Inside de Model Shoot

1. CHAPITRE 1 Introduction: Salut les gars, je m' appelle Frank Dorov et bienvenue sur cette vidéo Maintenant, cette vidéo est probablement légèrement différente de ce à quoi vous êtes habitué. Dans cette vidéo, je vais vous montrer certaines de mes images et comment nous les avons créées. Nous avons pris des vidéos pendant les séances photos. En d'autres termes, ce sont des photos que nous avons littéralement prises lors d'ateliers ou de séances photos. Et, bien sûr, nous avons également quelques vidéos pour expliquer les configurations d'éclairage Mais surtout, il s'agira d' une vidéo sur le flux de travail et sur la façon dont vous pouvez réussir à obtenir superbes images sans y consacrer trop d'efforts ou de budget. N'est-ce pas ce que nous voulons tous ? Alors profitez bien de la vidéo. Et si vous avez des questions, vous pouvez toujours nous contacter et nous poser vos questions. Commençons. 2. CHAPITRE 2 Équipement: Maintenant, avant de passer aux séances photos, il y a une chose que je dois clarifier, et c'est l'une des choses qui revient toujours lorsque je donne des ateliers ou lorsque je publie des images en ligne. Et c'est une question d'équipement. Maintenant, nous savons tous que cet équipement est génial, non ? Il existe une expression appelée devinette, syndrome d'acquisition de matériel. Mais ce n'est pas vraiment un problème à moins que vous ne soyez marié et que votre femme ne découvre ce que tout coûte, bien sûr. Le syndrome des gaz n'est pas un réel problème, tant que vous savez pourquoi vous achetez du nouveau matériel. Si vous achetez de nouveaux équipements pour vous inspirer, c'est génial. C'est ce que j'ai avec les guitares vintage et les BAM à tubes. Mais si vous achetez du matériel parce que vous dissimulez des choses que vous ne pouvez pas faire ou que vous pensez ne pas pouvoir faire, c'est là que vous avez un problème. C'est pourquoi, avant d' entrer en studio, je tiens à clarifier une chose. Bien entendu, je photographie avec le Sony A seven R five et un excellent objectif G Master. Donc oui, mon équipement est excellent. Mais je peux aussi prendre exactement les mêmes photos avec mon iPhone. Et en termes de traits, bien sûr, vous pouvez utiliser la couleur bronze. Vous pouvez utiliser Pro Photo. Vous pouvez utiliser Ellen Grom ou Hansel. Une grande marque. Mais ces deux dernières années, j'ai photographié avec Gekoto et c'est en fait une marque beaucoup plus abordable Et en toute honnêteté, mes images n'ont pas empiré. Si je suis passé à une strop hybride, c'est pour une raison très simple Nous faisons beaucoup de photos sur place, et j'en ai eu assez de transporter du matériel très lourd et très coûteux alors que je peux aussi utiliser des sangles que je peux simplement mettre dans mon sac et prendre 400 450 photos à pleine puissance avec une seule batterie Tout tourne donc autour des chevaux pour les courses, mais la qualité de votre équipement est également, bien entendu, très importante pour sa durabilité. C'est important pour la mise en forme de votre lumière. Mais ne laissez personne vous dire que parce que vous n'utilisez pas un appareil photo très cher, vous ne pouvez pas prendre de belles photos. Vous pouvez le faire avec littéralement tout. Une ampoule, regardez ces images ou un lustre. Regardez ces images. Vous pouvez littéralement utiliser tout ce que vous voulez pour vos photos. Ne vous laissez donc pas freiner par l'équipement. Mais si vous aimez acheter de nouveaux équipements, soyez mon invité. OK, allons dans le studio. 3. CHAPITRE 3 Tethering: Bon, maintenant, bien sûr, nous allons parler de l'éclairage. Nous allons parler de la façon dont vous abordez votre modèle et un peu du style, bien sûr, car c'est l'une des choses les plus importantes. Lors d'une séance photo, vous devez vous assurer d'avoir quelque chose de cool à regarder. Mais certaines choses sont vraiment importantes dans votre flux de travail. Maintenant, dans le prochain chapitre, nous allons parler du partage de connexion. Maintenant, vous vous demandez peut-être ce qui va bien, vous savez que lorsque nous sommes passés au numérique, l'une des plus grandes améliorations a été que nous n'avons plus besoin de poloïdes Maintenant, je ne suis pas de l'époque où nous utilisions des poloïdes. Cela signifie que lorsque vous avez tourné un film, vous n'avez reçu aucun feedback. Donc tu as tourné un film. Vous aviez besoin d'un posemètre, bien sûr. Et la première chose que vous avez prise était un poloïd pour vérifier si vos images étaient correctes En toute honnêteté, un poloïd n'est pas la même chose qu'un film. Donc c'était plutôt comme si c'était presque le cas. Bien sûr, le passage au numérique a été génial, car vous pouvez désormais prendre une photo. Et à l'arrière de votre appareil photo, vous pouvez littéralement voir ce que vous faites si votre composition est correcte, si votre éclairage est correct. Et c'est en fait presque l'image que vous obtiendrez au final, bien sûr, sans vos retouches Alors, maintenant que nous voyons toutes nos images à l'arrière de notre appareil photo, avons-nous terminé ? Pas vraiment, parce que lorsque vous faites une séance photo, n'est-ce pas vraiment irritant les gens regardent constamment par-dessus votre épaule vous demandent : « Hé, à quoi ressemble cette image et que je vois l'image Oui, ça ne marche pas vraiment . Nous avons donc besoin d'un moyen transférer ces images directement de l'appareil photo sur grand écran. Et cela peut être un téléviseur, un ordinateur portable ou un iPad. C'est ce que nous appelons le partage de connexion, qui consiste à connecter notre appareil photo à un écran ou à un appareil qui affichera vos images Maintenant, ce qui est cool, c'est que dès que vous prenez cette image, elle apparaît sur ce grand écran. Il s'agit maintenant d'une amélioration considérable de votre flux de travail. Il vous indique non seulement si vous avez correctement fermé vos images, mais il montre également à votre client à quoi ressembleront les images au final. Laisse-moi revenir en arrière Vous venez de dire que les images étaient brutes quand elles sont arrivées. Oui Mais dans certains cas, comme par exemple avec Lightroom ou Capture One, vous pouvez indiquer à l'ordinateur que chaque fois qu' une image arrive, vous voulez qu'elle fonctionne correctement avec un certain préréglage Et maintenant, lorsque votre client veut voir une image en noir et blanc, vous pouvez littéralement la prendre en noir et blanc. Ainsi, votre client peut voir les images directement lorsqu'elles arrivent. Et ils peuvent aussi, bien sûr, dire : « Hé, j' aime vraiment cette image. Donnons-lui cinq étoiles. Il s'agit donc d'une amélioration considérable de votre flux de travail. Mais qu'est-ce qu'il te faut ? Eh bien, en studio, c'est assez facile. Vous pouvez utiliser votre