GarageBand pour Mac : production musicale pour débutants

1. Bienvenue et ce que vous apprendrez: Bienvenue dans ce cours GarageBand où vous apprendrez à utiliser Garage Band pour Mac pour produire votre propre Que vous débutiez dans le domaine de la production musicale ou que vous utilisiez Garage Band depuis un certain temps, ce cours vous apprendra l'essentiel et vous aidera à utiliser en toute confiance cette station de travail audio numérique pour produire votre propre musique Dans ce cours, vous apprendrez à enregistrer les instruments virtuels et à modifier les informations multimédia dans le piano roll, à enregistrer et à modifier du son et à utiliser une fonction de batteur créer des rythmes pour vos propres chansons Je vais ensuite vous montrer comment arranger différentes pistes et régions pour créer une chanson complète. Vous apprendrez également à mixer de la musique, notamment à équilibrer les niveaux, et à utiliser des effets essentiels tels que l'égalisation, la compression, la réverbération, le retard, la distorsion, effets de modulation et également l'automatisation Ensuite, je vais vous montrer comment exporter votre mix et aussi les bases du mastering pour que vos chansons soient prêtes à être publiées Donc, si vous êtes un Mcuser et que vous voulez apprendre à utiliser Garage Band, ils vous recommandent de me rejoindre dans ce cours 2. Présentation de l'interface de GarageBand Tour: Voilà, et bienvenue sur cette vidéo. Nous allons faire un tour de l'interface GarageBand GarageBand Dans cette vidéo, je vais donc vous montrer rapidement les zones de cette station de travail audio numérique afin que vous puissiez commencer à comprendre le flux de travail de Garage Band. Nous n'allons pas encore créer de musique, mais ne vous inquiétez pas. Nous étudierons très prochainement la possibilité de créer et d'enregistrer de la musique. OK, alors commençons. Barre de menu située en haut. C'est là que les utilisateurs accèdent à différents menus, tels que fichier, édition et affichage. Les fonctions incluent la création de nouveaux projets, enregistrement, l'importation, l'exportation et le réglage des préférences. Barre de commande située en haut au centre. Il inclut des outils de lecture et d'enregistrement essentiels. Bouton Play, Stop. Cela démarre et arrête la lecture. Bouton d'enregistrement. Cela active l'enregistrement. Bouton de cycle. Cela met en boucle une partie sélectionnée de la piste à des fins de modification, d'enregistrement ou de lecture. Métronome. Cela active ou désactive un clic. Tuner. Cela vous permet de régler tous les instruments que vous avez connectés à GarageBand Comptage. Cela fournit un court métronome qui compte avant le début de l'enregistrement, ce qui vous laisse le temps de vous préparer et de jouer en synchronisation avec le tempo Ensuite, nous avons le tempo, signature temporelle et la signature clé. Plus d'informations à ce sujet plus tard dans la leçon, cependant. Ensuite, nous avons le volume principal ici, qui contrôle le volume de sortie. Avant de poursuivre la visite, nous devons comprendre les deux principaux types de pistes utilisées à travers toutes les portes. Parlons d'abord des pistes MIDI. Ils contiennent des données de performance telles que la hauteur, la durée et la vélocité des notes. Ils peuvent être utilisés pour contrôler des instruments virtuels, ce qui vous permet d' éditer et de manipuler les sons même après l'enregistrement. Cela vous permet également de programmer des pièces au lieu de les exécuter. Je vais juste ajouter rapidement une boucle pour que vous puissiez le voir maintenant. Mais nous examinerons les Apple Loops en détail plus tard. Nous pouvons donc ajouter une boucle en appuyant sur ce bouton ici, et les boucles MIDI sont les boucles vertes. Il suffit donc de cliquer dessus et de le faire glisser sur notre piste. Dans cette piste, nous avons des mini-données. L'autre type de piste est une piste audio. Je vais simplement le faire glisser ci-dessous pour créer une nouvelle piste afin que vous puissiez voir les ondes audio. clips audio stockent des enregistrements sonores réels, tels que des voix ou des instruments, et sont basés sur des données de forme d'onde, ce qui les rend moins flexibles pour le montage détaillé, mais ils sont idéaux pour capturer des performances audio réelles OK, poursuivons maintenant la visite. La zone des pistes. C'est ici que toutes les pistes sont affichées et éditées. Chaque piste possède son propre en-tête avec des commandes telles que le mode muet, le mode solo et le volume Muet est l'icône du haut-parleur traversée par une ligne. Si nous l'activons, cela fera taire la piste afin que vous ne puissiez pas l'entendre. Cela peut être utile si vous souhaitez écouter le reste de votre mix sans cette piste spécifique. En solo. Voici l'icône de ce casque Lorsque cela isole la piste, désactive l'ensemble de la piste pour que vous puissiez l'entendre d'elle-même Cela vous permet de vous concentrer et de peaufiner les pistes individuelles sans interférence des autres. régions, ce sont de petits blocs qui représentent des événements audio ou multimédia enregistrés. Plusieurs régions peuvent être stockées sur une seule piste. Par exemple, faisons-le simplement glisser. Et vous pouvez voir que nous avons maintenant deux régions sur cette piste, chacune avec des informations MIDI différentes. Playhead. La tête de lecture dans Garage Band est la ligne verticale qui se déplace sur la chronologie, indiquant votre position actuelle dans le dessin, la lecture ou l'enregistrement du projet Règle, la règle de GarageBand est la chronologie horizontale située en haut de l'espace de travail qui affiche la structure musicale d'un projet, y compris les mesures, les battements et le temps, ce qui vous permet de naviguer et organiser facilement vos régions audio et midi Fenêtre de l'éditeur. Vous pouvez accéder à la fenêtre de l'éditeur en appuyant sur E sur le clavier de votre ordinateur ou en appuyant sur l'icône en forme de crayon ici. Cela ouvre et ferme la fenêtre basse de l'interface, qui est utilisée pour l'édition détaillée des pistes et des régions individuelles. Les options de la fenêtre de l' éditeur varient selon que vous avez sélectionné une région MIDI ou audio. Lorsqu'une région audio est sélectionnée dans la fenêtre de l' éditeur GarageBand, vous pouvez effectuer des tâches d'édition détaillées telles que couper, découper et déplacer des zones Vous pouvez également régler les problèmes de synchronisation, appliquer une correction de hauteur pour corriger les notes clés et modifier visuellement la forme d'onde pour affiner les performances De plus, vous pouvez contrôler le fondu entrant, le fondu sortant, régler le gain régional et boucler les sections pour un montage plus raffiné de votre piste audio. Nous y reviendrons plus en détail plus tard dans le cours. Lorsque la région midi est sélectionnée dans la fenêtre de l'éditeur Garage Bands, vous pouvez ajuster les notes individuelles de manière très détaillée. Vous pouvez modifier la hauteur, la longueur, la vélocité et le timing des notes . L'éditeur vous permet également d'ajouter ou de supprimer des notes et d'appliquer des effets midi tels que l'arpégiation. Cela donne un contrôle total sur les performances et permet un montage précis pour parfaire la piste MIDI. Nous y reviendrons plus en détail plus tard dans le cours. Le navigateur en boucle. Nous l'avons examiné brièvement. Il s'agit d'une bibliothèque de boucles ici, sur le côté droit. Nous pouvons afficher et masquer le navigateur en boucle en appuyant sur ce bouton ici ou en utilisant le raccourci clavier Oh. Il s'agit donc d'une bibliothèque d'Apple Loops préenregistrés. Ici, vous pouvez rechercher et filtrer les boucles par instrument, jeu et descripteur Nous examinerons cela en détail plus tard dans le cours, cependant. Pour l'instant, fermons simplement la bibliothèque Apple Loop afin d'avoir un peu plus d'espace. La bibliothèque. Nous pouvons montrer comment fonctionne la bibliothèque en appuyant sur ce bouton ici ou en utilisant le raccourci clavier Y. La bibliothèque permet aux utilisateurs de choisir différents sons d'instruments et de préréglages de pistes options varient selon que vous avez sélectionné une piste MIDI ou audio. Pour l'instant, fermons simplement la bibliothèque en appuyant sur Y, afin d'avoir à nouveau un peu plus d'espace. Panneau Smart Controls. Vous pouvez accéder à cette fenêtre en appuyant sur B ou sur l'icône représentant un cadran en haut à gauche de la fenêtre principale. Ici, vous pouvez régler des paramètres spécifiques pour chaque piste, tels que l'égalisation, la compression, la réverbération et d'autres effets Je vais vous le montrer plus en détail plus tard dans le cours. Bien, parlons maintenant des notes. Nous pouvons accéder aux notes en appuyant sur l'icône du bloc-notes, qui se trouve en haut à droite à côté de l'icône des boucles Vous pouvez y écrire toutes les notes que vous pourriez avoir pour votre projet. Par exemple, vous pouvez écrire une liste de choses à faire, la cause de votre projet, des paroles ou simplement noter des idées. Bien, examinons maintenant quelques autres contrôles de transport. Il ne reste donc qu'à revenir en arrière et à avancer rapidement. Nous pouvons donc appuyer dessus pour revenir en arrière ou en avant. Et nous pouvons aller au début ou au début du projet avec ce bouton ici. Nous pouvons également utiliser le raccourci clavier Enter pour cela. D'ailleurs, nous avons également un raccourci clavier pour jouer, qui est la barre d'espace, et nous avons un raccourci clavier pour enregistrer, qui est « Et nous avons un raccourci clavier pour la région du cycle », qui est C. Donc que quelques raccourcis clavier de base à retenir. D'ailleurs, lorsque la zone cyclable est activée, elle fait simplement le tour de cette zone. Vous pouvez donc faire glisser le pointeur sur cette zone pour la déplacer ailleurs, et vous pouvez la découper pour l'allonger ou la raccourcir. Mais n'oubliez pas qu'il ne fera que faire le tour de cette zone à vélo. Le cycle est également utilisé pour créer une section de l'exportation du tracteur , que nous verrons plus loin dans le cours. Parlons maintenant du zoom et du défilement. Vous pouvez donc utiliser une diapositive Zoom en haut à droite ici. Si nous le faisons glisser vers la droite, il zoomera, et si nous le faisons glisser vers la gauche, il zoomera en arrière. Le zoom horizontal est idéal pour effectuer des modifications précises sur une petite section, telles que le découpage de régions audio ou le réglage Pour parcourir les différentes sections de votre morceau, vous pouvez utiliser un mouvement de balayage à deux doigts sur votre pavé tactile ou la molette de défilement de votre souris Vous pouvez également faire glisser la petite barre en bas de la zone des pistes. OK, c'est donc une présentation très rapide de l'interface GarageBand. Ne t'inquiète pas. Nous envisagerons de créer de la musique très bientôt. Je voulais juste vous montrer rapidement l'interface GarageBand afin que vous puissiez comprendre le flux de travail de cette station de travail audio numérique Bien, nous allons maintenant examiner création d'un nouveau projet et de modèles de projet , que nous verrons dans la prochaine vidéo. Alors merci de votre attention , je vous y verrai. 3. Créer une nouvelle piste et des modèles de projet: Voyons maintenant comment créer un nouveau projet. Nous pouvons donc créer un nouveau projet en allant dans fichier puis dans nouveau. Nous pouvons également utiliser le raccourci clavier Command N. Ainsi, lorsque nous ferons cela, cette nouvelle fenêtre de projet apparaîtra. Ici, nous pouvons voir que j' ai mes projets récents, mais cliquons sur Nouveau projet, qui se trouve ci-dessus. Vous pouvez donc voir ici que nous avons cette zone de détails. Si vous ne le voyez pas, vous pouvez afficher en appuyant sur cette flèche. Nous pouvons donc sélectionner le tempo du projet, signature clé, la signature temporelle et les périphériques d'entrée et de sortie. Ces paramètres peuvent tous être modifiés ultérieurement dans le projet, mais il est généralement recommandé de définir le tempo, signature des touches et la signature temporelle dès le début du processus, car ce sont les bases musicales de votre musique. Nous les explorerons en détail sous peu. Pour l'instant, cependant, sélectionnons Choisir. Lorsque vous démarrez un nouveau projet vide, la première fenêtre qui s'ouvre vous demandera par quelle piste vous souhaitez commencer. Nous avons donc ici une mini-piste pour les logiciels ou les instruments virtuels. Ensuite, il y a une piste de batteur, c'est-à-dire un batteur qui joue avec votre Nous en parlerons cependant en détail plus tard dans le cours. Ensuite, nous avons deux pistes audio, qui vous donnent des préréglages légèrement différents pour une piste audio Le premier sert à enregistrer un micro ou une ligne, et l'autre à enregistrer une guitare ou une basse, ce qui vous permet d'obtenir une guitare ou une basse, ce qui des amplis virtuels et des effets de pédale. Encore une fois, nous en parlerons plus en détail ultérieurement. Pour cet exemple, sélectionnons une piste MIDI, puis appuyons sur Create. Une fois que vous avez créé une nouvelle piste, vous pouvez en ajouter d'autres en appuyant sur l'icône plus en haut de la zone d'en-tête de la piste. Vous pouvez également utiliser l'option clé Command N. Mais annulons cela pour le moment, et parlons plutôt des modèles de projet. Lorsque vous démarrez un nouveau projet, vous avez également la possibilité de choisir parmi une gamme de modèles de projet. Créons maintenant un nouveau projet en allant Fichier et Nouveau. Pour cet exemple, je ne vais pas l'enregistrer, et maintenant cette fenêtre apparaît à nouveau. Sans rester ici, nous pouvons sélectionner des modèles de projets. Nous avons donc ici un certain nombre de modèles différents. Chaque modèle propose une sélection de pistes prédéfinies qui correspondent le mieux au drame ou à la star que vous avez sélectionné. Par exemple, le modèle de collection Amp commence par une sélection de pistes audio, chacune associée à un simulateur Amp différent. Nous examinerons les simulations Amp plus tard. Mais pour cet exemple, choisissons. Fermons simplement ce projet en appuyant sur le bouton X en haut à gauche, et cela nous ramène à la fenêtre contextuelle. Jetons un coup d'œil à un autre modèle de projet. Sélectionnons l'électronique et appuyons sur Choisir. Il comporte une piste de batteur et pistes d' instruments MIDI ou logiciels qui ont différents préréglages de synthé. Nous pouvons le rejouer en appuyant sur la barre d'espace. Encore une fois, fermons ce projet en appuyant sur le bouton X en haut à gauche. N'hésitez pas à choisir un modèle en fonction du type de projet que vous souhaitez créer. Cela peut être une bonne façon de démarrer un projet avec des pistes intéressantes. Si vous souhaitez améliorer vos compétences en matière de portes et de garages, je vous recommande de démarrer les projets à partir de zéro et de configurer les rails manuellement. Cela vous aidera à vous familiariser avec la mise en page et à explorer les options de créativité Pour cela, cliquez sur Nouveau projet et sélectionnez Choisir. Encore une fois, sélectionnons simplement une mini-piste pour cet exemple. OK, c'est donc la fin de cette vidéo. Nous avons envisagé de créer une nouvelle piste et des modèles de projet. Dans la vidéo suivante, nous allons examiner quelques informations musicales de base. Alors merci de votre attention , je vous y verrai. 4. Connaissance musicale de base pour débutants ners: Jetons maintenant un coup d'œil à quelques connaissances musicales de base pour vous aider à démarrer. Vous n'avez pas besoin de beaucoup de connaissances théorie musicale pour être un bon producteur de musique, mais en comprendre les fondamentaux vous aidera à vous frayer un chemin dans un groupe de garage et processus de production musicale en général. OK, alors commençons. Tempo. Le tempo mesuré en battements par minute ou BPM fait référence à la vitesse ou au rythme d'une chanson Il détermine la rapidité ou la lenteur des battements. Un BPM plus élevé, par exemple 120 BPM, signifie un tempo plus rapide, ce qui se traduit par un rythme plus rapide et une sensation plus optimiste À l'inverse, un BPM plus faible, par exemple 60 BPM, crée un rythme plus lent et plus détendu Dans Garage Band, le réglage du tempo modifie la vitesse globale du projet, ce qui a un impact sur la rapidité avec laquelle les boucles, instruments et le son enregistré jouent les uns par rapport aux autres Le tempo joue un rôle crucial dans le façonnement de l'ambiance et de l'énergie des chansons. Juste pour cet exemple, je vais ajouter une boucle Apple pour que vous puissiez entendre les changements de tempo. Passons donc aux Apple Loops ici, puis passons à l'instrument. Et pour cela, je vais choisir une boucle de batterie. OK, celui-ci est bon. 80 pop beat 20. Faisons donc glisser cela vers notre projet. Il suffit de faire une boucle en activant la zone du cycle en touchant ici ou en appuyant sur le raccourci clavier C. Donc, pour le moment, c'est 120 battements par minute. Revenons-en à 120 BPM. Nous pouvons donc cliquer et faire glisser ce chiffre pour changer le tempo. Redescendons à 80 BPM et répondons. Nous pouvons également cliquer et faire glisser le pointeur vers le haut pour accélérer le processus. Essayons 170 BPM. Pour cela, choisissons à nouveau 120. Bon, parlons maintenant des bars et des rythmes. La musique est divisée en mesures et en rythmes. Un certain nombre de battements entrent dans une barre, et cela dépend de la signature temporelle , que nous verrons dans un instant. Quelle que soit la porte, la musique est organisée selon une chronologie divisée en barres et en rythmes. Chaque barre est affichée sous forme de segment dans la règle située en haut de l'espace de travail. Et les pistes sont alignées sur ces barres et ces rythmes pour que tout reste dans le temps. Ce système vous permet de placer avec précision les notes, les boucles et les régions audio en tant que points spécifiques de la chanson, en veillant à ce que les éléments musicaux restent alignés rythmiquement La chronologie facilite l'arrangement et le montage de la musique tout en restant synchronisée avec le tempo et la signature temporelle de la chanson. Vous pouvez voir les barres et les rythmes sur un écran ici. Bien, parlons maintenant de la signature horaire. Une signature temporelle définit la structure rythmique d'une chanson en spécifiant le nombre de battements dans chaque mesure ou barre et le type de note qui obtient un battement signature temporelle la plus courante est 44, ce qui signifie qu'il y a quatre temps dans chaque mesure, et chaque battement correspond à un quart de note. Dans 34, il y a trois temps dans chaque mesure, crée généralement une sensation de valse, tandis que six ou huit groupes de battements répartis en six notes de huitième par mesure sont souvent utilisés pour des rythmes plus fluides ou composés signature temporelle façonne le rythme et le pouls de la chanson, influençant la sensation ressentie et façon dont les instruments sont joués de manière synchronisée. Examinons quelques exemples de différentes signatures temporelles utilisant les boucles Apple Loops. OK, donc hors écran, j'ai rapidement créé quelques boucles et différentes signatures temporelles, pour que vous puissiez faire la différence Je vais jouer sur ces différentes boucles et expliquer en quoi elles sont différentes. Pour cela, j' utilise la batterie électronique Eight Oh Eight Flex. Je vais juste cacher la bibliothèque pour le moment, afin que nous ayons un peu plus d'espace. La première boucle ici est donc en 44. Donc tous les quatre temps ou quatre quarts de notes, j'ai une batterie. Et à chaque battement ou à chaque quart de note, je porte un chapeau haut fermé. Je vais juste jouer ce morceau en solo maintenant en appuyant sur l'icône de ce casque, et faisons une boucle dans cette région, donc elle fait 4 barres de long Nous pouvons faire une boucle en passant le curseur en haut à droite de la région et en faisant glisser le pointeur vers la droite. OK, écoutons-le maintenant. Vous devriez donc entendre un coup de pied tous les quatre battements, et à chaque battement, nous entendons un chapeau haut fermé et aussi le métronome OK, donc ça fait 44. Regardons maintenant les quatre gratuits. Changeons donc le signe horaire indiquant que vous êtes ici pour en libérer quatre. Les mesures correspondent donc à la région. Passons maintenant au second en boucle pour en faire également 4 barres. Maintenant, vous pouvez voir que la règle a changé. Bouclons maintenant leur deuxième région pour qu'elle fasse 4 barres de long. Et encore une fois, faisons cela en solo en appuyant sur l' icône du casque ici Vous pouvez donc voir tous les battements libres, chaque coup de pied et chaque battement, il y a un chapeau haut fermé et aussi le métronome Je vais le rejouer maintenant pour que vous puissiez entendre la différence. Vous pouvez également compter le dessin et la lecture. Un, deux, trois, un, deux, trois, un, deux, trois, un, deux, trois. Regardons maintenant 54. Encore une fois, changeons l'heure à laquelle vous êtes ici à 54. Et faisons une boucle, pour faire 4 barres. Nous allons donc également changer la région du cycle en cliquant et en faisant glisser le pointeur vers le haut. C'est donc 4 barres. Donc, pour 54, nous avons un coup de pied tous les cinq temps, et nous avons un chapeau haut à chaque battement. Un, deux, trois, quatre, cinq, un, deux, trois, quatre, cinq. Rejouons-le maintenant. Passons donc en solo en appuyant sur l'icône du casque et rejouons-le maintenant Un, deux, trois, quatre, cinq, un, deux, trois, quatre, cinq. Un, deux, trois, quatre, cinq, un, deux, trois, quatre, cinq. OK, donc ça donne une sensation différente. Jetons maintenant un coup d'œil à 68. Encore une fois, changeons le clavier que vous utilisez ici, et changeons-le en 68 Désormais, les divisions rythmiques se situent en huitième note plutôt qu'en quart de note. Encore une fois, changeons cela pour qu'il y ait 4 barres. Nous allons donc boucler cette région à deux barres, pour qu'elle fasse 4 barres de long. Nous avons donc maintenant six huitième notes. Nous avons donc un coup de pied toutes les six notes sur huit. Et puis nous avons également une, deux, trois , quatre, cinq, six, huitième notes. Donc, quand je le rejoue et que je compte, vous remarquerez que je compte beaucoup plus vite parce que je compte les huitième notes plutôt que les quarts de note. Alors jouons-le en solo et rejouons-le. Un, deux, trois, quatre, cinq, six, 12, trois, quatre, cinq, six, un, deux, trois, quatre, cinq, six, un, deux, trois, quatre, cinq, six. Ce sont évidemment des rythmes très, très simples, mais je voulais simplement les rendre très simples pour que vous puissiez entendre la différence. Vous remarquerez donc que nous avons également d'autres options. Nous avons sept, huit, 12, huit, 138 et des options personnalisées où nous pouvons taper un certain nombre de battements, et nous pouvons également choisir la valeur de la note. Une fois que vous avez sélectionné une nouvelle signature temporelle, GarageBand ajuste automatiquement la structure rythmique du projet fonction de la nouvelle signature temporelle Mais pour l'instant, revenons à 44, car il s'agit de la signature horaire la plus courante. Cependant, de temps en temps, vous souhaiterez peut-être utiliser l'une de ces signatures temporelles plus inhabituelles. D'accord, parlons maintenant de la signature clé. l'écran, j'ai supprimé ce que nous avions précédemment et j'ai ajouté une nouvelle boucle. Je suis donc allé à l' Apple Loop Library. Ensuite, sous l'onglet instrument, j'ai sélectionné Piano et j'ai trouvé celui-ci appelé Latin Roja piano seven J'ai également désactivé le métronome et modifié la région du cycle, il fait donc 2 barres de Donc, pour le moment, c'est en do majeur, et nous pouvons voir qu'il est écrit en do majeur ici sur l'écran. Rejouons-le en do majeur. Nous pouvons cliquer sur les touches indiquant que vous êtes ici, et cette liste déroulante apparaîtra. La moitié supérieure nous donnera les clés principales, et la moitié inférieure nous donnera les clés mineures. Ainsi, la signature clé établit le centre tonal de la chanson, définit et définit les notes et les accords qui sonneront le plus harmonieusement Une chanson dans une tonalité majeure a tendance à avoir une sensation lumineuse et édifiante, tandis qu' une chanson dans une tonalité mineure crée un ton sombre et plus émotionnel La signature clé guide le contenu mélodique et harmonique, garantissant que tous les éléments musicaux tels que les instruments, les voix et les harmonies sont alignés sur la même tonalité centrale ou maison tonale Il constitue la base l'ambiance et du caractère de la chanson, influence sur les accords, les gammes et de la direction musicale générale OK, donc pour cet exemple, choisissons une autre clé. Changeons-le en sol majeur. Notez que la modification de la signature des touches a peu d'impact sur les autres fonctions de Garage Band, contrairement aux modifications du tempo ou de la signature temporelle. Le seul aspect majeur que cela affecte est la correction de la hauteur vocale dans un groupe de garage, que nous verrons plus loin dans le cours. Il est tout de même utile de voir quelle est la clé du morceau, car cela aidera à orienter les décisions musicales lors de la révision du projet Bon, écoutons maintenant cette boucle en sol majeur. Essayons une autre clé. Essayons le ré majeur. Et nous pouvons voir les mini-notes ici changer de tonalité. Je vous recommande donc d'ajouter vos propres boucles et parties musicales et de changer de tonalité pour que vous puissiez entendre la différence. Et à la fin de cette vidéo. Nous avons examiné les informations musicales de base, notamment le tempo, la signature temporelle et la signature des touches. J'espère donc que cette vidéo vous sera utile, et je le verrai dans la prochaine. 5. Introduction aux boucles Apple: Bonjour, et bienvenue dans cette leçon où nous allons découvrir comment utiliser la bibliothèque de boucles de Garage Bands, boucles personnalisées et comment les utiliser dans votre musique. Les boucles Apple Loops sont des fichiers audio et MIDI préfabriqués libres de droits, couvrant différents genres Ils sont parfaits pour une inspiration instantanée ou pour composer des chansons Ouvrez le navigateur en boucle en haut à droite de l'écran ou appuyez sur O sur le clavier de votre ordinateur. Vous pouvez rechercher des boucles par instrument, damra et descripteurs d'ambiance tels que relax ou joyeux, Nous pouvons réinitialiser la recherche en appuyant sur le bouton X en haut à gauche. Le cœur à côté de la boucle correspond aux favoris. Lorsqu'au moins une boucle est mise en favoris, vous pouvez filtrer vos favoris, ainsi que les instruments, le gumre et le descripteur en cliquant sur cette icône en forme de cœur Vous pouvez auditionner des boucles en cliquant simplement dessus. Nous pouvons faire défiler la liste pour voir les boucles, et nous pouvons les auditionner en cliquant simplement dessus. Vous pouvez cliquer à nouveau sur la boucle pour arrêter la lecture de la boucle, ou vous pouvez arrêter la lecture en appuyant sur le haut-parleur en bas à gauche de la fenêtre de boucle. D'ailleurs, l'icône du haut-parleur ci-dessous s' allume en vert lorsque la boucle est en cours de lecture. Vous pouvez importer une boucle dans votre projet en cliquant simplement dessus et en la faisant glisser vers la fenêtre d'arrangement Les boucles audio en bleu doivent être glissées sur une piste audio, et les boucles Mi en vert doivent être glissées sur une piste d' instrument logiciel Faites glisser les boucles vers l'espace vide situé sous les pistes répertoriées pour créer automatiquement la piste appropriée pour la boucle Donc, pour cet exemple, faisons glisser cette boucle midi vers cette piste. Et maintenant, cela a changé l'instrument pour qu'il corresponde à la boucle. Vous remarquerez que lorsque j'essaie de faire glisser cette boucle audio vers cette piste MIDI, cela ne nous permet pas de le faire. Vous pouvez le voir, il est écrit de faire glisser des boucles de pommes vertes ici. Faites glisser des boucles bleues vers une piste audio. Ou nous pouvons faire glisser le pointeur ci-dessous, et cela créera une nouvelle piste audio. OK, rejouons-le, et vous devriez pouvoir entendre la boucle audio et la mini-boucle. Dans la bibliothèque de boucles, vous pouvez également voir combien de temps chaque boucle est mesurée en battements. Ceci est utile lorsque vous organisez vos boucles. Ainsi, par exemple, ici, nous pouvons voir la boucle midi est longue de 4 barres, et la boucle audio est longue de 8 barres. Nous pouvons toujours survoler le curseur en haut à droite de la boucle et le faire glisser vers la droite pour faire une boucle ou nous pouvons utiliser le raccourci clavier L, et cela bouclera et débouclera la région sélectionnée Nous pouvons également placer notre souris la moitié inférieure de la région, ce qui nous permet de réduire la longueur de la boucle Nous pouvons également voir combien de temps chaque boucle est mesurée en battements. Les boucles sont disponibles dans une variété de tempos afin de proposer une large sélection disponible pour tous les drames musicaux L'avantage des boucles Apple est qu'elles modifient automatiquement le rythme de votre projet lorsque vous les importez. Cela signifie que vous n'êtes pas limité au choix des boucles et que vous pouvez synchroniser tous les éléments musicaux de votre morceau Catégories de boucles. En plus des boucles audio et des mini-boucles, nous avons des boucles jaunes pour batteurs Nous les examinerons plus en détail plus loin dans ce cours, mais n'hésitez pas à utiliser les boucles de batterie de vos morceaux en les faisant glisser vers leur espace vide sous la liste des pistes Nous pouvons également remplir les boucles en appuyant sur cette icône ici. Nous pouvons donc afficher toutes les boucles ou cliquer ici pour simplement afficher les boucles du batteur Prévisualisons-en un aperçu maintenant. Comme je l'ai dit, nous pouvons les faire glisser dans l'espace vide sous la liste des pistes, ce qui créera un instrument de batterie Je vais simplement désactiver la boucle audio que nous avons ajoutée précédemment en appuyant sur ce bas de sourdine, puis appuyons sur Entrée pour aller au début et sur la barre d'espace pour la lire Cette boucle de batteur est donc de 32 battements. Donc, si nous voulons que cette section soit aussi longue, nous devrons survoler le haut de cette mini-boucle et la faire glisser vers la droite pour qu' elle ait la même longueur Alors maintenant, quand je rejoue, vous remarquerez que nous pouvons entendre cette boucle de guitare et cette boucle de batteur L'avantage d'utiliser des boucles Mi plutôt que des boucles audio est que vous pouvez apporter des modifications aux boucles une fois que vous les avez intégrées à votre arrangement. Parlons maintenant des boucles audio par rapport aux boucles Mi. L'avantage d'utiliser des boucles Mi plutôt que des boucles audio est que vous pouvez apporter des modifications à la boucle une fois que vous les avez incluses dans votre arrangement. Vous pouvez le faire en cliquant sur la boucle Mi puis appuyant sur E ou sur cette icône ici pour ouvrir l'éditeur. Cela ouvrira le piano roll, que nous examinerons plus en détail ultérieurement. Nous pouvons donc modifier ces informations MIDI dans le piano roll si vous le souhaitez. Donc, par exemple, modifions-les ici pour que vous puissiez entendre la différence. Tu devrais entendre maintenant, ça va sonner différemment. Je vais juste annuler les modifications que j'ai apportées en appuyant plusieurs fois sur Command ed. Voyons maintenant comment c'était avant. Cela n'est cependant pas possible pour les boucles audio, car les informations musicales sont imprimées à l'intérieur de la boucle elle-même. Donc, si vous souhaitez pouvoir personnaliser rapidement vos boucles, je vous recommande d'utiliser des mini-boucles plutôt que des boucles audio. 