Ilustración de personajes: dibujo de rostros, figuras y ropa

1. Introduction: Mon truc préféré dans le dessin est en fait de communiquer et de raconter des histoires. Je veux vous apprendre ce que j'aime le plus dans le dessin. Bonjour, je suis Gabriel Picolo, j'ai 24 ans et je suis dessinateur de bande dessinée et illustrateur indépendant. J' aimerais travailler sur ce style illustratif très graphique, et mon travail est devenu connu pour son récit et les éléments narratifs que j'aime ajouter à mes dessins. Dans la classe d'aujourd'hui, nous allons concevoir un personnage, nous allons suivre mon processus depuis le début, la base vraiment, croquis, pose à la tête et à l'expression, puis coiffage, draperie, cheveux et enfin, couleur. Je pense que ce cours sera idéal pour les artistes débutants et les artistes intermédias aussi, en particulier ceux dont le style est plus proche de l'art de la bande dessinée et de la bande dessinée, qui sont les styles que je fais habituellement. Je vais partager les trucs et astuces, et toutes les techniques que j'utilise sur mes dessins quotidiens. Je suis tellement excité que tu aies décidé de prendre ce cours, alors commençons. 2. Matériaux: Ce que je travaille habituellement sur mes dessins, sur mes croquis sont des carnets de croquis. Je les aime vraiment. Celui-ci est un carnet de croquis Camson. J' aime vraiment la texture du papier. Tu n'as pas à être très pointilleux quoi que ce soit qui fonctionne pour toi, c'est très bien. Certaines personnes préfèrent le crayon mécanique parce qu'elles sont vraiment précises. Je ne suis pas un grand fan. Je préfère les crayons réguliers pour travailler, donc je fais habituellement un crayon régulier de graphite noir et de graphite bleu pour juste faire comme un contour avant d'utiliser celui-ci. D' accord ? Quelques stylos jetables à l'encre, c'est Faber-Castel vraiment bon. Copic si je veux ajouter n'importe quelle couleur, n'importe quelle sorte d'ombrage sur les croquis et gomme régulière et c'est tout. Donc, dans cette classe, nous allons commencer sur papier avec des crayons et ensuite nous allons passer au numérique pour terminer le croquis avec la coloration, mais vous pouvez complètement terminer votre travail sur papier si vous êtes à l'aise. Quand on passe au numérique, je vais utiliser le Cintiq Companion, mien est le premier modèle. En ce qui concerne les logiciels, je vais utiliser Photoshop CC. J' utilise aussi Paint Tool SAI quand je veux faire un croquis très rapide, je pense que c'est un très bon logiciel si vous commencez juste sur le numérique. Comme vous pouvez le voir, je garde mes outils assez basiques, la plupart de mes croquis sont juste un dessin au crayon régulier ou des dessins à l'encre. Je ne fais pas d'aquarelles ou d'acryliques ou tout ça, c'est bon si tu fais ça, mais je finis habituellement les dessins numériquement, donc c'est pourquoi. Donc, nous allons commencer à dessiner des poses et à dessiner des figures. Donc, vous pouvez obtenir vos carnets de croquis et crayons et allons-y. 3. Exercice : échauffement au dessin de nus: Sur cette leçon, nous allons parler du dessin de figure et des poses. C' est ainsi qu'une journée de travail commence pour moi. Donc, la première chose que je fais quand je commence une journée de travail est de faire quelques pratiques de dessin graphique. Voici quelques-unes de mes pratiques les plus récentes sur le dessin de figure. Vous pouvez voir que ce n'est pas anatomiquement correct et ce ne sont pas de beaux dessins. C' est juste de la pratique sur le geste et les formes vraiment rugueuses. C' est la chose la plus importante à garder à l'esprit lorsque vous faites ce genre de croquis. Je peux rapidement accéder à un site Web tel que quickposes.com ou reference.sketchdaily.net. Ce sont des galeries qui ont beaucoup de ressources de modèles nus et vêtus que vous pouvez esquisser. Vous pouvez configurer une session sur Poses rapides ou Esquisse de référence quotidienne. J' y vais habituellement pendant 30 secondes. Et 30 secondes signifie que vous allez dessiner chaque pose, chaque image qu'ils vont présenter va durer 30 secondes, et vous devez tirer le meilleur parti pour dessiner toute la figure, dessiner tout le geste qui se passe là-bas. Donc, les premiers dessins, ils ont toujours l'air maladroit et pas aussi vite qu'ils pourraient l'être. D' habitude, je ne comprends pas tout le chiffre. D' habitude, je ne peux pas terminer le chiffre de 30 secondes. Donc, c'est très bien. Donc, encore une fois, vous ne cherchez pas encore une jolie photo. Vous pouvez aller pour les détails plus tard. Vous voulez faire une base solide pour votre dessin. Vous voulez faire une pose naturelle. Donc, une chose qui est intéressant à réaliser sur ces dessins de figure est qu'il y a quelques parties délicates du corps. J' aime les appeler qu'ils ont une hiérarchie supérieure sur le mouvement de la figure et ces parties sont les hanches et la colonne vertébrale. Donc, si vous obtenez ces lignes