Illustrations en mouvement : créer des morphes avec Adobe Animate

1. Introduction: Bienvenue sur Moving Illustrations. m'appelle Hannah Lau Walker, et je suis une animatrice en 2D qui travaille dans la publicité depuis près de 10 ans maintenant. Ma chose préférée absolue à animer sont les morphs, donc cette classe va vous apprendre à créer des morphs dans Adobe Animate. morphs sont des animations d'effets spéciaux qui modifient une image en une autre grâce à une transition transparente. C' est un endroit idéal pour les débutants car c'est le genre d'animation qui met l'accent sur votre timing et vous permet d'être vraiment lâche avec vos dessins, ce qui vous libère vraiment pour vous amuser avec l'animation. Les compétences de base que j'enseignerai dans cette classe seront comment former votre œil pour voir quel style d'animation convient à quel style d'illustration, et comment utiliser les principes d'animation pour souligner ce style. Nous allons commencer par discuter des différents types de morphes et des styles illustratifs qui leur conviennent avant travailler sur certains principes d'animation de base. Ensuite, nous allons passer étape par étape dans Adobe Animate et travailler à travers le processus d'animation. morphes sont la partie la plus excitante de l'animation. Ils sont libres et libres dans un endroit où vous pouvez être presque créatif. Ce cours vous enseignera les principes de l'animation, puis vous permettra de repousser ces principes à leur limite lorsque vous les utilisez pour transformer vos propres illustrations. À la fin de ce cours, vous connaîtrez votre chemin dans Adobe Animate. Vous saurez comment déplacer une illustration dans une autre. Mais le plus important, vous aurez commencé à regarder vos illustrations dans une nouvelle vie et serez en mesure d'imaginer qu'elles perdent la vie sur votre écran. C' est la chose la plus étonnante à propos de l'animation. Si vous pouvez l'imaginer, vous pouvez le faire. 2. Quel est le projet ?: Ce projet de classe, nous animerons des morphes dans Adobe Animate. Ce projet permet aux illustrateurs de réfléchir au type d'animation qui convient le mieux à leur style. Comme les morphes sont vraiment flexibles, il crée un grand espace pour expérimenter et s'amuser avec l'animation. C' est un sujet parfait pour les débutants, car contrairement aux autres types d'animation, morphes sont beaucoup plus lâches et moins techniques, vous pouvez donc apprendre les principes de l' animation et les tester sans vous enliser dans les détails. Je pense qu'il est important qu'avant de commencer à animer, nous prenions le temps d'examiner quelles sont les meilleures approches de notre conception. L' animation peut être un processus très long et il est important de faire ces premières étapes et de considérer vraiment ce que vous faites avant de commencer à animer. Ce que vous ne voulez pas faire après une longue journée d' animation, c'est de réaliser qu'un style différent aurait été meilleur, ou que vous pourriez apporter quelques modifications à votre image de départ parce que cela peut signifier des heures plus de travail, et parfois même à partir de zéro. Maintenant, notre première classe, nous allons voir ce que sont les morphes et pourquoi ils sont utilisés. Nous allons vérifier différents styles de mouvement et comment ces mouvements incarnent le ton de votre design, donnant une réelle énergie et vie à vos illustrations. 3. Décomposer les morphes: Notre première classe sera de vous présenter au monde des morphes ce qu'ils sont, et où ils sont utilisés. morphs et les animations sont classés comme des effets spéciaux qui modifient une image en une autre par une transition transparente. Commercialement, les morphs sont utilisés pour passer d' une scène à une autre ou pour transformer une image en une autre. Je pense que les gens aiment utiliser les morphs pour les transitions d'une scène à une autre parce que cela peut aider à garder le rythme de l'animation. Au lieu d'utiliser des coupes comme vous le feriez en direct, dans l'animation, vous pouvez avoir un morphing plus amusant, gardant la fluidité du storytelling, et parfois même en utilisant ce morphing pour ajouter une autre couche de sens. Maintenant, regardons quelques styles différents de morphes. Nous allons nous concentrer sur la transformation d'une image en une autre, et nous commencerons par regarder la ligne droite la plus basique entre les deux. C' est super simple mais ne déchire pas autant de personnalité. Alors que vous pouvez avoir un morph avec plus de squash et d'étirement, qui a beaucoup plus d'énergie dans le caractère. Peut-être que vous ne voulez pas autant de choses, mais vous voulez passer rapidement d'une image à l'autre. Dans ce cas, vous pouvez utiliser un morph qui se concentre sur ses faciles. Ici, nous comptons beaucoup sur l'assouplissement de notre image finale. Il y a en fait très peu entre nos deux clés finales, et pourtant vous avez toujours l'impression de passer d'une image à une autre. L' utilisation de cette technique lui permet d'être un peu moins dur que de simplement couper d'une image à l'autre. Cependant, quand la plupart des gens pensent aux morphes, ils pensent souvent à quelque chose comme un frottis. Il y a beaucoup plus de distorsion et c'est beaucoup plus amusant à animer, créant des images vraiment allongées. Avec ce genre d'étoile, vous pouvez vraiment pousser votre animation à ses limites. Un autre changement qui pousse un design est quand vous déchirez l'image et que vous la reconstruisez en une autre image. J' adore ce truc. J' ai fait une version assez basique ici, mais vous pouvez vraiment pousser cette animation à être beaucoup plus chère. Ce ne sont que quelques façons d'animer un morphe. Mais vous pouvez vraiment faire tout ce que vous voulez, et cela peut vraiment fonctionner avec un mélange de ces différents types. En utilisant des petits morceaux de chaque élément, vous pouvez donner plus de texture à votre animation, ce qui le rend encore plus satisfaisant à regarder. Maintenant que vous connaissez quelques styles différents de morphes, vous pouvez vérifier nos animations que vous aimez et voir où ces techniques ont été utilisées, et s'il y a d'autres étoiles que vous aimeriez apprendre, il est vraiment important de commencer penser à la façon dont ces techniques peuvent être utilisées dans votre propre travail et former votre œil pour les voir dans d'autres. 