Infuser à vos peintures de lumière et de profondeur : développer la maîtrise du langage visuel

1. Introduction: Bienvenue à la peinture à l'huile avec Steve Simon. Quand on y pense vraiment, peindre est une aventure farfelue et audacieuse, pourquoi ? Parce que nous essayons de regarder dans un monde tridimensionnel plein de lumière et de le traduire d'une manière ou d'une autre en une surface bidimensionnelle dépourvue un monde tridimensionnel plein de lumière et de le traduire d' une manière ou d' de luminosité C'est un peu dingue. La question est de savoir comment, en tant que peintres, nous débrouillons-nous avec ce tour de passe-passe La réponse à cette question est que nous devons apprendre un certain langage visuel. Ce langage visuel est plein de principes de mort et de principes de lumière. C'est précisément ce que nous allons enseigner dans ce cours, puis utiliser cette peinture comme exemple. Nous passerons en revue ces principes, puis nous les appliquerons à appliquerons à notre projet dans lequel j' espère que vous vous joindrez à moi. Nous allons peindre une peinture à partir de zéro, appliquer ces principes et apprendre à passer de la coloration servile de jolies images à la peinture joyeuse et confiante jolies images à la peinture joyeuse avec la mort, la lumière J'espère que cela vous plaira. 2. Principes de profondeur: C'est mon quatrième cours d'un programme de dix sur la peinture à l'huile sur lequel je travaille actuellement. Les trois cours précédents ne sont pas en soi des prérequis pour ce cours Mais soit suivre le troisième cours sur le mélange des couleurs serait très utile, soit avoir une solide compréhension du mélange des couleurs et de la théorie des couleurs serait formidable. C'est dans cet esprit que nous allons commencer. Je vais utiliser cette peinture pour discuter des principes qui permettent d' apporter de la lumière et de la couleur dans votre travail et de lui donner une impression de profondeur. Maintenant, cette peinture a été créée en utilisant la méthode de peinture directe, ou méthode prima, et je vais donner un cours à ce sujet dans le cadre de la sixième classe de ce programme de peinture à l'huile sur lequel je travaille. Mais pour l'instant, nous n'allons pas nous inquiéter de la façon dont le tableau a été assemblé. Nous allons simplement examiner certains des principes qui le sous-tendent. D'une manière générale, les principes je vais parler peuvent être divisés en principes de profondeur et principes de lumière. Je vais commencer par parler des principes de profondeur. À cette fin, je vais placer la photo de référence à partir de laquelle j'ai créé le tableau à côté de l'œuvre terminée. Encore une fois, nous sommes des magiciens ici. Nous essayons de créer l'illusion de trois dimensions sur une surface bidimensionnelle. Comment s'y prend-on ? Le principe le plus évident à cet égard est, bien entendu, la perspective. Dans l'ensemble, cependant, notre matériel de référence est évidemment mis en perspective. Il n'y a qu'un seul domaine qui a besoin d'être légèrement peaufiné Et c'est un problème qui se pose avec les photos dont l'objectif est incurvé. Et nous allons examiner cette zone ici. La photographie déforme ce temple des séries, comme on l'appelle dans le tableau J'ai légèrement rectifié cette distorsion Aujourd'hui, mon objectif dans ce tableau est d'attirer le spectateur sur la terrasse et de le diriger vers ce temple de la série À cette fin, j'ai également légèrement modifié la composition en consacrant plus d'espace à la terrasse et moins au ciel avec ces bases de base établies Parlons de la façon dont nous créons l'illusion d'une profondeur au-delà de la perspective de base. Le premier principe du langage visuel que nous allons introduire est la qualité des arêtes. Plus précisément, la différence entre une arête vive et une arête souple et la façon dont cela crée une sensation de profondeur. Regardons ces montagnes en arrière-plan sur la photo, et vous remarquerez que les bords sont assez nets par rapport au ciel. Maintenant, dans le langage visuel, les arêtes vives ont deux fonctions. Tout d'abord, ils attirent l'attention. Cela détourne notre attention de l'intérêt recherché , à savoir la terrasse. Mais surtout, en termes de profondeur. Les arêtes vives font avancer l'objet