avant tout le reste, vous êtes sur un bon départ, parce que vous résumer le mouvement très rapidement. Nous nous concentrons généralement sur les visages, les mains et ils ne sont pas aussi importants sur cette première étape de votre dessin. Laissez les visages à polir plus tard. Ils ne sont pas aussi importants en ce moment. Tu veux d'abord attraper ce mouvement. Donc, je fais l'entraînement de 30 secondes jusqu'à ce que je me réchauffe, jusqu' à ce que ma main dessine aussi vite que je veux qu'elle dessine. Ensuite, je passe à quelques pratiques plus détaillées. Donc, c'est comme un entraînement de deux minutes, peut-être cinq que je passe plus de temps sur le chiffre. Donc, j'ai choisi cette pose spécifiquement parce qu'elle a l'air très symétrique. On dirait que la figure ne saute pas, ne fait aucun mouvement extrême. C' est une bonne pratique parce que vous devez faire de votre mieux pour que cette pose soit aussi symétrique que possible. Donc, vous créez artificiellement sur votre dessin cet équilibre. L' équilibre n'existe peut-être pas sur votre silhouette que vous référencez, mais c'est votre travail en tant qu'artiste trouver ce flux pour rendre votre dessin un peu plus intéressant que ce que vous voyez. Donc, je dessine habituellement avec le graphite bleu jusqu'à ce point et quand je veux ajouter plus de détails, je choisis le graphite régulier. Donc, je l'ai juste effacé pour alléger ce croquis de lignes directrices, et puis je vais à un croquis plus serré. Bien sûr, cette figure spécifique a ce vêtement enveloppé autour d'elle et fait une sorte de mouvement que j'essaie de capturer aussi. Donc, vous voyez comment ces vêtements créent ces lignes qui vous guident à travers son corps. Donc, la règle générale pour les dessins comme celui-ci est de garder les lignes externes un peu plus sombres, puis les lignes intérieures plus légères. Aide également à créer cette silhouette dont j'ai parlé. Il applique la silhouette du dessin, puis votre œil va aux détails à l'intérieur de celui-ci. Tu vois, la dernière partie du dessin est le visage parce que ce n'est pas important dans ce genre d'étude. Tu n'essaies pas de créer une jolie image. C' est juste étudier cette fluidité du corps. Je voulais vous montrer une silhouette rigide et comment vous devriez essayer d'interpréter cela sur votre dessin avec autant de flux, avec autant de mouvement que possible. Au contraire de la figure raide, je voulais dessiner une figure pleine de mouvement comme la ballerine, que vous puissiez voir que fondamentalement, le principe est le même mais l'approche est un peu différente. Donc, utilisez cette hiérarchie de mouvement dont je parle. J' essaie de capturer la colonne vertébrale et les hanches avant tout le reste. Donc, j'ai ce flux de mouvement. Mon crayon ne quitte même pas le journal, ne se concentre pas sur l'anatomie, juste ce flux de mouvement qui se passe ici. Je pense que c'est l'une des parties les plus difficiles quand je fais des croquis pour les clients. C' est d'abord, je présente les mises en page et ces dessins super rugueux, plein d'énergie et ensuite je dois les rendre polis et aussi propres que possible. Je suis toujours très consciente de perdre cette première énergie, ce premier mouvement. Donc, l'un de mes principaux objectifs en ce moment en tant qu'artiste est d'essayer de ne pas perdre ce mouvement. Donc, ce que je veux que vous tiriez de cette leçon, c'est : toujours vous concentrer sur le mouvement de la figure. Essayez de créer cet équilibre, même si cela n'existe pas, qui était le cas de ce chiffre. C' est une silhouette complètement rigide, mais vous pouvez utiliser les lignes droites de la draperie combinées avec les lignes courbes de son corps pour créer ce mouvement que cela ne se passe que sur vos dessins, pas exactement sur la photo, sur la référence à partir de laquelle vous dessinez. Ensuite, quand vous avez une figure de mouvement, essayez de simplifier, pour résumer ce mouvement le plus rapidement possible en utilisant cette hiérarchie. Toujours aller de la colonne vertébrale et des hanches, puis vous pouvez libérer ce flux, ce mouvement des bras, avec les membres, les bras et les jambes. Si vous voulez commencer à dessiner ce jour-là, commencez par des dessins de figure, cela vous aidera vraiment à vous réchauffer. 