4. Concevoir le mouvement: Dans cette leçon, nous allons examiner différents styles de design et discuter du style d'animation qui leur convient le mieux. Commençons par regarder des conceptions plus graphiques. Ici, vous pouvez voir, lorsque vous utilisez un style plus graphique se prête à des mouvements plus grands, plus audacieux, montrer plus de squash et d'étirement, et peut utiliser beaucoup plus de temps. Maintenant, comparons ceux avec plus de designs rendus à la main. Avec ce registre manuel, vous pouvez briser le design beaucoup plus facilement. S' appuyant sur des marques texturées pour passer de clé à clé. Ces animations sont moins rebondissantes mais plus fluides en utilisant les marques pour créer des textures qui mettent l'accent sur le mouvement. Maintenant, mettons cela dans un peu de contexte en prenant deux illustrations et en les animant de deux manières différentes. Comme vous pouvez le voir, ces dessins sont très délicats alors laissez-vous vers un style d'animation plus rendu à la main. Je les animerais d'une manière beaucoup plus lente et plus fluide, comme ça. Eh bien, un plus grand style rebondisseur comme celui-ci, il ne convient pas aussi bien au design. Nous voulons évoquer le sentiment de l'illustration au sein du mouvement plutôt que de lutter contre celui-ci. Il est important de prendre le temps de réfléchir à la conception avant de commencer à animer. Maintenant, regardons les illustrations. Vraiment n'importe quelle illustration peut être déplacée, mais certaines conceptions fonctionnent beaucoup mieux que d'autres. Voici une sélection d'illustrations qui ont mieux fonctionné pour les morphes. Comme vous pouvez le voir, ils sont plus graphiques et moins détaillés. Avec ces formes fortes, il est plus facile d' animer et vous donne plus de flexibilité quand il s'agit de votre mouvement. Une chose à retenir lorsque vous vous transformez, c'est que vous voulez vous assurer que vos designs ont des silhouettes différentes les unes des autres et cela vous rend beaucoup plus intéressant. Pour comparer, voici une sélection de modèles qui seront plus difficiles à transformer. fait d'avoir trop de détails et de textures le rendra plus compliqué et potentiellement très impressionnant à regarder. Vous voulez de la clarté dans votre mouvement, donc avoir des conceptions compliquées lors du morphing peut devenir visuellement déroutant. Après avoir parlé de la façon dont le design influence directement le mouvement, il serait cool pour vous de vérifier les animations que vous aimez style esthétique de puis de vous concentrer sur l'animation. Voyez ce qu'il s'agit de l'animation qui fonctionne avec ce style. Considérez le timing, le rythme, la forme du mouvement, puis prenez le temps de regarder votre propre style de conception et pensez à quel type de mouvement fonctionnerait avec cela. 5. Les principes de l'animation: Pour cette vidéo, nous discuterons des principes d'animation et en mettrons en évidence quelques-uns qui sont particulièrement utiles lors de l'animation de morphes. Commençons par examiner l'espacement et l'assouplissement. Lorsque nous parlons d'espacement, nous faisons référence à la distance entre chacun de vos dessins. Nous utilisons l'espacement pour chronométrer nos animations, et avec un bon timing, nous donnons l'intention aux mouvements que nous animons. Nous donnons aux mouvements une attitude et un sentiment. L' espacement de vos dessins donne même du poids aux objets que vous animez. espacement est donc une partie essentielle de l'animation. L' espacement intègre également l'assouplissement, qui décrit les dessins à l'une ou l'autre extrémité d'une action. Je pense que l'utilisation de la facilité est la partie la plus importante de mon travail. À mon avis, vous pouvez vendre n'importe quelle animation avec la bonne quantité d'assouplissement. Jetons un coup d'oeil à un peu d'espacement. Le premier morph a un espacement complètement uniforme. Vous pouvez voir qu'il n'y a pas beaucoup de personnalité dans cette animation, et le morphe ne dit rien. La deuxième animation est un peu plus rapide, et vous pouvez voir que nous avons favorisé notre cas un peu plus. Maintenant, ce troisième morph est beaucoup plus rapide, tout est facile, et nous les avons vraiment poussés entre les deux pour faciliter notre affaire. Vous pouvez voir combien de personnalité est dans cette morphologie par rapport à la première. Il y a beaucoup moins d'énergie. Les deux peuvent être utilisés là pour raconter une histoire. Le rythme régulier de ce premier correspond certainement à un certain style et peut être utilisé dans une animation lente et plus réfléchie. Par rapport à ce dernier morph, ils seront plus susceptibles d'être utilisés dans des animations à haute énergie et à rythme rapide. Maintenant, parlons de l'anticipation. Sybil Tyler a dit qu'il n'y a que trois choses dans l'animation : l'anticipation, l'action et la réaction, qui se résume pour leur dire ce que vous allez faire, faire, puis leur dire ce que vous avez fait. anticipation est vraiment la première partie de l'engagement de votre public. Nous utilisons l'anticipation pour attirer l'attention du public sur la bonne partie de l'écran au bon moment. La taille de l'anticipation va refléter la taille du mouvement qu'elle effectue. Donc, si vous avez une grande action se produire, vous voulez une grande anticipation pour préparer le public à ce qui est sur le point de venir. Regardons quelques exemples de cela. Ce premier morph est totalement égal, donc c'est juste dans le morph. Ce second virage, vous pouvez voir qu'il y a un léger mouvement vers le haut avant qu'il ne descende dans le morphe. Ce petit up est utilisé pour attirer l'attention du public avant le plus grand mouvement, c'est-à-dire le morphe. Voyons maintenant une version plus extrême. Passons à la courge et à l'étirement. Nous utilisons le squash et l'étirement pour donner plus de caractère à nos animations. L' utilisation de squash et d'étirement rend nos animations plus fluides et vivantes. Cette première animation n'a pas de squash et s'étire dessus. Maintenant, comparons ça