Transcription
1. Bienvenue dans Adobe Lightroom Landscape Editing pour iPad: Bonjour, je suis Jared Hill
et je vous souhaite la bienvenue dans mon cours de montage Lightroom
sur iPad. Ce cours est conçu
pour vous aider à suivre mon processus de retouche de photos
dans Lightroom sur un iPad. Maintenant, c'est ainsi
que je retouche les photos. Ce n'est pas ainsi que
tout le monde retouche les photos. Mais ce que j'ai appris
au fil des ans, c'est qu'il est
intéressant de voir comment les
autres retouchent
leurs images et quel
est leur processus de réflexion pour retoucher leurs images et quel
est leur processus de réflexion une image, ce qu'ils voient,
ce
qu'ils décident de changer et ce qu'ils
décident de laisser seuls m'intéresse beaucoup. J'ai donc décidé de diffuser
mon flux de travail
afin que vous puissiez voir comment j'utilise un iPad pour
retoucher mes images dans Lightroom. Adobe Lightroom
sur iPad est désormais un outil très puissant, car
il vous fournit une machine légère et
performante, très petite et facile à emporter avec vous pour
que vous puissiez retoucher vos images directement sur
-site. Même maintenant, dans un environnement de
studio, votre
ordinateur est généralement connecté à votre ordinateur portable et
vous filmez en mode connecté. Mais lorsque vous êtes
sur le terrain, que
ce soit pour
photographier des paysages ou pour votre propre mission, il est difficile de se faire une idée de ce à quoi ressemblera
une image vue de l'arrière
de l'appareil photo. Mon iPad est devenu un
outil incontournable pour extraire des images de mon appareil photo et
les retoucher très rapidement. Cela a été une
solution plus rapide pour moi que d'utiliser un
ordinateur portable, car
les ordinateurs portables sont plus grands et l'iPad
est très facile
à entrer et à sortir de l'écran haute
résolution l'iPad Pro offre une
expérience magnifique et une
palette de couleurs très vives qui me permettent d'
examiner une image et de
décider d'
examiner une image et de
décider si c'est
celle que je veux choisir ou non. plupart du temps, je finis par
retoucher des images sur mon iPad de toute façon, parce que c'est amusant et agréable d'avoir la flexibilité
d'un tel appareil. Même si un ordinateur portable ou bureau peut être le meilleur choix
dans certains cas. Mais avec un iPad, vous avez cette flexibilité. Adobe Lightroom
étant aussi puissant qu'il l'est, vous avez toutes
ces fonctionnalités à portée de main, même sur un iPad. Nous allons donc nous lancer
dans ce cours. Nous allons parler de
certains accessoires que j' utilise avec mon iPad pour retoucher des photos. Ensuite, nous allons passer à l'ensemble de
mon flux de travail, du début à la fin, de l'édition
d'une photo de paysage. Cette photo de paysage
est disponible pour que vous puissiez la télécharger afin que vous
puissiez la modifier avec moi. Vous pouvez simplement le charger
directement sur votre iPad et le modifier. Ou bien sûr, vous pouvez également utiliser
le processus de réflexion et le processus d'
édition que je
passe par sur vos propres
images. Si vous voulez l'
image finale que j'ai retouchée, vous pouvez l'obtenir sur
mon compte Unsplash, qui est un site de
photographie gratuit. J'y ai téléchargé cette photo à
l'origine et elle a été des
milliers et des milliers de téléchargée par des
milliers et des milliers de fois et
des centaines de milliers de vues. N'hésitez donc pas à le
télécharger si vous le souhaitez, fois dans la
version modifiée depuis Unsplash ou la photo brute non éditée que
vous pouvez modifier vous-même.
2. Mon installation iPad Pro: Parlons de mon iPad et de certains
accessoires que j'
utilise dans le cadre de mon processus de retouche
photo. Maintenant, l'iPad que j'
utilise est l'iPad Pro. Cet iPad en particulier
au moment où je filme, c'est l'iPad M1. Il s'agit de l'
iPad le plus performant dont ils disposent. Et j'ai opté pour l'iPad plus grand et l'ajout
du M1
parce que je voulais des
performances supplémentaires , une résolution plus élevée et l'écran le plus
lumineux également. Je retouche souvent,
peut-être dans la voiture après une séance photo ou j'essaie transmettre quelques images à
un client immédiatement. Avoir la
luminosité supplémentaire de cet écran est tout simplement génial. De plus, la profondeur des couleurs
est excellente car
l' écran
correspond parfaitement à ce à quoi je m' attendrais sur mon
ordinateur portable, le MacBook Pro. Ainsi, lorsque je fais du montage
sur cet appareil, j'ai généralement mon iPad dans
l'étui Magic Keyboard. Cet étui pour clavier protège
donc l'iPad à la
fois à l'avant et à l'arrière, mais n'offre aucune
protection sur les bords. Mais en
ce qui concerne le clavier, il est à peu près aussi
bon
que possible, en plus d'avoir le
trackpad. Le trackpad est très utile lorsque je ne veux pas
utiliser l'Apple Pencil et que je ne veux pas
toucher l'écran. Il fonctionne plus comme un ordinateur portable
avec l'étui Magic Keyboard. Ce n'est donc certainement pas quelque chose que
vous devez avoir, mais cela m'est utile car cela ressemble plus à
un ordinateur portable traditionnel. Maintenant, l'Apple Pencil est également quelque chose dont vous
n'avez pas nécessairement besoin, mais il est parfois amusant à utiliser, surtout si vous
utilisez des pinceaux. L'Apple Pencil, c'
est la deuxième série. Et je l'ai dans un étui
parce que j'aime avoir un peu plus de prise en main que l'
Apple Pencil standard. Cet étui provient donc de Subcase et fournit
une housse en silicone et
permet de le mettre dans une
poche et de le garder en place. Et puis il y a également un
capuchon pour
la pointe du crayon
qui le protège complètement. J'aime avoir un peu plus
de protection sur le crayon pour l'empêcher
de changer de couleur simplement parce qu'il
va se salir. Il tombe assez souvent et se coince au
fond de mon sac. C'est donc génial d'avoir un peu de
protection dessus. De plus, le simple fait d'
avoir
le clip sur l'Apple Pencil
me
permet de le mettre beaucoup plus facilement dans ma poche ou de le ranger quelque part dans mon sac où il ne
glissera pas . les crevasses. Donc, un crayon Apple
avec un étui m'aide
vraiment beaucoup. En ce qui concerne mon lecteur de carte, s'agit d'un lecteur de carte
SD simple que j'ai acheté il y a longtemps, peu près au moment où l'USB
Type C est devenu une réalité. Il s'agit d'une carte USB de type C vers SD, qui dispose également d'un emplacement pour carte micro SD. Parce que la plupart du temps,
je prends des
images d'un drone ou
d'une caméra GoPro. Il est donc très utile d'avoir un
lecteur de carte SD qui fait les deux. Et c'est donc très simple. Vous pouvez voir qu'il est très utilisé et commence à être un
peu décoloré ici. La technologie n'a pas
vraiment d'importance. La marque est aussi longue qu'elle est USB de type C et dispose d'un lecteur de carte SD
et d'un lecteur de carte micro SD. Je pense que ce sont certainement deux types de lecteurs que
vous devez avoir avec vous. Cela me permet de le brancher directement sur le côté de mon iPad, ouvrir Lightroom et importer des images directement
dans Light Room. C'est un processus très simple.