4. Dessiner la pose de votre personnage: On a fait ces exercices, ces échauffements. Maintenant, nous allons concevoir le personnage réel que nous allons faire jusqu'à la fin de la classe. Mon idée pour ce personnage est, abord, c'est un archer, donc il va probablement avoir un arc, il va probablement avoir une pile de flèches. Le deuxième ingrédient que j'ajoute à cela c'est qu'il va représenter le Zodiaque Verseau. J' ai donc déjà quelques images que je peux tirer de cela comme le vase, mouvement de l'air ou de l'eau, que le porteur d'eau transporte. Je vais donc essayer de l'appliquer à cette première idée de mon personnage. Donc, à ce stade, je vais commencer à dessiner le personnage. Encore une fois, je suis surtout concentré sur les arcs, pas me concentrer sur l'anatomie, pas me concentrer sur faire quelque chose de joli. Je vais esquisser quelques idées de poses. En ce moment, je ne dessine pas de référence, mais si vous êtes à l'aise avec la référence, je sais que c'est une chose vraiment controversée dans la communauté des artistes. Beaucoup d'artistes sont contre l'utilisation de la référence. Je suis tout pour ça parce que, surtout si vous commencez et apprenez à vraiment trouver vos propres poses, il est totalement compréhensible que vous utilisiez une référence, alors n'ayez pas peur. Donc, l'accent de ce personnage est sur la forme, forme que le vase représentant le porteur d'eau, le signe du Verseau crée. Donc j'essaie de suivre ça, cette forme fluide qui va être sa jupe. Je ne sais pas comment se passera ses vêtements, mais je veux que cette forme se produise sur son corps. Donc ça va probablement être une jupe par ici. Cette pose, peut-être qu'elle montrera sa flèche. ne sais pas si je vais choisir celui-là. J' ai donc trois poses à choisir. Une chose que je veux vraiment faire dans ce personnage est, évidemment la silhouette avec le vase en forme de jupe, mais je veux aussi montrer sa flèche. Je ne suis pas si intéressé par son arc, je suis surtout intéressé par l'archer qui présente sa flèche. Donc ce second est celui qu'il est hors de la boucle. Parce que rappelez-vous quand nous avons parlé de silhouette et essayer de rendre votre silhouette, votre pose aussi lisible que possible avant même d'ajouter de la couleur ou des détails. Alors imaginez que sa jupe qui va par ici, sera devant ou derrière l'arc et la flèche. Donc, vous avez eu comme l'arc et la flèche en concurrence avec la forme, la silhouette de la jupe qui s'avère être brisée. Donc cette pose ne va pas marcher. J' ai donc 1 et 3. J' aime vraiment comment 3 met en valeur la flèche plus, mais je pense que le mouvement est plus naturel avec 1. Donc je choisis celui-ci sur 3. Peut-être que je vais essayer d'utiliser cet arc avec ses mains et ses bras. Peut-être que je vais essayer d'incorporer ça sur 1. Voyons comment ça se passe. Je veux en garder la plupart. Il suffit de changer certaines fonctionnalités. ce moment, je combine le geste, les mains et les bras pose que j'avais sur le troisième croquis. J' essaie de l'appliquer sur celui-ci parce que je ne suis pas fan de la façon dont elle montre sa flèche sur la première pose. Donc, dans ce stade précoce des croquis, je n'en prends pas, ce n'est pas encore un choix décisif pour les cheveux ou le design. J' essaie juste de bien faire sa pose. La seule chose que je suis sûre d'elle, c'est que je veux que sa jupe ressemble à la forme du vase du porteur d'eau, du signe Verseau. Donc, ici, j'applique ce même mouvement des jambes et ainsi de suite. Donc, des lignes courbes, des lignes droites. Lignes courbes, lignes droites. Si ses vêtements n'étaient pas une partie si importante de son design et que ce que je veux est censé ressentir, je ne le dessinerais pas à ce stade précoce. Donc je pense que c'est important à remarquer. Sa jupe est essentiellement la raison pour laquelle j'ai choisi cette pose spécifique. Donc c'est assez important. Elle montre sa flèche plus comme la troisième pose, qui a été rejetée. Et maintenant j'ai cet espace libre qui est comme, je ne sais pas exactement ce que je vais faire de sa main, alors j'ai décidé de mettre son arc sur sa main gauche. Ce genre de décisions, secondes pensées sont super, super faciles et je les recommande de se produire à ce stade précoce du processus parce que si vous avez des secondes pensées quand vous êtes en train de polir le dessin et de le finir, faire comme les derniers ajustements, c'est super dur, vous rendez les choses beaucoup plus difficiles pour vous-même. Donc, c'est l'endroit où vous pouvez faire des erreurs et essayer beaucoup de choses. Donc, ici, il est clair que l'arc est une pièce supplémentaire. Ce n'est pas accablant de toute façon, ce n'est pas gênant le reste de sa silhouette. C' est pour ça que je pense que c'est correct de le garder ici, et ce n'était pas correct sur son autre pose. D' accord ? Donc, je pense qu'on en a fini avec la pose. C' est un point où je suis assez à l'aise avec la pose. La fondation est assez fixée sur ce dessin déjà pour passer à des détails plus fins. 5. Dessiner des visages féminins et masculins: Dans cette leçon, nous allons parler des expressions et caractéristiques de la tête et du visage et de tout ce qui rend votre personnage attrayant. L' expression est fondamentalement la première chose que les gens vont regarder sur votre personnage, donc vous devez être très prudent à ce sujet. Ça va en dire beaucoup sur le personnage. Je sais que vous avez posé, vous avez des vêtements, vous avez beaucoup de choses autour de ce personnage pour le rendre présentable, pour créer sa personnalité. Mais nous, en tant qu'êtres humains, la première chose que nous allons regarder