Le guide de survie des couleurs

1. Introduction du cours: Hé tout le monde, Marco Gucci ici, vous savez, tant qu'artiste et illustrateur professionnel, vous voulez être capable de gérer une grande variété de tâches. Maintenant, quand il s'agit de couleur, cela signifie connaître vos fondamentaux tant en théorie que la myriade de façons dont ces théories peuvent être appliquées en tant qu'illustrateur. Maintenant, depuis plus de 15 ans, je le trouve maintes et maintes fois. Je reviens à un ensemble de principes fondamentaux, fondamentaux qui me permettent de survivre en couleur. Alors bienvenue à mon Guide de survie couleur où je veux partager ces fondamentaux avec vous. Il y a six chapitres. Chaque chapitre contient une présentation d' une théorie des couleurs particulière, puis passe à son utilisation pratique. Vous savez, comment je l'applique, mais aussi des idées sur la façon dont vous pouvez l'appliquer. Des concepts qui alimenteront votre travail quotidien. Mon objectif avec cette classe est simplement de vous rendre plus confiant dans la capacité de gérer une grande variété de tâches de couleur. Maintenant, une note rapide, je vais utiliser Adobe Photoshop dans cette présentation comme mon logiciel de choix. Mais les concepts et démonstrations sont applicables à toute application de peinture numérique. En fait, les théories présentées ou même applicables aux médias traditionnels. Donc je suis sûr que vous apprécierez ce cours. Nous avons environ quatre heures d'apprentissage devant nous. Alors plongons dans le Chapitre 1. 2. Le pouvoir de les gris: Commençons ce cours avec ce que je considère comme l'aspect le plus fondamental de la couleur, et c'est ainsi que la couleur se déplace dans une peinture. Une fois ce chapitre terminé, nous aurons une compréhension globale de la mécanique du mouvement des couleurs. Et avec cela et la compréhension des couleurs grises par rapport à leurs homologues saturés, nous allons développer un système simple pour catégoriser et organiser les couleurs dans une peinture apprendra comment les décisions simples puissantes peuvent être. Nous allons parler de la façon dont la couleur est liée à la valeur et à la forme. Et enfin, nous allons apprendre la terminologie des couleurs que nous utiliserons tout au long de cette classe. Très bien, voici notre ami, la roue des couleurs. Et si vous n'êtes pas encore ami avec elle, vous serez d'ici la fin de ce cours. Ok, donc ici au chapitre 1, nous allons commencer notre compréhension de la couleur à travers la lentille des couleurs complémentaires. Et les couleurs complémentaires, comme vous le savez probablement déjà, sont simplement deux couleurs ou des teintes situées sur les côtés opposés de la roue de couleur. Chaque couleur a un compliment, bien sûr, la théorie des couleurs de base. Nous dirons que les couleurs complémentaires semblent généralement bien ensemble. Encore une fois, c'est un conseil général que nous sommes sur le point d'approfondir. Cependant, avant de le faire, je veux m'assurer que nous sommes tous sur la même page et comprenons ce que la roue de couleur nous montre. L' anneau le plus extérieur de la roue de couleur, cette couleur ici, par exemple, c'est la version la plus saturée, intense ou colorée de cette couleur. Si on déplace cette sélection vers le milieu de la roue de couleur, elle perd sa saturation. En d'autres termes, c'est de plus en plus grisé. Je vais mettre en place un sélecteur de couleurs ici. C' est comme si nous faisions ça, dirigeons vers le gris et perdons la saturation. D' accord, la prochaine chose qui est très important à comprendre, la roue de couleur ne nous montre que la couleur. Par exemple, il ne nous montre pas de valeur. La valeur étant la lumière et l'obscurité d'une couleur. Par exemple, j'ai deux couleurs ici. Une lumière, une sombre, mais ils sont tous les deux au même niveau de saturation. Donc, même si ces deux échantillons sont techniquement deux couleurs différentes en raison de leur teinte et de leur saturation identiques, ils seraient situés au même endroit sur une roue de couleur. Maintenant, la valeur, encore une fois, la lumière et l'obscurité font partie intégrante du succès d'une peinture, mais ce n'est pas non plus ce dont est l'objet cette classe. Cette classe est à propos de la couleur. Je vais donc faire de mon mieux pour rester concentré sur la couleur, mais je devrai parfois parler de valeurs parce que c'est littéralement inévitable. Voici donc une peinture, pas la meilleure peinture du monde. En fait, j'ai fait ce tableau comme il y a 15 ans, juste au moment où je commençais à me sentir familier avec la couleur. Un exercice qui m'a vraiment aidé a été de rendre ma palette aussi gratuite que possible. Dans ce cas, si je devais goûter quelques couleurs ici, c'est essentiellement des jaunes contre des violets. Je veux dire, ce n'est pas une ligne parfaitement droite, mais vous comprenez l'idée. Bien qu'une palette complémentaire ne soit pas la façon la plus créative d'utiliser la couleur, elle offre un aperçu précieux de la façon dont la couleur se déplace pour l'intro. Et bien que nous ayons encore ce graphique à l'écran, jetez un oeil à la gamme des jaunes par rapport à la gamme des violets. Il y a une différence significative là-bas. Il y a moins de variétés de jaune que de pourpre. Cependant, les jaunes qui existent sont tous très saturés. Alors que le violet est un peu étendu la gamme de très désaturé ou gris à très saturé. Ici, dans Photoshop, faisons un peu d'exercice de couleur que je jure que tout le monde peut faire indépendamment de votre expérience, Apportons ces deux couleurs très saturées que nous venons de regarder. Dans ce cas, jaune, juste peindre une petite nuance. Et sur une nouvelle couche, je vais attraper les violets qui sont ici. Il est dans Photoshop est un peu plus difficile de dire ce qui est gratuit parce que vous avez une bande de teinte au lieu d'une roue de teinte. Mais je veux dire que c'est bon tant que c'est proche du contraire. Donc quelque part par ici. Je ne sais pas si c'est parfait, mais c'est assez proche. Je vais peindre ça. Maintenant. Celles-ci sont très éloignées. Ce sont des couleurs complémentaires. Donc je vais mettre ce chemin violet ici, et je vais mettre ce chemin jaune par ici. Et l'exercice que nous voulons faire maintenant est de couvrir la gamme, remplir cette plage au milieu. Cela simulera en quelque sorte la façon dont nous utilisons les couleurs dans une vraie peinture. Ne vous inquiétez pas de la valeur. Encore une fois, la valeur étant arc allégé, juste ne vous inquiétez pas à ce sujet pour cet exercice, nous n'essayons pas de produire une image lisible ici. On joue juste avec la couleur. Donc, juste au milieu est ce gris. Je vais essayer de mettre ce gris ici. Et pendant que je suis sur la teinte pourpre, je vais juste me ramifier vers la saturation et mettre juste une petite nuance juste là. Maintenant demandez-vous, où irait ce violet ? Eh bien, c'est un peu juste au milieu entre celui-là et celui-là. Alors mettons-le là. Je vais aller dans les jaunes maintenant. Je pourrais toujours goûter mon jaune ici si je veux qu'il soit exact. Je vais rapprocher ça du gris et mettre ça là. Donc, ce que nous disons essentiellement ici, c'est que cette couleur est le même niveau de saturation vers le jaune que cette couleur est vers le violet. Mais encore une fois, nous le faisons visuellement. Tu vois, je me fiche que je sois probablement à quelques pixels de distance. Si j'ai regardé cette couleur, elle existe en saturation par rapport au violet, qui est un peu plus proche du gris. Donc, je ne suis pas parfait. Je ne suis pas un robot. Je ne peux pas le faire exactement, mais c'est bon. Visuellement c'est ce qui compte. Alors continuons de progresser. J' ai ce violet échantillonné ici. Je vais me brancher un peu plus et juste mettre ça là-bas. Je vais aller dans l'échantillon jaune où je suis. Et sortez un peu plus et mettez-le là. Que diriez-vous de choisir une couleur là-bas et de dire que c'est à propos d'ici. Et encore une fois, en continuant à tracer ces couleurs, vous savez, à peu près où elles vont dans ce spectre ici, je réduit la quantité d'espace. Celui-ci a pris trop de place dans mon petit tableau ici, donc je travaille un peu dessus. Donc c'est comme ça. Cela peut sembler un peu contre-intuitif, mais résiste à l'envie de rendre ça joli, je veux dire, vous pouvez si vous voulez, mais ça n'a pas d'importance. Donc ce que nous faisons ici, c'est que nous nous habituons à suivre la saturation ou à des termes opposés, suivi des gris va un peu plus saturé et se recharge dans ce gars. Et on y va. Quelque chose comme ça. Vous n'avez pas à tout remplir parfaitement. Quelque chose comme ça est très bien. Comme je l'ai dit, exercice très facile, très basique. Mais je suis totalement honnête quand je dis que l'évaluation et le choix couleurs dans votre peinture peuvent être aussi simples que ça. Et c'est aussi pourquoi la palette complémentaire est si bon de travailler avec cela d'abord, parce que vous n'avez que deux couleurs, il supprime presque toutes les conjectures. D' accord. Maintenant, il y a ce terme de couleur que je suis sûr que vous avez entendu appeler l'harmonie des couleurs. Qu' est-ce que l'harmonie des couleurs ? Eh bien, je pense que l'harmonie des couleurs est quand il y a une trace visuelle visible ou un lien entre les couleurs. Maintenant, quel est ce lien ? Eh bien, le lien est le gris. Le gris bien sûr, étant la nuance du milieu entre deux couleurs. Quand je l'échantillonne ici, peu importe si je suis dans le violet ou si je suis dans le jaune, c'est la même couleur les deux fois. Donc gris est la connexion littérale entre deux couleurs, dans ce cas le jaune et le violet. Mais laissez-moi juste annuler ces marques une seconde. Là où l'harmonie des couleurs se produit est dans cette gamme neutre très délicate. Les couleurs neutres sont les couleurs proches du gris. Je dirais peut-être que cette gamme ici, sont les couleurs neutres dans cette palette. Si je devais le faire sur le Color Sélecteur lui-même, je suis dans les violets ici. Je dirais que les neutres sont quelque part dans cette gamme. Si je dessine comme un mur invisible ici, c'est en quelque sorte dans cette gamme. Et rappelez-vous, cela peut être n'importe quelle valeur, sombres, lumières, quoi que ce soit tous des violets neutres et vice versa. Si j'allais aux jaunes, le même genre de chose, dessinant ce mur invisible. Ce sont tous des jaunes neutres. Quand les couleurs sont neutralisées, elles sont proches les unes des autres. Comme nous le voyons dans notre étude ici, la distance entre ce gris et ce jaune n'est pas très loin, et la distance entre ce gris et ce violet n'est pas très loin. Par conséquent, la distance entre ce violet et ce jaune n'est pas non plus très loin. Il y a un lien là-bas. On peut tracer le mouvement de la couleur. La couleur se déplace de ce violet désaturé ou de grade vers le bas. Et il est très facile de lier visuellement ou de tracer visuellement comment il peut arriver ici. Vous voyez qu'il est beaucoup plus difficile de commencer ici et ensuite d'y aller. C' est trop brusque de changement. n'y a pas de lien visuel entre les deux. Ils sont tous les deux très saturés. Ce sont des couleurs incroyablement différentes. La seule façon d' harmoniser ces couleurs est de montrer comment elles se déplacent de l'une à l'autre. Et se déplacer à travers les neutres petit à petit est ce donne au spectateur cette action facilement traçable. 3. Peindre avec une palette complémentaire: Bon, alors allons de l'avant et mettons-le pour utiliser et faire un tableau. J' ai un dessin au trait rapide, qui était juste un traçage rapide de ma peinture ici. J'ai fourni ce dessin au trait avec le cours pour que vous puissiez suivre avec moi si vous voulez. Je vais faire de mon mieux pour utiliser des pinceaux que j'ai également fournis avec la classe. J' ai plus de pinceaux que je fournit parce que parfois j' achète des pinceaux à d'autres artistes et bien sûr je ne peux pas vendre. Ce sont ceux qui viennent avec la classe ou les brosses que j'ai faites moi-même. Mais je ferai de mon mieux pour m'en tenir à ça. D'accord. Alors voyons, prenons un pinceau. C' est mon pinceau craie et je devrais probablement vous montrer rapidement mes couches. J' ai la couche de ligne ici définie pour multiplier le mode. Et puis sur le calque en dessous, je n'utiliserai qu'un seul calque. Bien que si ça change, je te le ferai savoir, mais je vais mettre mes couches hors écran parce que maintenant je ne vais utiliser qu'un seul calque. Et là, on va sur cette couche, je vais juste bloquer un peu dans une colonne vertébrale neutre, chaude neutre. Maintenant, je vais évidemment coller deux jaunes parce que j'utilise une palette complémentaire. Je vais m'en tenir aux jaunes et aux violets. Alors que je bloque dans mes neutres, je vais juste mélanger entre les deux. Encore une fois, ce sont des neutres, ce qui signifie qu'ils sont proches du gris. Tu te souviens de ce truc de mur invisible ? Remarquez que je vais essayer de rester dedans. Maintenant. Je suis juste une sorte de dégustation au hasard jaune, violet, je suis peut-être un cheveu et j'ai ce bleu par accident. Je fais de mon mieux pour m'en tenir à ça. Tant que tu penses à la gratuité et à sauter comme ça, tu vas, à mon avis, tu iras bien. Encore une fois, ça supprime les devinettes, non ? Et nous allons développer cette palette de couleurs dans les prochains chapitres, bien sûr aussi. Ok, bien. J' aime commencer ici parce que cela me donne l'occasion de construire à la fois plus sombre et plus léger. Tu n'as pas à faire ça, mais c'est ce que j'aime faire. Laisse-moi passer à un autre pinceau. Ceci est également fourni avec mon ensemble de pinceaux. Je vais bloquer dans des tons d'ombre. Maintenant, laissez-moi m'arrêter une seconde. Je vais décider quelque chose en ce moment. Et c'est tout ce qui est dans la lumière va être frappé par un soleil plus chaud et va donc recevoir les jaunes, et donc tout ce qui est dans l'ombre va recevoir les violets. Le chapitre 2 va être plus à ce sujet. J' ai décidé de commencer ici pour plonger rapidement dans les trucs amusants. Et puis, dans le chapitre 2, nous allons revenir en arrière et faire quelques trucs plus théoriques. De toute façon. Donc quoi que ce soit en lumière, j'ai mon jaune et je vais me ramifier pas C'est fou comme si tu regardais ma peinture et que je goûte ça, c'est assez saturé et ce n'est plus une couleur neutre. Cependant, dans ma peinture ici, je dois établir ce mouvement, ce lien entre le violet et le jaune, non ? Je ne vais pas y aller et peindre ça. C' est aussi, c'est trop rapide pour être prématuré. Je vais commencer ici en neutres. Maintenant, ma valeur va être la lumière parce que c'est la lumière du soleil. Mais je vais juste me bloquer et voir à quel point je fais ça rapidement. C' est, c'est comme comment tu peindrais un peu rapidement étudier une clé de couleur, quelque chose comme ça. C' est aussi comme ça que j'allais peindre, une peinture parfaitement finie. Je commencerais très lâche comme ça et puis juste serrer comme je vais. Mais en ce moment, j'essaie juste de trouver la lumière. Au fait, la lumière vient du haut à droite. C' est pourquoi l'ombre ici est jetée par ce mur, jetant une ombre ici. Donc la lumière vient de cette façon. Et donc ça va frapper beaucoup de ces arbres, ces escaliers. Oh, désolé, j'ai été accidentellement échantillonné les mauvais jaunes. Gardez-le neutre. Gardez-le neutre parce qu'alors nous pouvons construire à partir de lui. Je vais goûter mon violet neutre ici et juste intégrer. Évidemment, ces arbres jettent des ombres. Donc je vais juste peindre dans certaines de ces ombres. Et maintenant, passons rapidement les engrenages à ce violet. Je vais lui donner un peu plus de saturation, mais toujours dans la gamme neutre. Juste pour établir un peu plus, encore une fois, un peu plus de couleur que nous allons. Je suis, tant que je suis dans les neutres, je ne peux presque pas faire de mal de gars parce que c'est là, le lien est là, le lien est intégré. Je peux même mettre certains de ces violets dans les arbres. Maintenant, faites attention à ce que votre valeur soit correcte. C' est là que je dois parler un peu des valeurs. Mes arbres sont, si vous regardez la lumière contre l'obscurité, mes arbres sont à peu près ici. La lumière du soleil frappe ces arbres. Si je mets ce violet ici, c'est la mauvaise valeur. Si vous avez la mauvaise valeur, c'est aussi la mauvaise couleur. La valeur l'emporte sur la couleur. Cependant, si j'ai ce violet, qui devrait être ici, et je reçois la bonne valeur, ce qui est très similaire envers les jaunes était que je peux mettre ce violet dedans et la valeur sage, Ça aura l'air OK. Et parce que c'est neutre, y a des chances que ça ait l'air bien, colorisé aussi. Et puis vous pouvez goûter les résultats comme j'ai mélangé ce violet avec le jaune et vous pouvez un peu goûter le résultat ici et peindre avec ça. C' est tout à fait valable. Mélanger les couleurs sur la toile comme ceci est en fait comment j'obtiens la plupart de ma couleur. Je commence par choisir des couleurs, mais ensuite j'échantillonne généralement ce qu'il y a sur la toile. peu comme comment un peintre à l'huile choisirait les couleurs de son palais. Ils mélangent les couleurs, travaillent avec les couleurs de votre palette. Et tout d'un coup leur palais est ce smorgasbord de couleurs qu'ils peuvent plonger quand ils veulent. J' ai l'impression que la peinture numérique est comme une palette interactive. Très bien, je vais travailler pour élargir mes valeurs. Saute dans ces violets. Et passons à une valeur plus profonde. Laisse-moi prendre une brosse à air, que j'ai ici. Ce fond est évidemment assez sombre. Je pense un peu à une sorte de 3 sur toutes les valeurs. Vous avez cette valeur sombre en arrière-plan à cette valeur d'ombre pour les arbres, les escaliers et le temple aussi. Donc, ce sont deux valeurs, puis la valeur de lumière pour l'arbre. Donc, trois groupes globaux, évidemment, il y aura peu de changements au sein de ces groupes, mais ce sont mes groupes globaux que je veux rester séparés qui aideront ce tableau à lire. Donc quelque chose ici est mon schéma de valeur globale. Prenons juste un pinceau marqueur, qui vient encore avec ma classe. Et nous ramifions un peu sur ces violets. Allons mettre ce toit. Et je vais avoir une définition ici avec l'ombre sous le toit. C' est un fait ce n'est pas une ombre. C' est une occlusion ambiante, cette obscurité ici. Ce n'est pas une ombre, c'est simplement la partie la plus sombre d'une ombre. Tout ça est dans l'ombre. L' occlusion ambiante est l'endroit où la lumière ambiante est bloquée ou occlusive. Par conséquent, il devient encore plus sombre. D' accord. Continuons ici. D' accord, quelques violets de plus qui travaillent là dedans. Cela peut être le bon moment pour saisir mes couches et juste diminuer l'opacité un peu sur mes lignes. Je n'ai pas besoin de les voir. Voyez quand vous avez une opacité à 100 % sur vos lignes. Les lignes dominent le tableau. Si vous enlevez les lignes, soudainement comme si je pouvais vraiment commencer à voir la forme picturale passer à travers. La peinture est ce qui me communique ici. Quand j'ai les lignes sur, ce sont les lignes qui communiquent le plus, comme les lignes du plus fort. Donc je vais juste diminuer la saturation. Je ne suis pas prêt à éteindre complètement les lignes. Pourtant. Une autre façon de le faire est de faire un calque sur vos lignes et simplement peindre sur vos lignes. Mais dans ce cas, je vais diminuer l'opacité. Jetez la fenêtre Calques hors de l'écran car vous n'avez pas vraiment besoin de la voir en ce moment. Une chose que je fais généralement en peinture, c'est que je choisis une zone. Habituellement, c'est le point focal dans ce cas, c'est le temple. Et je l'amène à un degré plus élevé de finition. Peut-être pas complètement fini, mais juste un degré de finition plus élevé. Alors que c'est un peu comme me fournit un peu d'inspiration en tant que peintre pour voir ce marche et ensuite cela laisse inspirer le reste de la pièce. C' est ce que je fais ici. Même si le temple est enveloppé dans l'ombre, je pense que c'est un peu un point focal. Après tout, vous êtes, le genre de peinture conduit votre œil directement jusqu'à lui. Tu sais ce que je vais faire ici ? Je vais prendre mon dessin et effacer le temple. Encore une fois, se débarrasser des lignes. Parce que je veux que la peinture fasse tout ce qui se passe ici. Je n'ai pas besoin de ces lignes, surtout je n'ai pas la référence à si je voulais me référer à la forme de celui-ci, je peux juste regarder la référence. Il est bénéfique de se débarrasser de ces lignes dès que possible. Et c'est en supposant, bien sûr, que vous voulez un look peint à vos affaires. D' accord. Allons obtenir un gris, violet. Et ce que ce gris fera, c'est qu'il commencera presque à ressembler au jaune. Et je peux, parce que ce sont des couleurs très neutres, je peux rebondir des violets aux jaunes et juste construire l'illusion de, vous savez, ce matériau de toit ondulé ou texturé. Et c'est, il n'a pas l'air violet ou jaune est un peu un mélange et c'est le, c'est l'autre beau truc à propos des neutres. Ils ne tiennent pas vraiment leur identité comme des teintes comme lorsque vous travaillez avec un violet neutre, il n'a pas vraiment l'air violet parce que c'est si grade. C' est un caméléon. Il adopte les autres couleurs qui sont à côté de lui. Et encore une fois, il s'harmonise. Tu peux voir ce lien. Je construis juste quelques valeurs différentes de ce violet ici. J' ai un peu, tu sais, des petits moments forts, un petit aperçu de la lumière. Et revenons dans les jaunes. Ok, laisse-moi accélérer un peu ici. Faisons entrer les portes un peu rugueuses. Et commençons à travailler sur certains de ces arbres aussi. Vous pouvez voir ce que je veux dire quand je dis un niveau de finition plus élevé que je cherche autour du point focal. Cette région du temple ressemble maintenant à quelque chose. Peut-être. Je veux dire, c'est assez fini pour une touche de couleur, bien que je veuille y ajouter plus de couleur, ce qui est tout le but de cet exercice en ce moment, les choses existent encore dans la gamme neutre, ce qui est un bon début . C' est là que vous voulez être car cela fait votre palette de couleurs commence immédiatement à fonctionner. Mais alors ce que je n'ai pas encore dit, c'est à partir de là que vous pouvez construire la saturation. Et encore une fois, c'est ainsi que vous pouvez lier entre des couleurs intenses qui sont complètement différentes, dans ce cas, complètement gratuites. Alors continuons à travailler ici. J' ai ma texture, mon pinceau huileux. Je ne me souviens pas de ce que cette brosse s'appelle car je ne vois que les vignettes graphiques et ma boîte de brosse ici. Brush box, soit dit en passant, est un plugin tiers pour Photoshop. Je crois que c'est comme 7$. C' est très bon marché et c'est génial. Je préfère la boîte à pinceaux aux photoshops, navigateur de pinceau natif. Continuons à travailler ici et obtenons un violet plus profond, légèrement plus coloré. Et commençons à travailler sur l'ombre coulée qui descend les escaliers. Je vais chercher mon bon vieux pinceau rond pour ça. C' est la brosse ronde avec des bords humides, que je peins avec beaucoup. 60 % du temps. Je peins avec ce pinceau. J' ai adoré la brosse ronde et j'aimerais activer l'option bords mouillés, qui est à nouveau inclus dans mon pack de pinceaux. Si vous avez un logiciel qui ne supporte pas mon pack de pinceaux, comme dire que vous travaillez dans, je ne sais pas, Krita ou quelque chose qui ne peut pas importer les pinceaux Photoshop autant que je sache. Ne vous inquiétez pas pour ça. Vous pouvez trouver des pinceaux qui sont très similaires. Aucun de mes pinceaux n'est spécial. Je n'ai pas fou oh, j'ai des brosses texturées folles, mais je ne les utilise presque jamais comme si j'avais un pinceau comme ça, qui ne vient pas avec mon pack parce que j'ai téléchargé ça d'autres artistes, comme regarder ça folie. Je n'utilise presque jamais ça. Ça pourrait être bon pour les petits bardeaux ou quelque chose ici, vous savez, obtenir de petits soupçons de texture, mais ce n'est pas ce que vous devriez vous inquiéter la plupart du temps, j'utilise des pinceaux très simples, comme le brosse ronde, car il me donne la possibilité de contrôler mon dessin. Dessin signifiant les formes et, bien sûr, les valeurs qui se rattachent à ces formes. Et puis par extension, les couleurs qui se branchent dans ces valeurs et rasent, qui est ce que cette classe est tout au sujet, ces couleurs. Je vais aller dans mes jaunes maintenant, augmenter la saturation. Regarde où je suis au-delà des neutres maintenant. Aussi, je vais complètement tuer mon dessin au trait. Il y a mon dessin au trait, boum, mort. Et je suis de retour sur une couche. Et regarde ça. La peinture prend instantanément vie en tant que peinture. C' est ce que je veux dire quand je dis que les lignes fonctionnent contre vous. Avec assez de temps, la peinture devrait être en train de parler. Maintenant, c'est en supposant que vous voulez que la peinture fasse le discours et la finale. Si vous êtes à la recherche d'un style hybride de linéaire plutôt que de payer un peintre, alors évidemment vous voulez gérer cela différemment. Mais en tant que peintre moi-même, c'est ainsi que je l'aborde. Je vais entrer dans des violets plus saturés ici. Regardez cela et regardez que c'est une qualité qui se produit lorsque vous commencez à ajouter de la saturation à vos neutres. Je ne sais pas comment le décrire. C' est un sentiment pour moi. C' est, j'ai entendu des artistes l'appeler comme si les couleurs avaient l'impression de chanter. Je ne sais pas, pour moi cela a du sens, même si je ne comprends pas tout à fait pourquoi cela a du sens, mais ça a l'impression que ces couleurs, elles ont une maison ou quelque chose comme ça. Les couleurs saturées ont plus d'une maison lorsque vous construisez à eux. Et encore une fois, quand nous parlons de mouvement des couleurs, construire à ceux qui passent des couleurs désaturées, couleurs trop saturées rendront vraiment, vraiment ces couleurs vibrantes et harmonisées. Et toutes ces fêtes, quelques termes artistiques qui signifient vraiment des résultats esthétiquement agréables. 4. Créer la couleur et la terminer de la peinture: En parlant de résultats esthétiquement agréables, laissez-moi vous montrer un peu d'un bout de couches ici. Apportez-le et nouveau calque, définissez-le en mode esquive linéaire, que n'importe quelle application de peinture aura. Parfois ça peut être appelé lueur, mais Linear Dodge, je pense qu'il est appelé dans la plupart des cas, juste prendre un aérographe. C' est juste un aérographe par défaut de base, aérographe doux. Choisissez ma couleur jaune quelque part ici dans Photoshop avec le mode esquive linéaire, vous devez choisir une couleur foncée, mais c'est fondamentalement, vous pouvez peindre de la lumière, nous allons saturer cela un peu plus et augmenter la valeur de bit. Dis qu'on y va, quelque chose comme ça. Si je veux un moyen rapide d'augmenter la saturation, je vais frapper la scène avec cette couche d'esquive linéaire. Et allons-y un peu. On y va, quelque chose comme ça. Maintenant, je ne veux pas être complètement saturé comme ça, même si je pourrais le faire. Mais ajoutons-le un peu et voyons comment ça saigne dans l'ombre ici. Comme dans cette zone ici, quand je l'ajoute à la lumière, c'est une sorte de saignement dans l'ombre. C' est un regard agréable. Et nous allons probablement parler de quelque chose de similaire à ça dans les prochains chapitres de cette classe. Mais amenons ça pour frapper le mur. Je pourrais même faire une sélection ici, en sélectionnant la face latérale du mur. Et on va couper les escaliers qui n'ont pas besoin d'être trop précis. Et je vais pousser Control H pour cacher cette sélection pour que je puisse voir ce qui se passe ici. Peut-être qu'il suffit de le frapper. Oups. Frappe un peu plus au hasard. Tu entends mon stylo fléchir, non ? Désélectionnez cela et continuez à travailler dessus. Il met un peu plus de ces jaunes ici. Et puis je pourrais faire la même chose avec les violets, au fait, même s'il y a une ombre, je ne veux pas faire complètement cette lumière, mais je peux juste frapper un peu. Dans ce cas, je pourrais sélectionner le plan supérieur du mur, qui serait exposé à une lumière plus réfléchie. Nous allons en parler plus au chapitre 2. Lumière réfléchie, lumière directe, des choses comme ça. Alors attendons avec impatience le chapitre deux. J' aime quand j'ai la sélection des fourmis en marche ici dans Photoshop, j'aime les cacher avec juste Control H. Et puis je peux évaluer à quoi ressemble ma peinture réelle. Cette sélection qu'il obtient souvent dans le chemin visuellement. Et il y a une sorte d'avant et d'après. Et c'est cool. Fusionnez-les dans Photoshop. C' est Control E pour fusionner. Et vous voyez que j'ai des zones transparentes de ma peinture. Je vais juste dupliquer le calque et le fusionner. Ce genre de fait que la peinture couvre la toile à 100 pour cent. Allons à mes jaunes, allant au jaune foncé profondément saturé. Retournons à ma brosse grasse ici et continuons à travailler sur ces ombres d'arbres. Vous avez remarqué que ma peinture actuelle a quelques couleurs en elle que la palette complémentaire. Comme je l'ai échantillonné il y a quelques minutes, vous avez vu que c'était gratuit, dans mon étude ici, je le rends entièrement gratuit, moins au mieux de mes capacités. Je ne ramasse que les jaunes et les violets. Mais c'est un excellent moyen, simple, sortir toutes les conjectures de vos choix de couleurs et de vous assurer que vous comprenez comment ces couleurs se déplacent. Rappelez-vous, en arrière-plan, qui est fondamentalement tout violet en ce moment ces arbres regardent ce qui se passe quand vous construisez un peu de ce jaune. Ça commence, ça commence à s'harmoniser, vit ensemble. Eh bien, maintenant une partie de cela est que ma valeur est correcte. C' est une valeur sombre, donc je m'assure aussi que mon jaune est aussi sombre. Mais c'est ainsi que ces couleurs peuvent fonctionner. Ils sont construits sur des neutres et je peux aller pleine, presque pleine saturation, bien que j'appuie légèrement sur la tablette, parce que je le construis dans les neutres. Ici. Je le fais un peu sur le toit. Laissez-moi zoomer un peu sur ce tableau. Juste comme ça. Je le garde exprès comme ça, en partie parce que c'est comme ça que je peins. Je ne fais presque jamais ça. Je ne suis presque jamais là-dedans à faire ça avec ma peinture. Au fait, si je travaille sur une peinture hyper détaillée, peut-être que je le ferai à la fin. Mais si je fais une petite étude de couleur comme ça, je n'ai jamais zoomé. C' est presque une règle que j'ai pour moi-même. Aussi proche que j'en sois venu à une règle, c'est que je ne zoomes jamais sur les choses. Il s'adapte au style artistique. Évidemment, si vous peignez à nouveau quelque chose d'hyper-réaliste, alors vous voudrez probablement zoomer. Mais en ce qui concerne cette classe, il n'y aura probablement jamais de bonne raison de zoomer. Gardez les choses lisibles à distance. C' est une compétence. Cela fait partie d' une compétence picturale, c'est de garder les choses lisibles à distance. Si elle est lisible à distance, vous pouvez zoomer toute la journée et l'adoucir. Mais si vous effectuez un zoom avant et commencez à peindre tout de suite, il sera très difficile pour vous de garder les choses lisibles à distance. L' outil de taches ici est un outil que j'utilise beaucoup. J' aimerais activer le mode de peinture des doigts ici et ma force est réglée à 95. Parfois, c'est un peu plus bas, 92 peut-être. Utilisez simplement cette brosse plate. Maintenant cette brosse que je ne peux malheureusement pas partager parce que je l'ai acheté à Kyle brush. Encore une fois, si vous avez un abonnement Adobe, vous pouvez simplement vous connecter et télécharger les pinceaux de Kyle Webster. Et je crois que ces pinceaux dans son kit impasto sont juste une brosse plate cependant. C' est juste un, ce n'est rien de spécial fou. Il semble juste fonctionner comme un outil de salissure. Mais vous savez, vous pouvez utiliser n'importe quel pinceau de votre collection comme un outil anti-taches. Et je vous encourage à jouer avec. C' est juste un pinceau que je trouve. Je reviens à beaucoup. Donc on travaille à ça. Ça ne va pas, je ne vais pas finir ce tableau au même niveau que celui-ci dans cette démonstration, parce qu'après tout, on parle de couleur ici. Mais je ne l'ai pas fait, je ne suis pas encore arrivé au point où je sens qu'il est pleinement communicant. Le point. Bien que je suis sûr que le point émerge ici sur la façon dont la couleur se déplace dans mes jaunes brillants. Regarde à quel point c'est saturé. Ils ne sont plus neutres. Juste construire ces couleurs saturées est revenu à un pinceau ici. En fait, revenons à ce pinceau. Donc, je n'utilise que des pinceaux. Partage dans mon kit de pinceaux. Ce plan du mur devrait être dans l'ombre, donc je vais goûter une ombre et la ramener. Je vais aussi avoir des ombres profondes ici pour commencer à sortir certains de ces arbres. C' est là que je vais obtenir une brosse multiplier, qui est celle-là. Encore une fois, je l'ai partagé avec la classe. C' est le pinceau rond, désolé pour celui-là, le pinceau rond réglé pour multiplier le mode. Donc multiplier le mode du mode d'assombrissement. Vous pouvez voir le pinceau ici, il est réglé sur le mode multiplicateur. Et avec cette brosse, je jetterai certains de ces plans avant de l'escalier, qui se sépareront en valeur des plans supérieurs. Je ferai les meilleurs avions dans un instant. Ce plan supérieur devrait avoir un peu plus de lumière réfléchie. Mais dans ce cas, je vais passer au jaune aussi, juste pour vous montrer que la couleur n'a vraiment pas d'importance à ce stade, nous avons construit le palais assez pour communiquer au public comment cette couleur se déplace l'une de l'autre. Vous savez comment les couleurs de cette palette communiquent comment elles se déplacent. À ce stade, il est presque un libre pour toutes les couleurs sera le moindre de vos problèmes maintenant. Et c'est à quel point c'est puissant. C' est pourquoi, au début de ce chapitre, j'ai dit que c'est la chose la plus fondamentale vous devez comprendre sur les couleurs, comment elles bougent. Plus tard, tard, dans les chapitres suivants de cette classe, nous allons entrer dans des palettes plus étendues, bien sûr, mais alerte spoiler, les principes sont les mêmes. La seule chose qui devient plus difficile à traiter avec plus de couleurs est que vous avez juste à appliquer beaucoup plus de surveillance quand il s'agit d'inclure plus de couleurs dans votre peinture. Comme nous le découvrirons, vous ne pouvez pas coller une couleur quelque part et qu'elle n'existe nulle part ailleurs. Ça aura l'air bizarre. Et puis placer la palette complémentaire est agréable parce que vous n'avez que deux couleurs, donc c'est presque par défaut que vous les incluez assez dans votre peinture parce que vous n'avez qu'à écrire, suffit de passer d'avant en arrière entre le Deux et tu iras bien quand tu auras plus de couleurs, ça devient plus difficile, mais je ne veux pas me devancer. On y arrivera. Désolé, Photoshop parfois comme quand je goûte des choses, ça me donne ce rouge bizarre. Je fais de mon mieux pour me souvenir de revenir au violet. Photoshop ne sait pas que j'utilise une palette complémentaire. Donc, parfois, j'ai eu un gentiment rappelé. Alors on y va. Revenons aux jaunes et construisons dans certains juste augmenter ce pourpre en gribouillant ou en grillant dans une partie de cette couleur différente, le violet, désolé, le jaune. Et vous voyez ces petites éclaboussures de lumière qui le frappent. Pourquoi ne pas faire ça avec Linear Dodge ? J' ai des pinceaux ici. Celui-ci est réglé sur Linear Dodge ici. Encore une fois, c'est la même chose que de créer un calque et de le définir sur Dodge linéaire. Mais je veux que ces petites tranches de lumière viennent à travers les arbres. Cela aide toujours à rendre les choses crédible, comme si vous étiez dans un environnement rempli de feuillage. Vous pouvez utiliser n'importe quel pinceau avec esquive linéaire. Juste pour le plaisir, je vais passer à cette brosse et je dois aller ici, passer à Linear Dodge. Et voyons si nous pouvons continuer à construire ce patchwork de lumière. Ouais, juste pendant que je fais ça. Quand j'ai commencé à apprendre la couleur, c'est un exercice que j'ai conçu pour moi-même beaucoup de travail dans des palettes très limitées comme cette palette complémentaire pour commencer. Et l'autre chose que je ferais, c'est que j' orchesterais la source de lumière pour être très artistique. Disons que c'est une source de lumière très pratique. Il ne brille que dans cette zone du tableau. Et inversement, tout cela est dans l'ombre. C' est un choix très conscient parce que non seulement je simplifie maintenant la couleur, je simplifie aussi le motif de la lumière et l'ombre est juste deux formes, comme la peinture est comme divisée presque en deux. Peut-être pas le meilleur choix de composition, mais du point de vue de l'apprentissage, très, très pratique. Ok, laissez-moi sortir du mode esquive linéaire