Introduction aux portraits à l'aquarelle : apprendre des techniques simples de dessin et de peinture

1. Introduction aux portraits à l'aquarelle: Seuls quelques sujets sont aussi redoutés par les débutants que les portraits de personnes, mais nous nous sentons attirés par eux, enchantés par eux et toujours enchantés par eux et nous essayons de temps en temps. Il y a quelque chose de presque irrésistible dans ce portrait à l'aquarelle. Qu'il s'agisse de la fluidité de la peinture ou de l'étincelle dans les yeux, une esquisse rapide à l'aquarelle permet de capturer juste assez d' un sujet pour raconter une histoire sur son âme. Je m'appelle Jane Beata et je suis une aquarelliste basée en Slovaquie. J'expose dans certaines œuvres d'art au niveau local et international. De temps en temps, je travaille pour des clients et je crée des illustrations pour le Web ou des publications. Dans mon studio, j'organise régulièrement des ateliers et des événements en direct. J'aime peindre toutes sortes de sujets, mais les portraits de personnes sont mes préférés, et ce, depuis 13 ans depuis que j'ai commencé à les apprendre. Le voyage a été difficile. Mon premier portrait à l'aquarelle est celui-ci et je l'aime beaucoup car il montre le long chemin que j'ai parcouru. Chaque fois que je me sens perdue et frustrée, cela me rappelle tout ce que j'ai appris. Je connais bien cet espace de tête lorsque vous pensez que c'est trop difficile, que vous n' allez jamais le comprendre et j'ai créé ce cours en gardant ce sentiment à l'esprit. Dans ce cours, vous allez apprendre à dessiner un portrait et à peindre une aquarelle rapide. Nous allons faire un échauffement du dessin et apprendre à simplifier la tête humaine pour lui redonner sa forme la plus élémentaire, puis à esquisser cette forme sous plusieurs angles. Nous apprendrons ensuite les proportions et comment placer correctement les différents traits du visage. Nous passerons ensuite en revue chaque fonctionnalité individuellement et apprendrons à les simplifier et les esquisser afin que vous soyez prêt à donner à vos portraits un aspect plus réaliste. Je vais également vous donner de nombreux conseils et vous montrer les meilleures façons de vous entraîner à dessiner vous-même des portraits afin que vous puissiez améliorer vos compétences sans perdre de temps. À la fin de la partie dessin de ce cours, vous serez prêt à créer votre propre croquis pour peindre un portrait. Dans la partie de ce cours consacrée à l'aquarelle, nous apprendrons à préparer et à appliquer correctement de la peinture à l'aquarelle afin que vous sachiez comment créer des lavages lisses et effets d'aquarelle plus expressifs lorsque vous en avez besoin, et comment estomper les bords de l' aquarelle. Vous apprendrez comment les ombres fonctionnent à la fois au crayon et à l'aquarelle. Dans le cadre de notre projet de classe, nous allons créer un croquis ensemble. Nous allons également dessiner une petite miniature du portrait et apprendre à une carte très utile des différentes valeurs tonales à utiliser comme guide lorsque vous peignez. Enfin, nous allons peindre un portrait à l' aquarelle en une seule couleur et en trois couches seulement. À la fin de ce cours, vous aurez un portrait à l' aquarelle en main dont vous pourrez être fier. En prime, je continuerai à ajouter des leçons supplémentaires à ce cours pour vous donner l'occasion de mettre régulièrement en pratique vos compétences. Dans ces leçons, nous allons passer en revue différents exemples de portraits et apprendre à les dessiner et à les peindre. Si vous êtes débutant et que vous souhaitez vous essayer au portrait, ce cours est spécialement pour vous. J'ai simplifié tous les aspects du dessin et de la peinture de portraits jusqu'à l'essentiel pour vous aider à démarrer, même si vous souhaitez passer immédiatement à la peinture. Pour chaque portrait, vous aurez un croquis, téléchargerez et vous continuerez avec la partie aquarelle. Si vous avez déjà de l'expérience, mais que vous souhaitez approfondir un peu vos compétences, vous pouvez également vous joindre à ce cours. Cela pourrait vous donner une perspective différente de ce que vous savez déjà sur la peinture de portrait. J'ai hâte de te voir en classe. 2. Orientation du cours: Bonjour à tous, bienvenue dans la classe. Avant de nous plonger dans le portrait à l' aquarelle, permettez-moi d'expliquer brièvement comment j'ai organisé ce cours afin que vous puissiez le parcourir plus facilement. Nous allons d'abord passer en revue les documents. Comme il s'agit d'un cours de dessin et de peinture, vous n'aurez donc pas besoin de beaucoup de fournitures artistiques. J'essaie toujours de minimiser la quantité de matériel que j'utilise dans un cours. Ce qui est important, c'est que vous soyez toujours libre d'utiliser n' importe quel substitut à votre disposition pour la partie à dessiner, même une tablette graphique si c'est ainsi que vous souhaitez vous entraîner à dessiner. Je suggère même des alternatives à tous les matériaux traditionnels. J'ai créé un PDF à télécharger qui contient les noms des fournitures artistiques ainsi que des liens pour les acheter. Parce que les étudiants demandent souvent que vous n'êtes bien sûr pas obligé de les utiliser. C'est juste que certains trouvent cela utile s'ils n'ont pas de magasin de fournitures artistiques à proximité. Ce cours contiendra plusieurs ressources en plus des documents PDF, telles que des photos de référence, mes croquis, scans de mon carnet de croquis et des diapositives supplémentaires, des images étape par étape, etc. Tous ces éléments peuvent être téléchargés à partir de l'onglet intitulé Projets et ressources. Vous pouvez le trouver en dessous de la classe. N'oubliez pas de vous y rendre et de télécharger tous les goodies pour les avoir à portée de main, que vous travaillez tout au long du cours. Il y a aussi un onglet de discussion ci-dessous et vous pouvez poster des questions supplémentaires pour moi ou vos camarades de classe. Ce cours est organisé en deux parties principales, la partie dessin et la partie peinture à l' aquarelle. Si vous souhaitez passer immédiatement à la peinture à l'aquarelle, vous pouvez télécharger mes croquis, les tracer sur votre papier aquarelle et commencer directement à partir de la leçon 9. Cependant, l'objectif de la partie dessin de ce cours n' est pas seulement de vous aider à créer votre propre esquisse, mais à long terme, vous apprendre à créer efficacement vos propres croquis pour chaque portrait que vous voudrez peut-être créer à l'avenir. Il existe de nombreux sujets qui ne nécessitent pas de dessin pour créer une belle aquarelle, mais le portrait nécessite un dessin. D'après mon expérience, il n' y a tout simplement aucun moyen de le contourner. C'est pourquoi j'ai décidé de consacrer une si grande partie de ce cours au dessin. Cette partie est remplie d' exercices pour introduire la forme de base de la tête humaine, manière simple et facile à comprendre. Vous montre également comment vous entraîner efficacement , sans perdre trop de temps, tout progressant considérablement dans vos compétences en dessin. Je vous suggère de ne pas sauter la partie dessin. Il a été créé dans le but de vous aider à long terme et, bien qu'à court terme, il vous faudra peut-être un peu plus de temps pour faire tous les exercices. Je suis que vous trouverez cette partie utile. Enfin, la partie consacrée à la peinture à l'aquarelle , qui commence à la leçon 9, contient quelques exercices pour vous aider à utiliser correctement l'aquarelle. Vous apprendrez comment se comporte le lavage humide. Que se passe-t-il lorsque vous inclinez votre planche à peinture et comment procéder si vous souhaitez un arrière-plan plus expressif ou comment décorer vos peintures avec des effets, des éclaboussures, etc. Nous parlerons des valeurs tonales et du fonctionnement de l'ombrage. La leçon 10 contient un exercice très utile vous montre comment ombrer à la fois au crayon et à l'aquarelle. Vous apprendrez comment obtenir le même résultat en utilisant deux médiums très différents. Dans le cadre de votre projet de classe, nous créerons un portrait fleuri à l'aquarelle ensemble un portrait fleuri à l'aquarelle de A à Z. Dans la leçon 11, nous allons créer une petite miniature au crayon et cartographier tous les tons clairs, les tons moyens et les tons les plus foncés de notre portrait. Cela nous aidera à ombrer le portrait final à l'aquarelle. Dans les quatre leçons suivantes nous allons créer une esquisse plus grande, préparer sur notre papier aquarelle, puis peindre le portrait en une seule couleur et en trois couches. J'adorerais voir vos projets de classe. Vous pouvez toujours prendre des photos de vos croquis et de votre travail fini et les télécharger dans la section des projets et des ressources de ce cours. Cela me permet de vous faire part de mes commentaires, ce que je fais toujours avec plaisir. Enfin, j'ai ajouté quelques leçons supplémentaires à ce cours. Chaque leçon passe en revue toutes les étapes de la création d'un portrait, de la mise en miniature à l'esquisse, par la peinture à l'aquarelle. Chaque portrait que je retouche en tant que leçon bonus sera différent et me permettra de vous montrer différentes approches, différents angles. Pour que ce cours continue de vous mettre au défi, j'ajouterai des leçons bonus sur une base mensuelle afin que vous puissiez revenir ici et créer une nouvelle démo avec moi de temps en temps. N'hésitez pas à télécharger ces nouvelles œuvres également dans la galerie du projet pour que je puisse les voir et inspirer d'autres étudiants. Nous sommes maintenant prêts à commencer. 3. Matériel: Dans cette leçon, je vais passer en tout le matériel dont vous pourriez avoir besoin pour ce cours. J'ai fait de mon mieux pour minimiser la quantité de fournitures artistiques nécessaires, car je ne veux pas que vous vous précipitiez dans le magasin de fournitures artistiques pour pouvoir suivre ce cours. Cela étant dit, je vous encourage à choisir toutes les alternatives appropriées que vous trouverez à votre disposition. Commençons par le papier. Pour la partie dessin de ce cours, hésitez pas à utiliser n'importe quelle pièce de rechange ou un carnet de croquis. J'ai fait tous les exercices dans un carnet de dessin moins cher que j'utilise depuis environ un an. Pour les vignettes des portraits, j'ai découpé du papier à copier en quatre et ces petites cartes servaient à cette fin papier à copier au format A4 convient à la création de croquis seront ensuite transférés sur du papier aquarelle. Vous en aurez peut-être besoin si vous décidez de ne pas dessiner directement sur du papier aquarelle. Voici les papiers aquarelles que j'ai utilisés. Pour les exercices d'aquarelle, j'ai utilisé un carnet de croquis en techniques mixtes. papier qu'il contient ne mesure pas exactement 300 g/m², ce qui le rend idéal pour les études et les échantillons, mais je ne l'utilise pas beaucoup pour de véritables peintures. Pour les derniers portraits à l'aquarelle, j'ai utilisé du papier pour étudiants de la marque Canson. C'est du papier Canson XL, 300 g/m². Ce n'est pas un papier pour aquarelle de la plus haute qualité , car ce n'est pas du coton, mais pour peindre un portrait monochrome en trois couches, il convient parfaitement. Ce que j'aime, c'est la façon dont les effets de floraison apparaissent bien dessus et qu'il me permet de retirer de la peinture. Vous pouvez utiliser n'importe quel papier aquarelle que vous avez sous la main, à condition qu'il soit de 300 g/m². Voici quelques petites pièces de papier aquarelle que j'utilise pour tester la peinture. Ils sont très pratiques. Lorsque j'utilise des carnets de croquis pour arroser des supports, j'ai ce clip que j'utilise pour étirer le papier afin qu' il ne se déforme pas. Lorsque je travaille sur une feuille de papier libre, j'utilise un tableau comme celui-ci et je colle le papier sur les quatre côtés du tableau afin qu'il reste plat tout au long du processus. Je n'utiliserai qu' un seul type de crayon dans ce cours, et c'est le crayon HB. Mes préférés sont Mars Lumograph de Staedtler. Mais choisissez n'importe quel crayon que vous aimez. Un taille-crayon est indispensable, mais il en va de même pour une gomme en plastique, également appelée gomme à pétrir. Celui-ci nous permet d' alléger n'importe quel croquis ou de nous débarrasser des directives sans trop rayer le papier. J'utilise également cette gomme à effacer pour plus de détails. C'est la gomme Mono Zero de Tombow. Je n'utiliserai qu' une seule aquarelle dans ce cours car nous allons peindre portraits monochromes en nous concentrant uniquement sur expression et les valeurs tonales, et non sur la couleur. J'ai récemment choisi le bleu de Prusse pour mes peintures monochromes parce que j'adorais cette teinte. Mais la vérité est que vous pouvez réaliser portraits monochromes avec à peu près n'importe quelle couleur suffisamment foncée. Si vous ne parvenez pas à obtenir des tons sombres avec la couleur de votre choix, ce n'est pas un bon choix pour cette classe. La marque n'a pas d'importance non plus. Je peins avec de la peinture de qualité artistique et quelle que soit la marque de mon choix, que ce soit Daniel Smith, Schmincke Horadam, Sennelier ou Winsor and Newton. Une peinture de qualité artistique fonctionnera de la même manière. Comme j'utilise de la peinture en tube, j'ai besoin de palettes pour travailler la peinture, et j'utilise des assiettes en porcelaine blanche et de petits bols. J'adore ce système, mais ce n'est certainement pas un qui me ferait du bien lors de mes déplacements, c'est définitivement une configuration de studio. N'hésitez pas à utiliser des aquarelles au stylo et toute autre configuration que vous utilisez pour mélanger votre peinture. N'oubliez pas le pot avec de l'eau propre. Les serviettes en papier sont également essentielles car elles peuvent sauver votre peinture. Parce que lorsque vous recevez des gouttes de peinture accidentelles là où vous ne le souhaitez pas, n'avez tout simplement pas le temps de chercher des serviettes en papier. Voici un petit flacon pulvérisateur qui m' aide à garder ma peinture humide. Je n'utilise que trois pinceaux dans cette classe, et d'ailleurs, deux d' entre eux sont des pinceaux plats. Cette brosse la plus grande s' appelle Princeton Neptune Square Wash, 3/4 de pouce. Il possède des poils doux et me permet de remplir rapidement lavages plus longs et de donner une touche expressive à la sous-couche. Ce second pinceau est le Da Vinci Cosmotop mix B taille 10. C'est le pinceau que tu me verras le plus utiliser. Il possède également des poils plus doux. J'adore le Straight Edge. Cela me donne un coup de pinceau spécifique que j'aime dans mes peintures, et je l'utilise donc plus fréquemment que les pinceaux ronds. Enfin, le petit