ordinateur portable, vous pouvez utiliser une machine Windows ou un Macbook Mais sur place, cela devient un peu plus délicat, car un ordinateur portable, bien sûr, est toujours en bonne santé et vulnérable. Regardons simplement mon ordinateur portable. Nous avons un grand écran. Nous avons un clavier. Nous avons tous ces ports. Nous avons un trackpad, et nous devons nous assurer qu' il reste vraiment beau et propre, non ? Parce que s'il y a un peu de poussière sur votre clavier et que vous fermez le capot, oui, mon propre écran en est le témoin. Vous pouvez littéralement endommager votre écran s'il y a beaucoup de poussière ou de sable sur votre clavier. Maintenant, c'est quelque chose que vous ne voulez pas sur place. De plus, vous souhaitez vous déplacer très rapidement. Une solution plus moderne consiste donc à utiliser un iPad. Maintenant, dans mon cas, j' utilise l'iPad Pro 12.9. Et dans le passé, avec l'iPad, vous avez eu beaucoup de problèmes. Il était uniquement possible de filmer sans fil, et je ne suis pas un grand fan de la prise de vue sans fil. La plupart du temps, cela fonctionne, puis vous arrivez sur place, mais d'une manière ou d'une autre, cela ne fonctionne tout simplement pas ou vous êtes à un salon professionnel, et il y a beaucoup de monde avec le Wi-Fi, et l'image n'arrive pas. Donc tu n'en veux pas. De nos jours, sur iPad, nous avons plusieurs solutions. J'utilise moi-même le câble Cas, qui est un achat unique. Je crois que c'est 65 euros sur l'App Store, ou vous pouvez souscrire un abonnement. Mais vous avez aussi Capture One, qui est un abonnement, ce qui n'est pas mon activité préférée. Donc, mon conseil personnel est d'utiliser le câble Cas. Maintenant, le plus grand changement pour moi, c'est lorsque l'iPad a commencé à prendre en charge le partage de connexion filaire. Encore une fois, je ne suis pas fan du sans-fil. Je veux qu'il soit câblé. Mais comment le connecter à votre appareil photo ? Eh bien, la première chose que je dois vous expliquer, c'est qu'il y a une énorme différence entre les câbles USB normaux et les câbles dédiés au partage de connexion Maintenant, mon choix personnel se porte sur les fils IQ, et je les ai ici sur mon appareil photo. Maintenant, le plus important est de protéger votre appareil photo. Maintenant, il y a toujours du monde qui se promène sur le plateau Vous devez donc vous assurer qu'il ne peut pas toucher le côté de votre caméra, car cela briserait votre port. Maintenant, dans ce cas, nous utilisons un connecteur ici. Nous utilisons le rabat du port ici, et nous avons un connecteur plus petit qui entre directement dans le port et qui est très bien protégé Maintenant, en ce qui concerne la partie inférieure, nous devons également nous assurer qu'elle est étanche et connectée. Dans ce cas, nous utilisons un système de slider. Il suffit de le connecter et de retirer le curseur, ce qui est très, très facile Et il vous suffit de cliquer à nouveau dessus comme ça. C'est donc une très bonne solution pour une utilisation sur place ou en studio. Mais que se passe-t-il si quelqu'un se tient debout sur votre câble ? Eh bien, c'est pourquoi nous utilisons un déverrouillage par câble. En d'autres termes, vous n'endommagez pas votre câble. longueur, dans notre studio, j'utilise 15 mètres en une seule pièce. Je ne veux aucun lien entre les deux. Et ce qui est cool avec les câbles IQ, qu'ils peuvent atteindre cinq, dix et 15 mètres. C'est donc toujours quelque chose de bien que vous pouvez intégrer à votre flux de travail. Mais comment transférer vos images sur votre iPad ? Eh bien, avec un iPad plus récent, vous disposez bien sûr déjà d'une connexion USB-C, et c'est là que vous connectez les câbles directement à l'iPad lorsque vous êtes sur place Mais en studio ou lors d'un salon professionnel, vous souhaitez également connecter un moniteur externe, et peut-être souhaitez-vous recharger votre iPad pendant que vous filmez ou que vous faites des démos Et c'est pourquoi nous utilisons ce que l'on appelle des chiens. Maintenant, c'est un chien très simple d'Anchor, n'utilise qu' un seul connecteur USBC, et maintenant j'ai deux ports USBC, un port HDMI J'ai un port réseau et un lecteur de carte, bien sûr, et quelques ports USB A. Maintenant, avec ces chiens et ces dongles, vous devez faire un peu attention lorsque vous allez en ligne sur Amazon ou AliExpress, ou partout où vous voulez l'acheter ou dans votre magasin d'appareils photo Assurez-vous d'acheter un dongo qui a la possibilité recharger votre iPad et qui possède également un Donc, en d'autres termes, deux connecteurs USB-C, l'un pour les données et l'autre pour charger votre iPad Et à mon avis, le HDMI est également très important. Maintenant, certains de ces chiens fonctionneront parfaitement. Certains de ces chiens ne le feront pas. C'est quelque chose que vous devez faire par essais et erreurs. Je passe environ trois ou quatre chiens avant trouver un qui fonctionne vraiment tout le temps, et c'est l'ancre. Et bien, votre kilométrage peut varier. Cela dépend aussi un peu votre iPad et de l' appareil photo que vous utilisez, mais testez-le et assurez-vous pouvoir le renvoyer dans les 30 jours. Sur l'ordinateur portable, d'ailleurs, tout ne pose aucun problème car vous avez déjà les ports de cet ordinateur portable. Maintenant que nous avons configuré le partage de connexion, parlons un peu de la gestion des couleurs et du calibrage 4. CHAPITRE 4 Étalonnages: OK, la dernière partie des trucs ennuyeux. Maintenant, nous avons déjà discuté du partage de connexion. Parlons un peu de la façon de bien choisir vos couleurs. Et je dois tout de suite dire une chose à ce sujet. C'est juste entre toi et moi. Cela n' enlève rien à votre créativité. Cela ne tue pas votre créativité. Et cela ne ralentit certainement pas votre flux de travail. Ce que je vais vous dire maintenant, que si vous ne le faites pas déjà, cela changera votre flux de travail pour toujours, et il sera bien meilleur. Faisons donc un petit pas de côté. Parlons de la couleur. Maintenant, je ne vais pas approfondir les couleurs, mais nous allons simplement vous donner le triangle des couleurs, comme vous pouvez le voir ici. Maintenant, nous avons le rouge, le vert et le bleu, et au milieu, nous avons ce que l'on appelle la courbe du corps noir. Maintenant, vous reconnaîtrez peut-être ce rouge, ce vert et ce bleu. Ce sont en effet les couleurs primaires. Maintenant, lorsque vous étalonnez votre moniteur, c'est la partie que vous devez vraiment faire Parlons-en un peu plus tard. Vous choisissez un point blanc, ce qui signifie qu' il y a un certain point sur cette courbe corporelle noire. Il s'agit en fait d'une petite partie de la courbe du corps noir que nous avons choisie pour être un blanc neutre. Et en toute honnêteté, ce n'est pas un blanc neutre. C'est juste un