et savoir quoi. Laissez-moi revenir en mode Esquive linéaire, en mode superposition. Et prends ça. Ouais, je veux qu'un peu de cette lumière se répande dans l'ombre. Nous allons en parler dans un prochain chapitre de cette classe. Le premier chapitre a des choses importantes bien sûr, mais j'utilise aussi des choses que je vais expliquer plus tard. La peinture, c'est que je fais de mon mieux pour la séparer en chapitres digestes, mais comme tu ne peux pas tout enlever en même temps. Comme si je devais faire des choses dont je n'avais pas encore parlé, mais je promets d'en parler. Mais je fais de mon mieux pour m'en tenir à l'accent du chapitre 1. Je vais changer ce pinceau maintenant en mode multiplicateur, qui est encore une fois un mode d'assombrissement. Et juste dans un, utilisez-le pour sortir certaines des ombres que j'ai perdues dans le processus. Je veux zoomer plus maintenant. Une autre chose qui nous aide à retourner le canevas dans Photoshop, vous pouvez le retourner avec Image, Rotation d' image, Flip Horizontal. Et maintenant, nous pouvons voir de petites formes malheureuses comme juste, juste la nature de comment revenir au mode normal, juste la nature de la façon dont les lobes temporels veulent juste redessiner certaines de ces formes, qui n'a rien à voir avec la couleur. Je parle de formes maintenant. Les couleurs sont fines. Les couleurs sont bonnes à aller. Ce qui est une bonne nouvelle. Remarquez que les arbres ont presque l'air vert dans l'ombre, mais je n'ai pas utilisé de vert. J' ai utilisé ce grade jaune et il a l'air vert. C' est une sorte de truc magique à propos de la couleur. Cela m'étonne encore toutes ces années plus tard, depuis que j'ai commencé à étudier. C' est incroyable pour moi comment couleur dans le contexte peut paraître plus grande que les couleurs que vous avez réellement utilisées. Cette image ne ressemble pas nécessairement au jaune et au violet, bien que vous pouvez certainement renifler la palette gratuite ici, palettes complémentaires sont très basiques, mais les couleurs commencent encore à avoir des identités. Au-delà de ça, je pourrais creuser quelques petits trous de ciel ici. Le ciel sera comme ce ton maudit. Ce n'est pas dans la peinture originale vraiment. Je vais fouiller certains de ces petits trous de ciel et ensuite ce que cela pourrait me permettre de faire, essayer de les garder variés pour l'intérêt. Et cela pourrait me permettre, cela pourrait justifier certaines de ces petites lumières et glandes sur le temple. Cela pourrait même être une légère amélioration par rapport à l'original. J' ai un violet très clair ici. C' est la mauvaise valeur pour cette zone. Voir c'est beaucoup trop léger, mais si j'appuie légèrement sur ma tablette, Photoshop va le mélanger pour moi et ensuite je peux échantillonner le résultat et peindre que dans le raccourci général pour l'échantillonnage est ALT. Et c'est vrai dans la plupart des applications de peinture. Votre application peut différer, mais essayez Alt pour ceux d'entre vous qui débutent dans la peinture numérique. Ok, à ce stade, j'ai l'impression qu'il est temps de commencer à accélérer la vidéo parce que je veux rendre la peinture un peu plus complète qu'elle ne l'est. Mais en même temps, j'ai l'impression d'avoir déjà expliqué le point du Chapitre 1. Donc il n'y a plus besoin de me voir peindre en temps réel. Cependant, avant de le faire, je voudrais juste souligner ce que nous avons fait ici comme un résumé. Si j'ai échantillonné regarder le sélecteur de couleurs ici, je vais le redimensionner pour que vous puissiez vraiment le voir. Si je commence à échantillonner les couleurs, regardez comme elles sont neutres, juste là, surtout dans les neutres. Encore une fois, c'est ainsi que les couleurs sont liées. C' est très facile ce violet, parce qu'il est si proche du gris. Cela signifie aussi que c'est si proche de ce jaune, donc c'est comme ça que vous les liez, non ? Et une fois que vous aurez cette fondation, vous pourrez commencer à vous ramifier comme je suis ici. J' ai divers degrés de non-neutre. Encore une fois, ce mur neutre se termine ici. Et tout ce qui est en dehors de ça est que je considérerais beaucoup plus saturé. Donc, je n'ai jamais vraiment le toit de la saturation, mais à ce stade de la peinture, je peux, je suis libre de le faire. Je peux avoir ces jaunes très saturés. Sois prudent quand tu fais ça. Pensez-y comme de l'argent que vous pouvez dépenser. Vous n'en avez qu'une quantité finie. Tu ne veux pas qu'ils soient saturés. Le jaune est partout parce qu'alors il va commencer à se battre contre vos neutres trop de jaune saturé, si nous allons un peu faire faillite votre peinture, en avoir dépensé trop. Mais les neutres pensent que c'est comme de l'argent illimité. Vous ne pouvez jamais utiliser trop de neutres. Maintenant, le revers de cela est, si vous utilisez beaucoup de neutres, votre peinture aura l'air assez grise, mais cela fonctionnera toujours. Si vous utilisez des tonnes de saturation, votre peinture ne fonctionnera plus parce que c'est le cas, il n'y a plus de lien. Ce lien entre les couleurs est détruit, les mouvements ont disparu. Donc, avec ce résumé à l'esprit, accélérons la vidéo et finissons ce truc. Maintenant que vous me regardez travailler ici, je veux relier cela à quelque chose que j'ai expliqué plus tôt dans ce chapitre. Rappelez-vous comment les jaunes occupaient une plus petite gamme que les violets. C' est quelque chose que vous pouvez construire à mesure que vous allez. Même si j'ai commencé avec des jaunes plutôt neutres, bien, très neutres. Comme j'ajoute de la lumière et ajoute cet effet de ce soleil fort, je vais essayer délibérément de pousser la saturation sur les jaunes plus que je ne pousse la saturation sur les violets. Ainsi, les pourpres conserveront une plus grande partie de la gamme et les jaunes auront une plage plus étroite, et cette plage plus étroite sera plus saturée. Ce genre de rapport avec ce que je l'ai dit il y a quelques minutes à propos du fait que toute votre peinture reste neutre. Si tu fais ça, ça marchera. Ça va lire, mais ce sera un peu trop gris, un peu trop terne, qui évidemment parfois vous voulez dans ce tableau, je ne veux pas qu'il soit terne. Je veux que ce soleil soit très chaud et accueillant. Donc souvent cela demande plus de saturation. Mais pour équilibrer cela, votre couleur opposée, dans ce cas, le violet, vos contrepoints doivent être introduits, régné en plus. Donc vous avez ce genre de plage que nous regardons sur l'écran en ce moment dans le coin là-bas. Maintenant, ce n'est pas une règle ou quoi que ce soit. Vous pouvez inverser cela et favoriser la saturation pour être dans l'ombre comme dans la gamme pourpre. Dans ce cas, j'aurais pu le faire. Il aurait juste produit un champ différent, mais cela aurait fonctionné selon le domaine que vous voulez est où vous allez. En outre, vous pourriez également les favoriser, comme avoir votre saturation existe également dans les violets et les jaunes. fonctionnera aussi longtemps que vous avez les neutres là pour produire ce mouvement de couleur, pour donner au spectateur ce lien entre la façon dont les deux couleurs communiquent et la façon dont elles fusionnent de l'une à l'autre. Vous pouvez absolument pousser la saturation pourpre aussi dur que le jaune. J' ai tendance à ne pas faire cela, mais non seulement dans ce cas, mais dans la plupart des cas, j'ai tendance à ne pas aller comme ça parce que c'est un mot un peu dur. Mais si quelque chose de désespéré à ce sujet, il y a quelque chose qui semble que vous essayez vraiment de couleur et ça ne se détache pas toujours bien. J' essaie de favoriser la saturation dans une couleur ou l'autre. Et je suis assez clair à ce sujet au moins dans mon esprit, un peu dès le début. Parfois, vous explorez cela dans la peinture elle-même, comme vous faites une nouvelle couche et essayez. Évidemment, avec le numérique, c'est non destructif, non ? Il suffit de créer un nouveau calque et de l'essayer. n'y a pas de risque et puis voir si ça marche ou non. Donc je le fais parfois, mais dans d'autres moments comme celui-ci, je me demande habituellement, où est la lumière dans l'image ? Et cela aura généralement le plus de saturation. Surtout si c'est comme un soleil de fin d'après-midi comme celui-ci, qui est par nature, très saturé même dans la vraie vie. Donc la réponse était là pour moi dans celui-ci. Mais là encore, il n'y a pas de bien ou de mal. C' est à vous d'expérimenter. Le principe auquel je veux que vous adgiez, c'est cette idée de construire le mouvement des couleurs à travers les neutres d'abord, puis d'ajouter la saturation. C' est un principe de couleur qui fonctionnera quel que soit votre sujet, quel que soit votre éclairage. Mais ce n'est pas non plus une formule parce que vous pouvez produire des variétés infinies de résultats avec elle. Très bien, il y a ma dernière peinture réussie, je pense, basée sur des fondations de couleurs simples mais efficaces. Nous allons maintenant plonger dans une conversation chaleureuse et cool dans le chapitre 2. 5. Théorie de la température des couleurs - Warm et de Theory: Bienvenue au chapitre 2, où nous allons entrer dans les tranchées avec la température de couleur. C' est la mère de toutes les théories des couleurs. Tu dois comprendre ça. Si vous comprenez cela, vous pouvez peindre avec de la couleur. Nous allons gagner beaucoup de choses fondamentales dans ce chapitre, nous aurons une meilleure compréhension de la façon dont les couleurs se déplacent. C' est en partant du chapitre 1, nous allons explorer plus avant l'idée du mouvement des couleurs, une compréhension de la façon dont la lumière influence même les bruits de couleur. Les raisons fortes de nos choix de couleurs et de notre appréciation de la nature sont la théorie des couleurs. Comment la couleur fonctionne dans la vraie vie, un système de couleur que nous pouvons exagérer à des fins artistiques. Et parce que la valeur fait toujours partie de la conversation, développera un lien important entre la couleur et la lumière et l'ombre. Bon, donc quelque chose que tout le monde, même ma fille de 18 mois sait sur la couleur, ce sont les noms de couleur. Rouge, jaune, vert, orange, bleu. Ils sont aussi appelés hughes. C' est bien de connaître ces noms bien sûr, mais ils ne sont pas très utiles. La raison pour laquelle ils ne sont pas très utiles, c'est qu'ils ne nous disent rien sur la température de cette couleur. Quand je dis la température, je parle de savoir si une couleur est plus chaude ou plus froide dans son contexte. Voici donc un exemple de contexte à lire des échantillons. sont tous les deux rouges, mais ils ne sont pas les mêmes rouges. Ainsi, l'utilité du mot rouge atteint immédiatement sa limite. Il ne peut pas différencier ces deux échantillons, mais nos yeux le peuvent. Je vous suggère que ce rouge est le plus chaud des deux. Donc voici une roue de couleur différente. Eh bien, c'est la même roue de couleur sauf celle-ci nous montre seulement Hughes et pas différents niveaux de gris et de saturation. Et si la couleur est toujours en mouvement, j'aime penser qu'il y a deux arrêts de train sur cette roue de couleur, l'arrêt chaud, qui est cette gamme ici, et l'arrêt cool, qui est cette gamme du côté opposé. Tout ce qu'il y a entre ces couleurs, je pense juste comme des voies de train entre ces deux arrêts. Donc la couleur se déplace autour de cette roue de couleur. Et en tant que peintres, nous devons suivre de quelle façon ça va. Voici une liste de quelques teintes basiques. Encore une fois, rouge, jaune, vert, bleu. Sur le côté gauche, je vais montrer ces couleurs en transition vers les températures de couleur plus chaudes. Et du côté droit, je vais montrer ces couleurs et la transition vers les températures plus fraîches. Donc, en commençant par les réchauffements, comme chaque couleur se déplace vers la partie chaude de la roue de couleur. Regardons comment, à mesure que chaque couleur devient plus chaude, comment elle est tirée vers la partie chaude de la roue de couleur, en commençant par le rouge. Rouge va voyager à travers les oranges pour être dans la partie chaude de la roue de couleur. Ainsi, vous pouvez voir dans la section rouge en haut, vous pouvez voir comment le rouge glisse lentement dans l'orange. Ok, alors quand on dit un rouge plus chaud, c'est quelque part dans cette gamme. Ok, alors regarde le jaune. Pour que le jaune reste chaud, il faut aussi aller vers les oranges. Ainsi, vous pouvez voir que le jaune lentement n'est pas un processus de glissement vers l'orange, qui, bien sûr, glisse ensuite vers la lecture. Et c'est l'extrémité la plus chaude du spectre jaune. Maintenant, regarde le vert. Maintenant, on s'éloigne un peu des réchauffeurs. Green est quelque part au milieu, non ? Donc, pour que le vert aille vers les réchauffeurs, il va passer à travers le jaune puis l'orange, non ? Ça va aller dans cette direction. Les verts sont donc plus chauds car ils jaunissent. Maintenant avec le bleu, le bleu est intéressant parce qu'il est de l'autre côté. Pour que le bleu se réchauffe, il doit traverser toute la roue de couleur, non ? Mais par quel chemin va-t-il aller ? Je dirais qu'il va aller dans la zone qui le prend en rouge le plus rapidement. Donc ça ne va pas passer par les verts. Je dirais que ça va passer par les violets. Il va aller dans cette direction parce que les violets sont influencés par le rouge et le rouge est un stéréotypiquement chaud couleurs que nous avons établi. Donc, pour moi, un bleu peut se réchauffer en voyageant à travers les violets, puis les magentas, et bien sûr c'est dans les rouges. Ok, maintenant regardons les températures plus fraîches. Et bien sûr, juste la direction opposée se produit. Le rouge glisse loin des oranges et donc il pénètre dans l'extrémité pourpre du rouge. Donc, quand je dis rouge plus frais, je vais généralement parler de rouges qui sont sur le côté violet des rouges, jaunes. La même chose va aller de l'autre côté. Ça va aller vers les verts, qui se déplace dans les bleus, non ? Ainsi, un jaune peut commencer à devenir plus vert à mesure qu'il devient plus frais. Et un vert va devenir plus bluffant. Et un bleu va probablement aller, eh bien, si je dis qu'un blues va se réchauffer en voyageant dans les familles violettes, il va se refroidir en allant de l'autre côté. Donc ça va aller dans les familles turquoise et cyan. Donc, le plat à emporter ici est chaque fois que vous utilisez un nom de couleur, sa teinte , rouge, jaune, vert, bleu, vous devez le précéder d'un modificateur. Est-ce un rouge chaud ou un rouge froid ? Vous devez savoir en tant que peintre, dans quelle direction il voyage. Alors maintenant que nous avons le début d'une compréhension de ce que je veux dire par température de couleur, nous pouvons nous poser la question, ce qui motive la température de couleur ? Qu' est-ce qui dit à une couleur quelle façon de se déplacer plus froid ou plus chaud ? La réponse à cela est que c'est dicté par la lumière. Ne vous inquiétez pas, je vais faire une démo pour vous dans une seconde. Mais pour l'instant, tout comme les couleurs peuvent devenir plus chaudes et plus fraîches, les sources de lumière vont aussi être plus chaudes ou plus fraîches par nature. Donc, la première étape de toute étude en couleur. C' est pour déterminer quelle température, les sources de lumière. Et en voici quelques-unes communes. Bien sûr, la lumière du soleil est probablement la source de lumière la plus courante que vous ne peindrez jamais. Cette nuance de couleur, en passant, est juste là pour vous montrer la couleur générale et la température de la lumière, un peu ce chaud comme le jaune et le cas de la lumière du soleil, alors vous avez une ampoule de tungstène, qui est un peu plus orangé. Les ampoules en tungstène sont l'ampoule commune que nous avons probablement autour de votre maison. Lampe de feu, qui est plus rouge, et une bougie qui est en quelque sorte entre orange et rouge. Ensuite, du côté frais, une très commune serait nuageuse ou nuageuse. Si vous pensez juste à une journée nuageuse, les nuages sont comme ce gris aciero-froid. Vous avez des ampoules fluorescentes, ce qui est un peu vert qui s'ajuste sur le bleu. Et puis bien sûr clair de lune, qui est une jolie lumière bleuâtre. Bien sûr, ce n'est pas une liste exhaustive. Il y a beaucoup plus de sources de lumière que cela, mais ce ne sont que quelques sources très courantes que vous vous retrouverez à peindre encore et encore. La prochaine question logique à poser à partir d'ici est, accord, donc je sais quelle est ma source lumineuse. Qu' est-ce que ça me dit ? Il vous indique dans quelle direction, comme dans plus chaud ou plus froid, quelle direction les couleurs vont voyager, dans les familles de lumière et d'ombre, la couleur de la lumière ouvre les vannes pour vous de déterminer quelles autres couleurs vont plausiblement se produire dans votre peinture. Jetons un coup d'oeil à cela dans la pratique. Cette photographie n'est pas une œuvre d'art, mais elle montre une vérité fondamentale sur le fonctionnement températures de couleur dans la lumière du soleil et dans l'ombre. Et je veux vous montrer une méthode très efficace, rapide et facile d'étudier la couleur à partir de photographies qui vous aidera à vous donner quelques informations de première main sur le fonctionnement de la couleur. Donc j'ai l'image dans Photoshop et la raison pour laquelle j'utilise cette image est parce qu'il est très clair ce qui est dans la lumière et ce qui est dans l'ombre, non ? Les ombres sont en train de diviser l'image en deux. Donc, je fais un petit tableau en bas et je commence simplement à échantillonner et avec le pinceau je peins ce que j'échantillonne à partir de la lumière. Dans ce cas, je le peins comme une palette abstraite sous la lumière. Très simple. n'y a pas de pensée impliquée est juste ce que la lumière frappe, qui est très évident dans ce cas, échantillonnez-la et peignez-la sous la catégorie lumière. Et puis dans une seconde, nous allons passer à l' ombre et faire exactement le même exercice. Assurez-vous de prélever un échantillon sur une variété de matériaux. Donc, la roche, les arbres, les échafaudages, le pont, la maçonnerie, comme tout ce qui est sur votre photo, assurez-vous d'obtenir un bon échantillon de tous les matériaux qui sont là dedans. Ensuite, quand vous êtes prêt, vous pouvez aller de l'avant et passer du côté ombre. Et tout comme dans la lumière, s' assure que vous échantillonnez avec précision tout ce que vous pouvez trouver dans l'ombre et placez-le sous la catégorie. Ce n'est pas tout. Nous ne faisons pas encore d'analyse ou de réflexion. Nous échantillonnons simplement les couleurs et les déposons. Et cela va nous donner une base à partir de laquelle observer des schémas potentiels. Et je vais vous montrer à partir d'ici comment vous pouvez glaner beaucoup d'informations précieuses. Donc maintenant, je suis juste occupé. Il y a encore quelques choses dans l'ombre ici, donc je suis juste occupé à échantillonner des arbres différents. Vous savez, les voitures, la route, les rochers et les religions qui poussent sur les rochers et tous ces petits matériaux intéressants qui existent dans l'ombre. Maintenant, je suis pleinement conscient que cette photo est surexposée. Ça n'a pas d'importance. Nous allons toujours pouvoir en tirer des informations utiles. Maintenant que cette étape est terminée, ouvrez une fenêtre de couleur comme celle-ci et vous pouvez l'étaler directement sur la photo. Je me fiche de la photo. Je vais juste commencer à échantillonner à partir de ce que j'ai sélectionné les familles de lumière et d'ombre. Voici quelques verts que j'ai échantillonnés à partir de la lumière. Et maintenant je veux commencer à penser, d'accord, je veux commencer à remarquer où sont ces verts. Avoir quelques applications différentes comme cinq ou six nuances de vert différentes. Et comme je les ai échantillonnés, vous remarquerez que la roue de couleur est coincée dans cette zone. Ok, regarde encore, j'échantillonne des légumes verts en ce moment. Regardez, regardez la boîte de couleur ici. J' échantillonne des légumes verts, et regarde où se trouve la roue de couleur. C' est là, non ? D' accord. Je vais commencer à échantillonner des oranges, comme des saletés ou des bâtons, des brindilles et des trucs. Et vous pouvez voir que les roues de couleur sorte de coincé ici, ok, et les Verts étaient juste ici, est très proche de la roue de couleur jusqu'à présent été coincé ici. Et j'ai échantillonné comme deux ou trois matériaux différents. Maintenant, je vais juste goûter tout dans la lumière. Ok, regarde, regarde ma boîte de couleur et regarde spécifiquement la roue de couleur. Ne regarde même pas tellement là-dedans. Regarde la roue de couleur. Et dans Photoshop C'est une bande de couleur. Mais regarde le, je vais appeler ça une couleur. Nous allons regarder la roue de couleur comme je l'échantillon dans la lumière. Regarde cette couleur. On notera comment c'est coincé. C' est comme épinglé à une petite zone de la roue. Et pas par hasard, cette zone de la roue se trouve être la même zone que j'ai dit plus tôt était responsable de la partie plus chaude de la roue de couleur. Tout est dans cette partie. Droit ? Maintenant. Cela soulève un principe de lumière sur lequel je veux attirer votre attention. La source de lumière sur cette photo est clairement le soudain. Maintenant, l'une des propriétés d'une source de lumière, en particulier celle aussi forte que le soleil, est. En fait, j'aime l'appeler, c' est comme un tyran. Le soleil ou la source de lumière principale veut prendre toutes les couleurs qu'il frappe et il veut que ces couleurs s'y conforment. Il veut tirer les couleurs vers son influence. C' est pourquoi quand j'échantillonne toutes ces couleurs qui sont à la lumière, donc les couleurs qui sont affectées par le soleil. Ils planent tous là où j'ai dit que la couleur du soleil était, qui est ici. Ils planent tous ici. Le soleil a pris toutes ces couleurs de tous les matériaux disparates, non ? Et les a harcelés pour être comme ça, il veut que ce soit comme lui-même. Alors appelons que le principe de l'intimidation, la source de lumière, une fois chaque couleur qu'il frappe pour être plus comme lui-même. Et c'est en fait un principe que vous pouvez appliquer à n'importe quelle source de lumière. Et bien sûr, nous allons faire plus d'études après ça. Mais dans ce cas, le soleil est tellement bruyant qu'il prend des plantes, des feuilles, toits, de l'asphalte, et il adapte tout à son domaine général d'influence. Donc, si nous peignons cette image, chaque couleur du soleil frappe, nous savons quelle direction sur la roue de couleur il va voyager. Ok, alors commençons à échantillonner et la famille des ombres. Et comme avant, j'aimerais que tu jettes un coup d'oeil à la roue de teinte plus que tout. La roue de couleur, comme je l'échantillonne dans l'ombre, je ramasse des matériaux qui étaient comme la rangée de l'asphalte, la pierre, la falaise en arrière-plan. Voici un peu de verdure des arbres en fait, retour sur la route et des trucs comme ça. Et vous remarquerez de façon prévisible peut-être que ces couleurs sont en fait à l'extrémité opposée de la roue de couleur. En d'autres termes, nous sommes la famille la plus cool de couleurs a vécu. Cela illustre une vérité très simple sur la façon dont la lumière interagit avec la température de couleur. Et c'est-à-dire que la lumière chaude produira des ombres plus fraîches. Et comme nous le verrons très bientôt, le contraire est vrai. La lumière froide produit des ombres plus chaudes. Maintenant pourquoi c'est ça ? La raison pour laquelle dans ce cas, lumière plus chaude produit des ombres plus fraîches. C'est simple. C' est parce que la lumière et l'ombre reçoivent la lumière de deux sources complètement différentes. La lumière reçoit la lumière du soleil. Et comme je l'ai dit, le principe de l' intimidation, intimide chaque couleur pour être plus dans les températures plus chaudes. Les ombres reçoivent de la lumière de partout ailleurs. Rappelez-vous de retour dans les valeurs que nous avons parlé de lumière réfléchie. Maintenant, ce qui était réfléchi, si vous vous souvenez, lumière réfléchie était quand la lumière venait du soleil dans ce cas, et rebondit d'un objet et rebondit dans l'ombre. Les ombres reçoivent de la lumière d'occasion de partout. Et si vous vous souvenez de notre leçon de valeur, cette lumière d'occasion pourrait aussi venir de l'environnement ou dans ce cas du ciel. En fait, dans ce cas, ce serait d'abord et avant tout le ciel du bol à 360 degrés. Le ciel brille la lumière bleue sur tout. Maintenant, vous pourriez vous demander pourquoi il n'a pas soufflé au soleil ? Et c'est parce que le soleil est plus puissant. La source de lumière principale est la source la plus puissante de l'image. Ok, donc tu ne peux pas avoir le bleu du ciel rivaliser avec le soleil. La source de lumière principale est l'intimidateur. Rien d'autre ne rivalise avec elle. N' oubliez pas qu'il n'y a pas de lumière réfléchie dans la famille de la lumière dans l'ombre. Les ombres sont libres de l'intimidateur. Par conséquent, beaucoup plus de couleurs peuvent se produire là-bas. Donc vous pourriez avoir la lumière du ciel, comme je l'ai dit, descendant et en rendant la route bleuâtre, en faisant tomber les cendres ici bleuâtres. En outre, ce qui se passe, c'est la lumière bleue qui descend du ciel. Si vous jetez un oeil aux verts, jetez un oeil à ces verts ici. Vous remarquez que quand je goûte ces légumes verts, ils sont subtilement différents. Ils se dirigent vers le bleu. Souviens-toi si je retourne à la lumière, voici le vert en lumière. Ok, voilà vert dans la lumière. Remarquez qu'il se déplace vers les réchauffeurs. Rappelez-vous notre diagramme d'avant, que le vert se déplace vers le jaune, donc c'est une ombre verte plus chaude. Dans l'ombre, il se déplace vers le blues. Ils vont dans deux directions différentes. C' est le même vert, c'est le même arbre. Mais les températures de couleur se déplacent dans deux directions différentes parce que l'une est intimidée par une lumière chaude et l'autre est influencée par un puits de lumière plus doux et plus frais. D' accord ? Donc, il est juste de raison que la famille de lumière va être dans un domaine complètement différent de la température de couleur de la famille des ombres. Une autre façon de dire que ce serait que les ombres plus fraîches sont plus fraîches parce qu'elles ne contiennent pas l'influence de la chaleur du soleil. Le soleil ne les intimide pas. Alors, comment pourraient-ils être aussi chauds que tout ce qui est intimidé par le soleil, les ombres vont sembler plus fraîches juste par défaut. 6. Comprendre et peindre la lumière chaude: Une autre de mes leçons de peinture préférées consiste à dessiner comme un enfant de la maternelle, je vais dessiner un peu d'herbe. Ok, c'est une belle herbe. Oh, voici le soleil là-haut avec beaux rayons de soleil rayonnants avec un Somalien ne peut pas oublier le sourire. Et puis il y aura un arbre dans cette scène. Dans un arbre a un tronc qui ressemble à ceci. Bien sûr, effacons l'herbe derrière le tronc. Et puis l'arbre a un beau feuillage qui ressemble à ça, avec de jolis tourbillons là-dedans. Ok, voilà mon beau dessin. Maintenant ce que je vais faire, c'est que je vais vous montrer comment les principes de la couleur s'appliquent et comment vous pouvez transformer même cette ordure en quelque chose qui a réellement des informations de couleur viables. Et bien sûr, c'est un tremplin de l'étude que nous venons de faire. Je vais appliquer une partie de cette théorie à ça. Maintenant, la première chose que nous faisons quand nous peignons notre propre image est de considérer la, ce qu'on appelle la couleur locale. Et juste pour vous fournir une définition rapide, couleur locale est la couleur inhérente à un objet. Comme si une pomme rouge est rouge, elle utilise ce terme de couleur inutile, comme je l'ai déjà dit, rouge, orange, bleu, quoi que ce soit, n'est-ce pas ? Comme la couleur locale du ciel. Bleu. Alors choisissons un bleu et je me fiche de quel bleu encore, je suis à la maternelle en ce moment. Je n'ai que des crayons Crayola devant moi. J' ai donc choisi mon crayon bleu crayola sans esprit. Et je peins dans le ciel. En fait, je ne peins même pas. Je colorie. Assurez-vous que je reçois ce côté aussi. Ok, bien. Et maintenant quelle couleur est le soleil tandis que le soleil dont nous avons déjà parlé est un peu comme ce jaune. Je vais peindre sur mon visage Smiley. Je vais peindre mon soleil jaune. Ce sont des couleurs locales. Ce sont ce que nous savons n'ont aucun sens. Mais quand vous commencez une peinture par vous-même, parfois vous devez partir de ce genre de sens très prosaïque de la couleur, juste des couleurs locales, vous savez, marron, rouge, vert, quoi que ce soit. Mais tu verras combien de temps on s'éloigne de ça. Mais pour l'instant, laissez-moi rester à la maternelle parce qu' être à la maternelle est amusant parce que vous n'avez aucune responsabilité. Donc je vais juste peindre mes belles couleurs. D' accord. Quelle couleur est une couleur de quelle est l'herbe ? Vert. Je vais choisir mon vert crayola et peindre ma couleur dans ma belle herbe. Et bien sûr, nous allons colorer dans les lignes parce que nous sommes à la maternelle et c'est important quand vous êtes à la maternelle. Et nous faisons quelques beaux coups d'herbe. Et nous avons nos graphiques. Oh, devine quoi ? Ce vert peut également être utilisé ici pour le feuillage parce que les arbres sont aussi verts, non ? Et encore une chose à remplir dans le tronc d'arbre, et tout le monde sait que les troncs d'arbre sont bruns. Donc nous avons un crayon brun et nous colorions dans notre arbre. Ok, la photo que j'ai faite ressemble exactement à quelque chose dessiné par un enfant de quatre ans. Croyez-le ou non, nous sommes en fait sur le chemin d'un bon tableau où il, nous n'y sommes pas encore miroir. Mais c'est en fait une première étape viable, donc nous sommes prêts pour la prochaine étape. Et c'est là que nous nous séparons de notre enfant de la maternelle et que nous mettons en fait une casquette de peintre. Nous devons commencer à penser aux valeurs et à la lumière. Mais je vais aussi penser à la leçon que je viens de faire avec la couleur. Et pensez à quelle direction sur la roue de couleur mes couleurs vont voyager ? Première question, quelle est la source de lumière ? C' est le soleil. Le soleil brille ainsi. Ok, on peint encore la lumière du soleil. Cela signifie que dans la lumière, le Soleil est l'intimidateur. Donc, à la lumière, toutes ces couleurs locales, le vert, le Bob brun est seulement deux, vert et brun. Le soleil est les brutes, donc le soleil va prendre la couleur locale et il n'y en a que deux, dans ce cas, le brun et le vert. Et ça va l'intimider d'être plus comme ça, à fois en termes de teinte, de direction qu'il voyage sur la roue de couleur, et aussi de saturation ici. Commençons par le feuillage des arbres. Voici ma couleur locale. D' accord ? Maintenant, si vous remarquez que c'est une sorte de miroir du milieu du vert. J' appellerais ça un vert plus frais parce que je vois une certaine influence de bleu et ce vert, si je continue à monter, vous remarquerez que ce vert est un peu sur le point de basculement vers un peu bleu turquoise. Donc j'appellerais ce vert qu'on a ici, un vert frais. Le soleil, étant une couleur plus chaude et chaude, va réchauffer ce vert. Donc ce vert va voyager sur la roue de couleur en bas de cette façon, comme nous l'avons vu dans notre étude précédente de la couleur, non ? Et la valeur va être légère. Alors je vais, je vais rendre la valeur comme ça, peut-être un peu plus légère. Et je vais peindre ce vert. Je vais appliquer ce vert dans tout ce que le soleil frappe dans ma, ma, ligne de clôture de lumière et d'ombre que j'ai dans ma tête va juste rendre ça simple et juste faire comme ça. Rends-le très simple. Et je vais juste appliquer ce vert, OK, maintenant je n'en ai pas encore fini avec ça. Je dois penser à la famille des ombres maintenant. Alors que la famille de l'ombre. Va voyager dans la direction opposée parce qu' il est influencé par un droit de lumière plus frais influencé par le ciel, influencé par la lumière rebondie venant du sol, par exemple. Il va aussi être plus sombre en valeur. Donc, je vais baisser la valeur, ce qui serait d'abord et avant tout, je ne me soucie pas de la couleur va juste mettre ma valeur ici quelque part. Alors je vais aller dans l'obscurité. Et je vais aussi aller un peu vers le côté plus frais. Et je vais appliquer ça. Et voyons ce que ça fait. Voyons ce que ça nous donne. Je vais peindre jusqu'à ma clôture. Vous remarquez que j'utilise un peu la méthode com, la transparence. Je n'essaie pas de créer un mélange intéressant ou quoi que ce soit. Je suis juste, j'ai juste une brosse de base. Ok, donc maintenant, nous avons divisé notre couleur locale, nous, nous avons dévié de notre couleur locale. Nous ne sommes plus en couleur locale maintenant. Maintenant, nous sommes en termes de lumière. Nous pensons aux valeurs, et nous envisageons d'appliquer des températures chaudes et froides à la famille de la lumière et de l'ombre. C' est une sorte de première étape. Pensons à la demi-teinte dans cet arbre. demi-teinte est là où la forme se détourne de la lumière, mais elle est toujours dans la lumière. Maintenant, si une forme se détourne de l'intimidateur, les intimidateurs ne seront pas en mesure de l'intimider autant, mais parce que la demi-tonalité est toujours dans la lumière, les brutes l'influencent toujours. Donc je vais toujours être dans les verts chauds, mais je suis autorisé peut être de me faufiler ma couleur locale juste un peu. Prends un peu plus de vert là-dedans que mon vert jaunâtre. Et ce demi-ton va m'aider à passer, bien sûr, à l'ombre. C' est la partie valeur de ça, non ? Je dessine délibérément terriblement ici parce que je veux que vous vous concentrez sur l'application de couleur. Maintenant, je peux séparer ma lumière de ma lumière moyenne de mon demi-ton et de ma couleur en rendant même ma lumière moyenne encore plus chaude, peut-être même plus jaune. Peut-être que ce soleil l'intimide tellement qu'il rend les verts assez jaunes. Et vous remarquerez que mon arbre semble encore vert, même si je peins jaune ici parce que la raison pour laquelle il est encore vert et peut identifier comme feuilles vertes est parce que j'ai assez de variétés de vert de chaud et de lumière. Et puis dans l'ombre, j'ai un vert plus frais. J' en ai assez de vert que nos cerveaux comprennent encore. C' est un objet vert. D' accord ? Comme je ne l'ai pas fait, je ne me suis pas égaré trop loin. Comme, Hey, ce serait une erreur. Je serais allé trop loin si j'avais fait ça. Comme si je peignais en rouge, C'est juste n'a pas de sens parce que le soleil ne serait pas intimider les couleurs à lire. Le soleil n'est pas rouge, le soleil est B, jaune orange dans ce cas. Donc, le soleil va simplement prendre ces verts et les poulets à cela. Ok, donc on va avoir un, un vert très orangé ou très jauneux. Et vous voyez comme si je pouvais mettre différents types de températures dans mon vert. Certains d'entre eux pourraient être plus jaunes, d'autres pourraient être plus dans les verts et les verts orangés, les verts jaunes. Tu sais, je peux jouer dans ce domaine. Et vous verrez que c'est ainsi que nous obtenons une tapisserie intéressante, ou nous commençons à obtenir une tapisserie de couleur intéressante. Parce que je pense en termes de température. Je me fiche de quel vert je suis dans tant que je suis dans les verts plus chauds, je vais bien, je suis dans la famille chaleureuse du vert. Maintenant, pensons à, oh, en fait, savoir quoi, faisons le même calcul au coffre. Commençons donc par les ombres cette fois, parce que souvent je commence par les ombres. Donc l'ombre va être une ombre plus fraîche, non ? Donc, nous échantillonnons notre couleur locale. Et pour le rendre plus frais, je peux soit aller par là, mais ce n'est pas bon parce que ça va vers l'intimidateur. Je veux m'éloigner de l'intimidateur. Alors, allons-y et allons plus sombres pour notre valeur. Et nous allons peindre ça dedans. Il va y avoir une ombre jetée de l'arbre. Ça va faire ce modèle cool, mais je ne vais pas, je n'essaie pas de faire un beau dessin ici, les gars. Donc je vais ignorer n'importe quel dessin subtil. Je vais en faire plus quelque chose que nous pouvons tous réaliser. Peu importe à quel point un gamin de 10 ans pourrait dessiner ça. C'est mon point de vue. D' accord. Et en fait, j'ai enseigné l'art et la couleur aux enfants de 10 ans et j'ai fait exactement ça et ils l'ont tous compris. C' est la magie de ce genre de démo, c'est que j'ai retiré le bon dessin du processus et que je nous ai laissé juste avec des informations brutes de base. Ok, donc on a maintenant notre ombre plus fraîche. Maintenant, prenons notre couleur de coffre et faisons la lumière. Donc le, l'intimidateur, le soleil va l'influencer pour aller de cette façon. Et bien sûr, ils vont être plus légers parce que c'est sous la lumière du soleil. Et il va avoir ce brun plus chaud. Et je vais juste peindre ça et tu sais, peut-être que je laisserai derrière nous notre couleur locale est un peu de demi-teinte. Je vais laisser ça derrière moi. Donc, c'est une valeur légèrement plus sombre