à celui qui le fait. Vous pouvez voir ici comment nous étirons notre pomme sur l'anticipation et l'écraser en descendant dans le morph. Au fur et à mesure que nous sortons de ce morph, nous étirons notre animation, puis nous nous relâchons dans la position finale avec le squash à nouveau. Cela donne à l'animation une sensation de rebondissement vraiment agréable. Maintenant, poussons ça plus loin et comparons cette première courge et étirement avec une plus extrême. Vous pouvez vraiment utiliser tous ces principes à des degrés divers, et je pense que le style d'illustration que vous utilisez dictera combien vous voulez pousser chaque principe. Le dernier principe que nous examinerons aujourd'hui est le suivi. suivi est les extrémités de votre objet qu'ils traînent et se déposent après le mouvement principal. Cela peut inclure les bras, par exemple, lorsque vous faites des mouvements du corps entier, ou la dépose des cheveux lorsque vous tournez la tête. Lors de l'utilisation de mouvements extrêmes ou brusques, suivi aide à vendre le mouvement. Souvent, lorsque quelque chose s'installe après un mouvement rapide, nous donnons au public la chance d'enregistrer ce qui s'est passé. Regardons quelques exemples. Ce premier est juste notre animation de base avec un peu de squash et s'étirer dessus. Maintenant, ajoutons un peu de feu. Vous pouvez voir ici que la feuille et la paille suivent. La feuille a un léger mouvement qui mène à partir de l'anticipation, puis nous voyons la paille suit après que la boîte de jus termine son mouvement. Ce suivi vend vraiment le morph. fait d'avoir ce mouvement encore supplémentaire nous aide à ne pas nous sentir comme si nous étions arrivés à un arrêt soudain. Maintenant, voyons à quoi ça ressemble, poussé plus loin. Vous pouvez vraiment voir comment nous augmentons et diminuons tous ces principes à des degrés différents, et comment ceux-ci pourraient fonctionner pour vos illustrations. Ces versions plus extrêmes fonctionnent souvent mieux avec des illustrations rondes et plus graphiques, mais une utilisation plus subtile de ces principes ou quoi de mieux que le style plus écrit à la main. Ce sont les principaux principes d'animation qui me semblent importants lors de l'animation de morphes. Pour moi, j'aime utiliser tous ces principes, mais à des degrés différents selon la conception. Maintenant que vous connaissez ces principes, ce serait génial de regarder votre esthétique de conception et de réfléchir aux principes sur lesquels vous aimeriez vous concentrer. Peut-être même revenir en arrière et regarder les animations que vous aimez et remarquez pourquoi utilisent-ils ces principes, comment les utilisent-ils et comment vous pourriez être en mesure de faire la même chose pour vos designs. 6. Configurer Adobe Animate: Nous sommes en train de configurer votre projet Adobe Animate. Tout d'abord, créons un nouveau fichier. « Fichier », « Nouveau » ou Commande N. J'aime utiliser HD, qui est 1920 par 1080 à 24 images par seconde. Si vous allez publier des articles en ligne, 24 images est normalement un bon point de repère. Alors créons. Voici Adobe Animate. Vous avez vos outils ici. J' aime avoir le soulignement de la transformation juste à portée de main. Vous pouvez également les ajouter dans « Windows ». Ensuite, ici, nous avons notre bibliothèque. C' est là que vos cadres de style seront importés, ainsi que vos propriétés. Mais la chose principale ici, c'est notre Timeline. Donc toutes les couches et le dépouillement de l'oignon, que nous obtiendrons plus tard. Tout d'abord, sauvegardons ce fichier dans la version 1 de Skillshare, puis mes initiales. J' aime d'abord changer ma scène en bleu clair. Je trouve juste les blancs un peu brillants, et si vous avez travaillé toute la journée sur l'animation, ça peut être un peu fatigant avec vos yeux. En outre, vous voulez enlever ces couches avancées. C' est pour exporter et vous n'avez pas vraiment besoin pour l'instant. « OK » et j'ai une belle scène bleue. Maintenant, nous allons importer nos images de style, qui agiront comme nos images clés. Si vous préférez utiliser la conception que je vais utiliser dans ce projet, vous pouvez les télécharger à partir de l'onglet Projets et ressources de cette page. Importons, alors allez à « Fichier », « Importer à la scène ». Ensuite, nous voulons saisir nos deux cadres de style. C' est le premier. Si nous allons dans « Aligner », nous pouvons envoyer à cela. Assurez-vous que l'option Aligner à la scène est cliquée sur. C' est notre premier cadre de style. Ensuite, si nous cliquons sur cette seconde image ici et appuyez sur F7, cela va créer une image clé vierge et nous pouvons importer notre deuxième image de style. Encore une fois, si nous nous contentons d'aligner cela sur la scène. Voilà, deux cadres de style. Maintenant, ce que nous voulons faire avec cette couche est de se transformer en un Guide. Si vous faites un clic droit sur le « Calque », cliquez sur « Guide », et cela signifie simplement que lorsque nous exportons l'animation finale, ce calque ne va pas apparaître. C' est une sorte de couche cachée. Si nous renommons ces cadres de style. Ensuite, nous voulons revenir dans « Propriétés », faites un clic droit et cliquez sur « Opacity 50" juste pour que ce genre de caché, ce n'est pas si fini. Ensuite, créez un nouveau calque, qui est juste ce bouton ici, et étiquettez-le Rugueux. Maintenant, vous êtes prêt à aller jusqu'à la prochaine leçon. Notre prochaine leçon sera d'ébaucher l'animation. Ok, super. Merci. 