dans l'espace. Les bords souples, en revanche, font reculer l'objet Pour faire reculer ces montagnes en arrière-plan. Du moins dans l'esprit de celui qui regarde. Nous allons peindre les bords en douceur. Maintenant, le deuxième principe dont nous allons parler en termes de profondeur est la valeur et le contraste d'objets distants. Cela peut sembler assez évident, mais les effets atmosphériques rendent les objets plus clairs et moins contrastés que s' ils étaient plus proches de nous. Comme vous pouvez le voir sur le tableau, j'ai peint les montagnes une valeur beaucoup plus claire et j'ai utilisé un faible contraste, ce qui suggère au spectateur que les montagnes s'enfoncent dans l'atmosphère Le troisième principe, en termes de profondeur, est la température de couleur. Vous vous souvenez peut-être de notre cours sur le mélange des couleurs. Ce sont nos couleurs froides et nos couleurs chaudes. Principe numéro trois, les couleurs froides disparaissent en général, tandis que les couleurs chaudes apparaissent. Il y a maintenant deux raisons pratiques à cela. Tout d'abord, pourquoi les couleurs bleues reculent. Les gaz et les vapeurs de notre atmosphère diffusent de la lumière bleue Plus vous regardez au loin, plus vous regardez en fait à travers un voile bleu. La théorie expliquant pourquoi les couleurs chaudes prennent de l'ampleur est liée à la biologie évolutive. Les objets dangereux ou urgents pour nous ont tendance à être de couleur chaude. Comme le feu, ou je ne sais pas, un serpent venimeux est de couleur chaude. Ces choses progressent dans notre conscience et progressent en conséquence dans l'espace. En tant que peintres, si nous voulons que quelque chose apparaisse, nous le peindrions en privilégiant le rouge, l' orange ou le jaune. J'ai un peu exagéré ce principe en peignant la terrasse jaune chaud qui la met en avant dans l'espace Mais comme vous pouvez le constater, à mesure que la terrasse recule vers le temple de Seres, il fait moins chaud et commence à virer au jaune plus froid, ce qui suggère que cette terrasse s'éloigne dans l'espace. Les montagnes, quant à elles, sont peintes de bleus et de verts froids, ce qui les fait reculer encore plus dans la composition Le quatrième principe va de soi, mais il est surprenant de constater à quel point il peut parfois être difficile de le mettre en pratique. Et c'est l'idée que les détails diminuent avec la distance. Nous pourrions être enclins, par exemple, à inclure ces détails sur la distance du rivage Mais cela n'ajoute vraiment rien à la composition et a en fait un effet délétère sur la tentative de créer cette illusion de profondeur Il vaut mieux omettre ces détails. Vous pouvez également constater que j'ai réduit le niveau de détail de la statuaire au fur et à mesure que les statues s'éloignent le long de la terrasse La première statue à l'avant comporte une bonne quantité de détails, puis chaque statue à l'arrière est rendue avec de moins en moins de détails. Cela se voit également dans les carreaux de la terrasse, qui montrent que les carreaux du devant ont une bonne texture. Au fur et à mesure que vous continuez vers le temple de Seras, la texture commence à se détacher. Le cinquième principe de profondeur n'est en fait qu'une réaffirmation des quatre premiers principes, mais en mettant l'accent sur le premier plan Les arêtes les plus nettes, le contraste le plus fort, les couleurs les plus chaudes et les moindres détails sont réservés au premier plan C'est ici qu'il est instructif de comparer la peinture à la photo en termes de bords les plus nets. Si on regarde la photo, on trouve des arêtes vives un peu partout. En langage visuel, cela équivaut tout un tas de personnes vous crient dessus même temps et que vous ne savez pas qui écouter dans le tableau En revanche, les arêtes les plus tranchantes sont réservées à cette statue, la balustrade au premier plan, puis le temple au bout de la terrasse Vous êtes peut-être en train de dire, attendez une minute, ce temple n' est pas au premier plan Pourquoi y mettre une arête tranchante ? La raison en est davantage un outil de composition. Les arêtes vives ne font pas que faire ressortir les éléments, elles sont également utilisées dans la composition pour aider à orienter le regard du spectateur Si j'essaie de faire descendre