maintenant. Et c'est aussi un peu plus dans la couleur locale. C' est la couleur locale, donc ça laisse ça derrière. Encore une fois, la demi-teinte est l'endroit où la couleur locale se révèle un peu plus facilement. Et encore une fois, jouons avec ces familles parce que je suis dans la lumière chaude ici. Voyons ce qui se passe si je suis un peu plus saturé orange. Tu peux les mélanger, non ? Tu peux, tu peux jouer un peu. Peut-être que je suis une lumière moyenne maintenant allons un peu plus jaune. Utiliser l'outil de taches pour m'aider avec quelques bords. Encore une fois, je ne pense pas vraiment aux bords dans cette démo, mais juste pour le plaisir, j'utilise l'outil Smudge. Travaillons cette demi-teinte, peut-être même un peu plus orange, un peu plus marron, car elle se retrouve dans l'ombre. Vous remarquerez que je travaille sur la demi-teinte dans l'ombre. D' accord ? Et faisons une dernière chose. Prenons notre herbe. On peut juste goûter, échantillonner l'arbre et mettre la lumière de l'herbe ici. Même calcul, non ? Je n'ai pas à l'expliquer encore. ombre plus fraîche, non ? Un vert plus frais. Et nous allons juste peindre dans l'ombre que jette cet arbre. Et je vais juste faire une forme très rugueuse ici. Je ne suis pas à nouveau, je n'essaie pas de bien dessiner, donc nous sommes certainement loin d'un kit de ce qu'un enfant de la maternelle pourrait faire. Un enfant de la maternelle ne peut pas faire ça. Il y a trop de réflexion maintenant, mais on n'a toujours pas fini. Nous n'avons pas considéré nos ombres plus loin que l'ombre moyenne. Je n'ai qu'une ombre moyenne ici dans ma vie. J' ai de belles valeurs. En fait, si je voulais mettre en évidence, peut-être que je pourrais même trouver un point culminant qui est un reflet direct de la source lumineuse, non ? Donc, je vais ressembler à la couleur exacte du soleil presque. Et vous savez, ce n'est pas tout à fait comme un bois d'écorce fonctionne à la lumière, mais faisons juste un point culminant juste pour vous montrer comment je peux mettre mes valeurs là. Et je peux même prendre mon arbre. Cela va rendre mon arbre plus ressemblant à Chrome, mais c'est bon. Maintenant, dans l'ombre, nous voulons penser à la lumière réfléchie et à l'ombre. Maintenant, nous savons d'après notre expérience antérieure ici que le ciel sera en grande partie responsable de la lumière réfléchie. Et le ciel va influencer tout ce qui lui est ouvert. Et quand je dis ouvert, je veux dire ce que les formes font face au ciel et c'est comme cette zone ici, un peu toutes face au ciel, non ? C' est, ça pointe en gros. Donc le ciel va le frapper maintenant, où le ciel ne toucherait pas cette zone ici, pas tellement pas vrai ? Parce que cette zone se trouve sous l'arbre. Il n'y a pas, ce n'est pas ouvert sur le ciel, cette zone. Voilà où on pourrait avoir un accent sombre et j'en parlerai un peu plus tard. Mais peut-être que cette zone pourrait obtenir de la lumière du ciel parce qu'elle est ouverte à elle. Certes, cette zone est ouverte sur le ciel, l'ombre. Alors qu'est-ce qui va avoir un puits de lumière ? Alors laissons, traitons le remplissage du ciel d'abord. Maintenant, tout cela est appelé lumière réfléchie. J' aime appeler cette lumière réfléchie. Donc, ce que je fais c'est que je reçois mon ombre moyenne, qui est déjà un vert plus frais, je me mets dans le ballpark. Et si vous vous souvenez des valeurs, lumière réfléchie s'éclaircit ou les valeurs juste un peu. Et aussi parce que ça vient du ciel, j'ai le droit d'aller vraiment dans le blues. Pensez à notre, Pensez à la démonstration ou à l'étude que nous venons de faire avec la photo épaisse de la façon dont cette route était bleue. D' accord. Si vous pensez au béton, vous ne pensez pas nécessairement que c'est bleu, mais dans l'ombre, c'était certainement bleu. On l'a vu sur une photo. Donc je peins cette lumière bleue réfléchie du ciel dans mon arbre. D' accord. Et encore une fois, je le mets juste dans les zones qui, je pense, sont les plus ouvertes à recevoir de la lumière du ciel. Et je ferai la même chose avec mon coffre ici. Maintenant, mon coffre est ou regarde comme une version plus cool de brun, non ? Donc je ne veux pas devenir bleu, c'est trop un saut. Mais peut-être que j'irai vers le bleu, je continuerai vers le bleu et je remonterai un peu. Et peut-être que le bleu du ciel mélangé à la température de mon ombre de tronc me donne plus d'une chose violente. Peut-être que je vais, peut-être allons voir si je peux me faufiler encore plus vers le bleu et voir, voir ce que ça fait. Je joue, il n'y a pas de bons et de mauvais gars. Et cela soulève cette question, quelle couleur dois-je choisir ? n'y a pas une seule couleur que vous devriez choisir. n'y a pas de couleur de droits pour l'ombre ici, pour la lumière réfléchie. C' est simplement un calcul de ce ciel bleu entrant dans cette température que nous avons établie pour notre ombre moyenne, nous avons établi que c'est un brun plus frais. Et maintenant, ce brun plus frais va devenir encore plus frais au fur et à mesure que le ciel entre en jeu, n'est-ce pas ? Alors, quelle couleur dois-je choisir ? C' est un calcul. C' est ce ciel qui pénètre dans un royaume de brun plus frais. Comment ce ciel va influencer cette température ? Comment ce bleu du ciel va regarder contre ce vert ? Eh bien, ça va probablement être beaucoup plus bleu parce que le vert est plus proche du bleu. Donc, quand c'est que le vert glisse en bleu, il n'y a pas, il y a moins de barrière pour qu'il entre en bleu. Donc il va y avoir plus de bleu. Vous pouvez voir sur mon exemple de maternelle commence à devenir stratifié et complexe, non ? Alors que dans le coffre, peut-être que ce bleu produit plus d'un violet ou peut-être essayons de l'amener à un vrai blues et voir si on peut se faufiler, faufiler certains d'entre eux. C' est amusant. C'est amusant quand on peut faire ça. Faisons l'ombre coulée très rapidement. Même calcul, le bleu du ciel. Parlons accent sombre. Les accents sombres vont aller là où une forme et une autre forme se rencontrent en quelque sorte de former une fissure. Et voici une règle de couleur. Les accents sombres sont toujours chauds. Donc quand je fais un accent sombre, j'ai mon aérographe multiplier. Je vais choisir une couleur chaude comme ça. Et avec ma brosse multiplier, je vais juste répandre cet accent sombre sur ces deux formes. Et je ferai la même chose là où le tronc de l'arbre rencontre le sol. Obtenir un joli accent sombre et chaud. Je ne sais pas pourquoi les accents sombres sont toujours chauds, mais dans la nature ils le sont à peu près. En fait, on appelle ça une règle de peinture. Gardez vos accents sombres au chaud. Maintenant regarde ça. Je l'ai. J' ai, je veux dire, il n'y a pas grand-chose à faire ici, mais j'ai des couleurs décentes ici. La seule autre chose que je veux vous montrer, c'est comment vous pouvez avoir une lumière rebondie verte qui vient dans le coffre. Donc, si comme le soleil vient de cette façon comme nous le savons, il va frapper cette herbe et rebondir dans cette partie du coffre. Et j'ai négligé de le faire jusqu'à présent pour pouvoir goûter où je suis et peut-être aller dans les verts et peindre subtilement dans une partie de ce vert. Ok, tu comprends l'idée. Voyez comment, je vois comment il a vraiment évolué en une tapisserie de couleur. Maintenant, des trucs vraiment intéressants et amusants que tu peux faire en tant que peintre. J' adore faire ça. Et comme ça, nous avons notre finale, nous avons pris un dessin de niveau maternelle simplifié comme celui-ci et en fait ajouté un peu de sophistication à elle. J' aimerais donc relier cette démonstration à notre étude des échantillons et vous montrer comment j'étudie à partir de photos utilisant ces informations. Donc, c'est juste une étude rapide des couleurs. Et ce que j'aime dans ces études de couleur, c'est tout d'abord, la toile est très petite. C' est probablement une toile de 600 pixels. Et vous n'avez pas vraiment besoin de bien dessiner. Vous pouvez simplement faire la quantité très basique de dessin et vous pouvez toujours faire une réplication très convaincante de la couleur. Maintenant, je ne prétends pas de la photo. J' essaie de me souvenir de ce que j'ai appris en échantillonnant cette photo. Ainsi, vous pouvez voir, comme vous vous en souvenez, il y a des lumières chaudes et la lumière et des températures de couleur plus fraîches dans l'ombre. Donc je suis en quelque sorte en train de me mettre dans ce parc d'espoir que vous pouvez avoir une idée de la façon dont je commence est de me donner une sorte de comparaison rapide entre les températures chaudes et les températures fraîches. Donc vous pouvez voir que j'ai bloqué dans une grande zone d'ombre. Et maintenant, je travaille un peu plus en profondeur dans la lumière et élargis mon contexte de températures de couleur qui sont dans ce tableau. Encore une fois, peu importe quelle couleur exacte car je n'ai pas besoin d'échantillonner de la photo, tout ce que je dois faire est d'obtenir les bonnes relations, me mettre dans la catégorie appropriée de chaleur ou de fraîcheur. Et nous allons continuer à composer ça pour que nous puissions mieux comprendre. Mais c'est une bonne photo à partir de laquelle il faut étudier parce que c'est une séparation très générique entre chaud et frais. Donc je bloque juste dans de grandes formes. C' est l'autre chose que j'aime avec cette photo. Il y a beaucoup de grandes formes, pas beaucoup de petites choses qui peuvent vous faire monter. Donc juste bloquer dans certains, bien sûr, l'ombre sur la falaise dans la lumière, ça va toujours être une température plus fraîche, non ? Et en bloquant, il y a beaucoup de verdure, ce qui signifie que je peux jouer beaucoup avec différents types de vert, bien sûr, quand il est à la lumière, ils vont tous être verts qui virent vers le côté chaud, le côté jaune, et dans l'ombre, vous pouvez voir que j'ai déjà vraiment poussé ces verts à être plus près du bleu. J' aime faire la différence. C' est une autre chose que vous pouvez faire quand vous étudiez à partir d'une photo pour vraiment la comprendre. Essayez de le pousser, poussez-le encore plus loin que la photo ne l'est réellement. Et mais poussez-le dans la direction que la photo va déjà. Tu sais, c'est quelque chose que tu peux observer mieux de l'année de vie tes yeux enregistrent ça un peu plus vraiment que les photos. Mais bien sûr, on ne peut pas peindre de la vie. C' est en ligne, donc je dois utiliser des photos. J' ai quelques pinceaux de texture différente que je continue à probablement les mêmes trois ou quatre brosses que je vais utiliser tout le temps. Et ils me donnent juste des motifs imprévisibles, des bords différents et m'aident juste à créer plus rapidement. Si j'utilise juste comme un pinceau rond, je devrais faire trop d'édition, mais beaucoup de pinceaux différents me donnent différentes formes et différents types de bords et juste garder l'intérêt. Donc c'est tout, ça ne devrait pas l'être. Tout ce que je fais ici ne devrait être choqué à personne. C' est comme si j'étais en demi-ton. C' est l'ombre en fait là. Donc c'est, c'est encore un peu de demi-teinte peu d'ombre. Voici un peu de lumière moyenne qui arrive pour les arbres. Voici quelques toits rouges. Et juste pour improviser un peu ici, il y a un peu de rouge et la photo, mais je voulais juste en faire ressortir un peu plus dans mon étude. Juste pour le plaisir. Encore une fois, ce n'est pas une citation sans citation. Bon dessin est juste des blocs de forme très basiques. Mais en fin de compte, c'est ce qu'est une peinture. Bien sûr, vous pouvez affiner à partir d'ici, mais ce n'est qu'une étude rapide. Ce n'est pas destiné à un raffinement raffiné, est juste destiné à tester, tester ce que je pense avoir appris. Voici quelques feuilles un peu plus légères qui arrivent. Je ne sais pas. Je ne l'appellerais pas un point culminant et l'appellerais juste à l'accent sur la valeur moyenne de la lumière. Se mettre dans un vert jaune juste pour vraiment pousser l'influence du soleil là-bas. Et juste quelques branches d'arbre cueillant une lumière chaude. Maintenant, je suis de retour dans l'ombre. C' est la lumière réfléchie. La lumière réfléchie est un peu plus légère et parce qu'elle vient beaucoup du ciel, dans ce cas elle est très bleue. Vous pouvez voir beaucoup de je suis vraiment dans le blues, je suis dans les violets maintenant, ou c'est un accent sombre, un accent sombre ici avec l'aérographe qui aide à acheminer une surface à une autre. Juste avoir ces crevasses là où il y a une fente sous les arbres sont en dessous où le mur, le mur frappe la rue, juste comme ça et revenir dans, vous savez, lumière moyenne ici, juste raffiner parce que vous avez toujours affaire à des formes, n'est-ce pas ? Même si mes formes sont blobby et juste bloquées, je veux toujours essayer de bonnes formes même s'il n'a peut-être pas le temps de faire un raffinement total. Voici une petite voiture qui arrive. La lumière réfléchie rend leurs sommets plus bleus. Je sélectionne juste l'ombre et je vais juste faire un contraste de luminosité rapide juste pour assombrir l'ombre juste un peu, juste pour séparer mes valeurs. Ça aide, frapper, voir que ça a vraiment aidé. Et comme ça, nous avons notre arrivée. Il ne faut vraiment pas grand-chose pour prendre rapidement une photo et en faire une étude rapide. Et juste pour l'occasion, je voulais vous montrer comment j'ai pris cette photo et en suis arrivé à quelque chose de plus fini. C' est un tableau que j'ai fait de retour, je pense 2010 ou 2009. C' était il y a quelques années maintenant, mais vous pouvez voir comment l'éclairage et l'information sont très étroitement alignés sur ce que nous avons vu sur cette photo. Et cette photo a été en fait l'inspiration pour ce tableau. En ce qui me concerne, il n'y a vraiment aucune différence entre ce tableau dans mon étude, sauf que cette peinture est juste plus finie en termes de raffinement de forme et de raffinement de bord. Mais en termes de couleur, toutes les informations contenues dans ce tableau sont encore contenues dans ma petite étude. 7. Comprendre et peindre la lumière fraîche: Alors jetons un oeil à une lumière fraîche. C' est une journée nuageuse comme on peut le voir par le ciel, ou une journée très nuageuse, une journée où il n'y a pas de lumière solaire. C' est ce que j'appellerais une lumière plus froide parce que la lumière ne vient que du ciel et elle vient de tous les 360 degrés. Et quand on goûte le ciel, on voit que c'est ce genre de bleu grisâtre. C' est complètement opposé au soleil, ce qui était comme ici, non ? Cette fois, nous avons affaire à une lumière bleutée, qui s'appelait une lumière plus froide. Alors faisons notre étude. Et l'autre chose intéressante à propos de cette photo est que je goûte et tout dans la lumière, Il est un peu plus difficile de déterminer ce qui est dans la lumière et la façon dont vous le faites quand la lumière est si douce comme ça, comme le ciel couvert la lumière le rend très diffuse, un peu comme une lumière très douce. La façon de déterminer ce qui est illuminé est tout ce qui est clairement orienté vers le haut. Donc le sable, je ne vais pas juste ramasser du sable parce que ces pas vont vraiment créer des ombres. Mais dans ce domaine, je peux mettre les choses en face. Mais quand je goûte l'herbe ici, les mauvaises herbes, quoi que ce soit, tout ce qui va clairement obtenir de la lumière directement du ciel. Je vais en goûter. Et c'est intéressant parce que les lectures sont en fait une couleur locale chaude. C' est une sorte de végétation orangée, non ? Cela va donc être une tâche intéressante. Comment, comment une orange devient-elle plus fraîche ? Et ce qu'on découvrira dans une seconde. Mais d'abord, je suis comme avant d'éteindre mon cerveau. Et je suis juste en train d'échantillonner des couleurs qui, je pense, sont dans la lumière. Et maintenant, revenons à l'ombre et à l'ombre, c'est un peu plus difficile de savoir ce qui est dans l'ombre et de regarder la forme. C' est ce qui tourne sous la droite. Donc n'importe quelle partie de cette herbe qui fait face aux avions qui font face, elle sera dans l'ombre. Même le sable aura de l'ombre comme là où sont les empreintes de pas. Maintenant que nous avons fait notre partie d'échantillonnage, nous pouvons passer à la phase analytique. Reportons notre sélecteur de couleurs. Et j'aime cacher la photo juste pour que nous ne soyons pas concentrés là-dessus. Nous regardons ce que nous avons échantillonné. Et je commencerai par la lumière comme je l'ai fait avant. Maintenant, regardons tout d'abord, prenons les couleurs de sable. Ce sont les couleurs de sable que j'ai échantillonnées. Et regarde ça. Quand tu penses au sable, tu penses probablement marron, non ? Vous pensez probablement qu'il a une couleur locale marron. Mais regardez à quel point cette hypothèse serait erronée dans cette lumière. C' est une lumière plus fraîche que nous sommes, avons-nous déterminé que la température de la lumière du ciel autour d'ici, j'ai juste échantillonné le ciel pour obtenir cela. Donc, si c'est comme la couleur de notre brute, eh bien, c'est prendre ce qui est du sable brunâtre et le tirer. Donc disons, disons que la couleur locale du sable, vous pourriez dire, est comme ça. Notre ciel, l'intimidateur tire si fortement vers le haut dans le blues. Et nous pouvons voir l'influence de cette lumière fraîche. Maintenant, regardons l'herbe, ce truc d'herbe orange. Ok, maintenant c'est un peu différent parce que c'est, comme je l'ai dit, une couleur locale qui est déjà chaude. C' est plutôt chaud par défaut. Et vous regardez ça, vous êtes un peu comme, Oh, mais c'est un peu une couleur chaude car ça va briser vos rôles. Eh bien, non, parce que regarde ça maintenant comme je goûte une ombre, regarde ce qui se passe. On va l'avoir, voir à quel point les ombres ont encore été chaudes et revenir à la lumière. Ici était la lumière et voici l'ombre. Vous pouvez voir une différence claire. Lumière, ombre, vous pouvez voir la lumière. Deux choses se passent dans la lumière. L' un est la roue de couleur va toujours si subtilement vers ou loin des réchauffements. Il voyage vers le haut, il voyage par ici. Maintenant, il ne va pas très loin parce que cette herbe est tellement orange est des couleurs locales. Donc orange la lumière, parce que la lumière est un peu plus faible, les brutes un peu plus faibles dans ce cas. C' est la lutte contre cette herbe, mais c'est, tu sais, ça ne le porte pas jusqu'au bleu. Le sable n'a pas de couleur locale propre. Je veux dire, c'est déjà très grisâtre, donc le tyran va pouvoir le tirer vers le bleu, c'est beaucoup plus de succès. Mais parce que cette herbe est tellement orange, la lumière bleue va la tirer vers le bleu, mais seulement un peu. Ok, mais la tendance est clairement claire quand on goûte l'ombre allégée, ça, cette lumière. Regardez le, regardez la bande de couleur ici. Regarde la roue de couleur. C' est de l'ombre. Et c'est comme voir comment ça va vers le blues. Et quand il va vers ces bleus, il devient aussi grisé. Ceci est très similaire au mouvement des couleurs que nous avons exploré au chapitre 1. Et en fait, le Chapitre 3 va nous pousser dans les gris encore plus. Pour l'instant, continuons avec une lumière fraîche et faisons une petite démonstration. Comme vous pouvez le voir, cette photographie est éclairée par le même ciel bleuâtre et grisâtre couvert, comme dans notre étude d'échantillons précédemment. qui veut dire que l'herbe, les légumes verts et les oranges dans cette herbe vont être plus frais et plus chauds à mesure qu'ils se retournent. Et cela a aussi de l'eau, que je vais vous montrer un principe de base pour l'eau. Donc encore une fois, je fais juste mon dessin de ligne de base blocage dans la composition. Je vais travailler avec les valeurs et la couleur en même temps. Cette fois, juste pour vous montrer un processus plus représentatif de la façon dont je travaille réellement. Donc, il bloque dans les éléments de la composition. J' aime travailler en rouge juste pour les mélanges de couleurs préférés avec des peintures facilement. Et comme d'habitude, je vais commencer par le ciel, un peu ce gris gris frais, ils mélangent quelques températures différentes de ce ciel, peut-être un peu plus chaud et l'horizon, c'est un truc classique, Mais encore une fois, des notes très subtiles, non ? Travaillez au loin. Mon objectif n'est pas de copier la couleur pour la couleur. J' essaie juste de comprendre les relations et ensuite je vais commencer à les pousser encore plus loin. Donc peindre de l'eau comme celle-ci est facile. L' eau n'est qu'un reflet du ciel, donc c'est une valeur très légère. Voici quelques ombres chaudes qui arrivent. C' est ce que je fais d'habitude. En fait, je travaille beaucoup avec les ombres. Donc quelques ombres chaudes arrivent. Ce sont des verts chauds. Je tournerais ces verts chauds, verts qui air sur le jaune et le rouge comme le côté du grain. Et puis bien sûr ce que cela fait est qu'il me laisse de la place à la fois gris sur la couleur pour le top cool que vous pouvez voir en ce moment. Et aussi le déplacer vers le blues sur la bande de teinte. C' est subtil, c'est un changement subtil, mais c'est quand même un changement. Ok, et ce que j'aime dans cette photo, c'est qu'il y a quelques couleurs différentes dans l'herbe. Ce n'est pas seulement de l'herbe verte. Il y a comme de l'herbe morte qui est orange et différents types de lectures qui font toutes sortes de températures comme je suis en train de m'allonger en ce moment. Remarquez que je suis relativement dans les gris encore. Je suis juste en train de jouer avec le et bien sûr ma tablette com est d'ajouter de l'opacité à elle. Parfois, je vais choisir une couleur plus saturée que je n'ai l'intention. Et puis avec mes comprimés sensibilité à la pression, je peux le mélanger en conséquence, un peu mélanger les couleurs sur la toile. Donc, vous pouvez voir comment dans l'herbe j'ai établi une relation de base de lumières plus froides qui sont des verts plus gris et plus froids et des oranges plus bas puis des ombres plus chaudes qui sont des verts orange plus saturés. Essayer d'obtenir les relations correctes. Et ce point je bloque juste quelques valeurs sombres en arrière-plan où les arbres attrapent juste le moins de lumière. C' est parce qu'ils sont perpendiculaires à la lumière. Vous savez, si le ciel est comme un avion qui traverse horizontalement, à travers l'espace, les arbres sont perpendiculaires à cela. Ils sont debout en haut et en bas. Donc, ils obtiennent le moins de lumière, peu importe si c'est du soleil ou du ciel frais, peu importe ce que c'est. L' autre chose à propos de la lumière fraîche dans ce cas est, au moins dans un scénario de jour couvert est la lumière plus fraîche est très douce et très douce lumière. Donc, vous n'avez pas à vous soucier des formes de bords durs qui n'avaient pas vraiment rendu les choses plus difficiles, plus difficiles, je devrais dire, parce que les transitions ont des bords plus doux et il est toujours plus difficile de contrôler des bords plus doux. Un bord dur est au moins un bord très identifiable. Mais dans une situation de lumière fraîche comme celle-ci, vous avez affaire à des bords mous. Alors je vais griffonner le pinceau. Je vais faire des variétés de formes. Et je vais juste essayer de faire fusionner ces couleurs avec des bords plus doux. C' est tout. Sam qui fait ça maintenant, je joue avec le vert qui se déplace dans les oranges plus chaudes. Mais c'est encore une orange plus froide, non ? Ce n'est pas une orange très saturée et chaude. C' est une sorte d'une note inférieure à une modérée. La lumière plus froide rend l'herbe orange plus grise. D' accord. Ce n'est pas le rendre bleu parce que la lumière bleue fraîche n'est pas assez forte que la lumière bleue, C'est un tyran, mais ce n'est pas un si fort bruyant qu'il va l'intimider jusqu'au bleu, ce n'est pas si fort. Donc ça va l'intimider vers le bleu en allant dans les gris. Donc je ne pose que quelques, vous savez, juste des valeurs plus sombres là-bas. Ombre allégée. Je n'utilise que la lumière moyenne, ombre moyenne dans tout ce tableau. Remarquez que les arbres en arrière-plan ont une forme de base, une lumière moyenne et une forme d'ombre moyenne. Remarquez que l'herbe au premier plan a juste une lumière moyenne vers le haut , puis l'ombre moyenne vers laquelle il se déplace quand il rencontre l'eau. Et bien sûr, évaluer le bon bord est de fusionner ces deux formes de manière appropriée. Et soudain, tu agis tes fondamentaux. Vous avez de bonnes valeurs et de bonnes températures de couleur. Et soudain, tu es peintre. C' est ce que la peinture est un bon peintre ? Je suis juste en train d'ajuster les niveaux ici, obtenir de l'aide un peu. J' ai senti que j'étais un peu trop léger dans l'ensemble. Et n'importe quel bon peintre fait ça, accord pinceau et tout ce truc est secondaire. C' est ce qui se passe vraiment dans leur tête. Et puis bien sûr, votre style personnel superpose en plus de cela, comme la façon dont vous choisissez de déplacer le pinceau, ça, c'est totalement à vous de décider. À ce stade, toutes les températures de couleur sont en place et je fais juste quelques trucs auxiliaires, pourrait appeler ça détail, juste de très petites formes, non ? En termes de grande forme, moyenne petite forme, je fais juste quelques petites formes en ce moment pour obtenir l'illusion du détail là-dedans. Et comme ça, nous avons une étude sur la lumière fraîche pour compléter notre étude sur la lumière chaude. 8. Analyser la couleur de diverses œuvres d'art: Bon, passons par un petit diaporama de peintures et parlons de ce qui se passe. Sinon, c'est un tableau de Paul Felix. C' est une peinture à la lumière froide. Et ce que j'aime, c'est que c'est tellement exagéré. Il a poussé les températures dans un royaume caricaturé. Et l'autre chose que j'aime car il utilise aussi essentiellement seulement deux valeurs par objet, soit sa lumière moyenne ou son ombre moyenne. Et bien sûr, la lumière moyenne va obtenir une température de couleur plus fraîche que l'ombre moyenne parce que c'est une peinture à la lumière froide. Par exemple, regardez la paille, frappez les toits, où la lumière est, c'est cette couleur violette et puis où est l'ombre, c'est cette couleur plus chaude et orangée. D' accord. C' est le même type de couleur locale, mais deux températures complètement différentes. Regarde le mur. La face supérieure du mur est cette couleur clairement bleue assez saturée même alors par contraste, l'ombre est cette couleur violette plus chaude qui est encore dans la famille bleue, mais elle est plus proche du côté rouge du bleu. Un manuel, des trucs de manuels. Regardez l'herbe, le sommet où l'herbe reçoit le plus de lumière est cette herbe bleutée froide. Et puis sur le fond où l'herbe plus dans l'ombre, il devient vert plus chaud. Et bien sûr, Paul Felix a ajouté sa propre magie personnelle en poussant ces couleurs à leurs extrêmes afin d'obtenir un joli, amusant, dessin animé, caricaturé, parfait pour un spectacle Disney. Et sur le sujet de Disney, voici une clé de couleur conceptuelle par Ian Gooding pour Tarzan. Celui-ci dispose de projecteur chaud sorte de baignade Tarzan et sa zone immédiate. Mais tout le reste est allumé par une lumière fraîche. Vous pouvez voir ces trois échantillons en haut sont tous une variété de ces pâturages bleus. Maintenant, les eaux de différentes couleurs locales, c'est un peu cette eau verdâtre. Donc, dans l'ombre, l'eau va s'aérer du côté plus bleu du vert. Et bien sûr, il l'a gardé gris aussi, un peu doublement cool. Non seulement il est vert bleuâtre, mais il est également grade bas. Bien sûr, cela laisse beaucoup de place pour les réchauffements à la lumière. Regarde la peau de Tarzan. C' est vraiment chaud, orange par rapport à ces bleus bleus verts. Et puis l'illumination de l'eau est tout simplement un vert plus chaud, un vert que l'air est plus sur le côté jaune du vert. Maintenant, je fais un zoom sur cela pour voir un peu de lumière réfléchie fantaisie. Regarde Tarzan dans l'ombre. Vous voyez où les couleurs deviennent très rouges. C' est juste un bon peu de lumière réfléchie qui fonctionne sur les ombres vertes autrement un peu plus fraîches que vous pouvez voir là-bas et lui donne juste ce flare de rouge. Mais vous remarquerez que ce rouge est toujours sur le côté plus frais du rouge. Ce n'est pas le même jaune que la peau claire. C' est un peu plongeant vers les refroidissements, mais c'est toujours un rouge très chaud à voir dans cette ombre fraîche. Maintenant E et Gooding l'ont certainement fait pour effet. Vous remarquerez qu'il n'a fait ça que sur Tarzan. Il n'a fait aucun des antécédents de cette façon. Et c'est juste pour mettre en valeur le personnage. C' est un choix artistique. Manipuler les couleurs dans l'ombre est en fait une technique très courante. Voici une superbe peinture de figure en zoomant Wu et regardant ces ombres, elles rayonnent avec des tonnes de couleurs différentes, non ? Et en comparaison, la famille de lumière est une sorte d'avion. Il n'a pas le même genre de jeu. Zooming Wu a une théorie intéressante derrière son utilisation des couleurs. Il dit que la lumière est là où se trouve le dessin et que l'ombre est là où se trouve la couleur. Maintenant, laissez-moi vous expliquer ce qu'il veut dire par là. Si vous vous rappelez de retour à cette démonstration, rappelez-vous que haute parlait de la lumière réfléchie comme obtenir des couleurs de tous les types d'objets différents. Eh bien, c'est à ça que le zoom faisait allusion. Dans l'ombre, vous avez réfléchi la lumière et vous pouvez obtenir des couleurs de n'importe où. Vous pouvez obtenir des couleurs du sol, du plafond, du ciel, d'autres objets sont tellement de zones pour la couleur à venir de l'ombre à cause de la lumière rebondie et réfléchie. Alors que dans la lumière, la couleur de la lumière vient seulement d'une source, le tyran, c'est tout. À la lumière, vous pouvez réellement garder votre pensée très simple. C' est comme si les couleurs bruyantes influençaient tout dans la lumière, qui signifie qu'il n'y a pas beaucoup de possibilités de diversité que dans l'ombre, vous avez la possibilité de s'ouvrir et de laisser tant de couleurs entrer dans vos objets via la lumière réfléchie. Voici une de mes propres peintures et vous verrez que j'utilise exactement ce genre de pensée. Regarde où est la lumière. Ces zones sont en lumière et c'est une lumière chaude, orangée, presque rougeâtre. Ainsi, les couleurs et la lumière deviennent en fait très prévisibles. Ils sont tous attirés vers ça. Lisez le tyran et vous pouvez le voir clairement. Regarde le vert pour le monstre. C' est comme jaunâtre, orangéâtre parce que ce rouge tire ce vert si fortement vers la robe de la jeune fille rouge et les cheveux sont réunis dans la lumière par ce rouge chaud aussi. Pouvez-vous voir qu'ils sont très proches en couleur, mais alors dans les ombres est où cette image s'ouvre vraiment et la couleur devient très imprévisible. Je reçois la lumière réfléchie de l'eau et ça va du bleu aux violets en passant par les verts plus froids. Ses joues rouges rosées plus fraîches aident à compenser cette zone de fraîcheur pour ce que je pense ajoute un peu d'équilibre. Il y a une lumière bleue réfléchie venant du ciel frappant le côté gauche du visage et des cheveux de la jeune fille. Vous voyez qu'il y a tellement d'options dans l'ombre pour la génération de couleurs. Tu peux vraiment t'amuser. Et encore une fois, c'est là qu'il n'y a pas de bonne ou de mauvaise couleur. Toi, tu fais ce que tu penses que tu as besoin de faire pour la variété. Et ça n'a même pas besoin d'être crédible comme la lumière ce tableau est d'un autre monde parce que je l'ai poussé là-bas. J' ai pris ce qui est dans le monde réel et juste une sorte de caricature. Donc, dans ce cas, dans mes ombres plus fraîches, je sais que je devrais être dans un royaume de couleur fraîche comme je ne peux pas simplement ajouter oranges chaudes et des rouges dans l'ombre parce qu'il rivaliserait avec la chaleur et la lumière. Tant que je serai dans la zone relative des températures de couleur fraîches, ça ira. Maintenant, en comparaison, ce tableau de Scott Christensen est plus indicatif de l'apparence réelle de la couleur dans la vie réelle. Le soleil éclaire la scène et le soleil est toujours un tyran. Mais vous remarquerez que ce n'est pas la lumière du soleil orangée caricaturée que j'ai peinte dans ma peinture. Cette diapositive est beaucoup plus modérée. Le soleil est toujours intimider les couleurs dans la lumière pour être chaud. Mais vous remarquerez qu'il y a beaucoup plus de gris utilisés et c'est typique de la nature. La nature travaille sur le gris. Je veux dire, sortez maintenant, regardez ce qui est en lumière et faites-moi savoir si vous voyez des couleurs super saturées, vous ne le ferez probablement pas. Ce que vous verrez cependant, est une forte comparaison entre chaud et frais. Et c'est ce que cette peinture a. Si nous comparons cela maintenant aux couleurs de l'ombre, quel point ils se séparent clairement en termes de température de couleur. La nuance gauche de l'ombre est nettement plus fraîche que la nuance de lumière droite. Regarde le bas de cette nuance d'ombre. Celles-ci se mettent au chaud ou au frais. Ils sont utilisés comme lumière réfléchie. C' est la lumière qui rebondit de la roche ou qui rebondit de l'herbe et rebondit dans les rochers qui sont dans l'ombre. Ils ajoutent juste un peu de soulagement à une zone très bleue autrement. Voici un autre tableau de Paul Felix et je veux parler spécifiquement de la neige. La neige était très révélatrice parce qu'elle n'a pas de couleur locale à elle seule, c'est juste blanc. Et vous pouvez appliquer ce que je vais dire à n'importe quel objet blanc. Lorsqu' un objet n'a pas de couleur locale, il obtient toute sa couleur à partir de la lumière ou de l'ombre. Donc, si vous regardez la neige, dans ce cas, toute neige dans la lumière est teintée de jaune parce qu'elle est intimidée par le soleil. Et la neige et l'ombre deviennent tellement bleues de l'environnement. Voici un tableau similaire d'un peintre hollandais nommé Peter plus commande. Au lieu de cela, regardez la neige. Dans celui-ci, la neige ne reçoit pas seulement la lumière bleue du ciel, mais elle devient la lumière réfléchie des arbres. Et vous remarquerez que la neige n'est pas seulement plus fraîche, bleue comme ce n'était pas le sondage peinture Felix. Il a des touches complexes de bleus plus chauds, des oranges de qualité vers le bas. C' est une symphonie de gris là-dedans qui aide vraiment ce tableau à éclater et à être très réaliste. Et pour compenser cette complexité, regardez la neige à la lumière. C' est très simple. C' est essentiellement une couleur, une valeur en lumière, très prévisible. Donc, cela est lié à la théorie de zoom de Wu sur la façon dont dans la lumière vous jouez avec juste le dessin et dans l'ombre, C'est là que se trouve la couleur. D' accord, passons maintenant au chapitre 3, où nous allons continuer à construire nos fondations, surtout en reliant les gris à Hue Shift. 