6. Personnaliser des boucles Apple: Bien, voyons maintenant comment personnaliser les boucles. Examinons d'abord les régions de découpage. Vous pouvez donc facilement modifier les régions et les boucles en fonction de votre arrangement en les découpant, ce qui vous permet de n'utiliser qu'une partie spécifique d'une boucle Ceci est utile lorsque vous souhaitez raccourcir ou modifier la boucle pour différentes sections de chansons comme les couplets et les refrains Je vais maintenant vous montrer comment découper une boucle. Nous l'avons déjà examiné, je vais vous montrer comment découper pour avoir juste une certaine section que vous pouvez boucler. Pour l'instant, désactivons cette piste de batteur et rétablissons la piste de batterie, et découpons maintenant cette région Zoomons en utilisant ce curseur ici. Donc, pour cet exemple, utilisons simplement la deuxième barre. Passons donc le curseur sur la moitié inférieure de la région et réduisons cette valeur à la barre trois Ensuite, nous pouvons également réduire le début de la boucle. Réduisons-le donc pour qu'il soit à la deuxième mesure. Maintenant, nous pouvons cliquer dessus et le faire glisser jusqu'au début Je passe le curseur en haut à droite de la boucle et je le fais glisser vers la droite, ce qui fait 8 barres de long Il suffit maintenant de faire un zoom arrière et de revenir en arrière, et vous devriez être en mesure de remarquer que nous ne tournons que cette section de la boucle en boucle Vous pouvez également copier et coller versions découpées dans différentes zones de votre projet, créer des variations, contribuant ainsi à créer une dynamique intéressante dans les différentes sections de votre chanson. Vous pouvez le faire avec les commandes C et V. Copions donc cette boucle audio en appuyant sur la commande C, puis déplaçons la règle de la tête de lecture sur la barre 9, vérifions-nous que la bonne piste est sélectionnée et appuyons sur la commande V. Parlons maintenant des familles de boucles Ce n'est pas le cas pour toutes les boucles, mais si vous avez ce bouton fléché ici, il vous indiquera une autre boucle d'une famille de boucles. Il s'agira donc d'une autre boucle ou plusieurs boucles qui sonnent très similaires. Vous pouvez donc voir ici que lorsque j'ai cliqué sur cette flèche, nous avons cette autre boucle ici Sélectionnons-le maintenant. Vous pouvez voir que ce n'est pas découpé Donc, si vous voulez couper cela, vous devrez découper cette nouvelle boucle. Passons simplement en boucle sur cette boucle de guitare maintenant. Rejouons-le maintenant afin que nous puissions entendre de l'ancienne boucle à la nouvelle. D'ailleurs, lors de la lecture d'un dessin, vous pouvez voir le projet se déplacer si vous ne le souhaitez pas et si vous souhaitez que le projet reste immobile en cours de lecture de dessin. Il suffit de désélectionner ce bouton ici. Bon, parlons maintenant de l'inversion des boucles. L'inversion des boucles peut apporter une touche unique et inattendue à votre arrangement, en ajoutant de la texture et des effets créatifs La fonction inverse de Garage Band vous permet de jouer facilement n'importe quelle boucle en arrière. Toutefois, cela n'est possible que pour les boucles audio et non pour les boucles MIDI. Voici comment procéder. Ouvrez l'éditeur pour la boucle audio, et cela nous montrera l'éditeur de formes d'onde ici. Assurez-vous que l'onglet Région est sélectionné dans l'éditeur de formes d'onde, puis vérifiez la lecture inversée Écoutons maintenant cette boucle de batterie inversée. Donc, pour cet exemple, je vais réduire cette boucle, pour elle ne fasse qu'une barre, et maintenant je vais copier et coller cette boucle, ce que nous pouvons faire en appuyant sur les commandes C et V. Ou nous pouvons dupliquer en maintenant le bouton d' option enfoncé et en cliquant et en faisant glisser Je vais maintenant boucler cette boucle d'une barre. Pour le moment, je vais décocher la fonction de lecture inversée. Vous devriez donc pouvoir entendre maintenant que de la barre 9 à la mesure 10, nous avons la boucle inversée puis de la barre 10 à la mesure 17, nous avons la boucle qui joue vers l'avant. Écoutons-le maintenant. L'inversion d'une région peut être idéale pour créer des élévateurs, des chutes et des effets d'ambiance, ainsi d'autres productions créatives Vous pouvez également combiner des boucles inversées avec des boucles standard pour ajouter contraste et de l'intérêt à des parties spécifiques de votre tractus, en particulier pour les transitions. 7. Mettre des boucles en couches Apple: Bon, parlons maintenant de la superposition de boucles. superposition de différents types de boucles est un moyen efficace de créer un arrangement plus complet et plus riche En combinant des boucles, telles que des battements de batterie, des lignes de basse, des éléments mélodiques, vous pouvez améliorer le groove et la profondeur de vos chansons Voici comment superposer des boucles. Ajoutons donc maintenant une autre boucle à ce sillon. Juste pour cet exemple, je vais passer barre 13 à la barre 17, et trouvons maintenant une autre boucle à ajouter à ce sillon. Dans la bibliothèque de boucles, sélectionnons l'instrument, et à côté du nom, je vais cliquer ici et changer le type de boucle pour toutes les boucles. Pour cet exemple, ajoutons une partie de percussion. Donc, dans l'instrument, je vais sélectionner les percussions. Et maintenant, dans le genre, je vais choisir le rock blues. Rejouons maintenant cette région du cycle et relisons le dessin. Je vais prévisualiser certaines de ces boucles pour voir si elles correspondent à notre rythme. OK, faisons-le maintenant. OK, comme celui-ci appelé Funky Strut Shaker. Cliquons et glissons maintenant ci-dessous pour créer cette nouvelle piste. Maintenant, faisons-le en boucle, pour qu' il fasse 4 barres de long. Bon, rejouons-le et dessinons la lecture ou simplement les commandes de volume pour chaque piste afin d'équilibrer les boucles. D'ailleurs, nous pouvons également cliquer et faire glisser le pointeur sur chaque en-tête de piste ici pour modifier l'ordre des pistes. Mettons donc cette piste de percussion au-dessus de cette piste de batteur muette OK, rejouons-le maintenant. OK, en dessinant la lecture, j'ai juste baissé un peu le volume des percussions et légèrement le volume de la piste de guitare. OK, c'est donc une introduction aux Apple Loops. Ensuite, nous continuons à examiner les différentes caractéristiques et fonctions de GarageBand Merci de votre attention, je vous y verrai. 8. MIDI and Virtual Instruments: Bonjour, et bienvenue dans cette leçon où nous allons nous plonger dans le monde du MIDI, qui signifie interface numérique pour instruments de musique et groupes de garage intégrés à des instruments virtuels. À la fin de cette section, vous saurez comment créer, modifier et manipuler des données MIDI, utiliser des instruments virtuels et connecter des contrôleurs MIDI. Alors, qu'est-ce que le MIDI ? Le MIDI est un protocole qui permet aux instruments de musique électroniques, aux ordinateurs et à d'autres matériels de communiquer et de contrôler notes de musique et les données de performance sans contenir le son réel. Le MIDI et le garage band contrôlent instruments logiciels en envoyant des données représentant des notes de musique plutôt que du son réel. Lorsque vous enregistrez à l'aide d'un contrôleur MIDI ou du clavier virtuel, les informations capturées incluent la hauteur de la note, sa durée, durée pendant laquelle elle est maintenue, et la vélocité, c'est-à-dire l'intensité avec laquelle la note est jouée. Cela permet une grande flexibilité, car vous pouvez modifier les données MIDI après l'enregistrement sans réenregistrer la performance. Vous pouvez ajuster des notes individuelles, modifier leur timing ou modifier la longueur et la vélocité dans l'éditeur de piano roll Cette flexibilité rend le MDI idéal pour affiner les performances, créer des variations ou même dessiner des notes manuellement Contrairement au son, qui capte les ondes sonores, les données MIDI agissent comme des partitions numériques, contrôlant le comportement des instruments logiciels. Instruments intégrés à des groupes de garage. Voyons maintenant un aperçu de nos instruments virtuels. Garage Band propose une large gamme instruments virtuels tels que des pianos, des batteries, des symps, des guitares, des basses, etc. Ces instruments peuvent être joués et manipulés à l'aide de données MIDI. Utilisation de la bibliothèque. Dans Garage Band, vous pouvez accéder à un large éventail d' instruments virtuels à utiliser dans votre projet. Voici comment parcourir, prévisualiser et sélectionner des instruments. Cliquez sur l'icône de la bibliothèque dans le coin supérieur gauche pour ouvrir le navigateur d'instruments ou appuyez sur la touche Y de votre clavier. Vous pouvez voir différentes catégories telles que les claviers, les guitares, les batteries, etc. Parcourez les instruments disponibles dans chaque catégorie. Par exemple, sous les claviers, vous trouverez peut-être des options pour les pianos électriques, symppads Et il y en a beaucoup d'autres également. Cliquez sur l'instrument connu pour prévisualiser son son. Vous pouvez y jouer à l'aide d'une mini-manette, dont nous parlerons dans un instant, ou fonction de saisie musicale de Garage Bands, laquelle vous pouvez accéder en appuyant sur la touche Commande K pour ouvrir le clavier à l'écran Vous pouvez donc cliquer sur ces touches ici ou taper les lettres correspondantes sur le clavier de votre ordinateur. Par exemple, je vais maintenant appuyer sur A, D, G et K. Après avoir sélectionné votre instrument, appuyez sur B pour ouvrir les commandes intelligentes, ou vous pouvez appuyer sur l'icône en haut. Il s'agit des paramètres ajustables propres à chaque instrument. Dans cet exemple, je peux modifier la tonalité, le délai et la réverbération En explorant différents instruments et en utilisant des commandes intelligentes, vous pouvez personnaliser les sons en fonction de votre projet. Vous permet maintenant de choisir un autre son d' instrument. Et vous remarquerez que si nous apportons des modifications, cette fenêtre contextuelle apparaîtra. Cette fenêtre contextuelle indique que vous avez apporté des modifications à l'instrument ou au réglage actuel Vous pouvez donc enregistrer vos modifications en appuyant sur Enregistrer sous ou annuler ces modifications en appuyant sur Continuer Pour l'instant, je vais le supprimer, donc je vais appuyer sur Continuer OK, voici un autre instrument virtuel, et vous devriez remarquer qu'il sonne très différemment. Encore une fois, nous pouvons modifier ces commandes ici si vous le souhaitez. Donc, pour cet exemple, je vais changer le refrain, écho, et aussi changer le lecteur OK, choisissons-en un de plus. Appuyons à nouveau sur Continuer. Et écoute ça. Vous pouvez donc voir ici que nous avons ce Xpipad sur lequel nous pouvons cliquer et faire glisser le pointeur vers le bas pour changer le son 9. Utiliser et configurer un contrôleur MIDI er: Parlons maintenant de l'utilisation d'un contrôleur MIDI. Qu'est-ce qu'un contrôleur MIDI ? Un contrôleur MIDI est un type de clavier électronique qui envoie des données MIDI à des logiciels ou à du matériel de musique. Contrairement aux claviers traditionnels qui produisent eux-mêmes du son, mini-claviers ne génèrent pas Au lieu de cela, ils contrôlent des instruments virtuels ou d'autres appareils compatibles MIDI. Les claviers Mi ont généralement une disposition de piano familière, ce qui permet aux débutants de comprendre et de jouer de la musique plus facilement comprendre et de jouer de la musique Mais si vous n'avez pas de clavier MIDI, c'est bon. Vous pouvez utiliser la saisie musicale ou simplement ajouter des notes dans la rom du piano. Mais personnellement, je pense qu' il est plus facile et plus pratique d' écrire de la musique avec un mini-clavier. Parlons maintenant de la connexion d'un clavier MIDI. La connexion d'un clavier MIDI externe à Garage Band vous permet de jouer et de contrôler les instruments virtuels de manière plus intuitive. Voici comment connecter le port USB. Branchez le clavier à l'aide d'un câble USB pour connecter votre clavier Mi à votre ordinateur. La plupart des claviers Mi modernes utilisent une connexion USB, tandis que votre MAC peut avoir un port USB-C ou USB A selon le modèle Un adaptateur peut être nécessaire pour connecter votre appareil MIDI à votre MAC. Une fois connecté, le garage band devrait automatiquement reconnaître l'appareil MIDI. Ouvrez Garage Band et créez un nouveau projet ou ouvrez-en un existant. Choisissez ensuite un instrument logiciel dans la bibliothèque, et vous pouvez maintenant jouer votre instrument à l'aide de votre clavier Mii Bon, en ce moment, j'ai un clavier MIDI installé devant moi, et vous remarquerez que je peux jouer beaucoup plus sur un mini-clavier que sur la saisie musicale. OK, donc c'est terminé cette leçon. Comme je l'ai dit, il n'est pas essentiel d'utiliser un clavier MIDI, mais cela peut être très utile. Dans la leçon suivante, nous verrons comment enregistrer sur une piste d'instrument logiciel. Je t'y verrai. 10. Enregistrer sur une piste d'instrument logiciel: Bon, voyons maintenant l' enregistrement sur une piste d' instrument logiciel. Ainsi, une fois que vous avez sélectionné l'instrument dans la bibliothèque et connecté votre clavier MIDI, suivez ces étapes pour enregistrer votre performance sur une piste d'instrument logiciel. Sinon, si vous n' avez pas de clavier MIDI, vous pouvez utiliser la saisie musicale. Mais comme j'ai un clavier midi devant moi, je vais fermer la saisie musicale et enregistrer avec mon clavier MIDI. Tout d'abord, je vous recommande de jouer quelques notes sur votre clavier MIDI pour être sûr de pouvoir les entendre. Si vous n'avez pas de piste de batterie, je vous recommande d'activer le métronome afin que vous puissiez lire un dessin en un clic pour rester à l'heure Je recommande également d'activer le comptage afin qu'il vous donne une barre ou quatre battements avant d'enregistrer afin que vous puissiez avoir une idée du tempo et savoir quand commencer à jouer. Assurez-vous ensuite que la règle de la tête de lecture est dans la bonne position, puis appuyez sur un bouton circulaire ici pour enregistrer ou vous pouvez utiliser un raccourci clavier R. Ainsi, lorsque vous appuyez sur ce bouton d'enregistrement, Garage Band enregistre les notes que vous jouez, leur durée et la vélocité, c'est-à-dire la force avec laquelle vous appuyez sur les touches Cela permet de procéder à des modifications détaillées ultérieurement. OK, enregistrons quelque chose maintenant. Appuyez sur la barre d'espace pour arrêter l'enregistrement, et votre performance apparaîtra désormais sous forme de région midi sur la chronologie Les notes individuelles peuvent être consultées et éditées dans un éditeur de pianos, ce que je vais expliquer sous peu. OK, voici comment enregistrer sur une piste d' instrument logiciel. Ensuite, nous allons nous plonger dans le piano roll , que nous verrons dans la prochaine vidéo. Alors merci de votre attention et je vous y verrai. 11. Rouleau de piano et outils de crayon: Bien, passons maintenant à quelques détails du piano roll. Vous pouvez donc afficher le piano en vous assurant que notre piste MIDI est sélectionnée, puis en appuyant sur le bouton Editeur situé en haut ou en appuyant sur le raccourci E. Faisons un peu plus d'espace fermant la bibliothèque en appuyant sur ce bouton ici, ou en utilisant le raccourci clavier Y. Bien, passons maintenant Bien, passons maintenant aux détails du piano. Dans le rouleau de piano, chaque note est représentée par une barre horizontale. La position de ces barres le long de l'axe vertical correspond à des hauteurs musicales spécifiques. La représentation visuelle vous permet d'identifier facilement les notes jouées et leur hauteur relative. Cette couche imite la disposition d'un clavier de piano, où les notes les plus aiguës sont situées vers la droite Imaginez cela comme un clavier de piano retourné sur le côté. Plus une barre est positionnée haut, plus le ton de la note est élevé. Par exemple, je peux modifier cette première note, qui se trouve dans le mi trois, l'abaisser, la faire descendre en do libre, ou la faire monter en do quatre. Je vais maintenant effectuer ces modifications en appuyant sur ComandSE. On en revient donc à E 3. La longueur de chaque barre horizontale du rouleau de piano indique la durée de la note. Cela est crucial pour définir la durée pendant laquelle chaque note est un enfer pendant la lecture. Les barres courtes représentent des durées de notes plus courtes, telles que les 16e ou les huitième notes Les barres longues indiquent des durées plus longues, comme les quarts de notes ou les notes entières La longueur de la barre permet une différenciation visuelle claire entre les différents lampadaires. Zoomons simplement avec cette commande ici. Et rejouons-le depuis le début. Vous remarquerez que nous ne pouvons pas réellement entendre la première note parce qu'elle est déclenchée avant la première mesure. Voici donc les numéros de barres. Il suffit donc de cliquer et déplacer ce bouton pour qu'il commence dans la première barre. Écoutons-le encore une fois. Maintenant, allongeons la longueur de cette première note en cliquant et en faisant glisser le pointeur vers la droite Parlons maintenant du chevauchement des notes. Vous pouvez voir que lorsque les notes se chevauchent, elles sont jouées simultanément. Cela est particulièrement utile pour jouer des accords ou des harmonies, car vous pouvez rapidement évaluer la façon dont les notes interagissent Rendons cela un peu plus évident. Ces deux notes sont donc jouées en même temps. Vous remarquerez maintenant qu'il s'agit d'un accord, car il joue plus d'une note en même temps Encore une fois, faisons-le avec Command zed. Il est donc très facile de déplacer et de faire glisser des notes dans le piano ou dans l'éditeur. Hein ? Vous pouvez littéralement cliquer et faire glisser des notes et les déplacer où vous le souhaitez. Vous pouvez faire glisser les notes vers le haut ou vers le bas pour modifier la tonalité et les étirer ou les raccourcir pour modifier la durée. Cette flexibilité est essentielle pour affiner les mélodies et les harmonies Parlons maintenant des fonctionnalités d'édition du piano roll. Le piano roll and garage band offre solides capacités d'édition qui permettent un contrôle précis des mini-performances. Voici quelques fonctionnalités clés que nous n'avons pas encore examinées. Vous pouvez copier et coller des notes en sélectionnant la note, appuyant sur la commande C, puis déplaçant le rouleau de la tête de lecture à l'endroit où vous souhaitez la coller, puis en appuyant sur la commande V. Vous pouvez également sélectionner une note, puis maintenir enfoncée et cliquer et faire glisser pour copier également Réécoutons-le maintenant. telle duplication est utile pour superposer rapidement des sons ou Encore une fois, nous pouvons dupliquer comme ceci si nous voulons créer des accords. Encore une fois, faisons-le avec les commandes. Je recommande également de prendre des notes sur la grille. En vous assurant que vos notes commencent et se terminent sur la grille, vous pouvez créer des performances plus structurées et plus précises Comme vous pouvez le voir sur le rouleau de piano, nous avons une grille. Si les notes ne figurent pas sur la grille, elles ne seront peut-être pas parfaitement à l'heure. Pour certains styles de musique comme le jazz, vous ne voulez peut-être pas que ce soit parfaitement à l'heure, mais pour la plupart de la musique électronique, vous voudrez que les notes soient parfaitement sur la grille afin que ce soit parfaitement à l'heure. Nous pouvons également écrire en plusieurs parties dans le rouleau de piano. Nous pouvons le faire avec le crayon. L'outil Pencil Tool et le piano roll de Garage Bands offrent une alternative puissante à l'enregistrement en direct, vous permettant de saisir manuellement notes de musique et de créer des compositions avec précision. Voici comment cela fonctionne et pourquoi il est souvent préféré pour écrire de la musique. Pour activer l'outil crayon, maintenez la touche Commande enfoncée et votre curseur se transformera en crayon. Cet outil vous permet de dessiner des notes directement sur la grille. Cliquez sur la grille où vous souhaitez placer une note. Chaque clic créera une note d'une longueur et d' une hauteur prédéterminées en fonction de sa position verticale. Vous pouvez également cliquer tout en maintenant la touche commande enfoncée pour modifier la longueur de la note. Vous pouvez dessiner plusieurs notes pour créer des mélodies ou des accords Après avoir placé une note, vous pouvez modifier la position ou la longueur comme indiqué. Cliquez et faites glisser la note vers le haut ou vers le bas pour ajuster les hauteurs nécessaires, afin d' expérimenter plus facilement différentes mélodies Et bien sûr, nous pouvons également réduire la longueur des notes. OK, réagissons maintenant. Et si vous avez fait une erreur ou si vous voulez revenir en arrière, vous pouvez toujours appuyer sur Command ed. L'outil crayon permet donc de placer les notes avec précision, ce qui le rend idéal pour composer des parties complexes sans les contraintes d'une performance en direct Vous pouvez rapidement corriger les erreurs en supprimant ou en ajustant des notes sans vous soucier des erreurs de synchronisation qui peuvent survenir pendant l'enregistrement en direct. Cette méthode vous permet de réorganiser ou de modifier facilement des sections de votre composition sans avoir à les réenregistrer De nombreux musiciens et producteurs préfèrent utiliser le crayon pour composer, car il offre un plus grand niveau de détail et de flexibilité Que vous créiez des arrangements complexes ou des mélodies simples, la possibilité de visualiser et de manipuler les notes directement dans le rouleau de piano peut rendre le processus d'écriture plus efficace et plus créatif Les meilleurs musiciens et producteurs utiliseront toutefois une combinaison de programmation midi et de performances en direct dans leurs productions. OK, c'est donc la fin de cette vidéo où nous avons exploré le rouleau de piano et l'outil Pencil. Merci d'avoir regardé, je verrai dans le prochain. 12. Comment configurer un microphone dans GarageBand.: Bienvenue dans cette leçon, ou vous apprendrez à enregistrer du son et à jouer au garage band, notamment à configurer des microphones et des instruments et à configurer des pistes audio. À la fin de la leçon, vous serez en mesure de configurer une session d'enregistrement et de comprendre comment surveiller, modifier et améliorer vos enregistrements audio. OK, alors commençons. Pour enregistrer du son et enregistrer du garage band, vous devez connecter un microphone à votre Mac. Voici les trois principales méthodes pour y parvenir en fonction du type de microphone que vous utilisez. La première méthode consiste à utiliser une interface audio. Connectez votre microphone à une interface audio à l'aide d'un câble ELA. Une interface audio convertit le signal analogique du microphone en signal numérique lisible par votre Mac. Connectez votre interface audio à votre Mac via USB ou Thunderbolt Assurez-vous que votre interface audio est allumée. Dans GarageBand, sélectionnez votre interface audio comme source d'entrée Vous pouvez le faire en accédant à GarageBand en haut à gauche, puis en accédant aux paramètres Et maintenant, sous l'onglet audio Midi, vous pouvez sélectionner votre périphérique d'entrée. Donc, pour cet exemple, je vais sélectionner mon interface audio, qui est celle-ci ici, Claret pour pré-USB Ensuite, utilisez un microphone USB. Si vous utilisez un microphone USB, connectez-le à votre Mac via un câble USB. De nombreux micros USB sont prêts à l'emploi, ce qui signifie qu'ils ne nécessitent pas d'interface audio Donc, si vous branchez votre micro USB, vous devriez pouvoir le trouver ici dans les périphériques d'entrée. Ensuite, utilisez votre microphone intégré MAX. Si vous n'avez pas de microphone externe, vous pouvez utiliser votre microphone intégré MAX. Bien qu'il n'offre pas la meilleure qualité, il peut tout de même bien fonctionner pour enregistrer des idées de démonstration. Vous devriez également pouvoir trouver votre Mac intégré dans les périphériques d'entrée. Vous pouvez le voir ici pour moi, il est écrit MacBook Pro Microphone. Mais comme j'ai un microphone branché sur une interface audio, je vais m'assurer que mon interface audio est sélectionnée ici Configuration de l'instrument Pour enregistrer des guitares électriques, des basses ou des claviers, vous pouvez connecter votre instrument directement à une interface audio à l'aide d'un câble d'un quart de pouce, également appelé câble d' instrument Vue d'ensemble de la chaîne de signaux. Quelle que soit la configuration, il s'agit de la chaîne de signal de base. Il passe donc du microphone ou l'instrument à l'interface audio le cas échéant, puis au Mac, puis à GarageBand Ce flux de signal garantit que le son de votre microphone est enregistré avec précision dans GarageBand pour le montage, le mixage et Configuration des paramètres de saisie des pistes. GarageBand sait désormais sur quel appareil enregistrer. Cependant, de nombreux appareils d'enregistrement disposent plusieurs entrées pour enregistrer plusieurs sources en même temps. Nous devons maintenant indiquer la piste sur laquelle vous enregistrez, à partir de quelle entrée de votre appareil vous souhaitez enregistrer. Tout d'abord, créez une nouvelle piste. Nous pouvons le faire en appuyant sur le bouton plus ici ou en utilisant le raccourci clavier N. Pour cet exemple, sélectionnons la ligne MCO Et maintenant, assurez-vous que la zone Smart Controls ci-dessous est ouverte. Si ce n'est pas le cas, vous pouvez appuyer sur ce bouton ici pour l'ouvrir ou utiliser une touche de commande B. Sous l'onglet piste, passez à la saisie et sélectionnez le canal d'entrée correspondant à votre microphone ou instrument connecté. Donc, pour cet exemple, mon microphone est branché sur l'entrée 2 Le nombre d'options de saisie ici dépendra du nombre d'entrées disponibles sur votre interface. Et maintenant, vous pouvez voir le niveau ici quand je parle. Votre piste est maintenant prête à être enregistrée à partir de la bonne entrée. Surveillez vous-même. La surveillance logicielle vous permet de vous entendre ou d'entendre votre instrument par le biais vos haut-parleurs ou de vos écouteurs pendant l'enregistrement. Cela est utile pour vous assurer que vos performances sonnent comme vous le souhaitez en temps réel et pour activer la surveillance des entrées. Tout d'abord, sélectionnez la piste sur laquelle vous souhaitez enregistrer. Donc, pour cet exemple, je vais sélectionner un fichier audio. Assurez-vous maintenant que la zone de contrôle intelligente est ouverte, puis recherchez l'icône de surveillance des entrées. Il s'agit d'une petite fléchette surmontée de deux lignes courbes située dans l'en-tête du panneau de commande intelligent Cliquez sur cette icône pour activer la surveillance, ce qui vous permet d'entendre votre son pendant la lecture ou l'enregistrement. Cette icône est également disponible sur chaque piste. S'il ne s'agit pas d'un clic droit sur la piste, accédez à l'en-tête Configurer la piste et assurez-vous que la surveillance des entrées est cochée. Éviter les problèmes de feedback. Si vous utilisez des haut-parleurs au lieu d'un casque, le microphone peut capter le son émis par le haut-parleur, provoquant ainsi une boucle audio appelée feedback. Pour éviter cela, utilisez un casque pendant l'enregistrement afin d' isoler le son et d'éviter toute boucle audio Je recommande également de maintenir le volume de surveillance à un niveau confortable afin de réduire les risques de feedback. activation de la surveillance des entrées vous permet de rester sur le ton ou de rester synchronisé, mais soyez toujours prudent lorsque vous utilisez les haut-parleurs pour éviter les problèmes de bruit désagréables. Paramètres d'enregistrement, réglage des paramètres d'entrée. gain ou le gain d'entrée est le niveau d' un signal entrant dans un appareil audio. Le volume ou la sortie est le niveau d' un signal sortant d'un appareil audio. Lors de l'enregistrement, vous pouvez régler le gain d'entrée depuis votre interface. Il s'agit normalement d'un bouton ou d'un cadran de votre interface audio que vous pouvez régler pour augmenter ou diminuer le niveau de gain gain d'entrée correct garantit que vos enregistrements sont propres et exempts de distorsion ou d'écrêtage, ce qui se produit lorsque le signal est trop fort et dépasse la capacité du système d'enregistrement Comment régler le gain d'entrée. La plupart des interfaces audio ont un bouton de gain pour chaque entrée. Tout en jouant de votre instrument ou en chantant dans le micro, tournez le bouton tout en regardant le signal de votre morceau ou de votre groupe de musique de garage Essayez de maintenir le niveau dans la zone verte. S'il atteint la zone rouge, votre signal est trop fort et risque de se couper. Voici ce qu'il faut faire si votre interface ne possède pas de bouton de gain ou si vous utilisez un micro intégré ou un micro USB Sélectionnez votre piste, appuyez sur B pour ouvrir les commandes intelligentes et régler le niveau d'enregistrement dans un onglet de piste. Surveillez le compteur d'entrée et empêchez le signal de passer dans le rouge Alors laisse-moi juste te montrer ça maintenant. Permettez-moi de passer de mon interface audio au microphone intégré. Passons donc à GarageBand en haut à gauche, puis aux paramètres, et sous l'onglet audio Midi, je vais remplacer le périphérique d'entrée par le microphone de mon MacBook Pro Vous pouvez donc voir maintenant que nous pouvons régler ce cadran de niveau d'enregistrement. Permettez-moi simplement de cliquer sur l'entrée ici et de la remplacer par une entrée. Comme ce MacBook, le microphone intégré ne possède qu'une seule entrée. Maintenant, activons la surveillance, augmentons-la, et je vais maintenant passer à ce microphone intégré. Et vous devriez être en mesure de remarquer que le son est loin d' aussi bon que le microphone externe que j'utilisais auparavant. J'ai donc simplement débloqué la surveillance. Ce micro intégré peut donc convenir aux idées de démonstration, mais idéalement, il est préférable d' utiliser un microphone externe. OK, permettez-moi de revenir à mon microphone externe. Revenons donc aux paramètres du garage band, puis je dois sélectionner mon interface audio. Donc, pour entrer des périphériques, je vais choisir mon interface audio, qui est collectée pour une connexion pré-USB. Ensuite, sous Entrée, je vais choisir Entrée 2, c'est-à-dire le microphone dans lequel je parle en ce moment. Le niveau ici est un peu élevé, donc je vais le réduire à zéro DB pour assurer qu'il ne passe pas dans le rouge ou dans le clip. Cette diapositive de volume n'ajustera pas le niveau d'enregistrement, mais uniquement ce que nous diffusons. OK, cela nous amène à la fin de cette leçon. Nous avons parlé de l'installation d'un microphone. Passons maintenant à l' enregistrement audio, que nous aborderons dans la leçon suivante. Alors merci de votre attention et je vous y verrai. 