3. Importer des images: Regardons comment j'importe
des images et délectons ma chambre. Je vais retirer
mon iPad de cette plateforme et le poser pour que nous
puissions le voir ici sur
la caméra aérienne. Nous allons donc mettre de
côté mon étui à clavier poser l'iPad ici
et ouvrir Lightroom. Je vais donc simplement balayer vers le bas. Lightroom
apparaît juste ici, mais je peux aussi simplement taper une pièce
claire et l'ouvrir. Et nous allons simplement monter
jusqu'au sommet. Nous avons déjà une carte SD dans le lecteur de carte
SD, et nous l'insérerons dans le port USB-C situé sur le
côté de l'iPad. Maintenant, vous recevrez parfois un message indiquant
que l'appareil est connecté qu'il vous
suffit d'appuyer sur Continuer. Et cela va
ouvrir le menu d'importation. Si vous ne l'avez pas
compris, vous verrez en bas à droite
une petite icône en forme de plus. Et choisissez un appareil
photo pour afficher
toutes vos images disponibles sur cette carte. Maintenant, toutes ces images
sont brutes. Ce ne sont que des images
que j'ai capturées l'autre jour lors du
tournage d'un produit pour un client. Et tout ce que j'ai à
faire est de simplement appuyer dessus et de sélectionner les images
que je souhaite importer. Je pourrais donc
les désélectionner en appuyant à nouveau. Je peux cliquer sur la petite
case à cocher ici pour sélectionner toutes les images qui ont été capturées ce
jour-là. Peut-être avez-vous une
carte que vous n'avez pas encore
formatée et qui contient
des images depuis plusieurs jours. Vous pouvez importer de cette
façon ou appuyer sur le nom de la carte
dont cette carte ne porte pas de titre. Et cela importerait
l'intégralité de la carte. Les images qui ont déjà été importées seront grisées. Si Lightroom peut
déterminer que les images que vous possédez déjà dans Lightroom ont déjà
été importées, il les
classera afin ne pas les
réimporter accidentellement. Donc, processus très simple
pour importer des images. Il suffit de taper
et d'appuyer sur Importer. Et puis, dès que
l'importation est terminée, je peux fermer cette fenêtre. Je devrais également recevoir un
message indiquant qu'il est également possible de
retirer l'appareil photo
de mon iPad en toute sécurité .
4. Échantillon de configuration de photos: L'image que nous allons
modifier a été prise il quelques années dans le parc national des
Glaciers. Cette image est une image brute
et a été importée telle quelle. Et cette image a été capturée sur un Sony A7 Mark pour un objectif principal G de 100 et
35 millimètres. Et voici les réglages
1 400e de seconde à F5 et une ISO de 100. Voici l'image
modifiée ici, et vous pouvez voir qu'il se passait des choses qui
ont rendu cette
journée difficile pour capturer une image. Le ciel était très
brumeux et il
n'était pas très
clair dans cette zone. Et donc, certaines zones de cette image
se sont un peu effondrées. Mais ce qui était magnifique
pour moi, c'était toutes
les couleurs avec la
montagne en arrière-plan. Alors allons-y et
revenons à l'original. Vous pouvez voir ici l'
original de l'image et l'image elle-même
semble assez plate. Si nous appliquons à nouveau la modification, vous pouvez voir à quel point il existe
une différence radicale entre ces deux images. Nous allons donc remettre à l'appui d'origine et
rétablir les paramètres d'origine
de nos images. Maintenant, la première chose
que je fais lorsque j'importe une image est d'aller dans
l'optique et de
m'assurer que les
corrections d'objectif sont activées et que je supprime les aberrations
chromatiques. L'aberration chromatique est plus
logique pour les éléments qui se trouvent
peut-être au premier plan et
qui sont à l'origine de problèmes ou zones marginales
autour de détails plus fins. Tout ce qui
se trouve sur cette image est loin au loin. aberration chromatique n'
est donc généralement pas un gros problème.