le spectateur sur la terrasse et de le diriger vers le temple, utiliser ces arêtes plus tranchantes pour aider le spectateur à regarder dans cette Évaluons maintenant le contraste de la photo. Le contraste entre les lumières les plus claires et les plus sombres se produit à deux endroits au premier plan avec la balustrade, puis également dans la zone située juste à côté du temple. Cela crée un peu un bras de fer indésirable, qui est corrigé dans le tableau en diminuant le contraste obtenu par le temple en termes de couleurs les plus chaudes se temple en termes de couleurs les trouvant au J'ai déjà indiqué que ces jaunes chauds étaient utilisés au premier plan de la terrasse concerne l'établissement des En ce qui concerne l'établissement des moindres détails au premier plan, cela avait moins à voir avec l' ajout de détails au premier plan qu' avec l'élimination détails inutiles dans le matériel source à ces endroits Et peut-être aussi dans toute la statuaire qui s'éloigne le long de la terrasse Pour récapituler ce que nous avons étudié jusqu'à présent, l'illusion de profondeur est affectée par l'utilisation relative des arêtes Les arêtes souples reculent, les arêtes vives apparaissent. contraste entre les couleurs claires et foncées diminue avec la distance. Les couleurs froides disparaissent, les couleurs chaudes apparaissent. Enfin, les détails sont minimisés au fur et à mesure que vous vous présentez. Chacune de ces propriétés peut également être utilisée comme un outil pour attirer l'attention de votre spectateur et pour diriger son regard C'est un sujet dont nous allons parler davantage dans le neuvième cours de ce programme, où nous aborderons la composition et la narration. Mais pour l'instant, concentrons-nous uniquement sur leur utilisation comme outils pour créer l' illusion de profondeur. Joignez-vous à moi dans la prochaine vidéo pour discuter des outils permettant de créer l'illusion de lumière. 3. Principes de LIght: OK, nous sommes donc prêts à étudier l'illusion de lumière. Le premier principe concerne la couleur du ciel bleu. Maintenant, notre atmosphère est bien sûr sphérique. Et c'est la nature sphérique de notre atmosphère qui fait que la lumière se reflète et réfracte différemment lorsque nous regardons la lumière à l'horizon par rapport à la lumière directement au-dessus Lorsque vous peignez un ciel dit bleu, le ciel à l'horizon apparaît assez chaud et devient progressivement plus froid et plus sombre au fur et à mesure que vous passez au-dessus de votre tête. Pour discuter de notre prochain principe de lumière, nous devrons présenter les concepts de couleur locale. Lumière ambiante, couleur observée. La couleur locale est la couleur native de l'objet. Dans ce cas, une table blanche, une feuille verte et une cerise rouge. La lumière ambiante, ou celle dans laquelle baigne la scène, est une lumière blanche normale Ainsi, les couleurs observées de chacun des objets restent cohérentes avec leur couleur locale. Si toutefois nous devions placer cette table à l'extérieur sous un ciel bleu, la scène serait baignée de lumière ambiante bleue Cette lumière ambiante bleue influencerait la couleur observée dans les ombres de chacun des éléments de la scène. Les ombres grises observées sur la table deviendraient un gris bleu. Les ombres vert foncé sur les feuilles deviendraient bleu-vert. L'ombre, du moins l'ombre dirigée vers le ciel sur la cerise, deviendrait d'un violet plus foncé. Il est important de comprendre dans cet exemple qu'il existe en fait deux sources de lumière. Il y a la source lumineuse directe de la lumière solaire au-dessus, puis il y a ce dôme ambiant de lumière bleue qui frappe cette scène depuis le ciel. La puissance de la lumière directe du soleil domine la lumière bleue ambiante du ciel Les pièces de la composition exposées à la lumière directe du soleil ne sont pas influencées par la lumière bleue ambiante, seules les ombres le sont. En résumé, nous élaborons notre deuxième principe nous élaborons notre deuxième principe pour créer l' illusion de lumière C'est-à-dire que la couleur observée des ombres est un mélange de couleur locale et de lumière ambiante Voyons comment cela s' applique à notre peinture. La lumière directe du soleil baigne les carreaux de notre terrasse d'un soleil chaud Le soleil