pinceau pour les détails est le pinceau numéro 4, le pinceau Silver Black Velvet. Sa pointe pointue me permet de dessiner, mais elle est suffisamment souple pour me permettre de peindre cheveux flottants plus longs et ne pas manquer de peinture trop rapidement. Ce pinceau est très polyvalent et vous pouvez faire toutes sortes de coups de pinceau. Mes pinceaux sont répertoriés dans le PDF téléchargeable avec d'autres matériaux. Mais je tiens à dire que les pinceaux sont une préférence très personnelle. Vous verrez que chaque peintre utilise des pinceaux différents. Beaucoup utilisent des pinceaux ronds et les adorent. Je parie que vous avez plus de chances de posséder des pinceaux ronds que des pinceaux plats pour l'aquarelle, alors utilisez-les. L'objectif est d'avoir trois tailles qui vous permettent de couvrir des zones de tailles différentes et des poils doux de qualité garantissent que votre pinceau ne manquera pas de peinture. La qualité des poils peut affecter la rapidité avec laquelle vous peignez votre vernis et la rapidité avec laquelle vous surchargez le papier. Je vais utiliser des références imprimées dans ce cours qui sont également téléchargeables ci-dessous pour que vous puissiez les imprimer si vous le souhaitez. Je n'imprime pas toujours mes références. D'habitude, je dessine simplement à partir de ma tablette. Je vais également le faire lors d'exercices de dessin. J'ai ce petit modèle de crâne dans mon studio et c'est très pratique. Je le cite comme un artefact difficile à posséder si vous souhaitez apprendre les portraits plus en profondeur, mais bien sûr, vous n'en avez pas besoin pour ce cours. Enfin, gardez un sèche-cheveux à proximité pour terminer vos peintures plus rapidement. Dans la leçon suivante, nous allons faire quelques exercices de dessin utiles et apprendre à capturer une forme simplifiée de la tête humaine. Je te verrai là-bas. 4. Dessiner un warmup - la tête: Dans cette leçon, nous allons apprendre à capturer une forme simplifiée de la tête humaine. Nous aborderons différents angles et apprendrons à les dessiner, discuter de quelques directives très utiles et de la façon dont elles se comportent lorsque la tête tourne dans différentes directions. Je vais vous montrer comment faire quelques exercices très simples pour réchauffer votre main et vous suggérer les meilleures pratiques pour dessiner régulièrement. Commençons par un échauffement du dessin et dessinons quelques formes de base pour essayer de capturer une tête humaine simplifiée. Je trouve que le moyen le plus simple de dessiner la tête vue de face est de dessiner un cercle, puis de dessiner son axe. Prolongez-le un peu, puis étendez le cercle pour créer une forme ovale. Cela peut vous faire penser à un œuf. N'oubliez pas qu'il s'agit d'une simplification destinée à nous aider à démarrer et nous allons détailler les fonctionnalités un peu plus précisément dans la leçon suivante. Nous appellerons cette ligne de séparation « ligne médiane ». Il indiquera toujours où se rencontrent les deux parties plus ou moins symétriques du visage. Cette autre ligne horizontale que je suis en train de placer s'appellera la ligne oculaire. croisement de ces deux lignes indiquera toujours dans quelle direction se trouve la tête. vue latérale semble un peu plus compliquée, même si elle est simplifiée. Il se compose de deux formes. Le cercle d'origine s'étend jusqu' seconde forme qui ressemble à un masque. La ligne des yeux se situe toujours au milieu de la longueur totale de la tête. À titre d'exercice, dessinez ces formes, ne serait-ce que deux fois, pour habituer votre main au mouvement sur la page. Maintenant, il existe d'autres angles à partir desquels vous pouvez dessiner la tête. C'est là que les choses se compliquent un peu. Je vais donc utiliser des références photographiques pour m'aider à montrer différents angles pendant que j' essaie de vous les expliquer. Lorsque la tête est tournée sur le côté, mais pas complètement, et que l'autre côté est encore légèrement visible, c'est ce que l'on appelle une vue des trois quarts. Je trouve que ces portraits sont les plus attrayants, mais aussi les plus difficiles à dessiner. Ici, la tête de la fille est tournée vers notre gauche et la ligne médiane se déplace également vers la gauche. J'ai ajouté un autre petit cercle à ce formulaire pour indiquer un côté plus plat de la tête. Voici la même situation, mais la tête est tournée vers la droite. Notez que la ligne médiane suit la forme arrondie du masque du visage. Alors que vu de face, il semble droit, de toute autre vue, il est toujours bien incurvé. Enfin, le croisement de la ligne médiane et de la ligne oculaire indique la direction. J'ai donc tendance à le rendre plus audacieux dans mes croquis. Voici une situation où la tête regarde vers le haut et où il est difficile de dessiner un angle, même simplifié. étrange , c'est à quel point tout le masque du visage devient plat sous cet angle. Toutes les fonctionnalités apparaîtraient très proches les unes des autres. La forme dominante est le menton en forme d'arc-en-ciel. Dans cette esquisse rapide, j'ai osé ajouter quelques formes supplémentaires pour indiquer des caractéristiques afin de mieux comprendre l'angle. Cependant, c'est celui que vous ne dessinerez probablement pas trop souvent. Enfin, examinons une situation où la tête regarde vers le bas ou nous la regardons d'en haut. Je n'ai pas pu trouver une image correcte sous un angle aussi dramatique. Peu de photographes trouvent celui-ci trop attrayant. Mais pour que cette leçon soit complète, nous devons également essayer de la dessiner. Cet angle montre une grande partie du front ou du haut de la tête, et les traits du visage s' entremêlent en dessous. Plus l'angle est prononcé, moins les traits de notre visage seront prononcés, les sourcils et le nez seront les plus visibles. Pour votre premier exercice de dessin, dessinez ces six croquis. Vous pouvez télécharger l'exemple à partir de l'onglet Projets et ressources ci-dessous pour vous en servir comme guide. De plus, nous pensons souvent que nous comprenons à quoi ressemblent les choses en les observant avec nos yeux, mais ce n'est qu'en les dessinant plusieurs fois nous parvenons à une compréhension technique plus approfondie que nous parvenons à une compréhension technique plus approfondie de leur apparence réelle et du fonctionnement de la forme. Je tiens simplement à vous encourager vivement à faire l'exercice et à ne pas vous contenter suivre les leçons au fur et à mesure que nous progressons. Et si la tête est vue aux trois quarts, mais qu'elle est également tournée vers le haut ? Dans ce cas, nous devons commencer à ajuster la ligne des yeux à une forme d'arc-en-ciel. Je veux juste partager cet outil visuel simple qui m'aide toujours. C'est imaginer un champignon et à quoi il ressemble du point de vue d'une fourmi. Disons qu'il s'agit d'une fourmi et voici la forme arc-en-ciel dont je parle. Nous l'utiliserons chaque fois que nous remarquerons que nous observons la tête d'en bas comme une fourmi. Voici un exemple de photo de nous regardant la tête légèrement d'en bas. Ce qui est typique de cet angle, c'est que le menton semble plus large, le front plus petit et que tous les traits suivent des directives en forme d' arc-en-ciel. Une autre chose à noter est la largeur et l'ouverture des narines sous cet angle également. Voyons ce qui se passe lorsque nous regardons la vue aux trois quarts d'en haut. Tout comme l' exemple précédent montrait une certaine flexion de la ligne des yeux, ici, toutes les directives auront une forme de U. Pour mieux l'imaginer, nous pouvons reprendre l' exemple du champignon, et cette fois, il est observé par une mouche vue d'en haut. Vous pouvez voir comment la calotte ronde du champignon se forme en U sous cet angle. Comme deuxième exercice de dessin, rassemblez quelques références photographiques et essayez de capturer la forme de base de la tête et son angle approprié en fonction de chaque référence. J'ai créé un dossier zip contenant de nombreuses références photographiques que vous pouvez télécharger à partir de l'onglet Projets et ressources ci-dessous et les utiliser pour votre pratique. Mais je vous encourage également à créer vos propres références et à les avoir à portée de main chaque fois que vous avez quelques minutes à consacrer au dessin. Vous pouvez télécharger des photos, créer des dossiers sur votre ordinateur ou votre téléphone. Vous pouvez également utiliser les tableaux Pinterest, que je préfère souvent car le moyen le plus rapide de pratiquer pratiquement n'importe où. Dans cet exercice, nous ne dessinons rien d'autre, mais établissons la forme simplifiée de base de la tête. Je commence presque toujours par dessiner un cercle, puis trace la ligne médiane en concentrant sur la bonne direction. Ensuite, j'étends le cercle pour créer un masque du visage. Je dessine ensuite la ligne des yeux. Ici, pendant une minute, je réfléchis à l'angle, que nous regardions la tête d'en bas ou d'en haut, puis j'ajuste les directives en conséquence, soit en arc-en-ciel, soit en forme de U. Plus vous pouvez utiliser d'exemples comme celui-ci et réfléchir à la position de la tête, mieux c'est pour vous. Cette pratique peut rapidement devenir le meilleur moyen de s' échauffer avant de dessiner un croquis plus détaillé. La meilleure chose à propos de cette pratique est que vous pouvez constater l'impact significatif qu'elle a sur vos capacités d'observation et de dessin après seulement quelques jours, si vous la pratiquez ne serait-ce que 10 minutes par jour. Nous aborderons également les meilleures méthodes de pratique dans les leçons suivantes, car dans le cas des portraits, pratique régulière est essentielle pour améliorer la précision et donner à vos traits une apparence confiante et belle. Mais le simple fait d'entendre les mots « pratique régulière » peut effrayer les gens en leur faisant croire qu'ils doivent passer heures chaque jour pour progresser. Ce n'est tout simplement pas vrai pour le dessin, une pratique efficace ne dure que quelques minutes, mais si vous le faites quotidiennement, vous seriez surpris de la rapidité avec une pratique efficace ne dure que quelques minutes, mais si vous le faites quotidiennement, laquelle vous pouvez le comprendre. De plus, ma simplification du sujet a ses limites évidentes. Certaines têtes sont plus hautes, autres plus rondes, d'autres ont des traits carrés. Mais essayons de rester souples et de ne pas nous attarder saisir parfaitement la forme au début. Je pense qu'une approche souple est très utile pour réduire la peur du sujet. Je trouve cela tellement amusant que j'ai vraiment hâte de faire l'exercice. Tous les exemples que j'ai dessinés ici peuvent être téléchargés à partir de l'onglet Projets et ressources ci-dessous pour utilisés comme un autre exemple sur la façon de réaliser cet exercice. Vous pouvez également inclure vos propres croquis et exercices dans votre projet de classe si vous le souhaitez J'adorerais voir comment vous vous en sortez. Dans la leçon suivante, nous allons décomposer les caractéristiques du visage humain, apprendre à les placer proportionnellement et discuter des différences entre féminine et la tête masculine. Je te verrai là-bas. 5. Proportions - tête féminine contre tête masculine: Dans cette leçon, nous examinerons de plus près les caractéristiques du visage humain, comment les placer proportionnellement et quelles sont les principales clés entre la tête d'une femme et celle d'un homme. Je vous encourage à suivre cette leçon avec un crayon à la main, à l'aide d'un carnet de croquis ou n'importe quelle feuille de papier que vous pouvez trouver. Reprenons la construction de la tête en traçant un cercle. Cette fois, vous me verrez dessiner un peu plus grand et aussi des deux côtés du carnet de croquis simultanément, car je veux dessiner une tête de femme vers la gauche et une tête d'homme sur le côté droit. Ils auront plus ou moins les mêmes proportions et ne commenceront à varier légèrement qu' à un moment donné plus tard. J'ai divisé chaque cercle par une ligne médiane prolongée et également coupé les cercles en deux dans l'autre sens. Maintenant, vous avez coupé chaque cercle en quatre. Cette ligne horizontale située approximativement au milieu du cercle de départ est l' endroit où les sourcils seront placés. Maintenant, prenons cette mesure du milieu du cercle vers le haut et divisons-la en trois. Cette ligne située dans le tiers supérieur de cette mesure correspond à l'endroit où se trouverait la racine des cheveux. C'est l'endroit idéal où le front rencontre les cheveux. Maintenant, je prends la mesure pour les deux tiers inférieurs. Il s'agit essentiellement de la distance entre les sourcils et la racine des cheveux. Comme ces deux points ont déjà été établis, je vais abaisser cette distance en dessous de la ligne des sourcils. C'est l'endroit où le nez va reposer. Pour être plus précis, le bas du nez ne descend pas plus loin que cette ligne. Maintenant, prenons la même mesure. Encore une fois, la même distance que celle que nous avons entre la racine des cheveux et les sourcils, puis entre les sourcils et le nez. Ramenons cette distance en dessous de la ligne du nez. C'est là que se termine enfin le visage. C'est un endroit où se trouve le menton. Nous pouvons maintenant relier le cercle au menton pour créer le masque du visage. Mais en réalité, le cercle doit d' abord être ajusté pour mieux représenter la forme de la tête humaine qui est réellement aplatie sur le côté. Je coupe d'abord un peu le côté du cercle et ensuite seulement je relie les côtés avec le menton. C'est ici que se manifeste la première différence entre la tête féminine et masculine , à savoir la rondeur du masque du visage. Les visages des femmes ont tendance à avoir une forme plus lisse et plus ronde, tandis que les têtes des hommes ont tendance à avoir une mâchoire plus carrée et plus prononcée. Ce triangle est juste quelque chose qui m' aide personnellement à dessiner des sourcils et à établir la racine du nez. Je vais maintenant faire le point sur ces deux phases. Là encore, les sourcils féminins ont souvent une forme différente de celle des sourcils masculins. Les femelles sont souvent plus minces et mâles peuvent être plus touffus et plus épais, mais cela varie d' une personne à l'autre. C'est juste quelque chose à garder à l'esprit et remarquer chaque fois que vous dessinez un portrait. Je dessine maintenant un rectangle qui m'aide à établir l'espace dans lequel se trouvera le nez. Maintenant, c'est aussi le bon moment pour déterminer où se situera la ligne des yeux, et nous savons déjà que l'œil se trouve au milieu de toute la forme. Nous allons donc simplement prendre la mesure de haut en bas et la diviser en deux. Dessinons également les deux yeux sur les deux