13. Flux de travail de base pour l'enregistrement audio: Voilà et bienvenue dans cette vidéo où nous allons examiner l'enregistrement audio. Passons maintenant en revue le flux de travail d'enregistrement de base. Tout d'abord, configurez la piste audio avec l'entrée correcte, puis activez l'enregistrement pour la piste. Si cela n'est pas visible, vous pouvez cliquer avec le bouton droit sur la piste, puis accéder à Configurer l'en-tête de la piste , puis vérifier l'activation de l'enregistrement. Nous pouvons maintenant appuyer dessus pour qu'il s'allume, ce qui signifie que l'enregistrement est activé. Appuyez ensuite sur le bouton d'enregistrement ici ou appuyez sur R sur le clavier. Il s'agit d'un test. Appuyez ensuite sur la barre d'espace pour arrêter l'enregistrement. Ensuite, nous pourrons réécouter l'enregistrement. Il s'agit d'un test. Parlons maintenant de l'enregistrement multipiste. L'enregistrement multipiste dans Garage Band vous permet d'enregistrer plusieurs parties séparément ou en même temps, telles que les voix et les instruments Chaque instrument ou partie vocale est enregistré sur sa propre piste, ce qui vous permet de mieux contrôler le montage et le mixage. Pour enregistrer des parties séparément, il suffit d'ajouter une nouvelle piste pour chaque instrument ou voix et de les enregistrer une par une. Pour les enregistrements simultanés, connectez plusieurs microphones ou instruments à une interface audio à entrées multiples et enregistrez chacun sur une piste séparée. Assurez-vous d'enregistrer et d'activer chaque piste individuellement avant d'enregistrer. Bien que des pistes spécifiques ne soient pas enregistrées. Supposons, par exemple, vous vouliez chanter et jouer de la guitare Enregistrer la guitare et le chant séparément vous permet d' ajuster chaque piste individuellement pour un mixage plus propre et un mixage final plus raffiné. Cependant, le son de la guitare peut toujours être capté par le microphone, il est donc souvent préférable d' enregistrer chaque piste séparément. Cependant, je vais maintenant vous montrer comment enregistrer plusieurs pistes audio. Je vais donc simplement cliquer sur cet exemple de région ici et le supprimer. Et maintenant, ajoutons une autre piste. Appuyons donc sur le bouton plus ici. Ensuite, ajoutez une autre piste audio. Pour cela, je vais connecter mon piano électrique à mon interface audio. Je vais l'ajouter comme entrée de ligne. Je vais donc sélectionner la ligne Michael , puis appuyer sur Créer. Maintenant, là où il est écrit Audio 2, je vais double-cliquer dessus taper les touches et appuyer sur Entrée, pour savoir que les pistes sont différentes. Pour cela, j'ai branché mon piano électrique sur l'entrée 1 Et si vous souhaitez recevoir une réponse, assurez-vous d'activer la surveillance des entrées. Et si j'appuie sur Enregistrer maintenant, vous remarquerez qu'il n' enregistrera qu'une seule piste audio, pas la piste clé, car nous n'avons pas cliqué sur Enregistrer sur Activer. Alors laisse-moi juste te montrer maintenant. Si j'appuie sur Enregistrer, vous remarquerez qu'il ne s'agit que d'enregistrer un enregistrement audio. Permettez-moi de le supprimer en appuyant sur le bouton de suppression. Et maintenant, appuyons également sur Enregistrer pour la partie touches. Replaçons la règle de la tête de jeu au point de départ ou nous pouvons utiliser le raccourci clavier Entrée pour revenir au point de départ ou nous pouvons utiliser au point de départ Maintenant, je vais l'enregistrer et jouer quelques accords sur mon clavier électrique Avant l'enregistrement, je vais m'assurer que le niveau de gain est correctement réglé pour le piano électrique. Cela semble à peu près juste. Il ne s'agit pas de passer dans le rouge ou de baisser, et nous avons encore un bon gain à OK, je vais le rejouer. Je vais juste parler au micro. Je ne chanterai pas pour cet exemple, mais je jouerai quelques accords sur mon piano électrique en même temps Appuyons donc sur ce bouton d' enregistrement ici, ou utilisons un KikManR pour compter 1 barre, et il indiquera également le métro ou un clic pendant l' enregistrement pour me tenir à l' OK, faisons-le maintenant. C'est un exemple de ce que je parle. OK, appuyons sur Ender pour revenir au début, écoutons-le en retour. C'est un exemple de ce que je parle. OK, c'est ainsi que vous pouvez enregistrer plusieurs pistes en même temps. Donc, cette piste n'est que le micro. Alors allons-y en solo. C'est un exemple de ce que je parle. Ce piano électrique possède des haut-parleurs, il capte donc ce microphone. Cependant, si nous utilisons uniquement les touches, vous remarquerez que nous ne pouvons pas appuyer sur le microphone uniquement sur les touches. OK, c'est donc la fin de cette vidéo que nous avons examinée sur l'enregistrement audio. J'espère que cette vidéo vous a été utile, et je vous verrai dans la prochaine. 14. Comment utiliser l'enregistrement par poinçonnage: OK, parlons maintenant des entrées et sorties de poing. Punch and Recording in Garage Band vous permet de corriger les erreurs en ne réenregistrant qu'une section spécifique du morceau plutôt que d'avoir à refaire la prise complète Cette fonctionnalité est particulièrement utile lorsque vous avez bien interprété la majeure partie du morceau, mais que vous souhaitez corriger une petite erreur. Laissez-moi vous montrer comment procéder maintenant. J'ai donc joué les accords 3 et 4 assez fort, alors réenregistrons-les et je vais les jouer un peu plus doucement Tout d'abord, réglez la tête de lecture sur la section que vous souhaitez corriger Donc, si j'appuie sur Enregistrer maintenant, nous obtiendrons une comptabilité d'une barre, puis nous ne pourrons enregistrer que ces 2 barres ici. Je vais juste désactiver Audio One, car ce n'était qu'un exemple de ce que je disais, et désélectionnons l'activation de l'enregistrement en cliquant à nouveau dessus pour qu'il ne s'allume pas OK, alors maintenant, lorsque nous appuierons sur Enregistrer, cela enregistrera simplement dans les touches à partir de la barre libre. Après avoir joué ce nouveau rôle, je vais arrêter la lecture en appuyant sur la barre d'espace. Faisons-le maintenant. Je me souviens d'appuyer sur la barre d'espace pour arrêter l'enregistrement. Alors zoomons maintenant et jetons un coup d'œil à ceci. Vous pouvez voir que ce n'est pas parfait car auparavant, nous jouions un peu tôt. Nous examinerons la quantification plus tard. Mais une solution simple consiste à simplement faire glisser cette première région vers l'arrière et une deuxième région par-dessus. OK, écoutons-le maintenant. OK, super. Ils sont maintenant à un niveau plus similaire. punch, de l'enregistrement et du garage band Vous pouvez également effectuer du punch, de l'enregistrement et du garage band à l'aide de l'outil Cycle Region, qui vous permet de réenregistrer uniquement une section spécifique d'un morceau. OK, voici comment procéder. Donc, tout d'abord, nous devons activer la région cyclable. En haut de la fenêtre du garage, cliquez sur cette zone de grado ici dans la région pour activer le cyclisme, ou vous pouvez appuyer sur le bouton cycle ci-dessus pour l'activer Vous pouvez également utiliser le raccourci clavier C pour activer et désactiver la région du cycle. Cela vous permet donc de définir une région qui se répétera pendant la lecture ou l'enregistrement. Donc, juste pour cet exemple, répétons les barres trois à quatre. Vous pouvez ajuster les points de début et de fin de la zone du cycle en faisant glisser les bords de la barre jaune Vous pouvez maintenant utiliser le cycle comme poinçon et guide. Une fois la région du cycle définie, appuyez sur R pour enregistrer, et Garage Band n' enregistrera que sur la section surlignée. Donc, pour cet exemple, je vais réenregistrer le micro, et cette fois, je vais utiliser un shaker à œufs. Alors désactivons le son. Activons l'enregistrement audio 1 et désactivons l'activation de l' enregistrement pour les touches. Supprimons en fait la région audio que nous avions précédemment, car ce n'était qu'un exemple de ce que j'ai dit. Maintenant, avec la région du cycle, je compresse R pour enregistrer, et Garage Band n' enregistrera que sur la section surlignée. La fonction cycle garantit donc que l'enregistrement commence et s'arrête aux points exacts que vous avez sélectionnés, ce qui facilite la correction des erreurs sans affecter le reste de la piste. De plus, une fois que la tête de lecture a atteint la fin du cycle, elle enregistre une autre reprise de la même section, ce qui vous permet d' enregistrer plusieurs prises sans avoir à réinitialiser les paramètres d'enregistrement Vous pouvez donc activer la surveillance des entrées si vous le souhaitez, mais ce shaker à œufs est assez bruyant, donc je ne vais pas l'activer OK, maintenant appuyons sur Enregistrer et je vais enregistrer en plusieurs prises différentes. 15. Comping Takes: Parlons maintenant de la compilation des prises. compilation est donc un terme de production qui implique d'enregistrer plusieurs prises d' une performance et de choisir les meilleures parties de chaque prise pour créer une version finale Il est parfait pour peaufiner ou enregistrer, en particulier lorsque certaines parties d' une performance sont meilleures en une prise qu'en une autre. Alors, comment fonctionne la compilation dans Garage Band ? Ainsi, lorsque la région du cycle est activée et que vous enregistrez plusieurs fois sur les mêmes sections, Garage Band enregistre automatiquement chaque performance sous forme de prise distincte dans un dossier de prises. Après l'enregistrement, vous remarquerez qu'un certain nombre de prises apparaissent en haut de la région. Donc, pour cet exemple, nous en avons quatre. Vous pouvez maintenant cliquer sur ce numéro pour ouvrir le dossier T. Vous pouvez donc voir ici une liste déroulante avec toutes les différentes prises. Je peux donc maintenant cliquer sur chaque prise individuellement pour entendre les différentes prises. Faisons-le maintenant. C'était donc la cassette 1. C'était la cassette 2. Prends-en trois. Et Tape 4. Pour créer une version finale, vous pouvez sélectionner les meilleures sections de chaque prise. Nous pouvons le faire en divisant la région et en choisissant chaque prise parmi les régions divisées Vous pouvez diviser les régions en déplaçant la tête de lecture jusqu'au point que vous souhaitez diviser et en appuyant sur Commande. Séparons-nous donc de la barre quatre Et maintenant, appuyons sur la commande T pour diviser. Et maintenant, changeons la deuxième région pour en prendre une. Maintenant, à la barre trois, nous allons jouer la première moitié de la cassette quatre et à la quatrième mesure, nous allons jouer la seconde moitié de Te one. Écoutons-le maintenant. Si cette approche ne fonctionne pas , vous pouvez toujours en essayer une autre. Essayons Take two pour cet exemple. Cela peut donc prendre quelques essais et erreurs, mais la compilation vous permet d' utiliser le meilleur de chaque prise 16. Importer et inverser l'audio: Bien, parlons maintenant de l'importation audio. Garage Band vous permet de saisir facilement des fichiers audio dans votre projet. Il peut s'agir d'une piste préenregistrée, d'un extrait ou d'un effet sonore. Voici comment importer de l' audio dans Garage Band. Tout d'abord, ouvrez le Finder et recherchez le fichier audio que vous souhaitez importer. Garage Band prend en charge des formats tels que NB free, WAF et AIFF. Donc, pour cet exemple, j'ai un extrait audio sur mon bureau. Ensuite, faites simplement glisser le fichier depuis le Finder vers la zone des pistes de Garage Band. Vous pouvez le faire glisser directement sur une piste audio, ou vous pouvez faire glisser le fichier audio sous les pistes, et Garage Band créera automatiquement une nouvelle piste pour le son importé. C'est assez fort, alors baissons simplement le volume pour cela. Et maintenant, désactivons la zone du cycle en cliquant sur la barre jaune utilisant le raccourci clavier C ou appuyant sur le bouton de la région du cycle ici. Revenons-y maintenant, et vous devriez pouvoir entendre l'extrait audio que je viens de vous faire glisser Une fois importé, vous pouvez traiter le son comme n' importe quelle piste ou bande de garage, afin de pouvoir le couper, le découper, le boucler ou l'appliquer, par ex. Cette fonctionnalité est particulièrement utile pour intégrer des boucles prédéfinies, des enregistrements externes ou des échantillons dans votre projet. Juste pour cet exemple, je vais découper ce fichier audio pour qu'il fasse 4 barres de long, et je vais le dupliquer en option enfoncée et en le faisant glisser Maintenant, plaçons-le sur la barre 5. Et je veux en fait inverser cet exemple. Double-cliquez donc sur cette région pour ouvrir l'éditeur. Maintenant, dans l'onglet Région, sélectionnons la lecture inversée. Je vais donc déplacer cette région audio, qu'elle commence à la première barre, et que cette autre région audio commence à la barre 5, afin que nous puissions cliquer et faire glisser ces zones comme ceci. Alors maintenant, il s'accumule puis tombe en panne. Alors écoutons-le maintenant depuis la troisième barre. Nous avons donc inversé cette région ici, sorte qu'elle s'élève, puis la deuxième région s'écrase. OK, ce n'est donc qu' un bref exemple d' importation d' audiophiles dans Garage Band Donc, si vous avez des samples provenant de sites tiers tels que Splice, vous pouvez les saisir dans Garage Band, si vous le souhaitez OK, c'est donc la fin de cette vidéo. Merci d'avoir regardé, je verrai dans le prochain. 17. Quantifier le MIDI: Voilà, et bienvenue dans cette vidéo où nous allons étudier la quantification du MIDI J'en ai parlé brièvement tout à l'heure. Dans cette vidéo, nous allons entrer dans les détails. La quantification est un processus utilisant toutes les portes pour placer les notes midi sur la grille la plus proche, ce qui corriger les problèmes de synchronisation en alignant les notes sur le rythme de la chanson Cette fonction est particulièrement utile pour améliorer les performances et rendre votre musique plus précise et plus cohérente Voici les étapes à suivre pour appliquer la quantification au MIDI et au piano roll Tout d'abord, ouvrez le piano roll en double-cliquant sur la région MIDI que vous souhaitez modifier, ou vous pouvez simplement cliquer dessus une fois si l'éditeur est déjà ouvert. Il peut voir les notes individuelles de votre grille qui représentent le moment de votre performance. Fermons simplement une bibliothèque en appuyant sur Y pour avoir un peu plus d'espace. Ensuite, vous devez sélectionner les notes que vous souhaitez quantifier. Vous pouvez le faire en cliquant et en faisant glisser un espace vide pour sélectionner les notes que vous souhaitez quantifier ou en cliquant sur une note individuelle et en maintenant la touche Maj enfoncée pour en sélectionner d'autres Vous pouvez également sélectionner toutes les notes de la région en appuyant sur la commande A. Dans les paramètres de la région, vous trouverez le menu de quantification. C'est cette zone ici. Choisissez ensuite une valeur de quantification adaptée au rythme de votre pièce Les notes de huitième ajouteront des notes à la huitième note la plus proche de la grille, est idéal pour les modèles plus lents et réguliers. 16e notes sont idéales pour les rythmes plus rapides avec plus de notes, comme les batteries ou les mélodies complexes. Et vous pouvez choisir un quart de note si vous n'avez qu'une note à chaque battement. Donc, chaque billet de quatre est un quart de note. Chacune d'entre elles est une huitième note, et chacune d'entre elles est une 16e note. Donc, si nous cherchons notre modèle ici, cela devrait être une bonne quantification à une huitième note. Sélectionnons-le donc. Vous pouvez voir tout de suite que certaines notes ont été déplacées et qu'elles sont maintenant parfaitement inscrites sur la grille. Et il en va de même pour toutes ces notes. Si j'appuie sur la commande E, vous pouvez voir les notes bouger. Et si j'appuie sur Redo en appuyant sur Shift Command ed, vous pouvez les voir revenir sur la grille Je vais à nouveau effectuer un zoom arrière et le refaire une fois de plus. Vous remarquerez également que dans les options de quantification du temps, nous avons des options de triplet et de swing La plupart du temps, vous souhaitez choisir l'une des valeurs droites dans une première case, mais il existe d'autres options pour les triplets et swing grooves dotés de champs rythmiques différents Maintenant, j'ai quantifié cela et j'ai pris une note à la huitième note la plus proche La performance doit être plus serrée et avoir un rythme plus clair OK, réagissons maintenant. Je vais juste l'annuler pour que nous puissions entendre ce que c'était avant. Ce n'était donc pas vraiment trop tard, mais maintenant qu'il s'agit de quantifier, il mais maintenant qu'il s'agit de quantifier, il est plus précis et donne un son Étant donné que la quantification permet aux notes d'atteindre la valeur la plus proche sélectionnée, le processus peut ne pas être parfait en fonction la précision avec laquelle l'œuvre a été exécutée et de la valeur de quantification se peut donc que vous deviez parcourir et corriger manuellement certaines de ces notes. Disons, par exemple, que je l'ai jouée un peu en dehors du temps imparti, et qu'elle était en fait plus proche de cette huitième note. GarageBand va donc l'accrocher à cette huitième note, même si je le veux ici Il se peut donc que vous deviez parcourir et modifier manuellement certaines de ces notes si elles ne sont pas arrivées à l'endroit souhaité Mais pour ce rôle, il a été très bien joué à temps, donc les notes sont arrivées là où je le voulais. Mais il est important de toujours jouer les notes de quantification pour vérifier si elles sont correctes Et puis, comme je l'ai dit, vous pouvez effectuer des modifications manuelles à partir de là. D'ailleurs, les notes sélectionnées devraient être modifiées selon le paramètre de quantification du temps que vous avez sélectionné ici Mais si cela ne semble pas changer, vous pouvez appuyer sur ce bouton de quantification C ici OK, c'est ainsi que vous pouvez quantifier Midi GarageBand. Ensuite, nous allons examiner la quantification du son, que nous verrons dans la prochaine vidéo Alors merci d'avoir regardé et je vous y verrai. 18. Quantizing Audio and Using Flex Time: Bien, examinons maintenant l' horaire flexible et la quantification La quantification du son est un processus bien plus difficile que la quantification Il s'agit d'une fonctionnalité puissante de GarageBand qui vous permet de régler la synchronisation du son enregistré sans avoir à couper ou à déplacer manuellement des sections FlexT est l'outil utilisé par Garage Band pour le faire avec des fichiers audio Au lieu de procéder à l'édition par découpe, Flextime vous permet d'étirer ou compresser des parties spécifiques de la région audio, ce qui permet de résoudre les problèmes de synchronisation directement sur la piste OK, je vais maintenant vous montrer comment utiliser FlexTi. Tout d'abord, ouvrez l'éditeur de fichier audio en double-cliquant sur le fichier audio que vous souhaitez quantifier. Ou si l'éditeur est déjà ouvert, il vous suffit de cliquer sur le fichier audio. Maintenant, activons les horaires flexibles. Nous pouvons le faire en cliquant sur l'icône Flex en haut à gauche de l'éditeur de fichiers. On dirait un sablier sur le côté. Cela active le flex pour la piste sélectionnée. Une fois le temps flexible activé, vous pouvez choisir de quantifier manuellement ou automatiquement Pour quantifier automatiquement, le processus est similaire à celui d'un mini-fichier Accédez au menu déroulant de quantification de l' éditeur de fichiers et sélectionnez également la valeur que vous souhaitez quantifier Donc, pour le moment, nous jouons juste un accord, à chaque mesure. Vous pouvez donc modifier le temps de quantification à 1/1 note, ce qui le quantifiera pour chaque barre Maintenant, si nous déplaçons la règle de la tête de lecture ici et que nous zoomons, nous pouvons voir le son démarrer sur la barre Cela n'a pas ajusté cette région ici car celle-ci n'est pas sélectionnée. Mais quantifions cette région manuellement. Nous allons maintenant sélectionner cette région ici, et vous pouvez voir que la quantification du temps est désactivée. Pour quantifier manuellement, vous pouvez cliquer sur les traits qui marquent le caractère éphémère de la forme d'onde pour créer des Ces marqueurs flexibles servent de point qui se déplacera dans le temps avec une grille de projet. Réglez le timing en faisant glisser ces marqueurs vers la gauche ou la droite pour corriger les problèmes de synchronisation des notes ou des battements dans la région audio Déplaçons donc simplement la règle de la tête de jeu sur la barre quatre. Et nous pouvons voir ici cet accord n'est pas parfaitement joué à temps, mais nous pouvons cliquer dessus et le faire glisser vers la droite, et maintenant il est parfaitement à temps Faisons de même pour l'accord sur bar free. Nous pouvons donc le prendre pour qu'il soit parfaitement à temps. Bien, rejouons maintenant cette partie de piano, et vous devriez remarquer les accords jouent parfaitement sur chaque mesure. D'accord, faisons de même pour la partie shaker. Encore une fois, activons le temps flexible en appuyant sur ce bouton ici. Et maintenant, zoomons et examinons ces pics ou transitoires audio Pour cette première région, essayons de la remplacer par une huitième note. OK, rejouons-le. Nous pouvons toujours entrer manuellement et modifier certaines d'entre elles si vous le souhaitez. OK, allons-y maintenant. Vous pouvez même apporter des modifications créatives avec cela. Il ne s'agit donc pas uniquement de corriger les problèmes. Vous pouvez également modifier le rythme de la partie, si vous le souhaitez. Donc tu peux entendre ça. Je fais avancer cette partie. Et nous pouvons double-cliquer pour supprimer un marqueur transitoire et cliquer pour en dessiner un Mais faisons-le simplement en appuyant sur la commande Z. Pour cela, je ne veux pas vraiment ce dernier transitoire Donc, ce que je vais faire, c'est zoomer sur la région et la réduire légèrement en arrière. Et maintenant, vous pouvez voir que nous l'avons supprimé . OK, revenons-en à ça. Faisons de même pour la région suivante. Alors vendons tout ça. Assurez-vous que l'heure flexible est activée et modifions le temps pour quantifier le temps en 16e notes, car la deuxième région est remaniée beaucoup plus rapidement OK, écoutons-le maintenant. Ce n'est donc pas parfait, je vais donc y aller manuellement et le quantifier moi-même Remettons donc le temps de quantification à off. Il n'est pas nécessaire de tout quantifier. Par exemple, il est possible de lire certains fichiers audio sans les quantifier, mais il se peut que certaines parties du son aient juste besoin d'être renforcées Passons donc à cette partie en solo en appuyant sur l'icône solo. Et écoutons-le en un clic. Donc, pour cela, il semble que le rôle ait été joué à temps, mais il y a un léger retard d'enregistrement. Vous ne devriez pas en faire l'expérience , mais c'est parce que j'enregistrais la vidéo en même temps, et cela ajoute un peu de latence ou de retard à l'enregistrement audio. Cependant, je vais maintenant montrer rapidement comment résoudre ce problème. Zoomons donc simplement sur la région dans l'arrangement, et faisons-la légèrement glisser vers l'arrière. Et maintenant, ce que je veux, c'est que ce premier transitoire commence à la quatrième barre Zoomons encore plus et faisons-le glisser légèrement arrière. OK, à propos de ça. Et maintenant, divisons simplement ce fichier audio ici en appuyant sur Commande et T. Et maintenant, nous allons supprimer ce fichier audio ici. OK, maintenant si on écoute ça en un clic, ça devrait arriver plus à temps. Disons-le encore une fois. Vous pouvez donc voir que les transitoires correspondent un peu plus au rythme Cependant, je vais également passer en revue et corriger une partie de cela manuellement . Alors, déplaçons-les maintenant. OK, réécoutons-le maintenant. Pour cette partie, j' aime bien la première moitié, mais pas la seconde. Donc, ce que nous pouvons réellement faire, c'est réduire, puis le boucler, pour que ce ne soit que la première moitié. OK, écoutons-le maintenant. OK, ça me semble mieux maintenant. Donc, si vous rencontrez une latence ou un retard d'enregistrement, vous pouvez simplement reculer le fichier audio pour compenser cela. Avec l'audio, tout comme le MIDI, nous pouvons également découper et boucler des sections. OK, c'est donc le temps flexible et la quantification du son. Il n'est pas nécessaire de quantifier tout le son. Parfois, une petite imperfection peut sonner bien dans votre morceau OK, découpons ce morceau en solo maintenant, et revenons à la chanson que nous avons jusqu'à présent OK, nous commençons donc à créer une chanson un peu plus originale maintenant. N'oubliez pas qu'il n'est pas nécessaire de tout quantifier. Certains genres de musique, comme le jazz et le blues, ne souhaitent peut-être pas que toutes les parties soient quantifiées. Cependant, pour une grande partie de la musique électronique, vous souhaiterez peut-être quantifier vos parties OK, donc je t'envoie cette vidéo. J'espère que vous l'avez trouvé utile, et je vous verrai dans le prochain. 19. L'outil de correction d'argumentaire: Bien, examinons maintenant l'outil de correction de hauteur GarageBand Il s'agit d'un moyen rapide et efficace d'ajuster automatiquement les notes hors hauteur, ce qui le rend particulièrement utile pour les pistes vocales. Cette fonctionnalité permet d'atténuer les incohérences de tonalité et d' améliorer le son global d'une performance vocale Donc, pour cet exemple, je vais ajouter une boucle vocale à cette chanson. Ouvrons donc les Apple Loops en appuyant sur ce bouton ici ou en utilisant le raccourci clavier Oh. Je connais le nom de la boucle que je souhaite utiliser et elle s'appelle Byron Lyric One Donc, dans la recherche, je vais taper les paroles de Byron. Il y a celui-ci ici, celui de Byron Lyric. Alors, cliquons dessus et faisons-le glisser sous nos pistes, et cela créera une nouvelle piste. Je vais aussi le mettre en boucle, donc il fait 4 barres et une longueur. Activons également la zone du cycle en cliquant ici ou utilisant le raccourci clavier C. Et faisons-la glisser vers la gauche obtenir une longueur de 4 barres. Bien, fermons maintenant les boucles Apple Loops en appuyant sur O, et écoutons les voix revenir sur ce rythme. Allez. Allez. Viens. Allez, allez. Bien, voyons maintenant comment utiliser l' outil de correction de hauteur. Tout d'abord, sélectionnez la piste que vous souhaitez corriger, puis ouvrez l'éditeur en appuyant sur ce bouton ici ou en utilisant le raccourci clavier E. Dans un panneau de l'éditeur de fichiers, sélectionnez l'onglet de la piste. Et vous pouvez voir ici que nous avons ce curseur de correction de hauteur Nous pouvons ajuster le curseur pour contrôler intensité de la correction de hauteur avec des valeurs plus élevées, ce qui donne un effet plus fort Des réglages subtils permettent de conserver un son naturel, tandis que des réglages plus élevés peuvent créer une sortie plus précise et parfaite. Cela rapproche la hauteur de la note de la note la plus proche détectée, mais ce n'est pas nécessairement la bonne note. Supposons, par exemple, que vous chantiez vraiment désaxé et que vous régliez la tonalité, il se peut que la note passe à une note qui n'est pas la bonne parce que les voix étaient tellement désaccordées OK, alors passons au morceau en solo en appuyant sur cette icône ici. Et maintenant, rejouons-le. Et en cours de lecture de dessins, je vais l'ajuster en tant que curseur de correction de hauteur pour que vous puissiez entendre la différence Je vais également éteindre le métronome en appuyant sur K afin que nous n' entendions pas de clic Viens, marque le marlin. Viens les marquer, maman. Viens marquer le marlin. Viens marquer ma mère. Viens marquer le marlin. Viens marquer mon moine. Viens Mark et Marlin. Donc, à 100 ans, j'ai trouvé que l' effet était un peu trop fort, alors j'ai réduit ce chiffre à 36. Vous pouvez également utiliser la case Limit to keybox pour déplacer les notes uniquement vers celles qui se trouvent dans la touche sélectionnée dans la fenêtre de transport En théorie musicale, une clé fait référence à la base tonale d'une pièce définie par une gamme de notes spécifique, exemple en do majeur ou en la mineur La touche détermine les notes et les accords qui sonnent harmonieusement ensemble. Lors de la correction de la hauteur vocale, la touche sert de guide pour ajuster notes hors hauteur afin qu'elles s'alignent sur la gamme, garantissant ainsi que les voix correctrices correspondent à la structure harmonique prévue de la chanson L'utilisation d'une touche et d'une correction de tonalité incorrectes peut rendre le son vocal anormal ou en décalage avec la musique Rejouons-le donc. Cette fois vous avez coché la touche limitée, et je vais à nouveau le régler en tant que curseur de correction de hauteur Viens te moquer de Marlin. Allez, maman, allez. Viens te moquer de Marlin. Allez, maman, allez. Viens te moquer de Marlin. Allez, maman, allez. Viens te moquer de Marlin Allez, maman, allez. Viens te moquer de Marlin. Allez, maman, allez. Encore une fois, à 100 ans, cela ne semblait pas très naturel et les notes fluctuaient beaucoup Donc, pour cet exemple, encore une fois, je pense qu'environ 36 sons conviennent le mieux. Cet outil est assez basique, mais il peut être utile pour les chanteurs recherche d'un enregistrement propre et peut être un excellent moyen de peaufiner n'importe quelle prise vocale OK, c'est donc la fin de cette vidéo. Merci d'avoir regardé, je vous verrai dans le prochain. 