peu blanc rougeâtre. Maintenant que nous connaissons cette coordonnée, cela signifie que nous pouvons utiliser on appelle un calibrateur pour votre moniteur afin de créer un blanc neutre Maintenant, normalement, lorsque vous étalonnez votre moniteur, il passe du noir au blanc en plusieurs étapes C'est ce qu'on appelle l'échelle des gris, mais cela ne concerne que les blancs. Maintenant, qu'en est-il de la couleur ? Vous savez probablement déjà que certains espaces colorimétriques apparaissent dans Photoshop ou Lightroom ou n'importe quel autre outil de conversion RAW utilisé pour votre travail dans n'importe quel autre outil de conversion RAW utilisé pour votre travail, par exemple, SRGB, Adobe RGB et Pro Photo Eh bien, l'échelle de gris ou blanc neutre dans la plupart de ces espaces colorimétriques auront la même apparence, et c'est censé être le cas, parce que nous voulons avoir du blanc neutre. Là où cela diffère et diffère beaucoup, ce sont les coordonnées de vos couleurs, de votre rouge, de votre vert et de votre bleu. Dans votre espace colorimétrique SRGB, vous disposez d'un petit espace colorimétrique. Cela signifie que toutes vos couleurs s'intégreront parfaitement dans cet espace colorimétrique. Vous pouvez utiliser le JPEC huit bits, sans aucun problème. Désormais, dès que vous passez à Adobe RGB, espace colorimétrique est plus grand. Et maintenant, avec le JPEC huit bits, cela devient un peu plus difficile, mais c'est tout de même faisable Maintenant, lorsque vous passez à Photo RGB, l'espace colorimétrique est vraiment vaste. Il s'agit également d'un espace colorimétrique que vous ne pouvez plus stocker au format JPEG. Vous avez besoin de TIV 16 bits. Maintenant, je vais ajouter que mon flux de travail consiste principalement à éditer au format TIF 16 bits, puis à stocker au format JPEG Adobe RGB pour les résultats finaux. Pour la simple raison l'espace sur le disque dur est limité, les TIF sont très, très grands et que les JPEG sont un peu plus petits Et quand j'aurai mon résultat final, je n'ai pas besoin de revenir en arrière. Nous avons donc parlé un peu de ces couleurs et des différents espaces colorimétriques. Désormais, pour chaque espace colorimétrique, les coordonnées de chaque couleur sont fixes, et il s'agit de trois coordonnées. Nous avons un X, un Y et un grand Y U, une saturation et une luminance. Maintenant, vous remarquerez probablement le CMIK de votre imprimante. Hé, attends une minute, CMIK ? Oui Outre nos couleurs primaires, le rouge, le vert et le bleu, nous avons également des couleurs secondaires, comme le magenta et le jaune. Maintenant, lorsque vous imprimez, vous avez probablement déjà vu que vous imprimez non pas en RGB mais en CMIK. Maintenant, c'est quoi ce K ? Beaucoup de gens pensent que le K est en fait noir, et c'est parce que dans l'imprimante, il est en fait utilisé comme noir. Mais ce n'est pas vraiment noir. Le K représente K, ce qui signifie la luminosité. Maintenant, souvenez-vous de X, Y et du grand Y, de la saturation et de la luminance. Cela signifie que lorsque vous prenez des photos et vous souhaitez obtenir des couleurs précises à 100 %, vous avez besoin, bien entendu, d' une référence pour effectuer un calibrage. Nous étalonnons donc notre moniteur à l' aide d'un analyseur de couleurs, mais nous devons également nous assurer calibrer notre appareil photo, car chaque capteur produit des images légèrement différentes Nous devons donc nous assurer que cela correspond également à ce profil. Maintenant, c'est ici que nous utilisons un outil très, très pratique appelé correcteur de couleur Maintenant, c'est ce que l'on appelle un vérificateur de couleurs à deux couleurs. C'est pour la vidéo. Cette partie concerne donc la vidéo, le réglage de vos noirs, réglage de votre médium, réglage de vos blancs et, bien sûr, vos couleurs. Et lorsque vous l' ouvrez de l'autre côté, vous en avez un pour la photographie avec votre balance des blancs, et bien sûr, vos carrés pour vos couleurs. Mais si vous ne faites aucune vidéo, vous pouvez bien sûr aussi vous en tirer avec la photographie complète normale où vous avez celle-ci, où je n'utilise que la partie inférieure, et où je fais l'équilibrage des blancs sur les carrés gris. Je n'utilise jamais cette pièce. Si vous voulez un peu plus de beauté, vert dans vos paysages ou un peu plus rouge dans vos portraits, ils ont cette option. Mais pour moi, je le veux neutre, donc je l'utilise toujours. Et on l'ouvre de l'autre côté. Vous pouvez régler votre balance des blancs de deux manières. Maintenant, en toute honnêteté, j' utilise principalement le duo parce que, bien sûr, nous faisons aussi de la vidéo, et le duo est très pratique pour cela. Maintenant, avec un correcteur de couleur, vous pourriez vous demander : « Hé, si j'ai le correcteur de couleur, tout est correctement configuré, n'est-ce pas ? si j'ai le correcteur de couleur, tout est correctement configuré, n'est-ce pas ? Oui et non Maintenant, vous vous souvenez que je vous ai dit qu'il y avait trois coordonnées, le X, le Y et le grand Y, ou en d'autres termes, les luminans C'est pourquoi vous me voyez toujours utiliser cet outil lorsque je prends une photo. Et c'est ce qu'on appelle un posemètre. Maintenant, le posemètre est extrêmement important. C'est peut-être la chose la plus importante car le posemètre détermine votre exposition. Maintenant, le posemètre n'est plus là pour vous assurer que vous ne surexposez pas vos images. Le posemètre, ils le font aussi, bien sûr. Le posemètre est surtout là pour s' assurer que vous exposez correctement. Et lorsque vous exposez correctement et que vous utilisez le correcteur de couleurs, toutes vos images seront parfaites Et c'est aussi là que réside le problème. Voulez-vous que vos images soient parfaites ? Dans la plupart des cas, je ne veux pas que mes images soient parfaites. Je veux que mes images donnent une certaine ambiance, un certain look à mes photos. Cela signifie que je change toujours mes images. J'utilise toujours un préréglage. Alors pourquoi utiliser un correcteur de couleurs ? Pourquoi utiliser un posemètre ? Plus tard, dans Photoshop ou Lightroom, je change tout et j' utilise des préréglages, et les couleurs sont totalement différentes Eh bien, c'est le truc. Lorsque vous créez un préréglage, vous créez de nombreuses actions différentes qui sont littéralement exécutées sur une seule image. Si cette image n'est pas correcte à 100 %, disons que votre couleur est légèrement différente, votre température de couleur est légèrement différente, votre exposition est légèrement différente, que votre exposition est légèrement différente, alors ce préréglage vous donnera un résultat totalement différent de celui d'une image où tout est exposé correctement. C'est pourquoi, lorsque vous souhaitez utiliser des préréglages, il est essentiel d'utiliser un posemètre et un colorimètre. Les images qui apparaîtront auront l'air très ennuyeuses. Ils auront tous exactement la même apparence, très stériles. Mais cela signifie également que si votre client souhaite des couleurs parfaites, vous pouvez simplement ajuster votre contraste. Vous pouvez faire votre affûtage. Vous pouvez créer une vignette, recadrer ou retoucher la peau et transmettre ces images à votre client, et vous obtiendrez des couleurs parfaites Mais si vous voulez exécuter un préréglage, eh bien, c'est l'astuce. Si vous utilisez le posemètre dans le correcteur de couleurs, préréglage résultat sera exactement le même à chaque fois que vous exécuterez ce Cela accélérera donc considérablement votre flux de travail, mais vous permettra également de prendre des photos au même aspect sous une lumière au tungstène, une lumière fluorescente et à l'extérieur au soleil Mais je pense que nous avons beaucoup parlé de théorie et de toutes ces choses ennuyeuses. Allons simplement en studio et voyons ce que nous pouvons faire avec des configurations d'éclairage appropriées et nos modèles 5. CHAPITRE 5 Travailler avec des modèles: OK, les gars, juste entre les deux. Et c'est l'un des problèmes auxquels nombreux photographes ont du mal à faire face. Maintenant, je donne de nombreux ateliers. Ça fait longtemps que je ne le fais pas. Et l'une des choses qui me frappe toujours c'est la façon dont les photographes traitent leurs modèles. Beaucoup de photographes ne parlent même pas aux mannequins. Ils prennent l'appareil photo. Ils prennent des photos, ils regardent dans le dos, et parfois ils ont un visage vraiment méchant, genre « Oh, je n' aime pas cette image Puis ils tirent à nouveau. Quel genre d'idée pensez-vous que cela donne à votre modèle ? Maintenant, pour avoir une séance photo appropriée et être sûr d'obtenir les images que vous souhaitez, votre modèle doit être à l'aise. Et n'oubliez pas que, tout comme vous, votre mère aime les compliments. Alors ne vous contentez pas de dire à votre mannequin cela a l'air nul. Cela ne semble pas correct. Oh, mon Dieu, cette pose est terrible. Non, sois toujours positive. Si vous n'aimez pas une photo ou si vous n'aimez pas une pose, vous dites simplement que c'est génial. Essayons autre chose. Et quand vous aimez vraiment quelque chose , vous l' entendrez probablement dans votre voix. Et le truc, c'est de ne pas trop fatiguer votre modèle. L'une des astuces que j' utilise toujours est de prendre des photos, disons dix ou 20 images, juste pour assouplir le modèle Et à partir de là, je vais juste sélectionner ma meilleure image. Disons que je prends une photo et que je l'aime vraiment. C'est celui-là. Ensuite, je prends cinq autres photos. Si parmi ces cinq photos, il y en a une meilleure, je prends cinq autres photos. Et si dans ces images, il y en a une meilleure, je prends cinq autres photos. Tu as compris l'idée, non ? Mais dès que je prends cinq photos et que je n' obtiens pas une meilleure image, c' est à ce moment-là que je m'arrête. Et la raison en est très simple. Votre modèle n'a pas besoin de dix prises de vue à partir d'une seule configuration. Il n'en a donc besoin que d'un ou deux. Trois quarts, portrait, corps entier ou ce que vous voulez faire, bien sûr. Et la façon dont vous travaillez lorsque vous maintenez un niveau d'énergie élevé est la vous pouvez faire plus de séries par jour, mais deuxièmement, vous maintenez le niveau d'énergie à un niveau élevé. Votre modèle est donc totalement boosté. Voici les images, et au bout de 5 minutes, eh bien, maquillez-vous et changez-vous. Waouh, j'ai déjà fini ? Oui, tu as déjà terminé. Vous aimez les images ? Je les adore. OK, prochain set. De cette façon, vous maintenez le niveau d'énergie à un niveau très élevé. Le plus gros problème d'une séance photo est lorsque le niveau d'énergie baisse ou qu'il n'y a pas de communication adéquate entre vous et votre modèle. Et la communication commence déjà par l'e-mail. Assurez-vous de disposer d'un moodboard lorsque vous planifiez votre séance photo En d'autres termes, vous savez ce que veut votre client ou ce que vous modélisez, et vous savez exactement comment configurer votre éclairage. Cela signifie qu'il n'y a aucun stress pour vous, et cela signifie également qu'il n'y a pas de stress pour le modèle. Maintenant, dès que le modèle arrive, ne commencez pas à photographier tout de suite. Asseyez-la, donnez-lui à boire, assurez-vous que sa musique préférée joue dans le studio et détendez-vous. Une séance photo est 90 % relaxante, 10 % active. Eh bien, il devrait en être ainsi pour le modèle. En tant que photographe, vous devez travailler à 110 % pour vous assurer que vous vous détendez à 90 %, car plus vous êtes détendu, meilleure est la séance photo C'est donc un peu intermédiaire entre les deux lorsqu' il s'agit de travailler avec vos modèles. Continuons avec nos séances photos. 6. CHAPITRE 6 Différentes softboxes Chevaux pour les cours: OK, maintenant, cette configuration est peut-être l'une de mes configurations préférées. Et, hé, je suis néerlandais, non ? Rembrandt Maintenant, l'éclairage Rembrandt est vraiment intéressant. Maintenant, lorsque vous débutez dans la photographie, l' une des premières choses que vous essayez ou non est en fait l'éclairage Rembrandt. La raison en est très simple. Vous obtenez une excellente image à contraste élevé, et elle est absolument magnifique. L'astuce avec l' éclairage Rembrandt est de s' assurer que vous avez ce très beau triangle au-dessus du nez Et comment y parvenez-vous ? Eh bien, la lumière doit venir de l'arrière. Il faut donc qu'il s'enroule un peu autour de votre modèle. Ainsi, un côté sera vraiment sombre et un côté sera très clair. Maintenant, le principal problème avec une telle configuration d'éclairage est que vous placez votre softbox derrière votre modèle légèrement orienté vers l'avant, ce qui signifie qu'aucune lumière n'atteint votre toile Maintenant, dans certains cas, vous ne voulez pas que la lumière atteigne votre toile de fond. Tu aimes cette jolie toile de fond sombre. Peut-être que tu aimes le noir. Mais dans certains cas, vous voulez de la lumière sur le fond. L'une des nombreuses solutions consiste bien entendu à utiliser une source lumineuse distincte sur votre toile de fond. Par exemple, un snoot ou un réflecteur, ajoutez peut-être de la couleur à votre toile de fond Mais que se passe-t-il si vous n' avez pas assez de boîtes souples pour cela et que vous souhaitez tout de même éclairer votre toile de fond ? C'est pourquoi nous utilisons pour cette configuration ce que l'on appelle la softbox Lantern Maintenant, la différence entre une softbox normale et une lanterne est clairement visible Une boîte à canapé normale émet simplement la lumière par l'avant. Vous pouvez bien sûr utiliser une grille pour réduire ce faisceau lumineux. Mais une lanterne n' émet pas seulement de la lumière par l'avant, elle émet également de la lumière par le côté On pourrait dire que c'est un peu comme une source de lumière omnidirectionnelle, sauf qu'elle n'émet pas de lumière vers l' arrière, mais bon, nous n'en avons pas besoin, non Maintenant, le gros avantage, c'est que je peux toujours éclairer mon modèle avec le sofbox. Et dans ce cas, en fait, le côté de la lampe, car c'est une belle qualité douce. La lumière principale se répand, nous n'en avons donc pas besoin. Et comme nous avons un matériau translucide, également sur le côté du coffre à canapé, il éclairera également la toile de fond. Maintenant, avec la première image que nous allons prendre, nous n'allons pas utiliser la bande lumineuse sur le côté droit. Et nous allons vous montrer comment cela se traduit dans la séance photo Et comme vous pouvez le voir, sans cette bande lumineuse, oui, ça a l'air un peu sombre. Nous voulons donc ajouter quelque chose de plus à cet égard. Maintenant, la bande lumineuse que nous utilisons à l'arrière de notre modèle est dirigée vers l'avant. La raison en est en fait assez simple. Nous ne voulons pas deux sources de lumière de chaque côté, car nous perdrons alors ce contraste dans notre image. Ce que nous voulons, c'est un petit accent. J'appelle toujours ça un baiser de lumière. Nous voulions simplement enrouler la mâchoire du mannequin ou dans ce cas, les vêtements du mannequin. Nous allons donc allumer le bandeau lumineux, et nous allons créer des images avec cela. Maintenant, comme vous pouvez le constater, la bande lumineuse offre une meilleure définition dans ce côté obscur de notre modèle Maintenant, la lanterne éclaire la toile de fond et le modèle Ce que la lanterne ne fait pas, c'est donner une orientation à la lumière de notre toile de fond En d'autres termes, il éclaire simplement la toile de fond, et bien sûr, votre lumière tombe sur le dos, mais elle éclaire simplement la toile de fond de manière très uniforme. C'est pourquoi, bien entendu, pour la prochaine configuration, nous allons remplacer la lanterne par une self box normale. Vous pourriez dire « self-box » normal. Oui, un coffre de taille moyenne avec une grille. Et voyons quel impact cela aura sur notre toile de fond. OK, nous avons remplacé la lanterne une boîte à savon de taille moyenne avec une grille Maintenant, la grille fait en sorte que je focalise ma lumière uniquement sur mon modèle. Cela signifie qu' avec une telle configuration, aucune lumière n' atteint votre toile de fond. Tu vas voir ça dans une seconde. Il est donc extrêmement important de choisir le bon modificateur pour votre prise de vue. Par exemple, si vous regardez la lanterne, vous savez déjà qu'elle est idéale pour, par exemple, la photographie de nouveau-nés, la photographie de produits ou la photographie de mode , où vous voulez que votre modèle soit éclairé tout en remplissant les ombres Par exemple, si vous avez un grand ensemble élaboré, la lanterne est idéale pour principale éclairer le set en quelques points sous votre lampe Il y aura un chapitre où nous allons également vous montrer ceci. Mais pour l'instant, nous changeons la lanterne pour une boîte à canapé de taille moyenne avec une grille Maintenant, la grille canalise déjà beaucoup la lumière, mais avec une softbox normale, vous n'avez pas ce matériau translucide sur le côté Cela signifie donc qu'avec une telle configuration pour Rembrandt, aucune lumière n'atteint la toile de fond Si c'est ce que vous aimez, c'est la configuration parfaite. Pour moi, la toile de fond est un peu trop sombre, mais nous allons résoudre ce problème avec notre bande lumineuse dans un instant. Alors d'abord, prenons une photo uniquement avec la softbox. Maintenant, comme vous pouvez le voir, c'est assez sombre sur notre toile de fond. Maintenant, disons que nous voulons ouvrir un peu les ombres de l'autre côté. Et n'oubliez pas que c'est là que nous utilisons le ruban lumineux. Ainsi, en utilisant la bande lumineuse, nous ouvrons légèrement ce côté, comme vous pouvez le voir sur ces images. Mais que se passerait-il si vous vouliez également un peu plus de lumière sur notre toile de fond ? C'est là que vous pouvez réellement utiliser le réseau au maximum de son potentiel. Maintenant, si vous regardez la bande lumineuse avec la grille, vous pouvez voir qu' il s'agit d'une forme rectangulaire. Cela signifie qu'il n'est pas très blanc, mais qu'il est très grand. Ainsi, vous pouvez éclairer le modèle de haut en bas sans qu' il y ait de déversements sur le côté. Mais que se passerait-il si, comme dans ce cas, nous ne voulions que des portraits ou les trois quarts ? Vous n'avez pas besoin de toute la longueur de cette bande lumineuse. Cela signifie également que si vous voulez un peu de lumière sur votre toile de fond, vous pouvez utiliser la grille et la bande lumineuse pour orienter parfaitement votre lumière. Nous allons faire passer la bande lumineuse de la verticale à une lumière légèrement horizontale, éclairer notre modèle et notre toile de fond avec une seule source de lumière. Ce sera totalement différent de la lanterne, mais c'est cool Vous pouvez faire les deux dans votre studio photo et vous disposez de nombreuses options d'éclairage, en fonction des souhaits de votre client. Maintenant, comme vous pouvez le constater, la bande lumineuse joue un rôle très important dans ce photoshoot La lumière principale, bien sûr, peut être utilisée de manière omnidirectionnelle pour éclairer également la toile de fond, mais vous ne pouvez pas utiliser cette bande lumineuse sur votre toile de fond ou en inclinant légèrement pour éclairer également votre C'est pourquoi le bandeau lumineux, y compris le quadrillage, est probablement l'un de mes modificateurs préférés pour l'éclairage d'accent, mais aussi pour l'éclairage principal, si vous voulez vraiment attirer l'attention sur votre modèle 7. CHAPITRE 8 Travailler avec des gels et obtenir de la lumière blanche: OK, les gars, maintenant, comme mentionné dans l'introduction, couleur se compose de trois couleurs pour nos couleurs primaires, le rouge, le vert et le bleu Maintenant, ce sont les couleurs que vous trouverez également dans Photoshop dans vos couches, vos couches rouge, verte et bleue. Il s'agit également de la couleur utilisée, par exemple, par les projecteurs et les moniteurs Désormais, les couleurs elles-mêmes interagissent les unes avec les autres. Cela signifie donc que si vous combinez le rouge, vert et le bleu, vous obtenez du blanc. C'est ainsi que fonctionne toute la balance des gris, non ? Vous mélangez le rouge, le vert et le bleu pour créer du blanc. Mais que se passe-t-il si vous utilisez de la couleur avec des gels ? Maintenant, laissez-moi vous montrer une image. Comme vous pouvez le voir ici, le ciel est magenta, mais le modèle semble naturel. Comment avons-nous fait ça, bordel ? Eh bien, nous utilisons en fait une astuce très, très simple. En utilisant un gel vert sur nos traits, nous photographions en fait notre modèle comme des grenouilles Kermit C'est totalement vert. Mais en sélectionnant ce vert comme nouveau point blanc, nous réduisons en fait toutes les autres couleurs. Ainsi, par exemple, le blanc du ciel se dirige vers le magenta. C'est très simple. Il suffit de le baisser. Vous pouvez également le faire avec le bleu, par exemple, pour créer une belle utilisation du jaune, par exemple, dans un hôtel, lorsque vous voulez qu'une belle lumière dorée entre. Mais que se passerait-il si nous ne le faisions pas avec une seule couleur, mais avec les trois. Donc, lorsque nous combinons le rouge, le vert et le bleu, vous devriez avoir du blanc. Et c'est le but de cette configuration. Nous sommes en train de faire un coup sur notre gauche avec un gel rouge. Nous faisons un coup sur notre droite avec un gel bleu. Maintenant, ces deux combinés ne vous donnent pas une image naturelle. Ils vous donnent juste une image bleue et rouge, ce qui est normal. Mais sur cette bande, j'utilise un snoot et derrière le snoot il y a un gel vert Cela signifie donc que je photographie avec les trois couleurs primaires, le rouge, le vert et le bleu. Cela signifie également que lorsque ces couleurs interagissent, elles commencent à se mélanger les unes aux autres. Et c'est pourquoi le snoot est légèrement plus haut sur le visage que sur les autres couleurs Maintenant, le vert est déjà une couleur très, très forte. Nous voyons 66 % de vert, 22 % de rouge et 11 % de bleu. Vous devez donc faire attention lorsque vous mélangez cela. N'utilisez pas de posemètre pour cela. Fais-le à l'œil nu. Vous pouvez utiliser un posemètre, mais il est beaucoup plus facile de le créer à l'œil nu, car parfois vous ne voulez pas le mélange parfait. Vous voulez un look un peu plus créatif dans vos images. Et c'est exactement ce que nous faisons ici. Je n'utilise donc pas de posemètre. J'ai d'abord configuré le rouge, puis le bleu, puis nous ajoutons celui-ci. Alors laissez-moi d'abord vous montrer à quoi cela ressemble avec uniquement du rouge et du bleu. Maintenant, comme vous pouvez le voir, c'est intéressant, mais c'est rouge et bleu, non ? Nous ne voyons pas de modèle. Maintenant, il suffit allumer le vert et de regarder ça. Maintenant, comme vous pouvez le constater, l' image prend maintenant beaucoup plus vie. Et pour moi, le vert n'est pas une couleur que j'utiliserais comme accent ou que j' utiliserais comme couleur principale pour une raison très simple. Nous avons plusieurs liens différents avec les couleurs. Par exemple, si nous pensons au rouge et au bleu, nous avons toujours des émotions avec le rouge et le bleu. Par exemple, le bleu est un terme lointain appelé incertitude future. Mais, par exemple, le rouge c'est la haine, l'amour. Hé, ces deux-là sont déjà intéressants, non ? haine et l'amour réunis dans une même couleur, mais aussi le danger, la chaleur. Le rouge et le bleu sont ce que nous appelons les couleurs émotionnelles. , je n'ai Pour être honnête, je n'ai aucun lien avec le vert. Le vert est donc plutôt une couleur qui ne me donne aucune émotion. Donc, dans mes photos, je n'utilise pas beaucoup le vert. Cependant, si je veux manipuler les couleurs, vert devient très vital car dans le triangle chromatique, vert se trouve en fait au-dessus du triangle. Cela signifie donc que dès que vous commencez à utiliser le vert, vous commencez vraiment à remarquer l'attention car vous ne pouvez pas vous déplacer dans le vert. Tu vas le voir. Donc, en utilisant le vert dans cette configuration, je crée bien sûr de la lumière verte, mais je crée également de petites étincelles de lumière blanche Et c'est avec des coups de sapin, chez Gelt. N'est-ce pas génial de jouer avec ça ? Pensez à toutes les possibilités offrent à vous lorsque vous commencez à mélanger cela dans les ombres de votre sujet ou, comme nous le faisons ici, pour créer une certaine ambiance dans vos images. Commençons donc à prendre des photos et créons des photos sympas avec trois couleurs, ce qui crée en fait une lumière blanche au milieu. 8. CHAPITRE 7 Softbox moyenne avec grille et accent: Salut, les gars, regardons cette image de Kiara. N'est-ce pas magnifique ? Maintenant, n'aimes-tu pas juste cette douce lumière bleue sur le côté, qui lui donne juste un petit accent ? Eh bien, en fait, cette configuration d'éclairage a une astuce. Ce que je vais vous expliquer maintenant. Maintenant, c'est ma principale source de lumière. J'utilise une softbox de taille moyenne avec une grille. Dans ce cas, nous l'utilisons légèrement devant notre modèle, donc nous l'utilisons également en arrière-plan Nous n'avons donc pas besoin de lettern pour cela Dans ce cas, nous pouvons littéralement diriger cette lumière directement sur notre modèle et éclairer légèrement la toile de fond. Mais je ne voulais pas utiliser une lumière blanche normale sur le côté pour mettre l'accent. Je voulais donner un peu de teinte à la couleur. Dans le passé, avec mon ancien système d'AVC, je pouvais, bien sûr, utiliser des gels. Mais la plupart du temps, j'étais limité en ce qui concerne l'utilisation de gels sur les réflecteurs Et cela signifie surtout que, eh bien, j'ai obtenu une qualité de lumière vraiment intense. Si je voulais utiliser des gels sur une boîte souple, il n'y avait qu'une seule option Il suffit de gélifier l'ensemble de la boîte parce qu'à l'intérieur, je ne pouvais pas placer de gel à cause de la lumière à modeler et, bien sûr, du fait que le tube à chair émettait beaucoup trop Maintenant, avec notre nouveau système, les gecotos, nous utilisons désormais des bandes hybrides , ce qui présente un gros avantage, car quand je regarde ma strope hybride, j'ai maintenant du verre à l'avant, ce qui signifie que je peux désormais utiliser, par exemple, notre système magnétique de Rogue avec un gel bleu et le placer simplement devant ma strope Maintenant, comme vous pouvez le voir dans cette configuration nous utilisons désormais des bandes hybrides , ce qui présente un gros avantage, car quand je regarde ma strope hybride, j'ai maintenant du verre à l'avant, ce qui signifie que je peux désormais utiliser, par exemple, notre système magnétique de Rogue avec un gel bleu et le placer simplement devant ma strope . Maintenant, comme vous pouvez le voir dans cette configuration, j'utilise un adaptateur. Sur mon support, la sangle est montée à l'intérieur de cet adaptateur, et sur l'adaptateur, je peux désormais utiliser n'importe quelle softbox ou modificateur monté sur Bones Cela signifie que je peux désormais teinter tous les modificateurs que je veux. Je ne suis donc plus limité à cette qualité de lumière intense. Je peux