est le visage, donc c'est pourquoi cette leçon spécifique est si importante. Je vais d'abord dessiner un visage d'expression vide, puis nous allons comprendre ce qui crée chaque type d'expression, comme une plus grande gamme d'expression, puis passer à des expressions plus intenses, extrêmes, spécifiques. Et après cela, nous revenons au personnage et dessinons leur visage et leur expression. Donc, en règle générale, quand je dessine mes visages, je dessine cette forme comme un oeuf et je la coupe juste là au milieu. J' utilise beaucoup mon oreille pour me guider parce que je peux aligner le haut de l'oreille avec les sourcils des personnages, donc c'est une ligne très importante pour moi. Donc une autre astuce pour dessiner des formes de tête est de traiter votre tête comme si c'était une sorte de boîte. Donc, imaginez que si vous fermez la tête à l'intérieur d'une boîte, tous les traits du visage seront de ce côté de la boîte, puis l'oreille et l'arrière de la tête seront de l'autre côté de la boîte. Donc, ça vous aide à le rendre plus tridimensionnel. C' est une forme vraiment difficile à travailler parce que c'est une forme ronde, mais si vous pratiquez cette boîte principale et que vous commencez à la visualiser même si vous ne dessinez pas la boîte. Donc, sur ce personnage, je dessine un visage féminin. Il ya quelques traits spécifiques que vous pouvez être conscient en termes de femmes est de rendre les cils vraiment forts et de rendre les sourcils un peu plus loin des yeux et de la bouche, vous pouvez aller lors du dessin des filles, vous pouvez soit aller avec des lèvres super minces et minuscules. Je pense qu'ils fonctionnent, je les aime personnellement, ou vous pouvez le rendre super fort et audacieux. Ce sera donc une expression neutre. Notez également que lorsque je dessine un visage féminin, j'utilise principalement des courbes. Je vais dessiner un visage masculin dans un peu et ce sera des formes complètement différentes pour le structurer. Un peu de cheveux, derrière sa tête. Ok, passer à autre chose. Donc je vais dessiner un visage d'homme maintenant. Je commence par le même principe, le même visage en forme d'œuf où vous allez voir que les formes que je vais utiliser dans ceci sont complètement différentes. Donc, j'essaie de les rendre un peu le même âge, ok. Donc cette ligne qui fait couper les sourcils comme presque la moitié de l'œuf. Donc, d'abord, les sourcils vont être vraiment forts. Ce n'est pas une règle, comme si vous pouvez jouer autour de ça beaucoup, mais souvent ça va être des sourcils forts pour les gars. Pas beaucoup de concentration sur les cils, comme on l'a fait sur les filles, gardez-les normales et régulières comme le reste des yeux, ok. Avec les gars, nous pouvons soit aller super, super simple avec le nez, rendre vraiment doux ou nous pouvons réellement le dessiner et le rendre vraiment pointu. Donc, en fait, je mets cette ligne là-bas. Ok, pas beaucoup de concentration sur la bouche aussi. J' ai cette préférence personnelle de dessiner les traits du visage avant de dessiner le reste de la tête, car il me rend plus facile de rendre les proportions correctes. Donc, généralement, vous pouvez également utiliser les cous pour souligner les traits féminins ou les traits masculins de votre personnage. Ainsi, par exemple, les cous féminins vont toujours être vraiment sinueux et plus longs que ceux des hommes, les hommes vont être tout solide, une forme solide et généralement plus court aussi. 6. Dessiner les quatre expressions de base: Nous passons aux traits du visage et ce qui rend les expressions uniques, que pouvons-nous changer sur le caractère, quelles caractéristiques faciales, pouvons-nous changer pour mettre l'accent sur chaque expression. La première des parties les plus importantes de la phase que nous allons changer dans chaque expression est les sourcils. Puis les yeux que nous pouvons décomposer en pupilles et paupières, mais les yeux en général, puis la bouche. Ce sont les plus importants. Donc maintenant que nous savons comment nous pouvons jouer avec les traits du visage pour atteindre certaines expressions, mon approche en ce moment va viser expressions spécifiques comme nous savons ce que nous visons, où est notre cible, et ensuite, nous allons changer et déplacer les traits du visage jusqu'à ce que nous y arrivions. Il y a une quantité illimitée d'expressions que vous pouvez essayer, mais il y a quelques expressions plus larges qui sont en quelque sorte la source des autres. Donc, si vous pouvez clouer ces plus importantes et juste changer certaines fonctionnalités de base, quelques petites lignes vous pouvez obtenir des expressions plus complexes. Donc, ces plus larges seront heureux, colère, peur et triste. Donc, je commence par l'expression heureuse. Une chose que je vois beaucoup d'artistes se tromper, c'est quand vous dessinez un sourire, vous voulez cette petite partie, la paupière, la paupière inférieure qu'elle va montrer parce que votre sourire bouge