7. Faire une ébauche de votre animation: Maintenant, notre dossier [inaudible] est terminé. Nous voulons commencer à ébaucher l'animation. J' aime faire toute mon animation rugueuse en utilisant l'outil pinceau. Donc, si nous cliquons sur « Pinceau » et cliquez sur la pression, cela signifie juste que nous obtenons ce joli bord effilé. Ensuite, si nous allons à Properties, j'aime avoir la brosse assez épaisse pour qu'elle ne devienne pas trop maigre, surtout avec un cadre de style comme celui-ci. En outre, si nous continuons de zoomer avec la scène, cela signifie simplement que peu importe que vous soyez proche ou loin de la scène, le pinceau restera de la même taille. Si nous l'enlevons, vous pouvez voir que ce sera comme [inaudible], ce qui est bon quand vous voulez faire beaucoup de détails. Mais pour la phase d'ébauche, je pense qu'il est bon de garder de grands mouvements audacieux et d'entrer dans les détails plus tard. Notre pression sur le pinceau, et j'ai la mienne sur le bleu. La première chose que j'aime faire est juste de tracer mes cadres de style. C' est un. Ensuite, si nous allons dans la timeline et cliquez sur l'image suivante et appuyez sur F7, cela crée une image clé vide. Ensuite, je peux dessiner sur le cadre de style suivant. Super. Ce sont deux cadres de style qui viennent de redessiner sur la scène. Maintenant, la raison pour laquelle je fais cela est que j'aime cacher la couche de cadre de style juste pour que nous soyons toutes des lignes bleues. Je pense que lorsque nous entrons dans l'ébauche et l'utilisation de la peau d'oignon, vous verrez pourquoi il est si utile de tout redessiner de cette façon. La prochaine chose est d'ajouter un cadre supplémentaire. Donc, si vous cliquez sur F5, cela crée un nouveau cadre, et F7 créera ce cadre vide. Maintenant, nous avons l'espace entre les deux clés. Nous voulons cliquer sur la peau d'oignon ici, et vous pouvez voir ces deux images clés, le violet référençant le cadre derrière et le vert référençant le cadre devant. J' aime prendre pour la couche verte juste pour que nous nous concentrions sur notre premier cadre de style et que nous sortions de ceci dans le prochain. Vous pouvez voir que je suis déjà en train d'écraser. Je veux m'assurer que nous suivons les arcs de ces feuilles. Les arcs aident vraiment à créer une animation fluide. Ensuite, pour voir à quoi cela ressemble, nous pouvons appuyer sur le bouton inférieur, qui clique en arrière, et puis nous, si vous voulez aller de l'avant, nous pouvons cliquer sur le bouton supérieur sur le clavier et enlever notre peau d'oignon hors. Ensuite, nous voulons juste maintenant garder dans les cadres. C' est F5, puis F7 pour un cadre vide. Je fais tout ce cadre par image. Je n'ai pas vraiment la clé autant que je le ferais dans quelque chose technique juste parce que c'est un peu plus amusant juste de le faire un peu plus en liberté. Nous ne voulons pas que tout bouge en même temps. Pour le moment, tout va vers le bas et vers le bas, mais nous voulons que cette base commence à venir, je pense. Donc, pendant que le haut est toujours en train de pousser vers le bas, la base peut sortir, ce qui ajoute juste un peu plus. C' est bien de voir les choses bouger à des moments différents juste parce que c'est plus naturel. Si vous voulez juste tester à quoi il ressemble, vous pouvez appuyer sur Entrée et cela vous donnera juste une lecture rapide. Maintenant, tout ce que j'ai actuellement est sur celles, et ce sera sur deux plus tard, mais j'aime juste garder toutes mes images rapprochées pendant que je teste juste des choses. Maintenant, au fur et à mesure que nous montons, nous passons à l'image clé suivante. J' aime alors mettre ça ici. Donc on a juste un endroit à viser. Tu étais descendu, et puis tu remontes. Nous voulons avancer tout à fait. Ensuite, vous allez ajouter un cadre ici et aller pousser au-delà. Tu veux juste dépasser ce cadre, monter, et revenir en bas. Maintenant, voyons à quoi ça ressemble. Oui, ça marche. On a écrasé tout le chemin et on s'est allongé. Nous voulons écraser un peu plus avant de nous installer dans cette position finale. Ça a l'air un peu plus agréable. Quand nous arriverons à ce point culminant et que nous reviendrons, je pense qu'on devrait commencer à révéler les fleurs. Je veux que ce mouvement soit légèrement différent, alors soyez toujours en train de se dérouler. Je vais suivre ce mouvement, suivre ça. Ce pot commence en fait à s'installer. Lorsque cela se produit, nous allons constater que le pot se termine avant que la plante ne le fasse. C' est juste avoir le bon suivi de l'usine. Donc, quand cela commence à se produire, créez une nouvelle couche et tracez la plante séparément. Ensuite, ici, je vais juste chercher l'outil lasso, qui est ici, touche L, et juste obtenir le pot du cadre de style final. Copiez cela, Commande, C, puis Commande, Maj, V pour coller en place. Alors ce pot est en finale. Si je tire ce cadre jusqu'à une couche différente, je garderai ce pot visible et encore la peau d'oignon. Parce que lorsque vous verrouillez une couche, vous ne pouvez plus voir la peau de l'oignon. Ensuite, cette plante met sur une couche différente, mais je peux encore voir les couches précédentes pour le mouvement de la plante. J' ai besoin de descendre cette plante, assez loin pour qu'elle puisse ensuite retourner là-haut. J' ai vraiment tendance à m'inquiéter des proportions élevées de choses à ce stade parce que c'est juste essayer de faire entrer le mouvement. Je pense qu'on devrait probablement s'écraser plus longtemps. Maintenant, si vous appuyez sur V ou flèche [inaudible], vous pouvez simplement sélectionner tout cela et nous pouvons revenir en arrière et voir que nous sommes montés, et ensuite nous voulons descendre. Mais je n'ai pas l'impression d'avoir assez écrasé pour qu'on puisse écraser ici, sortir de ce squash, et probablement enlever ce cadre. C' est un peu plus agréable. Extensible. Si vous appuyez sur Q, vous pouvez également utiliser l'outil de transformation. Appuyez sur Q ou sur ce bouton ici, puis prenons l'ancre. Alors si on l'écrase, je pense que c'est le truc avec des flashs, que tu n'as pas à être super traditionnel. Tu peux être un peu déchirant. J' ai l'impression que nous sommes dans cette position trop longtemps. Maintenant, nous avons une idée approximative du mouvement. Je vais tout mettre sur deux. On dirait que c'est dans un bon endroit. Maintenant, nous allons revenir en arrière et ajouter une certaine anticipation au début juste pour attirer l'attention du public sur le fait qu'un changement est sur le point de se produire. Joignez-vous à moi dans ma prochaine classe où nous allons ajouter un peu d'anticipation et continuer à rudesse. Merci beaucoup. 