Illustration graphique : Concevoir audacieusement avec la couleur et la forme

1. Introduction: Peu importe ce que vous avez autour de vous dans tout, petite chose que vous pourriez trouver une source d'inspiration. Donc, nous sommes ici pour le cultiver et le transformer en quelque chose de fantastique. Bonjour, je m'appelle Olimpia Zagnoli, et je suis illustrateur basé à Milan, en Italie. Si je devais décrire mon travail, je dirais probablement que c'est très coloré, mais simple en même temps, comme l' illustration devient de plus en plus populaire, je pense qu'il est essentiel de savoir d'où vous venez, connaître vos références afin de devenir un illustrateur unique et d'être heureux et réussi. Aujourd'hui, nous allons jeter un oeil à mon processus de création et voir comment j'essaie intégrer tous ces éléments dans une illustration et nous allons le faire en créant des autoportraits. J' ai travaillé dur pour trouver ma propre voix. Au début, c'était vraiment difficile parce que je savais ce que j' aimais, mais je ne savais pas comment le traduire à ma manière sur papier, et il m'a fallu beaucoup de temps pour essayer d' incorporer tous ces éléments que j'aimais dans quelque chose C'était le mien, presque tout ce que je fais parle ma langue, donc j'ai de la chance d'être là maintenant. 2. Le langage de la couleur: Une fois la chose qui pour moi est vraiment importante, c'est la couleur. Quand j'ai commencé à travailler, j'étais vraiment timide dans le département couleur de mon travail. Parce que je sentais que cette couleur était si puissante qu'elle pouvait vraiment changer l'humeur d'une pièce, surtout si elle était jumelée à une autre couleur ou avec plus de couleurs. Plus j'ai commencé à explorer cette langue, parce que je pense que c'est bien une langue, plus j'ai commencé à l'utiliser de façon plus responsable ou non, selon le cas. Il m'a fallu des années pour devenir plus courageux dans l'utilisation de couleur et beaucoup de couleurs que je détestais celles sont devenues mes couleurs préférées. Beaucoup de ces couleurs avaient une connotation très spécifique dans ma mémoire. Par exemple, le jaune et le brun ensemble étaient quelque chose que je détestais parce qu'ils me rappelaient les porte-pots de ma grand-mère et puis au fil du temps ils ont changé et j'ai commencé à les utiliser un peu et les incorporer un peu dans mes morceaux jusqu'à maintenant que je les aime ensemble parce qu'ils sont devenus quelque chose nouveau et de plus excitant et ils ont maintenant une connotation totale différente par rapport à ce qu'ils avaient il y a des années. Au début, j'ai utilisé beaucoup d'arrière-plans gris en particulier et j'utiliserais le rouge, bleu et le jaune comme un choix sûr. Les couleurs primaires suppriment la pression de votre choix de couleur et vous permettent de travailler sur la structure de l'illustration, sur le concept derrière elle tout en faisant un choix très sûr et élégant. Je suggère aux étudiants et aux débutants utiliser ces couleurs quand vous ne savez pas quelle couleur choisir, comme le bleu, le rouge et le jaune sont toujours un excellent choix et plus vous allez les utiliser, plus vous apprendrez à ajouter quelques autres couleurs pour eux et les changer et faire un mélange intéressant à partir d'eux. La couleur vous permet de définir l'ambiance d'une scène. Vous pouvez également donner une couleur beaucoup d'interprétation si vous savez comment l'utiliser. Par exemple, le noir est une couleur qui est généralement très sombre et sombre. Mais si vous le mélangez avec d'autres couleurs, avec des couleurs plus vibrantes, il devient très joyeux et très vibrant. Cela pourrait être comme l'arrière-plan d'une composition graphique. Cela pourrait être une illustration de la lumière dans les ténèbres. Ça pourrait être une belle robe élégante. Cela dépend vraiment de la façon dont vous l'utilisez. Par exemple, le rose était si girly pour moi que je ne pouvais même pas l'utiliser dans mes œuvres quand j'ai commencé à travailler, puis j'ai appris comment l'utiliser et comment le combiner avec d'autres couleurs et maintenant il ne me semble pas girly du tout. Il se sent comme une très grande couleur neutre qui se sent si bien à mélanger avec d'autres couleurs, en particulier les couleurs qui sont ennuyeuses comme les bruns et les gris et qui fonctionnent si bien ensemble. En fait, il est devenu une couleur que j'utilise beaucoup et j'aime maintenant. Plus vous allez utiliser des couleurs, plus vous allez trouver de nouvelles significations aux couleurs. Je n'ai jamais fixé de limite dans l'utilisation des couleurs que je vais utiliser pour une pièce. Mais j'ai tendance à utiliser trois à quatre couleurs dans chaque illustration que je fais. Surtout avec les étudiants, je découvre qu' il est vraiment important de leur donner une limite parfois. Parce que les couleurs sont si excitantes et que vous voulez les utiliser. Peut-être que vous avez un nouveau set de crayons ou autre chose et que vous voulez tous les utiliser. Mais encore une fois, comme je l'ai dit, le pouvoir de la couleur est si important et si lourd que parfois quand on met trop de couleurs, il devient trop lourd et on perd la concentration et on ne sait pas quel est l'objectif principal de l'image. Se demander combien de couleurs je veux utiliser pour cette pièce est toujours une bonne question pour commencer à travailler sur une pièce. Ensuite, pendant que vous êtes dedans, vous pouvez ajouter une couleur de plus ou vous pouvez enlever une des couleurs et ils vont vous montrer une telle différence dans la pièce finale. noir peut avoir tant de significations. Par exemple, il y a une pièce de Fortunato Depero, futuriste italien et l'un de mes artistes préférés, où il utilise le noir pour souligner les personnages qu'il a dans sa pièce. Il l'associe au blanc et au rose et il devient très vibrant et très joyeux d'une certaine manière. Il y a un autre morceau de Dick Bruna. C' est une couverture de livre et il utilise noir en paire avec le rouge et c'est un contraste très fort. Il l'utilise pour décrire une scène mystérieuse. Chaque fois que je reçois une nouvelle mission, je me demande toujours quel personnage je veux représenter ? Disons que j'ai une mission à propos d'être le patron d'une grande société. Je suis très chanceux parce que je peux m'arrêter une seconde et me demander si je veux représenter une femme ? Est-ce que je veux représenter un homme ? Est-ce que je veux représenter une personne noire, bleue, blanche, jaune pour être le patron de cette société ? La plupart du temps, mes choix sont acceptés par un directeur artistique. Arrêtez-vous une seconde et demandez-vous, quelle est l'histoire que vous voulez raconter ? Je pense que c'est très important et c'est une responsabilité que tous ceux qui travaillent avec des images visuelles devraient avoir et devraient faire. Parce qu'une fois l'œuvre imprimée , votre public reconnaîtra le choix que vous avez fait et si vous ne faites pas de choix, vous faites quand même un choix. Je pense qu'il est vraiment important d'aborder votre pièce en fonction de vos besoins et de vos réflexions sur le monde. Quand je suis arrivé à New York, j'ai pris le métro de toute évidence et j'ai réalisé qu'il y avait tellement d'art autour de moi. J' ai tout de suite essayé de trouver qui était responsable de ce