9. Comment la nature utilise les couleurs chaudes et froides ou codiées: Ok, donc au chapitre 2, on a les pieds mouillés avec la température de couleur. Ici, dans le chapitre 3, nous allons vraiment élever notre compréhension de cela va gagner plusieurs autres dimensions de la façon dont la température de couleur peut se déplacer ou changer, va creuser plus loin dans la façon dont les couleurs sont par rapport aux autres. Cela fournira la base pour des palettes de couleurs plus complexes, tout comme le chapitre 2, cela va tous lier à une appréciation de la théorie des couleurs de la nature, mais aussi nous donner des outils pour évaluer notre utilisation personnelle des couleurs et notre esthétique personnelle. Bon, donc au chapitre 1, nous avons fait un tableau où nous avons fait la transition entre deux couleurs, les deux couleurs complémentaires. Je veux approfondir cette question ici, parce que dans les chapitres 12, nous avons parlé de thèmes similaires dans le chapitre 3 ici, je veux en quelque sorte rassembler tout cela et, encore une fois, développer dessus. Au chapitre 1, nous avons parlé de passer à travers le gris. Donc je veux passer de ce jaune. Voici le sélecteur de couleurs ici, bien sûr, à ce bleu. Et je vais le faire sur le graphique trois parce que c'est là que ça va dans cet exemple, vous m'avez déjà vu faire ceci dans le chapitre 1, donc je vais accélérer tout de suite, vous savez, avec l'échantillon gris au milieu et puis divers saturations de ces deux couleurs de chaque côté. Il est également important de voir comment cela fonctionne sur une roue de couleur. Nous tracons notre couleur chaude ici, et puis c'est une ligne droite à la couleur fraîche ici. Encore une fois, c'est le graphique et le mouvement des couleurs que nous avons utilisé dans le chapitre 1. Maintenant, je vais vous présenter trois autres façons de le faire. Et je dois signaler avant de commencer ici que ces deux couleurs, le jaune et le bleu, sont des exemples très extrêmes de chaud contre cool, non ? C' est dur d'être plus chaud ou plus frais que ça. Ce ne sont que des espaces réservés. Ces deux couleurs pourraient être n'importe quoi. Ils représentent simplement les deux extrêmes de la palette de couleurs avec laquelle vous travaillez. Et bien sûr, quand on voit des choses dans des extrêmes comme ça, c'est plus facile à comprendre et ensuite on peut les jumeler à partir de là. Bon, alors passons à ce premier tableau. Je vais goûter le jaune cette fois. Je ne vais pas ajuster la saturation. Je vais simplement ajuster la teinte, c' est-à-dire la bande de teinte ici ou la roue de teinte. Donc je vais commencer par mon jaune et je vais juste descendre progressivement la roue de teinte, éloignant de ce jaune. Et ce que je fais ici, c'est que je deviens plus froid comme on se souvient du chapitre 2, non ? Je suis de plus en plus froid ici parce que je m'éloigne de ça, comme le cœur de la partie chaude de la roue de couleur. Je m'éloigne lentement de ça. Alors me voilà, voilà, continuons. Je suis au milieu du tableau, qui devrait être quelque part par ici. Ne sommes pas obligés d'être parfaits. Et nous progressons lentement mais sûrement vers ce bleu. Donc, voici notre tableau. Peut-être qu'il y a un petit écart, remplissez ça. Voici donc notre mouvement de couleur en utilisant seulement la roue de teinte. Je vais juste les numéroter très rapidement pour une référence facile. Et remontons la roue de couleur. Le graphique numéro un sur une roue de couleur ressemble à ceci. Maintenant, les graphiques 13 accomplissent la même chose en théorie, mais il est particulièrement clair sur le diagramme de roue de couleur que les mouvements sont complètement différents. Et il est très clair ici sur les graphiques qu'ils donnent deux looks complètement différents. Mais d'accord, faisons le tableau numéro deux. Et c'est la même chose que le camion numéro un, sauf que nous allons juste y aller. On va monter la roue des couleurs comme ça. En fait, permettez-moi d'accélérer le reste de ce processus parce que c'est la même chose que nous venons de faire dans le graphique numéro un. Et là, nous allons sur une roue de couleur. Bien sûr, ce mouvement ressemble à ça. Encore une fois, les graphiques 123 accomplissant tous la même chose en théorie, mais ils ont l'air différents. Alors, qu'est-ce qu'il reste à faire et le graphique numéro 4 ? Le graphique numéro 4 est peut-être le graphique le plus important parce que c'est ce que fait la nature. Et ce que je vais faire ici, c'est combiner les autres graphiques. En fait, je vais combiner les cartes 13. Laissez-moi donc goûter mon point de départ ici. Je vais prendre cette couleur grise un peu et tremper la couleur vers le bas de cette façon. Alors grisez-le, trempez-le vers le bas. Cela devient un peu plus subjectif car pas un ordinateur, je ne sais pas exactement combien je le trempe à chaque fois, mais cela n'a pas d'importance tant que vous progressez dans cette voie. C' est ce que l'œil détecte. C' est le chemin que vous empruntez. Ce n'est pas la couleur exacte que je choisis. L' œil détectera la tendance des couleurs. Laisse-moi sortir de la grise, gagner de la saturation en sortant. Je ne suis pas trop inquiet pour la valeur. J' essaie de garder ma valeur le long de ce genre de chemin, mais la valeur n'est pas vraiment importante ici. On parle juste de la théorie des couleurs. Désolé, j'ai l'impression que ça devrait être un peu plus violet. Et il y a le numéro du tableau d'arrivée pour la combinaison. Dans ce cas des graphiques un et trois, nous allons remonter notre roue de couleur une fois de plus. Et à la carte numéro 4, ça ressemble à ça. Un peu plus complexe. Maintenant, je pourrais faire un cinquième graphique où je combine les graphiques 23, mais vous comprenez l'idée. Donc, la bonne chose à propos de ces graphiques est qu'ils fonctionnent sur une grande échelle du jaune au bleu, ce qui est assez extrême comme je l'ai mentionné précédemment, mais ils fonctionnent aussi bien sur des échelles plus petites. Vous pouvez commencer par cette transition de couleur vers cette couleur et suivre cette palette plus limitée en allant de cette façon. Et ce n'est pas seulement avec le graphique numéro 4. Tu sais, tu pourrais faire la même chose avec le camion numéro 3 si ce sont les deux extrêmes de ton tableau et que tu utilises le diagramme numéro 3 comme modèle. Vous pouvez le suivre de cette façon. Mais tout cela n'a aucun sens jusqu'à ce que nous le voyions dans la pratique. Voici un tableau de John Singer Sargent avait juste une petite note de côté amusante, mon tout premier directeur artistique quand j'ai travaillé comme peintre de fond dans l'industrie de l'animation, m' a montré ce tableau et m'a dit que ce tableau contient le secret de la couleur. Ce sont ses mots. Cette peinture détient le secret de la couleur. Et d'une certaine façon, je crois qu'elle a raison. Il y a beaucoup de choses qui se passent ici encore, avec le thème du chapitre 3 ici, quelque sorte de combiner presque tout ce dont nous avons parlé en une seule peinture. abord, parlons de ce qui se passe avec la lumière, parce que la couleur est toujours guidée par la lumière, comme nous l'avons dit au chapitre 2, sergent a intentionnellement surexposé la famille de lumière de ce tableau. Il n'y a pas beaucoup de couleurs intéressantes qui se passent là-bas. Si j'échantillonne ces lumières, vous remarquez qu'elles sont coincées dans cette zone. Encore une fois, c'est un peu comme quand un photographe surexposé comme une image. La plupart des détails de l'image passent à travers alors dans l'ombre, pas la lumière. Donc, dans cette image, c'est surtout les ombres étaient intéressées parce que c'est là que nous obtenons toutes les couleurs juteuses et des trucs comme ça. Maintenant, quand vous regardez les ombres, souvenez-vous de quelques choses. Premièrement, ils sont libres de cette lumière brute, donc il y a beaucoup plus d'occasions pour les couleurs d'apparaître et d'ombre. Rappelez-vous aussi l'exemple de peinture de la maternelle que j'ai fait dans le chapitre 2, particulier la partie où j'ai parlé de la lumière réfléchie se produisant dans l'ombre. Rappelez-vous la lucarne qui descend d'en haut, qui rendait les verts de l'arbre un peu bleutés. Eh bien, c'est ce qui se passe dans cette zone ici. C' est la lucarne qui illumine cette face de la façade, rendant bleuâtre. même chose avec les ailes ici. Cette partie de la structure, ici, a cette teinte bleuâtre simplement parce qu'elle est ouverte à la lucarne. Et rappelez-vous que le ciel est énorme. Donc quoi que le ciel puisse frapper, il dominera probablement. Bien sûr, nous ne pouvons pas voir le ciel dans ce tableau, mais nous le voyons grâce à l'influence qu'il a sur les ombres. D' ailleurs, c'est ainsi que vous donnez à vos peintures un meilleur sens de l'environnement en ayant des choses qui ne sont pas réellement à l'écran influencent ce qui est à l'écran. Cela ajoute une énorme quantité de croyabilité, ok, mais nous avons aussi ces tons chauds comme regarder cette partie de l'ombre ici sous le, Je suppose que ce sont des aigles sous les têtes d'aigles ici, cette partie du mur, certains détails de la sculpture en relief ici. Ils sont beaucoup plus chauds. Pourquoi sont-ils plus chauds ? Eh bien, ils reçoivent simplement leur lumière rebondie d'autres régions, pas du ciel. lumière venant du sol pourrait éclairer cette partie. Cette partie ici pourrait être la lumière du soleil tombant, frappant cette surface et rebondissant, lui donnant un effet chaud. Il fait particulièrement chaud parce que c'est le dessous de la tête de l'ego. La lucarne ne peut pas frapper ça parce que la lucarne descend d'en haut. La raison pour laquelle je pense que mon ancien directeur artistique a dit que ça abrite les secrets de couleur, c'est parce que Sargent a fait un tel travail de transition entre les deux. Mais avec les couleurs que nous venons de faire, nous pouvons facilement comprendre ce que le sergent fait ici. D' accord, donc je vais aller de l'avant et suggérer que le sergent utilise cartes numéro 3 et numéro 4 dans ce tableau, bien qu'il utilise surtout le diagramme numéro 3, qui est le même que nous avons utilisé au chapitre 1. Donc sur le tableau de Sargent, j'ai un petit espace en dessous où je peux cartographier quelques couleurs. Et la première chose que je veux faire est d'établir la gamme de couleurs qu'il utilise ici sur nos nuanciers. J' ai besoin de savoir où il met ces couleurs, quels sont les deux extrêmes dans ce cas. Et pas très extrême. Il utilise des couleurs des deux côtés de la roue. Il y a des couleurs ici et il y a des couleurs ici. Mais à quel point sont-ils saturés ? Ils ne sont certainement pas aussi saturés que ces cartes. Encore une fois, ils sont entre crochets quelque part au milieu. Donc ce que je vais faire est juste le globe oculaire ce que je pense est le plus chaud quelque chose ici, qui est en fait assez chaud. C' est une couleur plutôt chaude. Il y a beaucoup de saturation là-bas. Donc, je vais mettre cela de ce côté du sélecteur de couleurs et je peux goûter d'autres couleurs que je pense sont là, ces couleurs ici et juste les mettre là. Et parce que j'improvise ce tableau, ça pourrait être hors service. Ces nuanciers, par exemple, cette orange ici je dirais est un peu plus chaud que cette couleur ici. Je peux, je peux changer ça maintenant juste pour la facilité de comprendre quelque chose comme ça. D'accord. Maintenant, je veux aller à l'autre extrême et voir quelle est sa couleur la plus froide. Et je pense que le long de cette façade est l'endroit où on peut trouver des bleus plus froids. Maintenant, je dis bleu, mais ce n'est pas exact parce que regardez ça. Si j'échantillonne ce qui semble assez bleu, mais laissez-moi l'échantillonner. C' est beaucoup plus grise que je pensais. Il n'est pas bleu du tout. C' est plus du côté violet. En fait, si j'échantillonne une autre zone qui a l'air bleuâtre comme cette zone ici, si je l'échantillonne, ce n'est pas du tout bleu. C' est comme du rose ou quelque chose qu'il n'était objectivement pas bleu. C' est là que les noms de couleur sont vraiment à court, non ? Donc, ce que j'essaie de faire est d'établir la gamme entre chaud et frais dans ce tableau. Alors revenons ici à l'endroit où se trouvent les choses du côté violet. Quelque chose comme ça, je pense que c'est le plus froid. Essayons juste autour de nous pour nous assurer que je l'ai. Oui, toutes ces couleurs qui ont l'air bleuâtre ou pas bleu du tout. Quelque chose par ici est où je vais mettre cet autre extrême. Donc je vais mettre ça ici. Donc, si je devais juste ramener mon tableau ici, regardant le graphique numéro trois, je dirais que la couleur la plus chaude est probablement quelque part ici et que la couleur la plus froide est probablement quelque part par là. Donc le sergent joue dans cette gamme de couleurs. Donc ce que je vais faire maintenant, c'est juste commencer à remplir ce tableau. Je vais goûter quelque chose ici qui est du côté plus frais. Donc ça ira sur cette partie du tableau, peut-être que quelque part ici serait là où se trouve cette couleur. Et puis je vais juste commencer à échantillonner et à remplir là où je pense que c'est. C' est bon si je chevauche des choses comme ça. C' est un exercice libre, non ? Donc je peux mettre une couleur vers le bas et ensuite sur d'autres couleurs, je dois peut-être déplacer cette couleur. Donc je suis juste en train de passer à travers ça et de compléter le tableau. C' est un peu plus délicat parce que je fais aussi face à des valeurs différentes, mais tout cela fait partie de la formation que nous faisons en tant que peintres. Et juste un autre conseil ici. Ne vous inquiétez pas de l'obtenir parfait pixel. Essaie juste d'utiliser tes yeux. Le but ici est simplement d'établir la gamme globale dans laquelle nous travaillons. Ok, alors passons en revue la tendance générale de ces couleurs que nous venons d'échantillonner dans cette étude. Et je vous recommande de faire ces études vous-même, au fait, ne me regarde pas le faire, Essayez-le vous-même. Tri à travers ces couleurs est une partie essentielle de la formation de votre œil. J' avais l'habitude de faire ça dans mes premiers jours. Je ferais ça avec une tasse de café le matin, tu sais, prendre quelques photos que j'ai aimé et essayer de régler ça. Mais d'accord, prenons notre outil d'échantillonnage et nous commencerons par le début. Maintenant ce que je veux que vous regardiez en goûtant ces couleurs, tout d' abord, je veux que vous restiez affiné sur le sélecteur de couleurs. Ok, ne regarde pas mon échantillon pour tous regarder le sélecteur de couleurs. Donc, ici, nous allons, regarder la saturation devient généralement grisâtre. Et nous sommes au milieu du tableau maintenant et regarder, Il va sortir dans les refroidissements et devenir un peu plus saturé vers les refroidissements. Donc c'est le tableau numéro trois. Rappelez-vous, le tableau numéro 3 étant ici alors qu'on a traversé les gris et ensuite on revient dans des refroidissements saturés. C' est pourquoi je dis que la peinture de Sargent utilise principalement le tableau numéro 3. Le numéro 3 est important car il aide à garder le contrôle des couleurs. Si vous regardez les tableaux numéro 12 ici, oui, ils passent du chaud au frais, mais ça ressemble à une sorte de cauchemar enrobé de bonbons. La nature ne fait pas ça. La seule exception à laquelle je peux vraiment penser dans la nature est comme un arc-en-ciel ou quelque chose, mais la nature utilise des teintes différentes. Et c'est là que le graphique numéro quatre entre en jeu, qui, comme vous vous en souvenez, est une combinaison du graphique numéro 3 avec les graphiques numéro 1 ou 2. Donc, quand on regarde la peinture de Sargent ici, tu sais, ce n'est pas seulement prendre cette couleur et la désaturer parfaitement et ensuite s'épanouir parfaitement vers les violets et les bleus. Nous l'avons fait au chapitre 1 dans le cadre de notre exercice de couleurs gratuit. Mais la nature n'est pas si parfaite et le sergent imite la couleur de la nature ici. Donc, ce que nous avons en cours de route, ce sont des teintes différentes. Mais en général, si vous regardez ce tableau, en général, il commence par ce que j'ai appelé sa couleur la plus chaude de la peinture. Et en général, comme il devient grisé, il s'éloigne des réchauffeurs et se dirige vers les refroidissements. Cette fois que j'ai échantillonné à travers le sélecteur de couleurs, seulement regardé la roue de teinte. Ok, donc voici la couleur la plus chaude. Et nous y voilà. Vous pouvez voir que ce n'est pas parfait, mais la tendance générale est cela, et c'est là que vous pouvez commencer à mélanger les teintes. Par exemple, regardez ces quatre couleurs ici. Laissez-moi y aller et les goûter. Ils sont tous des teintes différentes, mais ils sont tous très proches ensemble. Hughes, en échantillonnant ceux-ci, je suis allé d'ici à là. Ce n'est pas beaucoup de distance. Donc, ce qui motive ces températures est la saturation plus que la teinte. Encore une fois, ils sont plus ou moins tous dans la famille rouge dans une certaine mesure. Donc, je regarde surtout la saturation pour m'aider à prendre une décision là-bas. Alors que si je prenais cette couleur ici et la rendais plus bleue, maintenant, elle ne rentre pas là. Maintenant ce bleu devrait aller quelque part par ici. Tu sais, la teinte est assez différente maintenant qu' elle porte beaucoup plus de poids dans ma décision. Mais parce qu'ils sont tous plus ou moins dans la famille des slash jaunes rouges, je regarde surtout la saturation pour m'aider à déterminer la température. Et c'est là que la couleur est très, très subjective. Parfois, c'est le niveau de gris ou le niveau de saturation qui vous aide à déterminer si quelque chose est plus chaud ou plus frais comme nous venons de le voir. Alors que d'autres fois, s'il était assez différent, peut-être que la teinte a plus de poids dans cette conversation. 10. Inventer la lumière et la couleur de croyables: Voici un de mes tableaux. C' est une scène ensoleillée classique. Et même si la scène elle-même est de la bande dessinée, la lumière est en fait assez réaliste ou, du moins, elle est basée dans la réalité, peu comme l'était la peinture de Sargent. Donc ce que je veux faire maintenant, c'est recréer une partie de ce tableau et raconter ce qui se passe dans mon cerveau en choisissant toutes ces couleurs. Donc, nous sommes ici dans Photoshop et je veux juste transformer rapidement cela en un dessin au trait. Bien sûr, je pourrais mettre un calque sur le dessus et juste tracer un dessin au trait à partir duquel travailler. Mais voici juste une astuce pour ceux d'entre vous qui cherchent à faire des études à partir de peintures existantes et que vous ne voulez pas perdre de temps à faire un dessin au trait d'abord, prenez simplement la partie que vous voulez transformer en dessin au trait et montez simplement pour filtrer dans Photoshop de toute façon, accédez à Filtrer, Styliser, trouver des arêtes. Et ça créera un peu ce dessin au trait aléatoire pour vous. Je vais juste prendre un aérographe ici avec une couleur blanche et juste une sorte de brosser certains de ces points et choses texturales qu'il a ramassé sur que je n'ai vraiment pas besoin de voir. Et si je veux, je peux juste prendre n'importe quelle sorte de pinceau et juste définir ce cas où va ce monstre. D' accord ? Et j'enlèverai cette ligne qui délimitait une partie de l'ombre éclaircie. Mais je veux vous parler de tout ça pendant que je peins. Alors on y va. Maintenant, au moins, je peux rester fidèle à la conception du monstre. Et vous pouvez voir ce qu'on fait ici. D' accord, la première chose que je vais faire est juste de recadrer dans la zone que je suis en train de peindre. Et puis sur mes calques ici, je vais juste mettre ce calque en mode multiplier, lancer un calque en dessous, et ensuite je vais peindre sur ce calque. Je ne vais donc utiliser qu'un seul calque, ce qui signifie que vous n'avez pas besoin de voir la fenêtre Calques. Si jamais je fais une couche pour une raison quelconque, je te le ferai savoir. Donc vous savez quoi pour cela, abordons cela d'une manière différente de celle que nous avons faite dans le tableau du Chapitre 1. Je vais m'approcher de ça comme je l'ai fait dans le tableau du chapitre 2 où j'ai fait le genre d'art de la maternelle. Nous commençons avec les couleurs locales pendant que nous avions l'Arbre Vert dans le Chapitre 2, ici nous avons un monstre vert. Faisons-le vert. Je ne me soucie pas en ce moment de la couleur, de la température. Je me fiche de ces tableaux. Je le ferai dans une seconde, mais pas encore. Tout ce qui me tient, c'est la considération la plus élémentaire que ma fille de 19 mois puisse faire. C' est un monstre vert. Rendons-les verts. Alors choisissons, je viens de choisir ce vert. Fondamentalement au hasard. n'y avait pas de processus de pensée derrière pourquoi ce vert, je veux dire, regarde ça pourrait être si vert pour ça n'a pas d'importance. Faisons-les ce vert. Avoir des verts différents là-dedans si tu veux, peu importe pour le moment. Aussi, il est debout sur du sable qui est orangé comme ça peut-être. Donc on a ça. Il se tient devant une grotte qui est peut-être un peu plus sombre, un peu plus grise. Je ne sais pas. Est-ce la couleur d'un mur de grotte ? Peut-être un peu plus sombre. Je pense maintenant à la lumière et à l'ombre, au fait, je suis juste juste deviner à la couleur locale. Ceci est destiné à être mauvais en ce moment. Cela favorise l'idée de trouver votre peinture que vous travaillez plutôt que de penser que vous avez besoin de quelque chose de fini à chaque étape. En fait, c'est l'une des choses contre lesquelles je me suis révoltée dans mon art depuis de nombreuses années maintenant. Et moi, mais j'avais l'habitude de penser le contraire. J' avais l'habitude de penser que chaque étape du chemin devrait ressembler à ce que c'est fait. Tu pourrais travailler comme ça, mais je trouve ça mieux pour ta santé mentale vraiment. Si vous vous autorisez un processus qui vous permet de le trouver pendant que vous travaillez. Bon, voilà mon monstre. Allons juste un peu de couleur pour les yeux. Et pendant qu'on est aux Blancs, il a des dents blanches brillantes, qui ressemblent à ça, et il a des lèvres rougeâtres. Donc, saupoudrons juste un peu de ce rouge pour les lèvres. Je suis juste, je juste, encore une fois, j'ai juste choisi une couleur rouge aléatoire et je ne pense pas encore à la lumière et à l'ombre. Je vais évidemment raconter les pensées dans ma tête quand je commencerai à faire ça, ce qui est en ce moment parce que nous avons fini avec notre N. rugueux Ok ? Donc, notre peinture semble maintenant terrible et il ressemble exactement notre arbre de la maternelle l'a fait dans le dernier chapitre. Ok, super. La première considération que vous devez toujours faire n'a pas d'importance ce que votre peinture est, où vient la lumière et quelle est la source de lumière ? Eh bien, dans ce cas, la réponse est que le Soleil est la source de lumière et il va venir d'ici. Ça va être devant le monstre. Alors laissez-moi dessiner comme une flèche 3D. Ça va être comme entrer comme ça, n'est-ce pas ? La direction du soleil est là. Donc j'imagine que le monstre est en quelque sorte dans une demi-grotte. Ici, j'ai ma peinture ici. Il y aura une ombre jetée sur le dessus du monstre. Et comme si la grotte continuait au-dessus de sa tête, non ? Et le soleil y tranche juste un peu. Donc, parfois ce que j'aime faire dès le début, c'est juste prendre un aérographe ou des brosses comme un pinceau marqueur qui vient avec la classe. Je vais le mettre en mode multiplier, qui est un mode obscurcissement, et allez, ok, la lumière vient ici. Jetons tout ça dans l'ombre. La bonne chose à propos de ce processus en ce moment est que je ne pense pas à la couleur. Comme si je le mettais dans une couleur violette juste pour prouver, je choisirai n'importe quelle couleur. Ça n'a pas d'importance. Je pense juste à la valeur. Je pense que le soleil va entrer et trancher ce peu de lumière comme ça. Tout cela est de l'ombre, et en dessous de lui est une ombre. Et la grotte va être dans l'ombre ici. Changer les couleurs juste pour vous montrer que je ne me soucie pas vraiment de la couleur. Cela me donne déjà maintenant un peu d' un effet d' éclairage parce que sa valeur qui affecte l'apparence de la forme et de la lumière, pas la couleur, seulement piggybacks sur l'éclairage précis et les valeurs. Et même si ces valeurs sont une sorte de désordre comme regardez toutes ces absurdités griffonneuses sur le monstre. Au moins, c'est encore un passage plus sombre dans l'ensemble et un passage plus léger ici pour la lumière. Il est très clair de dire comme ceci est la lumière l pour la lumière et l'ombre. Ok, donc c'est un bon premier pas. Je vais sortir du mode multiplier maintenant on va juste avoir un pinceau régulier comme ça. Donc, c'est ma brosse sèche d'ailleurs, qui vient aussi avec cette classe et toutes mes classes. Et maintenant, Ok, commençons à penser aux choix de couleurs réels. Je vais commencer à penser au graphique numéro 2 ici, parce que les monstres verts. Donc, nous allons passer du chaud au frais à travers les verts parce que les monstres verts, nous allons avoir affaire à des verts. Prenons un vert plus chaud, ce qui est assez facile. C' est du côté plus chaud du vert. N' importe quoi ici, ça marchera. Peu importe si c'est vert, vert ou vert, tout fonctionnera parce que c'est du côté plus chaud. J' ai dit qu'il n'y avait pas de rime ni de raison au vert que je posais, ce qui est vrai. Mais ce qui est vraiment sympa dans ce que j'ai fait ici, et je devrais le signaler. Je l'ai fait par accident. Mais ce qui est sympa, c'est en quelque sorte au milieu, comme si je pouvais devenir vert plus frais ou que je pourrais devenir vert plus chaud. Ce n'est pas quelque chose que vous avez à faire, mais peut-être parfois c'est bien si vous allez fixer les couleurs locales d'abord pour mettre votre couleur au milieu, le spectre de température. Donc tu peux aller dans les deux sens. Par exemple, si vous mettez une couleur locale pourpre, il peut être utile de choisir votre pourpre à ce sujet, car alors vous pouvez aller plus chaud violet en glissant vers le haut vers le rouge ou le violet plus froid en glissant vers le bleu. Et c'est, cela vaut pour n'importe quelle couleur sur le spectre. Donc je vais choisir mon vert dans la lumière, le réchauffer en le glissant là-bas parce que, vous savez, la brume, la lumière du soleil va frapper le ciel. Le soleil est du côté plus chaud. Et nous allons juste augmenter la valeur parce qu'après tout, c'est l' illumination et mettons-le maintenant déjà. C' est différent de la façon dont j'ai abordé ma peinture au chapitre 1 où j'ai commencé avec des gris. Et je vais un peu à l'encontre de mes propres conseils. Il n'y a pas de règles pour tout ça. Comme quand je te dis un conseil, c'est seulement un conseil, ce n'est pas une règle. moment, je fais quelque chose de différent de ce que je faisais au chapitre 1 et au chapitre 1. J' ai dit commencer griser et ajouter la branche de couleur off avec saturation à partir de là. Ici, je dis, ok, je sais que ça va être comme une extrémité de ma, si je regarde le numéro deux, je choisis mon seul côté du tableau. Je sais que mon vert va être réchauffé quelque part par ici. En fait, c'est un peu proche de ce que j'avais. Je vais le mettre là-bas parce que j'ai de bonnes raisons de croire que ce sera une fin de mon dossier. Et aussi ce que je vais faire, c'est juste avec mes calques, je vais juste réduire l'opacité sur ce calque de ligne. Et puis je vais le fusionner. Donc je ne travaille que sur cette couche en ce moment. Ok, donc le soleil arrive, frappant le ciel. Tu n'as pas besoin d'une seule couleur. Choisissez, choisissez différentes couleurs. J' aime beaucoup utiliser l'outil de salissure. Mes paramètres sont dans Photoshop de toute façon, une force de 93% et j'ai l'option de peinture des doigts activée. L' option de peinture des doigts, en passant, signifie simplement que je peux peindre avec la couleur que j'ai sélectionnée. Donc, si je sélectionne ce bleu, vous voyez que le bleu descend et qu'il se tache. Si la peinture des doigts est éteinte, elle ne fait que des taches, ce qui est également utile. Mais la plupart du temps, j'ai activé la peinture artistique. Et c'est comme ça que je peux créer, dans ce cas, des bords qui sont appropriés pour un personnage libre comme ce gars est. Bon, maintenant, je veux avoir quelques différents types de couleurs là-dedans. Et pendant que nous sommes dans la lumière, commençons à penser à la valeur demi-teinte. Rappelez-vous que la demi-teinte est l'endroit où la forme se détourne de la lumière. Donc, s'il est comme un ventre rond, comme si son ventre est comme une sphère ronde. Comme cette sphère commence à se détourner de la lumière, en d'autres termes, tourner en dessous, mais elle est toujours dans la lumière. Il n'a pas encore assez tourné pour être dans l'ombre. Et ce que je vais faire, c'est que je vais juste réchauffer ce vert encore plus. Ces couleurs que je mets ici ne sont absolument pas vertes du tout. Je suis, je m'aventure comme, vous savez, vraiment loin des verts. Ce n'est pas vert. C' est ce que l'orange ou le jaune ou quelle que soit la couleur que vous pensez que c'est. C' est toujours correct parce que c'est dans le contexte de la température. est-à-dire que c'est une lumière chaude qui réchauffe ce vert. Tant que j'ai des verts réels ici, je pourrais compenser ça avec d'autres couleurs chaudes et c'est très bien. Et au fait, si vous voulez juste revoir mon original, vous pouvez voir comme regarder comment je l'ai poussé encore plus. Regarde comme c'est orange rougeâtre. J' appellerais toujours ça comme mon bloc dans la scène, n'est-ce pas final ? Non pas que je vais resserrer ça avec de beaux détails ou quoi que ce soit, mais j'arrive en quelque sorte à mes coups finis quand je vais. Donc je pense qu'un beau brillant, comme des jaunes maintenant, qui est juste à côté du vert, non ? C' est comme juste à côté du vert sur la roue de couleur. Et c'est très commun pour un tyran. Lumière du soleil pour pousser un vert à jaune. C' est un peu la partie magique. Ce monstre se lira comme vert parce qu'il va couvrir toute la gamme des verts. Tu n'as pas besoin de tout ça juste pour être vert, pour qu'il ait l'air vert. Je vais faire un autre chapitre sur ce cours. En fait, ce sera le chapitre suivant, chapitre 4 sur les couleurs plates et comment vous pouvez les augmenter. Ok, maintenant je veux penser à ce qui se passe dans l'ombre de ce gars. Alors j'y vais, je vais rester sur l'outil pour m'amuser. Et je veux être dans la gamme plus froide. Cela peut aider en passant, juste un échantillon où vous êtes dans Photoshop quand vous avez l'outil de taches actif, je ne peux pas pousser Alt et obtenir mon compte-gouttes. C' est vraiment ennuyeux. Donc je dois cliquer sur cet échantillon, mon vert et c'est là que je suis. Et d'accord, c'est bien. C' est déjà maintenant un vert plus froid que ce que j'ai dans la lumière. Et c'est un endroit important pour moi de faire une pause ici et de mentionner que parce que je viens de mettre ce truc plus chaud pour la lumière du soleil, ce serait que ces verts plus chauds sont ces couleurs plus chaudes ? J' ai maintenant une comparaison. Mon bloc de maternelle dans ce monstre vert, couleur verte est maintenant divisée en famille chaleureuse et famille plus cool. C' est bien. C' est ce que font les peintres. Donc le vert que je mets en bas est en train de lire est cool. Il n'a pas lu aussi cool que je n'ai pas eu la lumière plus chaude. Vous avez besoin de quelque chose pour le comparer pour vous rappeler que les couleurs se déplacent toujours dans le chapitre 1, non ? Donc je vais mettre un peu cette lumière réfléchie. Maintenant, au niveau de la forme, encore une fois, j'ai mentionné que son ventre est comme une balle, aller rond balle. Eh bien, si cette partie du ventre est retournée, cette partie remonte et quand elle se retrouvera, elle sera exposée à cette lucarne. Donc, en revenant à notre nuancier, regardant le graphique numéro 2, je me déplace de cette façon dans la roue de teinte, en allant vers le bleu. Je suis à Photoshop ici. Je monte par là. Mais je ne veux pas nécessairement garder la même saturation que je pourrais. Mais encore une fois, il commence à regarder un peu de bonbons enrobés, tout simplement pas si subtil quand vous gardez le même niveau de saturation. C' est là que le graphique numéro 3 entre en jeu, combinant les graphiques numéro 23. Alors que je me déplace de cette façon vers le blues, je vais aussi incorporer ces petits pâturages au milieu. Donc, diminuons cette saturation, comme je l'ai dit, et montons vers le bleu et mettez-les dedans. Ce testament. Je vais fondamentalement de la façon inverse que je l'ai fait dans le chapitre 1 où j'ai commencé avec les gris et la construction. J' ai commencé ici avec des couleurs saturées et je construis dans la guerre Graham, je dois construire mes gris dedans. Mais voilà le truc. Je n'ai pas juste à rester ici. Je vais rebondir jusqu'à ces violets. Pourquoi ? Eh bien, c'est encore une couleur plus froide. Tu te souviens de mes échauffements sur le monstre ou ici, non ? Comme profondément enraciné dans la zone chaude de la roue de couleur. Je pourrais me rafraîchir en montant ici, ce que je faisais juste. Je pourrais aussi aller plus frais en allant ici. Mais en combinant le graphique un dans le graphique de largeur avec le graphique trois, je veux mettre rapidement en pause la démonstration et vous montrer sur une roue de couleur ce que je fais. Parce qu'il est important que nous voyions à la fois sur ces graphiques ainsi que sur la roue de couleur. J' ai bloqué dans ma couleur locale globale verte quelque part ici. Et rappelez-vous que j'ai dit que c'était au milieu des verts chauds et des verts frais. C' est bien parce que ça me donne la possibilité d'aller dans les deux sens. Maintenant, quand j'ai fait cette zone de lumière du soleil ici, le soleil étant une lumière chaude à partir de ce vert, je veux évidemment aller plus chaud. J' ai utilisé le tableau numéro 2 pour le faire. Donc, si on regarde le graphique numéro 2, mon bloc en vert aurait pu être là. Je suis simplement allé comme ça, ce qui est la même chose que je viens de dessiner sur la roue de couleur. Alors, nous allons voir le tableau numéro 2. Un point rapide pour passer à travers des teintes comme ça. Il peut parfois être dangereux de garder la même saturation. Donc encore une fois, j'ai commencé avec ce vert et j'ai fini par ici en gardant la même saturation que je suis allé. Cela peut être dangereux parce que, comme je l'ai dit tout à l'heure, il peut être un peu audacieux ou tout simplement trop coloré, ce qui est quelque chose que vous ne voulez généralement pas dans vos tableaux. Maintenant, à mon avis, où vous pouvez vous en sortir, c'est quand les teintes sont proches ensemble, ces deux teintes, pas beaucoup de distance entre eux, leurs voisins en théorie des couleurs parlent, vous diriez que ce sont des couleurs analogues. Lorsque les couleurs sont côte à côte, en général, vous pouvez vous en sortir avec le même niveau de saturation élevée. Maintenant, si vous vouliez aller, disons de cette couleur à cette couleur et que vous êtes allé comme ça, vous savez, le tableau complet numéro 2, ce serait probablement trop de couleur. Ça ressemblerait à des bonbons enrobés, encore une fois, quelque chose que vous ne voulez pas à moins que vous peigniez littéralement des bonbons, je suppose. Ok, donc c'est comme ça que je gère la transition vers le côté lumière. Maintenant que je suis dans mon côté léger, je suis ici. Et dans ma démonstration, vous voyez cette zone juste là-dedans. Je suis en quelque sorte là sur la roue des couleurs. Remarquez comment ces couleurs fraîches sont beaucoup plus proches du gris que les couleurs chaudes. J' utilise le chemin à quatre numéros de graphique, qui, comme vous vous souvenez d'un peu plus tôt dans ce chapitre, est un peu comme cette chose sinueuse S. Et parce que je suis au courant de cette courbe, je peux juste tracer les couleurs le long de celle-ci. Ainsi, par exemple, quand vous peignez, vous n'avez pas à mettre littéralement chacune de ces couleurs. Ce n'est pas une exigence. Vous devriez connaître ce chemin. Mais si vous voulez, vous pouvez dire mettre cette couleur et ensuite mettre cette couleur dans vos tableaux comme je l'ai fait. Et puis, disons, d'accord, chemin, je suis en quelque sorte, Oh, ma peinture de cette couleur et peut-être cette couleur ici pour donner au spectateur ce chemin. Mais rappelez-vous aussi, je combine des graphiques. Donc, je pourrais aussi donner au spectateur un peu de graphique numéro deux, comme ceci. C' est tout à fait correct de combiner des graphiques comme ça. Évidemment, lorsque vous combinez des graphiques, cela rend le calcul beaucoup plus complexe. Mais tant que vous êtes conscient de ce que vous faites et vous y appliquez votre goût personnel, ce qui devient plus sophistiqué avec la pratique et l'expérience, vous pouvez le faire. Ok, mais revenez à suivre le chemin des quatre numéros de graphique ici. Revenons à nos deux couleurs. Juste ces deux couleurs seules ne suffit pas à dire au spectateur que c'est le graphique numéro quatre. Vous devez remplir certains des blancs. Et ce que je veux dire, c'est que tu n'as pas à remplir tous les blancs juste assez pour donner un petit coup de pouce visuel au spectateur en disant, Hey, je suis sur ce chemin. C' est ce qui rendra votre mouvement de couleur identifiable pour le spectateur. Donc, revenons à la démo, je mets dans cette couleur violacée folle, qui à première vue semble n'avoir aucun sens. Mais j'utilise le graphique numéro un en combinaison avec graphique numéro 3 pour obtenir la note en violet. Et puis tout cela est en combinaison avec le graphique numéro 23. Donc vous savez probablement que j'utilise beaucoup de couleur dans mes tableaux et j'ai beaucoup de questions comme comment vous le faites ? Eh bien, c'est comme ça que je fais. Je n'ai pas peur de combiner ces tableaux souvent. Je vais rester avec le graphique numéro 13 ici et essayer quelques bleus violents, en le gardant relativement sur le côté gris. Et au fait, comme je mets ce bleu et j'appuie doucement sur ma tablette. Donc si j'échantillonne ce résultat , c'est une couleur différente, non ? Il mélange le vert avec le bleu que j'avais sélectionné. Et, tu sais, ça va, Photoshop a tendance à griser les couleurs dans une certaine mesure quand tu fais ça. Donc je laisse Photoshop faire un peu de mixage pour moi. Et je dis Photoshop ici parce que c'est ce que j'utilise, mais n'importe quelle application de votre choix, nous ferons un peu la même chose. Donc, au début, je vous ai dit que je trouvais mes premiers points extrêmes d'une carte. Eh bien, je vais peut-être aller dans le sens opposé et trouver mon autre point extrême du tableau. Je voudrais peut-être prendre certaines de ces couleurs grisâtres que j'ai ici et dire, vous savez quoi, éventuellement je veux être là comme point de repos final ici dans le tableau. Si vous regardez ma pièce originale ici, vous pouvez voir certains de ces bleus là-dedans, non ? Vous voyez ces bleus et certains de ces violets saturés là-dedans. C' est mon point final du tableau. Alors je vais être comme, Ok, allons prendre un pinceau et juste gribouiller. Scumbling est le terme artistique officiel pour cela. Ça rend le son de gribouillage officiel quand on l'appelle « scumbling » et le