le muscle de votre joue. Ça crée ça, je dirais le vrai sourire. Aussi, quand on regarde des photos, on peut aussi voir si cette personne sourit, c'est un vrai sourire ou non. C' est quelque chose d'inconscient que nous faisons, mais ce mouvement de la paupière inférieure est si important. Vous devez savoir que créer un sourire authentique n'est pas de savoir comment la bouche va ressembler, il ne s'agit pas du sourire mais de la façon dont le reste du visage, surtout les yeux vont bouger et comment ils ressemblent. Remarquez comment le sourire est vraiment poussant la joue vraiment près de l'œil des personnages, puis les paupières sont devenues différentes de l'expression du visage de poker. On peut le tordre un peu par exemple les sourcils. Donc, par exemple, si vous voulez rendre ce personnage plus confiant, plus comme le protagoniste Dmanga, c'est vraiment, vraiment un trope pour les protagonistes du manga sourires. Il dessine un énorme sourire et puis fait les sourcils comme si le personnage était en colère mais il n'est pas parce qu'il sourit. Donc, crée vraiment ce visage confiant. Donc, ceci est un exemple de la façon dont vous pouvez juste gâcher avec vos traits du visage si vous savez quels sont les plus importants peut juste gâcher avec eux jusqu'à ce que vous atteignez l'expression exacte que vous êtes en train de prendre soin. Maintenant, nous passons à d'autres expressions de base comme la colère. sourcils sont la partie la plus importante et ils devraient être vraiment connectés aux paupières. Peut jouer les rides dans votre favori, mais pas exactement nécessairement. J' ajoute seulement quelques-uns, peut-être dessiner une petite ligne sur la bouche pour se connecter avec parce que la bouche était juste ouverte, de sorte que vous voyez cette ligne connectée à la bouche. Donc, l'expression suivante je veux montrer que c'est vraiment basique. C' est la peur et les expressions effrayées. Les sourcils vont toujours pointer vers le haut. Comment ils vont être, c'est peut-être à quel point votre personnage est effrayé. Donc, vous pouvez jouer avec ça beaucoup. Les yeux, ils doivent être ouverts et les élèves vont être petits. La bouche est également ouverte à vous, mais je dirais que la combinaison des yeux et des sourcils est l'astuce que vous voulez obtenir avec ce genre d'expression. Donc, la dernière des expressions de base est la triste. Donc, c'est l'un de mes outils préférés parce que surtout avec des béchers au soleil, je dessine beaucoup d'expressions tristes. Donc, je suis devenu quelque chose pour moi. C' est délicat aussi parce que quand les gens dessinent des personnages tristes, ils mettent généralement des larmes sur eux et ce n'est pas quelque chose que j'aime faire parce que je pense que c'est une ressource vraiment puissante d'utiliser des larmes sur un personnage. Personnellement, j'essaie de l'éviter à moins que ce ne soit un moment vraiment, vraiment fort. Peut-être que vous allez faire regarder le personnage vers le bas ou aimer de l'autre côté. C' est un mouvement très subtil des yeux, mais fait beaucoup de différence. Quand tu es triste, tu ne regardes pas directement le visage de quelqu'un d'autre, si ça a du sens. Encore une fois, vous pouvez maintenant ajouter quelques rides, quelques lignes, et vos yeux en D parce qu'ils sont comme presque fermer pas complètement fermé mais presque fermé. Les paupières vont se montrer parce que les yeux sont si bas. Je peux ajouter quelques lignes près de la bouche et c'est tout. Nous avons toutes les expressions de base mises en page. 7. Exercice : expressions extrêmes: Nous venons de passer par les quatre expressions les plus élémentaires. Je sais qu'il y en a une quantité infinie, une combinaison infinie de traits du visage. Cet exercice vous aidera à clouer ces expressions et à utiliser ces différentes combinaisons de traits du visage correctement. Donc, cet exercice consiste à dessiner une expression, l'une des expressions de base disons. Ensuite, dessinez la version extrême de cette expression. Donc, nous essayons d'abord d'utiliser comme les traits du visage pour créer une expression de base, puis, vous essaierez d'utiliser tout ce que vous pouvez. Vous pouvez inclure l'angle de la tête, l'éclairage, les rides que vous pouvez ajouter, tout ce qui rend cette expression aussi extrême que possible. Donc, un conseil que je donne toujours est d'essayer d'imaginer vos personnages comme vos acteurs. Ils sont la scène et ils doivent être super extrêmes et extravagants à ce sujet parce que personne n'aime voir des visages stoïques sur les personnages, visages ennuyeux sur les personnages. Le plus que vous pouvez les rendre humains, le plus attrayant qu'ils seront. Disons que vous faites une expression effrayante et que vous passez à l'expression terrifiée. À quel point seront-ils différents ? Ainsi, comme nous l'avons vu auparavant, peur et la peur peuvent être faites en arquant les sourcils, en renversant vers le haut, paupières vraiment ouvertes, et