20. Comment ajouter une piste de batterie: Bon, alors jetons un coup d'œil à la piste du batteur. Créons donc d'abord une nouvelle piste en appuyant sur le bouton plus ici. Et maintenant, sélectionnons le batteur et appuyons sur Créer. Alors, qu'est-ce que le morceau de batteur ? GarageBand Drummer Track est un batteur virtuel intégré qui peut jouer automatiquement en même temps que votre projet, en créant des patterns de batterie et des groove réalistes qui correspondent au style de la musique sur laquelle vous travaillez La piste Drummer est conçue pour ajouter une batterie dynamique au son professionnel à votre chanson sans avoir à programmer chaque battement manuellement Laissons donc la piste vocale que nous avons examinée précédemment, et il pourra voir qu'elle a créé une région de batteur Rejouons-le donc pour entendre à quoi ressemble le son de la batterie par défaut. Allez. Allez, allez, allez, allez, allez. Allez, allez, allez. Donc, tout de suite, vous pouvez entendre que cela sonne plutôt bien. Vous pouvez donc voir ici que la bibliothèque est ouverte. Et en haut, nous avons une liste de différents genres, dont le rock, l' alternative, l'auteur-compositeur, le R&B, hip hop électronique et aussi les percussions Donc, pour chaque genre, vous avez des styles ou des batteurs différents. Chaque batteur virtuel possède des caractéristiques et des sons de batterie uniques, ce qui vous permet de choisir celui qui convient le mieux à votre projet Cela fait de la piste de batteur un outil précieux pour construire rapidement l'épine dorsale de votre chanson grâce à une performance de batterie réaliste qui s'adapte au style et au tempo de votre projet Choisissons maintenant un drama et un batteur différents, et je vais le rejouer pour que nous puissions faire la différence Alors pour cela, choisissons le hip hop, et choisissons le hip hop moderne. OK, revenons-y maintenant. Allez. Allez. Vous pouvez donc entendre qu'il utilise une batterie électronique. Essayons-en un autre. Essayons le R&B, et essayons la Motown moderne. Allez, allez. Allez, allez, allez, allez. Viens. Pour l'instant, désactivons la piste audio du Shaker afin que nous puissions entendre la batterie un peu plus clairement OK, essayons une alternative, et essayons le disco indépendant. OK, écoutons-le en retour. Viens. Allez. Allez. Allez, allez. Vous pouvez donc entendre que différents drames et batteurs créent un son très différent Mais pour cet exemple, revenons au premier, qui était le rock et le pop rock. Allez, allez. Nous pouvons donc utiliser ces styles de batterie, mais nous pouvons choisir différents kits de batterie, si vous le souhaitez Par exemple, celui-ci utilise la batterie Soul kl, mais remplacons-la par une autre. Passons à la batterie de Manchester. Vous pouvez donc voir maintenant que nous ne pouvons pas voir les commandes de notre batteur. Mais si nous double-cliquons sur la région, nous pouvons la récupérer. Bon, écoutons maintenant la star avec la batterie de Manchester. America, allez, venez Marcom America sur Marco Et comme je l'ai fait à l'époque , je suis passé à d'autres kits de batterie pour que vous puissiez entendre la différence Mais je pense que le titre par défaut que nous avions auparavant fonctionne bien avec ce morceau. Bien, double-cliquons à nouveau sur cette région pour créer cet éditeur de batterie, et parlons de ces différentes commandes ici Donc, tout d'abord, nous avons ces préréglages de rythme sur la gauche, et cela ajustera ces commandes ici sur la droite Rejouons-le donc et je vais passer en revue quelques-uns de ces différents préréglages de rythme OK. Allez, allez. Allez, allez. Allez, allez, venez. Cependant, nous pouvons l'ajuster manuellement, sorte que nous n'avons pas à nous fier aux préréglages Et jetons maintenant un coup d'œil à ce pad XY ici. Si nous cliquons et faisons glisser le pointeur sur ce cercle jaune et que nous nous déplaçons vers le haut, le rythme sera plus fort Et si on baisse le rythme, le rythme sera plus doux. Rejouons-le, et je vais l'ajuster maintenant. Viens, et plus encore. Allez, allez, allez, allez, et plus encore. Allez. Ainsi, lorsque nous ajustons cela, cela déclenchera en fait d'autres échantillons. On peut donc entendre que lorsqu' ils le font passer à une version souple, nous recevons de plus en plus de tapotements sur la jante C'est donc là que le batteur tape sur le bord et qu'il ne sonne pas aussi fort que de frapper complètement la caisse claire Et si nous le déplaçons vers la gauche, nous obtiendrons un modèle plus simple, et si nous le déplaçons vers la droite, nous obtiendrons un modèle plus complexe. Ainsi, par exemple, si nous le déplaçons en haut à gauche, nous obtiendrons un schéma simple et fort. Allez, M. Allez. Et si nous le déplaçons en bas à droite, nous obtiendrons un motif souple et complexe. Allez, M et M. Allez. Et en haut à droite, nous obtiendrions un schéma fort et complexe. Allez, M et allez. Et en bas à gauche, nous obtiendrions un motif doux et simple. Viens et. Revenez et allons-y. Et n'importe où entre les deux. Allez, allez. Allez, allez, allez. Bien, parlons maintenant de la personnalisation des éléments de batterie individuels Sur la droite du batteur, vous verrez des icônes représentant différentes pièces de batterie, telles que kick, snare, toms, chapeau haut, cymbale Nous pouvons cliquer dessus pour les activer ou les désactiver. Et vous remarquerez que nous ne pouvons choisir qu' un seul instrument de percussion. Nous pouvons choisir d'activer à la fois le coup de pied et le piège, soit d'activer l'un ou l'autre, soit de lancer les deux Nous pouvons également choisir uniquement d'avoir les Toms, son chapeau ou les cymbales Nous ne pouvons pas tous les porter. Nous ne pouvons activer qu'un seul de ces éléments de batterie Ainsi, une fois qu'un élément est sélectionné, vous pouvez choisir entre plusieurs rainures, chacune offrant une sensation légèrement différente. Ainsi, par exemple, nous avons ici huit rainures différentes pour le kick et le snare Passons à ce morceau en solo pour que nous puissions y voir un peu plus clair. Et rejouons-le, dessinons et rejouons. Je vais me déplacer entre ces différentes rainures de frappe et de caisse claire pour que tu puisses faire la différence Nous avons également ce bouton de suivi ici. Pour cela, nous pouvons faire en sorte que le kick and snare suive une autre piste Pour le moment, nous n' avons pas de partie de basse, mais si vous aviez une partie de basse, vous pourriez laisser le kick et la caisse claire suivre la basse Cela peut être utile car la batterie suit souvent la partie basse. Mais pour cet exemple, faisons en sorte que la batterie suive les touches. Vous vous souvenez donc peut-être des touches jouées dans chaque barre. Je viens donc de jouer les touches en solo, et rejouons-le, et vous devriez pouvoir entendre le coup de pied et la caisse claire suivre la partie des touches Cela fonctionne donc pour les pistes audio et les mini-pistes. Pour l'instant, décochons suivre et décochons solo pour la partie touches Comme je l'ai dit, cela peut être utile pour une partie de basse, mais pour l'instant, je vais utiliser l'un des modèles de kick and snare que nous propose Garage Band Nous avons également différents modèles pour le chapeau haut. Encore une fois, rejouons-le, et je vais passer d'un modèle à l'autre pour que vous puissiez faire la différence. Vous pouvez donc entendre que le schéma 4 est très différent. Nous pouvons également voir la mise à jour de la région lorsque nous passons d'un modèle à l'autre. Passons maintenant à celui de Tom. Et pour cela, nous avons trois modèles différents. Encore une fois, rejouons-le et je passerai entre ces différents modèles. Passons maintenant aux symboles. Voici donc les symboles « ride » et « crash ». Une chose importante à mentionner lorsque vous ajustez votre partie de batterie, c'est qu'il est important de l' écouter dans le mixage. Je ne recommande donc pas tout le temps de jouer en solo sur ce morceau. Il est important de jouer avec les autres instruments. Alors dissolons-le et écoutons-le avec les autres morceaux. Allez, allez. Allez, allez, allez, allez, allez. Allez, allez, allez. Viens, viens. Reviens, viens, viens. Alors, en ce qui concerne le playback, je suis passé à la casquette haute, car je pensais que le son était plus approprié que celui des cymbales Ensuite, nous avons trois modèles différents pour les percussions. Nous pouvons choisir un tambourin, un shaker ou un clap. Je vais juste le faire en solo pour que nous puissions y voir un peu plus clair. Et je vais le rejouer et alterner entre les différents instruments de percussion et les différents patterns pour que vous puissiez entendre la différence. Bien, commençons par le tambourin. Donc, celui que j'aime bien était le Shaker sur le schéma numéro deux Mais écoutons-le avec le reste des morceaux pour voir si cela fonctionne. Allez, allez. Allez, allez, allez, allez. Allez, allez, allez. Mais il y avait un peu trop de monde pour ce que je voulais. En fait, je vais utiliser les percussions en tunnel, donc nous utilisons simplement le chapeau haut, le coup de pied et la caisse claire Bon, voyons maintenant les remplissages et le contrôle des balançoires ici sur la droite. Commençons par les remplissages. Les fills sont courtes transitions de batterie qui ajoutent de la variété et de l'excitation, généralement à la fin d'une phrase. Nous pouvons utiliser la poupée Fills pour contrôler la fréquence à laquelle les remplissages sont intenses. Des réglages plus faibles réduisent les remplissages, voire aucun remplissage du tout, ce qui crée un sillon plus uniforme. Des paramètres plus élevés rendent les remplissages plus fréquents et plus élaborés pour plus d'envie. OK, alors rejouons-le dans notre poupée Justice Fills, afin que vous puissiez entendre la différence. Fais-les. Allez, le ballon. C d'entre eux. Allez, sur le ballon. Fais-les. Allez, sur le ballon. Fais-les. Allez, sur le ballon. Allez, sur le ballon. C'est eux. Allez, allez, allez, allez. Allez, allez, allez, allez, allez. Allez, allez, allez. Donc, pour ce patron, j' aime bien les garnir. Mais quand cela a réglé la hauteur, il y avait trop de remplissages pour que je puisse le comparer, alors je l'ai ramené à environ 20 % ou 8 heures Parlons maintenant du cadran pivotant ici. swing ajoute un groove au rythme en retardant légèrement certains battements, créant ainsi une sensation humaine détendue Il est couramment utilisé dans des séries dramatiques comme le jazz, le funk et le hip hop Si nous fixons ce chiffre à 66 %, cela créera un swing parfait. Nous avons également deux réglages différents. Nous pouvons choisir des oscillations de huitième note ou des balançoires de 16e note. En général, les notes de huitième ont une sensation de swing plus lente, tandis que les notes 16 offrent un swing plus serré et plus rapide OK, rejouons-le et je passerai entre le swing de huitième note et le swing de 16e note pour que vous puissiez entendre la différence. Allez, allez, allez. Viens. Allez, allez, allez. Viens. Allez, allez, allez. Viens. Allez, allez, allez. Mais pour cette chanson, je ne veux pas avoir de swing, alors désactivons-la, réduisons-la à 50 % Allez, allez. Allez, allez, allez. Nous avons également ces icônes de cadenas ici, ce qui verrouillera le paramètre afin que nous ne puissions pas apporter de modifications accidentellement Donc, si vous êtes satisfait de vos réglages de remplissage et de swing, vous pouvez les verrouiller ici à l' aide de ces icônes en forme de cadenas Parlons maintenant des conseils pratiques pour utiliser le morceau de batteur Le Drummer Track and Garage Band est un excellent outil pour créer rapidement des patterns de batterie sans programmer manuellement des batteries MIDI Il est parfait pour esquisser des idées ou créer une base rythmique Vous pouvez ajuster le champ pour l' adapter à différentes sections, comme un simple groupe de couplets un schéma plus dynamique pour les chœurs Des commandes telles que le remplissage et le swing ajoutent de la variété et du mouvement à votre piste. Bien que le batteur soit excellent pour créer une ambiance, il n'offre pas la précision nécessaire à la programmation de vos propres mini-batteries Si vous avez besoin d'un contrôle total, pensez recréer le groove du batteur dans le piano roll Mais pour de nombreux projets, le batteur est une option simple et efficace Si nous survolons la zone à droite de la zone des batteurs, vous pouvez voir ce bouton jaune représentant le signe «   plus » représentant les piliers Si nous cliquons dessus, cela créera une nouvelle région pour les batteurs. Il s' agira en fait d'une région unique. Vous pouvez donc ajuster ces paramètres, mais cela ne modifiera pas l'autre région. Donc, pour cette deuxième région, je vais fermer les chapeaux. Donc, la première région présente des chapeaux hauts, et la seconde n'en donne aucun exemple La première section peut être une section de chœur dans laquelle vous voulez ajouter un peu plus d'énergie, et la deuxième section peut être une section de couplets sans chapeaux hauts, donc vous aurez l'impression qu' elle contient moins d'énergie, ce qui peut être plus approprié pour une section de vers OK, rejouons-le pour que vous puissiez entendre la différence entre ces deux régions. Allez, allez. Allez, allez, allez. OK, donc c'est un morceau de batteur et un groupe de garage. Je recommande de le tester avec les différents batteurs et d'ajuster le réglage pour que vous puissiez entendre la différence Merci donc d' avoir regardé cette vidéo, je verrai dans la prochaine. 21. Enregistrer une partie MIDI de basse: OK, alors continuons à construire la chanson. Et ajoutons maintenant une partie de basse. Donc, en ce moment, nous avons cette partie de synthé. C'est donc une sorte de pièce maîtresse. Nous avons la partie Shaker, qui est actuellement désactivée. Nous avons cette partie clé qui joue quatre accords différents. Nous avons cet effet Sweep. Nous avons cet extrait vocal. Allez, allez. Allez, allez, allez. Et nous avons cette trompette. Écoutons-le tous ensemble. Allez. Allez, allez. Donc, à mon avis, ce qui manque vraiment maintenant, c'est une partie de basse. Créons donc maintenant une partie de basse. Commençons donc par ajouter une nouvelle piste. Appuyons donc sur le bouton plus ici. Et pour cela, ajoutons une piste midi. Si vous avez une basse électrique, vous pouvez toujours choisir la guitare ou basse et enregistrer dans la partie basse. Mais pour cela, je vais enregistrer en partie midi sur mon clavier MIDI. Vérifions-nous donc que le MIDI est sélectionné et appuyons sur Create. J'ai donc mon clavier MIDI devant moi. Et vous pouvez entendre que nous avons ce son par défaut d'un piano électrique classique. Nous avons donc ici une catégorie de basses qui comporte différentes bases virtuelles. Et nous avons également des basses de synthé différentes. Nous pouvons accéder aux bases SNF en cliquant sur synthétiseur puis Pour cet exemple, cependant, je souhaite utiliser une base électrique virtuelle. Alors cliquons sur Base et celle que je veux utiliser s'appelle Stinger base Donc, lorsque vous créez des parties de basse, je pense que c'est une bonne idée de jouer sur le groove et d'essayer de vous faire une idée de la partie basse. J'imagine aussi que je joue basse électrique et que j'écoute la batterie, en particulier le kick drum essayer de trouver quelque chose qui soit rythmique, mais qui suive les accords Ces accords sont la mineur, le do, et le fa. Je vais donc simplement jouer les notes fondamentales, à savoir A, C, G et F. Si vous débutez dans l'écriture musicale et le solfège, je vous recommande de rester aussi simple que possible et d' utiliser les notes fondamentales Ce sont donc les notes les plus basses de l'accord. Ainsi, par exemple, dans un accord en do majeur, nous avons les notes C, E et G. La note fondamentale est le C. D'accord, donc je vais activer la région psychopathe en cliquant ici ou en utilisant le raccourci clavier C. Et je vais juste le rejouer quelques fois avant un enregistrement pour essayer de trouver un groove qui correspond à la batterie et suit les accords E et G. La note fondamentale est le C. D'accord, donc je vais activer la région psychopathe en cliquant ici ou en utilisant le raccourci clavier C. Et je vais juste le rejouer quelques fois avant un enregistrement pour essayer de trouver un groove qui correspond à la batterie et suit les Viens. Revenez, allez. Viens. Allez. Revenez, allez. Allez. Revenez, allez, venez. Revenez, allez. Revenez, allez, venez. Allez, allez. OK, je crois que j' ai une idée maintenant. Assurons-nous maintenant que notre piste est enregistrée en appuyant sur ce bouton ici. Et enregistrons maintenant en appuyant sur ce bouton ou en utilisant le raccourci clavier. Et comme le compte est activé, nous aurons un comptage de 1 barre. Et pour l'instant, je ne pense pas que nous ayons besoin d'un métronome activé car nous avons la piste de batterie, qui nous donne le OK, alors enregistrons ça. Allez, allez, venez, allez, allez. OK, je pense que j'y joue très bien. Double-cliquez sur une région pour ouvrir immédiatement l'éditeur, et nous pouvons maintenant voir le chronométrage des notes. Ce n'est pas parfait, mais c'est plutôt bon. Quantifions-le maintenant. Nous allons donc sélectionner toutes les notes ici en appuyant sur Commande et A. Passons maintenant à la quantification Et ne changeons que les 8èmes notes. Comme je ne pense pas avoir joué quelque chose plus rapide que la huitième note. OK, vous pouvez donc voir que toutes les notes sont accrochées à la grille Et rejouons-le maintenant. Allez, allez. Revenez, allez, allez, allez. Revenez, venez, allez, allez. Revenez, allez, allez, allez. Revenez, allez, allez. OK, je pense que ça sonne bien. Si vous n'avez pas de clavier intermédiaire ou si vous n'êtes pas à l' aise pour enregistrer, vous pouvez toujours taper des notes dans l'éditeur de pianos N'oubliez pas que si vous maintenez la touche Commande enfoncée, l'icône en forme de crayon apparaîtra et vous pourrez cliquer sur la grille où vous souhaitez placer une note. Et, bien sûr, vous pouvez également modifier la longueur , la tonalité et l'éditeur de piano. Mmm Comme je l'ai dit, je pense que c'est beaucoup plus rapide si vous pouvez simplement l'enregistrer sur le clavier immédiat Mais comme je l'ai dit, vous pouvez écrire les notes si vous préférez. D'accord, nous allons maintenant libérer un peu plus d'espace dans le projet. Fermons donc la bibliothèque en appuyant sur Y, et fermons l' éditeur en appuyant sur E. Nous avons donc maintenant les fondamentaux de notre chanson. Nous avons un rôle principal, nous avons un rôle de basse. Nous avons les clés. Nous avons des effets, des voix et une partie de batterie Ensuite, nous allons voir comment l' arranger davantage en une chanson. J'espère donc que vous avez trouvé cette vidéo utile et que vous pourrez l'appliquer à la création de vos propres pièces. 22. Marqueurs d'arrangement: Bonjour, et bienvenue dans cette vidéo où nous allons voir comment classer nos pistes. Cela inclut l'organisation et la structure des pistes . OK, alors commençons. structure d'une chanson est donc la façon dont ses sections sont arrangées, ce qui lui donne un flux que les auditeurs peuvent suivre Les sections courantes incluent une intro, ce qui crée l'ambiance et mène à la chanson Tout d'abord, cela raconte l'histoire ou développe l'idée principale. Chorus, la partie principale souvent répétée de la chanson avec la mélodie la plus entraînante Bridge, une section contrastante offre de la variété, de l'outtro. C'est la dernière partie qui conclut la chanson. Une chanson bien structurée permet d'engager les auditeurs en leur donnant une orientation et un élan Cela permet de maintenir la cohésion de la chanson et éviter qu'elle ne soit répétitive ou décousue L'organisation de vos morceaux en sections claires permet de transmettre efficacement vos idées musicales et donne à l'auditeur quelque chose de familier sur lequel revenir, comme le Huk dans le refrain. Arrangez votre chanson. Vous pouvez diviser votre projet en sections à l'aide marqueurs d'arrangement de Garage Bands pour activer l'onglet d'arrangement, accéder à la piste, afficher la piste d' arrangement ou utiliser le raccourci clavier Shift Command A. Pour ajouter une nouvelle section, cliquez sur le bouton plus au-dessus des pistes. Donc, si vous survolez l' endroit où il est écrit Intro, ces flèches apparaîtront Et si on clique dessus, on peut choisir un autre nom. Par exemple, couplet, refrain ou chevalet, nous pouvons également le renommer si vous le Pour cet exemple, laissons cela dans l'introduction. Ajoutons maintenant un autre marqueur, donc appuyons à nouveau sur le bouton plus. Et pour cela, laissons cela au verset. Maintenant, l'intro, c'est 4 mesures, et un couplet fait 8 mesures. Ajoutons maintenant le refrain. Appuyons donc à nouveau sur le bouton plus et vous verrez que le refrain est automatiquement écrit, mais faisons en sorte que ce soit long de 4 mesures Alors, cliquons et redimensionnons ceci. Cliquons à nouveau sur le bouton plus et ajoutons un autre couplet. Vous pouvez voir qu'il est écrit pont, mais cliquons sur cette flèche ici et changeons cela en verset. En fait, je veux changer cela, donc il est dit au verset deux. Alors cliquons à nouveau dessus et allons renommer et renommer ce verset deux OK, alors je voudrais avoir un autre refrain, cliquons à nouveau sur le bouton plus Cette fois, faisons-en à nouveau 4 barres. Et encore une fois, je voudrais le renommer, et le changer en chorus OK, cliquons à nouveau sur le bouton . Maintenant, je veux un pont. Laissons cela à 8 mesures, puis je voudrais avoir un autre refrain Et cette fois, je veux avoir un double chœur. Le refrain sera donc de 8 mesures au lieu de 4 mesures. Cliquons donc sur ce bouton en forme de flèche ici, renommez-le. Disons que ce refrain est gratuit. Et puis à la fin, je veux ajouter un Outro. Cliquons donc sur ce bouton plus ici. Et vous pouvez voir qu'il est écrit Otro, mais faisons en sorte que l' outtro soit long de 4 mesures. OK, nous n'avons donc pas encore arrangé la chanson, mais nous avons une structure en tête. Nous avons donc deux couplets et trois refrains, mais je recommande d'ajouter variété entre ces différentes sections, car cela aidera à garder la chanson intéressante En général, la chanson accumulera davantage vers la fin, mais ce n'est pas toujours le cas. 23. Étiqueter et organiser votre projet: Avant de commencer à arranger notre chanson, organisons-la un peu plus, car si les pistes ne sont pas correctement nommées et organisées, cela peut devenir assez compliqué. Commençons par étiqueter les noms des pistes. L'étiquetage correct de vos pistes vous permet de les identifier et de les gérer rapidement. noms clairs évitent toute confusion, en particulier lorsque vous travaillez avec des sons ou des effets similaires. Je sais que parfois, lorsque vous créez de la musique, vous voulez simplement être créatif et vous ne voulez pas organiser ou étiqueter des choses, mais cela peut vraiment aider, surtout lorsque vous arrangez votre chanson. Donc, pour étiqueter votre piste, double-cliquez sur le nom de la piste dans l'en-tête de la piste et saisissez un nouveau nom qui décrit clairement le rôle de la piste. Évitez les noms génériques tels que piste 1 ou audio 2 , car ils compliquent la navigation. Donc, s'il y a une première partie ici, changeons-la en Syplet Nous pouvons également renommer les régions, si vous le souhaitez. Faisons de même pour la partie basse. Renommons-le en bass. Voici un extrait audio, vous vous souvenez peut-être que c'était la partie Shaker Renommons-le donc en Shaker. Ensuite, nous avons la partie clé. Laissons les choses telles quelles. Ensuite, nous avons les effets Sweet. Renommons-le en Effects Noise. Ensuite, il y a le chant. Renommons-le en voix, puis il y a la batterie Nous pouvons également cliquer et faire glisser les pistes pour les réorganiser Vous pouvez les réorganiser comme vous le souhaitez, mais en général, j'aime avoir le type d' instruments ensemble Donc, normalement, j'ai les symps ensemble, puis les basses ensemble, et les percussions ou la batterie ensemble Donc, pour cet exemple, mettons les voix en haut. Ensuite, je vais avoir le fil de synchronisation, puis je vais avoir les clés Ensuite, il y a la basse, puis la batterie, puis le shaker, et enfin le bruit Vous pouvez arranger cela comme vous le souhaitez, mais c'est normalement comme ça que j'aime. J'ai le rôle principal en haut, qui passe aux simps, puis aux touches, puis à la basse, puis à la batterie, percussions et aux effets sonores heure actuelle, nous n' utilisons pas la partie shaker, donc soit je déplacerais ce morceau vers le bas du projet au cas où je voudrais y revenir, soit si je suis sûr de ne pas vouloir utiliser dans ma chanson, je le supprimerais Donc, pour cet exemple, supprimons réellement cette piste. Nous pouvons le faire en sélectionnant la piste et en cliquant sur Retour arrière ou Supprimer Si nous appuyons une fois sur Supprimer, les régions seront supprimées, et si nous appuyons à nouveau dessus, la piste sera supprimée. 24. arranger un morceau dans GarageBand: OK, alors commençons à arranger cette chanson. Commençons par le chant. Donc, pour cet exemple, je veux juste avoir le chant dans le refrain Alors cliquons-le et faisons-le glisser le déplacer uniquement vers le refrain N'oubliez pas que nous pouvons maintenir l'option enfoncée et cliquer et faire glisser pour dupliquer. N'oubliez pas que chorus free est un double refrain, donc allongeons cette boucle Passons donc le curseur en haut à droite de la région et cliquons et faisons glisser le pointeur pour allonger les 8 barres OK, alors nous avons le Symp Lead. Ensuite, je voudrais l'ajouter à la seconde moitié du couplet pour donner un peu d'élan. Ensuite, je veux aussi l'avoir pour le refrain et le couplet deux, et aussi pour le chœur Ensuite, pour le bridge, je veux juste jouer cette pièce dans les 2 dernières mesures. Dupliquons donc cette partie et découpons-la, sorte qu'il ne s'agisse que des deux dernières barres. Et puis, pour le refrain, je voudrais reprendre ce rôle. Encore une fois, cliquez, maintenez la touche Alt enfoncée et faites-la glisser, puis déposez-la pour le refrain Encore une fois, il s'agit d'un double refrain, alors faisons-le en boucle. Et je veux aussi l'avoir pour l'outtro. Alors refaisons-le une fois de plus. Ensuite, nous avons la partie clé. Je vais juste le réduire, qu'il fasse exactement 8 barres de long. Et pour cela, je veux que cette pièce soit jouée tout au long de la chanson. Passons donc en boucle jusqu'à la fin de la chanson. Je ne veux pas avoir la partie basse pour l'intro, je veux qu'il y ait le début du couplet Je veux que la chanson prenne de l'ampleur, alors n'en avons pas trop pour l'intro Je vais le faire en boucle jusqu'au pont. Faisons ensuite 4 mesures de silence et faisons entrer la basse sur la barre 33. Alors dupliquons cela à nouveau. Et puis je voudrais l'avoir pour le refrain, jusqu'à la fin Faisons donc simplement glisser cette boucle jusqu'en arrière. Ensuite, il y a les effets. Je veux qu'il y ait cette accumulation dans le couplet, puis que cette région soit jouée lorsque le refrain commence Faisons donc glisser ça. Cette région commence donc par le refrain. Maintenons l'option enfoncée et faisons ceci pour le deuxième refrain. Et aussi sans chœur. Ensuite, il y a les tambours. L'arrangement de la batterie peut être très important pour votre chanson. Vous vous souvenez donc peut-être que nous avons ici cette partie de batterie. C'est notre partie de batterie chorale, alors cliquons dessus et faisons-la glisser vers le refrain Éteignons simplement la région du cycle en maintenant le do, et écoutons les tambours à couplets. Donc, ce que nous voulons faire , c'est que la première moitié du couplet plus clairsemée que la seconde moitié Faisons donc un clic droit sur cette région et cliquons sur Séparer à la tête de lecture Double-cliquez maintenant sur cette première région. Et je vais en fait retirer le kickdrum. Tapons donc sur le coup de pied ici pour n'avoir que le jeu de caisse claire OK, écoutons-le maintenant. L'intro n'a donc pas de batterie La première moitié du couplet ne contient que le piège. La seconde moitié du couplet contient le coup de pied et la caisse claire, puis le refrain contient le coup de pied et le chapeau haut Allez. Allez, allez, allez, allez. Allez, allez. OK, super. Nous pourrions même essayer de donner un coup de pied dans la première moitié du couplet. Désactivons donc le piège et activons le coup de pied . Écoutons-le maintenant. OK, je pense que c'est plus approprié. Ainsi, lors de l'organisation, vous devrez peut-être expérimenter différentes idées et tester des choses, car elles ne seront peut-être pas parfaites tout de suite. Fermons cet éditeur ici en appuyant sur E pour avoir un peu plus d'espace, et continuons à travailler sur la batterie. OK, copions maintenant la batterie du couplet 2. Maintenons donc l'option enfoncée et cliquons et faisons glisser. Maintenant, pour le verset deux, ajoutons un peu plus de mouvement. Cette fois, ajoutons un tambourin. Allumons donc le tambourin, rejouons-le et appliquons-le avec le motif du OK, super. Le deuxième modèle de tambourin était donc un peu plus simple que le troisième modèle de tambourin Souvenons-nous donc de cela. Maintenant maintenons l'option enfoncée et cliquons dessus et faisons glisser le pointeur dessus. Maintenant, ouvrons-le et changeons la seconde moitié du verset deux TamburnePattern Cela prend donc un peu plus d'élan. Nous avons maintenant les cordes du refrain. Maintenons la touche Alt enfoncée tout en cliquant dessus et en faisant glisser le pointeur dessus. Et encore une fois, ajoutons le Tamburin sur Pattern free. deux premières auront donc le motif Snare Kick et le motif Tamburne avec le motif numéro deux pour la première mi-temps, le schéma numéro trois pour la seconde moitié Et pour le refrain, il y aura le schéma numéro trois, et il y aura de la chaleur ajoutée OK, écoutons maintenant cela depuis le début pour que vous puissiez l'entendre s'accumuler lentement. Viens. Allez, allez, allez, allez, allez. Allez, allez, allez. Oh. Allez, allez, allez, allez. OK, on commence à aller quelque part. Je vais donc changer certaines choses maintenant. En fait, j'aimerais avoir deux percussions pour la seconde moitié du couplet, je vais ajouter les chapeaux hauts. Cela ajoutera donc un peu plus de mouvement. Ensuite, lorsque le refrain entrera, il deviendra sans motif et devrait ajouter un peu plus d'élan, mais il sera un peu plus subtil Je trouve également que la première moitié du couplet est un peu dépouillée sans la partie synthé Nous allons donc cliquer dessus et le faire glisser pour le faire tourner en boucle et nous voulons vraiment supprimer la partie de base ici. Malheureusement, nous ne pouvons pas faire glisser le pointeur depuis la gauche pour supprimer cette partie ici, mais nous pouvons raccourcir la boucle de deux barres , puis la faire glisser vers l'arrière. OK, alors nous avons la section du pont pour le pont, je veux qu'elle commence par être très clairsemée puis qu'elle s'accumule Maintenons donc l'option enfoncée et faisons glisser le pointeur sur nos parties de batterie, mais saisissez-le simplement sur la barre 31. Les 2 premières mesures ici n'ont donc pas de batterie. Faisons également en sorte que cette région n'ait qu'une barre et une longueur. Et regardons cela et rendons les choses plus simples. Donc pour ça, je veux juste avoir le coup de pied. Et maintenant maintenons l'option, copiez-la. Et maintenant, allons-y. Nous avons le chapeau haut. Maintenant, copions-le à nouveau. Et maintenant, place au coup de pied, au chapeau haut et au piège. OK, écoutons maintenant ce pont. OK, alors nous avons le refrain final. Zoomons un peu ici, et je voudrais faire un petit silence avant que le refrain final n'entre Réduisons donc la batterie un battement. Et écoutons-le maintenant. OK, donc le fait d'avoir ce petit espace dans la batterie peut donner beaucoup plus de punch au refrain lorsqu'il entre Ajoutons maintenant la batterie pour le refrain. Maintenons l'option enfoncée et glisser le pointeur sur les tambours que nous avions auparavant. Et changeons cela pour le rendre un peu différent. Donc, changeons réellement le modèle de hauteur pour cela. Passons donc en boucle à cette section et écoutons la partie haute pour trouver quelque chose d'un peu plus énergique. Allez. Allez, allez, allez. Allez, allez, allez. OK, donc le schéma numéro quatre semble avoir un peu plus d'énergie. Écoutons ce solo. Auparavant, c'était ça. OK, super. Utilisons donc le modèle numéro quatre. Dissolons ça, et repassons-le en boucle Ensuite, il y a l'Otro, où allons-nous ne pas avoir de batterie ? OK, écoutons maintenant ça depuis le pont jusqu'à la fin de la chanson. Allez. Allez, allez, allez. Viens. Revenez, allez, venez. Revenez, allez, venez. Revenez, allez. OK, super. En fait, je ne veux pas avoir la basse pour l'outtro, alors réduisons simplement cette loupe Et je veux aussi avoir ces effets à la fin du refrain qui précède l'Outro Alors recopions-les également. OK, c'est donc un arrangement très rapide de cette chanson. Il y a encore beaucoup à faire. Mais écoutons-le du début à la fin. Allez, allez, allez. Allez, allez, allez. Allez, allez, allez, venez. Allez, allez, allez. Allez, en bas de page. Viens, boum. Allez, et c'est parti pour le bas. Allez, et en bas de page. allez, en bas. OK, donc pour un arrangement très rapide, je ne pense pas que cela semble trop mal. 25. Pistes de coloriage: Parlons maintenant des pistes à codage couleur. Le code couleur vous permet d' identifier rapidement les différents instruments, sections ou pistes vocales en un coup d'œil. Cela est particulièrement utile lorsque vous utilisez un grand nombre de pistes dans le projet. Pour colorer votre piste, cliquez avec le bouton droit sur une piste dans l' en-tête d'une piste et sélectionnez une couleur de piste sinusoïdale. Alors faisons-le d'abord pour le chant. Cliquons dessus avec le bouton droit de la souris, puis affectons la couleur de la piste. Pour cet exemple, remplacons-le par cette couleur rose. Je recommande de choisir des couleurs différentes pour chaque groupe d'instruments. Par exemple, toutes les batteries en bleu, les voix en rose et les guitares en Cette organisation visuelle vous permet de rester concentré et de séparer facilement les éléments spécifiques du dessin et de l'édition. Vous remarquerez donc ici la basse et le Seth pour les mêmes couleurs Changeons donc la couleur de la dixième partie. Cliquez donc avec le bouton droit sur l'en-tête d'une piste, puis attribuons une couleur à la piste. Pour cela, choisissons une couleur que nous n'avons pas encore utilisée. Choisissons le rouge, mais celui-ci est assez similaire au rose. Choisissons donc cette couleur brun rouge plus foncé. Ensuite, nous avons les touches et le bruit des effets est de la même couleur. Pour cet exemple, modifions la couleur du bruit des effets. Faisons donc un clic droit dessus, affectons la couleur de la piste et choisissons une autre couleur que nous n'avons pas utilisée. Essayons ce violet foncé. OK, maintenant vous pouvez voir que chaque piste a une couleur différente. Lorsqu'il s'agit d'un petit projet comme celui-ci, vous n'aurez peut-être pas nécessairement besoin de le faire, mais pour les grands projets, cela vous aidera certainement. OK, c'est donc la fin de cette vidéo où nous avons examiné le suivi, l'organisation, la structure et le rangement de votre projet J'espère que cette vidéo vous sera utile et je vous verrai dans la prochaine. 