programme artistique. Et j'ai découvert que MTA avait un programme artistique et j'ai envoyé un courriel, je pense que c'était 2008 et je n'ai jamais eu de nouvelles d'eux depuis des années. Il y a deux ans, peut-être trois ans, j'ai reçu cet e-mail d'un de leurs directeurs et ils m'ont invité à faire partie de ce projet et j'étais super excité. La mission consistait à créer une affiche sur la ville de New York. C' était un concept super large. Je devais juste décider de l'histoire que je voulais raconter. J' ai commencé à penser à l'idée de cette femme de Harlem qui allait marcher jusqu'à la Statue de la Liberté et y arriver au coucher du soleil. Et quand j'ai commencé à dessiner et que j'ai commencé faire toutes ces montres comme des couleurs autour de mes croquis, j'ai immédiatement su que je voulais qu'elle soit une femme de couleur parce que je pensais que c'était vraiment authentique pour mon histoire. J' ai construit la palette de couleurs autour de ça. J' ai choisi la couleur de sa peau, puis autour d'elle, j'ai choisi les autres couleurs selon ça. Je savais exactement ce que je voulais dépeindre au début et je choisis les couleurs principales, puis j'ai commencé à jouer avec eux et j'ai pensé qu'il serait intéressant d'introduire une couleur ou des couleurs qui n'étaient pas comme prévu. Par exemple, elle a des cheveux orange brillants, qui ne sont peut-être pas ce que prévu. Je pense qu'il est intéressant de changer la perspective de ce que vous pensez que cela va être naturel et normal et d'essayer de le voir d'un autre point de vue. Les affiches que j'ai faites étaient autrefois sur les quais du métro à l'intérieur des trains et elles ont été vues par tant de gens. C' était vraiment inattendu pour moi. C' était vraiment excitant parce que j'ai eu la chance d' interagir avec tant de gens qui ne sont généralement pas mon public. J' ai eu des photos, des courriels de gens qui étaient des navetteurs, qui prenaient le train tous les jours avec leurs enfants, avec leurs familles, pour le travail et c'est vraiment comme une fenêtre sur un monde que je vois rarement de mon petit studio. C' était vraiment un projet très spécial pour moi. 3. Inspiration et ressources: Ce que j'ai appris à enseigner, c'est que, plupart du temps, les étudiants ont l'impression d'avoir besoin d'aller à l'étranger pour le faire ou qu' ils ont besoin de s' inspirer d'autres illustrateurs qui viennent peut-être des États-Unis ou qui sont asiatiques, et c'est génial. parce que de toute évidence, copier des illustrateurs est une excellente pratique. Mais je pense qu'ils oublient que la raison pour laquelle ces illustrateurs se sentent si exotiques et passionnants, c'est parce qu'ils sont uniques. Donc, nous devons cultiver cette unicité que nous avons en nous. Pour ce faire, il est toujours très bon de vous poser quelques questions avant de commencer à travailler. L' une des questions est, où viens-tu ? Vous pourriez penser que l'endroit d'où vous venez est l'endroit le plus ennuyeux de la terre, et qu'il n'y a rien de bon à ce sujet. Mais je parie que chaque endroit a un potentiel. Par exemple, j'ai grandi, je veux dire que je suis né à Reggio Emilia, qui est une très petite ville du nord de l'Italie et qui est dans un avion. Donc, si vous prenez un train pendant des heures, tout ce que vous allez voir de la fenêtre, c'est deux bandes. Une bande bleue pour le ciel et une bande pour l'herbe. Donc, il n'y a rien de vraiment intéressant à ce sujet, mais je pense qu'en grandissant autour d'elle, je l'ai eu dans mon esprit pendant si longtemps, et c'est probablement la raison pour laquelle, par exemple, quand je dessine des paysages j'utilise une sorte très bidimensionnelle de façon similaire de parler des lieux, et aussi peut-être que cela pourrait être la raison pour laquelle j'aime tant les rayures. Je porte toujours des rayures, je mets toujours des rayures sur les vêtements de mon personnage. Encore une fois, vous pourriez avoir l'impression que votre vie n'est pas aussi excitante, mais si vous regardez autour de vous, vous verrez quelque chose de spécial et qui est à vous. Par exemple, quand je grandissais, ma mère avait beaucoup de livres d'art dans la maison, qui étaient bien sûr très utiles. Mais quand vous êtes enfant, vous n'êtes pas vraiment intéressé par l'art en soi. Donc, je regardais les couvertures du livre et la plupart du temps, j'ouvrais le livre et le livre était totalement ennuyeux pour moi. Donc, je regarderais les couvertures du livre. Je me souviens que ma mère avait ce livre sur l'architecture, c'était comme une architecture fantastique. Sur la couverture, il y avait cette maison, c'est essentiellement un visage et j'ai découvert des années et des années plus tard que c'était en fait un bâtiment de Nikki de Saint Phalle. Je l'ai trouvé si intéressant parce que cet artiste pouvait prendre quelque chose qui est un visage, avec de grands yeux et une grande bouche avec une langue à l'extérieur et le transformer en une architecture. Donc, je pense que de toutes ces choses que je regarderais autour, que je trouverais dans la maison donc je n'ai jamais vraiment pensé qu'elles étaient spéciales. J' en ai pris des petits morceaux et je les ai transformés en quelque chose qui est maintenant mon style. Une autre chose que j'ai grandi, c'était la musique. J' écoutais beaucoup de musique et je pense qu'il y a eu un moment où la musique m'a sauvé la vie. Quand j'étais adolescente, mes parents ont rompu et j'avais l'impression que j'avais besoin d'une sorte de communauté autour de moi qui pouvait me comprendre et je ne pouvais pas la trouver dans ma classe. Alors, c'est alors que j'ai découvert que le punk et le punk étaient vraiment importants pour moi parce que ça m'a donné une sorte de réconfort et en punk, j'ai découvert beaucoup de choses que je n'attendais pas. Par exemple, j'ai vu non seulement la musique, mais aussi le style de celui-ci, et j'ai vu surtout que le rôle des gens dans punk où il était très différent de ce que j'imaginais. Surtout le rôle des femmes était très intéressant pour moi parce que les femmes en punk pouvaient être libres, pourraient être excessives, pourraient porter une mini-jupe et ensuite avoir les cheveux bleus, et chanter dans un groupe, et être le centre de la attention sans se sentir jugé. C' était quelque chose qui était si puissant et ça me colle tellement que je pense maintenant, mes personnages comme les femmes que j'ai dépeint mais aussi les hommes n'ont pas peur d'être différents, et pas peur d'avoir des cheveux fous, ou porter des choses qui ne sont généralement pas associées à leur sexe, par exemple qui est une autre caractéristique du punk. Encore une fois, ça doit avoir l'impression qu'ils ne sont pas des choses si importantes de votre vie, mais il y a toujours un moyen de les utiliser dans votre art. De nos jours, je vois beaucoup d'étudiants et de débutants essayer de trouver de l'inspiration sur leur Instagram, sur Pinterest, sur Google Images, et c'est génial parce qu'il y a beaucoup de matériel et c'est fantastique. Mais je pense que si vous prenez du recul, il est plus intéressant de vous arrêter une seconde et de vous poser quelques questions avant de produire. Produire est génial et il vous fait sentir actif, et c'est génial de partager ce que vous avez fait. Mais je pense qu'il est plus important