met dedans. Et je le mélange dans mes autres couleurs, non ? Tout cela est possible parce que je suis dans le bon contexte. Ceux-ci sont tous conformes au même type de mouvement de la couleur. Ces graphiques indiquant les directions dans lesquelles mes couleurs se déplacent, n'est-ce pas ? Tant que je suis dans le contexte de ces graphiques, c'est bon. Ici. Je vais te montrer comment je peux casser ça d'une mauvaise façon. Si je travaillais dans la lumière et que je voulais mettre ce bleu et la lumière. Eh bien maintenant, je me sépare trop de mon dossier. Ce bleu semble faux parce que même si c'est un peu la valeur correcte, il ne se sent pas bien. n'y a rien qui motive ce changement de température particulier, ce changement de température extrême dans la lumière. La lumière devrait intimider ces couleurs pour être là dans la lumière. La même chose est vraie pour l'ombre, en passant, si je veux, a obtenu une couleur rouge et a commencé à le mettre, Il est trop grand d'un saut que la transition. Ils seraient comme prendre cette couleur ici et la mettre ici, ça ne marche pas. Vous devez absolument maintenir votre contexte. C' est pourquoi faire ces études pilotes comme nous l'avons fait avec la peinture Sargent plus tôt est un bon exercice visuel. Bon, alors revenons à la peinture ici. J' ai l'impression d'avoir besoin d'une forme sous la bouche. La bouche doit plonger plus sombre parce qu'elle ne recevra pas presque la même quantité de lumière que le ventre. J' ai donc choisi une couleur plus chaude, mais je veux la refroidir en allant plus gris et le refroidir aussi en descendant de cette façon. Juste parce que je ne veux pas rivaliser avec mes couleurs lumineuses brutes. Alors je fais ça. Et il n'y a pas de raison réelle d'utiliser du blues ici parce que comme on l'a vu avec la pièce du sergent, il n'y avait pas de ciel qui se reflétait dans le bas de son menton. Vous pourriez penser que la lucarne pourrait descendre et rebondir, mais non, la lucarne est trop faible pour faire ça. Une fois que la lucarne frappe, frappe directement, c'est à peu près. Ça ne va rebondir nulle part. La lumière du soleil va s'équilibrer. Ainsi le soleil, par exemple, se couchera, rebondira du sol, et remontera à son ventre. En fait, pourquoi ne pas mettre une partie de ça maintenant. Je vais juste changer de vitesse ici. Je vais prendre la couleur ici. Je vais avoir un warmish, quelque chose, quelque chose comme cette plage du tableau. Warmish. Et aussi plus léger que ce qui est là. Et commencez à mettre ça parce que le soleil est, vous savez, d' être une couleur plus chaude qu'il va réchauffer ces verts juste un peu. Et j'utilise juste l'outil de taches pour les mettre et je peux jouer avec des échauffements différents. Voir cette couleur était plus fraîche dans ce contexte. Si je mets cette couleur ici, c'est plus cool. Mais si je mets la couleur là, il fait plus chaud parce que ce vert était quelque part beaucoup plus frais. Toujours contexte. Toujours contexte. Quelle couleur ou quelles couleurs sont à côté de ce que vous peignez. C' est la question que tu dois te poser. Donc, les décisions que vous prenez au sujet de la couleur sont toujours basées sur ce qui l'entoure. Donc cela représente le soleil qui arrive et, vous savez, ce que je devrais probablement faire ici, c'est regarder le sol, ce soleil va vraiment égayer à la fois en valeur et en saturation. Ce terrain, ces debout. Alors mettons-le, ça doit venir ici. Il y a une ombre qu'il projette, donc je vais peindre autour de l'ombre. Le soleil va éclairer le sable ici, quelque chose comme ça. Donc maintenant avec cette information en jeu, maintenant il semble vraiment que ce soleil rebondit dans son ventre, mais ce n'est pas encore fini et bloque tout ça dedans, je l'ai dans le ballpark. Disons que l'équilibre solaire que je peins ici ne va pas s'étendre ici. C' est là que le ciel commence à prendre le dessus. Il y aura donc une zone de transition ici. Dans cette zone de transition, eh bien, je vais juste la garder dans les verts parce que c'est peu un juste milieu entre ces réchauffements et le ciel plus frais. Donc je vais le garder quelque part ici. Scumbling dans ces formes de couleur et de valeur. Peut-être aller un peu plus gris et des pièces pour aider ces transitions. Comme si ce rouge réchauffe veut passer au vert, peut-être que je peux les classer. Amener la diapositive de l'enchère au vert, mais la griser. La bonne valeur, c'est là encore où l'outil de tache aide parce que l'outil de tache peut créer des bords souples aussi très facilement. Ça a l'air bien. Retournez dans les lumières et rebondissez, juste en jouant avec différentes variétés de couleurs ici. Travailler ce bord où éclater son ombre, s' assurer que l'ombre est encore suffisamment sombre pour être de l'ombre sur un niveau de valeur, non ? Il doit encore être plus sombre que la lumière. Assurez-vous que, assurez-vous que lorsque vous insérez ces lumières réfléchies, vous n'éclaircissez pas trop la valeur de l'ombre. Ce serait mauvais, alors il commencera à ressembler la lumière et cela va complètement confondre votre dessin. Tu peins, tu dessines quoi que ce soit. Quand je dis peinture, je veux dire dessin. Et quand je dis dessin, je peins. Ils sont la même chose. Ils agissent sur la base des mêmes principes. Je suppose que la peinture ajoute de la couleur à l'équation, mais tout le reste est basé sur la même philosophie et les mêmes principes. Jouer avec ces bleus ici, juste continuer la tapisserie de couleur est ce bras ici. Son bras va être touché par beaucoup de puits de lumière. Je vais même aller plus bleui. Je pourrais augmenter la saturation. Donc encore une fois, travailler au bord de l'un de mes graphiques de couleurs ici, l'autre côté extrême, par opposition aux jaunes ici dans la lumière. Je ne veux pas trop utiliser cette couleur. Tu vois comme si j'ai la lumière, j'ai ces réchauffeurs très saturés. Si j'ai tout aussi saturé, Cole, ça commence à me sentir pas assez subtil par manque de meilleure terminologie. Tout comme je vous ai montré dans le chapitre 1, j'ai tendance à garder un de mes tableaux pour regarder les nuanciers, je garde un côté extrême, mais l'autre côté de ma coupure là-bas. Ou ça pourrait être le contraire. Je vais garder le côté frais là-bas, mais couper les échauffements là-bas. Il est très rare que j'étende complètement la gamme de l'un à l'autre sous cette forme extrême comme celle-ci. Donc, même si elles ont l'air froides, elles ne sont pas si froides, moins pas aussi froides que les réchauffes, notre chaud. Oui. C' est logique. Alors revenons à l'endroit où j'étais ici. Mettre ces transitions. La couleur que j'avais était de réchauffer le grade. Je veux créer une certaine forme de transition ici entre le, entre ces sombres sous le menton, vous pourriez l'appeler, et le ventre qui devient plus réfléchie lumière. Alors je retourne à mes greens. C' est une sorte de zone intermédiaire pour regarder le graphique numéro deux, écrire en passant par les verts pour passer du froid au chaud. Et pendant que nous sommes ici, jetons certains de ces légumes verts au milieu entre chaud et frais dans certaines de ces ombres à nouveau, pour aider un peu à la transition. À ce stade, c'est probablement le premier de ce tableau de démonstration ici, les gars, où je suis genre, ok, ça commence à marcher. C' est là que la tapisserie de couleur commence à ressembler à ça fonctionne. Ce qui est un bon point d'être dans votre peinture parce que maintenant c'est comme, ok, je vais juste le bord. Il n'a pas l'air très poilu partout, donc je peux ajuster certains de ces bords, mais je ne ferais pas ce travail plus fin tant que je n'ai pas l'impression que mes couleurs commencent à communiquer le sentiment que je veux qu'ils fassent. Je pourrais, en passant, avancer rapidement une partie de cela et obtenir un pinceau d'esquive linéaire et juste mettre un peu plus dans cette lumière, ce qui me semble sympa. Je me souviens avoir fait cette procédure exacte dans la peinture originale aussi. Juste augmenter le flair dramatique, si vous voulez, sur certaines de ces zones peut même peindre la lumière avec ceci comme ceci. Continuons. Regardons le côté de la grotte. Il y aura de la lumière dans la grotte. Comme si vous regardez à nouveau mon original, lumière vient en tranchant la créature et ensuite, vous savez, la créature jette l'ombre. Mais une partie de cette grotte est encore en lumière. Donc on peut juste en avoir un peu. Et encore une fois, c'est assez facile en termes de stationnement de balle, ma couleur. Je sais que c'est un fils plus chaud. J' ai dit au spectateur qu'il faisait plus chaud par ma comparaison entre les verts chauds et froids et le monstre. Donc tout ce que je dois faire maintenant c'est choisir ma couleur de base ici. Réchauffons-le un peu, réchauffons-le un peu de saturation à, et évidemment augmenter la valeur de la lumière et finissons juste quelque part autour de là. Et je vais, je vais peindre ça. Et c'est un excellent point de départ. Je sais que ce n'est pas la couleur finale. Je sais que c'est au moins précis dans le contexte en termes de direction que les couleurs se déplacent. Je sais que ça va être correct et ensuite je peux travailler à partir de là. C' est ce qu'on est, la couleur devient un peu amusante. Beaucoup de gens ont peur de la couleur au début. Mais une fois que vous aurez tout ce contexte et la direction de la chose de couleur, et que vous vous divorcez de penser qu'il y a une citation, sans citation, non ? Couleur pour les choses. Il n'y en a pas, c'est seulement le bon contexte. La couleur devient très libérante. Quoi qu'il en soit, ce que je fais maintenant c'est que je peins juste une occlusion ambiante derrière le personnage. Donc il est revenu du côté lumineux de la grotte ici. Et encore une fois, en parlant de contexte, je pourrais le réchauffer un peu plus si je voulais trébucher une partie de cela dans. Mais je suppose que je peux le refroidir. Pourquoi ne pas le refroidir en remontant de cette façon le graphique numéro 2 et gris de cette façon, graphique numéro 3, en combinant 23, non ? Et il a juste mis une partie de ça en gardant la valeur correcte , bien sûr, pour que je puisse mettre ces couleurs en toute impunité. Je n'ai pas à m'inquiéter des répercussions de la mauvaise couleur parce que j'ai la bonne valeur et j'ai le bon contexte de couleur. Je ne veux pas trop froid, comme si je ne voulais pas faire ça. Ça brise le contexte. C' est trop froid, cette couleur peut paraître belle et ombre, ce qui est censé être plus froid. Je peux mettre certaines de ces couleurs et ombre et commencer à construire la lumière réfléchie venant du ciel, qui est hors écran. Bien sûr, dans la peinture originale, le ciel était à l'écran et vous pouvez le voir vraiment informer les bleus de la grotte qui fait face au ciel là-bas. Alors c'est à ça que je pense. La lumière n'aura pas ces bleus parce que ces bleus font partie de l'ombre que le puits de lumière n'est pas assez fort pour influencer la lumière du soleil. Le soleil est l'intimidateur le plus fort qu'il y ait. Le soleil éradiquera complètement toute trace de lucarne. Ne le laissant que dans le royaume de l'ombre. Juste jouer avec le bord où la falaise rencontre le sable ici. Et puis vous pouvez faire n'importe quel détail sur cette falaise ou cette paroi rocheuse que vous voulez. Mais ça ne fait pas vraiment partie de cette démo. J' en mets peut-être un peu à la fin, mais, euh, tu sais, en termes de détails de peinture, tu peux te débrouiller avec ça. Revenons au sujet à portée de main ici, qui est les couleurs. Allons aux globes oculaires. Je me sens comme les globes oculaires qui n'ont pas été touchés du tout. Il y aura aussi une occlusion ambiante là. Donc, je vais choisir un aérographe en superposition de saint et allons obtenir une couleur plus foncée et juste assombrir cette oculaire. Je considérerais aussi cette occlusion ambiante. Ambien inclusion étant la partie la plus sombre de l'ombre, la partie où la lumière ambiante ne peut pas atteindre. D' accord. Le globe oculaire recevra de la lumière du ciel. C' est très gris. Je suis un peu comme ici sur mon nuancier, donc je peux facilement sortir dans le blues ici et juste obtenir de la lumière réfléchie du ciel. Et ces globes oculaires. Et pourrait aussi bien jeter un petit truc surligné pendant que nous sommes ici. Dans ce cas, il est juste des reflets du ciel. D' accord, continuons à peindre. C' est une sorte d'écran de réchauffement, pas aussi chaud que dans la lumière cependant, toujours dans le royaume de l'ombre. Je vais définir une partie de la forme de la tête ici en utilisant ce genre de, encore une fois, ce vert à température moyenne. Ce n'est ni chaud ni cool basé sur les deux extrêmes que je l'ai quelque part au milieu. Et c'est la bonne chose. Lorsque vous établissez vos extrêmes un peu tôt, vous pouvez alors jouer et affiner cette zone médiane. Alors que dans le chapitre 1 de nouveau, nous sommes allés dans le sens inverse. Nous avons commencé avec le, si vous regardez ces graphiques dans le chapitre 1, nous aurions commencé avec le milieu du graphique et élargi vers l'extérieur. Ici, j'ai établi mes deux extrêmes et je travaille à l'intérieur. Je n'utilise pas une approche plutôt que l'autre. Je les utilise tous les deux de façon interchangeable. Cela dépend vraiment du projet et aussi de ce que vous êtes à l'aise. Une autre chose agréable à propos de l'outil de salissure dans ce cas, et d'autres logiciels ont leur propre version de l'outil de salissure. Je peux choisir un bleu plutôt extrême comme ça. Mais quand je le peins, Photoshop va le mélanger, non ? Donc je peins ce bleu extrême, mais quand j'échantillonne le résultat, c'est comme ils le sont, donc parfois il est utile de savoir ce que le logiciel va faire, quoi quand il mélange les couleurs. Et cela vient juste avec l'expérience. Et de cette façon, vous pouvez un peu dépasser votre couleur, température et laisser votre logiciel le mélanger pour vous. La bonne chose à propos de Photoshop Smudge outil et je pense que d'autres logiciels sont comme ça. Tu mets un coup et c'est assez pur. Alors que si vous mettez un coup et que vous gardez votre style est maintenu du tout, un peu la tache et le mélanger dans ce qui est déjà là et le rapprocher de ce qui est déjà là aussi. De cette façon, l'outil de taches est idéal pour ces petites transitions mini. Bon, donc je vais accélérer la vidéo pour le reste de cette démonstration. Ce n'est que trois fois plus rapide. La raison pour laquelle je fais cela, comme je l'ai déjà expliqué, tout ce que je fais en ce qui concerne le chapitre 3, tout ce qui reste à faire est de donner un peu plus de raffinement à la peinture en termes de brossage et d'autres choses, et peut-être quelques petits patchs de couleur ici et là pour faciliter les transitions. Peut-être peindre des choses qui me semblent trop criardes ou trop exagérées. Et, vous savez, apportez ce tableau à quelque chose d'un peu plus complet pour cette démonstration. Ici, par exemple, j'ajoute une partie de l'occlusion ambiante qui couvrirait le haut de sa tête, aussi les sockets occlusion, occlusion ambiante là aussi. Raffiner certains iris, juste des petites choses ici dans l'ombre sous le monstre. C' est un gris plutôt chaud que j'utilise. Donc maintenant je peux utiliser le tableau numéro 4 pour me faire sauter plus dans le blues. Encore une fois, ne pas tracer toutes les couleurs le long du chemin, mais tracer juste assez de couleurs pour qu'il y ait un mouvement de couleur là-bas. Une pensée que je viens juste d'avoir, eh bien, littéralement regarder cette démonstration en cours de lecture devant moi, est que plus la zone est importante, peut-être plus vous voulez tracer de couleurs le long d'un certain chemin dans un graphique donné. Alors que les zones mineures comme la petite ombre sous le monstre, par exemple, peut-être vous avez seulement besoin de tracer deux ou trois couleurs pour qu'il soit suffisant. Vous pouvez voir ce qui se passe exactement sur le ventre des monstres, par exemple. C' est une partie importante de ce tableau. Et regardez toutes les couleurs que je dessine là pour montrer divers mouvements le long de la roue de couleur. J' ai l'impression de zoomer sur l'un des tableaux de couleurs et de montrer au spectateur ce que je fais dans le ventre par rapport à l'ombre du cache sous le monstre et peut-être dans la grotte comme si je peins maintenant, Je suis un peu en train de zoomer un peu ces tableaux de couleurs et de tracer l'essentiel nu. couleur est la partie la plus subjective de la peinture. Ce n'est pas comme la perspective où il y a un manuel, manuels littéraux sur la façon de dessiner une perspective correcte qui n'existe pas avec la couleur. Je veux dire, il y a aussi des manuels sur la couleur. Ne vous méprenez pas, mais tout à voir avec la couleur est une simple suggestion. principes généraux qui ont tendance à donner des résultats agréables. Ce que vous devez à vous-même en tant que peintre, c'est de connaître ces suggestions générales comme ces tableaux que je vous montre ici assez pour pouvoir les utiliser de manière cohérente. La bonne application de cette mesure dépend essentiellement de votre jugement. Et tu sais, c'est là que le goût entre en jeu. Je veux dire, j'ai eu des gens, seulement peu de gens heureusement, mais les gens me disent que j'utilise trop de couleur dans ma peinture. Et je suis genre, Ok, je vois pourquoi tu dis ça. Je n'utilise pas toujours autant de couleur comme cette peinture que je fais ici est assez colorée. J' ai choisi ce sujet parce que je pense que c'est un bon exemple de la façon d'utiliser ces graphiques. Mais vous pouvez également utiliser ces graphiques d'une manière minimale et garder votre couleur très modérée. Et bien sûr, je l'ai fait dans mes tableaux aussi. C' est vraiment à votre personnalité et à votre esthétique. Et d'accord, donc voici où j'ai fini avec cette démo. Encore une fois, j'ai choisi ce sujet parce que je pense que c'est un bon exemple de la façon dont vous pouvez combiner différents graphiques et une façon très évidente parce que c'est une peinture assez colorée. Passons maintenant au chapitre 4 et parlons d'un aspect différent de la couleur que vous devez traiter assez souvent. 11. Comment traite les couleurs locales de la nature: Bienvenue au chapitre 4, vibration des couleurs. Ceci est l'un de mes sujets préférés personnels dans ce chapitre, va gagner plus de compréhension sur la façon dont l'œil détecte le mouvement de la couleur tout au long de la roue de couleur, une compréhension de la façon dont la nature traite les couleurs plates, un système pour garder nos couleurs intéressantes et vivantes dans nos peintures, renforceront notre compréhension de la théorie des couleurs de la nature. Et nous allons développer quelques modèles de couleurs simples que nous pouvons choisir ou combiner lors de l'attribution de ces idées de couleurs. Alors on y va. Dans le chapitre 2, j'ai parlé des limites inhérentes à l'identification des couleurs par leur nom, et de la façon dont nous avons besoin de modificateurs de température comme plus chauds ou les plus froids pour nous aider à déterminer quelles couleurs peindre. Armé de cette connaissance, un de mes étudiants a peint cette étude d'une pomme, et c'est bon, ça marche. Je pense que ce qui fonctionne ici, comme nous l'avons discuté dans les chapitres 2 et 3, nous sommes en mesure de dire que les rouges de cette pomme sont généralement du côté plus frais en se déplaçant autour de la roue de cette façon, ainsi que dans le gris ce façon. C' était des trucs des chapitres 2 et 3. Et c'est une peinture fonctionnelle en conséquence. Et pourtant, je suggère qu'il est encore possible de presser plus. Appelons ça l'énergie des couleurs, peut-être quelque chose comme ça. Maintenant, il y a un peu de caricature intentionnelle ici, mais savoir comment le faire va étirer vos capacités de couleur juste ce petit peu supplémentaire. Donc, ici au chapitre 4, discutons de ce que cette modification de couleur est tout au sujet. D' abord, un quiz pop, reconnaissance des couleurs. Je suis sur le point de clignoter trois couleurs sur l'écran et vous devez les identifier ou vous êtes prêt. Jaune, bleu et rouge, non ? Eh bien, tu as raison, mais regardons un peu plus près. Ce serait un jaune plat, bleu et rouge. Ce que vous avez vu est ceci, qui se lit comme ces couleurs, mais ce n'est clairement pas la même chose. Il se passe plus avec eux. Ils ont une variété de couleurs dans une couleur. Maintenant, je propose que la nature fonctionne plus sur ce modèle qu'elle ne le fait le top. La couleur des objets et des matériaux dans la vie réelle est très rarement sans mouvement. Très souvent, les choses ont une identité de couleur locale. Ces exemples peuvent avoir une moyenne à des couleurs comme celle-ci. Mais comme vous pouvez le voir avec ces échantillons, la variété qu'il contient peut être surprenante. Cette Apple, par exemple, se lit comme lue en un coup d'œil, mais il y a beaucoup de mouvement dans ce rouge. Encore une fois, j'ai exagéré ça juste pour vous montrer ce qui est possible. Par exemple, je ne pense pas que cette couleur soit réellement sur la photo, mais à cause de la trajectoire que j'attribue ces couleurs, vous savez, la façon dont je les déplace, je pense que cette couleur est appropriée. Regardons donc une théorie rapide sur la façon dont vous pouvez déplacer les couleurs locales. D' abord, nous allons juste choisir une couleur arbitraire, ce bleu ici. Et pour ce premier modèle, nous voulons juste remuer ce sélecteur de couleurs entre les teintes. Et si je peignais ça, ça ressemblerait à ça. Remarquez que je garde mes bords assez doux avec tous ces coups différents. Bon, donc c'est un modèle. Un autre modèle serait au lieu de se remuer entre Hughes varier la saturation de la peinture de l'échantillon, ce modèle de mouvement de couleur ressemblerait à ceci. Nous finissons avec le même effet global, mais il semble différent du dernier modèle 1 troisième serait de combiner ces deux, qui ressemble à ceci sur la roue de couleur. Et ça ressemble à ça dans la pratique. Maintenant, je commence vraiment à sentir qu'on s'amuse un peu. Mais il y a un quatrième modèle. Celle-ci crée un peu plus de tension, un peu comme cette nuance bleue et la pomme, je vais commencer par ce que nous venons de faire, mais parce que nous sommes déjà en train de tourner vers le gris, en pensant à palette. Ce que je fais ici, c'est essentiellement flirter avec ce complément. Donc ce que je vais faire, c'est consommer qu'en ajoutant cette note secondaire ici, il y a une tension parce que ces deux couleurs ne touchent jamais vraiment. Donc, vous voulez vraiment utiliser la discrétion et choisir vos endroits où vous l'utilisez. Mais si vous trouvez le bon endroit pour cela, cela peut vraiment créer quelque chose de mémorable. Ok, donc voici une illustration de la mienne que j'aimerais briser. Il a beaucoup de couleurs locales différentes et j'ai l' impression que je testais la limite de ces vibrations de couleur. Donc, l'élément d'arrière-plan le plus éloigné devrait se lire comme bleu. Voici un gros plan d'une de ces sections. C' est bleu dans l'ensemble, mais toutes ces couleurs sont là-dedans causant cette vibration, ce qui, je pense, l'aide à rester en vie. En fait, j'utilisais le modal numéro trois pour ça, ce qui, comme vous vous en souvenez, ressemblait à ceci. Mais il y a aussi cette petite couleur de tension, quelque chose qui n'est certainement pas bleu. Et je n'ai pas mis cette couleur là pour décrire quelque chose de physique. C' est juste là comme un poivron de quelque chose d'inattendu. Retour à l'illustration. Cette zone utilise la même idée, mais c'est un peu différent parce que cette fois la couleur de base est déjà grise. Ce sont les pierres d'un pont. Ils n'ont pas vraiment une forte couleur locale. Si je devais choisir une couleur locale, je la mettrais ici, quelque chose de gris très neutre. Mais le même principe s'applique. Je vais bouger ça et cette fois, c'est juste remuer dans les gris. Donc, ce qui me laisse avec des teintes différentes qui sont toutes proches du gris, ce qui est ce que vous voyez à travers ces pierres. Comme une petite torsion supplémentaire, les pierres de ce côté, J'ai gardé sur le côté plus chaud de neutre parce que je me suis dit qu'ils sont plus proches de la lumière du soleil et les pierres de ce côté, je gardé plus ou moins dans les neutres frais. J' ai trouvé que ce n'était pas le choix approprié ici parce que ce pont occupe les deux tiers de la photo. Ça doit avoir l'air intéressant. J' aurais probablement coupé cette vibration de couleur en deux si le pont où dire la moitié de la taille. Ok, dernière chose sur cette illustration, regarde cette partie herbeuse ici. Il y a beaucoup de couleur sauvage là-dedans. Et certains d'entre eux sont assez illogiques, comme pourquoi ces rouges orangés sont dans l'herbe ? Ils sont là pour les vibrations de couleur. Mais la raison pour laquelle je vous montre ça, c'est que je veux vous montrer comment j'ai peint cette section. C' est un moyen rapide et facile de faire bouger vos couleurs. Ok, donc je vais peindre une boule verte là-bas. Mais au lieu de commencer par le vert, je vais commencer par quelque chose à l'opposé du vert, ce qui semble certainement contre-intuitif comme si je mettais délibérément la mauvaise couleur là, mais maintenant je vais construire ces verts dans ce qui est essentiellement une couleur complémentaire. J' utilise un pinceau qui mélange les peintures comme si c'était des huiles humides ou quelque chose comme ça. Et puis je vais la peindre comme si c'était une boule verte normale. Mais parce que je me mélange dans ce compliment ou proche complément, ces vibrations de couleur se produisent gratuitement. Et puis maintenant je vais juste mettre dans certains, disons verts plus bleus en utilisant le numéro modal 1, encore une fois, en combinant des modèles essayant de pousser pour l'intérêt. Ok, donc voici une illustration où je suis beaucoup plus modérée avec ces vibrations de couleur. Ils sont toujours là, tout comme notre pomme ici avait des variations subtiles. La peau humaine aussi. J' avais une couleur de base à l'esprit comme ça. Puis j'ai juste bougé autour de cette couleur et trouvé ces variations. Tu sais, ils font quelque chose comme ça sur la roue de couleur, essentiellement modale numéro trois, non ? Les cheveux sont également le numéro de modèle 1, mais avec un remuement de couleur encore plus serré. Et j'ai senti que les cheveux étaient un bon endroit pour mettre une couleur de tension. Ce sont ces notes de couleur turquoise que vous voyez tout au long. Maintenant, cette couleur est assez loin du reste des couleurs de cheveux. Et c'est précisément pour ça que j'ai gardé le reste des couleurs de cheveux si proches ensemble. Donc, j'ai eu un peu de place à respirer pour zapper dans cette vibration de couverture. Le lièvre aurait fonctionné sans ça ? Bien sûr. C'est mieux avec ça ? Eh bien, c'est à vous de décider. Je pense que oui. Aussi pourquoi ce bleu, pourquoi pas une autre couleur ? Raison assez simple que j'ai choisi ce bleu parce que le trône sur lequel elle est assise semble bleu. J' ai pensé qu'avoir de petits fragments de ça apparaître dans les cheveux pourrait aider à unifier la pièce ou à la coller ensemble d'une manière ou d'une autre. Juste un rappel rapide que la couleur est la partie la plus subjective de l'art. Et cette classe est pleine de principes qui fonctionnent, mais c'est à vous de les utiliser à votre discrétion. Très bien, alors faisons un tableau ici, et je veux vous montrer comment j'aborde ce genre de choses dans une vraie situation. Ceci est en fait basé sur une véritable illustration commerciale que j'ai fait récemment. Ce sera un soldat à cheval. Vous porterez un uniforme rouge vif avec quelques broderies dorées et une plaque de poitrine verdâtre aussi. Donc beaucoup de couleurs locales ici. Je vais commencer à rudrer dans cette veste rouge. Et j'utilise ce pinceau et Photoshop qui a la dynamique colorée activée, ce qui fait changer la teinte et la saturation pendant le coup de pinceau. Donc, je vais utiliser ça un peu pour obtenir des vibrations de couleur préliminaires là-dedans gratuitement. Et là, je suis passé à un outil de salissure. Et comme vous pouvez le voir, je suis devenu sauvage ici et je me trompe de couleurs. Je veux dire, ça ne ressemble pas à une veste rouge, n'est-ce pas. Mais je fais ça exprès pour te montrer sur une roue de couleur ce que je fais en ce moment. Je joue en quelque sorte dans cette gamme ici. Finalement, je veux venir ici avec cette veste rouge. Alors que je construis à partir de ces blocs en couleurs à cela, je vais gérer simultanément ces vibrations de couleur que je laisse derrière moi. L' autre chose qui peut aider juste en termes de calibrage de votre état d'esprit pour ce type d'utilisation des couleurs est d'essayer de commencer sans dessin de ligne. Au lieu de cela, trouvez votre dessin en même temps que vous déterminez votre couleur. Maintenant, c'est plus difficile à faire. Donc, cela pourrait être une astuce de niveau plus avancé, mais d'après mon expérience globale, vous vous trouverez beaucoup plus libre avec la couleur pour une raison quelconque, lorsque vous n'êtes pas limité à un dessin au trait, dessins au trait peuvent inspirer un petit peu de la mentalité de remplissage de couleur, ce qui est totalement bien. Mais dans ce chapitre particulier, ce que nous voulons faire, c'est exercer un peu le contraire de cela. Ici, je suis allongé dans une partie de la broderie dorée et des fioritures le long du manteau. Et vous remarquez que mon sélecteur de couleurs est à peu près au milieu du spectre de saturation. Je me retrouve souvent à faire cela comme une sorte d' approche tactique parce que si je suis au milieu, j'ai le choix d'aller plus saturé ou moins saturé. Donc, si je pense au modèle numéro 2 pour générer ces vibrations de couleur commençant au milieu par opposition à un côté extrême du spectre peut vraiment aider. Donc, jusqu'à ce point dans le tableau, j'ai surtout regardé la couleur. Il est maintenant temps d'obtenir cette valeur essentielle, la lumière contre l'ombre. Et avec ça, je m'assure que mes formes sont correctes. Tout ce qui comprend le reste des principes fondamentaux de la peinture. C' est pourquoi j'ai un peu ralenti récemment ici pour mettre tous les petits morceaux de dessin que je ne peux pas vraiment faire rapidement. Peu de détails dans le costume et vérifier les proportions et la perspective, sachant que j'ai la couleur dans ma poche arrière, tout cela plus technique peut arriver maintenant. Donc, si vous regardez ce que je fais dans le côté léger juste ici, cette veste va lentement mais sûrement vers les rouges plus saturés que je veux finir avec. Mais même ici, je ne choisis pas seulement un rouge. Je joue en utilisant le modal numéro un avec des rouges plus chauds, des rouges plus froids, vous savez, de Violet, des choses comme ça. Maintenant, cela soulève quelque chose d'assez important. Dans le chapitre 2, nous avons tout parlé de la façon dont la source lumineuse influence la température de couleur, comment elle est le principal moteur de la température de couleur. En fait, les changements de couleur que je fais ici, ne répondent que partiellement à la lumière. Je laisse la lumière dicter une direction générale. Par exemple, cette personne est frappée par la lumière du soleil, ce qui signifie qu'en général, les rouges dans la lumière seront globalement plus chauds que les rouges dans l'ombre. Mais même dans ces deux catégories, je vais toujours jouer avec des rouges chauds et froids à la lumière, et des rouges chauds et froids dans l'ombre. Ça pourrait ressembler à ça sur une roue de couleur. Ce seraient les rouges et la lumière. Et ce seraient les rouges dans l'ombre. Un petit chevauchement, c'est tout à fait correct. Mais vous pouvez également voir la direction générale de la couleur inspirée par la source de lumière, comme dans le chapitre deux. Et quand je décris ces couleurs, je ne devrais pas dire lire, devrais-je ? Ce sont les températures de couleur qui contribuent à quelque chose qui se lit comme rouge. D' accord, quelque chose d'intéressant est sur le point de se passer ici. Je travaille à faire lire cette plaque thoracique comme verte et regarde à quelle vitesse cela tombe en place. Je veux dire, la vidéo est accélérée, mais ça arrive rapidement dans la vraie vie aussi. Quoi qu'il en soit, la raison pour laquelle je pense que c'est si cool est qu'il donne un aperçu de la façon dont nos yeux perçoivent réellement la couleur. Vous pourriez penser que pour que quelque chose soit vert, il doit être vert, mais ce n'est pas le cas. Voici quelques nuances de ce qui semblait vert sur le tableau, les regardant isolés comme ça. Tu penses probablement que ça n'a pas l'air vert du tout. Mais regardez ça, déplacez-les sur le tableau et ils deviennent par magie verts. Ok, alors quelle est l'explication de ça ? Mon chemin du rouge au vert ressemble à ça. Maintenant, je n'ai pas vraiment besoin d'aller à la fin de ce chemin juste pour que la couleur ait l'air vert. Je pourrais m'arrêter quelque part au milieu, comme n'importe où ici. Et c'est le truc. L' œil lit la direction de la couleur. C' est le mouvement plus qu'il lit la couleur elle-même. Donc, une fois que vous commencez à tracer quelques points le long de ce chemin, l'œil dit, Hey , vous avez commencé ici, presque sûr que vous allez ici, enlevez un peu, laissez-moi faire un peu de travail pour vous. Maintenant, sur la base de mon expérience d'enseignement et en tant qu'étudiant moi-même, je sais que cela est contre-intuitif à ce beaucoup de gens pensent quand ils entrent dans la peinture. La plupart des étudiants sont très rigides avec la couleur. Donc, comprendre et obtenir une bonne couleur nécessite généralement un peu de changement latéral dans votre pensée. Et encore une fois, j'ai conçu toute cette classe pour frapper en quelque sorte les points forts, ces moments aha que j'ai eus tout au long de mon voyage avec la couleur. Donc, cette démo a l'air bien. Ce n'est pas encore une illustration complètement terminée, mais cela démontre un bon flux de travail à utiliser lorsque vous voulez incorporer ces vibrations de couleur, n'est-ce pas ? Passons au chapitre 5, où nous discuterons de la façon dont les différentes palettes influencent l'humeur de votre travail. 