Florales détaillées d'aquarelles pour la conception de motifs de surface

1. Intro: Le monde de la mode ne s'est jamais ennuyé de motifs floraux. Les tendances changent, les schémas de couleurs, échelles dérangeantes et les mises en page changent, mais les fleurs restent un motif de héros dans une partie significative de la conception du motif de surface. Détail, l'illustration botanique est très populaire dans la mode ces jours-ci. Code de colle différentes marques de luxe utilisent illustration florale, Gucci, Alexander McQueen, Dolce et Gabbana, et bien d'autres. Mon amour pour illustrer les fleurs, et ma passion pour la création m'a amené à décomposer la formule pour créer de belles illustrations florales, la conception des motifs de surface. Je m'appelle Katya. Je suis un artiste aquarelle et concepteur de motifs de surface. J' aimerais que vous voyez mes motifs aquarelle sur des articles de mode de différentes marques. Ce cours porte sur la façon d'illustrer des motifs floraux pour la conception de surface et sur l'illustration botanique avec des aquarelles. Nous allons parler en détail comment dessiner des fleurs, comment créer des illustrations adaptées spécialement pour les besoins de conception de la chambre à coucher de surface. Je vais montrer la peinture de beaux architectes avec des aquarelles étape par étape. Nous n'apprendrons pas comment travailler dans Photoshop et comment créer des motifs répétés, mais je vais vous montrer tout le processus de création d'un motif floral de la construction d'un concept à la création d'une répétition transparente prête à l'emploi sur différents produits. Cette classe est une combinaison d'une théorie utile avec beaucoup de travail pratique. Donc, que vous souhaitiez découvrir mon approche pour créer des motifs floraux, ou si vous voulez apprendre à plier des orques quadruples, bienvenue dans ma classe. Si vous avez des questions, veuillez les écrire dans la section de discussion ci-dessous. Je serai heureux de répondre à vous tous. N' oubliez pas de me suivre sur Skillshare et ne manquez pas mes nouveaux cours en cliquant sur le bouton suivre. Vous pouvez également me suivre sur Instagram où je partage des instructeurs de travail et d'autres choses différentes. se voit dans la vidéo suivante. 2. Concevoir votre propre motif: Voici un exemple d'illustration botanique traditionnelle de Pierre Joseph Redoute. Regarde comme les fleurs sont magnifiques. Vous pouvez voir qu'il peint très précisément, mais dans le cas de la qualité, et des motifs floraux, pour les plumes de mode, il n'est pas nécessaire d'être aussi détaillé ou aussi réaliste que dans ces illustrations. L' objectif des illustrations botaniques traditionnelles est que les fleurs doivent être informatives, et notre objectif est de rendre les fleurs belles et sophistiquées. Vous pouvez simplifier légèrement la forme, le niveau de détails, et vous pouvez être un concepteur dans le sens où vous pouvez choisir des couleurs harmoniques. Les résultats finaux devraient être réalistes, mais pas photoréalistes. Les détails tels que les petites stries et les ombres se perdent lorsqu'ils sont imprimés sur le tissu. Votre objectif le plus important ici est de montrer le caractère d'une fleur. Vous pouvez le faire en illustrant magnifiquement le motif sur les pétales de fleurs, en soulignant son volume, et en combinant la lumière dans l'ombre d'une manière unique, ou en lui donnant votre touche personnelle en exerçant ses courbes principales et ses formes. Dans cette classe, nous allons illustrer des motifs floraux détaillés pour créer un beau motif pour des vêtements ou d'autres articles de mode tels que des foulards, coques iPhone, ou tout ce que vous souhaitez appliquer. La première chose que nous devons faire est de choisir une fleur qui vous inspire. Habituellement, j'utilise mes propres photos comme références ou dessiner à partir de vraies fleurs. Mais au cas où je veux ou besoin d'illustrer une fleur spécifique qui ne pousse pas dans ma région, je recherche des références dans tous les livres botaniques, ou via des services web gratuits tels que Unsplash.com, où