8. Créer de l'anticipation: Dans cette classe, nous allons continuer à ébaucher notre animation de morphologie et commencer par ajouter une certaine anticipation. Encore une fois, comme nous l'avons déjà dit, l' anticipation attire l'attention du public sur quelque chose qui va se produire. Au fur et à mesure que nous descendons ici, l'anticipation veut monter. Comme, « Hey, quelque chose va se passer ici. » Comme le pot descend, nous voulons que le pot monte en prévision, comme la plante descend, nous voulons que la plante monte. Laisse-moi juste jouer ça. La chose que j' aime faire quand je sais quelque chose est de regarder encore et encore. Ça aide à vraiment prendre n'importe quoi. Allons l'heure à sortir. Nous voulons juste ajouter, nous voulons donner assez de temps à cette anticipation pour vous préparer à la plus grande initiative qui est sur le point de se produire. Nous voulons aussi rendre cela lisse, et en le rendant lisse, nous devons entre les deux, afin qu'il ne se sente pas si brusque. Donc, nous voulons l'assouplir avec un entre-deux. Nous voulons nous en sortir avec un entre-deux. Peut-être même pour entrer. Maintenant, en regardant à quel point cette partie est rebondissante, j'ai senti que notre anticipation pourrait être beaucoup plus rebondissante. Donc, nous savons à peu près à quoi ressemble notre temps. Nous voulons juste que ce soit un peu gonflant, ce qui signifie que nous pouvons l'étirer un peu plus. Mais je suppose qu'un peu plus de rebond, juste peut à peu près entre ça. Vous voulez qu'un entre les deux favorise ici, puis un entre les deux en faveur de la première image. C' était un peu lent. Très proche entre les deux, nous donne juste assez de temps pour enregistrer ce mouvement et ensuite l'enregistrer. Nous sommes sur le point de faire quelque chose de dramatique. Je suis même tenté de revenir en arrière et de me lier entre les deux en favorisant cette première image. Quand vous faites une sorte de ces entre-deux dans ce, en favorisant, de cette façon. Je pense que certaines personnes pensent que c'est un peu exagéré, mais je trouve que même le moindre mouvement donne vraiment toute l'animation beaucoup de texture et de subtilité que peut-être, voir que c'est un joli sentiment là-bas. Ça éclate beaucoup. Je pense que si vous remarquez quand on le regarde, ça sort et on ne le voit pas très longtemps, ce qui le rend un peu décalé. Ce que nous pouvons faire quand nous voyons quelque chose surgir, c'est juste voir si tout cela s'écoule dedans. On pourrait pousser un peu ce dessin, et ensuite ce suivant, on peut favoriser ce dessin un peu plus. Comme vous pouvez le voir, je suis juste rude, en supprimant ce que vous voulez au lieu de, vous n'avez pas besoin d'être gentil et bien rangé dans cette section. L' ébauche est vraiment rugueuse. Personne n'est censé regarder ces dessins, vraiment. D' accord. Je pense que cette première partie a l'air bien. Dans le prochain cours, je pense que nous allons nous concentrer sur cette section de fin et ajouter un peu de suivi dans ces feuilles. Donc, si vous voulez vous joindre à moi pour le prochain cours, s'il vous plaît. Merci beaucoup. 9. Ajouter un suivi de mouvement: Dans ce cours, nous allons continuer à ébaucher notre animation de morphologie, concentrant sur le suivi. Nous avons ce bon mouvement ici avec ces suivre assez rapidement et parce que ce mouvement, sauvegarde est si rapide. Je voulais juste m'installer un peu plus pour que ça me semble naturel plutôt que d'aller directement ici et nous pouvons les dépasser légèrement. D' autant plus que c'est bien si nous n'avons pas tout fini en même temps. Je pense qu'il y a quelque chose de très surréaliste quand on voit l'animation et que tout s'arrête au même moment. Ça ne se sent pas très réel. Celui-ci va au-delà de son point de terminaison ici. On devrait être en mesure de le régler. Il y avait ça. On peut juste passer à un moment donné, donc on dépasse le point de terminaison. Je veux juste favoriser ce dépassement avant de le remettre en position finale. C' est tellement détaillé ici avec mes lignes ondulées, ça devient un peu brumeux, mais quand on atténue ça, ça devrait être un peu plus clair. Il suffit de dupliquer la dernière image clé. Je suis juste en train de supprimer un peu. Je ne veux pas encore m'installer. Juste pour augmenter mon [inaudible]. Je veux juste vérifier cette partie pour m'en assurer. Ça marche vers le haut. Je pense que tu veux t'assurer que tu n'as pas de morceaux comme ça qui colle. Tu veux faire ça. Favoriser le cadre précédent, puis celui-ci, favoriser le cadre suivant. Juste parce que tout bouge tellement, vous remarquez vraiment si quelque chose est coincé à une certaine position. Cela peut juste vraiment s'effacer. Cette position finale est vraiment difficile, donc vous voyez comment tout a un peu plus de subtilité et il est parfaitement bien d'avoir cela entrer aussi dur qu'il le fait, mais préférez juste avoir un peu plus doux penché dans ce cadre précédent un un peu plus. Ensuite, si nous mettons juste une trame clé ici, qui est F6, puis supprimez cette trame précédente, ou vous pouvez simplement mettre dans un favori intermédiaire, celui-là. Ça ne se sent pas aussi dur quand ça s'arrête, ce qui est important avec les morphs. Donc, vous allez garder tout assez fluide et rien ne se passe trop brusquement. Je pense qu'avec le suivi, cela diminue la brutalité de cet arrêt. Mais avec juste cela entre les deux, cela adoucit la dureté, et je pense que c'est la même chose pour les anticipations et les choses. c' est à peu près comme si vous n'aviez peut-être pas besoin de ce cadre. Mais pour moi, j'ai l'impression que tu veux juste adoucir ces bords. Juste en regardant à nouveau, j'ai l'impression que peut-être ici, cet arbre disparaît un peu vite. Ce serait bien de le voir un peu plus longtemps. Parfois, j'aime juste dessiner quelque chose parce que j'ai l'impression que vous aimez ce que vous avez got-ish, mais vous voulez juste dessiner au-dessus de la ligne de rêve où que ce soit. Vous voulez pouvoir tout voir à la fois. Je pense que dessiner et appliquer une couleur peut vraiment aider avec cela. Vous pouvez simplement le mettre en surbrillance et si vous appuyez sur « Maj », vous pouvez cliquer sur celui que vous ne voulez pas et la couleur choisir le bleu en arrière et simplement remplir cette ligne. Ça se sent un peu plus. Ça ne se sent pas aussi gros. Il se sent toujours un peu gras. Voyons voir ça. Juste avec l'outil « Transformer », il suffit de le rendre un peu plus maigre. Il y en a beaucoup alors. On peut juste le faire boucler la lecture en contrôle. Lecture en boucle juste pour le voir rebondir, mais j'ai l'impression que c'est dans un bon endroit. La prochaine étape sera le nettoyage et les productions plus importantes, normalement, vous aurez une étape d'arrimage où vous prendrez vos rughs et les rangerez tous pour que quelqu'un d'autre le nettoie. Mais quand je suis sur un projet juste pour moi-même, j'ai tendance à fusionner, nettoyer et attacher dans un processus, sorte que je peux gagner du temps parce que je connais l'intention de l'animation, donc je n'ai pas besoin de deviner ce qui est qui se passe. Super. Alors je te vois dans le prochain cours pour un nettoyage. 