5. Régler l'équilibre des blancs: La première
modification que j'apporte à l'image concerne
généralement la balance des blancs. Maintenant, la balance des blancs
de cette image a été capturée à 6400 Kelvin. C'est exactement ce que les réglages
automatiques que mon appareil photo avait
décidé de capturer à l'époque. Maintenant, en général, avec
une image comme celle-ci, je voudrais l'échauffer un
peu parce que, comme vous pouvez le voir, l'image est très cool à cause
du ciel et de l'eau. Et seulement une fine bande
sur l'image ayant quelque chose à
voir avec des tons chauds. Je vais donc souvent l'
enfiler un
peu pour le
réchauffer et peut-être même y apporter la teinte un
peu pour
que ces couleurs
ressortent un peu plus. Et nous pouvons
toujours faire des allers-retours et regarder l'original. Et vous pouvez voir, bien
sûr, qu'il y a
également une légère
distorsion à cause du réglage du
profil de la caméra. Mais vous pouvez voir que la différence de
couleur commence
déjà à apparaître. Si je ne suis pas sûr à 100 % par
où commencer, je me contente
parfois de
prendre la pipette et de chercher une zone
sur une image que je pourrais attribuer comme zone de balance
des blancs
et où je voudrais la définir ma balance des blancs. Si je tape
ici et que je le fais glisser, vous pouvez voir que lorsque je souris ou que je clique
sur différentes zones, l'image change de
manière significative et change généralement
ces valeurs ici. Au fur et à mesure que je déplacerai les
choses, nous verrons des différences drastiques. Et puis, si je clique sur Appliquer, cela modifiera également la
zone de l'image. C'est donc un moyen de le déplacer et de
faire en sorte que certaines
modifications aient lieu. Si je continue et que je touche Appliquer, vous pouvez voir qu'il y a un
petit ajustement. Et c'est à peu près tout.
6. Recadrage et redressement: Maintenant, toutes les images que
je prends ne seront pas droites parce que la plupart du
temps je prends des photos à main levée, pas sur un trépied et je n'ai pas tout réglé parfaitement, même lorsque vous
photographiez sur un trépied, plupart du temps, votre niveau d'
horizon peut être légèrement décalé. Je vais entrer dans l'outil de
recadrage et
il suffit de cliquer et de faire glisser
un peu ici juste pour essayer de m'aligner
sur l'horizon ou s'il y a quelque chose en arrière-plan
que je voulais utiliser, Je peux le faire aussi. Il y a l'
outil de redressement que nous pouvons utiliser, mais souvent,
je n'utilise pas l'outil de
redressement simplement parce que parfois
il se trompe. J'ai l'impression que c'est légèrement décalé
dans le sens des aiguilles d'une montre. Je préférerais donc effectuer
ces ajustements moi-même. Donc, au fur et à mesure que je l'apportais un peu, je pouvais
pincer et dézoomer un peu sur l'iPad,
juste en plaçant cette ligne d'
horizon juste au niveau
de
l'eau et en appuyant sur OK. Donc maintenant, si je
regarde l'original, vous pouvez voir qu'il y a une petite
différence entre les
deux, en ce qui concerne le recadrage et les changements de couleur que
nous avons apportés jusqu'à présent.
7. Ajustements d'exposition: À ce stade, je
cherche à définir les
valeurs de luminosité et de luminance de mon image, ce qui nécessite l'onglet Lumière.
Ici, nous avons l'exposition, le contraste, les reflets, ombres, les blancs et les noirs que nous peut apporter des modifications à. Dans l'ensemble, cette image
semble plutôt bien exposée. Cependant, c'est une image
assez plate. Il n'y a pas
beaucoup de détails à cause de la façon dont
il a été capturé. Et je capture généralement une image
aussi plate que possible parce que je
souhaite apporter ces modifications ici. Je ne veux pas que ces modifications
soient finalisées sur la caméra. Si je prends des photos au format JPEG, je veux absolument un profil
plat. Je ne veux rien
ajuster sur ces images, aucun style créatif
de quelque nature que ce soit. C'est principalement pour cela que je prends des photos
RAW, parce que je ne veux pas de
traitement supplémentaire sur ces images. Je veux juste que l'image brute sorte de l'appareil photo
pour pouvoir effectuer des réglages ici. Donc, l'une des choses par lesquelles
je vais commencer est de regarder l'exposition. qui, si on
regarde l'exposition, Ce qui, si on
regarde l'exposition, se traduit par des
changements globaux sur l'ensemble de l'image. Et donc, la plupart du temps, je n'ajuste pas
trop
l'exposition parce que je ne
veux pas apporter de changements globaux. Oui, parfois, si l'
image entière est sous-exposée, je peux augmenter légèrement
l'exposition
ou la réduire, car cela entraîne généralement
un grand changement global. Ensuite, je peux faire des réglages de
réglage plus précis à partir de là. Mais ensuite, je vais regarder mes reflets et mes ombres. plupart du temps, avec les images de
paysages, s'il y a du ciel brillant ou des objets
un peu soufflés, je vais réduire
les reflets manière significative et
faire apparaître les ombres pour récupérer une partie
des des points forts dans les zones les plus sombres
, comme ici, dans les arbres. Très souvent, je les
éloigne les uns des autres, ce qui crée un
contraste supplémentaire dans l'image. Ensuite, je peux
regarder les blancs et les noirs et les
déplacer. Vous pouvez voir les modifications
que cela apporte. Si je fais des allers-retours, je fais souvent un ajustement similaire pour les Blancs et les
Noirs. Mais vous remarquerez que si je vais trop loin avec les noirs, j'aplatis vraiment mon image et je perds beaucoup de
détails là-bas. Cela supprime beaucoup de contraste. Ainsi, lorsque j'apporte ces
modifications aux images, je fais
souvent glisser
ces curseurs un peu, juste pour essayer de déterminer quelles modifications
vont être apportées. Et cela me donne également
une meilleure idée de ce à quoi
m'attendre de l'image. Nous avons donc apporté ces modifications
à notre exposition globale. Regardons notre original. Vous pouvez voir qu'il
commence déjà à bien s'animer.