têtes, les représentant très simplement sous forme d' une amande avec un cercle au milieu. Maintenant, nous trouvons où se trouve la bouche. Prenons la distance entre le nez et le menton et divisons-la en trois. Le tiers inférieur représente la zone du menton et, dans le tiers supérieur, l' endroit où la bouche se divise. Il s'agit de la ligne la plus importante pour placer la bouche. Vous pouvez également essayer de dessiner sur la lèvre supérieure et inférieure. Souvent, les pupilles des yeux s'alignent sur les coins de la bouche J'essaie donc souvent d' esquisser ces deux directives qui m'aident à établir la largeur de la bouche. Nous pouvons maintenant dessiner les véritables cheveux autour du visage. Cela donnera à nos têtes un aspect plus reconnaissable. J'utilise la coiffure longue la plus courante pour la tête féminine et la coiffure courte pour la tête masculine. Mais ce n'est qu'un exemple et, bien sûr, cela peut varier considérablement. Je ne voudrais pas oublier les oreilles. Ils seront placés entre la ligne du nez et la ligne des sourcils sur les côtés de la tête. Je les représente souvent sous deux simples ovales dans mes croquis rapides. Nous allons détailler les caractéristiques individuelles du visage , y compris les oreilles, dans la leçon suivante. Pour l'instant, une forme simple suffit pour chaque caractéristique. La dernière caractéristique dont nous parlerons ici est le cou. Assurez-vous de ne pas le rendre trop épais ou trop court et faites toujours attention à la référence. Mais en général, le cou des femmes sera un peu plus fin que celui des hommes. Je passe un peu plus de temps à peaufiner ces deux croquis pour vous. Les scans des deux peuvent être téléchargés ci-dessous à partir de l' onglet Projets et ressources pour vous guider. Une dernière différence entre masculine et la tête féminine que j'ai remarquée au cours de cette dernière partie du processus est la racine du nez, qui est toujours assez délicate et peu visible dans les portraits féminins, mais chez les sujets masculins, elle peut être plus profonde et plus angulaire. En accordant plus d'attention à cette fonctionnalité, vous pouvez souligner que votre sujet est un personnage masculin, même lorsque vous dessinez des hommes aux traits généraux plus délicats. Dans la leçon suivante, nous examinerons de plus près les caractéristiques individuelles du visage, telles que les yeux, le nez, la bouche et les oreilles. Nous allons expliquer leur forme de base et leur apparence sous différents angles pour vous aider à les dessiner efficacement. Je te verrai là-bas. 6. Caractéristiques - Oeil, nez, bouche et oreille: Dans cette leçon, nous allons dessiner les traits du visage un par un et les examiner de plus près. Chaque fonctionnalité possède sa structure typique qui peut sembler très complexe, mais il existe un moyen de toutes les simplifier, c'est exactement ce que nous allons faire dans cette leçon. vous en prie, un crayon à la main, et faites ces croquis avec moi. Cela améliorera considérablement votre dessin et votre peinture sur n'importe quel portrait sur lequel nous allons travailler. Commençons par la caractéristique la plus difficile et, pour moi, ce sont les yeux. Quand j'ai commencé à dessiner avec réalisme, ma première envie de dessiner le regard a été cette forme d'amande avec un cercle à l'intérieur. En fait, ce n'est pas si loin de la vérité , mais cette représentation est juste un peu trop plate. Il faut tenir compte du fait que le globe oculaire est rond et que les paupières supérieure et inférieure l'entourent. La paupière supérieure recouvre souvent une partie de l'iris, qui est ce cercle coloré avec un noir au milieu, appelé pupille. Dessiner et peindre l'iris et la pupille est souvent un élément crucial du processus de création d' un portrait convaincant et émouvant. Ce qui m'aide à mieux dessiner l'œil et à le rendre plus convaincant , c'est de perdre la forme d'une amande et tracer quatre lignes droites, ce qui représente mieux la façon dont la paupière entoure l'œil. En fait, chaque fois que vous devez dessiner une courbe quelque part, il peut être très utile de la définir d' abord comme deux lignes droites, puis de les relier pour former une courbe d'apparence plus stable. Ici, j'ai suggéré les bords du globe oculaire, car cela m' aide à imaginer la structure 3D de l'ensemble de la structure et à ajouter l'iris et la pupille. Le petit point blanc réfléchit la lumière et donne souvent aux yeux une apparence plus vive et plus brillante. Il y a également un canal lacrymal dans un coin de l'œil, qui peut être représenté par un petit ovale. J'ai également ajouté deux lignes pour suggérer que les deux couvercles ont une épaisseur. L'épaisseur de la paupière supérieure n'est souvent pas aussi visible qu'elle est recouverte de cils, mais la paupière inférieure montre très souvent de l'épaisseur. C'est la partie que nous voulons également garder plus légère, ce qui contribue à l'aspect général convaincant de l'œil. Enfin, il peut y avoir des plis au-dessus et en dessous de l'œil qui doivent être dessinés. Le pli supérieur est généralement plus proéminent. Vu de côté, l'œil est très rond et a également cette forme triangulaire. Les deux couvercles entourent le bol et sont épais vers l' extérieur et le couvercle inférieur montre à nouveau de l'épaisseur. L'une des erreurs les plus courantes est dessiner l'œil à la même longueur que la vue de face , mais lorsque vous les comparez , vous devez le raccourcir beaucoup. N'oubliez pas qu'il s'agit d'une simplification pour nous aider à démarrer. prochaine caractéristique est le nez, un nez effrayant qui peut également être simplifié de manière assez amusante en dessinant cette forme de pyramide. Il est symétrique, possède une ligne centrale et un côté gauche et un côté droit. Nous pouvons même placer les narines qui ont une forme ovale de base au bas des côtés gauche et droit de la pyramide. J'aime imaginer ces pyramides simples attachant trois coussins, car le haut du nez et les deux côtés ont une forme ronde de base. Je relie ensuite ces formes et j'obtiens un nez convaincant. Voici un autre moyen rapide de simplifier la fonction de bruit. Dessinez un ovale, puis tracez un cercle pour représenter le bout du nez. Ensuite, ci-dessous, nous dessinons une forme en U attachant les deux narines à ce pont. Suggère ensuite les côtés du nez et le tour est joué. Habituellement, la base du nez où se trouvent les narines est ombragée et le point le plus clair est le bout du nez. Lorsque vous observez le nez de bas en bas, les narines apparaissent très ouvertes et vous ne verrez pas le bout du nez. De plus, les côtés du nez ne seront pas reliés aux narines par une ligne. Lorsque vous observez les nœuds d'en haut, vous ne verrez pas les narines et les trois parties rondes du nez semblent être reliées par une seule ligne. Jetons un coup d' œil à quelques exemples. Voici une photo d'une jeune fille prise sous un angle qui observe son visage depuis le dessous de l'horizon et qui donne l'impression que les narines sont ouvertes. En fait, cette narine que nous pouvons clairement voir n'est pas liée à cette ligne qui montre le côté du nez. Voici un autre exemple de nez observé légèrement au-dessus de l'horizon. Remarquez simplement que nous ne pouvons plus voir une narine ouverte, juste une courbe reliant le bord de la narine au côté du nez. Dessinons une bouche maintenant. Cette fonctionnalité peut sembler si simple que nous avons tendance à la rendre encore une fois plate, en traçant le contour entier avec une ligne droite au milieu. Encore une fois, il s'agit d'une caractéristique tridimensionnelle composée de pièces quelque peu rondes. Et encore une fois, j'adore les dessiner rapidement sous forme de cercles. Positionnons les cercles autour de la ligne médiane. Vous pouvez créer ces deux points pour représenter les coins de la bouche. La ligne médiane où les lèvres se rencontrent n'est pas droite. Il apparaît sous la forme d'un V en son milieu. Ensuite, en dessous de l'ovale représentant la lèvre inférieure, je trace un trait court et celui-ci représente un point qui est généralement le plus foncé, car la lèvre inférieure y jette de l'ombre. Vous pouvez suggérer le bord supérieur de la lèvre supérieure, mais sinon, ne reliez pas les bords aux coins de la bouche. Vous pouvez donner du tonus à la lèvre supérieure car elle est souvent plus foncée que la lèvre inférieure. Mais le fait de dessiner l'ensemble de la bouche enlève instantanément la plasticité. Jetons un coup d'œil à la vue latérale et voici un exemple de photo. Vous pouvez simplifier cela en dessinant une forme triangulaire , puis en la coupant en deux. Mais quand on y regarde de plus près, on s'aperçoit qu'il ne s'agit pas vraiment de la moitié. La lèvre inférieure prend beaucoup de place et la lèvre supérieure est plus petite. Je vais donner un peu de tonus aux lèvres. La lèvre supérieure sera à nouveau plus foncée et la lèvre inférieure présentera de légers reflets. Sous cet angle, vous pouvez voir plus clairement comment l'ombre se forme sous la lèvre inférieure, elle se courbe vers l'extérieur. Notez également que, tout comme l'œil-bouche, la fonction semble beaucoup plus courte semble beaucoup plus courte vue de côté que vue de face. J'ai décidé d'inclure l'oreille, même si elle n'apparaît pas toujours de trop près portraits, mais sa forme est tellement étrange qu'il pourrait vous être utile de vous montrer comment je simplifie pour la faire au moins ressembler ici. Dans la leçon précédente, nous avons établi que les oreilles se situent entre la ligne des sourcils et la ligne du nez. Lorsque vous regardez la tête de côté, vous en voyez un peu plus et, dans ce cas, vous pouvez observer quelques parties de base qui ne devraient pas manquer. Je dessine toujours ce dossier qui marque un peu en dessous du bord supérieur de l'oreille, puis il y a cette forme circulaire légèrement décentrée vers le bas de l'oreille. Vous pouvez connecter un petit ovale à cette forme et cela représentera l' entrée dans le conduit auditif, qui est le point le plus sombre de l'oreille. En gros, c'est ça. Vous n'avez pas vraiment besoin de dessiner plus que ça pour le faire ressembler à une oreille. Voici à quoi peut ressembler l'oreille vue de face du portrait. Il est beaucoup plus aplati et on ne voit plus l'entrée du conduit auditif pli situé dans la partie supérieure rejoint le contour de l'oreille sous cet angle. Vous pouvez télécharger mes croquis de toutes ces fonctionnalités à partir de l'onglet projets et ressources ci-dessous et les utiliser comme guide lors de l'esquisse. est bien plus complexe L'anatomie du visage humain est bien plus complexe que ce que j'ai abordé dans ces leçons, mais l'objectif principal ici est de vous aider à commencer à dessiner des portraits. J'espère que mes croquis et mes explications vous aideront à aborder ce sujet Au fur et à mesure que vous vous sentirez plus en confiance, vous pourrez approfondir un peu plus et étudier l'anatomie du visage à partir de livres et de cours avancés. Dans la prochaine leçon, je vais vous montrer comment je m'entraîne régulièrement à dessiner des portraits pour progresser plus vite, mais aussi pour rester intéressée et ne pas remettre à plus tard mes séances de dessin. Je t'y retrouverai. 7. Conseils pour une pratique de dessin régulière: Dans cette leçon, je vais vous montrer comment je m'entraîne régulièrement à dessiner des portraits dans mon carnet de croquis. ne s'agit pas de longues pratiques, mais plutôt de la façon d' esquisser rapidement vos sujets. Concentrez-vous sur les caractéristiques les plus importantes pour saisir l'essence du portrait , puis passez au suivant. Cette pratique est essentielle pour créer une esquisse solide avant peindre un portrait , quelle que soit la technique utilisée, et vous en bénéficierez grandement. Souvenez-vous de la leçon 4 de l'exercice où nous avons établi la forme de base de la tête Peut-être que cela vous embrouillera, mais dans ma pratique habituelle, je ne commence pas toujours à dessiner le cercle et le masque du visage. Je recherche plutôt de grandes formes simples que je peux repérer pour m'aider à établir rapidement ce que je vois sur la photo. Ces formes n' ont aucun sens du point de vue de la construction ou de l'anatomie. Ici, j'ai remarqué une forme rectangulaire sur sa joue. Puis j'ai remarqué ce triangle que forme l'œil gauche. Puis un autre triangle pour le nez, puis un autre pour la bouche. La lumière sur son menton forme également un autre triangle et cette ombre projetée sur le côté du nez ressemble également à un triangle. Si le portrait est exposé à une lumière aussi forte que celle-ci, il est très difficile d'imaginer la construction sous-jacente et il est tout simplement plus utile de créer votre esquisse comme un puzzle composé d'un tas de formes comme celle-ci. Peut-être que ces formes ne vous seront pas si apparentes au début, mais essayez cela plusieurs fois et elles commenceront à vous venir de plus en plus naturellement. De plus, lorsque je bloque ces formes, je vérifie toujours la construction et je fais des ajustements en fonction la connaissance des différents angles dont nous avons parlé dans les leçons précédentes. Cette méthode de mise en forme me permet de démarrer rapidement et être efficace tout en m'appuyant sur ce que je sais de la tête humaine. Je ne pense pas que seules les formes puissent apporter les résultats souhaités. Mais la combinaison de ces deux approches vous aidera à dessiner rapidement un portrait sous n'importe quel angle. Le problème avec la construction, c'est que vous ne pouvez pas le voir sur les photos, vous ne pouvez que l'imaginer. Ce sont toutes ces directives, mais aussi des mensonges importants, comme la silhouette du visage entier qui peut être cachée dans les ombres sur une photo comme celle-ci Comment pouvez-vous dessiner quelque chose que vous ne voyez pas, surtout en tant que débutant ? essayant d'imaginer et de dessiner la construction d' un visage comme celui-ci, nous nous perdons souvent complètement et ensuite une crise de panique lorsqu'au bout de 20 minutes de travail, le portrait ne ressemble en rien à la photo. Laissez-moi vous montrer ce que je veux dire par là. Dans cet exemple, la photo montre une vue assez droite du visage. J'ai commencé par essayer de construire le visage. J'ai dessiné le masque du visage et je l' ai divisé en fonction de ma connaissance des proportions. J'ai tout placé selon les directives comme nous en avons discuté, et cela devrait correspondre, mais il n'y a pratiquement aucune ressemblance avec la photo. C'est parce que lorsque je dessine des entités, de nombreuses lignes qui les définiraient sont inventées. Je les invente en essayant de comprendre à quoi ressemble leur hauteur. Mais lorsque vous regardez la