de travailler sur la qualité de la pièce que vous fabriquez, plutôt que sur la quantité et la quantité qu'on voit sur Internet. Afin de prendre du recul une seconde et de travailler sur la qualité de la pièce, je pense qu'il est vraiment important de se demander à nouveau comme, qui êtes-vous ? D' où viens-tu ? Plutôt que d'avoir cette peur de produire et de faire, il est vraiment plus important de se concentrer sur ce qui est derrière la pièce, sur qui vous êtes en tant qu'artiste, et seulement en trouvant votre vraie façon de dire les choses, je pense que vous vont devenir un artiste unique. Je crois que j'ai développé mon langage et mon style de vie. Mais chaque jour est un nouveau défi. Je ne veux pas continuer à faire les mêmes choses encore et encore, et chaque fois que je me sens comme je le fais, je me sens un peu mal à l'aise avec ça. Donc, j'essaie toujours d'utiliser de nouvelles techniques et même si je ne les partage pas sur Internet ou si vous ne les voyez pas dans mon travail, elles sont là dans mon studio. Ils sont par terre. Ils sont dans les tiroirs. Donc, je pense qu'il est vraiment important de ne pas s'en tenir à une chose parce que ça se passe bien parce que vous pensez que c'est sympa, mais c'est aussi très important de continuer à travailler sur votre pratique tous les jours et de trouver de nouvelles façons. Sinon, votre travail va devenir très ennuyeux très bientôt, et le but de votre travail n'est pas seulement de faire une jolie photo, mais c'est de devenir un meilleur artiste. 4. Ébaucher vos idées: Donc, nous avons beaucoup parlé des endroits d'où nous venons et maintenant que nous allions commencer à dessiner, je vais penser à l'endroit où je suis en ce moment, je suis à New York. Comme je l'ai dit, je voudrais faire un autoportrait mais je voulais aussi inclure le fait que je suis à New York en ce moment et que j' aime New York et que c'est une ville où je passe beaucoup de temps. Donc, j'essaie de rassembler ces deux concepts et de voir ce qui se passe. Donc, on va commencer à dessiner, je vais utiliser mon carnet de croquis habituel et juste le crayon. D' habitude, je commence par définir un cadre autour de mon illustration, un domaine où mon travail va être. Donc, je pense qu'il est vraiment important de définir si vous allez travailler dans un carré, horizontalement ou verticalement, puis commencer à esquisser à l'intérieur de la boîte ou du moins cela fonctionne pour moi. Donc, je vais définir une zone. Disons que je le fais verticalement, ce qui pour une raison quelconque est l'un de mes formats préférés, et je vais penser à moi quand je serai à New York. Donc, j'ai une façon très spécifique de me représenter. Donc, d'habitude, je me dessine avec des lunettes parce que je les porte tout le temps, et je vais penser à ce que je fais quand je suis à New York d'habitude, je marche beaucoup. Donc, pour rencontrer des amis, rencontrer des clients, faire du shopping, aller dans les librairies et autres choses. Donc, à la fin de la journée, mes jambes sont complètement détruites et c'est un bon sentiment parce que je suis lié à la ville de New York et j'aime ça. Donc, une chose pourrait être, par exemple, travailler sur cette idée et d'essayer souligner comment mes jambes se sentent après une journée de marche à New York. Donc, ça pourrait être un moyen de donner ce sentiment de jambes folles , de jambes tortueuses après une journée en ville. J' ai réalisé que dernièrement j'aime utiliser beaucoup de l'espace que ma boîte me donne. Donc dernièrement, toutes mes figures ont tendance à utiliser tout l'espace. Ils vont tous presque aux frontières. Donc, ils touchent presque les frontières, ce que j'aime, et je pense que cela exprime leur besoin vivre dans cet espace et ils me rappellent un peu Fellini. Federico Fellini est un réalisateur italien. Habituellement, il dessinait et représentait ces femmes qui sont très grandes, très emblématiques, et qui se sentent si puissantes et si importantes dans ses films que je pense que c'est génial d'y faire référence dans mes œuvres d'une certaine manière. Donc, ce sont mes cheveux à peu près maintenant. Habituellement, j'aime vraiment représenter des cheveux qui ne sont pas seulement des cheveux raides pour de nombreuses raisons. Tout d'abord, parce que mes cheveux sont généralement ondulés et j'ai grandi en pensant que les cheveux raides étaient tellement plus sexy peut-être ou socialement acceptables que les cheveux ondulés ou bouclés. Donc, ajouter des cheveux bouclés ou des cheveux ondulés à mon illustration est une vengeance envers tous ceux qui m'ont fait sentir comme ça. Donc, j'essaie toujours de les inclure dans mes illustrations et aussi je pense qu'elles sont plus intéressantes en termes de composition de la pièce. Il pourrait y avoir un contexte qui raconte un peu la ville où nous sommes, mais ça pourrait être un peu ennuyeux. Habituellement, une illustration quand vous ne savez pas comment montrer où vous êtes, vous utilisez une ligne d'horizon à l'arrière, qui fonctionne parfois et parfois est un peu ennuyeux. Donc, n'allons pas simplement avec ça. Je vais commencer par ici et je vais changer la position du personnage. Encore une fois, on touche presque les bordures du cadre. Depuis que je suis à New York, ça pourrait être moi-même assis dans un parc, prendre un café. Ça va être très grand parce qu'on est à New York. Donc, c'est une grosse tasse. Donc, quand j'esquisse je dois toujours me rappeler que je n'utilise pas de contour noir dans mon illustration. Donc, tout ce qui pourrait sembler fonctionner dans le croquis pourrait ne pas fonctionner aussi bien quand il est numérique parce que je n'ai pas toutes ces lignes qui me disent où se termine une pièce et quand l'autre commence. Donc, je vais juste supprimer toutes les lignes qui m'aideront à définir où mon personnage commence et se termine. Afin de définir les zones que je veux séparer, j'utiliserai quelque chose comme une couleur, comme une couleur ou un motif. Une chose que j'aime faire quand je suis ici, c'est aller dans les friperies et trouver des chemises vintage des années 60 ou 70, celles qui fondraient si vous fumez autour d'eux. Mais d'habitude, ils ont de beaux motifs et j'aimerais les acheter et puis presque jamais les porter, mais je pense qu'ils fonctionnent vraiment bien sur les personnages. Donc, j'utilise la couleur maintenant juste pour définir les zones. Je ne sais pas si je vais utiliser le jaune ou rouge dans la pièce finale, mais c'est juste comme donner une idée de tout lourd toutes ces parties seront dans l'illustration finale. Ici, nous pouvons déjà avoir une idée du nombre de couleurs que nous voulons utiliser dans les illustrations finales. Par exemple, si vous n'utilisez que deux couleurs, les chaussures vont être jaunes et peut-être que la couleur pourrait être rouge et peut-être tout le reste pourrait être, faisons un bleu. Comme juste l'arrière-plan sera d'une couleur. Je pense que c'est vraiment bon quand vous travaillez avec quelques couleurs pour avoir aussi blanc ou noir, ce que je sais est une autre couleur, mais cela aidera peut-être à définir certaines formes mieux et peut-être que j' aurai rouge à lèvres ce jour-là et du vernis à ongles, et le café peut faire un gros nuage derrière moi ou quelque chose comme ça. J' aime donc le dessin maintenant, mais je pense qu'il pourrait être plus intéressant en termes de composition de l'image. Donc, elle pourrait soit sortir du cadre, peut-être que seulement quelques parties pourraient sortir dehors comme la chaussure de nuage et le bras, ou peut-être ça pourrait être intéressant de la voir doubler. Donc, essayons cela dans la page suivante. 