12. Palettes de couleurs courantes et études maîtres: Ok, bienvenue au chapitre 5. Donc, avec toutes les informations que nous avons débloquées jusqu'à présent, nous pouvons maintenant plonger nos orteils dans des palettes de couleurs. palettes peuvent ouvrir la voie à une expression vraiment artistique de la couleur dans ce chapitre permettra de mieux comprendre comment choix de couleurs peuvent affecter l'humeur de vos peintures. Une compréhension des palettes courantes, vous pouvez utiliser maintes et maintes fois, quelques conseils sur la façon de structurer vos couleurs au sein d'une palette donnée. Vous souhaitez utiliser une compréhension plus approfondie de la façon dont les couleurs apparaissent différentes dans différents contextes. Et le lien tout important entre le choix d'une palette avec le réglage de l'éclairage de votre environnement ou d'une peinture. Je pense qu'il n'y a pas de meilleure façon de voir la puissance des palettes de couleurs qu'en regardant l'art des touches de couleur, les touches de couleur sont de très petites peintures, souvent rendues sans aucun détail. Ils existent simplement pour communiquer l'ambiance générale de la scène. Et c'est ce qu'une palette de couleurs fait. Il informe l'humeur. Maintenant, il ne dicte pas complètement le mode. Le mode est créé par plusieurs facteurs. Par exemple, le sujet, la façon dont vous l'allumez, la façon dont vous le composez, et bien sûr, la palette de couleurs aussi. Toutes ces choses contribuent à l'ambiance générale. La palette de couleurs est là pour, disons, améliorer l'ambiance lorsque tous vos autres éléments sont en place. Par exemple, votre structure de valeur, votre composition, la palette de couleurs peuvent vraiment être un outil puissant pour suggérer au spectateur ce qu'il devrait ressentir lorsqu'il regarde un tableau donné. Ce sont deux touches de couleur de Paul, la même chose pour le film Seigneur des Anneaux. Et ils utilisent tous les deux une palette très commune appelée une palette monochromatique. Une palette monochromatique se caractérise simplement par toutes les couleurs de la peinture résultant d'une seule teinte. Et parce que ce n'est qu'une seule teinte, il est toujours évident de quelle couleur est basée une palette monochromatique. Maintenant, laissez-moi vous montrer ce qu'une palette monochromatique n' est pas si j'ai pris une de ces peintures ici, ai convertie en niveaux de gris et ensuite ajouté un filtre photo sur le dessus pour ramener de la couleur. Je veux dire, je suppose que c'est techniquement monochromatique, mais ce n'est pas un bon exemple de ce qu'une palette monochromatique peut faire. C' est pour moi des niveaux de gris avec une tentative désespérée de couleur sur le dessus. Et c'est parce que lorsque j'échantillonne les couleurs ici, vous remarquez qu'elles semblent toutes verrouillées au même niveau de saturation. C' est comme s'il y avait un mur invisible. La température de couleur ne change pas, ce qui signifie essentiellement que c'est un niveau de gris glorifié. Si nous ramenons la peinture originale là-bas en haut, nous pouvons vraiment voir ces changements de température. Et ce qui est vraiment magique dans une palette monochromatique, c'est qu'il facile de donner l'illusion qu'il y a d'autres couleurs dans la peinture. Par exemple, les rochers de cette zone ont l'air très terrestre, Tony, n'est-ce pas ? Presque comme une ombre brute ou quelque chose, ces couleurs lisent vraiment comme chaudes. Mais si j'échantillonne cette zone et supprime cette nuance de la peinture, elles sont en effet bleues, juste un bleu désaturé, ce qui, comme vous vous souvenez d'un exemple de palette gratuit dans le chapitre 1, signifie que cette couleur est se déplaçant, dans ce cas, contre le bleu plus saturé ici. Ce bleu moins saturé semble tellement plus chaud, plus chaud parce qu'il va vers le gris, ce qui signifie effectivement que cela va vers le côté chaud de la roue de couleur. Notre œil enregistre ce mouvement et le lit donc comme chaud dans ce contexte. Et c'est précisément ainsi que vous pouvez avoir couleurs chaudes et fraîches même si toute votre palette est basée sur le bleu. Je vais essayer ceci moi-même où je prends la même scène, mais au lieu d'utiliser une palette monochromatique bleue, j'utiliserai cette palette monochromatique rouge. La première chose que je fais est de commencer par un rouge très intense. Et maintenant que j'ajuste la température de couleur, regardez ce que je fais avec la saturation, en la diminuant à droite, en la déplaçant vers le gris, vous pouvez commencer à augmenter ce rouge, essentiellement le gris que vous allez, le plus il va commencer à chercher plus cool. Maintenant, la froideur maximale que je peux obtenir avec cette palette est 100% gris. Donc ce que j'aime faire, c'est réserver que pour un peu plus tard dans le tableau quand je sais où je pourrais vouloir utiliser ça, tu sais, c'est un peu comme si je ne voulais pas jouer toute ma main tout de suite. Gardez quelques cartes près de la poitrine, mais une touche de couleur va vite. J' ai établi mon gradient global. Le rouge le plus chaud est en arrière-plan. Ensuite, quand on va au premier plan, il va devenir de plus en plus froid rouge. Donc, je suis confiant maintenant de diminuer cette saturation comme je le fais ici et de bloquer certains de ces rouges vraiment plus froids. Et vous pouvez voir où je suis dans le spectre de saturation, je suis presque gris. Je veux dire, pour l'instant, je suis presque parfaitement gris. Et vous pouvez voir que ce rouge a l'air bleuâtre. Il n'aura jamais l'air bleu, juste bleuâtre. Ou encore une fois, la meilleure façon de dire que cela ressemblera à des réchauffements et des refroidissements. Peu importe ce que sont les couleurs. La raison pour laquelle vous utiliseriez une palette monochromatique est si vous voulez utiliser la saveur émotionnelle d'une couleur. Maintenant, je n'adhère à aucune science particulière derrière cela, mais la lecture est généralement associée au feu, au drame ou au danger. La clé que je fais en ce moment est certainement me sentir dramatique. Même si ce n'est qu'un ruisseau babling. On dirait que quelque chose est sur le point de se passer ici. La couleur semble juste laisser présager une sorte d'événement futur. Donc, si vous racontez une histoire où cela correspond au récit, alors peut-être une palette de couleurs rouges monochromatiques comme celle-ci est exactement ce dont vous avez besoin. Peut-être que cette palette ne fonctionnerait pas si bien pour l'ouverture d'Anne aux pignons verts. Sur le plan technique, une chose que j'ai remarqué avec les palettes monochromatiques est que le plus grand changement de température semble se produire dans les valeurs plus sombres. Comme si vous regardez le premier plan, j'ai vraiment un sens pour les rouges chauds et froids dans ces ombres sombres au premier plan. Ce sont des valeurs sombres là en arrière-plan où les valeurs de la pièce sont beaucoup plus légères. Aller gris là-bas avec ces valeurs de lumière ajoute certainement chaud contre cool. Juste selon moi, il ne semble pas qu'il ajoute autant quand les valeurs sont plus légères, les rouges plus froids ici semblent sortir le plus et les valeurs plus sombres. Et de même, s'il s'agissait d'une peinture monochromatique bleue, les bleus les plus chauds sortiraient le plus dans les bleus les plus foncés. Maintenant, je vais être totalement honnête. Je ne peux pas expliquer pourquoi c' est juste quelque chose que j'ai remarqué visuellement. Et je vous encourage à mener des expériences comme celle-ci et à voir si vous arrivez aux mêmes conclusions. L' autre conseil que j'ai quand je peins dans une palette monochromatique est s'assurer que vous avez une sorte de variation de température sur toute l'image. Vous pouvez avoir un plan global. Par exemple, dans cette pièce, il y a plus de variations de température au premier plan par rapport à l'arrière-plan. Cependant, si vous regardez l'arrière-plan, vous pouvez voir que j'ai encore poivré dans quelques-uns de ces rouges plus frais là-bas. Cela garantit juste que la pièce ne stagne jamais. Autrement dit, la couleur cesse de bouger. Tu ne veux presque jamais ça. Voici mon étude de palette monochromatique rouge. Cette toile a été gardée très petite d'ailleurs, ce qui est égal pour le cours avec des touches de couleur. Et c'est quelque chose que j'ai vraiment encouragé de vous laisser vous concentrer sur les traits larges littéraux. Ok, la prochaine pastille dont nous voulons parler, si nous avons juste utilisé une couleur là pour une palette monochromatique, élargissons nos horizons et utilisons l'égout trois couleurs. Maintenant, au chapitre 1, nous avons regardé une palette complémentaire qui utilise deux couleurs opposées sur la roue des couleurs. Cette fois, cependant, gardons nos couleurs les unes à côté des autres. Ceci est appelé une palette analogue. Palette analogique signifie simplement que les couleurs utilisées sont à côté de l'autre sur la roue de couleur. Maintenant, les couleurs voisines que vous choisissez peuvent être n'importe où sur la roue de couleur. Ils peuvent passer de bleus, violets, ou rouges, deux jaunes. Mais je recommande de le garder à une petite tranche de la roue de couleur. Voici Norman Rockwell utilisant une palette analogue. Ce que j'aime dans ce tableau, c'est que Rockwell annonce les deux extrêmes de sa palette. Il y a ce jaune saturé pour le ciel et le rouge saturé pour le bandana a toutes les couleurs de la peinture correspond à ces extrêmes. Maintenant, leurs vêtements semblent plutôt verts, ce qui serait au-delà du jaune. Mais en l'échantillonnant, c' est juste une orange légèrement moins saturée. C' est une de ces choses qui n'est pas du tout intuitive. L' identité perçue d'une couleur peut changer en fonction du contexte dans lequel elle se trouve. Et les palettes dont nous parlons sont ce contexte, par exemple, ici, que le bleu avait l'air chaud. Tu te souviens ? Mais si j'apporte ce bleu dans ce tableau, il fait froid. C' est parce que je l'ai retiré de son contexte. Donc, sur le sujet des contextes, je veux vous montrer quelque chose qui se passe spécifiquement avec une saturation élevée. J' ai cette très haute saturée, jaune vif. Je vais juste le peindre dans cette toile ici, non ? Quelque chose se passe lorsque vous avez une couleur saturée très brillante sur votre toile. Pour commencer. J' ai surchargé le jaune tout de suite. Je ne peux pas vraiment devenir plus jaune que ça, non ? Donc, la seconde je recule cela, même légèrement grise et je l'ai mis en C, cette couleur devrait paraître jaune parce qu'après tout, il est encore assez jaune, mais contre ce qui est complètement jaune fort. Ça ressemble à autre chose. Cela semble presque verdâtre ou peut-être plus grand qu'il ne l'est réellement, ou plus comme une ombre ou une couleur terreuse, même si c'est un jaune assez saturé. Donc, c'est comme si une couleur saturée brillante biaisait les conversations de couleur tellement qu'elle agrandit les changements des autres couleurs. Par exemple, si je déplace ce sélecteur de couleur légèrement vers le bas vers le rouge et dire note un peu. C' est un orange vif. Je l'ai posé bien qu'il ait l'air rosâtre. Si je passe à quelque chose de vraiment rose comme ça ici, peut-être que le grade a même fait plus. Regarde ça, ça a l'air violet. Et la raison pour laquelle ça arrive, c'est parce qu'on le compare à ce jaune super fort. Encore une fois, c'est pour vous montrer l'impact du contexte avec cela à l'esprit, commençons le prochain exercice. Parce que l'objectif de notre étude est de capturer rapidement la couleur. Ça ne me dérange pas de commencer par tracer le dessin et je demande à Photoshop de le faire pour moi. Je vais dupliquer le calque, aller à Filtrer, Styliser, trouver des arêtes, et Photoshop me donne un dessin au trait. Et ici ce que je vais faire est de contrôler un, contrôler C, ouvrir un nouveau canevas, collé là et redimensionner ce canevas. C' est beaucoup trop grand pour une clé de couleur ou une étude pilote. Il le ramène à 700 pixels de haut. C' est bon, et maintenant ce que je peux faire est juste D saturer ces couleurs parce que je n'ai pas besoin qu'elles soient bleues ou quoi que ce soit, et changer le calque pour se multiplier. Et maintenant, sur une couche en dessous, je peux commencer à peindre. Et bien sûr avec la référence, je vais me débarrasser de mon dessin au trait et juste le placer à côté de mon bureau. Ok, donc ma fenêtre Calque est hors écran parce que je ne vais peindre que sur un seul calque. La première chose que je vais faire est de bloquer ce jaune vif extrêmement saturé, ce qui fournira ce contexte comme nous venons de voir pour toutes les autres couleurs à relier. Il y a un peu de transition orange vif ici pour maintenant quand les couleurs sont voisines comme ça, vous pouvez vraiment être généreux en gardant la saturation. n'y a pas besoin de les relier à travers le gris. Ils sont liés par eux étant voisins sur la roue de couleur. Donc, je ne vais même pas penser à la saturation, juste garder la même saturation et mettre ce truc orangé ici. Peut-être un peu plus rougeur que nous allons. Je sais que je peux aller jusqu'au bout. Donc ce rouge ici, mes gammes. Limité à environ cela dans cette palette analogue. En passant, lorsque vous faites cette chose Find Edge, Photoshop vous donne cette sorte de bruit ennuyeux à la peinture, au dessin de ligne. Donc, parfois, je vais juste sauter dans la fenêtre Layers, pousser Control L pour les niveaux et juste un peu me débarrasser de certains de cela. Vous n'avez pas besoin de fidélité dans le dessin au trait, non ? Je peux perdre beaucoup de ces informations. Ça n'a pas d'importance. Je vais le peindre de toute façon. Donc quelque chose comme ça, je vais revenir à l'arrière-plan et continuer à travailler. Ok, alors qu'est-ce qu'on veut faire ici ? Mais en se souvenant que les valeurs sont vraiment une grande partie de la peinture. J' ai besoin d'avoir des trucs basiques sur la silhouette. Et je pense qu'une évidence serait ce rocher géant. Maintenant, en regardant ça et je suis honnête avec toi ici, je ne sais pas de quelle couleur c'est. Je dois le découvrir. Je suis presque sûr que ce ne sera pas à l'extrême jaune, va probablement être quelque part au milieu et probablement, évidemment, plus sombre et quelque chose peut-être un peu plus désaturé peut être quelque chose là-bas. Et encore une fois, cette couleur est assez saturée avec laquelle je peins, mais elle semble assez désaturée à côté de ces jaunes et rouges très saturés. Je dois commencer à relier ces couleurs ensemble. Rappelez-vous tout ce qui concerne le contexte. En ce moment, j'ai à peine un contexte avec lequel travailler. Je le construis au fur et à mesure que je vais, puis je peux commencer à évaluer. Donc, par exemple, contre cela, maintenant peut-être que je peux essayer d'obtenir leurs tons de peau, qui pour moi semble peut-être un peu plus sur le côté orange et évidemment plus léger, peut-être un peu moins saturé, peut-être quelque chose comme ça. Notez que c'est deux rosés. J' aurais dû m'y attendre avec une démonstration que je viens de vous montrer il y a une minute. Plus vous obtenez d'expérience avec la couleur, plus vous êtes en mesure de prédire l'apparence de certaines couleurs. Mais il est impossible d'avoir un catalogue mental de chaque relation de couleur. Il n'y a que des millions de possibilités, non ? La chose que vous voulez être capable de faire est de m'ajuster, c'est deux rosâtre qui est noté. Je peux peut-être te faire ça plus tard, mais je veux m'éloigner du rose. Donc je vais retourner vers le jaune, peut-être ajouter un peu de saturation et peut-être que quelque chose comme ça est mieux. Je pense que c'est plus proche et je peux probablement commencer ici. Et en passant, je ne ressens pas le besoin de dessiner les mains ou de dessiner les bras corrects ou quoi que ce soit du genre. C' est un peu plus sombre avec ça. Et amenez les silhouettes ici. Maintenant, le ton de chair contre le ciel est beaucoup trop gris, même si ce n'est pas gris du tout. C' est seulement là. Regarde comme ça a l'air génial dans la peinture. Donc je vais le faire un peu d'arcs rouges. Je le vois là-bas. rhétorique dans le tableau en a saturé, quelque chose comme ça. Et puis une fois que j'aurai ça, je pourrai peut-être le saupoudrer dans les tons de chair existants ici et me rapprocher un peu de la peinture Rockwell. Mais plus important encore, je commence à harmoniser ces couleurs parce que j' ajoute une sorte de couleur d'apparaître dans les zones environnantes. palettes analogues sont des palettes limitées en général sont très bonnes pour cela parce que vous avez seulement quelques couleurs à choisir. Donc, inévitablement, vous partagerez les couleurs tout au long de la peinture qui crée l'harmonie des couleurs. Donc, plus cette orange moins saturée, comme je l'ai établi, c'est un peu trop léger, alors allons-y un peu plus sombre, même un peu plus sombre que ça. Et c'est incroyable à quel point ça a l'air vert. Je peux tester cela comme quels sont les paramètres de ce vert comme si je le rendais plus rougeâtre ? Est-ce que ça a toujours l'air vert ? Sachez que ça commence à paraître rouge. Alors annulez ça. Retourne là où j'étais. Comment si je le pousse plus jaune, à quoi ça ressemble ? Ça a l'air encore plus vert. Regarde ça. Un jaune légèrement moins saturé semble vert, ce qui est logique parce que le jaune est plus proche du vert que les oranges. Je pourrais aussi, vous savez, j'ai mes deux verts différents ici. Je peux toujours en goûter. Appuyez légèrement sur ma tablette et échantillonnez le résultat. De cette façon, je mélange la couleur sur la toile. Tout comme un peintre à l'huile peut mélanger les couleurs de votre palette. J' utilise le bouton Annuler quand je peins, mais je suis très rarement attaché à lui comme je ne l'annule que si je n'aime pas la forme que je fais. Je défais rarement si je n'aime pas un choix de couleur. En fait, j'encourage presque les couleurs à être citation non citation mal, parce que alors vous pouvez juste peindre sur eux. Et quand vous peignez sur des couleurs, vous créez tous ces contextes intéressants et inattendus avec elle. D' accord, donc j'ai accélérer la vidéo juste un peu ici, et je remplis toutes les couleurs qui vont là-bas. Je ne choisis pas vraiment de nouvelles couleurs. Je suis juste en train d'échantillonner les décisions de vêtements que je suis déjà arrivé. Le mettre là. Si une valeur semble avoir besoin d'assombrir, je vais juste l'assombrir sans trop penser au changement de couleur. Cette valeur ici sur son, ses vêtements avaient besoin d'éclaircir un peu. La silhouette du rocher. Il lit plus clair sur le rocher plus sombre. Donc, j'augmente un peu la valeur. Leurs cheveux deviennent évidemment plus foncés, et j'ajoute un peu de rouge aux cheveux pour les rendre plus brunâtres. Sachant que j'ai un peu plus d'une lecture extrême à obtenir pour le bandana, ce que je fais ici. Donc, je suis fondamentalement maintenant j'ai mis dans les deux extrêmes, ma palette analogue, ce qui est quelque chose que je recommande quand vous avez une palette analogue et que vous savez ce que sont vos deux extrêmes, que vous devriez avoir une idée d'y entrer. Essayez d'obtenir ces extrêmes sur la toile dès que vous le pouvez. En plus des extrêmes, essayez d'obtenir quelques couleurs intermédiaires comme leurs vêtements et le rocher là-bas. De cette façon, vous commencez à établir une idée visuelle de ce que fait votre contexte de couleur. Vous savez, ce qui lit sa chair dans ce contexte, ce qui se lit comme un vêtement vert foncé, ce qui lit ses cheveux, etc. Maintenant, à ce point de la peinture, je vais juste supprimer complètement le dessin au trait, juste m'en débarrasser. Vous n'avez pas besoin d'être littéral avec ça, et je vais continuer à travailler à partir d'ici. Par exemple, cette roche doit être plus sombre. Donc, au lieu de la viande comme fouetter et choisir une couleur et l'essayer, je vais juste faire quelque chose comme ça. J' ai un pinceau ici qui est en mode multiplicateur. Ce pinceau est livré avec mon pack de pinceaux inclus dans ce cours, mais c'est juste un pinceau rond régulier par défaut avec quel bord est activé, réglé sur le mode multiplier. Le rocher semble plus rouge, donc traînez-le jusqu'au rouge. Et c'est une brosse multiplier. Je vais choisir une couleur plus claire. Et je vais juste mettre ce pinceau au travail. Peut-être un peu plus sombre que ça et assombrir ce rocher pour lire. Je ne me fiche même pas vraiment de la couleur qui en résulte. Je suis juste en train de l'évaluer visuellement. C' est-à-dire, je me fiche de quel pixel c'est. Je le regarde visuellement. Il doit être encore plus sombre ici où les plans de la roche tournent sous. Donc je vais bloquer ça. Et je ne me fiche plus du dessin exact, mais je ne vais certainement pas essayer de copier tous les petits recoins de ce visage rocheux. Ça n'a pas d'importance. Ce serait important si je faisais un tableau final, mais pas dans une étude de palette de couleurs, vous remarquez que je n'ai même pas encore le chien bloqué, mais il va être clair sur les choses sombres ici. L' établissement de ces sombres servira donc à deux fins. Je pourrais aussi avec ma même brosse multiplier peut-être aller jusqu'à un jaune et glaçage une partie de cette couleur dans la roche. Je sais que cela fonctionnera dans le contexte parce que je suis dans ma palette analogue. Encore une fois, c'est la belle partie sur les palettes limitées. C' est moins de chance pour toi de foirer parce que tu n'as que tellement de choix. L' harmonie des couleurs est généralement établie lorsque vous avez des teintes similaires qui apparaissent dans différentes saturations tout au long de la peinture. Donc travailler avec une palette limitée, comme cette palette analogue ici, va vous être plus facile parce que les teintes sont déjà prédéterminées. Il est beaucoup plus facile de les harmoniser quand on n'a affaire qu'à quelques-uns. Et tout cela est juste avec ma brosse multiplier. J' ai remarqué les valeurs plus sombres là-bas. Je peux expérimenter avec des rouges plus foncés. Peut-être que je vais même aller jusqu'à mon rouge extrême ici et commencer à ajouter que comme un sombre peut-être comme sous son visage est chapeau peut aller un peu plus sombre. La bonne chose à propos de la brosse multiplier est qu'elle garde l'intégrité de la couleur que vous avez déjà là. Donc tu sais, je pourrais mettre tout le tableau un peu plus rouge comme ça et regarder, ça marche. C' est juste un peu plus rouge, mais dans les mêmes relations que j'ai déjà établies. J' aime donc peindre en mode multiplier. C' est sans doute influencé par mon entraînement à l'aquarelle. Si l'un d'entre vous a déjà utilisé l'aquarelle, vous savez, c'est fondamentalement comme peindre sur une couche multiplier en numérique. Autrement dit, les couleurs que vous mettez vers le bas rendent le papier constamment plus sombre. Et ils tendaient vers une couleur. Donc, en ajoutant ces différentes couleurs en mode multiplier, j'élargis aussi ma palette un peu pour remplir les extrêmes que j'ai déjà établis, ses armées pour aller plus sombres ici, je vais juste rester sur multiplier et juste obtenir cela dans une petite ombre sous le chapeau. Peut-être reculer le rouge, obtenir un intermédiaire, orange. Ils sont en quelque sorte au milieu de mes deux extrêmes et sombre et sur sa poitrine sous la manche. Et ce qui est si important ici, la chose que je veux souligner, c'est que je ne suis pas particulier sur la couleur que je choisis. Pas autant que je suis obsédé par juste évaluer visuellement à quoi il ressemble sur la peinture. Je pense que trop de peintres numériques sont pris dans le fait que vous pouvez choisir chaque couleur individuelle. Et je sais, grâce à ma propre expérience d'enseignement, que je reçois beaucoup de questions de la part d'étudiants qui me disent : comment savez-vous quelle couleur choisir ? Et même si c'est une question juste, je vous encourage à la reformuler ici. Vous êtes toujours plus intéressé par les contextes. Donc, apprendre à propos de ces palettes vous donnera un bon point de départ quant aux contextes dans lesquels vous pourriez travailler. Régler vos deux extrêmes de couleur dans ce cas, et travailler à l'intérieur d'eux. Nous avons fait la même chose avec la palette gratuite du Chapitre 1. Nous avions nos extrêmes en tête. Dans ce cas, ils étaient opposés sur la roue de couleur et nous avons travaillé en eux remplissant les blancs. Ce n'est pas différent. C' est juste que mes extrêmes sont différents. Alors laissez-moi prendre une pause rapide de la peinture et développer cela. Quand nous travaillions dans notre palette complémentaire, disons ceci par opposition à cela, nous avions ces deux extrêmes et nous remplissons les blancs. Mais dans ce cas, les blancs n'étaient pas toutes ces teintes. Le blanc passait par le gris et revenait au violet, non ? C' était le remplissage du blanc dans ce tableau. C' est le, c'est plus une chose de teinte qui remplit les Hughes d'ici à ici. Maintenant, jusqu'à présent, nous n'avons pas vraiment été trop aventureux avec les gris et même la peinture Rockwell, il n'y a pas trop de super pâturages là-dedans, mais regardez ce que nous pouvons faire. Disons que je regarde ce rocher et que je suis comme, oui, c'est, c'est, qu'il lit globalement brun, je veux que cette couleur bouge plus. Tant que je suis dans mes teintes ici, je peux toujours griser ça et le traiter comme la palette monochromatique où je vais juste prendre un pinceau et je peux mettre ce rouge orangé beaucoup plus frais , quelle que soit la couleur. Et, tu sais, ça commence à avoir l'air bleuâtre. Maintenant, la peinture Rockwell n'a pas vraiment ça. Eh bien, c'est un peu le cas, mais il est juste plus sombre. Il a un peu ces petits presque cool ou passages ici. Et puis je peux commencer à trouver maintenant avec l'utilisation de gris dans mes couleurs analogues. Donc, c'est comme la palette monochromatique est juste élargie parce que j'ai plus de teintes à accéder. Mais dans n'importe laquelle de ces teintes, j'ai le droit d'aller dans ces gris et de voir ce qu'ils peuvent faire pour moi qui peut faire ça avec tout ce que je peux choisir les vêtements, non ? Dis d'accord, c'est là. Voyons ce qui se passe si je nous génial et donc liquide de refroidissement. Et regarde ça. On dirait qu'il y a une lumière bleue qui brille vers le bas. Ce n'est pas vraiment dans le tableau de Rockwell. Il s'est empêché de l'utiliser. Mais tout d'abord, cela fonctionne parce que c'est dans son contexte. C' est dans ma palette. Et je pourrais vouloir l'utiliser et me sentir libre quand vous faites ces études de clé de couleur, d'ailleurs, pour expérimenter au-delà de ce que faisait l'original. Rockwell est un peintre fantastique, mais c' est juste les choix qu'il a faits dans ce tableau. Cela ne veut pas dire que vous ne pouvez pas expérimenter avec d'autres options potentielles. En fait, il est encourageant de le faire parce que vous pouvez comprendre non seulement ce que Rockwell fait ici ou l'artiste que vous étudiez, mais aussi ce qui a pu être possible pour cette pièce. J' aime vraiment creuser dans les carnets de croquis de l'artiste, leurs études pour la peinture, parce que souvent ils explorent différentes options pour les palettes de couleurs. C' est un grand artiste aime explorer est différentes options pour les palettes de couleurs. Et oui, assez souvent, vous voyez des traitements complètement différents pour les peintures. Donc juste ici, comme son bord de la tête comme cette petite rose, ton pêche sur elle et voir si je peux trouver que c'est une glacière plus fraîche, rouge parce que ça va vers le gris. Et tu peux juste commencer à frapper les plus grands avions, tu sais, peut-être des avions auxquels il fait face avec ce rouge plus frais pendant que je suis ici. Je me demande à quoi ça ressemble même dans la chair trop sombre si je l'allège. C'est intéressant. Commencer à dévier un peu de l'original, ce qui est correct à nouveau, mais gardons peut-être un peu plus honnête dans ce cas juste à des fins de démonstration, mais encore une fois, pleinement encouragé à aller au-delà pour essayer quelque chose d'autre que ce que fait l'artiste, peut-être inspiré par les artistes. Tu sais, le plan de la main tourne là. Vous pouvez vraiment voir que ce tableau est en train de se réunir. Si je voulais mettre un peu de texture sur ce rocher, je peux devenir comme un petit pinceau pointillé et juste une sorte de dispersion dans certaine texture et ensuite avoir cela m'inspire des boucles, je ne peux pas obtenir cette couleur. Je suis tellement habitué à peindre avec des bulletins de vote complets que je vais automatiquement à l'opposé. Mais maintenant, restons-le ici. Ce rocher qui était peut-être à Brown commence maintenant à avoir une belle variété à elle. Et bien sûr, pour m'empêcher de faire trop de variété, je peux me ramener dans ces oranges rouges plus chaudes et juste construire ces backends de couleur. Donc la couleur que vous êtes toujours, c'est toujours comme un type de jeu push and pull. Poussez-le, tirez autour, vous savez, introduisez quelques gris, ramenez quelques réchauffeurs, introduisez un peu plus refroidissez-le, et continuez à pousser et à tirer jusqu'à ce que vous ayez une belle déclaration. Et par là, je veux dire une belle variété, variété peut-être inattendue. C' est là que le ciel descend et que vient de frapper ces petits plans supérieurs de la roche. Et c'est un joli petit exercice dans les variétés de marquage et de forme et juste essayer de faire des marques non répétitives ici que les bons artistes sont si bons à. c'est un truc de design. Cette classe n'est pas vraiment une question de design. Il s'agit de la conception de couleurs, je suppose, mais pas nécessairement comme la conception de composition. C' est un tout autre sujet. L' art a tellement de sous-thèmes qu'ils se connectent tous via les mêmes principes. Mais ils méritent d'être étudiés séparément. C' est pourquoi j'essaie d'isoler mes cours et de traiter séparément les fondamentaux. Les points forts peuvent être juste n'importe quoi dans les jaunes vraiment parce que c'est un point culminant est un reflet de la source de lumière. Donc, le petit point culminant sur son genou reflète la source de lumière, qui est le ciel jaune. Je suppose que c'est important de noter ici qu'il n'y a pas de lumière directe sur ces personnages. Essentiellement, il n'y a pas de lumière d'intimidation ici. n'y a que cette douce lumière ambiante qui descend du ciel. Et parce que ce ciel est si jaune et orange, cela explique l'utilité de cette palette. Si le ciel est la source de lumière et que ce gars est jaune brillant, orange, pourrait aussi bien faire toutes les autres couleurs dans les voisins de peinture de cela. Maintenant, en ce qui concerne l'humeur que nous sortons de ça, c'est très abstrait et je ne veux pas être ici pour dire que, Oh, les jaunes sont le bonheur et l'enfance et les rouges sont le feu et la fureur. Même si j'ai suggéré qu'avant, rouge est assez commun aussi, qu'on associe à certaines humeurs, mais pas toutes les couleurs ont ça, vous savez, quand je peins un peu la dernière chose à laquelle je pense, c'est comme, quelle humeur une certaine couleur est associée. J' essaie juste de le sentir moi-même. Comme le sentir dans vos os. C' est une de ces choses artistiques, foxy que ce n'est pas vraiment quantifiable. Comme si j'avais un client, je faisais une peinture de fond pour ou pour un spectacle d'animation. Et j'ai peint les murs comme ce vert citron sourd, ce qui m'a semblé bon. Mais le client est revenu et a dit que la couleur était déprimante. C' est le mot qu'il a utilisé était déprimant. Et il est apparu sur moi puis c'est de retour en 2004, un de mes premiers emplois et s'est posé sur moi alors comme, oh, vous savez, les gens auront leurs propres associations personnelles avec la couleur. Ce ne sont peut-être pas les mêmes que moi. Et c'est vrai avec n'importe quelle couleur du spectre. Donc, je pense qu'il est utile lors de la peinture de vous donner autant d'options que vous pouvez que vous explorez ces touches de couleur. C' est-à-dire, faites-en un comme ça avec une palette analogue de jaunes, deux rouges. Essaie la même chose là où il est piqué, comme si tu allais passer de l'orange à l'introduction du vert ici. Peut-être en essaierun ici où c'est comme du blues à la turquoise ou quelque chose comme ça. Et nous allons certainement jouer avec ça à venir dans ce chapitre. La même scène en deux touches différentes. Nous allons essayer ça comme un autre exercice. Mais pour l'instant, cette peinture a l'air bien, nous en avons presque fini avec l'étude. En fait, je pourrais juste accélérer ça, ce que je viens de commencer à faire. Et je vais parler de ce qui se passe pendant les quatre minutes restantes. La première chose que je veux souligner est de ne pas ressentir le besoin de rendre des visages ou quelque chose comme ça. Tout ce qui est détaillé comme les mains, les visages ou les poils de chien Ignorez tout ça, bloquez-le comme de gros avions, de gros blocs. Vous remarquez le personnage principal là-bas. On dirait qu'il a juste un visage plat. Je vais mettre une suggestion de quelques avions de la tête là-dedans, mais rien de grand chose. Vous essayez de capturer la perspective, je suppose que voici le chien, au fait regardons comment tout simplement cela va être peint. J' essaie surtout de capturer le contraste de ce chien. Lumière sur l'obscurité. Le chien est clair sur la roche sombre. Et le garçon qui tient le chien a de la chair de couleur claire sur la roche noire. Et si ça ressemble à un chien, c'est bon. Il n'a pas besoin d'être entièrement rendu. C' est la raison pour laquelle le Canvas est si petit. Ça ne me laisse pas vraiment entrer et rendre complètement les choses. Ici. J' essaie juste de trouver d'autres accents de couleur. Quand je dis accents, je veux dire, comme quelles sont les couleurs les plus saturées ? Nous avons commencé avec le jaune, et j'ai déjà parlé de la façon dont le rouge est également saturé. Ce sont vos deux extrêmes. Mais il y a d'autres domaines de la peinture qui ont certains, vous savez, certaines oranges regardent les sangles sur leurs sacs sont des oranges qui sortent un peu et juste des petites choses ici et là que si vous leur donnez ce petit pousser et saturation, ils sortiront juste ce petit peu et vous essayez de l'utiliser avec parcimonie. Mais c'est là. Je regarde juste le rocher de l'étude ici, et j'apprécie vraiment combien de petits quarts il y a là-dedans. Et je n'ai jamais vraiment eu l'impression que je le clouais complètement. J' ai juste poussé et tiré, comme je l'ai mentionné précédemment, au cours de plusieurs passes différentes. Je n'ai pas essayé de couvrir le rocher en un seul passage. Au début, il était juste couvert. Il était recouvert d'une couleur générique. Mais au cours de l'étude, je l'ai choisie. Ajouter du gris, c'est ramener des rouges et des oranges et l'assombrir, peu importe. Et à ce stade, maintenant que je suis allé plus loin, dire que le rocher comme quatre ou cinq fois, il n'a pas vraiment une petite déclaration de variété à elle. Il y a quelque chose qui a l'air agréable et honnêtement, je craie beaucoup de ça jusqu'à des accidents heureux, choses que j'ai découvertes en peignant cette scène. Peu importe la couleur, vous savez, vous serez toujours en mesure de vous surprendre avec apparence d' une couleur dans le contexte de votre palette dans laquelle vous travaillez. Je fais la couleur depuis professionnellement, depuis 2 mille pour mon premier emploi était peintre de fond en 2000 pendant presque 20 ans plus tard, je suis toujours surpris que la façon dont certaines couleurs regardent contre d'autres couleurs qu'il ne se termine jamais. Ce qui est excitant. Cela me prouve que j'ai choisi le bon chemin de carrière parce que je suis toujours, j'ai toujours l'impression qu'il y a une surprise à avoir. Maintenant, même si tous ces heureux discours d'accident, vous devez vous mettre en place dans un cadre pour que vos heureux accidents aient du sens. Et c'est là que les palettes entrent une fois que vous avez les contraintes, vous savez, les restrictions imposées par les palettes, c'est ce qu'elles vous limitent. Dans ce cadre clôturé, vous êtes plus susceptibles de rester dans une structure et c'est ce qui fait que les choses fonctionnent, est la structure. C' est pourquoi, en général, on ne voit jamais vraiment percées artistiques dans le dessin d'un enfant parce qu'il n'y a tout simplement pas de structure. Ils ont une petite fille moi-même. Je pense que l'art des enfants est joli pour différentes raisons, mais la structure n'est certainement pas l'un d'entre eux. Et si votre objectif est d'être un artiste professionnel dans l'industrie du divertissement, vous savez, des films, des livres, des jeux, etc. Tout ce que vous faites se résume à la structure. Il peut s'agir du dessin gestuel, de l'anatomie , de la perspective, de la conception d'environnement ou de palettes de couleurs comme ici, il y a une structure derrière chaque discipline artistique et d'accord, voici le résultat de notre palette analogue. C'est une belle photo. Et pensez juste que vous avez maintenant une palette que vous pouvez essayer sur n'importe quelle image que vous faites. Bon, maintenant que nous avons une idée de la façon de fonctionner dans des palettes limitées, Jetons un coup d'oeil à d'autres palettes limitées communes et regardons ensuite les peintures qui les utilisent très efficacement. Bien sûr, nous allons commencer par regarder la roue pleine couleur et chacune des palettes suivantes va limiter cette roue de couleur de différentes manières. Tu sais, peut-être qu'on devrait commencer par d'autres exemples de palettes analogues. Voici une autre palette analogue de Paula. Même chose. Maintenant celui-ci utilise évidemment un ensemble différent de couleurs. Il va d'un peu chaud comme les jaunes aux verts frais moyens. Et ce que j'aime à ce sujet, il semble avoir une hiérarchie comme la lumière est assignée aux jaunes plus chauds et les ombres comme ce qui est à l'avant est assigné aux verts plus froids. Donc Paula sain d'esprit a atteint un système très logique de chaud à refroidir. Un autre ici par Paul dit qui utilise cette gamme de la roue de couleur. Et bien sûr, il dépeint un endroit littéralement froid. Donc, il est logique d'utiliser des couleurs que nous considérons comme étant en fait froides, non ? Choix très logique. Un autre par dés pour me poursuivre. Celui-ci utilise une plus grande gamme de la roue de couleur, mais toutes les couleurs sont toujours analogues. Ils sont tous encore voisins. Revenons à la bonne vieille palette gratuite et jetons un coup d'oeil à quelques exemples de cela. Maintenant, le défi avec une palette complémentaire est soudainement que nous avons affaire à deux spectres opposés de la roue de couleur. Donc, ce que cela signifie, c'est que nous pouvons être trop excités avec les deux extrémités opposées et une sorte de pousser les deux à l'extrême. D' habitude, tu ne veux pas faire ça. Habituellement, ce que vous voulez faire est de choisir une couleur dominante. Comme par exemple, peut-être que c'est la couleur de la lumière, laissez cela être saturé. Et puis dans l'ombre, vous utilisez le complément, mais vous utilisez comme une version grise ou juste le contraire. Vous utilisez la version saturée de la couleur dans l'ombre et une version plus basse dans la lumière. Cette clé de couleur par Bill cone est un excellent exemple. Il utilise le côté turquoise du bleu, puis l'opposé direct de cela, qui est le rouge qui est à l'extrémité chaude du spectre. Et vous remarquerez que le bleu est la couleur que cône de bec a permis de devenir très saturé. Et en revanche, il n'a pas besoin d'utiliser autant de son rouge. Il peut garder ces rouges assez bas, mais ils lisent toujours comme si chaud parce qu' il y a encore un écart extrême entre ces deux couleurs. Celle-ci de Paul utilise un accord classique de compléments, qui est les jaunes orangés et les bleus violets . C' est un peu un classique parce que le soleil du matin est catégoriquement cette couleur et donc les ombres sont un peu catégoriquement ce bleu violet. Donc, en utilisant