de petites pupilles. La bouche n'a pas vraiment d'importance. Disons que nous allons dessiner, nous allons montrer quelques dents. C' est ça. Nous avons déjà l'expression de la peur de base. Ok, donc, maintenant, essayons d'augmenter ce sentiment et de faire en sorte que le même personnage ait l'air terrifié. Donc, j'ai déjà changé l'angle de la tête un peu. Il n'est pas nécessaire de le faire, c'est juste une option. Mais pour cette expression spécifique, c'est une expression de film d'horreur et le personnage trouve juste ce corps dans le sous-sol, puis la caméra pointe de dessous son visage. Donc, j'utilise les paupières inférieures, j'utilise les sourcils. Après avoir fait le contour de base de ce visage, je peux également utiliser l'éclairage pour souligner l'expression. Encore une fois, c'est une technique de film d'horreur. Ajoutons quelques ombres sur ses yeux comme si l'éclairage venait du bas, vous venez de trouver quelque chose. Ça a l'air presque comique parce que c'est si extrême. Mais c'est un exercice vraiment intéressant pour jouer avec les expressions et les traits du visage. Donc, ce sera la différence d'un visage effrayant et d'un visage terrifié. 8. Dessiner l'expression de votre personnage: On retourne au personnage maintenant. Maintenant, nous savons qu'il y a beaucoup d'expressions que vous pouvez essayer sur ce personnage spécifique. Je ne vais pas passer par beaucoup d'entre eux parce que j'ai vision claire de la façon dont ce personnage va ressembler. Je sais que ce n'est pas le cas à chaque fois, donc vous pouvez jouer et trouver quelque chose qui correspond à ce personnage. Ce personnage spécifiquement, c'est le représentant du zodiaque Verseau, donc comme un signe d'air, il va être gai et énergisé. Donc, je vais travailler sur cette expression ici. Donc, j'ai créé ça, j'ai fait cette pose, pour que vous puissiez voir la flèche de l'archer, elle vous la présente en quelque sorte. Donc, je vais lui faire regarder les yeux droit sur la flèche. C' est un truc qu'on peut utiliser. Rappelez-vous que nous regardons toujours les visages et spécifiquement nous regardons toujours les yeux. Donc, si vous pointez les yeux d'un personnage vers quelque chose, cela va guider l'œil du spectateur directement vers cette chose. Alors, gardez ça à l'esprit. 9. Finaliser les vêtements et le style: Comme je l'ai fait le visage, j'en ai fini avec mon croquis traditionnel et maintenant je vais le finir sur ordinateur. Donc, je vais en prendre une photo et l' envoyer à ma Cintiq où je peux le faire dans l'art final. J' aime toujours mettre les outils que j'utilise à côté du dessin. Je pense que ça a l'air sympa. Ce n'est pas un crime en quelque sorte. Je vais continuer mon illustration sur mon Cintiq. J' utilise Photoshop mais vous pouvez totalement le terminer sur votre carnet de croquis, ou si vous avez un autre type de logiciel ou de tablette, cela fonctionne également très bien. Donc, je viens de prendre une photo de mon dessin. Je l'ai envoyé à mon email, ai téléchargé, et maintenant je travaille dessus sur mon Cintiq. La première chose que je veux faire sur cette photo est de jouer avec le contraste et les niveaux et ce genre de choses. Donc, je peux juste ici. Donc, disons que je veux gâcher avec le contraste. Alors ok, et ça crée comme cette couche ici et je peux juste continuer à ajouter des ajustements. Et c'est ce que je fais surtout sur mes dessins numériques, ok. Alors, allons pour la couleur sélective pour changer le blanc ici. Rends-le plus neutre. Avant de commencer à faire la draperie, et les vêtements, et le style du personnage, je veux parler des formes que vous pouvez utiliser en votre faveur. Ça va être très rapide. C' est une technique de conception de base. Vous pouvez guider vos dessins à travers trois formes simples qui sont le triangle, le cercle et le carré. Donc, le triangle, il pointe toujours l'œil vers quelque chose, ok. Le cercle va être pour les personnages accessibles. Il apporte du confort, et le carré est pour des personnages simples et des formes confiantes. Ainsi, par exemple, sur mon archer zodiaque que j'ai fait qui représente le zodiaque de la Vierge, j'ai guidé son dessin vers cette forme de triangle, parce que je voulais qu'il regarde directement son visage. Donc, c'est un peu un outil qui m'aide à faire ça. Donc, je vais peaufiner les lignes un peu. Pour cette encrage spécifique, j'utilise la brosse de poche de Cuyo Webster. Maintenant que j'ai un croquis sur lequel travailler, je peux enfin commencer à penser aux vêtements et accessoires et à toutes ces choses intéressantes qu'elle va porter. Je fais une jupe qui va jusqu'à ses pieds. traîne sur le sol comme ça. Donc, une astuce sur dessiner des vêtements sur des personnages est en fait de les dessiner sans les gants d'abord. Et je sais que c'est vraiment un conseil de base, mais ça fait toute la différence. Parce que vous voulez dessiner les vêtements, et ils doivent ressembler au personnage est en fait les porter. Je