et. Et c'est à peu près tout pour l' exercice avec la ligne. Vous en avez maintenant plusieurs sur lesquels travailler. Comme je l'ai mentionné plus tôt, essayez d'en dessiner une cinquantaine de chaque type pour développer un contrôle et une confiance accrus dans vos lignes. Je sais que ce n'est pas la partie la plus excitante du dessin, et ce n'est probablement pas ce que vous aviez en tête lorsque vous avez commencé, mais il est vraiment essentiel de construire une base solide avec ces lignes. Félicitations donc pour avoir terminé ce travail en bonne et due forme. Maintenant, ce que je vous encourage vraiment à faire, c'est de faire les exercices que je vous ai montrés au cours de cette vidéo. Prenez le temps de remplir plusieurs pages avec des courbes, lignes droites, des lignes croisées, et vous verrez que vous progresserez avec vos lignes. Vous gagnerez en fluidité, et vos lignes seront plus précises, plus précises avec votre dessin Et pour relever le défi suivant, essayez de tracer les limites que vous voyez dans votre vie de tous les jours. Par exemple, les lignes à haute tension, les lignes des bâtiments qui vous entourent, même l'ombre projetée par différents objets, constituent un excellent entraînement pour maîtriser correctement les lignes Et pour aller encore plus loin, choisissez un objet ordinaire comme votre canapé, une chaise ou une banane et essayez de dessiner le contour de cet objet pendant un laps de temps limité, par exemple de 30 secondes à une minute, et essayez de dessiner le contour, mais ne visez pas la précision. Travaillez simplement comme ça avec des objets du quotidien, et vous verrez que vous ferez des progrès dans votre vie quotidienne. Vous n'avez pas besoin de créer quelque chose d'ultra réaliste avec les bonnes proportions, avec les ombres, etc. Nous traiterons de cela plus tard. Mais le simple fait de travailler comme ça vous aidera à faire de beaux progrès dans votre vie. 4. Utiliser des formes simples pour dessiner n'importe quoi anything: Bienvenue dans ce module sur le formulaire. Dans ce chapitre, nous allons voir comment simplifier le monde qui nous entoure en lui donnant des formes de base. C'est une méthode essentielle pour démarrer en douceur sans se sentir dépassé par la complexité des objets qui nous entourent. Ces principes fondamentaux sont vraiment essentiels avant passer à des formulaires plus complexes et à des dessins plus complexes. Simplifier les objets pour leur donner des formes de base comme celles que nous allons voir nous aidera à obtenir de meilleures bases, et il vous sera plus facile mieux comprendre les proportions et la structure des objets que vous allez dessiner à l'avenir Prenez donc le temps d' appliquer cette méthode. Cela facilitera le reste de votre parcours de dessin et vous aidera à obtenir meilleures bases pour vos dessins. Commençons donc. Bienvenue dans ce troisième module consacré à la forme. Pourquoi consacrer du temps aux formes ? Parce que chaque objet que nous voyons dans la vie quotidienne, qu'il soit simple ou complexe, peut être décomposé en une forme de base. Dans ce module, nous nous concentrerons sur les formes bidimensionnelles, c'est-à-dire les formes qui ont une longueur et largeur ou une hauteur et une largeur. Passons en revue la liste des formes géométriques qui nous aideront à dessiner n'importe quel objet plus facilement. L'une des premières formes que nous avons est le carré. Le carré est une figure à quatre côtés dont tous les côtés ont la même longueur. Chaque fois que je dessine ces formes, j'essaie de faire de mon mieux, mais encore une fois, il ne s'agit pas d'un cours de géométrie. Donc, si mes lignes ne sont pas parfaitement droites, peu importe. D'accord ? La deuxième forme que nous pouvons utiliser est donc le rectangle. Un rectangle possède deux côtés de jambe, une longueur et deux côtés d'une longueur différente. Je peux dessiner un rectangle horizontal là où il semble s'étirer, ou je peux le dessiner verticalement pour qu' il paraisse plus Ensuite, une autre forme géométrique est le triangle, qui est une forme de taille libre. Ensuite, nous pouvons créer une autre forme similaire à un triangle, mais cette fois, il s'agit de deux triangles assemblés, formant un losange ou également appelé diamant Ici, je trace une ligne médiane pour illustrer mon propos, mais normalement elle n'a pas cette ligne centrale. C'est juste pour les démonstrations. Une autre forme courante que nous voyons souvent est le trapèze. Un trapèze est similaire à un rectangle, mais les côtés supérieur et inférieur ne sont pas de la Cela signifie qu'il possède deux côtés non parallèles. Et c'est tout pour les formes polygonales, celles composées d'angles droits Ensuite, nous avons des formes qui ne sont pas faites de lignes droites, et l'une d'elles est le cercle. Tout comme je l'ai fait avec le carré et le rectangle, je peux d'abord simuler le mouvement, imitant la forme du cercle dans les airs Une fois que je me sentirai prête et que j'aurai mémorisé le mouvement dans ma mémoire musculaire, je le dessinerai Le premier n'est pas génial, alors je vais en faire un autre à côté, encore une fois, en utilisant la technique du ghosting Celui-ci est un peu mieux. Mais n'oubliez pas que ce ne sont que des formes de base qui nous aident à jeter les bases de notre dessin. Ils ne constituent pas les contours définitifs de l'œuvre d'art. Ils font partie de la structure préliminaire qui aboutit au schéma final. Je m'en fous si mon cercle n'est pas parfait. Si j'avais voulu un cercle parfait, j'aurais utilisé le compas. Une autre forme arrondie que nous pouvons utiliser et qui sera très utile pour dessiner est l'ovale, que je peux dessiner en position verticale ou dans n'importe quelle direction. Toutes les formes que j'ai dessinées ici sont affichées dans leur orientation standard, mais elles peuvent être pivotées, inclinées ou positionnées de n'importe quelle manière pour répondre à nos besoins lorsque nous J'ai commencé par dessiner des formes parfaites, le rectangle carré, le cercle, etc., mais nous pouvons également créer des formes imparfaites en combinant différentes formes Par exemple, je peux tracer deux lignes comme si je faisais un triangle. Mais au lieu de le fermer par une ligne droite, je peux utiliser une ligne courbe. Je mélange donc ici un cercle avec un triangle créer une nouvelle forme utile. De même, je peux commencer à dessiner un rectangle, mais cette fois, je fais en sorte qu'un côté soit plus long que l'autre. De cette façon, je crée une forme qui n'est pas un losange, un rectangle ou un carré, mais une forme unique qui peut être utile pour dessiner certains objets. L'essentiel est de créer la forme qui nous aide le mieux à identifier et à construire l'objet que nous voulons. Le secret pour maîtriser ces formes, c'est qu' il n'y a pas de secret La clé est simplement la pratique. Toutes ces formes que j' ai montrées doivent être dessinées et répétées 50 ou même 100 fois. Il est encore mieux chaque forme géométrique développe une base solide. Essayez de les dessiner dans différentes orientations et tailles. Pour renforcer la flexibilité. Chaque fois que vous vous entraînez, vous pouvez commencer par accélérer le mouvement pour vous faciliter la tâche, et au fil du temps, vous n'aurez même plus besoin de le faire, j'en suis sûr De plus, ne vous mettez pas de pression. Peu importe si vos formes ne sont pas parfaites. Si l'objectif était la perfection, vous utiliseriez des outils de géométrie. La pratique de ces formes est cruciale car elles font partie des fondamentaux du dessin. Beaucoup de débutants pensent que ce sont les détails qui donnent à un dessin un aspect réaliste. Bien que les détails jouent un rôle important, vous ne pouvez pas avoir de détails sans une base solide. Et une base solide commence par de bonnes proportions, et nous commençons à travailler sur les proportions en dessinant des formes précises. Une fois que vous maîtriserez vos formes, vous développerez naturellement un meilleur sens des proportions qui vous permettra d'obtenir un dessin plus réaliste. Comme le dit le proverbe, avant d'apprendre à courir, il faut d'abord apprendre à marcher. Et dans ce cas, toute marche implique développer des formes fondamentales fortes. La même pratique avec des haies droites peut également être appliquée aux cercles Essayez de les dessiner de différentes tailles et entraînez-vous des dizaines, voire des centaines de fois, pour développer votre capacité à dessiner des cercles presque parfaits à main levée L'objectif est de familiariser avec ces formes au point de pouvoir les esquisser rapidement et avec précision lorsque vous dessinez. incorporant à plusieurs reprises ces formes géométriques dans mes dessins, c'est presque devenu une seconde nature pour moi. Maintenant, je peux facilement dessiner un cercle à main levée, même s'il n'est pas parfait, cela me permet d'établir des bases solides pour mes dessins en toute confiance et surtout, très rapidement. Une fois que vous vous êtes habitué à dessiner ces formes et que vous les avez pratiquées des dizaines de fois, vous pouvez commencer à les combiner. Essayez de dessiner librement, en vous laissant guider par votre imagination. Tracez un rectangle, puis ajoutez un triangle, et peut-être un cercle sur le dessus. À partir de là, pourquoi ne pas ajouter un trapèze ou un autre rectangle dans une Même si ces combinaisons de formes ne ressemblent à rien de spécifique, la pratique consistant à les combiner entraînera votre cerveau à voir et à construire des formes facilement, plus facilement. Plus tard, lorsque vous aurez besoin de dessiner de vrais objets, cette habitude rendra le processus beaucoup plus intuitif. 5. How to analyze subjects into basic shapes: Voici ce que nous allons faire maintenant. Je vais vous montrer une série de sujets. Nous allons en examiner cinq. L'objectif est de les observer attentivement et de vous demander quelle forme simple vous voyez chez ces sujets, et dans quelle forme simple vous pourriez décomposer chaque élément du sujet. L'idée est de le faire dans un délai défini. Je vais vous donner 20 secondes. Si vous voulez y consacrer un peu plus de temps, c'est très bien. Il suffit de faire une pause. Mais essayez de réfléchir et dites-vous rapidement, pour cet objet, je vois cette forme simple. Pour celui-ci, je choisirais cette forme simple. Effectuez cette analyse mentale pour identifier des formes simples. Alors, d'accord, commençons par le premier sujet. Donc, si je devais décomposer la vie en acier en formes simples, je commencerais par les biscuits. Je les verrais comme des ovales empilés. Pour ces quatre biscuits, la forme semble être une bonne base. Il en va de même pour les cookies sur le côté. Un ovale fonctionne bien et il en va de même pour celui du dessous. Pour le verre, je pourrais imaginer la partie supérieure comme un rectangle aux bords arrondis, à la fois en haut et en bas. La partie supérieure aiderait à former un ovale pour fermer le rectangle. La partie inférieure comporterait également des rectangles aux bords légèrement incurvés pour créer cette forme de verre Si je les analysais en trois dimensions, je dirais que la partie supérieure est constituée d'un cylindre, mais comme nous nous concentrons sur deux D, cela serait largement suffisant. Pour le flacon, je peux imaginer un grand rectangle pour la partie supérieure et un petit trapèze pour la Je vois également un autre trapèze allongé sur la partie supérieure avant d'ajouter un mince rectangle tout en haut et enfin, un ovale pour fermer le bouchon du flacon Pour le faisceau de cordes, c'est un peu délicat, mais je vois une forme géométrique un peu complexe qui ressemble à un trapèze Pour le livre et son dos, je vois un très long rectangle pour définir sa forme. Enfin, pour ce qui est du petit détail sous-jacent, un roman contenant tout semble être une bonne façon de commencer à terminer. C'est ainsi que je décomposerais ce sujet, même si d'autres approches peuvent tout aussi bien fonctionner à condition de pouvoir le recréer fidèlement Passons maintenant à un nouveau sujet, un canard cette fois. Et encore une fois, je vais vous donner 20 secondes pour essayer de le décomposer en formes simples. Donc pour ce canard, je vais commencer par un grand ovale pour son corps. Alors pour commencer le cou, pourquoi ne pas utiliser un triangle , que je peux fermer en le reliant à l'ovale. Ensuite, pour le cou lui-même, j'utiliserais un long rectangle avant de passer au bec, qui a une forme assez évidente, un triangle Pour la tête, je peux l'esquisser en utilisant une sorte d'ovale ou de cercle. Enfin, je termine la section suivante avec un triangle ovale. Comme vous pouvez le constater, le processus est assez simple et rapide, et à partir de cette base, je peux affiner la ferveur du dessin Passons maintenant au nouveau sujet. Si vous deviez vous concentrer sur le dessin de l'arbre et de l'homme debout devant lui, quelles formes utiliserez-vous pour les décomposer ? Commençons par les formes qui constitueront l'homme. Pour la tête, un cercle fonctionne bien avec un petit rectangle pour le cou. Un long rectangle aidera à définir son torse. Pour les bras, je peux les diviser en deux rectangles chacun, car au niveau de l'articulation du coude, ils se plient et prennent une forme distincte Il en va de même pour la jambe, qui est légèrement courbée. Il a également besoin de deux rectangles pour représenter sa structure. Nous allons maintenant travailler avec l'arbre. Le tronc peut être représenté par un petit rectangle. Le feuillage pourrait être dessiné à l'aide d'un cercle, mais ce serait trop imprécis Au lieu de cela, je peux le décomposer davantage. D'un côté, je vois un rectangle déformé sur la droite. Alors que de l'autre côté, je remarque en haut un trapèze et une autre forme géométrique en bas Passons maintenant à un nouveau sujet, cette banane, un objet courant du quotidien. Quelles formes simples utiliseriez-vous pour le décomposer ? Cette banane n'est pas aussi simple qu'il y paraît, et c'est à cause de sa courbe. Nous pourrions commencer par un roman qui englobe toute la banane, y compris la partie supérieure, mais au final, cela ne serait pas très utile Il vaut donc mieux le décomposer en vol et en forme géométrique. Ce que je vois, c'est une série de trapèzes ou du moins de formes qui ressemblent à des trapèzes qui aident à simplifier la structure de trapèzes ou du moins de formes qui ressemblent à des trapèzes qui aident à simplifier la structure de la banane. En utilisant cette forme géométrique, il sera plus facile de la reproduire ultérieurement avant d' affiner ses contours précis, ses bords arrondis et ses courbes La peau de banane peut également être décomposée en rectangles et en trapèzes, ce qui la rend Et soudain, ce fruit devient beaucoup plus facile à dessiner car les volumes et courbes d'une banane le rendent plus complexe à dessiner qu' il n'y paraît initialement. C'est bon. Passons maintenant à un dernier objet. Quelles formes utiliseriez-vous pour décomposer cette feuille ? Donc, pour cette feuille, l'essentiel est de la simplifier au maximum. Ses bords sont très complexes et détaillés, mais pour le moment, nous devons ignorer ce niveau de détail et nous concentrer sur les formes de base. Je peux donc voir un rectangle pour la partie centrale de la feuille. Pour la section latérale, qui est plus large, je pourrais également utiliser des rectangles ou une sorte de trapèze Ensuite, pour décomposer les parties les plus complexes, j'utiliserai une série de triangles pour structurer la feuille Plus tard, lorsque je travaillerai sur les contours, j'affinerai les formes et ajouterai plus de détails. Bien entendu, je vais également inclure un petit rectangle en bas pour représenter la tige. Voilà pour cet exercice. C'est très simple. Maintenant, j'aimerais que vous fassiez quelque chose de tout aussi simple. Commencez à observer le monde qui vous entoure différemment dans votre vie quotidienne. Par exemple, lorsque vous êtes au travail, la machine à café, regardez les meubles qui vous entourent et demandez-vous Quelle forme simple est-ce que je vois dans ce meuble ? » Comment pourrais-je le décomposer dans les transports en commun ou lorsque vous êtes chez vous, essayer de faire cette analyse mentale, décomposant chaque objet en formes simples. Et ce faisant, cela deviendra de plus en plus naturel. Et lorsque vous tombez par la suite sur un sujet que vous souhaitez dessiner, le processus se déroule rapidement et presque automatiquement dans votre tête. C'est donc votre tâche pour le moment. Dans la vidéo suivante, nous allons prendre ces objets que nous avons décomposés en formes simples et les dessiner dans des formes simples ou des elfes Aucune pression. importe si les dessins ne sont pas parfaits. Nous sommes ici pour pratiquer et pour nous entraîner, et c'est exactement ce que nous allons faire avec ces cinq sujets. 6. Pratique du dessin de formes sur des sujets réels.: Allons-y. Commençons à travailler avec de simples rasages sur les sujets que nous avons analysés précédemment Nous allons commencer par Duck. La première chose que je vais faire est de commencer par l'ovale, la grande partie. Pourquoi ? Parce que je le considère comme l'élément central, et il me semble que c'est une bonne idée de commencer par celui-ci. Donc, juste avant de dessiner l'ovale, je peux le tracer en l'air au-dessus de mon papier pour me faire une idée du mouvement. Et quand je me sens prête, je le dessine. D'ailleurs, la vidéo est légèrement assombrie, donc vous pouvez mieux voir mes lignes lorsque je dessine le contour Parce que même si j'appuie un peu plus fort que d'habitude pour que vous puissiez voir, j'ai toujours l'habitude de dessiner avec une main assez légère. N'oubliez pas, vous aussi, de garder vos coups de crayon très légers lorsque vous faites cela. L'idée d'utiliser des formes simples est qu' elles ne devraient finalement pas être visibles. De cette façon, ils peuvent être facilement effacés une fois que nous sommes passés au plan final Donc, une fois l'ovale terminé, j'ai eu ce petit triangle, que je vais ajuster un peu car je trouvais qu'il n'était pas assez incliné Je l'ai donc dessiné, et maintenant nous passons au cou du canard, que je peux créer à l'aide d'un rectangle. Et cela couvre les bases. Et pour la tête, encore une fois, nous avons un petit ovale, et je vais d'abord l'imiter C'est parfois un peu plus délicat lorsque les formes sont Alors prends ton temps. Vous remarquerez peut-être aussi que j'adapte ma prise en main aux éléments sur lesquels je travaille. Par exemple, pour la tête du chien et pour les ovales ou les cercles en général, j'ai tendance à utiliser la poignée, celle où le crayon repose sur le poignet Mais pour d'autres formes comme le rectangle ou le triangle, j'opte la plupart du temps pour le grip classique. N'hésitez donc pas à vous adapter et utiliser la poignée qui vous convient le mieux. Ensuite, je peux dessiner le petit triangle. Et même si nous ne nous concentrons pas encore sur les proportions, pour bien placer le petit triangle, j'ai remarqué qu'il se trouvait à peu la moitié de la largeur du cou. C'est ainsi que je l'ai placé. Et puis je peux ajouter un autre triangle cette fois pour compléter le bec Et là aussi, je pense que ce triangle a à peu près la même taille que la tête du chien. C'est donc comme ça que je le dessine. Et voilà le premier animal ou le premier élément dessiné à l'aide de formes simples. Vous voyez, cette technique ne prend pas très longtemps, mais elle aide vraiment à obtenir une bonne structure dès le début de notre dessin. Passons maintenant à un deuxième exemple avec cette nature morte que nous pouvons voir ici. Cette fois, nous avons plus d' éléments à dessiner. Et parfois, lorsque nous sommes confrontés à un sujet comme celui-ci, nous avons beaucoup de choses à y voir. On peut se demander par où commencer. Ce que j'ai l'habitude de dire dans une telle situation, et c'est pareil en peinture, c'est commencer par ce qui vous semble évident. Dans ce cas, l'élément le plus évident pour moi, celui que j'ai senti pouvoir placer le plus facilement était le livre. Le livre occupe presque toute la largeur de la page, et il est positionné en bas. J'ai donc décidé de placer le livre en premier car une fois que j' ai un élément assez bien placé, il devient plus facile de positionner tous les autres éléments par rapport à celui-ci. Ici, le livre semblait plus simple à placer que le verre ou le flacon. J'ai donc commencé par le livre. C'était le plus simple. Ensuite, je pourrais ajouter les autres éléments, en les situant par rapport au livre C'est le cas des cookies, par exemple. J'ai remarqué qu'ils étaient placés sur le côté gauche du livre, ce qui m'a permis de les placer assez précisément de cette façon. Lorsque vous travaillez avec des formes simples, il est essentiel de ne pas les considérer comme le résultat final ou s'attendre à ce qu'elles soient parfaites immédiatement. Absolument pas. Lorsque je travaille avec des formes simples, je ne fais que construire une structure. Je sais qu'il y aura des erreurs. Je sais que je vais avoir des choses à ajuster. Mais grâce à ces formes simples, je peux déjà créer une base assez cohérente. Il est beaucoup plus facile de repérer les erreurs après avoir fait cela avec des formes simples que si j'avais essayé dessiner un contour très précis dès le départ. Et là, pour placer correctement mon verre, j'ai pensé qu'il se trouvait à peu près à mi-chemin du livre. C'est ainsi que je l'ai placé. J'ai également remarqué que le dessus du verre commence à peu près au niveau du dernier biscuit. Je l'utilise donc également comme référence. Et même si nous n'avons pas encore passé en revue les techniques de propulsion que je vais partager avec vous plus tard dans le cours, vous pouvez déjà commencer à développer un sens des proportions en comparant les éléments les uns aux autres. Ce n'est pas vraiment une technique en tant que telle. C'est plutôt une habitude à prendre. Comparaison de chaque élément avec les autres. Par exemple, avec cette bouteille, j'ai remarqué qu' elle atteint à peu près la même hauteur que le dernier biscuit et qu'elle s'aligne à peu près avec le début de la partie supérieure du verre. Et en utilisant cette comparaison, je pourrais le situer correctement. Donc, sans même m'appuyer sur les techniques de propulsion, j'ai tout de même pu établir une base solide, une structure cohérente simplement en comparant les différents éléments entre eux. Enfin, nous arrivons au petit paquet de robes, que je peux simplement représenter avec un cercle, et à ce petit élément naturel représenté de cette façon. l'avons donc là pour définir la structure de la nature morte. Passons maintenant à notre sujet suivant, qui est de me tenir debout devant l'arbre. Je vais donc commencer par la tête, un petit cercle. Comme nous l'avons vu précédemment, pour le cou, nous pouvons avoir un petit rectangle juste en dessous. Pour le torse, je vais le représenter avec un long rectangle en dessous avec une sorte de point au niveau du cou Nous allons donc continuer à progresser ainsi, en plaçant les différents éléments un par un Le torse est donc terminé et je peux donc passer au dessin de la jambe Comme indiqué, en raison de l'articulation du genou, ces jambes doivent être divisées en deux formes simples comme celle-ci. Ensuite, juste à côté, je peux dessiner le dessus de la jambe avec une autre forme simple, en remarquant que cette jambe atteindra presque le même niveau que la première, même si elle est légèrement Pour placer les bras, je vais encore une fois essayer de comparer les éléments entre eux. Je vois que la première articulation du bras atteint à peu près le niveau du ventre, et je vois aussi que la main se termine à peu près au niveau du pantalon, juste un peu plus bas. Et je peux également utiliser ces points de référence pour esquisser le dessus du bras, en basant toujours sur ces formes simples. Ensuite, je me dirige vers le tronc, et je remarque qu'il est positionné à peu près à la hauteur de la tête de la personne que je viens de dessiner. C'est donc là que je le place. Ensuite, j'esquisserais le contour de cet arbre en utilisant les formes simples que nous avons définies précédemment. Ces formes sont vraiment très basiques. Je sais qu'au début, lorsque vous faites cet exercice, pouvez avoir l'impression que le résultat ne ressemble pas du tout à ce que vous essayez de dessiner. Par exemple, avec l'arbre que je dessine ici, une fois que c'est fait avec ces formes simples, il est assez difficile de le reconnaître comme un arbre. Et c'est normal, car pour le moment, nous ne visons pas un tirage final. Ce que nous faisons ici n'est qu'une étape, une première étape, une sorte de squelette, un guide pour nous aider à placer nos éléments à peu près aux bons endroits. Le schéma simple ne nous permet pas encore d' identifier clairement le sujet. Et c'est normal. Ce n'est qu'avec le contour final, le contour final que nous dessinerons plus tard, que les choses commenceront à prendre un peu plus forme une fois que nous aurons dépassé le stade des formes simples. Et ce qui fera vraiment la différence par la suite, c'est de travailler avec l'ombre et la lumière L'ombrage donne du volume, texture et transforme le simple assemblage d'une fois affiné en un contour plus clair, un contour plus clair en un arbre réaliste Donc, si pour l'instant, vos dessins réalisés à partir de formes simples ne vous ressemblent pas beaucoup, ne vous inquiétez pas. C'est exactement ainsi que cela devrait être. Le travail que nous effectuons ici jette les bases. Et c'est parce que vous avez établi ces bases claires que lors du contour final, puis de l'ombrage nous serons en mesure de donner vie à votre dessin Mais en attendant, nous devons suivre ces étapes, même si j'admets que cela peut sembler un peu frustrant au début. Passons maintenant à un autre exemple avec la banane que nous avons décomposée en formes simples. Encore une fois, je vais choisir de commencer par cet élément central, qui se situe quelque part entre un rectangle et un trapèze Et je vais commencer par celui-ci car il semble être le plus simple à dessiner et facile à identifier. Et à partir de là, je peux construire le reste. Je sais que cette partie du cours peut sembler un peu fastidieuse et qu'elle peut ne pas sembler très excitante au début Dessiner uniquement des cercles, des rectangles, des triangles n'est pas ce que nous imaginons habituellement lorsque nous pensons à dessiner Avec beaucoup de rap, passez directement aux portraits, aux animaux ou aux paysages. Mais ce travail est extrêmement important. C'est le fondement de tout le reste. Et en apprenant à voir et à dessiner avec des formes simples, vous développerez une nouvelle façon d'observer. Vous allez entraîner votre œil à décomposer n'importe quel sujet en étapes faciles à gérer Et c'est ce qui distingue quelqu'un qui se retrouve coincé devant une page blanche de quelqu'un qui dit : OK, je peux le faire. Je vais commencer par un roman, puis un rectangle, et petit à petit, le dessin prend forme car ces formes simples, tout le monde peut les faire, et vous êtes capable de les faire. C'est exactement la même logique qu'en musique. Avant de pouvoir jouer une mélodie complexe, vous devez d'abord apprendre vos gammes, sont vos gammes visuelles Et même si ce n'est pas la partie la plus amusante, c'est probablement celle qui vous donnera le plus de confiance pour aller de l'avant. Une fois que vous aurez pris l'habitude de simplifier les choses, aucun sujet ne vous semblera trop compliqué à dessiner Profitez donc de ce moment comme un investissement dans vos compétences en dessin. Plus vous serez à l'aise avec les formes simples, plus vous serez libre d' aborder n'importe quel sujet, sachant que vous avez une méthode pour le décomposer. Voilà pour la banane. La structure est assez précise. C'est juste la partie supérieure qui pourrait encore être légèrement améliorée. Même si nous ne visons pas un résultat parfait, j' ai tout de suite compris en quelques secondes que quelque chose n'allait pas, alors je vais l'ajuster légèrement. Mais il n'est pas non plus nécessaire d'en faire trop. Nous travaillons uniquement avec une base composée de formes simples. Passons maintenant à notre dernier exemple. Et si vos formes simples ne sont pas parfaites pour le moment, ce n'est pas grave. On ne devient pas Michel-Ange du jour au lendemain. Il est normal que certaines choses ne fonctionnent pas au début. Ce qui compte vraiment, c'est d'oser dessiner, oser commencer et de répéter l'exercice tout en pratiquant les autres. Petit à petit, votre œil deviendra plus aiguisé et votre main deviendra plus stable. Plus tard dans le cours, nous aborderons les techniques dosage qui vous permettront créer des dessins plus précis et mieux structurés. Donc, ci-dessus, ne vous découragez pas si vos premiers croquis ne ressemblent pas exactement à ce que vous souhaiteriez Considérez-les comme des étapes nécessaires. Chaque forme que vous inscrivez, même si elle est imparfaite, constitue un pas de plus vers une plus grande précision et une plus grande confiance Passons maintenant à cette forme finale, la feuille, et je me rends compte que dans celle que je viens de créer, ici même, l'alignement n'est pas tout à fait correct. Il est trop grand et mal placé. Je l'ai remarqué parce que je compare sa position avec l'élément central. Et voilà. Je vous ai montré à peu près comment il aurait dû être placé pour celui-ci, mais ce n'est pas grave. C'est juste de l'entraînement. Peu importe donc si ce n'est pas parfait. Je vais donc terminer celui-ci, puis je vais expliquer ce qui va suivre. Alors, allons-y. La feuille est plus ou moins finie. À ce stade, nous avons travaillé ensemble sur cinq sujets, ce qui est déjà très bien. La première chose que je recommande est que vous vous entraîniez également les dessiner en utilisant des formes simples, comme nous l'avons fait ici. Une fois que vous l'avez fait, ne vous arrêtez pas là. Continuez à aller plus loin. Prenez des objets du quotidien, objets que vous avez juste devant vous. Par exemple, au moment où je parle, j'ai mon micro devant moi, ou j'ai peut-être un appareil photo, une tasse à café ou un meuble. Essayez d'abord de les décomposer mentalement en formes simples , puis dessinez-les sur votre papier en utilisant des formes simples, comme nous le faisions maintenant. Vous pouvez le faire avec les objets qui vous entourent, ou vous pouvez rechercher des objets sur Internet et vous entraîner avec eux. Commencez, par exemple, par dessiner un objet de face, puis travaillez sur le même objet sous un autre angle, vous entraînant toujours à le décomposer en formes simples. Plus vous en ferez d'objets, plus cela deviendra naturel et intuitif pour vous à l'avenir. Et une fois cela fait, la prochaine vidéo qui vous attend est la création de votre première œuvre d'art. Ensemble, nous allons commencer par le décomposer en formes simples, comme nous avons l'habitude de le décomposer. Ensuite, nous continuerons à travailler sur cette même pièce dans le module de contour et plus tard dans le module d'ombre et de lumière jusqu'à ce qu'elle soit terminée. Votre toute première œuvre d'art terminée créée à mes côtés. Il y a donc beaucoup à faire dans la pratique, mais vous verrez que vous allez vous améliorer de manière significative. 7. Dessiner le projet - décomposer le sujet en formes: allons maintenant poursuivre ce module avec la réalisation de notre première œuvre d'art ensemble. Nous allons créer un projet avec une nature morte que nous sommes en train de créer avec le module de formulaire, et nous allons également continuer à le faire avec le module de contour et le module d'éclairage et d'ombrage Donc, ce que vous allez faire maintenant , ne le jetez pas. Conservez-le pour les deux prochains modules. Cela sera utile pour cela. Et maintenant, nous allons nous concentrer uniquement sur les formulaires simples. Alors n'allez pas plus loin. Nous le ferons plus tard. Et pour cet exercice, pour cette œuvre d'art, vous pouvez utiliser une véritable feuille de papier à dessin et non du papier ordinaire. Maintenant, c'est notre toute première œuvre d'art que nous créons, alors utilisez du bon papier. Je le recommande vraiment. Bien, commençons par ce projet qui nous guidera à travers les modules sur les formes, les contours, la lumière et les ombres Veillez donc à bien aborder le sujet et le travail que vous êtes sur le point de commencer sur les formes. Gardez cela à l'esprit également, car vous serez utilisé pour les prochains modules sur lesquels nous travaillerons. J'utiliserai donc cette photocopie, dont la qualité est un peu inférieure, pour identifier les formes que nous trouverons dans notre sujet En regardant les formes, on peut voir qu'il y a un cercle, une forme ronde très simple. Il peut s'agir de cette forme de base. Ensuite, pour le vase, nous n'allons pas nous soucier de perspective de profondeur de la forme tridimensionnelle. Non, nous allons simplement essayer de les décomposer en formes simples. Je vois que la partie principale du vase est constituée d'un grand rectangle. C'est donc la forme que je choisis pour cette zone. En dessous, il y a un trapèze. Sur la partie supérieure, je vois également un trapèze que je vais dessiner ici Vous pouvez le diviser avec ce trapèze ici et le suivre d'un petit rectangle Et enfin, ce rectangle long et étroit pour la partie supérieure. Et pour la base, euh, sur laquelle reposent ces objets, nous avons également ce grand rectangle. Et pour ce qui est de la profondeur, encore une fois, nous pourrions la dessiner en perspective en utilisant un point de fuite vers lequel les lignes de profondeur convergeront comme ceci, mais nous n'allons pas nous inquiéter à ce sujet Nous verrons les points de perspective plus tard dans le cours. Donc ici, je peux simplement dessiner un autre trapèze. Pour ce qui est des feuilles, je peux décomposer la grande feuille en un triangle et ce rectangle. Pour l'autre, également un long rectangle avec un petit triangle à l'extrémité. Et voilà pour les formes simples. Je vais maintenant essayer de les reproduire sur mon papier et, bien entendu, je vous encourage à faire de même en même temps que moi. Voici donc mon papier, carré mesurant environ 20 centimètres sur 20, afin qu'il corresponde au format de la feuille imprimée au modèle Comme nous n'avons pas encore travaillé sur les proportions, nous nous concentrons au moins sur certaines choses qui se situent à la même échelle. Commençons donc, et nous allons commencer par le rectangle en bas. J'estime approximativement sa hauteur par rapport au sujet, puis je remarque également qu' il y a un petit espace sur le côté qui est légèrement plus large sur la gauche que sur le bord de mon papier. C'est donc ce que je fais, puis je pourrai dessiner le trapèze correspondant à la profondeur de la base Nous pouvons voir que la longueur de la diagonale que j'ai dessinée est peu près similaire à la longueur des lignes verticales que j'ai tracées un peu plus tôt. Ensuite, je peux continuer et dessiner ce petit trapèze en bas Encore une fois, j'estime approximativement son emplacement sur la base, et je remarque également que la ligne supérieure de ce petit trapèze s'aligne sur la ligne de ma base, donc c' Ensuite, je passe au dessin de ce grand rectangle de la base que nous avons identifié plus tôt. Quant à la hauteur, elle semble atteindre environ la moitié de mon papier. Cependant, lors de l'estimation, je dirais que ce que je viens de dessiner est peut-être un peu trop haut, donc je vais l'effacer un peu et l'ajuster. On ne peut pas toujours regarder les choses parfaitement, alors je vais le raccourcir pour qu'il me paraisse un peu trop gros comme je l'ai fait Et si nécessaire, je pourrai toujours l'agrandir plus tard si je me rends compte que c'est en fait le bon côté. Nous verrons cela dans quelques instants. Ensuite, je peux continuer en dessinant un autre trapèze dans la partie supérieure Et juste au-dessus, je vais pouvoir dessiner ces deux rectangles Même ici, j'ajuste un peu le trapèze. J'ai l'impression que j'aurais pu le faire légèrement plus grand. Alors maintenant un rectangle , puis un autre qui sera un peu plus long. Et pour cet exercice, si les proportions ne sont pas exactement correctes, ce n'est pas grave. Ce n'est pas la fin du monde. Ce n'est pas le but. Si le vase s'avère un peu trop grand ou un peu trop petit, ce n'est vraiment pas un problème. Ce ne sera pas un problème majeur. Le dessin peut toujours être cohérent. Et nous n'utilisons aucun outil de mesure pour mesurer les proportions ici. C'est donc tout à fait normal si votre vase n'est pas parfaitement proportionné Personnellement, j'ai l'impression que je l'ai peut-être fait un peu trop haut, mais ce qui compte ici, c'est le dessin d'ensemble et le fait que les résultats restent cohérents avec un beau contour, joli ombrage par la suite, et au début, de belles formes Et cela semble être le cas ici. J'en suis donc content, et commençons par la pomme. Maintenant, pour ce qui est de la pomme, je vois qu'elle atteint à peu près cette hauteur sur le vase, environ les deux tiers du grand rectangle ou environ la moitié du vase entier. Et avant de dessiner le cercle, je peux le mimer en faisant semblant de le dessiner, puis quand je me sens prête, je me lance et je le dessine Ce cercle est donc très beau, mais je dirais qu'il doit être juste un peu plus près du vase, plus à gauche et un peu plus éloigné du bord de la base. Je l'ajuste donc légèrement. Ensuite, je vais modifier un peu la base. Je vais l'agrandir un peu. Je vais m'éclater un peu. Vous ne m'en reprocherez pas, nous pourrons donc créer plus tard une ombre projetée correctement placée. Je fais donc ces quelques petites modifications, efface les lignes qui ne fonctionnent plus, et nous pouvons continuer. J' effacerais également probablement certaines lignes de la pomme afin qu'au final, nous n'ayons qu'un seul contour net et clair. Je vais maintenant ajuster un peu le cercle. J'allais vous dire que c'était fait, mais je viens de me rendre compte que j'avais oublié le petit rectangle en haut du vase. J'étais tellement concentrée sur le fait de vous parler et sur mon dessin que je l'ai complètement oublié. Alors maintenant je vais régler ça. Cela signifie que je dois effacer les feuilles, dessiner le petit rectangle, puis redessiner les feuilles dessus J'espère que tu y as pensé aussi. Ensuite, nous en aurons fini avec les formes, et nous reviendrons à ce dessin pour le module de plan, alors ne le perdez pas. Et une fois que vous aurez suivi la devise sur les contours et terminé les exercices, vous pourrez revenir à ce projet et travailler sur des contours nets et bien affinés. 8. Comment obtenir des contours précis dans un dessin: Bienvenue dans ce module sur les contours. Après avoir vu comment simplifier nos objets en formes de base, nous allons maintenant voir comment affiner les contours pour les rapprocher de la réalité. s'agit donc d'une étape très importante, car elle vous aidera à passer de quelque chose de très basique, de très simple avec ces formes simples à quelque chose de plus raffiné. Et plus réaliste, car le travail sur contour que nous effectuons actuellement est la toute première étape pour que votre offre soit plus réaliste et plus proche de ce que vous voyez réellement dans votre vie. Et en maîtrisant les contours, vous serez en mesure de mieux définir votre sujet tout en conservant les bases solides que vous avez établies avec les formes de base Il apporte de la précision à vos proportions et jette les bases pour ajouter plus de détails ultérieurement et des ombres à votre dessin, ce qui vous aidera à créer quelque chose Voyons maintenant comment créer un contour agréable et très précis pour votre dessin. Voici le cyprès qui nous servira de modèle. C'est un excellent sujet pour travailler sur les contours grâce à ses bords irréguliers. Commençons donc par le décomposer en formes simples, comme nous l'avons fait dans les modules précédents. Donc, en regardant le cyprès, je peux voir qu'il est composé d'une base rectangulaire comme celle-ci Puis au sommet, il y a une sorte de petit triangle à bout plat. Et au-dessus et juste au-dessus, je peux voir que nous avons ce genre de rectangle bien en dessous, nous avons ce genre de rectangle légèrement trapézoïdal Nous allons donc reproduire ces formes de base dans notre dessin. Ce que j'ai remarqué, c'est que dans la partie inférieure, nous avons déjà ce petit bord, donc je commence par l'ajouter pour dessiner la base du cyprès Ensuite, je peux continuer et dessiner le premier rectangle. Je peux imiter le geste avant de le faire si je le souhaite. Et puis j'ai ce rectangle qui est suivi un autre qui se rétrécit vers le haut, formant une sorte de trapèze Enfin, pour le sommet du cyprès, je peux opter pour ce type de rectangle, et là, il est représenté à l'aide de formes simples Nous avons maintenant nos formes de base, et nous allons essayer de nous rapprocher du contour final en utilisant ce que l' on appelle la technique du blocage. Ce n'est pas exactement le contour final que nous visons dans cette deuxième étape. Mais ce que nous allons faire, c'est décomposer le contour sous différents angles. J'observerai donc les angles qui se forment , les différentes inclinaisons, puis je les représenterai en lignes droites, comme ceci En fin de compte, cela nous rapproche du contour final, et cela permet de le décomposer, désolé, une manière qui rend le processus plus facile que si nous essayions de passer directement au contour final. Et une fois le blocage effectué sur notre papier à dessin, il ne nous reste plus qu'à effacer légèrement certaines de ces lignes, puis à dessiner le contour final. Cette fois, avec les bons angles, mais en utilisant des lignes plus douces. Je vais donc passer en revue les lignes ajoutées avec le stylo argenté afin que vous puissiez les voir plus clairement. Cette technique de blocage va donc être très utile. Nous décomposons le contour en différentes lignes droites légèrement inclinées. Ainsi, il devient plus facile de dessiner un contour final par la suite Alors que nous travaillons sur ce blocage, ce qu'il est vraiment important de comprendre , c'est que le but n'est pas de créer de jolies, jolies ou finales. C'est pour analyser. Nous cessons de considérer le cyprès comme un arbre réel et nous commençons à le lire sous une série d'angles, de pentes et de directions C'est un excellent exercice et une technique très efficace pour entraîner votre œil à voir différemment. Nous construisons l'objet comme un puzzle pièce par pièce, décomposant le contour en lignes droites. Et peu importe si ce n'est pas tout de suite parfaitement précis. Au contraire, il s'agit simplement d'une phase au cours de laquelle nous testons des choses, nous nous ajustons et nous nous donnons une certaine marge de manœuvre Et cela facilitera grandement la prochaine étape. Une fois ces lignes en place, il ne reste plus qu'à les adoucir, les affiner et à passer au contour final avec beaucoup plus de précision. C'est une méthode vraiment précieuse pour vous améliorer et vous assurer d'obtenir un plan solide et précis. Maintenant, ce que je peux aussi faire pour m' aider en dessinant c'est de rechercher des points où les angles s'alignent horizontalement. Par exemple, je remarque ici que ces deux angles sont à la même hauteur, et je pourrais donc tracer une ligne entre eux pour me guider, et il en va de même pour les deux ici. Et ces lignes intermédiaires que j' ajoute à l'objet sont très utiles car elles servent de repères visuels pour nous aider à placer correctement tous les éléments grâce à la technique de blocage. Et grâce à ces petits marqueurs, notre contrôle final sera encore plus précis. Ce qui est intéressant à propos de cette étape de blocage c' est qu'il s'agit d'une méthode utilisée par de nombreux professionnels, et même après des années d'expérience, ils passent toujours par cette étape car elle pose des bases solides. C'est un peu comme les fondations d'une maison. S'il est instable, tout ce qui est construit dessus le sera également. Et ce travail avec des lignes droites vous aide également à détecter les erreurs dès le début. Il est désormais beaucoup plus facile de corriger un angle mal placé que de devoir tout refaire une fois le contour final dessiné Et paradoxalement, même si cela semble être une étape supplémentaire, cela permet en fait de gagner du temps le long terme car une fois que c'est fait, vous savez exactement où vous allez et vous aurez besoin de moins de corrections sur le contour final Et ce type de dessin active également une autre façon de voir. Vous ne vous contentez plus de copier ce que vous pensez voir, vous devenez beaucoup plus attentif aux directions, aux longueurs et aux proportions. Cela entraîne vraiment votre œil et vous prépare à des approches plus complexes par la suite, que ce soit pour le dessin ou la peinture, en particulier lorsqu'il s'agit de contours plus délicats. Et enfin, grâce à cette ligne de construction, vous allez dessiner avec plus de confiance. Vous avez vos points de référence. Vous avez traversé la structure et vous pouvez avancer plus calmement. Maintenant, je suis en train d' effacer ces lignes, mais pas complètement, juste assez pour les rendre bien moins visibles, afin que je puisse les parcourir et dessiner le contour final de mon Cypress Maintenant que mes lignes sont bien adoucies et partiellement effacées, je peux les parcourir et dessiner le contour final avec des lignes beaucoup plus lisses et plus naturelles Ce que je veux dire, c'est que ces lignes seront beaucoup moins géométriques. Nous aurons quelque chose de beaucoup plus organique que ce que nous avions jusqu'à présent. Au fur et à mesure que je trace ce contour final, je peux maintenant inclure toutes les petites irrégularités que nous voyons le long de la courbe. Sur le cyprès, par exemple, on peut remarquer de nombreux petits détails uniformes, petites branches qui sortent du feuillage ici et là Je peux donc les ajouter au fur et à mesure. Ainsi, grâce à ces différentes étapes, j'obtiens un contour net qui semble réaliste. Nous avons vraiment pris le temps de l'observer, faire correctement, et au final, cela n'a pris que six ou sept minutes. Et plus vous pratiquez cela, plus cela deviendra rapide. Finalement, il vous faudra très peu de temps pour le faire en toute confiance. Nous avons donc maintenant dessiné le contour extérieur de l'arbre. Mais comme vous le remarquerez, il existe également des lignes intérieures, qui sont importantes, et nous devons également les ajouter, car elles permettent d'indiquer et séparer les différentes zones d' ombre. Je vais donc essayer d'en identifier quelques-uns. Par exemple, sur tout le côté gauche, nous pouvons voir cette grande section qui est dans l'ombre. Je peux donc continuer et le marquer. Ici aussi, à l'intérieur de l'arbre, il y a une sorte de mousse qui divise les différentes parties du feuillage. Je vais donc ajouter cela également. Et j'essaie de marquer les éléments les plus évidents, les zones d'ombre qui se séparent clairement des zones lumineuses. Mais ne vous inquiétez pas pour les ombres et les lumières. Nous y travaillerons plus tard. Mais pour l'instant, j' essaie simplement de repérer et placer ces zones internes distinctes au sein de l'arbre. Je vais les lire ici, et il me semble que ce sont les principaux. Mais si vous pensez que vous aurez besoin de plus que ces quelques lignes pour créer votre ombrage plus tard, n' hésitez pas à en dessiner davantage Personnellement, je m'en tiens généralement aux principaux comme celui-ci, puis j'affine le reste au fur et à mesure que je travaille sur le dessin. Et pour dessiner ces zones d'ombre internes, cela ressemble un peu à la méthode de blocage. J'essaie de les décomposer sous différents angles. J'observe leur position par rapport à l'autre ligne de contrôle que j'ai déjà tracée. J'ai réalisé que j'avais fait une petite erreur avec le contour intérieur. La ligne n'était pas tout à fait correcte, alors je l'ai ajustée et corrigé cette partie. Nous arrivons maintenant à la fin de cette étape, centrée sur le contour. Nous avons commencé avec des formes simples, puis nous sommes passés au bloc pour établir la structure. Enfin, nous affinons le tout pour obtenir un contour final plus fluide, plus naturel et plus précis. C'est donc une méthode étape par étape, mais elle fait vraiment une grande différence. Prenez donc le temps de vous entraîner et vous verrez quel point vos dessins deviendront plus confiants et précis. Là-bas. Passons maintenant à notre deuxième sujet avec ce mandarin. Comme vous l'avez probablement deviné, la forme générale de ce sujet, la forme que nous utiliserons comme point de départ, est un cercle Comme toujours, je peux imiter mon cercle, et c'est particulièrement le cas avec cette forme géométrique car le cercle est l'une des formes les plus complexes à dessiner avec précision Vous pouvez le voir un peu. Mes lignes sont assez légères, mais cela ne pose aucun problème puisque nous allons modifier très prochainement. Avant de commencer à tracer les lignes de blocage, nous allons d'abord le faire sur le papier afin que vous puissiez clairement visualiser tous les angles impliqués dans ce mandarin. Et j'utiliserai mon marqueur rouge pour que vous puissiez voir clairement les différents angles sur ce sujet. Si vous regardez attentivement, vous remarquerez que ce mandarin, en raison des petits segments qui le composent, possède de nombreux angles de semelle le long de ces bords, et nous allons pouvoir recréer ces angles dans notre dessin Examinez donc bien les différents angles avant d'essayer de les reproduire. Comme toujours, je vous encourage à pratiquer ces exercices avec moi ou, si vous préférez, à attendre que j'aie fini de vous expliquer , puis à essayer de dessiner les contours vous-même. Et si nécessaire, vous pouvez également le regarder une première fois , puis le faire pendant que vous reregardez le cours Commençons donc par la technique de blocage avec ce mandarin. Comme nous l'avons fait avec le cyprès, je vais observer attentivement les différents angles que l'on peut voir sur cette mandarine et essayer les appliquer au même endroit sur ma chaleur Cette technique de blocage nous aidera à mieux comprendre les proportions et l'angle concernés, évitant les erreurs majeures avant de peaufiner les détails. Et c'est vrai même avec un objet rond comme un mandarin qui a certains angles. Ces angles peuvent être assez subtils, mais ils sont dus aux irrégularités naturelles de la forme. Et en traçant les angles simplifiés, nous pouvons voir le sujet sous un nouvel angle en le décomposant en parties structurées, ce qui facilite la tâche. Une astuce utile pour vérifier si je place les angles correctement est de comparer leurs positions relatives. Par exemple, dans le premier angle, si je trace une ligne pointillée vers le bas, je vois qu'elle se courbe autour de cette zone Juste là. Et quand je fais de même sur mon dessin, je vois que je suis à peu près au bon endroit. C'est donc une bonne chose. Nous sommes sur la bonne voie et nous devons continuer dans cette voie. Si je constate une erreur, je n'hésite pas à la corriger. Ne paniquez pas. Il m'arrive de faire des erreurs tous les jours. L'important est de les corriger. Ces angles que je dessine actuellement serviront plus tard de guides visuels, nous permettant d'adoucir et d'affiner le contour avec des courbes plus naturelles. Je continue donc diriger vers le côté de ce mandarin. Notez également que je dois parfois ajuster la façon dont je tiens mon crayon, et parfois je peux recommencer à le tenir comme un stylo si je trouve cela plus facile. Ne vous sentez donc pas obligé de toujours utiliser la poignée en surplomb. Vous trouvez qu'il est plus confortable de le tenir différemment à certains moments, allez-y et faites-le. Enfin, vous pouvez également constater que je prends vraiment mon temps avant de dessiner ces différents angles. Je réfléchis bien et j' estime exactement où chacun doit atterrir avant de m' engager sur la ligne. Et une fois que j' ai confiance en moi, je le trace. Enfin, je peux effacer ces lignes avant d'ajouter mon contour final. Maintenant, je veux que vous mettiez la vidéo en pause et preniez un moment pour observer attentivement ce mandarin. Demandez-vous quelles lignes intérieures sont importantes. Ce sont ces lignes qui nous aideront à créer du volume, définir la forme et à séparer les différentes sections du mandarin. Alors, à votre avis, quelles lignes seront essentielles à tracer avant de commencer à ombrer et à vraiment donner du volume à notre mandarin ? Alors pensez-y. Quelles lignes choisiriez-vous de dessiner pour ce mandarin ? Personnellement, les lignes les plus importantes à mon avis sont celles qui séparent les différents segments du mandarin. Ici, nous pouvons voir l'une de ces lignes. Juste à côté, il y a zones sombres qui aident également à définir la séparation entre les segments, ceux-ci. Ils sont très importants à mes yeux. Ensuite, il y a plusieurs lignes sombres que je pourrais avoir pour souligner davantage ces divisions. Ensuite, pourquoi ne pas inclure celui du haut. Je pense que c'est également important car cela sépare les différentes sections et vous pouvez voir que ces lignes atterrissent. Vous pouvez les dessiner jusqu'à l'angle que nous avons dessiné sur notre papier avec la technique du blocage. Et nous pourrions aussi avoir celui-ci qui est très léger. Honnêtement, je pense que nous pouvons nous en passer. Et même avec ces lignes essentielles, je crois qu'elles constituent éléments forts pour donner vie à notre mandarin, lui donnant un véritable sens de la forme et de la structure. Pour commencer, on peut se demander comment tracer cette première ligne et ses détails au centre du mandarin. En regardant ma photographie de référence, je peux voir qu'elle forme une courbe et qu'elle se déplace légèrement vers la droite du premier angle que nous avons tracé. Si je compare la hauteur de cet élément à la hauteur totale du mandarin, si je devais le diviser en trois parties égales, je dirais que cet élément sombre doit être placé autour du premier tiers. Et cet endroit semble être un bon endroit pour le positionner. Ensuite, une fois que j'ai fait cela, je peux tracer cette ligne violette s'étendant vers la gauche, et je remarque qu'elle atteint l'un des angles que nous avons tracés précédemment. J'étends donc la ligne vers cet angle spécifique. La ligne inférieure suit le même principe. J'atteint également l'un des angles de notre technique de blocage. Cette ligne se compose de deux courbes, l'une très courte, suivie d' une plus longue qui se connecte à l'échancrure où les segments du mandarin se rencontrent Et je peux aller de l'avant et suivre cela également. De même, je vois qu'une nouvelle ligne provient d' une autre technique de blocage À partir de là, je peux étendre ces lignes en utilisant les autres éléments structurels qui définissent le centre du mandarin où tous les segments convergent Et je vais continuer ainsi, en ajoutant progressivement chaque segment jusqu'à ce que je dessine complètement le mandarin et chaque section et chaque ligne de définition qui lui donnent sa structure. Ces lignes intérieures m' aident à me rendre compte que j'ai commis une erreur lors de l'application technique du bloc, car certains éléments ne s'alignent plus correctement. Je vais donc ajuster mon contour pour relier la ligne menant à cet angle jusqu' au centre. En fin de compte, la création d'un dessin est un processus constant d'ajustement et réajustement basé sur de nouveaux éléments qui servent de point de référence supplémentaire Nous comparons ou travaillons continuellement sur le sujet jusqu'à ce que nous soyons satisfaits de la structure globale. Il est important de ne jamais partir du principe que c' est parce que nous avons terminé la première étape tout est gravé dans le marbre et que nous pouvons passer à autre chose. Le plus souvent, des ajustements sont nécessaires. Et même après des années de pratique, je dois encore apporter des ajustements à mon dessin. Il en va de même pour ma peinture. Je ne crée jamais une peinture parfaite du premier coup. Il y a toujours de petits détails à peaufiner jusqu'à ce que je trouve la pièce vraiment complète et satisfaisante. Il en va de même pour mes dessins. Maintenant que j'en ai fini avec la technique du blocage, je vais légèrement effacer mes lignes pour qu'elles soient à peine visibles. Cette ligne me sert désormais guide pour affiner mon contour final. Comme un mandarin n'a pas bords droits comme ceux que nous avions initialement dessinés, je dois retravailler le contour pour le rendre plus incurvé et arrondi En même temps, je vais me concentrer sur la texture de la mandarine car sa surface n'est pas parfaitement lisse. Il a une texture légèrement rugueuse et irrégulière. Je vais donc intégrer ces petites irrégularités mon contour pour capturer cet aspect naturel. Pour ce faire, je vais utiliser mes lignes de blocage comme référence, en dessinant dessus tout en les ajustant si nécessaire. Je n'ai pas besoin de suivre parfaitement mon sujet à 100 %, car ce sont des détails mineurs du contour qui n' ont pas besoin d'être exacts. Je travaille légèrement, en ajoutant subtiles irrégularités sur le contour de la mandarine. Une fois que j'aurai terminé ce contour final , ce sera tout, et nous serons prêts à passer au projet. Nous avons commencé par le module de forme, affinant les contours précis des éléments que nous avions initialement esquissés Alors félicitations pour avoir terminé ce module sur les contours. Vous savez maintenant comment passer de quelque chose de très basique avec les formes de base à quelque chose de plus raffiné et plus proche de la réalité. Alors maintenant, voici vos devoirs. Donc, tout comme vous l'avez fait avec le module de forme de base, je veux que vous observiez les objets de votre vie quotidienne pour observer votre vie quotidienne pour observer précisément le contour de ces objets. Ne regardez pas les objets comme vous le faisiez auparavant. Maintenant que vous dessinez, vous développez un œil artistique, un œil capable de regarder l'objet différemment et de se concentrer sur des choses que vous n'avez pas remarquées auparavant ou auxquelles vous n'avez pas prêté attention auparavant, comme le contour, essayez d'observer les angles. Comment sont les lignes de ce contour ? Y a-t-il une sorte de courbe ? Est-ce que c'est droit ? Essayez donc d'observer les objets du monde qui vous entoure d'une manière différente. Et aussi, tout comme vous l'avez fait avec le module de formes de base, je veux que vous dessiniez le contour des différents objets de votre vie quotidienne. Bien entendu, dans un premier temps, vous les dessinez avec les formes de base, puis vous passez à un contour plus raffiné et plus réaliste grâce à technique comme le blocage que nous avons vu lors de ce module. Et comme nous l'avons fait pour la forme de base, essayez de faire la même chose avec cet objet, mais en les observant sous un angle différent sur le côté, quart de vue libre ou depuis le haut avec une vue vers le bas. De cette façon, vous progresserez mieux avec le contour. Et surtout, poursuivez le projet que nous avons commencé auparavant avec les formes de base du vase et de la pomme. Maintenant que vous avez les formes de base de votre dessin, vous pouvez l'améliorer en travaillant sur le contour étape suivante sera l'ombrage une fois que vous aurez visionné le chapitre suivant sur la lumière et les ombres N'oubliez donc pas que des contours nets sont la base d'un dessin net et précis. Et plus vous vous entraînerez, plus vous vous sentirez en confiance avec votre dessin et obtiendrez des contours jolis et réalistes. Bonne pratique et je vous verrai dans le prochain chapitre sur la lumière et l'ombrage 9. Dessin du projet - Finition des contours: Continuons notre projet avec le travail sur le contour. Nous allons donc travailler sur le contour de ces éléments pour les rendre vraiment précis et appliquer tout ce que nous avons vu au cours de ce module. Commençons. Commençons par travailler sur un contour plus précis puisque notre pomme n'a pas la forme d'un cercle parfait. J'utilise donc la technique du blocage pour essayer de délimiter les différents angles et inclinaisons de la pomme, afin de pouvoir ensuite créer un contour plus lisse et plus arrondi, mais qui suit les bons angles et capture vraiment la forme de la Je vais donc estimer la direction différente de chacun de ces angles en divisant la pomme en différents segments. Et maintenant, j'ai un plan qui me semble plutôt bon. À l'intérieur de la pomme, je peux également dessiner une petite forme intérieure pour aider à placer la tige avec précision et je trouve que cette pomme se porte très bien. Passons maintenant au vase. Celui-ci sera assez simple car le contour ne diffère pas beaucoup des formes géométriques que nous avons déjà dessinées. Je peux donc suivre cette forme de près et, dans l'ensemble, le contour extérieur reste très proche de ce que nous ajoutons dans nos lignes de construction. À l'intérieur du vase, je peux également tracer cette ligne, et je peux voir que cette ligne ici s'aligne avec cette petite ligne en haut, donc je peux l'utiliser. Je peux m'en servir pour le placer correctement. Nous y voilà. Maintenant, cette ligne définit clairement la profondeur sur la face avant des valves, et je peux également appliquer la technique de blocage à mes feuilles, ce qui m'aide à me rendre compte que la première feuille sur la gauche n'était pas assez large. J'ai donc ajusté cela. Quant au deuxième feuillet, on voit qu'il est d'abord très étroit puis s' élargit. C'est donc ce que je vais reproduire également. Et nous y voilà. Maintenant, nous pouvons également dessiner la forme de l' ombre du boîtier du vase, ainsi que l' ombre de la pomme. Maintenant, après avoir pris du recul, j'ai senti que l'angle que j'avais fait sur la pomme était un peu trop net, alors je l'ajuste légèrement. Et c'est pareil de l'autre côté. J'adoucis un peu ces angles. Et avant de commencer à ombrer la pomme et le vase, je peux marquer les zones d' ombre à l'intérieur Cela fait partie des contours internes, et maintenant cela facilitera l'ombrage par la suite, puisque je saurai déjà approximativement où se trouve chaque zone d' ombre. Je peux donc les marquer sur la pomme, ainsi que sur le vase. Vous pouvez voir qu'il y a aussi une petite zone d'ombre. Nous n'avons pas encore étudié les techniques de proportion, mais une méthode très utile consiste à placer les éléments les uns par rapport aux autres. Par exemple, j'ai pu positionner correctement l'ombre parce que j'ai remarqué qu'elle était alignée avec la petite feuille située juste au-dessus. À l'aide d'une gomme à effacer, passez maintenant en revue toutes les lignes angulaires que j'ai tracées plus tôt, car nous n' aurons pas ce genre d' angles vifs sur notre vase ou notre pomme Ce que je veux dire, c'est que nous n' aurons pas de lignes droites le long de ces contours. Je les efface donc avec la gomme pétrie, mais pas complètement Je veux tout de même que ces lignes restent légèrement visibles en dessous afin que je puisse les retravailler. Maintenant, avec mon crayon, je cherche à retracer mes contours, mais cette fois avec des contours doux et lisses, en dessinant le tout avec une certaine fluidité et en utilisant des courbes dessinant le tout avec une certaine fluidité et Par exemple, ce petit rectangle que nous avons dessiné plus tôt, vous pouvez voir que le long des bords, il a en fait une forme plus arrondie, et le vase présente également belles courbes, tout comme la feuille. Ce n'est pas une feuille rectangulaire. Je travaille donc là-dessus maintenant pour obtenir un contour plus beau que ce que j'avais avant et pour produire mon contour final qui corresponde étroitement à ce que nous voyons sur la photo Mais ce schéma final n'est précis et solide que grâce à tous les travaux antérieurs, la construction simple de la forme qui nous a permis de nous rapprocher de l'objet, puis à la technique de blocage qui nous a permis de définir clairement les angles. Maintenant, je peux dessiner le contour final en toute confiance, sachant que je suis assez proche ce que nous voyons sur notre image de référence Au fil du temps, plus vous pratiquerez et travaillerez sur différents sujets à l'aide de ces techniques, plus il vous semblera naturel et rapide de les dessiner. Vous n'aurez peut-être pas besoin de consacrer autant de temps à la technique de blocage. Par exemple, vous passerez plus facilement des formes simples à une sorte de contour final bloquant. Et en travaillant sur les angles, vous serez en mesure de dessiner votre contour final en même temps. Et plus vous le ferez, plus cela deviendra une seconde nature. Au début, cela prend un peu de temps. Vous devez vraiment entraîner votre œil à voir tous ces angles, toutes les inclinaisons de l'objet et à essayer donner à chaque angle la bonne direction Donc, oui, au début, cela peut être un peu lent et fastidieux, mais vous verrez qu'avec de l'entraînement, cela devient beaucoup plus facile Je vais donc maintenant finaliser ce plan. Je suis en train de retravailler un peu la pomme parce qu'au final, je trouve que la façon dont je la dessine maintenant est un peu plus belle Je suis donc en train d'ajuster cela , puis nous mettrons ce dessin de côté une fois de plus. Après avoir visionné le module sur les ombres et les lumières, je vous encourage à revenir ce sujet et à commencer à l'ombrer pour vous rapprocher du résultat final et donner vie à votre dessin Voilà, et je vous verrai la prochaine fois pour la troisième partie du sujet, le travail sur l'ombrage de ces éléments 10. La théorie de la lumière et de l'ombre pour le dessin: Bienvenue dans ce module sur les ombres et les lumières. C'est l'un des chapitres les plus importants dessin car c' est grâce à la lumière et à l' ombre que vous pourrez transformer votre dessin et créer du volume sur votre papier. C'est la lumière et les ombres qui donneront vie à vos formes car même si vous avez un très beau contour et une très belle structure, au début, elles sont très solides. Si vous ne travaillez pas sur la lumière et les ombres, votre dessin sera plat et vous ne pourrez pas créer volume ni de profondeur dans votre dessin pour apporter également un peu de réalisme. donc essentiel de comprendre comment la lumière interagit avec est donc essentiel de comprendre comment la lumière interagit avec votre objet pour créer du volume C'est pourquoi ce module est divisé en plusieurs étapes. Nous verrons donc dans un premier temps quel est le vocabulaire de l'ombre et de la lumière. Nous avons donc bien compris tout au cours de ce module, et nous aborderons un peu de théorie pour voir comment la lumière interagit avec les objets et crée du volume Nous allons ensuite créer une échelle de valeur n sur papier pour apprendre à contrôler notre gamme complète de tons, des tons les plus clairs aux plus foncés. Ensuite, nous verrons les différentes techniques d' ombrage, afin de créer différents effets sur notre papier Enfin, la dernière chose que nous verrons, ce sont différentes techniques de mélange avec les différents matériaux pour créer quelque chose de lisse et de réaliste dans notre dessin Prenez votre temps pour comprendre chaque étape, car la maîtrise de la lumière et des ombres vous aidera vraiment à transformer votre dessin et à créer quelque chose d'incroyable et de réaliste Alors allons-y et plongeons-nous dans ce module d'ombres et de lumières. Commençons donc ce module sur ombre et la lumière où nous essaierons de comprendre le fonctionnement de ces deux éléments, car ils sont fondamentaux pour donner à nos objets une apparence tridimensionnelle. Si je devais seulement tracer le contour de cet objet, j'aurais simplement un cercle uni. Cependant, lorsque j'avais des ombres et des zones plus claires, l'objet apparaissait immédiatement en trois dimensions, et c'est la magie de la lumière et des ombres à l'œuvre. Avant de commencer, nous pouvons nous demander : où vient la lumière sur cette sphère ? En analysant les zones éclairées, nous pouvons en déduire que la lumière vient de la droite Eh bien, tout le côté droit est plus éclairé, en particulier la partie supérieure, ce qui signifie que la source de lumière vient de la droite et un peu plus de la partie supérieure. est essentiel de poser cette question pour obtenir un ombrage correct, en veillant à ce que certaines zones apparaissent plus claires tandis que d'autres apparaissent plus sombres, et cela devient encore plus important lorsque l'on dessine avec imagination plutôt qu'à partir d'une photographie de référence plus claires tandis que d'autres apparaissent plus sombres, et cela devient encore plus important lorsque l'on dessine avec imagination plutôt qu'à partir d'une photographie de référence ou d'un objet devant nous Dans ce cas, nous devons construire nous-mêmes l'ensemble du système d' ombre et de lumière. C'est pourquoi il est crucial de déterminer la direction de la lumière. Cela nous permet d'ombrer correctement les objets et les figures, en veillant à ce que l'ombrage soit cohérent et réaliste Maintenant, si je regarde mon image, je peux voir que cette sphère peut être divisée en deux, une zone claire et une zone d'ombre. Ici, je peux clairement voir que le côté gauche est généralement plus sombre, plus ombragé, tandis que le côté droit est plus clair et plus éclairé. Cependant, le côté droit n'est pas uniformément éclairé partout. Certaines zones reçoivent plus de lumière que d'autres. La ligne qui sépare les zones sombres des zones claires porte un nom spécifique. Nous l'appelons le Terminator. Ainsi, cette ligne de terminaison, également appelée terminateur, est la tangente qui sépare le côté clair de l'ombre Une astuce utile pour l'identifier, car elle peut parfois être un peu difficile à repérer, est de plisser les yeux Ce faisant, la séparation entre la lumière et l'ombre devient beaucoup plus apparente et plus facile à distinguer. Examinons maintenant cette sphère de plus près et examinons les différents éléments qui la composent, à fois dans la zone d'ombre et dans la zone éclairée. Si nous observons attentivement la sphère, nous pouvons voir un point très brillant, extrêmement lumineux. C'est dans cette zone que la lumière frappe le plus fort. Cette zone s'appelle le point culminant. Ce point fort sera donc toujours présent tous les éléments que nous dessinons et il est extrêmement léger chaque fois, presque à chaque fois. Une autre zone sera également très lumineuse, même si elle n'est pas aussi lumineuse que le point culminant. C'est ce qu'on appelle le centre de la lumière, la zone où la lumière est la plus forte après le point culminant. Dans cette zone lumineuse, il y a une autre zone appelée le côté lumineux. s'agit d'une autre zone lumineuse, mais elle est moins lumineuse que le centre de la lumière et encore moins lumineuse que le point culminant. Ensuite, comme nous l'avons déjà dit, nous avons cette ligne de terminaison qui sépare la zone claire de la zone d'ombre, mais nous n'avons pas de transition soudaine entre la zone claire et la zone sombre Au lieu de cela, cela se produit progressivement. Et pour que cette transition se fasse en douceur, nous avons ce que nous appelons l'ombre moyenne, permet de passer de la zone claire à la zone d'ombre, la zone foncée progressivement et en douceur. Ensuite, nous avons ce que l' on appelle l'ombre centrale, et cette ombre centrale définit la zone d'ombre la plus sombre de la sphère elle-même. Maintenant, si vous regardez attentivement l'ombre centrale que j'ai décrite, vous remarquerez que je n'ai pas dessiné toute la partie supérieure et une petite partie sur la gauche. Pourquoi pensez-vous que c'est le cas ? Je vais vous montrer à nouveau la photo de référence originale et prendre un moment pour l'observer attentivement. Si je n'ai pas décrit l'ensemble de l'ombre mixte, c'est parce que dans la zone ombragée, il y a des sections légèrement plus claires à certains endroits Ces zones plus claires sont en fait dues à la lumière réfléchie ou à la lumière limitée. Cela se produit parce que la lumière atteint non seulement la sphère, mais éclaire également la surface située en dessous, comme dans ce document Cette lumière rebondit ensuite sur la sphère, éclaircissant subtilement certaines parties de la Vous pouvez donc maintenant voir ces zones lumineuses délimitées définies sur la sphère. Pour ce qui est de la sphère, toutes les zones sont désormais définies et identifiées. Nous devons maintenant nous concentrer sur l'ombre qui n'est pas sur la sphère elle-même, l'ombre que la sphère projette sur un autre objet. Et cette ombre porte un nom bien précis. C'est ce que nous appelons l'ombre projetée. L'ombre projetée est l' ombre qui s'étend sur d'autres surfaces en raison de la sphère bloquant la lumière C'est un élément important qui définit l'interaction entre l' objet et son environnement. Dans l'ombre projetée, on peut observer que les ombres n' ont pas partout la même intensité. Près de la sphère, l'ombre est plus foncée et plus concentrée. Et au fur et à mesure que nous nous éloignons de la sphère, l'ombre devient progressivement plus claire et finit par s'estomper. Cette variante porte deux noms spécifiques. La zone la plus sombre la plus proche de la sphère est appelée ombre d'occlusion Il s'agit de la partie la plus profonde et la plus intense de l'ombre, où la lumière peut pénétrer. Vous pouvez le voir marqué en vert. Et l' ombre qui s'estompe progressivement vers l'extérieur s' appelle l'ombre projetée , désolée Cette zone devient plus claire mesure qu'elle s' éloigne de l'objet. Vous pouvez le voir marqué en rouge, et cette extinction aide à créer ombre réaliste avec une valeur transitoire naturelle. Ce diagramme est donc rempli de nombreuses informations détaillées. Cependant, le but n' est pas de vous surcharger avec trop d'informations ou de vocabulaire. Je ne vous demande pas de mémoriser tous ces termes. Le but de ce diagramme est plutôt de vous expliquer comment fonctionnent les ombres et les lumières. Même dans un objet aussi simple que cette sphère, nous pouvons observer de nombreuses variations d'ombre et de lumière. Être capable de reconnaître et de reproduire cette variation est essentiel pour créer du volume dans tous les dessins. Prenez donc note des points suivants. Des surlignages apparaissent sur certaines zones. Il existe des zones plus claires et zones plus sombres qui créent du contraste, mais il existe également des tons moyens qui aident à créer une transition en douceur entre une zone claire et une zone plus foncée. De plus, l'ombre projetée n'a pas une intensité uniforme. Sa valeur et sa douceur varient sur toute sa longueur. Ce sont donc tous des détails importants auxquels vous devez faire attention lorsque vous commencez à créer vos propres dessins. Nous pouvons maintenant appliquer la même analyse de lumière et d'ombre à un cube, et nous y arriverons un peu plus rapidement. En regardant ce cube, quelles zones d'ombre et de lumière remarquez-vous ? Les réponses ici sont assez évidentes par rapport à une sphère. Donc, en le décomposant, la zone la plus lumineuse, le point culminant est situé sur la partie supérieure de la face droite Vous pouvez voir que c'est une sorte de ligne. La face droite est clairement la surface la plus illimitée, et le centre de lumière se trouve au milieu de cette face tandis que la luminosité légèrement à mesure que vous vous déplacez vers le bord droit de cette La zone de tons moyens se trouve sur la face supérieure du cube. Il reçoit un peu de lumière, mais pas autant que le visage droit. Et dans ces tons moyens, vous pouvez remarquer de subtiles variations. Certaines zones sont légèrement plus claires que d'autres. Et la zone la plus sombre où se trouve l'ombre centrale est la face gauche Il est dans l'ombre car il reçoit très peu de lumière directe. L'ombre centrale est particulièrement visible dans la partie inférieure et le long des bords de cette face. Au centre de la face ombragée, légères variations de ton indiquent la présence de lumière réfléchie Bien que moins prononcé que sur une sphère, nous pouvons constater un subtil effet de lumière rebondissant sur ce rythme Regarde le bas. Nous pouvons le voir un peu au centre, et également dans le coin inférieur droit de la face lumineuse, il suit le rythme illuminé. Il y a une zone légèrement plus lumineuse. Cette lumière réfléchie provient donc de la surface inférieure, rebondit sur le cube et illumine légèrement cette partie du visage ombragé Cette analyse du cube suit donc les mêmes principes d'ombre et de lumière, mais avec des plans plats par rapport à une sphère, ce qui rend la transition plus abrupte que graduelle comme sur la sphère La situation d'éclairage est bien différente sur cette pyramide. Ici, nous pouvons voir qu'une fois de plus, le côté droit est illuminé et que le point culminant est clairement visible sur toute la crête de la face droite. Le centre de la lumière est concentré sur la partie inférieure de cette face droite. Les tons moyens apparaissent quant à eux sur la face centrale de la pyramide. Cette face reçoit un peu de lumière, ce qui la rend plus claire que la face gauche, mais toujours moins éclairée que le côté droit. Sur la face gauche, on peut observer des ombres très prononcées. Ce côté est principalement ombragé et contraste fortement avec les autres faces. Cependant, sur cette pyramide en particulier, il y a une très forte lumière réfléchie sur la face gauche. Cette lumière rebondissante est très visible car elle éclaire une partie de la zone ombragée, empêchant ainsi de devenir complètement noire l'observateur est un autre élément important comprendre la lumière et les ombres position de l'observateur est un autre élément important pour comprendre la lumière et les ombres. La façon dont nous percevons la lumière et les ombres dépend de notre point de vue. Par exemple, dans ce cas, je suis face à la sphère et la source lumineuse vient de ma droite. Cela signifie que je vois une moitié de la sphère illuminée tandis que l'autre moitié est principalement dans l'ombre, comme nous l'avons déjà vu. Cependant, j'ai maintenant changé de point de vue et je me suis déplacé vers la gauche. Et la façon dont je perçois la lumière et les ombres a également changé. Maintenant, je peux voir que seule une petite partie de la sphère est éclairée. La zone éclairée sur le côté droit a été considérablement réduite et est devenue beaucoup plus petite. De plus, le point culminant n'est plus au même endroit car mon point de vue a changé. De ce point de vue, je vois maintenant une zone d' ombre beaucoup plus grande qu'auparavant. Enfin, maintenant que j' ai viré vers la droite, mon point de vue a de nouveau changé. Cette fois, je vois une zone éclairée beaucoup plus grande qu'avant. En revanche, la zone d'ombre a été considérablement réduite. De plus, le point culminant a de nouveau été déplacé car mon point de vue n'est plus le même lorsque j'observe la sphère depuis cette nouvelle position. Un autre élément intéressant à aborder concerne les ombres projetées et leur apparence douce ou bien définie. Sur cette première photo, mon ombre est très floue. Et la raison en est que la source lumineuse est très grande. Dans ce cas, la lumière du soleil passe par une grande fenêtre. De plus, l'objet est assez éloigné de la source de lumière, ce qui contribue également à ce que l'ombre soit plus douce , plus diffuse et un peu floue En revanche, sur la deuxième photo, l'ombre est beaucoup plus définie. On voit clairement ses contours et il ne se décolore pas de manière significative lorsqu'il s' éloigne de l'objet. Il y a une légère décoloration , mais pas trop. Ici, l'éclairage est artificiel et provient d' une lampe placée directement au-dessus de l'objet. Par conséquent, l'ombre projetée est beaucoup plus nette et mieux définie C'est ainsi que s'achève notre analyse de la lumière et de l'ombre basée sur ces formes géométriques. Passons maintenant à un autre exemple et analysons le portrait d'une personne pour voir où nous pouvons identifier tous ces éléments nous venons de parler au cours de ces minutes. Concentrons-nous sur le portrait de cette femme, et je vais vous donner quelques secondes pour analyser les différentes zones de lumière que vous pouvez observer, commençant par les reflets de son visage. Dans quelques instants, nous verrons où d'autres pourraient être présents. Il y a des points forts dans de nombreux domaines, et j'en ai sélectionné quelques-uns. Nous pouvons remarquer que l'un des féhirs présente une zone très lumineuse Il y a également une zone très lumineuse sur l'arête du nez, qui aide à définir sa forme. Sur les joues, on peut également voir des zones légèrement plus claires. Cette combinaison de différentes valeurs, claire et foncée, contribue à donner au visage un aspect tridimensionnel. On peut également imaginer des reflets sur le menton. Ce ne sont là que quelques exemples, mais il pourrait y en avoir d'autres, ainsi que d'autres points forts très intéressants. Maintenant, que considérez-vous comme les centres des zones lumineuses qui sont lumineuses mais pas aussi intenses que les reflets ? D'accord, le centre de la lumière, comme nous l'avons observé précédemment avec différents objets est très proche du point culminant de l'espace. C'est pourquoi mes flèches jaunes sont placées très près des zones violettes que j'ai marquées tout à l'heure, les zones surlignées. Nous pouvons voir que la transition se fait progressivement en passant des zones très claires aux zones légèrement plus sombres du centre de la lumière. Au centre de la lumière, nous avons le bon côté des choses. Ces zones sont encore assez claires, mais pas autant que le centre de la lumière, et progressivement nous passons de plus en plus aux zones ombragées du visage Ensuite, la transition se déplace progressivement vers le milieu des pierres, et nous pouvons constater que ces zones se rapprochent des ombres centrales, qui sont nettement plus sombres, et c'est ce que nous allons voir maintenant. Les ombres principales ont des valeurs différentes. La paupière a une ombre foncée, et elle devient progressivement plus foncée mesure qu'elle s'approche de la joue Enfin, les ombres centrales du cou sont très sombres car elles ne reçoivent pas beaucoup de lumière à cause des mâchoires de cette personne On voit donc que plus on avance vers la gauche, moins ce cou s'éclaircit. Enfin, nous avons le voyant de rebond, qui apparaît dans une petite zone. Il est vrai que ce n'est pas toujours facile à repérer, mais on peut tout de même le remarquer à certains endroits. J'en ai sélectionné quelques exemples. Nous pouvons voir que près de la narine, il y a une ombre centrale très foncée, ce que je n'avais pas signalé plus tôt. Mais alors que nous nous déplaçons vers la gauche de cette narine, un peu de lumière rebondissante commence à apparaître Une autre zone visible de la lumière réfléchie se trouve sur la joue, juste à côté l'ombre centrale que nous avons identifiée précédemment Et nous pouvons également voir une petite zone illuminée sur le cou où les zones environnantes restent dans l'ombre profonde, dans une ombre très foncée. Voici donc tous les éléments d'ombre et de lumière que nous avons soulignés précédemment. N'hésitez pas à faire une pause si vous souhaitez tout revoir attentivement maintenant que toutes les flèches sont placées côte à côte. 11. Comment utiliser une échelle de valeurs dans le dessin: Avant de passer à l'ombrage et d' explorer les différentes techniques d' ombrage, nous allons d'abord créer ce que l'on appelle une échelle de valeurs Alors, qu'est-ce qu'une échelle de valeur ? En dessin, la valeur fait référence à la clarté ou à l'obscurité d'une marque de crayon. Plus la valeur est élevée, plus le crayon est foncé et plus la valeur est faible, il apparaît de plus en plus clair. Ici, nous allons créer une progression progressive des tons du clair au foncé en utilisant une plage allant de H à 14 B. Alors pourquoi une échelle de valeurs est-elle importante ? C'est important car il permet de comprendre et maîtriser le contraste essentiel pour créer de la profondeur et du volume dans un dessin. Il est également utile de choisir le bon crayon, en sachant quel grade utiliser pour chaque zone d'ombrage. C'est et c'est donc un véritable guide pour les techniques d' ombrage Cela permet de créer une transition fluide et des valeurs tonales équilibrées, car cela vous aidera à choisir le bon crayon Et nous avons une échelle allant de 2 à 14 B. Cet outil nous permettra sélectionner le meilleur crayon pour chaque zone, ce qui en fera une ressource inestimable pour l'amélioration ou l'ombrage Ici, j'ai créé des boîtes allant de deux H à 14 B car ce sont les crayons que j'ai Toutefois, si vous n'en avez que quelques-uns, utilisez ce que vous avez. C'est toujours mieux que rien. J'ai dessiné ces petites boîtes, et pour les ombrager avec chaque crayon, j'utiliserai le côté du couvercle C'est une technique que nous explorerons dans un instant une fois que nous aurons fini de travailler sur l'échelle des valeurs. J'applique donc légèrement l'ombrage, ce qui me permet de voir la véritable valeur de mon crayon lorsqu'il est utilisé avec délicatesse au toucher C'est important car, dans la plupart des cas, j'applique également une légère pression lorsque je dessine pour éviter que le crayon ne fasse trop de marques profondes sur le papier. Pour toutes ces cases, je vais donc utiliser des traits légers pour obtenir une représentation fluide et précise de chaque valeur du tunnel du crayon. Après avoir terminé le H, je passe à HB. La différence est perceptible mais peu prononcée. Cependant, je n' utilise pas souvent le H, principalement pour dessiner les contours de mon dessin ou pour des éléments très légers Pour les zones extrêmement claires, je me fie parfois au blanc du papier lui-même, qui représente la valeur zéro, la valeur la plus claire possible. J'aurais pu inclure une case vide sur mon échelle de valeurs pour représenter également ce ton blanc pur. Entre HB et deux B, la différence est à peine perceptible. J'ai peut-être été un peu trop clair avec deux B, mais cela fait également partie de l'intérêt d'avoir un crayon blanc . Ce type de variation existe également chez les sujets de la vie réelle. Ces petits changements de valeur contribuent à apporter du réalisme à un dessin. Même de légères différences de ton peuvent avoir une incidence sur la profondeur et les dimensions. Cependant, lorsque vous passez à quatre B, le changement devient beaucoup plus perceptible. L'ombrage est clairement plus foncé, et au fur et à mesure que je monte sur l'échelle, les valeurs deviendront progressivement plus profondes et plus riches Bien entendu, je vous encourage à faire cet exercice vous-même. Assurez-vous d'utiliser du papier à dessin, car c'est le type de surface sur laquelle vous travaillerez régulièrement. Le papier à dessin est également plus épais, ce qui signifie que votre échelle de valeur durera plus longtemps sans risque de le déchirer ou de le froisser Comme vous y ferez probablement référence plusieurs fois, il est important d' avoir une chaleur durable. Chaque fois que vous commencez un nouveau dessin, cette échelle de valeurs constitue une référence utile pour vous aider à choisir le crayon adapté aux différentes zones. Il est donc préférable de le créer sur du papier solide afin de le maintenir en bon état pour une utilisation future. Lorsque je travaille sur ces différentes boîtes, en particulier dans la partie supérieure, et bien dans la partie supérieure, j'applique une légère pression, comme je l'ai mentionné précédemment. Cela m'aide à déterminer une valeur moyenne pour chaque crayon, me permet de voir à quoi il ressemble avec un toucher doux. Cependant, les mêmes crayons peuvent produire des valeurs différentes en fonction de la pression que nous appliquons Et c'est ce que nous allons explorer dès maintenant. Maintenant, je vais répéter le même processus, mais cette fois en appliquant plus de pression sur le crayon. Je travaille toujours avec le côté de la mine, mais en appuyant plus fort, on peut voir que le crayon produit naturellement une forme plus foncée. Cela me permet d' accéder à des valeurs encore plus sombres, en particulier avec 14 B ou 12 B. La différence entre un 12 B fortement pressé un crayon appliqué peu probable est tout à fait perceptible. Je veux dire, la différence entre quand j'appuie fort sur mon 12 B et quand j'appuie sur la lumière, vous pouvez voir qu'il y a une grande différence. Alors pourquoi est-ce utile ? Tout d'abord, cela vous donne de la flexibilité. En sachant comment les différentes pressions influent sur l'ombrage je peux créer différentes valeurs sans changer constamment de crayon C'est également très pratique car si aucun crayon n'est disponible, je peux régler la pression au lieu de changer d' outil et d'efficacité. Cela vous donne également de l'efficacité. Pendant l'ombrage, si une zone légèrement foncée passe à une zone plus foncée, au lieu de passer de huit B à dix B, je peux simplement appuyer plus fort sur le huit B pour approfondir la teinte parce que, oui, je suis parfois paresseuse et je n'ai pas vraiment envie de changer de crayon toutes les 10 secondes J'adapte donc simplement la pression que je vais exercer sur mon crayon. Une chose que vous pouvez observer est que la différence de valeur entre le 14 B et le B est moins perceptible lors de l'application d'une forte pression. Cependant, lorsque j'applique une légère pression, le contraste entre ces deux crayons, les deux B et 14 B, est beaucoup plus prononcé. réglage de la pression nous donne donc encore plus d'options de valeur, nous aidant à sélectionner la bonne teinte de gris pour la zone appropriée du dessin. 12. Techniques d'ombrage pour un dessin réaliste drawing: Maintenant que nous avons exploré les différents termes liés à l'ombre et à la lumière et compris leur fonctionnement, examinons les techniques utilisées pour créer des ombres sur un objet. Il existe plusieurs manières de le faire, et je vais en présenter six utilisant ces sphères. Commençons par la première technique, l'éclosion. Pour les éclosions, je vais tracer des lignes qui vont toutes dans le même sens Ces lignes sont parallèles, c'est-à-dire qu'elles ne se croisent jamais puisqu'elles suivent toutes la même orientation. Un autre aspect important à noter est que mes lignes suivent la forme de l'objet. Comme je travaille sur une sphère, mes lignes ne sont pas parfaitement droites. Ils ont une légère courbure qui correspond à la forme de la sphère que je suis en train d'ombrer en ce moment Ce que nous pouvons également remarquer, c'est que les lignes sont proches les unes des autres, plus l'effet sera foncé. Maintenant que j'ai terminé ces premières lignes hachurées, je prends un crayon plus foncé pour souligner certaines zones ombragées de la sphère Sur ces zones, j'avais plus de lignes, ce qui m'aide à créer une impression de libre dimensionnalité. En plus de cela, je peux ajouter des lignes encore plus sombres aide d'un crayon à quatre points B pour définir les ombres les plus profondes, comme nous l'avons analysé précédemment. La différence ici est que l'éclairage de la sphère est orienté différemment par rapport à l'éclairage orange que nous avons analysé auparavant. Ensuite, je peux également dessiner l'ombre projetée. Et pour dessiner cette ombre projetée, j'utiliserai la même technique de hachurage que celle que nous avons utilisée avec la sphère, sauf que mes lignes seront désormais horizontales Et voilà. Cela me permet d'obtenir un résultat visuellement efficace, en donnant à l'objet un aspect plus tridimensionnel. C'est donc la technique d' éclosion. Cette technique d' ombrage hachuré est couramment utilisée dans les dessins techniques et les bandes dessinées Il possède un style distinct qui plaît à de nombreux artistes. Maintenant, une technique similaire à l' éclosion est l'éclosion croisée. Pour créer des hachures croisées, je vais commencer par dessiner, hachurer, une autre couche de lignes hachurées dans le En franchissant ces lignes, je créerai un effet d'ombrage plus détaillé simple hachurage Cette technique est très appréciée par de nombreux artistes. Donc, comme je l'ai dit, je vais faire la démonstration six techniques d' éclosion différentes, mais elles sont encore plus nombreuses Ces techniques d'ombrage peuvent également être combinées pour obtenir différents effets dans un dessin Vous pouvez également vous en tenir à une seule méthode, qu'il s'agisse de l'éclosion, éclosion croisée ou même du pointillage, que je vous montrerai Tout dépend du style que vous souhaitez appliquer à votre dessin. ce qui concerne les hachures, j'ai commencé par appliquer une couche de base à hachures à l'aide de plusieurs crayons pour créer différents effets d' ombrage sur différentes zones, En ce qui concerne les hachures, j'ai commencé par appliquer une couche de base à hachures à l'aide de plusieurs crayons pour créer différents effets d'ombrage sur différentes zones, comme nous l'avons analysé précédemment. Une fois cette base en place, j'ai eu des lignes hachurées dans des directions différentes Et cela renforce cela, renforce l'ombrage et renforce la technique, donnant à la sphère un aspect tridimensionnel, mais avec un effet visuel différent celui de l' exemple précédent que nous avons fait ensemble Comme avec la technique d' hachurage précédente, nous pouvons constater que plus les lignes sont proches, plus l'effet d' ombrage devient fort Dans ce cas, j'ai constaté que l' effet tridimensionnel est encore plus prononcé par rapport à de simples hachures Cette technique est également facile à utiliser. Souvent, vous n'avez besoin que d'un seul crayon. Cela peut même être fait avec un stylo ou une fine doublure si vous le souhaitez. C'est une technique très polyvalente, qui la rend accessible à de nombreux artistes, et elle prouve également qu'il est tout à fait possible d'apprendre à dessiner à l'aide d'outils très simples, obtenant de la profondeur et du réalisme sans avoir besoin de matériaux complexes. Passons maintenant à une autre technique, le pointsm. Cette méthode utilise de petits points pour créer de l'ombre et de la lumière. Plus les points sont proches et nombreux, plus la zone apparaît foncée. Vous pouvez également utiliser un autre crayon pour accentuer l'obscurité. Cette technique permet de contrôler avec une grande précision les valeurs des niveaux de gris et de créer une texture unique , idéale pour les effets de détail À distance, les points se mélangent pour former des dégradés lisses Cependant, le principal inconvénient est que cela demande beaucoup de temps et de patience car chaque point doit être placé manuellement. Il est également important de maintenir un espacement constant afin d'éviter une apparence chaotique Un conseil utile pour le pointisme est de commencer l'automne avec des zones claires et accumuler progressivement des points plus foncés pour atténuer les ombres et faciliter la transition Maintenant, j'ai commencé à appliquer une base claire sur ma sphère, et avec un crayon plus foncé, je vais continuer à ajouter les ombres les plus profondes sur la sphère. Mais comme vous pouvez le constater, ces techniques prennent beaucoup de temps. Et pour mon ombre projetée, je vais être capable de faire exactement la même chose , en utilisant de petits points. Les trois techniques que je viens de partager sont excellentes selon le style de dessin que vous souhaitez obtenir. Personnellement, je ne les utilise pas tant que ça. J'ai plutôt tendance à combiner les trois méthodes suivantes. Examinons maintenant la méthode du cerclage ou du gribouillage. Avec cette méthode, nous appliquons de petits cercles de mouvements, créant des boucles et en superposant des cercles pour obtenir des dégradés lisses et une texture douce à l'ombre Alors pourquoi utiliser le cerclage ? d'encercler permet d'éviter les lignes visibles, qui crée un effet plus naturel. C'est vraiment idéal pour l'ombrage des textures, que ce soit pour les humains ou les animaux Par exemple, dans mon cours de dessin animalier, j'utilise beaucoup cette technique pour ombrer les peaux d'éléphants qui présentent de nombreuses irrégularités et une texture très prononcée Cette méthode est également très facile à contrôler en ajustant la pression sur votre crayon, si vous voulez des éléments plus foncés ou si vous voulez simplement passer à un crayon plus foncé pour des ombres plus profondes, comme c' est le cas actuellement et comme nous l'avons fait avec l'autre méthode. Alors, pour l'utiliser efficacement, vous devez utiliser un crayon pointu pour plus de précision, puis vous devez superposer les cercles progressivement pour obtenir un ombrage lisse et uniforme sur toute la zone Ensuite, vous faites varier la pression et la densité pour créer un niveau d' obscurité différent dans votre ombrage Donc, cette méthode de cerclage ou de gribouillage , parce que parfois ce n'est pas un cercle, ce sont juste C'est une excellente technique pour ombrage doux et naturel C'est pourquoi il est idéal pour les textures organiques. La technique suivante s'appelle le maculage, je crois, en anglais, et c'est une très bonne parce que nous allons travailler avec le côté du crayon, et j'aime beaucoup cette Contrairement aux techniques d' ombrage précédentes, où l'on travaillait avec la pointe du crayon, ici, je vais utiliser le côté de la mine pour faire de l'ombre C'est pourquoi il est important d'avoir un crayon bien aiguisé pour que la mine soit assez longue Et lorsque nous l'inclinons pour frotter le graphite sur le papier, il permet également d'obtenir un ombrage lisse et uniforme sur une grande surface. Alors pourquoi utiliseriez-vous la technique du maculage ? Eh bien, tout d'abord, c'est assez rapide car cela permet d'obtenir un ombrage rapide sur de grandes surfaces. Alors c'est assez fluide. Il évite les traits visibles et crée un look très naturel. Il est également très polyvalent. Il fonctionne avec du charbon graphite, et vous pouvez également l'utiliser avec des crayons de couleur, si vous souhaitez passer à cela plus tard Et contrairement au gribouillage, cette méthode est vraiment idéale pour les surfaces lisses comme la peau de bébé ou pour créer des dégradés doux dans Et comme je l'ai dit, c'est vraiment génial pour les grandes surfaces. Donc, par exemple, si vous voulez faire de l'ombre sur un arrière-plan comme le ciel, c'est vraiment génial. Cela vous aidera à aller assez vite. Cette technique sera donc très utile pour le réalisme, en particulier pour le dessin de portrait où des transitions douces sont nécessaires. Et il est également souvent associé au gribouillage ou la prochaine technique de mélange que nous verrons dans un instant Passons maintenant à une dernière technique, le mélange. Cette méthode consiste à adoucir et à fusionner les ombres pour créer une transition harmonieuse entre les différentes nuances de gris Il permet d'éliminer les traits visibles et d'obtenir un résultat plus réaliste. Pour mon mélange, mon mélange, désolé, je vais avoir besoin d'un crayon graphite et je vais utiliser le côté de la mine comme nous le faisions avec la technique précédente Ensuite, j'utiliserai un moignon, un mouchoir ou un coton pour mélanger le tout Et avec mon talon à mélanger, vous pouvez voir que lorsque je l'applique, je fais un petit cercle de mouvements, qui étalent le graphite et font disparaître les traits de crayon Et cela crée un effet extrêmement doux et naturel , parfait pour une texture très lisse, où je ne veux pas de traces de crayon visibles. Cette technique est donc assez simple. Nous construisons les ombres en couches successives. J'ai commencé avec un crayon HB. Ensuite, je peux faire de même dans les zones les plus sombres à l'aide d'un crayon à deux crayons B, et je vais le mélanger à nouveau. Une chose à surveiller avec cette technique est le mélange excessif, qui peut rendre le dessin trop lisse et trop lâche. Il est important de garder un certain équilibre. Je vais donc maintenant utiliser un moignon de mélange différent pour les zones les plus sombres C'est pourquoi il est utile de disposer de plusieurs outils de mélange. Cependant, comme c' est juste pour être le cas, j'aurais pu utiliser le même moignon sans aucun problème Il est préférable d'avoir une autre souche de mélange pour les éléments très foncés comme le 14 B, 12 B, le 10 B, etc. Enfin, en général, avec cette technique, nous commençons par les zones claires et nous les assombrissons progressivement à l'aide de crayons plus foncés Et cette technique de mélange est un outil très puissant car elle apporte à la fois réalisme et douceur au dessin, ce qui lui donne un aspect plus réaliste Ici, j'ai légèrement exagéré mon mélange, ce qui arrive assez souvent Pour résoudre ce problème, je peux utiliser la gomme dont j'ai besoin, qui me permet d'effacer légèrement l'excès d'ombrage, rien de trop compliqué. un des grands avantages de la gomme nécessaire est que je peux la remodeler selon mes besoins, ce qui permet des corrections précises, permet des corrections précises, en particulier lorsque je peaufine les bords de ma sphère ou de tout autre élément Voilà pour les techniques d' ombrage que je trouve vraiment essentielles et utiles pour ombrer et dessiner efficacement 13. Techniques de mélange, d'effacement et d'ombrage lisse: Comme nous l'avons vu précédemment, le mélange peut être utilisé lors de l'ombrage Examinons maintenant cette technique de plus près et voyons comment appliquer à l'aide des différents outils que vous pouvez voir sur mon bureau. Nous passerons en revue les différentes méthodes de mélange, en examinant comment chaque outil affecte l'ombrage et à quelle situation il convient le mieux Les outils que j'ai à ma disposition incluent des tampons de coton, des tampons coton, des pinceaux, des souches à mélanger, des mouchoirs et une gomme nécessaire le tissu, il est particulièrement utile pour mélanger de grandes zones telles que l'arrière-plan afin de créer un ombrage lisse et uniforme pour le ciel obtenir des dégradés doux et d'autres éléments de grande taille idéaux, notamment pour les idéaux, notamment pour zones nécessitant un ombrage subtil et Les souches à mélanger, comme celles que vous voyez ici, sont disponibles en différentes tailles pour fournir différents niveaux de précision en fonction de la tâche Les blending storms sont fabriqués à partir de papier compressé et étroitement enroulé, spécialement conçu pour lisser et mélanger le fusain graphi Les tiges mélangées sont donc idéales pour les petites surfaces et les détails fins parfaites pour affiner les ombres des yeux afin d'obtenir une texture complexe, et pour contrôler l'ombrage, car contrairement aux tissus, les souches mélangées permettent un mélange précis Le pinceau comme ce pinceau à maquillage est meilleur que pinceaux classiques pour mélange car il est plus compact, ce qui permet un meilleur contrôle et un mélange plus fluide Donc, lorsque vous utilisez un pinceau comme celui-ci, je l'utilise pour les zones de taille moyenne plus petites que celles mélangées à un mouchoir, mais plus grandes que celles que vous utiliseriez pour un moignon à mélanger Et sa texture est unique car, contrairement aux autres outils de mélange, un pinceau laisse une légère trace de coups de crayon, conserver un peu plus de texture Il est également idéal pour créer une transition entre les différents objets Les tampons de coton et les cotons-tiges permettent d'utiliser un crayon doux, mais ils ont des utilisations différentes Les tampons en coton sont idéaux pour les zones légèrement plus grandes, offrant un effet d'ombrage lisse et uniforme Les tampons en coton sont idéaux pour les petites zones précises où un meilleur les petites zones précises où contrôle est nécessaire par rapport aux tampons en coton Voyons maintenant comment appliquer tous ces outils dans la pratique. Enfin, certains pourraient penser à utiliser leurs doigts pour mélanger, mais c'est en fait une mauvaise idée Vous devez éviter de mélanger avec les doigts à cause tout d' abord de votre manque de précision Les doigts sont trop larges et ne permettent pas un contrôle détaillé. Ensuite, les huiles pour la peau interfèrent. L'huile naturelle de votre peau est transférée sur le papier. Cela peut provoquer un mélange irrégulier et rendre certaines zones plus difficiles à ombrer correctement. Et il y a aussi le risque de maculage. Au lieu d'un lissage uniforme, les doigts peuvent créer des marques indésirables difficiles effacer Je vous déconseille donc fortement d'utiliser vos doigts pour mélanger. plutôt espéré des outils appropriés comme ceux dont nous avons parlé. J'ai donc pris un crayon six B et j'ai ombre avec le côté du couvercle parce qu'avant de mélanger, c'est généralement comme ça que je fais Je marque donc une zone avec les six B et, en général, j'applique une légère pression lors de l'ombrage afin faciliter le mélange dans cette Voyons maintenant comment cela fonctionne avec le tissu. Je prends mon mouchoir et je l'enroule autour de mon doigt pour une meilleure prise en main. Ensuite, j'utiliserai des mouvements circulaires sur la zone que je souhaite mélanger. Au lieu de faire des allers-retours, les mouvements circulaires donnent un résultat plus fluide. Voici donc comment je procède lorsque je mélange avec du tissu et que je mélange, donc sur une plus grande surface Et vous pouvez voir que mes coups de crayon ont presque complètement disparu. Et peut-être que si je le faisais encore quelques secondes, je ne les verrais pas complètement. Le graphite que j'ai mélangé se retrouve donc sur mes mouchoirs. J'ai donc appliqué à nouveau mon crayon 6 B sur une zone, et maintenant, à l'aide de ma solution de mélange je vais adoucir les lignes Comme pour le mouchoir, j'utilise des mouvements circulaires car, qu'il s'agisse d'un moignon ou d'un mouchoir en papier, mouvements circulaires donnent de bien meilleurs résultats que de simples mouvements de va-et-vient Ce qui m'a également permis d'obtenir un mélange lisse, c'est que j' appliquais une légère pression avant de créer de l'ombre Maintenant, par exemple, je vais faire des traits de crayon plus forts avec les mêmes six B, mais en appuyant beaucoup plus fort. Et même si j'essaie de mélanger pendant plusieurs minutes en effectuant des mouvements du col de l'utérus, les lignes ne disparaîtront pas complètement Les marques resteront, ce qui rendra le mélange efficace et empêchera le résultat lisse souhaité. Vous pouvez donc voir que même avec ces mouvements, je n'arrive pas à me fondre correctement dans ma zone. Et là, j'ai ombré une nouvelle zone, et avec le pinceau, je peux obtenir un résultat adouci, même s'il est un peu plus difficile de faire disparaître complètement le trait du crayon Avec le pinceau, le cercle de mouvements importe moins. Vous pouvez utiliser librement les mouvements de va-et-vient et vous obtenez toujours un résultat satisfaisant et uniforme dans votre région. J'ai ombré une petite zone pour vous montrer ce qui se passe lorsque vous utilisez des mouvements de va-et-vient, des traits de va-et-vient avec le moignon qui se mélange Sur une petite zone comme celle-ci, l'effet est moins perceptible, mais vous pouvez voir qu'à la fin de la zone de fusion, il y a des lignes légèrement plus claires, ce qui signifie que le mélange n'est pas aussi fluide Ainsi, lorsque vous essayez de créer des transitions entre des éléments adjacents, l'utilisation de cette technique de va-et-vient se traduit par un mélange moins bon. Et avec le coton-tige, j'utilise à nouveau le cercle des mouvements, ce qui me permet d'obtenir un résultat doux et lisse, comme vous pouvez le constater Pendant ce temps, avec le tampon à codons comme celui ci-dessus, je l'utilise de la même manière que le mouchoir en papier en l'enroulant autour de mon doigt Et encore une fois, j'applique des mouvements circulaires, ce qui donne également de bons résultats de mélange pour la zone. La souche mélangée, une fois qu'elle devient trop foncée accumulation de graphite, peut être rafraîchie Pour cela, j'utilise le papier abrasif que vous voyez ici. Il s'agit d'un papier abrasif spécial pour artistes conçu spécifiquement pour le nettoyage des outils de mélange Je prends donc une petite feuille de papier abrasif et je frotte le bout du moignon sous tous les angles pour éliminer l'excès Et au fur et à mesure que je frotte, vous pouvez voir que le moignon s'éclaircit progressivement Il ne sera pas complètement propre puisque je l'ai utilisé dans un endroit très ombragé, mais ces feuilles de papier abrasif sont remplaçables Si j'utilise la nouvelle feuille, celle ci-dessous, je pourrais retirer tout le graphite de mon moignon à mélanger et lui redonner presque son état d'origine OK, il y a une autre chose que je voudrais partager avec vous avant de passer au projet et de continuer à travailler sur la vie en acier. C'est une erreur d'ombrage courante à éviter. heure actuelle, lorsque j'ombre cette zone, vous pouvez voir une valeur paire se déplacer, par exemple , une zone sombre, puis une zone claire, une autre zone sombre, etc. Et c'est quelque chose que nous voulons éviter, car tout d'abord, cela crée un résultat incohérent qui ne semble pas fluide. Et même après le mélange, l'ombrage présentera toujours ces écarts de valeur, ce qui le rendra difficile à corriger Comment bien ombrer. Lorsque j'utilise l'ombrage latéral, que je le mélange par la suite ou non, je dois toujours faire des traits larges et uniformes Et c'est là que la prise en main, qui me permet de tenir le crayon lâchement et d'utiliser tout mon bras pour faire de l'ombre, devient très utile Il empêche les sauts de valeur importants. Et comme vous pouvez le constater, lorsque j'ai appliqué un ombrage clair, il était lisse, et même lorsque je l'ai rendu plus foncé, il est resté lisse Et même lorsque j'appuie plus fort pour obtenir un ombrage plus foncé, je continue de toucher légèrement le côté du crayon afin de garantir transition fluide entre les différents éléments C'est donc un élément à prendre en compte pour vous assurer que vous ombragez correctement les différentes zones de votre dessin et que vous n'avez pas ces différences de valeur. Avant de passer au projet, examinons les différentes gommes que j'ai et que j'utilise, ainsi que les techniques d' effacement ainsi que les techniques d' effacement car elles peuvent être incroyablement utiles Donc, les quatre types de gommes que j'utilise. Il existe donc d'abord une gomme standard, une gomme classique et ferme pour un usage général Une gomme pétrie souple et moulable qui peut être façonnée Le stylo effaçable, qui est une gomme précise intégrée dans un support de type stylo pour une correction détaillée, est à la pointe une gomme classique, et il en va de même pour la gomme électrique, une gomme motorisée qui élimine le graphite avec une grande un support de type stylo pour une correction détaillée, est à la pointe une gomme classique, et il en va de même pour la gomme électrique, une gomme motorisée qui élimine le graphite avec une grande précision. Donc, avec notre gomme habituelle, voyons comment effacer Ici, j'ai légèrement ombré une zone, et je vais utiliser la gomme normale lorsque je veux tout effacer L'erreur à éviter est d'effacer ainsi avec des mouvements de va-et-vient Lorsque vous effacez, vous ne devez vous déplacer que dans une seule direction. Pas de va-et-vient. Je monte, descend, gauche ou droite, mais surtout, je ne fais pas de va-et-vient. De cette façon, je m'assure que mon papier ne se froisse pas ou ne se déchire pas du tout Si je veux effacer une zone, je peux aussi le faire avec la gomme DED Cependant, je pense qu'elle est moins efficace que la gomme classique C'est pourquoi je n'utilise cette gomme pétrie que lorsque je souhaite effacer complètement une zone claire J'ai donc ombré une autre zone, et voyons comment nous pouvons utiliser la gomme à effacer La gomme à effacer malaxée me sera également très utile lorsque je souhaite adoucir une zone Dans ce cas, ma zone était un peu trop foncée, alors je la recouvre doucement avec ma gomme à effacer, et de cette façon, je peux l'éclaircir Maintenant, ma zone sombre est devenue très, très claire. Bien, disons que je veux être plus précis. Je peux également façonner ma gomme malaxée pour obtenir plus de précision Je peux le mouler en une forme pointue comme celle-ci , puis taper doucement sur les zones que je souhaite éclaircir Cela me permet de travailler avec précision lorsque je dois alléger une toute petite section En tapotant avec le bout de ma gomme pétrie, les éléments deviennent légèrement plus clairs Si je veux encore plus de précision, je peux le façonner le long du bord comme ceci pour effacer une ligne. Par exemple, si je n' ai pas de stylo à effacer, la gomme nécessaire peut être une excellente alternative pour supprimer des éléments très précis tels que des lignes Et ici vous pouvez voir une bande lumineuse qui est apparue. Au fil du temps, les gommes à effacer malaxées ont parfois tendance à durcir, ce qui les rend difficiles La solution ici est de prendre la gomme dans mes mains et de la faire fonctionner pendant plusieurs minutes, comme je le fais actuellement De cette façon, la gomme redeviendra souple, ce qui me permettra de continuer à l'utiliser comme d'habitude Parfois, la gomme malaxée peut également devenir trop foncée. Par exemple, si je teinte très fortement une zone avec un crayon noir puis que je l'efface avec ma gomme à effacer, vous verrez que du graphite commence à s'y accumuler Et si je continue à le faire pendant des semaines, voire des mois, la gomme peut devenir complètement noire La solution pour éliminer toute l'obscurité de la gomme est donc de la faire fonctionner de la même manière que nous l'avons fait plus tôt malaxant et en l' étirant à plusieurs reprises, la gomme redeviendra réutilisable et toutes ces marques de graphite noir disparaîtront de ma Jetons maintenant un coup d'œil à l'autre gomme dont nous disposons. Imaginons que j'ai ces deux zones, une zone très claire que j'ai mélangée Avec la gomme de précision, je peux travailler dessus et créer des lignes Je peux également créer différents types de marques, comme de petits gribouillis, des points, etc. Et cela est extrêmement utile lorsque vous devez mettre en évidence des zones plus claires. Par exemple, sur un visage ou un animal, certains détails doivent parfois être plus clairs, et je peux appliquer ma base claire ou même une base légèrement plus foncée. Ensuite, en utilisant une gomme de précision comme celle-ci, je peux faire en sorte que ces marques créent efficacement des reflets Enfin, je peux également utiliser la gomme électrique. Son principal avantage est la combinaison de puissance et de précision. Par exemple, si j'ai dessiné une zone assez foncée mais que je me rends compte que je suis allée un peu trop loin et assombrit certains pots plus que je n'aurais dû, je peux les effacer avec précision Quelque chose de plus difficile à réaliser avec les autres gommes que j'ai montrées De plus, cette gomme peut également être utilisée pour créer des détails, tout comme avec la précision, la gomme panoramique Personnellement, je l'utilise un peu moins pour cela car il est plus difficile de peaufiner les détails avec une gomme électrique Ça tremble un peu, ce qui rend les choses plus difficiles. Mais pour moi, c'est une bouée de sauvetage lorsque j'ai ombragé une zone trop foncée et que je dois absolument l'effacer Enfin, le dernier détail important concernant l'effacement est de s' assurer que vous éliminez correctement les résidus de gomme Sinon, cela peut ruiner le résultat final. Par exemple, regardez la partie supérieure ici. Il me restait une petite miette de gomme, et comme je l'ai indiqué avec mon crayon, vous pouvez voir apparaître des taches légèrement plus foncées Ça n'a pas l'air bien du tout. Et si c'était trop visible, cela pourrait vraiment gâcher mes œuvres d'art Assurez-vous donc de nettoyer tous les bits de la gomme après l'avoir effacée. Et c'est tout ce que je voulais partager avec vous à propos des gommes à effacer. Félicitations pour avoir terminé ce module. Vous disposez désormais de tous les outils nécessaires pour comprendre le fonctionnement de la lumière et des ombres et pour les appliquer à votre dessin afin de créer du volume et quelque chose de réaliste. Maintenant, voici vos missions. La première chose est donc très simple. quelque chose que je vous recommande de faire tous les jours dans votre vie quotidienne. Observez avec les lunettes de soleil d'un artiste. Essayez de regarder les objets différemment. Essayez de voir l' ombre et la lumière de la maison agir sur ces objets. Quelle est l' ombre projetée par cet objet ? Où fait-il plus sombre sur cet objet ? Où se trouve l'ombre centrale ? Où est le bounce light ? Quels sont les points forts ? Essayez donc d'observer cela pour tout ce qui vous entoure, les arbres, les bâtiments, les routes, la voiture, les membres de votre famille. Essayez d'observer tout cela, et vous verrez qu' avec votre dessin, il deviendra plus naturel de rechercher les zones claires et les zones d'ombre. Enfin, une fois que vous aurez travaillé sur tout cela, poursuivez le projet avec le vase et la pomme et ajoutez-y un peu d'ombrage pour créer quelque chose de réaliste avec ce vase et cette pomme C'est donc pas mal de travail avec toutes ces missions, mais elles vous aideront à progresser dans votre parcours artistique. Voilà pour ce module. Merci d'avoir regardé. C'est maintenant à votre tour, et je vous verrai dans le prochain module. 14. Dessiner un projet - ombrage partie 1: Terminons maintenant ce projet avec la troisième partie, le travail sur l'ombrage Nous allons donc mettre en pratique tout ce qui a été vu au cours de ce module, et nous allons conclure cette œuvre d'art. Et il est temps de le faire passer d'un contour qui semble plat à un dessin final qui semble en trois dimensions, trois dimensions grâce à tous les ombrages que nous allons faire Commençons. Passons à l'ombrage de notre sujet Mais avant de commencer, examinons-le de plus près et essayons de déterminer la plage de valeurs avec laquelle nous allons travailler. Par exemple, sur le côté droit, il y a une zone très foncée, et je pense que je pourrais utiliser un crayon 14 B, car nous avons vraiment affaire à quelque chose de presque noir. À côté, il y a une autre zone qui est également assez sombre, mais pas autant. Il fait légèrement plus sombre. Donc, pour cette zone, je pense utiliser un crayon huit B ou peut-être un crayon dix B. Et au fur et à mesure que nous nous déplaçons vers la gauche, les gris s'éclaircissent Dans ce domaine, je l' ai indiqué, je pense que les quatre B ou six B fonctionneraient très bien. Ensuite, en continuant vers la gauche nous nous dirigeons vers quelque chose comme deux B. Pour ce qui est de la zone de surlignage, je pense que je pourrais utiliser un crayon à deux H ou même simplement laisser le blanc du papier pour éviter d' ombrer cette zone En ce qui concerne les ombres sur la pomme, par exemple, on peut voir qu' elles sont généralement très sombres. Donc là aussi, je pense que je pourrais utiliser un crayon 12 B ou même 14 B. Mais cette ombre n'a pas la même valeur partout, et juste à côté, on peut voir une zone un peu plus claire. Je vais donc devoir ajuster mon crayon en conséquence et utiliser quelque chose comme un quatre B ou un six B. Maintenant, si l'on regarde la base de la section rectangulaire, le grain ressemble beaucoup à ce que l'on voit dans la partie la plus claire de la pomme. Donc pour cette partie, je pourrais opter pour un deux B. En attendant, la partie supérieure est plus claire, et là j' utiliserais probablement un crayon HB Ensuite, en arrière-plan, nous pouvons voir qu'il fait encore assez sombre, et je pense que je pourrais utiliser un crayon à quatre ou six B. Cela ressemble aux tons moyens que l' on voit dans la zone centrale de la pomme En ce qui concerne le vase lui-même, il y a une section particulièrement sombre, peu comme cette partie de la pomme en arrière-plan dans son ensemble. Je pense donc que je pourrais également travailler là-dessus en utilisant un six B dans ce domaine. Ensuite, sur le vase, il y a une zone particulièrement lumineuse. Je pense donc que je vais utiliser un deux H ici ou peut-être le laisser complètement blanc. Et sur la partie supérieure, on peut voir que la valeur s'allège progressivement au fur et à mesure qu'elle se déplace vers la gauche. Mais sur le côté droit, je pense qu' un deux B devrait fonctionner car il est quand même assez léger. Et sur la zone d'ombre qui s' étend sur tout le côté, je pourrais choisir un 14 B, comme sur cette feuille très foncée. Et celle-ci a une valeur assez proche de celle de la zone d' ombre profonde de la pomme. Donc, ici, je pense qu'un dix B fonctionnerait bien. Faire ce type de planification de la valeur avant de commencer votre dessin est donc une excellente idée. Il est vraiment utile de décider quel crayon est le meilleur à utiliser. Et maintenant, commençons ensemble à faire de l'ombre à cette nature morte. Commençons par ombrager la pomme. Avant de commencer à l'ombrer, j'efface légèrement une partie du contour, en particulier sur le côté gauche, car mon contour était plus foncé que l'ombrage que je m' apprête à appliquer sur cette zone Nous avons vu que cette zone est relativement claire, et que je vais utiliser ici un crayon à deux B. Mais mon contour était en fait plus sombre que ce que j' aurais pu créer avec un Tb, ce qui ne serait pas correct et rendrait le contour irréaliste J'ai donc dû l'alléger un peu. Maintenant, j'utilise les deux crayons B, et je vais commencer à travailler sur le côté gauche et me déplacer progressivement vers la droite. Si je vais un peu trop à droite avec les deux B, n'est pas grave car tout le reste la pomme sera au moins aussi foncé que deux B, donc je pourrai facilement les superposer plus tard. Je veille également à éviter les zones surlignées lorsque je fais de l' ombrage avec mon crayon D'ailleurs, vous pouvez voir que j' utilise le côté de mon crayon pour que les traits de crayon soient aussi invisibles que possible Et j'essaie de faire une sorte de mouvement circulaire avec mon crayon pendant que je fais de la teinte. Et c'est tout pour les deux zones B. Maintenant que j'avance et que je me réfère à mon modèle, je peux constater que nous avions déterminé prochain domaine se situait dans la gamme des quatre B. C'est donc ce que je postule ici. J'utilise un crayon à quatre points B, toujours de la même manière, travaillant sur le côté du couvercle et en effectuant de très petits mouvements circulaires, et en effectuant de très petits mouvements circulaires car c'est ainsi que j'obtiens le meilleur résultat possible dans mon esprit Alors que je continue, je remarque que sur la photo de référence j'entre dans une zone plus sombre. Nous avions dit que cette partie pouvait être réalisée avec huit B ou dix B, alors je commence par appliquer huit B. Et si je superpose légèrement zone adjacente avec la zone à quatre B, c'est tout à fait normal car le passage du clair au foncé n'est pas brusque Il n'y a pas de ligne nette séparant la zone sombre de la zone claire. Il est en fait préférable que le bord de cette zone sombre ne soit ni droit ni net. Ce n'est pas ce que nous visons , ce n'est pas ce que nous visons dans cette partie du dessin. Et pour assombrir légèrement la zone à certains endroits, je peux augmenter légèrement la pression. Appuyez un peu plus fort avec mon crayon pour approfondir légèrement Mars dans la section où j' utilise le crayon AB. Ensuite, nous remarquons que nous entrons dans la zone encore plus sombre. Je commence donc à préparer la transition vers ces valeurs très, très sombres en utilisant un crayon 12 B. J'appuie un peu pour qu'il fasse beau et sombre. Je vais également utiliser ce crayon 12 B sur le bord de la pomme car ici, nous pouvons voir que la lumière rebondissante dont nous avons parlé se trouve dans le module d'ombre et de lumière, qui rend le bord de la pomme légèrement plus clair par rapport à cette grande ombre foncée que nous avons sur la gauche Et voilà, je peux utiliser mon crayon 14 B, et j'applique une certaine pression même lorsque je travaille le côté du couvercle pour m' assurer d'obtenir un ton vraiment foncé, comme dans la zone d'ombre de la référence. J'appuie donc fermement pour obtenir le meilleur résultat possible et créer une ombre forte et bien définie comme nous le voyons sur notre sujet. Ou j'étends légèrement la zone sombre jusqu'au point où commence l'ombre projetée par sa pomme. Juste au-dessus de l'ombre, on peut voir qu'il fait un peu noir. Maintenant, j'utilise mon pinceau à maquillage. Je vais essayer d' adoucir un peu les traits pour rendre les marques de crayon moins visibles et donner au dessin un aspect plus lisse et plus naturel. J'utilise donc le pinceau et je fais petits mouvements circulaires pour obtenir un beau résultat, et je trouve déjà que c'est un peu plus beau. Ensuite, nous pouvons voir que les points forts de cette zone très claire l'air trop lourds en ce moment. Je prends donc ma gomme pétrie et tamponne doucement la zone où se trouve le surlignage Et en tapotant très légèrement, je peux soulever un peu de graphite, ce qui rend la zone légèrement plus claire aide à mieux faire ressortir les reflets. Et j'essaie de garder la forme à peu près précise, en donnant aux bords une sensation irrégulière, car le surlignage n'est pas une forme nette et droite. Ensuite, à l'aide du tampon de mélange, je redistribue doucement un peu de graphite en effectuant de petits mouvements circulaires, afin que la zone ne soit pas trop claire Au début, il faisait trop sombre. Ensuite, la gomme nécessaire l' a rendue trop légère, et maintenant la pierre à mélanger m'aide à revenir à la bonne valeur Ensuite, je vais utiliser le erasopen car il enlèvera un peu de graphite sur les bords, créant ainsi une bordure légèrement irrégulière qui n'aura enlèvera un peu de graphite sur les bords, créant ainsi une bordure légèrement irrégulière pas un aspect trop net Maintenant, en regardant cette pomme, elle a l'air bien. Mais nous pouvons constater que la peau a une texture inégale. Sur le côté gauche, nous avions travaillé avec deux crayons B, mais il y a aussi des taches légèrement plus foncées, et c'est ce que je vais créer avec mes quatre crayons B. Je vais avoir des marques légèrement plus foncées, d' autres légèrement plus foncées pour suggérer cette irrégularité et donner à la pomme une surface réaliste et texturée en plaçant simplement quelques traits irréguliers ici et là, là où j'en remarque certains sur ce côté de la pomme Qui Et ces petites marques irrégulières que j'ajoute n' ont pas l'air de grand-chose. Ils ne prennent pas beaucoup de temps, mais ils font vraiment la différence, et il est important de les inclure. ai donc ajouté un peu dans la zone où j' avais utilisé les deux crayons B et j'ai placé quatre détails B dessus. Maintenant, je vais également passer à une marque légèrement plus foncée dans la zone centrale. Je crois que j'avais utilisé quatre B ici, alors maintenant je vais avoir des accents plus foncés avec les six B. Et je vais continuer comme ça sur l'ensemble de la pomme parce que sur toute la surface, vous pouvez voir ces petites touches légèrement plus foncées. Par exemple, même dans une zone très sombre, il y a toujours des points un peu plus foncés. Je vais donc les ajouter soit en appuyant plus fort avec le crayon, soit en passant à un crayon plus foncé que celui que j'avais utilisé auparavant. Et dans cette zone sombre, nous pouvons également remarquer que les marques prennent davantage la forme d' une ligne que de simples points irréguliers. Sur la partie supérieure de la pomme, nous ajouterons également un peu d' ombrage Et ce qui contribue à créer un sentiment de mort, le petit creux sur le dessus de la pomme est le contraste entre les éléments plus foncés le long du bord et la zone plus claire sur le devant de la pomme, sur laquelle nous venons de travailler plus tôt. Et donc j'utilise Je vais utiliser un crayon huit B ici. Vous pouvez voir que le bord est assez foncé, alors j'appuie fermement avec le crayon. Et puis au fur et à mesure que nous nous éloignons du bord et que nous nous déplaçons vers la gauche, cela devient progressivement plus clair. Ainsi, au lieu de changer de crayon, j'ajuste simplement la pression que j'applique avec le crayon pour rendre l' ombrage plus ou Tout dépend de ce que je vois dans la référence. Jouer avec la pression que vous exercez sur votre crayon est vraiment utile. Cela vous évite d'avoir à changer de crayon toutes les 30 secondes C'est quelque chose que j' aime beaucoup faire également. Ensuite, pour estomper les marques que je viens de rencontrer, j'utilise un moignon à mélanger avec de petits mouvements circulaires, car cette zone est assez petite et nécessite de la précision pour obtenir un mélange homogène Et vous pouvez également voir que sur le côté gauche, il y a un peu d' ombrage qui se superpose à la section sur laquelle nous avions travaillé précédemment dans Apple Et là aussi, j'utilise le pinceau pour adoucir en douceur toutes les lignes et les détails de texture que j'avais ajoutés plus tôt pour les adoucir un peu et les améliorer. Eh bien, nous ne pouvons pas travailler maintenant sur l'ombrage de la tige. Vous pouvez voir que l'ombrage sur le côté droit est très foncé, et j'ai appuyé assez fort avec le crayon Et je suis retourné à la limite de cette zone parce que je sentais qu'il devait faire un peu plus sombre. Sur la tige, nous avons un bord très foncé, mais le reste est également assez foncé par endroits, même s'il faut encore bien distinguer un peu ce bord plus foncé. Et c'est quelque chose que je m' assure de maintenir. Et puis, sur le côté gauche, nous avons quelque chose d'un peu plus léger. Enfin, pour terminer la tige, il y a aussi un point fort. Je vais donc oublier cela à l'aide de ma gomme, et cela terminera le travail sur la pomme Non Voilà pour ma pomme. Nous allons maintenant travailler sur le vase avec le même soin et la même attention. Nous allons commencer par la zone centrale, qui est un peu foncée, et j' utilise un crayon six B ici, comme vous pouvez le voir, et je fais mouvements de va-et-vient avec légères courbes, presque comme de petits gribouillis Je trouve que cela me donne un meilleur résultat d'ombrage, comme je l'ai fait avec la pomme Et je prends vraiment mon temps ici parce que je n'ai pas envie de brosser le tableau. Et surtout si je vais trop vite, je risque d'appliquer une pression irrégulière avec le crayon sur toute la surface, ce qui me donnera un résultat irrégulier qui ne serait ni beau ni naturel sur le vase. Je suis donc très doux et précis pour m'assurer d'obtenir une valeur de gris uniforme sur toute la face du vase, afin que nous ayons un espace lisse et harmonieux. Autre point important, et vous me verrez le faire dans un instant, je vais effacer les lignes directrices qui marquent les divisions entre les différentes zones sur la partie supérieure et sur le côté gauche. Je ne veux plus que ces lignes apparaissent. Ils m'ont vraiment aidée à créer le dessin, définir les contours intérieurs et à localiser les zones d'ombrage Mais maintenant, comme vous pouvez le voir sur le vase lui-même, il n'y a pas de lignes continues séparant les valeurs les unes des autres. C'est l'ombrage lui-même qui définit les différentes zones grâce à différents degrés de gris Et si vous regardez de plus près, les transitions entre ces valeurs ne sont pas parfaitement droites. Elles sont un peu irrégulières, et c'est ce que nous cherchons à reproduire avec notre ombrage et avec les coups de crayon que nous appliquons dans la zone 15. Dessiner un projet - ombrage partie 2: Sur la partie supérieure de mon vase, j'utilise le crayon 122 B. Comme nous l'avons vu précédemment, le côté droit est un peu plus foncé, j'appuie donc un peu plus fort. Ici, j'ai presque fusionné avec la zone ci-dessous, que j'ai ombrée de six bits, soit presque la même valeur lorsque j'appuie plus fort Au fur et à mesure que je me déplace vers la gauche, j'atténue progressivement ma pression pour obtenir gris plus clair que nous voyons sur le côté gauche On peut également remarquer sur le coin de ce visage, que je viens de signaler avec le crayon. Il y a un petit élément un peu plus léger, alors j'ai essayé de l'inclure plus tôt, même si j'ai oublié de le mentionner à l'époque. Ici non plus, je ne veux pas d'un contour clairement défini sur le côté gauche du vase. Tout le côté gauche sera extrêmement clair, presque d'un blanc pur. Ce qui définira la forme du vase, c'est le fond. Et une fois que nous aurons ombré le fond avec un gris plus foncé, ce contraste fera ressortir le vase. Sur le côté, il y a cette zone qui va être particulièrement claire, alors j'efface un peu plus le contour Comme je l'ai déjà mentionné, je ne veux pas que le contour soit visible, et je vais commencer à ombrer avec les deux crayons H, sauf qu'en fait, je n'aime vraiment pas ces deux crayons H. Je vais arrêter de l'utiliser car crayons H ont des fils assez durs, et les miens sont un peu vieux et usés Et comme ils ont des fils durs comme celui-ci qui ne sont pas aussi souples qu'un crayon B ou HB, ils laissent des traces de crayon assez visibles, et je n'aime vraiment pas ça J'ai donc mis deux crayons H côté et je reviens à mon crayon HB Et en étant très, très légère, je peux obtenir des résultats aussi bons que si j' avais utilisé les deux. Je l' ai donc fait avec le HB, et maintenant, comme je l'ai fait avec la pomme, je vais mélanger toute la surface du vase à l'aide de ce pinceau à maquillage, créant ainsi des émotions circulaires Maintenant, il est vrai qu' avec le pinceau, vous n'avez pas besoin d'utiliser autant les émotions du cercle. Les mouvements de va-et-vient donnent généralement un bon résultat , même avec le pinceau, et la différence ne sera pas vraiment visible. Cependant, avec l'outil de surfusion, le moignon de mélange, si je n'utilise pas de mouvements circulaires, le résultat ne sera pas aussi bon Si j'utilise des mouvements de va-et-vient, je n'obtiendrai pas un mélange lisse ni une belle finition. Je pense donc qu'il vaut mieux toujours utiliser des mouvements circulaires. De cette façon, votre mémoire musculaire se souvient que lorsque vous mélangez, vous devez utiliser des mouvements circulaires. Au moins, vous ne commettrez pas d'erreur en utilisant un moignon à mélanger au lieu d' un pinceau, comme c'est le C'est pourquoi j'utilise toujours mouvements circulaires lorsque je souhaite mélanger différentes zones, même si j'utilise le pinceau et non le moignon Nous avons donc maintenant vraiment une bonne base pour le vase, mais il manque encore beaucoup de petits éléments, de texture, de petits détails qui contribueront vraiment à lui donner un aspect réaliste. À commencer par l' ombre sur le côté, comme je l'ai mentionné plus tôt, il fait vraiment très sombre là-bas. Je peux donc commencer avec un crayon 14. Mais ce que je remarque, c'est qu'au fur et à mesure que nous descendons, l'ombre devient légèrement plus claire. J'ajuste donc mon crayon et je passe à un huit B, ce qui me donne la bonne valeur pour cette ombre. C'est le genre de détails qui compte. Vous devez vraiment entraîner votre œil à remarquer les subtils changements de valeur. Ils font toute la différence. Je remarque également que du côté de cette ombre, lorsque vous vous déplacez vers la gauche, elle devient un peu plus claire. Je m'en tiendrais donc au huit B. Et en me déplaçant vers la gauche, j'ajusterai la pression que j' exerce sur mon crayon pour créer des zones plus ou moins sombres en fonction de l'endroit De plus, faire de petits gribouillis ou de petits cercles de mouvements avec mon crayon permet de créer une transition plus naturelle vers la zone plus claire. Et le fait que j' utilise des mouvements circulaires me permet également de travailler avec le côté du fil de manière douce. Ainsi, plus tard, au moment de mélanger, lorsque j'utiliserai la tige de mixage pour lisser les différents gris, il sera beaucoup plus facile d' obtenir un beau dégradé et de belles transitions entre les différents éléments Maintenant, Maintenant, avec le moignon à mélanger, je peux faire des mouvements circulaires pour atténuer les marques que j'ai ajoutées Cela contribue également à améliorer la transition entre ma zone sombre et la zone adjacente que j'avais ombrée d'un deux B. De cette façon, nous obtenons un véritable lien entre ces éléments. Maintenant, j'ai pris mon crayon 8 B, et je vais travailler un peu sur la face avant du vase. Vous pouvez voir qu'ici aussi, il y a des points légèrement plus foncés par rapport à ce que nous avons appliqué plus tôt. Ces éléments irréguliers le long du bord permettent également de mieux définir cette zone. Je les passe donc en revue en effectuant des mouvements légèrement irréguliers, quelques petits gribouillis ici et là, ce qui va contribuer à améliorer la texture de la section ainsi que l'ombrage Et puis à l'intérieur de la forme, à différents endroits, il y a aussi quelques petites marques, comme ce que nous avons fait, et je vais les ajouter tout de suite. Vous pouvez voir que je travaille très doucement avec le côté du plomb, afin que ces éléments sombres ne ressortent pas trop fort. Je veux vraiment qu'ils paraissent naturels et qu'ils se fondent parfaitement dans ce gris que j'ai fait appliquer au départ. Ce qui m'aide également à travailler de cette façon, c'est de garder mes crayons bien aiguisés. Vous ne pouvez pas le voir, mais je les affine constamment. Avec cet aiguiseur électrique, c'est super rapide et super efficace J'ai des pistes parfaites. Donc, dès que je remarque que la pointe est un peu terne ou qu'elle devient courte, je l'aiguise à nouveau. Une telle pointe pointue et fine est parfaite pour travailler sur le côté du couvercle et obtenir un ombrage de qualité Je vais donc continuer à affiner un peu le domaine. Sur la partie supérieure, il y a quelques touches légèrement plus sombres, et même dans cette zone plus lumineuse, cela contribue vraiment à améliorer le rendu global. C'est en quelque sorte la cerise sur le gâteau de ce vase. Et là, je remarque également que dans cette partie, il y a une ombre vraiment prononcée sur toute la partie supérieure. Je l'ajoute donc avec des touches légèrement plus claires juste en dessous, comme vous l'avez vu. Dans certaines zones, je me suis rendu compte que la zone était peut-être un peu trop foncée, alors j'ai tamponné doucement avec gomme dont j'avais besoin pour l' éclaircir légèrement Vous pouvez également constater que j'ai façonné ma gomme pour qu'elle ait une pointe fine à la fin, ce qui me permet de travailler avec précision Ici, j'ai ces petites zones que je veux soulever où je veux soulever juste un peu de graphite. Je l'utilise donc parce que j'ai remarqué que certaines taches sont en fait un peu plus claires, et quand j'ai besoin d'être précise, je tape simplement avec le bout de la gomme C'est l'un des grands avantages de ce type de gomme. Il ne nous reste plus que les parties supérieures avec le petit ovale en haut et les feuilles, et c'est ce sur quoi nous allons travailler ensuite. Pour cette partie supérieure du vase, vous pouvez voir que tout le côté droit comportera des éléments assez sombres, mais qu'ils ne couvriront pas tout le côté droit. Cela ressemble plus à de petites touches éparses sur une zone plus sombre. Donc, ce que je fais d'abord, c'est créer une base lumineuse car il y a encore des tons clairs et moyens comme celui-ci ici. En plus de cela, j'ajouterai les éléments légèrement plus sombres. Je trouve que c'est plus facile de travailler de cette façon. Sur la haie la plus éloignée, j' aurai quelques zones très claires sur le côté gauche. Et encore une fois, je ne veux pas laisser contour visible ici car c'est vraiment le fond et le contraste entre cette partie lumineuse du vase et le fond qui définiront le bord. L'ombrage ici est très, très léger, très doux C'est donc ce que je fais avec mon crayon, en appliquant quelques traits très légers. Et une fois que ce sera fait, je pourrai y revenir et ajouter des éléments beaucoup plus sombres sur le dessus, qui se démarqueront bien tout ce que j'ai fait jusqu'à présent. Et en plus de cela, je peux ajouter ces touches de lion très foncées qui ressortent magnifiquement. Et puis je vais aussi avoir des taches très sombres sur l'ensemble du vase. Vous pouvez voir que dans certaines zones, il y a de petits points, comme ici sur la partie supérieure, et il y a aussi des marques similaires chez les fils . Je les ajoute donc. C'est peu, mais ça permet d'améliorer un peu la texture. Ce sont mes dernières touches, et je les ajoute maintenant, puis nous pourrons nous concentrer sur le travail sur les feuilles. Une autre petite touche finale est cette zone légèrement plus claire que nous avons ici et également sur le côté. Et par-dessus, il y a cette marque foncée qui fait vraiment ressortir le tout. Passons maintenant aux feuilles. Nous allons commencer par celui de gauche. Il fait très sombre. Vous pourriez être tenté de penser que la feuille entière pourrait être réalisée avec le même gris extrêmement foncé, presque noir, mais il y a un détail subtil à remarquer. Si vous regardez attentivement la feuille, vous verrez qu'elle contient des touches légèrement plus claires. C'est très faible, très subtil, je l'admets, mais c'est certainement là Et c'est exactement ce que je vais ajouter, car chaque petit élément subtil que nous pouvons observer et inclure contribue au réalisme général de la pièce. C'est comme le petit bout que j' ajoute à l'extrémité de la feuille. Ce n'est pas grand-chose, mais je crois sincèrement que cela contribue à améliorer le résultat final. En ce qui concerne le feuillet supérieur , j'ai d'abord dit que j' utiliserais un crayon dix B, mais comme je ne le trouve pas, j'utilise plutôt un huit B, appuyant simplement un peu plus fort. Sur cette feuille, il y a aussi des subtilités. Certaines parties sont légèrement plus claires, d'autres plus foncées. Vous devrez être précis lors de l'ajout ces détails et de ces détails dans la valeur. Alors faites vraiment attention et essayez d'observer ces petits changements de valeur que vous pouvez remarquer ici et là. Prenez cette ligne lumineuse, par exemple, vous pouvez voir qu' à un certain endroit, vous avez cette ligne très claire. Je vais l'ajouter à la fin avec mon stylo eraso. Eh bien, cette petite ligne est petite, mais elle est très importante pour créer du volume dans ce domaine. Donc, ici, j'ai posé une base un peu plus foncée vers le bas. Au milieu, je voulais quelque chose de plus léger. Ensuite, je peux travailler sur les détails les plus sombres que nous voyons comme ce bord le long du bord de la feuille, qui est assez sombre. Et au centre, il y a aussi cette ligne assez foncée que j'ai remarquée. Je travaille donc là-dessus également. Et je trace ces lignes avec la pointe de mon crayon parce que cela me donne une meilleure précision lors du tracé de ces lignes. Et en général, je trace presque toujours des lignes comme celles-ci avec le bout de mon crayon. Ce travail sur les lignes m' a également permis de vraiment assombrir la partie supérieure Et comme je l'ai mentionné plus tôt, il y a cette petite ligne lumineuse que je peux maintenant ajouter à l'aide de mon stylo à effacer comme ceci Nous allons maintenant travailler sur les ombres, l' ombre projetée par le vase et la pomme. Vous pouvez voir que sous le vase, il y a une ligne assez foncée comme celle-ci. Je procède donc au montage, en m'assurant de bien intégrer cette ombre. Nous pouvons également remarquer que cette ombre n'a pas les mêmes valeurs partout. Il y a une grande zone très sombre, mais autour d'elle, il y a des parties un peu plus claires. Je commence par définir soigneusement le bord de l'ombre à l' aide de ces tons plus clairs. De cette façon, lorsque je reviens avec un crayon plus foncé, je peux le superposer légèrement cette zone plus claire, et ce n'est pas grave. Ce ne sera pas un problème. Mais je pense qu'il sera plus difficile de le faire dans l' autre sens, en commençant par l' ombre foncée puis en essayant d' y ajouter les tons les plus Je me sentais plus en confiance en travaillant dans cet ordre. Maintenant, je peux continuer à travailler sur cette ombre, et vous pouvez voir qu'elle fait très sombre juste à côté du vase, et qu'elle s'éclaircit progressivement au fur et à mesure qu' elle se rapproche de la pomme Encore une fois, j'utilise le côté de mon crayon pour l' appliquer, ce qui permet de contrôler la pression et la couvrance. Il est très important de jouer avec les valeurs ici, ne pas traiter l'ombre comme une teinte foncée unique et uniforme. C'est une erreur courante lorsqu'on apprend à dessiner, penser qu'une ombre n'est qu'une couleur foncée utilisée partout. Mais il est clair qu'il y a plusieurs nuances de gris ici, et c'est cette subtile variation de valeur qui donne à l'ombre un aspect crédible et réaliste Prenez donc à chaque fois le temps d'observer les différentes valeurs que vous pouvez repérer dans la zone. Et pour la pomme, c'est pareil. Après avoir travaillé sur les zones légèrement plus claires que nous avions comme base, je suis passé aux parties les plus sombres, mais maintenant je me rends compte que je peux ajouter quelques touches plus claires ici et en arrière-plan. De cette façon, l'ombre paraîtra plus raffinée et plus réaliste. Vous Maintenant, je peux commencer à travailler sur la surface. Ici aussi, sur le support, sur la surface, nous ne devrions pas voir de contours car les lignes que j'avais initialement dessinées pour le contour sont plus foncées que l'ombrage que je dois appliquer maintenant, et cela ne fonctionne tout simplement pas Vous pouvez clairement voir qu'aucune ligne foncée ne définit le bord de la surface. J'ai donc relevé ces limites et j'ai commencé à travailler avec un crayon HB Je travaille très doucement en utilisant le côté de la laisse avec un toucher très léger pour que la surface reste belle et légère. De cette façon, j'obtiendrai un bon contraste avec le fond et avec les ombres des objets. De plus, à côté du vase sur la gauche, on peut remarquer un bord légèrement plus foncé. Je le souligne donc. Et dans cette petite zone adjacente sur la gauche, j'appuie un peu plus fort avec le crayon pour qu'il ressorte vraiment comme ça. Ensuite, je vais m'assurer que toutes les nuances que j'ai faites se marient bien avec le reste en utilisant des coups de pinceau doux comme celui-ci, toujours en mouvements de céréales, pour créer un aspect plus lisse et plus doux dans la zone ombragée grâce à ce mélange Ensuite, je ferai de même pour la partie inférieure. Vous ne me verrez pas utiliser ce que vous m'avez déjà vu utiliser la gomme à effacer ici, et c'est parce que pendant que je mélange avec le pinceau, un peu de graphite s'étend au-delà de la zone prévue, alors j'efface les pointes pour le nettoyer Et lorsque je jette de l'ombre sur les objets, je m'assure de les recouvrir avec ces légers coups de pinceau pour rendre le résultat plus doux et plus agréable. Maintenant, je vais ombrer la partie inférieure de la surface. Nous avions dit plus tôt que j' utiliserais deux B pour cela, donc c'est ce que je fais ici. Et je continue à travailler doucement avec le côté du couvercle, en prenant mon temps pour obtenir un résultat fluide et harmonieux. Et voici un petit détail qui fait également toute la différence. Encore une fois, vous devez entraîner votre œil à repérer ces choses. Cela n'arrivera pas tout de suite, mais avec le temps, vous pourrez les remarquer. Et ce à quoi je fais référence, c'est à cet élément légèrement plus foncé juste au bord de la partie supérieure. Cela permet d'améliorer la sensation de profondeur, tandis que sur le côté gauche, il y a aussi un détail important. C'est une zone très claire presque blanche. Je vais donc m'assurer que cela soit clairement visible sur mon dessin. J'ai presque fini d' ombrer toute la zone. Ensuite, je vais passer dessus avec le pinceau pour tout mélanger comme je l'ai fait jusqu'à présent. Une fois cela fait, nous pourrons passer aux petits détails essentiels que j'ai mentionnés plus tôt, ceux qui ont vraiment fait la différence. Je vous reverrai donc une fois le mélange terminé afin que nous puissions apporter la touche finale Maintenant que j'ai fini de mélanger toute cette partie inférieure, je peux revenir en arrière et travailler sur les petits détails que j'ai mentionnés plus tôt, détails qui feront vraiment la différence tout le bord, il y a cet élément légèrement plus foncé. C'est donc ce que j'ajoute maintenant. Je l'ombrage doucement d' un petit trait pour le faire ressortir bien Vous pouvez également remarquer une petite touche foncée sur le côté droit Je l'ajoute donc également le long de ce bord, juste un peu de ton foncé. Enfin, sur le plan supérieur, il y a des zones plus claires qui se démarquent vraiment Vous pouvez voir qu' ils partent également de la partie supérieure juste au-dessus de cette ligne foncée. J'ajoute donc cette touche légère pour aider à le faire ressortir clairement. Et sur le côté gauche, ces reflets très clairs ne sont pas encore visibles lorsque je les efface. Mais une fois que j'ai travaillé sur le fond, en utilisant un crayon plus foncé, cela augmentera le contraste, ils apparaîtront vraiment et définiront mieux la forme. Je peux maintenant commencer à travailler sur le fond. Et la première chose que je fais, c'est de contourner les bords pour les protéger un peu. Ainsi, lorsque je commence à ombrer l'ensemble de l'arrière-plan d'un trait large, ce bord initial m'aidera à préserver mon dessin et protéger les éléments que j'ai déjà terminés Donc, même s'il s' agit d'un petit domaine, je prends tout de même le temps de le travailler avec soin. Je dis « petit » parce que je me concentre sur le contour, mais j'utilise toujours le côté du couvercle, pour faire les petits gribouillis que j'ai l'habitude de faire pour ombrer l'arrière-plan et comme je l'ai fait pour ombrer les autres éléments de Vous m'avez peut-être vu passer ma main sur le papier, et c'est parce qu'avant de commencer l'arrière-plan, il est très important de s'assurer que la surface est propre et exempte d'imperfections. Sinon, de petites marques peuvent apparaître et ressortir plus qu'elles ne le devraient. C'est pourquoi je recommande toujours de nettoyer le papier juste avant de commencer. Ensuite, je vais passer à la coloration de l'ensemble de l'arrière-plan, en utilisant de nombreux mouvements de va-et-vient comme celui-ci jusqu'à ce que toute la zone soit remplie. Pour obtenir un arrière-plan lisse, il est essentiel d'appliquer pression constante sur le crayon à tout moment. Vous devez également choisir le bon crayon, ni trop clair, ni trop foncé, et maintenir cette pression constante et moyenne sur toute la surface. Il est vrai que cela prendra un peu de temps puisque le fond couvre une grande partie de la nature morte. Mais cela aide vraiment à faire ressortir le contraste et rendre le dessin bien meilleur. Je prends donc mon temps de cinq à dix minutes, ce qui n'est pas si long au final, et je me concentre sur l'obtention d'un arrière-plan propre et uniforme. Et une fois que j'en aurai fini, ce dessin sera terminé. Oh. Voici donc mon dernier dessin. J'ai donc fait une petite erreur car j'oublie une petite imperfection côté de la feuille à droite Vous pouvez donc voir qu'il y a quelque chose d'un peu sombre. J'ai oublié de nettoyer, mais ça va. C'est ainsi que se termine ce didacticiel. J'espère vraiment que vous l'avez aimé car c' était vraiment agréable de travailler sur les ombres, les contours et tout ce que nous avons vu jusqu'à présent. Merci donc beaucoup d'avoir regardé. N'hésitez pas à partager votre résultat final et très bientôt avec un autre tutoriel. 16. Presentation of the Proportions techniques: Dans ces sections, nous allons nous concentrer sur les proportions, ce qui est absolument essentiel pour obtenir des dessins réalistes , car nous pouvons obtenir le meilleur ombrage qui soit Si nous n'avons pas un dessin réalisé avec les bonnes proportions, le dessin ne vous semblera pas correct. C'est pourquoi il est vraiment important d'avoir quelque chose qui semble réaliste. Dans ces sections, je vais donc vous montrer différentes techniques. Nous allons donc voir la technique d' observation de base. Ensuite, nous verrons l'angle visée qui permet une plus grande précision Enfin, la dernière chose que je vais partager avec vous est la technique du salut, une technique que j'aime beaucoup qui vous permet de dessiner des choses à partir d'une photographie ou du monde qui vous entoure avec une très grande précision. Je vais donc vous montrer toutes les techniques et partager avec vous quelques tailles d'oreille que je vous recommande vivement de faire également. Alors prenez vos crayons et voyons comment procéder. 17. The Sighting Technique: Voyons les techniques de citation pour dessiner avec des proportions appropriées. Pour dessiner avec précision, nous utiliserons cette technique de citation. La position à adopter est très simple. Je me tiens debout, un bras complètement étendu, tenant un objet tel qu'un crayon ou, de préférence, une règle, ce qui permet une plus grande précision. Mon bras reste complètement étendu car cet objet me permet mesurer les éléments que je souhaite dessiner et de m'assurer de la bonne proportion. L'œil situé du même côté que mon bras étendu reste ouvert tandis que l'autre œil est fermé. C'est l'œil que j'avais l'habitude de viser. Lorsque je veux mesurer un élément, je reste dans cette position et marque la mesure dans mon carnet de croquis, utilisant ma main libre pour dessiner si je cite avec une main avec laquelle je ne dessine pas Sinon, je change brièvement de main pour enregistrer la mesure dans mon carnet de croquis et la dessiner Ensuite, si je veux mesurer une autre partie de l'objet, je reprends exactement la même posture, bras complètement étendu, et je vise le nouvel élément. Il est essentiel de ne pas changer de position et de garder le bras complètement tendu à chaque mesure. Si je bouge ou plie mon bras, les proportions de mon dessin seront déformées et mon dessin perdra en précision. Voici la même position, mais cette fois vue de face avec le bras complètement étendu et l'œil ouvert du même côté que le bras étendu. Et j'ai oublié de le mentionner, mais la tête est légèrement inclinée vers l'épaule du côté du bras étendu Voyons un exemple avant appliquer cette technique à un sujet sur papier. J'ai cet olivier devant moi et je veux le dessiner. Mon bras est complètement étendu et j'utilise ma règle pour mesurer la branche principale. Je place ma règle en haut de la branche et je place mon pouce là où se trouve la branche. Lorsque je vérifie mes mesures, je constate que du haut de la branche jusqu'à la partie inférieure, elle mesure 6 centimètres. Cela signifie que je peux le reproduire avec ces dimensions exactes, ou je peux appliquer un rapport de multiplication et agrandir la branche deux, trois fois ou même cinq fois si je le souhaite. Ici, nous pouvons voir que lorsque j'ai mesuré, ma règle était légèrement inclinée comme ça Ainsi, sur mon papier, je peux également l'incliner de la même manière pour garantir une plus grande précision. Ensuite, en partant du haut de cette branche, je peux continuer avec le feuillage. En plaçant ma règle, je mesure de la branche à l'extrémité du feuillage et j'obtiens 3 centimètres. Je vais donc reproduire ces 3 centimètres sur mon papier, ou si j'ai choisi d'appliquer un rapport de multiplication à la branche, j'appliquerai le même ratio ici. Ensuite, je continue avec toutes les autres faces du feuillage et je les marque dans mon carnet de croquis Je peux soit dessiner les éléments avec précision tout de suite, soit créer un petit diagramme qui décrit chaque côté de l'arbre que je souhaite dessiner, notant les différentes mesures. C'est à vous de décider quelle méthode vous préférez. Que vous souhaitiez tout dessiner avec précision en une seule fois ou créer un schéma préliminaire avec des mesures avant de faire le dessin final. C'est donc à vous de décider. Voyons maintenant un exemple de la façon d'appliquer cette technique avec cet arbre que nous allons dessiner. Il est plus facile de faire une démonstration à l'aide d'une photo plutôt que de le faire en direct, car le réglage de l'appareil photo et paramètres serait un peu trop compliqué. Nous allons donc appliquer cette technique directement sur le papier de la photo. Pour commencer, nous pourrions esquisser des formes simples pour dessiner l'arbre, comme nous l'avons vu auparavant. Cependant, pour gagner du temps, nous allons directement travailler sur les proportions et voir tout de suite comment utiliser cette technique sur notre article. À l'aide de notre règle et de notre crayon, nous allons dessiner ce grand arbre aux proportions précises. Et dans ce cas, par rapport à la photographie, nous allons la dessiner à une plus grande échelle que celle que nous voyons sur la photographie de référence. Nous allons donc voir comment appliquer ce rapport de multiplication et rendre les choses plus grandes que ce que nous voyons. Il est vrai que cette technique peut être réalisée avec un crayon, un pinceau ou même un stylo. Beaucoup de gens le font. Cependant, je trouve qu'il est compliqué d'estimer les proportions de cette façon. Par exemple, en essayant de déterminer si le tronc est à peu près de la même longueur qu'une petite section du crayon ou si une branche fait la moitié de cette longueur, j'ai trouvé cette approche trop imprécise L'utilisation d'une règle rend les choses beaucoup plus claires et précises. Puisque nous disposons de cet outil, il serait dommage de ne pas l'utiliser. L'objectif ici est de mesurer et de maintenir les bonnes proportions. Il est donc judicieux d'utiliser un outil garantissant une réelle précision. Dans ce cas, le souverain. Commençons donc et souvenons-nous la position dont nous avons parlé : le bras complètement étendu, la tête légèrement inclinée, un œil ouvert, et je garde la même position Bien sûr, avec une photographie, c'est compliqué de le faire, mais imaginez que nous le fassions. Commençons par mesurer le tronc. J'imagine que mon bras est complètement étendu, et je prends cette mesure. De la base jusqu'au point où il se divise en plusieurs branches, je vois qu'il mesure 3 centimètres. Je veux dessiner un tronc plus grand, je vais donc appliquer un rapport de multiplication de quatre. Cela signifie que chaque mesure que je vais prendre sera multipliée par quatre. Sur mon papier, je dessinerai le coffre en conséquence. Je remarque également que le tronc est bien droit. Quand je vérifie sa hauteur, je vois qu'il mesure 3 centimètres, et quand j'observe son angle, il apparaît principalement vertical. Donc, sur mon papier, je vais mesurer 12 centimètres puisque je multiplie par quatre, et je vais dessiner le tronc comme un élément droit Maintenant, mesurons la largeur du tronc. Je replace ma règle et je prends la mesure. Comme il s'agit d'un tronc assez uniforme qui ne grossit pas beaucoup ou ne s'amincit pas, je n'ai pas besoin de mesurer de points supplémentaires. Quand je mesure, je vois que la largeur est de cinq millimètres. En appliquant mon ratio de multiplication de quatre, je calcule que cinq millimètres multipliés par quatre sont égaux à 20 millimètres, ce qui équivaut à 2 centimètres. Donc, sur mon papier, la largeur du tronc sera de deux centimètres Je vais le dessiner en ligne droite car le tronc reste toujours droit de haut en bas. Maintenant, en partant du tronc, je vais mesurer l'une de ses branches. Encore une fois, j'utilise la même technique, en imaginant mon bras complètement étendu Je mesure la branche et je vois qu'elle mesure six millimètres. En multipliant par quatre, j'obtiens 24 millimètres ou 2 centimètres et quatre millimètres, que je vais appliquer à Ensuite, j'observe que la branche suit un certain angle s'étendant dans une direction spécifique. Je vais essayer de conserver cet angle. Si mon bras était étendu, je m'efforcerais de garder la même orientation que mon bras. Je transfère ensuite cette mesure sur mon papier. Cela étant dit, il ne s'agit pas d'une science exacte. Si l'angle n'est pas parfaitement précis, nous pouvons comparer les éléments entre eux, les comparer avec une référence et les ajuster s' ils ne s'alignent pas correctement. Si nous avons besoin d'un angle précis à 100 %, je présenterai plus tard un outil permettant de citer un angle parfait. Et je continue à mesurer la partie suivante de la branche. Nous avons vu plus tôt qu'il s'agissait au départ d'une petite section avant de se prolonger dans une branche plus longue. En mesurant sa longueur, je peux ensuite le transférer sur mon dessin, afin de le tracer en conséquence. Cependant, je n'ai pas nécessairement besoin de mesurer chaque élément. Par exemple, je n'aurai pas toujours besoin de mesurer la largeur de la branche que je viens de dessiner. Donc, pour garantir la précision sans tout mesurer, je compare simplement cette branche aux autres éléments de mon dessin. Par exemple, si je compare son épaisseur à celle du tronc à celle du tronc, je remarque qu'il est environ deux fois plus fin. Je vais donc le dessiner avec la moitié de l'épaisseur du tronc. Et en comparant différentes pièces les unes aux autres, je peux maintenir une précision proportionnelle dans mon dessin. Bien que cette technique observation soit excellente pour des mesures précises, nous pouvons également compter sur nos capacités d'observation et instinct pour obtenir la bonne proportion La comparaison des éléments entre eux est un autre aspect essentiel pour obtenir un dessin bien équilibré et précis. Et c'est quelque chose que j'utilise à chaque fois. De là, je regarde ma photo et je remarque que la structure s'élève d'un centimètre en ligne droite Dans mon dessin, je vais donc l'allonger de 4 centimètres. Ensuite, je vois une position de branche clairement visible au-dessus de celle que j'ai tracée précédemment. Tu peux voir celui-ci. J'observe donc qu'il est légèrement plus fin et plus long. Comme ces différences sont perceptibles, je n'ai pas besoin de les mesurer avec précision. Je peux simplement le dessiner plus long et un peu plus fin que la branche précédente. Cela montre qu'il n'est pas nécessaire de mesurer chaque élément pour obtenir de la précision. Les mesures initiales fournissent une base solide, et en comparant les différentes pièces les unes aux autres, nous pouvons positionner les éléments restants avec précision. Cela garantit que notre dessin conserve les bonnes proportions. Si vous n'êtes pas précis sur le sujet de la réunion, ce n'est pas grave, surtout lorsque vous dessinez un arbre comme celui-ci, la nature est imparfaite Donc, si vous dessinez de petites inexactitudes, c'est parfaitement bien. Ça aura toujours l'air bien. Le plus important est maintenir la cohérence globale de votre dessin, ainsi que de l'ombrage que vous aurez par la suite La perfection n'est pas nécessaire. L'essentiel est de conserver une structure cohérente. Maintenant, pour cette partie du tronc, juste là, je mesure et je vois qu'elle fait environ 3 millimètres sur ma référence. Je transfère donc cette mesure et j'applique mon ratio, ce qui me donne un centimètre et 2 millimètres. Cela définit l'espacement pour cette section de l'arbre. Maintenant, en descendant, je remarque un gros nœud, pas une jonction où plusieurs branches se rejoignent s'étendent dans des directions différentes Je veux l'inclure dans mon dessin et je le mesure sur ma photo et il semble qu'il mesure environ 1 centimètre Puisque j'utilise mon ratio, je sais qu'il sera de 4 centimètres dans mon dessin final. J'observe également que cette section suit une courbe. Donc, lorsque je le dessinerai, je reproduirai cette courbe pour qu'elle corresponde à la forme naturelle de l'arbre. Sur ma photo, je remarque cette très longue branche, et je vois que cette branche mesure 3 centimètres. Donc, quand je le transférerai, ce sera sur mon dessin, il fera 12 centimètres. Je remarque également que cette branche comporte de nombreuses courbes et suit des directions différentes. J'essaierai donc de l' appliquer plus tard. Cependant, pour l'instant, je ne me concentre pas sur l'obtention d'un plan parfait. Ce n'est pas l'objectif à ce stade. Ma principale priorité est de reproduire la branche tout en m'assurant que sa longueur est précise. Eh bien, j'essaie toujours d'obtenir un beau contour pour le moment, mais ce ne sera pas mon contour final. Et si je veux faire quelques ajustements par la suite, eh bien, ce sera possible. Et ainsi de suite, je pourrais appliquer ce processus à l'ensemble de l'arbre, mais dans l'ensemble, il suivra la même méthode. Je pense que vous avez maintenant une bonne compréhension de la technique. Maintenant, c'est à vous de le mettre en pratique. 18. The Anglet Sighting Technique: Parlons maintenant de la visée angulaire. Nous avons vu qu'avec notre technique utilisant une règle, nous pouvons mesurer les angles de manière assez précise. Cependant, si nous voulons encore plus de précision, nous pouvons utiliser un outil de visée angulaire que nous pouvons créer nous-mêmes Pour cela, j'ai deux feuilles de papier assez rigides, chacune de 4 centimètres de large et d' environ dix à 15 centimètres de long. J'ai également une attache en papier appelée Attach Parisien, qui sera utilisée pour fixer les pièces ensemble L'attache en papier se compose d'une tête ronde sur le dessus et de deux griffes flexibles en dessous qui peuvent être manipulées Sur mon papier, vous pouvez voir que j'ai percé petits trous dans les deux feuilles de papier au même endroit à l' aide d'un cutter, puis que j'ai finalisé les trous avec l'attache J'insère donc l'attache dans le trou du premier morceau de papier, puis je fais de même pour le second Une fois les deux pièces fixées, j'écarte les deux griffes pour les fixer, empêchant ainsi les papiers de se détacher Cet outil simple nous permet de mesurer les angles avec plus de précision. Vous pouvez trouver des versions prêtes à l'emploi dans les magasins, ce qui peut être encore plus précis, mais vous pouvez aussi facilement créer une vous-même, comme ceci. Cet outil sera utile dans certains cas. Au lieu de mesurer les angles avec une règle, je l' utiliserai parfois directement, en particulier lorsque je dessine des bâtiments avec plusieurs angles complexes. Dans de telles situations, cet outil est souvent plus pratique qu'une règle. Pour qu'elle soit aussi précise que la règle utilisée pour mesurer l'objectif, je vais y ajouter des marques indiquant les centimeal Bien que ce ne soit pas aussi exact qu'une règle, cela me donnera tout de même une bonne approximation mesurer à la fois l'angle avec précision et la longueur. Si j'ai besoin d'une précision absolue à la fois pour l'angle et pour la longueur, je peux simplement utiliser les deux outils ensemble. Ici, mes mesures sont très précises lorsqu'il s'agit du bon angle. Cependant, dès que je règle légèrement l'outil, la précision diminue. Par exemple, avec cet angle particulier, je pourrais commencer par un au lieu de zéro. Si je le positionne différemment, le moment, la mesure pourrait se situer entre 0 et 1 Bien que cela réduise légèrement la précision, cela fournit tout de même une approximation utile de la longueur tout en garantissant la précision de l'angle. De même, lorsqu'un angle est supérieur à 90 degrés, je n'ai pas de point de référence direct sur mon échelle actuelle. Pour améliorer cela, je peux avoir des marquages supplémentaires traditionnels sur mon angle de visée, tels que moins un et moins deux, afin de pouvoir mesurer plus efficacement les angles plus de 90 degrés. Parfois, je dois également mesurer un angle dans la direction opposée car mon outil est positionné différemment, et si je veux le même niveau de précision que dans l'orientation d'origine, je peux avoir des marques de longueur sur les deux côtés de l'outil De cette façon, je peux garantir des mesures précises quelle que soit la direction de l'angle. Voyons maintenant comment utiliser cet outil. Si je porte ce bâtiment à mesurer à l'extérieur, je le tiendrai de la même manière que nous l'avons fait avec le pinceau et la règle, bras complètement tendu, en maintenant une position stable. Commençons donc par ce côté droit. Je peux facilement tracer cette ligne droite sans trop de difficulté puisqu'il n' y a pas d' angle significatif à mesurer. n'y a qu'un petit rebord en bas, mais c'est le seul détail à prendre en compte pour ce côté du bâtiment Et nous allons dessiner à l'échelle, c'est-à-dire avec la même longueur. Je continue donc à vérifier que la dimension est correcte. Ici, je peux utiliser ma règle, en supposant que je travaille avec les deux outils pour prendre des mesures. Et je confirme que la longueur est bien de 13,5 centimètres, et il semblerait que j'ai un bon I quatre proportions sans même avoir mesuré au préalable, j'ai eu la bonne réponse. Donc c'est plutôt bien. Continuons donc avec cet angle. J'imagine donc que j'ai le bras complètement étendu et que j'aligne le bord de mon outil avec le côté du bâtiment que j'ai déjà dessiné. Une fois qu'il est correctement aligné, me suffit d'ouvrir l'outil pour qu'il corresponde au bon angle. À ce stade, je peux voir que l'angle formé par le bâtiment, c'est l'angle, et j'obtiens également une longueur approximative, que j'estime à environ 6,7 centimètres ou 6,8 centimètres. Maintenant, en maintenant cet angle stable et en veillant à ne pas le modifier, je le transfère sur mon papier à dessin pour maintenir précision et m'assurer que j' ai le bon angle pour cette partie du bâtiment. Je peux maintenant tracer cet angle tel que je l'ai observé. Il s'étend jusqu'au cinquième centimeau rouge. Et oui, je vais fermer ma ligne. J'ai oublié de le faire et de le tracer doucement. Comme toujours, je m'en tiens aux bonnes habitudes que nous avons établies. N'exercez pas trop de pression sur les nouvelles lignes. De plus, pour mesurer l'angle suivant, le processus est très simple. Je place mon outil à l' angle du bâtiment en l' alignant sur un côté selon l'angle précédemment dessiné Et je vois que ce segment mesure environ 5 centimètres, juste un peu moins. Je peux donc continuer et le dessiner. À partir de là, je peux légèrement tracer cette nouvelle ligne. Maintenant, je peux continuer à décrire le reste du bâtiment Je remarque que j'ai une autre ligne droite, donc je peux la tracer sans avoir à mesurer à nouveau. Je peux également dessiner la ligne centrale, qui est également droite, en veillant ce que tout reste aligné et proportionnel. J'ai oublié de le mentionner, mais tout comme avec la méthode classique de piqûre que nous avons vue plus tôt, je peux appliquer le ratio que je veux. Si je veux que mon dessin soit deux fois plus grand, je multiplie simplement toutes mes mesures par deux. Si je veux qu'il soit trois fois plus petit, je divise mes mesures par trois et ainsi de suite. Comme auparavant, nous pouvons appliquer le ratio d' échelle de notre choix pour ajuster les proportions à nos besoins et à ce que nous voulons voir figurer sur notre papier. Ce bâtiment peut être dessiné en utilisant une perspective à deux points, mais si j'ai du mal à trouver les orifices de fuite, j'ai l'impression que mes angles ne s'alignent pas correctement, même avec la perspective, ou si je ne veux pas utiliser la technique de la perspective, je peux utiliser cet outil pour tracer les éléments restants du bâtiment Je peux m'en servir pour mesurer les angles des fenêtres, puis les angles des balcons. En fait, je peux mesurer n'importe quel angle présent sur le bâtiment en combinant mesures d' angle avec la mesure de la longueur l' aide des marques centimétalliques de cet outil, d'une règle ou des deux Je peux déterminer avec précision où placer les fenêtres, les balcons et leur hauteur C'est vraiment un excellent outil, et lorsque vous en fabriquez un vous-même, assurez-vous de couper les bords aussi droits que possible. Je dois admettre que sur mon propre outil, les bords marqués en centimeaux auraient pu être un peu plus précis 19. The Grid Technique: Explorons une nouvelle technique qui permet d'obtenir les bonnes proportions. C'est une méthode qui me tient particulièrement à cœur car elle m'a vraiment aidée à m'améliorer. Si je n'avais pas utilisé cette technique, je n' aurais probablement pas pu créer les peintures que j' ai réalisées jusqu'à présent. Donc, la technique de la grille, pour un peu de contexte, est une technique qui a vraiment fait la différence pour moi Quand j'avais 10 ou 11 ans, ai découvert la méthode de la grille et j'ai commencé à Plus tard, vers 13 ou 14 ans, j'ai suivi un cours de dessin et le professeur m'a dit qu' un vrai artiste n' utilisait pas la technique de la grille. C'est le seul cours de dessin que j'ai suivi de ma vie, mais cette phrase m'a marqué pendant longtemps. Comme le professeur l'a dit, j'ai pensé je ne devais pas utiliser la méthode de la grille. Alors pendant des années, j'ai arrêté de l'utiliser. J'ai continué à m'améliorer dans certains domaines, mais je me suis également sentie bloquée dans certains domaines. Ce n'est que lorsque j'ai recommencé à utiliser la technique de la grille vers 20 ans ou quelque chose comme ça que j'ai enfin pu dessiner avec de meilleures proportions et créer une composition vraiment équilibrée. L'utilisation d'une grille élimine tout doute ou toute difficulté quant aux proportions, car elle nous permet concentrer entièrement sur le dessin et l'ombrage, veillant à ce que tout reste au bon endroit Cette méthode est un outil mathématique, tout comme une règle ou un crayon utilisés pour mesurer avec les techniques de piqûre que nous utilisions auparavant. Au lieu de mesurer avec un outil physique, nous utilisons des lignes de quadrillage pour nous guider, ce qui nous permet d'obtenir des proportions précises sans effort C'est une technique que nous utilisons principalement lorsque nous dessinons à partir d'une photo, mais elle peut également être appliquée dans la vie réelle à l'aide d'un petit outil que je vais vous montrer dans quelques minutes. Voici donc ma photographie de référence, ce magnifique tournesol que j'ai déjà quadrillé à l'avance Donc, sur ce tournesol, la largeur est de 16 centimètres et la hauteur de 24. J'ai recadré l'image au préalable pour qu' corresponde à ce rapport hauteur/largeur, ce qui facilite l'application d'une grille J'ai divisé la largeur, qui est de 16 centimètres, en carrés de deux centimètres, ce qui me donne huit carrés de diamètre Juste là, tu peux le voir. Et j'ai divisé la hauteur 24 centimètres en carrés de deux centimètres, ce qui me donne 12 carrés de moins. En utilisant la dimension spécifique, création d'une grille cohérente devient beaucoup plus simple. Si ma photographie de référence avait des dimensions telles que 25,3 centimètres sur 17,5 centimètres, il serait beaucoup plus difficile de trouver un multiple commun pour les deux mesures En travaillant avec des carrés de deux centimes, je m'assure d'avoir une grille 12 carrés de hauteur et de huit carrés de largeur, ce qui facilite grandement le processus de transfert lorsque je commence à dessiner Ce que j'aurais pu faire si je n'avais pas eu de telles dimensions , c'est d'avoir des carrés un peu plus petits pour le dernier, ceux du bas ou ceux du haut. Cela aurait également été possible, créant des carrés de deux centimeaux, mais avec des carrés plus petits en haut, en bas, à gauche ou à droite C'est également une possibilité. J'ai choisi d'utiliser des carrés de deux centimètres car cela me semble être le meilleur compromis pour atteindre Si j'avais utilisé des carrés de cinq centimètres, cela aurait été trop imprécis et n'aurait pas été autre côté, si j'avais créé carrés de 1 centimètre ou de 5 millimètres, la grille aurait été si détaillée qu'il serait difficile de naviguer avec trop de petits carrés, et le risque de me perdre serait contraire à l'objectif de la technique de la grille En utilisant des carrés de deux centimètres, je maintiens un bon équilibre La grille est suffisamment détaillée pour être précise, mais elle n'est pas écrasante. Ensuite, je souhaite reproduire cette grille sur mon papier à dessin. Cependant, mon papier est plus grand que ma photo de référence et je souhaite utiliser le papier entier. Cela ne pose aucun problème , car la grille nous permet de redimensionner le dessin à la hausse ou à la baisse. L'essentiel est de conserver le même nombre de carrés sur mon papier à dessin que sur ma photo de référence. Ici, vous pouvez voir que j' ai huit carrés de largeur et 12 de hauteur. Ainsi, sur mon papier à dessin, je vais également le diviser en huit carrés de large et 12 carrés de bas en bas, même si la taille réelle des carrés change. En gardant le même nombre de divisions, je m'assure que mon dessin restera proportionnel. Mon papier à dessin mesure 24 centimètres de largeur. Si je calcule rapidement, j'ai besoin de huit carrés sur ces 24 centimètres de largeur. Pour ce faire, je vais créer des carrés de trois centimètres car huit multiplié par trois égale 24 De cette façon, j' aurai le même nombre de carrés que sur ma photo de référence. Maintenant, la hauteur de mes papiers est de 36 centimètres. Comme j'ai besoin de 12 carrés de hauteur, 12 multiplié par trois égale 36 centimètres. J'aurai donc le même nombre de carrés que sur mon image de référence, mais chaque carré fera 3 centimètres au lieu de deux. Cela me permet d' agrandir mon dessin proportionnellement tout en préservant la précision C'est pourquoi, avant de commencer le dessin, il est essentiel de planifier soigneusement la taille de la grille pour s'assurer qu'elle correspond aux proportions de référence. Sur ma photo de référence, vous pouvez voir que j'ai ajouté des coordonnées. J'ai étiqueté la largeur avec des lettres en haut et en bas, et j'ai étiqueté la hauteur avec des chiffres. Il est ainsi beaucoup plus facile de naviguer dans la grille lorsque vous transférez le dessin sur du papier. Sur ma photo de référence, j'ai fortement appuyé sur les lignes de la grille pour qu'elles soient clairement visibles. Ce n'est pas un problème car la photo sera supprimée par la suite En fait, ces jours-ci, je crée principalement mes grilles numériquement à l'aide d'une application sur mon téléphone Cependant, sur mon dessin actuel, je ne veux pas que les lignes de la grille soient visibles. C'est pourquoi je dois les dessiner très légèrement afin pouvoir les effacer facilement une fois mon dessin terminé. Pour ce faire, j' utiliserai probablement un crayon à deux H, ce qui me permettra de créer des lignes extrêmement légères et pâles qui n'interféreront pas avec l'œuvre finale Pour que les lignes soient clairement visibles pendant la leçon, j'utiliserai un crayon à quatre points B, mais je vous encourage vivement à utiliser un crayon beaucoup plus clair pour votre propre dessin. Avant de tracer les lignes, je prends ma règle et je marque des petits points tous les 3 centimètres. Cela permet de tracer plus facilement des lignes droites plus tard et garantit la précision de ma grille. Si je sais que mes multiples sont gratuits, je peux compter trois, six , neuf, 12, etc. Sinon, je déplace simplement ma règle tous les 3 centimètres et je marque les points. Je le fais à la fois en bas et en haut du papier, en entrant, je peux relier les marques avec précision pour obtenir des lignes parfaitement droites. Une fois que j'ai fini de marquer le long de la hauteur, je répète le processus le long de la largeur. Cependant, comme ma règle ne mesure que 3 centimètres de long, je devrai utiliser une règle plus longue pour relier correctement les lignes verticales. Ainsi, tout comme nous avons marqué des points en haut et en bas, nous faisons de même sur les côtés gauche et droit pour nous assurer que tout est parfaitement aligné. Soyez également très léger lorsque vous marquez ces petits points car ils devront également être effacés ultérieurement Maintenant, en utilisant ces points, je vais tracer mes lignes de quadrillage. Normalement, je les rendrai très pâles, mais à des fins de démonstration, je les rendrai plus visibles Une fois que toutes les lignes seront tracées et connectées, nous passerons à l'étape suivante. Un petit conseil lorsque vous n'avez qu' une petite règle mais que vous devez tracer une ligne plus longue. Sur ma grille pour cette ligne supérieure, je marque des points tous les 3 centimètres en cours de route. Cela m'a permis d'étendre la ligne étape par étape, reliant chaque segment avec précision jusqu'à ce que j'atteigne le dessus. Comme il n'était pas possible d'utiliser une règle plus grande sur cette configuration, cette technique m'a permis de compléter la grille avec précision malgré les limites. J'ai marqué les coordonnées avec un surligneur pour plus de visibilité, mais bien sûr, vous ne devriez jamais le faire Utilisez plutôt un crayon léger pour qu'il reste effaçable. Alors, par où commencer ? Maintenant que tout est prêt, nous pouvons commencer à dessiner et nous poser cette question. Par où devons-nous commencer ? Au lieu de vous dire par où commencer, laissez-moi d'abord vous dire par où ne pas commencer. Commencer par les pétales semble difficile car ils contiennent nombreux détails et sont placés au milieu de plusieurs cases de la grille, ce qui les rend plus difficiles à placer Il en va de même pour la feuille. Il se trouve au milieu et n'est pas idéal non plus car il est isolé et ne fournit pas de point de référence solide. Il est préférable de commencer par des éléments simples, faciles à placer et qui renforceront votre confiance en vous. Parmi celles-ci, le flacon est un excellent choix car sa structure claire le rend plus facile à suivre. Et nous pouvons commencer par le bas et construire vers le haut, en maintenant une progression logique. Pour commencer avec cette bouteille, je sais que sa base commence dans carré C 12 sur ma grille de référence, je vais donc situer le même carré sur ma grille de dessin. Et j'observe que la bouteille est positionnée sur le côté droit du carré approximativement à cet endroit. Donc, sur cette base, je peux le retracer légèrement. Ensuite, la courbe s'étend vers le haut jusqu' à C dix en ligne assez droite. Alors en C neuf, la courbe n'atteint pas le haut du carré. Il s'arrête légèrement avant le bord supérieur. À partir de là, les courbes continuent en D neuf, passer en douceur à la section suivante Je travaille sur ma grille à l'aide de la pointe de mon crayon pour garantir une précision maximale. Cette méthode de grille nous permet non seulement d'être très précis, mais également de gagner beaucoup de temps. Comme nous évitons l'étape de création manuelle des formes et des commandes, le processus devient beaucoup plus rapide et efficace. Je peux soit fermer le flacon par le haut , soit continuer sur le dessus. Cela n'a pas vraiment d'importance. Continuons donc sur le dessus. Pour travailler plus efficacement, j'observe que cette ligne droite va de F 12 à F 10, donc je peux la tracer directement. Encore une fois, j'insiste sur l'importance de dessiner très légèrement. Même si j'utilise la méthode de la grille, ces lignes de contrôle sont temporaires. Ils seront probablement effacés ultérieurement en fonction des derniers détails du dessin En regardant ma photo de référence, j'ai remarqué qu'au milieu du D huit, il y a une section de courbe qui s'étend vers le haut en ligne droite. Je me place au milieu du D huit sur ma grille de dessin et trace soigneusement cette courbe. Ensuite, je prolonge la ligne vers le haut jusqu'à D sept. En D sept, je peux voir le bord du vase, qui devient visible. Je dessine légèrement cette partie inférieure et je la connecte au dessus du vase une fois que je l'ai terminée Maintenant que ma bouteille est fermée, je peux soit continuer avec la partie supérieure soit la terminer en ajoutant des détails intérieurs. Un détail que je peux ajouter à l'intérieur est la tige. Je vois que la tige s' étend des colonnes D et E de Spence et atteint approximativement le milieu de la rangée 12 Je reproduis donc ce placement sur mon dessin et trace légèrement la tige Ensuite, je peux le compléter en traçant la ligne de connexion. De plus, je peux dessiner l'ovale de la dixième rangée, qui représente le niveau d'eau à l'intérieur du vase. Cet ovale permettra de définir le volume et la profondeur de l'eau. Ensuite, à l'intérieur de la bouteille, je peux ajouter plus de détails. Par exemple, je peux marquer les zones sombres sur la partie supérieure de la bouteille. Je peux également indiquer le surlignage qui apparaît sur le fond du flacon. Le nombre d'éléments que vous choisissez d'esquisser à l'avance dépend entièrement de vos préférences personnelles. Si vous aimez la précision, vous pouvez marquer de nombreux détails à l'avance pour vous servir de repères. Si vous préférez la flexibilité, vous pouvez décider d'ajouter des ombres et des reflets progressivement au fur et à mesure que vous commencez à créer des ombres Personnellement, j'aime décrire un bon nombre de détails avant d' ombrer , car cela rend le processus plus facile et plus structuré par la suite Bien, continuons avec la zone du feuillage avec les feuilles et la tige Donc, juste ici, je peux voir la tige juste au-dessus du vase. Et puis c'est un peu confus parce qu' il y a beaucoup de feuilles. Je vais donc me concentrer sur une feuille à la fois. Ici, dans E 7, je peux voir qu'il y a le début d'une feuille. Je peux donc placer mon crayon ici et tracer cette ligne sur la feuille. Et je vois qu' il est accroché juste là, au bout du vase à gauche, en D 7 Je m'arrête donc ici , puis je trace cette ligne vers le haut presque jusqu'à la fin des sept. De cette façon, en comparant les éléments entre eux et en utilisant la grille, je peux dessiner des zones qui paraissaient complexes au début, mais qui sont maintenant faciles. Vous pouvez vous rendre compte qu'ils sont assez faciles à dessiner. Bien, maintenant que nous avons terminé cette feuille, nous pouvons passer à l'extrémité de la tige. Et nous voici en D et E sept, et nous pouvons voir que la tige remonte jusqu'à la ligne numéro cinq. C'est donc ce que je fais. Je le sais. Je trace cette ligne jusqu'à ces cinq rangées. Revenons au traçage des feuilles. Nous pouvons constater que depuis celles que nous avons initialement tracées, il en existe une autre plus grande et plus sombre qui continue. Je peux continuer et le tracer. Je peux voir qu'il s'étend jusqu'à environ C six, puis il y en a un autre chevauche et que je peux également tracer Je vais esquisser ces feuilles. Mais d'abord, il y a quelque chose de très intéressant que je veux vous montrer et je vais vous le démontrer à l'aide du marqueur orange sur la feuille. C'est ce que j'appelle une intersection de lignes et de deux points. C'est un point où ce deux-points et la ligne se croisent et mon élément de dessin va passer par cet élément Cela facilite le positionnement des éléments dans le dessin car je sais qu'il passe exactement par cet endroit. Il passe par cette intersection et pas à peu près à mi-chemin de la place ou à peu près au tiers ou au quart du trajet. Nous sommes donc sûrs de cette intersection et savons qu'elle la traversera. Ce sont des éléments clés que j' essaie d'identifier à chaque fois. Dès que j'en vois un et que je remarque des éléments qui le traversent, j'en profite au maximum car il constitue un excellent point de référence pour garantir un traçage précis. Passons maintenant au travail des pétales. n'y a aucun secret là-dedans. Il faut les tracer un par un. Cela va prendre un peu de temps, mais il est important d'être patient et observer attentivement l'emplacement de chaque pétale Il est vrai que parfois nous pouvons être tentés de penser  : « Oh, c'est bon ». Je vais juste les placer à peu près où je veux, et j'aurai toujours l' air d'un bon dessin. Cela aura tout de même l' air d'un bon dessin. Et oui, on pourrait le penser et même le faire. Cependant, si vous êtes débutant, cela vous est fortement déconseillé. Le problème est qu'en tant que débutant, vous n'avez pas encore l'expérience nécessaire pour garantir un bon niveau de cohérence, cohérence dans le placement des pétales et surtout dans l' ombrage de chacun d'entre eux Par conséquent, les éléments peuvent finir par paraître incohérents et déplacés. C'est pourquoi je ne recommande pas cette approche au début. Plus tard, avec plus d'expérience, vous pourrez vous accorder un peu plus de liberté, mais au début, je vous le déconseille vivement De plus, vous n'avez pas non plus à tout suivre dans l'ordre. Par exemple, ici, j'ai remarqué que sur le cercle où sont placés les pétales, il y a cette ligne qui s'étend jusqu'à une intersection. Je l'ai donc dessiné. Je peux donc d'abord le tracer, puis continuer avec le reste du cercle de cette fleur jusqu'à ce que je le termine. Enfin, je peux placer les pétales. Peut-être qu'en traçant d'abord les cercles, il me sera plus facile de positionner les autres pétales par la suite Il aura plus de points de référence pour m'aider à placer le reste des pétales. De même, vous me verrez continuer à les placer dans le même ordre les uns à côté des autres. Mais parfois, notre attention peut être attirée sur certains éléments qui semblent plus faciles, et nous pouvons les marquer en premier. Par exemple, si je le voulais, j'aurais pu choisir de ne pas continuer avec les pétales ici, mais plutôt de commencer par ceux du haut, car ils m' auraient peut-être semblé plus simples. Le but est toujours de vous demander ce que je peux faire de plus simple pour moi. En commençant par les choses les plus simples, le reste devient plus évident. Vous m'entendrez souvent le dire parce que, surtout lorsque nous travaillons sur les derniers mots, lorsque nous devons ombrer chaque élément dans des dessins plus complexes , par exemple, chaque fois que nous commençons par les choses qui semblent plus faciles, le reste des éléments le devient également Par exemple, lorsque je dessine un élément en utilisant mon une fois que j'ai dessiné cet élément, il peut servir de référence pour le comparer à d'autres éléments futurs que j'aurais eus. Il en va de même pour l'ombrage. Si je commence à ombrer une zone particulière parce que cela me semble plus facile, je peux l'utiliser pour comparer la valeur de cette zone ombrée avec les autres ou pour comparer le placement d' autres éléments nécessitant un ombrage par rapport à celle-ci cette zone ombrée avec les autres ou pour comparer le placement d' autres éléments nécessitant un ombrage par rapport à À chaque fois, commencez par la chose la plus simple et généralement la plus facile. Je vais terminer d' ajouter ces pétales, puis ce tutoriel sur le dessin avec une grille basée sur des photos sera terminé. Je peux également ajouter les éléments d' ombrage à l'intérieur de ce cercle, et ce sera tout Je vous encourage également à pratiquer cette technique car elle peut être très utile pour travailler à partir d'une photo et vous assurer que vous obtenez les bonnes proportions dans votre dessin. 20. La grille dans la vie réelle.: Dessiner des objets réels sans photo et à l'aide d'une grille est possible. Comme vous pouvez le voir ici, j'en ai fait un petit à l'aide de ce porte-brochure, cet objet transparent que j'avais sous la main, et avec lui, je vais pouvoir dessiner. Je vais également vous montrer d'autres modèles inventés qui vous permettent dessiner des objets réels devant vous en utilisant la technique de la grille. Bien. Voici donc, par exemple, une gravure de l'artiste allemand Durer, qui a créé ce système de grille qui lui a permis de dessiner des objets réels. Cet appareil date de la Renaissance et convient parfaitement à cet usage. Pour réussir à dessiner des éléments réels à l'aide d'une grille, il est essentiel de conserver la même position haute afin d'éviter de changer de perspective et de s'assurer que les éléments restent au bon endroit. Pour cela, il existe également des versions plus modernes qui peuvent être adaptées et utilisées efficacement pour dessiner ces objets à partir de la vie réelle et en utilisant la grille. Nous voyons ici un système de réseau plus récent, une version moderne et sophistiquée. Vous pouvez voir les objets à travers la grille. L'essentiel est de la positionner correctement, L'essentiel est de la positionner correctement puis de recréer la même grille sur votre papier Devant le papier à dessin, il y a une petite tige qui sert point de référence fixe pour l'œil. À chaque fois, mon œil doit être aligné sur le même point de la route, ce qui garantit que la perspective reste inchangée et que je garde toujours le même point de vue. Je crois que ce système peut être fait maison ou acheté en ligne. Je n'en doute pas. Enfin, voici une dernière image qui montre que depuis des siècles, cette technique est utilisée non seulement pour les portraits, mais aussi pour dessiner n'importe quel type d'objet. Revenons-en donc à notre technique. J'ai fabriqué ce petit outil, et je veux dessiner ce petit pot de fleurs devant moi. Tout d'abord, je vais le positionner correctement pour créer une meilleure composition. Par exemple, si je veux le centrer un peu. Ensuite, l'important est de trouver une position confortable, à partir de laquelle je puisse facilement commencer à dessiner l'objet et que je pourrai maintenir pendant quelques minutes. Très bien, maintenant je suis confortablement assise dans mon fauteuil et je suis prête à dessiner cette petite plante devant moi Bien entendu, je ne suis pas dans la position la plus confortable à cause de l'appareil photo, et j'ai dû ajuster légèrement le pot pour m' assurer qu'il soit bien visible sur l'appareil photo avec mon carnet également devant moi. Mais si l'appareil photo n'était pas là, et si je dessinais ce pot en utilisant la méthode de la grille, je n'aurais aucun problème car cette technique de grille facilite vraiment le processus. 21. Un exercice pour mieux maîtriser la technique de la grille.: Bien, commençons par cet exercice de dessin en grille Ici, nous pouvons voir que nous avons un objet complètement découpé, n'avons donc pas d'autre choix que de suivre avec précision ce que nous voyons dans chaque carré. Nous pouvons compter sur notre imagination ou dessiner les choses comme nous pensons qu'elles devraient être, car parfois, même avec une grille, cela peut arriver. Donc, dans ce cas, nous devons strictement dessiner ce que nous voyons dans chaque carré individuel. Vous pouvez voir que j'utilise mon téléphone pour la grille, et la grille est également affichée. Sur la vidéo. Personnellement, je préfère travailler de cette façon. C'est plus pratique. L'image est clairement visible à l'écran. Et si vous le souhaitez, vous pouvez également télécharger l'image. Autre point à noter sur cette grille, les coordonnées sont sur les lignes plutôt qu' à l'intérieur du carré, ce qui représente une légère différence. Mais que les chiffres soient placés sur les lignes ou à l'intérieur des carrés, la méthode reste la même. Très bien, commençons. Je vais commencer par la partie supérieure de l'amphore. Je vois qu'autour de E 5, il y a un rectangle qui peut être dessiné. Ce rectangle possède une zone ovale en haut, ce qui suggère qu'il s'agit d'une amphore, même si l'objet a été coupé Malgré cela, nous pouvons toujours reconnaître ce que c'est. Je peux maintenant passer au dessin du bord de l'amphore, qui forme un angle, et je peux également le tracer Ensuite, sous le premier rectangle que je viens de dessiner, je vois un autre rectangle plus fin, donc je vais le dessiner Il en va de même pour les petits cubes situés à côté. Je les trace aussi. À ce stade, il n'y a pas de place pour l'imagination ou la liberté artistique. Il suffit d'observer les éléments de chaque carré et de les dessiner au fur et à mesure qu'ils apparaissent. Cette approche garantit que notre dessin est aussi précis que possible par rapport à ce que nous voyons devant nous. Au lieu de dessiner à quoi nous pensons qu'un objet devrait ressembler, nous nous concentrons uniquement sur ce que nous voyons réellement. Maintenant, je viens de remarquer quelque chose qui semble bizarre. J'ai probablement rendu mon rectangle trop épais, alors je l'efface et je le redessine car je n'ai pas laissé assez d'espace pour avoir l'autre épaisseur juste en dessous. Je vois un autre rectangle assez grand, et il sera relié au premier que nous avons dessiné. Il s'aligne approximativement sur le coin de ce premier rectangle Maintenant c'est à moi de le placer. J'ai remarqué qu'il est assez long car il s'étend sur plusieurs carrés J'identifie donc d'abord le carré vers lequel il s'étend, puis je dessine. Ensuite, en dessous, je peux dessiner une série d'autres rectangles. Ce qui m'aidera à déterminer s' ils sont correctement placés, c'est le fait que le troisième en bas doit toucher le coin du rectangle que nous avons tracé plus tôt. En utilisant ces éléments comme points de référence, je peux m'assurer que mon dessin reste proportionnellement précis et que tout est bien aligné Et comme je l'ai mentionné plus tôt, ces rectangles doivent être connectés les uns aux autres, comme ils le font actuellement Cet exercice de dessin avec cette amphore fragmentée est un excellent moyen d'améliorer votre précision et votre observation En vous obligeant à ne dessiner que ce que vous voyez dans chaque case de la grille, cela vous évite de tomber dans erreurs d' interprétation et de proportions. Grâce aux points de référence de la grille, vous développerez une meilleure analyse spatiale et apprendrez à structurer votre dessin en utilisant ces éléments simples de la grille Cela aiguisera également votre œil, vous aidera à développer une plus grande discipline dans votre travail, tout en améliorant votre patience et votre concentration, car cet exercice demande du temps et beaucoup de concentration afin de ne pas vous tromper le positionnement des différents éléments de cette photo Ce que j'aime aussi beaucoup dans le fait de travailler avec la grille et cet exercice, c'est qu' elle convient à tous les niveaux de compétence, agisse d'artistes confirmés ou débutants. Vous pouvez apprendre et progresser rapidement sans stress avec la grille, sans vous soucier de savoir si votre dessin est suffisamment précis ou non. Tout ce que vous avez à faire est assurer que chaque élément est au bon endroit. Et je crois sincèrement qu'il s'agit d'un excellent exercice qui vous aidera à faire des progrès significatifs dans vos œuvres d'art. Une autre chose importante lorsque vous travaillez avec une grille, dans cet exercice comme en général, dans cet exercice comme en général, est de toujours vérifier que vous avez placé chaque élément au bon endroit. Lorsqu'il s'agit d'éléments isolés tels que les petits rectangles sur le côté, ce n'est pas trop un problème Toutefois, si vous égarez un élément connecté à d'autres éléments, cela peut entraîner un désalignement de tous les éléments suivants désalignement de tous les éléments Cela signifie qu'une grande partie de votre dessin pourrait s'avérer incorrecte et que vous devrez peut-être recommencer à zéro. En effectuant cette double vérification, vous pouvez vous assurer que tout est correctement positionné et qu'aucun défaut d'alignement n' affectera le reste de votre dessin Ainsi, vous n'aurez pas à tout refaire. Régulièrement, cette double vérification permet d'éviter les erreurs et, le cas échéant, vous pouvez les détecter et les corriger rapidement avant qu'elles ne provoquent un désalignement plus important Je suis donc en train de terminer ce dessin avec quelques éléments supplémentaires, et ce sera bien avec la grille et avec ce modèle de proportion. Et bien sûr, je vous encourage vivement à faire le même exercice et à mettre en pratique, encore une fois, tout ce que nous avons vu avec cette section sur les proportions. 22. Exercice avant le projet final : le dessin à l'envers: Dans cette section, nous allons faire trois exercices qui peuvent sembler un peu bizarres ou un peu étranges au début, mais je vous encourage vraiment à les faire car je suis vraiment convaincue que cela vous aidera à progresser dans vos dessins. Ces exercices sont inspirés du livre Drawing with the right brain de Betty Edwards Et le principe est simple. Nous voulons en quelque sorte déconnecter le cerveau gauche, celui qui nomme les objets qui analysent les éléments et ne dessinent qu'avec le cerveau droit. C'est-à-dire le cerveau qui observe les choses. Nous voulons observer les choses et ne pas nous baser sur les représentations que nous en avons. Dans ce but, nous allons donc faire trois exercices ensemble. Nous allons dessiner quelque chose à l'envers. Ensuite, nous allons dessiner les espaces négatifs. C'est-à-dire les éléments qui trouvent entre les objets et non les objets eux-mêmes. Enfin, nous tracerons le contour de notre main en une seule ligne continue sans regarder ni dessiner, mais simplement en regardant notre main. Ces exercices ne visent pas à faire de jolis dessins. Ils sont là pour vous aider à dessiner ce que vous voyez, ce que vous voyez réellement, et à vraiment observer et non à dessiner ce que vous pensez être les éléments. Et je pense que ces exercices vous aideront vraiment à faire des progrès. Je vous recommande donc vraiment de les faire sérieusement. Voyons donc cela, et faisons-le dès maintenant. Commençons donc cet exercice où nous allons essayer de dessiner ce personnage à l'envers. Il s'agit d'un exercice tiré du livre, dessiné sur le côté droit du cerveau par Betty Edwards Et à mon avis, c'est l'un des exercices les plus fascinants, celui de dessiner à l'envers. Ici, j'ai ce personnage complètement inversé, et je vais essayer de le redessiner exactement tel qu'il apparaît sans le retourner du côté droit Même si cela peut sembler un peu étrange au début, il y a en fait une logique très profonde et réfléchie derrière cette méthode et ce type d'exercice. Le fait est que lorsque nous cherchons à dessiner dans le bon sens, notre cerveau passe immédiatement en mode reconnaissance Il commence à identifier des éléments familiers, comme « Oh, c'est un œil, c'est une bouche ». C'est une main. Et automatiquement, sans même nous en rendre compte, nous cessons de dessiner ce que nous voyons réellement et nous commençons à dessiner ce que nous pensons savoir. Nous nous appuyons sur des images mentales, apprenons des symboles, des habitudes, des raccourcis. Mais lorsque nous retournons l' image à l'envers, tout cela tombe en panne. Le cerveau ne reconnaît plus aussi facilement la forme. Il perd ses références symboliques. Et c'est à ce moment-là que l'exercice devient vraiment puissant. Nous sommes obligés de sortir du mode automatique et passer à un état d'observation focalisée brute. Nous cessons d'interpréter et nous commençons enfin à voir les choses telles qu'elles sont réellement. Et ce changement de perception est extrêmement précieux car au lieu des yeux, du nez et des mains, nous commençons à voir des lignes qui s'inclinent vers le haut, des courbes qui se tordent, des formes qui se croisent, des espaces entre les éléments Bref, on passe d' un dessin symbolique à un dessin réel, et on oublie momentanément quel était le sujet Ce genre d' exercice vous libère un peu , car en ce moment, alors que je travaille sur ce dessin, je ne me dis pas : « OK, cette partie que je fais doit être l'avant-bras Non, je suis juste les formes ligne par ligne. Cette ligne remonte, puis l'une descend, autre forme un angle. C'est presque comme lire une carte ou un plan. Et souvent, à la fin de l'exercice, vous pouvez être surpris car lorsque vous retournez enfin votre dessin à droite vers le haut, vous pouvez constater que vous avez réussi à créer quelque chose assez précis et fidèle à l'image d'origine, peut-être même plus que si vous l'aviez dessiné dans le bon sens dès le départ. Et pourquoi est-ce le cas ? Parce que vous avez cessé d'imaginer et que vous avez commencé à vraiment observer C'est également un excellent exercice pour améliorer votre sens des proportions. Comme vous n'essayez pas de deviner ce que vous dessinez, vous devenez naturellement plus attentif aux distances, angles et aux relations spatiales. Vous devenez plus précis sans devenir tendu. Et il y a un autre avantage vraiment appréciable à cet exercice. C'est adoucissant. Vous entrez dans un état calme et concentré, presque méditatif. Il faut être pleinement présent dans le moment présent, observer attentivement, tracer sans raccourcis. Tu ne peux pas dessiner plus vite que tes yeux ne bougent. Il suffit donc de suivre, de ralentir, et même si le résultat est un peu bancal ou étrange, cela n'a aucune importance, car ce qui compte vraiment, car ce qui compte vraiment c'est le fait d'entraîner votre œil, votre œil d'artiste Alors que je continue à travailler sur ce dessin à l'envers, je vous encourage vivement à l'essayer également. Prenez cette image, retournez-la et dessinez-la exactement telle qu'elle apparaît. Et surtout, n' étiquetez pas ce que vous dessinez. Ne pensez pas qu'une main, un visage, un crayon rose, ligne inclinée, un angle ouvert forme longue touchent le bord du cadre Et vous verrez à quel point cela peut transformer votre rapport au dessin. C'est une méthode simple et accessible, mais elle est incroyablement puissante car elle fonctionne aussi bien pour les débutants que pour les étudiants avancés. Je vous encourage donc vivement à réessayer celui-ci. Et j'ai également sélectionné pour vous une image R un peu plus difficile cette fois avec un tigre. C'est également un sujet très intéressant sur lequel travailler. Et de temps en temps, pourquoi ne pas répéter cet exercice avec d'autres sujets ? Cela pourrait être un excellent moyen de continuer à entraîner votre œil. Voici donc mon résultat. Honnêtement, j'en suis plutôt content. Elle semble en fait assez proche de l'image d'origine. C'est donc un tigre que je vous recommande de faire pour plus tard, une fois que vous aurez tué cet homme. 23. Exercice avant le projet final : espaces négatifs.: Ici, sur les différents sujets que j'ai préparés pour que vous puissiez travailler sur l'espace négatif, leur difficulté varie, et cela va être vraiment intéressant car il y a beaucoup de formes et de détails uniques à observer. Je vous en ai donc préparé neuf au total, et nous allons nous concentrer sur deux d'entre eux en particulier. Celui-ci, je vous le montre, est assez difficile, donc cela pourrait être un grand défi si vous êtes à la hauteur. Commençons donc par le fauteuil, et nous allons nous concentrer uniquement sur les espaces négatifs. Cela signifie les zones vides. Ainsi, par exemple, entre les deux pieds au bas de la chaise, je vois un espace vide. Et juste au-dessus, je vois un autre espace vide. C'est donc ce que je dessine. Je ne regarde pas le contour de l'objet lui-même. Je regarde les contours des formes blanches, les contours de ces espaces vides. Ce travail sur les formes négatives est vraiment un excellent exercice car il vous aide vraiment à observer ce que vous voyez réellement, non ce que vous pensez voir. Lorsque nous dessinons un objet, notre cerveau a tendance à interpréter ce qu'il sait déjà, une chaise, une main, un bureau. Mais en nous concentrant sur les espaces vides autour de l'objet, nous interrompons ce réflexe mental. Nous cessons de penser qu'il s'agit d'un pied de chaise, et nous voyons plutôt une forme triangulaire blanche entre deux lignes noires, et ce décalage change tout. Cela nous donne une nouvelle façon de voir, une façon plus précise. Cela nous permet d' oublier l'objet lui-même et de simplement dessiner ce que nous voyons réellement. Pour placer l'espace blanc suivant, je peux voir qu'il est plus ou moins aligné avec ceux que j'ai dessinés ci-dessous. C'est donc ce que je vais faire. Et je remarque également que toutes ces petites zones blanches suivent certaines courbes. J'essaie donc de suivre cette même courbe pour les placer correctement. Et en gros, j'utilise chaque élément par rapport aux autres pour m'aider à positionner tous ces espaces blancs avec précision. Alors là, je me rends compte que quelque chose ne va pas. Cette forme noire doit être alignée avec celle ci-dessous. Mais dans mon cas, ce n'est pas le cas, c'est l'espace blanc qui est là, donc ça ne correspond pas. Même le précédent que j'ai dessiné est un peu trop à droite. Je vais donc effacer ces parties et les redessiner légèrement pour m'assurer que les espaces blancs sont correctement placés. Même si l'objectif est la précision absolue, j'essaie toujours d'être assez précis, et j'ai fait ces ajustements pour obtenir une mise en page plus propre et meilleure. Et cet exercice permet vraiment d'améliorer la précision de votre dessin car les contours des formes négatives sont souvent plus faciles à voir que les contours des objets eux-mêmes. Ainsi, vous finissez par placer proportions, les distances et les angles avec plus de précision, et tout cela sans même dessiner l'objet lui-même. C'est pourquoi c'est également un excellent exercice pour développer votre œil et vos capacités d'observation avant même de commencer à dessiner le sujet réel de la pièce finale. Maintenant, je vais colorer le fauteuil en négatif. Au lieu de dessiner une chaise foncée sur un fond clair, je vais faire le contraire, une chaise blanche sur fond sombre. Et c'est un excellent exercice pour apprendre à observer les espaces vides et à créer des formes contrastées grâce à cet ombrage Et maintenant, commençons ce deuxième sujet. Commençons maintenant notre deuxième sujet, qui est un peu plus complexe cette fois avec beaucoup plus d'espaces négatifs et de zones blanches à dessiner. J'ai donc commencé par le haut avec un triangle arrondi. Ensuite, il y en a un second juste en dessous, et je peux voir qu'il est aligné avec le premier. Et je m'en sers comme référence pour le situer avec précision. Et il en va de même pour cette nouvelle forme que j'ajoute maintenant. Je vois qu'il est également aligné sur les précédents. Je vais continuer à travailler sur les autres rasages négatifs dans ce domaine. Et ce qui est génial avec cet exercice, c'est qu' il aide également le cerveau à travailler en mode visuel. Lorsque nous dessinons, nous avons tendance à alterner entre deux modes de pensée. Il y a le type de mode automatique, qui est rationnel et basé sur ce que nous savons déjà. Et puis il y a le mode purement visuel, qui observe véritablement les formes, les contours et les proportions sans chercher à nommer ce que nous voyons. Le problème, c'est que notre cerveau peut être un peu paresseux. Il préfère reconnaître famille de choses plutôt que de vraiment les regarder. Ainsi, lorsque nous dessinons une chaise, nous pensons à une chaise. Et lorsque nous dessinons ce à quoi nous pensons qu'une chaise ressemble, comme des pieds parfaits, un siège, etc., au lieu de dessiner la forme réelle devant nous. Mais quand on dessine les négatifs, les espaces vides, les formes négatives, il n' y a rien à reconnaître Nous sommes obligés de vraiment voir, et ce changement pousse le cerveau à adopter un mode d'observation beaucoup plus ciblé, beaucoup plus proche de la façon dont les artistes et illustrateurs expérimentés perçoivent réellement les Cette approche vous aidera vraiment à simplifier les sujets complexes. Et lorsqu'un objet semble trop difficile à dessiner, comme celui-ci par exemple, il est facile de se sentir dépassé par l'ensemble. Mais si vous changez d'approche et que vous vous concentrez uniquement sur les espaces vides, vous décomposez le sujet en une série de formes simples, de triangles, de courbes, petits losanges, ce qui vous permet de diviser un sujet complexe en parties plus petites et plus faciles à gérer C'est un peu comme assembler un puzzle pièce par pièce, forme par forme, sans avoir besoin de bien comprendre l' objet d'un seul coup. C'est également une technique très efficace pour ne pas se décourager lorsque le dessin semble trop ambitieux ou trop complexe à gérer Et l'encouragement que vous créez ici devient une compétence que vous commencerez à utiliser presque tout le temps, souvent sans même vous en rendre compte Cela devient une façon de voir qui se répercutera naturellement sur tous vos futurs dessins. Lorsque vous travaillez sur une scène complexe ou que vous dessinez un objet en perspective, vous pouvez commencer à vous demander cette zone est bien placée. L'espace entre les deux éléments est-il précis ? Ou dois-je même commencer par dessiner l'espace vide ici plutôt que l'objet lui-même ? Et ces formes négatives deviennent précieux points de référence pour vérifier vos proportions, vos angles et vos positions. Et parfois, vous corrigerez une erreur, non pas parce que le fauteuil est trop grand, mais parce que cet espace vide entre les rangs ne semble pas correct. C'est comme créer une grille de révision visuelle, un outil mental que vous utiliserez instinctivement à tous les niveaux, même avancés, pour vérifier votre travail J'ai bien avancé en discutant avec vous, et ce dessin est presque terminé. Et comme pour le précédent, je vais à nouveau le nuancer en négatif pour que l'objet ressorte clairement en contraste avec les zones blanches qui aident à définir la forme, enfin, avec les espaces vides. Et encore une fois, c'est vraiment l'espace négatif qui permet à l'objet de devenir plus reconnaissable lorsque je vais ombrer ces espaces négatifs. En ce qui concerne les autres objets, la méthode est à peu près la même. Il n'y a donc rien de nouveau à montrer. Ce serait simplement répéter les mêmes étapes. Donc, pour la partie vidéo, nous allons nous arrêter ici avec ces deux exemples. Cela dit, je vous encourage vivement à poursuivre l'exercice et appliquer le même processus aux sept sujets restants. Vous n'êtes pas obligé de faire les sept en même temps. Je peux comprendre que cela puisse devenir un peu répétitif et que vous vouliez faire autre chose, mais le fait de les surmonter toutes vous aidera vraiment à faire de solides progrès. Et c'est tout pour ce tutoriel. J'espère vraiment que cela vous a été utile et que vous vous êtes bien amusé. Alors je te verrai très bientôt pour un autre. 24. Exercice avant le projet final : la contour à l'aveugle.: est parti pour cet exercice où je vais dessiner ma main en utilisant un trait unique et continu sans jamais regarder le dessin. Même si cela semble étrange, ne s' agit pas de précision visuelle. C'est vraiment un entraînement pour les yeux et le cerveau. L'objectif est de désactiver ce réflexe de dessin automatique. Nous n'essayons plus de dessiner comme nous le pensons, nous nous concentrons uniquement sur ce que nous voyons réellement, le contour, les espaces, les courbes. Vous êtes obligé de ralentir pour observer chaque millimètre du sujet et abandonner ce que vous pensez en savoir Et c'est une sorte d'exercice qui fait passer votre cerveau un mode beaucoup plus intuitif et visuel. C'est un excellent moyen de préparer et progresser ultérieurement pour des dessins plus structurés. Ainsi, même si le résultat semble un peu tenace ou déformé, cela n'a pas d'importance. Ce qui compte vraiment, c'est le processus d'observation approfondie que vous venez de déclencher. Voici donc mon résultat. C'est pas mal. Juste cet écart, il est un peu décalé et la longueur des doigts pourrait être meilleure, et mon annulaire semble un peu bizarre, mais ça va. Cela reste un exercice amusant et intéressant à faire. Maintenant, essayons-en un deuxième. Je vais donc prendre une nouvelle feuille et dessiner à nouveau ma main, mais cette fois sous un angle différent de celui que nous venons de faire ici. Donc, vraiment, je vous encourage à faire le même exercice vous-même. Nous allons donc refaire cet exercice. Mais avec le temps, au lieu de travailler avec la tête sur le papier, nous travaillerons avec la main comme ceci. Maintenant, vous allez voir une photo à l'écran, puisque vous pouvez voir ma main exactement sous le même angle que dans la vidéo. La photo montre donc le point de vue j'ai en dessinant cette main. Et nous y voilà. Encore une fois, j'essaie de faire la même chose. Tracez soigneusement le contour et obtenez quelque chose qui soit le plus proche possible de la réalité. Mais si ce n'est pas tout à fait correct, c'est très bien. Ce n'est pas la fin du monde. Le but de cet exercice est vraiment de lâcher prise, d' arrêter de trop contrôler ou de dessiner et suivre la ligne en un seul mouvement continu. Je pense donc que le résultat est correct. Bien que l'épaisseur des doigts soit plus importante, l'air un peu chauds, surtout à cause de la fumée. Alors voilà. C'était un petit exercice amusant. Maintenant, je vous encourage à le réessayer de votre propre main, et pourquoi ne pas l'appliquer sur d' autres objets du quotidien. Par exemple, mon ruban adhésif comme celui-ci avec le dévidoir qui le tient avec un stylo ou encore des objets plus complexes si vous le souhaitez. 25. Final Project - The Pears: Dans cette vidéo, nous allons travailler sur un sujet qui peut paraître un peu simple au premier abord, mais vous verrez que ce n'est pas si simple avec ce travail sur les pairs. Et ce sujet sera excellent pour remettre en pratique tout ce que nous avons vu jusqu'à présent avec le travail sur les formes, les contours, les ombres, les proportions, également et même si nous avons travaillé sur une pomme et que c'est un peu similaire par le passé, il y a encore quelques différences qui rendent ce sujet intéressant à travailler Ce n'est pas la même forme. La texture est également différente. Et pour ce qui est de l'ombrage, nous pouvons voir qu' il y a une pomme qui est beaucoup plus ombragée, ce qui la rend très intéressante à travailler C'est donc un très bon sujet sur lequel travailler, et nous allons voir comment réunir ces pairs. Commençons par cet exercice de dessin par les pairs. Comme vous pouvez le constater, j'ai créé des formes de base sur ma photographie de référence, et je vais maintenant tracer ces différentes formes qui sont principalement composées de trapèzes Pour le premier pair, il y a un grand trapèze en bas Et pour le deuxième pilier, je peux également tracer deux trapèzes dans Et pour le premier, la moitié en bas. Donc, pour le second, je ne tracerai pas la ligne séparant les deux trapèzes car ce n'est pas Cela aide à décomposer et visualiser les formes de la figure, mais je n'ai pas besoin de l'inclure dans mon croquis final car cela ne sera pas très utile Et pour les tiges, je peux dessiner quelques petits rectangles pour établir une forme de base Maintenant que j'ai ces formes, je dois m'assurer qu'elles sont correctement proportionnées À l'aide de ma règle, je vais mesurer chaque côté de mon papier et appliquer un rapport d'échelle de deux puisque je travaille à partir d'une petite image de référence. Je dois donc m'assurer que mes lignes ont la bonne longueur et que les angles sont correctement placés, comme nous l'avons indiqué précédemment. Je mesure donc également les angles. Je mesure également la longueur totale de la jetée pour vérifier si elle est trop grande ou trop petite. Dans ce cas, je remarque que c'est trop petit. Tout d'abord, je peux dire que la tige, désolée, de cette jetée devrait s'étendre un peu plus loin que celle de la jetée supérieure. Puis quand je mesure la longueur totale, je vois que sur ma photo, elle fait 5 centimètres, ces piliers, qui devraient faire 10 centimètres, donc sur mon dessin. Cependant, lorsque je vérifie mon dessin, je n'ai que 9 centimètres, donc je dois ajuster mes proportions. Ensuite, je vais également vérifier la largeur de la jetée et me rendre compte qu'elle semble trop étroite Je l'élargis donc légèrement pour une meilleure précision l'autre côté, il y a aussi une feuille visible sur la droite, mais pour l'instant, je ne la dessinerai pas. Je vais le laisser de côté. Je veux juste me concentrer sur ces deux quais. Même si j'ai fait quelques ajustements, la méthode de décomposition des formes utilisée précédemment m'a permis d'obtenir un dessin assez précis dès le départ, car je n' ai pas eu à apporter de corrections après avoir mesuré les proportions. Je peux maintenant travailler à affiner les différents angles de la jetée, même s'il n'y en a pas beaucoup. J'utilise donc mon bloc dans la technique. Je vais donc ajuster certaines zones pour les rendre encore plus précises. Par exemple, en haut de la jetée, je peux voir de petits angles. De même, sur le côté gauche sur lequel nous venons de travailler, il y a également un angle causé par sa courbure. Ici aussi, je remarque un angle légèrement prononcé puisque ce pair a une courbe distincte dans cette zone juste ici. Je marque donc soigneusement ces différents angles avec précision, ce qui me donnera une base encore plus solide avant de finaliser le contour des pairs Je peux maintenant effacer doucement ces contours avant d'appliquer mon contour final. Je travaille à partir d'une photographie de référence car il est plus facile de partager ce processus avec vous que de dessiner à partir d' objets réels tout en filmant en même temps. Cela aurait été très compliqué pour moi. Je ne suis pas cinéaste et je n' aurais pas pu l'enregistrer correctement. Cependant, je vous encourage à travailler partir de cette photographie ou à établir un arrangement réel avec les pairs en face de vous en essayant de recréer la même configuration et la même lumière Ici, nous pouvons voir que la source lumineuse vient d'en haut et légèrement vers la gauche. Vous pouvez donc configurer votre éclairage de la même manière à la maison. Ce serait une expérience formidable. Ensuite, vous pouvez dessiner en utilisant toutes les techniques que nous avons abordées avec les piliers juste en face de vous. Si je n'utilisais pas de suivi par référence, j'appliquerais toujours exactement les mêmes méthodes lorsque je m'inspire de la vie. Maintenant, je recommence à peaufiner les contours finaux de mes pairs, et je continue à travailler avec légèreté, en veillant à ce que mes contours restent effaçables si nécessaire Cela me permet également de garder mes traits fluides et naturels, en donnant aux pairs une apparence lisse et arrondie plutôt que les bords rigides que nous avions auparavant. Maintenant que j'ai appliqué contours plus précis et définis, je vais travailler un peu sur les contours internes de l'objet. Bien qu'il n'y ait pas de lignes ni de contrôles clairement visibles à l'intérieur des quais, nous pouvons voir des zones d'ombre bien définies. Voici les zones que je vais maintenant marquer légèrement avec mon crayon. Pour faciliter le processus d'ombrage par la suite. En regardant le premier quai, nous pouvons voir une zone plus sombre sur la droite, suivie du surlignage au centre et d'une ombre profonde en bas. Pour le quai de droite, le côté droit sera très sombre et des valeurs profondes y seront appliquées. Au milieu, nous avons un ton plus intermédiaire, et sur la partie supérieure, il y aura un fort accent que j'ajouterai par la suite. J'effacerai doucement les lignes des zones d'ombre, car je ne veux pas qu'elles soient trop visibles ou qu'elles se fondent dans mes ombres Je vais plutôt les ombrer assez légèrement, afin de pouvoir toujours les considérer comme des guides pour l'ombrage, mais ils seront suffisamment pâles pour disparaître une fois l' ombrage terminé Je vais maintenant ombrer les différentes zones de la jetée, commençant par les zones les plus claires et en me dirigeant progressivement vers les zones les plus sombres de mes pairs. Commençons à faire de l'ombre. Je vais commencer à colorer cette première paire avec un crayon HB J'applique cette couche de base car chaque partie de la zone sera plus foncée que ce ton HB, l' exception des reflets. Au début, j'ai envisagé d' éviter la zone surlignée, mais après mûre réflexion, je me suis rendu compte que ce n'était pas nécessaire. Le contraste entre le surlignage et les zones environnantes n'est pas trop fort, je peux donc simplement effacer ultérieurement ces zones de surbrillance pour éclaircir cet endroit En recouvrant toute la zone avec du HB, je crée une base solide puisque toutes les harmoniques seront J'utilise le côté de ma mine de crayon pour travailler rapidement et en douceur, en entrant dans les tons bien mélangés Avant de mélanger, je m'assure qu' il n'y a pas d'impuretés ou marques trop foncées sur mon pinceau en l'essuyant sur une feuille de papier Ensuite, à l'aide de mouvements circulaires, je mélange l'ensemble de la zone pour éliminer les traits de crayon et créer une base lisse et uniforme sur la jetée. Une fois cette base en place, je peux commencer à superposer des éléments plus sombres sur le dessus pour créer profondeur et contribuer à la texture rugueuse du pair dans certaines zones Pour mettre en valeur cette texture, je vais utiliser des détails plus foncés que je ne vais pas forcément estomper. Maintenant, avec un crayon à deux points B, je vais commencer à marquer les zones légèrement plus sombres. J'ai remarqué que le long du bord de la jetée et dans la partie inférieure, il y a quelques endroits plus sombres que j'ombrage en ce moment, ce qui me permet de définir un peu mieux mon homologue à partir de maintenant Je vais poursuivre ce travail avec les deux crayons B sur une grande partie de la zone des quais. J'utilise le côté du plomb, ce qui permet également d' ajouter un peu de texture, ce qui pourrait vous surprendre, mais je vais ajouter de petites touches pour dans les zones les plus marquantes de la jetée. La raison est simple : si nous examinons de près cette zone phare, elle est également très texturée Ce qui améliorera la texture dans cette zone, c'est l'alternance des valeurs claires et foncées par petites touches Et dans cette zone de surbrillance, bien qu'elle soit très lumineuse, il y a encore des éléments légèrement plus foncés, donc je vais les ajouter. J'ai mis mes deux crayons B côté et je passe à quelque chose de plus foncé, un six B, et progressivement nous allons progresser dans des valeurs avec des éléments de plus en plus sombres. Maintenant, avec les six B, j'ajoute de petites marques comme celles visibles sur la photo de référence, qui contribueront à la texture. Pour déterminer quel crayon utiliser, j'aurais pu me référer à mon échelle de valeur, mais honnêtement, je n'en ai plus vraiment besoin et je n'ai pas pensé à le sortir. C'est parce que cette échelle de valeurs est tellement ancrée dans mon esprit que je sais instinctivement quelle valeur correspond à Avec l'expérience, il devient facile de décider quel crayon utiliser pour chaque zone. Toutefois, si vous en avez besoin, n'hésitez pas à l'utiliser. Nous avons créé cet outil pour une bonne raison. Il a un but et est vraiment utile pour déterminer le bon crayon pour chaque section de votre dessin. Ici, vous remarquerez peut-être que je tiens mon crayon d'une manière peu orthodoxe, assez inhabituelle Je l'ai placé entre mon majeur et mon index mon cabinet m' offrant également un soutien. Cette poignée fonctionne bien pour moi, et je la trouve particulièrement utile pour travailler avec le côté du couvercle tout en appliquant une certaine pression pour assombrir légèrement les marques. Comme je l'ai mentionné plus tôt dans le cours, le plus important est de trouver la prise en main qui vous convient le mieux et qui vous permet de travailler efficacement. Pour moi, cette poignée fonctionne bien dans cette situation. Donc, si vous trouvez une poignée confortable et utile dans certains cas, n'hésitez pas à l'adopter. Maintenant, je suis passé à mon crayon 8 B et à ces marques plus foncées visibles sur le quai. Ceci est particulièrement utile dans la zone inférieure où l' ombre est assez prononcée. L'utilisation d'un crayon plus foncé me permet de l'affiner. Il y a également quelques éléments sur le côté, et surtout, je dois définir la ligne qui sépare actuellement les deux piliers avec une touche légèrement plus foncée. De plus, je travaillerai également sur le côté droit de la jetée, où certains éléments sombres doivent être soulignés. Enfin, je vais mettre en évidence certaines zones à l'aide de ma gomme, en particulier dans les endroits où les lumières doivent être davantage visibles Pour ce faire, je vais utiliser la gomme pour faire ressortir soigneusement ces petits reflets Je peux maintenant commencer à travailler sur le tronc de ce pair. Si nous regardons le brun de la tige, il apparaît nettement plus foncé que le pair lui-même. Je vais donc commencer par appliquer une couche de base avec mon crayon Four B. Cela me permettra d'établir des bases assez sombres dès le départ. Même si je dois effacer certaines zones ultérieurement pour faire ressortir la lumière, cette couche initiale permet de créer la profondeur nécessaire. Maintenant, en utilisant un crayon plus foncé, le huit B, je vais affiner le côté de la jetée, qui est nettement plus foncé. Même dans cette zone sombre, il existe des variations de valeur. Je travaille donc avec le huit B, en utilisant principalement le côté du fil pour définir ces éléments sombres avec précision. En plus de cela, j' ajouterai des touches encore plus sombres. Pour cela, je vais utiliser le 12 B, un de mes crayons les plus foncés, pour souligner les zones contenant des ombres très profondes Avec le stylo effaçable, je mets en valeur les détails les plus clairs de la tige Ils se démarquent déjà bien, mais ce qui les ferait encore plus ressortir , c'est de travailler sur le fond entourant le quai, crée un fort contraste puisque le fond est bien plus sombre que les piliers eux-mêmes. Cependant, ce n'est pas notre objectif principal le moment avec ce didacticiel. Nous restons concentrés sur les quais. Je passe maintenant à la deuxième jetée, puisque la première est terminée. le regardant, la partie inférieure est extrêmement sombre, tandis que la partie supérieure est beaucoup plus claire. Pour cette raison, je n'appliquerai pas la même couche de base partout. Sur la partie supérieure, j' utiliserai un crayon HB, tandis que pour la partie inférieure, j'ai besoin d'une base beaucoup plus foncée, et le HB ne serait pas utile car je devrais le recouvrir complètement plus tard, ce qui en ferait une étape inutile Commençons donc. J'applique HB dans la zone supérieure presque parce que presque tous les éléments ici seront plus foncés que HB ou au moins auront la même valeur, à l' exception de la zone de surbrillance, de la zone de surbrillance, désolé Mais comme nous l'avons fait pour le premier pilier, nous pouvons toujours effacer et affiner les surlignements ultérieurement avec le erasopen Passons maintenant à la zone de transition avec les tons moyens au centre de la jetée Le HB ne sera pas efficace car cette section est nettement plus sombre Je dois donc adapter mon approche à cette zone Mais avant cela, j'ai ajouté quelques touches supplémentaires de 12 B sur le premier pilier, car je pensais que certains éléments sombres manquaient. Maintenant, pour ce qui est de la couche de base dans cette zone de tons moyens du deuxième pilier, j'utilise un crayon six B. J'ai choisi cette option parce que presque tous les éléments de ce côté de la jetée seront au moins aussi sombres que les six B, voire plus foncés. Cela me donne une base solide sur laquelle m'appuyer. Pour créer une transition plus naturelle avec la zone centrale, qui est légèrement plus claire, j'utiliserai un crayon quatre B. Cela garantira un mélange plus fluide entre les différentes valeurs. Enfin, avant de peaufiner les détails, je vais appliquer un peu de mélange avec un pinceau sur toute cette zone. Et comme avant, l'utilisation des émotions en petits cercles devrait bien fonctionner pour obtenir une transition douce et uniforme. Je vais maintenant travailler avec mes deux crayons B et commencer à créer de la texture et du volume dans cette zone. Donc, dans la zone claire, on peut voir des éléments légèrement plus sombres. Voici donc ceux sur lesquels je vais travailler avec mes deux crayons B. Le crayon Two B est un excellent crayon pour cette zone car les éléments que je vais avoir sont plus foncés que la base que nous avons appliquée, mais légèrement plus foncés. C'est pourquoi c'est génial. Ce que je peux également faire, c'est travailler un peu plus sur cette ligne ombragée qui permet de séparer les deux piliers. Je travaille donc un peu là-dessus. Et puis j'ai eu quelques petits éléments ici et là, comme un crayon, pour créer cette texture et cet élément légèrement plus foncé. Cette texture est assez étrange. Il s'agit donc d'une sorte de points, mais pas vraiment de points. J'essaie donc de les appliquer avec le côté de mon crayon pour créer cette texture du couvercle et commencer à créer du volume grâce à ces éléments plus foncés. Avec la gomme dont j'ai besoin, je vais améliorer un peu plus la zone de surbrillance Ce point culminant se démarque beaucoup plus que sur l'autre jetée et est également assez large. La gomme à effacer malaxée me permet d'établir une bonne base tout en adoucissant une partie de la marque HB précédente Plutôt que d'utiliser le stylo, la gomme malaxée fonctionne parfaitement dans cette zone car la précision est moins critique ici que sur le côté gauche, sur le côté gauche, où le surlignage En comparant cet homologue à celui de gauche, il devient évident qu'il ne faut pas grand-chose pour créer un effet réaliste. Quelques traits de crayon plus foncés bien placés ici et là donnent du volume au pilier gauche et aident à transmettre la texture de sa peau. Maintenant, dans cette zone éclairée par les paupières, je peux également voir quelques marques plus foncées Je les ajoute donc avec mes deux crayons B pour améliorer le réalisme de cette zone. Ce deuxième pilier particulièrement intéressant par rapport au premier, même si le premier était également excellent pour créer du volume et affiner les ombres, c'est que celui-ci présente un contraste très prononcé et des écarts de valeur importants d'une zone à l'autre J'ai trouvé cela très intéressant de travailler sur un objet comme celui-ci où une forte sensation de volume doit être créée en utilisant un contraste audacieux et bien défini. Cela nous oblige à porter une attention particulière aux valeurs les plus sombres du sujet. Je pense vraiment que cette étude par les pairs a été un exercice fantastique. Et revenons au processus de dessin, en ce moment, un crayon quatre B pour définir une zone légèrement plus foncée. J'utilise donc un crayon à quatre B. Chaque fois que je travaille sur une section et que j'ai des détails supplémentaires qui contribuent à la texture du sujet, j'analyse ces éléments de texture de près et je me demande à quelles formes ressemblent-ils ? Semblent-ils plutôt à de petites lignes, des points ou à une combinaison des deux ? Je me concentre également sur l' orientation de ces détails car ils jouent un rôle crucial dans le façonnement du mouvement de la forme. Ces détails, ainsi que la façon dont ils sont orientés, contribuent à renforcer l'apparence cylindrique des piliers. Il est essentiel d'en tenir compte pour obtenir un rendu convaincant et réaliste. Maintenant, j'utilise mon crayon 8 B pour affiner ces sphères, et vous pouvez voir comment les valeurs s'assombrissent progressivement. Nous avons commencé avec HB, puis j'ai ajouté de petites touches de B puis quatre B, et maintenant je travaille avec HB Cette approche d'assombrissement progressif permet de créer des transitions fluides entre les différentes zones, les rendant plus naturelles que abruptes Même si le côté droit de la jetée est extrêmement sombre, il n'y a pas de saut brusque entre les zones. Les transitions restent fluides. C'est pourquoi le travail progressif avec un crayon plus foncé est si efficace Il permet de mieux contrôler ombrage et d'affiner ces changements de valeur homogènes, garantissant ainsi un rendu naturel et réaliste Parfois, vous remarquerez peut-être que je passe d'une zone à l'autre. Un moment, je travaille sur le dessus, puis je me déplace vers le bas de la jetée, et c'est parce que j'observe constamment mon sujet. Et chaque fois que je repère une zone à assombrir ou sur laquelle je devrais avoir des détails avec mon crayon Eight B, je le fais immédiatement heure actuelle, je suis en mode prédateur, je recherche les zones et les détails à ajouter, et je les place dès que je les vois. Si je me dis de le faire plus tard, je risque d'oublier car il y aura toujours plus de détails à peaufiner. Je passe maintenant à un crayon plus foncé, le ten B, et je tiens à souligner qu'il ne faut pas avoir peur d'utiliser des crayons très foncés comme le dix B, le 12 B ou même le 14 B. Ces crayons créent des ombres fortes et aident à Une erreur courante chez les débutants est la peur d'un ombrage trop sombre. Par conséquent, leurs dessins manquent souvent de volume et contraste car ils n' osaient pas utiliser les valeurs les plus sombres. Alors n'ayez pas peur de vous lancer. Et si vous avez l'impression qu' une zone est trop foncée, vous pouvez toujours l'ajuster ultérieurement en effaçant ou en mélangeant avec la gomme dont vous avez besoin Maintenant, je passe à un crayon encore plus foncé, le 14 B, comme vous pouvez le voir. Avec le 14 B, je peux ombrager tout le bord de la jetée, qui est très sombre et marque également le début de son ombre projetée. Ensuite, dans la zone ci-dessus, j'ajoute également quelques petites touches ici et là. Cela aidera à améliorer le volume et la texture, comme vous pouvez le constater. Et comme nous pouvons le constater, certains détails légèrement plus sombres sont présents dans cette section. Maintenant, je prends à nouveau ma gomme pour affiner les reflets de cette zone Il y a quelques points très brillants, presque blancs, qui ressortent, et c'est ceux-là que je veux faire ressortir. Ensuite, je vais passer à la gomme dont j'ai besoin et pourquoi la gomme dont j'ai besoin maintenant Eh bien, comme je souhaite éclaircir certaines zones plus doucement sans supprimer complètement les ombres, je vais appuyer doucement sur quelques petites sections pour créer reflets subtils et affiner le Je suis très satisfait la texture et du volume de ces piliers. Cependant, je vais adoucir un peu mes traits. Pour ce faire, j'utilise spécifiquement mon pinceau pour fabriquer un pinceau et balaie doucement sur les différents piliers pour créer un effet légèrement plus lisse Une autre étape très importante consiste effacer le contour final des piliers À certains endroits, il est légèrement visible alors qu'à d'autres, il est à peine là, mais je veux le supprimer complètement. Je veux que le travail d'ombrage que j'ai effectué définisse la forme des piliers plutôt qu'un contour visible Cette approche rend le dessin beaucoup plus naturel. En général, cela s'applique à 99 % des dessins. Le contour ne doit pas être visible. Si c'est le cas, cela peut donner à l'œuvre un aspect un peu anormal et nuire au résultat global Passons maintenant au pied de cette nouvelle jetée. J'ajoute donc ici cet élément sombre qui permet de définir l' indentation de la jetée Cela me permet également de remarquer quelques touches légèrement plus sombres que je peux avoir ici et là à côté de la jetée. Juste quelques éléments plus sombres. Il n'en faut pas trop, mais ils aident à affiner le contraste et à améliorer le réalisme général. À côté de cet élément sombre, j'ajoute quelques touches plus claires pour améliorer encore le relief, le volume de cette zone. Ce contraste permet de renforcer encore plus la profondeur. Pour ce qui est de la tige, j'applique une base assez foncée à l'aide d'un crayon à quatre points B sur le côté, même si cette partie est relativement plus claire que le reste. En parallèle, je n'hésite pas à utiliser un 12 B car cette tige est très foncée, presque noire Cela semble donc être la bonne valeur à utiliser dans ce domaine. Je vais maintenant affiner un peu la tige en ajoutant quelques détails ici et là. Mais dans l'ensemble, cette section ne devrait pas prendre trop de temps à compléter. Juste avant d'ajouter les détails, j'adoucis légèrement la zone avec mon moignon à mélanger assurer que l' ombrage est uniformément réparti et qu'il ne reste aucune tache blanche pure Une fois que l'ombrage est bien mélangé, je peux ajouter ces petites touches sombres pour affiner les détails et améliorer le contraste Nous allons maintenant travailler sur l'ombre de ces pairs. Bien qu'il soit partiellement masqué par la feuille, nous pouvons toujours le distinguer. Je vais donc commencer par décrire sa forme, puis je vais passer à l'ombrage Il y a un petit élément sombre qui part de la tige, et l'ombrage s'étendra à partir de là Comme nous l'avons indiqué dans la leçon sur l'ombre et la lumière, le bord de l' ombre projetée sera très sombre. Je vais donc l'appliquer à l'aide d'un 14 B, en appuyant fermement pour obtenir un ton profond et riche. Puis, au fur et à mesure que l'ombre s' éloigne de l'objet, elle s'éclaircit progressivement Je vais donc m'assurer de suivre la même approche pour créer une transition naturelle. Et c'est ainsi que se terminera ce tutoriel. J'espère que cela vous sera utile et n'hésitez pas à partager votre propre travail avec moi, et je vous verrai très prochainement lors de la prochaine session. Une dernière remarque, lors du montage, je me suis rendu compte que j'avais oublié d'assombrir l' ombre de la tige N'oubliez donc pas de le faire dans votre propre dessin et de tirer les leçons de mon erreur. Alors à très bientôt. 26. Projet final - Le drapery I: Dans cette vidéo, nous allons voir comment créer une draperie. Il s'agit d'un exercice très classique et traditionnel, tant en peinture qu'en dessin. C'est un exercice très utile car il vous aide à vous concentrer sur les différentes valeurs, les valeurs des gris, si vous dessinez, les valeurs du vert, si vous peignez le drapé Et pour voir où se situent les points forts, les zones sombres, les tons moyens, les zones moyennes. Tout cela vous aidera à mieux comprendre comment créer du volume, car en gros, le drapé n'est qu'un créer du volume, car en gros vêtement, une sorte de vêtement, mais cela crée du volume à travers tous ses plis Et c'est le but de cet exercice, être capable de créer du volume sur une feuille de papier en deux dimensions. Il sera donc très intéressant rechercher toutes ces différentes zones de valeurs, de rechercher toutes les transitions. Comment passer de quelque chose de très clair à quelque chose d'un peu plus sombre et comment travailler sur ce mélange entre ces différentes valeurs ? C'est donc un très bon exercice pour développer vos compétences, vos compétences en peinture ou en dessin. Pour dessiner cette draperie, j'utiliserai un papier de 20 centimètres, et cet exercice sera également très utile pour voir tout ce que nous avons appris dans ce cours jusqu'à présent, la propulsion, l' ombrage, la structure, les détails et bien d'autres choses que j'oublie en fait Alors, prenez votre crayon et commençons avec la draperie. Commençons ce travail sur le drapé, et nous allons reproduire ce modèle à la même échelle sur la même feuille de papier au format A4 Nous travaillons à partir d'une photo, mais si vous le souhaitez, vous pouvez également le faire à partir d'un sujet réel. Une fois cet exercice terminé, vous pouvez simplement enfoncer un petit clou dans le mur avec un tissu drapé ou une serviette ou quelque chose de similaire et refaire l'exercice vous-même En direct. Je peux donc commencer par une ligne comme celle-ci en haut, puis je peux utiliser mon rapporteur d'angle, ce que nous avons fait, et je le place en haut. Je mesure l'angle, puis je le transfère sur ma feuille de papier. Alors ici j'essaie de ne pas perdre l'angle, et je l'ai vu mesurer environ 11 centimètres. C'est aussi ainsi que je détermine le placement et la longueur de cette ligne. Bien sûr, si j'avais un véritable outil la place de celui-ci que nous avons improvisé pendant le cours, serait un peu plus facile, mais c'est parfaitement faisable de trouver le bon angle et de tracer la bonne ligne de contrôle Ensuite, je peux également utiliser la règle et faire la technique d'observation Je ne reviendrai pas sur les gestes que nous avions avant ou sur la règle à suivre lorsque nous observons depuis la vie Ensuite, je transfère cette largeur, et de cette façon, je peux tracer cette ligne en sachant que j'aurai le bon espacement dans cette zone de ma draperie Et puis pour terminer cette ligne, comme elle n'est pas assez longue, je peux à nouveau utiliser ma technique d'observation Ici, je remarque qu'il mesure environ 14,5 centimètres. Puisque nous redessinons tout à la même échelle, je vais également étendre la ligne à 14,5 centimètres. Alors voici cette petite ligne sur le côté. Et encore une fois, j'ai cette surligne que je peux dessiner. Je le mesure donc à l'aide de ma technique cytique et de ma règle, et je vois qu'il mesure 3,5 centimètres, donc je peux le dessiner Maintenant, cette ligne suit un chemin assez similaire à la première que nous y avons tracée, presque parallèlement, donc je peux continuer et la tracer. Ensuite, pour cette nouvelle ligne ascendante, je peux à nouveau utiliser mon outil d'angle comme celui-ci. Ou une chose que je peux remarquer, c'est que cette ligne ici, à ce stade, je vais vous montrer la fin de cette ligne. Vous pouvez voir qu'il se retrouve à peu près au milieu de la draperie. Donc, si je commence par le haut, je remarque qu'il se trouve à peu près à mi-chemin si je devais tracer une ligne. Et je peux également calculer la distance avec cette technique d'observation Ensuite, je peux faire de même sur ma propre feuille et placer cet élément au bon endroit. Et ce que je peux aussi faire si je ne veux pas mesurer avec la technique d'observation, c'est en comparant les éléments entre eux Je peux établir des relations entre eux comme ça avec l' élément de gauche, et cela m'aide vraiment. Donc, par exemple, pour le placer correctement, je remarquerai peut-être qu'à ce stade, si je veux le placer sans vraiment mesurer avec la technique de visée, je peux voir qu'il est à peu près à la même hauteur que le haut de la partie du drapé sur la gauche Ainsi, lorsque vous souhaitez dessiner avec des proportions correctes, vous pouvez parfois mélanger les trois techniques en fonction ce qui vous semble le plus naturel dans chaque situation. Par exemple, je peux commencer à mesurer l'angle puis la longueur ou relier un élément à un autre. Et comme je le fais ici, si vous regardez mon article, vous pouvez voir qu'en combinant toutes ces techniques, vous pouvez obtenir un dessin vraiment précis et bien proportionné Ou si vous préférez, vous pouvez simplement utiliser une seule méthode. Pour être honnête, comme dans d'autres parties des cours et comme je vous l'ai déjà montré, j'aurais pu commencer par simplifier cette draperie en lui donnant des formes de base Par exemple, utiliser un grand triangle pour le pli principal , puis ajouter quelques formes géométriques pour créer le reste. C'est une méthode tout à fait valide, et elle aurait très bien fonctionné ici aussi. Mais pour être tout à fait honnête, j'ai simplement oublié de le faire au début de la démonstration. Je passe directement à la mesure des angles et des distances l'œil nu sans passer par cette première étape de simplification. Ce n'est pas grave et cela montre également quelque chose d'important. Avec la pratique, il arrive que vous suiviez votre instinct et que vous travailliez plus directement. Mais si vous vous sentez plus à l'aise en commençant par des formes basiques, n'hésitez pas. C'est une excellente approche pour vous aider à mieux comprendre la structure de la draperie. Cela dit, ce n'est pas le sujet le plus complexe lorsqu'il s'agit de contours. Ainsi, même sans utiliser une forme simplifiée, vous pouvez tout à fait réussir à le sécher avec précision simplement en appliquant les techniques de propulsion sur lesquelles nous travaillons actuellement. Et pour terminer ce croquis avant de passer à l'ombrage, qui sera vraiment au cœur de ce sujet, je peux le dessiner dans les plis intérieurs, juste quelques lignes comme celle-ci, puis nous serons prêts à commencer à travailler sur l'ombrage de cette M. Avant de commencer à ombrer cette draperie, j'aimerais prendre un moment pour analyser les différents gris avec lesquels nous allons travailler Il est important de noter que la structure à l'intérieur d'un pli est à peu près la même sur toute la draperie Ici, par exemple, j'ai sélectionné quelques zones de niveaux de gris dans cette section du tissu, et dans l'ensemble, vous verrez des tons similaires apparaître partout. Ainsi, la première flèche, par exemple, pointe vers le ton central, le gris que nous voyons le plus, et il est assez sombre. Pour correspondre à cette valeur, je dirais qu'un crayon six B fonctionnerait bien. Juste en dessous, la deuxième flèche met en évidence les ombres présentes dans le pli lui-même. Leur valeur varie, et vous pouvez clairement voir qu'à mesure que nous nous déplaçons vers le bas, il fait plus sombre. C'est pourquoi je pense que huit B à dix B seraient un bon choix pour ces pièces. La flèche suivante pointe vers les zones vraiment sombres, celles qui définissent la séparation entre les différents plis. Ici, j'utilise principalement un crayon 12 B. Ensuite, à l'intérieur de certaines chutes, nous aurons également des points forts, des zones assez claires. Elles sont plus claires que les autres, mais ne devraient pas être trop claires non plus sinon le contraste sera trop prononcé. Je pense donc que pour ces points forts, je choisirais quatre B. Et enfin, il y a des zones presque entièrement noires, des ombres très profondes. Pour celles-ci, j' utiliserai un crayon 14 B. Ce qui est bien avec cette draperie, c'est que la logique reste cohérente d'un bout Le travail que nous sommes sur le point de faire dans ce premier volet peut être répété dans les années s. C'est comme si vous pratiquiez la même structure encore et encore, pour vous aider à comprendre et à vous améliorer au fur et à mesure. Maintenant, ce qui donnera vraiment du volume à la draperie, ce sont aussi les ombres du boîtier Vous pouvez en apercevoir quelques-uns dans certaines régions. Ils ne sont cependant pas très sombres. Elles sont en fait proches des zones de surlignage en valeur. Quatre B fonctionneraient donc bien pour la plupart d'entre eux. Cela dit, certaines ombres à coque sont beaucoup plus sombres et ne doivent pas être négligées. D'autres au contraire sont beaucoup plus clairs que ceux de gauche, donc je pense que pour ceux de gauche qui sont assez clairs, un crayon à deux B serait bien. Et pour le fond, je me contenterais d' un crayon HB ou je le laisserais intact, complètement blanc Donc 4b2b pour les ombres et HB sans rien. Je vais commencer par ombrer toute cette zone, et je peux utiliser un crayon six B pour l'ensemble de la zone Il s'agit d'une valeur de ton moyen, et je sais que plus tard, lorsqu'il sera temps ajouter des nuances plus foncées par-dessus le dessus, je n'aurai aucun problème à appliquer tons plus profonds au-dessus de mes six bases B. Pour cette étape, j'utilise d'abord un six B. Et je fais de l'ombre avec ce crayon et je m'assure d' utiliser le côté du couvercle pour obtenir une texture agréable et uniforme, quelque chose qui sera facile à mélanger plus tard et qui aura un aspect assez naturel Je prends donc mes six B comme ça et je les accumule progressivement. Inutile de vous précipiter, prenez votre temps, allez-y doucement. Et 46 B de couche, je pense que ça a l'air plutôt bien jusqu'à présent. Ensuite, je vais passer à la zone d'ombre la plus foncée sur le côté. Donc, pour cette zone d'ombre, je commence par utiliser le crayon 8 B, travaillant directement sur la zone que j'ai déjà ombrée. Encore une fois, j'utilise le côté du couvercle pour que les choses restent lisses. Et comme il s'agit de huit B, je peux facilement obtenir un ton plus profond. Maintenant, ce que je remarque également, c'est que la partie inférieure est encore un peu plus foncée. Je m'ajuste donc en conséquence, et je passe à un 12 B pour approfondir cette ombre finale. Ce que je remarque également, c'est que sur tout le bord de ma draperie, la valeur est assez foncée Et comme nous l'avons mentionné précédemment, je vais utiliser un crayon 12 B. Comme cette partie demande beaucoup plus de précision, je travaille un peu plus avec le bout du couvercle sans trop appuyer car je ne veux pas que le trait paraisse trop dur ou trop rigide sur le papier. De plus, au fur et à mesure que je trace ce bord, j'ajoute quelques petites irrégularités, morceaux qui semblent se répandre légèrement dans la zone ombrée de droite, ce qui contribue à créer une texture globale plus naturelle. Ensuite, juste à côté, je peux travailler sur cet autre pli sur la droite. Elle est un peu plus foncée que les six tons B M, mais pas aussi foncée que la zone que nous avions précédemment ombrée en 12 B. Elle est plus proche du type d'ombre que nous avions avec un crayon huit B ou dix B. Je commence donc par ombrer et poser la base à l'aide du crayon ten B pour cette partie Maintenant que tous mes éléments sont en place, je vais commencer à tout mélanger Cela m'aidera à obtenir un résultat plus fluide, plus réaliste et proche de ce que nous voyons dans la vie réelle. mélange permet également de réduire la visibilité du cerveau du papier et de garantir que toute la zone est correctement ombrée, éliminant ainsi toute petite zone blanche. C'est vraiment le but de cette étape. Et j'utilise des mouvements circulaires sur toute la surface pour obtenir un meilleur résultat. Parce que cela permet de créer une finition plus naturelle et de faire en sorte que les différentes nuances de gris se mélangent plus facilement. Donc, dans l'ensemble, je pense que ça a l'air plutôt bien. Maintenant, ce que je remarque, c'est que certaines des zones les plus sombres ne ressortent pas assez. J'y retourne donc et j'assombrit un peu ces endroits, surtout le long du bord J'utilise donc mon crayon ten B pour rétablir ce contraste, cette différence de valeur. Maintenant que tout est bien mélangé et que la transition semble naturelle, je peux constater que cette zone d'ombre n'était pas assez forte, c'est pourquoi je l'ai renforcée Et nous y voilà. Ça a l'air plutôt bien. Maintenant, ce que je fais également ici c'est ajouter quelques touches légèrement plus sombres dans la zone centrale, car cela contribue à améliorer les textures de ces éléments. Ce que je remarque également, c'est que le long du bord, il y a une bordure légèrement plus foncée. Cela se distingue par le fait que c'est plus. Je peux donc y retourner et renforcer ce domaine pour obtenir un meilleur résultat. Et là, je suis allée un peu trop à droite et j'ai étendu la zone ombrée un peu plus que je ne le voulais, mais ce n'est pas grave, et c'est l'un des avantages de ne pas travailler sur un sujet réel, comme un portrait par exemple, nous ne pouvons pas nous permettre ces petites erreurs. Cela ne va pas gâcher tout le dessin. J'ai donc ajouté les touches les plus sombres. Je vais maintenant les mélanger un peu avec l' outil de mélange pour les adoucir. donc ce que j'ai fait. Et pour pousser encore plus loin la texture, je vais ajouter quelques touches plus légères dans la même zone. Vous pouvez clairement voir que dans cette zone intermédiaire sur laquelle nous avons travaillé avec les six B, la valeur n'est pas complètement uniforme, et c'est exactement le type de variation que nous recherchons L'ajout d'éléments légèrement plus foncés et légèrement plus clairs contribue à renforcer la texture et le réalisme. Certaines des zones plus claires que j'ai ajoutées ont fini par être trop claires, mais ce n'est pas grave, car j'ai pris mon pinceau à maquillage et j'ai doucement redistribué un peu de graphite sur ces deux zones claires De cette façon, ils correspondent désormais aux valeurs environnantes et aux valeurs qui devraient être meilleures. Et la zone dans son ensemble semble complète et bien équilibrée. Et maintenant, nous pouvons passer à la section inférieure. Et la première chose que je remarque ici, c'est qu'il y a un bord très clair et sombre. Je commence donc par ajouter cela. C'est un élément très évident. Personnellement, j' aime beaucoup commencer par caractéristiques les plus évidentes car une fois que les portes sont en place, une fois que je sais que j'ai positionné un objet avec certitude, il devient beaucoup plus facile placer tout le reste autour de celui-ci. Si je sais que cette haie va ici, alors je peux construire que cet élément sombre va ici. Je peux m'en inspirer et ajouter l'élément suivant à côté. Et c'est aussi un excellent moyen de progresser régulièrement dans votre dessin grâce à des repères comme celui-ci. Maintenant, je peux continuer en ombrageant cette zone. Vous remarquerez que dans l'ensemble, la seule valeur est légèrement plus foncée par rapport à celle sur laquelle nous avons travaillé ci-dessus. C'est donc ce que j' essaie de faire ici, appliquer des tons légèrement plus profonds comme celui-ci. Et même si la valeur est plus foncée, je travaille toujours avec le côté de la mine et j'essaie de ne pas appliquer trop de pression car plus vous appuyez avec le crayon, plus il sera difficile de le mélanger doucement plus tard, que ce soit avec un moignon, un pinceau ou autre Et surtout, plus vous appuyez fort et plus vos coups de crayon seront visibles. Ces marques seront plus difficiles à estomper et plus difficiles à effacer si nécessaire. Il est donc toujours préférable de rester léger , même avec un crayon noir. Et c'est exactement pour cela que les crayons plus souples tels que le 12 B ou même le 14 B sont conçus pour obtenir des valeurs riches sans forcer ni appliquer trop de pression sur votre Maintenant, j'ai mélangé toute cette section, et j'ai choisi d'utiliser le moignon à mélanger pour ces parties, car cette zone est assez petite, et c'est vrai pour la draperie La plupart des zones sur lesquelles nous travaillons sont assez compactes, le moignon est donc un excellent outil lorsque vous recherchez de la précision Maintenant, je continue et comme vous l'avez peut-être remarqué, j'ai ajouté un petit élément plus foncé sur le côté droit qui aidera à donner plus de profondeur et de volume à la draperie J'ai également passé en revue toute cette zone de la main droite et j'ai ajouté un peu de texture, quelques petits détails plus foncés ici et là. Et ce sont des petites touches que j'apporte progressivement et chacune contribue à rendre le dessin plus réaliste en général. Et, bien sûr, comme avant, j'ai atténué ces taches foncées, assurant qu'elles se fondent bien dans les ombres environnantes afin que tout s'harmonise parfaitement Et ce qui est également très important pour faire ressortir cette petite zone car nous pouvons constater un changement de volume sont les touches plus légères que j'ajoute le long du bord. Ils sont assez subtils, pas très forts, mais ils contribuent vraiment à faire la différence et améliorer la sensation de volume. Et nous y voilà. Ce sont les derniers éléments que j'ajoute dans cette partie du dessin, sur ce pli. Dans l'ensemble, je suis plutôt contente de cette section et de son résultat. Nous pouvons maintenant passer à la partie suivante. Et ce qui est important, c'est que nous puissions commencer à sentir un peu de volume. Mais ce qui donnera vraiment à cette draperie et à cette partie une apparence tridimensionnelle, c'est lorsque les éléments environnants seront cette draperie et à cette partie tridimensionnelle ajoutés, car c'est vraiment en plaçant éléments les uns à côté des autres, en créant de la profondeur , en créant contraste et de la profondeur entre eux que nous pouvons car c'est vraiment en plaçant les éléments les uns à côté des autres, en créant de la profondeur , en créant du contraste et de la profondeur entre eux que nous pouvons donner à l'ensemble du drapé beaucoup plus réaliste et plein de volume Passons maintenant au pli central. Et avant de commencer à travailler sur le pli lui-même, je vais tracer soigneusement cette ligne centrale, qui est vraiment sombre. Et je prends mon temps ici, et je n'hésite pas à y revenir plusieurs fois si nécessaire, car ces lignes doivent être précises. Il marque la limite entre les deux plis. En fait, je commence par cette ligne sombre et non par les éléments environnants c'est parce que cette ligne est noire, et je suis sûr que le noir est la bonne valeur ici. Donc, ce qui est vraiment utile, c'est qu'une fois cette ligne noire en place, elle servira de point de référence lorsque j'ombragerai le reste de la zone. Cela me permettra de comparer les valeurs des autres éléments à ce noir, savoir si mes ombres sont trop claires ou trop sombres par rapport à ce noir et de les ajuster en conséquence. Or, dans cette zone, dans ce pli, nous avions observé précédemment qu' il était relativement léger. Je commence donc par appliquer la valeur de lumière quatre B ici dans toute cette zone. Ensuite, les zones que j'ai ombrées, je les mélange avec des mouvements circulaires pour obtenir une belle surface lisse sur laquelle je pourrai travailler plus tard. Cela me donne une bonne base pour plus de détails, plus de texture et des accents plus foncés à certains endroits, ce qui contribuera à rendre ce pli plus réaliste. 27. Final Project - The Drapery II: Si j'ai bien mélangé la zone et que j'ai une bonne base, je vais utiliser des tons plus foncés et commencer à travailler sur le côté De ce côté à droite, on peut voir qu'il y a des éléments un peu plus foncés. Ils débordent un peu du volet de droite sur lequel nous avons travaillé plus tôt et ils commencent à se fondre dans les éléments que nous avons ici Je les ajoute donc pour assurer que tout semble réaliste. Comme j'avais ces éléments plus foncés, j'essaie de créer une impression d'irrégularité, travaillant avec le côté de ma mine de crayon et en utilisant une sorte de mouvement de gribouillage au fur qui contribue à créer les irrégularités naturelles que nous voyons Et vous pouvez également remarquer qu' au bas de ce pli, il y a une ligne légèrement plus claire, et ce qui fait ressortir cette ligne et crée du volume c'est la zone plus foncée que je viens d'ajouter au-dessus. C'est très subtil, mais cela rend vraiment le pli plus crédible Comme le dit le proverbe, le diable se cache dans les détails, et c'est certainement vrai ici. Ensuite, je peux continuer à ajouter de nouveaux éléments plus sombres comme celui-ci pour renforcer le contraste et améliorer le réalisme. Et les éléments que je viens d'ajouter, je m'assure de les mélanger correctement pour les lisser, afin qu'ils s'intègrent parfaitement les uns dans les autres à l'aide de mon moignon à mélanger Et j'applique maintenant quelques petits traits comme celui-ci avec la gomme à effacer pour enlever un peu de graphite et créer des éléments plus clairs, des reflets subtils Tout comme je l'ai fait avec la section de droite. Je vais également redistribuer un peu de graphite sur ces zones surélevées pour qu' elles ne soient pas trop lumineuses, juste assez pour maintenir un contraste équilibré Et lorsque nous avons analysé les différentes nuances de gris précédemment, nous avons remarqué que cette zone pouvait être principalement composée de quatre B. Mais bien sûr, lorsque j' extrais ces valeurs de gris, je n' essaie pas de les reproduire ni d'extraire chaque petite touche individuellement. Ce que nous remarquons, c'est qu'il y a quelques petites taches légèrement plus claires, et ce sont elles qui ont vraiment contribué à créer de la texture et à donner du réalisme à la draperie, ainsi que les très petits éléments plus foncés que j'ai pu ajouter dans cette zone également Et c'est tout pour ce pli. Nous pouvons maintenant passer à gauche vers celui de gauche. Et là aussi, la base est relativement légère. Je vais donc l'aborder de la même manière. Et je commence par un ombrage doux et léger. Rien de trop sombre, et je construis le pli progressivement, comme nous l'avons fait jusqu'à présent. Donc, ici, sur cette ligne de démarcation, je continue de la même manière que je l'ai fait jusqu'à présent. Je vais l'aborder avec la même logique, commençant par des valeurs plus claires, en utilisant le viseur du crayon, en prenant le temps d'observer les irrégularités, la transition des valeurs, puis en augmentant progressivement en ajoutant des touches plus sombres si nécessaire. La méthode ne change donc pas, et je continue simplement à l'appliquer avec soin. Et c'est justement ce qui fait valeur de ce type d'exercice. Dessiner une draperie, oui, c'est un sujet classique, on retrouve dans presque tous les cours d'art ou en studio, et ce n'est pas pour rien. Il ne s'agit pas seulement d' apprendre à dessiner des tissus ou des plis. Cela va bien plus loin que cela. Lorsque nous dessinons des draperies, nous enseignons en réalité tous les principes fondamentaux du dessin d' observation Nous apprenons à ressembler, vraiment parce que dans une draperie, il n'y a pas de raccourcis Tu ne peux pas faire semblant de t'y frayer un chemin. n'y a pas de schéma simple, pas de forme familière sur laquelle se rabattre. C'est abstrait, irrégulier, toujours en mouvement. Vous devez vous y plonger et vous laisser guider par les valeurs, les ombres, la lumière, les transitions. Et c'est exactement pourquoi il s'agit d'une expérience d'apprentissage si puissante. Dessiner des draperies est également un excellent moyen de pratiquer le modelage, en donnant forme, volume, texture Et avec un simple crayon, vous essayez de donner l'illusion que la page se soulève, que le tissu tombe, que la lumière la traverse ou la traverse, et c' est une compétence que vous utiliserez partout Dans les portraits, les vêtements, les cheveux, parfois même dans les paysages, cela vous apprend vraiment la subtilité Enfin, ce que j'aime aussi dans ce type d'étude, c'est qu' il vous oblige à ralentir, à vous concentrer sur la précision des patients. Tu n'essaies pas de terminer vite. Vous essayez de voir clairement, de comprendre et de placer chaque valeur intentionnellement. Et plus vous le faites , plus vous développez une sorte de sensibilité oculaire, la capacité de remarquer des nuances que vous ne voyiez même pas auparavant. Et c'est là que de véritables progrès se produisent. Maintenant, pour ce pli, c'est fait, et nous passons au suivant ci-dessous. Et attention au contour de ce tout petit pli. Je suis en train de le réajuster avec ce type de forme circulaire. Dans ce volet, nous avons une zone très sombre, et les portes joueront un rôle clé en permettant aux travaux précédents que nous avons réalisés ci-dessus de se démarquer. Ils contribuent vraiment à créer une impression de volume en faisant ressortir les éléments que nous avons mentionnés précédemment. J'ai donc veillé à ajouter ces tons profonds, et en parallèle, je travaille avec une valeur particulièrement foncée. J'utilise un crayon 14 B pour obtenir quelque chose de vraiment profond et riche. Mais au fur et à mesure que je me déplace légèrement vers la gauche, cela allège un peu les choses Et sur le bord extrême gauche, il y a cette section qui est également très sombre, donc je la marque également. Et ce qui est intéressant à propos de cet automne en particulier, c'est qu'il fait globalement sombre. Les ombres sont extrêmement profondes et même les petites zones surlignées sont relativement sombres. Donc, même si c'est la partie la plus claire de cet automne, je ne vais pas utiliser de crayon très léger pour cette zone centrale. Il doit toujours avoir l'impression appartenir à cette gamme plus sombre. Je vais donc utiliser un crayon 8 B pour travailler sur les éléments légèrement plus clairs qui, dans ce cas, font toujours partie de l'ombre. Et je travaille sur l'obscurité de la lumière, si vous voulez, car même les points forts ici ont une valeur sombre. Et nous y voilà. Maintenant que tout se mélange, j'ajoute quelques touches plus sombres à cette zone, petits éléments comme nous l'avons fait jusqu'à présent Et c'est ainsi que la texture se construit, que la sensation de volume prend forme dans cette partie du dessin. En fin de compte, ce que nous pouvons retenir de cette étude de draperie, c'est que la méthode globale reste la même tout au long du dessin Ce sont les valeurs qui changent vraiment et auxquelles vous devez porter une attention particulière. Vous n'aurez pas le même niveau d'obscurité partout. Certains plis seront profondément enfouis dans l'ombre tandis que d'autres seront beaucoup plus clairs. Mais en termes de technique, le processus est assez cohérent. J'applique un gris dominant sur la zone, des gris dominants différents dans les différentes zones du sauna sur lesquelles je travaille Ensuite, je le mélange pour adoucir la transition. Ensuite, j'y reviens et j'ai pris de la texture, j'ai ajusté les valeurs ici et là, parfois en assombrissant, parfois en éclairant jusqu'à ce que je trouve le pli convaincant Et une fois que ce pli me convient, je passe au suivant. Donc, comme vous pouvez le voir, la vidéo est légèrement accélérée simplement pour nous aider à avancer plus efficacement. Mais je travaille exactement de la même manière que pour les anciens plis précédents et je prends vraiment votre temps. Ce n'est pas parce que la vidéo est accélérée qu' il faut accélérer. Nous en sommes donc l'un des derniers plis de la draperie, mais traitez-le avec le même soin et la même précision sans rien précipiter n'est pas parce que nous approchons de la fin que nous allons prendre C'est tout le contraire. À ce stade, il est très important rester concentré et de s' en tenir à la méthode. Vous connaissez le processus à présent. Nous commençons par définir les principales valeurs, nous mélangeons soigneusement. Nous y retournons pour affiner les zones qui en ont besoin, ce qui donne à l'ensemble du dessin sa cohérence et son pli, et ce pli ne fait pas exception. Et si vous vous sentez un peu fatigué ou moins concentré qu'au début, c'est tout à fait normal. Mais c'est là que ça compte vraiment. C'est souvent dans les phases finales que nous sommes tentés de lâcher prise. Mais c'est aussi grâce à ces dernières étapes, ces derniers détails que le résultat final peut passer de plutôt bon à vraiment réaliste. Prenez donc votre temps et maintenez ce rythme régulier et calme. Fold, comme tous les autres, est une nouvelle occasion d' aiguiser son regard, observer avec encore plus d'attention les changements de ton en solo, les arêtes souples, les petits traits qui donnent la texture et à la texture toute leur richesse Nous ne nous contentons pas de combler de l'espace. Nous faisons ressortir le matériau et la profondeur du bâtiment. Et ce qui est vraiment satisfaisant, c'est qu'à ce stade , chaque nouveau pli donne plus de profondeur à ceux que nous avons déjà réalisés. Les volumes commencent à interagir, les ombres se connectent les unes aux autres, et le tout devient de plus en plus crédible On sent que l' image prend vie. C'est un peu comme sculpter. Ce que vous ajoutez ici fait ressortir encore plus ce que vous avez déjà construit. Et puis, comme vous le verrez dans ce dernier pli, il est très important de travailler sur la texture comme avant. Et ces petits détails auxquels nous avons apporté des touches légèrement plus foncées, bords adoucis, des reflets subtils, sont-ils ce qui crée du réalisme ? n'y a pas de tour de magie, juste de l'observation, la patience et la répétition d'un geste prudent. Donc, même si vous en avez assez de la vidéo, n'hésitez pas à y aller doucement chez vous. Prenez votre temps, observez, ajoutez un peu de contraste, juste la valeur ici ou là. Ensuite, vous verrez que c'est au ces quelques minutes supplémentaires que vous dessinez pour vraiment passer à un nouveau niveau. Ici, nous avons un tout petit pli, et ce qui va faire ressortir ce petit pli , c'est le fait qu' il y a une petite zone plus claire sur le côté droit . Ce n'est presque rien, juste un détail subtil, mais le contraste créé par le noir foncé qui l'entoure fait ressortir le volume et donne l'impression que ce pli se situe à un niveau différent du précédent. C'est comme si les éléments commençaient à superposer les uns sur les autres. Maintenant que tous les plis principaux sont en place, nous pouvons passer à ce qui va vraiment améliorer la sensation de volume, à savoir les ombres projetées. Ce sont les ombres que les plis de la draperie projetteront sur le mur situé derrière elle Ils ne font pas partie des plis eux-mêmes, mais ils sont absolument essentiels pour apporter réalisme et mort. Je viens donc de commencer à travailler un peu sur le côté, et vous pouvez déjà voir apparaître une petite ombre dans cette zone. Une chose à prendre en compte avec ces ombres est que la valeur n'est pas uniforme partout. Par exemple, sur l'ombre que je crée juste en dessous du drapé pour celle de droite, vous pouvez voir que plus elle est proche de la droite ou du bas, plus elle devient foncée Et c'est quelque chose que je vais essayer de souligner dans la façon dont j'applique l'ombrage Il en va de même pour les autres ombres. Si vous faites bien attention, vous remarquerez que les valeurs varient, et c'est ce qui les rend plus naturelles. Il y a aussi un autre détail qui contribue vraiment à ajouter du réalisme. Juste à l'endroit où l'ombre rencontre le drapé, vous voyez souvent un bord très fin et légèrement plus clair L'ombre projetée n'est pas collée directement sur le pli. Il est légèrement décalé. L'inclusion de cet écart subtil rend tout plus crédible et plus cohérent Maintenant, j'ai appliqué la plupart des ombres et je les estompe doucement avec le pinceau à maquillage Si je n'utilise pas de souche mixte ici, c'est parce que ces zones d'ombre ne sont pas clairement définies. Il n'y a pas de frontières claires. Je veux qu'ils soient doux et irréguliers. Et le pinceau à maquillage me donne ce genre de mélange naturel Et à certains endroits, j' adoucis un peu plus le bord à l' aide de la gomme pétrie, tapotant légèrement pour briser la forme et éviter que tout ne paraisse trop droit ou trop net. Enfin, pour vraiment terminer le travail, je reviens et je retravaille un peu certaines ombres Comme je l'ai mentionné plus tôt, dans une seule ombre, vous remarquerez souvent que certaines parties sont plus sombres que d'autres J'y vais donc et j'ajoute ces touches plus sombres si nécessaire. Ce qui aidera également à vraiment terminer le travail sur les ombres, c'est l' ombre très foncée dans la zone centrale. Pensez donc à l' ajouter car il joue un rôle clé dans le renforcement du volume global. En ce qui concerne le fond, j'ai décidé de le laisser comme blanc sur le papier. Cela aide vraiment la draperie à se démarquer et le résultat est superbe comme celui-ci Il n'est donc pas nécessaire d'y entrer et de l'assombrir. Le blanc uni suffit. D'accord, c'est presque la fin de ce tutoriel. J'espère vraiment que cette vidéo vous a aidé, qu' elle vous a permis de mieux comprendre comment travailler sur le dessin de draperie et, surtout, que vous avez l'impression d'avoir fait des progrès N'oubliez pas que c'est en pratiquant régulièrement, même sur des sujets classiques comme celui-ci , que vous gagnez en confiance et en précision. Prenez le temps d'observer, de vous ajuster pour améliorer un pli à la fois. Merci donc beaucoup d'avoir suivi le tout et à très bientôt pour un nouveau tutoriel. 28. Final - Le Burger I: Si je devais décomposer ce hamburger en formes simples, je dirais que nous pouvons commencer par un rectangle qui couvre la majeure partie du pain du bas, jusqu'au pain du haut, puis le terminer avec un demi-ovale sur le dessus avec un demi-ovale sur le Et à l'intérieur du burger, on pourrait aussi le diviser en rectangles, comme ça l'œil nu, je dirais que À l'œil nu, je dirais que les deux petits rectangles situés haut et en bas occupent chacun environ un quart de la hauteur totale tandis que la section centrale en représente environ la moitié Commençons donc et dessinons ce burger en utilisant une forme simple. Je commence donc par le rectangle principal. Si vous le souhaitez, vous pouvez d'abord imiter chaque ligne en l'air pour vous en faire une idée Et une fois que vous êtes en confiance, allez-y et dessinez-le. Pour ma part, je souhaite que ce burger soit plus gros qu'une référence, environ 1,5 fois plus gros. J'estime donc d'abord la taille globale mentalement, puis j'utiliserai des outils de mesure pour m'assurer qu'elle reste proportionnée. Ensuite, je dessine le demi-ovale sur le dessus. N'hésitez pas à le refaire plusieurs fois si nécessaire. L'objectif est simplement d'obtenir un demi-ovale propre et bien équilibré. Maintenant, j'ajoute ces rectangles, puis nous allons utiliser nos outils pour mesurer et nous assurer que nous sommes dans les bonnes proportions Maintenant, je vais mesurer le hamburger, et avec ma règle, je fais comme si j'utilisais la technique d'observation, et je vois qu' il mesure 11 centimètres. Et alors que la hauteur est de 10 centimètres. Maintenant, comme je vous l'ai déjà dit, je veux qu'il soit 1,5 fois plus grand que ma référence. Cela signifie donc que ma taille sera de 15 centimètres et que la largeur sera d'environ 16,5 centimètres pour m' assurer qu'elle est dans les mêmes proportions Maintenant que je vérifie mon dessin en utilisant les mesures du site, je me suis rendu compte que la largeur est d'environ 14 centimètres, alors que je veux en fait qu'elle soit plus proche de 16. Je vais donc ajuster cela. La hauteur n'est pas tout à fait correcte non plus. Il n'est pas assez proche de 15 centimètres. Donc je retravaille vraiment ça aussi. Il est vrai que j' aurais pu tout mesurer avant d'esquisser les teintes de base, mais personnellement, je préfère d'abord établir ma base avec des formes simples, puis vérifier ensuite si les proportions sont correctes De cette façon, je peux voir plus clairement la structure globale avant de peaufiner les mesures. Maintenant que mes formes de base sont en place, je passe à la technique de blocage où je commence identifier les angles principaux pour créer des contours plus précis. À ce sujet, les grandes lignes sont particulièrement complexes. Par exemple, par rapport aux lignes qui sont également fondamentales pour dessiner des partitions, celle-ci est beaucoup plus simple. Néanmoins, il y a quelques angles qui méritent d'être identifiés, et ils nous aideront à définir un schéma plus clair et plus précis pour notre hamburger. C'est donc sur cela que je me concentre ici. Et vous pouvez voir que pour ce travail de contour, je tiens mon crayon dans la poignée classique entre les doigts comme vous le feriez avec un stylo. Personnellement, je préfère cette prise en main lorsque je travaille sur les contours car elle me donne une meilleure précision, mais n'hésitez pas à m'adapter. Je vous ai déjà montré une autre poignée qui peut également bien fonctionner si vous êtes plus à l'aise avec elle. Ici, je peux voir que cet angle de gauche est plus élevé que celui d'ici, et c'est exactement ce que nous observons sur la référence. Cela m'aide donc à confirmer que mon placement est exact. Je voulais qu'ils soient à des hauteurs différentes. C'est donc parfait. Je peux maintenant passer à autre chose et tracer la ligne suivante. Et pour cet angle suivant, j'ai cependant voulu le voir légèrement plus haut car quand je regarde la référence, je remarque qu'elle est effectivement positionnée un peu au-dessus de celle de gauche, au-dessus de cette ligne pointillée que je viens de tracer En utilisant ces points de référence visuels et en comparant constamment les angles entre eux, je peux positionner correctement chaque partie du burger. C'est ce type d'observation attentive, en vérifiant les relations entre les éléments plutôt que de vérifiant les relations entre les éléments dessiner à l'aveuglette, qui garantit que le contour final semble cohérent et proportionné Bien entendu, vous pouvez tout à fait créer ce dessin en utilisant la méthode de la grille qui fonctionnerait parfaitement bien. Mais pour ce sujet, j'ai pensé qu'il était intéressant de l'aborder à travers des formes simples, comme nous l'avons fait à plusieurs reprises dans ce cours. C'est le genre de sujet qui pourrait facilement vous inspirer dans la vie de tous les jours. Par exemple, vous pourriez être au restaurant, voir un hamburger comme celui-ci et avoir envie de le dessiner C'est un sujet amusant et étonnamment riche, presque comme une nature morte moderne. C'est pourquoi j'ai pensé qu'il était logique de le construire à partir de formes simples. Il permet de garder les choses claires et structurées tout en laissant place à l' observation et à la créativité. Maintenant que le contour extérieur est terminé, nous pouvons passer au contour intérieur. Ici, par exemple, je peux utiliser les angles comme points de référence. J'ai remarqué que c'est sous cet angle que nous avons sur la droite. Nous avons la séparation entre le pain supérieur, la couche de fromage et le bœuf au-dessus Je peux donc continuer et dessiner ça. Et je peux, encore une fois, fier au bloc en approche, identifier les petits angles directionnels, les relier progressivement pour avoir un guide et construire tous les détails internes avec précision. Juste ici, je me suis rendu compte que le fromage se trouve à peu près à la même hauteur que la ligne imaginaire que j'ai dessinée plus tôt. Je peux donc utiliser cette ligne de référence, celle qui relie plusieurs angles, comme guide pour continuer à façonner la couche de fromage. Ces lignes de construction imaginaires sont vraiment utiles car elles nous aident à maintenir la cohérence entre les différents éléments du dessin. Et en comparant et en alignant les formes cette façon, tout reste cohérent Le pain, le fromage et la viande semblent tous bien liés et équilibrés dans la structure du hamburger Ce qui est également génial avec ce sujet est qu'il nous donne un peu de liberté créative. Bien sûr, j' essaie de rester assez précis dans mon dessin en plaçant chaque élément, la tomate, le fromage, etc. Je vise un certain niveau de précision, mais honnêtement, si ma tomate légèrement vers la droite ou un peu trop haut, ou si le fromage coule un peu plus sur la viande, ce n'est pas la fin du monde qui ne nuira pas au succès du dessin Lorsque vous travaillez sur une nature morte comme celle-ci, l'une des meilleures choses est de pouvoir lâcher prise. Vous n'avez pas besoin de la même précision extrême que celle requise lorsque vous dessinez une personne. Un hamburger n'a pas d'identité. Nous n'essayons pas de le faire ressembler exactement à un hamburger en particulier, un portrait où le moindre changement peut modifier la ressemblance. Ici, vous pouvez vous détendre et profiter encore plus du processus Ne vous mettez donc pas de pression. L'objectif est de s' amuser, d'en faire un moment de calme, de création et de créativité. Même si vos proportions ou placements ne sont pas parfaitement exacts, vous obtiendrez tout de même un excellent hamburger. Le plus important, c'est que vous preniez plaisir à le dessiner , car l'art doit avant tout être un plaisir non une source de stress. Vous Et je continue donc à placer les différents éléments. Il est vrai que pour être un peu plus précis en ce qui concerne les parties internes du hamburger, la laitue, la tomate, etc., j'aurais pu utiliser la technique de visée pour les positionner très Mais je pense qu' il suffit de comparer la position de ces éléments avec d'autres que j'ai déjà dessinés pour obtenir une bonne précision. Comme je l'ai mentionné plus tôt, avec un hamburger, nous n'avons pas besoin d'autant de précision que pour un portrait ou le dessin d'un animal. Pour la laitue, il n'est pas facile de dessiner chaque morceau, alors j'essaie d' identifier grossièrement la forme des différentes parties et de les décomposer. Donc, en gros, je déconstruit cette salade en petits morceaux. Je repère une forme, puis une autre et ainsi de suite. Jusqu'à ce que j'aie rempli jusqu'à ce que j'aie rempli, désolé, la laitue entière. Enfin, j' ajoute un peu les zones d' ombre que nous avons ici pour les hamburgers, pour les brûlures, désolée. Ensuite, je vais effacer pour adoucir un peu plus mon contour, car il est très foncé et très net également, grâce à la technique de blocage. Je vais donc l'adoucir avec la gomme à effacer, puis nous retravaillerons un peu plus ce contour pour obtenir quelque chose de plus arrondi, de plus naturel et avec Je vais maintenant finaliser mon plan et le peaufiner en petits morceaux en travaillant davantage sur les bords Cela se fait en créant de petites irrégularités, petites bosses qui montent et descendent, comme nous pouvons le voir sur notre Burger Boon Nous le faisons plus ou moins partout jusqu'à ce que le plan soit complètement terminé. Je ne vais pas nécessairement indiquer toutes les zones d'ombre des différents éléments car il y a tellement de petites pièces, et les zones d' ombre et de lumière sont également assez petites et irrégulières. Je pense qu'il faudrait beaucoup de temps pour souligner tous ces détails maintenant et cela n'ajouterait pas grand-chose au reste de la pièce ou au travail d'ombrage Je pense donc qu'il vaut mieux le faire plus tard directement lors de l'ombrage. Ce sera plus facile et cela nous fera gagner du temps. Et en fait, si vous le faites maintenant, ajouter les zones d'ombre à ce stade prendrait du temps sans apporter de réelle valeur ajoutée. C'est ce que je ferais par la suite. Cela n'apporterait pas beaucoup d'aide, je veux dire, mais, bien sûr, si vous pensez que le fait de marquer les zones d'ombre maintenant vous aiderait, n' hésitez pas à le faire. Comme je le dis toujours, faites ce qui vous convient le mieux. Je veux dire, je vous montre une façon possible de procéder, mais c'est vraiment à vous de prendre ce qui est utile et adapter si vous le souhaitez à votre façon de dessiner. Je suis en train de faire tourner un peu la vidéo en ce moment pour la fin de cette partie car il n'y a rien de particulièrement spécial ici, j'affine juste le contour rapidement, en ajoutant quelques irrégularités et en le rendant un peu plus fluide. Et c'est joli. Nous en aurons terminé avec cette section , puis nous pourrons passer à la partie ombrage Commençons par notre travail d'ombrage. Et je vais commencer par cette partie supérieure où se trouve notre point fort. C'est une zone très lumineuse. Vous pouvez remarquer que dans cette partie, j'ai un peu plus effacé mes lignes de contour Ils sont à peine visibles. La raison en est que cette partie supérieure du hamburger est très légère. Le contour n'est pas vraiment bien défini. Il n'y a pas de ligne claire et nette qui marque le bord. C'est aussi un peu comme un effet de soft focus où les contours ne sont pas complètement distincts. C'est pourquoi j'ai voulu que le schéma disparaisse. Je l'ai effacé pour que l'ombrage définisse lui-même le contour J'ai donc commencé à ombrer avec un crayon HB dans cette zone, et vous pouvez voir qu'en bas à droite, elle devient un peu J'ajuste donc mon crayon et je passe à quelque chose comme deux B. Et je vais ajouter un peu d' ombrage avec les deux B sur cette partie supérieure, juste ici Et puis au fur et à mesure que nous descendons, il fait encore plus sombre. Je m'adapte donc à nouveau. Cette fois, je passe à un quatre B pour obtenir la bonne valeur et un son plus profond. Et je vais continuer à me frayer un chemin jusqu'à la zone intermédiaire. Mais dans cette petite zone que nous avons ici. Je vais vous le montrer ici même. Dans cette petite zone, on peut voir qu'il y a des éléments beaucoup plus légers. J'ajuste donc ma couche de base. Et même si j'utilise toujours un four B, je l'applique beaucoup plus légèrement pour créer un ton plus doux et plus clair. Et puis, au fur et à mesure que nous remonterons, il fera à nouveau un peu plus sombre. Maintenant, ce que je fais avec mon crayon, c'est commencer la transition en faisant varier la pression que j'applique sur le crayon. De cette façon, je peux créer une tonalité intermédiaire où la zone claire passe à la zone plus foncée située au-dessus. Et ce qui m' aide également dans ces transitions, c'est la même chose pour la zone supérieure où le point culminant est le plus fort pour créer la transition. Eh bien, ce qui m' aide dans cette transition, c'est de faire de petits gribouillis En procédant ainsi avec ces petits mouvements de gribouillage, il est plus facile de créer des transitions fluides et de bien mélanger tous les éléments Et ici, sur le côté, il fait vraiment beaucoup plus sombre, je crois. Je lui donne donc une valeur plus profonde. Quant aux petits détails comme les CSM C ou les petits points noirs que nous voyons, je ne m'en fais pas vraiment pour le moment. J'y travaillerai plus tard une fois que nous aurons finalisé le pain à hamburger et, eh bien, oui, une fois que nous aurons finalisé le Pour le moment, je me concentre uniquement sur la construction de ma base, en m'assurant d'avoir les bonnes valeurs aux bons endroits afin de pouvoir rapidement commencer à percevoir le volume et la profondeur dans cette zone. Maintenant, ma base est presque terminée avec les parties les plus sombres sur le côté gauche. Ce que je vais faire ensuite, c'est tout mélanger. Je veux créer une surface lisse sur laquelle travailler avec plus de précision, et je veux que mes coups de crayon disparaissent. Vous allez me voir commencer par le pinceau, toujours en faisant des mouvements circulaires. Le résultat sera plutôt bon, mais je n'en serai pas totalement satisfait. C'est pourquoi je vais mettre le pinceau côté et refaire le même mélange, mais cette fois avec un moignon à mélanger De cette façon, j'obtiendrai un résultat que je préfère, plus doux et plus uniforme. Il y a donc un petit problème de mise au point avec mon appareil photo ici. Je ne l'ai pas remarqué à ce moment-là, donc je m'en excuse, mais ne vous inquiétez pas, cela ne durera pas longtemps. Juste un petit rappel concernant le travail de mélange. Assurez-vous d'utiliser des mouvements circulaires car c'est ainsi que vous obtiendrez le meilleur résultat et le résultat le plus naturel possible. Bon, je vais continuer encore quelques secondes, puis nous passerons à travailler sur le pain Burger Travaillons maintenant plus en détail sur le pain à hamburger. Je vais commencer doucement sur le côté droit où vous pourrez voir une ombre plus prononcée qui aide à former un pli sur le chignon Lorsque vous travaillez sur ces zones d'ombre, veillez à ne pas tout donner la même valeur. n'est pas parce qu'il est dans l'ombre que toutes les parties seront également sombres. J'ajoute ici quelques touches sombres, d' un peu plus claires et d'autres légèrement plus foncées. Et c'est ce mélange qui donne à l'os son aspect réaliste. Ce qui fait vraiment apparaître le volume, c'est aussi ce petit bord plus clair juste à côté du pli que j'ajoute à l' aide de la gomme à crayon Comme nous l'avons vu plus tôt dans le cours, l'équilibre entre la lumière et l'ombre, c'est l'équilibre entre la lumière et l'ombre, la façon dont elles interagissent, qui créent vraiment de la profondeur. Maintenant, dans cette zone de surbrillance supérieure, j'ai également remarqué quelques points qui devraient être un peu plus clairs. Donc, à l'aide de la gomme malaxée, je tamponne doucement pour enlever un peu de graphite Cela se produit souvent lorsque nous mélangeons une grande surface. Une fine couche de graphite se répand sur les zones claires, les ternissant légèrement et les rendant un peu plus foncées Quelques génotapotements comme celui-ci redonnent donc cette luminosité. Ensuite, dans la zone ci-dessous que je vais vous montrer avec mon doigt, je vais travailler sur celui-ci, et je vais ajouter quelques petits points noirs irréguliers. Ces endroits que je vais ajouter dans quelques secondes peuvent sembler aléatoires, mais ils sont vraiment ce qui fait le bol ici même dans cette zone. Ce sont vraiment eux qui donnent au chignon une sensation de texture, crédibilité et de vie. C'est donc comme si vous donniez à votre hamburger sa peau, une surface présentant de petites imperfections qui racontent son histoire. Et en ce qui concerne ces petites irrégularités que j'ajoute, les valeurs ne sont pas toujours les mêmes. Certaines sont légèrement plus claires, d'autres un peu plus foncées. Et pour éviter de changer de crayon toutes les 5 secondes, vous pouvez simplement jouer avec la pression que vous appliquez sur le crayon. Bien sûr, vous aurez parfois besoin de changer de crayon lorsqu'il y a une grande différence de valeur. Mais lorsque le contraste est subtil, il suffit d'un petit ajustement de la pression que vous appliquez sur votre crayon appliquez sur votre crayon pour obtenir l' effet souhaité. Pour l'instant, en ce qui concerne cette grande partie du pain à hamburger, je me concentre principalement sur les parties les plus sombres, ces petites taches irrégulières ici et là Ce qui fera vraiment la différence plus tard, c'est quand j' ai touché légèrement avec ma main effaçable, petits points ici et là, comme ce que l'on peut voir sur un vrai pain à hamburger Ces petits détails ajoutés feront toute la différence, créant des micro-reliefs, ces infimes variations de texture et de volume qui donnent au chignon une surface réaliste et légèrement inégale OK. Ce que l'on peut également remarquer avec ce pli que je suis retravailler en ce moment, c'est qu'il fait assez sombre en bas Et au fur et à mesure que vous vous déplacez vers le haut, il devient progressivement plus léger jusqu'à ce qu'il se fond dans le reste de la pâte à hamburger. Assurez-vous donc de faire de même. Et à ce stade, j'ai l'impression d' avoir suffisamment travaillé sur les zones les plus sombres. Nous pouvons donc maintenant commencer à soulever un peu de graphite et à nous concentrer sur la partie la plus claire ou les reflets. Et pour ce faire, je vais utiliser la main effaçable, et je l'utilise pour deux raisons. abord, étant donné que la plupart des reflets ici sont constitués de touches très fines et infimes, et même si je peux façonner la gomme pétrie, je trouve que le stylo effaçable est toujours plus précis pour ce genre Ensuite, parce que certaines de ces zones sont très lumineuses, presque blanches, et la gomme à effacer à elle seule ne me permettrait probablement pas d'atteindre ce niveau de Nous pouvons également remarquer quelques petites touches de lumière s'étendant des zones les plus claires aux zones légèrement plus sombres, tout comme celles sur lesquelles je travaille ici. Et ces détails sont vraiment importants. Assurez-vous de les ajouter car ils aident à créer une transition plus fluide entre les zones claires et sombres De cette façon, la transition ne semble ni trop nette ni trop directe. Au lieu de cela, il devient plus irrégulier, comme l'est naturellement un véritable hamburger Ce que je veux également faire ici, c'est améliorer encore la texture en ajoutant de nombreuses petites touches à l'aide de la gomme pour créer une lumière subtile sur Je trouve que cela améliore vraiment la texture de la surface. Enfin, en ce qui concerne le fait de plier le hamburger, je pense que la zone devrait être légèrement allégée, comme je le fais actuellement Et cela contribue à améliorer la sensation de volume et le relief de cette section. Et maintenant, je vais me concentrer sur cette zone de gauche, en ajoutant quelques détails plus sombres, comme vous pouvez le voir. Vous pouvez également remarquer que là où se trouvent les graines de sésame, elles projettent de petites ombres, ce qui rend ces taches légèrement plus foncées Il est donc important d'y travailler avec soin. Ces ombres autour des graines de césum sont vraiment essentielles car elles aident à créer une sensation de soulagement et à donner aux graines apparence surélevée, comme sur un véritable os de hamburger On peut également remarquer que sur le côté gauche, le contour est un peu plus foncé et plus prononcé que ce que j'avais jusqu'à présent. Assurez-vous donc de l' ajouter également. Cela rendra votre dessin encore plus crédible et donnera à l'ensemble de la pièce une sensation de profondeur plus forte Enfin, pour terminer cette zone avant de travailler sur les graines du CSM, je vais tamponner doucement quelques points avec la gomme à pétrir car je que certaines zones sont un Je vais les ajuster jusqu'à ce que je sois totalement satisfait du résultat. Ensuite, nous travaillerons sur les graines de CSM et nous nous efforcerons de leur donner une belle sensation de volume et de relief Et maintenant, allons voir quelques graines. Donc, dans un premier temps, avec ma gomme, je vais effacer profondeur en essayant d'obtenir quelque chose de très léger, comme le petit objet que je vous ai montré au centre J'efface donc et j'essaie de retrouver la forme de la graine. Mais si ce n'est pas la forme exacte, c'est bon. Vous verrez que nous l' améliorerons plus tard avec le crayon. J'en ai donc effacé quelques-unes, et maintenant avec mon crayon, je vais les contourner pour créer l'ombre projetée par cette graine afin de cette graine afin créer quelque chose de plus réaliste et de plus tridimensionnel Cela nous aidera à avoir quelque chose de mieux. Je travaille donc tout autour de cette méthode, et cela m'a également aidée à obtenir la meilleure forme possible pour cette graine. Et donc c'est joli. Je ne vais pas dessiner toutes les graines de ce pain à hamburger, mais si vous voulez en ajouter d' autres, n'hésitez pas à le faire Ce que je vais également ajouter c'est la petite ombre projetée que nous pouvons voir au milieu de ce bâton en bois que nous avons pour ce burger. C'est très léger, et bien, très léger. C'est une sorte de lumière, donc je l' ajoute avec la bonne valeur comme ceci. Et puis pour ce qui est des graines, il y en a qui sont assez foncées, presque noires, comme celles d'ici. Je les ajoute donc maintenant et fais attention, car le petit piège est que même sur une seule graine, la valeur n'est pas toujours uniforme. Vous verrez peut-être des points légèrement plus clairs sur certains d'entre eux, mais pas sur tous. Ce qui est également important pour les graines plus foncées, c'est de contourner leurs bords avec quelque chose de plus clair. Ici, avec l'épingle à effacer, je soulève doucement un peu de graphite, ce qui m'aide à créer plus de relief et à faire je soulève doucement un peu de graphite, ce qui m'aide à créer ressortir la graine Enfin, dans la zone floue, il y a aussi quelques graines, donc je les ajoute également, et je vais essayer de les faire apparaître un peu floues, c' est-à-dire en gardant leurs contours souples et non clairement définis Le moignon à mélanger m'aidera à obtenir ce bord légèrement diffus Enfin, pour terminer cette partie supérieure du burger, cette première étape majeure, nous allons ajouter le petit pic en bois que vous pouvez voir. Faites donc attention à ce que ce ne soit pas uniforme partout. Sur le côté gauche, il fait assez sombre. Le côté droit est également un peu plus foncé et la zone centrale est plus claire. Ce n'est donc pas très compliqué à dessiner, mais cela doit être fait avec le même soin et la même attention que le reste du travail. 29. - Le hamburger II: Nous allons maintenant continuer à travailler sur le burger, mais je ne vais pas commencer directement par la laitue. Mon rezonage est simple. La laitue est un élément assez complexe. Il y a beaucoup de petites formes et pièces qui vont dans toutes les directions. Donc, avant d'entrer dans le vif du sujet, je préfère d'abord ajouter quelques éléments autour de celui-ci, des éléments qui peuvent servir de références visuelles. Et c'est exactement le cas de cette tomate que vous pouvez voir ici. C'est beaucoup plus facile à dessiner. Et comme je le dis souvent, compléter un élément simple vous donne un point de référence supplémentaire dans votre dessin. Et grâce à cette tomate, il sera plus facile de placer et comparer les autres parties de l'image. C'est pourquoi je commence par la salade Tomato Now Rab Dandel Et quand vous regardez attentivement cette tomate, vous remarquerez quelques choses intéressantes. Le côté gauche est très sombre, presque noir à certains endroits, et les valeurs deviennent progressivement plus claires vers la droite. Vous pouvez également voir clairement les deux parties distinctes, le côté arrondi de la tomate et le dessus plat tranché. Et pour rendre cette différence visible, je devrai travailler avec soin sur la gamme subtile de gratons dans ce domaine. Mais d'abord, je suis en train de créer cette base ici, en appliquant le pâturage principal au pâturage principal, désolé Ensuite, je vais tout mélanger pour obtenir une surface lisse sur laquelle travailler Pour séparer clairement la tranche de la partie supérieure de la tomate, cette ligne légèrement plus foncée j'ai travaillé sur cette ligne légèrement plus foncée, et juste au-dessus, il y a des zones plus claires. C'est vraiment ce contraste, cette différence entre les valeurs de gris, qui nous aide à créer l'effet plat et distinguer les deux parties de la tomate. J'ai donc ajouté cette ligne foncée, et ensuite, je vais ajouter cet élément qui est plus clair au-dessus, et qui devrait être le cas pour la tomate. Maintenant, la tomate est prête, et nous pouvons passer à la plus grande partie de notre dessin, à mon avis, la plus complexe, la salade. Mais ne vous inquiétez pas, nous allons le décomposer étape par étape. Ce que je vais faire ici, c'est commencer par ce petit morceau juste à côté de la tomate. Pourquoi ? Eh bien, parce que, comme pour la tomate, elle est facile à identifier. Il est placé juste à côté de la tomate, ce qui nous permet de le localiser visuellement et de définir clairement sa forme. Je vais donc commencer par cette pièce, et une fois qu'elle sera en place, elle me servira de point de référence pour m'aider à positionner l'autre. Le fait que cet élément soit déjà dessiné facilite la comparaison et l' alignement des éléments suivants. J'ai donc identifié le petit morceau de salade, le petit morceau de laitue, et je commence par appliquer une légère couche d'ombrage Ensuite, je peux ajouter quelques touches plus foncées et faire ressortir les reflets à l'aide du stylo ID rasoir qui nous donne un premier morceau de laitue cuit, et je peux passer à autre chose Et ce que je remarque ensuite, c'est que juste au-dessus du petit morceau que j'ai ajouté, il y a une zone très sombre, presque noire, donc je l' ajoute tout de suite. Il s'agit d'un élément clairement visible, et son inclusion précoce est utile car elle sert de point de référence supplémentaire pour le reste du dessin. Et grâce à cette zone noire, je pourrai déterminer si les gris que j' applique à côté doivent être plus foncés ou plus clairs C'est une autre cheville visuelle solide pour le reste du travail. avoir déjà ombré quelques éléments comme la tomate et le petit morceau de laitue à côté, m'aide à me sentir beaucoup plus à l'aise avec cette partie du dessin. Il est maintenant plus facile de visualiser l'ensemble de la surface qu'au tout début, lorsque je n'avais que les grandes lignes du hamburger. Et comme les choses sont plus claires, j'en profite pour affiner le dessin de la laitue, son contour, pour définir ses formes un peu plus précisément et séparer les différentes parties de la salade, de la laitue avec plus de précision. Ce faisant , j'ai remarqué que j'avais ombragé la petite feuille de laitue qui recouvrait déjà ombragé la petite feuille de laitue qui recouvrait la zone des tomates . J'ai donc retravaillé légèrement cette section Et maintenant, je fais de l'ombre ce petit morceau de salade C'est petit, mais c'est quand même un peu délicat car il est un peu tordu. Ce pli dans la salade crée de nombreuses petites zones d'ombre et de lumière. Vous devez donc porter une attention particulière à toutes les variations subtiles de valeur. Et juste en dessous de cette petite section, il y a une ombre légèrement plus foncée sur la gauche qui l'aide à se démarquer et lui donne un peu plus de volume. Assurez-vous donc de l'ajouter également. À partir de là, je passe à l'article suivant, et c'est vraiment le processus que je vais suivre petit à petit. Et vous verrez qu'à chaque fois que nous ajoutons une nouvelle petite forme, puis une autre, et petit à petit, toutes ces petites pièces s'assemblent. Et lorsque vous le décomposez en formes minuscules et simples, cela semble soudainement beaucoup moins compliqué. Vous continuez morceau par morceau, et avant même de vous en rendre compte, la laitue entière prend vie et semble réaliste. Lorsque je travaille sur un domaine aussi complexe que celui-ci, qui est assez complexe, j'ai tendance à utiliser le même crayon pour chaque section, pour toute la section. Il s'agit d'un domaine relativement restreint qui demande déjà beaucoup d'attention Je ne veux donc pas me laisser distraire par le fait de changer constamment de crayon De plus, dans ces parties, il y a de nombreux petits changements de valeur, petites touches plus foncées ou plus claires partout. Et si je devais changer de crayon pour chacune d'elles, cela me prendrait beaucoup de temps et me briserait un peu la concentration. Ainsi, lorsque j'ai affaire à une zone complexe présentant de subtiles variations de tons, je préfère contrôler les valeurs en ajustant la pression que j'applique sur le crayon. Rap do, désolé, en passant d'un grade à l'autre. J'ai donc tendance à utiliser quelque chose de moyen, comme quatre à huit B, c'est bien parce que selon la pression que vous appliquez sur votre crayon, vous pouvez obtenir une grande variété de notes différentes. Et maintenant je passe à la partie supérieure de la salade. Il y a un petit morceau qui se chevauche, désolé, vers l'os de l'imburger Je travaille donc actuellement sur ce point, en restant concentré, en observant attentivement la forme et en prêtant attention aux variations de gris du traîneau afin de rendre cette partie de la laitue aussi convaincante que possible Mais comme je l'ai mentionné plus tôt pour le burger, il en va de même pour la salade. Ne vous mettez pas trop de pression pour que cette salade soit parfaite. Après tout, ce n'est qu'une salade. Il n'a pas de carte d'identité. Donc, si une pièce se retrouve légèrement plus à gauche ou à droite que dans la référence, ce n'est vraiment pas un problème. Ce qui compte, c'est l'impression générale, pas l'impression, pas la précision au millimètre près Alors ne vous inquiétez pas à ce sujet. Cette section est déjà assez complexe en elle-même. Nous n'avons pas besoin de rechercher la perfection ici. Continuons simplement, en ajoutant des zones plus sombres, autres plus claires, et en continuant à créer le formulaire. Ce qui est vraiment essentiel pour donner du volume à cette salade, ce sont les petites touches que vous apportez à l'ère de la poêle. N'oubliez pas que le volume provient souvent de ce petit surlignage placé juste à côté d'une zone plus sombre. est ce contraste qui fait ressortir la forme, comme avec ce petit morceau de laitue que nous avons ajouté plus tôt. Des humains, des humains, des humains. Je peux maintenant ajouter cette pièce longue et clairement visible et commencer à l'ombrer Ce qui est important avec ces laitues, c'est créer un sentiment d'harmonie générale. Lorsque vous le regardez de près pendant que vous travaillez dessus, il peut sembler que cela ne ressemble pas à grand-chose, juste une collection de petites formes et de fragments étranges ici et là. Mais en réalité, c'est lorsque vous prenez du recul et que vous regardez de loin que vous vous rendez compte que tout est réuni , que cela ressemble vraiment à de la laitue. Toutes ces petites pièces que vous avez ajoutées commencent à prendre vie côte à côte. Alors maintenant, je continue sur le côté gauche, en ajoutant quelques sections supplémentaires sur le côté droit, désolé. En ajoutant quelques sections supplémentaires, elles n'ont pas besoin d' autant de détails car elles apparaissent légèrement floues, un peu floues Et il y a autre chose que je voulais mentionner à propos de ces lettres. Oui, nous y consacrons beaucoup de temps et nous essayons de faire du bon travail. Mais au final, ce n'est pas le sujet principal de tout dessin. Quand on regarde ce burger dans son ensemble, la salade occupe en fait une assez petite surface. Donc, bien sûr, nous voulons que cela soit beau, mais si ce n'est pas la partie la plus spectaculaire du dessin, c'est parfaitement bien. L'objectif est simplement de lui donner un aspect cohérent et de contribuer à maintenir une belle harmonie générale tout au long de la pièce. C'est donc très joli pour les conseils que je voulais vous donner à propos de la salade À partir de ce moment, le processus sera exactement le même que celui que nous venons de faire. Prenez donc votre temps, avancez petit à petit, pièce par pièce en jouant avec le contraste et en ajoutant les petits reflets pour créer du volume. À partir de maintenant, la clé est vraiment entre vos mains, et appliquez la même méthode. Soyez patient et vous verrez que votre salade prendra naturellement forme. Vous avez déjà tout ce dont vous avez besoin pour terminer cette partie du dessin. C'est pourquoi le reste de la salade sur le côté gauche, ainsi que les tomates par-dessus, seront préparés hors caméra. Ensuite, nous nous retrouverons pour continuer à travailler sur le burger, en passant aux sections inférieures, et n'hésitez pas à publier la vidéo par la suite pour voir de plus près comment j'ai finalisé cette salade Cela pourrait vous donner de l'inspiration pour terminer le vôtre. Le résultat apparaîtra dans quelques secondes. Nous passons maintenant au bâton. Si vous travaillez toujours sur la salade, n'hésitez pas à mettre la vidéo en pause avant de continuer. Pour le steck, la première chose que je vais faire est de créer un ombrage de base En gros, il s'agit de trouver le ton gris principal dans chaque zone de la tige. La pile couvre une grande partie du dessin Je vais donc commencer par appliquer ce que je considère comme la valeur dominante dans chaque partie, le type de gris moyen qui définit l'aspect général. Et par exemple, commencez par les zones les plus claires où un crayon à deux B fonctionne très bien. Puis je me déplace progressivement vers les parties les plus sombres où je peux utiliser un quatre B sur la droite, juste ici. Cela me donne une base solide pour cette section du steak. Et sur le côté gauche, les tons sont beaucoup plus foncés et je travaille également au-dessus de cette zone. Je vais donc probablement utiliser quelque chose comme un HB pour établir cette base Et pendant que je pose cette base, je n'appuie pas trop fort avec le crayon, car je veux le graphite se mélange facilement lorsque je commence à le lisser avec le moignon à mélanger L'objectif ici est de créer une base souple. Une fois le mélange terminé, je ne veux plus que les traits de crayon soient visibles. C'est pourquoi je garde une touche légère, même dans les zones les plus sombres. Et c'est aussi pourquoi il est utile d'avoir plusieurs notes de crayon. Ils vous permettent d'assombrir correctement vos tons sans avoir à appuyer trop fort. Et pour le mélange, je vais également tout faire en utilisant le moignon à mélanger, car ainsi, je peux obtenir un résultat précis et uniforme et m'assurer que toutes les lignes de crayon disparaissent bien avant de passer à la texture de la pile Humains, humains, humains Maintenant, nous allons travailler sur la texture de cette pile en commençant par la zone située vraiment sur la droite. Et ici, je peux voir qu'il y a une sorte de ligne très sombre qui sépare cette zone du reste. Alors je le marque. Je le marque, puis je crée des petits points épars pour créer quelque chose de très irrégulier. Ensuite, je vais faire la même chose, mais avec ma gomme, en faisant des points épars Construis quelque chose d'un peu plus léger. Et cette combinaison de clairs et plus foncés gribouillis plus clairs et plus foncés dans cette zone m'aide à créer une belle texture Ensuite, je peux passer à la zone suivante. Ici aussi, je remarque une sorte de séparation sombre. Je l'enfonce donc, et je tiens mon crayon de manière à ce que je puisse travailler très précisément, un peu légèrement, même en utilisant juste le bord de la mine. Et de cette façon, je peux marquer les choses de manière irrégulière, désolé, tout en restant précis là où je dois le faire. Et la texture des piles est définie par ces petits traits irréguliers, certains plus foncés, autres plus clairs, presque comme des gribouillis, et c'est ainsi que nous allons procéder sur toute la surface Nous ferons également bon usage de la gomme pour faire ressortir la zone blanchâtre Lorsque vous travaillez sur des sujets comme celui-ci et que vous dessinez, vous devez vraiment considérer la gomme comme un outil de dessin, comme un crayon pour la lumière, et pas simplement comme un outil pour corriger les erreurs Je l'utilise principalement pour dessiner la lumière comme si c'était ma lumière sur un crayon. Ensuite, nous allons continuer avec les autres parties. Maintenant que la zone de droite est terminée, je me déplace vers le centre, et je peux voir qu'il y a un élément très sombre juste sous la tomate. J'approfondis donc cela. Cela aide les tomates à se démarquer et à se sentir libres de leurs dimensions. Nous continuons donc à ajouter de petits détails. Et dans cette nouvelle zone, je vois qu'il y a pas mal d'éléments sombres, alors je les ajoute. Je les marque clairement et j'en ajoute d'autres. Et en travaillant patiemment comme ça sur l'ensemble du steak, l'ensemble du steak, désolé, et c'est ainsi que nous allons lui donner un aspect réaliste et convaincant Donc, lorsque j'ajoute ces détails irréguliers, je ne regarde pas de trop près ma référence. Je n'essaie pas de placer chaque texture exactement là où elle se trouve dans le modèle. Ce serait bien trop compliqué. Ce que je fais plutôt, c'est observer la tendance générale dans la zone sur laquelle je travaille, le degré d'obscurité ou de lumière, type de valeur qui domine Quelle est la taille de ces éléments de texture ? Et puis je reproduis cette impression plutôt que de la copier ligne par ligne, petits éléments par petits éléments. Je ne réduis donc pas chaque texture au millimètre près. Avec mon crayon, je fais juste plein de petites marques irrégulières. Hum, c'est presque comme si c'était le crayon qui me guidait plutôt que l'inverse. Je regarde donc brièvement où se trouvent les zones les plus sombres ou les plus claires, puis j'ajoute mes marques en tapotant, en haut, en haut, en tapotant partout, de petits gribouillis rapides sur la surface Et c'est en fait assez paradoxal. Ces gribouillis lâches et désordonnés finissent par créer une texture très réaliste Maintenant que nous avons vraiment intégré ce travail de texture sur la pile, je vais accélérer un peu les choses. Alors, comment pourrais-tu travailler plus vite sur quelque chose comme ça ? L'essentiel est en fait de travailler sur une plus grande surface à la fois. Ici, par exemple, je vais me concentrer sur toute cette section de gauche, qui est plus vaste que ce que nous avons fait jusqu'à présent, et je l'aborderai en concentrant sur une valeur à la fois. Donc, d'abord, sur toute la zone, je vais avoir les tons les plus sombres que je puisse voir Ensuite, une fois cela fait, je passerai à la valeur suivante. Peut-être un gris moyen si nécessaire et travaillez sur toutes les zones qui partagent ce ton. Ensuite, si je remarque de nombreux éléments plus légers, je me concentrerai sur chacun d'eux ensemble. Cette façon de procéder vous permet d'aller un peu plus vite l'ensemble tout en gardant le contrôle de votre travail. C'est quelque chose que je recommande une fois que vous vous sentirez plus à l'aise avec l'ombrage et la texture Si vous souhaitez gagner un peu de vitesse, n'hésitez pas à utiliser cette approche. Je n'essaie pas d'aller plus vite juste pour le plaisir ou pour accélérer le dessin. Il s'agit d'être efficace. J'aime voir mon travail prendre vie assez rapidement plutôt que de passer trop temps sur chaque petite partie, car cela me permet de passer à nouveaux dessins par la suite et de créer d'autres œuvres d'art. Et bien sûr, dans la vie de tous les jours, nous n'avons pas toujours des heures et des heures à consacrer à une seule pièce. Nous voulons toujours voir des progrès et sentir le dessin prendre forme devant nous. C'est pourquoi je me concentre parfois sur plus grandes sections et je travaille valeur par valeur dans l'ensemble du domaine. Parce que cela m'aide à avancer plus rapidement tout en restant précis et constant. Nous allons maintenant passer au fromage. Je vais commencer par créer une base légère sur le côté droit puisque cette partie du fromage est principalement exposée à la lumière. Ensuite, pour lui donner cette apparence légèrement réaliste renforcera réellement le sens de la valeur, nous devrons jouer avec prudence avec les valeurs Il y a quelques variations subtiles ici et là que nous devrons appliquer. J'ai donc établi une base assez légère et je l'ai bien mélangée. Ensuite, je vais ajouter quelques touches plus sombres à certains endroits pour créer un peu de relief. Sur la partie supérieure du fromage, par exemple, il est possible d'ajouter quelques zones plus sombres. Nous veillerons donc à ce qu'ils se mélangent parfaitement au reste par la suite pour tout reste reste doux et uniforme Et je vais prendre soin d' appliquer ces petits accents plus foncés fur et à mesure en observant comment ils interagissent avec la base plus claire. Le fromage en lui-même n'est pas la partie la plus complexe du dessin. Nous avons déjà parcouru les sections de déclenchement, je crois, mais cela mérite tout de même notre attention. Portez donc une attention particulière à ces subtils changements de valeur et aux petites variations tonales qui donnent au fromage sa profondeur et son réalisme Vous Ici, pendant que je travaille sur le fromage, je garde une touche très légère. La raison en est simple. Je ne veux pas que les marques de crayon apparaissent. Le fromage a une texture extrêmement lisse, et pour lui donner un aspect lisse sur le dessin, les traits de crayon doivent être aussi invisibles que possible. C'est pourquoi je suis encore plus léger que d'habitude avec ma main, en m'assurant que le graphite descend doucement et uniformément L'objectif est de créer des transitions fluides sans lignes raides ni marques visibles. Ensuite, pour terminer cette zone, j'utiliserai également quelques touches de génération avec le stylo à effacer pour créer de petits reflets Ces points lumineux aideront le fromage à bien ressortir et lui donneront aspect réaliste et légèrement brillant. Voilà pour la première partie du fromage. Je vais maintenant passer à la section de gauche, et le processus sera exactement le même. Mais comme cette zone est plus sombre, je vais simplement ajuster mes traits de crayon pour m'assurer que le ton général est plus foncé que celui que j'ai fait dans la section centrale. 30. Final Project - The Burger III: Bien, passons à la partie suivante. Nous allons travailler sur le fromage fondu qui recouvre l'os du hamburger. Vous avez peut-être remarqué que sur le steack sur le côté gauche, je me suis rendu compte que mes tons foncés n'étaient pas assez foncés, alors je les ai légèrement retravaillés J'ai ajouté quelques zones plus profondes en haut, et il y a aussi cette petite marque sur la droite que j'ai ajoutée par la suite J'ai d'abord pensé que cela faisait partie du steak que j' avais oublié avant de me rendre compte que c'était en fait du fromage. Ma photo étant en noir et blanc, je n'ai pas vu clairement la différence au début. Mais ce n'est pas grave, n' est pas un domaine particulièrement difficile à dessiner, donc je suis sûr que vous vous en sortirez très bien. Passons maintenant au fromage fondu. Le processus sera très similaire à celui que nous avons fait pour le steak. Je vais donc commencer par créer une base avec les principales tonnes de céréales qui dominent chaque section. Et puis en plus de cela, j' aurais apporté quelques touches plus sombres ici et là, ainsi que des touches plus claires au besoin. La principale différence ici est que la texture du fromage est plus lisse et moins détaillée que la surface du steak. Ainsi, même si l' approche est similaire, cette partie sera en fait un peu plus facile à gérer dans l'ensemble. Je vais maintenant travailler un peu plus sur les détails de ce fromage, et nous en sommes à environ une heure de travail sur ce burger. Donc, si vous êtes toujours là, regardez toujours la vidéo et que vous dessinez, félicitations, car cela fait déjà environ une heure que vous travaillez , et c'est un gros problème. Il s'agit d'un sujet majeur. Cela demande de la patience, de la précision, de la concentration et, surtout, de la persévérance. Et si vous êtes arrivé jusqu'ici, cela signifie que vous avez tout cela. Parce qu'un dessin comme celui-ci n'est pas qu'un exercice technique. C'est également un véritable défi mental. Tu es restée concentrée. Vous avez géré des domaines complexes tels que la laitue, la pile, la texture du steak, le fromage fondu, sans abandonner. Et c'est exactement l' état d'esprit d'un véritable artiste aller de l'avant, même lorsque cela devient un peu long, même lorsque vous commencez à douter des résultats, car au fond, vous savez qu'au final, le dessin finira par s' assembler et vous serez fier de ce que vous avez accompli. Ce burger est un excellent exercice, mais c'est aussi une excellente preuve de vos progrès. Si vous repensez à ce qui s'est passé avant de commencer ce cours, les modifications sont un sujet aussi complet qui aurait pu sembler impossible. Et pourtant, vous êtes en train de le faire, gérant le volume, les valeurs, les textures, le contraste, tout en gardant une bonne harmonie d'ensemble. Et tu devrais être très fière de toi. Alors continuez, faites une courte pause si vous en avez besoin. Prenez du recul, regardez votre dessin dans son ensemble et appréciez le chemin que vous avez parcouru. Tu t'en sors très bien. Vous êtes doué et vous progressez vraiment. C'est exactement ce genre de dessin qui vous aide à monter de niveau en tant qu'artiste. Nous passerons calmement à la partie suivante du hamburger, mais gardez cela à l'esprit. Si vous êtes capable de terminer un sujet aussi complexe que celui-ci, vous êtes capable de dessiner n'importe quoi. Ici, nous avons également cet autre morceau de fromage, qui a un aspect un peu différent des autres. Nous devrons donc nous assurer de le distinguer clairement du fromage fondu situé en dessous, et de celui sur lequel nous avons travaillé plus tôt en accompagnement. ce faire, prenez le temps de bien le définir, puis vous soulignerez les différences qui découleront principalement de quelques traits d'effacement bien placés pour faire ressortir points forts et faire ressortir le tout joliment concerne le travail sur le chignon inférieur et les quelques éléments que nous avons sur le côté gauche, je fais légèrement tourner la vidéo tout simplement parce que c'est exactement le même processus que ce que nous avons déjà fait plus tôt Alors restez calmement de votre côté, restez stable et tenez bon jusqu'à la fin, et vous verrez que tout se passera bien, et vous serez en mesure de terminer ce dessin magnifiquement. Tu as déjà fait le plus dur. Il ne reste plus qu'à ajouter quelques touches finales pour compléter parfaitement votre hamburger. Non, non, non, et enfin, pour terminer ce dessin, je vais maintenant ajouter une ombre du hamburger sur le sol. Cela lui donnera vraiment plus de volume et lui donnera un aspect encore plus réaliste. Au fur et à mesure que je travaille dessus, remarquez que l'ombre n'a pas la même valeur partout. Par exemple, sur le côté droit, c'est un peu comme si dans la zone centrale, juste à côté du burger, il faisait beaucoup plus sombre. Et puis au fur et à mesure que nous nous éloignons, il redevient progressivement plus clair. Portez donc une attention particulière à cette transition progressive. Et c'est la touche finale qui donne vie à l'ensemble du hamburger. C'est ce sur quoi je vais travailler maintenant. Et après cela, vous me verrez également effacer quelques petites marques sur la partie supérieure, notamment le long des contours, dont je trouve les deux parties un peu trop visibles. Et je vais également supprimer quelques marques de crayon supplémentaires ici et là. Et c'est ainsi que ce dessin s'achève. J'espère vraiment que vous l'avez apprécié et que vous avez pris autant de plaisir que moi à dessiner ce délicieux burger. Merci donc beaucoup de votre attention, et je vous verrai très bientôt aborder un autre sujet passionnant. 31. Project final - La rose I: Commençons par le travail sur cette rose. Nous allons essayer de le décomposer en formes simples. Vous pouvez voir que son contour général pourrait tenir dans un cercle comme celui-ci. Et je vais le passer en revue avec un stylo argenté métallisé pour qu'il soit plus facile à voir. À l'intérieur de la rose, vous pouvez remarquer qu'il existe d'autres cercles qui pourraient englober les différents pétales Donc, si nous simplifiions schématiquement cette rose, elle ressemblerait à ceci une série de formes circulaires superposées sur les rangées C'est donc ce que nous allons faire ensuite dans notre article. Et pour le dessiner avec plus de précision, je vais utiliser la technique de mesure du site. C'est comme si je visais les rangées devant moi, sauf que c'est sur mon papier. Je commence donc par mesurer sa largeur d'environ 11 centimètres, puis je mesurerai sa hauteur afin que nous puissions le reproduire dans les bonnes proportions. Et même si je ne suis pas exactement les mesures, elles m'aideront à estimer, elles m'aideront à estimer les rangées et à tout maintenir en équilibre. Et jusqu'à présent, la hauteur est d'environ 10 centimètres. Mais je ne vais pas me donner la peine de faire des calculs pour reproduire proportions exactes ou quoi que ce soit d'autre. Je sais juste que la largeur sera légèrement supérieure à la hauteur, et c'est suffisant pour me guider. Bien, commençons à dessiner ces lignes, et je vais d'abord imiter le mouvement du cercle dans les airs Et une fois que je me sens prête, je le dessine. Je veux que mes rangées soient légèrement plus grandes que les dimensions que j' avais indiquées sur mon papier lorsque nous avons mesuré les rangées, le modèle. Alors, on y va. J'ai un beau cercle, et maintenant je vais utiliser la règle pour vérifier les proportions et vérifier si elles sont correctes. Et la largeur mesure environ 14 centimètres. Et idéalement, la hauteur devrait être d'environ 12 centimètres. C'est donc plutôt bien, mais je veux l' agrandir un peu pour atteindre plus de 12 centimètres de hauteur. De cette façon, nous aurons une base solide avec mon cercle avant de passer à l'étape suivante. J'ai brièvement esquissé la tige et relevé les lignes dont nous n'avons plus besoin, et nous nous concentrerons sur la tige plus tard Ensuite, pour dessiner les autres cercles, j'estime approximativement leur position par rapport aux premiers que nous avons dessinés. Je les ajusterai si nécessaire par la suite. Pour l'instant, je dirais que le premier cercle sur lequel j'ai travaillé se trouve trois quarts du chemin vers le haut et aux trois quarts vers la gauche. Puis j'ai dessiné le second, qui commence à peu près à mi-hauteur et s'étend un peu plus vers la gauche, un peu plus de la moitié. Ensuite, je repositionne les cercles restants en estimant leur position. Par exemple, j'ai remarqué que le précédent était à peu près centré en largeur, alors j'ai dessiné les autres dans l'espace restant en me basant sur cette observation. Nous avons donc maintenant une bonne base et nous allons affiner et développer cette structure au cours des prochaines étapes. Ensuite, j'applique la technique de blocage pour trouver les différents angles des lignes. De cette façon, il sera plus facile de se rapprocher du contour final de nos rangées. J'essaie donc de briser tous les angles cette façon pour avoir un contour plus facile à créer sur mon papier. Je le fais donc avec le stylo argenté, mais ne vous inquiétez pas, je vais y revenir avec le stylo bleu, et comme ça, il nous sera plus facile de travailler dessus par la suite. Bien, commençons et affinons ce schéma plus précisément Je vais maintenant essayer de reproduire chaque petite ligne et chaque angle le plus précisément possible. J'estime donc approximativement la longueur de chaque ligne en la comparant à mon image de référence. Et une fois que j'ai dessiné une section, une ligne, il devient plus facile de placer la suivante, et je peux me demander si cette partie est plus longue ou plus courte que la précédente. En pensant de cette façon et en comparant chaque nouveau trait au précédent, je peux mieux estimer les bonnes proportions et obtenir des longueurs précises pour chaque partie des lignes. Ici, je trouve un nouveau point de référence en utilisant cet angle, car lorsque je regarde mon modèle, je remarque que ces deux éléments, ces deux angles doivent être alignés l'un par rapport à l'autre. Donc, sur mon dessin, je dois m'assurer que c'est également le cas. Et l'angle que je suis en train de marquer maintenant devrait correspondre directement à celui d'ici. Et ça a l'air bien, donc je peux continuer. Et trouver de tels points de référence facilite grandement le processus. Il vous permet de vérifier si votre dessin est précis ou s'il y a des zones à ajuster. Et ici, je peux trouver un autre point de référence en utilisant ces angles. Je sais qu'ils doivent être alignés, alors je vérifie mon classement pour assurer que c'est le cas Et oui, ça a l'air bien. Nous y sommes donc tous prêts. Maintenant, je vais passer de l'autre côté à gauche parce que cette partie semble plus simple que le côté droit. J'aime bien commencer par ce qui est le plus facile. Et lorsque vous terminez d'abord la section la plus simple, cela facilite le placement des pièces environnantes par la suite. C'est pourquoi j'ai décidé de me déplacer vers la gauche. Et en y regardant de plus près, j'ai trouvé un nouveau point de référence en comparant ces éléments. Ces deux angles doivent être approximativement alignés, formant presque une ligne droite. Je fais donc la même chose ici, et je remarque que ma ligne n'est pas assez longue, alors je la corrige et je l'ajuste. Et c'est vraiment comme ça que ça marche. En comparant constamment les différentes parties du dessin entre elles, nous pouvons simplifier ce qui semble complexe au départ. Ce rôle n'est pas facile, mais étape par étape, en trouvant des points de référence comme celui-ci, nous avons réussi à transformer un schéma complexe en quelque chose de plus clair et plus précis. Et maintenant, le contour extérieur de la rose est presque terminé. Je trouve un nouveau point de comparaison et cela m'a fait réaliser que certaines pièces ne sont pas tout à fait au bon endroit. J'apporte donc quelques petites corrections à mon contour, et une fois que c'est fait, je soulève vraiment les lignes supplémentaires avant de passer à travailler sur le contour intérieur de la rose. Pour les contours intérieurs, je vais également rechercher des points de référence, éléments qu'il est évident de placer en premier. Par exemple, j'ai remarqué que sur cette partie du pétale, il y a un point de repère aux intersections des lignes que j'ai esquissées plus tôt Je sais que le coin du pétale se trouvera juste là, donc je peux le marquer sur mon papier Ensuite, j'en chercherai d'autres, partant de là. En bas, si je trace une ligne verticale vers le haut, elle atteint un autre point du pétale, ce coin que vous verrez Ce qui s'alignera également à peu près avec les angles de gauche. Et en trouvant de nouveaux points de repère comme celui-ci, nous pouvons continuer à progresser. Nous allons commencer par établir ce premier pétale, et une fois qu'il est dessiné, il nous donne de nouveaux points de référence pour les prochains pétales Et c'est ainsi que vous abordez un sujet très complexe, comme une rose. C'est un défi, non pas à cause de l'ombrage, qui est similaire à celui de nombreux autres sujets, et qui n'est pas si difficile, mais à cause du travail des contours, qui exige un haut niveau de précision Et en vous déplaçant progressivement pas à pas et en identifiant continuellement de petits points de référence, vous pouvez dessiner ces lignes avec précision. Et ici, je peux en trouver un autre et essayer de bloquer également le pétale pour le dessiner plus facilement Je cherche une trajectoire. D'accord, donc cette partie a l'air plutôt bonne. Maintenant, la partie inférieure me semble un peu plus complexe, je vais donc revenir à la partie supérieure, qui me semble plus facile à travailler. Lorsque je travaille sur un sujet comme celui-ci et vraiment pour n'importe quel autre sujet, il n'y a pas d' ordre strict pour les décrire Mon approche est toujours la même. Je commence par les éléments qui me semblent les plus simples. Je le fais partout, qu'il s'agisse d' ombrage, de dessin des contours ou même lorsque je peins Commencer par ce qui est plus facile présente plusieurs avantages. Tout d'abord, cela renforce la confiance. Lorsque vous parvenez à dessiner quelque chose de simple avec succès, vous vous sentez encouragé à continuer. Ensuite, une fois que vous avez placé un élément, même simple, il devient un point de référence. Cela facilite grandement le positionnement des formes environnantes, car vous pouvez les comparer à quelque chose que vous avez déjà dessiné et dessiné correctement. C'est pourquoi je prends toujours le temps de commencer par les éléments les plus simples. Ils constituent la base qui permet à tout le reste de se mettre en place plus naturellement. Maintenant, je peux commencer à trouver nouveaux points de référence pour les prochaines étapes de mes lignes. Par exemple, je peux voir que le haut de ce pétale est approximativement aligné avec cet angle, et que le reste de la rangée, le reste de ce pétale continuera le long de la même Ensuite, je remarque que ce pétale commence juste à ce coin, et qu'un autre pétale ci-dessous part également de ce point Et en identifiant ces nouveaux points de repère, je peux désormais dessiner les pétales intérieurs avec beaucoup plus de précision. Ici, puisque nous travaillons à partir d'une photo, il est facile de marquer les points de référence directement sur le papier. Mais si je dessinais ces lignes en direct, par exemple, lorsque je les plaçais sur une table, j'utiliserais ma règle pour viser visuellement le point de référence, puis je le marquerais immédiatement sur mon papier à dessin, travaillant sur un point de référence à la fois. Mais avec une photo, c'est plus simple car vous pouvez identifier et en marquer plusieurs d'affilée. Mais quand on s'inspire de la vie, il vaut mieux noter immédiatement chaque point de référence pour ne pas l' oublier, car personnellement, j'oublie très vite et très facilement. Une autre chose que vous ne voyez pas forcément parce que ce serait ennuyeux de le laisser dans la vidéo, c'est que je mets en fait pas mal de temps avant de tracer chaque ligne. Il y a des moments où j'hésite quand j'ai besoin de plus de temps pour estimer une longueur ou comparer une ligne à une autre. J'ai découpé ces parties lors du montage parce que ne serait qu'une image en acier à l'écran, ce qui ne serait pas très intéressant à regarder. Mais c'est quelque chose d' important que je voulais partager avec vous. Prends ton temps. Il est tout à fait normal d'hésiter parfois à se demander si une ligne doit être plus courte, plus longue, inclinée vers le haut ou peut-être plus inclinée vers la gauche Accordez-vous ce temps. Cela fait partie du processus. Et avec ces lignes, avoir un bon plan représente déjà environ 75 % du travail, et c'est la partie la plus cruciale. L'ombrage qui suivra sera très similaire à ce que nous avons fait auparavant avec les autres exercices Par exemple, dans les exercices entre pairs ou de draperie, rien de plus complexe Le véritable défi et la véritable valeur de ce sujet résident dans le contour lui-même et dans le fait d'apprendre à établir des points de référence précis qui vous permettent de construire un contour précis. Bien sûr, nous aurions pu utiliser la méthode de la grille, mais cela aurait supprimé l'objectif principal de cet exercice, qui est d'entraîner votre œil à gérer un contour complexe et précis même sans grille. Nous arrivons maintenant au cœur de la rose. C'est assez délicat et détaillé ici. Et ce que je pense, c'est que nous pouvons essayer de dessiner la forme circulaire avec précision en utilisant la technique du blocage. Je le décompose en plusieurs lignes droites et angles, et petit à petit, je vais me frayer un chemin vers le centre de la rose jusqu'à ce que toutes les différentes lignes soient en place. Et je vais utiliser ce tracteur comme référence et essayer reproduire le même motif dans mes propres rangées, dans mon propre dessin. Très bien, allons-y, et je vais travailler sur le cœur de la rose maintenant C'est ce que je fais ici. Je vais commencer par le grand cercle, pour ainsi dire. Et puis il y a juste une petite partie du haut que j'avais oubliée, et je vais l' ajouter tout de suite. Et lorsque vous dessinez cette partie, prenez votre temps. Encore une fois, l'un des principaux défis d' une rose est de se perdre dans tous ces pétales. Cela peut sembler un peu dédale par endroits. Si vous n'êtes pas méthodique et si vous vous précipitez, risque de vous perdre entre les différents pétales est réel vous perdre entre les différents pétales Alors ralentissez et abordez-les un par un. De cette façon, vous risquez beaucoup moins de vous perdre dans ces pétales. Autre chose, et j'ai oublié de le mentionner tout à l'heure, veillez à ce que vos coups de crayon soient légers. Mes lignes sont assez épaisses et sombres ici, pour que vous puissiez les voir clairement en vidéo, mais vous devriez essayer de dessiner le plus légèrement possible afin qu'elles soient faciles à effacer ultérieurement. Même si cette rose est relativement foncée dans l'ensemble, ce qui signifie que les contours ne seront pas très visibles dans le résultat final, il est toujours bon de garder une main légère. Si vous appuyez trop fort, en particulier sur des sujets dont les tons sont beaucoup plus clairs , les contours apparaîtront et le résultat final ne sera pas aussi net ou affiné. R Maintenant, je vais ajouter les derniers pétales fins et les petits détails que j'ai peut-être manqués La zone centrale des rangées paraîtra un peu moins géométrique une fois que j'aurai affiné les contours avec plus de soin. J'essaie de les placer le plus précisément possible , mais honnêtement, si chaque pétale n'est pas parfaitement positionné au millimètre près, ce n'est pas grave L'objectif principal était d'établir une structure solide et une bonne base, en particulier avec les plus gros pétales, et de s' assurer que tout reste dans les proportions. Donc, pour tous ces petits pétales, si l'un d'eux finit légèrement plus haut ou plus bas que dans la référence, ce n'est vraiment pas un problème. Les lignes seront toujours réalistes. Donc, ne vous inquiétez pas trop si certains pétales se détachent un peu. Tout va bien, et je suis sûr que votre résultat sera tout de même magnifique. Une fois que j'en aurai terminé, la prochaine étape consistera à effacer toutes les lignes de construction que j'ai utilisées plus tôt pour affiner le contour et nettoyer la phase de blocage. N'oubliez pas que nous sommes toujours en phase de blocage. Nous avons travaillé avec des lignes droites et des angles pour simplifier les formes. Maintenant, je veux que le contour soit plus doux et plus naturel, moins anguleux. Je vais donc parcourir ces lignes doucement pour rendre le contour plus lisse et plus agréable. C'est ce que je vais faire ensuite, c'est pourquoi je vais accélérer un peu la vidéo ici. C'est une phase moins intéressante, juste les derniers ajustements, l' effacement, l'affinage du contour Je vais donc passer rapidement à travers cette partie, et nous nous retrouverons pour commencer à travailler sur l' ombrage des lignes Nous avons presque oublié la tige car elle semble sécatoire, mais nous devons l'ajouter Je vais le dessiner assez rapidement. Ce n'est pas très complexe par rapport à la fleur. Il est assez géométrique, en fait, avec quelques angles clairement définis. C'est donc ce que j'ajoute maintenant. Et une fois que ce sera fait, je finaliserai le plan Vous avez vu que j'ai déjà commencé un peu plus tôt et que nous nous reverrons une fois que tout sera prêt pour commencer à travailler sur l'ombrage de la fleur 32. Final Project - The Rose II: Commençons donc maintenant par l'ombrage. Et d'abord, j'efface un peu le contour car il est trop foncé et je veux qu'il soit plus clair pour que l' on puisse vraiment voir l'ombrage et pas vraiment le contour Maintenant, commençons à créer de l'ombrage. Et dans un premier temps, je commence par cette partie supérieure qui est vraiment foncée, vraiment noire. De cette façon, j'ai un bon point de comparaison avec les valeurs qui m'entourent. Je ne peux pas me comparer au noir. Je sais que cette zone est noire, pourquoi je peux comparer les différentes valeurs qui l'entourent et me demander si elle est trop claire ou trop claire. Je pars donc de cet élément qui est très sombre, et plus on avance, plus il devient clair Je vais donc ajuster la pression du crayon pour m' assurer d'appliquer la bonne valeur, le bon gris dans cette zone. Oh, je continue l'ombrage dans cette zone où nous pouvons voir que le ton commence à s'alléger un peu Et j'utilise un crayon 4 B pour cette partie. Ce qui est intéressant à propos cette section du pétale, c'est que la zone que j' ombrage en ce moment est légèrement plus foncée que celle qui se trouve juste à côté Cet endroit est un peu plus clair, et la partie inférieure sera également un peu plus claire. Ces différences de valeur ne sont pas énormes, mais elles sont perceptibles et font une réelle différence lorsqu'il s'agit créer une sensation de volume dans le pétale J'applique donc ma couche de base uniformément sur toute la surface, et une fois qu'elle sera bien posée, nous la mélangerons pour l' adoucir avant d'ajouter de la texture Ensuite, j'y reviendrai pour inclure quelques accents plus sombres et quelques reflets plus clairs ici et là pour créer une impression de profondeur convaincante. Cette création de volume provient réellement de ces petites touches ajoutées sur toute la surface, et c'est exactement ce sur quoi nous allons nous concentrer ensuite. Je vais maintenant mélanger l'ensemble de cette zone, et me souvenir du moment où vous mélangez avec le moignon pour effectuer des mouvements circulaires C'est ainsi que vous pouvez obtenir meilleurs résultats et un meilleur mélange pour votre région. Et maintenant, nous allons commencer à affiner la texture de la rose plus en détail. Et maintenant, nous allons commencer à affiner la texture de la rose plus en détail. Par exemple, j'ai remarqué dans le coin qu'il y avait une zone légèrement plus foncée, alors je travaille là-dessus. C'est essentiellement mon approche pour l' ensemble de la rose lors de l'ajout d'éléments de détail. Chaque fois que je repère une zone légèrement plus foncée ou une petite ombre, je l'ajoute. Quand il s'agit de texture, c'est presque comme si on ajoutait petits gribouillis ici et là éparpillés sur la surface Cela suffit souvent pour donner à la rose un aspect plus réaliste et plus texturé. C'est donc ce que je fais maintenant, en ajoutant de petites marques avec mon crayon sur la lumière de base que j'avais auparavant. La combinaison de touches légèrement plus foncées sur un fond de teint plus clair permet vraiment d' obtenir un effet plus réaliste Et j'ajoute également quelques reflets plus clairs à certains endroits, comme ici, juste à côté de ce détail, j'utilise le rasoir pour créer une petite marque lumineuse qui aide à augmenter le volume Une touche claire à côté d'une touche plus foncée renforce toujours l'illusion de profondeur et de tridimensionnalité. Et vous pouvez également remarquer que sur les bords des rangées, certaines bordures apparaissent légèrement plus foncées par endroits. Je l'ai également fait près de la zone de la tige. Enfin, ces éléments de texture que j'ajoute prennent parfois la forme de fines lignes qui suivent une direction particulière. J'y prête donc attention et j' ajoute le même type de traits à ma fleur. Dans cette zone plus claire, j'ajoute des marques plus foncées. Vous pouvez déjà voir quelques-unes de ces lignes. Cette partie de la fleur a vraiment pris forme maintenant, ce qui est génial. Et j'ajoute quelques derniers détails ici et là, quelques lignes plus foncées irrégulières pour donner plus de profondeur et de texture. Et je vais également travailler sur le bord du pétale à l'aide la gomme pour soulever doucement une partie du graphite Cette section est très légère et lumineuse, et je veux qu'elle ressorte davantage pour faire ressortir cette luminosité. Et je dois aussi assombrir soigneusement le pétale adjacent pour cela Et c'est vraiment le contraste entre cette zone lumineuse. Et le pétale voisin plus foncé qui réunit le dessin et donne un aspect fini et réaliste Et pour finaliser ce pétale, j'ajoute quelques marques plus claires que l'on peut voir ici et là entre les différentes lignes que j'ai tracées jusqu' Ces petites lignes surlignées aident vraiment à fragmenter un peu plus la surface et donnent au pétale une touche supplémentaire de réalisme et une texture subtile Passons maintenant au pétale suivant. Dans la partie supérieure de celui-ci, on peut voir qu'il fait assez sombre dans l'ensemble. J'applique donc une couche de base à l'aide d'un crayon 12 B, en pensant que tous les éléments cette zone seront au moins aussi foncés. C'est pourquoi je travaille avec cette valeur ici. J'applique une pression moyenne avec le crayon et j'utilise le côté de la mine pour que l'ombrage se fond harmonieusement plus tard Il n'y a donc rien de trop compliqué ici. J'utilise simplement le 12 B pour poser la base de ce pétale, qui nous donnera une base solide pour la prochaine étape Sur cette partie des rouleaux, vous pouvez voir que le côté gauche est légèrement plus clair J'applique donc un peu moins de pression avec le crayon. Si la différence n'est pas très perceptible pour le moment, c'est parfaitement bien. Nous pouvons toujours l'ajuster ultérieurement en utilisant la gomme nécessaire, par exemple, pour ramener des tons plus clairs Oh maintenant, je mélange cette base pour obtenir une texture lisse et uniforme Pour ces rangées, j' utiliserai principalement le moignon plutôt que le pinceau, contrairement à de nombreux autres didacticiels contrairement à de nombreux autres didacticiels . La raison en est simple. Nous avons affaire ici à de petites zones qui nécessitent plus de précision, et le moignon permet un meilleur contrôle lors de la fusion de transitions subtiles Passons donc maintenant à autre chose et commençons à travailler sur ce pétale plus en détail J'ai remarqué que sur tout le côté droit, il y a des zones très sombres, en particulier le long du bord extérieur, qui est vraiment noir et bien défini. Je vais donc y revenir à nouveau. Comme d'habitude, je commence par les éléments les plus faciles à identifier et les plus visibles. C'est le cas ici avec ces sections sombres. Ils se démarquent clairement, c'est pourquoi je vais d'abord les renforcer. Pour les zones plus sombres que j'ajoute, il n'est pas nécessaire d'être extrêmement précis. Ce que je veux dire, c'est que ce sont des éléments de texture, détails plus sombres qui donnent du caractère au pétale. Lorsque vous regardez attentivement cette partie des lignes, la texture ne forme pas nécessairement un motif spécifique. Cela ressemble plus à un mélange de lignes irrégulières allant dans différentes directions. Je suggère donc simplement cette texture avec de petits gribouillis lâches, ce qui est largement suffisant pour obtenir un résultat convaincant et naturel sur les rangées de ce pétale Je continue à ajouter d'autres marques sombres cette fois-ci à l'aide d'un crayon 12 B, et je travaille un peu plus légèrement qu'avant, tout en créant des zones assez sombres, mais pas aussi profondes que les précédentes. Une fois cela fait, je passe à l'utilisation du stylo effaçable pour faire ressortir les points les plus clairs que nous pouvons voir Par exemple, il y a une zone assez claire ici, et il y en a deux autres et celle-ci est et il y en a deux autres et devenue un peu trop claire, alors je vais y revenir avec mon crayon. Et il y a aussi des sections plus claires vers le centre du pétale. Je les ajoute donc également. Ces petits reflets contribuent vraiment à améliorer la sensation de profondeur et de forme du pétale. Cependant, j'ai remarqué que les marques claires que j'ai ajoutées avec le stylo rasoir sont un peu trop claires dans l'ensemble Je vais donc les mélanger à nouveau doucement avec le moignon à mélanger pour redistribuer un peu de graphite et adoucir ces zones afin que le contraste soit plus redistribuer un peu de graphite et adoucir ces zones afin que le contraste Pour le reste de ce didacticiel, le processus sera exactement le même. Nous continuerons à travailler sur les pétales restants en utilisant la même approche que vous avez déjà vue, en appliquant la base, mélangeant doucement, puis en ajoutant progressivement les zones les plus sombres et quelques touches plus claires pour créer de la profondeur et du volume C'est pourquoi la vidéo est légèrement accélérée à ce stade Les étapes sont très similaires à ce que nous avons déjà fait. Je préfère donc parcourir ces sections un peu plus rapidement pour garder un bon rythme et rendre la vidéo plus agréable à regarder. Cependant, ne lavez pas votre propre travail simplement parce que la vidéo est plus rapide ici. Prenez votre temps avec chaque pédale. C'est essentiel. La vidéo est accélérée uniquement pour des raisons de visibilité et de commodité, mais si vous essayez d' aller trop vite, vous perdrez en précision et en subtilité Soyez donc patient, travaillez avec soin et souvenez-vous que ce n'est pas une course. Des progrès lents et délibérés donnent toujours les meilleurs résultats. Ce qu'il est important de noter ici, c'est que sur le grand pétale sur lequel nous avons travaillé en premier, il y a ce petit bord lumineux, et sur le pétale sur lequel nous travaillons actuellement, il y a également une zone légèrement plus claire qui contribue également à créer de la profondeur Assurez-vous donc d'inclure ces éléments. Ils sont essentiels pour donner à votre fleur un aspect réaliste et croustillant Je me concentre sur les zones sombres situées le long des deux bords du pétale, et entre ces zones sombres, j'ajoute également quelques touches plus claires Ce contraste entre les zones sombres et claires aide vraiment le pétale à se démarquer et donne une forte impression de profondeur et de volume Je passe maintenant au pétale juste en dessous. Celui-ci est principalement dans l'ombre et assez sombre dans l'ensemble. Cependant, vous pouvez remarquer quelques petites zones de relief créées par l'alternance entre des sections très sombres et des zones plus claires situées à côté. Donc, pour commencer, je marque d'abord les zones les plus sombres. J'ajoutais ensuite quelques touches lumineuses à côté d'eux pour former ces plis et ces transitions subtiles qui donnent du volume au pétale C'est presque comme un dégradé qui commence aux zones sombres que je viens d'ombrer et qui devient progressivement plus clair jusqu'à ce qu'il rencontre la zone sombre suivante à côté. Et ce qui fera vraiment ressortir le volume dans ces petits plis, ce sont les touches claires que j'ajoute juste à côté de la zone très foncée. Et ce contraste entre la lumière et l'obscurité ressortir ces plis et rend le relief beaucoup plus convaincant. Je sais que travailler sur une rose est un véritable défi. C'est long, parfois un peu fastidieux, et vous pouvez avoir l'impression de ne pas faire beaucoup de progrès, mais en attendant, chaque minute que vous passez à affiner ces pétales, chaque teinte que vous ajoutez forme progressivement une belle pièce Ce type de dessin est exactement ce qui vous aide à vous améliorer. Cela demande de la patience, de la précision et un œil attentif. Et au final, lorsque vous verrez votre rose prendre forme avec toute sa profondeur et sa délicatesse, vous serez vraiment fier de ce que vous avez accompli Alors n'abandonnez pas, continuez à votre rythme et ayez confiance que le résultat en vaudra vraiment la peine. Tu es capable de le faire. Ces dessins, ces rangées montrent vraiment à quel point le stylo rasoir peut faire toute la différence Vous pouvez notamment le voir ici car c'est grâce à cet outil que nous sommes en mesure de recréer toute la délicatesse et la légèreté des pétales Avec un crayon ordinaire, nous pouvons bien capturer les ombres et les textures. Mais l'erasopen fait vraiment ressortir la lumière, le reflet individuel et ces douces transitions qui donnent vie à la fleur C'est un outil essentiel pour équilibrer un dessin. Dessiner ne consiste pas simplement à ajouter du graphite. Il s'agit également de le retirer aux bons endroits, et il est beaucoup plus facile de travailler avec un stylo à effacer que d'essayer laisser des zones vides pour les surligner Sur un sujet comme la rose, où tout dépend du contraste et de la douceur, le stylo gomme est vraiment indispensable pour obtenir un résultat beau et raffiné Vous Donc je travaille sur ce dernier pétale maintenant, puis il y en a un autre, un gros sur la droite, que je vais terminer hors caméra parce que c'est vraiment pareil De cette façon, nous pourrons vraiment concentrer sur le centre des rangées juste après. Le centre est un peu différent de ce que nous avons fait jusqu'à présent, mais vous verrez que nous allons procéder étape par étape et le construire de la même manière que les autres. Donc, un dernier pétale ici, puis pour le gros à droite, vous pouvez choisir ce que vous voulez dessiner avant ou après le centre des rangées sur lesquelles nous allons travailler ensemble Cela dépend entièrement de vous. 33. Final Project - The Rose III: Nous voici donc au cœur de la rose. C'est souvent la partie qui peut sembler intimidante au début, car tout semble s'enrouler sur lui-même, comme un labyrinthe de formes, de courbes et de minuscules ombres se croisant dans toutes les directions Cette impression est vraie. Visuellement, le centre d' une rose est très complexe, mais il ne faut pas le voir comme un gros bloc compliqué à copier. Pensez-y plutôt comme une séquence de petites étapes, petites zones que vous allez construire les unes après les autres. Ce qui rend cette partie plus accessible, c'est d'adopter un état d' esprit légèrement analytique. Je suis désolée pour ça. Plutôt que d'essayer de tout comprendre en même temps, concentrez-vous sur un pétale à la fois, une ligne à la fois Observez la direction de chaque courbe, notez où elle commence et où elle se termine, et progressez progressivement, en comparant toujours avec les éléments que vous avez déjà ombrés, déjà placés. Et en procédant ainsi, dessinant un petit pétale à la fois vous obtiendrez un centre de rose réaliste Ce qui semble difficile ici est en fait une question de méthode. En abordant chaque section calmement et en établissant des points de référence clairs et visuels, vous verrez comment tout se met naturellement en place. C'est également là que le plaisir du processus se manifeste vraiment, car petit à petit, au fur et à mesure que les formes se connectent, le centre de la rose apparaît presque comme s'il prenait vie sur la page du papier. À mon avis, c'est l'une des plus belles parties du dessin de rose car c'est là que le réalisme s'installe vraiment, où la fleur prend plus de volume devient reconnaissable et révèle cette profondeur que nous aimons tant Donc, même si cette section est un peu plus technique et demande une plus grande précision, gardez votre confiance. Avancez pas à pas, un petit pétale à la fois, et restez attentif, et vous verrez que tout se met en place naturellement H et ici, vous pouvez clairement voir que travailler sur un pétale à la fois rend les choses beaucoup plus faciles à gérer Ce nouveau pétale que nous venons ajouter devient en fait un point de référence, et grâce à lui, je peux placer le suivant avec plus de confiance Par exemple, je peux me dire : OK, ce pétale est au bon endroit car j'ai déjà placé celui à côté Et lorsque je la compare ma photo de référence, elle correspond, et travailler de cette façon réduit considérablement le risque de me perdre dans la complexité du sujet. Chaque pétale que vous complétez devient un guide pour le suivant, vous aidant à progresser calmement et précisément dans toute la structure des rangées Le cœur de ces rangées est en fait l'une des principales raisons pour lesquelles je l'ai choisie. J'ai choisi cette rose en particulier en raison de sa position allongée sur le sol, légèrement inclinée sur le côté Ce n'est pas comme une rose droite typique face à nous. Ce que nous voyons principalement ici, c'est son centre et la disposition de ses pétales qui se replient les uns sur les autres. Et c'est justement ce qui le rend si intéressant à dessiner, mais aussi beaucoup plus complexe à réaliser. Vous devez non seulement comprendre la forme générale de la fleur, mais également tous les pétales qui se chevauchent, les changements de direction et l'alternance des zones d'ombre et de lumière Il y a beaucoup de choses à gérer, mais c'est précisément ce qui en fait un excellent sujet pour terminer ce cours. Si les rangées étaient debout, la composition serait beaucoup plus simple à lire, mais nous travaillons ici avec la profondeur, la perspective et le volume, et c'est ce qui donne au dessin son réalisme et son caractère. C'est pourquoi je pense que c'est un sujet parfait pour conclure le cours sur les fondamentaux du dessin. Cela vous pousse à tout mettre en pratique, construire le contour à partir de formes simples, affiner les lignes intérieures, travailler sur le cœur des lignes, les valeurs, les transitions Il s'agit d'un véritable exercice de contrôle et d'observation. Si vous êtes arrivé jusqu'ici, vous devriez vraiment être fier de vous, car vous venez travailler sur un sujet à la fois complexe et enrichissant, qui réunit tout ce que nous avons appris tout au long du cours jusqu'à présent. J'ai passé pas mal de temps à travailler sur le côté droit, en particulier sur ce petit pétale fin, mais je ne vais pas encore me déplacer vers le centre Je vais plutôt passer sur le côté gauche, qui a une plus grande surface. De cette façon, j'aurai une autre section clairement visible, facile à identifier avant d' entrer dans la partie centrale, plus complexe. Ce faisant, je crée un autre point de référence solide dans le dessin, ce qui facilitera le positionnement précis du reste une fois que je commencerai à travailler sur le plus dur, le centre même des rangées. Ce domaine est vraiment très confus. Il y a tellement de pétales qui se chevauchent et il peut être difficile de s'orienter. Parfois, ce qui aide le plus c'est simplement de prendre du recul pour observer votre dessin, comparer attentivement, vous demander si quelque chose ne va pas ou même obtenir un deuxième avis de quelqu'un d'autre. Vous pouvez également essayer de regarder votre dessin dans un miroir. Cette astuce simple permet souvent de révéler de petites erreurs que nous ne remarquons pas lorsque nous nous concentrons trop longtemps sur la même image. Ici, par exemple, je me suis rendu compte que ce pétale n'était pas assez visible parce que la zone située en dessous n'était pas assez foncée Je vais donc le retravailler un peu J'ai également remarqué que ce pétale et cette section plus claire à côté devaient être divisés en une zone plus petite avec des valeurs légèrement différentes, comme sur ma photo de référence Et qu'une variation de tons contribuera à rendre la structure plus claire et à apporter plus de profondeur au dessin. Maintenant, nous nous dirigeons progressivement encore plus vers la zone centrale. Et ce qui va m'aider à le dessiner avec précision, c'est d'abord de marquer la partie la plus sombre, la zone qui est vraiment noire Je commence donc par identifier toutes ces zones d'ombre profonde et par les remplir. L'un de ces éléments les plus sombres, une fois que ces éléments les plus sombres seront en place, il sera beaucoup plus facile d' ombrer le reste des rangées Ils serviront de points de référence pour les valeurs environnantes et aideront à maintenir le bon équilibre entre ombre et lumière dans toute la zone centrale. Au final, l'ajout ces zones noires foncées était très simple, mais cela a complètement changé la façon dont le dessin se lit. Maintenant, tout semble beaucoup plus clair et il sera plus facile de travailler sur les pétales restants. Ces éléments profonds et sombres constituent d' excellents points de référence pour ombrager le reste des rangées Maintenant que la structure est plus lisible, je vais commencer à travailler sur chaque pétale individuellement, en prenant mon temps et en étant aussi précis que possible Nous sommes en plein cœur des rangs. Les pétales sont très petits, la patience est donc essentielle. Et ce qui sera également essentiel pour séparer un pétale d'un autre et donner plus de profondeur à l'ensemble de la zone , c'est le travail que nous allons faire avec l'erasopen En ajoutant de nombreuses petites touches plus légères sur les bords de chaque pétale, nous ferons ressortir les reflets qui rendront le tout plus réaliste Le panorama de la gomme devient ici crucial, car ce sont ces détails si fins, petits et si petits reflets qui font toute la différence Et maintenant, il ne reste plus que quelques petits pétales à terminer. Je vais donc continuer à progresser calmement, pétale par pétale, jusqu'à ce que tout soit bien assemblé . Je sais qu'à ce stade, vous commencez peut-être à en avoir assez de tous ces pétales, parce que moi aussi. Honnêtement, je me méfie aussi un peu de répéter la même étape encore et encore. Mais il ne reste que quelques pétales, et même s'ils demandent la même précision et à des dizaines de tonnes, c'est exactement le moment où il faut rester concentré C'est vraiment dans ces dernières étapes que tout se met en place. C'est là que la rose acquiert toute sa beauté et sa profondeur. Ce serait vraiment dommage d' arriver si près de la ligne d' arrivée et de lâcher prise ou de se précipiter jusqu'au bout. C'est une erreur courante de relâcher nos efforts lorsque nous avons presque terminé, mais chaque pétale compte Chaque petit détail que vous ajoutez contribue désormais à l'harmonie et au réalisme de l'ensemble du dessin. Respirez donc profondément, peut-être une courte pause si vous en avez besoin , puis reprenez votre crayon calmement et terminez avec la même énergie que vous lui avez ajoutée au début. Lorsque vous poserez enfin votre crayon, vous verrez que vous serez fier de votre travail, et cette fierté sera plus que méritée. Mm Et pour terminer, il ne reste plus qu'à dessiner et à ombrer une petite feuille et la tige. Je vais donc ombrer cette partie calmement. n'y a rien de particulièrement difficile ici par rapport à tout ce que nous avons déjà fait avec les pétales. Nous pouvons presque nous détendre un peu pour cette dernière section, mais elle mérite tout même le même soin et la même attention que le reste du dessin. Je commence donc par appliquer un ton de base moyen comme celui-ci, mélangeant avec des mouvements circulaires pour obtenir une texture lisse, puis j'ajouterai quelques détails plus foncés sur le dessus pour faire ressortir les nervures et donner à la feuille un aspect plus réaliste Pour la tige, je vais effacer le contour que j'avais dessiné plus tôt car cette partie est censée être légèrement floue. Lorsque quelque chose est flou, ses contours apparaissent beaucoup plus doux et moins définis, et vous pouvez à peine voir les détails. J'ai donc effacé le contour car je ne veux pas qu'il ressorte trop. Je vais maintenant appliquer une couche d' ombrage rapide et utiliser le moignon à mélanger pour le créer également Travailler avec le moignon me permet d'obtenir des tons plus clairs et plus doux et un effet de flou, pas aussi net que si j'avais dessiné le contour avec précision au crayon Et une fois cela fait, j'utiliserai le crayon pour ajouter quelques touches légèrement plus foncées ici et là si nécessaire. Mais dans l'ensemble, il n'y a rien de trop compliqué dans cette section. C'est ainsi que se terminera ce tutoriel. J'espère vraiment que cela vous a plu. Et c'était un excellent sujet à aborder bien entendu, sur les fondamentaux, un excellent exercice pour pratiquer les contours, valoriser le contraste et travailler avec précision. Merci donc beaucoup d'avoir regardé et à très bientôt pour notre nouvelle vidéo. Non