8. Réglages de base des couleurs: Maintenant que nous avons effectué quelques réglages d'exposition de
base, nous allons examiner la couleur
globale de l'image. Nous avons ici
la vibrance et la saturation qui sont des réglages
globaux qui
ajustent l'ensemble de
l'image et sa couleur. Si nous allons jusqu'
à l'insaturation de gauche,
nous obtenons une image en noir et blanc. Si nous allons jusqu'
à la droite plus 100, nous obtenons une image trop accentuée
qui n' a tout simplement pas
vraiment l'air réelle. J'ai donc tendance
à regarder la vibrance. J'aime le réglage de la vibrance parce que
c'est un outil difficile qui affecte toutes les valeurs de
couleur de l'image. Vibrance fait les choses un
peu différemment. Comme vous pouvez le voir ici. Si on monte à 100,
ce qui change ici, c'est
la vivacité bien sûr, et les arbres, la
luminosité de ces couleurs. Ici, on met davantage
l'accent sur la couleur. Et nous pouvons même voir
plus de blues et d'autres choses en arrière-plan
qu'auparavant. Si nous augmentons la saturation, nous obtenons un résultat similaire, mais tout est un
peu plus difficile et je n'
aime pas que ces ajustements
soient aussi drastiques. Donc, ce que j'ai tendance à faire, c'est d'augmenter un peu
ma vibrance ,
puis de saturer un
peu de D juste pour en réduire un
peu. J'utilise donc la vibrance pour améliorer la couleur ou la
mettre en valeur. Ensuite, j'utilise la saturation pour l'
atténuer un peu, car j'ai découvert que le simple fait de
régler un seul de ces curseurs
ne me suffisait pas. Et j'aime
trop souligner les couleurs
, puis les
ramener un peu à ce qu'elles étaient
tout en conservant plus d'éclat dans les zones
que je veux souligner. Vous pouvez donc voir de grandes
différences ici et dans les couleurs au fur et
à mesure que nous continuons à
modifier cette image.
9. Mélangeur de couleurs: Jetons maintenant un coup d'œil
au mélangeur de couleurs. Le Color Mixer est très puissant car il nous permet d'apporter des modifications spécifiques à
la
couleur en termes de teinte, de saturation
et de luminance. Maintenant, la plupart
du temps, je modifie la saturation
et la luminance. Mais selon l'apparence des
couleurs ici et la mesure dans laquelle je veux les
souligner ou les atténuer. J'utiliserai également la teinte pour
effectuer des ajustements mineurs. L'une des choses que
vous pouvez faire juste pour voir quelles couleurs sont représentées, car parfois ce n'est
pas toujours évident. Nous regardons cette image
et nous savons qu' il y a des verts et des jaunes. On pourrait penser qu'il y a du blues à cause de l'
eau et du ciel. Mais toutes ces autres
couleurs que vous n'
imaginez pas sont
représentées sur cette image. Et j'aime saturer et
simplement parcourir la saturation
juste pour pouvoir voir les changements qui
se produisent ici. Vous seriez surpris
et certains d'entre eux,
Here's Orange, feront un grand changement si nous
glissons ce va-et-vient. Ainsi, en fonction apparence de
ces oranges et de la façon dont
je veux les mettre en valeur, je peux apporter quelques ajustements à la teinte
et peut-être même augmenter légèrement
la luminance et la saturation. un peu aussi
pour faire ressortir ces couleurs. Maintenant, si nous passons au jaune, vous pouvez voir que le jaune fait grands changements
par rapport à l'orange. Je peux faire glisser la teinte
davantage vers le vert ou vers l'orange
selon ce que je veux faire. Et vous pouvez le voir en
les glissant, si je passe sur le green, nous perdons ce look
automnal orangé que je recherche
définitivement. Je devrais donc lui donner un
peu de
teinte là-bas et même augmenter légèrement la luminance et peut-être la saturation de
ces couleurs. Regardons les greens. Maintenant. Sur les greens, j'ai souvent envie de les
assombrir un peu. Donc, si nous regardons la luminance
et que nous faisons des allers-retours, vous pouvez voir un assombrissement. Cela ajoute un
peu de contraste. En
ce qui concerne la saturation, je devrais peut-être l'augmenter un
peu parce que je remarque que même ici, dans les zones
marginales de cette image,
je deviens un
peu plus vert, ce qui fait
ressortir cette zone un peu plus et ajoute un peu plus de séparation entre le premier plan
et l'arrière-plan. Si je regarde ouf, je peux faire des allers-retours ici. Si je veux beaucoup de verdure, je peux aller sur
la droite. Si je veux un
peu plus de jaune, je pourrais aller vers la gauche. Et donc je pense que ça se
présente plutôt bien là-bas. Jetons un coup d'œil aux couleurs
bleu clair ou bleu sarcelle. n'y a pas grand-chose
qui change là-bas. Je peux à peine dire quoi que ce soit, peut-être même ici
en arrière-plan. Cela ne
fera donc pas vraiment de
différence, que nous
fassions quelque chose avec la
luminance ou la saturation, ces bleus, vous pouvez voir
la différence là-haut. Maintenant, l'un des défauts de
cette
image est la balance des blancs. Et nous y avons fait quelques
ajustements. Mais dans une image
comme celle-ci, vous avez quelque chose
de très chaud au premier plan et quelque chose
de très cool en arrière-plan
. Pas cool dans un sens
où c'est tout simplement nul. C'est cool dans un sens où
il n'y a aucune chaleur,
ça devient un problème. Et donc apporter des modifications ici aussi, c'est vraiment agréable de
pouvoir isoler ces couleurs. Et je peux passer
au côté sarcelle et vous pouvez voir comment cela affecte
les choses ici. Ou je peux aller plus loin vers le côté violet avec la teinte. Je ne pense pas avoir
vraiment besoin de
modifier la teinte. Mais dans le style que j'aime, je préfère extraire la saturation d'un fond
cool et qu'elle soit un
peu plus plate en ce
qui
concerne ces tons de bleu, puis avoir des tons
bleus qui rendent
vraiment l'image
mal équilibrée. Je vais donc
les ajuster un
peu pour voir
ce qui se passe. Et vous pouvez voir que j'ajoute un peu plus de contraste ici
aussi dans les tons bleus. Passons maintenant au violet, a
pas grand-chose ici
dans le violet alors que nous faisons des allers-retours
avec la saturation. Et pareil pour
quelle que soit la dernière couleur, le rose ou
quelque chose comme ça. Le Color Mixer
est donc un excellent outil pour affiner toutes
ces différentes couleurs. Il existe également un
outil de sélection de couleurs que nous pouvons utiliser. Donc, par exemple, si
je voulais juste saisir ceci et appuyer ici pour voir les différentes couleurs qui sont
représentées dans cette zone. Je peux le faire. Je
vais donc simplement annuler cela parce que je veux m'
assurer que
mes couleurs sont telles que je les ai définies. Maintenant, allons regarder
notre original et notre montage. Cette image
commence vraiment à apparaître.
10. étalonnage des couleurs: Passons maintenant à
l'onglet de classement des couleurs. J'ai beaucoup aimé l'onglet de gradation des
couleurs parce que cela
ressemble plus à du montage vidéo pour moi, étalonnage des
couleurs est généralement
un terme de montage vidéo, et j'utilise l'étalonnage des couleurs et montage
vidéo pour ajuster la
teinte du image globale. Bien entendu, la
gradation des couleurs est devenue un terme fourre-tout désignant tout ce qui se trouve dans une image,
de l'exposition au
contraste en passant par la tente. Mais dans Lightroom principalement, je l'utilise pour
dix réglages. Lorsque nous cliquons sur cette section, vous pouvez voir que nos
ombres sont des tons moyens,
des tons clairs et un
ajustement global qui
modifierait l'ensemble de l'image. Si nous cliquons sur les reflets
et que nous faisons glisser notre teinte, nous pouvons apporter des ajustements
globaux à
l'ensemble du talon de l'image. Maintenant, bien sûr, rien ne se
passe parce que nous devons ajouter de la saturation
et pour que
cela apparaisse, cela
ressemble à un curseur qui
me donne un aperçu des modifications
que je vais apporter. Donc, si je voulais mettre à jour une image avec un ton un peu
plus chaud, je pourrais la saisir et
la replacer et voir ce qui se passe lorsque
je la déplace. Je pourrais passer à l'
orange et revenir en arrière voir le type de
changements que je reçois. Et vous pouvez voir que cela
apporte des tons plus chauds à l'ensemble du ciel que les
zones les plus claires de l'image. Mais pour moi, c'est un peu trop. Donc. Je peux aussi choisir la luminance et augmenter et diminuer la luminance. Peut-être que je vais augmenter un
peu cette
saturation et ensuite jouer
avec le mixage. Maintenant, le mélange me permet de
l'estomper à l'intérieur et à l'extérieur. J'ai mentionné que je pouvais également utiliser
la saturation pour cela. Mais le mixage me permet de
refondre quelque chose d'un peu trop dur dans la réalité. Je pourrais donc utiliser
l'outil de fusion juste pour mélanger ce backend. Ensuite, il y a aussi l'outil
Balanced qui permet d'équilibrer les modifications que vous avez apportées par rapport à l'original. Et cela
ressemble beaucoup à du fondu, de l'estomper. Mais l'équilibre et la décoloration
sont deux choses différentes. L'équilibrage est une correspondance
des couleurs et la décoloration est façon dont les modifications brusques sont basées sur le réglage
que vous avez effectué. Je pourrais donc apporter quelques
ajustements mineurs à
ces deux éléments, puis
passer à nos ombres. Alors saisissons les
ombres,
déplacons-les un peu et voyons certaines
des modifications apportées. Vous pouvez voir qu'à
peu près tout se trouve dans la partie inférieure
de l'image. Je pourrais prendre un peu
plus de bleu ou augmenter la saturation de ces couleurs manière significative et même en changer un peu
la teinte. Dans ce domaine, je pourrais l'ajuster à
peine, puis apporter un peu d'équilibre juste pour ne pas apporter
ces changements trop brusques. Remarquez que c'est
trop puissant ici, mais en y
repensant un peu, ça commence à être plutôt beau. Alors maintenant, si nous regardons notre originale et notre version
actuelle, les choses
continuent d'avancer, après avoir utilisé
un peu l'outil de gradation des
couleurs pour ajuster notre tente.
11. contraste: Effectuez mes premiers réglages de
contraste. J'aime entrer et
utiliser la courbe de tonalité. Maintenant, la courbe
de tonalité de Lightroom sur iPad n'est pas
aussi bonne que celle de Lightroom Classic, mais elle permet de faire le travail. Il existe donc différentes options
pour la courbe de tonalité. Nous allons donc appuyer sur la courbe de tonalité et nous avons différentes
options ici. Nous pouvons ajuster
les couleurs individuellement et j'
opte généralement pour la courbe de tonalité qui
me permettra de régler le contraste. Et lorsque je fais un
ajustement ici, vous verrez que j'
obtiens des lignes qui
me permettent de m'ajuster vers
le bas ainsi une courbe que je peux
ajuster ici également. J'ai donc tendance à réduire ce
côté de manière significative. Et vous verrez
ce que j'essaie de réaliser ici en les
déplaçant. Vous pouvez donc voir que j'ai ajouté
beaucoup de contraste aux
zones d'ombre de mon image, mais je l'utilise
ensuite comme fader pour atténuer le contraste là où
je le souhaite. Je peux faire de même pour
les moments forts, en les faisant
apparaître ou en les abaissant. Et donc parce que
plus tôt dans l'image, j'ai légèrement aplati certains points forts
. Je vais
les
augmenter et utiliser ce fader. Jetez donc un coup d'œil aux
points forts et aux modifications qui
sont apportées ici. C'est vraiment difficile à deviner, mais vous pouvez le voir juste bord de
la montagne et dans le ciel, changements qui se produisent. Et donc, très subtilement, je pourrais vous
proposer peut-être de les présenter un
peu plus également. Et puis, bien sûr, nous avons également
un réglage
des tons moyens que nous pouvons utiliser pour trouver un équilibre entre l'ombre et le
réglage de la luminosité qui a été effectué. Maintenant, en général, j'aime
pouvoir ajouter plusieurs points
à ma courbe de tonalité. Et je ne suis tout simplement pas
capable de le faire ici. Dans cet outil en particulier, il n'y a pas d'ajout de points. Même en utilisant
ces autres courbes, je peux ajouter plusieurs points. Et c'est génial, mais
ça ne
me mènera pas exactement là où je
veux que les choses soient. J'ai donc pu faire
ces ajustements, mais ils finissent par être bien
trop sévères pour moi. J'aime utiliser la
courbe de tonalité à droite ici et effectuer mes
réglages de cette façon pour ma transmission initiale du contraste.
12. Texture et clarté: Parlons maintenant de l'onglet
Effets, texture et la clarté sont deux domaines sur lesquels je
fais des ajustements. Et tandis que de nombreuses personnes se contenteront de prendre
le curseur Clarity et de le déplacer vers la droite pour mettre en valeur et
affiner le tout. Cela ajoute vraiment une quantité
significative de contraste et de luminance
à votre image. Jetons un coup d'œil à la
différence entre les deux. Si je vais tout à gauche et tout à droite, vous pouvez voir que j'ajoute beaucoup de luminance à cette zone ici, même cela en partant du centre
ou en le mettant à zéro jusqu'à 100, j'en ajoute beaucoup
de luminance. Si je fais des
allers-retours sur la texture, vous pouvez voir que j'ajoute de la
netteté à l'image et que j'apporte du contraste, mais uniquement sur les détails les plus fins. J'utilise la clarté pour
ajouter du contraste général et de la
netteté à mon image, mais j'ajoute ensuite
beaucoup plus de texture afin de me donner plus netteté et un contraste de détail
plus fin sans mettre trop
l'accent sur l'image et lui donner un aspect faux. Donc, comme vous pouvez le voir ici, je pourrais augmenter d'environ
dix ou onze, clarté, puis je pourrais augmenter
la texture de manière significative. Il y a eu de nombreux
cas où je suis devenu un
peu négatif
sur la clarté lorsque je
zoome et que je regarde certains des
détails les plus fins en arrière-plan, cela pourrait être nécessaire. . Si je voulais adoucir
et atténuer un le contraste sur certaines
zones problématiques au dos de mon image. Vous pouvez voir comment cela
affecte les choses. Si je suis un
peu négatif, cela enlève un peu
de contraste à certains domaines sur lesquels je ne voudrais pas
nécessairement qu' ils soient trop soulignés. La clarté est donc un outil intéressant ,
puis la texture est un excellent outil pour les petites zones Si vous pensez à un zoom avant, si vous regardez comment
cela affecte l'image, vous pouvez la voir
affecte l'image de manière significative sans pour autant éclaircir votre image
globale. Réfléchissez à la manière dont vous pouvez
équilibrer
la texture et la clarté pour obtenir l'accent, comme l'affûtage
que vous souhaitez sans trop gâcher votre
exposition. Gardez à l'esprit qu'
il est très facile d' faire trop sur ces deux curseurs. Nous avons tendance à vouloir
tout affiner et à le rendre si net. Et en faisant trop d'efforts sur ces
deux curseurs différents, nous affectons le
contraste de notre image ce qui va donner à l'image un aspect
radicalement différent. Il existe des moyens d'affiner et ajouter de la clarté sans
ajouter de luminance. Et nous l'avons vu en utilisant le curseur Texture au lieu de devenir
fou sur le curseur
Clarity.
13. affûtage: Examinons maintenant les détails
les plus fins de
l'affûtage général. Nous allons entrer dans
l'onglet des détails ici. Et par défaut, nous sommes à
40 sur l'affûtage. J'aime augmenter ce chiffre un peu, généralement à environ
70 à 75, parce que cela ajoutera de netteté et de ces
zones de l'image. Et en zoomant, vous pouvez voir certaines des
différences que cela crée. C'est très, très difficile savoir sur une image
comme celle-ci où il se passe
autant de choses
en arrière-plan et où nous sommes zoomés si étroitement, mais j'ai l'habitude de faire
entre 70 et 75 pour l'accentuation. Ensuite, je ferai quelques
ajustements fins à partir de là. Après avoir augmenté la
netteté augmentez légèrement les détails. Parce que sur les zones
en arrière-plan, elles perdent
généralement un peu de détails parce que
vous vous concentrez sur le premier plan ou parce que la
zone au premier plan est suffisamment éloignée de
l'arrière-plan que tu perds juste des détails. Je vais donc avoir tendance à prendre les
détails entre 5075, selon la
quantité que je dois ajouter sur
une image comme celle-ci, je pourrais aller jusqu'à 50,
quelque part entre 5055. Jetons maintenant un coup d'œil à
notre avant et à notre après. Nous allons simplement
appuyer sur l'écran et
maintenir la touche enfoncée, relâcher. Et vous pouvez constater que nous avons
une différence
significative entre notre point
de départ et notre situation actuelle. Mais continuons maintenant pour
terminer l'affûtage, je vais ajuster
le réglage du masquage. Désormais, le masquage est la possibilité
de déplacer la netteté de l'
ensemble de l'image vers les zones les plus sombres de l'image
uniquement. Ainsi, si le masquage est réglé sur 0, netteté est appliquée
à l'ensemble de l'image. Le problème, c'est que nous
n'avons pas besoin d'affiner
des choses comme le ciel ou nuages qui se trouvent
en arrière-plan. Souvent, si
vous laissez la netteté
appliquée à ces
zones, vous n'obtenez que appliquée à ces
zones, vous n' du bruit
et des détails supplémentaires sur des objets auxquels vous ne vouliez pas
que des
détails soient appliqués parce qu'ils se trouvent dans
zones plus claires de votre image. Alors que nous commençons à faire
reculer le masquage, nous retirons une partie de cet
affûtage du ciel, ce
qui n'est pas très important dans un puits de lumière . Voyons si nous pouvons le rendre
visible ici sur l'écran. Nous avons donc
appliqué l'affûtage à tout. Si nous reculons
un peu,
vous pouvez voir à quel point cette zone est douce parce qu'aucun affûtage ne lui est
appliqué. Nous voudrions donc généralement
trouver une
sorte de juste milieu
où le ciel ne reçoit
aucun affûtage,
mais où nous appliquons quand même un peu d'
affûtage à certains de ces détails au
dos bord de la montagne. Application complète de ce masquage au lieu de retirer une partie
de ce masquage et de n'appliquer ce
masquage qu' à certaines des zones les
plus sombres de l'image. Cela est encore plus important dans le cas d'un ciel couvert de
nuages et d'objets en
arrière-plan
censés paraître doux et
ne pas être trop tranchants.