vais dessiner des bracelets sur ses poignets et ses chevilles. Tu ne le dessineras pas comme ça, hétéro. Vous allez dessiner légèrement incurvée. Parce que si vous pouviez voir de l'autre côté, c'est envelopper toute sa jambe. D' accord. Donc, je fonde à nouveau tous mes choix de garde-robe sur sa jupe, parce que je veux qu'elle soit au centre de ce personnage spécifique. Par exemple, je ne veux pas attirer votre attention sur son torse ou sa tête. Donc, je vais mettre un vêtement vraiment simple sur sa taille afin qu' il ne prenne pas l'attention de son morceau principal de tissu. La dernière partie de la conception avant de passer à couleur est d'ajouter une touche de quelque chose d'intéressant, quelque chose de hors de la boucle juste pour rendre votre personnage un peu mystérieux, un peu plus intéressant pour votre spectateur. J' aime les appeler les œufs de Pâques que vous pouvez mettre sur votre personnage. L' un de ces pour tous mes archers du zodiaque est les arcs et les flèches, parce qu'ils sont si uniques, ils sont si différents que vous créez instantanément le- instantanément il génère de l'intérêt sur ces personnages. Ce sont les arcs et les flèches pour tous les archers du Zodiaque. C' est intéressant parce que j'ai trouvé les flèches d'abord, puis j'ai créé les arcs basés sur les flèches et finalement, j'ai commencé à créer les archers pour chacun d'eux. Donc, ils faisaient le Verseau Archer. Ils avaient ces flèches spécifiques, et c'est celle que je vais dessiner en ce moment. Vous n'avez pas besoin d'avoir ces détails sur votre œuf de Pâques, mais parce que comme je l'ai dit, c'est juste un petit détail qui génère un intérêt pour votre personnage. Il peut être quelque chose d'aussi petit qu'un collier, comme un vêtement, peut-être un motif sur une chemise. Donc, tout ce que vous pouvez ajouter qui génère cette curiosité sur votre spectateur, ça va faire beaucoup sur votre final - ça va faire beaucoup de différence sur le design final aussi. Donc, j'ai juste fait ces armes intéressantes sur elle, et comme vous pouvez le voir, quand j'ai créé la flèche du zodiaque représentant le Verseau, j'ai fait ces petites feuilles tombant de la flèche essayant de simuler l'air qui sort du porteur d'eau. C' est pourquoi j'ai choisi ces feuilles spécifiques. Et je vais dessiner un peu plus des mêmes feuilles sur ce dessin juste pour rendre la composition plus intéressante. C' est totalement facultatif, au fait. J' en suis arrivé à un point où son design est assez complet. Ses vêtements sont tous arrangés. J' ajoute aussi un peu d'intérêt, un accessoire intéressant. Maintenant, il est temps de passer à la partie finale, qui est la coloration. 10. Ajouter de la couleur: Nous passons à la couleur, qui est la dernière partie de ce cours. Tout d'abord, avant de choisir des couleurs, je vais faire les appartements, qui est essentiellement de remplir le personnage avec de la couleur afin que je puisse travailler dessus plus tard. Parce que je peux verrouiller le calque dans lequel ces couleurs sont situées, puis juste travailler sur le personnage après cela. Donc, j'ai juste choisi une couleur aléatoire qui va apparaître beaucoup de rouge, et je vais remplir le personnage. Après cela, je peux choisir les couleurs et en fait passer à la partie amusante. Je vais le faire très vite. J' en ai fini avec les appartements. En ce moment, il est temps de commencer à colorier, ramasser des couleurs. Mon style de coloration est vraiment intuitif. Vous allez voir que j'utilise beaucoup d'ajustements. En fait, ma coloration est tout au sujet des ajustements parce que je ne me considère pas comme un bon peintre. Je n'ai pas un bon oeil pour ce genre de choses. Donc, je vais juste jeter son sous-ton de peau. Je fonde ce personnage sur la flèche et l'arc du zodiaque. Donc, j'ai à peu près un schéma de couleurs que je veux suivre. Choisir des schémas de couleurs est vraiment difficile pour moi parce que comme je l'ai dit, je n'ai pas le meilleur oeil pour cela. Donc, je compte généralement sur de belles photos. Vous devriez avoir un dossier dans votre ordinateur avec cette photographie vraiment intéressante avec des couleurs intéressantes, sorte que vous pouvez avoir une belle base pour commencer. Les couleurs sont vraiment délicates parce que vous ne devriez pas compter entièrement sur les images, par exemple parce que chaque couleur de votre toile va avoir une relation très étroite avec la couleur qui est juste à côté. C' est le genre d'ajustement que je fais beaucoup sur mes dessins. Cette même icône, le calque de réglage, je clique sur la couleur sélective, puis, je suis libre de l'ajuster, jusqu'à ce que je trouve la couleur qui semble plus agréable. C' est pourquoi j'ai dit que mon style de coloration est vraiment intuitif parce que je gâche fondamentalement ces options jusqu'à ce que je trouve quelque chose que j'aime. Donc, je veux que l'air qui l'entoure soit un peu vert. Une chose qui est une marque de mon travail est que