cela comme presque un moyen de garantir que vos températures de couleur vont s'aligner sur l'apparence de la vie réelle. Et dans celui-ci, semblable à celui du cône, ce sont les ombres qui sont favorisées par les violets deviennent plus saturées que les oranges. Et il obtient une sorte d'équilibre de cette façon. Celle-ci de Dominique Louis est la même palette est la peinture cône bec dénoyant bleu turquoise contre grade down red. Et je vous montre ceci pour souligner que le sujet est complètement différent, mais cela n'a même pas d'importance. Vous pouvez appliquer ces palettes à n'importe quoi. voici un avec exactement la même pellet, celui-là par les gens de Nathan pour Shrek. Bien sûr, nous sommes ici la nuit et la nuit et le film est rendu de façon classique avec une sorte de bleu turquoise profond. Et puis vous remarquez pour la lumière, C'est le côté opposé de la roue de couleur. Il utilise cette couleur rouge et il atteint vraiment l'objectif de faire en sorte que ces couleurs chaudes se 13. Deux Paintings, Deux Paintings, même palette: La première chose que je vais commencer à faire est de poser ces couleurs que j'ai dit que j'allais utiliser dans ce tableau, un genre de méli-mélo, un gros gâchis, les gardant assez légères. Parce que cette peinture, je veux que cette peinture se sent assez légère. Donc aussi bien commencer par là. Et là, je suis juste en rugueuse dans un dessin. J' aurais pu faire mon Photoshop trouver des bords chose, mais juste pour des raisons de changement, voici un dessin à la main réelle et ce n'est pas joli, mais il fera le travail pour un blocage de la clé de couleur dans l'arrière-plan ici. Et comme vous pouvez le voir, je suis déjà en train de bouger cette couleur. Nous avons parlé de penser à la valeur d'abord et que l' arrière-plan étant légèrement plus sombre va aider ces personnages à lire. La lumière sur l'obscurité pourrait changer cela plus tard. Je pourrais le diviser en obtenant des lumières plus claires que l'arrière-plan, puis des ombres plus sombres, mais on verra où ça va. Bloquer les choses dedans. Je choisis le truc facile d'abord, sélectionne un arbre sombre. accent sombre pour le tunnel obtient quelques valeurs qui vont m'aider à jauger ce qui est au milieu. Vous savez, par exemple, ce que je vais faire maintenant c'est bloquer la lumière du personnage, du personnage monstre. Et c'est la lumière la plus légère de la peinture. Donc je sais que tant que c'est très léger, je suis susceptible de le faire correctement. Ensuite, à partir de là, je peux mesurer à quel point je veux les ombres. Maintenant, l'une des façons de rendre une peinture très lumineuse et lumineuse est d'augmenter la valeur de vos ombres. Et il y a un nom pour ça. Ça s'appelle « High Key ». Et la clé ne fait pas référence à la couleur, fait référence à la valeur tout comme vous pouvez définir une clé et une couleur. Et dans la musique, vous pouvez définir une clé et une valeur 2. Ainsi, une clé de haute valeur fait des ombres plus légères et aussi des lumières plus légères. De toute façon, que vous pouvez voir le personnage de monstre, même s'il est surtout dans l'ombre. Cette ombre est très, très lumineuse et de valeur. Et puis les lumières ou même plus tard, bien sûr, sorte de surexposition approche, juste juste encore un peu plus contrôlée que ça. Je ne vais pas le souffler en blanc. Je garde toujours ce jaune citron. Et ce jaune citron vient de l'intimidateur, qui est le soleil. Et j'ai coloré ce soleil jaune citronné. Donc, tout ce qui est le soleil frappe, je me fiche de ce qu'est le matériau, va être ce jaune citron. C' est pourquoi c'est la couleur dominante dans la scène ou l'une d'entre elles, parce que c'est la source de lumière principale. Donc, en termes de valeur, j'utilise l'arrière-plan comme une sorte de valeur sombre moyenne. Donc, avec le pont et le monstre là-bas, lumières seront plus claires que l'arrière-plan et leurs sombres seront plus sombres que l'arrière-plan. Il le divise. Mais pour revenir à l'idée des palettes de couleurs, vous pouvez voir que j'ai les lumières jaunes dominantes dont j'ai déjà parlé, et j'ai aussi ce fond bleu là-dedans. Ces deux couleurs sont assez tout aussi saturées et oui, elles apparaissent comme les deux couleurs dominantes de la scène. Il y a des rouges là-dedans, comme vous pouvez le voir, ne parle pas du dessin de ligne rouge. Je parle du pont rouge grisâtre, mais c'est le but. Ils sont gardés dans les gris. En ce qui concerne les violets, il n'y en a pas encore beaucoup, bien qu'ils viendront probablement quand je commencerai à ajouter plus de couleur au pont comme je commence à le faire maintenant. On verra comment ça se forme. Mais si c'est bon, si ce violet finit par être vraiment tamisé gris, c'est bon. J' ai déjà trois autres couleurs. C' est plus que suffisant. Maintenant, il y a un peu de couleur supplémentaire sournois dans cette scène, bien sûr, le vert, ce monstre est vert vif. Alors comment je traite ça ? Ce que je ne veux pas faire, c'est introduire une autre couleur dominante, mais heureusement je n'ai pas à le faire. Voilà encore ma petite palette. La couleur verte, bien sûr, se trouve juste au milieu entre le jaune et le bleu. Ce qui me permet de faire, c'est de l'air sur le côté jaune du vert pour les lumières. Vous pouvez clairement me voir faire ça avec ces jaunes de citron sur le côté clair des monstres , puis de l'air sur le côté bleu du vert pour les ombres. Et si je veux me faufiler dans ce vert intermédiaire, ce vert pur que vous voyez sur ma palette là-bas. Je peux le faire un peu. Il y a quelques-uns de ces greens sur les monstres un peu de parc avant et un peu sur l'herbe. Mais même cette herbe, si vous regardez la peinture originale là, les ombres de l'herbe ou des verts bleutés et les lumières de l'herbe ou des verts jaunâtres. Donc j'ai toujours l'impression que la peinture est guidée par ces quatre couleurs. Pour les couleurs, cependant, est encore un peu. Je veux dire, il y a un peu de couleurs des quatre coins de la roue des couleurs. Et ce que vous devez faire pour gérer cela, bien sûr, c'est de vous assurer que toutes ces couleurs apparaissent, pas seulement dans leurs points saturés. Donc j'ai déjà parlé, vous savez, de divers degrés de saturation, mais ils doivent aussi apparaître dans leurs formes grises. C' est ce qui harmonise la couleur, c'est que les couleurs de votre peinture apparaissent en gris. Et là où je pense que tous ces gris se rassemblent dans ce tableau, c'est ce pont, qui est logique parce que le pont reprend comme les deux tiers de l'image. Donc, pour moi, c'est là que les couleurs devraient toutes se réunir. Vous n'avez pas nécessairement besoin de pâturage de toutes les couleurs partout. Cela peut commencer peut-être à paraître un peu désespéré, mais assurez-vous qu'ils apparaissent dans de grandes parties de l'image. C' est mon conseil général pour parvenir à l'harmonie des couleurs. S' assurer que ces gris apparaissent dans des parties de l'image qui sont, disons, assez abondantes pour être perceptibles, n'a pas besoin d'être partout, juste assez d'endroits. Alors maintenant, je mets des rouges un peu plus saturés dans le tableau. Rien de trop saturé cependant, rien qui distrait de la, ces jaunes et bleus. Mais certains rouges que je ressens pourraient être un peu plus saturés, apparaissant contre les versions grises de rouge qui existent déjà dans le tableau. Il y a un tas de rouges grisâtres dans ce pont, un peu moins dans l'herbe et les arbres. Alors jouons un peu avec ça et prenons quelques notes de rouge saturé. Mais encore une fois, rien qui détourne vraiment du jaune et du bleu, espérons-le. Donc juste le parsemer autour. Et là, je viens d'avoir un Pinceau Dodge Linear ou un pinceau luisant et de mettre plus de lumière. Et puis comme je l'ai fait avec ces rouges il y a une seconde, je vais prendre ces verts bleuâtres et les poivrer dans portions légèrement plus saturées à travers le pont aussi. Encore une fois, pour aider à porter cette couleur à travers. Et voilà notre dernière clé. D' accord, alors passons à cet exercice et relatons la scène et recolorions la touche. Je vais changer ça en une palette analogique de nuit. Blocage dans certaines couleurs, bien sûr, Knight va être plus sombre. C' est l'essentiel de la nuit. Et c'est un stéréotype. Mais la nuit a tendance à aller dans ces bleus plus froids. Et parce qu'on peint une scène de bande dessinée, exagérons ça avec du vrai blues saturé. Et, vous savez, je pense que la vraie nuit ne serait pas la saturée. C' est très grade parce que la couleur disparaît la nuit pour la plupart. Mais dans une soirée de réalisme magique, nous allons vraiment pousser certaines de ces couleurs cool. Donc ça va être le clair de lune venant de hors cadre. Je vais le frapper. Je vais frapper les personnages du même angle parce que je pense que cela fonctionne vraiment pour la composition. Mais faisons tout ce que cette vie cool laisse voir va être baigné de lumière fraîche. Donc, j'essaie déjà de déterminer les limites de ma palette analogue ici, restant actuellement dans la famille bleue et juste chercher vers l'extérieur à partir de là. Donc, je vais avoir un peu de violet, comme vous pouvez le voir, surtout dans les ombres plus sombres parce qu'il était la violence locale, plus chaud par rapport à la turquoise est. Mais oui, juste pour être clair, c'est la palette avec laquelle je travaille, la palette analogue, ces groupes généraux de couleurs tous voisins attachés les uns aux autres sur la roue de couleur. Je vais essayer de réaliser tous mes chauds et refroidir avec du blues. Donc, vous pouvez voir en ce moment, j'ai déjà des degrés relatifs de chaleur et de fraîcheur dans la peinture, mais tout est réalisé dans le blues. Ok, donc l'une des choses qui rend le tir plus magique est de voir comment l'horizon n'est pas seulement sombre. Il passe d'un bleu foncé vers le haut à l'image d'un violet plus clair à l'approche de l'horizon. C' est une façon d'obtenir cet effet d'un autre monde parce que je veux dire, ça n'arrive pas vraiment la nuit, mais j'exagère. Je suis en train d'inventer une couleur intéressante pour que, c'est quelque chose que vous pouvez faire est d'avoir cet horizon plus léger même la nuit. Et j'aime beaucoup aller dans les violets, essayer de trouver une couleur locale pour l'herbe. Je changerai ça au fur et à mesure. Il a l'air trop bleu en ce moment. Changez-le. Entrer dans l'eau, juste entrer dans cette valeur sombre, juste, juste pour que ma photo soit couverte de valeurs. Et cela m'aide à évaluer la couleur à partir de là, parce que la valeur est toujours la première droite ? Voici le, voici le bon type de couleur pour le vert est, comme vous pouvez le voir, c'était une sorte de grade bleu turquoise qui semble vert. Et comme pour l'étude de Rockwell, c'est quelque chose que je devais découvrir. Je ne savais pas instinctivement que ça aurait l'air vert. J' ai eu une idée mais j'ai dû le tester et vous m'avez vu faire un mauvais virage, puis corriger pour ça. Donc, sur un niveau de direction artistique parce que c'est clair de lune maintenant je veux restreindre la lumière juste au coin supérieur des personnages là-bas. Alors que dans l'autre clé, la lumière était plus uniformément dispersée. Dans celui-ci, je veux qu'il soit vraiment centralisé sur les personnages. Donc vous pouvez voir ce que je construis maintenant. Je construis ce genre de relation d'éclairage. La lumière est principalement sur les personnages et tout le reste. Une sorte de phage plus sombre et plus sombre, plus vous allez loin des personnages. Et la stratégie des couleurs est alors de concentrer la saturation la plus élevée près de la lumière et de la laisser griser loin de la lumière. Donc entrer dans un peu chaud, réchauffe au moyen de violets. Encore une fois, ce violet aurait effectivement l'air appelé dans la peinture sur la gauche. Mais dans ce tableau, ce violet est un peu la chose la plus chaude que j'ai eue. Donc obtenir des violets dans, dans les accents sombres et aussi la peau du personnage de garçon va être violet et ce genre de lumière qui est contre la chose la plus proche à lire et les tons de peau étant que la teinte rougeâtre est Tu vas avoir cette violette droite ? La peinture est en fait plus facile à faire parce que j'ai moins de couleurs à choisir, donc moins d'occasions de le foirer. C' est comme ça que je vois. J' adore jouer avec ces palettes pour voir quel genre de décisions elles vous obligent. Des accents plus sombres, sortir un râteau un peu pinceau pour juste faire différents types de marques. C' est l'autre chose qui maintient votre peinture en vie. Et nous allons en parler dans la semaine numéro 7. Mais juste différents types de marquage, pas toujours en utilisant la même brosse. Et je le ferai aussi dans les médias traditionnels. Au fait, j'aurai des pinceaux différents qui font des marques différentes. J' ai comme des brosses à air et différents types de brosses à cheveux et des brosses douces et des brosses dures, des poils et utiliser mes doigts parfois n'importe quoi pour varier jusqu'à ce que la marque. Donc à partir d'ici, je travaille sur le pont comme je l'ai fait la dernière fois, plus de chaleur et de refroidissement et plus de variété là-dedans. Et je suis aussi très conscient des briques qui sont dans ce pont en essayant d'obtenir des formes similaires en ce moment, ces formes clés, j'essaie de les faire sortir juste pour laisser entendre que ce pont est fait de pierres. Encore une fois, sans être pédant et montrer au spectateur chaque pierre avec des lignes dures, ce n'est pas une bonne façon de peindre, d' obtenir un peu de lumière sur cette herbe et c'est le plus proche que j'arriverai au vert. Vous voyez où ma roue de couleur est toujours sur le bleu turquoise, mais il semble très vert dans ce contexte. Et en travaillant sur le pont et vous remarquez un peu les gars, que je saute partout. C' est parce que j'ai l'impression que la peinture est un grand équilibre. Donc à la seconde où je travaille sur le fond de la peinture. La seconde suivante, je travaille au sommet pour atteindre ce genre d'équilibre. Je ne veux pas avoir la vision du tunnel. Mettre quelques étoiles en arrière-plan juste pour aider le réalisme magique de la pièce. n'y a aucun moyen que ces étoiles soient vues à travers tout ce feuillage. Mais, tu sais, j'essaye juste d'être inventif ici. Ces touches colorées ou un endroit pour jouer. Là, ils ne vous prennent que 20 minutes. Il y a un pinceau luisant. J' ai aérographe mis à Linear Dodge et je viens brosser dans une légère couleur brillante et qui aide vraiment. Tout sens du réalisme magique, couleurs éclatantes est comme la première chose que vous voulez faire. Eh bien, la première chose, mais quand vous êtes prêt pour ça, quand la peinture est prête pour elle, mettez un peu de lueur là-dedans qui aide vraiment. Mettre les dents du monstre, ce que j'ai complètement oublié de faire dans le premier. J' ai les yeux là-dedans. Et c'est tout ce que je veux faire pour l'indication du personnage est basique. J' ai aligné le garçon, vous remarquez que le personnage du garçon n'a même pas les yeux parce que son visage est trop petit. C' est, c'est une forme si petite, ça n'en a pas besoin, mais le monstre a ces yeux géants, donc je suppose qu'ils sont assez grands que je ne devrais pas les laisser vides. Ça aurait l'air bizarre. Mais à ce stade, je suis juste, j'ai l'impression d'être arrivé à un beau coup de nuit magique. C' est vraiment évocateur, juste augmenter ces accents sombres encore plus. J' ai mis l'aérographe pour multiplier le mode vignettage de la pièce. C' est une autre chose que tu peux faire. Et en vignettant, je veux dire, s'assombrir sur les bords de la toile. Et je l'ai fait, encore une fois avec un aérographe multiplier. Chaque fois que j'utilise un aérographe, c'est toujours pour de grands changements comme ça, pas pour de petites formes. brosses à cheveux ne sont pas bonnes pour les petites formes. Mettre certains de ces violets sur le côté gauche du pont peut être obtenir un peu de lumière réfléchie du ciel nocturne magique, qui est très violemment. Donc, il y a de la lumière réfléchie pourpre. Encore une fois, tout a une sorte de logique derrière elle, même, même un réalisme magique. Tu ne peux pas l'inventer. Vous devez toujours avoir une logique derrière votre éclairage. Encore une fois, gros pinceaux, gros pinceaux. Il y a un gros aérographe. Et avant ça, j'avais une grosse brosse sèche, juste, juste des coups de couleur sur ce pont. Quelques légers accents sombres sous les personnages. Et juste comme ça, nous avons notre tir nocturne magique et un renversement complet de l'humeur à partir de la touche de couleur d'ouverture que nous avons faite. Et ce que je trouve intéressant dans cet exercice, c'est que les deux m'invitent, mais de manière complètement différente. Ils utilisent des palettes complètement différentes, des moments différents de la journée. Pourtant, tous les deux, je me sens comme moi alors que le spectateur est accueilli dans cette scène, comme si je voulais être là, tu vois ? Et c'est encore une fois que c'est la magie des touches de couleur. Vous expérimentez vos propres émotions et vous les mariez avec les compétences que vous avez acquises grâce à vos études de diligence et sur le thème des études diligentes. Faisons un autre, en fait deux autres. Je vais refaire la même scène deux fois, cette fois je vais utiliser la même palette sur les deux, mais je vais changer l'éclairage sur les deux et nous verrons comment cela affecte l'humeur. En ce qui concerne le dessin, je vais juste inventer ça en allant. Ça va être une sorte de village médiéval imaginaire. D' accord, alors laissez-moi vous montrer la palette que j'utilise. Voici une roue de couleur. Je vais le limiter à ces trois teintes, qui est essentiellement une palette complémentaire divisée. Maintenant, je veux juste renforcer que je peux utiliser toutes les dérivations de gris de ces trois couleurs, ce qui signifie bien sûr différents niveaux de saturation dans ces trois couleurs. Donc, comment je traite ça techniquement ici dans Photoshop, c'est quand je choisis mes couleurs sur le sélecteur de couleurs là-bas, je m'assure juste que lorsque je sélectionne une teinte, je suis dans l'un de ces trois câlins. C' est aussi simple que ça. Si je suis un pixel ou deux, je m'en fous. Mais limiter votre palette, dans ce cas, une scission complémentaire me donne une structure ou un cadre pour travailler à l'intérieur. Et si vous êtes nouveau dans la couleur, je recommande vraiment d'essayer cela parce que soudain je n'ai que trois choix. Bien sûr, j'ai beaucoup plus de choix que trois parce que dans ces trois teintes, je peux être à n'importe quel niveau de gris. Je pense que cueillir des teintes vraiment être des entonnoirs beaucoup de peintres débutants. Alors hé, je n'ai que trois choix ici. Et parce que vous allez distribuer ces trois teintes dans toute la peinture, vous avez plus de chances d'atteindre l'harmonie des couleurs en conséquence. Donc, comme vous pouvez le voir, ma stratégie ici était de baigner le ciel et les deux couleurs chaudes que j'ai, puis de bloquer tout le premier plan avec la couleur fraîche. Ceci est assez approprié pour une scène de lumière du matin où le soleil est derrière le sujet. Par conséquent, tout le sujet est fondamentalement dans l'ombre, ce qui fait une séparation assez évidente de la lumière chaude et de l'ombre fraîche, les avant-plans vont être de l'eau. J' ai donc un reflet du ciel dans cette eau. Et maintenant j'ai un problème parce que je ne veux pas que ma peinture soit comme si le ciel était chaud sur le dessus, puis une bande de froid au milieu, puis une bande de chaud à nouveau dans l'eau. Je ne veux pas ça. Donc ma solution est d'apporter une partie de cette lumière chaude dans le village lui-même comme si le soleil brille peut-être sur certains des murs latéraux. Bien que je peignais cette clé de couleur, je n'avais pas tout à fait pensé pour l'instant. Donc ce que je pense ici, c'est que certains d'entre eux ont souri le blues dans ce ciel. Vous pouvez voir le haut du ciel il y a un bleu très grisâtre brillerait. C' est de la lumière fraîche sur le paysage. Et ça justifie ces bleus plus frais et plus légers dans le village. Maintenant, juste au cas où quelqu'un se demanderait ici dans Photoshop, quand je mets un mélange de bleu subtil dans un mélange de jaune, Photoshop va mélanger cela et probablement venir avec un pixel vert grisâtre. C' est bon. Si Photoshop arrive avec ça, je l'utiliserai. Je ne vais pas sélectionner spécifiquement vert cependant, tous les verts accidentels qui apparaissent à partir de mélanges, C'est très bien. Ok, donc à ce stade de la peinture, il m'est venu à l'esprit d'apporter une partie de cette lumière matinale dans le village lui-même. J' ai fait des sélections, échantillonné mon ciel rouge et je l'amène. La lumière du matin est très rougeâtre. Maintenant, je ne connais pas très bien la science derrière cela, mais a quelque chose à voir avec le jaune est filtré, plus la lumière doit voyager dans notre atmosphère. Mais de toute façon, revenons au côté artistique des choses maintenant, qui est plus dans ma timonerie. Parlons de la façon dont je structure cette palette. On sait déjà tout sur les trois teintes que j'utilise. Ça fait partie de la structure. Mais comment est-ce que j'utilise les gris ? Eh bien, pour celle-là, dans les deux couleurs chaudes que j'ai. Je vais permettre que ces éléments soient les plus saturés de la peinture. Le blues, d'autre part, va être plus tamisé dans les gris. Cela ne veut pas dire que je ne peux jamais avoir de blues saturés. En fait, vous pouvez voir quelques-uns d'entre eux là-dedans. En ce qui concerne les réchauffements rougeâtres vont assez évident qu'ils sont saturés, des indices de cela à l'horizon ainsi gros coups saturés une TVA sur les bâtiments que je viens de mettre dans il y a une minute. Peut-être pas si évident cependant qu'il y a aussi des versions grisâtres de ce rouge dans l'ombre des bâtiments. En ce qui concerne ces rouges, on regarde ce genre de choses. Ces rouges grisâtres sont subtils, mais ils aident à nouer ensemble et à harmoniser les rouges les plus saturés et à les garder dans leur contexte. Maintenant, avec le blues, je n'ai pas encore cette saturation. Je vais être sûr de choisir et de choisir mes taches avec le bleu saturé parce que c'est vraiment le seul coup que j'ai une couleur d'accent parce que mes réchauffeurs sont tous les deux assez saturés. C' est un peu torpille toute chance que j'ai d'accentuer avec ça, tu sais, ils sont déjà assez bruyants. Mais avec les bleus, si je peux les garder dans les gris relatifs, j'ai quelques cartes près de la veste que je peux jouer sous la forme de pops de saturation. Si jamais vous n'êtes pas sûr, vous pouvez même faire une petite palette comme ici en bas et essentiellement tracer de petits échantillons des couleurs principales que vous voulez utiliser. On peut voir les jaunes saturés et les rouges orangés. Et voici ces petits zaps de bleu saturé. Tu peux faire cette étude en dix secondes. Bon, Donc, à ce point dans la clé, la palette de couleurs est assez clairement établie. Je suis juste en sorte de remplir les éléments, juste fait un ajustement rapide des niveaux là-bas. Et ici, j'ai mis ma brosse en mode couleur plus claire et je suis en train de glacer des bleus plus clairs dans les sombres. Le mode de couleur plus claire est agréable car il prend le pixel que vous avez et n'affecte que les pixels plus foncés dans la peinture avec cette couleur. Inverser constamment la toile autour, ce qui m'aide à voir la distribution de la couleur, surtout parce que je viens avec cette scène à la volée, à la fois la palette et le dessin. L' ajout de quelques rayons de dieu ici, qui réchauffent subtilement certains des bleus les plus proches du soleil, a surtout fait cela avec juste un aérographe normal. Bien que parfois j'aime définir un aérographe en mode superposition. Cette toile, soit dit en passant, n'a que 600 pixels de long, ce qui est généralement ma résolution lorsque vous faites des touches de couleur ou des études de couleur comme celle-ci. La bonne chose à propos des études de couleur est que votre niveau de dessin n'a pas besoin d'être super raffiné. Vous pouvez appliquer une palette avec un dessin très rudimentaire. Ce n'est pas pour vous encourager à vous retirer paresseux, bien sûr, car après tout, si jamais vous voulez faire une illustration entièrement terminée, alors toutes vos côtelettes de dessin doivent revenir. Mais on y va. Voilà notre clé couleur numéro un. Nous allons maintenant peindre la même scène, la même palette, mais structurer différemment en fonction d'une configuration d'éclairage différente. Cette fois, contrairement à la clé que nous venons de faire, je vais aller assez médium saturé de ces bleus tout de suite. C' est un peu drôle parce que je pense que dans Gray la plupart du temps, même une couleur saturée moyenne pour moi se sent très saturée. Et d'après mon expérience d'étudier et de peindre de la vraie vie, la nature vous donne rarement une couleur saturée pleine et brillante. Ce qui se sent très saturé dans la nature est souvent comme 70 pour cent saturé sur un sélecteur de couleurs numérique. Quoi qu'il en soit, laissez-moi vous décrire mon plan de couleurs global pour ce tableau. Le premier changement est évident. La lumière est toujours la lumière du soleil, mais le soleil a balancé autour du ciel et il allume maintenant les bâtiments de l'avant. Ce n'est pas tout à fait coucher de soleil, mais juste avant le coucher du soleil. Donc, pour les couleurs du soleil naturellement, je vais utiliser une combinaison de mes deux couleurs chaudes. Cependant, cette fois, je vais les garder plus grises. Vous pouvez clairement voir que sur la peinture en ce moment ainsi que regarder le sélecteur de couleur et voir quel degré de gris je suis avec ça. Mais remontons cette roue de couleur et je peux vous montrer ce que je pense pour le reste de cette photo. D' abord, nous isolons nos trois couleurs. Les bâtiments sont pour la plupart dans les jaunes et ils sont par ici. Maintenant, je vais choisir de garder l'ombre du bâtiment est assez proche de ça, mais toujours sur le côté bleu de gris. Cela me donne maintenant la possibilité de rendre le fond plus saturé bleu ainsi que l'eau. Et puis nous restons avec les rouges, qui font aussi dans les gris assez lourdement et font que ma couleur la moins dominante. Et c'est mon plan simple pour ce truc. Comme pour beaucoup de choses dans l'art, simple est ce qui rend les choses belles. Parce que simple que lisible. Si j'avais toutes ces couleurs s'affrontant avec une saturation lourde sur tout le plateau, le je me battrais pour ce qu'il faut regarder d'abord, couleurs saturées ont tendance à attirer notre œil, et les gris ont tendance à maîtriser notre œil et à le détendre. Maintenant, une de mes faiblesses est que j'ai tendance à peindre deux gris. Alors regarde ça. Je vais aller à Image, Automatique Contraste et Photoshop toît vraiment le contraste. Mais alors je peux pousser Control Shift F, qui fait apparaître ce dialogue de fondu pratique. Et puis je trouverai juste une valeur à mi-chemin là ou tout ce qui a l'air bon Vraiment. Et Photoshop l'appliquera en conséquence. Si vous avez vu mon travail en ligne, vous pourriez penser qu'il est bizarre qu'une de mes faiblesses comme je peins en gris, vous pourriez penser que c'était le contraire. Mais en fait, je construis à la couleur au fil du temps. Habituellement, parfois mes peintures ont besoin de ce peu de boost de contraste automatique et parfois pas. Donc cette bande de couleur chaude sur les quais, ça n'a pas de sens. Le soleil ne frappe pas là, donc il ne devrait pas être aussi chaud. Et là, pendant que je suis couché dans l'eau, je vais commencer à réaliser que, rappelez-vous, j'ai juste inventé cette clé de couleur à la volée. J' ai un plan pour ça comme je l'ai déjà expliqué, mais à part ça, je vais près du siège de mon pantalon. Donc ces bateaux doivent entrer et nous allons chercher un aérographe avec un rouge grisâtre et commencer à harmoniser toute cette zone de fond. Je l'ai juste fait là-bas. Parfois, je fais ça. Je vais obtenir un grand aérographe juste en mode normal, très grande taille de brosse, mais en appuyant très légèrement sur la tablette. Il aide juste à mélanger une couleur dans toutes les couleurs qu'il frappe et les rapproche un peu plus ensemble. Maintenant, pour ceux qui sont plus récents à peindre, vous pourriez demander, devrais-je peindre sur une couche ou devrais-je peindre sur plusieurs couches ? La réponse est tout ce que vous vous sentez le plus à l'aise avec, j'aime peindre sur une seule couche parce qu'elle me permet de prendre décisions créatives sans m'inquiéter de l'aspect technique des choses. Trouvez-moi que lorsque j'utilise des couches, au moins une partie de mon cerveau se concentre sur la partie technique, la création et la gestion des couches, ce qui enlève les décisions artistiques. Je me sens plus audacieux et courageux quand je travaille sur une seule couche. Cela peut fonctionner pour vous, mais il peut aussi ne pas fonctionner pour vous. Donc, utilisez n'importe quelle méthode est confortable, n'oubliez pas de retourner cette toile autour. C' est le système de défense numéro un que vous avez pour garder l'objectivité sur votre travail. Quand tu retournes le tableau, ça te trompe le cerveau pendant une fraction de seconde en pensant qu'il le voit pour la première fois. Et toutes les répétitions indésirables que vous pourriez faire, qui peuvent se produire dans la couleur, la forme et la composition dans de nombreux domaines de l'art va vraiment attirer votre attention et vous pouvez profiter de l'occasion pour le réparer. J' ai presque fini la peinture ici, mais je veux juste dire, si je voulais ajouter une autre couleur à cela, disons un autre type de bleu frais dans l'ombre, comme un bleu violacé. Vous pouvez voir combien il y a de place pour cela. Et c'est la bonne chose à propos de limiter votre palais. Il vous empêche de surcharger votre image de couleur. Et par conséquent, vous avez un chemin pour devenir plus confiant avec la couleur parce que vous avez toujours l'impression que vous pouvez ajouter une petite chose ici ou là si vous le souhaitez. Donc il y a la clé de couleur finie et il y a notre première. Et regardez ça, ils sont peints avec la même palette. C' est presque difficile à croire. Ils ont l'air si différents, ils se sentent si différents. Et je suppose que c'est le point sur lequel j'aimerais revenir, pour clore le chapitre 5. palettes de couleurs sont certainement amusantes, mais rappelez-vous, elles ne dictent pas l'humeur, elles améliorent simplement l'humeur. Comme je l'ai déjà dit, l'humeur est dictée par beaucoup d'autres choses. Dans ce cas, c'est le même sujet, mais l'éclairage a radicalement changé. Et parce que l'éclairage change les formes de l'ombre allégée, ma composition a également changé. Donc, c'est juste un peu de nourriture pour réfléchir car vous travaillez avec la couleur et étudiez la couleur, ne le laissez pas venir au détriment des autres fondamentaux de la peinture. Bon, passons maintenant au sixième et dernier chapitre. Et je veux vous donner quelques conseils d'étude, petites choses qui peuvent vous aider à créer vos propres leçons ciblées pour toutes les choses que nous avons passées dans cette classe. Je te verrai là-bas. 14. Masquage de gamut: Eh bien, nous voici au chapitre 6, le dernier chapitre de cette classe. Ce que je vais faire ici, c'est un peu revenir sur les leçons clés et les leçons à retenir de cette classe et vous donner des conseils pour les regarder et les étudier aussi simplement que possible. L' idée est que vous n'avez pas besoin de faire des peintures finies tout le temps juste pour étudier, surtout quand il s'agit de couleur, vous pouvez réduire votre processus assez radicalement et toujours obtenir une bonne étude hors de celui-ci. Donc, nous allons examiner les méthodes pour étudier rapidement les concepts présentés dans la classe gagneront encore une autre méthode de compréhension des palettes et de limitation de votre couleur. Nous apprendrons un exercice facile qui teste votre compréhension de la façon dont la lumière influence la couleur. Et enfin, aura le courage de continuer à aller de l'avant après la fin de cette classe. Alors plongons ici. La première chose que j'aimerais vous montrer est un masquage de gamut. Le masquage de gamut se rapporte aux discussions de palette du chapitre 5, ainsi qu'à la palette complémentaire du chapitre 1. Donc, chaque fois que nous parlons de limiter votre palette, nous parlons bien sûr d'éliminer les sections de la roue de couleur. Par exemple, ce que nous avons regardé dans le premier chapitre avec la palette limitée, c'était comme si nous utilisions toutes les couleurs de cette gamme, qui signifiait que nous éliminions toutes ces couleurs. Maintenant, le terme fantaisiste que les artistes ont utilisé pour ça, c'est un masque maudit. C' est un mot que vous n'entendez pas souvent, mais gamma, cela signifie simplement la gamme complète ou la portée de quelque chose. Donc encore. 