10. Nettoyer les lignes: Maintenant que nous avons terminé toute notre animation rugueuse, il est temps de nettoyer. J' aime mettre toute l'animation que nous avons dans un dossier. Étiquetez simplement cette animation rugueuse, puis cliquez sur le calque supérieur. Si vous maintenez la touche Maj enfoncée et cliquez sur le calque inférieur, je mettrai tout en surbrillance et vous pouvez simplement le faire glisser dans ce dossier rugueux. Ensuite, nous voulons aller dans les propriétés, donc faites un clic droit. Cliquez sur « Propriétés » et réduisez cela à, passons à 35 pour cent d'opacité. Maintenant, si nous jouons à travers, vous voyez que toute l'animation rugueuse est dans un calque ou 35 % d'opacité. Pour le moment, je vais juste éteindre et revenir sur notre cadre de style là-bas. Voici nos deux cadres de style original. Je vais commencer à nettoyer avec ma ligne. Je crée un nouveau calque, un calque de ligne, puis l'aspect de ligne devient noir. Nous voulons juste faire correspondre notre pinceau au pinceau utilisé dans le cadre de style. Comme vous pouvez le voir ici, il a un bord effilé. Peut être légèrement plus grand. Si vous allez à 17 dans les propriétés. Ici, on y va. Si vous appuyez sur F4, il masquera tous vos onglets. Maintenant, nettoyant la couche de ligne, on trace ça. Maintenant, éteignons ces trucs là-dedans et retournons sur notre couche rugueuse. Maintenant, vous pouvez voir que ce n'est pas le cadre final, alors il suffit de cliquer et de faire glisser ce cadre jusqu'à la fin là. En outre, je vais juste étendre cela, en cliquant sur F5 pour simplement ajouter quelques images juste pour qu'il tienne sur chaque image. Maintenant, j'aimerais passer à travers et trouver toutes les clés vraiment. C' est un ici, c'est votre point culminant et ensuite nous en avons un ici, un autre point le plus élevé, ici notre point le plus bas et il pourrait être ouvert. Je vais juste faire une couche pour le pot assis comme ça se termine plus tôt. Vous voulez obtenir ce dernier outil Sue, alors nous allons sceller la section, puis maintenez touche Maj, puis la commande X enlève cette pop, Command Shift V, qui l'ouvre à l'intérieur. Tu peux juste nettoyer un peu. Les premières choses d'abord. Nous voulons nettoyer ces premiers cadres, mais nous voulons mettre la peau d'oignon juste pour que nous puissions voir le cadre avant. Donc c'est ta première clé. Enlevez la peau de l'oignon et vérifiez juste, en cachant les rugueux. Ensuite, faisons notre prochaine clé. C' est bon quand vous nettoyez pour vous assurer que vous le faites consciemment, et vous n'êtes pas seulement de tracer le travail de ligne qui est là parce que les rughs peuvent être assez rugueux. Vous voulez juste vous assurer que tout fonctionne réellement et qu'il n'y a pas de vacillances et qu'il n'y a pas de pops. Vous devez toujours penser à l'animation et au mouvement. Enlevez ça et vérifions. On peut y jouer. C' est sympa. Éteignez les rughs. Avec cette clé, nous allons également vouloir un cadre CPN parce que quand nous arriverons à cette base, il sera affecté par cela. On met juste la peau d'oignon et on fait glisser les ancres jusqu'à la fin. Vous pouvez juste voir où est la base de cela. Comme vous pouvez le voir en rugueux, nous montons et descendons et nous entrons dans cela. On veut juste le faire venir au-dessus. Nous voulons toujours être conscients de ce que nous visons. Quand il s'agit de ces détails de feuille, ils les feront dans une couleur différente parce que certaines parties d'entre eux se chevauchent les autres. Si nous les faisons dans une couleur différente, nous pouvons le supprimer comme ceci par exemple. Comme vous pouvez le voir, celui-ci et celui-ci sont devant ces deux-là. C' est celui-là et celui-là, donc on va les faire d'abord. Vous dites juste ici, Commande Z comme annulation, donc quand vous voyez les choses disparaître, c'est juste parce que je suis le commandement « Zeding » eux. Vous pouvez simplement supprimer cette partie. Maintenant, c'est fait. Nous pouvons mettre en évidence le tout et le rendre en gras noir. Enlevez le rugueux sur la peau de l'oignon et voyons à quoi ça ressemble. Il suffit de mettre la clé F7 là pour qu'on n'ait pas à voir ça. Verrouillez-les de sorte qu'aucun d'entre eux n'est sélectionné. Ça fait du bien. Maintenant, si nous retournons sur notre rude, alors maintenant j'ai mes clés. Je vais juste commencer à mettre des cadres vides. C' est tout à fait rugueux. Je vais juste enregistrer une nouvelle version, la version 3. Nous voulons garder les choses tout au long parce que l'anime peut être un peu délicat et il aime planter. Il est juste bon de vous assurer que vous avez enregistré plusieurs versions. Maintenant, on va remettre la peau d'oignon et on va regarder notre animation rugueuse et nos clés. La raison pour laquelle nous faisons les clés est rendre l'animation aussi lisse que possible. Parce que je vois beaucoup de gens comme nettoyer tout droit, ce qui veut juste dire qu'il y a le potentiel que vous allez avoir plus de vacillances dans votre ligne. Juste en utilisant des clés, j'ai l'impression que ça aide à les arrêter. Si vous voulez accéder à vos paramètres avancés, vous pouvez modifier l'opacité de la peau de l'oignon. Si vous venez de le ramener à 50, peut être un peu moins intense. J' espère que vous voyez votre propre animation rugueuse. Elle pourrait même le mettre en bas, ça marche mieux pour moi. Si vous cliquez sur ce bouton de boucle, il vous permettra de voir une petite section encore et encore. Vous pouvez voir ici que ces