14. Réduction de bruit: Une image comme celle-ci
va faire un peu de bruit
car il y a
tellement de choses qui manquent et
des zones en arrière-plan un
peu gênantes. Donc, dans le cas d'un paysage, je vais généralement
aborder la question de la réduction du bruit entre 2030. Et ce que cela fait, c'
est qu'il prend simplement les détails
les plus fins du bruit de l'image et
l'atténue légèrement. D'habitude, je ne fais pas plus
de bruit que cela, sauf si l'image a été prise
dans un scénario de faible luminosité. Et il y a un bruit très évident que vous pouvez voir sur l'image. Dans ce cas, je vais pousser le
curseur de réduction du bruit plus haut. Mais si vous poussez ce
curseur trop loin vers le haut, cela adoucira l'ensemble de
votre image et perdra
l'effet
sur lequel
nous avons travaillé au cours l'effet
sur lequel
nous avons travaillé de ces dernières étapes.
15. Vignette: Maintenant, cette étape varie selon les images, mais j'ai tendance à aimer la
regarder quand même. L'ajout d'une
légère vignette à une image de vignette
assombrit légèrement les
bords extérieurs de l'image et attire votre attention vers
le centre de l'image. Il se peut que
ce ne soit
pas nécessairement l'effet recherché. Si vous optez pour la vignette, ce qui était mon style
à l'époque où j'ai
commencé , c'était d'ajouter une vignette
sombre et épaisse à mon image. Ensuite, vous commencerez à
voir des changements de couleur et autres choses de ce genre se produire dans
les coins de votre image, ce qui sera vraiment plus distrayant que toute autre chose. Parfois, je jette
juste un peu de vignettage sur le
bord, puis je
prends cette vignette et
je la mets en plume. Si je fais glisser le plumage
complètement vers la gauche, tu peux voir le bord dur. Le plumage estompe
cela à l'intérieur et à l'extérieur. Et cela peut être soit un
bord dur comme celui-ci, soit il peut être tellement plumé qu'on
ne le voit presque même pas
au départ. Donc, en fonction de ce que
je recherche,
je vais l'utiliser comme
un fader qui
atténue la quantité de vignettage que
j'ajoute à cette image.
16. Dehaze: Un autre outil que j'
utilise généralement lorsque le ciel est
vraiment soufflé comme
celui-ci est l'outil Dehaze. Si je règle
l'outil Dehaze,
vous pouvez voir à quel point il est
très difficile de régler vous pouvez voir à quel point il est
très le
contraste. C'est pourquoi je n'utilise pas trop
cet outil, mais je l'utilise aussi juste pour révéler ce qui est possible
en arrière-plan. Tu peux voir si je
le fais complètement, ça détruit juste mon image. Et si je fais l'
inverse, l'image est également détruite, mais il
peut parfois être utile de
réduire le débrume ou d'ajouter un peu de D Hayes sur une image. Et dans ce cas,
je vais en laisser une petite partie parce que
cela me permet de me séparer
un peu plus des bords de ma montagne et de
l'arrière-plan. Et je vais juste vous le
démontrer ici. En les faisant glisser d'avant en arrière, vous pouvez voir qu'un
peu de brume ajoute à cette séparation entre mon premier plan et mon arrière-plan. Touchons pour avant et après.
17. masquage : Maintenant que nous avons apporté des ajustements
globaux à l'ensemble de l'image, qu'il s'agisse des tons clairs, moyens ,
foncés, couleurs, etc. C'est le moment
de faire quelques
retouches sélectives sur l'image. Lightroom est vraiment puissant
avec ses différents masques. Et les masques me
permettent d'apporter des modifications
sélectives
uniquement à l'image. Cela me permet de
souligner facilement des zones ou peut-être d'assombrir certaines zones de
l'image qui
ne sont que des points sur lesquels je
souhaite apporter des modifications. Ainsi, lorsque nous cliquons sur
le Plus pour le masquage, nous avons plusieurs
types de masques différents. Par exemple, nous pouvons sélectionner
le ciel et vous pouvez voir qu'il
va sélectionner ce type,
puis je peux appuyer sur Créer. Il détecte mon ciel
et le sélectionne. Ensuite, je peux faire des
ajustements uniquement pour le ciel. Donc, plus tôt, lorsque nous avons examiné certains de ces
différents outils tels que la texture, clarté et la débrume, j'ai
pu apporter des ajustements uniquement au ciel et laisser
le reste de mon image seul. Maintenant, je n'
utiliserais probablement pas cette sélection parce que la plupart
du temps elle n'est pas parfaite. Vous pouvez voir qu'il
manque quelques bords ici, où je
pourrais avoir besoin de le nettoyer. Une partie de la montagne est
incluse dans cette sélection. Mais j'ai pensé qu'il serait
intéressant de montrer que c'est peut-être un outil
qui pourrait
être utilisé, si vous souhaitez effectuer
ce type d'ajustement. Je vais donc aller de
l'avant et appuyer sur plus, et je vais choisir un dégradé
radial. Le dégradé radial
me permet de sélectionner une forme de type cercle ou ovale afin de pouvoir effectuer des ajustements
localisés. Par exemple, je pourrais
faire
croire que le soleil est derrière moi,
derrière les caméras qui
brillent de cette façon. De toute évidence, tout est un peu
exagéré ici en ce qui concerne les détails. Et il est évident que le soleil n'
était pas terminé à cette fin. Il se peut donc que je veuille ajouter une zone à l'image afin de pouvoir faire
cette sélection, la faire pivoter un
peu, la redimensionner
et ajouter un point sensible à l'image où
peut-être le soleil brille à travers les nuages
de l'autre côté. Je peux donc passer à la lumière et modifier l'exposition, ou je peux également modifier les tons clairs et les
ombres. Il me donne tous
ces réglages y compris la couleur, la
température, la teinte , la
saturation et
les effets détaillés, et même la possibilité
de régler davantage ET franges
en cas de problème sur une image qui a eu
lieu lors de la capture. Je pourrais donc augmenter l'exposition un
peu et peut-être
un peu d'ombres. Et vous pouvez le voir ici
car je pourrais faire quelques ajustements et changer un peu la
forme. Cela ajoute une belle
valeur de luminosité à cette zone. Je pourrais donc juste ajuster
cette forme un peu. Et nous allons apporter un changement un
peu plus
brusque ici. Illumine très bien cette zone
arborée et en fait un
point central de l'image. J'aime bien ça. Allons-y et
ajoutons-en un autre. Nous allons donc aller de l'avant et appuyer sur Plus, allons choisir un dégradé radial. Et je veux juste
égayer cette partie supérieure ici, au sommet des arbres, dans
le coin arrière. Alors allons-y et
apportons quelques
ajustements mineurs à cela. Et une exposition un
peu plus grande. Ombres. Juste un petit peu aussi. Des ajustements très subtils, mais visibles dans l'
ensemble des choses. Un autre changement que je
voudrais peut-être apporter est de prendre le radial et c'est vraiment
difficile à dire, mais je peux. Et c'est en grande partie votre prise de décision
créative qui
aura lieu ici. Et ce que vous voyez et
ce que vous voulez souligner, c'est ce à quoi vous
allez faire des ajustements. Ces ajustements font partie intégrante du processus de
création. À votre goût. Il se peut que vous ne souhaitiez pas
mettre en valeur certaines zones votre image ou que vous souhaitiez réduire l'accentuation
de zones de votre image. C'est comme esquiver
et brûler. Dans Photoshop, esquive et la gravure vous
permettent de mettre en valeur, mettre en évidence des zones ou de les réduire. Il s'agit essentiellement d'ajouter un contraste
sélectif à des zones spécifiques de votre image. Alors qu'un pinceau permet
de le faire à main levée, un réglage radial me permet projeter de la lumière dans
différentes zones. Alors maintenant, jetons un coup d'
œil à cela avant. Et ça après. Des différences très drastiques entre l' original et ce que
nous avons jusqu'à présent.