désormais utiliser de grandes boîtes souples et les teinter de l'intérieur, ce qui vous donne une bien plus belle qualité de lumière. Et si vous recherchez toujours cette qualité de lumière intense , par exemple pour les reflets d' objectif, c'est bien sûr lorsque vous utilisez un réflecteur ouvert Ou tout simplement pas de softbox du tout. Regardons donc le résultat final de cette image et plus loin dans la vidéo. Je vais également vous montrer ce que vous pouvez faire avec les boîtes souples, couleurs et comment les combiner pour créer quelque chose de vraiment cool. Mais commençons simplement par ajouter une lumière très douce sur le côté de notre modèle Kiara 9. CHAPITRE 9 Mettre le tout en place: Hé, les gars, que se passe-t-il lorsque tout est réuni et que vous commencez vraiment à penser non seulement à votre image avec une seule lumière, mais aussi à penser en couches ? Maintenant, penser en couches peut sembler un peu compliqué, mais supportez-moi, ce n'est pas le cas. C'est en fait assez simple. Prenons par exemple cette image de Nadine Oui. Eh bien, cela a l'air très compliqué, et en substance, c'est assez compliqué, mais laissez-moi juste vous expliquer les choses. Cette photo a été prise lors de notre événement de mode, et comme vous pouvez le voir ici, nous avons commencé avec deux chaises, et à partir de là, Nadine avec les participants, a créé un ensemble complet avec de nombreuses robes Maintenant, l'idée était de créer un phénix renaissant de ses cendres avec beaucoup de feu. Maintenant, bien sûr, nous ne voulons pas d'incendie dans notre studio, et je ne veux vraiment pas l' utiliser dans Photoshop, même si, d'accord, laissez-moi vous montrer très rapidement ce que nous avons fait avec une seule image AI. Ce n'est pas quelque chose dont je suis vraiment fier, mais bon, nous l'avons fait juste pour le fun. Passons donc au reste de notre set. Maintenant, dès que nos AND construisent l'ensemble, vous devez prendre en compte certaines choses. La première chose, bien sûr, c'est sous quel angle est-ce que je vais photographier ? Si je photographie trop bas, je ne vois pas tout le beau travail qu'ils ont mis dans cette grande robe et ce set. Quand je photographie de trop haut, il peut que je ne prenne pas cette pose de héros. Je dois donc m' assurer de trouver une position pour photographier sous un angle agréable. Et je pense qu'au final, nous nous sommes retrouvés légèrement en dessous de votre angle de vue normal. C'est aussi parce que Nadine, bien sûr, est assez haut placée dans cette configuration Bien sûr, Phoenix, donc ça voulait dire feu. Eh bien, quelle est la meilleure couleur pour mettre le feu au rouge, bien sûr. J'ai donc tout de suite su que dans cette configuration, nous voulions faire quelque chose avec des feux rouges. Mais lorsque nous parlons de Phoenix, nous voulons aussi fumer, bien sûr. Nous savions donc déjà que nous voulions utiliser des machines à fumée. Et quelle est la meilleure combinaison pour se faire tirer dessus par de la fumée rouge et des fusées éclairantes ? Oui. Configurez donc tout comme ça, puis assurez-vous que votre modèle saute aux yeux. Alors, comment est configurée la configuration de l'éclairage ? Bien sûr, notre première lumière dont nous devons nous assurer est notre principale source de lumière. Et dans ce cas, c'est un peu délicat. Comme je veux m' assurer que l'ensemble est éclairé et que je vois tous les détails des robes, je dois m'assurer d'utiliser une source lumineuse un peu omnidirectionnelle, mais qui n'est pas assez puissante pour éclairer également notre modèle En d'autres termes, il s'agit des curseurs d' ombre dans une pièce lumineuse. Et nous avons le canapé parfait pour cela, et c'est la lanterne Désormais, la lanterne est une sorte de source lumineuse omnidirectionnelle Elle se distingue d'une softbox car elle émet non seulement de la lumière directement par l'avant, mais également par le côté Et dans ce cas, c'est génial parce que, comme vous pouvez le voir dans la vidéo, je l' éloigne légèrement de Nadine Nadine est toujours frappée, bien sûr, par la source de lumière omnidirectionnelle, mais la majeure partie de la lumière est en fait dirigée vers le devant du set avec la robe parce que je sais que toutes les autres sources de lumière viendront de l'arrière parce que nous voulons nous assurer que notre fumée apparaisse puis de la fumée, bien sûr, nous devons éclairer par l' arrière parce que si vous l' allumez par l'avant, cela vous donne juste, eh bien, une banque manquante, et nous ne voulons pas cela, bien sûr. Donc, en ouvrant les ombres, j'ai déjà obtenu une image où je peux voir tous les détails. Le modèle était bien sûr bien sous-exposé. Maintenant, pour notre rouge, j'utilise un rouge très, très vif sur le côté droit de l'image, sans autres boîtes souples. Cela signifie donc simplement appliquer le gel directement sur notre GT 400 de Gigoto Et cela signifie que celui-ci me donnera une qualité de lumière intense. Il ne vise pas directement notre modèle, mais directement mon appareil photo. La raison en est très simple. Si vous regardez les sources de lumière, elles se comportent toutes à peu près de la même manière. Le centre de la lumière sera très brillant mais aussi très dur. Plus vous vous dirigez vers les côtés de la lumière, le rendement diminuera, mais la qualité de la lumière diminuera. C'est pourquoi, avec les sources de lumière dures en particulier avec les gels, nous orientons le point chaud de la lumière exactement vers mon objectif afin de faire passer toute cette qualité de lumière directement dans l'objectif, toute la puissance nécessaire pour créer des reflets sur l'objectif, et les côtés de la lumière ne feront que donner un coup de lumière à mon modèle en tant que lampe d'appoint. Maintenant, d'un autre côté, nous voulions quelque chose d'un peu plus doux. Donc, de ce côté, j' utilise un gecotostrope avec gel rouge de Rogue et un Nous utilisons donc le gel situé derrière la bande lumineuse pour créer une belle couleur rouge douce. Maintenant, la lanterne, bien sûr, me montre déjà tous les détails de la robe La seule chose qui me posait problème c'était de savoir comment faire ressortir votre modèle. Maintenant, beaucoup de gens diront : « Hé, tu peux le faire dans Photoshop, n'est-ce pas ? Oui, vous pouvez faire beaucoup de choses dans Photoshop. Ne vous méprenez pas, mais vous ne voulez pas tout faire dans Photoshop. C'est bien plus satisfaisant que de le faire sur le plateau. Et aussi, ça a l'air bien mieux si vous le faites sur le plateau. Alors, quel est le truc dans cette configuration ? Si vous voulez vous assurer que votre modèle saute aux yeux, vous devez vous assurer qu'il y a de la lumière sur votre modèle, exactement à l' endroit où vous le souhaitez Maintenant, si nous avons pris toute cette image sans cette source