5. Ébaucher votre illustration: Une chose que je peux faire est que je vais utiliser le carnet de croquis ici pour m'aider à diviser les deux parties. Voyons voir. Peut-être qu'elle pourrait être de ce côté-ci ou de ce côté-ci. Mettons son chapeau ici et essayons de travailler en symétrie. Donc, si elle buvait du café dans l'autre image, peut-être qu'on pourrait lui faire prendre son café américain sur cette photo comme avec la grande tasse, et peut-être qu'elle pourrait avoir un café italien dans cette autre photo, donc avec la plus petite tasse. Donc, elle pourrait prendre une belle petite tasse d'expresso et ici, elle pourrait prendre sa grosse tasse. Peut-être que la fumée pourrait aller dans cette direction et rencontrer l'autre. Donc, je pense, c'est une composition plus intéressante que l'autre. Cela fonctionne mieux et je pense qu'il décrit aussi la situation un peu mieux. Encore une fois, comme vous pouvez le voir, les croquis sont assez sales et rugueuses, et c'est génial d'avoir ce genre d'espace. Parfois, quand vous commencez à travailler sur un fichier numérique, il semble qu'il y ait moins d'espace pour faire des erreurs, et réessayez encore et encore, et trouvez le bon moment pour se concentrer sur la composition et sur le concept de la pièce. Donc, puisque cette image est devenue symétrique maintenant, je pense qu'il pourrait être intéressant d'utiliser la couleur aussi bien dans le même genre de miroir. Donc, elle pourrait avoir, par exemple, pantalon vert et l'autre pourrait avoir un t-shirt vert, et vice versa avec l'autre couleur. Alors, commencez par le rouge. Elle pourrait avoir un vernis à ongles vert. Ensuite, nous pouvons trouver une couleur de plus pour l'arrière-plan. Elle a évidemment des chaussures rouges et une autre couleur pour le fond ici. Je pense que c'est un bon exercice, si vous voulez essayer, vous pouvez certainement faire cette illustration avec seulement deux couleurs. Donc, disons que vous prenez le vert et le rouge, vous pouvez certainement organiser l'illustration pour soutenir seulement deux couleurs. Je pense que ce pourrait être un exercice intéressant de voir combien de couleurs vous pouvez éviter d'utiliser. Donc, le voilà. C' est à peu près le croquis de notre illustration. Ensuite, nous allons voir comment cela fonctionne numériquement. Donc, maintenant que le croquis est terminé, nous allons le rendre numérique. Juste là, nous allons voir si toutes ces choses fonctionnent et nous allons probablement utiliser cet espace aussi pour ajouter plus de détails à l'illustration. Je pourrais utiliser un modèle, par exemple, pour les vêtements. Je pourrais voir si ce nuage au-dessus d'eux fonctionne ou non. Donc, ce n'est que la première étape. Ensuite, à partir d'ici, nous allons apprendre beaucoup de nouvelles choses dans la partie numérique. 6. Numériser votre sketch: Maintenant, nous allons recréer le croquis que j'ai fait sur mon carnet de croquis sur cette tablette Wacom connectée à mon MacBook Pro. Je vais commencer par définir la zone. Comme je l'ai fait dans le croquis, je vais diviser l'écran en deux parties, et je vais commencer à dessiner. Je n'utilise jamais de contour noir dans mon dessin, donc je vais tout droit à une forme plate de couleur. Je ne me soucie pas vraiment des couleurs maintenant parce que je vais travailler avec eux plus tard, mais je vais juste choisir quelques couleurs aléatoires pour avoir une idée du poids de l'image. Je vais aller de l'avant et dessiner le corps, et encore une fois, nous allons mettre une forme plate ici. Quand je suis allé à l'école, j'ai suivi un cours d'Adobe Illustrator, mais je dois dire que ce n'était pas le meilleur, et donc ma façon de l'utiliser, ça va probablement faire pleurer certaines personnes, mais je pense que c'est aussi dans la façon dont vous utilisez le que vous avez votre propre façon et de faire vos propres choix personnels. Parfois, j'aimerais être plus rapide ou connaître beaucoup de raccourcis et d'autres choses, mais plus j'apprends à mieux connaître l'outil, moins mes choses se sentent authentiques, alors peut-être que c'est bon d'avoir un équilibre entre ce que vous savez et ce que vous ne savez pas, ce qui semble terrible, mais parfois c'est vrai. Comme vous pouvez le voir, le corps sort maintenant de la grille, le cadre. On va l'agrandir plus tard, je le laisserai comme ça une seconde, pour qu'on sache combien d'espace elle prend. Je pense que si elle boit une tasse de café, elle devrait avoir un peu de place pour ses bras. Ces jambes sont définitivement trop hautes, donc je vais les abaisser. Une chose que j'aime vraiment dans la symétrie entre l'image et la suivante, que nous pouvons voir déjà juste pour avoir une idée, est qu'elle me rappelle vraiment l'architecture. J' aime vraiment l'architecture et certains architectes. Quand je voyage, j'ai toujours hâte de connaître et de voir de nouvelles architectures. Je pense qu'il y a tellement de choses en commun entre l'illustration et l'architecture parce que, fondamentalement vous créez un équilibre entre les formes et il y a certainement des poids dans l'image. Par exemple, la partie inférieure est très lourde, donc nous allons penser si nous aimons garder cela ou si nous voulons attirer l'attention ailleurs. Un exemple d'architecture qui fonctionne vraiment avec la symétrie et avec très, je dirais couper des formes propres, mais il a aussi un côté romantique à elle. Rationaliste peut avoir toutes ces architectures qui sont vraiment propres, et très carrés et tout, mais alors il a aussi de beaux détails comme des fenêtres rondes, et de grandes colonnes, et de grands arcs, et parfois l'entrée d'un palais être décoré avec beaucoup de mosaïques et de beaux arts. Encore une fois, je pense que c'est génial de s'y référer pour la composition du travail. Espérons aller un peu dans cette direction. Maintenant, que nous savons que les deux chiffres pourraient rester dans un endroit comme celui-ci, peut-être ajoutons un peu plus sur le dessus. Nous pouvons nous débarrasser de celui-ci et nous l'utiliserons plus tard quand cette partie sera terminée. C' est un peu statique en ce moment, alors nous allons essayer de le rendre un peu plus doux et naturel. Toutes ces femmes, aimeraient de longues jambes et des formes intéressantes et les rendre très, encore présent dans l'image. J' aime aussi les dépeindre comme pas les, beaux modèles photoshopped que vous voyez sur la couverture des magazines, parce que je pense que cela ressemble plus à la façon dont les femmes se sentent à propos d'elles-mêmes, ou du moins c'est plus similaire à la façon dont je me sens à propos de moi. Je suis une personne assez grande et j'ai toujours été un peu hors de taille par rapport à mes camarades de classe et mes amis, et je pense que c'est bon de donner une voix à d'autres types de corps, et des types de corps bizarres, je pense ou pas bizarre, mais différents types de corps fonctionnent vraiment bien dans le monde de l'illustration, alors pourquoi ne pas représenter différents types de corps quand vous le pouvez. Comme vous pouvez le voir, je suis allé à l'école d'art, mais je n'ai pas été formé pendant de nombreuses années, comme le dessin de figure et d'autres choses, donc tout ce que je sais en termes de formes corporelles et d'autres choses, j'ai appris de ce que je vois autour de moi. La perception que j'ai sur les corps plus que la forme réelle de celui-ci, et cela peut sembler très faux, mais je pense que c'est aussi un bon moyen de construire votre propre façon de faire les choses. Bien sûr, ce sont les limites, souvent c'est la limite, mais je pense que vous pouvez aussi transformer cette limite dans votre propre langue, donc ce n'est pas trop mal. Comme vous pouvez le voir, je mets quelques formes et je les colore très brièvement, puis je commence à travailler sur les formes et ensuite je les affine petit à petit. C' est un peu comme une sculpture où vous mettez toute la matière sur la table et vous commencez à lui donner la forme, puis il faut beaucoup de temps pour prendre la première forme, puis à partir de là vous commencez à affiner le travail encore et encore. Ce que je cherche, c'est une forme qui ne se sent pas trop forcée et trop fausse. En affinant et en affinant, j'essaie de trouver un bon équilibre entre le reste de l'image et le seul détail, surtout en termes de langage. La plupart du temps, je commence à travailler et j'ajoute des lignes différentes, des poids différents, des couleurs différentes. Une image devient très complexe très facilement. Je pense qu'ajouter un bon niveau de raffinage, mais pas trop, il est très utile de maintenir un bon équilibre dans la situation. Par exemple, si je faisais cette main d'une manière très définie, comme une manière très, très définie, elle ne se sentirait pas organique avec le reste du corps parce que les jambes ne sont pas définies. Surtout les gens qui sont vraiment bons à dessiner, ce qui est une grande chose évidemment, mais il peut aussi vous distraire, et si vous pouvez passer 20 minutes sur cette main , puis avoir complètement faux avec le reste de la image. Je pense que vous devez trouver un bon équilibre entre ce que vous raffinez et ce que vous n'êtes pas. Je vais juste laisser la main comme ça une seconde. 7. Dessiner avec des formes: Une chose que je pense que c'est vraiment important lorsque vous dessinez sur Illustrator ou sur d'autres programmes numériques, c'est que, comme vous pouvez le voir, Illustrator vous aide un peu plus rond et plus parfait. C' est évidemment génial. Mais je pense qu'il est vraiment important que l'ordinateur suit ce que vous voulez faire et pas le contraire, vous ne suivez pas ce que l'ordinateur vous dit. Ainsi, par exemple, aller encore et encore et essayer d'affiner chaque petite forme est très important parce que sinon elle sera visible. Vous pouvez reconnaître où l'ordinateur vous aide, et plus vous l'utilisez en tant qu'artiste, plus vous êtes en mesure de le reconnaître dans les œuvres d'autres personnes. Donc, même si c'est excitant de voir quelqu'un d'autre vous aider, je pense qu'il est vraiment important que vous soyez en charge et pas le contraire. Avant d'avoir Illustrator ou Photoshop, je pense que c'était vraiment compliqué pour moi de travailler et d'être satisfait de mon travail, parce que mon inspiration provenait de nombreuses sources différentes. Mais le résultat que j'ai vraiment aimé étaient les travaux de graphistes et d'Illustrateurs des années 60 ou 70 et la plupart d'entre eux utilisaient la sérigraphie. Mais l'impression sérigraphique est très coûteuse, surtout si vous commencez et qu'elle ne vous permet pas d'utiliser beaucoup de couleurs. Mais j'ai compris que c'était la façon la plus proche d'imprimer ou de représenter une image à mon goût. C' était vraiment frustrant parce qu'aucune autre technique ne pouvait me permettre d'être aussi plat et de rendre mon travail simple mais toujours coloré et vibrant. Donc, j'ai déjà fait quelques sérigraphies avant, mais encore une fois, c'est vraiment cher et vous devez avoir un studio pour le faire. Donc, je pense que les outils numériques m'aident à trouver l'effet que je voulais, qui était d'avoir de bonnes couleurs plates et vibrantes. Si vous imprimez, vous pouvez également l'imprimer en sérigraphie ou vous pouvez également l'imprimer comme une très bonne impression numérique et le résultat est beau de toute façon. Donc, je pense que je suis très heureux à ce sujet non seulement parce que c'est facile et rapide, mais aussi parce qu'il reflète un peu ma façon idéale de dessins. Aussi, j'aime vraiment travailler assez vite et non pas parce que j'ai d'autres choses à faire, mais parce que j'aime vraiment être très instinctif pendant que je travaille. Donc, quand j'ai travaillé sur des livres par exemple, pour moi, c'était un cauchemar parce que pour un livre, faut être connecté au projet pendant tant d'heures, tant de jours. Il y a tellement de choses que vous devez changer et à la fin, vous êtes très satisfait évidemment, espérons-le. Mais en même temps, je pense qu'il est vraiment difficile d'être sur le projet pendant si longtemps. Je pense que j'aimerais vraiment voir le résultat tout de suite, et je pense que cela fonctionne vraiment bien avec mon style et ma personnalité. Donc, je le prends comme il est, je suppose. Une chose qui est vraiment utile aussi est d'imprimer ce que vous faites. qui est un peu vieille école, mais c'est vraiment vrai que vous ne serez pas capable comprendre exactement comment une pièce sort tant que vous ne l'imprimerez pas. Je dois être honnête, je ne le fais pas. Mais quand j'ai la chance de le faire ou quand je dois le faire, je découvre tant de nouvelles choses sur la pièce. Habituellement, il y a des erreurs. Il y a des petites choses que je n'ai pas vues à l'écran, c'est pourquoi j'essaie de zoomer autant que possible pour voir si tout est correct. Mais aussi, imprimer le travail, même si c'est avec une mauvaise imprimante, vous donnera le sens de la lourdeur de la pièce donc, le poids de la pièce. Je pense qu'il est vraiment important de comprendre si la composition est bonne ou mauvaise. Je trouve aussi très utile d'imprimer une œuvre. Lorsque vous êtes perdu et que vous ne savez pas si vous aimez le travail ou non, imprimez-le et utilisez l'impression comme vous le souhaitez. Il suffit de le couper, de le coller, mettre autre chose dessus, déchiqueter en morceaux. Je pense que c'est vraiment bon parce que c'est un peu le sens inverse, on passe du numérique au manuel, fondamentalement. Mais cela vous aide vraiment à voir les choses en perspective. Donc, beaucoup de fois quand j'étais perdu et que je n'aimais pas un morceau, je l'imprimais juste, puis je le mettais sur la table, coupait et le changeait, retournerait. Cela vous donne aussi une relation plus réelle avec votre pièce, ce qui, je pense, est parfois très utile. Cela m'a sauvé tant de fois, donc, je le recommande certainement. Essayons de répliquer cela de l'autre côté et de voir comment cela fonctionne. Je pense que j'aimerais qu'ils se touchent très brièvement ici. Donc, ça veut dire que ces cheveux ne fonctionnent pas très bien ensemble. En outre, vous verrez si vous retournez une image, ce n'est pas nécessairement bon de l'autre côté. Donc, par exemple, j'aime ce visage mais je n'aime pas ce visage. Encore une fois, peut-être