Le paysage pour débutants : apprendre les techniques de mélange et d'illustration

1. Vidéo d'introduction: Bonjour et bienvenue dans le cours. Je m'appelle Pyle. Je suis artiste, professeur d'art et professeur de haut niveau de Skillshare basé Vous me connaissez peut-être aussi comme la simple esthétique d'Instagram, mais je partage constamment mon amour pour l'art, mes autres loisirs, et je donne un aperçu de tous les cours et ateliers organisés en ligne et hors ligne Je peins avec Guach depuis plus de six ans maintenant, et l'un de mes moments préférés ce voyage est de partager tout ce que je découvre sur avec vous tout ce que je découvre sur ce médium tout au long de mes cours J'ai plus de 20 cours ici sur Skillshare, tous axés sur la simplification du processus de peinture et sur le fait de vous aider à vraiment Dans ce cours, nous allons apprendre à peindre ce doux et magnifique paysage printanier ensemble ce doux et magnifique paysage printanier à la gouache Le projet est conçu pour être vaste et convivial tout en vous aidant à acquérir une solide compréhension du médium. Nous allons commencer par comprendre comment simplifier une image de référence et la décomposer en sections faciles à gérer Nous passerons ensuite au choix d' une palette de couleurs cohérente et compréhension de la façon dont les couleurs et les valeurs fonctionnent ensemble Au fur et à mesure que nous commencerons à peindre, vous apprendrez à créer des mélanges fluides pour votre ciel et vos reflets, créer de la profondeur à l'aide des techniques de superposition et à ajouter progressivement des détails à votre feuillage et à vos fleurs Nous nous concentrerons également sur l'utilisation différents coups de pinceau pour créer de la texture, en particulier dans les zones de feuillage et d'herbe. Ce cours ne consiste pas seulement à peindre parfaitement chaque détail, mais nous nous concentrons plutôt sur la capture de l'ambiance générale du paysage d'une manière plus souple et simplifiée. Le processus implique de nombreuses couches et des coups de pinceau répétitifs, ce qui le rend vraiment méditatif et À la fin de ce cours, vous aurez ce magnifique paysage printanier avec vous, mais surtout, vous aurez une meilleure compréhension de la façon d' aborder les peintures de paysage à l'aide de la gouache, couches d' enchères et de créer de la profondeur dans votre travail Donc, si c'est quelque chose que vous voulez faire ce week-end, rassemblons nos fournitures et peignons ensemble. 2. Matériels utilisés: Parlons de toutes les fournitures artistiques dont nous avons besoin pour le projet, en commençant par le papier. Je vais donc utiliser le papier aquarelle Bao hang Academy. J'espère ne pas avoir falsifié le nom. Il est de 300 g/m² et 100 % coton. Et la taille que j'ai, le bloc-notes dans lequel je l'ai est comme un A quatre. Laissez-moi vous montrer sa texture. C'est donc un papier pressé à froid. Il a une belle texture, aide beaucoup à mélanger et j' aime vraiment beaucoup le papier Je n'utiliserai pas la taille entière. Je vais le couper en deux. C'est donc probablement comme une taille A 5 sur laquelle je vais travailler, mais n'hésitez pas à choisir la taille sur laquelle vous souhaitez travailler. Ce n'est qu'une préférence personnelle. En plus du papier pour le projet principal, j'aime aussi conserver ce petit morceau de papier pour distinguer toutes les couleurs afin de savoir quelles nuances je mélange et à quoi elles ressemblent les unes par rapport aux autres Vous pouvez donc également conserver un bout de papier afin de connaître vos mélanges de couleurs lorsque vous commencez à peindre. Ensuite, parlons des parties. Vous suivez mes cours depuis un moment, vous savez à quel point j'adore Winsor et Newton GuachePaints, et c'est la marque que j'aime utiliser sous forme de tube. Ils n'ont que des formes tubulaires. Je parlerai plus en détail des couleurs et de la palette de couleurs dans la prochaine leçon, mais vous pouvez utiliser toutes les peintures à la guache disponibles dans des pots ou des tubes à gelée Ensuite, parlons des pinceaux. J'aime donc conserver un ensemble de pinceaux très limité pour mes projets. Ici, j'ai un pinceau plat, comme vous pouvez le voir, et quelques pinceaux ronds. Le pinceau plat que j'utilise ici est en taille 14 de la marque Pan Art, et j'ai ici quelques pinceaux ronds. L'un a une pointe très fine et l' autre est légèrement plus arrondie. C'est une pointe fine, mais pas autant que celle de gauche. Si vous n'avez pas de pinceau à pointe fine, vous pouvez utiliser un pinceau de plus petite taille, car nous l'utilisons principalement pour les détails Ainsi, quelle que soit la taille des pinceaux ronds que vous avez, avec laquelle vous vous sentez à l'aise fonctionne. Vous n'êtes donc pas obligée de choisir spécifiquement la taille que je suis. Ici, j' ai en fait un pinceau abîmé. C'est l'un de mes pinceaux préférés lorsque je veux créer de la texture dans ma peinture et créer tous ces traits brisés que nous représentons dans le feuillage Donc, si vous n'avez pas de pinceau comme celui-ci, vous pouvez en gâcher un, qui n'est pas votre pinceau préféré Il suffit de le presser sur le papier, et vous y arriverez. Les poils s' étalent essentiellement dans différentes directions Cela fonctionne parfaitement pour créer de la texture et vous fait gagner beaucoup de Je vais vous apprendre comment appliquer cela dans le projet lorsque nous peignons. Oui, ce sont tous les pinceaux dont j'ai besoin. Ensuite, j'ai une palette de mixage. J'en utilise une en céramique. N'hésitez pas à utiliser ce que vous avez. Gardez deux pots d'eau sales, une fois propres. Donc, l'un que vous utilisez principalement pour rincer votre pinceau, et l'autre pour le rinçage final afin d' éliminer tout résidu de pigment. Assurez-vous donc de toujours avoir deux pots d'eau. Ensuite, j'ai un mouchoir en papier pour essuyer mon pinceau et éliminer tout excès d'eau sur mon pinceau. Ensuite, j'ai quelques articles de papeterie comme un crayon, balance et un rasoir pour m'aider à esquisser, vous savez, notre composition J'ai un ruban adhésif, donc c'est notre ruban d'un demi-pouce, et je vais le coller sur une feuille acrylique comme celle-ci pour que mon papier soit parfaitement collé . Et oui, ce sont toutes les fournitures artistiques dont nous avons besoin. Rassemblez-les, et dans la prochaine leçon, je vais vous apprendre à simplifier la composition et notre palette de couleurs. 3. Simplyfing Reference Image & a Colour Palette: H Très bien, je vais donc commencer par regarder notre image de référence. Et avant même de penser à la peinture, je veux comprendre comment décomposer cette scène d'une manière simple et gérable Ce que je vais faire ici, c'est réduire légèrement l'opacité mon iPad afin de pouvoir me concentrer davantage sur les formes que sur tous les détails Maintenant, lorsque vous regardez cette image, lieu de tout voir en même temps, je veux que vous commenciez à identifier les différentes sections. Nous pouvons donc ici diviser cette scène en trois parties principales. Nous avons l'arrière-plan, qui comprend les montagnes, le ciel et tous les éléments situés au-dessus de la ligne d'horizon. Et puis il y a le juste milieu, où se trouvent l'eau et tous les reflets que vous voyez. C'est votre juste milieu ou juste milieu. Enfin, nous avons le premier plan, qui comprend tous les éléments du feuillage, des fleurs et de l'herbe Maintenant, diviser le tableau en trois sections permet vraiment simplifier le processus, car au lieu de penser à tout en même temps, vous pouvez l'aborder couche par couche. Examinons maintenant de plus près les éléments de chaque section. En arrière-plan, nous avons la forme de la montagne, et nous avons aussi le ciel, le soleil et tout le reste. Au milieu, vous avez ces formes de terrain ou ces couches de rivage. ne sont en fait que des bandes de terre situées entre l'eau et les montagnes, et vous pouvez les voir. Vous pouvez également identifier les arbres qui se trouvent au milieu pour qu'ils paraissent plus courts, comme vous pouvez le voir ici. Je les ai aussi à peu près compris. Et au premier plan, nous avons toutes ces fleurs et ce feuillage dense Ainsi, une fois que vous commencez à identifier ces éléments, la scène devient un peu plus facile à comprendre et à aborder. Vous remarquerez également que les fleurs sont plus grandes en bas , plus près de l'observateur. En plus de cela, vous avez des fleurs plus petites et plus petites qui seront simplement représentées par des onglets dans la zone légèrement au-dessus Oui, c'est ainsi que vous allez décomposer l' image de référence en couches. Et maintenant, créons une esquisse miniature qui nous donnera une idée encore meilleure de la façon de composer la structure globale Je vais juste commencer par dessiner un simple rectangle. Bien, et je vais juste le placer approximativement. Je n'ai pas besoin d'échelle car il ne s'agit que d'un croquis miniature Je vais donc simplement dessiner un rectangle. Dans ce cadre, nous allons cartographier les éléments que nous venons d'identifier. Il ne s'agit donc pas simplement de placer tous les détails. Il s'agit de comprendre les emplacements et la composition des éléments. J'ai donc commencé par une ligne d'horizon, puis je vais m' enfoncer dans les montagnes. C'est ce que je vois au-dessus de la ligne d'horizon. Et je vais également placer le soleil quelque part sur le côté droit du tableau. si je devais le diviser sur le côté droit, j'en ai un peu vers la droite, j'ai placé le soleil, puis je vais bloquer la bande d'arbres que vous verrez juste au-dessus de la ligne d'horizon. C'est très, très petit. Ensuite, je vais bloquer les emplacements de l'eau, les couches côtières dont je parlais, juste une bande de terre que vous avez ici sur le côté droit. Et j'ai aussi en quelque sorte marqué le reflet. Je n'oublie donc pas de créer ces reflets. Ensuite, je vais bloquer les autres éléments que je vois. Il y a donc une autre bande de terre sur le côté gauche qui tourbillonne avec des mots comme celui-ci , puis se dirige vers la zone qui a tout le feuillage et zone la plus proche de l'observateur L'une des décisions importantes que je prends ici est donc de savoir quels éléments je souhaite inclure et quels sont les éléments que je souhaite en quelque sorte simplifier. Donc, quand je commence à peindre, je veux simplifier le ciel parce que c'est un peu trop dramatique. Je ne veux pas aborder les choses de cette façon pour le moment. Je vais donc simplement simplifier cela s'il y a différentes couches que je souhaite former. Donc, ici, j' ai le premier plan, qui semble très plat en ce moment Donc, pour y ajouter plus de drame et de caractère, je vais le diviser en trois couches distinctes. Et la dernière couche, comme vous pouvez le voir ici, se compose de trois sections différentes. Et la partie inférieure de cette zone est celle où se trouveront les ombres et la zone supérieure est celle où le plus grand nombre de reflets seront visibles Et dans la couche la plus basse, j'ajouterai toutes les différentes fleurs que vous voyez Et même dans l' image de référence, vous pouvez voir comment ils se présentent en trois couches différentes : la zone inférieure présente plus d'ombres et la partie supérieure de ces zones de feuillage semble avoir plus de reflets. Une autre chose que je veux vous faire remarquer ici, c'est que l'époque la plus proche de l'observateur sera plus détaillée, et vous verrez plus de feuillage et tout le reste. Ensuite, pour ajouter les détails au juste milieu, nous avons le reflet de la montagne qui s'y trouve. Je vais donc simplement indiquer cela avec ces lignes horizontales ainsi le reflet du soleil C'est là que vous pouvez créer la différence entre ce qu'est l'eau et ce qu'est le ciel, car sinon, vous avez des couleurs très similaires, n'est-ce pas, et vous voulez apporter cette différenciation. Donc, vous l'apportez en quelque sorte avec de la texture. Ce sera donc mon croquis miniature de base. Une fois que je l' ai saisie, je vais choisir ma palette de couleurs ce qui me prendra un moment pour m' asseoir avec mon image de référence et voir quelles couleurs je vois dans le tableau. Donc, ici, je vois beaucoup de couleurs chaudes dans le ciel. J'utiliserai donc du jaune cadmium, du jaune primaire, du rouge, Burn Siana pour atténuer la couleur du ciel et évidemment du blanc pour créer des versions plus claires de ces teintes Ce seront donc les couleurs chaudes que j' utiliserai dans le ciel et le reflet dans l'eau. Ensuite, j'ai les montagnes pour lesquelles j'utiliserai le bleu et le noir de Prusse Ensuite, j'ai de l'ocre jaune, umbo brûlé et du vert sève Et ce sont les couleurs que je vais utiliser pour créer différentes nuances de vert dans mes peintures. Et je vais vous montrer comment faire. C'est vraiment très amusant d'en apprendre autant sur le mélange des couleurs. D'accord. Avant de commencer le mélange des couleurs, laissez-moi vous présenter ces couleurs et vous montrer à quoi elles ressemblent telles quelles Ainsi, lorsque vous peignez à la gouache, vous devez y ajouter un peu d'eau pour rendre la peinture utilisable Voici donc un échantillon de notre jaune cadmium. Ensuite, j'ai un échantillon de la couleur rouge primaire que j'utilise Si vous n'avez pas de rouge primaire, vous pouvez également utiliser votre teinte pourpre Ensuite, j'ai le vert sève, pour que vous puissiez voir à quel point c'est un vert magnifique, chaud et éclatant. Ensuite, j'ai l'ocre jaune, je dois donc également introduire ici tous les tons terreux J'ai donc de l' ocre jaune, de la Sienne brûlée. Ensuite, j'ai de l'ombre brûlée. Ce sont toutes des nuances de brun différentes que je vais utiliser Ensuite, j'ai le bleu russe. Ensuite, nous avons besoin d'un noir et blanc. Nous avons donc ici du blanc titane, et la dernière couleur dont j'ai besoin sur ma palette est le noir ivoire. Ainsi, chaque fois que je travaille sur mes peintures de paysages, j'aime limiter mes couleurs et mélanger mes propres nuances afin que toutes ces nuances soient plus cohérentes les unes à côté des autres dans la peinture Maintenant, au lieu d' utiliser ces couleurs directement dans ma peinture dans leurs formes naturelles, j'aime les mélanger et essayer couleurs légèrement plus proches les unes des autres, et elles ne ressemblent pas à de simples nuances placées individuellement, n'est-ce Donc, ici, si vous remarquez, j'ai utilisé de nombreuses nuances de vert sous différentes formes, comme des verts plus clairs, verts plus foncés, certains qui semblent un peu plus froids et d'autres un peu plus chauds. Et nous pouvons obtenir toutes ces couleurs en mélangeant simplement les éléments de notre palette dans différents ratios, et je vais vous montrer comment procéder. Ici, je vais créer une échelle de valeurs tonales en commençant par l' exemple vert que je suis en train de faire D'habitude, c'est ce que vous faites en noir et blanc, mais je veux que vous compreniez aussi avec le vert. Si dans ma sève, le vert, qui est l'échantillon que je viens de créer tout à l'heure, j'ajoute un peu de blanc qui devient plus clair Vous pouvez voir à quel point cela semble clair par rapport au vert sève tel quel. Et si je devais augmenter la valeur du blanc dans le même mélange, j'obtiendrais une couleur encore plus claire. C'est ainsi que vous pouvez créer des valeurs plus claires de vert sève en y mélangeant plus de blanc. Ensuite, si je prenais ma sève verte et que j'y ajoutais un peu de noir, juste une petite quantité, vous verrez à quel point cette couleur s'est nettement accentuée par rapport à l'échantillon qui se trouve à côté sur la gauche Et tu t'en sortiras avec une infime quantité de noir. Et si je devais augmenter la valeur du noir, il deviendrait une teinte encore plus foncée. Vous pouvez voir comment la même version du vert a été créée sous différentes formes en modifiant simplement la valeur du noir ou du blanc que vous y ajoutez. Le ton du milieu est donc votre ton moyen, qui est exactement la couleur telle quelle. Et pour créer des tons plus clairs, vous ajoutez du blanc, et pour créer des tons plus profonds, vous ajoutez du noir. Il ne s'agit que d'une seule teinte, mais vous pouvez également mélanger du bleu ou de l'ombre brûlée pour créer des nuances plus profondes afin que le résultat ne soit pas aussi plat, avec un peu de noir. Et pour créer des versions plus légères, vous pouvez lui donner plus de vivacité juste pour faire ressortir un peu plus le côté jaune des greens Vous pouvez donc mélanger de l' ocre jaune pour créer ce vert chaud et moelleux que vous pouvez voir dans Ensuite, je vais vous montrer comment créer les différentes nuances de vert, de rose ou de jaune que vous voyez dans le ciel Mais dans l'ensemble, l'idée restera toujours la même, où vous ajouterez plus de blanc ou plus de jaunes et différentes couleurs mélangées Mais l'idée d'ajouter du noir et blanc restera la même. J'espère que cela a du sens, mais vous en saurez plus à ce sujet lorsque vous commencerez à mélanger ces couleurs vous-même et à les répartir les unes à côté En gardant la même logique à l'esprit, mélangeons quelques nuances. Ici, j'ai mélangé le bleu de Prusse, noir et le vert, et vous pouvez voir comment cela crée une teinte verte très profonde et fraîche qui fonctionne parfaitement pour mettre en valeur les arbres éloignés Ensuite, j'y ai ajouté un peu d'ombre brûlée, ce qui fonctionne parfaitement lorsque vous souhaitez créer de la profondeur dans votre feuillage. Ensuite, j'observe également le vert sève , le jaune ocre et le blanc, et vous pouvez voir à quel point il s'agit d'une teinte verte très chaude Cela est simplement créé en mélangeant quelques-unes de ces nuances. Et si vous y ajoutez de l' ombre brûlée, la teinte s'intensifie légèrement, non ? Et vous pouvez également jouer avec différents ratios d' eau jaune que vous ajoutez, de gobelet en os que vous ajoutez ou de noir que vous ajoutez Et honnêtement, je recommande vraiment de faire cet exercice car vous pouvez créer différentes nuances. Et plus vous mélangez ces couleurs, plus vous vous ferez une idée du type de vert que vous souhaitez obtenir dans vos peintures. Et tout est fait en utilisant les couleurs que vous avez dans votre palette. agit donc pas vraiment de mélanger quelque chose de nouveau ou de rechercher une teinte qui correspond à la couleur que vous souhaitez pour votre peinture, mais plutôt de mélanger les nuances que vous avez dans votre palette pour créer le type de vert ou de jaune que vous souhaitez Ensuite, je voudrais vous montrer quelques teintes que nous utiliserons également dans le ciel. Donc, pour ce qui est de la couleur que nous avons autour du soleil, vous avez également ces teintes atténuées dans les teintes chaudes et sourdes Nous pouvons tous créer cela en utilisant les couleurs que nous avons sur notre palette. Donc, tout d'abord, j'ai le jaune cadmium et le blanc, et vous pouvez voir à quel point c'est un jaune très chaud mais clair. Ensuite, si j'additionnais le jaune de cadmium et le rouge primaire et le blanc, on obtient une couleur orange qui est encore plus douce parce qu'elle contient cette valeur de blanc. Si je devais ajouter plus de rouge primaire dans ce même mélange, la couleur deviendrait plus rouge, plus proche du rouge ou du rose. De cette façon, vous pouvez créer et modifier les ratios en fonction des nuances que vous souhaitez pour le ciel. Ensuite, pour atténuer légèrement cette couleur, je mélange du rouge primaire, de la sienne brûlée et du blanc pour créer cette teinte sourde de rouge ou de rose dont nous avons besoin pour Je dis rose parce que nous y avons ajouté cette quantité de blanc. C'est là que les couleurs sont un peu plus claires et plus douces. J'adore ces couleurs pour le ciel. Vous pouvez voir que nous l'avons utilisé pour notre ciel ici sur la photo finale. Ensuite, pour les montagnes, j'ai mélangé le bleu de Prusse, le noir, rouge primaire et le blanc pour créer une sorte de teinte violet foncé et j'ai utilisé un échantillon de cette Et encore une fois, pour alléger ce mélange, je vais y mélanger du blanc Et dès que je fais ça, la couleur devient plus claire. C'est donc à peu près la façon dont vous jouez avec différentes nuances créez différentes variations et vous les pratiquez avant de commencer à peindre. Cela vous permet d'avoir une meilleure idée des nuances que vous allez mélanger. Qu'y a-t-il dans votre palette de couleurs ? Lorsque deux teintes sont mélangées, que créez-vous ? Pour ce cours, nous avions besoin de beaucoup de nuances de vert différentes. Pour le ciel, nous avions besoin de beaucoup de couleurs chaudes que nous avons créées en utilisant les rouges et les jaunes de notre palette Et puis, évidemment, nous créons également de nombreux violets différents Vous pouvez également ajouter d'autres variations dans le violet. Je viens de montrer aussi que plus vous ajoutez de blanc, plus la couleur devient plus claire. Et évidemment, nous avons également créé différentes nuances de verts pour les verts. J'espère donc que cet exercice vous a aidé à comprendre les couleurs que vous avez dans la palette et ce qui se passe lorsque vous mélangez ces couleurs et qu'il vous a également aidé à décomposer la référence. Comme je l'ai mentionné plus tôt, si vous n'avez pas les mêmes couleurs, vous pouvez évidemment utiliser les teintes les plus proches de celles-ci et disponibles chez vous et je suis sûr que vous serez en mesure de créer des mélanges un peu similaires. Quoi qu'il en soit, nous avons terminé cette leçon et commençons à peindre notre projet de classe final. 4. Partie 1 du projet : esquisser et peindre le ciel et la rivière River: C'est bon. Commençons par peindre notre projet, et j'ai collé mon papier sur les quatre faces ici, comme vous pouvez le voir, et j'ai également pris les couleurs que j'ai mentionnées plus tôt sur ma palette Nous allons donc commencer par le croquis et, à l' aide de ma balance et d'un crayon, je vais d'abord tracer la ligne d'horizon. Maintenant, cela m'aide à séparer le ciel et les époques au-dessus du reste des éléments de la peinture. Juste au-dessus de la ligne d'horizon, comme nous le faisions sur le croquis miniature, nous avons vu la chaîne de montagnes et quelques éléments supplémentaires Je vais donc placer la chaîne de montagnes ici, en commençant par une zone un peu plus large la gauche par rapport à la droite. Une fois que cela sera en place, je bloquerai également les zones réservées aux arbres éloignés qui se trouvent en quelque sorte juste au-dessus de la ligne d'horizon. C'est un très, très petit espace dans cette zone. Ensuite, je vais me déplacer vers la zone située juste en dessous de la ligne d'horizon, et c'est là que commence la couche intermédiaire Ici, je dessine d'abord les couches du littoral ou les formes du terrain situées entre l'eau et les montagnes Ensuite, je pars de la section de gauche et je fais progressivement apparaître les formes vers le bas , puis je passe aux éléments qui se trouvent au premier plan et je cartographie en quelque sorte l' espace où se trouvent le feuillage et la zone fleurie Et ce sera la zone ou les éléments les plus proches de nous. Je ne fais donc que marquer l'emplacement de toutes ces zones pour le moment. Je vais également esquisser la masse terrestre sur le côté droit et en bloquer le reflet, juste à titre de référence. Vous pouvez également choisir de ne pas le faire à cette étape. Et quelque part sur le côté gauche, j'apporte également le reflet de cette masse terrestre. Ensuite, au centre de mon tableau ou légèrement vers la droite de celui-ci, je vais marquer très, très légèrement mon soleil et le reflet. Je dois m'assurer de ne pas exagérer avec le croquis ici Ensuite, je marque également légèrement l'endroit où se trouvera la texture, reflet de la chaîne de montagnes , encore une fois, très légèrement parce que je ne veux pas elle soit visible une fois que je commencerai à peindre. Assurez-vous donc que votre croquis n'est pas trop sombre après tout. Une fois ce croquis en place, nous allons commencer à peindre, et nous allons d'abord mélanger quelques nuances. Le premier est donc votre jaune cadmium avec du blanc. Et dans ce même mélange, j'ai ajouté un peu de rouge, et vous pouvez voir comment cela prend cette couleur orange pêche. Ensuite, je vais créer une autre teinte, qui sera un peu plus rose. Vous pouvez donc voir comment il y a un mélange de mon rouge primaire, d'un tout petit peu de jaune et de blanc, ce qui crée cette belle teinte rose que j'aime beaucoup, et qui va de pair avec la suivante Je réduis également la teinte avec un peu de sienne brûlée dans mon J'ai du rouge primaire, de la sienne brûlée et du blanc, et maintenant je vais commencer à peindre Je vais placer la couleur jaune. Je vais également légèrement éclaircir la couleur, et je vais la situer dans l'ère du soleil. Je vais également créer ces douces stries qui semblent rayonner vers l'extérieur Ensuite, dans les zones vides qui l'entourent, en particulier dans la partie centrale de mon ciel, je vais ajouter la teinte orange que nous avions mélangée plus tôt. Et je m' assure également de le mélanger en quelque sorte avec le jaune lorsque je les applique. Assurez-vous de laisser cette partie centrale un peu vide afin de pouvoir recommencer à la faire briller, encore plus avec la couleur jaune. Et juste au-dessus de l'orange que j'ai déposée, je vais ajouter la teinte rose, encore une fois, en m'assurant de tout mélanger au fur et à mesure. Il n'est pas nécessaire que ce soit le mélange le plus parfait, mais vous voulez tout de même que les couleurs soient en quelque sorte mélangées afin de ne pas avoir à trop travailler cette zone une fois qu'elle est complètement sèche Vous pouvez donc voir comment j' influence le mouvement de mon pinceau, et en plus de cela, je peux également voir la lueur autour du soleil. Ensuite, je vais utiliser la couleur atténuée que j' avais créée plus tôt, et je ne l'appliquerai que sur le bord extérieur de ma peinture Donc principalement vers les coins gauche et droit et un peu en haut. Encore une fois, en m'assurant de les mélanger dans les couleurs que je venais de mettre en page. Maintenant, si vous voulez faire ressortir plus de lumière autour du soleil, je peux revenir à la couleur jaune clair que j'ai mélangée, et je vais commencer à tout mélanger Maintenant, une astuce pour mélanger et rendre le mélange un peu plus homogène est qu'une fois que vous avez étalé les couleurs sur votre papier, vous pouvez revenir en arrière avec un pinceau humide ou un peu plus de pigment, comme le pigment le plus clair de votre ciel, et simplement mélanger le tout J'aime beaucoup l' apparence du ciel, alors je vais le laisser sécher et passer au bord du lac. Donc, ici, je vais commencer par placer le jaune clair juste à l'endroit où se trouverait le reflet du soleil, et je vais le faire avec ces traits horizontaux. Ensuite, je vais ajouter la teinte orange, encore une fois, en m'assurant qu'ils se fondent les uns dans les autres. Maintenant, vous pouvez jouer avec les coups de pinceau. Si vous appliquez les mouvements de votre pinceau sur le côté le plus fin de votre pinceau plat, vous créez un effet beaucoup plus strié. Si vous utilisez l'intégralité de votre pinceau plat, vous deviendrez plus épais, ce qui facilitera le mélange Maintenant, juste en dessous de l'orange, j'ajoute le rose, tel qu'il apparaît dans le ciel. Mais ici, je donne également plus de place au mélange là où se trouve la couleur sourde Maintenant que j'ai placé toutes les couleurs, je vais ajouter plus de pigments pour m'assurer que tout se fond parfaitement les uns dans les autres. Et vous devez également vous assurer que les couleurs de votre ciel et du bout d'eau, du lac ou de la rivière correspondent légèrement, n'est-ce pas ? Vous ne voulez pas un mélange de peinture complètement différent, c'est pourquoi je suggère toujours de faire suffisamment de peinture pour couvrir à la fois le ciel et la partie du lac. Très bien, je suis vraiment contente de l'apparence du mélange, donc je vais le laisser sécher avant de commencer à ajouter des détails Maintenant que la base est sèche, je vais passer à mon pinceau rond, et je vais utiliser un très, très léger mélange de jaune pour peindre le soleil. J'ajoute donc beaucoup plus de blanc dans le même mélange jaune que celui que nous avions utilisé plus tôt. Et en utilisant ce mélange, je vais le placer autour du soleil. Voici donc un échantillon de cette couleur, et je vais prendre cette couleur et l'ajouter là où se trouve le soleil La première idée est donc de placer la couleur, de la mélanger légèrement, puis de la superposer à nouveau. Je vais donc également ajouter le reflet, afin que vous puissiez voir comment j'ai placé ces deux couleurs, puis j'ai utilisé un peu de jaune, juste du jaune dedans parce que je voulais avoir cette lueur chaude. Je vais le superposer puis mélanger avec un pinceau humide pour qu'il donne l'impression qu'il ne fait qu' un avec la couche de base, n' est-ce pas ? Vous pouvez donc voir comment j'ai estompé les bords, et je vais laisser sécher maintenant Et une fois qu'il est sec, maintenant qu'il est sec, je vais à nouveau ajouter un peu de blanc dans ce mélange juste pour créer une teinte jaune très claire. Je vais le placer sur le soleil et créer les reflets en utilisant des lignes courtes horizontales. Donc, une fois que j'ai couvert le soleil, je crée des traits courts, des traits courts horizontaux de différentes tailles. Vous pouvez donc voir à quel point ceux ci-dessous sont un peu plus longs. Et au fur et à mesure que je descends, je diminue en quelque sorte sa taille, non ? Cela ressemble donc à un beau reflet juste sous le soleil. Encore une fois, ce que nous devons faire, c'est estomper les bords à l'aide d' un pinceau humide. Vous n'avez besoin d'aucun pigment, juste d'un pinceau légèrement mouillé ou humide. Et je vais estomper les bords pour que cela ne ressemble pas vraiment à une couche debout, mais qu'ils se fondent en quelque sorte dans l'arrière-plan. J'aime vraiment ça. Je vais laisser sécher ça maintenant. Bien, maintenant que le soleil est sec, il est temps pour nous de peindre les montagnes Et pour le mélange de couleurs, je vais mélanger mon bleu de Prusse avec du rouge primaire, de la peinture noire et de la peinture blanche, avec une peinture noire et de la peinture blanche, très, très petite quantité de blanc dedans L'idée est donc de créer d' cette teinte violette plus foncée abord cette teinte violette plus foncée, puis de l'éclaircir au fur Voici donc un échantillon de violet que je vais utiliser pour les montagnes Et j'utilise aussi mon pinceau rond ici, et je vais d'abord dessiner la forme. Je ne réduis pas complètement la couleur. Je me concentre d'abord davantage sur la création des formes de ma chaîne de montagnes. Vous pouvez donc voir comment j'ai créé différentes variations avec mes coups de pinceau. Bien, sous le soleil, je laisse un petit espace à l' endroit où se trouvait le croquis, donc je laisse un peu d'espace pour pouvoir y ajouter un peu de lumière plus tard. Et une fois que j'ai défini la structure générale de ma chaîne de montagnes, j'ai ajouté un peu de blanc dans mon même mélange de violet pour créer cette version plus claire de la même couleur. vais commencer à l'appliquer avec un peu d'eau dans mon pinceau juste pour que tout se mélange. Vous pouvez également passer à un pinceau plat pour couvrir plus grande surface et vous assurer que le mélange est parfait et homogène. Vous pouvez voir comment j'applique la couleur ici à l'aide mon pinceau plat et je la mélange avec la couleur plus foncée qui se trouve au-dessus Assurez-vous donc mélanger ces deux couleurs afin qu'elles ne ressemblent pas simplement deux couleurs différentes l'une à côté de l'autre, mais qu'elles aient l' air mélangées Vous pouvez également utiliser un pinceau rond pour faciliter le mélange si c'est ce que vous préférez Mais l'idée est d'avoir ce bel effet brumeux dans votre rage montagnarde Maintenant que la peinture est encore humide, vous pouvez également passer à nouveau à un pinceau rond. Et ici, j' ajoute un peu de jaune et un peu de rouge, et je vais l'appliquer dans la zone située juste sous le soleil, car seule une partie de ce soleil est visible, n'est-ce pas ? Le soleil n'est pas visible en entier. Cela va donc créer cette belle lueur autour des montagnes. C'est pourquoi j'y ai ajouté cette jolie couleur chaude. Et à l'aide d'un pinceau humide, je vais le mélanger au violet. Vous devrez donc peut-être faire des allers-retours plusieurs fois pour obtenir cette belle lueur. Tout en veillant à ce que ces deux couleurs fusionnent l'une avec l'autre. J'aime vraiment ça. Je vais laisser ça sécher, et c'est tout pour cette leçon. Dans la prochaine leçon, nous ajouterons détails supplémentaires à notre peinture. 