est, en effet, un phare au loin, bien qu'il soit très puissant et qu' il frappe notre scène depuis une direction précise. Pendant ce temps, il y a cette deuxième source de lumière, ce dôme bleu ambiant, qui frappe notre scène de toutes les directions. Cette lumière ambiante a une influence subtile mais très importante sur les couleurs de nos ombres. important de noter que c'est ici, dans ce jeu d'ombre et de lumière, que nous pouvons laisser libre cours à notre créativité en matière de couleurs Nous ne pouvons pas simplement appliquer la couleur bon gré mal gré, mais nous devons respecter deux paramètres importants Tout d'abord, nous devons rester fidèles à la couleur, température de la lumière et des ombres, que nous avons déjà établies. Nous devons rester fidèles aux valeurs de notre matériel de référence, de la peinture. J'ai un peu exagéré ce point en peignant le carrelage de la terrasse très chaud, d'un jaune très chaud Mais comme vous pouvez le constater, c'est à peu près la même valeur. C'est la lumière et l'obscurité comme matière première. J'ai également transporté cette chaleur jusqu'au temple, la partie ensoleillée du temple Entre-temps, j'ai peint les ombres du pont d'un violet froid. Et j'ai également conservé cette qualité d'ombre rafraîchissante jusqu' au temple. Vous pouvez également constater que ces ombres projetées sur le plateau ont approximativement la même valeur que la valeur des ombres sur le matériau de référence. Comme vous pouvez le constater, nous pouvons ajouter une teinte de couleur nettement plus intéressante à nos peintures. Mais voici le hic. Une fois que nous avons établi les températures de couleur de la lumière et de l'ombre, nous devons maintenir ces températures de couleur manière constante tout au long de la peinture. Nous devons utiliser notre matériel de référence comme guide pour la valeur des couleurs. Jetons maintenant un coup d'œil à la statue au premier plan juste à droite Il est presque entièrement dans l'ombre, là encore, la lumière ambiante du ciel jouera un rôle. Mais il existe une autre source intéressante de lumière ambiante qui provient du pont jaune. La lumière du soleil réfléchie qui rebondit le pont jaune influencera la couleur observée de la statue parties de la statue inclinées vers le pont auront un biais chaleureux Les parties de la statue inclinées vers le ciel auront un biais cool Ensuite, le reste de la statue portera simplement le ton violet moyen. Reformulons tout cela pour en notre troisième principe, celui de créer l'illusion de lumière Lorsque vous utilisez votre licence créative pour la couleur, jouez avec la teinte des couleurs, tout en préservant la cohérence de la température de couleur et en restant fidèle à la valeur chromatique. Maintenant, si nous faisons un rapide inventaire de ma peinture, nous verrons que je suis déjà en violation du principe que je viens d'énoncer. À savoir, les valeurs de couleur dans ces zones de ma peinture ne sont pas cohérentes avec les valeurs du matériau source. Mais si vous vous souvenez de notre vidéo précédente, ces valeurs ont été modifiées, qui donne une plus grande impression de profondeur. Cela m'amène à mon quatrième et dernier principe créer l' illusion de lumière. d'autres termes, lorsque nous appliquons les principes de la lumière, nous devons d'abord établir toutes les valeurs de couleur. Dans les deux prochains cours de ce programme, je vais présenter deux méthodes distinctes de peinture à l'huile Ces deux méthodes ont des manières différentes d' aborder ce défi de la valeur des couleurs. Pour l'instant, gardons simplement ce principe important à l'esprit. Joignez-vous à moi dans la prochaine vidéo alors que nous réunirons tous ces principes dans notre projet de classe. 