référence, vous ne pouvez pas vraiment voir la moitié des lignes, car elle se trouve dans une ombre très profonde. En gros, la moitié du visage est absente de votre site, mais nous essayons de le construire en nous basant sur notre imagination. C'est là que l' approche de la forme devient très utile. Il peut y avoir de nombreuses lignes cachées dans un portrait que vous essayez de dessiner. Mon conseil n'est pas d'essayer de déterminer leur position, mais simplement d'identifier la forme de l'ombre et de remplir cette zone de ton. Au fur et à mesure que vous me voyez ajouter du ton et essayer de le façonner d'une manière que je puisse clairement voir sur la photo, le portrait commence à prendre beaucoup plus de sens. Cela ajoute du contexte au visage et maintenant je l'ai devant moi, comme je peux le voir sur la photo. La relation entre les différentes formes me fournit enfin une esquisse qui représente ma référence. Lorsque vous dessinez rapidement différents portraits dans votre carnet de croquis , il est très pratique de placer les éléments de manière efficace. Cela permet d'abord de déterminer où se situera l' élément puis de vous préoccuper des détails et de sa forme. Je vais vous montrer ce que je veux dire dans cet exemple. Ici, j'ai utilisé la méthode des formes pour définir rapidement le portrait sur la page. Comme je peux clairement le voir, agissait d'une forme triangulaire, puis j'ai ajusté ces formes de manière à ce qu' elle contienne une plus grande surface allant du nez au menton. Ce n'est toujours que la grande forme. Mais maintenant, j'ajoute des directives pour les sourcils et les yeux. Mais avant de m' occuper de la silhouette du nez et de la ligne du profil, je vais rapidement définir le contour du nez et de la bouche en dessinant une forme ovale qui les représentera et en essayant d'abord d'observer leur position. Cela me permet d' utiliser la même approche pour le menton et souvent même pour les joues. Lorsque j'allège maintenant l'esquisse préliminaire, je peux dessiner une silhouette assez convaincante du portrait simplement en reliant ces formes rondes. Cette approche me permet d' être plus rapide dans mon dessin. Dans la pratique, j'ai d'abord positionné les grandes formes, puis j'utilise ces petits ovales pour placer entités. À ce stade, je peux rapidement les déplacer ou ajuster leur position, car je peux déjà voir si elles sont désactivées sans perdre de temps à les afficher complètement. Je peux ensuite simplement ajouter quelques ombres ou donner du ton aux cheveux et je peux terminer le croquis assez rapidement. Cela fonctionne vraiment rapidement, que nous voulons et [inaudible] plus de temps pour s'entraîner pour obtenir de meilleurs résultats. Il s'agit en fait d'un conseil très controversé que je vous donne. Voici mon raisonnement. Bien sûr, plus vous passez de temps sur un métier comme celui-ci, plus vous parcourez de kilomètres, plus vous devenez un artiste confiant et expérimenté. Essentiellement, nous voulons tous avoir autant de temps que possible pour nous entraîner. Mais si, à ce stade de l'apprentissage, vous passez trop de temps sur un seul croquis, il est probable que c'est parce que vous essayez de le rendre beau. Ajouter des détails, ajouter une couverture différente. Bien que tout cela soit vraiment cool et amusant à faire, votre objectif ici devrait être d'entraîner votre observation et de vous entraîner à coordonner ce que vos yeux peuvent voir et votre main. Vous ferez au moment où vous commencez à construire le visage, à placer des traits, à y ajouter un peu de tonalité, puis à ajuster et à essayer de trouver des erreurs afin de donner à l'esquisse une ressemblance. En outre, de nombreuses pratiques d'esquisse, telles que l'ajout de trop de détails ou utilisation de trop de valeurs, peuvent prendre beaucoup de temps. À mon avis, il vaut mieux le consacrer à essayer de créer un autre portrait. Il y a une autre raison de parier sur la pratique croquis de portraits rapides de 5 à 10 minutes, et c'est exactement la réalité de notre style de vie. Vous faites peut-être partie de ces personnes chanceuses qui ont suffisamment de temps à consacrer à leurs loisirs ou à développer régulièrement leurs compétences et si, en plus de cela, vous êtes capable de rester concentré et motivé, alors vous vivez votre rêve. Mais si vous êtes comme moi vous devez trouver un équilibre entre vie professionnelle, vie de famille et soins personnels, vous n'aurez tout simplement pas assez d' espace et d'énergie pour cette pratique qui demande trop de temps. Même si vous commencez fort au bout de quelques jours, votre entraînement vous fatigue et votre carnet de croquis est enseveli sous le tas de poussière. Ce n'est pas ce que nous voulons. À cet égard, les croquis rapides sont une victoire, non seulement parce que même quand je n'ai pas une heure, je peux toujours trouver 10 minutes y a donc aucune excuse pour ne pas ouvrir mon carnet de croquis, mais aussi parce que cet intervalle de 5 à 10 minutes vous oblige à aller droit au but et à ne prêter attention qu'aux parties importantes du portrait, vous apprenant à ignorer les détails qui souvent ne profitent même pas à la peinture ou au dessin. après mon expérience personnelle dessiner rapidement permet de progresser plus rapidement, peut-être pas au point de ne pas remettre question les proportions . Essayez simplement de ne pas dessiner un portrait pendant une heure dans votre pratique quotidienne. Une autre astuce consiste à utiliser des références de taille appropriée. J'aime dessiner à partir de mon téléphone lorsque je fais un entraînement de dessin, car l'écran est si petit que je peux mieux voir les proportions générales. Cela ne fonctionne pas vraiment très bien lorsque vous essayez de dessiner un petit croquis à partir d'une très grande référence Vous pouvez également créer vos propres références en prenant des photos de vos amis ou de votre famille. Assurez-vous simplement d' avoir leur permission. De plus, cela aide vraiment si la lumière et les ombres apparaissent bien sur la référence. Parfois, nous utilisons tellement de filtres sur une photo faite par nos soins que cela donne un aspect très plat. Vous ne pouvez donc pas vraiment savoir à quoi ressemble le formulaire, Vous ne pouvez donc pas vraiment savoir à quoi ressemble le formulaire car vous ne voyez pas vraiment de profondeur sur la photo. Enfin, j'ai pris mes photos en mode noir et blanc ou en niveaux de gris, ce qui permet également de mieux voir les valeurs et se concentrer sur la lumière et les ombres plutôt que sur la couleur. Quelques conseils sur la technique de dessin proprement dite. Je peux utiliser un seul crayon, le HB, mais vous préférerez peut-être dessiner avec un crayon doux ou, avec un crayon plus dur, utiliser ce qui améliorera votre point de départ sur la page. couverture n'a pas besoin d'avoir une direction particulière, mais il est parfois utile couvrir avec la forme plutôt que contre elle. Lorsque je bloque les cheveux, parfois je crée simplement une haie plate qui n'a aucune direction, parce que je ne suis tout simplement pas concentrée sur la forme de la coiffure sur ce croquis. D'autres fois, la coiffure est quelque chose que je souhaite inclure dans l'esquisse globale, car l'ombre claire qui s'y trouve fait ressortir le portrait un peu plus, comme dans le cas de cette esquisse. Ici, lorsque je couvre les cheveux, je les couvre de manière à ce que les cheveux suivent lignes horizontales sur le dessus de la tête et lignes verticales sur les côtés de la tête. Je travaille également avec mes gommes à effacer pour créer des formes négatives qui représentent la lumière, ce qui rend mon processus de dessin plus amusant. Enfin, ne vous laissez pas décourager par les croquis qui ne se révèlent pas si bons et profitez-en pour en tirer des leçons. En d'autres termes, faire des reprises est la meilleure chose que vous puissiez faire dans ce sketch J'ai exagéré la couverture et j'ai vraiment eu l'impression que cela a pris trop temps, mais la déclaration finale est de temps, mais la déclaration finale est stressante et omniprésente. Il m'arrive souvent que les études qui prennent le plus de temps soient les pires. J'ai pris une autre feuille de papier pour essayer de voir si je pouvais faire un meilleur travail et je suis arrivée à une déclaration plus simplifiée. C'est quelque chose à considérer et à expérimenter. Ensuite, si je parviens à vous convaincre de tenir un carnet de croquis, vous pourrez à terme comparer vos croquis récents avec vos premiers croquis. Tu verras à quel point tu as progressé. [MUSIQUE] 8. Résumé du dessin: Puisque nous avons abordé de nombreuses informations techniques dans la partie dessin de ce cours, faisons un bref résumé. Nous avons appris que la tête humaine peut être dessinée de manière très simplifiée, comme une forme circulaire qui se connecte au masque du visage. Nous pouvons utiliser deux directives pour nous aider à positionner cette forme sous différents angles, savoir la ligne médiane et la ligne des yeux. Une très bonne façon de s' entraîner est de dessiner la forme simplifiée de la tête humaine sous différents angles, non pas à partir de votre imagination, mais à partir de photos en essayant de déterminer la position de chaque tête sur une photo dans votre carnet de croquis. Nous avons également appris les proportions du visage humain. Si vous suivez cet exercice du début à la fin, votre crayon à la main, vous savez maintenant où se situent toutes les caractéristiques, mais l'essentiel à retenir est que lorsque nous regardons le visage de face, l' ensemble du masque du visage peut être divisé en trois parties et celles-ci contiennent des points de repère importants. Tout le tiers supérieur du visage correspond au front et se termine par les sourcils. Ensuite, le deuxième au troisième va des sourcils au nez et le dernier du nez au menton. Si vous prenez toute la longueur du crâne jusqu' au menton et que vous divisez cette distance en deux, c'est là que se placeront les yeux. bouche et le menton peuvent être positionnés en divisant le tiers inférieur en trois. Encore une fois, les oreilles se trouvent toujours dans le tiers médian. De face, ils s' alignent avec les sourcils et le nez. Il existe également certaines différences entre les visages masculins et féminins, même si les proportions sont similaires, portraits masculins peuvent avoir des traits plus anguleux, cou plus fort et une racine du nez un peu plus prononcée. Nous savons désormais également comment simplifier les traits du visage. Les yeux sont plus compliqués que les autres, car ils représentent le globe oculaire rond recouvert de paupières, et nous ne pouvons pas les dessiner comme une forme d'amande plate avec un cercle dedans. Nous remarquons plutôt la façon dont la paupière supérieure recouvre l'iris et suggère une rondeur en ajoutant des plis autour de l'œil. Le nez peut être délicat, mais il peut également être simplifié et dessiné comme une pyramide. Une fois que vous y aurez ajouté ces formes d' amortissement, vous aurez une structure nasale solide qui vous permettra de dessiner autour de vous. Nous savons maintenant que regarder le nez par le bas expose les narines, alors que regarder par le haut les cache. bouche peut être l' élément le plus facile à dessiner, et si nous la représentons sous la forme d'une ligne médiane incurvée appropriée, accentuant les coins et accentuant l'ombre sous la lèvre inférieure, nous pouvons obtenir une belle profondeur. De plus, la lèvre supérieure devient assez foncée, car ce plan se détourne généralement de la lumière Dans ce cas, la lèvre inférieure présente souvent des reflets. Les oreilles sont également assez simples. Je les dessine souvent sous forme ovales en ajoutant un pli plus foncé sur le dessus et je représente l'entrée du conduit auditif sous la forme d'une forme ovale plus petite. Enfin, nous avons appris à nous entraîner à dessiner régulièrement des portraits pour améliorer notre dessin. Les meilleures pratiques ne prennent pas beaucoup de temps et se concentrent sur la proportionnalité et le mirage, plutôt que sur les détails et une belle technique de couverture. La pratique vous convient le mieux si elle s' intègre à votre emploi du temps quotidien et vous rend heureux, car ce n'est que si c'est amusant que vous pourrez vous y tenir. Un excellent moyen de rester intéressant est de créer des dossiers contenant différentes références et de vous lancer le défi en faisant des croquis rapides d' autant de portraits que possible. Construisez votre croquis en bloquant les formes plutôt que de construire la tête, et essayez toujours de dessiner tout ce que vous voyez sur la photo qui pourrait vous fournir un contexte comme les cheveux, les épaules ou les vêtements, car cela vous aidera également à comparer votre dessin et votre référence. Vous pouvez utiliser des haies et appliquer du ton à votre esquisse, car cela vous permet également de mieux voir les proportions. N'oubliez pas que l' approche des formes vous permet placer rapidement votre dessin sur votre page, puis de continuer à l' ajuster en fonction de votre connaissance des proportions. Utilisez des gommes à effacer pour jouer avec les formes négatives et n'ayez pas peur de refaire votre dessin ou de le dessiner une fois de plus si cela ne fonctionne pas. Dans la leçon suivante, nous allons commencer la partie de ce cours consacrée à l'aquarelle. Nous apprendrons comment fonctionnent les techniques d'aquarelle, comment créer des effets et estomper les bords, ce qui sera très utile dans notre peinture de portrait. Je te verrai là-bas. 9. Warmup à l'aquarelle: Dans cette leçon, nous allons faire plusieurs exercices d'aquarelle pour mieux nous familiariser avec l'aquarelle. Nous allons apprendre comment la peinture humide se comporte sur une surface sèche ou humide. Que sont les couches de peinture et comment créer un mélange fluide ou créer des effets spéciaux. Allons-y. Bienvenue dans la partie de ce cours consacrée à la peinture à l'aquarelle. Voyons comment j'ai configuré mon matériel artistique avant de peindre à l'aquarelle. J'utiliserai mon carnet de croquis en techniques mixtes pour ces exercices. Je vais donc le configurer à l'aide d'un clip métallique qui maintiendra mon papier tendu et droit. Mes palettes et mon bocal d'eau propre sont toujours placés sur le côté droit. Comme je suis droitier, je pose mes trois pinceaux sur le côté gauche, mais toujours sur une serviette en papier car ils seront mouillés en un instant et je donne une autre serviette en papier dans ma main gauche. J'ai également mis un sèche-cheveux sur ma table, à portée de main, pour ne pas avoir à me lever et courir trop souvent dans le studio. Ces morceaux de papier aquarelle de rechange sont également sur ma table. Je vais tester ma peinture dessus et