5. Partie 2 du projet : ajout de reflets et création de couche de base: C'est bon. Maintenant que notre couche d'arrière-plan est complètement sèche, il est temps de passer à l'étape suivante. Dans cette partie, nous allons commencer à ajouter des textures dans l'eau et à bloquer les couleurs de notre paysage. Donc, ici, je commence par utiliser la même couleur que celle que nous avons utilisée pour les montagnes, et je vais m'en servir pour créer des reflets subtils dans l'eau. Comme vous pouvez le voir dans la zone centrale, j'utilise ce que l'on appelle une technique appelée brosse sèche où vous n'avez que du pigment et pas assez d'eau sur votre pinceau, ce qui crée des traits irréguliers qui imitent en quelque sorte le mouvement naturel de l'eau Sur le côté gauche, j'utilise des traits légèrement plus lisses pour que les reflets apparaissent un peu plus définis et couvrent une plus grande surface. Ici, j'utilise un pinceau rond pour mieux contrôler ces traits. De plus, lorsque vous souhaitez créer un trait de pinceau sec, vous devez vous assurer qu'il n'y a pas assez d'eau dans votre mélange de peinture, tandis que lorsque vous souhaitez créer un mélange plus lisse, vous devez vous assurer d'y ajouter suffisamment d'eau pour créer des lavages lisses et opaques, comme nous pouvons le voir ici Et dès que votre réservoir d' eau ou votre brosse seront en place, vous recommencerez à créer ces coups de pinceau secs. Maintenant, vers le centre de la zone où le reflet va se trouver, j'utilise le même mélange rouge que celui que j'ai utilisé pour la lueur, puis je vais créer ces traits en utilisant la même technique de pinceau sec . Cela crée différentes variations de couleur, ce qui évite que l' eau et les reflets ne paraissent trop plats, en y ajoutant une sensation de mouvement. Donc j'aime vraiment l'apparence que ça donne en ce moment. Nous allons passer aux arbres qui se trouvaient au-dessus de la ligne d'horizon. Je vais donc créer un mélange de vert plus frais. Je vais mélanger le vert sève avec un peu de jaune qui figurait déjà sur ma palette, mais cela n'a pas vraiment d' importance car je mélange du vert sève avec du bleu. J'y ai ajouté du bleu russe, et j'ajoute également de petites quantités de noir pour que la couleur soit belle et foncée. Je vais donc vous montrer rapidement la couleur que je vais utiliser. C'est donc une couleur assez proche du noir, mais ce n'est pas le cas parce qu' elle est composée de bleu et de vert et d'une infime quantité de noir. Maintenant, je vais utiliser mon pinceau rond et créer ces différentes variations dans mes coups de pinceau, juste pour montrer qu'il s'agit d'arbres éloignés ne s'agit donc pas de formes totalement spécifiques, mais simplement créées en utilisant différentes hauteurs dans mes mouvements de pinceau, ce qui crée l'illusion qu'il existe un tas d' arbres différents à une distance extrême de l'observateur. D'accord. Maintenant que la peinture est encore humide, je vais utiliser un pinceau humide et je vais doucement tirer une partie de cette couleur vers le bas Cela crée un reflet très doux dans l'eau, et l' essentiel ici est de le garder très subtil. Nous ne voulons pas de lignes nettes ou quoi que ce soit d'autre. Nous voulons juste cette indication lumineuse de réflexion. Je vais également ajouter un peu de blanc dans la même couleur que celle que nous avons utilisée pour créer ce gris, et je vais m'en servir pour créer à nouveau des textures douces en utilisant le coup de pinceau sec. Je n'exagère pas. J' ajoute très, très légèrement des textures subtiles dans l'eau pour montrer également le reflet de ces arbres. Une fois cette couche sèche, nous allons continuer à affiner certains des reflets du soleil, car une grande partie de la texture recouvrait également la partie centrale du reflet solaire. Je vais revenir à la couleur blanche. Cette fois, j'utilise juste du blanc. Et je vais encore une fois passer en revue le soleil, juste pour dessiner un peu plus le contour et juste pour y donner un peu plus d'éclat. Je crée également à nouveau des traits horizontaux. Encore une fois, je n' exagère pas. J'ajoute juste quelques coups de pinceau pour faire revivre le reflet. Et une fois qu'il aura séché, nous allons procéder à la création de deux nuances de vert différentes. Maintenant, c'est dans cette partie que vous commencez à bloquer toutes les couleurs des verts que vous voyez dans votre peinture. Le premier mélange est donc vert sève, noir, une infime quantité de plaque et de jaune apparaît pour une teinte verte moyenne, et pour le vert plus foncé, je mélange bleu de Prusse noir et vert sève du vert sève pour créer cette teinte verte plus Vous n'avez donc besoin que de deux nuances de vert pour le moment. Je vais donc commencer par une masse terrestre, qui se trouve sur le côté droit au milieu, et je place d'abord le vert plus foncé à la base de cette masse terrestre, puis je vais superposer vert plus foncé à la base de cette masse terrestre, le vert plus clair sur le dessus et passer en quelque sorte de l'une à l'autre des deux couleurs, lui permettant de se fondre légèrement l'une dans l'autre, tout en créant différentes formes à représenter différentes tailles du feuillage et des arbres qui s'y trouveront. Maintenant, si nous utilisons deux nuances de vert ici dans cette couche, c'est parce que nous ne voulons pas, vous savez, une seule couleur de vert partout. Et si vous utilisez une seule teinte de vert, cela donnera à tout un aspect vraiment plat. C'est là que nous travaillons avec deux valeurs tonales du vert Cela permet également de créer de la profondeur et de la variation dans la couche de base de sorte que lorsque vous appliquez une couche par-dessus, vous pouvez opter pour des couleurs plus claires , sans avoir à travailler très, très dur pour faire revenir les couleurs et renforcer la profondeur. Lorsque vous bloquez les couleurs, vous devez toujours vous assurer de les bloquer de manière à ce que vous ayez les tons moyens et les tons plus profonds, laissant des espaces pour les tons plus clairs tout en laissant des espaces pour les tons plus clairs afin de pouvoir les exploiter plus facilement. Donc, ici, vous avez vu comment je n' arrêtais pas de faire des allers-retours entre le vert clair ou moyen et le vert plus arrêtais pas de faire des allers-retours entre le vert clair ou moyen foncé pour créer également différentes variations dans les formes. Ensuite, je passe à la masse continentale, qui se trouve sur le côté gauche, et je vais suivre la même méthode À la base, j'utiliserai la teinte verte la plus foncée, puis j'ajouterai la teinte verte moyenne tout autour et je passerai simplement de l'une à l'autre pour que ma surface l'une à l'autre pour que ma surface ne soit pas vraiment plate. Vous pouvez également ajouter une troisième teinte de vert si vous le souhaitez, quelque chose de légèrement plus clair que le ton du milieu. Mais pour le moment, je me concentre uniquement sur les deux nuances de vert afin de pouvoir ajouter du vert dans la couche suivante . Ici, honnêtement, tout se résume à jouer avec les différentes nuances de vert et parfois les choix que je fais lorsque je peins sont très différents de ceux que vous faites Donc, au lieu de suivre les étape par étape, comme je le fais, j'aimerais simplement vous expliquer pourquoi je prends cette mesure afin que vous compreniez comment aborder une peinture ou une image de référence, qui a beaucoup de feuillage. Maintenant que j' ai atteint le premier plan, je vais passer de la lumière à l'obscurité, car si je devais utiliser une seule nuance de vert, toute cette couche de premier plan paraîtrait Donc, pour cette zone spécifique, qui est ma première section ici, j'utilise la teinte verte la plus foncée juste pour que vous sachiez que cette zone apparaisse un peu plus foncée, puis je peux attirer des verts plus clairs par-dessus Une autre chose que je fais ici, c'est que j'utilise mon pinceau abîmé, pas un pinceau plat J'utilise mon pinceau abîmé ici, et cela m'aide à créer ces traits cassés, ces traits irréguliers Donc, si vous avez un pinceau poils éparpillés, c'est le meilleur moment pour le sortir et l'utiliser, car il va, vous savez, créer ces traits cassés et irréguliers qui, honnêtement, selon moi, fonctionnent parfaitement lorsque vous voulez créer un feuillage comme ceux nous faisons dans ce tableau Donc, comme je l'ai mentionné plus tôt, il s' agit d'une section dans laquelle nous allons commencer à construire plus de structure au premier plan, et c'est pourquoi je la divise en couches Donc, la première couche que vous m'avez vue ajouter était entièrement d'une teinte verte plus foncée. Juste en dessous, je vais utiliser une zone spécifique, comme une petite zone, et j' y ajouterai une teinte verte moyenne. Ensuite, je reviens à la teinte verte plus foncée, puis je reviendrai à la teinte verte plus claire. Je pourrais donc faire des allers-retours ici, dans deux ou trois couches de lumière et de verts plus foncés. Juste pour créer