que vous n'avez pas eu à retourner toutes vos images, mais si vous le faites parfois, vous verrez s'il y a des choses qui ne vous plaisent pas. Donc, encore une fois, utilisez votre image, déplacez-la, retournez-la et vous verrez de nouvelles choses en perspective. Donc, ce que nous pouvons faire ici, c'est changer définitivement les cheveux parce que maintenant la forme est étrange et je n'aime pas ça. Comme vous pouvez le voir, je fais toujours un zoom avant et un zoom arrière car cela me donne un peu de distance à la pièce et il est donc plus facile de comprendre si quelque chose fonctionne ou non. Une autre bonne chose que vous pouvez faire est laisser l'illustration là et juste se lever et peut-être aller un peu plus loin et voir si vous l'aimez ou non de loin. Donc, celui de droite est de prendre une tasse de café américain. Alors, faisons-le grand. Pour des choses comme les mains et les positions des mains, c'est toujours génial de prendre une photo et de voir ce que ça ressent et comment ça ressemble d'avoir une grosse tasse de café dans la main. Une autre chose est que, bien sûr, des formes comme des carrés, des rectangles, tout ce qui est vraiment utile. Mais regardez toutes les autres formes, elles sont plus douces et plus arrondies. Si vous gardez ce rectangulaire ici, je pense que ça va se sentir un peu trop informatique, je ne sais pas comment utiliser un autre terme pour le décrire. Donc, il est toujours préférable de ne pas utiliser la forme ou au moins je ne le fais jamais, et juste le redessiner. Un peu imparfait, mais il va certainement être plus organique avec le reste du dessin. Au moins avec mes dessins parce qu'aucun d'entre eux n'est parfait, parfait. Donc, pour avoir un peu d'irrégularité ici et là, je pense que c'est vraiment bon. 8. Peaufiner votre illustration: Quand je ne sais pas dessiner quelque chose, comme les mains et les pieds sont vraiment compliqués pour moi. Donc, quand je ne sais pas comment le dessiner, je prends habituellement une photo de moi-même avec mon iPhone faisant la chose que je veux afficher dans l'image. J' ai une collection de photos très stupides de moi dans des positions très différentes dans le studio. Mais je pense que c'est vraiment bon et c'est aussi beaucoup mieux que de s' inspirer d'une image Google que tout le monde avait sur leurs écrans. Donc, il peut aussi vous donner un peu de variété et vous n'avez pas à aller pour la même main encore et encore et avoir la même main que tous vos collègues ont, s'ils utilisent Google Images évidemment. D' accord. Donc, il se trouve qu'on avait une tasse d'expresso ici. Donc, je vais prendre une photo de ma main la tenant. D' accord. Donc, je vais choisir l'image que j'aime le plus, celle que je sais qui fonctionnerait graphiquement mieux. Je vais l'envoyer à mon e-mail. Pas besoin d'être une belle image comme vous pouvez le voir. Je vais le voir avec le crayon et je vais voir si ça marche. Comme vous pouvez le voir, les choses qui pourraient être belles dans l'image ne sont pas vraiment belles dans l'illustration. Donc, nous allons devoir travailler un peu là-dessus. Alors, laisse-le là une seconde. Je vais travailler sur la tasse. Donc, je n'ai pas vraiment aimé la photo, la silhouette des photos que j'ai prises. Donc, je vais travailler à partir de là et voir si je peux recréer une forme que j'aime. Si quelqu'un veut être engagé dans mon studio juste pour se faire la main, il est le bienvenu. Je passe probablement plus de temps sur les mains que sur tout le reste. Voyons à quoi ça ressemble dans cet espace autrement n'a pas beaucoup de sens. Rappelez-vous que naturellement l'illustration n'a pas besoin d'être trop proche de la réalité, ce qui est évidemment un potentiel d'illustration. Donc, si vous pouvez imaginer une position différente, une perspective différente, je pense que c'est génial d'y aller et de ne pas avoir peur, oh mon Dieu, ça ne va pas ressembler à la vraie vie. C' est une belle partie de l'illustration et ce n'est pas seulement une excuse pour ne pas pouvoir dessiner une main. Je dis juste que parfois c'est aussi amusant de plier un peu la réalité. Je veux que les deux tasses soient plus ou moins au même niveau. Donc, je vais juste, je n'ai pas besoin d'un guide, je vais juste avoir l'impression qu'ils sont au même niveau. Donc, je vais essayer de tordre un peu cette main. Donc, maintenant nous avons les personnages principaux. Nous avons l'équilibre. Mettons un arrière-plan. Parfois, je mets un arrière-plan au tout début du projet afin d'avoir une meilleure idée de son fonctionnement. Cette fois, je l'ai juste mis à la fin. Donc, il n'y a jamais de règle dans ma vie. Ça arrive juste. Alors, voyons si nous aimons que le nuage en sort. J' ai mis dans le croquis pour avoir un sens. Je vais juste un rapidement le mettre là pour voir si nous aimons la chose, étendre l'arrière-plan un peu et peut-être aussi étendre cela un peu. Donc, évidemment, quand vous obtenez une affectation, vous obtenez généralement la taille de l'illustration. Donc, tu vas travailler avec ce que tu as. Mais dans ce cas, nous sommes libres d'y aller pour continuer à élargir le tableau autant que nous le voulons. Donc, je crois que ça me plaît pour l'instant. Donc, je vais juste le polir un peu. Comme vous pouvez le voir, le programme lui-même fait des formes bizarres. Donc, vous devez toujours vous assurer que toutes ces petites choses sont faites de la manière que vous voulez qu'elles soient ou du moins aussi proches que possible. Je pense que c'est toujours même si les outils sont incroyables et super évolués, je pense qu'il est vraiment important de pouvoir être en charge de ce que vous faites. Donc, il n'y aura jamais une chose qui soit exactement comme dessiner sur un morceau de papier ou peut-être qu'il y en aurait, mais pour l'instant, je pense que tous les outils numériques que nous avons sont fantastiques et super à jour et ils sont tout simplement géniaux. Mais il y a encore une différence entre un crayon sur un morceau de papier et un crayon sur une tablette. Donc, vous devez en tirer le meilleur parti, peu importe ce que sont vos outils. Mais il est toujours important de garder votre identité très claire et lorsque vous travaillez avec crayons ou un marqueur sur un morceau de papier, cela est plus évident que ce que vous faites avec votre tablette parfois. Donc, il est important de garder votre voix même si vous utilisez les outils d'autres personnes. Alors maintenant, nous avons la composition. C' est presque final, mais nous devons travailler sur le choix des couleurs, bien sûr. Donc, je vais garder le nuage blanc parce que je pense que c'est un bon effet et ça crée un trou dans la page. Donc, je vais garder ça. Voyons s'il y a trop de blanc ou pas. Je vais juste rendre les verres différents de la bouche. Alors, faisons ça et puis ces deux choses seront de la même couleur, probablement. Donc, comme vous pouvez le voir, c'est similaire au croquis, mais dans le premier croquis, j'ai choisi deux arrière-plans différents. Donc, je vais m'assurer qu'il se remplit au même endroit. Je vais reproduire l'arrière-plan. Donc, ce côté sera d'une couleur différente. Je laisse ça comme ça une seconde. Voyons si elle a un pantalon noir, l'autre va avoir une chemise verte et c'est le contraire. Donc, elle a la coupe rouge. Elle a la coupe verte. Donc, cela pourrait être un bon exercice si vous voulez essayer de faire une illustration avec du blanc noir et seulement quatre autres couleurs. Bien sûr, tu pourrais travailler comme si elle portait juste un costume rouge et qu'elle portait juste un costume vert. Vous pouvez travailler et rendre l'arrière-plan de cette zone verte et l'autre rouge. Donc, cela pourrait être un excellent exemple sur la façon de faire une illustration avec seulement quatre couleurs en général. Donc, blanc, noir, rouge et vert. Bien sûr, vous devez réparer les tasses et autres choses, mais vous pouvez totalement le faire et c'est un excellent exercice. Donc, faisons un pas en arrière une seconde parce que nous pourrions aller dans cette direction, mais nous ne savons pas encore. Maintenant que la structure de l'illustration est terminée, nous allons travailler sur la couleur, sur le choix des couleurs, que vous souhaitiez utiliser le motif ou non. Nous allons explorer plus à ce sujet et voir quelles sont les possibilités que nous avons avec les couleurs. 