15. Peindre avec un masque de gamut: D' accord, j'aimerais vous montrer un moyen rapide de tester ou d' auditionner une palette avant de m'engager sur un tableau entier. Maintenant, sur la note des conseils d'étude, je tiens à dire que la peinture que nous avons fait ici dans le chapitre un par exemple, c'est une excellente pratique, vous devriez le faire. Cependant, nous avons tous une vie quotidienne, des engagements et des calendriers. n'y a pas toujours le temps de faire un tableau fini tous les jours. Et si vous voulez améliorer avec la couleur et la peinture ou tout ce qui vous intéresse, il y a beaucoup de science pour dire que la pratique quotidienne est la meilleure façon d'améliorer. Mais la vraie vie peut ne pas toujours permettre une peinture finie tous les jours. Alors, comment pouvons-nous prendre les complexités de cette pratique et l'appliquer rapidement à quelque chose ? Tu sais, quelque chose que tu peux faire autour d'une tasse de café. D' accord, donc j'ai mon interface Photoshop mis en place ici avec ma palette gratuite masquée. Et ce que je veux faire, c'est juste commencer à échantillonner les couleurs et bloquer dans un environnement un peu rapide. Ce sera juste un ballon assis sur une table. Bien sûr, j'échantillonne des couleurs auxquelles j'ai accès avec ma palette complémentaire ici. Maintenant, je pourrais changer les valeurs. Bien sûr, si j'ai besoin d'un bleu plus foncé pour la zone supérieure, je pourrais le faire. La balle elle-même. Faisons-en la couleur jaune. Mettons-le juste ici. Ok, donc il y a un ballon assis dans notre environnement. On doit lui donner une ombre allégée. Bien sûr, je prétendrai que la lumière descend directement d'en haut. Donc, ce que je pourrais faire ici est peut-être échantillonner l'une de ces couleurs, tremper avec une valeur, peut-être le griser un peu, juste pour le lier avec ce jaune. Et faire ça, peut-être que je vais vraiment obtenir le jaune et le mélanger. Étudiez le résultat, peignez pour obtenir cette balle là. Ça va à l'ombre, une sorte profonde d'ombre douce. Et vous pouvez voir que je ne me soucie pas vraiment qualité de la ligne ou de la qualité de la forme autant que je le serais dans un, même dans une étude de clé de couleur décontractée. Je me soucie plus de ces choses. Et celui-ci, je suis juste en train d'utiliser ces couleurs dans l'objet le plus simple possible. Et pour mon argent, c'est une balle. La raison pour laquelle c'est une balle et pas un cube ou, ou quoi que ce soit d'autre, c'est parce qu'une balle va pleine, complètement autour. Par conséquent, il a tous les problèmes d'une peinture. qui signifie que vous allez devoir faire face à des valeurs différentes, bords différents, vous savez, choses comme ça car cette balle a besoin de transformer des formes un peu d'un point culminant là-bas. Et d'accord, c'est une étude de base. Voyons ce qu'on peut faire. Voyons si nous pouvons peut-être mettre certains de ces jaunes dans l'environnement. Donc je vais goûter quelque chose ici, peut-être le griser, et peut-être qu'il y a un moyen de mettre ces jaunes dedans. Encore une fois, il s'agit d'une étude de palette complémentaire. Vous pouvez utiliser n'importe quelle palette bien sûr. Mais l'idée est de garder ce sujet si simple qu' il libère votre espace de créativité pour explorer la couleur. Voyons voir, peut-être que je veux prendre ces jaunes. Quelle est la saturation maximale que je peux obtenir, à propos de là. Alors allons à cela, tremper un peu la valeur et obtenir peut-être un peu de demi-ton Aller dans cette sphère comme elle tourne. C' est intéressant. Et peut-être que nous allons obtenir un très grand OFF violet et voir si nous obtenons la bonne valeur. Peut-être que ça peut être inséré dans cette partie de la balle. Et regardez ceci, cependant, cette balle commençait à scintiller un peu dans cette palette. Bien sûr, une grande partie de ce qui le rend chatoyant est, c'est la lumière que je fais ici. Cela se rapporte au chapitre deux, est moins que sur le déplacement à travers la palette de couleurs, désolé, se déplaçant à travers la roue de couleurs, c'est-à-dire, et voyons, peut-être que vous voyez comment cette ombre est une sorte de sur le côté chaud. Que se passe-t-il si je reçois le violet et que je mets juste une touche de cette lumière violacée réfléchie qui rebondit la lumière du sol, venant dans l'ombre de cette ampoule. Et oui, ça marche alors peut-être que je peux avoir un outil de salissure et juste baver toute l'affaire et laisser quelques couleurs se mélanger, disant simplement leur propre courtoisie de l'outil de salissure. Et puis peut-être que je vais aller plus loin et obtenir juste une occlusion ambiante ici dans l'ombre, qui est un approfondissement de l'ombre, où toute la lumière est occluse ou la lumière ambiante ne peut pas entrer. Alors peut-être ici si j'allège un peu la pourpre. Très bien, donc évidemment l'idée est que cette peinture m'a pris cinq ou six minutes, m' a pris plus de temps que je parle pendant que je le fais, je pourrais le faire en deux minutes si je ne parlais pas. Mais maintenant nous avons cette étude de palette cohésive et cette sphère peut devenir n'importe quoi. Il peut devenir un être humain ou un paysage ou une montagne ou embarcations plus à un quai ou quelque chose. D' accord, essayons un autre ici. Allons changer le Canvas. Commencez sur le noir cette fois pour aucune autre raison que la variété, ne pas être enfermé dans une méthode particulière de travail. Ok, donc même chose, même environnement avec un haut sombre. Et prenons notre brosse circulaire. Et voyons, choisissons juste cette couleur. Je n'en ai aucune idée. Bloquer dans cette sphère violacée, peut-être que le sol dans cet environnement devient plus vert. Oh, je devrais probablement mentionner que j'utilise une palette complémentaire split maintenant, comme vous avez probablement déjà remarqué, en fait, nous allons simplement utiliser l'outil lasso ici pour dessiner un rectangle et verrouiller un plancher. Peinture messily juste au-dessus du ballon, mais c'est bon, récupère le tout de suite. Si Photoshop mélange des couleurs et qu'il arrive avec ce genre d'orange sourd, ça fait partie de notre palette, n'est-ce pas ? C' est quelque part là-dedans, donc c'est bon. Donc, tant que votre échantillonnage dans cette plage, quel que soit le mélange que Photoshop vous donne est totalement correct. Voyons ce qui se passe si nous faisons vraiment lire l'ombre et tester l'idée que l'harmonie va se produire. Juste par nature de cette palette limitée. Donc quelque chose de chemin là-bas et rendra les ombres plus douces. Et celui-ci adoucit aussi ce genre de transition de l'arrière-plan du tableau 2 ici à ce qui se passe si nous utilisons même comme des verts grisâtres dans la partie la plus légère ? C' est hors des sentiers battus ici. Et je veux toujours que la balle ait l'air violette. Donc je dois m'assurer que je ne deviens pas juste vert avec la lumière et violet avec l'ombre. Il doit rester un peu cohérent. Donc, la clé est de garder les choses dans les gris. C' est une boule violette. Je veux juste des indices de ce top vert plus frais. Alors gardons le violet intact pendant que nous descendons et peut-être que l'ombre s'approfondit, elle devient plus rougissante. Donc je sélectionne mon rouge, qui est par ici. C' est légal dans cette palette. Et je vois maintenant que j'ai deux moitiés. Voyons si je peux travailler ça. Apportons une partie de ce vert dans la balle à l'ombre, et aussi certains des violets dans la balle à la lumière. Et nous allons un peu comme ça, tisser ces couleurs ensemble, si ça a du sens. Ce genre de peinture et d'échantillonnage et de cueillir les résultats en peinture avec ça, je veux voir si je peux faire en sorte que cette balle se sent comme une boule violette, mais avec ces seulement ces notes de vert dedans. Et si ça ne marche pas comme si ce n'était pas que tout ça fonctionnerait. Si cela ne fonctionne pas, vous avez rapidement découvert l'une des limites de la palette. Peut-être que si cela fonctionne, super, Vous avez, vous avez appris une nouvelle application pour elle. Voyons voir, je voulais devenir plus rouge que l'ombre s'approfondit bien. Alors faisons ça. Et quelques de ces violets en arrière-plan ici. Peut-être que le sol monte à distance. Comme la distance augmente, certains de ces violets commencent à entrer en jeu pour voir la chose que vous voulez essayer et éviter est d'avoir l'image juste faite d' une couleur dans une section comme celle-ci est tout rouge en ce moment. Et bien que ce soit ok, j'aime que ça a bien fonctionné, et sont palette complémentaire dans la dernière étude. Mais dans celui-ci, parce que j'ai plus de couleurs, je ressens le besoin d'intégrer ces couleurs dans plus de domaines de la peinture. Alors peut-être que les rouges commencent à prendre le relais lorsque nous montons ici en haut de l'image et deviennent un peu plus violets que nous descendons juste en essayant de construire une sorte de structure pour moi, ils sont juste une logique comme lorsque la couleur coule De cette façon, il devient plus violet , vous savez, les phoques, les verts, ces verts doivent revenir. Je les ai perdus. Voyons si je peux le faire. Je me demande si certains de la terre et commencer à recevoir quelques-uns de ces verts et peut-être dans l'ombre aussi. Et c'est un peu intéressant. Et puis cette balle a juste besoin de se sentir plus comme une surface cohésive. Je partage trop la lumière et les ombres. Les couleurs changent trop entre la lumière et l'ombre. La balle doit se sentir, toujours violacée. Donc j'essaie de récupérer certains de ces trucs. Il va mettre en évidence dans lequel compte toujours pour quelque chose. Si la lumière vient d'en haut et pourrait la frapper là. Et entrer dans une partie de notre occlusion ambiante, cette ombre sombre profonde là-bas. Et je me bats plus avec celui-ci, comme vous pouvez probablement le dire. Il y a des notes de vert dans la balle écho par des notes de vert dans, à cet étage ici. Et je vais pousser un peu, amplifier les verts un peu juste pour pointer visuellement le spectateur comme Hey, là, il y a des verts ici, mais ils sont , ils sont gardés très subtils là. Troisièmement dans la hiérarchie, les rouges pourraient être le numéro 1, pourpres seraient le numéro deux en termes de saturation des verts sont le numéro trois. Mais ils sont là et je pourrais même les mettre. Maintenant, ramenez-les à la lumière. Donc, vous pouvez voir que j'ai un peu lutté avec cette palette, mais comme si j'avais l'impression d'explorer son potentiel et d'essayer de choisir ces verts à la main. Encore une fois, si je suis un peu loin, je m'en fiche vraiment. Tant que vous explorerez l'esprit de ces palettes. Donc, évidemment, j'ai fait un gratuit ici et maintenant split complémentaire, mais vous pouvez faire n'importe quelle palette et il ne doit pas être une palette que j'ai suggérée. Vous pouvez faire votre propre choix quelques teintes que vous voulez utiliser, choisit quelques saturations que vous voulez vous limiter, ce qui est toujours une bonne idée. Et explorez cette palette et faites votre propre palette. Choisissez trois couleurs qui ne tombent pas dans une belle scission gratuite comme celle-ci, un peu comme la Dominique Louis écrire une clé de couverture 2 E que nous avons regardé dans la section précédente. Donc quelque chose comme ça commence maintenant à me parler ici. J' aime ça un peu de lumière réfléchie rebondissant dans la balle. Peut-être qu'il y aurait un rouge vif intense pourrait se répandre. Comme un effet de lentille. Il pourrait s'enrouler un peu dans la balle, y renverser. Comme si vous prenez une photo d'une lumière très brillante, elle saigne dans d'autres choses. C' est un peu ce que je vois ici. Cet environnement n'a pas besoin de beaucoup, mais il suffit de le terminer avec une petite vignette ici. Peut-être prendre la même couleur et la vignette en bas. Cette année, on y va. Et maintenant, nous avons notre deuxième étude. J' ai l'impression que je n'ai pas passé trop de temps là-dessus. Je ne suis toujours pas fait mon café, mon café hypothétique que je ne suis pas en train de boire en ce moment parce que audio sage qui ennuierait tout le monde. Mais on y va, regarde ça. C'est une petite étude de palette cohésive. Je peux les jeter dos à dos, ce que je vous recommande de faire après avoir recueilli quelques-uns d'entre eux et évaluer l'humeur. Comment ces couleurs vous ont fait sentir ? Seraient-ils bien adaptés à un certain scénario de lumière que vous avez en tête ou à un sujet donné, ou correspondent-ils à une certaine émotion ? Ces questions sont à vous de décider. Mais en ce qui concerne l'étude, c'est un moyen rapide très utile de se mouiller les pieds. Et plus que cela, pour vraiment explorer les subtilités de la façon dont les couleurs peuvent se relier ensemble dans une palette. 16. Intégration des couleurs - Conseils d'étude: D' accord, la prochaine application d'étude que je veux vous montrer est quelque chose que j'appelle l'intégration de la lumière et des couleurs. Nous allons intégrer une sphère, une surprise, une surprise dans une image existante. D' accord, donc j'ai chargé cette photo dont on se souvient du chapitre 2. Et je vais peindre deux sphères. L' un sera dans la lumière, et l'autre sera dans l'ombre. Cet exercice vise à mettre à l'épreuve les connaissances que nous avons apprises au chapitre 2. Maintenant, je vais juste faire une sélection circulaire rapide ici. Mettons la balle comme planer au-dessus de ces buissons et arbres au milieu du terrain. Et je vais commencer à peindre ça. Je vais juste bloquer une valeur rapide. Maintenant, ce sera une boule blanche, comme nous l'avons appris du chapitre 2, la lumière du soleil est un tyran. Et la bonne chose à propos de la peinture blanche, c'est le blanc n'a pas de couleur locale à elle seule. Il obtient toute sa couleur de ses influenceurs. Dans ce cas, la lumière du soleil obtient sa couleur du côté de la lumière et l'ombre obtient leur couleur de la lumière ambiante rebondissant autour. Il y aura probablement beaucoup de verts dans l'ombre, par exemple. J' ai donc commencé avec cette valeur moyenne ici parce que ça me permet d'être à la fois plus clair et plus sombre en ce moment qui ne ressemble pas à une boule blanche. Alors réparons ça. Évidemment, je vais aller plus léger en valeur et la lumière du soleil est un soleil en milieu d'après-midi. Ça va être désaturé quelque part dans les chaudes ici. Assez neutre caractéristique d'un soleil en milieu d'après-midi. Et je vais mettre ça dans une touche plus chaude. Je vois quelques réchauffements dans les environs, donc cela semble plutôt bon comme une couleur de soleil. La bonne chose à propos de la lumière du soleil, c'est, comme je l'ai dit, que c'est un tyran. Il ne faut pas beaucoup penser que le soleil va influencer tellement ces couleurs que cela suffit presque. Si je veux un peu un demi-ton, je vais juste aller de l'avant et prendre un aérographe ici, tremper un peu la valeur, peut-être augmenter un peu la saturation. Et nous allons utiliser un peu du chapitre 4 et juste décaler cette teinte un peu, remuer, vous savez, même un peu plus sombre, obtenez cette demi-teinte ici. J' ai ton est là où la forme se détourne de la lumière, mais pas assez pour être dans l'ombre. Donc vous obtenez cet assombrissement progressif. Et sur une sphère, c'est très doux. Alors on y va. On dirait que nos sphères sont frappées par la lumière du soleil, une boule blanche frappée par le soleil. Maintenant, l'ombre n'a pas l'air juste. La bonne chose à propos de bloquer dans cette valeur intermédiaire que j'ai commencé avec, c' est que cela me donne une séparation d'ombre allégée, mais maintenant travaillons dans les ombres et décidons de sa couleur. Eh bien, avec n'importe quelle peinture, la première chose que vous voulez observer notre demander est quelles couleurs sont dans l'environnement ? Et je vous soutiens que dans ce cas, il y en a essentiellement deux. Nous aurons des couleurs vertes venant d'en bas comme ces arbres ont rebondi la lumière aussi. Nous aurons le ciel bleu qui descend. On ne voit pas le ciel sur cette photo, mais on sait qu'il est là-haut. Et quand vous êtes à l'extérieur, un ciel bleu est un énorme influenceur sur les couleurs de l'ombre. Maintenant, quand il s'agit de décider des couleurs de vos ombres, je recommande de simplifier. Par exemple, il y a des toits rouges ici, mais ils sont si loin. Je ne vais pas essayer et comme mettre rouge aussi dans l'ombre qui commence à devenir un peu désespérée couleur sage, vous voulez simplifier cela ? J' essaie de me demander, quels sont les deux principaux pilotes de couleur dans ce cas, c'est le vert et le bleu. Donc d'accord, parfois j'aime même juste sélectionner l'ombre là avec l'outil magique un. Ensuite, je vais pousser Control H pour masquer cette sélection. Et puis juste avec une brosse douce, je vais goûter où je suis et juste me composer dans les verts ici et peut-être augmenter la saturation pour que l'identité de ce vert devienne un peu plus apparente. Mais encore dans les gris neutres cependant, rien de trop saturé. Et je vais commencer à le mettre. Et vous devriez déjà être en mesure de voir cette sphère commencer à s'adapter à son environnement grâce à la lumière rebondissante. Maintenant, immédiatement, je veux changer de vitesse et mettre dans ce bleu. Donc je vais me glisser jusqu'au bleu, encore une fois, en me gardant dans la grâce de commencer comme une bonne méthode pour s'assurer que vos couleurs s'harmonisent. Parce que encore une fois, les gris sont liés entre eux. Autrement dit, les couleurs liées entre elles via le pâturage. Maintenant, si je suis dans le blues, je peux vraiment choisir n'importe quel bleu. Je peux expérimenter. Que diriez-vous d'un bleu ultra marin ? Assurez-vous juste d'avoir votre bonne valeur. Par exemple, c'est la mauvaise valeur que bleu doit être plus léger parce qu'il est réfléchi à la lumière. C' est la lumière du ciel qui vient dans l'ombre. Ça ressemble à une sorte de double ombre. Alors ne fais pas ça. Assurez-vous d'obtenir votre bonne valeur. Et maintenant, cette balle commence à ressembler à être assise dans cet environnement, peut-être un peu moins bleu. Parfois, l'ombre ici peut devenir un peu plus sombre parce qu'elle obtient un peu moins de lumière réfléchie. Vous savez, ces verts sont vraiment pompés dans le fond de la sphère et les bleus pompent dans le haut de la sphère. Dans cette section du milieu, nous pouvons avoir moins de chacun d'entre eux. Donc, parfois, je vais obtenir une brosse multiplier, que j'ai un préréglage pour ici, aérographe mis en mode multiplier, et je vais juste sombre et juste assombrir cette zone. Et pendant que je suis ici, je peux revenir au mode normal et juste affiner ce bord entre la lumière et l'ombre, il doit être un peu plus doux que ce deux représente une forme ronde d'une sphère. On y va. Et s'il y a un point culminant, qu'il y aurait si c'est une sphère réfléchissante, ce point culminant irait juste ici, reflétant la lumière du soleil qui brille juste dessus. Maintenant, n'oublions pas non plus un élément clé de l'intégration qui est une ombre de cache. Voyez maintenant, nous ne savons vraiment pas où se trouve cette sphère dans l'espace. On doit le fondre avec une ombre de cache. Donc je vais dire que cette sphère est en quelque sorte assise juste ici. Ce que je vais faire, c'est choisir le vert des arbres. Maintenant, cela doit être une ombre plus fraîche. Et je ne veux pas seulement goûter les ombres de l'image elle-même. Je voulais faire mon propre travail, non ? Donc, mais je pourrais goûter les lumières et dire, ok, c'est là que les verts sont harcelés par la lumière du soleil. Refroidissons en remontant la roue de couleur, tomber la valeur pour l'ombre, et commençons par là. Cela satisfait à l'exigence d'être une ombre plus fraîche. Peut-être que je vais chercher un pinceau différent pour ça, quelque chose avec un peu plus de texture. Soyez ajusté le feuillage est en train de tomber. Et nous allons juste peindre ça dedans. On dirait qu'il devrait être un peu plus sombre, donc je vais juste y aller et vous remarquez instinctivement que je change les teintes. Chapitre 4. Je l'ai engagé à la mémoire musculaire maintenant un haut faire instinctivement. Peut-être, peut-être encore plus cool et trempez-le un peu plus. Les arbres auront de petits morceaux d'accent sombre, c' est-à-dire des morceaux où les arbres sont, petits trous que vous pouvez voir à travers ces trous obtenir beaucoup moins de lumières ambiantes, un peu d'accents sombres qu'ils sont appelés ou un autre mot pour cela est occlusion ambiante, mettre ceux dans et juste le travail global, cette ombre, vous remarquez que c'est une ombre sphérique ou une ombre circulaire parce que cette balle projette les ombres. En fait, cette ombre devrait glisser sur le rocher ici et il devrait être plus bleu là-bas parce que le rocher, vous voyez les ombres là-bas sur le rocher. Le rocher est un logo blanc de couleur tout comme la sphère. Donc, comme cette sphère devient bleue ici, l'ombre de roche va avoir une influence bleuâtre sur elle, beaucoup moins verte. Et alors que cette ombre continue de glisser sur les arbres ici, nous retournerons à ce vert. Alors on y va. Quelque chose dans cette gamme et je pourrais, je pourrais, bien sûr qu'on va bien. Cette ombre, tout ce que je veux. Mais c'est une excellente façon de pratiquer les choses que nous avons apprises dans le chapitre 2 et aussi dans le chapitre 4, vous savez, changer Hughes et des choses comme ça. Si je devais projeter notre estimation approximative du temps, vous devriez faire une étude comme celle-ci. Faisons le ballpark à 10 minutes par sphère. Bon, alors passons à autre chose et mettons une autre sphère dans l'ombre. Posez-le ici, faites une sélection. On va mettre cette sphère comme sur la route ou quelque chose comme ça. Peut-être le rendre un peu plus grand pour qu'on le voie mieux. Et je ferai la même chose. Allez-y et bloquez une valeur globale. Maintenant cette année est dans l'ombre, alors bloquons cette valeur et même un peu plus sombre, j'aime bloquer mes valeurs presque dans une plage sombre moyenne. Je ne fais pas toujours ça, mais c'est une bonne idée parce que maintenant, quand je vais ajouter quelque chose de plus léger, comme la lumière réfléchie dans ce cas, vous avez déjà une valeur plus sombre à comparer avec cette lumière. Maintenant, si vous choisissez de démarrer la lumière, c'est bien aussi. Il suffit d'ajouter des ombres en premier. Mais parfois, je trouve que l'ajout de lumière aide davantage la modélisation. C' est juste ma propre opinion, ma propre expérience. Donc, j'aime commencer l'obscurité et ajouter des lumières. Maintenant, pensons à cette sphère une seconde parce que nous sommes dans l'ombre. C' est un scénario très différent du soleil. Je vais vous dire l'erreur que beaucoup de gens font. Ils diront : Ok, on est dans l'ombre. Il va y avoir beaucoup de puits de lumière qui descendent comme nous l'avions sur cette balle ici. Mais voici ce qu'ils vont faire. Ils vont prendre une lucarne et le mettre comme ça dans la même direction que la lumière du soleil. Mais c'est faux. La lucarne ne descend pas dans une telle direction. Eh bien, il descend dans une direction, mais parce que le ciel est comme un bol à 180 degrés au-dessus de tout, ce puits de lumière descend uniformément comme ça. Ce que cela revient à dire, c'est que le sommet du ballon sera allumé par le ciel. Donc je choisis juste ce genre de briquet bleu générique et je bloque ça dedans. Et vous pouvez jouer avec différents pinceaux, comme voici une sorte de pinceau de style râteau qui ressemble à l'éclosion pour vous, peu comme la hachure numérique gratuitement. J' utilise ce pinceau pour mélanger les couleurs beaucoup ensemble. Et parce que je suis dans le blues, je suis libre de changer ces teintes. Encore une fois, Chapitre 4, en pensant ici, remuer ceux dont autour un peu, essayer même comme des violets. Voyons si le feuilleter et faire fonctionner un violet. Si c'est trop agressif, il suffit de le griser. Cela aidera à le lier à vos autres couleurs. Et évidemment, j'appuie légèrement sur ma tablette pour encourager Photoshop ou votre application de peinture de choix à faire un peu de mixage pour vous. Donc, cela semble déjà bien en tant que représentant d'une balle éclairée par le ciel dans l'ombre. Encore une fois, lorsque vous êtes à l'extérieur, le ciel sera votre type de conducteur principal pour la lumière réfléchie. Voici la prochaine erreur que beaucoup de gens font. Tu te rappelles comment dans la sphère lumineuse, ces verts rebondissent dans l'ombre ? Eh bien, l'erreur que les gens vont faire, c'est qu'ils vont penser que les verts rebondissent dans l'ombre ici. C' est aussi faux parce que tout cela est dans l'ombre. Et parce qu'il est dans l'ombre, il y a beaucoup moins d'élan pour que la lumière rebonde autour. Rappelez-vous, la lumière ne rebondit que parce que le soleil est si fort que quand il frappe quelque chose, il a la force de rebondir. Mais toute cette zone est dépourvue de lumière du soleil. n'y a pas de rayons lumineux assez forts pour vraiment rebondir comme ça. L' influence la plus forte sur cette sphère est la lumière qui descend du ciel, comme je l'ai déjà mentionné. Donc, ce que cela équivaut à c'est que le fond de cette sphère va réellement commencer à plonger dans l'occlusion ambiante. Encore une fois, la lumière ambiante est occluse du fond de cette sphère. Pas autant de lumière ambiante est capable d'y arriver. Donc ce que je vais faire, c'est que je vais le réchauffer pour m' éloigner des refroidissements parce qu'il n'y aura pas de ciel frais là-bas. Donc je veux aller dans le sens inverse, réchauffer. Et encore une fois, c'est warmish, c'est juste un rouge neutre. Et commencez un peu plus profondément que cela et commencez à peindre dans cette transition vers l'occlusion ambiante. Maintenant, sous la sphère va être assez sombre parce que c'est là que beaucoup de lumière ambiante est incluse. Il peut y avoir très peu de rayons réfléchis qui tombent sous cette sphère va être tout à fait occluse, même avec des mégots contre le mur ici. Il va y avoir beaucoup d'occlusion ambiante ici. Souvenez-vous que ce n'est pas une ombre. Le tout est une ombre. C' est juste l'occlusion ambiante, cette partie la plus sombre de l'ombre. Laissez-moi zoomer un peu ici et je veux juste travailler cette transition. Je peux essentiellement échantillonner où il est, une sorte neutre de couleur chaude et juste combler cet écart. J' utilise un aérographe pour cela principalement à cause de cette peur est qui a de telles transitions de couleurs douces. Parce que rappelez-vous que tout est dans l'ombre. Donc c'est comme si toute cette sphère devait être traitée comme cette partie de la sphère solaire parce que c'était la partie ombre, non ? y aura pas non plus de points forts car il n'y a pas de reflet de la source lumineuse. Juste des transitions de valeur et de couleur très subtiles. Je peux essayer d'être un peu plus bleu si je le voulais. Et c'est vraiment maintenant à l'esthétique. Jusqu' où voulez-vous le pousser pour qu'il vous semble bon ? Et hé, il n'y a rien de mal à dire, d'accord, pour que cette sphère s'harmonise avec la scène un peu comme plonger dans les verts un peu. C' est moins pour des raisons de lumière réfléchie et juste plus pour des raisons esthétiques pures. Juste obtenir un peu de vert dans la scène ici, dans la balle pourrait aider à le relier à certaines des autres couleurs de la scène. C' est une technique que j'utilise beaucoup, mais je n'aime pas, je ne veux pas faire quelque chose comme ça et faire croire qu'il y a lumière réfléchie verte rebondie qui n'est pas réaliste. Cela n'arriverait pas si je veux mettre des verts dedans est juste un effet presque invisible. Il suffit de lier subtilement les couleurs de l'environnement avec ce que je peins ici. L' intégrer comme c'est le nom de cet exercice, l'intégration. Et d'accord, il y a notre étude terminée, je pense qu'en accord avec notre calendrier de tasse de café. Et vous notez la chose que je veux souligner ici est même si en tant que sphère comme un objet très basique, vous pouvez toujours venir avec une jolie image ici. C' est la couleur allégée qui ne le fait pas nécessairement le sujet. 17. Conseils finaux pour une étude rapide et efficace: Ok, Donc le troisième et dernier conseil d'étude que je voudrais partager avec vous ici entoure les informations du chapitre 4, dont nous avons déjà parlé dans ce chapitre. Mais vous savez, l'idée de faire votre couleur locale, pas seulement littéralement une couleur, mais en intégrant différentes teintes et températures tout en conservant l'apparence d'une couleur singulière. Maintenant, vous savez ce que la façon la plus rapide de pratiquer cela est en fait faire ce petit exercice que je vous ai montré dans le chapitre lui-même qui est de belles photographies de différents matériaux dans la vie réelle et juste les échantillonner et peindre leurs différents en gardant un œil sur ce que la roue de couleur fait que vous échantillonnez, qui aidera à ingrain certains mouvements dans votre cerveau, vous pouvez ensuite retirer plus tard que vous travaillez, disons de l'imagination. Mais pour combler le fossé vers le travail de l'imagination, nous pouvons nous inspirer d'un autre artiste, disent ce tableau de Greg homme échecs. Je regarde ce monstre armé là-bas. Tout le monde peut vous dire qu'il est vert tout en regardant toutes les couleurs qui ne sont résolument pas vert là-bas. Donc ce que j'ai fait, c'est que j'ai recadré la peinture de Greg Mencius juste pour qu'elle apparaisse comme des couleurs abstraites. Et typiquement, je n'aime pas travailler sur le blanc pur, donc je vais juste me bloquer dans une sorte d'environnement neutre était une sorte de chose grisâtre. Et on peut partir d'ici. Nous allons utiliser une sphère à nouveau, comme nous le faisons dans ces études. Si vous le souhaitez, peindre des formes de base comme des sphères est un peu égal pour le cours avec tant de choses d'art et de choses d'illustration. C' est tout simplement génial pour la pratique parce que encore une fois, vous n'avez pas à penser autant au dessin. Donc vous savez quoi, je vais faire cette chose où j'ai bloqué la sphère dans la mauvaise couleur, citez sans citation, nous voulons que la sphère apparaisse verte plus tard, mais je vais la rendre rouge pour commencer. Dans la peinture originale de Manche, nous pouvons voir quelques zones qui sont rougeâtres. C' est plus un truc orangé. Et je pourrais utiliser de l'orange si je voulais les mettre dedans. Mais nous verrons si je peux conserver certaines de ces couleurs que j'ajoute maintenant le vert. Maintenant, alors que je veux que cela ait une source de lumière, ce que je veux essayer de faire maintenant est de la peindre sans l'influence de la lumière. Donc je vais prendre mon outil de bavure peut-être. Et quand j'utilise mon outil de taches, j'aime allumer la peinture des doigts, ce qui me permet de peindre avec la couleur que j'ai choisie. Et je vais aller dans mes verts et dire, D'accord, c'est un ton vert terreux comme ça. Et commençons à poser dans ces verts, déplaçant ce rouge vers le vert. C' est là que l'outil de bavure est agréable parce qu'il ressemble presque à une brosse à huile humide ou quelque chose comme ça. D' autres applications, j'ai en fait mieux dans les pinceaux pastel que ça. Comme Corel Painter est connu pour ses pinceaux naturels. Et même des applications comme Procreate font vraiment du bon travail avec ce genre de choses. Krita aussi, et Photoshop dans une certaine mesure. Bien que honnêtement, ce n'est pas la force de Photoshop, mais Photoshop fonctionne bien. Si vous trouvez le bon pinceau à utiliser avec l'outil anti-taches, j'ai ce genre de pinceau plat ici. Je crois que ce pinceau est l'un des pinceaux impasto de Kyle Webster qui vient avec un abonnement de Photoshop CC, je évidemment UN. C' est ce que j'utilise. Et évidemment, je ne peux pas partager ce pinceau avec toi parce que ce n'est pas ma propriété de l'inclure dans mon matériel. Mais si vous avez un abonnement à Photoshop, vous pouvez accéder au kit impasto de Kyle Webster, où vient cette brosse. Bon, donc tu peux voir que je bouge juste autour de mon Hughes, je suis dans le coin. C' est plus jaune, vert. J' ai des verts plus frais derrière elle et regarde ces rouges, ces réchauffes qui regardent à travers maintenant en arrière-plan. Essayons des verts plus bleus. Allons bien là-haut. Et encore une fois, c'est un grand changement, ce bleu ou vert. Donc je vais le garder gris. C' est une excellente façon d'intégrer les couleurs. Si vous êtes timide à ce sujet, il suffit de le garder gris au début. Et alors que vous renforcez la confiance avec ces gris en harmonisant ce qui est là, alors vous pouvez peut-être ajouter un peu de saturation, c'est que vous allez et je pense que je peins accidentellement une source de lumière. Assurez-vous que j'applique ces couleurs tout au long. Je ne veux pas que cette balle semble avoir de la lumière dessus en ce moment. Je ne veux donc pas répéter l'étude que je viens de faire, savoir les sphères de lumière et d'ombre intégrées à la photographie. Je veux que ce soit plus une étude de couleur plate. Mais une fois que j'ai fini, disons quand je suis à ce niveau, je regarde ça et je suis comme, ok, ça, qui se lit comme vert mais comme le monstre Greg Mencius peinture ici, il y a beaucoup de couleurs là-dedans qui ne sont pas vraiment vertes. En fait, ajoutons un peu plus. Comme si je voyais des touches de violet dans le panoramique Mencius. Faisons en sorte qu'il soit très bon. Peut-être un peu plus bleu que ça. Peut-être que c'est plus comme ce genre de violet. Mettez certains d'entre eux et voyez où vous pouvez repousser les limites. Comme combien de pourpre pouvez-vous mettre avant qu' il ne commence pas à avoir l'air vert comme si je faisais ça, maintenant soudainement ce n'est plus une boule verte, n'est-ce pas ? Si vous êtes conscient de la façon dont vous mélangez ces couleurs, les bords souples, même ce pinceau de style râteau créera sa propre version de bords souples si vous poussez assez légèrement. Et puis bien sûr, l'outil de taches peut littéralement créer des bords souples. Et puis il y a aussi des outils comme l'aérographe que j'ai ici peuvent créer des bords souples. Vous seriez étonné de voir combien de couleur vous pouvez entrer dans une petite étude de couleur locale comme celle-ci et encore l'avoir, dans ce cas, lire comme une boule verte. Ok, Alors maintenant, nous allons simplement ajouter un peu de lumière à cela. Je vais prendre un ensemble aérographe en mode esquive linéaire, que j'ai mis en signet dans mes brosses ici, parce que c'est un mode que j'utilise beaucoup. Et vous voyez où ce monstre est allumé par la lumière du soleil. C' est une sorte de vert plus chaud. Donc je vais choisir une couleur plus chaude ici. Linear Dodge, vous devez en fait choisir des couleurs plus foncées parce qu'il l'ajoute comme ça. Et ce que je ferai, c'est que je mettrai ça. Et la bonne chose à propos de la pose dans mes couleurs locales premier et d'avoir toutes ces vibrations de couleur en premier et d'avoir toutes ces vibrations de couleur intégrées est maintenant quand j'ajoute cette couche de lumière avec le mode esquive linéaire, ou vous pouvez utiliser le mode d'esquive couleur ou le mode écran. Ils font des choses très semblables. Ça préserve tout ce travail que j'ai fait en dessous. Et maintenant j'ai l'impression que nous avons une boule tridimensionnelle avec toutes ces vibrations de couleur, ces variétés de teinte allumées par une source de lumière réelle. Je pourrais aller dans le sens inverse et retourner ce mode 2 multiplier, peut-être obtenir une couleur plus fraîche. Et avec multiplier, vous allez choisir une couleur plus claire parce qu'elle va l'assombrir. Et je peux peut-être augmenter le contraste dans l'ombre et faire apparaître cette balle un peu plus, tu sais. Changer ces couleurs pendant que je travaille. Et encore une fois, le mode multiplier, peu comme le mode esquive linéaire, préservera tout ce travail de couleur que j'ai fait en dessous. Et cette étude n'est décidément pas jolie. Je veux dire, il y a un halo de lumière ici que je peux peindre, mais ça n'a pas d'importance. Vous savez, vous ne pensez pas que vous les publiez sur votre compte Instagram ou quoi que ce soit. Encore une fois, ce sont des choses que vous faites sur une tasse de café du matin et vous essayez juste familiariser votre cerveau et votre œil avec la façon dont les couleurs se déplacent autour de ce, tout important, c'est un sélecteur de couleurs numérique. Vous savez, ce cours est principalement destiné aux peintres numériques, même si les théories des couleurs sont entièrement applicables aux artistes traditionnels aussi, lorsque nous travaillons numériquement, nous devons respecter ce sélecteur de couleurs. Nous ne mélangeons pas nos pigments comme le fait un peintre à l'huile traditionnel. Par exemple, le choix des couleurs est délicat car il est tentant de choisir la couleur exacte avec laquelle vous voulez peindre. Ce que je vous montre ici, surtout dans cet exemple, c'est que ce n'est pas vraiment ce que vous faites. Ou au moins une autre option est de mélanger les couleurs sur la toile réelle et vous arrivez aux couleurs visuellement. Autrement dit, vous les évaluez visuellement, pas nécessairement choisir cette couleur et dire, Oh, c'est la bonne couleur. C' est plutôt comme si vous pouviez choisir cette couleur, puis mélanger vers elle en appuyant doucement avec votre pinceau ou quelque chose et vous avez l'influence de cette couleur sur une zone globale. D' accord, et si on voulait ajouter un peu d'ombre ici, je pourrais juste choisir une couleur froide neutre quelque chose et tu sais, si c'est une lumière chaude à mon classique ou à mon ombre et juste faire quelque chose comme ça. Encore une fois, celui-ci est nettement moins joli que le dernier, mais c'est bon. Je le fais exprès parce que je veux vous encourager à entrer dans ces représentants. Et j'ai l'impression que le perfectionnisme et trop de qualité peuvent parfois nuire à ça. Je ne dis jamais que vous devriez abandonner la qualité entièrement comme cela a de la qualité à elle, mais ce n'est en aucun cas une peinture polie d'une sphère. Cependant, j'ai l'impression que les couleurs que je viens de capturer là-bas, et cela m'a pris 15 minutes, serait extrêmement précieux si je voulais peindre quelque chose d'aussi complexe que ce monstre dans la peinture originale de Mencius. Ou peut-être un de mes propres monstres verts, c'est exactement comme ça que je vais peindre ce type. Ce n'est pas une coïncidence si ce monstre est très proche d'une sphère. Ok, alors sortons cette clé du chapitre 5, et je veux juste te montrer une chose de plus. N' ayez pas peur de bousculer les choses phi. Tout ce chapitre de conseils d'étude que j'ai parlé essentiellement d'éliminer le dessin autant que vous le pouvez. Eh bien, pourquoi ne pas simplifier encore plus cette étude et le faire sous forme sphérique ? La seule chose que je vais faire différemment ici est d'ajouter quelques sphères de plus pour exalter la scène, et je vais choisir quelques-unes des couleurs principales là-dedans. Vous pouvez voir les tons de la veste, les tons de chair, le bandana, les tons rouges. Et je prends juste un peu d'inspiration pour savoir où se trouvent ces objets. Cette sphère la plus éloignée, qui représente le garçon à l'extrémité, doit être un peu plus sombre que le garçon de plus près. Et vous pouvez voir que mes deux sphères représentent ça. C' est important pour moi dans cette pièce parce que tu ne veux pas que ces figures se regroupent comme une seule masse. Vous voulez une séparation là-bas. C' est ce que Rockwell a fait dans sa peinture de toute façon, et j'ai aimé que même s'ils portent les mêmes vêtements de couleur, ils se séparent les uns des autres par une différence de valeur. Et dans celui-ci, parce que le garçon en bas et le chien sont un peu séparés de tout le reste. Je ne vais même pas les inclure dans cette version de l'étude. Si je peux faire fonctionner ces meilleurs blobs, tout ce que tu as à faire c'est répliquer ces décisions pour le fond et ça marchera très bien. Étudier peut parfois impliquer une simplification créative de votre sujet. Et encore une fois, ceci est spécifique à l'étude des couleurs. Je veux dire, c'est un peu similaire à la façon dont on étudie le dessin, non ? Lorsque nous avons étudié le dessin, nous éliminons la couleur. Alors, quand nous étudions la couleur, pourquoi ne pas éliminer autant de dessin que possible ? Maintenant que la bande passante créative nouvellement libérée peut être concentrée sur vos sélections de couleurs. Oui, je pense que je vais mettre fin à celui-là. Ensuite, je terminerai aussi le chapitre 6 ici. Et par extension, c'est la fin de la classe. Je tiens à vous remercier d'avoir regardé le Guide de survie couleur. J' espère vraiment que cette classe vous a donné des informations précieuses, des leçons et des outils qui vous aideront à propulser votre utilisation de la couleur à ce niveau. Après tout, je pense que la couleur peut être une chose très logique. Cela peut sûrement se sentir effrayant au début, mais avec l'aide d'outils tels que ceux de cette classe, j'ai confiance que vous serez en mesure d'en faire plus de sens. Très bien, les amis, c'est Marco Gucci qui signe. Je te verrai dans un autre cours. Heureux d'étudier.