beaucoup plus de profondeur et de structure dans cette zone, sorte que lorsque je commence à y ajouter des tons plus clairs, je puisse facilement diviser la section, n'est-ce pas ? Donc, chaque fois que vous avez un champ ou quelque chose comme ça, vous savez, comme dans un paysage de ce genre, n'est pas entièrement d' une seule couleur, n'est-ce pas ? Vous aurez différentes zones recevant plus de lumière et différentes zones recevant plus d'ombres. Et c'est exactement ainsi que nous décrivons les choses également. Nous laissons certaines sections vides, pas vides, mais comme de la lumière, afin de pouvoir les superposer créer des gouttes de pinceau plus claires dessus et mettre en valeur ces buissons, les zones d' ombre devant rester en dessous. Ainsi, les zones claires des zones de la section foliaire qui reçoivent de la lumière apparaissent un peu plus vives et ressortent un peu plus Donc, honnêtement, cette étape est très répétitive. Je fais constamment des allers-retours entre les deux couleurs jusqu'à ce que j'aie fini de bloquer toute ma section. Donc, vraiment, si vous ne voulez pas diviser votre section comme je le fais, vous n'avez pas à le faire en trois couches. Vous pouvez également le faire en deux couches seulement, selon ce qui vous convient le mieux, n'est-ce pas ? Parce que c'est ton tableau autant que le mien. Vous n'avez donc pas à vous soucier vraiment de la perfection ici. Utilisez n'importe quel pinceau abîmé. Vous pouvez appuyer ou effectuer des mouvements ronds et arrondis, selon ce qui vous Vous pouvez suivre ce mouvement tant que vous bloquez les couleurs , car cela vous permettra de commencer à ajouter plus de reflets et de détails par-dessus. Si votre base est correctement ou suffisamment bloquée, les lumières apparaîtront, comme je l'ai mentionné plus tôt, plus éclatantes et plus détaillées. Sinon, cela ressemblera simplement des couches détaillées recouvrant quelque chose , comme une couche de base vraiment plate. C'est pourquoi cette section est vraiment utile. Quoi qu'il en soit, une fois que vous aurez fini de couvrir toute votre zone, vous la laisserez sécher. Voici à quoi ressemble ma section. Vous pouvez voir comment il est divisé en trois couches. Comme je peux le voir, les lumières et les quais sont correctement placés. Une fois que vous en aurez fini, vous allez le laisser sécher. Dans la prochaine leçon, nous allons commencer à ajouter plus de détails à ce sujet. 6. Partie 3 du projet : Création de la profondeur dans le feuillage: C'est bon. Maintenant que notre couche de base est complètement sèche, il est temps pour nous de commencer à augmenter la profondeur et à ajouter des détails à notre peinture. Et à ce stade, tout va lentement commencer à se mettre en place. Je commence donc par ajouter reflets aux masses continentales dans l'eau, et j'utilise un mélange d'ombre brûlée et de noir. Ici, j'ai également veillé à ce que ma peinture ne soit pas trop épaisse, mais je veux qu'elle soit belle et un peu plus claire pour que je puisse encore voir un peu de la couleur en dessous. Ici, pendant que je fais les reflets, je ne fais que refléter la forme qui se trouve au-dessus de la terre Donc, quels que soient les mouvements du pinceau ou les formes situées au-dessus, je ne fais que refléter la même image vers le bas Et pour créer une séparation claire entre le terrain au-dessus et son reflet, j'ai ajouté un peu plus de blanc à ce mélange, et j'ajoute simplement cette ligne horizontale. Cela les sépare donc clairement. Ensuite, je vais commencer à ajouter les détails au milieu avec deux nuances de vert différentes. s'agit donc d'une teinte verte plus foncée avec du vert sève , du noir et un peu de brun. Et puis il y a une teinte plus claire , un vert légèrement plus chaud avec du vert sève, ocre jaune et un peu d'ombre brûlée. Je vais donc commencer à travailler sur les masses continentales situées au milieu, sur la gauche Donc, en utilisant ce vert plus clair, je vais commencer à créer ces doux traits horizontaux sur la surface, et ces traits aident en quelque sorte à introduire un peu de lumière et de texture dans cette zone. Ensuite, je vais juste mélanger légèrement le tout avec la couche de base pour que tout soit un peu cohérent Une fois que la section sera sèche, ce n'est qu'alors que je commencerai à ajouter mes arbres et d'autres détails à ce sujet. Ici, vous pouvez voir comment les lumières ont fait ressortir la profondeur que nous avions dans la couche précédente. Maintenant qu'il est sec, je vais commencer à ajouter quelques formes d'arbres simples. Je ne détaille donc pas trop cette zone, car il s'agit d'une section encore légèrement éloignée de l'observateur. Je me concentre donc davantage sur la création petites formes verticales douces ou formes irrégulières qui seront des arbres et du feuillage à distance. Je continue également à ajouter quelques traits horizontaux ici et là pour créer plus de profondeur et montrer la partie ombragée de ce juste milieu. Encore une fois, comme je l'ai mentionné, je vais faire des allers-retours entre l'ajout et le réglage des lumières et des ombres jusqu'à ce que je sois satisfaite du sujet au milieu, mes arbres et les détails plus clairs que j'y vois. J'ajoute également un peu de vert plus clair sur le dessus juste pour ajouter un peu plus de couleur à mes arbres afin qu' ils ne paraissent pas plats avec la teinte verte plus foncée que nous avons ajoutée plus tôt. Comme je l'ai mentionné, il s' agit d'une zone encore plus éloignée de l'observateur Vous n'avez donc pas à trop travailler dans cette zone, mais ajoutez simplement suffisamment de lumière et d'obscurité pour que cette section ne soit pas vraiment plate Je suis vraiment contente de son apparence actuelle, et je vais revenir à mon pinceau abîmé, utiliser le grain le plus clair et commencer à mon pinceau abîmé, utiliser le grain le plus clair et tapoter sur les zones où j'avais placé ma couche de base à grains clairs plus tôt OK, donc ce n'est pas uniquement sur le vert clair. Je commence donc par le côté gauche. Je suis juste en train de taper et d'apporter un peu plus de lumière à ma section. Ensuite, je vais me déplacer vers le centre de ma peinture, où je tapote à nouveau plusieurs fois pour créer plus de détails sur le feuillage sur couche plus foncée que nous avions ajoutée plus tôt. Maintenant, vous devez vous assurer que vous ne recouvrez pas entièrement la couche la plus foncée. Vous voulez toujours qu'une partie soit visible, mais vous voulez simplement ajouter plus de verts et plus de couches dans cette section. Donc, cette zone est essentiellement très répétitive, d'accord ? Vous faites constamment les mêmes mouvements encore et encore, en particulier pour les deux premières couches vertes plus claires que vous voyez ici, et c'est à ce moment-là que vous commencerez à faire des coups de pinceau différents Comme je l'ai mentionné, ce processus est vraiment répétitif. Alors vas-y doucement. Il n' y a ni bien ni mal. Vos formes peuvent être différentes, et elles devraient l'être. Ils ne devraient pas être la réplique exacte de ce que je fais. Profitez donc du processus. Allez-y doucement. Vous savez ce que vous êtes censé faire dans la zone que vous êtes censé couvrir. Assurez-vous donc de couvrir ces zones. Et même si ce n'est pas le cas, car nous pouvons toujours revenir en arrière et y ajouter plus de profondeur, même après cette couche. Donc, encore une fois, comme je l'ai mentionné, je vais simplement effectuer ce mouvement de tapotement plusieurs fois créer plus de détails et faire ressortir plus de reflets et de détails sur ma couche de feuillage. Honnêtement, j'ai vraiment tendance à apprécier ce processus parce qu'il implique un peu de réflexion et beaucoup plus de mouvements répétitifs m'aident à passer dans ce mode zen, je ne sais pas , où je fais constamment des allers-retours dans le même mouvement, et c'est vraiment thérapeutique d'une certaine manière. Il fallait juste que je le mette sur le marché. Quoi qu'il en soit, le cas échéant, vous avez l'impression d'avoir ajouté trop de lumière parce que maintenant, quand je vois cela, j'ai l'impression que la profondeur que nous avions auparavant a légèrement disparu. Je vais donc revenir à ma teinte de couleur plus foncée ou au vert plus foncé, et je vais revenir en arrière et appuyer sur l'endroit où je veux pour rétablir le contraste. Ici, j'ai eu l' impression que tout commencé à paraître un peu plat, n'est-ce pas parce que nous avions trop de verts clairs et de verts plus foncés qu'auparavant. Il a en quelque sorte disparu quelque part. Donc, au cas où cela se produirait, vous n'avez pas à vous en inquiéter. Vous pouvez toujours rétablir la couleur en tapotant, en ramenant les verts plus foncés et en les réintroduisant. Et puis, une fois que vous l'aurez superposée, tout se fondra à nouveau parfaitement les uns dans les autres et n'aura pas l'air étrange. J'ai donc senti que cela avait besoin d'un peu plus de profondeur, alors j'ai simplement ajouté cela. Encore une fois, comme je l'ai mentionné, il y aura beaucoup de va-et-vient ici. Maintenant, je vais revenir à mon pinceau rond et je le fais parce que je veux des détails un peu plus définis ici. Donc, dans cette section où se trouveront les fleurs, je vais commencer à ajouter des feuilles et de l'herbe comme des traits, ainsi que leurs tiges. J'utilise donc en quelque sorte les mouvements du pinceau pour créer ces fins traits ascendants sur la tige et quelques traits courts légèrement plus longs Et cette variation va en quelque sorte aider les feuilles à paraître plus naturelles. Nous faisons donc de petits traits sur le côté gauche et sur le côté droit, et ils sont tous très différents les uns des autres. C'est quelque chose à garder à l'esprit, car si tous vos coups de pinceau se ressemblent, il n'y aura aucune variation et vous aurez l'air plat. Et je dis toujours que chaque fois que vous peignez des paysages, vous devez ajouter autant de formes irrégulières que possible, car il n'y a pas de modèle défini que nous suivons ici. Donc, même pour les feuilles, je tape simplement mon pinceau en petits mouvements sur le côté gauche et droit et je crée simplement un bouquet de feuilles et une tige au milieu La majeure partie a tendance à se recouvrir des fleurs qui apparaîtront sur le dessus, mais il est tout de même logique de les ajouter parfaitement dans cette section avant d'y ajouter des fleurs. N'hésitez donc pas à ajouter les formes de vos feuilles comme vous le souhaitez. Encore une fois, il n'y a ni bien ni mal. C'est vraiment juste pour que vous puissiez vous détendre et jouer ici. Je suis également revenue à mon pinceau abîmé parce que je voulais créer de longs traits comme ceux-ci pour la tige dans la zone située en haut de cette section C'est donc dans cette zone que se trouveront toutes, vous savez, les fleurs. C'est pourquoi j'ai ajouté ces traits plus longs. Et j'y suis retourné et j'ai ajouté un peu plus de profondeur à ma section sur le feuillage. Comme je l'ai mentionné, il va y avoir beaucoup de va-et-vient dans cette zone parce que mienne a fini par paraître un peu plate Je suis donc allée de l'avant et j'ai réintroduit un peu de vert plus foncé et ajouté plus de contraste à notre peinture. Mais dans l'ensemble, j'aime beaucoup la façon dont cela se passe. J'aime beaucoup la façon dont je peux vraiment distinguer les différentes zones de feuillage ici, ainsi que les différents légumes verts que nous avons. Et j'ai également ajouté quelques tiges en utilisant la couleur vert plus foncé , juste pour que toutes les tiges ne soient pas similaires ou de la même teinte. Et j'aime beaucoup son apparence en ce moment, alors nous allons tout laisser sécher complètement. Ensuite, dans la leçon suivante, nous ajouterons nos fleurs et les derniers détails de notre peinture. 7. Partie 4 du projet : ajouter des fleurs, les reflets et les derniers détails: Très bien, allons-y, ajoutons plus de détails au feuillage et peignons nos fleurs Donc, pour mettre en valeur le vert du feuillage, j'utilise un mélange de vert sève, ocre jaune et d'un peu de blanc Et je vais utiliser mon pinceau abîmé pour cela. Maintenant, ici, je suis un peu plus sélective lorsque j'ajoute les reflets sous forme de coups pinceau abîmés Et je m'assure de ne pas couvrir de grandes surfaces, mais je tape juste légèrement sur certaines sections pour mettre en valeur le feuillage. Et cette étape permet en fait de mieux définir le feuillage et de faire ressortir le contraste entre les lumières et les ombres. Alors prenez juste un moment ici. Pour savoir où vous voulez que les points forts se situent, je me concentre davantage sur la partie supérieure de mon feuillage, car c'est à cette époque que l'on recevra le plus de lumière C'est pourquoi nous avons travaillé en plusieurs couches. Et même à l'étape précédente, nous avons réintégré le contraste, qui a été abordé, sorte que lorsque nous avons ajouté ces reflets, nous avons vraiment pu faire ressortir les détails encore mieux. Je vais donc juste vous laisser un moment, vraiment ajouter le feuillage. En fonction des zones dont vous disposez. Et lorsque vous atteignez la partie inférieure, vous pouvez utiliser ces longs traits, et vous pouvez les faire à l'aide d'un pinceau rond si vous ne voulez pas vous en servir. Je veux dire, je ne veux pas le faire avec ton pinceau abîmé ici Encore une fois, il s'agit simplement d'ajouter plus de détails et de reflets à votre feuillage. Cela va donc être représenté avec les fleurs qui seront déposées dessus. Vous pouvez donc le faire avec les lumières comme je le fais ici, puis vous pouvez également passer à votre pinceau rond et refaire la même chose avec une teinte verte plus foncée, juste pour faire ressortir plus de variation de couleur afin que tout ne paraisse pas trop plat. Encore une fois, il y a beaucoup de va-et-vient qui se produisent ici en fonction du type de choix que vous souhaitez faire et des détails que vous souhaitez ajouter. Donc, ici, je viens d' ajouter quelques traits avec un pinceau rond, et ces longs traits seront représentés pour la tige. J'aime donc beaucoup la façon dont ce trait plus foncé ajoute des détails et apparence actuelle de tout ce qui se trouve dans le feuillage. Nous allons donc le laisser sécher complètement avant de passer à l'étape suivante. Vient maintenant la partie où nous allons commencer à ajouter des fleurs. Pour cela, j'ai créé un mélange de blanc de titane avec une infime quantité de noir et de bleu de Prusse Et cela donnera à mes fleurs un peu de blanc, couleur plutôt sourde Et je vais commencer à créer ces petits points à l'aide de mon pinceau rond. Maintenant, elles sont très délicates parce que ces fleurs sont plus éloignées de l'observateur, et c'est pourquoi elles sont vraiment très petites. Vous souhaitez réaliser des traits individuels avec un pinceau rond, n'hésitez pas à le faire. Et si vous en voulez quelques groupes, vous pouvez passer à un pinceau abîmé et ajouter les détails en conséquence Encore une fois, il n'y a pas de bonne façon d'aborder cette question. Vous êtes libre de le faire comme bon vous semble. Je suis allé de l'avant et j'ai combiné ces deux méthodes. Quand je dis que ces deux méthodes sont l'une où j'ai créé des grappes de ces fleurs blanches l'aide d'un pinceau abîmé, et l'autre où j'ai ajouté quelques traits supplémentaires à l'aide mon pinceau rond juste pour ajouter plus de variation Parce que, encore une fois, le pinceau abîmé va créer des grappes qui se ressemblent beaucoup, n'est-ce pas ? Alors n'hésitez pas à le faire comme bon vous semble. Vous pouvez voir comment j'ai laissé cette section inférieure vide. C'est là que je veux commencer à ajouter plus de fleurs et plus de détails plus tard. Je ne vais donc rien ajouter pour le moment. Une fois que vous serez satisfait de l' apparence des fleurs ici, nous pourrons commencer à descendre. Et au fur et à mesure que nous descendons, nous allons lentement commencer à augmenter la taille des fleurs que nous ajoutons Même ici, vous pouvez considérer cette zone comme une section située au milieu de la couche où se trouvent les petites fleurs les plus délicates et les plus grandes en bas. Donc, dans cette zone, vous avez des points qui vont varier de tailles différentes, d'accord ? Donc, même si je les représente sous forme points et de languettes avec mon pinceau rond, j'essaie de me concentrer sur le nombre ou la quantité de pression que j' applique sur mon pinceau. Donc, si j'ajoute de la pression, les points apparaîtront plus gros. Et si je réduis la pression, les points paraîtront plus petits. Je vais donc simplement en ajouter différentes variantes. Faites-en deux grandes, puis deux petites, pour que tout semble se fondre parfaitement les uns dans les autres au lieu de simplement les mélanger ou de les placer dans Et au fur et à mesure que je me déplace dans la partie la plus basse de ma zone, je vais commencer à agrandir les fleurs Et cette fois, vous pouvez commencer à créer des formes légèrement définies. Je peins donc librement comme formes de cinq à six pétales dans différentes directions Certains d'entre eux peuvent être définis avec cinq à six pétales, comme je l'ai mentionné , et certains d'entre eux peuvent être fabriqués en utilisant une forme de goutte très irrégulière Et pour moi, ces formes de taches ordinaires ajoutent un peu d' effet naturel C'est ainsi que j'aime aborder les choses, surtout pour ce genre de paysages où je n'ai pas ajouté trop de détails. Et je peins simplement le sujet librement avec, vous savez, très peu de coups de pinceau ou très peu de couleurs Et, vous savez, avec une palette de couleurs limitée, j'aime garder les choses très belles et amples. Nous nous sentons libres d' ajouter les fleurs comme vous le souhaitez. Une chose que je voudrais mentionner, c'est que, comme je le disais tout à l'heure, vous ne voulez pas que toutes vos fleurs se ressemblent. Assurez-vous donc d' ajouter cette variation, et cette variation indique en quelque sorte que les fleurs sont mises en phase différemment, n'est-ce pas ? Alors n'hésitez pas à le faire comme bon vous semble. Je suis allé de l'avant et j'ai terminé la section. Comme vous pouvez le constater, j'ai également ajouté quelques petits onglets entre les plus grandes fleurs, encore une fois, juste pour les montrer sous forme de boutons. Une fois que j'en aurai fini, je commencerai à peindre l'étamine de mes fleurs en utilisant un mélange d'ocre jaune et d'ombre brûlée Je vais l'ajouter au centre de certaines des plus grandes fleurs ou de la plupart des plus grandes fleurs et de certaines des plus petites fleurs que vous pouvez voir. Et une fois que cela sèche, vous pouvez y ajouter des reflets. Donc, pour le moment, je le place juste sur toutes les fleurs que je vois, juste pour faire ressortir plus de détails sur la fleur et pour qu'elle n'ait pas l'air si plate. Une fois que j' fini avec la couche de base de la partie étamine, je vais le souligner en aurai fini avec la couche de base de la partie étamine, je vais le souligner en ajoutant un peu plus de jaune et de blanc dans le mélange, et je vais juste l' ajouter à nouveau, m' assurant de ne pas couvrir la totalité de mon premier coup de pinceau que j'ai tracé, près de la moitié, pour qu'il ressortir la section que nous venons d'avoir fabriqué. Et une fois que vous aurez terminé, je vais créer une teinte vert très clair où j'ai simplement ajouté plus de jaune et blanc dans le même mélange vert que celui que j'ai utilisé plus tôt. Et de cette façon, nous allons commencer à ajouter un peu plus de détails dans ma section. Et j'utilise un pinceau rond pour cela, un pinceau rond fin créer ces formes en forme de tige. Juste pour donner l'impression que les fleurs ne reposent pas sur une seule couche et qu'elles se fondent parfaitement dans la Vous pouvez donc simplement faire ces tiges juste sous certaines fleurs et les superposer. Ne vous inquiétez pas, car nous allons à nouveau superposer les fleurs. Une fois que vous avez terminé avec le mélange vert clair, vous pouvez revenir à un mélange vert plus foncé, juste pour apporter également la variation de couleur dans la tige. Et vous pouvez également voir comment je le pose sur les fleurs au cas où vous le sauriez, il y en a sur le chemin. Une fois que vous êtes satisfait de cette structure, vous pouvez commencer à la mettre en valeur, et j'utilise uniquement du blanc pur pour mes fleurs ici. Je vais donc mettre en évidence certaines des fleurs déjà disposées, et je vais créer d'autres fleurs par-dessus chaque fois que je vois un espace vide. Maintenant, je le fais parce que si je devais simplement créer mes fleurs en utilisant une seule couleur, tout redeviendrait plat. l'impression que certaines fleurs , l'impression que certaines fleurs sont plus proches et autres sont jetées dans l'ombre disparaîtra si j'utilise une seule couleur C'est pourquoi j'ai utilisé du blanc ici. Juste pour faire ressortir un peu plus mes fleurs. Vous pouvez donc continuer et mettre en valeur certaines fleurs ou créer à nouveau un bouquet de fleurs où que vous le souhaitez. Et vous n'êtes pas obligé de le faire uniquement sur les plus grandes fleurs. Vous pouvez également ajouter quelques onglets ici et là entre les deux, ainsi que dans la section des petites fleurs. Et une fois que vous avez terminé, et une fois que cette couche est sèche, vous pouvez recommencer à ajouter la partie étamine des fleurs de couleur jaune À ce stade, encore une fois, il y a beaucoup de va-et-vient qui se produiront selon la façon dont vous aurez se produiront selon la façon dont vous aurez choisi de créer le type de zone fleurie. Je suis vraiment contente de l'apparence des fleurs en ce moment, alors je vais juste tout laisser sécher. Ensuite, je vais apporter une feuille de papier ou des mouchoirs parce que je veux créer quelques éclaboussures pour ajouter un petit effet fantaisiste à mes peintures, en particulier pour les peintures de paysages et ce genre de peintures florales que j'aime Donc, je le tape juste contre un autre pinceau et j' obtiens ces plateaux. Ensuite, je fais des allers-retours plusieurs fois en fonction du type de détails que je souhaite ajouter. Et honnêtement, c'est dans cette partie que vous pouvez prendre du recul et voir ce que vous aimez. S'il y a quelque chose que vous souhaitez améliorer, vous pouvez le faire. S'il y a certains détails que vous souhaitez ramener, s'il manque un peu de contraste, vous pouvez les intégrer. Si vous souhaitez ajouter des points forts, vous pouvez les ajouter. Tout ce que tu as oublié parce que j'avais l'impression certaines de mes fleurs n'avaient pas d'étamine. Je suis donc allée de l'avant et j'ai ajouté cela ou je mets en évidence un couple qui n'a pas été surligné la première fois que je l'ai ajouté. Encore une fois, prenez du recul pour simplement remarquer ce dont votre peinture a besoin. Et une fois que vous serez satisfait de tout, il vous suffira de tout laisser sécher, puis nous retirerons le ruban adhésif. Une fois que tout est sec, il est temps de décoller le ruban adhésif, et c'est honnêtement ce que je préfère le plus parce que c'est tellement satisfaisant. Et il y a quelque chose dans cette bordure blanche autour de ma peinture qui lui donne un aspect complet, et ça me rend tellement heureuse. C'est donc ton dernier tableau. Regardons cela de plus près et voyons comment nous avons procédé et les détails que nous avons pu ajouter. Donc, si vous regardez ça ici, nous avons un beau soleil éclatant. Nous avons la chaîne de montagnes. Nous avons de magnifiques mousses terrestres. Du feuillage au premier plan avec des fleurs et tant de jeux de couleurs différents, mais le nombre de couleurs que nous utilisions était également très limité nombre de couleurs que nous utilisions J'espère donc que vous avez aimé peindre ce processus, puis je vous verrai dans la prochaine leçon, car je vais vous faire part de mes dernières réflexions sur ce cours. 8. Réflexions finales !: Maintenant, nous sommes arrivés à la fin de ce cours, et j'espère que vous avez aimé peindre avec moi. Plus que tout, j'espère que ce cours vous a aidé à vous sentir un peu plus à l' aise avec le médium, en particulier lorsqu'il s'agit de mélanger, de superposer et d'ajouter des détails à votre travail de manière plus simplifiée et plus accessible Si vous avez peint avec moi, j'adorerais voir ce que vous créez. Vous pouvez le télécharger dans la section projet et ressources de ce cours. Et honnêtement, j'adore voir différentes interprétations d'une même image de référence. Si vous avez aimé ce cours, je vous demanderais de me laisser un petit commentaire, car cela permet à ce cours d'atteindre un plus grand nombre d'étudiants et de savoir exactement ce que vous avez aimé apprendre. Si vous publiez votre travail sur Skillshare , vous pouvez m'y identifier sur le site Simply Aesthetic , car j' adorerais y voir également votre travail et le partager avec ma communauté pour inspirer d'autres étudiants Et c'est tout pour moi de ce cours. Merci beaucoup de vous joindre à moi et peindre avec moi. Je te verrai dans le prochain. Au revoir