je ne fais pas beaucoup d'ombrage. Je ne fais pas de rendu du tout parce que je ne pense pas que ce soit intéressant. Donc, j'essaie de créer un certain intérêt sur ma coloration en ajoutant des gradients vraiment lisses. Donc, je choisis une brosse ronde sans aucune dureté, puis, je commence à ajouter ces différents tons pour rendre le dessin plus intéressant. Donc, une chose que je ne profite pas de ce personnage est qu'il ressemble trop à la même coloration. Donc, je vais changer la couleur de ses cheveux à quelque chose de différent pour qu'il crée un contraste avec tout ce vert et turquoise qui se passe. Une autre chose que je fais toujours dans mes dessins est, je crée un calque au-dessus de tout ce que j'ai, le remplit entièrement de noir, et je mets ce calque à saturation. Donc, je peux faire en sorte que ces valeurs vérifient à quel point chaque couleur est contrastée l'une par rapport à l'autre. Donc, ce que j'essaie toujours d'éviter, c'est d'obtenir deux couleurs trop proches les unes des autres sur la valeur car cela rendra mon dessin moins lisible. Donc, par exemple, disons que sa peau était plus proche, c'était comme une valeur de couleur plus proche de ses vêtements, ce qui le rendra moins lisible. Donc, j'essaie d'éviter ça. Heureusement, j'ai créé un bon contraste mais c'est quelque chose que vous devriez toujours garder à l'esprit. Donc, je continue d'allumer et d'éteindre ça dans mes dessins. Donc, une chose que je fais sur mes dessins est, quand j'ai mis en place ma palette de couleurs, quand je suis à l'aise avec elle, je continue à voler les couleurs et à les étaler tout autour de mon dessin pour qu'elles deviennent plus cohérentes. Donc, une chose que j'aime jouer est en fait d'ajouter ces effets numériques sur mes dessins traditionnels. Donc, j'ouvre la couche de lumière dure ou de lumière vive, couche de lumière broche. N' importe lequel de ces travaux dépend du type d'éclairage que vous faites. Ensuite, je viens d'ajouter cette touche d'éclairage sur le dessin, pas trop cependant. Une autre touche finale est d'ouvrir une couche multiplier au-dessus de tout, puis j'obtiens un de mes pinceaux Kyle Webster et j'ajoute un peu de texture sur mon dessin. Donc, celui-ci me rappelle un peu d'aquarelle, donc j'aime vraiment l'effet, ajoute juste un peu de texture. Enfin, je sélectionne toutes les couleurs que j'ai et j' ajoute une touche de texture en plus de tout. Encore une fois, je choisis un ton moyen de gris, de la peinture sur le dessus. Filtrer le bruit, ajouter du bruit. Ce sont les paramètres. Donc, c'est essentiellement du bruit gaussien avec toute la quantité possible. Ensuite, filtrer la galerie, utiliser des éclaboussures. Les options n'ont pas beaucoup d'importance. D' habitude, j'y vais tout le temps. Posez bien, puis je vais répéter la même action, en cliquant ici, galerie de filtres, juste pour ajouter un peu plus de ce même filtre. Enfin, je vais désaturer. Ok, donc j'ai ma texture prête. J' ai mis cette couche à superposer, et je l'ai juste tonifiée un peu, et voilà. C' est totalement facultatif, mais une dernière chose que vous pouvez faire est d'aller à l' équilibre des couleurs et essayer ce dernier ajustement sur votre toile. Alors, voilà. Donc, comme vous pouvez le voir, mon processus de coloration est vraiment intuitif. J' ajuste les couleurs tout le temps jusqu'à ce que je pense que c'est assez intéressant. J' espère que vous pourriez en retirer quelque chose. 11. Réflexions finales: Avant que nous finissions, j'aimerais parler un peu de style. J' espère qu'après avoir vu mon processus complet, vous pouvez voir que le style, ce n'est pas quelque chose que je cible spécifiquement, ou je termine mon travail vers, cela arrive naturellement. Ce sont les choix comme le genre d'oeil que vous voulez dessiner. À quel point les épaules de mon personnage sont étroites, ou à quel point je dessine mes doigts. Donc, chacun de ces choix spécifiques, choix esthétiques comme mon choix pour garde-robe, même les formes que j'utilise sur mon travail, tout cela est ce qui crée votre style. Alors, s'il vous plaît, ne vous concentrez pas là-dessus. J' espère vraiment que vous avez apprécié ce cours. C' était vraiment agréable d'aller si loin dans mon propre processus. Si je peux résumer cette classe pour vous, je dirais travailler sur vos fondations et être à l'aise avec elles parce que si vous êtes à l'aise sur cette partie, qui est la base de tout votre travail, vous êtes sur un bon départ. Les détails, ok, ils sont importants, ils rendent votre travail agréable, mais ils ne répareront pas votre dessin. Donc, concentrez-vous sur les bases. C' est la partie la plus importante pour moi. Donc, j'espère que vous téléchargez votre travail à la Galerie de projets, et si vous avez des questions, vous pouvez simplement les mettre là et j'essaierai de répondre au plus grand nombre possible. J' espère que vous avez apprécié ce cours, et merci d'avoir regardé. 12. Découvrez d'autres cours sur Skillshare: