Introduction à l'aquarelle : peindre des fleurs magnolia à l'aide de techniques simples

1. Introduction: Je trouve que l'aquarelle est un médium parfait pour commencer. Que vous soyez débutant ou plus expérimenté, a beaucoup à gagner apprentissage de l' aquarelle a beaucoup à gagner. Vous devez adorer le processus de peinture et l'œuvre finale qui a fière allure non seulement sur votre rouleau, mais également numérisée et imprimée sur les produits. Je m' appelle Jane Beata. Je suis artiste aquarelle professionnelle et enseignante basée en Slovaquie. Bienvenue dans mon studio. Je vends et expose des peintures originales et des estampes. Parfois, je crée même des illustrations pour les clients, je les imprime sur des produits ou dans des publications. J'ai également une chaîne YouTube où je partage mon processus de peinture et chaque semaine mon processus de peinture et mes tutoriels aquarelle. J'ai commencé à expérimenter l'aquarelle il y a environ 10 ans et je suis immédiatement tombé amoureux du médium. L'aquarelle vous permet de terminer les peintures plus rapidement. Souvent, prend même le volant pour vous et crée ces belles abstractions qui élèvent votre peinture sans trop d'efforts. Comparé aux autres supports, il ne nécessite pas d'installation importante ou coûteuse pour commencer. Le processus de peinture est tellement agréable. En quelque sorte, c'est presque thérapeutique. Personnellement, cela m'aide à détresse et à me perdre instantanément dans le processus. Dans mon atelier, je dirige souvent ateliers d'aquarelle en direct et nous aimons beaucoup transmettre mon expérience et observations sur l' aquarelle à d'autres personnes. Dans ce cours, je vous guide à travers les techniques fondamentales de l' aquarelle. Je vais vous aider à choisir les matériaux appropriés pour commencer et une palette de couleurs limitée. Nous allons passer par le mélange de couleurs et je présenterai des approches de base de la peinture à l' aquarelle que vous pouvez appliquer pour peindre n'importe quel sujet. Pour le projet de classe, je vais vous guider tout au long du processus de peinture d'un magnifique magnolia aquarelle. Je vais vous montrer comment créer un croquis simple, puis le transférer sur du papier aquarelle. Mais je vais également vous fournir mon croquis si vous souhaitez passer immédiatement à la peinture. Nous allons peindre la fleur de magnolia étape par étape, des premiers lavages aux ajustements finaux et à l'approfondissement de la couleur. Je vais également vous montrer comment je crée des éclaboussures expressives et je décore mes tableaux avec eux. Si vous êtes vraiment impatient d'apprendre, j'ai deux leçons supplémentaires à la fin de ce cours, où je vais créer et vous guider étape par étape deux autres aquarelles de magnolia. Si la peinture à l'aquarelle est quelque chose que vous aimeriez apprendre et que vous êtes prêt à apprendre, prenez vos pinceaux et rejoignez-moi dans ce cours. 2. Orientation du cours: Bonjour à tous, et bienvenue dans la classe. Je suis sûr que vous êtes ravi de commencer à peindre immédiatement, mais permettez-moi d'abord de dire quelques mots pour vous familiariser avec aquarelle et la façon dont ce cours est organisé. Le milieu aquarelle est parfois entouré d'un mythe selon lequel il est très dur et mal à l'aise, et lorsque vous apprenez par vous-même et par des essais et des erreurs, cela peut ressembler exactement à cela. Suivez la bonne direction et les exercices soigneusement conçus, vous pouvez apprendre très rapidement. Je trouve que l'aquarelle est un médium parfait pour commencer avant même avec des techniques artistiques traditionnelles telles que les huiles, acryliques et la gouache, elle peut vous procurer un grand avantage. C'est parce qu'il nécessite une configuration minimale pour commencer, vous pouvez littéralement commencer peindre avec de l'aquarelle sur le genou, temps de peinture est très court. Les peintures à l'aquarelle sont également superbes, numérisées lorsqu'elles sont imprimées sur des produits, que vous pouvez toujours offrir ou vendre la peinture originale. Et probablement le plus grand avantage de l'aquarelle est la sensation de peindre à l'aquarelle, le processus est très agréable, c'est pénible, très divertissant, et c'est une raison énorme de le prendre comme Un passe-temps. Quand j'ai commencé à peindre à l'aquarelle, j'ai pensé que c'était incroyablement difficile à contrôler. Mais lorsque j'ai commencé à pratiquer les deux approches, il est devenu clair qu'il existe des moyens contrôler l'aquarelle et de lui donner des limites. Ce n'est qu'après plusieurs essais que je savais déjà plus ou moins ce que je faisais. Ces débuts étaient ce que j'avais en tête lors de la conception de ce cours. Commençons par la leçon sur les matériaux pour que vous sachiez quoi préparer. Assurez-vous de configurer votre espace de peinture avec tous les outils dont vous avez besoin pour peindre avec moi tout au long de la classe. Dans les deux leçons suivantes, j'expliquerai le mélange des couleurs et les techniques de base de l'aquarelle. La leçon de mixage des couleurs vous apprend comment combiner les couleurs de palette limitées que j'ai sélectionnées pour cette classe et comment créer de nombreuses options avec lesquelles vous pouvez peindre. La leçon de techniques de base de l' aquarelle explique en détail deux approches fondamentales de l'aquarelle et j'ai également conçu un exercice de peinture où je vous montre comment utiliser ces approches pour peindre individuellement. pétales de fleurs. Je veux vraiment souligner la nécessité peindre tous les exercices, peut-être même quelques fois si nécessaire. connaissances théoriques acquises en regardant les vidéos sans peinture ne se traduiront pas dans la mémoire musculaire de votre main qui se déplace sur le papier La seule façon d' apprendre est donc de peindre. le long. En même temps, vous gagnez tellement de temps en suivant ce cours, car c'est un excellent moyen d'acquérir de bonnes habitudes de peinture dès le début, et vous détruirez probablement beaucoup moins de papier que un autodidacte moyen le fait au début de son voyage à l' aquarelle. Votre projet de classe consistera à créer une peinture à l'aquarelle magnolia. Mon cours vous emmènera tout au long du processus, de la création du croquis à la peinture derniers détails et à la décoration avec des curseurs expressifs. Assurez-vous de prendre une photo ou une numérisation de votre peinture finale de magnolia, puis téléchargez-la dans la section projet de cette classe afin que je puisse la voir et vous donner des commentaires. Si vous êtes comme moi et que vous voulez en apprendre un peu plus, j'ai ajouté deux leçons bonus pour vous, et vous pouvez les trouver à la fin de ce cours. Dans chaque leçon bonus, je crée une étude supplémentaire de magnolia aquarelle du début à la fin, même si de façon légèrement plus rapide pour démontrer mon approche de l'utilisation des techniques d' aquarelle pour peindre les fleurs. études en général, et vous êtes les bienvenus pour créer ces études supplémentaires avec moi. La classe comporte une section intitulée Projet et ressources, et vous pouvez télécharger mes croquis et mes images de référence à partir de là. J'ai également ajouté des images des progrès des trois études pour vous aider dans cette vue d'ensemble de l'ensemble du processus. Maintenant, vous êtes prêt, alors prenez vos pinceaux et commençons. 3. Matériel: Dans cette vidéo, nous allons passer en revue tous les matériaux nécessaires à la classe. Je vais vous montrer exactement ce que j'utilisais, mais aussi des alternatives, car il n'est pas nécessaire d'avoir exactement les mêmes fournitures. Vous aurez d'abord besoin d'un papier aquarelle. J'utilise du papier canson Moulin du Roy en coton, mais vous pouvez utiliser n'importe quel papier aquarelle au moins 300 g/m² ou 140 livres. Cela signifie que votre papier est suffisamment épais pour résister à l'eau. Je vous recommande de choisir un papier pressé à froid lorsque vous débutez avec de l'aquarelle, ce qui signifie que votre papier a une certaine texture. Ce type de surface est légèrement plus indulgent que les papiers trop lisses ou trop rugueux et peuvent vraiment être d'une grande aide au début. Ensuite, vous aurez besoin de pinceaux à aquarelle. J'utilise des pinceaux argentés en velours noir série 3000 S dans les tailles six et huit, mais vous pouvez utiliser n'importe quel pinceau rond taille plus grande et plus petite, avec des poils synthétiques ou naturels. Assurez-vous simplement que les pinceaux ont une pointe plus tranchante et que la brosse plus grande devrait pouvoir contenir plus d'eau. Les pinceaux aquarelle peuvent coûter très cher, alors n'en achetez pas beaucoup. Deux pinceaux sont plus que suffisants pour commencer. Pour mélanger vos couleurs, vous aurez besoin d'une palette. J'utilise une assiette de cuisine en porcelaine blanche à cette fin. Vous aurez également besoin d'un ruban de masquage et d'un pot contenant de l'eau propre. Les torchons de cuisine sont également très importants et un outil nécessaire, et pour accélérer le processus de séchage, j'ai également un sèche-cheveux à portée de main. Nous aurons également besoin d'un matériel de dessin pour créer des esquisses. J'utilise un papier d' imprimante moins cher pour mes croquis et un crayon mécanique pour dessiner. Vous pouvez également utiliser une gomme, mienne est un château en tissu sans poussière. Pour transférer mes croquis, j'utilise un bâton de graphite, mais c'est un matériau optionnel, un crayon ordinaire fera également le travail. Enfin, nous aurons certainement besoin de peintures à l'aquarelle. Vous pouvez utiliser soit des jeux de peintures dans des peintures sèches, soit des peintures dans un tube. Soit utiliser F9 et une marque n'a pas beaucoup d' importance pour les étudiants ou les artistes, la gamme de peintures aquarelles le fera. Je ne ferais qu'éviter les peintures pour enfants et les fournitures de qualité médiocre, car elles peuvent fonctionner très différemment. J'utilise une grande variété de marques et parmi celles que j'ai choisi quelques peintures et couleurs pour cette classe. Vous n'avez pas besoin d'avoir exactement les mêmes couleurs, il suffit de choisir quelque chose qui ressemble à ce que vous avez déjà. Le premier sur ma liste est magenta. J'utilise le mincut en un seul lot, et c'est un rouge très transparent et frais. Lorsque vous l'arrosez, il apparaît comme une couleur rose saisissante. suivant est alizarine pourpre, il s'agit d'un rouge foncé légèrement plus foncé. Je les reçois toujours dans un tube plus grand de Winsor et Newton, car cette couleur est très polyvalente et je l'utilise souvent. La plupart des peintures à l' aquarelle pour débutants contiennent ces couleurs, vous ne devriez donc pas avoir de problème à en obtenir une. Nous utiliserons également de l'or vert, c'est une couleur vert très clair, et lorsque vous l'arrosez, il apparaît presque jaune, ce qui le rend très pratique pour mélanger non seulement des parties vertes des fleurs, mais aussi en créant des nuances orange. Ma peinture pour tubes est signée Daniel Smith. suivant est le bleu céruléen, et c'est une couleur bleue plus chaude. Nous l'utiliserons pour mélanger des violets et créer des ombres. Celui-ci est signé Daniel Smith et il granule beaucoup, ce qui donne à la peinture une texture supplémentaire. Enfin, pour assombrir nos mélanges, nous utiliserons une teinte neutre, mienne est de Daniel Smith et cette couleur n'est ni froide ni chaude. Cela nous aidera à obtenir plus de contraste et, dans l' ensemble, il est très pratique lorsque vous peignez une grande variété de sujets. C'est ça. Ces cinq peintures sont tout ce dont nous avons besoin pour créer une large gamme de couleurs, et une fois que vous aurez vos matériaux prêts, vous serez tous prêts à me rejoindre dans la prochaine vidéo, où je vous montrerai comment les mélanger. Vous trouverez également une liste complète des matériaux dans la description de la classe. 4. Mélange de couleurs: Bonjour, là. Vous vous souvenez de ces cinq couleurs dont nous avons parlé dans la vidéo précédente ? Dans celui-ci, vous apprendrez à les mélanger pour créer toutes sortes de couleurs secondaires et finalement faire ressortir vos études de fleurs. Les cinq couleurs de notre palette sont le magenta, pourpre alizarin, l'or vert, bleu céruléen et une teinte neutre. Voyons ce qui se passe si nous les combinons. Pour cet exercice, prenez un morceau de papier aquarelle de rechange. abord, mélangeons le magenta et le pourpre alizarine. La nouvelle couleur sera légèrement différente des deux. Quelque chose entre le rouge et le rose, c'est ce que nous utiliserons plus tard pour peindre des études de fleurs. La prochaine combinaison sera la teinte magenta et neutre. Prenez un peu les deux avec votre pinceau et mélangez-les à votre palette. La couleur résultante sera pourpre, et selon la couleur qui domine le mélange, la nouvelle couleur apparaîtra soit plus rouge soit plus violet profond. Triez ces mélanges sur votre papier pour voir quels types de violet vous pouvez obtenir. Essayez maintenant de mélanger le pourpre alizarin avec une teinte neutre. Vous obtiendrez des mélanges rouge profond qui semblent presque bruns. Essayez de mélanger les combinaisons de ces deux couleurs avec rouge dominant le mélange ou la teinte neutre. Encore une fois, le but de cet exercice est de voir quelles couleurs vous avez disponibles et comment les obtenir. Le prochain mélange sera magenta avec du bleu céruléen. Parce que mes granulés de bleu céruléen, le mélange apparaîtra granuleux , ce qui n'est pas forcément le cas sur votre papier. Ce n'est pas une erreur si vos mélanges sont lisses, c'est juste que ce pigment particulier que j'utilise une couleur granulante, alors que les pigments spécifiques que vous utilisez peuvent ne pas l'être. Mais en granulant ou non, la couleur résultante sera un violet bleuté. Le mélange suivant est le pourpre alizarine avec le bleu céruléen. Le violet résultant sera brunâtre et très différent de celui utilisé dans ce mélange. Essayez maintenant de mélanger la teinte neutre avec le bleu céruléen pour obtenir des bleus foncés et profonds, ce qui peut s'avérer utile lorsque vous peignez des ombres. Voici la première partie de l'exercice. Beaucoup de couleurs, vous ne pensez pas ? Mais nous n'en avons pas encore fini. Voyons ce qui se passe si nous invitons de l'or vert à la fête. Mélangeons maintenant du magenta avec de l'or vert. Comme l'or vert est assez proche du jaune lorsqu'il est arrosé, il crée des mélanges orange. Des mélanges similaires peuvent être obtenus lors mélange pourpre d'alizarine avec de l'or vert, mais ceux-ci apparaîtront encore plus frais et un peu brunâtres. La combinaison de teintes neutres et d'or vert vous offre une large gamme de verts plus foncés. Il est amusant de voir comment le vert change selon laquelle de ces deux couleurs domine. Attention à la quantité de teinte neutre ici. Comme il fait très sombre, il peut facilement dominer ce vert clair. Je préfère l' ajouter lentement et en petites quantités au mélange pour voir ce qu'il fait. Essayez maintenant d'ajouter un peu de bleu céruléen à ce mélange. Cela crée encore plus de variété de verts bleuâtres qui sont vraiment intéressants et vous allez les utiliser dans vos peintures. Félicitations, vous avez terminé les deux parties de cet exercice de mélange de couleurs. Vous devriez maintenant avoir une bonne idée de ce que votre palette peut faire et des couleurs qui s'offrent à vous, même comment les obtenir exactement. Maintenant que vous et la couleur n' êtes plus étrangers, vous êtes prêt pour la prochaine leçon où je vais vous montrer deux techniques de base de peinture à l'aquarelle. 5. Techniques de base de l'aquarelle: Dans cette vidéo, permettez-moi d'expliquer comment l' aquarelle se comporte sur le papier. Si vous débutez dans l'aquarelle, il est crucial de le comprendre car cela vous permettra d'économiser beaucoup de temps et de rancune. Prenez un morceau de papier aquarelle et rejoignez-moi dans cet exercice d' échauffement. d'abord Préparez d'abord de l'aquarelle en y ajoutant de l'eau sur votre palette. Cette technique est à base d'eau, ce qui signifie que nous peignons presque avec de l'eau teintée. Peignez un cercle. Comme le papier est sec, l'eau restera à l'intérieur du cercle. On peut même le voir courir à l'intérieur sa forme mouillée comme s' il était coincé à l'intérieur. C'est un principe appelé « mouillé sur sec ». Si vous peignez sur une surface sèche, l'eau avec votre peinture restera toujours à l'intérieur d'une zone que vous avez humidifiée. Remarque importante est que cette zone aura un bord dur autour de celle-ci une fois qu'elle sera sèche. Mouillons la moitié du papier avec de l'eau propre, puis essayons de peindre un cercle à nouveau. L'aquarelle se répand désormais partout, car il n'y a pas de limite sèche pour la garder à l'intérieur. Ce principe s'appelle « mouillé dans l'eau ». Remarquez comment nous pouvons encore voir un cercle que nous avons peint, mais au lieu d'une forme nettement définie, nous en obtenons un cercle qui semble floue et nous appelons cela un bord doux. Repeignons un cercle, mais essayons de se débarrasser doucement de tout l'excès d'eau. Je l'enlève toujours avec la pointe de mon pinceau , ce qui m'aide à éviter les taches de couleur. C'est ainsi que nous devons peindre si nous voulons obtenir un lavage plat de couleur. Peignez un cercle de plus, mais cette fois, laissez beaucoup d' excès d' eau à l'intérieur du cercle et laissez-le sécher. Le résultat que nous obtenons est très différent. Lorsque nous peignons de cette façon, nous obtenons souvent des textures expressives aux bords rugueux et sombres. Dans le prochain exercice, je vais vous montrer comment utiliser ces deux approches pour peindre différentes parties de la fleur. C'est ainsi que nous préparons du papier aquarelle pour le peindre dessus. Utilisez du ruban de masquage pour monter ce papier sur votre table ou sur une planche. Le ruban de masquage doit toujours couvrir au moins un centimètre du papier de tous les côtés, et le reste doit être fermement appuyé contre le carton pour maintenir le papier en position. Le but est de garder le papier à plat. Il se bouclera toujours un peu pendant que vous peignez, mais si vous l'avez monté correctement, il sèche toujours suffisamment à plat. Esquissons la forme de base d'un pétale de fleur. Couvrez-le d'un lavage de peinture très transparent. Nous connaissons déjà un principe humide sur sec, et nous allons donc l'utiliser pour former les bords de ce pétale. Il est maintenant temps de profiter du principe «  mouillé dans l'eau ». Les pétales de fleurs apparaîtront rarement de couleur inondante. Alors que le lavage de la peinture est encore humide, ajoutons un peu plus de pigment au fond du pétale pour créer un dégradé. ombre de la nouvelle peinture peut se propager dans une zone humide incontrôlée, mais elle ne peut pas quitter les limites du pétale. Utilisez doucement votre pinceau pour le pousser d'avant en arrière si vous sentez que la nouvelle peinture échappe trop à sa position. Vous pouvez même laisser une partie du pigment avec votre pinceau pour créer une touche douce. Prenez votre brosse plus petite et chargez-la avec plus de pigments. Nous allons dessiner ces veines à l'intérieur du pétale. Sur une fleur de magnolia, elles apparaissent sous la forme d'une ligne floue. Ainsi, le dessiner alors que le lavage précédent est encore humide nous donnera le résultat doux que nous recherchons. Mon conseil est d'attendre une minute pour que l'eau se calme un peu, mais pas trop longtemps pour que le lavage commence à sécher. dessinant la ligne un peu plus légère En dessinant la ligne un peu plus légère , une nouvelle peinture s'étale légèrement moins que lorsqu'elle est placée dans un lavage fraîchement peint. Cependant, si vous attendez trop longtemps et que le lavage sèche, il ne s'étendra pas du tout. Vous pouvez utiliser votre pinceau pour pousser doucement la peinture d'avant en arrière, pour aider la ligne à se former en votre faveur. Observez l'eau et la peinture et comment elle se comporte. Cette expérience sera votre source lors de la création de peintures. Dessinons un dernier pétale, cette fois de côté. Dans sa forme, il ressemblera à un canoë. Prenez votre pinceau et peignez un premier lavage transparent comme nous l'avons fait auparavant. Vous n'avez pas besoin d' utiliser une seule couleur. Je commence souvent par une couleur et je continue d'en ajouter une autre dans le mélange au fur et à mesure, ce qui entraîne un dégradé. Laissez-le sécher. Regardez ces jolis bords tranchants qui définissent clairement cette forme feuillue. Nous allons maintenant ajouter une autre couche de peinture sur un côté de la feuille pour la façonner encore plus loin. En travaillant sur des calques, vous pouvez développer davantage votre sujet, vous pouvez parfois même utiliser une deuxième couche pour corriger les accidents de la première. Prenez le temps de terminer cet exercice et d' observer comment l'aquarelle apparaît lorsqu'elle est mouillée, comparativement à une fois sèche. Il y a un léger changement dans l'obscurité générale et la saturation des couleurs. La finition sèche sera toujours plus légère et moins saturée, mais à quel point elle est différente exactement ? Cela dépend du type de peinture et de papier que vous utilisez. Vous serez en mesure d'anticiper ces changements dans le temps à mesure que vous vous habituerez davantage à vos propres matériaux aquarelles. La dernière chose que je veux vous montrer ici est comment corriger les veines du premier pétale avec une deuxième couche. Une légère correction serait utile car la première couche ne sèche pas exactement comme je l'avais prévu. Vous pouvez toujours recouvrir toute la zone avec de l'eau propre et essayer de les peindre à nouveau à l'intérieur ce deuxième lavage humide. Une nouvelle peinture superposera la précédente. Assurez-vous simplement que les bords du deuxième lavage s'alignent sur le premier, sinon vous finissez avec bords doubles et cela pourrait ne pas paraître si beau. Avant de retirer délicatement le ruban de masquage, assurez-vous que tout est complètement sec. Parce que cette leçon couvre les fondamentaux essentiels de ce cours, j'ai ajouté un résumé auquel vous pouvez vous référer tout au long de la classe. Il existe deux façons de peindre à l'aquarelle : vous peignez soit sur une surface sèche, soit sur une surface humide. Sur la surface sèche, aquarelle restera à l'intérieur de la zone humide et forme des bords tranchants après séchage. Sur une surface humide, aquarelle se répand à l'intérieur de la zone humide et forme des bords doux après séchage. Si vous retirez l'excès d'aquarelle d'une zone humide, vous obtiendrez un aspect de couleur plate. Cependant, si vous souhaitez obtenir un aspect plus expressif et texturé, vous pouvez laisser beaucoup d'excès d'eau à l'intérieur de la zone humide et la laisser sécher. Montez toujours du papier aquarelle sur une planche ou votre table avant de peindre, ce qui évite le flambage. Pendant l'exercice des pétales de fleurs, nous remplissons le premier pétale avec un lavage d' aquarelle transparente, puis nous avons ajouté un peu plus de pigment pour créer un dégradé et nous l'avons poussé d'avant en arrière avec le pinceau. Pour créer des veines, nous avons simplement tracé des lignes dans le lavage humide ; les lignes semblent ensuite plus douces à cause de la surface humide. Si vous souhaitez ajouter plus de veines ou ajouter plus de couleur au pétale plus tard, il suffit de mouiller tout le pétale avec l'eau propre et d'ajouter plus de pigment dans la zone humide. La deuxième couche superpose la première. Nous avons également peint un deuxième pétale de fleurs à l'aide de deux couches de peinture, mais cette fois en utilisant un principe humide sur sec. Cela nous a aidés à créer un côté plus net et plus sombre de ce pétale. Félicitations, vous êtes maintenant prêt à commencer à travailler sur votre première étude de magnolia aquarelle. Dans la vidéo suivante, nous allons préparer le croquis ensemble. Je vous y verrai. 6. Créer votre propre croquis: Dans cette leçon, nous allons créer un croquis pour notre projet de classe, la peinture à l' aquarelle Magnolia. Cela étant dit, vous pouvez vous concentrer uniquement sur le processus de peinture dans cette leçon et télécharger simplement le croquis à partir de projets et de ressources ci-dessous. Mais je vous encourage vivement à suivre cette leçon et à créer votre propre croquis car dessin vous donnera toujours le pouvoir et vous donnera beaucoup de liberté pour créer vos propres œuvres d'art originales ultérieurement. Prenons notre papier à croquis et votre crayon préféré et commençons à dessiner des lignes pour indiquer une forme très rugueuse. Apportons l'image de référence. Essayez de rendre vos premières lignes très légères et d'en faire autant que nécessaire pour obtenir la bonne forme. Le but de ce premier brouillon est de décider où la fleur s'insère sur la page et quelle sera sa taille. Ma première ébauche ressemble à ceci. Il ressemble plus à deux formes géométriques simples qu'à une fleur. C'est ce que je crois que n'importe qui peut dessiner, quelle que soit votre expérience. Certaines questions que je pourrais me poser lorsque je travaille sur mon premier tirant d'eau sont la largeur générale de cette fleur, si je la compare à sa longueur ? Combien de formes plus grandes la fleur contient-elle ? Est-ce qu'ils courent dans la même direction ou ont des directions différentes d'eux ? Comment ils se comparent les uns aux autres dans leur taille, et ainsi de suite. Dans la prochaine phase de mon processus de dessin, je commence à affiner lentement des formes plus grandes représentant des pétales de fleurs individuels. J'ai déjà dessiné une forme rugueuse de chaque pétale, mais nous devons passer par dessus chaque forme et ajuster certaines lignes pour la rapprocher de ce à quoi ressemble une pédale. Cela signifie généralement transformer de nombreuses lignes initialement droites en courbes. Je suggère commencer par les pédales les plus proches de nous, car elles se chevauchent le reste et apparaissent comme une base solide. Prenez votre temps, conduisez lentement et observez beaucoup vos références à ce stade. Certaines questions que je pourrais me poser pendant que je travaille tout au long de ce processus de raffinage sont quelle est la largeur globale du fond de la fleur par rapport à l' ouverture en haut ? Comment les pédales que l'on ne voit pas sont-elles attachées à la fleur ? Quelle est la pointe de chaque pédale ? Cette courbe a-t-elle l'air naturelle, et ainsi de suite ? Il est possible de corriger les erreurs à l'aide d'une gomme et nettoyer votre esquisse des lignes de brouillon dessinées précédemment. Une fois que vous vous engagez sur une ligne, vous pouvez la rendre légèrement plus épaisse et votre fleur de magnolia commence à apparaître sur une page. Gardez les yeux rivés sur l'image de référence le plus longtemps possible. Le moment est venu de résoudre tous les problèmes de proportion, car une fois que nous transférons le croquis sur le papier aquarelle, il devient plus difficile de le corriger. Assurez-vous d'être satisfait votre croquis avant de le transférer. Félicitations, vous êtes maintenant prêt à transférer votre croquis sur un papier aquarelle. Je vais vous montrer comment procéder dans la prochaine vidéo. 7. Transférer Transferring: Dans cette vidéo, nous allons apprendre comment simplement transférer votre croquis sur le papier aquarelle. Une fois que vous avez terminé l'esquisse, retournez le papier. Nous allons couvrir le dos de l' image avec du graphite. Vous pouvez utiliser un crayon ordinaire ou même du charbon de bois pour cela. J'utilise un bâton en graphite car il est légèrement plus rapide de couvrir toute la zone par rapport au crayon ordinaire ou au crayon graphite. Ces marques ne doivent pas nécessairement être nettes, mais elles doivent couvrir l'autre côté de toutes les lignes de votre image. Est-ce que nous avons fini ? Bien. Retournons le croquis et prenons un papier aquarelle. Mon papier à croquis et mon papier aquarelle sont toujours découpés au même format pour s'assurer que le dessin s'adapte à la page exactement comme je l'avais prévu. Bien que je ne puisse pas redimensionner la fleur à ce stade, je peux l'aligner légèrement mieux sur le papier aquarelle pendant le transfert, ce qui est un autre avantage d' avoir un croquis sur un papier séparé. Lorsque vous positionnez votre croquis sur un papier aquarelle, vous pouvez le fixer avec un peu de ruban de masquage pour qu' il ne bouge pas beaucoup. Nous allons maintenant parcourir les lignes avec un crayon taille-crayon ou un stylo. Ces lignes devraient maintenant apparaître sur le papier aquarelle. Vous pouvez soulever légèrement le papier à esquisser et vérifier si les lignes sont bien transférées de temps en temps. Si les lignes ne sont pas très visibles, cela peut signifier que la couche de graphite n'est pas assez épaisse et que vous devez revenir en arrière et ajouter du graphite à l'arrière de votre esquisse. Mais cela peut aussi signifier que vous n' appuyez pas assez fermement avec votre crayon. D'un autre côté, vous ne voulez pas appuyer trop fort. Ou bien, il est préférable d'éviter les rayures sur le papier aquarelle. Lorsque vous avez terminé, retirez l'esquisse et vous pouvez désormais utiliser du ruban de masquage pour monter le papier aquarelle sur votre tableau ou votre table. Nous avons déjà appris comment le faire dans une vidéo précédente sur les techniques de l' aquarelle. Et avec cela, vous êtes maintenant prêt à commencer à peindre votre projet principal, à savoir Watercolor Magnolia Study. Enfin, notez qu'il n'existe pas une seule méthode de transfert de vos esquisses. Vous pouvez également utiliser une fenêtre ou une table lumineuse et effectuer un suivi au-dessus de l'esquisse. Cependant, la méthode que nous utilisons aujourd'hui vous aide à transférer vos croquis sur n'importe quel type de surface, même en bois ou en toile, c'est pourquoi je l'utilise souvent. Maintenant que nous avons maîtrisé beaucoup de préparations, commençons le processus de peinture. Je vous verrai dans la vidéo suivante. 8. Première lavage à l'aquarelle: Il est temps de prendre vos fournitures artistiques et de vous joindre à moi créer notre projet de classe Aquarelle Magnolia Painting. Dans cette leçon, nous allons peindre un premier lavage à l'aquarelle. Nous expliquerons comment configurer une peinture, comment mélanger et évaluer les couleurs du premier lavage, où utiliser humide en approche humide et humide. Commençons. C'est ainsi que je me suis mis en place pour peindre à l'aquarelle. Mon papier aquarelle est monté sur la table ou le tableau. palette, les essuie-tout et le pot contenant de l'eau propre sont légèrement plus élevés sur mon côté droit que l'endroit où ma main repose sur la table. Si vous êtes gaucher, vous voudrez peut-être garder vos outils de l'autre côté. Le but de cette première couche de peinture est de créer des bords plus durs autour de la fleur entière, ce qui nous aidera à la séparer du fond blanc. Pour créer une bordure, nous devons utiliser le principe humide en sec, et je vais donc m' assurer de ne pas mouiller accidentellement quoi que ce soit en dehors de la silhouette de la fleur. Je vais maintenant mélanger la couleur pour peindre un tout premier lavage à l' aquarelle. J'ajoute du magenta et du cramoisi alizarine dans un bassin d' eau propre de ma palette, puis je teste la peinture sur un morceau de papier aquarelle de rechange pour m'assurer que la couleur mélangée est ce dont j'ai besoin. La fleur est très légère et délicate, alors assurez-vous que votre premier lavage de peinture soit transparent et léger. Je suis à la recherche d'une couleur mieux assortie maintenant. Le premier mélange de rouges n'avait pas l'air tout à fait correct. L'ajout d'un peu d'or vert rend le mélange un peu plus orangé, donc ce n'était pas ce dont j'avais besoin non plus. Enfin, l'ajout d'un soupçon de bleu céruléen a fait paraître le mélange de lumière initial juste ; encore rose, mais légèrement plus frais. C'est quelque chose que vous devez juger visuellement et appeler si la peinture correspond ou non. Mais avec la pratique, cela devient beaucoup plus facile et intuitif. Commençons à peindre maintenant. Tout ce sur quoi je me concentre actuellement, c'est d' obtenir un bord net de la silhouette des fleurs, je ne m'inquiète plus la peinture préparée sur ma palette. Si vous ne prémélangez pas une quantité suffisante de peinture à l'avance, cela vous fait perdre du temps en peignant et crée irrégularités dans votre lavage car certaines parties sèchent avant d'autres. Préparer votre peinture et prendre des décisions concernant sa couleur est une habitude très bénéfique. C'est une petite chose qui vous permet peindre des études plus agréables dès le début. Lorsque vous peignez votre premier lavage, assurez-vous de laisser un peu d' excès d' eau derrière vous au fur et à mesure. Un lavage à peu près humide sèche en quelques secondes, mais un lavage suffisamment humide prendra du temps à sécher, et c'est ce que nous devons utiliser à notre avantage. Maintenant que j'ai recouvert toute la zone avec de la peinture transparente, je me concentre sur la maintenir humide. J'ajoute de l'eau propre à l'intérieur de la zone humide et ajoute également une touche de couleur orangée transparente à un endroit où se trouvent ces pétales avant puisque leur base de couleur me semble plus chaude que le reste de la fleur. . J'essaie également nettoyer les bords avec le bout de ma brosse pour éviter les lignes tremblantes. Votre pinceau plus petit vous aidera à faire cela. Je vais utiliser le premier lavage pour aller de l' avant avec la texture rose de la fleur. Plus précisément, je veux peindre dans les veines roses floues au bas de ces deux pétales frontaux. Pour cela, je mélange une combinaison plus intense de magenta et de pourpre alizarine, puis j'ajoute une touche de vert-or. Toutes les combinaisons, je les jauge au préalable sur une feuille de mélange , puis je les compare visuellement à ma référence. La dernière combinaison comprenait un bleu céruléen mélangé à ces deux rouges. Cette nuance semblait la plus appropriée. Ma silhouette florale est encore humide car j'y ai passé beaucoup de temps à y ajouter de l'eau. Avec un pinceau plus petit, je commence à dessiner des lignes dans le lavage humide. Si vous vous souvenez du principe humide dans les leçons précédentes, vous savez exactement pourquoi la peinture se répand vers l'extérieur. Habituellement, j'observe ce que fait la peinture pendant quelques secondes pour voir à quelle vitesse elle se propage et dans quelle direction, puis j'utilise la brosse propre et humide pour laisser doucement le pigment qui s'est mal passé. direction. J'essaie de laisser le pigment partout où, sur ma référence, je vois une zone presque blanche. J'efface également les lignes entre les veines roses avec cette technique pour la rendre un peu plus semblable à la façon dont la texture apparaît sur la référence. Il faut un peu de patience pour pousser la peinture ici et là pour qu'elle reste là où vous en avez besoin, et l'objectif n'est pas une précision à 100 %, plutôt que de l'avoir à peu près au bon endroit. De plus, cette étape ne devrait pas prendre plus de quelques minutes car nous courons le risque de surtravailler le papier lorsque nous le gardons mouillé et que nous le piquons trop longtemps. Ici, j'ajoute plus de pigment au fond de la fleur. Cela ne se montre pas exactement comme ça sur la référence, mais sur un fond blanc, je pense que le fond devrait se démarquer un peu plus, et donc j'ajoute de la couleur à cette zone semble être une solution. Maintenant, évaluez attentivement si ce que j'ai peint dans cette couche semble correct et si c'est le cas, je la laisse sécher. Une couche doit sécher correctement. Par conséquent, ne continuez pas à ajouter la couche suivante jusqu'à ce que vous soyez sûr à 100 % qu' il n'y a plus d' humidité sur votre papier. Voici à quoi ressemble la première couche lorsqu'elle est sèche. Il suffit de regarder ces jolis bords tranchants qui se sont formés autour de la silhouette de la fleur. Dans la prochaine leçon, nous allons peindre les pétales à l'arrière. 9. Pétales à l'arrière, PREMIÈRE PARTIE: Dans cette leçon, nous allons peindre certains pétales à l'arrière de la fleur et donc le tableau monte d'une étape . Commençons. Je commence toujours par préparer la peinture en premier, comme nous l'avons appris lors de la peinture du premier lavage. Maintenant, je suis à la recherche d'une couleur qui ressemble à la façon dont ces pétales dorsaux apparaissent sur la référence. À première vue, il semble gris par la couleur reflète également des notes de rose et de bleu. Mon premier instinct a été de commencer par le mélange violet utilisé dans une couche précédente et d'y ajouter plus de bleu céruléen. Vous devez beaucoup arroser votre peinture pour obtenir de la transparence. J'ai également essayé d'ajouter de l'or vert dans le mélange, et le résultat a été gris verdâtre, ce qui n'était pas tout à fait correct. J'ai continué à ajouter du bleu céruléen et du magenta jusqu'à ce que j' obtienne la couleur similaire à celle de la référence. gardant à l'esprit le principe humide En gardant à l'esprit le principe humide sur sec, si je veux peindre un pétale nettement défini et séparé des autres, je n'ai besoin de mouiller qu' nettement défini et séparé des autres, une seule zone à la fois. J'ai peint le pétale à gauche la même manière que le premier lavage. Seulement, maintenant la surface de largeur est beaucoup plus petite. Veillez à garder les bords aussi propres que possible et évitez de peindre en dehors des lignes. J'essaie maintenant d'ajouter plus de pigment dans ce lavage pour que le côté gauche et le côté droit apparaissent légèrement plus foncés que le milieu de la zone humide. Cette technique est la même, poussant un peu le pigment d'avant en arrière pour qu'il soit assis au bon endroit. Cela crée un dégradé subtil. Ici, je peins ces deux très petites ombres au sommet de la fleur. Ensuite, continuez de couvrir le côté droit de cette pupille de fleurs fermée, puis de passer à l'intérieur du pétale arrière droit, en suivant la même approche. Aucune de ces zones n'est en contact. Par conséquent, la peinture d'une zone humide ne peut pas saigner dans une autre zone. Toutes les zones que nous venons de peindre auront un bord tranchant après leur séchage. Cela nous permettra en fait de les reconnaître comme des pétales distincts. C'est la dernière zone à peindre et nous en avons fini avec cette couche. Avant d'ajouter de la peinture ailleurs, nous devons tout sécher. Félicitations, vous êtes un peu plus près d'une belle aquarelle. Dans la leçon suivante, nous allons peindre le reste des pétales plus petits dans le dos. Je vous y verrai. 10. Pétales à l'arrière, DEUXIÈME PARTIE: Prévisualisons ce que nous allons peindre dans cette leçon. C'est le reste des pétales à l'arrière de la fleur. Assurez-vous de sécher le papier entier avant de commencer cette leçon. Je vais d'abord peindre cette zone plus grande. Cette pupille de fleurs est-elle à l'arrière ? La couleur ici est plus claire que la couleur des pétales dans le dos que nous avons recouverts dans la leçon précédente, alors veillez à ne pas les peindre trop sombres. Mon mélange de peinture ne contient surtout qu'un soupçon d'alizarine, cramoisi et de magenta, avec peut-être un peu de bleu céruléen pour créer léger soupçon de froid dans le coin gauche de cette zone. C'est au moins ce que je vois lorsque j'essaie comparer visuellement ma peinture à la référence. Voici le coin que je considère comme un peu plus sombre que les autres. Pour l'assombrir, j'ajoute plus de pigment dans la zone humide tapant doucement mon pinceau dedans. En utilisant la méthode humide sur mouillé que nous avons pratiquée auparavant, je dessine la veine qui apparaît sur le côté droit de ce pétale. Vous avez déjà vu cette technique. Je l'ai déjà utilisé lors du premier lavage, mais essayons de nouveau car seule la pratique vous permettra d'avoir plus de contrôle sur ce processus. Je soulève le pigment qui est allé dans la mauvaise direction avec un pinceau humide, puis j' ajoute un soupçon de magenta propre dans la veine magenta propre dans la veine pour faire ressortir les couleurs. Il est préférable d'attendre un peu avant d'ajouter ces dernières touches de peinture jusqu'à ce que le lavage ne soit plus trop humide et que la nouvelle peinture ne s'étale pas trop. Enfin, je peins ce pétale à droite, ou du moins sur son côté extérieur. Il est beaucoup plus léger que l'intérieur de ce pétale que nous avons peint auparavant, donc je commence par de l'eau en magenta. C'est juste l'eau teintée pour garder les pétales légers. Tout ce que nous voulons ici, c'est créer un soupçon de dégradé qui semble rose en bas. J'ajoute aussi juste un peu de bleu céruléen car, tout en bas, on dirait que le pétale est légèrement ombré. Puisque je veux garder ce bord presque juste, je soulève l'excès de pigment qui l' entoure et j'ai aussi tendance à laisser tomber un peu d'eau propre dans les zones que je veux éclaircir. Nous pouvons même le garder expressif comme ça et laisser s' épanouir une eau ici car, à mon avis, elle donne au pétale une texture plus organique. Vous connaissez le tirage au sort. Essayons tout et dans la prochaine leçon, nous allons peindre le pétale avant le plus grand et le plus coloré de ce magnolia. Je vous y rencontrerai. 11. Pétale avant: Nous n'allons peindre qu'un seul pétale dans cette leçon, et c'est le gros pétale qui nous est le plus visible sous cet angle. C'est ce à quoi nous travaillons, et nous allons donc y arriver. Il semble que ce pétale présente beaucoup plus de veines roses que le reste des pétales, et que la couleur devient également assez sombre dans la partie inférieure. Commençons par un lavage transparent de peinture. Je remplis toute la zone avec de l'eau presque propre. Je commence à ajouter lentement un mélange de magenta et de cramoisi Alizarin au lavage, essayant de créer un dégradé allant du rose à l'eau propre. Ici, à l'approche du fond de ce pétale, j'ai besoin d'ajouter une peinture plus foncée, mais aussi de trouver la bonne teinte. En cas de doute, je prends toujours un papier de test, qui n'est qu'un morceau de papier aquarelle de rechange, et j' essaie de mélanger et d'effacer les couleurs. C'est ici que notre classe de mélange de couleurs s'avère utile. Rappelez-vous simplement les nuances secondaires que nous avons développées en mélangeant le magenta et la teinte neutre. Les voici comme un rafraîchissement. J'ai choisi un mélange qui correspond à ma référence, le plus proche, en gardant à l'esprit que l'aquarelle humide semble toujours légèrement plus foncée que lorsqu'elle est sèche. Je suis très prudent sur les bords. Je veux les garder nets et propres, ne pas mouiller accidentellement quoi que ce soit en dehors des lignes. Cela est légèrement plus facile à faire lorsque vous travaillez avec des pigments plus foncés, car la ligne est plus visible immédiatement. En approchant le sommet de ce pétale, je peins avec de l'eau presque propre. Le pétale devient très léger ici. Si vous obtenez accidentellement du pigment dans cette zone, essayez simplement de le soulever avec la brosse humide dès que possible. Cela devrait vous aider. La partie la plus difficile est toujours de dessiner les veines mouillées par voie humide, mais nous avons déjà pratiqué et ce