vous pouvez utiliser le images à des fins commerciales sans demander la permission. Mais soyez prudent et respectez la propriété intellectuelle des autres. Afin de créer un bon flux et un bon équilibre dans mon futur modèle, j'utilise quelques petites astuces. Habituellement pour ce type de motif floral, je choisis un type de fleur, mais je crée quelques illustrations de différentes modifications. Il peut s'agir de quelques angles de la même fleur, il peut s'agir de différentes étapes de son cycle de vie. Juste les bourgeons ont fleuri, ouvert et plein fleuri. Regardez à quel point les compositions de cette anémone sont intéressantes. Chacun d'eux ne présente qu'un seul type de phénomène, mais peint sous différents angles et les différentes étapes de son cycle de vie. Une autre option consiste à combiner des groupes de fleurs à côté des fleurs simples, comme dans ce motif [inaudible]. Soyez créatif et écoutez votre propre intuition afin de créer des compositions harmoniques. Essayez de souligner la beauté d'une fleur, l'élégance, ondulation, de belles courbes, ou comme alternative, sa simplicité. Imaginez qu'il y ait un vent qui souffle sur votre fleur ou qu'elle passe sous l'eau. Habituellement, j'essaie d'éviter de placer plus d'une fleur à l'avant. Dans la plupart des cas, des nombres tels que trois, cinq ou sept dans un groupe fonctionneront mieux que deux, quatre ou six. Si je dessine la branche, j'essaie de ne pas placer les fleurs sur deux côtés symétriquement. Après avoir recueilli des références, créez des motifs pour votre futur modèle. Dessinez trois croquis de défaut de votre fleur préférée ou des groupes de fleurs. Dans la troisième étape, créez une illustration finale en peignant à l'aquarelle. Je vous encourage vraiment à partager vos travaux en cours à chaque étape avec tout le monde dans cette classe, afin qu'ils puissent donner leur avis. Je serais heureux de voir vos créations et de vous faire part de vos commentaires. N' aie pas peur. Tout le monde peut dessiner. dessin et la peinture sont des compétences très apprenables, tout comme cuisiner, ou faire du vélo, tout le monde peut l'apprendre. Alors commençons. 3. Fournitures artistiques: Voici un bref aperçu d'une fournitures d'art que vous aurez besoin pour compléter votre projet de classe, crayon, gomme et papier régulier de croquis, aquarelles. Vous aurez besoin d'un ensemble d'aquarelle de base. Vous pouvez utiliser des stylos ou des tubes, tout ce que vous avez et ce qui vous convient le mieux. Dans mon projet de classe, j'utiliserai quatre couleurs principales, rose quinacridone, le rose opéra, bleu cobalt et le jaune citron. Brosses, tout en peignant avec des aquarelles, utilisent des types de cheveux authentiques ou de sable Kolinsky brosses aquarelle. Les tailles essentielles des pinceaux sont, une grande taille, environ huit pour couvrir avec de l'eau de grandes surfaces, une brosse de travail, la taille quatre ou six, cette brosse est la plus importante, et une brosse pour peindre les moindres détails et veines. A cet effet, j'utiliserai la brosse la plus fine que j'ai, taille 5/0. Papier aquarelle. Un choix idéal pour notre projet de classe est le papier de coton pressé à chaud avec une couleur blanche élevée. Habituellement, il est disponible en blanc et blanc élevé, donc je vous conseille de choisir un papier blanc élevé afin de rendre les illustrations plus lumineuses et saturées. Dans cette classe, j'utiliserai du papier aquarelle Saunders Waterford, de l'eau, du récipient d'eau et des essuie-tout. Choisissez un récipient blanc confortable afin de garder l'eau propre pendant un maximum de temps. Les serviettes en papier sont très importantes. Gardez-les toujours près de votre main de peinture. Vous trouverez quelques exemples de fournitures d'art recommandées dans la description de la classe ci-dessous. 