de lumière supplémentaire que je vais vous présenter dans une seconde, cela semble très ennuyeux. Il n'y a pas assez de lumière sur notre modèle. Maintenant, je ne veux pas de lumière sur l'ensemble de mon modèle. Je le veux juste sur le visage du mannequin, peut-être un peu sur la poitrine. C'est pourquoi nous avons besoin d'une source de lumière qui puisse être focalisée de manière très précise. Cette source de lumière, mesdames et messieurs, est, bien entendu, un snoot Aujourd'hui, le snoot est une source de lumière qui est souvent négligée car elle est bien trop forte. Il est trop petit et beaucoup de gens ne l'utilisent pas, et beaucoup de gens ne l'utilisent pas sauf peut-être pour la photographie de produits. Mais pour la photographie de modèles, c'est une belle façon de simplement mettre en valeur visage de votre modèle ou toute autre partie du corps que vous souhaitez accentuer. Alors, comment ça marche ? Maintenant, dans ce cas, j' utilise un Gekota GT 200. Maintenant, la raison pour laquelle j'utilise celui-ci est en fait double. Maintenant, quand vous regardez la bande sur le devant, c'est une bande rectangulaire Maintenant, quand on regarde la GT 250, c'est une bande ronde. Maintenant, vous vous demandez peut-être : « Hé, pourquoi parlez-vous de rectangulaire et de rond ? Quelle est la différence entre les deux ? La différence est très simple. Dans ce cas, lorsque nous utilisons un snoot, j'utilise le snoot pliable Rogue Si vous voulez une image ronde sur votre modèle, donc une lumière ronde, vous utilisez un panneau de diffusion à l'arrière du Et c'est aussi, bien sûr, inclus dans la boîte d'un snoot comme celui-ci Mais si vous retirez le panneau de diffusion et que vous le placez sur une bande rectangulaire, vous obtenez en fait une source de lumière rectangulaire C'est génial parce que maintenant lorsque j'ai une source lumineuse rectangulaire, je n'ai plus à me soucier de la rondeur de ce trait En d'autres termes, je n' ai pas à le diriger vers le haut pour m' assurer que seul le visage est éclairé, et pas trop de poitrine. En l'utilisant comme source lumineuse rectangulaire, je peux désormais littéralement orienter parfaitement ma lumière sur mon modèle. Un autre avantage important d' un snoot pliable est que vous pouvez littéralement passer au blanc, un peu moins blanc, un peu moins blanc et, bien sûr, un très, très étroit Et je crois que dans ce cas, nous avons fini par en installer deux pour nous assurer que notre modèle était correctement éclairé. Au final, il ne vous reste plus qu'à vous assurer que tout est bien équilibré. Maintenant, vous pouvez le faire avec un posemètre ou vous pouvez simplement le faire à l'œil nu. Et je dois être totalement honnête avec vous. J'adore utiliser un posemètre pour que tout soit parfait. Mais dans ce cas, il s'agit simplement de s'assurer que tout est beau. Cela signifie donc que ma principale source de lumière, en d'autres termes, le snoot que j'ai mesuré à l' aide d'un posemètre, mais tout le reste, nous le photographions, était instable. Je regarde juste mon écran. Est-ce que j'aime beaucoup ce détail, oui ou non ? Est-ce que j'aime cette couleur là-bas ? Est-ce que j'aime le flash de l'objectif ? Oui ou non ? C'est en fait ainsi que l'on construit un ensemble comme celui-ci. Ainsi, lorsque vous faites un portrait, bien sûr, tout est un posemètre et un colorimètre, et vous devez le garder aussi parfait que possible Mais lorsque vous faites un cliché comme celui-ci, c'est plus créatif. Vous devez vous assurer, bien sûr, que le visage du modèle est parfaitement éclairé, puis vous devez simplement tout assembler comme vous le voyez. C'est ce que j'appelle parfois «   cuisiner avec lumière ». Parfois, vous avez besoin d' un peu plus et parfois d'un peu moins. C'est ce qui est amusant dans la photographie, non ? Vous commencez avec une toile noire et vous pouvez simplement la construire avec tout ce que vous voulez. OK, regardons ce cliché en gros plan. Voilà. Et, bien sûr , faisons un petit zoom arrière. Et puis, lorsque vous ajoutez un peu d' effets spéciaux supplémentaires dans Bore en tant qu'affixe, la seule chose que j'ai réellement ajoutée ici était une vignette et un léger reflet C'est ce que nous appelons un simulateur de particules, comme vous pouvez le voir sur l'image. Nous ne l'avons pas beaucoup modifié par rapport à l'original, mais comme vous pouvez le voir ici, ajout de ces petits éléments fera vraiment ressortir une image. Et s'il est déjà excellent devant un appareil photo, vous suffira d'un peu il vous suffira d'un peu plus tard dans Photoshop pour passer de zéro à héros ou de O à Wow. UN 10. CHAPITRE 10 Final: J'ai presque fini mon verre, ce qui signifie que j'ai également presque terminé cette vidéo. Maintenant, j'espère que vous comprenez que prendre des photos de modèles, c'est bien plus qu' une jolie fille devant un appareil photo ou, en d'autres termes, devant une superbe toile de fond. Photographier des modèles, c'est communiquer avec votre modèle Il s'agit de s'assurer que le style est correct, trouver la toile de fond adaptée au style que vous souhaitez. Ou en d'autres termes, quel type d' humeur souhaitez-vous présenter à votre spectateur Parfois, vous avez besoin d'images parfaites à 100 %. C'est là que vous utilisez, par exemple, un correcteur de couleur et un posemètre Par exemple, pour un PDG, un portrait ou peut-être des vêtements que vous souhaitez vendre en ligne, vous devez vous assurer que les couleurs sont parfaites à 100 %. Mais parfois, vous en voulez aussi beaucoup plus. Pensez à tourner une pièce de théâtre. Eh bien, vous n'en avez pas besoin d'être parfait, n'est-ce pas ? Vous voulez un effet original. Tu veux du feu. Tu veux fumer. Tu veux des couleurs. Tu veux des fusées éclairantes. Vous voulez tout ce qui n'est pas réaliste. C'est le pouvoir de la photographie. En tant que photographes, nous sommes des conteurs d'histoires. Nous encadrons littéralement des morceaux d'histoire qui ne reviendront jamais. Mais nous pouvons également créer des ambiances différentes. Nous pouvons créer différentes ambiances et créer des mondes totalement différents, surtout maintenant avec l'intelligence artificielle En tant que photographe, vous pouvez donc jouer avec votre éclairage, décors et vos modèles, mais n'oubliez jamais qu' il n'y a aucune limite La seule limite est ce que vous pensez pouvoir faire avec le matériel que vous utilisez. Et croyez-moi, même avec votre smartphone et une petite source de lumière, vous pouvez créer de belles images. J'espère que vous avez apprécié cette vidéo et toutes les informations que j'ai partagées. Si vous avez des questions, n'hésitez pas à nous contacter via les réseaux sociaux. Nous essayons toujours de répondre dans les 24 heures. Merci beaucoup, continuez à photographier et restez créatifs comme si.