26. Équilibrer les niveaux de volume et panoramique: Bonjour, et bienvenue dans cette vidéo, où nous allons regarder Foy Methads et Commençons d'abord par un variateur de volume. Le fader est essentiel pour contrôler le volume de chaque piste et vous aider à équilibrer les sons au sein d'un mixage En ajustant les variateurs de volume, vous pouvez vous assurer que les éléments clés, tels que les voix ou les instruments principaux, ressortent tout en soutenant les éléments de fond, tels que les harmonies de fond ou les couches rythmiques couches Équilibrer votre piste à l'aide de faders est l'un des outils les plus puissants pour créer une production professionnelle et soignée Une piste bien équilibrée permet à chaque instrument de s'intégrer clairement dans son propre espace, améliore la clarté et rend la chanson plus facile et plus agréable à écouter. L'utilisation appropriée des faders peut également influencer la dynamique et l'énergie globale d'un morceau, contribuant ainsi à créer de l'accent, de l'ambiance et de la fluidité entre les sections d'une chanson Le fader de volume de chaque piste est visible dans la zone des pistes et dans la fenêtre principale ici Donc, lorsque vous réglez le volume des différents instruments, je recommande de faire glisser tous ces faders vers la gauche Donna recommande de faire du vélo dans la région où tout joue. Par exemple, mettons ces 8 mesures en boucle ici pour ne pas avoir de refrain. Donna recommande de régler d'abord le volume des instruments les plus puissants. Ce seront donc la batterie et la basse. Ils constituent normalement la base de la plupart des morceaux, en particulier dans les séries dramatiques comme le rock, pop ou la musique électronique Alors faisons-le maintenant. Commençons par les tambours. Augmentons donc ce curseur de volume. Nous voulons également avoir de l'espace ici. Nous ne voulons pas que ce soit trop fort, sinon il peut se couper et gâcher la chanson. OK, ajoutons maintenant la basse. Je pense donc qu'il y a à peu près ce qui convient. Ensuite, je recommande de passer aux éléments harmoniques. Il peut donc s'agir des parties de guitare ou de clavier. Ajoutons donc ensuite la partie clés. Je pense qu'il y a à peu près ce qu'il faut. Ajoutons maintenant que Sen s'est enfui. Ajoutons maintenant les effets. Maintenant, ajoutons les voix. Les voix sont souvent la partie vocale de la chanson, et elles se situent normalement au-dessus du mix Mais nous voulons également nous assurer qu'ils se fondent naturellement avec les autres instruments. Allez, allez. Allez. Allez, allez, allez, allez. Allez, allez. Ensuite, nous devons continuer à écouter et apporter des ajustements mineurs pour obtenir un mixage équilibré. Je recommande donc d'utiliser les compteurs ici pour éviter tout clipsage Je recommande également de garder un œil sur le master fader pour m' assurer que le mix ne s'écrase pas Donc, si cela entre dans le rouge, cela peut couper et déformer la chanson Et si c'est le cas, je recommande de baisser le volume des pistes. Allez, allez, allez, allez. Activé. Allez, allez, allez. Vous pouvez voir que nous avons beaucoup d' espace et que c'est loin d'être découpé Pour l'instant, je pense que les void faders sont à peu près au bon endroit Vous pouvez toujours passer en revue et apporter des ajustements mineurs si nécessaire. Bon, parlons maintenant de la photographie panoramique. Le panoramique est un processus qui consiste à placer des éléments de la piste sur l' image stéréo de votre piste L'image stéréo fait référence à la largeur de gauche à droite. Vous pouvez déplacer les pistes vers la gauche, vers centre, vers la droite ou n'importe où entre les deux. Donc, pour cet exemple, nous allons simplement jouer le rôle principal du synthétiseur en solo et je vais le rejouer et ajuster ce Pan Dal ici afin que vous puissiez l'entendre passer sur le canal gauche, le canal droit et n'importe où entre les deux Commençons par le centre, cependant. Donc, lorsqu'il est à zéro, il est au centre. Vous devriez donc l'entendre maintenant dans votre casque gauche ou dans le haut-parleur gauche, puis dans le casque droit ou le haut-parleur droit Et plaçons-le quelque part entre les deux. Il y a plusieurs raisons pour lesquelles vous pourriez vouloir planifier un élément pour votre chanson, et nous allons maintenant en examiner quelques-unes. Planifier pour obtenir un effet. Le panoramique peut ajouter un effet immersif créatif Imaginez une voix pécheresse tourbillonnant de gauche à droite, créant une sensation L'utilisation créative du panoramique peut ajouter de la profondeur et de l'intérêt, en rendant les éléments individuels plus dynamiques et plus attrayants pour votre musique Cela peut être fait grâce à l'automatisation , que nous examinerons sous peu. Planification de la largeur Le panoramique crée également de la largeur dans votre piste, rendant sonore et expansive plutôt que étroite et plate En éloignant les instruments de soutien tels que les guitares, les percussions ou les chœurs du centre, vous ouvrez le champ stéréo et permettez à votre mixage de se Le placement spatial améliore la sensation de dimension et permet d'obtenir un son de mixage équilibré entre les haut-parleurs. Planification de la séparation Le panoramique contribue à la clarté et la séparation en donnant à chaque instrument son propre espace Par exemple, le fait de déplacer légèrement la guitare vers la gauche ou la droite, tout en gardant la basse et la voix centrées empêche les éléments de se disputer le même espace dans votre mix planifiant stratégiquement différents sons, vous créez un mix plus clair et plus défini, tout en permettant à chaque instrument ou voix être entendu sans masquer les autres, ce qui garantit que chaque partie de la chanson se démarque comme prévu Donc, pour cet exemple de chanson, planifiez maintenant certains des instruments. Essayons de déplacer légèrement le simp vers la gauche. Déplaçons également le bruit vers la droite. Cela devrait donc ajouter un peu plus de largeur au mélange. Écoutons-le maintenant. Viens. Allez, ba. Viens, viens. Allez, allez, revenez. Viens, viens, viens. Allez, allez. Après avoir effectué le panoramique, il se peut que nous devions également régler le volume de chaque piste. Donc, pour ce diablotin, je vais le faire un peu plus fort. Allez, allez, allez, allez, allez. Allez, allez, allez. Cette chanson est assez limitée maintenant, mais si nous avions plus de titres ou d'instruments , j'envisagerais d' en faire beaucoup plus manière générale, pour les instruments plus graves comme le kick drum et la basse, vous pouviez les laisser au centre sans faire de panoramique, et pour les instruments plus aigus, comme les synthétiseurs ou certains effets, vous OK, il s'agit donc d'équilibrer les niveaux et le panoramique. J'espère que cette vidéo vous a été utile, et je vais voir la suivante. 27. Vitesse MIDI croquis: Voilà, bienvenue dans cette leçon où nous allons parler de vélocité. La vélocité MIDI est utilisée sur toutes les portes et fait référence à la force ou douceur d'une note jouée sur un clavier MIDI. La vélocité ne contrôle pas directement la hauteur de la note, mais elle affecte la dynamique et l'expression du son. Par exemple, si vous tapez fort sur une note, le son sera plus fort et plus intense Si vous appuyez doucement, le son sera plus faible et plus doux. Bien que la vélocité modifie principalement le volume, il est important de comprendre que la vélocité a un impact sur le signal d'entrée, c' est-à-dire qu'elle détermine la force avec la note est déclenchée lorsqu'elle est jouée. D'autre part, le volume contrôle le signal de sortie, qui définit le niveau sonore émis par les haut-parleurs ou les écouteurs. Certains instruments virtuels Garage Band réagissent à la vélocité, non seulement en modifiant le volume, mais aussi en déclenchant différentes caractéristiques tonales Par exemple, appuyer plus fort sur une touche de piano peut produire un son plus clair et plus puissant, tandis qu' un toucher plus doux peut rendre la même note plus délicate Cela vous donne plus de profondeur par rapport au réalisme en faisant varier l' intensité de chaque note. Voyons maintenant comment ajuster la vélocité. Pour cet exemple, ajustons la vélocité de la partie basse. Donc, pour régler la vélocité des notes midi dans Garage Band, ouvrez le piano ou l'éditeur en double-cliquant sur la région midi. Donc, pour cet exemple, double-cliquez sur cette première région de base. Passons maintenant à la barre 9 pour voir cette première région. Si nous cliquons sur une note, nous pouvons voir cette diapositive de vélocité apparaître ici. Vous remarquerez qu'avec de faibles vitesses, nous avons une ligne plus petite ici. Et avec des vitesses plus importantes, nous avons une ligne plus grande ici. Vous pouvez également entendre en quoi la note sonne différemment haute vélocité par rapport à une faible vélocité. Nous pouvons également cliquer et faire glisser le pointeur sur plusieurs notes et ajuster la vélocité de chacune d'entre elles. Si nous montrons l' automatisation en appuyant sur ce bouton ici ou en utilisant le raccourci clavier A, vous remarquerez que nous pouvons voir ces barres de vélocité sous les notes Nous pouvons donc cliquer et faire glisser ces barres ici pour ajuster également la vélocité. Nous pouvons également cliquer et faire glisser le pointeur sur plusieurs notes pour ajuster la vélocité. Donc, juste pour cet exemple, augmentons la vélocité de cette première barre. Désactivons donc la zone du cycle en appuyant sur C, plaçons la règle de la tête de lecture à neuf mesures et passons à la partie basse en solo pour que nous puissions entendre cela Vous auriez donc dû entendre le son plus doux puis le faire plus fort ici Faisons quelque chose d'un peu plus extrême pour qu'il soit plus facile à entendre. Encore une fois, partons de la barre 9. Vous pouvez donc entendre des quantités de vélocité élevées. a l'air beaucoup plus percutant. Donc, pour cet exemple, je veux que toutes les notes soient autour de 80. Alors, cliquons et dessinons une ligne, et elle devrait être d'environ un montant similaire. OK, écoutons-le maintenant. Et si nous le souhaitons, nous pouvons tout faire glisser vers le bas. Ou on peut les traîner vers le haut. Et la vitesse moyenne passe de un à 127. Donc, s'il y a une partie basse, je trouve qu'elle sonne un peu trop percutante avec des vélocités élevées, donc je vais juste la faire glisser vers Et cette fois, essayons-le vers 60. Et puis, avec la deuxième région des basses, vous remarquerez que nous avons des vitesses élevées. Cependant, je suis d'accord avec une vélocité élevée pour la deuxième région, car je veux que la chanson s'accumule, alors laissons les choses telles quelles. Bien, parlons maintenant des utilisations créatives de la vélocité. Velocity est un outil qui peut être utilisé pour quatre raisons principales. Numéro un, expression dynamique. La vélocité est essentielle pour ajouter dynamique naturelle aux mini-performances. En ajustant l'intensité ou la douceur de chaque note, vous pouvez imiter les changements subtils des instruments live Par exemple, jouer certaines notes fort avec une vélocité élevée et d'autres plus douces crée une performance plus expressive et plus engageante sur le plan émotionnel C'est particulièrement important pour les instruments tels que les pianos, batteries ou les cordes, où la dynamique est essentielle à leur son naturel Donc, pour cet exemple, ajustons la vélocité de quelques-unes de ces notes. Mmm, hum. Et prenons également la première note de chaque mesure, avec une vélocité légèrement élevée. OK, écoutons ça. Maintenant, ce sera très subtil, mais cela devrait ressembler davantage à un instrument live. Passons maintenant à la deuxième raison principale pour laquelle la vélocité peut être utile, les accents et l'emphase. Donc, pour la barre de basse, je voulais mettre l'accent sur chaque mesure, c'est pourquoi j' augmente la vélocité de la première note de chaque mesure. Passons maintenant à la troisième raison, à savoir la création de performances réalistes. Dans les performances réelles, les musiciens ne jouent pas chaque note à l'intensité exacte. La vélocité uniforme en MIDI semble robotique et sans vie. En variant même légèrement la vélocité de chaque note, vous pouvez créer une performance plus humaine et plus naturelle. Par exemple, si vous programmez un drum fill ou un riff de piano, ajustez légèrement la vélocité de chaque note pour qu'elle sonne comme si une vraie personne l'avait jouée, ajoutant ainsi authenticité et richesse à la musique Passons maintenant à la quatrième raison, qui est le groove and feel. Dans les instruments plus rythmiques tels que les patterns de batterie ou les percussions, le réglage de la vélocité des coups individuels peut créer un groove plus dynamique En variant subtilement la vélocité de certains hits, vous pouvez modifier la sensation et réponse émotionnelle du groove Par exemple, dans le cas d'un chapeau haut, alterner des coups plus doux et plus forts peut donner envie à l' auditeur danser ou de se sentir plus motivé selon l'endroit où vous accentuez les tubes Donc, en ce moment, nous utilisons l'instrument du batteur pour notre batterie Avec cela, nous ne pouvons pas ajuster la vélocité, mais les patterns de batterie virtuels incluent en fait de nombreuses variations de vélocité différentes, ce qui donne l' impression d'un vrai batteur Bon, maintenant ajustons la vélocité de l' intro et de la première moitié du couplet de la partie symphonique C'est donc de la barre 1 à la barre 9. Passons donc à la première barre, ou souvenons-nous que nous ne passons qu'à la barre cinq, puis la boucle est mise en boucle. Alors, cliquons-le et faisons-le glisser sur toutes ces notes. Et utilisons simplement ce curseur de vélocité pour les faire tous baisser. Cela devrait donc sembler plus doux, et à partir de la neuvième mesure, cela devrait sembler un peu plus percutant. Alors jouons-le en solo et jouons-le à partir de la cinquième mesure pour que vous puissiez entendre la différence. Dissolons-le et écoutons-le dans le mix avec les autres instruments C'est assez subtil, mais j'espère que vous pouvez entendre la différence. Ainsi, lorsque la caisse claire entre dans la barre 9 et que la batterie commence à entrer en jeu, nous avons la vélocité élevée du symp lead, ce qui contribue à donner de l'énergie à la chanson OK, c'est donc la fin de cette vidéo où nous avons examiné la vélocité du MIDI. Merci d'avoir regardé, je verrai dans le prochain. 28. Introduction au mixage et aux effets: Bienvenue dans la section suivante où vous apprendrez bases du mixage dans Garage Band, en concentrant sur l'utilisation d' effets tels que l'égalisation, la compression, la réverbération et le delay pour améliorer vos morceaux Vous apprenez également à équilibrer et à suivre le Pan track, en veillant à ce que le mix soit clair, dynamique et engageant. Parlons maintenant de l'utilisation créative des effets Plug-in et de Garage Band. Grâce aux effets intégrés et à GarageBand, vous pouvez ajouter des textures uniques et une énergie créative à votre Les effets tels que la réverbération, le retard, la distorsion et la modulation peuvent transformer le ton, l'espace ou même le caractère d'un instrument ou d'une voix Par exemple, la réverbération peut produire un son vocal comme dans une grande salle, ajoutant ainsi de la profondeur et de l'atmosphère delay peut ajouter des parties d'écho à la mélodie, créant ainsi des effets rythmiques ou spacieux La distorsion peut ajouter du cran et l'intensité à une guitare ou à un synthé Lorsque vous utilisez les effets de manière créative, l'objectif est souvent d'expérimenter et de renforcer l' impact émotionnel de la chanson, pas nécessairement d'affiner le son pour le rendre plus clair ou plus équilibré Parlons maintenant de l'objectif du mixage et de la production musicale. mixage est le processus qui consiste à mélanger tous les éléments d' une chanson afin qu'elle soit cohérente, équilibrée et raffinée Lors du mixage, les effets plug-in sont davantage utilisés à des fins fonctionnelles. Par exemple, l'ECU ou l'égalisation ajustent les fréquences pour garantir que chaque instrument dispose de son espace compression permet de contrôler la dynamique, d' équilibrer les parties fortes et douces pour un son plus uniforme. réverbération et le delay sont utilisés subtilement pour ajouter de l'espace et de la profondeur sans surcharger le mix Nous allons également examiner ces effets en détail dans les prochaines vidéos. Bien qu'il y ait un certain chevauchement, les effets créatifs contribuent à façonner l'ambiance artistique, tandis que le mixage met l'accent sur la clarté, l' équilibre et la création d'un son professionnel, sorte que chaque partie fonctionne bien ensemble dans l'ensemble du morceau. Avant de vous connecter, lors du mixage, du panoramique et de l'équilibrage, les faders sont des outils fondamentaux qui aident à créer un mix clair et bien défini Il s'agit d'étapes essentielles à effectuer avant d'ajouter des effets. Le panoramique répartit le son dans le champ stéréo, créant ainsi de la largeur et de la séparation En plaçant les instruments à gauche, au centre ou à droite, vous les empêchez de se disputer l'espace et aidez les auditeurs à distinguer chaque son Par exemple, le fait de déplacer les guitares d'un côté tout en gardant le centre vocal rend chaque partie plus distincte balance et les faders ajustent le volume de chaque piste, jetant ainsi de bonnes bases pour le mixage baisser ou de relever les faders garantit que chaque son est audible sans en accabler les Cette étape apporte de la cohésion au mixage, lui donnant un son équilibré et raffiné. Ensemble, le panoramique et l'équilibre du fader créent une structure mixte solide Ils sont essentiels pour obtenir de la clarté et de la profondeur avant de créer des effets Nous devons améliorer ces éléments fondamentaux au lieu de les remplacer. Dans ce cours, jusqu'à présent, nous avons déjà abordé le réglage du volume et du panoramique. Ensuite, nous allons voir comment ajouter des effets, puis nous allons examiner certains effets clés tels que l'égalisation, la compression, la réverbération et le retard, nous aborderons dans les prochaines vidéos 29. Accéder à des plugins d'effets: Bien, voyons maintenant l'accès et les effets. Les effets et la bande de garage sont appliqués à chaque piste individuellement. Voyons maintenant comment ajouter des effets aux pistes. Tout d'abord, sélectionnez la piste à laquelle vous souhaitez ajouter l'effet ou modifiez l'effet. Pour cet exemple, choisissons la piste de base, et maintenant nous devons ouvrir les commandes intelligentes en appuyant sur ce bouton ici ou en utilisant le raccourci clavier B. Quelques paramètres généraux faciles à saisir dans l'onglet des commandes au milieu de la fenêtre. Pour tous les plugins présents sur la piste, rendez-vous dans le menu déroulant des plugins sur la gauche. Cela vous montre une liste de plugins par ordre de traitement de haut en bas. C'est ce que l'on appelle la chaîne d'effets. Si le plugin est grisé comme ça, cela signifie qu'il est contourné Et si vous cliquez sur la gauche, vous pouvez l'activer. Cliquez au milieu pour ouvrir le paramètre du plugin où vous pouvez apporter des modifications et cliquez sur le côté droit pour changer le plugin. Vous pouvez voir ici que nous avons toutes ces différentes catégories de plugins. Donc, juste à titre d'exemple, changeons cela par un autre plug in. Mais nous n'allons pas l'utiliser pour le moment, alors contournons cela. D'accord, c'est ainsi que vous pouvez accéder aux plugins. Ensuite, nous allons examiner quelques plugins essentiels, à commencer par l'égalisation ou l'égalisation, que nous verrons dans la vidéo suivante Alors merci de votre attention , je vous y verrai. 30. Utiliser l'égaliseur dans GarageBand Band: D'accord, parlons maintenant de l'égalisation ou de l'égalisation. Il s'agit d'un outil utilisé pour ajuster l'équilibre des fréquences d'un son. L'égaliseur vous permet d'augmenter ou de réduire des plages de fréquences spécifiques, en façonnant les caractéristiques tonales des pistes individuelles ou le mixage global Vous remarquerez que dans les commandes intelligentes de l'onglet Track, nous avons cet onglet EQ ici C'est donc l'effet du plugin EQ. EQ divise le spectre audible en bandes de fréquences, allant des basses fréquences aux aigus ou aux hautes Ainsi, les fréquences de gauche sont les fréquences les plus basses, et les fréquences de droite sont les fréquences les plus élevées. Chaque bande représente une plage de fréquences spécifique, par exemple la base, la moyenne et les aigus. Voici donc un égaliseur paramétrique. Si nous revenons à notre onglet Contrôle ici, vous pouvez voir que nous avons ajouté un égaliseur de chaîne Donc, si nous cliquons dessus , nous pouvons voir ce plugin plus en détail. Nous avons également cette zone d' affichage ici afin que nous puissions réellement agrandir ce plugin si vous le souhaitez. Pour cet exemple, remettons ce chiffre à 100 %, et parlons des commandes de cet égaliseur paramétrique Dans GarageBand, cela s'appelle un égaliseur de canal, mais il s'agit d'un égaliseur mais il s'agit d'un EQ divise le spectre audible en bandes de fréquences, allant des basses fréquences aux aigus ou aux hautes Les bandes inférieures se trouvent à gauche et les bandes supérieures à droite. Nous avons également cette forme ici, qui s'appelle une étagère, et cette forme ici, qui s' appelle un filtre. Nous l'avons pour les hautes et les basses fréquences. Dans GarageBand, EQ possède trois commandes principales, à savoir la fréquence , le gain et Q. Permettez-moi de les expliquer Parlons d'abord du gain. Cela ajuste le niveau de la bande de fréquences sélective vous permet d'augmenter ou de réduire le volume des fréquences dans cette plage Donc, si vous passez la souris sur cette boule, qui correspond à cette bande de fréquences, nous pouvons la faire glisser vers le haut pour augmenter le gain ou la faire glisser vers le bas pour diminuer le gain Permettez-moi de jouer la partie de base et la zone cyclable en solo et de rejouer pour que vous puissiez entendre la différence. Donc, en train de dessiner, je vais ajuster cette quantité de gain. Ainsi, avec des valeurs faibles, vous devriez pouvoir entendre cette fréquence captée et avec des valeurs plus élevées, vous devriez être en mesure d'entendre cette fréquence Parlons maintenant de la fréquence. Cela permet de sélectionner la fréquence centrale de la bande sélectionnée déterminer quelles fréquences sont affectées par le réglage de l'égaliseur Si nous le faisons glisser vers la droite, la bande affectera les hautes fréquences. Et si on le fait glisser vers la gauche, la bande affectera les basses fréquences. Je vais donc le rejouer et balayer ce contrôle de fréquence pour que vous puissiez entendre la différence Ainsi, lorsqu'il est vers la gauche, vous remarquerez qu'il amplifie les basses fréquences, et lorsqu'il est vers la droite, vous remarquerez qu'il augmente les fréquences plus élevées. Diminuez maintenant le gain afin de réduire les fréquences. Nous avons également l' analyseur de spectre ici. Vous auriez donc remarqué que lorsque j'ai ajusté les fréquences autour de cette zone, cela ne changeait pas vraiment beaucoup car la base ne joue pas des fréquences aussi élevées. Cependant, si nous ajustons le contrôle du gain et instruments avec des fréquences plus élevées, comme le piano, vous pourrez faire la différence. Bien, regardons maintenant le contrôle Q. Le contrôle Q ou bande passante contrôle la largeur de la bande de fréquence affectée par le réglage de l'égaliseur Une valeur Q élevée réduit la bande passante concentre l'effet ECU sur une plage de fréquences plus petite Nous pouvons le faire glisser vers l'intérieur pour obtenir une file d'attente plus étroite. Cela se concentrera sur une gamme de fréquences plus étroite, ou nous pouvons la faire glisser pour obtenir une file d'attente plus large, ce qui affectera une gamme de fréquences plus large Encore une fois, rejouons cela dans le cadre de notre contrôle judiciaire. Et nous pouvons activer et désactiver le plugin en appuyant sur ce bouton ici. Bien, examinons maintenant les techniques d'égalisation courantes, et démontrons-les sur la piste vocale Nous allons donc sélectionner la piste vocale sur la gauche ici. Et maintenant, sous plugins, sélectionnons le canal EQ. Si le canal EQ n'apparaît pas, nous pouvons cliquer sur EQ Et maintenant, si nous revenons à l'onglet Control, un plugin Channel EQ apparaîtra, ou nous pouvons en ajouter un en cliquant sur l'espace vide ci-dessous puis en allant sur EQ Channel EQ Mais pour cet exemple, ouvrons cet égaliseur ici. D'accord, la première technique d'égalisation courante est l'équilibrage de fréquence L'égaliseur est couramment utilisé pour équilibrer le spectre de fréquences de pistes individuelles ou le mixage global Par exemple, augmenter les fréquences de base d'une batterie peut ajouter du poids et de l'impact, tandis que réduire les basses fréquences d' une piste vocale peut réduire la confusion et améliorer la clarté Passons donc à cette piste vocale en solo et rejouons-la, et réduisons certaines des basses fréquences pour réduire la confusion Au fait, nous avons trois formes différentes dans cet égaliseur paramétrique Nous avons quatre bandes qui vous permettent de réduire des bandes de fréquences spécifiques. Ensuite, nous avons deux étagères, l'une pour les fréquences les plus élevées et l'autre pour les basses fréquences. Nous pouvons également tous les activer ou les désactiver, si vous le souhaitez. Allumons simplement l'étagère des basses fréquences ici. Vous pouvez donc voir que ce n'est pas un groupe. Je vais monter à une fréquence précise, et cela continuera pour les basses fréquences. Nous pouvons contrôler la pente ici, puis la fréquence continuera à diminuer ou à augmenter en fonction du gain. Ainsi, pour l' étagère basse, elle amplifiera ou réduira les basses fréquences, et pour l'étagère haute, elle augmentera ou diminuera les hautes fréquences. Ensuite, il y a les filtres. Ce filtre bas est donc également connu sous le nom de filtre passe-haut, car il laisse passer les hautes fréquences et coupe les basses fréquences. Et avec des paramètres Q élevés, cela créera une augmentation avant le point de coupure de fréquence Il en va de même pour le filtre High Cut. Ce filtre est également connu sous le nom de filtre passe-bas, car il laisse passer les basses fréquences et coupe les hautes fréquences. Un jeu où les Q sont élevés créera un boost juste avant les points limites du filtre. Sur cette piste vocale, filtrons certaines des basses fréquences pour réduire la confusion et améliorer la clarté. Viens, Mark et mec. Allez, allez. Allez, allez. Allumons également l' analyseur ici afin que nous puissions voir les fréquences qui peuvent nous aider à égaliser Viens marquer Mal. Allez, monsieur. Allez, allez, allez. Viens te moquer de Mal. Allez, mon moine. Viens te moquer de Marlin. Allez, M, allez, maman. Viens te moquer de Mal. Allez, allez. En fait, j'y ai ajouté le boost avant le point de coupure du filtre, et parlons maintenant de la prochaine technique d'iku courante Et c'est de la sculpture sonore créative. L'EKU peut être utilisé de manière créative pour façonner le caractère et la texture des sons Testez des paramètres de QI extrêmes tels que l'augmentation ou la réduction plages de fréquences spécifiques, pour créer des textures et des effets sonores uniques. Activons également cette bande de fréquences ici, essayons d'augmenter certaines des hautes fréquences moyennes, et écoutons à quoi cela ressemble. Viens te moquer. Allez, allez. Viens te moquer. Allez, allez, allez. Viens te moquer. Allez, maman, allez. Je recommande de commencer par un réglage extrême, afin que vous puissiez clairement voir la différence, puis de le réduire à quelque chose de plus réaliste. Écoutons-le maintenant dans le mix. Et allez, M. Viens. Mmm non. D'accord, la prochaine technique d'égalisation courante est la sculpture sonore créative L'égaliseur peut être utilisé de manière créative pour façonner le caractère et la texture des sons Testez des réglages d'égalisation extrêmes tels que l'amplification ou la réduction de plages de fréquences spécifiques pour créer des textures et des effets sonores uniques L'effet téléphone est souvent utilisé sur les voix, par exemple, et utilise l'égaliseur pour supprimer les hautes et basses fréquences tout en amplifiant les fréquences moyennes Conservons donc ce que nous avons créé ici. Contournons donc ce plugin EQ. Et maintenant, ajoutons un autre plugin EQ. Cliquons donc sur cet emplacement ici , puis passons à EQ Channel EQ Donc, juste pour cet exemple, créons un effet téléphonique. Passons aux voix en solo pour le moment, activons le filtre et faisons-le glisser jusqu'en bas. Et rendons la pente un peu plus raide, et créons également un boost juste avant le point de coupure du filtre OK, écoutons-le maintenant. Allez, allez. Allez, allez allez. Si nous voulons rendre cela un peu plus extrême, nous pouvons également créer des bottes pour ces bandes filtrantes ici. Allez, allez. Mais pour cet exemple, nous allons supprimer ce plugin. Cliquons donc sur le plugin et passons à aucun plugin. Et activons l'égaliseur que nous utilisons auparavant. Vous n'avez donc pas besoin de mettre un effet d'égalisation sur chaque piste Mais si vous pensez que l'une des fréquences peut être augmentée ou coupée, je vous recommande d' ajouter un plugin EQ et d' ajuster certaines fréquences pour essayer d'améliorer le son OK, donc c'est EQ. Ensuite, nous allons examiner la compression, que nous verrons dans la prochaine vidéo. 