il est maintenant temps d' humidifier ma peinture avec ce flacon pulvérisateur. Il y a une question que vous vous poserez souvent quel point ma peinture doit-elle être foncée ? Il est difficile de juger l'obscurité de votre peinture à l'aquarelle lorsqu'elle est mouillée. La peinture s'estompe souvent pendant le séchage et voici une comparaison de la même peinture à l'état sec et humide. Vapor a également quelque chose à voir à ce sujet. Sur certains papiers, l'aquarelle peut paraître encore plus pâle. Comment jugeons-nous ? En cas de doute, testez votre peinture au préalable et séchez-la de préférence sur le même papier. Mais avec le temps, au fur et à mesure que vous vous habituerez à l'aquarelle, vous en jugerez par intuition et n' aurez pas besoin de faire cette étape supplémentaire. Dessinons un carré et un cercle dedans. Je vais prendre mon pinceau de taille moyenne et peindre le premier cercle. C'est ce que l'on appelle mouillé sur sec, car nous appliquons la peinture humide sur du papier sec. Remarquez à quel point la peinture aqueuse tient à l'intérieur cette forme circulaire et n' en sort pas librement. Vous devrez humidifier la zone environnante et jusqu'à ce que vous le fassiez, elle reste là où elle a été placée. Lorsque cette peinture sèche, elle forme une arête vive autour du cercle. Humidifions maintenant le deuxième carré avec de l'eau propre, puis peignons un deuxième cercle dans cette zone humide. Ce qui se passe, c'est que la peinture pénètre dans la zone humide autour du cercle et forme un bord flou, également appelé bord souple. Nous voyons toujours le cercle. Il est juste un peu plus grand et n'est pas clairement défini comme le premier. Dessinons deux autres carrés pour montrer un autre aspect de l'aquarelle. Pour cet exercice, nous allons préparer de la peinture dans ce petit bol en porcelaine en la mélangeant à de l'eau. Je ne vais pas peindre qui soit encore transparent, comme le thé, mais qui présente également une belle couleur bleu vif. Avant de peindre le carré supérieur, vous devez trouver quelque chose qui vous aidera à incliner votre planche à dessin ou votre carnet de croquis, mais ne l' inclinez pas trop fortement. Dans cet exercice, je vais utiliser la peinture préparée dans le bol et peindre le carré supérieur de haut en bas, un trait à la fois. Vous verrez que grâce à l'inclinaison, l' excédent de peinture s' écoule vers le bas de la zone humide. Lorsque vous atteignez le bout du carré, laissez doucement le reste du bassin de peinture avec votre pinceau afin qu' il ne reste pas là pendant que la peinture sèche. Gardez également le carnet de croquis incliné jusqu'à ce que le carré sèche. Ce que nous venons de peindre s'appelle un lavis doux à l'aquarelle. Lorsque vous utilisez cette technique, vous pouvez obtenir une couche de peinture lisse sans fleurs ni irrégularités. Peignons le deuxième carré sans l'inclinaison, mais toujours trait par trait. Lorsque vous laissez la ligne de votre carnet de croquis plat sur la table de cette manière, l'excès d'eau s'accumule à un endroit, même si vous ne le remarquez pas au début, et pendant le processus de séchage, forme des fleurs et des irrégularités. Vous pouvez utiliser ces connaissances pendant la peinture et vous demander à l'avance si vous avez besoin d'un lavage en douceur ou si vous pouvez certaines irrégularités qui pourraient rendre la peinture plus intéressante. Nous sommes maintenant prêts à comprendre à quoi ressemble la superposition de la peinture. Dessinons trois rectangles et je n'utiliserai que la même peinture que précédemment, mélangée dans un bol. Peignons les trois rectangles avec. Vous n'avez pas à vous soucier de la douceur du lavage ici. Séchez-les et assurez-vous qu'ils sont complètement secs avant de poursuivre l'exercice. Nous allons maintenant peindre un carré sur les deuxième et troisième rectangles, sorte que la peinture chevauche celle précédemment peinte. C'est ce que l'on appelle la superposition ou, dans certains contextes, glaçage à l' aquarelle, ce qui signifie que vous ajoutez plusieurs couches d'aquarelle les unes sur les autres pour améliorer la couleur. Lorsque nous séchons la deuxième couche, nous pouvons en ajouter une autre au troisième rectangle et observer comment l'intensité de la peinture se multiplie lorsque de nouvelles couches sont ajoutées par-dessus. Vous pouvez également remarquer l'effet de verre coloré créé par ces arêtes vives et qui peut également être très agréable à utiliser dans vos peintures. Maintenant, je veux démontrer une chose et vous montrer une technique qui vous sera directement utile pour ombrer vos portraits. Dessinez cette forme d'amande et imaginons que ce sont yeux et appliquez de l'ombre autour d' eux avec un pinceau de taille moyenne. Dans cet exemple, je laisse la peinture sèche telle quelle, en laissant des bords nets tout autour des ombres. Cela peut être visuellement très intéressant, mais voyons à quoi cela ressemble si les bords étaient mous. Je vais appliquer à nouveau l'ombre de la même manière, puis j'humidifie mon pinceau avec de l'eau claire, je le sèche d'abord un peu sur le papier absorbant, puis je frotte doucement le bord extérieur de l'ombre. Le résultat est un contour doux et un aspect plus naturel pour certaines ombres sur le visage. C'est exactement comme ça que je m'y prends. Je dois admettre que cette technique demande un peu de pratique, mais n'hésitez pas à l' essayer encore quelques fois pour vous y habituer. Maintenant, essayons encore une fois et optons pour la combinaison des deux. Vous pouvez toujours choisir les arêtes qui s'adoucissent et vous souhaitez rester nettes. Une autre technique que j'utilise parfois s'appelle le lifting, et je vais la démontrer en frottant une peinture sèche avec un pinceau propre et humide, puis en soulevant le pigment libéré avec un mouchoir en papier. Cela ne fonctionne pas toujours, mais fonctionne bien sur certains papiers. Si vous n'avez pas encore appliqué plusieurs couches sur une même zone, vous pouvez parfois même lisser les arêtes vives déjà sèches avec cette technique, qui vous permet de corriger votre aquarelle. Enfin, je vais vous montrer quelques effets spéciaux d'aquarelle pour décorer vos tableaux. d'abord, peignons un simple rectangle et attendons environ deux minutes pour laisser la peinture reposer sur la surface. Mais nous ne voulons pas que le linge sèche complètement. Avant cela, apportez quelques gouttes d'eau propre au lavage. L'effet qui se produit entre de nouvelles gouttes d'eau et le lavage à demi-sec est souvent appelé floraison à l' aquarelle. Les fleurs ont un aspect très différent sur chaque type de papier. Sur certains, ils peuvent être plus visibles que sur d'autres et sur mon papier multimédia, l'effet n'a pas très bien fonctionné. Voici certains de mes portraits à l' aquarelle où j'utilise délibérément des fleurs afin que vous puissiez mieux imaginer à quoi elles ressemblent dans une peinture finale et comment les fleurs peuvent être utilisées. Souvent, je place la fleur quelque part autour de la silhouette du portrait. L'effet suivant est la peinture qui coule. La façon de créer des gouttes est assez explicite. Assurez-vous simplement d'incliner suffisamment votre planche ou votre carnet de croquis et de charger suffisamment de peinture aqueuse sur votre pinceau. Le dernier est Spatters, et j'adore celui-ci. est plus facile de créer des rousseurs ou simplement d' ajouter de belles abstractions à la pièce. Chargez de la peinture aqueuse sur votre pinceau et appuyez dessus comme ceci. Vous pouvez essayer cette méthode avec des pinceaux de plus en plus petits pour créer des éclaboussures de plus en plus grandes. Dans la leçon suivante, nous verrons comment fonctionne l'ombrage, à fois au crayon et à l' aquarelle. Je t'y retrouverai. 10. Comment fonctionne l'ombrage: Dans cette leçon, nous allons faire un exercice simple fois au crayon et à l' aquarelle pour nous familiariser avec la lumière et les ombres et comment les représenter sur une surface bidimensionnelle. Allons-y. Je continuerai mon carnet de croquis à l'aquarelle pour cet exercice également à utiliser mon carnet de croquis à l'aquarelle pour cet exercice et nous pourrons le mettre sur une seule page. Tout d'abord, je vais dessiner deux cercles et deux cubes et dessiner une ombre projetée sortant de chaque forme. Vous trouverez un modèle d'esquisse pour cet exercice dans l' onglet Projets et ressources à utiliser comme guide ainsi que comme numérisation du résultat final. le côté gauche, je travaillerai au crayon et sur la droite, à l'aquarelle. lumière et l'ombre seront les mêmes quel que soit le support que vous utilisez, mais la technique utilisée pour représenter la lumière et l'ombre est très différente pour l' aquarelle et le crayon. Les études au crayon nous aident beaucoup car nous avons un contrôle total sur le crayon. L'ombrage consiste donc à déterminer où se trouve l'ombre. Mais avec l'aquarelle, vous devez également trouver une stratégie, comment appliquer la peinture pour que l'ombre apparaisse au bon endroit. Vous verrez très bientôt ce que je veux dire. Disons que la lumière vient de la gauche et chauffe la sphère. À l'endroit le plus proche de la source lumineuse, il y aura une lumière intense, qui consiste essentiellement en des points blancs complets. Nous pouvons le représenter sous la forme d'un petit cercle. lumière se déplace ensuite autour de la sphère, mais mesure que la surface de la sphère s' éloigne de la source lumineuse, elle s' assombrit progressivement. Voici un autre cercle autour la lumière vive que je dessine et qui sera rempli d'un ton légèrement plus foncé, puis d' un autre légèrement plus foncé que le précédent. L'ombre la plus foncée, appelée ombre centrale, se trouve généralement de l'autre côté de la sphère, le plus éloigné de la source lumineuse, mais l'ombre la plus foncée n' atteint pas le bord du cercle d'origine car, comme la sphère est ronde, partie de la lumière est réfléchie par la surface environnante et apparaît un peu de l'autre côté. L'ombre projetée est cette ombre que la sphère projette sur le sol. Il fera sombre, vous pouvez donc lui donner un crayon multimédia. Le point le plus sombre de l'ombre projetée sera l'endroit où la sphère rencontre l' ombre projetée, car il s'agit d'un espace restreint auquel la lumière n'a pas beaucoup accès. Au fur et à mesure que l'ombre projetée s' éloigne de la sphère, une partie de la lumière réfléchie peut y apparaître , de sorte qu'elle devient un peu plus claire sur le côté droit. Les ombres projetées peuvent être très nettes ou avoir des bords adoucis et flous. Tout dépend du type de source lumineuse. Nous pouvons maintenant essayer d'ombrer le crayon cubique et imaginer comment la lumière provenant de la gauche pourrait l'affecter. J'ai inclus un cube dans cet exercice pour créer un contraste avec la sphère, mais l'approche consistant à ombrer la sphère vous sera très utile pour peindre des portraits. Vous pouvez donner un peu de tonus à l'ensemble du cube car à moins que la lumière ne vienne exactement du haut, il ne sera tout simplement pas surligné comme l'a fait une sphère. Vous pouvez alors donner plus de ton au côté qui nous fait face, mais le côté le plus sombre sera celui qui se trouve en face de la source lumineuse. Avec l'ombre projetée, ce sera à peu près la même chose qu'avec la sphère. Il devient plus foncé lorsqu'il est proche du cube et un peu plus clair lorsqu'il s'en éloigne et s'estompe légèrement. L'une des différences entre le cube et la sphère réside dans le fait que le côté le plus sombre du cube directement relié à l'ombre projetée, sorte qu'il n'y a aucun changement de ton. Mais entre l'ombre centrale de la sphère et son ombre projetée, il y a un ton plus clair à cause de la lumière réfléchie. Veuillez noter qu' il y a un peu de simplification dans mes exemples. Il reste encore beaucoup à apprendre sur le fonctionnement de la lumière et des ombres sur différentes surfaces. Comme le type de source lumineuse varie, des dégradés peuvent également apparaître sur un cube. Mais pour nos besoins, cela vous aidera à comprendre que nous devons attribuer l'obscurité et luminosité à différents forums afin de créer l'illusion d'un espace 3D sur notre papier plat en 2D. La luminosité ou l'obscurité relative d'un objet ou d'une zone sont souvent appelées tonalité ou valeur de tonalité. Lorsque vous êtes au crayon, vous pouvez créer des valeurs plus sombres simplement en appuyant plus fort hachurant plusieurs fois sur la même zone ou même en passant à un crayon plus foncé. À l'aquarelle, c'est un peu différent. Le principal défi de l'aquarelle réside dans le fait que nous n'utilisons tout simplement pas de peinture blanche pour créer des reflets ou éclaircir nos feuilles de travail. Nous laissons littéralement le papier blanc derrière nous pour le mettre en valeur. À l'aquarelle, on ne peint presque jamais la lumière, on ne peint que des ombres. La lumière est déjà là. Je sais que c'est un peu plus facile à comprendre, mais c'est exactement là que cet exercice s'avère utile. Ici, je mets en valeur la sphère peignant mon premier lavis autour de celle-ci. J'étale la peinture sur tout le reste du cercle ainsi que sur l'ombre projetée, car vous pouvez voir sur notre étude au crayon qu'il n'y a tout simplement aucune autre zone qui soit plus claire que le point culminant. Cela permet non seulement d'établir les points forts, mais aussi de définir immédiatement le ton moyen. Le cube n'est pas surligné Je vais donc également couvrir l'ensemble de la forme et de l'ombre projetée avec mon demi-ton. Nous avons peint notre première couche et je vais m'assurer qu' elle soit complètement sèche avant de peindre la seconde, mais nous aurons besoin de couches supplémentaires pour approfondir les zones d'ombre à la fois sur la sphère et sur le cube. Continuons à ajouter des ombres à la sphère, mais nous devons utiliser l'étude au crayon comme guide et faire vraiment attention. Ces nouvelles ombres plus foncées ne doivent pas atteindre la zone de surbrillance. Il couvre plutôt environ les 2/3 de la sphère et je projette aussi de l'ombre. Comme la sphère est ronde, ne présentent pas d'arêtes vives ses ombres ne présentent pas d'arêtes vives comme le fait le cube Nous devons donc utiliser la technique que je vous ai montrée dans la leçon précédente pour adoucir le bord qui donnerait cette nouvelle peinture une zone plus surlignée dans le tiers supérieur. Ici, je vais également laisser une partie de la peinture humide pour montrer la lumière réfléchie sur la sphère. Nous ferons de même sur l'extrémité droite de l'ombre projetée qui doit être éclaircie. J'ai également un peu flouté cette zone avec mon pinceau humide. À cet égard, la deuxième couche d'aquarelle pour le cube sera assez simple, car il y a partout