18. Suppression de points: Maintenant, la dernière étape serait regarder l'
image de plus près pour m'
assurer qu'il n'y a
aucune imperfection à corriger. Qu'il s'agisse d'imperfections causées par quelque chose sur votre objectif, comme une petite tache ou une spécification sur votre objectif,
ou de quelque chose qui a peut-être été ou de quelque chose qui a peut-être vraiment accentué au
fur et à mesure que nous l'avons affiné et avons contrasté notre image en zoomant et en
regardant autour de nous. De toute évidence, je zoome
à plus de 100 % et je
cherche simplement des éléments l'image qui
pourraient poser problème. Je suis, comme je l'ai dit, des taches sur l'objectif ou d'autres
objets qu' il faudrait
peut-être enlever parce qu'ils dépassent
un peu trop. Parfois, vous
devez supprimer certains aspects
de votre image , car ils
sont trop gênants. Il se peut qu'en zoomant,
vous aperceviez un randonneur
là-haut et que vous souhaitiez
supprimer cette personne de votre photo parce qu'elle si petite et qu'elle ne l'est pas vraiment, il n'y a pas beaucoup de
détails de toute façon. Ces modifications
sont donc très faciles à
effectuer à l' aide de l'outil de brosse de
guérison. Et bien qu'il n'y ait
rien que je
veuille vraiment supprimer de cette image, à
part cela m'est ressorti. Je ne sais pas ce que c'
est ici sur l'image, juste quelque chose de brillant
qui me tient un
peu à l'esprit. Je peux faire des ajustements
avec mon pinceau de guérison. Alors que je décidais la taille de
mon pinceau en faisant glisser un peu
dessus, j'allais
peindre dans cette zone, qui est un peu grande. Je peux donc toujours
ajuster la taille du pinceau et refaire ou faire des ajustements
locaux ici et
simplement le déplacer. C'était trop. Et parfois, c'est difficile à
savoir à moins de faire un zoom arrière. Mais en fait, c'est
probablement très bien. Au fur et à mesure que je fais des
allers-retours entre ces étapes, vous pouvez voir
que cela supprime
simplement la zone de surbrillance
dont je voulais me débarrasser. Et c'est un excellent
outil pour vous débarrasser de toutes les autres
zones problématiques de votre image. J'ai tendance à le
faire à
la fin du processus d'édition ou si j' ai beaucoup de problèmes
à résoudre, je le ferai
au début du processus.
19. Merci: J'espère que vous avez apprécié
cette présentation de mon
flux de travail Lightroom sur un iPad. Je sais que c'était très amusant
de retoucher cette photo et de vraiment
réfléchir à mon processus. Et ce processus a évolué au fil des ans à mesure que Lightroom a ajouté de nouveaux outils et que j'ai découvert de
nouvelles façons de faire les choses. L'avantage d'Internet est pouvoir voir ce que font les
autres et de l'appliquer à notre propre style d'édition. Maintenant, j'ai d'autres cours
qui sont disponibles. Certains sont encore à venir. Et ces
cours vous aideront dans différents domaines de
votre processus d'édition. Que vous soyez photographe ou que vous souhaitiez vous lancer dans la
vidéo
tout en vous aidant
à utiliser votre appareil photo. Pour tirer le meilleur
parti de Lightroom, il
faut d' abord obtenir la meilleure image
que votre appareil photo peut produire. Il est donc très important de comprendre comment
capturer des images et obtenir la meilleure image possible de l'
appareil photo. Je vous demande donc de jeter un coup d'œil à certains de mes autres cours
disponibles. Et si l'un d'entre eux vous
intéresse, j'adorerais vous voir dans
l'un d'entre eux également. N'oubliez pas de rejoindre mon groupe
dont le lien ci-dessous vous permet de partager certaines
des images que vous avez éditées. J'adorerais voir les images
que vous avez retouchées à l'aide ce processus et voir simplement ce que vous êtes capable de créer, partageant avec moi et en
les
partageant avec moi et avec
les autres utilisateurs du groupe. C'est un excellent moyen d'
obtenir des commentaires et c'est également
un excellent moyen de poser
des questions. Merci encore d'avoir suivi
mon cours et d'être resté avec
moi tout au long de ce cours. J'apprécie votre temps
et votre investissement dans l'amélioration de votre
flux de travail dans Lightroom. J'espère que cela vous a été utile et j'espère vous voir bientôt
dans un autre de mes cours ou dans le
groupe ci-dessous, Prenez soin de vous.
Jerad Hill