31. Les bases de la compression: Bon, alors voyons maintenant la compression. La compression est un outil de traitement audio dynamique utilisé pour contrôler la plage dynamique des signaux audio. Il réduit le volume des parties les plus fortes du signal tout en préservant les parties les plus faibles, ce qui permet d'obtenir un son plus cohérent et plus équilibré En général, les pistes audio nécessitent une compression plus importante raison de leur plage dynamique naturelle et de leurs variations de volume. instruments virtuels ou les mini-instruments sont généralement plus cohérents en termes de volume et de dynamique, et ils nécessitent généralement moins de compression que les instruments réels. Donc, pour cet exemple, ajoutons un compresseur sur piste de notre clavier pendant que j' enregistrais le son de mon piano électrique. Sélectionnons donc la piste des touches ici, puis la piste, ajoutons un compresseur. Vous pouvez le voir dans les plugins ici, nous avons déjà un compresseur, mais ajoutons-en un autre maintenant, afin que vous puissiez voir où se trouve le plugin de compresseur. Cliquons donc sur cette flèche sur la droite pour changer le plugin. Ensuite, nous pouvons trouver le compresseur sur la dynamique. Vous pouvez voir maintenant que c'est un bypass, mais si nous l'activons, vous pouvez le voir s'allumer ici. OK, cliquons maintenant sur le milieu du plug in pour l'ouvrir. Ce compresseur est assez basique par rapport aux autres compresseurs que vous pouvez trouver dans d'autres stations de travail audio numériques comme Cependant, il possède toujours les commandes essentielles, dont je vais parler maintenant. Parlons d'abord du seuil du compresseur. seuil détermine le niveau auquel la compression commence à agir. Seul le signal supérieur à -14 dB sera compressé. Mais si nous réduisons cela à -50 dB, tout signal supérieur à 50 dB sera compressé Cela compressera donc essentiellement tout le son sauf à -14 dB, cela ne compressera que les parties les plus fortes du Il suffit de jouer le titre principal en solo et de le rejouer. Donc, pour le moment, il s'agit simplement de compresser le signal supérieur à -14 dB. Mais abaissons-le jusqu'à -50 dB, et il comprime une plus grande partie du signal Et vous pouvez voir cette lumière s'allumer dans les commandes ici. Il s'agit donc de la réduction du gain. C'est la quantité qui est compressée. Et si nous l'augmentons, vous verrez qu'il ne s'allume pas autant parce qu'il n'est pas trop compressé. Mais pour l'instant, mettons cela à une valeur d'environ -30 dB, et examinons le réglage suivant qui est le ratio Le ratio définit le niveau de compression appliqué au signal. Par exemple, un rapport de quatre pour un signifie que chaque fois que le signal d'entrée dépasse le seuil de quatre dB, le niveau de sortie n'augmentera que d'un dB. Donc, en gros, le compresseur réduit le volume au-dessus du seuil d'un facteur quatre, ce qui rend le signal plus cohérent et contrôlé. Donc, pour plus de compression, vous pouvez l'augmenter. Rejouons-le et j'utiliserai des paramètres de seuil et de ratio extrêmes pour que vous puissiez clairement faire la différence. B Lorsque vous appliquez des effets, il est important de contourner le plug-in afin de faire différence avec l'effet et sans l'effet. Parfois, lorsque nous ajoutons des effets, nous pensons que cela sonne mieux avec l'effet, mais parfois, cela peut être meilleur sans effet. Je recommande donc d'utiliser le bouton de dérivation pour entendre le son avec et sans effet. Bon, parlons maintenant du gain. Ceci est également connu sous le nom de gain de maquillage. Cela compense la réduction globale du gain causée par la compression, ce qui vous permet d' augmenter le niveau du signal compressé pour qu'il corresponde au niveau d'origine Ainsi, lorsque vous ajoutez de la compression, vous réduisez le niveau, et nous pouvons l'augmenter avec le gain de maquillage. Veillez à ne pas l' augmenter trop fort, car cela risquerait de se couper ou de se déformer. Certains compresseurs ont une fonction de gain automatique, mais malheureusement, dans la bande de garage, nous devons la régler manuellement La raison pour laquelle vous souhaitez régler le gain est que lorsque vous contournez le connecteur, vous voulez qu'il soit au même niveau, car souvent, si quelque chose sonne plus fort, cela peut sonner mieux Donc, idéalement, nous voulons obtenir une correspondance de niveau en appliquant un plug-in et en le contournant. Alors faisons-le maintenant. Donc, pour cela, environ deux dB sont corrects. Vous pouvez donc toujours le rejouer, contourner et activer le plugin et ajuster cette commande en fonction du gain. Le rapport de seuil et le gain sont donc les commandes les plus importantes du compresseur, mais parlons également du réglage de l'attaque. L'attaque contrôle la rapidité avec laquelle la compression est appliquée lorsque le signal dépasse le seuil. Un temps d'attaque lent donne généralement plus d'impact, ce qui peut être utile pour les batteries. Alors qu'une attaque rapide atténuera le début d'un son. Cette commande est donc un peu plus subtile que les autres réglages, mais ils recommandent de la reproduire et ajuster pour que vous puissiez entendre la différence. De nombreux compresseurs disposent également d'une commande de relâchement, qui détermine la rapidité avec laquelle la compression s'arrête une fois qu'un signal tombe en dessous du seuil Ainsi, un temps de déclenchement plus court se traduit par un compresseur sonore plus réactif et plus agressif, compresseur sonore plus réactif et plus agressif, tandis qu'un temps de relâchement plus lent produit un effet de compression plus fluide et plus transparent Cependant, pour ce compresseur, nous n'avons pas de réglage de déverrouillage, mais si vous utilisez un compresseur dans autre porte, comme Logic Pro, il y aura un réglage de déclenchement. OK, c'est donc un effet compresseur. Ajustons maintenant cela pour le batteur. Donc si on clique sur la piste du batteur, on peut voir par défaut que cet effet compresseur existe déjà cet effet compresseur existe déjà Alors, jouons-le en solo, rejouons-le , dessinons et rejouons. Je vais régler ces commandes de compression ici. J'ai donc des réglages assez extrêmes comme celui-ci, cela semble très irréaliste Donc, pour cet exemple, je choisirais quelque chose d'un peu plus naturel. Je trouve donc que ces réglages sonnent très bien pour cette partie, et l'ajout de compression à la batterie égaliser le volume, d'améliorer le punch et de créer un son plus cohérent Cela réduit le volume de certains des tubes les plus forts et permet à batterie de sonner de manière plus cohérente dans le mixage Laissons maintenant la batterie et jouons-la avec le reste des morceaux, puis contournons et activons le plug-in de compression pour que vous puissiez entendre la différence Viens, viens, viens. Viens, viens, viens, viens. Allez, allez, allez. Venez, parlez et barrez Allez, venez, venez. Allez, allez, allez. Revenez et faites un bar. Allez, allez, allez. fait d'ajouter de la compression aux batteries les aide donc vraiment à mieux s'intégrer au mix et à améliorer le punch. OK, c'est donc de la compression. Ensuite, nous allons examiner l'effet de réverbération, que nous verrons dans la vidéo suivante Alors merci d'avoir regardé et je vous y verrai. 32. Utiliser la réverbération: Bon, parlons maintenant de la réverbération. réverbération est un effet crucial utilisé pour simuler la réverbération naturelle des espaces acoustiques. Ajoute de la profondeur, de la dimension et du réalisme aux enregistrements audio en imitant les reflets et dégradation des sons dans différents environnements. réverbération est créée par la réflexion des ondes sonores sur les surfaces et les espaces acoustiques tels que les murs, les sols et les plafonds Ces reflets se sont combinés au son original pour créer un schéma complexe d' échos et de réverbérations Dans la production audio numérique, la réverbération est générée à l'aide d'algorithmes qui simulent le comportement des espaces acoustiques Ces algorithmes modélisent des paramètres tels que la taille, la forme et le matériau de surface de la pièce afin de recréer les caractéristiques de réverbération souhaitées. Dans GarageBand, il existe quatre plugins de réverbération, chacun offrant des textures et des caractéristiques différentes Testez différents plugins de réverbération pour trouver celui qui convient le mieux à votre musique différents plugins de réverbération peuvent avoir des paramètres légèrement différents, mais voici quelques paramètres généraux auxquels vous devriez vous attendre et la plupart des plugins de réverbération Pour le prochain exemple, ajoutons de la réverbération à la piste vocale Sélectionnons donc l'en-tête de la piste vocale. Et maintenant, la piste, ajoutons un effet de réverbération. Nous avons ce contrôle de réverbération principal ici, mais pour cet exemple, ajoutons un effet de réverbération à cette piste Cliquons donc sur un emplacement de plugin vide et passons à la réverbération Vous pouvez donc voir ici que nous avons quatre réverbérations différentes : le verbe, le verbe platine, le verbe argenté et le space designer Enverb and Garage Band vous permet de contrôler la rapidité avec laquelle la réverbération démarre et sa durée de fonctionnement, ce idéal pour créer des effets de réverbération automatiques ou artificiels Platinum Verb fournit des paramètres détaillés pour les premières réflexions et la réverbération, ce qui le rend utile pour créer une pièce et des sons de salle créatifs et réalistes Le verbe argenté est une réverbération simple qui ajoute un écho naturel et une sensation d'espace aux pistes Space Designer utilise ensuite des échantillons enregistrés d' espaces réels pour créer des effets de réverbération réalistes, parfaits pour donner l' impression que les sons se trouvent dans des pièces ou des environnements réels Pour cet exemple , utilisons le verbe argenté. C'est une réverbération assez basique, mais elle sonne toujours bien. différents plugins de réverbération peuvent avoir des paramètres différents, mais je vais maintenant passer en revue ces paramètres essentiels pour Silver Verb Tout d'abord, nous avons la taille de la pièce. Cela détermine la taille perçue de l'espace virtuel dans lequel une réverbération se produit grandes dimensions des pièces entraînent des dégradation plus longs et une réverbération plus spacieuse Alors, chantons en solo maintenant et écoutons-le en retour. Viens, Ma Marlin. Allez, allez, allez. Viens, Moo Main. Allez, allez, allez. Essayons maintenant une pièce de plus petite taille. Viens, Moo Main. Allez, maman, allez, allez. Viens, Moo Main. Allez, M, allez, maman. Essayons ça quelque part entre les deux. Viens m'envoyer un mail. Viens, viens, viens. Allez, pas de plat principal. Allez, allez, allez. Parlons maintenant de densité et de temps. Le contrôle de la densité et du temps sur Silver Verb permet de régler la texture et la durée de la queue de réverbération La densité influence le degré de compacité ou de diffusion des échos impact sur la fluidité de la réverbération, et le temps définit la durée de la décroissance de la Cela permet de contrôler la durée pendant laquelle le son persiste après la fin de la source. Ce réglage permet donc de façonner l'ambiance générale et l' espace de l'effet de réverbération réglages de temps de décroissance élevés rendent le son de réverbération plus fluide et plus durable, tandis que les réglages faibles produisent une texture plus granuleuse avec une décroissance plus courte, sorte qu'elle s'estompe Rejouons-le et relisons le dessin. Je vais ajuster ce curseur du temps de décadence pour que vous puissiez entendre la différence Viens maman. Venez motoriser MoTumo Viens maman. Venez motoriser MoTumo Viens maman. Venez motoriser MoTumo Viens, maman. Venez motoriser MoTumo Allume le moteur. Venez motoriser MoTumo Viens maman. Venez motoriser MoTumo Parlons maintenant des contrôles sur sol sec et humide ici. Avec dry, nous pouvons régler la quantité du signal d'origine, et Wet nous permet de régler la quantité de l'effet de réverbération Ainsi, avec une quantité de matière sèche élevée et une faible quantité d'humidité, nous aurons plus de signal d'origine et moins de réverbération Et avec une faible quantité de matière sèche et une quantité d'humidité élevée, nous aurons moins de signal d'origine et plus de réverbération Et nous allons y rejouer et ajuster ces paramètres pour essayer trouver quelque chose qui convienne à cette partie. En plus de dessiner, je vais contourner et activer ce plug-in, et je vais le désactiver en solo pour que nous puissions l'entendre avec le reste de la chanson. OK, faisons-le maintenant. Allez, allez. Allez, allez, allez. Allez et revenez. Allez, allez, allez. Monk et Main. Allez, venez, pas eux. Venez vous moquer du centre commercial et. Allez, allez-y. Venez vous moquer du centre commercial et. Viens, ne les fais pas entrer. Venez au centre commercial Monk. Allez, allez, allez. Allez, allez. Allez, allez, allez. Allez, montez. Viens les voir. Allez, montez. Viens plus loin, viens. Descendez du bot. Allez, montez. Viens plus loin, viens. Descends d'eux. Allez, montez. Allez, ils. Viens plus loin, viens, monte. Allez, ils. Allez, montez. Viens plus loin, viens. Descends d'eux. Allez, montez. L'ajout de réverbération à cette piste vocale ajoute donc vraiment une sensation d'espace et de profondeur à la pièce J'ai également rendu le morceau plus fort en ajustant le curseur de volume pour maintenir clarté et l'équilibre Vous pouvez également le rendre plus fort en utilisant le curseur sec et humide, mais je trouve qu'il est plus rapide de régler le curseur de volume des pistes. Dans Garage Band, nous avons d'autres effets de réverbération gratuits que je recommande de consulter, mais c'est ainsi que vous pouvez utiliser Silver Verb OK, c'est donc la fin de cette vidéo. Nous avons examiné la réverbération. Vous n'avez donc pas seulement besoin de l'ajouter aux voix. Vous pouvez également l'ajouter à de nombreux types d' instruments. Par exemple, vous pouvez ajouter de la réverbération à un synthé ou à une caisse claire pour ajouter de l'espace et de la profondeur à OK, c'est donc la fin de cette vidéo. Ensuite, nous allons continuer à examiner d'autres effets. 33. Utilisation du délai: Bien, voyons maintenant l'effet de retard. Le delay est un effet audio qui produit des répétitions distinctes du son d'origine, créant des échos et des motifs rythmiques Il fonctionne en capturant le signal d'entrée, en le retardant d' un certain temps, puis en le réinjectant dans le mixage Dans GarageBand, il existe cinq plugins de delay, chacun offrant des textures et des caractéristiques différentes Je recommande d'expérimenter avec ces différents plugins afin de trouver celui qui convient le mieux à votre musique Paramètres de retard. Les différents plugins de temporisation peuvent avoir des paramètres différents. Donc, pour cet exemple, ajoutons un effet de retard à la partie symplead. Cliquons donc sur la piste simple, et maintenant sous piste, ajoutons un plugin de temporisation. Trouvons donc un emplacement vide ici. Et maintenant, revenons au retard. Vous pouvez donc voir ici que nous avons cinq plugins de retard différents. Pour cet exemple, je vais démontrer l'effet d'écho, mais je vous recommande de consulter les autres plugins de retard et les tester afin que vous puissiez voir la différence. différents plugins de delay peuvent donc avoir des paramètres légèrement différents, mais cet effet d'écho contient l'essentiel, que je vais aborder maintenant. Parlons d'abord du temps ou du délai. Cela détermine l'intervalle de temps entre chaque répétition du signal retardé. courts délais produisent des échos rythmiques rapides, tandis que les longs délais créent des effets d'ambiance spacieux Passons maintenant à cette partie de la grippe en solo et je vais la rejouer et le dessin, je vais ajuster le temps de retard pour que vous puissiez faire la différence. Commençons par une huitième note. Viens plus, viens le ballon Cb the Come porte le come, allez. Allez, allez, allez. Allez, allez, allez. Viens, viens. Et le dessin, la lecture, le unsolo , pour que nous puissions l'entendre avec le reste des morceaux Ainsi, lorsque vous ajoutez des effets, vous devez entendre votre rôle dans le mixage, et pas seulement en solo. Mais pour cet exemple, je pense que le délai d'un 16 me semble correct. Parlons maintenant des répétitions. Ceci est également connu sous le nom de feedback. Ce réglage contrôle un certain nombre de répétitions ou d'échos générés par l'effet de retard L'augmentation de cette valeur crée davantage de répétitions, ce qui se traduit par un effet de retard plus dense et plus prononcé Encore une fois, rejouons-le et ajustons ce contrôle. Tendre les temples de Cubo de Certo ou venez plus, venez D'accord, je pense qu'environ 50 %, c'est bien. Ensuite, nous avons le contrôle des couleurs. Cela modifie la qualité tonale des répétitions d'écho, qui vous permet de rendre le son d'écho plus Ainsi, des valeurs élevées rendront le son d'écho plus lumineux et des valeurs faibles l' assombriront. D'ailleurs, lorsque vous utilisez des réglages plus extrêmes pour le contrôle des couleurs, le volume diminue considérablement. Je ne mettrai donc pas le niveau trop haut ou trop bas, sinon cela réduira le volume de manière significative. OK, rejouons-le en différé et pendant la lecture. Je vais également diminuer la quantité sèche, car il est assez difficile de faire la différence lorsque la quantité sèche est mélangée à une quantité humide Et je vais utiliser des réglages plus extrêmes maintenant, et vous remarquerez que le volume diminue beaucoup. Je ne recommande donc pas vraiment de le faire tomber en dessous -70 ou au-dessus d'environ 70, sinon cela peut être assez difficile à atteindre Ajoutons maintenant la quantité sèche. OK, alors nous avons les quantités sèches et humides. Ainsi, avec ces commandes, nous pouvons ajuster l'équilibre entre le signal sec d'origine et le signal humide retardé. Une quantité d'humidité plus élevée accentue l'effet de retard, tandis qu'une faible quantité d'humidité maintient une plus grande partie du signal d'origine. Rejouons-le et je vais ajuster en tant que contrôle sur sol mouillé pour que nous puissions entendre la différence. Venez tous du bas vers le haut. Venez de bas en haut , puis allez, allez, allez, allez. Allez, allez, allez. Donc je pense qu' ici ça sonne bien. Je ne veux pas avoir trop de signal de retard, mais suffisamment pour que nous puissions toujours l'entendre. Certains plugins de temporisation proposent des options de filtrage pour définir la tonalité du signal différé. Les filtres passe-haut et passe-bas peuvent être utilisés pour éliminer les fréquences indésirables ou ajouter la chaleur et de la texture à l'effet de retard. Parlons maintenant de certaines techniques de temporisation courantes. Tout comme la réverbération, le delay peut être utilisé pour améliorer la sensation d'espace des enregistrements audio, donnant une impression de profondeur et de dimension au mixage En déplaçant les signaux différés vers différentes positions du champ stéréo, vous pouvez ajouter de la largeur de mouvement à votre mix, rendant ainsi plus immersif et plus expansif delay peut être utilisé pour créer des motifs rythmiques ainsi que des rythmes et de la musique intéressants En synchronisant le tempo différé avec le tempo de votre morceau, vous pouvez créer des échos rythmiques qui complètent le groove et ajoutent de l'intérêt à la delay peut être utilisé pour créer des textures ambiantes et des paysages sonores luxuriants dans En superposant plusieurs signaux de retard avec des temps de retard et des paramètres de rétroaction différents, vous pouvez créer des textures évolutives complexes qui ajoutent de la profondeur et de l'atmosphère à vos compositions délai peut également être utilisé de manière créative pour ajouter du caractère et de l'intérêt aux enregistrements audio Testez des paramètres de retard non conventionnels tels que des temps de retard extrêmes, des paramètres de feedback et des effets de modulation pour créer des sons uniques et inattendus qui ajoutent intrigue et enthousiasme à votre musique OK, c'est donc l'effet de retard. Je recommande également de vérifier les autres effets de retard. Mais pour l'instant, passons à autre chose, et ensuite nous allons examiner la modulation , que nous allons examiner dans la prochaine vidéo. Alors merci de votre attention , je vous y verrai. 34. Les bases de l'effet chorus: Bien, parlons maintenant des effets de modulation. La modulation englobe des effets tels que Corus, le trémolo et le phaser, chacun offrant des transformations sonores distinctes en modifiant les signaux audio Voici une exploration détaillée de ces effets et de leurs applications créatives. Parlons d'abord du refrain. Dans le prochain exemple, je vais ajouter les effets de modulation sur la partie touches. Sélectionnons donc la piste ici, puis dans la fenêtre de contrôle intelligente située sous la piste, ajoutons un effet de chorus Cliquons donc sur un emplacement d' effet vide en bas. Passons maintenant à la modulation, et choisissons Corus. chorus duplique donc le signal d'entrée, modifiant légèrement la tonalité et le timing du doublon, puis le mélange avec l'original Ce processus crée un son épais et plus riche, semblable à celui de plusieurs interprètes jouant ou chantant ensemble. Chorus est idéal pour ajouter de la profondeur et la chaleur aux voix, aux guitares Trop de refrain, cependant, et les choses peuvent commencer à sonner mal Jetons un coup d'œil à ces commandes pour l'effet chorus Tout d'abord, nous avons le contrôle mixte, qui nous permet d' ajuster l'équilibre entre le son original et le son modulé par le processus Donc, à 100 %, nous pouvons simplement entendre l'effet de chorus. Passons simplement à la partie des touches en solo et rejouons-la. Ainsi, si ce paramètre est réglé sur 100 %, seul le son entièrement traité et modulé est entendu, sans signal sec. Cependant, si nous réduisons ce chiffre à 0 %, nous ne pouvons entendre que le signal sec et aucun effet de chorus Mélangeons un peu l' effet de chorus avec le signal sec. Parlons maintenant du contrôle de l'intensité. Cette commande nous permet d' ajuster la profondeur ou la force du désaccordage Des réglages plus élevés augmentent la profondeur de la modulation de hauteur, ce qui rend le son plus déréglé et crée un effet de tourbillonnement plus riche et plus spectaculaire Et des réglages plus bas produisent une modulation sonore plus naturelle ou un désaccordage plus subtil. Ensuite, nous avons le contrôle du débit, modifie la vitesse à laquelle les variations de tonalité se produisent. réglage plus élevé accélère la modulation de hauteur, ce qui crée un mouvement plus rapide, semblable à un vibrato, tandis que des réglages de fréquence plus faibles produisent des changements de hauteur plus lents et plus graduels OK, c'est donc l'effet chorus. Regardons maintenant l'effet trémolo. 35. Utiliser Tremolo: Jetons un coup d'œil à un autre effet de modulation courant. Cliquons donc sur la droite du plug-in Chorus, et changeons-le en trémolo Le trémolo module donc le volume du signal audio à un rythme régulier, ce qui entraîne des fluctuations rythmiques Il produit un effet de pulsation qui ajoute du mouvement et de la dynamique au Le trémolo peut injecter de l'énergie et du rythme dans des instruments tels que les guitares, les claviers Il est souvent utilisé pour créer une ambiance vintage ou pour ajouter une texture palpitante aux simps et aux pads, améliorant ainsi le groove et l' atmosphère OK, rejouons-le pour que vous puissiez entendre les touches émettre un effet de trémolo avant d' expliquer les réglages Vous devriez donc entendre le son passer du canal gauche au canal droit. Tout d'abord, nous avons le contrôle de la profondeur. Avec cela, nous pouvons choisir l' intensité des changements de volume souhaités. Avec des réglages plus bas, nous pouvons rendre l'effet plus subtil ou plus prononcé lorsque les réglages sont élevés. Ensuite, il y a le contrôle des taux. Le taux nous permet de régler la vitesse de l'effet de pulsation, vous permettant de choisir la rapidité ou la lenteur des fluctuations de volume Nous pouvons donc battre au rythme d'un quart de note. Mais si nous augmentons ce chiffre à une note 16, nous pouvons l'entendre passer du canal gauche au canal droit beaucoup plus rapidement. Et si nous le réduisons à 1 barre, vous remarquerez que le taux sera beaucoup plus lent. Et si on le déplace vers la droite, on peut avoir un rat et Hertz. plutôt les divisions du rythme musical qui sont synchronisées avec le tempo. Parlons maintenant du contrôle de phase stéréo. Avec cela, nous pouvons modifier la façon dont le volume se déplace entre les haut-parleurs gauche et droit. Si ce paramètre est à zéro, l'effet restera centré sans tourbillonner ni rebondir entre la gauche et la Et avec des réglages plus élevés, il y aura plus de tourbillons ou de rebonds entre les haut-parleurs gauche et droit Nous pouvons également utiliser des nombres négatifs, donc c'est complètement déphasé, donc il passe d'abord à l' autre canal. OK, rejouons-le pour que vous puissiez entendre la différence. D'accord, c'est donc l'effet trémolo. Examinons maintenant un autre effet de modulation courant, et examinons le phaseur. 36. Using Phaser: phaseur module la relation phaseur du signal pour créer un effet de balayage tourbillonnant Phaser est polyvalent et offre une grande profondeur de mouvement pour les guitares, les simps Il est privilégié pour les effets psychédéliques ou insuffler aux morceaux une sensation de mouvement et d'espace Le phaser peut aller d'une coloration subtile à des effets de gonflement spectaculaires, en fonction des réglages des paramètres et des contextes musicaux. OK, rejouons-le maintenant afin pouvoir activer l' effet phaseur sur les touches, puis je vais passer en revue les différents réglages D'accord, parlons d'abord du contrôle des commentaires. Cela nous permet de contrôler la quantité de son du processus qui est réinjectée dans l'effet. élevé, plus les réglages sont élevés, plus le son est intense et résonnant, tandis que les réglages bas donnent un son plus subtil. OK, rejouons-le. Ensuite, il y a le plafond. Cela nous permet de définir la fréquence maximale atteinte par l' effet de balayage. Ainsi, nous pouvons contrôler ou la luminosité du son de swooshing Encore une fois, rejouons-le et ajustons ce contrôle. réglages bas rendent l' effet phaser plus doux, les réglages élevés le rendent plus lumineux et plus net OK, alors nous avons ce système de commande par balayage. Et cela nous permet de définir à quel point le son du phaser baisse. Des réglages inférieurs nous permettent d'obtenir son et un effet de phasage plus faibles ou plus graves, ou des réglages élevés font en sorte que le son soit moins bas et moins lourd. OK, encore une fois, rejouons-le et ajustons-le. Notez donc que le plafond de balayage doit être au-dessus de la commande du plancher de balayage Cela nous permet de créer une plage que le phaseur pourra parcourir. Sinon, il n'y aura aucun mouvement. D'accord, regardons maintenant les étapes. Cela nous permet de définir l'épaisseur ou la finesse du son émis par le phaser. Un plus grand nombre de niveaux donne un son plus complet et moins de niveaux le rend plus simple D'ailleurs, nous pouvons également utiliser ces flèches ici pour ajuster le réglage ou nous pouvons utiliser un curseur Encore une fois, il s'agit de nous rejouer pour que vous puissiez entendre la différence. Ensuite, nous avons le taux Elep un, nous permet de définir la vitesse à laquelle le premier oscillateur basse fréquence Donc, en gros, cela nous permet de contrôler la vitesse à laquelle le son de balayage monte et descend en tonalité. Encore une fois, rejouons-le et ajustons cette commande pour que vous puissiez entendre la différence. Et puis nous avons le LFO de niveau 2. Cela nous permet de contrôler la vitesse du deuxième LFO. fait d'avoir deux LFO vous permet créer des mouvements complexes plus stratifiés les réglant à différentes vitesses, vous pouvez créer des sons plus intéressants, ce qui rend l'effet plus vivant et plus dynamique. Rejouons-le et ajustons LFO 2 pour que vous puissiez entendre la différence Ensuite, nous avons le contrôle de mixage Elepho, qui nous permet de mixer Efo 1 et ELFO 2 baissant le mixage Efo , vous pouvez entendre davantage le LFO 1, et en l' augmentant, vous pouvez entendre davantage l'Elefo Encore une fois, rejouons-le et ajustons cette commande pour que vous puissiez entendre la différence. OK, c'est donc le phaseur. Merci donc d' avoir regardé cette vidéo, je verrai dans la prochaine. 