sera donc un morceau de gâteau. Je préfère mon petit pinceau pour ça. Comme d'habitude, après avoir tracé une ligne, j'observe ce que fait l'humain, puis j'essaie influencer le flux de pigment dans une direction préférée. Vous pouvez même effacer littéralement la ligne avec la brosse humide, si vous le souhaitez, et c'est grâce à la surface mouillée. Cette technique est assez simple en théorie, mais il me faut de longues minutes pour arriver à un point où je suis satisfait de l'apparence du pétale. C'est juste une petite zone, mais je fais de mon mieux pour placer cette couleur aussi près que possible de l'endroit où je la vois sur la référence. Même si notre objectif n'est pas créer une copie d'une photo, je veux que la fleur soit relativement réaliste. Mais en même temps, je ne veux plus construire de couches ici. Je travaille donc la peinture avant en arrière pendant que la surface est encore humide jusqu'à ce que je sens que le pétale est proche de la référence. Ici, je veux vous montrer comment la couleur change pendant le séchage de l'aquarelle. Lorsque vous êtes prêt à arrêter d'ajouter et de pousser la peinture, vous pouvez utiliser votre sèche-cheveux et sécher toute la pédale. Le voilà. Notre Magnolia aquarelle émerge bien. Suivez-moi jusqu'à la prochaine leçon, où nous allons peindre quelques touches finales. 12. Deepening et correction: Dans le monde idéal, j'aurais fini de peindre ce magnolia. Nous avons déjà traversé tous les pétales et pourtant, maintenant que nous le regardons et que nous le comparons à la référence, certaines zones sont trop légères, certaines veines ne sont pas assez visibles. Ces dernières étapes, ce que j'appelle une correction, tout ce qui a mal tourné, fait partie de chaque processus de peinture. Dans cette leçon, nous allons essayer de passer de cela à ceci. Gardons la référence à proximité afin que nous puissions comparer visuellement notre peinture et trouver les choses les plus attrayantes à corriger. abord, les veines au bas de la fleur, ce qui nous donne une plus grande intensité de couleur et de texture. Je vais mouiller cette zone et ensuite essayer d'y dessiner plus de veines à l' aide d'un pigment riche. Ici, j'essaie de créer une ombre douce, ajoutant un peu de pigment dans la zone humide et en poussant la peinture. C'est un petit ajustement, mais le pétale est un peu plus rond. Le plus grand ajustement sera probablement l'assombrissement des pétales dans le dos. Lorsque je les ai peints pour la première fois, je n'ai pas utilisé de couleur assez foncée pour faire apparaître ces coins aussi profonds que sur la référence, et maintenant le tableau manque un peu de contraste. L'ajout d'une troisième couche à ces zones devrait vous aider. Comme un mélange de couleurs d'ombrage de rose neutre et de bleu céruléen est pratique, mais je me suis aussi mélangé dans les rouges pour créer un mélange violet plus profond pour les parties les plus sombres. Ma stratégie était de placer abord la couleur la plus foncée, puis de continuer ajouter de la peinture plus transparente à ajouter de la peinture plus transparente pour remplir toute la zone. Si je ne travaillais pas sur cette partie du processus sur pilote automatique, j'aurais mouillé toute la zone avec l'eau propre, puis j'y aurais monté le pigment. Cela évite les taches de couleurs indésirables , mais c'est aussi légèrement plus lent et parfois lorsque je suis dans la zone et que je suis dans l' espace pendant la peinture, c'est comme ça que je coupe les coins. J'essaie d'obtenir la bonne couleur cette fois, je ne pense pas que l'ajout d'une quatrième couche profiterait à la peinture. Mon objectif est donc de réaliser une peinture foncée appropriée dans les coins de ce mur pour aller contre un pétale avant plus léger. Enfin, l'ajustement du même personnage se fait ici. Je m'assure que la partie supérieure de cette zone reste assez légère. Enfin, j'en ai fini avec la fleur. Dans la leçon suivante, je vais vous montrer comment peindre la branche et c' est presque fini. Je vous y verrai. 13. Branche: Dans cette leçon, nous allons peindre une branche pour la fleur de Magnolia à l'aide d'une seule couche de peinture. L'approche simple est plutôt décorative que réaliste. À mon avis, il s' accorde si bien avec des détails plus élevés que nous avons obtenus pour la fleur elle-même. Personnellement, je ne veux pas que la branche soit en concurrence avec la fleur, mais qu'elle joue un rôle de soutien. Dans cette optique, je ne veux pas non plus utiliser une couleur trop saturée. Je suis à la recherche d'une version discrète d' un vert terreux en mélangeant de l'or vert et de la teinte neutre. Tout ce que je vais faire maintenant, c'est peindre dans la silhouette de la branche. Je laisse également de côté quelques parties sèches du papier ici et là qui agiront comme des reflets et ajouteront de la texture à la branche visuellement. Ajoutons un mélange de peinture vert foncé à ce lavage humide en haut de la branche. C'est là que la fleur jetterait une ombre dessus, et cela semble donc être une bonne idée. Je suis [inaudible] la peinture sur mon pinceau au fur et à mesure, peignant chaque segment de la branche avec une nuance de vert légèrement différente. Ici, la peinture est plus transparente et presque jaune et ce dégradé est assez joli. Enfin, quelques gouttes d'eau propre vont dans le lavage humide ici et là. Cela pousse le pigment vers les bords et forme une belle silhouette de la branche. Enfin, l'ajout d'une peinture foncée sous la fleur et nous avons fini. Laissez-les sécher et suivez-moi à la prochaine leçon où je vais vous montrer comment ajouter de belles éclaboussures d'aquarelles pour décorer le tableau. 14. Splatters et finitions: Nous sommes maintenant à la fin du processus de peinture. Dans cette leçon, en quelques minutes, nous ajouterons de minuscules éclaboussures d'aquarelle à notre peinture. Cette étape est facultative, si vous vous sentez satisfait d'un résultat net que nous avons obtenu jusqu'ici, n'hésitez pas à sauter cette étape. Personnellement, j'aime utiliser beaucoup de ces éléments plus expressifs dans mes peintures à l'aquarelle, alors je vais vous montrer comment je le fais. Assurez-vous que vous avez tout séché avant de créer des éclaboussures, puis mélangez n'importe quelle couleur transparente que nous avons utilisée jusqu'à présent. Je préfère les nuances de violet, je les ai quand même sur ma palette, il suffit de les arroser pour qu' elles paraissent transparentes. Chargez votre pinceau plus grand avec la peinture, puis appuyez sur le pinceau pour que les gouttes de peinture tombent sur le papier. C'est génial d'avoir une serviette en papier sèche dans la main tout en faisant cela, car si une goutte tombe là où vous ne le voulez pas, vous pouvez simplement l'enlever en quelques secondes avec l'essuie-tout. Ce que je fais, c'est d'utiliser cette approche pour créer des gouttes plus grandes, puis plus petites, et certaines sont plus transparentes que d'autres. En d'autres termes, une grande diversité de gouttes, meilleure façon de sécher est de le laisser sur le radiateur ou quelque part chaud, mais peut-être sauter le sèche-cheveux pour celui-ci car il peut souffler les gouttes dans une forme désordonnée si l'on n' est pas trop prudent. Lorsque tout est sec, vous pouvez retirer lentement le ruban de masquage du papier aquarelle. Félicitations, vous avez peint une fleur de magnolia aquarelle, et je suis très fier de vous. 15. Réflexions finales: J'apprécie vraiment tout votre travail acharné et vos efforts. Je sais que l'aquarelle peut parfois être délicate et nécessite la patience et de la pratique pour passer à travers le patch initial. D'après mon expérience, si un débutant complet crée dizaine d' études ou de peintures à l'aquarelle, il se sent déjà confiant et sait ce qu'il fait la plupart du temps, et donc cette courbe d'apprentissage est quelque chose que j'aimerais que vous preniez compte lorsque vous abordez ce nouveau médium. Peu importe que ces premières peintures se déroulent exactement comme vous les imaginez. Essayez simplement de vous en tenir à votre entraînement jusqu'à la 10e pièce et vous verrez à quel point cela vous aide. Heureusement, l'aquarelle ne prend pas trop de temps et ces 10 études ne valent que quelques heures de travail. Je suis ici pour vous aider dans cette entreprise et j'ai donc créé deux autres leçons bonus, où nous allons créer ensemble deux autres peintures à l'aquarelle, au magnolia. Avec tous les exercices que nous avons effectués tout au long de cette classe, vous êtes à mi-chemin de vous sentir vraiment confiant avec l' aquarelle, espérons-le. Je suis également très excité de voir votre projet de classe, alors veuillez prendre une photo ou une numérisation, puis le télécharger ci-dessous dans la section du projet afin que je puisse le voir, le commenter et vous donner un coup de pouce en l'air. Si vous partagez votre travail sur les réseaux sociaux, vous pouvez me taguer sur Instagram afin que je puisse republier votre travail dans mes histoires et n'oubliez pas de me suivre ici également sur Skillshare. De cette façon, vous serez averti une fois que j'aurai publié un nouveau cours d'aquarelle et j'espère vous y voir. 16. BONUS I - Étude Magnolia en rouge: Bienvenue dans une leçon bonus. Dans cette leçon, je vais vous montrer comment j'ai peint une autre étude d' aquarelle de magnolia. Celle-ci est légèrement plus foncée et pourrait même être un peu plus facile que notre première étude. Commençons. La première étape consiste à créer une esquisse. Je fais toujours des esquisses de la même manière que celle expliquée dans la leçon principale, mais récapitons-le. abord, j'utilise des lignes très claires pour indiquer grossièrement la forme de base de la fleur et la placer sur ma page. Au cours de cette étape, je prends des décisions quant à la taille la fleur et à l'endroit où je veux la positionner. Par la suite, je n'affine la forme qu'à l'aide de lignes plus épaisses. Vous pouvez télécharger mon croquis à partir de la section ressources de cette classe et utiliser pour commencer à peindre immédiatement si vous le souhaitez. Vous pouvez également y télécharger une image de référence. Le transfert du croquis fini sur un papier aquarelle est assez facile. J'utilise mon bâton de graphite pour créer une couche de graphite sur la face extérieure de mon croquis. Ensuite, je positionne mon croquis sur le papier aquarelle, je le fixe avec du ruban de masquage et je trace tout simplement. Nous sommes maintenant prêts à peindre, mais n'oubliez pas de monter votre papier aquarelle sur une planche ou sur votre table comme toujours. Je vais maintenant appliquer le premier lavage de peinture. Si vous vous souvenez de la classe principale, premier lavage est toujours du côté plus transparent des choses, ce qui signifie que vous diluez votre pigment avec beaucoup d'eau. Parce que ce magnolia est plus sombre et qu'il n' y a pas de reflets, la fleur entière est essentiellement dans des tons moyens et plus foncés. Nous allons utiliser un peu plus de pigment au premier lavage que d'habitude, j'utilise un mélange de cramoisi alizarine et de magenta. Je couvre toute la silhouette de la fleur avec ce premier mélange de peinture. Nous allons ensuite séparer la fleur principale de cette pupille, mais pour l'instant, traitons-les comme une seule. Après avoir peint le premier lavage, j'ai ajouté plus de pigments à l'intérieur de la zone humide et un bassin d'eau propre. Jetez-y puis alignez-vous sur ma table jusqu'à ce qu'elle sèche, et l'excès d'eau forme ces deux belles fleurs très expressives. Vous n'êtes pas obligé de le faire si vous souhaitez obtenir un résultat plus fluide. Personnellement, j'adore ces fleurs et les laisse entrer dans mes œuvres assez souvent. Mais si vous n'êtes pas fan, vous pouvez simplement retirer l'excès d'eau du sous-tableau et le laisser sécher. De cette façon, les fleurs ne se formeront pas. Si vous vous souvenez de la leçon principale, nous avons également besoin de la sous-peinture pour former bords durs plus sombres autour de la silhouette, et c'est ce que l'eau supplémentaire aide également. Donnons maintenant plus de profondeur et de structure à certains pétales. J'ai commencé avec le plus grand au milieu et j'ai peint toute la zone avec mélange transparent de magenta et de pourpre alizarine. Dans ce lavage humide, j'ai ajouté un pigment assez intense, mais seulement en bas car c'est là que je vois la couleur devenir sombre et saturée sur la référence. Bien que le lavage soit encore humide, c'est un très bon moment pour attirer ces veines. Laissez-les saigner légèrement, mais vous pouvez également utiliser votre pinceau pour soulever la peinture si elle tourne dans une mauvaise direction, ou redessiner la veine jusqu'à ce que vous obteniez l'apparence que vous recherchez. Je sais que le mouillé dans l'eau demande un peu plus de patience. Parfois, la couleur se comporte d'une manière qui n'est pas en votre faveur, mais soyez patient avec elle. Observez simplement ce qu'il fait et vous finirez par le faire. Maintenant, passez au pétale droite et en utilisant la même technique, veillant simplement à ce que cette couverture particulière soit plus transparente que la précédente, car c'est ce que je vois. sur la référence. Je dessine également des veines à l'intérieur du badigeon. Je suis maintenant obligé de continuer avec le pétale à gauche parce qu'il n'y a aucune autre zone sur ma peinture qui doit être approfondie et ne touche pas d'autres zones déjà humides pour le moment. Si vous n'êtes pas prudent et commencez à peindre les pétales restants maintenant avant que ces zones humides ne soient complètement sèches, la peinture saignera et vous n' obtiendrez pas la séparation des pétales. Nous avons besoin de chaque pétale pour sécher seuls et le côté peinture formant ce bord dur dont nous avons parlé précédemment, ce qui donnera à chaque pétale sa propre forme. Soyez patient ou prenez un sèche-cheveux et assurez-vous que tout est sec avant passer à une autre zone. Maintenant, j'ai tout séché et je peux continuer à peindre le reste des pétales. Le plus gros pétale situé à gauche de la fleur principale prendra quelques minutes pour sécher le dégradé , puis les veines également. J'essaie toujours de ne pas me précipiter et de garder à l'esprit que si je peux gérer une zone pour rester mouillée le plus longtemps possible, je peux continuer à réparer et à corriger ce qui se passe . à l'intérieur jusqu'à ce que je sois satisfait. Si vos lavages sèchent trop vite, vous devez y ajouter de l'eau dès le début et continuer à charger votre pinceau avec du pigment aqueux le début et continuer à charger lors de la peinture. C'est quelque chose auquel vous vous habituerez lorsque vous peignez de plus en plus de ces études. Je vais maintenant finir de peindre la partie restante du pétale cachée sous l'élève. Même technique, mais j'ai aussi dû laisser une partie du pigment pour éclaircir une zone car il faisait trop sombre. Ces quelques zones cette partie particulière du pétale sont les les plus sombres ou les plus sombres, et j'ai donc mélangé un peu de teinte neutre dans le mélange de magenta et de pourpre alizarine pour Augmentez légèrement l'obscurité. Nous allons maintenant pouvoir passer à l'élève. L'élève se compose également d' environ quatre zones qui doivent être peintes séparément. Je garde toujours à l'esprit les dégradés si je vois sur ma référence une zone légèrement plus foncée d' un côté et plus claire de l'autre. Peu importe si elle est minuscule, j'essaie de créer un dégradé dans ma peinture avec mon pinceau. Un bon exemple est la forme triangulaire au bas de la pupille. Ici, j'ajuste légèrement l'intensité et l'obscurité de cette petite zone de la pupille en ajoutant un lavage de peinture supplémentaire. J'ajoute également de l'eau propre au lavage humide, ce qui va former davantage de fleurs que je voulais vraiment avoir dans cette zone. Un léger ajustement était également nécessaire dans le tout premier pétale que nous avons peint, et j'ai donc ajouté un lavage supplémentaire ici avec un mélange de couleurs un peu plus foncé. Juste quelques retouches et ajustements supplémentaires sur la pupille et nous en avons fini avec la fleur. Maintenant, la partie presque finale consiste à dessiner ou à peindre la silhouette de la branche. Vous vous souvenez du mélange de couleurs de la classe principale, qui reste le même. Mais la technique de peinture est également très simple, donc récapitons-le. Je ne peins aucun détail sur la branche elle-même, je crée simplement un dégradé qui passe du vert foncé au vert clair. Je m'assure toujours que ce lavage est très aqueux car je veux aussi que la silhouette de la branche forme des bords durs. Mes branches, lorsqu'il s'agit d'études florales, sont toujours plus décoratives que très détaillées, et c'est comme ça que j' aime les faire. Je pense que l'accent doit rester sur la fleur elle-même. Très derniers éclaboussures de doigts, qui, je pense, complèteront grandement cette composition. Assurez-vous que vous chargez votre pinceau avec beaucoup de peinture très diluée avec de l'eau et plus encore du côté transparent des objets. Voici votre deuxième étude sur les fleurs de magnolia. Je suis tellement fier de toi. Assurez-vous de l'inclure dans photos de votre projet de classe pour que je puisse le voir. Si vous voulez creuser encore plus profondément et créer une autre étude de fleurs avec moi, rejoignez-moi dans la deuxième vidéo bonus. 17. BONUS II - Étude Magnolia avancée: Bienvenue dans une deuxième leçon bonus dans laquelle je vais vous montrer un autre exemple de la façon dont je peins des fleurs à l'aquarelle. Plus vous peignez et exercez vos compétences nouvellement acquises, plus vous serez intrépide et confiant avec cette nouvelle technique et bientôt vous pourrez traduire photos en peintures par vous-même. . Cette dernière étude est légèrement plus avancée en raison de sa légèreté et de ses pétales plus courbés, mais d'autant plus belle est terminée. Permettez-moi de vous montrer comment je l'ai créé. La première étape est toujours une esquisse. Souvenez-vous d'abord des lignes claires et des formes brutes. Attention à la taille de la fleur et à l'endroit où elle est placée sur votre page. Une fois que vous avez obtenu cela, affinez la forme et ajoutez les détails nécessaires. Vous êtes déjà un professionnel transfert de vos croquis, j'en suis sûr, il suffit de saisir votre crayon ou un bâton de graphite et de recouvrir le dos du papier avec. Placez le croquis sur votre papier aquarelle et tracez dessus. Après avoir monté le papier aquarelle, nettoyez votre table ou votre planche, vous êtes prêt à commencer à peindre. Nous allons d'abord créer un sous-tableau. Cela nous donnera un bord dur autour de toute la fleur, et maintenant nous en avons vraiment besoin car le magnolia est très léger à certaines zones, presque blanc. Ma base de couleurs est un mélange léger de magenta et de pourpre alizarine. Mais ici, j'y ajoute aussi bleu céruléen et un peu d'or vert. Ce lavage initial n'est pas d'une seule couleur. Certaines zones semblent plus orangées et même le bas de la fleur n'est pas rouge pur lorsque vous la regardez. J'expérimente ces quatre couleurs et j' essaie de les ajouter dans le sous-tableau où je les vois à peu près sur la référence. est important de noter que vous devez soulever le pigment et ajouter de l'eau plus propre aux zones presque blanches. Ce sont les pétales situés en haut et les pétales latéraux. Mon sous-tableau ressemble à ça quand j'en ai fini et maintenant je le laisse sécher. J'essaie maintenant de faire entrer ces veines grises. J'ai préalablement arrosé la zone, puis j'ai essayé pousser la peinture d' avant en arrière comme d'habitude. Le gris est un mélange de teinte neutre avec un peu de vert, d'or et de magenta arrosé. Cela doit être séché une fois que vous avez terminé. Ensuite, j'ai décidé de peindre ces zones plus sombres de la pédale pour obtenir la ligne tranchante qui sépare un côté du pétale plié de l'autre, vous devez le peindre à sec. Vous pouvez à nouveau jouer avec la couleur à l'intérieur ce badigeon pour obtenir un dégradé similaire à la référence. La couleur, n'a pas besoin d'être exactement correcte, et la mienne ne l'est pas non plus. Mais j'essaie de faire attention à l'endroit où la couleur devient foncée et j'essaie d'ajouter plus de pigment à cette zone. C'était une vraie poursuite de la couleur, mais tant que la zone est encore humide, vous pouvez ajouter et supprimer comme vous le souhaitez. Passez au pétale au-dessus parce qu' il ne touche pas la zone humide en dessous. Je crée un dégradé car cette zone a rose en bas et du blanc sur le dessus. J'ajoute également du bleu céruléen pour indiquer qu'il est légèrement dans l'ombre, et j'aime beaucoup la façon dont mon granule pense que le bleu céruléen ajoute de la texture à ce pétale. Ici, je corrigeais une erreur alors que je perturbais et le bord de la pédale superposée. Dans ce cas , il suffit soulever le pigment avec du papier absorbant, puis de dessiner une nouvelle bordure de la zone humide. Il fonctionne environ 95  % du temps. Je vais maintenant essayer de peindre toutes les pédales qui ne se touchent pas pour qu' elles puissent essayer de se réunir et d'obtenir ces jolies bordures tranchantes. J'ai toujours mouillé le pétale avec l'eau propre ou un pigment transparent , puis j'essaie d' influencer le gradient à l'intérieur de la zone humide, comme dans ma référence. L'eau propre joue ici un rôle important. Modifiez partout où vous avez besoin d'éclaircissement ou soulevez le pigment du lavage humide. Si je sens que les veines roses trop saignées les unes dans les autres, j'ajoute de l'eau propre entre elles avec le bout de ma brosse et je soulève le pigment ici. Cela fonctionne très bien pour créer des veines qui ressemblent à la référence. Ce domaine particulier est probablement la partie la plus compliquée de cette étude. Le problème avec cette forme triangulaire est que vous devez essayer de peindre des bords aussi propres que possible. Parce que ces bords influencent la forme de tous les pétales et plis voisins. De plus, il y a ici un dégradé très sombre que j'essaie de bien faire et la peinture est plus difficile à influencer le rouge et le mouillé lorsqu'elle se trouve à l'intérieur d'une petite zone comme celle-ci. Heureusement, j'ai assez de temps et patience et je joue avec cette zone et la couleur qu'il contient jusqu'à ce que toutes les couleurs soient au bon endroit. Ici, vous me voyez soulever une partie du pigment pour éclaircir le côté droit de cette zone. De plus, j'ai eu du mal à garder les bords propres ici et j'ai accidentellement humidifié le pétale voisin à droite. J'ai donc pris la décision de traiter cette zone pour l' instant et j'ai étendu le dégradé à ce pétale. J'ai également essayé de soulever la peinture ici pour obtenir cette bordure blanche, mais elle ne fonctionnait pas assez bien alors que la peinture était encore mouillée. En fin de compte et après quelques difficultés, j'ai décidé de tout sécher avec le sèche-cheveux et la peinture était si facile à soulever avec un pinceau humide par la suite. J'ai également utilisé une brosse synthétique plus rigide pour cela. Entre le levage du bord, j'ai ajouté une couche de peinture supplémentaire à la zone triangulaire pour augmenter la saturation puisque le séchage a provoqué une certaine décoloration de la couleur. Enfin, après un autre séchage de cette zone, je soulève la bordure blanche sur le pétale droit. Cela m'a aidé à nettoyer très bien le centre de la fleur. Cette technique fait des miracles. Il suffit de souligner que je n'utilise aucun pigment pour peindre et que le papier entier est complètement sec, c'est seulement une brosse humide ou humide avec de l'eau propre, pas une piscine d'eau. Dessinez doucement une ligne avec un pinceau humide, peut-être plusieurs fois d'avant en arrière. Ensuite, utilisez une serviette en papier pour vous débarrasser du pigment qui a été soulevé par cela. Voici quelques dernières touches au bas de la zone. Je ne dessine pas les veines à l'intérieur du lavage humide, mais plutôt mouillées et sèches, puis j'essaie de les tacher. Cette zone est si minuscule que mouillé sur mouillé n'a pas vraiment fonctionné pour moi, mais le mouillé sur sec, si vous essayez de tacher légèrement la ligne avec la brosse humide, cela devrait fonctionner. Il n'y a que quelques zones restantes qui ont également besoin de zones restantes qui ont également touches finales et ce sont surtout les zones très claires Nous devons donc les couvrir d' eau au préalable, puis dessiner ces minuscules veines dans la zone humide comme nous le voyons sur la référence. Ces deux pétales ont pris quelques essais pour se rapprocher au moins de ce que j'ai vu sur la référence, surtout le pétale inférieur était un peu plus complexe. Je pense que le défi était également de la taille de celui-ci. À mon avis, il est un peu plus facile de travailler mouillé sur mouillé sur un papier plus gros. Dessiner la silhouette de la branche avec de l'aquarelle est presque la dernière étape que nous allons franchir. Il s'agit d'un ajout très facile car la branche est très simplifiée. Je n'ajoute plus de pigment dans la zone humide la plus proche de la fleur et plus d'eau que je la peins vers l'extérieur, comme si elle s'estompait. Maintenant, quelques éclaboussures pour donner à la peinture une sensation d'aquarelle plus expressive. Voici une autre étude de fleurs de magnolia. Vous êtes vraiment un soldat pour l' avoir amené aussi loin dans ma classe et je suis très reconnaissant d'avoir pu être votre guide aujourd'hui. Enfin, je veux simplement vous encourager à peindre autant d'études que possible sur différents motifs. Restez simple et ne laissez pas les photos vous limiter. Il n'est pas nécessaire d'être précis à 100% dans votre représentation de choses naturelles comme celle-ci. Il y a toujours de la place pour des expériences et une découverte de soi. Mais n'ayez pas peur de jeter quelque chose qui ne fonctionne pas et de recommencer. Amusez-vous toujours et placez vos meilleures œuvres sur un mur ou une étagère pour rester motivé. J'ai hâte de voir ce que vous créez.