une arête vive et, à côté du plan supérieur du cube, tout a besoin d'un ton plus foncé. Je ne tache que légèrement l'ombre projetée sur son extrémité droite. Enfin, nous devrons ajouter une troisième couche pour créer les zones les plus sombres. Vous pouvez ajouter plus de pigments à votre mélange de peinture pour cette étape afin de créer un contraste plus fort. Tout d'abord, appliquons l'ombre la plus foncée à la sphère. Il sera positionné plus loin de la source lumineuse. Mais n'oubliez pas d'éviter la zone de lumière réfléchie à l'arrière de la sphère. L'ombre projetée doit également être assombrie et l'endroit où elle se connecte à la sphère sera un bord dur. Vous pouvez désormais adoucir légèrement les bords à la fois pour créer un dégradé sur l'ombre projetée et pour mélanger l'ombre la plus foncée avec les tons moyens de la sphère. Le cube sera à nouveau très simple. Nous allons assombrir l' avion le plus éloigné de la source lumineuse et de l'ombre projetée en même temps. n'y a pas de limite entre le cube et l'ombre projetée ici. Je ne vais adoucir et éclaircir la peinture appliquée qu'à l'extrémité droite de l'ombre projetée. Cet exercice montre le mieux non seulement où apparaissent la lumière et l'ombre, mais également la différence entre les approches au crayon et à l'aquarelle. Cela vous montre que l'aquarelle nécessite une certaine planification afin de ne pas se tromper et de couvrir accidentellement une zone censée rester claire. Dans la leçon suivante, nous allons effectuer ce type de planification et créer une miniature ou un portrait au crayon qui nous servira de carte des tons clairs, des moyens et des tons les plus foncés. Nous faciliterons application de l'aquarelle à notre peinture finale. Je te verrai là-bas. 11. Créer une miniature / une carte de valeur: Dans cette leçon, nous allons créer une miniature de notre premier portrait à l'aquarelle. Cette miniature sera au crayon et nous l'utiliserons pour cartographier tous les tons clairs, les tons moyens et les tons les plus foncés. Vous pouvez télécharger ma miniature la section des projets et des ressources en dessous de cette classe et l'utiliser comme guide lors de la création de la vôtre. Si vous avez fait tous les exercices des leçons précédentes avec moi, vous êtes définitivement prêt à créer votre projet de classe. Ce sera le premier portrait à l' aquarelle que nous allons peindre du début à la fin. Comme ce cours est destiné aux débutants, l' étape supplémentaire consistant à créer une miniature de portrait sera surtout très utile pour deux raisons. abord, si vous dessinez le même portrait plusieurs fois, vous pouvez le dessiner avec plus de confiance au fur et à mesure que vous vous familiarisez avec celui-ci. Ensuite, le fait dessiner avec plus de confiance fur et à mesure que vous vous familiarisez avec celui-ci de marquer au préalable tous les tons clairs, et foncés les plus foncés avec moyens et foncés les plus foncés avec votre crayon vous oblige à repenser votre stratégie d'aquarelle , puis à minimiser le risque d' appliquer la peinture sur la mauvaise zone ou de perdre de la lumière. Créons des miniatures pour tous les portraits de cette classe, et je le ferai sur ces petites cartes en papier. Pour le projet de classe, je choisis le portrait qui n'est pas trop difficile à dessiner ou à peindre. C'est un portrait de profil vraiment magnifique . J'adore les cheveux flottants autour de la tête de la fille. Il suscite des émotions et raconte une histoire. De plus, vous pouvez clairement voir la lumière et les ombres, et la photo de référence montre également des tons bien que cela ne soit pas visible dans la vidéo, mais veuillez télécharger la référence dans la section projets et ressources ci-dessous, et vous les verrez plus clairement. Je vais commencer par dessiner librement le portrait sur la carte papier. Vous pouvez voir que j'ai d'abord bloqué toutes les grandes formes de base, comme une forme triangulaire pour le visage et quelques lignes pour indiquer la coiffure, silhouette, le cou et les épaules. Je vais ajouter des formes plus petites pour le nez, bouche, des petites formes triangulaires pour les yeux. ne me dérange pas d'utiliser beaucoup de lignes, et le portrait n'a pas besoin d'être précis à 100 % pour Cela ne me dérange pas d'utiliser beaucoup de lignes, et le portrait n'a pas besoin d'être précis à 100 % pour le moment, mais vous devriez au moins avoir une silhouette reconnaissable avant de commencer à utiliser la carte d'ombrage Je commence à ajouter une tonalité aux différentes zones car je les remarque sur la référence sans ordre particulier. Il y a deux grandes zones très sombres, savoir la coiffure et l'ombre portée sur le cou et les épaules. J'y ajoute donc quelques hachures. Il y a d'autres zones très sombres sur ce portrait, mais vous ne les verrez peut-être pas au début. Ce qui m'aide à mieux identifier les valeurs tonales , c'est de plisser les yeux lorsque je regarde la référence Cela vous permet de ne voir que le ton et aucune ligne nette ne vous embrouille lorsque vous essayez d'identifier la répartition de la valeur sur le visage. Les zones plus petites et assez foncées sont la zone des sourcils, les cils ne caressent pas la lèvre supérieure et l'ombre projetée sous la lèvre. Il y a aussi une ombre assez foncée qui descend de la coiffure vers la poitrine. Cartographiez tout cela dans votre miniature. Au fur et à mesure, j'ai remarqué certaines zones surlignées et j'ai ensuite dû les atténuer. Il y a des reflets nets sur la joue, autour du sourcil le plus proche de nous, sur le nez, puis dans le coin inférieur de l' œil et sur la lèvre inférieure. Généralement, entre les tons les plus foncés et les reflets, on trouve nos tons moyens, mais les tons moyens peuvent également être plus foncés et plus clairs , de sorte que certaines zones sont légèrement plus foncées. Il s'agit de la zone des joues, par exemple, la zone située entre les cils et les sourcils, et de la base du nez, certaines se trouvent également sur le cou. Comment êtes-vous censé identifier tout cela dans un portrait ? C'est votre observation qui vous dit qui est qui. Mais ce n'est pas tout, car il est clair qu'il peut y avoir des dizaines de valeurs différentes entre la lumière et l'ombre, et nous peignons en trois couches, alors comment êtes-vous censé trouver tout cela et le peindre dedans ? La clé, c'est que vous ne le fassiez pas. En d'autres termes, nous allons le résoudre en simplifiant les valeurs, tout comme nous avons simplifié l'esquisse et essayant de reproduire toutes les valeurs C' est [inaudible] et perdu avant même de commencer. Si vous vous rendez compte que vous avez transformé votre miniature en un projet de 12 heures, vous passez à côté de l'essentiel, car chaque image ne peut être cartographiée que par trois ou quatre valeurs . Cet exercice peut avérer extrêmement utile car il stimule votre imagination. Non seulement vous devez parfois choisir la forme de vos ombres ou de vos reflets, mais vous pouvez également les concevoir. Vous pouvez volontairement choisir d'augmenter ou de diminuer le contraste, ou vous pouvez même supprimer le surlignage si cela fait trop ressortir le mauvais côté des portraits. Vous pouvez essentiellement interpréter l'image de référence à votre façon, et c'est certainement ma partie préférée de tout ce processus. Voici la miniature finale. Ce n'est rien de trop joli, mais ça remplit sa fonction. Je me suis familiarisée avec la forme de ce portrait et je comprends maintenant mieux comment les tons clairs, les moyens et les tons les plus foncés se répartissent ici Cela me sera très utile lorsque je peins mon portrait à l' aquarelle. Dans la leçon suivante, nous allons créer une esquisse pour le projet de classe. Je vais vous montrer comment j'aborde ce dessin, comment procéder, que vous décidiez d' esquisser directement sur un papier aquarelle ou d'y transférer votre croquis. Je te verrai là-bas. 12. Créer et transférer votre croquis: Dans cette leçon, nous allons créer une esquisse pour notre projet de classe. Allons-y. Pour le projet de classe, j'utiliserai une feuille de papier aquarelle gratuite pour étudiants Je vais donc l' arracher du bloc avant de commencer à dessiner. Vous pouvez également utiliser un carnet de croquis à l'aquarelle de tout type pour votre projet de classe et études de peinture comme celle-ci. Je dessine directement sur du papier aquarelle et je le fais généralement en deux étapes Je vais donc vous montrer le processus. Mais vous avez également quelques autres options. Si vous n'êtes pas sûr et que vous ne voulez pas endommager votre papier pour aquarelle en en effaçant trop de choses, vous pouvez vous procurer un papier à copier et y dessiner, ce qui vous permettra de faire des retouches importantes. À la fin de cette leçon, je vais vous montrer deux manières de transférer cette esquisse sur votre papier aquarelle. Je commence à bloquer des formes, technique que j'ai expliquée plus en détail dans la leçon 7. Mais lorsque je dessine sur du papier aquarelle, je garde à l'esprit que sa structure est un peu plus délicate et que j' utilise des lignes très claires J'essaie donc de ne pas trop appuyer sur mon crayon et je préfère ne pas l' aiguiser pour cette partie. Je bloque les fonctionnalités à peu près de la même manière que lorsque je dessine rapidement. Je les représente d'abord avec de simples ovales et triangles, puis j'essaie de les façonner un peu plus précisément uniquement lorsque je suis sûr qu'ils se trouvent au bon endroit. Dans le cadre de ma pratique du dessin, j'utilise des haies pour m'aider à voir les ombres et la lumière. Ici, je ne fais aucune couverture, ce qui complique un peu les qui complique un peu choses. C'est pourquoi je recommande vivement faire d'abord le croquis sur du papier à copier , où vous pouvez hachurer et créer du contraste pour vous assurer d'avoir vous assurer d'avoir les bonnes proportions , puis tracer le trait sur votre papier aquarelle. C'est ici que commence la deuxième phase du dessin. J'ai maintenant une esquisse préliminaire proportions assez fines et je peux donc utiliser une gomme malaxée pour éclaircir cette esquisse. La gomme malaxée n'enlève pas vraiment tout le graphite. Cela l'éclaircit simplement pour que vous puissiez affiner vos lignes tout en vous permettant de les voir. Il est incroyablement doux pour le papier aquarelle , c'est donc un incontournable pour votre poignet. C'est essentiellement à cela que ressemble mon processus d' affinage du travail à la chaîne. C'est lent mais régulier. Je n'essaie pas de penser rationnellement et d'essayer de rendre mes lignes complètes. Ce dessin au trait me servira de guide lorsque je peins, c'est pourquoi j'ai besoin de le voir. Mais dans de nombreux domaines de l'œuvre, je ne veux pas que le graphite soit trop visible et je ne veux surtout pas tracer des lignes là où une silhouette importante est censée se trouver. Alors, pendant que vous travaillez au trait, prenez votre temps. Rendez vos lignes élégantes et précises si possible. Comme vous vous basez sur l'esquisse préliminaire, il s'agit d'une phase assez relaxante. Je veux vous montrer comment transférer votre croquis sur du papier aquarelle. Si vous l'avez fait sur une feuille de papier séparée ou si vous utilisez mon dessin au trait, téléchargez-le à partir des ressources ci-dessous. La première option consiste à utiliser table lumineuse ou un panneau de plomb quelconque. L'idée est simple, placez votre croquis dessus, du papier aquarelle dessus et tracez les lignes avec soin. Je dois généralement ajuster les lignes après avoir tracé l'esquisse pour m' assurer que tout est beau. De même, si vous n'avez pas de panneau en plomb, vous pouvez utiliser la fenêtre pendant la journée ou placer une lampe sur une table en verre pour obtenir le même résultat. Il existe une autre méthode. Vous pouvez retourner l' esquisse et recouvrir l'autre face de graphite. Votre crayon HB fera très bien l'affaire. Maintenant, prenez un papier aquarelle, placez votre croquis dessus et passez simplement revue les lignes tout en appliquant une pression. De cette façon, votre esquisse se transfère facilement sur le papier aquarelle et vous pouvez également ajuster le trait avant de peindre. Et voilà, quelle que soit la méthode que vous choisissez, vous avez maintenant une ligne où le dégradé est inscrit sur votre papier aquarelle. Dans la leçon suivante, nous allons commencer à développer notre peinture en appliquant une première couche d'aquarelle. Allons-y 13. Peindre 1ère couche: Dans cette leçon, nous allons commencer à peindre notre projet de classe en appliquant le tout premier lavis à l'aquarelle. Avant de commencer à appliquer de l' aquarelle à votre croquis, n'oubliez jamais de le coller sur un tableau avec du ruban adhésif. Assurez-vous que le ruban le maintient en place afin d' éviter que le papier ne se déforme. J'utilise un vaporisateur pour raviver ma peinture. C'est un moyen rapide de préparer cette piscine aquatique. Je teste toujours l'intensité de la peinture sur une feuille de papier de rechange pour éviter les surprises. L'ensemble de la technique fonctionne exactement comme lorsque nous faisions de l'ombre sur la sphère. Nous allons travailler de la lumière à la nuit. Le but du premier lavage est d'établir les reflets afin que le lavage ne soit pas trop foncé. Je vais à nouveau utiliser une boîte pour créer de l'inclinaison car je veux que cette première couche de peinture soit assez lisse. Assurez-vous que votre peinture est vraiment aqueuse et qu'elle ne crée pas de stries lorsque vous peignez. Je commence par appliquer de la peinture sur le dessus parce que je veux que l' arrière-plan de la diapositive apparaisse également. Les seuls espaces que j'ai l' intention de garder complètement clairs sont les zones surlignées que nous avons définies dans notre vignette. Gardez votre miniature et votre référence à portée de main, et si cela vous aide, vous pouvez même esquisser légèrement les zones surlignées sur votre papier aquarelle. Lorsque j'applique de la peinture de haut en bas sur l' ensemble de la peinture, je laisse de côté les zones surlignées. Je vais juste les contourner avec mon pinceau au fur et à mesure. Mais cela ne fonctionne pas toujours aussi bien pour moi. Parfois, je cache accidentellement quelque chose sous la peinture et ce n'est pas grave, car si cela se produit, vous pouvez simplement utiliser la technique de levage plus tard pour exposer un peu de blanc sur le dos du papier. Ce n'est pas grave de faire des erreurs. Au début, cela demande un peu de pratique, et c'est pourquoi j'ai choisi le type de papier qui me permet d'apporter des corrections, mais ne vous inquiétez pas trop. s'agit en fait que d'une sous-couche et nous pouvons corriger les mésaventures dans la couche suivante. Je tiens simplement à ajouter que dans ces peintures monochromes, je ne cherche pas du tout la perfection. Comme je l'ai suggéré, vous vous entraînez à dessiner rapidement des portraits dans votre carnet de croquis. Je suis un pro des portraits rapides à l' aquarelle qui ne prennent pas trop de temps et ne sont pas trop parfaits, car s'attendre à ce qu' ils soient impeccables lorsque vous débutez vous empêche de vous exprimer. Vous pouvez laisser un peu de désordre dans votre feuille de travail. Au bas du tableau, j' y ai même laissé quelques gouttes et des effets aléatoires, de la magie de l'aquarelle. À mon avis, cela donne une interprétation beaucoup plus intéressante d'un portrait. Dans la leçon suivante, nous allons ajouter notre deuxième couche d'aquarelle. Nous allons nous plonger dans les ombres et pratiquer un peu plus la technique du mélange. Je t'y rejoindrai. 