37. Techniques de modulation créative: Parlons maintenant de quelques techniques de modulation créatives. Essayez d'automatiser les paramètres des effets de modulation au fil du temps pour créer des textures et des transitions évolutives Nous aborderons l'automatisation plus loin dans ce cours. Pour le refrain, par exemple, les ajustements dynamiques du taux de profondeur et du feedback peuvent créer des voyages sonores fascinants au sein Combinez plusieurs effets de modulation pour créer des paysages sonores complexes. Par exemple, le mélange de chorus et de trémolo peut produire des textures pulsantes chatoyantes, ou le phaser associé au trémolo peut créer des atmosphères rythmiques tourbillonnantes ou le phaser associé . Nous n'avons donc pas examiné tous les différents effets de modulation, mais je vous recommande de les tester pour que vous puissiez entendre la différence. Mais pour cette partie clé, ajoutons un refrain. Je vais donc jouer cette batte maintenant et ajuster les réglages du refrain. Allez, allez, allez, allez, allez. Allez, allez, allez, allez, allez. Allez, allez, allez. D'accord, ajoutons également le trémolo. Donc, pour ce qui est de la modulation, ajoutons du trémolo. Encore une fois, rejouons-le dans J'ajuste ces paramètres. Allez, allez, allez. Allez, allez. Viens , viens, viens. Viens plus loin, allez, allez, allez. Viens plus loin, allez, allez. Allez, allez, allez, allez, allez. Viens plus loin, allez, allez. Enfin, voici la partie d' introduction, nous n'avons donc que les touches et la partie synthé OK, donc je pense que l'ajout de quelques effets de modulation ici rend cette partie clé un peu plus intéressante. Si nous voulons un son de piano plus naturel , avons peut-être pas nécessairement besoin de ces effets de modulation, mais pour cette partie, je pense que cela l'améliore OK, c'est donc de la modulation. Ensuite, nous allons examiner la distorsion, que nous allons examiner dans la vidéo suivante. Alors merci d'avoir regardé et je vous y verrai. 38. Distortion Overview: Bon, parlons maintenant de distorsion. La distorsion est un vol audio qui modifie intentionnellement la forme d'onde du signal audio en introduisant des harmoniques et de la saturation pour créer un son granuleux, audacieux modifie intentionnellement la forme d'onde du signal audio en introduisant des harmoniques et de la saturation pour créer un son granuleux, audacieux ou agressif. Il est généralement associé aux amplificateurs de guitare poussés à leurs limites, mais il est également largement utilisé dans production de musique électronique pour ajouter caractère et de la texture à diverses sources sonores Il existe de nombreux types de distorsion, notamment l'overdrive, fuzz et la saturation, chacun produisant des caractéristiques sonores uniques overdrive produit une distorsion douce et chaude en découpant doucement le signal, tandis que le fuzz crée une distorsion bourdonnante plus agressive coupant fortement La saturation ajoute une chaleur et une coloration subtiles au signal. Dans Garage Band, il existe six types différents de plug-ins de distorsion, chacun ayant ses propres caractéristiques et paramètres sonores. Pour l'exemple suivant, ajoutons un effet de distorsion à la partie du conduit de fumée synchrone Vous remarquerez donc qu'il y a ici un effet d'écho. Dans la plupart des cas, il est préférable de placer distorsion avant l'écho ou le retard dans la chaîne du signal. Dans la plupart des cas, il est préférable de placer distorsion avant le retard dans une chaîne de signaux. C'est pour que l'écho reste propre. Si vous appliquez distorsion après délai, les échos seront déformés, ce qui peut rendre le son répété trouble et désordonné Faisons donc glisser l'effet d'écho vers le bas, et mettons l'effet de distorsion avant. Cliquons donc à droite de ce connecteur vide, et passons à la distorsion. Comme je l'ai dit, il existe six plugins de distorsion différents et un garage band. Mais pour cet exemple, utilisons simplement l'effet appelé distorsion. Bien que les paramètres puissent changer en fonction des différents effets de distorsion, la plupart des distorsions sont soumises à un contrôle d'entraînement, de tonalité ou de sortie Parlons d'abord de la commande d'entraînement. Cela peut également être appelé entrée ou gain. Cela permet de contrôler la quantité de signal envoyée dans l'effet de distorsion. L'augmentation de cette valeur ajoute de l' intensité à la distorsion, rendant plus lourde ou plus agressive. Rejouons-le et ajustons cette commande pour qu'elle fasse la différence. Ensuite, nous avons le contrôle de la tonalité. Cela permet de régler la luminosité ou l'obscurité du son déformé réglages de tonalité élevés accentuent les fréquences les plus élevées pour un effet plus net, tandis que les réglages faibles réduisent les hautes fréquences, donnant une tonalité plus chaude et plus modérée Encore une fois, rejouons-le et ajustons ce paramètre pour que nous puissions entendre la différence. Ensuite, nous avons le contrôle de sortie ici, qui nous permet de régler le volume global une fois le son déformé. Nous pouvons donc régler le volume sans changer le ton Et en cours de lecture de dessin, je vais contourner et débloquer le plug-in, et je vais aussi le désactiver pour qu'il puisse l'intégrer au mixage OK, faisons-le maintenant. Madame, venez, venez, venez, allez, allez. Allez, allez, allez. C'est maintenant le cas depuis le début. Les réglages ici sont donc assez subtils, mais cela a ajouté du cran et du caractère à la pièce Bien, parlons maintenant de quelques utilisations créatives de la distorsion. La distorsion peut être utilisée pour ajouter caractère et de la personnalité aux enregistrements audio, qu'ils ressortent du lot dans le mix. Il est particulièrement efficace sur des instruments tels que les guitares, les basses et les simps, où vous pouvez ajouter du cran et du mordant au La distorsion peut être utilisée pour améliorer la dynamique et la netteté des signaux audio. En transformant certains éléments d'un mixage en distorsion, vous pouvez les faire passer plus efficacement dans le mixage, ajoutant ainsi de l'énergie et de l'intensité au son global. La distorsion peut être utilisée pour créer des effets de texture intéressants dans la production musicale En appliquant une distorsion à sources sonores non conventionnelles ou en utilisant des réglages extrêmes, vous pouvez créer des textures uniques et expérimentales qui ajoutent de la profondeur et de la dimension à vos compositions distorsion peut être utilisée pour façonner le timbre et le ton des signaux audio, ce qui vous permet de sculpter le son en fonction de l' ambiance et du style de votre musique En ajustant les paramètres, vous pouvez adapter l'effet de distorsion pour obtenir les caractéristiques sonores souhaitées. Je vous recommande donc de consulter certains des autres effets de distorsion ici et de voir comment fonctionne le son sur certaines de vos pistes. En ce qui concerne le traitement des effets, il est important de comprendre que la façon dont le son est créé n'est pas aussi importante que le son. Expérimentez et soyez créatifs. 39. FX Presets: Ne parlons pas des préréglages d' effets. Vous pouvez donc modifier manuellement les paramètres des effets ou utiliser un préréglage. Il s'agit d'un réglage enregistré pour un effet qui produit instantanément un son spécifique. Jetons donc maintenant un coup d'œil à quelques-uns des préréglages d'effets. Ouvrons donc à nouveau le connecteur de distorsion pour la partie Synple Si nous cliquons sur cette liste déroulante ici, vous pouvez voir que nous avons ces différents préréglages Nous allons sélectionner ici la première, appelée distorsion par craquement. Vous pouvez donc y voir que les paramètres ont changé. Revenons-y. Et essayons quelques-unes des autres. Bouclons simplement la zone du cycle, rejouons-la et ajustons ces paramètres. Allez, venez, allez, venez, allez, allez, venez, allez, venez, allez, allez, allez, allez, allez , allez. Dans. Nous pouvons également enregistrer nos propres préréglages. Ainsi, si vous travaillez sur un autre morceau ou pour un autre morceau, vous pouvez vous souvenir de vos propres préréglages Pour ce faire, cliquez sur cette liste déroulante ici, puis sur Enregistrer sous. Je vais appeler cela une distorsion chaude. Et vous pouvez voir dans notre liste déroulante ici nous avons le préréglage que nous venons de nommer Cependant, nous pouvons toujours accéder aux préréglages d'avant. Ils se résument à des sets ou à des préréglages. Il existe donc de nombreux préréglages différents que vous pouvez explorer. Notez que les préréglages constituent souvent un bon point de départ. Nous devons adapter le réglage des effets à votre musique. OK, c'est donc cette vidéo de Cindy. Nous avons examiné les préréglages d'effets. Merci d'avoir regardé, je verrai dans le prochain. 40. Utiliser l'automatisation: Bien, parlons maintenant de l'automatisation. Alors, qu'est-ce que l'automatisation ? L'automatisation, quelle que soit la porte, vous permet de créer des changements dynamiques dans le mix au fil du temps, pour rendre votre morceau expressif et captivant. Grâce à l'automatisation, vous pouvez régler des aspects tels que le volume, panoramique ou des effets tels que la réverbération ou le retard pour évoluer progressivement ou changer à des points spécifiques de la piste Par exemple, vous pouvez augmenter le volume d'une section pour la faire ressortir ou ajuster le panoramique pour déplacer un instrument de gauche à droite pour une expérience plus immersive L'automatisation est un outil puissant qui donne à votre mix une apparence plus dynamique et plus soignée en ajoutant mouvement et de la variation aux différents éléments. Voyons maintenant comment configurer l' automatisation dans Garage Band. Pour activer le mode automatisation, cliquez sur Mixer dans la barre de menu, puis sur Afficher l'automatisation. Vous pouvez également utiliser le raccourci clavier A. Cela révélera les lignes d'automatisation de chaque piste, ce qui vous permettra de contrôler différents paramètres au fil du temps. Créons maintenant un point d'automatisation. Sélectionnez d'abord le paramètre que vous souhaitez ajuster sur la piste que vous souhaitez automatiser. Donc, pour cet exemple, automatisons le volume de la partie principale SyPH Cliquez sur la ligne d'automatisation pour ajouter un point. Ajoutez plusieurs points qui indiquent les moments où le volume change. Par exemple, prenons un point d'automatisation sur la barre deux et la barre un. Ensuite, faites glisser les points vers le haut ou vers le bas pour augmenter ou diminuer la valeur actuelle sur la piste. Donc, pour cet exemple, faisons en sorte que le volume augmente progressivement au début. Désactivons simplement la zone du cycle en appuyant sur C. Écoutons-le à nouveau. Nous pouvons rendre cela encore plus extrême en faisant glisser le pointeur vers le bas. Alors maintenant, le volume sera complètement éteint, puis nous augmenterons progressivement. Mais trouvons quelque part entre les deux, par ici. OK, écoutons maintenant ceci avec d'autres morceaux. Invendons donc ce rôle et rejouons-le. Remarque : une fois que vous avez tracé des points d'automatisation, vous perdez le contrôle de ce paramètre Par exemple, lorsque nous créons une automatisation de volume, le curseur de volume ne contrôle plus le niveau car il lit toujours la courbe d'automatisation Ainsi, par exemple, si j'augmente ce volume ici et que je le joue depuis le début, vous pouvez voir le fader redescendre. Il en va de même pour le panoramique. Si nous automatisons le panoramique, les pots de panoramique situés sur la piste ne contrôleront plus le Donc, pour cet exemple, modifions également le panoramique, afin de pouvoir ajouter une autre ligne d'automatisation Cliquons donc sur cette liste déroulante ici. Maintenant, faisons défiler la page vers le haut, puis passons à Pan. Au-dessus du centre, il y aura la gauche, et en dessous, le centre sera à droite. Donc, juste pour cet exemple, faisons en sorte que le pan passe de droite à gauche. Ce sera plus évident si vous portez des écouteurs, mais rejouons-le. Et lorsque nous déplaçons la position de la tête de lecture, nous pouvons voir ce pan DL bouger OK, ajoutons maintenant un peu plus d' automatisation. J'ai oublié cette chanson. Donc, pour les batteries du chevalet, je veux que le volume augmente progressivement. Zoomons donc ici et vérifions-nous que l'automatisation du volume est sélectionnée. Et je veux que ça finisse au même niveau qu'aujourd'hui. Alors, cliquons pour ajouter un point ici. Et cliquons sur Ajouter un point avant car je ne veux pas que cela change le niveau des tambours auparavant. Et maintenant, cliquons dessus et faisons-le glisser vers le bas. Et maintenant, les tambours vont progressivement augmenter. Rejouons-le depuis la barre 31 pour que vous puissiez entendre la différence. B Rendons cela un peu plus extrême pour que ce soit plus facile à entendre. Augmentons simplement cela un peu plus, pour que ce soit un peu plus subtil. Souvent, des changements subtils plus appropriés que des changements plus extrêmes. Il n'y a donc pas que le volume et le panoramique que nous pouvons automatiser Nous pouvons également automatiser les effets. Automatisons donc réellement l' effet de distorsion sur la partie SypFled. Vous vous souvenez peut-être que nous avions ajouté un effet de distorsion précédemment, et maintenant, dans la liste déroulante d'automatisation , sélectionnons la distorsion Et vous pouvez voir que c'est ici sous plugins. Pour cela, je souhaite automatiser le lecteur. Donc, sur le pont, je veux augmenter le drive. Ajoutons donc un point d'automatisation ici et un autre ici également, et faisons glisser le pointeur vers le haut. Et maintenant, vous devriez entendre le lecteur passer de la barre 35 à la barre 37. Cependant, à partir de la barre 37, je souhaite diminuer le lecteur. Je veux juste le préparer pour cette section. Encore une fois, ajoutons un autre point ici et faisons-le glisser vers le bas. Et maintenant, revenons sur cette question. Ensuite, pour la seconde moitié de C chorus three, je voudrais également augmenter le drive Augmentons donc cela ici. Cela s'accumule donc progressivement. Et puis, pour ce qui est de l' outtro, je veux que le niveau de distorsion diminue progressivement OK, revenons en solo puis nous l' écouterons de nouveau dans le mix. Je vais juste diminuer encore plus le drive pour l'outtro Et allons-y encore plus bas. OK, à propos de ça. Cela ajoute donc un peu plus mouvement et de variation à la pièce. Écoutons-le maintenant avec le reste des morceaux. Plus, allez, allez. Viens plus loin, allez. Bienvenue, bienvenue. OK, super. Au fur et à mesure que nous ajoutons de l' énergie, nous rendons la pièce un peu plus bruyante Revenons donc à l'automatisation du volume, et je vais juste le laisser légèrement du bridge à la fin de la chanson. Comme je l'ai dit, il ne s'agit pas uniquement de volume et de panoramique. Il existe de nombreuses choses que vous pouvez automatiser. Recommandez-vous donc de le tester et de trouver différentes choses à automatiser pour ajouter un peu plus variation et de mouvement à vos chansons. Vous pouvez également activer et désactiver l'automatisation pour chaque piste en appuyant sur ce bouton ici. Et nous pouvons fermer l' automatisation en appuyant sur ce bouton ici ou en utilisant le raccourci clavier A. L'automatisation se produira toujours. Nous cachons simplement l'automatisation pour avoir un peu plus d' espace dans notre projet. Je vais donc y rejouer depuis le début, et même si nous cachons l'automatisation ici, vous remarquerez que le volume de la partie principale du SIP augmente. Ainsi, une fois que vous avez fini d'automatiser vos paramètres, vous pouvez toujours masquer l'automatisation ici OK, ajoutons donc un autre exemple. Remontrons donc l' automatisation en cliquant en bas ou en appuyant sur A. Et maintenant automatisons la réverbération de la partie symp Pour terminer, je veux avoir un son de réverbération vraiment puissant, et vous pouvez voir dans notre SEP que nous avons ce cadran de réverbération. Automatisons donc cela. Donc, dans la liste déroulante, revenons à l'endroit où il est écrit réverbération Vous pouvez donc voir dans la section automatisation ici que nous avons la réverbération Mais pour cela, je veux automatiser la réverbération, qui se trouve dans les commandes intelligentes Donc, dans la liste déroulante Smart Controls , je vais sélectionner la réverbération Et ajoutons un point d'automatisation à la fin et, de barre 47 à la barre 49, augmentons la réverbération Vous pouvez voir que lorsque je déplace la règle de la tête de jeu ici et que je l'augmente, la réverbération se déplace désormais Commençons par un réglage extrême afin que nous puissions clairement entendre la différence, puis je vais le réduire à quelque chose de plus approprié. OK, super, donc la fin de la chanson émet un gros son réverbéré. Une chose que j'ai remarquée à la fin de la chanson, c'est que nous avons eu un petit clic, je crois que cela vient des touches. Alors jouons-le en solo et rejouons-le. Je vais donc ajouter une automatisation du volume pour masquer le clic et le son. Alors cliquons dessus et faisons-le glisser vers le bas. Et maintenant, rejouons-le. Et maintenant, ajoutons-y dans le mixage, et nous ne devrions pas pouvoir entendre le clic et le son maintenant. Bien, parlons maintenant de quelques bons exemples de domaines dans lesquels vous pourriez utiliser l' automatisation dans votre parcours. Le premier est l'automatisation du volume pour les fondu entrants et sortants. Cela augmente progressivement le volume au début d'une piste pour un fondu progressif, ou le diminue à la fin pour un fondu. C'est un moyen simple mais puissant d'entrer et de sortir d'une chanson. Augmenter l'intensité du refrain. Augmentez légèrement le volume sur certaines pistes, comme la batterie, basse ou les simps, à l'approche d'un refrain ou d'une section de pic Cela peut créer un sentiment d'accumulation et d'impact. Automatiser les effets pour les moments dramatiques. Utilisez l' automatisation de la réverbération ou du delay pour ajouter écho supplémentaire à un mot ou à une phrase spécifique dans une voix ou pour augmenter la réverbération sur un solo de guitare afin de le rendre plus spacieux pendant certaines parties Automatisation du panoramique pour un mouvement stéréo. Déplacez progressivement les instruments tels que les simps, les effets sonores ou les chœurs de gauche à droite pour créer un mouvement dans le champ stéréo ajouter de la profondeur et de la largeur au mixage Automatiser les effets des filtres. Ouvrez ou fermez lentement un filtre sur une piste symp pour donner impression qu'il s' ouvre progressivement ou devient plus lumineux Cela peut ajouter de l'énergie et de l'anticipation, en particulier lorsqu'il s'agit d'un drop ou d'un refrain Utilisez d'autres pistes pour le chant. Réduisez le volume des instruments d' accompagnement lorsque des voix sont présentes pour garantir clarté et concentration Vous pouvez automatiser le volume pour réduire légèrement les couplets ou autres parties vocales, afin que les voix se démarquent. L'automatisation peut apporter des améliorations subtiles ou des effets spectaculaires, et l'expérimenter peut vous aider à trouver le meilleur moyen de soutenir la dynamique de votre chanson L'automatisation peut être utilisée à la fois pour les techniques de production créatives et pour le mixage. OK, c'est donc de l'automatisation. Comme je l'ai dit, je recommande d' expérimenter cela avec vos morceaux pour ajouter de la variation et du mouvement à vos chansons Merci donc d' avoir regardé cette vidéo, je vous verrai dans la prochaine. 41. Aperçu de Guitar Amp Designer: Voilà, bienvenue dans cette vidéo où nous allons nous intéresser à la simulation d'amplis guitare et basse. GarageBand propose des simulateurs d'amplis de guitare et de base qui vous permettent d'enregistrer directement sur votre guitare ou votre basse dans le logiciel, puis d'appliquer divers amplis, enceintes et effets virtuels Cela signifie que vous n'avez pas besoin d'un amplificateur physique ou pédales d' effet pour obtenir des tonalités et des styles différents Ces simulateurs d'amplis imitent le son des amplis classiques et modernes, offrant des commandes permettant de régler le gain, tonalité et d'autres paramètres pour façonner votre Vous pouvez également ajouter des effets tels que la réverbération, le retard et la distorsion, comme vous le feriez avec un équipement physique Cette fonctionnalité vous permet d' expérimenter différents tons et textures, ce qui vous permet d' explorer facilement de nouveaux sons ou affiner votre style unique directement dans Garage Band. Bien, ajoutons maintenant un concepteur d'amplis. Pour le prochain exemple, je vais en fait ajouter une boucle Apple. Je vais donc ajouter Apple Loop, avoir un son de guitare propre. Si vous avez une guitare électrique, c'est le même processus, mais si vous n'avez pas de guitare électrique, vous pouvez également ajouter le design de l'ampli aux boucles et aux instruments virtuels. Donc, pour cet exemple, je vais taper « clean guitar ». Et je vais utiliser cet extrait appelé « clean electric guitar ». Faisons-le simplement glisser en dessous de la fin de notre projet, et vous verrez que cette boucle est apparue. Maintenant, fermons la bibliothèque Apple Loop en appuyant sur O, pour avoir un peu plus d'espace, et encerclons simplement cette région ici. Maintenant, dans les commandes intelligentes, nous pouvons ajouter le design de l'ampli à brancher. Comme ce compresseur est grisé , remplacons-le. Cliquons donc sur les flèches ici, puis passons aux amplis et aux pédales. Vous pouvez donc voir ici que nous avons Amp Designer, Bass Amp Designer et Pedboard Pour cet exemple, utilisons Amp Designer. Grâce à cela, nous pouvons explorer un large éventail de réglages pour adapter le son de votre guitare à votre projet. Jetons d'abord un coup d' œil à certains de ces préréglages. Donc, si nous cliquons ici, nous pouvons choisir un autre préréglage. Nous avons donc différents préréglages pour clean, le crunch et Jetons d'abord un coup d'œil à quelques-uns des plus propres. Comme vous pouvez le constater, nous avons de nombreux préréglages différents. Essayons le premier, clean country reverb. Vous pouvez donc voir que cela ajoute de la réverbération. Et bien entendu, nous pouvons ajuster ces paramètres ici. Par exemple, ajustons la réverbération et rejouons-la. Essayons un autre de ces préréglages. Essayons l'un des sons de craquement. Essayons le combo automnal. Certains de ces préréglages peuvent être assez forts, donc si c'est le cas, je vous recommande de baisser le contrôle principal Essayons-en un autre. Essayons le rythme brut. Je vais juste ajuster certains de ces paramètres de lecture des dessins. OK, essayons certains des préréglages déformés. Essayons Glam Drive. Essayons-en un autre. Essayons Modern Rock gratuitement. Bien, revenons maintenant à l'un des préréglages propres. Essayons celui-ci appelé Cheap frills. Et jetons un coup d'œil à certaines de ces commandes ici. Tout d'abord, nous avons le modèle Amp. Et vous pouvez voir que lorsque nous en choisissons différents, l'ampli réel change. Ils émulent donc différents amplificateurs. Donc là, nous pouvons choisir différents modèles d'amplis, puis nous pouvons choisir l'amplificateur. Ensuite, nous pouvons choisir le cabinet. C'est donc le cabinet des conférenciers ici. Dans le contexte des amplis de guitare, les enceintes d'amplis sont des haut-parleurs et des vêtements qui amplifient et projettent le son provenant de l'amphade Les différentes tailles de boîtiers, types de haut-parleurs et conceptions influencent le ajoutent du caractère au son. Et pour les configurations virtuelles, comme Garage Band, choix de cabines virtuelles vous permet d' adapter la plénitude, la chaleur et la clarté de votre son de guitare à et la clarté de votre son de guitare à différents styles et genres Vous pouvez donc voir que lorsque nous choisissons un réglage différent, nous avons une armoire différente. Nous pouvons également cliquer ici pour modifier l'emplacement du microphone. Oh. Testez différentes enceintes pour trouver celle qui convient à votre modèle d'ampli de guitare et au son souhaité, et nous pouvons même choisir le type de microphone. Am designer vous permet de sélectionner un microphone simulé et ajuster son emplacement par rapport à l'enceinte Choisissez entre différents types de micros, chacun offrant un son unique. Certains peuvent être plus brillants, tandis que d'autres peuvent être plus lourds. Celui-ci imite l'Electro Voice RE 20, qui est le micro dont je parle en ce moment Rapprochez ou éloignez le micro de l'enceinte pour obtenir différents effets d'émulation tonale et d'ambiance Une position plus proche du micro capture plus de détails et d'intensité, tandis qu'une position plus éloignée ajoute plus de son ambiant. Et puis, bien sûr, nous avons le résultat ici. Assurez-vous que cela ne soit pas trop fort, sinon vous risquez de couper ou de déformer votre morceau Chaque ampli offre des caractéristiques tonales différentes adaptées à différents genres, des tons chauds et doux aux sons graveleux et puissants 42. Aperçu de Bass Amp Designer: Bon, voyons maintenant l'amplificateur de base. Donc, pour cet exemple, supprimons cette boucle et cette piste. Et maintenant, ajoutons une boucle de guitare de base. Celui que je veux utiliser ici s'appelle Deep Funk Base Guitar C'est celui-ci ici. Encore une fois, cliquons dessus et faisons-le glisser jusqu'à la fin de notre projet. Et faisons-le simplement tourner en boucle. Il fait 4 barres de long. Encore une fois, dans les commandes intelligentes, nous pouvons ajouter un ampli virtuel. Remplaçons donc cette prise ici, puis passons aux amplis et aux pédales. Et maintenant, choisissons le concepteur d'amplis de base. Comme vous pouvez le voir ici, le décodeur est très similaire à l'amplificateur de guitare. Nous avons donc différents préréglages. Cette fois, ils ne sont pas classés par catégories, nous avons juste une grande liste de préréglages. Passons en revue certaines d'entre elles maintenant. Et nous pouvons choisir les différents modèles, un ampli moderne, un ampli classique, un boîtier rabattable et un boîtier de représentation ou un boîtier DI. Pour cela, revenons au moderne, puis nous pourrons choisir l' ampli puis les armoires. Vous remarquerez que pour la plupart d'entre eux, l'image ne change pas, mais le microphone sera déplacé vers un autre haut-parleur. Ensuite, nous pouvons choisir le micro. Et encore une fois, je vais le rejouer et ajuster ces paramètres ici pour que vous puissiez entendre la différence. Nous avons également ce curseur ici où nous pouvons passer d'un boîtier DI à un amplificateur Ainsi, un boîtier DI convertit le signal de base en une sortie symétrique. Cela permet de réduire le bruit et de connecter votre base à une interface audio. Ainsi, un boîtier DI peut produire un son plus propre sans la coloration d'un ampli de base, ce qui peut le rendre plus direct et plus poli. Nous pouvons donc obtenir un mélange entre l'ampli et le boîtier DI, si vous le souhaitez. Et encore une fois, écoutons les différents micros. Et, bien sûr, nous pouvons ajuster les paramètres de l' ampli si vous le souhaitez. Mmm. Je recommande donc de le tester également , surtout si vous jouez de la basse électrique. 43. Créer une pièce de guitare virtuelle: OK, encore une fois, supprimons simplement ceci. Fermons la bibliothèque de boucles en appuyant sur O, et désactivons la zone de cycle en appuyant sur C. Maintenant, je vais ajouter une guitare virtuelle et y ajouter le concepteur d'amplis. Créons donc maintenant une nouvelle piste. Appuyons donc sur le bouton plus ici, et je vais choisir un instrument MIDI ou logiciel. Choisissons maintenant un instrument dans la bibliothèque. Passons donc à la guitare, et choisissons Roots Rock. OK, écoutons-le maintenant. Passons donc en boucle au premier refrain. Et je vais le rejouer et jouer quelques arpèges d'accords Nos peggios sont donc l'endroit où vous jouez des notes individuelles de l'accord. Ainsi, par exemple, ce premier accord est un accord en la mineur, c'est-à-dire celui-ci Et notre peggio ne joue que des notes individuelles de l'accord. Pour chaque accord, je vais jouer deux notes. OK, alors enregistrons ça maintenant. Vérifions-nous que l' enregistrement de cette piste est activé en appuyant sur ce bouton ici. Et maintenant, enregistrons cela en appuyant sur Enregistrer. Nous utilisons le raccourci clavier R. Bien, ouvrons maintenant le piano roll en double-cliquant sur cette région. Et maintenant, quantifions-le. Je n'ai donc rien joué de plus rapide qu'un quart de note. Sélectionnons donc toutes les notes en appuyant sur la commande A, puis cliquons sur la liste déroulante de quantification ici et changeons-la en quart de note OK, super. C'est parfaitement à point nommé maintenant. Repondons-nous maintenant. Maintenant, fermons la bibliothèque en appuyant sur Y, et ouvrons les commandes intelligentes en appuyant sur ce bouton ici ou en utilisant le raccourci clavier B. Vous pouvez donc voir ici que cet instrument virtuel possède déjà le plugin Amp Designer. Alors, cliquons dessus et ajustons cela maintenant. OK, donc lecture de dessins. Je vais choisir un son prédéfini différent , puis ajuster certains de ces paramètres. Faisons-le maintenant. OK, je pense que ce set de bar semble approprié. Ajustons maintenant certains de ces paramètres ici afin que nous puissions entendre la différence. Viens , viens, viens, viens. Allez. Allez, allez, allez. Allez. OK, je pense que cela semble approprié maintenant dans le mix. Je vais donc maintenir l'option enfoncée, et dupliquons cette option pour que nous l'ayons pour chaque refrain Et passons en boucle pour le dernier refrain. Car le dernier refrain est d'une longueur double. Nous avons maintenant une autre partie pour le refrain. Nous devrions donner au refrain un peu plus de variation et d'énergie 44. Aperçu de la technique de pédalière: Bon, regardons maintenant le pédalier. Ils simulent une gamme d'effets de stump box tels que la distorsion, le delay, le chorus et la réverbération que les guitaristes utilisent traditionnellement pour En ajoutant des effets à votre pédalier, vous pouvez expérimenter différents tons, textures et atmosphères pour améliorer votre jeu Dans une configuration de guitare typique, effets du pédalier sont placés avant l'amplification dans la chaîne de signaux Cela signifie que les effets traitent le son avant qu'il n'atteigne l'ampli, façonnant le son que l'ampli amplifie et colore davantage Le même concept s'applique à Garage Band. Vous pouvez placer des effets sur le pédalier avant le simulateur d'ampli pour créer un son plus naturel et authentique. Cette approche permet à des effets tels que distorsion ou le retard d' interagir avec le modèle d'ampli, produisant un résultat plus proche de ce que l'on obtient avec une vraie guitare. La plupart des préréglages de guitare trouvés dans la bibliothèque comporteront déjà un pédalier dans une chaîne de plugins Ouvrons maintenant cet effet de pédalier en cliquant dessus ici De là, vous pouvez faire glisser une série de pédales vers la fenêtre principale et expérimenter une gamme d'effets et de sons pour votre guitare Avant de continuer, je vais juste désactiver Record Nab pour ce morceau de guitare Et maintenant, ajoutons un effet de chorus. Nous en avons donc deux ici, le rétrochœur et le chœur céleste. Essayons Retro Chorus. OK, rejouons-le et ajustons ces paramètres pour que vous puissiez entendre la différence. Reviens. Reviens, viens. Revenez, allez. Allez. OK, je trouve que ça a l'air plutôt sympa. Ajoutons maintenant celui-ci ici appelé Phase Tripper. Cela émule donc un effet de phaseur. Viens viens, viens, viens. De toute évidence, ce n'est pas une vraie guitare. C'est une guitare virtuelle, mais elle semble assez réaliste maintenant. Rejouons-le maintenant et ajustons ce curseur de volume ici pour qu' il s'intègre mieux dans le mix Allez oh, venez venez, venez, venez. Revenez, allez. Écoutons maintenant cette chanson depuis la seconde moitié du bridge jusqu'au dernier refrain Allez, venez. Viens, viens, viens. Je vais juste ajouter un peu d'automatisation maintenant. Je veux que la partie de guitare soit un peu plus forte pour le dernier refrain, afin d'ajouter un peu plus d'énergie au fur et à mesure que le morceau prend de l'ampleur. Viens. OK, c'est donc le concepteur de l'ampli et le pédalier. Je recommande de le tester, surtout si vous avez une guitare électrique ou basse électrique qu'ils aiment ajouter à vos chansons. Comme je l'ai dit, vous pouvez également l'utiliser pour les instruments virtuels et les boucles. Nous en sommes donc à la fin de cette vidéo. Merci d'avoir regardé, je verrai dans le prochain. 45. Effects Arpeggiator: Bon, parlons maintenant de l'effet midi de l'arpégiateur. Les effets MIDI et Garage Band sont des outils qui traitent les données MIDI avant qu'elles n'atteignent un instrument virtuel. Cela vous permet de modifier les notes midi de manière créative sans modifier les données midi contenues dans le piano roll lui-même. Dans le domaine de la production musicale, l'arpégiateur consiste à jouer les notes d' un accord les unes après les autres dans un ordre défini au lieu de Cette technique est couramment utilisée dans la musique de synthèse et la musique électronique pour créer du mouvement et un intérêt rythmique dans un accord. Nos peggios peuvent être joués selon différents modèles, tels que ascendants, descendants ou aléatoires, et peuvent s'étendre sur plusieurs octaves Cet effet est largement utilisé pour créer des textures vives et rythmées et des motifs dynamiques Avant cela, je vais juste écrire une nouvelle partie. Créons maintenant une nouvelle piste en appuyant sur le bouton plus en haut, et choisissons un instrument logiciel intermédiaire. Et choisissons un synthétiseur et un plug sound. Pour cet exemple, je veux utiliser celui-ci appelé Smooth anthem plug. Dessinons cela plutôt que de l'enregistrer. Appuyons donc sur le Comanche , puis dessinons-le dans une nouvelle région. Je vais faire en sorte que ces 4 barres soient longues, alors cliquons et glissons pour les redimensionner Et double-cliquons dessus pour ouvrir le piano roll. Fermons maintenant la bibliothèque en appuyant sur Y, afin d'avoir un peu plus d'espace. Les accords que nous avons pour cette chanson sont donc la mineur, le do, le sol et le fa. Alors, dessinons-le maintenant Dessinons la première note, qui est un A. Et la suivante est un C. Et la suivante est un E. Maintenant, pour la prochaine mesure, dessinons l'accord de do Je vais inverser l'accord suivant, ce qui implique de changer l'ordre des notes Je vais donc commencer par la note G ici. Puis le C, puis le E. Si nous l'avons en position racine, ce qui signifie que nous allons commencer par le C, alors le G sera tout en haut et il sautera davantage entre les accords Si nous avons ce sol et cette octave plus bas, cela devrait sonner plus doucement entre les accords C'est parce qu'il y a moins de mouvement. OK, continuons. Ajoutons maintenant l'accord G, nous avons donc à nouveau la note G. Ensuite, nous avons un B. Ensuite, nous avons un D. Et maintenant, ajoutons le F. Pour cet exemple, je voulais donner l' impression qu'il est en train de baisser, alors prenons ce F inférieur ici. On pourrait mettre le fa au-dessus de l'octave, mais je l'aime bien ici. OK, c'est ce qu' on appelle la progression. Écoutons que c'est de retour maintenant. Maintenant, passons en boucle pendant toute la chanson. OK, maintenant, appliquons l' effet arpégiateur à cette Tout d'abord, vérifions-nous que cette piste est sélectionnée, puis ouvrons cette piste est sélectionnée, puis ouvrons les Smart Controls en appuyant sur ce bouton ici ou en utilisant le raccourci clavier B. Trouvons maintenant le symbole de l' arpégiateur, qui se trouve sur le côté droit de la fenêtre Smart Nous pouvons donc cliquer dessus pour activer l'arpégiateur. Maintenant, pour les rediffusions, vous allez entendre la péjation. Baissons simplement cela car c'est assez bruyant. Vous auriez donc dû y entendre qu'il ne jouait pas d'accords. J'ai joué des notes individuelles comme motif. Voyons maintenant comment modifier les paramètres de l'arpégiateur Donc, si vous cliquez sur cette liste déroulante ici, vous pouvez voir ici les préréglages Audi Mason Mais si vous passez aux préréglages des applications, nous avons tous ces différents préréglages d' arpégiateur. Mais avant d'examiner les préréglages, examinons l'absence de taux de commande et la plage d'octaves Commençons par l' ordre des notes. Cela permet de contrôler la façon dont les notes sont jouées les unes par rapport aux autres, qu'elles soient interprétées selon un schéma plus complexe, comme le hasard. Si nous sélectionnons l'ordre des notes, nous jouerons d'abord la note la plus basse, puis nous passerons à la note la plus haute, puis nous recommencerons. Sélectionnons-le et répondons avec nous. Maintenant, regardons vers le bas. Pour un modèle d'arpège descendant, les notes sont jouées de la plus haute à la plus basse, puis Ensuite, nous avons UpdWnf de haut en bas, les notes seront jouées du plus bas au plus haut, puis redescendront au plus bas, puis nous recommencerons Et puis de l'extérieur vers l'intérieur, à l' extérieur en arpège, les notes commencent par le plus bas et le plus haut, se déplacent vers le milieu, puis Ensuite, nous avons le hasard, qui jouera les notes dans un ordre aléatoire. Ensuite, nous avons joué comme nous l'avons fait. Ainsi, les notes se répètent dans l'ordre dans lequel vous les avez jouées ou dans l' ordre dans lequel elles ont été écrites. Pour cet exemple , sélectionnons-le. OK, alors nous avons le tarif. Cela permet de contrôler la rapidité ou la lenteur avec laquelle les notes sont jouées. Nous pouvons donc choisir ici des divisions de rythmes musicaux. Vous pouvez modifier cela pour créer des arpèges rapides frénétiques ou des arpèges lents en fonction de l'ambiance que vous recherchez En ce moment, c'est en 16e note. Mais si nous changeons cela en huitième note, ce sera deux fois moins rapide que ce que nous venons d'entendre. Choisissons maintenant la 32e, et le taux sera deux fois plus rapide que celui des 16es notes Et nous avons également des rythmes tripler et pointillés. Triplet joue trois notes en l'espace de deux, créant ainsi un rythme syncopé, tandis que le pointillé joue chaque note 1,5 fois plus longtemps, tandis que le pointillé joue chaque note 1,5 fois plus longtemps, créant ainsi une Essayons donc un 16e pointillé, et ils le remplaceront par un 16e triplet pour que vous puissiez entendre Eh bien, remettons-le à un 16e. OK, alors nous avons la gamme d'octaves. Vous pouvez régler la plage d' octaves pour contrôler le nombre d'octaves correspondant aux intervalles de peggio heure actuelle, il joue à une octave près, ou nous pouvons sélectionner plusieurs octaves pour ajouter plus de largeur et de profondeur au Encore une fois, je vais le rejouer et je vais choisir différentes gammes d'octaves pour que nous puissions entendre la différence OK, maintenant écoutons certains des préréglages. Je vais donc le rejouer depuis le début et sélectionner certains de ces différents préréglages pour que vous puissiez entendre la différence OK, je pense que celui-ci sonne plutôt bien. Groovy Cycle aussi. Nous pouvons également toujours nous adapter aux préréglages si vous le souhaitez Par exemple, je vais simplement le remplacer une octave. Écoutons-le maintenant. Mais je pensais que cela sonnait mieux avec deux octaves, alors ramenons-le à deux octaves OK, maintenant rejouons-le, et je vais régler le volume de ce morceau. Non Viens. Essayons également de le déplacer vers la droite. Les parties principales sont plus à gauche, et maintenant cet arpégiateur est plus à droite. J'aime bien les notes aiguës de cet arpège, mais elles sonnent un peu dures Je vais donc ajouter l' égaliseur à cette partie maintenant , puis réduire le gain de certaines des fréquences les plus élevées Cliquons donc sur le connecteur ici, puis passons à EQ, puis à channel EQ OK, maintenant rejouons-le et je vais égaliser cette partie. Vous pouvez donc voir ici les fréquences. Donc, par ici, je veux juste donner un pourboire. Donc c'est fini. OK, je pense que ça sonne plutôt bien, et c'est comme ça qu'on utilise l'arpégiateur Avant de terminer cette vidéo, je vais juste faire un peu d'organisation. Renommons-le donc en Synth for arpeggio. Et renommons la partie guitare en guitare. Changeons maintenant la couleur de ces pistes pour les organiser , et en un coup d'œil, nous saurons rapidement de quelles pistes il s'agit. Faisons donc un clic droit sur l'en-tête d'une piste de guitare et passons à une couleur de signe. Et choisissons une autre couleur pour cela. Choisissons cette couleur orange. Et pour le synthétiseur, choisissons cette couleur violette. Bon, maintenant, notre chanson commence à prendre forme, et c'est l'arpégiateur, qui peut vous aider à ajouter du mouvement et un intérêt rythmique intérêt Merci donc d' avoir regardé cette vidéo, je vous verrai dans la prochaine. 46. Exporter votre morceau: D'accord, examinons maintenant l'exportation. Cette leçon abordera donc les étapes essentielles requises pour exporter votre projet terminé. Vous apprendrez à mixer les pistes dans un seul fichier audio et à explorer différents formats d'exportation. OK, alors commençons. Alors, qu'est-ce qu'un mixdown ? Un mixage est le processus qui consiste à combiner toutes les pistes individuelles d'un projet musical en un seul stéréople Le mixage final sert de base au mastering. Discutons d'abord de certains formats audio couramment utilisés dans le monde de la production musicale. MP 3. Ce format compressé est idéal pour le partage et le stockage en ligne en raison de sa petite taille de fichier. Cependant, la compression réduit la qualité audio, ce qui la rend moins adaptée aux applications professionnelles. WAV ou wave En tant que format non compressé, WAV offre la meilleure qualité sonore, capturant tous les détails de votre Il est parfait pour un usage professionnel, mais la grande taille des fichiers peut compliquer le stockage et le partage. AIFF. Il s'agit également d'un format de fichier audio non compressé AIFF a été développé par Apple et fournit un son de haute qualité similaire aux fichiers Wb Je recommande de choisir le Web pour bénéficier du support le plus large possible, mais vous pouvez choisir AIFF si vous travaillez sur des appareils Apple et que vous avez besoin fonctionnalités de métadonnées telles que les titres des pistes et Ensuite, nous avons l'AAC. Couramment utilisé par les appareils Apple, AAC est un autre format de fichier compressé qui offre une meilleure qualité sonore que le MP 3 à des tailles de fichier similaires Bien que largement compatible avec les produits Apple, il se peut qu'il ne fonctionne pas aussi bien avec les appareils autres qu' Donc, s'il s'agit de votre mix final, je l' exporterais généralement au format WAV Mais si vous souhaitez simplement l'envoyer en ligne pour le montrer à vos amis ou à votre famille, je vous recommande de l'exporter au format MP3, car le fichier est de petite taille. Bien, exportons maintenant ce projet. Pour exporter vos projets dans GarageBand, procédez comme suit Tout d'abord, accédez à l'option Exporter. Accédez au menu de partage en haut de l' écran et sélectionnez Exporter le morceau sur le disque. Cela ouvrira alors la fenêtre des paramètres d'exportation. Choisissez ensuite l'endroit où vous souhaitez enregistrer votre fichier. Pour cela, je vais choisir mon ordinateur de bureau. Choisissez ensuite votre format. Vous pouvez donc choisir Wave, AIFF, MP Three ou AAC Pour cet exemple, choisissons wave. Ensuite, nous pouvons choisir un niveau de qualité. En fonction du format que vous avez choisi, vous pouvez ajuster le niveau de qualité. niveaux de qualité supérieurs se traduisent par un meilleur son, mais des fichiers de plus grande taille. Donc, pour cet exemple, choisissons 24 bits non compressés. Cela exportera donc l'ensemble du projet. GarageBand restituera l'intégralité du y compris les effets de réverbération, retard ou autres effets temporels, afin de préserver la dégradation naturelle Donc, à la fin de la chanson, là où nous avons cette décadence, elle la préservera. Cela ne va donc pas s'arrêter à la fin de la chanson ici. Je vais nous donner encore quelques secondes pour que nous puissions entendre le son s' estomper progressivement. Maintenant, nommons notre fichier. Un nom de fichier correct est essentiel pour rester organisé. Vous pouvez l'étiqueter comme vous le souhaitez, mais assurez-vous qu' un système clair et cohérent est en place pour votre étiquetage. Un bon exemple de fichier bien étiqueté peut inclure le nom du projet, numéro de version, la date et le nom du fichier. Par exemple, ici, exemple 39, V un pour la version 1, puis nous avons la date. Nous n'avons pas nécessairement besoin d'une heure ici, mais si vous exportez plusieurs fois dans la journée, cette heure peut être utile. OK, maintenant, cliquons sur Exporter. Cela peut prendre quelques instants. Bien, passons maintenant à notre bureau et écoutons notre exportation. Plus comableable. Soyez plus compact. Viens plus compact. Viens plus comparables, plus compats. OK, super. Vous pouvez donc entendre à la fin. Cela ne coupe pas les instruments. Cela leur permet de pondre ou de s'estomper progressivement. Vous pouvez également utiliser la région du cycle pour exporter. Ainsi, par exemple, si j'active la région du cycle ici, puis que je passe au partage, à l'exportation vers le disque, il exportera simplement la région du cycle. Donc, pour cet exemple, mettons-le sur notre bureau. Disons simplement que nous voulons partager cela en ligne, donc nous voulons simplement montrer à l'un de nos amis une partie d'une chanson. Sélectionnons donc MP free, et sélectionnons la meilleure qualité ici. Ensuite, nous devons nous assurer de cocher cette case indiquant la zone du cycle d'exportation ou la longueur des régions sélectionnées. Cela signifie donc qu'il exportera simplement la zone cyclable. Si cette case n'est pas cochée, GarageBand exportera l'intégralité du projet Appuyons maintenant sur Exporter. Maintenant, allons sur notre bureau et écoutons-le en retour. Câble, et plus joignable. Copacable, plus calculable. Vous pouvez donc entendre que c'est juste le refrain ou la zone que nous avons bouclée Une chose à mentionner, si nous regardons taille du fichier WOW est de 27,6 mégaoctets Et si nous regardons le MP 3 que nous avons exporté, il est beaucoup plus petit. Bien entendu, nous venons d'exporter le refrain. Mais même s'il s'agit d'une chanson complète, un fichier MP free sera environ dix fois plus petit qu'un fichier WAV Je voulais donc simplement le mentionner. Donc, si vous souhaitez partager vos chansons en ligne via Instant Messenger ou par e-mail, elles sont peut-être trop volumineuses au format WAV, mais elles devraient suffire pour ne pas utiliser P free Je voulais donc simplement vous montrer la différence entre les tailles de fichier MP free et WOW. OK, voici comment exporter et GarageBand. Ensuite, nous allons nous intéresser au mastering, qui est l'étape finale de la production audio, que nous verrons dans la prochaine vidéo Alors merci d'avoir regardé, et je vous y verrai. 47. Maîtriser les bases: Bon, parlons maintenant du mastering. mastering est l' étape finale de la production audio, laquelle vous peaufinez la piste mixée Vous pouvez donc utiliser des traitements tels que l'égalisation, la compression et la limitation pour vous assurer que le son est équilibré et prêt à être écouté sur plusieurs appareils Nous pouvons donc créer un nouveau projet de groupe de garage et le masteriser là-dedans Mais personnellement, j'aime importer le mix dans le projet sur lequel je travaille actuellement. En effet, lorsque je fais du mastering, si je veux apporter quelques modifications au mixage, je peux le faire facilement dans le projet ici, exporter à nouveau, puis importer le mixage final plutôt que d' avoir à ouvrir plusieurs projets de groupe de garage pour effectuer quelques ajustements OK, alors maintenant, importons le mix vers le bas. Nous avons exporté dans la vidéo précédente. Vous vous souvenez peut-être que je l'ai enregistré sur mon bureau, et c'est ce fichier ici. Alors, cliquons dessus et faisons-le glisser sous toutes les pistes. Et vous pouvez voir ici que nos exportations sont toutes mélangées. Maintenant, partons en solo, et écoutons-le en retour. Allez, allez, allez. Viens. Allez, allez, allez. Laissons maintenant cette section de chorus cyclée et parlons de l'ajout d'effets pour le master Donc, dans les Smart Controls, nous avons cet onglet principal ici. Et par défaut, nous avons quelques plugins de mastering configurés ici Donc, juste pour que vous puissiez entendre la différence, activons-les tous et rejouons-le. Allez, allez, allez. Viens, viens. Allez, allez, allez. Vous pouvez donc entendre instantanément, c'est beaucoup plus fort. Juste pour simplifier les choses, je vais simplement utiliser l'égaliseur, compression et le limiteur pour maîtriser Ouvrons donc d'abord l'EQ. Donc, pour cela, j'aimerais retirer certaines des fréquences les plus basses Ce ne sont donc que des fréquences que nous n' utilisons pas dans la chanson. Ces fréquences sont si basses qu'il s'agit plutôt de bruit que d'éléments musicaux. Et il en va de même pour un filtre haut. Je vais juste capter une grande partie des hautes fréquences Encore une fois, il ne s'agit que d'un bruit ou un sifflement plutôt que d' un élément musical Ensuite, nous devons la rejouer et écouter la chanson dans son intégralité, alors réécoutez-la et voyez si elle a besoin coupée ou augmentée dans le spectre des fréquences. Cela peut demander un peu de pratique, et une piste de référence peut souvent être utile. C'est là que vous avez un autre morceau où vous aimez le son du mix, vous écoutez et que essayez de masteriser de la même manière. Mais pour cet exemple, écoutons-le et je ferai quelques ajustements à la volée. Comp. Viens compat, viens. Livré avec une composition compatible. Comme compbb comp ab. Donc, pour donner un petit exemple, j'ai légèrement réduit les basses, car je pense que les basses sont peut-être un peu trop fortes et j'ai augmenté les aigus juste pour les rendre un peu plus lumineux Nous avons également des préréglages de mastering que nous pouvons également utiliser Donc, si vous cliquez sur la liste déroulante des préréglages ici, nous pouvons passer au mastering et nous avons ici quelques préréglages différents Donc, pour cet exemple, essayons Final Mx Pop. Et rejouons-le. Allez, venez, venez. Je ne sais pas si c'était mieux que ce que nous venons d'avoir, mais écoutons-en un autre. Essayons Final Mix Dance. C. À moins que vous n'appuyiez constamment sur Enregistrer sous, il n'y a pas de bouton de retour. Nous devrons donc rétablir ce paramètre d'égalisation à nouveau. Nous pouvons passer à plus, puis passer à rappeler les valeurs par défaut. Et construisons simplement ce que nous avions auparavant. J'ai donc filtré certains hauts et certains bas. Ensuite, nous avons eu le coup de pouce pour atteindre les sommets moyens par ici. Ensuite, j'ai réduit certains points bas par ici. Écoutons-le et modifions-le à nouveau. Lors du mastering, vous devrez réécouter votre morceau plusieurs fois juste pour faire de petits ajustements Il faudra de la pratique et des essais et des erreurs. Allez. Allez . OK, je pense que ça sonne bien. Regardons maintenant le compresseur. Donc, encore une fois, nous avons des préréglages pour le compresseur, mais pas vraiment pour le mastering Commençons donc par quelques réglages extrêmes , puis ramenons-les à quelque chose de plus utilisable Allez. Allez. Je ne compose pas un PC à part. Allez, venez démonter un bob no flex C. Allez, venez démonter un bob sans comp C. Allez, venez démonter un bob no flex C. Viens y aller, viens prendre un Come back up. Viens te maquiller. Revenez. Viens te maquiller. Montez. Montez. Montez. Montez. Donc, lorsque vous maîtrisez, il s'agit vraiment de changements subtils. Vous ne voulez donc pas que cela sonne trop extrême ou y ait trop de compression, sinon cela pourrait ruiner une chanson. Je pense que cela semble plutôt bien, mais je vais juste réduire légèrement le ratio. Cependant, en règle générale, pour le mastering, vous devez avoir un ratio d'environ 1,5 pour un à deux pour un Cela permettra de contrôler doucement la dynamique, visant une réduction de gain d'environ un à deux dB, préservant le toucher et le punch naturels de la piste. Pour le seuil, je recommande de le régler, afin qu'il ne comprime que les pics les plus forts Avec ce garage de compression intégré, il est assez difficile de voir où se situent les pics les plus forts, mais je recommande de jouer en arrière, d'utiliser votre oreille contourner et de brancher le plug pour faire la différence. Donc, pour cet exemple, les paramètres ici devraient être à peu près corrects. Faites un, faites un, faites un come. Mais encore une fois, c'est assez subtil, mais je vous recommande de le tester vous-même. Bon, voyons maintenant le limiteur. Un limiteur est un outil audio qui contrôle le volume maximum de la piste. Cela vous permet donc de rendre la chanson plus forte sans la couper ni la déformer. Nous avons donc ici le gain, afin que nous puissions augmenter le son de la piste, puis nous avons le niveau de sortie Il s'agit du volume maximum qu'un son peut atteindre Nous pouvons donc nous assurer qu'il ne dépasse jamais zéro DB avec le curseur ici Pour le mastering, je recommande de le laisser à -0,1 dB pour un niveau sonore maximal tout Si vous souhaitez garantir une compatibilité de lecture maximale sur tous les appareils, vous pouvez définir cette valeur à moins un dB. Mais en général, -0,1 dB convient. Malheureusement, GarageBand ne possède pas de sonomètre intégré. Des portes plus avancées, comme Logic Pro, le font. Mais dans GarageBand, vous devrez utiliser un connecteur tiers si vous voulez un sonomètre. Un sonomètre mesure le volume sonore perçu du son Cela nous permet de nous assurer que la chanson est au bon niveau. Mais dans Garage Band, il suffit de le rejouer et d'utiliser nos oreilles. Rejouons-y maintenant et augmentons encore pour obtenir un niveau plus adapté. Nous avons donc un compteur pour la piste, mais ce sera le niveau avant l'application des limites. Nous devrons donc examiner le niveau master ici. Mais comme je l'ai dit, nous n' avons pas de sonomètre, ce qui n'est pas vraiment idéal pour le mastering, mais essayons quand même de régler ce niveau Allez, fais-en un. fais-en un. C.C. Un bulbe. Allez, ramène un bulbe. C. Allez, venez, prenez un bulbe. Allez, reviens, AB. Allez, venez, prenez un bulbe. Allez, reviens, AB. Allez, venez prendre un bulbe. Allez, reviens un bob. C.C., venez. Viens, viens. Viens, viens, viens. Alors réfléchissez bien à cela. Il ne semblait pas avoir été poussé trop fort, mais c'était beaucoup plus fort Rejouons-le maintenant et contournons le compresseur et le limiteur EKU Allez, allez. Viens, viens. Maintenant, réactivons-les pour que vous puissiez entendre la différence. Viens, viens, à la maison. Viens, viens. C. En ce qui concerne la lecture d'un dessin, je réduis simplement le gain du limiteur à 60 B. Au fur et à mesure du mastering, vous devrez écouter le morceau de nombreuses fois et faire de petits ajustements OK, maintenant définissons les points de début et de fin de la chanson. Définissons d'abord le point de départ. Faisons donc un petit silence au début avant qu'il n'arrive. Pour cela, nous avons environ dix à 50 millisecondes. Démarrer instantanément peut sembler un peu trop soudain, mais trop de silence peut être un peu gênant Faisons donc légèrement glisser cet audio vers l'avant. Il y a là un petit silence. Malheureusement, dans GarageBand, nous ne pouvons pas faire reculer la zone du cycle. Dans d'autres domaines, comme Logic Pro, c'est possible. Mais pour compenser cela, nous pouvons simplement faire avancer légèrement la piste. OK, maintenant définissons le point de terminaison. À la fin, nous voulons laisser suffisamment d'espace pour les réverbérations ou les fondu, mais nous ne voulons pas laisser trop de silence Normalement, environ une à deux secondes. Rejouons donc depuis la fin et essayons de trouver un endroit naturel pour que la chanson se termine. Je pense donc qu'ici, reprenons une leçon. Donc, là-bas, ça me semble bien , alors arrêtons-en là. Et faisons-le glisser jusqu'au début. OK, maintenant nous allons exporter notre Master. Cliquons donc sur Partager , puis sur Exporter la chanson sur le disque. OK, exportons ceci au format WAV. Faisons en sorte que ce soit en 24 bits non compressé car il sera de la plus haute qualité Et renommons ce master. Et pour cet exemple, enregistrons-le sur notre bureau. Assurons-nous que la zone du cycle d'exportation est cochée, puis appuyons sur Exporter. Encore une fois, cela prendra quelques instants. Nous pouvons donc faire davantage pour le mastering, mais ce n'est qu'un moyen rapide de le maîtriser dans GarageBand Bien, passons maintenant sur notre bureau et écoutons notre maître. Soyez plus compact. Montez. Viens compa Viens plus compact C. Allez-y, compat. Je suis plus comparable Je suis plus compatible Je suis plus compatible Je suis plus complet. OK, donc je pense que ça sonne plutôt bien. Mais si vous souhaitez apporter des modifications, vous pouvez toujours revenir dans GarageBand et apporter quelques modifications aux plugins principaux ici Ou si vous souhaitez revenir en arrière et ajuster le mixage, vous pouvez supprimer cette piste principale ici, l'exporter à nouveau, importer le nouveau mixage et y apporter quelques modifications de mastering Je recommande donc de passer un peu de temps à maîtriser. Écoutez votre master sur différents appareils, y compris un casque, haut-parleurs et sur votre téléphone, pour assurer qu'il sonne bien sur tous les appareils OK, alors merci beaucoup d' avoir regardé cette vidéo. J'espère que vous l'avez trouvé utile, et je vous verrai dans le prochain. 48. Ouvrir des projets GarageBand dans Logic Pro: Bien, parlons maintenant de l' exportation de votre projet vers Logit Pro Les projets GarageBand peuvent être exportés vers Logic Pro pour y être retravaillés, ce qui vous donne accès à des fonctionnalités avancées ne sont pas disponibles sur Logic Pro propose un nombre élevé de pistes, des effets plus sophistiqués et des outils de maîtrise du grain professionnels qui peuvent élever vos productions au niveau supérieur Je vais maintenant vous montrer comment exporter de GarageBand vers Logic Pro Pour ce faire, vous aurez besoin de Logic Pro, mais le moyen le plus simple consiste à cliquer avec le bouton droit sur votre projet GarageBand, puis ouvrir avec puis à sélectionner Logic Pour cet exemple, il suffit de l'enregistrer sur un ordinateur de bureau et d'appeler cet exemple Project. Et maintenant, cela va s'ouvrir dans Logic Pro. Désactivons le mixage et rejouons-le pour que nous puissions entendre notre chanson Comme je l'ai dit, Logic Pro est beaucoup plus avancé. Nous avons ce mixeur ici et nous avons de nombreux autres plugins d'effets, mais celui-ci est prêt pour un autre cours. Ainsi, toutes vos pistes, régions et effets seront transférés sans problème, ce qui vous permettra de continuer à développer votre travail existant sans repartir de zéro. Cela est particulièrement utile si vous recherchez un mixage de qualité professionnelle irréprochable ou si vous avez besoin de fonctionnalités telles que le mixage du son surround, l'automatisation avancée ou le mini-montage détaillé. Garage Band est gratuit pour les utilisateurs de macOS, mais la mise à niveau vers Logic Pro a un coût. OK, voici comment vous pouvez exporter vers Logic Pro. Comme je l'ai dit, elle offre plus de fonctionnalités, mais ce n'est pas une application gratuite comme GarageBand Travailler avec Garage Band est toujours une bonne chose, mais Logic Pro est beaucoup plus professionnel. OK, c'est donc la fin de cette vidéo. Merci d'avoir regardé, je verrai dans le prochain. 49. Projet de cours et conclusion: OK, nous sommes donc arrivés à la fin de ce cours. Merci beaucoup d'avoir regardé et j'espère que vous l'avez trouvé utile. Pour ton projet de classe, je veux que tu crées ta propre chanson et ton propre groupe de garage. Votre chanson doit durer au moins 1 minute et inclure au moins un couplet, un refrain et un bridge Je souhaite également que vous incluiez au moins trois instruments différents. Cela peut être une partie de batterie, une partie de basse, une partie de clavier, vocale ou une partie de saut, mais n'hésitez pas à choisir l'instrument qui convient à votre style. Je veux également que vous équilibriez les niveaux de votre morceau et appliquiez quelques effets de mixage de base pour améliorer votre son. Une fois que vous avez terminé votre chanson, prenez une capture d'écran de votre projet de groupe de garage, puis rédigez un court paragraphe expliquant comment vous avez créé votre chanson, les choix créatifs que vous avez faits et pourquoi. Publiez-le ensuite en tant que projet de classe, afin que vous puissiez voir exactement ce que vous avez fait. Merci encore d' avoir regardé ce cours, et j'espère vous voir bientôt un autre cours.