4. Projet - Partie 1: OK, bienvenue dans le projet de ce cours. Nous allons peindre cette scène sur toile. Et je vais le peindre sur une toile de 12 x 16. Je vous encourage à faire de même, ou à utiliser un canevas au même rapport hauteur/largeur, comme un neuf sur 12. Vous devez également télécharger l'image. Vous pouvez le trouver dans la section des ressources de téléchargement de la section des projets et des ressources de ce cours. Lorsque vous aurez terminé le projet, veuillez en prendre une photo et la télécharger dans la section Mon projet de cette section pour la partager avec moi et les autres étudiants. Dans ce projet, nous allons maintenant mettre en pratique les principes appris dans ce cours concernant le langage visuel. Plus précisément, nous nous concentrerons sur la création d'illusions de profondeur et de lumière. Nous allons prendre cette photo de paysage ordinaire et lui insuffler de la profondeur et de la luminosité atmosphériques Nous allons commencer par dessiner l'image sur toile, maintenant je suis en train de la peindre sur toile. Si cela vous convient, allez-y et faites-le. J'utilise en fait un mélange de bleu outremer et de Sienne brûlée Si vous n'êtes pas à l'aise de dessiner avec votre pinceau, hésitez pas à le dessiner au fusain ou avec ce qui vous convient. Il n'est pas vraiment important que l'image soit parfaitement dessinée sur toile. Essayez simplement de le faire ressembler grossièrement à l'image source. Lorsque vous aurez terminé, vous devriez avoir quelque chose qui ressemble à peu près à ceci. Il est toujours bon de peindre de l'arrière vers l'avant. Nous allons commencer par le ciel juste au-dessus de la ligne d'horizon, juste pour vous montrer à l'avance que c'est là que nous nous dirigeons avec le ciel. Comme nous l'avons appris, nous voulons avoir un ciel chaud et relativement clair à l'horizon, puis passer à un bleu légèrement plus foncé, puis à un bleu de plus en plus foncé lorsque vous passez au-dessus de votre tête. Je commence par un jaune froid, légèrement désaturé et assez clair, peut-être une valeur de deux à l'horizon, peut-être avec juste une petite touche de bleu sérilien Ensuite, j'augmente lentement la quantité de bleu sérilien dans le mélange Et il suffit de le mélanger à la couche légèrement plus basse vers l'horizon Ensuite, nous poursuivrons ce processus. Chaque fois que nous montons un peu plus haut par rapport à l'horizon, nous ajoutons un peu plus de bleu de Serilian, ce qui fait que notre mélange devient un peu plus foncé et un peu plus bleu Finalement, nous atteignons ce stade où nous sommes tout simplement serriliens, sans plus aucune influence du jaune Maintenant, le serrilien n'est pas simplement un sérilien sorti du tube C'est un cerrilien clair, peut-être un chiffre trois sur l'échelle des valeurs Ensuite, une fois que nous avons déposé cette couche de cerrilien, nous commençons à ajouter un peu de bleu outremer et en ajoutons un peu plus chaque fois que nous montons plus Notre ciel devient de plus en plus sombre et un bleu outremer au fur et à mesure que nous montons d'ici Nous sommes maintenant prêts à commencer avec l'herbe verte à l'horizon. Utiliser notre langage visuel pour faire reculer cette zone dans l'atmosphère. Nous allons regarder à travers ce voile de lumière bleue. Notre vert va être un peu plus clair et un peu plus bleu En d'autres termes, un peu plus frais. Je vais également utiliser mon pinceau synthétique pour mélanger cette zone herbeuse avec le ciel à la ligne d'horizon afin subtilement cette zone herbeuse avec le ciel à la ligne d'horizon afin de créer un bord beaucoup plus doux Encore une fois, les objets éloignés doivent avoir des bords plus souples. Ensuite, nous allons commencer à peindre les arbres au loin dans des couleurs beaucoup plus froides que celles que nous voyons dans le matériau d'origine. J'utilise un vert froid et un violet frais ici. Les valeurs doivent également être plus claires que sur la photo. contraste entre ces arbres et l'herbe est moindre entre ces arbres et l'herbe que celui que nous voyons sur la photo. Et cela va aider notre arrière-plan à s' éloigner, à s'enfoncer arrière-plan à s' éloigner, à s'enfoncer dans l'atmosphère Nous pouvons maintenant commencer à travailler sur notre prochaine parcelle d'herbe verte. En général, ces grandes plaques d' herbe verte qui commencent en arrière-plan et repartent vers l'avant. Chaque patch successif qui apparaît doit être conforme à nos principes de profondeur. Chaque zone devrait commencer à devenir plus chaude et plus saturée à mesure qu'elle se rapproche de nous. Bien entendu, nous jouerons à un jeu similaire avec les arbres. Les arbres devraient également se réchauffer au fur et à mesure qu'ils s'avancent , être plus saturés et plus contrastés à mesure qu'ils s'avancent. Nous accélérerons également fur et à mesure que