éléments clignotent, qui est fondamentalement votre brosse va d'épaisseur à mince, ce qui peut vous plaire ou non. Pour moi, j'aime ça, mais aussi je ne veux pas trop le faire. Je vais juste rendre celui-ci plus épais. Je pense que parfois le scintillement peut lui donner un joli peu de texture, mais parfois comme ici, vous pouvez voir que c'est juste parce que l'intervalle est éteint. Pendant le nettoyage, vous voulez vérifier constamment votre travail juste pour vous assurer qu'il ne s'éteint pas du modèle ou que toute l'animation ne fonctionne pas d'une manière ou d'une autre. Cette première section, elle est bien nettoyée. Passons maintenant à la deuxième section. Nous devrions viser ce cadre d'abord parce qu'il a le plus grand mouvement donc c'est là que nous allons arrêter de nettoyer. J' aime dessiner des arcs rugueux pour quand j'anime, juste pour que vous puissiez vous assurer que tout va dans la bonne direction. Parfois, il est difficile de le voir sans un guide pour vous-même. Si vous tracez une ligne d'action pour vous-même, je trouve que cela peut être très utile. Maintenant, c'est une bonne image suivante, parce que c'est entre ces deux par rapport à ce cadre qui favorise le cadre plein. Si nous passons à celui-ci maintenant. Pour un projet comme celui-ci, il nous manque un pas du milieu, qui est d'attacher des choses. Après l'étape d'ébauche, vous auriez une étape d'arrimage où vous mettez tout sur le modèle et le nettoyez au point que quelqu'un ici viendra plus tard pour nettoyer, ne sera pas confondu par les lignes rugueuses. Mais parce que je nettoie tout cela moi-même, j'ai tendance à aimer fusionner le lien et nettoyer en un seul travail juste parce que cela me fait gagner du temps parce que je n'ai pas à considérer ce que quelqu'un d'autre a fait à ce point. Je sais déjà quelle est l'intention de l'animation. Une chose que nous voulons nous assurer est que toutes nos lignes tombent entre les deux. Voyez comment ça ne tombe pas tout à fait entre ces deux images. Nous voulons nous assurer que tout devient lisse et que tous les entre-deux fonctionnent bien. Parfois, quand vous voulez voir plusieurs cadres différents comme je veux voir ce cadre de fin, mais je veux aussi vérifier les rughs. Je vais juste appuyer sur Alt ou option et faire glisser un nouveau cadre ici, donc je peux juste voir cela à côté mais aussi être capable de voir les rughs ci-dessous sans avoir à couvrir tous ces rughs et voir beaucoup trop de cadres. Je vais juste ajouter quelques cadres de plus ici juste pour régler ces feuilles parce que j'ai l'impression que les feuilles elles-mêmes sont si détaillées mais ça va juste aider à avoir un peu plus s'installer là-dedans. Mais oui. Maintenant, nous sommes tous nettoyés. Super. Maintenant, la ligne est terminée. On va passer à la couleur. 11. Colorer l'œuvre d'art: Dans cette classe, nous allons passer à la couleur. J' aime dupliquer le calque de ligne, donc cliquez avec le bouton droit sur Dupliquer le calque et déplacez cela sous la ligne là-bas et nommez-le quelle que soit la couleur que vous allez faire, laissez-nous faire les feuilles, donc c'est vert. Alors, si vous cachez tout, j'ai tendance à changer ce calque de ligne pour être invisible. Je vais mettre en évidence toutes les couches. Si vous cliquez dessus, c' est la peau d'oignon où vous pouvez voir et éditer toutes les différentes couches qu'il met en surbrillance. Si nous faisons tous les calques, puis cliquez sur ce qui met en évidence tout, vous pouvez alors aller à la couleur et changer l'Alpha à zéro. Toutes les lignes sont invisibles, mais elles existent toujours. Cela signifie simplement que vous pouvez maintenant remplir tout ce calque avec la couleur verte et vous ne serez pas en mesure de voir les lignes, donc si vous avez besoin d'exporter juste le vert pour faire une forme de texture ou quelque chose et des effets secondaires, vous aura juste ce cas de remplissage vert. Ensuite, si nous ouvrons le cadre de style, découvrons, changez les propriétés pour visible, nous pouvons choisir la couleur. Donc, si on appuie sur I, je vais juste choisir la couleur verte et ensuite je peux le cacher à nouveau. Cliquez sur votre calque vert et remplissez simplement. Maintenant, nous allons faire la même chose pour les autres couleurs. Comme vous pouvez le voir, vous ne pouvez pas remplir quelque chose comme celui-ci car en fait le calque est dans cette partie, donc en fait ce n'est pas vraiment forme de forme. Vous devez combler cet écart et être en mesure de combler. Évidemment, cela signifie que vous aurez un peu de superposition ici. Donc, nous voulons juste déplacer la couche de lumière sur le dessus juste pour qu'elle couvre l'un de ces petits morceaux. Je pense que quand vous avez des éléments comme celui-ci qui passent d'une couleur à l'autre, vous avez juste besoin de tester où il remplit le bon pour vous. Quelle partie du mouvement va cacher cette couleur changer le mieux. Quand nous arrivons à ce point, nous nous transformons dans le cadre de style suivant. C' est comme un bon endroit pour commencer le changement de couleur. Là, nous l'avons. Tout nettoyé déplacer, tout beau et coloré. Maintenant que nous avons bougé, dans la prochaine classe, nous allons l'exporter. Joignez-vous à moi pour la prochaine session. Merci. 12. Exporter: J' ai toutes ces couches ici. Cela signifie que l'animation rugueuse sortira dans l'exportation, mais nous pouvons les transformer en une couche de guidage. Cliquez avec le bouton droit de la souris, transformez en guide. Mais il y a autre chose que je trouve très utile lorsque vous voulez vous assurer que ces couches cachées ne sortent pas dans votre exportation, et c'est si vous allez dans Paramètres de publication de fichier et Inclure les calques cachés. Donc, vous voulez vous assurer que ce n'est pas coché. Cela veut juste dire que tout ce que vous avez caché ne sortira pas sur l'exportation. Lorsque vous utilisez des symboles et des choses comme ça, parfois vous pouvez avoir un calque caché quelque part au fond d'un symbole, et lorsque vous l'exportez, il clignote tout au long de votre animation et vous n'avez aucune idée d'où il se trouve. Cela signifie simplement que tout ce que vous voyez sur la scène est le thème que vous allez dans