14. 2ème couche - Ombres approfondies: Dans cette leçon, nous allons ajouter des ombres plus profondes à notre peinture de portrait. Nous nous entraînerons à appliquer de la peinture et à estomper les bords. Allons-y. Avant d'appliquer la deuxième couche, assurez-vous que votre lavage précédent est totalement sec sur votre papier plat. Je prépare ma peinture sur l'assiette en porcelaine en y ajoutant l'eau, créant ainsi une piscine. Cette fois, c'est un peu plus saturé qu'avant. Je veux vraiment assombrir certaines parties de manière plus efficace, ce qui signifie que je ne veux pas peindre plus de trois couches au total. Je vais commencer par appliquer la peinture sur les cheveux car il s' agit d'une zone assez grande qui va être sombre. Ensuite, recherchez des zones d'ombre sur le visage. Utilisez votre miniature pour vous guider. Nous avons déjà déterminé où se situeront ces zones d'ombre sur le visage. En gros, recherchez toutes les zones qui doivent être un peu plus foncées que lors du premier lavage de peinture et appliquez-y une nouvelle peinture. Ici, nous devons également déterminer si le bord de la zone d'ombre est lisse ou net. Vous pouvez suivre mon exemple pendant que je peins et prendre des décisions concernant chaque ombre. ombre sur le cou, par exemple, il n'est pas nécessaire de la mélanger. Celui-ci a un bord dur , d'autres ombres sur le visage et un bord doux Vous devrez donc estomper ces bords avec votre pinceau. Lorsque vous créez ces mélanges, l'erreur la plus courante est de trop frotter votre pinceau et de le faire passer sur le papier. Cela peut casser le papier et produire une texture étrange. Soyez doux et utilisez toujours des pinceaux doux pour cette technique. Une autre erreur consiste à maculer toute la peinture nouvellement placée. Si vous faites cela, vous n'assombrirez rien car vous soulevez et tachez toute la peinture. Vous voulez seulement adoucir le bord de la nouvelle peinture. N'allez pas plus loin que cela avec votre pinceau. Je ne fais que suivre ma référence et ma miniature, et j'ajoute patiemment de la peinture , puis je la mélange si nécessaire. Ce processus peut être très enrichissant, mais vous aurez également besoin de toute votre concentration et d'un peu de temps pour cela. Comme vous pouvez le constater, l'application toutes ces petites ombres prend du temps. Certaines ombres ne sont pas aussi évidentes que d'autres, comme celles autour de sa joue qui deviennent un peu délicates. Vous ne pouvez pas appliquer de peinture foncée ici Je n'ajoute donc que des lavages très légers et les mélange à la couche précédemment peinte. L'approfondissement du ton sur les joues et sur toutes les zones de son visage claires doit être fait avec soin et légèreté, tout en ajoutant plus de pigment et de netteté aux ombres manifestement plus foncées autour de ses yeux, lèvres et de son cou. J'ai décidé d'ajouter quelques traits pour définir les vêtements qu'elle portait sur son épaule, mais je ne suis pas sûre que c'était la meilleure décision car parfois, en prêtant trop d'attention et en plaçant trop de détails sur des zones éloignées du visage , le spectateur regarde ces endroits et non le visage que nous voulions évidemment. Mais avec chaque peinture comme celle-ci, nous apprenons quelque chose de nouveau et observation du résultat fait partie du processus. Lorsque vous travaillez sur votre deuxième couche, vous devriez constater un changement évident dans la profondeur de votre portrait. Voici la deuxième couche terminée. Maintenant, je le laisse sécher à nouveau jusqu'à ce que le papier soit complètement aplati. Dans la leçon suivante, nous terminerons la peinture de notre projet de classe en ajoutant les détails les plus foncés et quelques décorations. J'ai hâte de terminer ce tableau avec toi. Nous sommes très proches. 15. 3ème couche - Darks et détails: Dans cette leçon, nous terminerons notre projet de classe en ajoutant les zones les plus foncées, détails et quelques décorations à notre étude d'aquarelle. Allons-y abord, je vais m'assurer que la couche précédente est complètement sèche, mais vous savez déjà que c'est toujours important lorsque nous ajoutons une nouvelle couche. Je vais travailler avec des couleurs plus foncées, donc je vais faire beaucoup plus de peinture à l'eau qu'auparavant. Mais lorsque vous travaillez à l'aquarelle, votre peinture ne peut jamais être trop épaisse, alors assurez-vous qu'elle reste fluide et un peu transparente. Je fais ressortir à nouveau l' image de référence afin que vous puissiez mieux voir comment je juge où placer cette couche. J'ai décidé de commencer par la partie la plus évidente, à savoir les cheveux, car il s'agit essentiellement d'une masse noire géante qui n' a pas de forme complexe. Je ne laisse que quelques zones surlignées sur les cheveux, car nous les avons déjà définies sur notre vignette. Ici, j'essaie de rendre ces reflets un peu plus naturels en adoucissant certains bords afin qu' ils apparaissent plus aléatoires et ne forment pas de si grandes formes. Je dessine des poils fluides autour du visage. Mais si vous le souhaitez, vous pouvez laisser cette étape jusqu'à la fin. Ces poils flottants peuvent sembler intimidants, mais avec un pinceau fin, c'est vraiment facile à faire. J'ai remarqué que cela fonctionne mieux lorsque vous chargez votre pinceau avec suffisamment de peinture aqueuse. Il n'est pas nécessaire qu'il soit foncé et qu'il dessine lentement, un segment à la fois, vous n'avez pas à dessiner tous les cheveux dans le même but. La deuxième zone sombre évidente et plus grande est l'ombre projetée sur le cou et je vais donc droit au but. Ici, j'essaie d' atténuer la transition entre l'ombre foncée et le visage De plus, un côté de l' ombre semble contenir une plus grande partie de cette lumière réfléchie J'essaie donc d' éclaircir cette zone ici. Je suis en train d'assombrir les ombres sur son cou et certaines ombres sur son visage également. Cela était censé être terminé dans la couche précédente, mais le processus de séchage a montré que le ton n'était toujours pas suffisant et que le visage semblait encore un peu plat. Vous pouvez toujours modifier la peinture de cette manière et continuer à ajouter des couches pour approfondir ombres à tout moment, sauf si détails nets se trouvent sur la zone que vous souhaitez modifier. C'est pourquoi j'ai vraiment essayé de résoudre l'approfondissement final des ombres les plus grandes avant de peindre des détails plus précis avec le petit pinceau. Ici, j' ajoute continuellement de petites nuances, principalement au nez et aux yeux, mais j'en aurai fini dans une minute environ lorsque je serai satisfaite du ton que j'ai obtenu. J'adore ajouter des éclaboussures à mes portraits. J'ai seulement pour règle d'ajouter de la peinture très claire au fur et à mesure que j'éclabousse. jamais trop sombre, parfois c'est juste l'eau du grand pot qui contient un peu de pigment. Voici quelques touches finales. Ajouter des cils et des sourcils à l'aide d' un petit pinceau tout en utilisant de la peinture très foncée, c'est presque comme les dessiner avec un crayon. Cela vous permet d'affiner les lignes que vous souhaitez sur votre portrait et d'obtenir un aspect un peu plus défini. La dernière étape de ce processus de coloration à l' aquarelle consiste à peaufiner la peinture jusqu'à ce que vous soyez satisfait. Il s'agit d'une vérification constante depuis la référence à votre peinture et vice versa. J'ai déjà expliqué dans l'une des leçons précédentes que nos références ne peuvent pas être prises trop littéralement et que je n'en fais jamais une loi, mais plutôt un conseiller. Lorsque je suis perdue et que je ne sais pas pourquoi mon tableau ne reflète pas tout à fait l'esprit de la photo, je peux chercher des réponses dans la référence. Parfois, je découvrais que j'avais déjà créé le contraste ou que j'avais oublié une ombre importante quelque part. Mais souvent, c'est l' inverse. À un moment donné, je dois mettre la référence de côté et penser uniquement à ce que la peinture doit avoir l' air que je veux. Soyez donc attentif lorsque vous prenez des décisions au cours des dernières étapes de votre processus de peinture. Lorsque vous décidez que vous avez terminé, vous pouvez sécher votre peinture, puis retirer doucement le ruban adhésif pour révéler le résultat final. Cela a été un voyage incroyable de vous voir peindre à mes côtés tout au long de cette et de toutes les leçons précédentes. J'espère vraiment que vous tomberez amoureux des portraits à l'aquarelle, comme je l'ai fait, et que je pourrai bientôt voir vos projets de classe dans la galerie de projets. 16. Réflexions finales: Je tiens à vous remercier infiniment d' avoir suivi ce cours . J'espère vraiment que vous l'avez trouvé utile et que vous avez peut-être même ouvert un nouveau chapitre de vos efforts créatifs. Ce n'est pas la fin, mais le début, car il y a encore beaucoup à apprendre sur le dessin et la peinture de portraits. Pour vraiment mettre en valeur vos compétences nouvellement acquises et vous aider à parcourir ce chemin, j'ajoute des leçons bonus au cours desquelles nous allons peindre différents portraits ensemble du début à la fin. Ce n'est qu'en pratiquant différents scénarios, différents angles et en utilisant différentes références que nous pouvons acquérir une certaine expérience avec le sujet et le médium de l' aquarelle. J'ajouterai de temps en temps de nouvelles leçons bonus à ce cours. N'oubliez donc pas de venir le mois prochain et peut-être de vous joindre à moi pour créer une nouvelle démo. Si vous avez des questions auxquelles vous n' avez pas trouvé de réponse, hésitez pas à utiliser l'onglet Discussions ci-dessous. L'onglet des objets intitulé Projets et ressources vous permet télécharger vos projets de classe ainsi vos exercices de dessin, vos croquis. J'aime toujours te voir progresser. Profitez de cette opportunité et partagez votre travail avec nous. Vous pouvez également me taguer sur Instagram si vous le souhaitez. Je peux ensuite partager votre travail avec l'ensemble de mon public. Si vous me suivez ici sur Skillshare, vous serez informé mes nouveaux cours et des discussions que je publie. J'ai également une chaîne YouTube où je partage temps en temps des vlogs de studio et des vidéos plus courtes sur le sujet de la peinture de portraits à l'aquarelle. Ce n'est pas un au revoir car je vous verrai dans les leçons bonus. 17. Leçon bonus n. 1 - miniature et croquis: Merci de vous joindre à moi pour des leçons supplémentaires pour ce cours. Je souhaite continuer à ajouter des leçons supplémentaires pour vous fournir plus d'exemples de différents portraits peints à l'aquarelle car chaque portrait doit être abordé différemment. Vous pouvez utiliser ces leçons pour vous entraîner et elles vous aideront à comprendre comment utiliser le processus appris en classe dans différents scénarios. Dans la première leçon bonus, nous allons peindre le portrait d' une jeune fille vue de face. Ce sera un peu plus difficile que le projet de classe Profile View. Dans cette leçon, nous allons préparer une miniature au crayon pour cartographier les valeurs du portrait et nous allons également préparer une esquisse pour le peindre. Allons-y. Je commence à dessiner une miniature sur une petite feuille de papier à photocopier. Pour rappel, le but de la miniature est de cartographier tous les tons moyens, les tons clairs valeurs sombres, et de vous familiariser avec l' esquisse de ce portrait. Tout cela nous aidera à mieux peindre le portrait et à planifier notre approche de l'aquarelle. J'essaie de bloquer toute la silhouette du visage avec des cheveux en utilisant l'approche des formes et en remarquant chaque ligne droite le long la silhouette pour m'aider à la positionner sur la page. J'essaie de trouver la ligne des sourcils, la ligne du nez, puis la bouche. Cela m'aide beaucoup de représenter les caractéristiques avec ces petits ovales et ces cercles car je peux les placer rapidement et essayer comparer leur position sur mon croquis avec la référence. Ce n'est que lorsque je pense qu'ils sont au bon endroit je les façonne un peu plus et que je leur ajoute du ton. Cela me fait gagner beaucoup de temps. Parfois, lorsque vous commencez par des détails, comme l'œil, par exemple, et que vous les dessinez bien. Ensuite, lorsque vous découvrez que vous devez le déplacer, vous préférez le garder au mauvais endroit plutôt que de perdre tout ce travail en l'effaçant. C'est pourquoi je n'aime pas perdre mon temps avec des détails. Lorsque je dessine, les proportions et le ton sont ma priorité ici avec ces vignettes. Le ton peut également vous aider en ce qui concerne les proportions, c'est pourquoi je commence par quelques hachures assez tôt dans le processus d' esquisse. Ce visage est si lisse et parfait, uniformément éclairé par une lumière plus douce, qu'il est donc assez difficile de le dessiner. Le principal défi des portraits à vue frontale est de faire en sorte que la symétrie fonctionne ligne directrice centrale peut vous aider à diviser le visage de manière uniforme et à assurer que le nez et la bouche sont également équilibrés dans la maison. Je suis finalement arrivée à une certaine ressemblance avec la photo, suffisamment de ce dont j'avais besoin pour la miniature, et je commence à définir les zones qui seront très sombres. Les cheveux sont la principale masse noire Je vais donc faire hachures plus fortes pour y réfléchir sur mon ongle. Une autre zone claire et sombre est l'ombre sur son cou. Il existe également des zones plus claires dans les cheveux. Pas très visibles depuis mon appareil photo, mais lorsque vous téléchargerez la référence de ce portrait, vous les verrez. Ils sont plus petits, mais je veux les inclure dans mon portrait Je vais donc le souligner sur ma vignette. Je pense que ces zones plus larges au milieu de la masse très foncée des cheveux aideront à donner du volume aux cheveux. Analysons un peu