vous verrez ces principes s'appliquer au milieu de la peinture. Ici, vous pouvez voir que les légumes commencent vraiment à chauffer. Et aussi de la chaleur et de la saturation qui pénètrent dans les arbres. Mais surtout beaucoup plus de contraste en termes de valeur également. Joignez-vous à moi dans la prochaine vidéo alors que nous nous frayons un chemin vers le premier plan. 5. Projet - Partie 2: Bienvenue dans le projet. Quand nous nous sommes arrêtés dans la dernière vidéo, nous étions juste en train de trouver le juste milieu. Nous allons maintenant passer au premier plan. Au fur et à mesure que nous nous dirigeons vers le premier plan, nous allons commencer par les ombres sombres dans l'herbe Maintenant que ces ombres pointent vers le ciel, elles seront influencées par la lumière bleue du ciel. Désormais, plus les ombres projetées sont éloignées de l'arbre, plus elles apparaissent claires et plus ses bords apparaissent doux. En peignant les ombres de cette façon, vous communiquez essentiellement avec le spectateur La lumière se réfracte autour de l'arbre. Nous aurons l' occasion d'adoucir ces bords une fois que nous aurons ajouté le reste du gazon. Vous vous souviendrez que l'une des façons dont nous faisons ressortir les éléments est de peindre plus en détail au premier plan Nous n' allons pas vraiment peindre des détails comme dans des brins d'herbe. Ce que nous allons faire, c'est créer une variété de greens différents au premier plan pour donner l'impression qu'il y a beaucoup plus de détails Nous allons peut-être utiliser trois ou quatre greens différents au premier plan. Et l'autre façon dont vous vous souvenez que nous mettons en avant des éléments est d'ajouter de la chaleur. Vos légumes verts les plus chauds, presque à la limite du jaune Doit être réservé cet espace d'herbe au premier plan. Avant de commencer à peindre l'arbre, je tiens à souligner quelque chose à propos des photographies. Les caméras ont tendance à sous-exposer les objets sombres devant un ciel clair. Les ombres de cet arbre apparaissent à nos yeux, notre œil nu semble beaucoup plus clair que ce que nous voyons sur la photo. Je vais peindre l'écorce qui se trouve dans l'ombre un peu plus claire, et j'utiliserai trois couleurs différentes. Cette couleur verte désaturée sera utilisée pour les ombres influencées par la lumière réfléchissante de l'herbe Cette couleur bleue sera utilisée par les ombres influencées par la couleur ambiante du ciel. Ensuite, la couleur violette sera utilisée pour le reste de l'écorce. Les ombres que je suis en train de peindre sur l'arbre sont appelées ombres de forme. Ce sont les ombres qui apparaissent sur les objets éloignés de la lumière. Cela s'oppose aux ombres projetées sur l' herbe projetée par l'arbre. La ligne où la lumière rencontre obscurité est connue sous le nom de terminateur. Dans la zone d'ombre, la plus proche du terminateur est appelée ombre centrale Ces ombres centrales que je peins actuellement représentent les zones de l'objet les moins affectées par la lumière ambiante ou réfléchie. Ils apparaîtront donc au plus près de leur couleur locale. En d'autres termes, la couleur réelle de l'écorce de l'arbre, j'utilise une sienne brûlée pour représenter cette couleur Après avoir défini les ombres principales, il est temps d'ajouter les reflets chauds et ensoleillés de l'arbre Comme ces points forts sont au premier plan, vous pouvez utiliser deux ou trois valeurs différentes pour les points forts Maintenant, il y a encore une ombre appelée ombre d' occlusion Elle apparaît comme l'ombre la plus foncée, ce sont les crevasses d' une forme particulière En les ajoutant, cela nous permettra d' obtenir un autre niveau de contraste au premier plan et de mettre ainsi notre arbre plus en avant Voilà notre peinture terminée. En appliquant nos principes du langage visuel, nous avons d'abord créé beaucoup plus de profondeur. Les collines s' effacent agréablement en arrière-plan, et le premier plan semble beaucoup plus vivant L'arbre ne ressemble plus un carton découpé sur lui-même, mais sa forme d' ombres et ombres projetées danse et joue avec la lumière. Merci d'avoir peint avec moi. Et n'oubliez pas de télécharger votre projet dans la section « Mon projet » de la section « projets et ressources » de ce cours. Merci encore