9. Appliquer une couleur: Donc, maintenant on a presque fini. La pièce est presque finie. On va travailler sur les couleurs maintenant. Je pense que ce sera un moment où nous allons voir quelques-unes des références que nous parlions auparavant en action, et nous allons voir d'où je m'inspire en termes d'humeur de la pièce et de sentiments qui l'entourent et le dernier regard à ce sujet. Alors oui, on y va. Donc, je n'aime pas vraiment comment c'est maintenant. Les couleurs se sentent assez tristes. Donc, je vais essayer de trouver une autre combinaison. Bien sûr, comme je l'ai déjà dit, plus vous allez utiliser de couleur, plus cela va compliquer pour les équilibrer. Donc, ce que je fais dans cette phase, c'est de passer beaucoup de temps à essayer trouver un bon équilibre entre les couleurs, et c'est un processus qui pourrait prendre beaucoup de temps. Espérons que ce sera assez rapide maintenant. Mais, parfois, il est aussi bon de le laisser reposer pendant un certain temps et peut-être jeter un coup d'oeil si vous avez le temps le lendemain et de voir si vous aimez toujours les couleurs. En termes de couleurs, mes références sont nombreuses. J' aime vraiment le design italien. Ainsi, par exemple, je crois vraiment au principe des designers italiens comme Bruno Munari, qui était aussi un illustrateur de livres pour enfants, le designer. Il a été capable de prendre une partie du principe du design et d'y ajouter de l'imagination. Donc j'aime vraiment son travail. J' aime aussi le travail de designers des années 80 comme Sottsass et Mendini, Alessandro Mendini, parce qu'ils ont pris les leçons de Munari à un autre niveau. Ils sont devenus beaucoup plus fous des buts du design. Leurs dessins n'étaient pas seulement faits pour servir, mais ils étaient aussi faits pour être amusants et excessifs. Il y a beaucoup de leurs couleurs que je trouve dans mon travail accidentellement, donc c'est certainement une source d'inspiration pour moi. Ce que je voudrais transmettre dans cette image est comme une humeur heureuse et un très pop, peu comme un effet vibrant à elle. Comme vous pouvez le voir, je continue d'aller et de retour pour la bonne combinaison. Une autre inspiration pour moi est le futurisme, le futurisme, et aussi les avant-gardes des années 20 et 30, parce que je pense que l'utilisation de la couleur qu'ils font est assez impressionnante. Ils utilisent beaucoup de tons naturels par rapport aux couleurs plus audacieuses, et c'est vraiment intéressant. Ils utilisent beaucoup de bruns et de gris. Artistes comme Sophie Taeuber-Arp ou Sonia Delaunay, ils utilisent des couleurs étonnantes qui sont un mélange de, encore une fois, comme des tons qui viennent du sol comme des bruns et qui s'associent à des roses ou des violets très brillants. C' est vraiment intéressant quand vous trouvez une couleur, comme une couleur très basique comme celle-ci pourrait être, et que vous l'associez à quelque chose de plus vibrant, je pense que les résultats sont généralement très intéressants. Je pense que c'est le moment d'essayer. Ce n'est pas encore fini, évidemment. Mais, je pense que ce serait bien de voir s'il y a un motif qu'on peut ajouter aux vêtements. Voyons s'ils fonctionnent. 10. Expérimenter avec la couleur: Donc, je vais juste mettre des fleurs sur le dessus. Parfois, je pense que même les magasins vintage sont une grande source d'inspiration. Si vous passez par les chemises qu'ils ont, vous allez probablement trouver beaucoup de modèles qui sont si intéressants et si complexes parfois. Je vais habituellement dans le magasin vintage près de mon studio juste pour regarder les motifs et prendre des photos d'eux, et parfois acheter quelques choses. Même lorsque vous copiez et collez quelque chose, je pense que vous devriez faire attention que cela n'a pas l'air trop répétitif. Donc, si vous pouvez le tourner et le déplacer un peu pour le rendre moins répétitif et juste comme copier-collé, ça aurait l'air bien. Comme vous pouvez le voir, l'image est toujours la même, mais l'humeur change beaucoup. Maintenant, il est beaucoup plus décorer et a, Je pense qu'une vie plus intéressante. Si nous voulons le rendre encore plus, nous pouvons également ajouter un motif au pantalon. Voyons comment c'est. Essayons avec quelques points. les rendons pas trop semblables aux fleurs, afin que nous puissions en faire plus petites. Laisse-moi essayer de faire une nuance. Ce que vous pouvez faire, c'est utiliser ces échantillons ou en créer de nouveaux, ce qui est toujours la meilleure option parce que tout ce qui est déjà sur l'ordinateur sera plus reconnaissable, évidemment. Donc, ce que je fais habituellement, c'est que je recule. Je garde le pantalon comme avant, marron. Je suis presque sûr qu'il y a une meilleure façon de le faire, mais je vais juste en placer une grande partie. Disons que vous les voulez plus grands. Donc, je vais juste préparer ce fichier et ensuite je vais l'étendre autant que je veux. Donc, C'est le même modèle, mais de cette façon, il aura l'air moins reconnaissable que ce que nous avions auparavant. Donc, j'aime les vêtements comme ils sont et je pense que l'arrière-plan a encore besoin d'être édité. Donc, je vais probablement mettre le rose du côté le plus marron et quelque chose ici. Je l'aime sans les deux milieux maintenant que je le vois comme ça, mais voyons. Ça pourrait être sympa. C' est un peu trop proche du brun et des chaussures, alors je vais essayer de le rendre un peu différent. Quand je fais un travail pour moi-même, c'est généralement plus compliqué qu' avec un travail client parce que j'ai moins de limites. Donc, au début de ma carrière, j'étais toujours illimité, donc j'étais vraiment douée pour y faire face. Maintenant que je suis plus habitué à avoir des tâches et des travaux à faire, ça devient de plus en plus compliqué de suivre le travail personnel, l'espace personnel. Parfois, c'est difficile de me convaincre que j'aime une chose ou que je n'aime pas une chose. Comme je n'ai pas de date limite la plupart du temps, il est encore plus difficile de savoir quand un travail est fait. Donc, oui, c'est certainement plus compliqué maintenant de travailler sur une pièce personnelle qu'avant. Je pense que c'est bien aussi parce que cela signifie que pour faire de belles choses, vous devez