la référence de la photo pour savoir comment les valeurs tonales sont distribuées. N'oubliez pas que nous allons essayer de simplifier les valeurs notre esquisse afin de savoir où nous voulons voir apparaître les tons clairs, les tons moyens et les tons les plus foncés. Les plus évidents sont les ténèbres. Ce sont les cheveux, la grande ombre sur son cou, et puis il y a des taches de petites zones très sombres autour des traits du visage, tels que les yeux, le nez et la bouche. Les points saillants sont moins évidents. Nous devrons décider si nous choisissons de n'inclure que les plus petits reflets, tels que les reflets sur les yeux, le nez et la bouche, ou si nous voulons sélectionner zones claires plus grandes comme reflets pour donner plus de contraste au visage. J'ai opté pour l'autre option et tracé de plus grandes zones sur les joues, le front et le menton pour essayer de les réserver sous forme de zones blanches. Je pense que cela contribue à donner au visage plus de plasticité au final. Comme pour les tons moyens, nous allons relier les parties les plus claires aux plus sombres. Cela nous aidera à donner une forme aux traits, à montrer un peu plus leur plasticité et un peu plus leur plasticité à donner au visage un aspect rond. N'oubliez pas que ce processus demande beaucoup de planification, mais vous saurez alors exactement où placer peinture pendant le processus de peinture proprement dit. Il est donc rentable de faire une telle analyse à long terme. Je vais maintenant dessiner sur ma vignette tout ce que j'ai remarqué dans le portrait . Voici la carte des valeurs finale, et je la garderai à portée de main lorsque je peins, avec ma photo de référence. Créons une esquisse maintenant. Je dessine directement sur mon papier aquarelle mais n' hésitez pas à utiliser un papier de copie et à transférer votre croquis plus tard du papier aquarelle si vous avez l' impression d'en effacer beaucoup. J'efface aussi beaucoup de choses. Mais pour ces études monochromes, peu importe que le crayon ou la gomme laissent des traces, car nous n'utilisons que trois couches Le papier se débrouille donc généralement bien. Mais j'utilise des gommes très douces, et vous les avez mises en lien ci-dessous dans les documents PDF au cas où vous ne l'auriez pas remarqué. Pour dessiner l' esquisse, j'utilise à peu près la même approche que pour la miniature, en particulier dans les premières étapes du processus de dessin, mais plus tard, j'essaierai d'être plus précis et d'ajouter plus de détails une fois que je serai convaincue d'avoir toutes les caractéristiques au bon endroit. Il existe une autre différence entre dessiner dans votre carnet de croquis ou créer des vignettes par des croquis de ce type pour préparer le processus de peinture. C'est que tu ne peux pas utiliser le ton, ce qui rend les choses plus difficiles. Je fais rarement des éclosions sur du papier aquarelle parce que j'ai remarqué que le hachurage ou le mélange du graphite ne sont pas très beaux sous l' aquarelle. Cela donne à la peinture un aspect boueux et enlève la transparence des aquarelles Je vais donc devoir m'en passer. Si vous dessinez sur un papier à copier distinct, l'avantage est que vous pouvez utiliser hachures pour vous aider à déterminer les proportions. Comme vous pouvez le constater, le portrait est toujours très approximatif alors que j' essaie de tout positionner. J'ai encore toutes les directives ici, mais je vais bientôt parcourir cette esquisse préliminaire avec la gomme malaxée. Dans la deuxième phase du processus d'esquisse, j'essaierai de peaufiner les caractéristiques, les détails et de rendre toutes les lignes plus nettes et plus nettes. Ce portrait était un peu plus difficile à dessiner, et il m'a fallu un certain temps pour en arriver au stade où j'étais satisfaite des contours. Les corrections étaient assez lourdes et fréquentes. À un moment donné, j'ai eu peur ne pas avoir déjà trop travaillé sur le papier, mais au final, tout s'est bien passé. Parfois, lorsque je ne sais pas si les proportions sont correctes, je prends simplement une photo du croquis avec mon téléphone portable , puis je passe rapidement de la photo à la référence sur mon téléphone. Cela m'aide à repérer les erreurs , car plus vous examinez votre dessin, plus il est difficile de remarquer les différences. Nous manquons tous d'un point de vue neuf. Cela peut également vous aider à mettre le dessin de côté, à le regarder le lendemain matin et à y apporter des corrections, car cela vous donne également une nouvelle vue. Nous avons ici un croquis plus ou moins prêt pour le processus de peinture. Vous pouvez le télécharger pour le visualiser ou l'utiliser pour vos aquarelles. Il est inclus dans les ressources ci-dessous. Dans la prochaine leçon, nous allons peindre ce portrait à l' aquarelle. Allons-y 18. Leçon de bonus n. 1 - Peinture à l'aquarelle: Dans cette leçon, nous allons peindre ce portrait à l'aquarelle en trois couches. Si vous n'avez pas créé votre propre croquis en utilisant la leçon précédente comme guide, vous pouvez télécharger mon croquis à partir des ressources ci-dessous, le tracer sur votre papier aquarelle et commencer à travailler sur ce portrait. Vous pouvez également télécharger ma miniature, mais je vous encourage vivement à en créer une de votre propre main, car cela vous aidera à développer la peinture à l' aquarelle couche par couche. Allons-y. Examinons nouveau la référence et la miniature avant d'appliquer la première couche pour nous assurer savoir quelles zones laisser en surbrillance. Nous avons cartographié certaines zones plus grandes comme points saillants, mais nous devons également rechercher les zones plus petites lors du premier lavage. J'incline ma planche et c'est comme ça presque chaque fois que je peins ma première couche, car je veux que cette fine couche de peinture soit assez lisse et qu'elle ne présente pas trop d' irrégularités si possible. Cette fois, je ne peins pas un fond qui restera blanc et nous le décorerons peut-être avec quelques éclaboussures plus tard. J'essaie soigneusement d'appliquer mon premier lavage sans appliquer de peinture sur les zones surlignées. Vous savez que des accidents se produisent, alors ne paniquez pas lorsque vous passez accidentellement en revue certains d'entre eux. Vous pouvez simplement utiliser la technique de levage pour vous débarrasser de la peinture avant que le lavage ne sèche ou avec un papier comme le mien, vous pouvez enlever les pigments même lorsqu'il est sec. Si vous n'êtes pas sûr de pouvoir les modifier librement, vous pouvez dessiner très légèrement ces formes surlignées sur votre esquisse , ce qui vous aidera à mieux les éviter, mais vous risquez d'avoir des bords étranges si votre marque est trop foncée, alors faites attention. Tu vas t'y habituer. Ne t'inquiètes pas. J'aime ajouter un élément expressif à ces portraits et c'est là que j'utilise aquarelle pour qu'elle fasse sa magie, mais ces zones remplies d'effets ne peuvent pas se trouver sur le visage, mais derrière. Parfois, cela peut affecter les cheveux. Pour ce portrait, j'ai donc opté pour de la peinture qui coule sous le portrait et des sprangers sur les côtés. Pour un spranger comme celui-ci sur la droite, laissez une plus grande quantité de peinture sur papier, puis soufflez dessus. C'est très amusant. Encore quelques corrections et retouches, et nous laisserons ces deux choses complètement sèches. C'est toujours la deuxième couche qui me prend le plus de temps. C'est celui où nous nous attachons à donner progressivement de la profondeur à notre portrait. Utilisez toujours votre miniature comme référence pour vous guider. J'apporte donc la référence ici également, J'apporte donc la référence ici car c'est une meilleure source d' information pour moi lorsque je peins les tons moyens. J'essaie d' ajouter progressivement plus de peinture aux zones qui contiennent des tons foncés et moyens. zones sombres, comme les cheveux, deviendront évidemment encore plus foncées dans la couche suivante, mais j'y ajoute tout de même ces couches intermédiaires, car cela permet de relier les tons moyens aux tons foncés, ce qui rend la transition plus fluide. Peindre la silhouette des cheveux et les cordes à cheveux est assez facile. est plus délicat, ce sont les petites ombres autour des yeux, du nez et de la bouche qui doivent également être bloquées avec cette peinture, lorsque vous les ajoutez au portrait et que vous en estompez les bords. Cela crée lentement de la profondeur autour d'eux. Ce portrait en particulier a nécessité un peu plus de ces ajouts, reliures et retouches que ce que j'ai l' habitude d'inclure dans mes études monochromes. Je pense que c'était cause de l'apparence de la référence. C'est très fluide, ce qui m'a peut-être empêchée essayer d'être plus précise et d' essayer d'être plus précise et prudente que nécessaire. Au bout d'un moment, je me suis concentrée sur l'observation la référence, puis la comparaison avec mon portrait , puis sur la détection de chaque erreur et la correction. C'est généralement ainsi que je procède lorsque je travaille sur des œuvres à plus grande échelle qui impliquent plus de couches. C'est essentiellement ainsi que vous pouvez obtenir un aspect encore plus réaliste si vous le souhaitez, mais ce n'est pas vraiment nécessaire pour des croquis comme celui-ci. Je le mentionne simplement parce que je veux que vous remarquiez que dans cette démo, je suis allée un peu trop loin avec le nombre de retouches et que vous pouvez donc être un peu plus lâche si vous le souhaitez. Ajoutons la peinture la plus foncée à notre portrait et c' est la dernière couche Je voudrais donc accentuer ces tons foncés, ajouter plus de pigment à votre pinceau, mais mélangez-le toujours avec suffisamment d'eau, car avec aquarelle, la peinture doit rester fluide, même lorsque vous travaillez avec des valeurs plus sombres. Je bloque la forme foncée des cheveux et laisse derrière moi certaines de ces zones plus claires. Nous en avons parlé dans la leçon précédente lors du développement de la miniature. Ce ne sont pas de grandes surfaces mais elles nous aident à donner plus de volume à la coiffure. Ici, j'essaie de donner une autre forme aux sourcils et aux parties foncées de la bouche, mais j'utilise toujours ma brosse à ongles de taille moyenne. Mais très bientôt, je vais devoir passer au pinceau le plus petit car ces parties des portraits sont trop délicates et toutes les zones sombres qui restent à ajouter sont très petites Nous devrons donc être plus prudents. Il y a encore de nombreuses zones que mon ton moyen de la couche précédente n'assombrissait pas assez. Je les juge simplement en regardant constamment la référence et en la comparant à mon portrait. C'est une bonne chose que vous puissiez toujours ajouter du ton au papier aquarelle jusqu'à ce que vous le surmeniez. Faites regardant constamment la référence et en la comparant à mon portrait. C'est une bonne chose que vous puissiez toujours ajouter du ton au papier aquarelle jusqu'à ce que vous le surmeniez donc attention, mais il est possible de continuer à régler la tonalité jusqu'à ce que vous soyez convaincu qu'il est à la bonne valeur. Outre le ton, nous devons prendre soin des bords. Nous avons appris à estomper les bords dans leçon 9 de ce cours et j'utilise constamment cette technique chaque fois que je dois mélanger une zone fraîchement peinte avec le reste du portrait. Certaines zones sont cependant liées au ton et vous n'avez donc pas à les peindre toujours séparément, comme par exemple le cou et les cheveux. Ils ont un ton à peu près similaire, et vous pouvez donc les peindre en une seule fois, mais si vous voulez faire distinction entre les cheveux et le cou, vous devez peindre les cheveux plus foncés dans la couche suivante. Cela créera un bord dur entre le cou et les cheveux. J'utilise souvent des techniques de levage pour éclaircir certaines zones ou pour créer des mélanges encore plus doux si cela ne fonctionne pas tout à fait au premier objectif. Assurez-vous simplement de ne pas vous fier ces couleurs trop assorties, car cela peut donner la peinture un aspect surchargé de travail et aquarelle est toujours plus belle lorsque vous déposez votre peinture avec soin et l' aquarelle est toujours plus belle lorsque vous déposez votre peinture avec soin et que vous laissez même des bords durs à différentes zones. Mais cela demande de la pratique et, que vous laissez même des bords durs à différentes zones. Mais cela demande de la pratique lorsque vous débutez, le fait de soulever et d'adoucir avec votre pinceau humide vous aidera avez un meilleur contrôle sur ces milieux aqueux délicats. Enfin, lorsque vous aurez l' impression d'avoir atteint suffisamment de profondeur avec vos tons moyens et foncés les plus foncés, vous pouvez commencer à ajouter des poils flottants et des décorations. C'est ma partie préférée du processus. Cela fait vraiment ressortir le portrait. Si vous prêtez attention à cette dernière partie, vous pouvez ajouter un peu plus de texture aux sourcils en dessinant certains poils individuels au-dessus de la zone la plus foncée des sourcils. Ensuite, faites attention aux détails sombres des yeux, tels que l' iris qui est très foncé et cils. Ces cils sont délicats, mais vous n'avez pas à les dessiner un par un, considérez-les plutôt comme une ligne un peu plus fendue sur le bord extérieur de l'œil. Vous ne pouvez pas très bien observer les cils individuels sur un portrait vu de loin Essayez donc toujours de simplifier les détails en conséquence. Si une partie du processus de peinture est à peu près la même que celle du dessin, c'est bien cette partie détaillée. Vous dessinez simplement avec un petit pinceau et de la peinture foncée dessus, comme s'il s'agissait d'un crayon, ajoutant des détails plus nets d'un crayon, ajoutant des détails plus nets à ce que vous venez de peindre. Je vais ajouter quelques cheveux flottants et quelques sprangers pour finaliser la partie aquarelle et je vais laisser le portrait sécher complètement, et voici une petite astuce pour le rendre un peu plus éclatant. Il s'agit d'utiliser de la peinture blanche opaque pour ajouter des reflets nets. Voici de la gouache blanche que j'ai dans mon studio et je vais l' ajouter à mon petit pinceau et peindre les reflets que j'ai perdus tout au long du processus. L'objectif de l'aquarelle est de ne pas perdre les reflets. Si vous connaissez le fluide de masquage, cela peut également être une bonne alternative à la gouache blanche, mais si vous voulez voir à quoi ressemblerait votre étude si vous aviez obtenu des blancs plus nets, voici une option pour y parvenir. Nous pouvons maintenant retirer le masking tape pour révéler le portrait final. Merci beaucoup de m'avoir rejoint pour ce processus de bonus, et à bientôt pour une autre leçon bonus.