l'exportation. J' espère que vous savez des choses cachées qui apparaissent soudainement. Super. Maintenant, nous sommes prêts à exporter. La première chose que vous voulez faire est de considérer où vous voulez exporter. Par exemple, si vous voulez exporter vers un Tumblr, vous allez vouloir exporter un GIF. Si nous voulons exporter un GIF, nous allons dans Exportation de fichier, Exporter GIF animé, puis cela apparaîtra. Il y a quelques choses ici que vous voulez vérifier. La première chose est la transparence. Voulez-vous que votre transparence soit activée ou désactivée ? Si tu veux l'enlever, ça viendra pour la couleur de scène que tu as. Si tu le veux, il aura juste un Alpha derrière. Je pense que lorsque vous exportez des GIF pour quelque chose comme des autocollants Instagram ou des autocollants GIPHY, vous voulez vous assurer que votre transparence est activée. Cela signifie simplement que l'animation est l'objet principal de votre autocollant, il n'y a pas de boîte autour. D' autres choses que vous voulez vérifier sont la taille, si c'est la bonne taille d'image pour vous si vous voulez coller avec votre HD, et aussi si sa boucle pour toujours. Il est important d'avoir la boucle pour toujours un comme autrement, je vais juste jouer une fois et il y aura une image fixe. Une autre chose qui est bon de vérifier à ce sujet est, est ici, vous pouvez voir la taille estimée du fichier lorsque vous l'exportez. Donc, il devrait sortir à 1,5 mégaoctets. Si c'est quelqu'un comme Tumblr, parfois ils ont un plafond de la taille de ce fichier. Si, par exemple, vous vouliez que ce soit plus petit, vous pouvez en changer la taille ici. Vous pouvez simplement l'abaisser à 50 pour cent, donc c'est juste une image plus petite. Alors évidemment, ce sera une taille de fichier plus petite, mais exportons 100 pour cent. On veut aller à Save, et ça va apparaître. Vous voulez créer un dossier d'exportation, puis il suffit de le mettre dedans. Maintenant, si vous retournez dans notre dossier Finder, Exporter et il y a votre GIF. D' autres endroits où vous pourriez vouloir exporter sont quelque part comme Instagram ou Vimeo, alors vous allez vouloir explorer MP4 [inaudible]. Si nous revenons dans Export, nous pouvons aller dans Export Video/Media, et cela fera apparaître cette boîte. H. 264 est une exportation standard. Vous voulez juste vous assurer qu'il va dans le lieu de travail, donc notre dossier Export. Ici, vous pouvez choisir s'il a un Alpha ou non. Je vais garder ma couleur de scène bleue et puis je suis prêt à exporter. Cela ouvrira alors Media Encoder, qui est ici. Une fois qu'il sera exporté, cela apparaîtra. Vous pouvez simplement cliquer ici. Il est rapide de le trouver, et c'est votre animation. Maintenant, celui-ci ne bouclera pas contrairement au GIF. Si vous voulez faire quelque chose qui boucle quelques fois, vous pouvez mettre les deux options. Vous pouvez faire glisser et copier l'animation pour qu'elle soit jouée deux fois ; c'est un moyen bon marché de le faire, ou vous pouvez l'importer dans After Effects et la faire boucler là, ce qui est très utile. Si vous voulez importer votre animation dans After Effects, je recommande au lieu d'important votre MP4, créez une séquence PNG juste parce que c'est une version haute résolution. Nous allons à Exporter, Exporter un film, et je viens de mettre un peu de soulignement à la fin d'ici, et de créer une séquence PNG. Votre séquence PNG n'aura pas vos arrière-plans de scène, donc elle créera un calque Alpha pour vous, ce qui vous laisse avec peu d'animation. Les PNG peuvent être assez lourds, vous pouvez également exporter un fichier SWF pour un fichier After Effects. Les fichiers SWF sont très utiles pour l'importation dans After Effects, car ils sont basés sur des vecteurs Vous pouvez donc les agrandir et en diminuer la taille. Cela ne changera pas la qualité de l'animation. Alors que le PNG est une image fixe, il va pixéliser plus vous l'agrandir, alors que la façon SWF, ce qui est vraiment utile. Ouvrons After Effects rapidement et vous montrons comment exporter une version en boucle de votre MP4. Je vais importer un SWF. Voici notre SWF. Si vous cliquez avec le bouton droit de la souris, vous pouvez alors interpréter le métrage, principal. Vous voyez ici, vous pouvez le boucler plusieurs fois. Donc je vais le boucler cinq fois. Ensuite, je vais faire glisser ce SWF ici, il apparaît sur la scène. Il est bon de faire glisser votre SWF ici, car il gardera toute la taille de votre fichier sur la scène. Ensuite, je vais créer juste une couleur de fond, c'est juste une forme. Pose ce pin là, et tu peux voir ton animation. Maintenant, pour rendre que nous voulons aller à Composition, Add Media Encoder que nous avons utilisé auparavant. Ici, nous avons Media Encoder. Encore une fois, nous exportons à H. 264. C' est juste un peu plus d'informations sur l'exportation. Si nous cliquons sur la sortie juste pour vérifier où il va, Skillshare, Animation, Export, et ici. Comme vous pouvez le voir, il va l'exporter en tant que MP4, puis l'exporter. Ensuite, nous pouvons cliquer ici et trouver notre exportation. Voilà notre animation répétée. Ce sont toutes les exportations et ce sera incroyable de pouvoir voir tous les vôtres. Si vous voulez publier l'un des plus que vous faites dans les forums de discussion, ou me taggez sur Instagram ou quelque chose. Ce serait vraiment cool de voir ce que vous avez fait de la classe. Incroyable. Merci beaucoup. 13. Réflexions finales: Félicitations, vous êtes arrivé jusqu'à la fin de la classe. Nous avons tout couvert, du choix de vos illustrations à l'exportation de vos animations. S' il y a une chose que j'espère que vous pouvez enlever à la classe, c'est la suivante, avec quelques principes, vous pouvez donner vie à n'importe quelle illustration. Mais pour vous assurer que votre design est fidèle à lui-même, prenez le temps de considérer le mouvement que vous animez. Veuillez télécharger vos projets dans l'onglet Projets et ressources sur la page de la classe, car j'aimerais vérifier vos travaux si vous avez le temps de les réaliser. Merci beaucoup d'avoir regardé ma classe. J' espère que vous le trouvez utile et j'espère vraiment que vous avez eu du plaisir ; plus d'illustrations de doigt. Merci.