prendre un peu de temps et plupart des chefs-d'œuvre n'ont pas été faits en deux jours ou seulement quelques heures. Donc, il est parfois agréable de se rappeler que le temps est parfois nécessaire. Donc, avec des trucs personnels, vous pouvez le faire et prendre tout le temps que vous voulez. Aussi, je ne suis pas fan de la perfection elle-même. Donc, je ne cherche pas que vous connaissiez l'équilibre parfait, la forme parfaite, le sujet parfait. J' essaie juste d'aller avec le flux et de voir ce qui fonctionne pour moi à ce moment. Si ça ne marche pas deux jours après, ce n'est pas un problème. Je peux définitivement me débarrasser de tout ce que j'ai fait jusqu'à présent ou recommencer à zéro. Je ne suis pas comme choqué par l'idée aussi parce que je travaille assez vite. Donc, même si je dois me débarrasser de tout, ça ne sera pas trop compliqué pour moi. Mes couleurs sont généralement assez saturées, donc je ne vais jamais à peine dans ce domaine de la roue de couleur. Je choisis habituellement des couleurs vives et elles doivent être assez saturées. Je travaille à peine avec transparence, moins que le but de l'œuvre soit de travailler dans un collage et de faire rencontrer certaines formes comme interagir entre elles. Mais je ne vais pas de ce côté. Quand je le fais, c'est de trouver des couleurs neutres que je peux jumeler avec des couleurs plus vives, surtout avec des tons de peau. Je voudrais aller comme dans cette zone pour essayer de trouver des gris, des bruns, des roses qui sont dans cette zone de la roue de couleur. Je pense que plus vous avez de limites, mieux c'est. Si vous décidez de travailler avec trois couleurs, vous allez trouver une solution qui pourrait être plus intéressante que ce que vous auriez si vous aviez toutes les couleurs du monde. Je pense qu'il est important de vous donner un peu de retenue pour que vous puissiez opérer entre les limites, et je pense que les limites sont un excellent moyen de les briser. Donc, il est important de, si vous n'avez pas encore de mission, vous donner quelques limites afin que vous puissiez trouver votre propre moyen de les surmonter. À un moment donné, je vais te laisser partir, parce que sinon ça pourrait prendre des heures pour trouver un bon équilibre. Parce qu'il y a tellement de choses dans les vêtements que je pense qu' un double fond ajoute trop, il se passe trop, je pense. Donc, si vous enlevez ce calque, je pense que c'est beaucoup mieux parce que les deux personnages peuvent respirer beaucoup plus facilement maintenant et ils ont de l'espace pour être en vie. Je pense que vous pouvez lire la composition beaucoup mieux. Donc, maintenant nous avons trois couleurs ; le brun, le jaune et le rose sur le dos. Et puis, bien sûr, nous avons aussi le noir et blanc. Voyons si nous pouvons enlever le noir juste pour le rendre encore plus cohérent, parce que le noir était le seul élément qui était en dehors de la palette. Donc, lorsque vous avez une palette si courte, parfois quand vous n'avez qu'une seule couleur dans un petit endroit dans l'Illustration, cela peut être distrayant, et le noir comme le blanc crée un grand trou dans l'Illustration. Donc, il est vraiment important que vous considériez le poids de cette couleur. Je pense que ça marche mieux avec le brun. Mais maintenant, laissez-moi voir si je peux rendre ces lunettes roses et ces rouges à lèvres roses. Ça devrait mieux fonctionner. Donc, je pense que ça pourrait être ça. C' est très proche de ce que j'avais en tête. Ce choix de couleur me rappelle un peu les couleurs que les modernistes utilisaient. Je suis un grand fan de Ray, Charles Eames et Alexander Gerard. Ils étaient vraiment doués pour intégrer le paysage autour d'eux dans leur travail. Dès que je vois leur travail, je pense à la Californie et aux frontières avec le Mexique. Donc, il y a un mélange de soleil, de tradition et de folklore. J' aime vraiment la façon dont ils ont synthétisé ce sentiment, cette humeur dans un design très propre et coloré, et des illustrations, et des objets, et tout. Donc, ça me rappelle vraiment ça et c'est certainement comme une grande source d'inspiration pour moi. 11. Conclusion: Donc, je pense que nous avons fini. Nous avons déjà travaillé sur les croquis, nous avons fait quelques options, et nous l' avons pris numériquement, et nous l'avons changé. Comme vous pouvez le voir, le dessin initial est un peu différent par rapport au dernier, et cela arrive toujours, et c'est toujours comme une surprise. Donc, nous avons mis une boîte pour l'illustration. Nous avons décidé que nous allions utiliser deux caractères, et pas seulement un. Nous avons ensuite travaillé sur le genre d'architecture de la pièce. Donc, ce ne sont que deux chiffres qui sont reliés par un nuage de fumée. Ensuite, nous avons beaucoup travaillé sur le choix des couleurs, et nous avons ajouté quelques motifs à l'illustration. Donc, fondamentalement, toute la structure a changé un peu parce que les motifs sont si décoratifs. Puis, à la fin, j'ai choisi cette option de couleur, qui est une sorte de sentiment élastique. Donc, oui, je pense que c'est un bon équilibre. Bien sûr, je pourrais être ici à choisir d'autres options de couleur pour toujours. Je pourrais m'asseoir ici et faire des changements encore et encore, mais je pense qu'il y a un moment, où vous trouvez que l'équilibre entre toutes les couleurs est un peu juste, et vous devez faire confiance à cet instinct, et peut-être que je dit avant, peut-être que vous pouvez le laisser asseoir, puis revenir en arrière, peut-être le lendemain, ou deux jours plus tard pour voir si vous l'aimez encore. En tant qu'étudiants, je pense que vous pouvez toujours vous demander quelle direction vous allez. Si le concept que vous avez choisi est clair ou si c'est juste dans votre esprit et que vous seul serez en mesure de le comprendre. Faire un autoportrait, je pense que c'est un grand exercice parce qu'il vous met devant un miroir, et vous devez trouver un moyen de vous décrire à d'autres personnes et parfois même de vous décrire à vous-même. Donc, ça n'a pas besoin d'être une jolie image de votre look ce jour-là, le même pull que vous portez, les cheveux que vous avez ce jour-là, mais ça pourrait être une projection sur ce que vous ressentez de vous-même, comment vous pensez que vous regardez, à quoi vous aimeriez regarder, quelles sont les choses qui comptent pour vous et que vous voulez y mettre. Donc, je pense qu'un autoportrait est un très bon exercice pour juste faire un point, et voir où vous êtes avec votre vie et qui êtes-vous ? Donc, plus vous pouvez incorporer dans votre vie sans être trop littérale, mieux c'est. regardant en arrière dans ma carrière, je pense que j'ai fait probablement des milliers d'autoportraits, et les premiers ressemblaient beaucoup plus à moi dans la vraie vie, mais ensuite j'ai commencé à essayer de les synthétiser, et de les rendre toujours plus proche de ce que j'avais à l'intérieur plutôt que de ce que j'avais dehors. Donc, l'autoportrait que vous allez faire après ce cours, ce sera juste l'un des nombreux. Donc, chaque année, chaque mois, chaque semaine, quand vous voulez, essayez de faire un autoportrait rapide pour savoir où vous êtes. Alors, amusez-vous avec vos portraits, et j'ai hâte de les voir sur la Galerie de projets sur Skillshare. 12. Quoi ensuite ?: [ inaudible]