4. Créer un concept: Comme vous l'avez déjà deviné, je vais créer une illustration d'orchidée comme mon projet de classe. J' ai choisi les orchidées parce qu'elles sont brillantes et belles. Avec un motif intéressant sur ses pétales, ils seront magnifiques sur n'importe quel article de mode. Enfin parce que j'ai un parc incroyable d'orchidées à proximité, où j'ai passé beaucoup de temps à les observer. Tout d'abord, j'ai parcouru mes références de photos et en ai choisi trois. Mes illustrations comprendront un groupe de trois orchidées entièrement ouvertes. Une branche avec une orchidée à moitié ouverte et un bourgeon, et une branche avec trois bourgeons. Je pense que cette diversité de formes, d'angles et d'étapes de son cycle de vie créera un look sophistiqué et une atmosphère naturelle dans mon futur modèle. Aussi, j'aime que dans ce groupe, toutes les fleurs ont une taille différente et elles sont toutes orientées dans des directions différentes. Sur cette scène, je commence à analyser la fleur. Quand je regarde mes références, j'ai remarqué que chaque fleur a sa propre tonalité. Certaines fleurs sont plus foncées et d'autres plus légères. Malgré tous sont des fleurs du même genre. Mais quand je commence à peindre, j'utilise souvent un petit truc d'une perte de perspective atmosphérique au lieu de copier exactement à partir de mes références. perspective atmosphérique dit que le collier et le ton des sujets perdent leurs caractéristiques en allant plus profondément dans l'espace. Cela signifie que les fleurs qui sont plus proches du spectateur seront plus saturées, sombres, et nous aurons plus de contraste par rapport aux fleurs qui sont plus éloignées de nous. Vous ne le verrez pas toujours dans la vraie vie, surtout dans les objets qui sont près de vos yeux. Mais quand vous regardez les paysages, regardez loin d'ici, vous verrez que les couleurs de cette scène perdront progressivement leur situation et le plus éloigné de vos objets aura une grande couleur, malgré leur propre couleur, pourrait être brillant, vert saturé ou quoi que ce soit. Gardez cela à l'esprit et essayez d'appliquer cet effet dans vos illustrations. Dans la vidéo suivante, nous allons parler de dessin des fleurs. On se voit là-bas. 5. Les bases du dessin floral: Le dessin botanique n'est pas un processus simple, que nous nous améliorons après des heures de pratique. Mais il y a une logique et une séquence derrière le processus. Tout ce que je vais dire dans cette classe est quelque chose qui fonctionne bien pour moi, mais peut-être que vous avez une façon différente ou meilleure de dessiner des fleurs. Créer un croquis détaillé avant de plonger dans l'illustration finale est une étape très importante. Si le dessin ne réussit pas, il peut avoir une influence négative sur le résultat final. Alors respirez profondément, soyez patient, et commençons. Les fleurs de dessin vont de général à spécifique. Cela signifie que nous commencerons à esquisser les plus grandes zones et les formes de base formant la fleur, en descendant progressivement dans les détails. abord, vous devez être préparé, observer attentivement et analyser votre fleur ou groupe de fleurs. Posez-vous les questions suivantes. Quelles sont les principales proportions ? Comment la largeur d'une fleur est-elle liée à sa hauteur ? Quelle partie est la plus proche du spectateur ? Combien de pétales sont sur votre fleur ? Combien de fleurs sont dans le groupe ? Que se passe-t-il dans la partie reproductrice centrale de la fleur ? Cette partie est souvent compliquée, alors assurez-vous de la comprendre correctement. Quand je ne suis pas complètement sûr de la structure de la partie reproductrice, je la dessine séparément afin de concentrer mon apprentissage sur elle. Quel est le motif sur les pétales de la fleur ? Si le motif est le même sur chaque pétale, combien de feuilles y a-t-il, et comment sont-elles attachées à la tige de la fleur ? Sont-ils symétriques ou non. Après avoir observé la fleur, essayez de diviser votre fleur ou votre groupe de fleurs en formes géométriques simples telles que des cercles, ovales, des cônes, des cloches, des triangles et des lignes. Ne pensez pas aux détails à cette étape. Cela sera significatif lorsque vous voulez dessiner la fleur et vous n'êtes pas exactement sûr de la façon de le faire. Regarde les formes. Trouver les angles qui se trouvent entre les lignes principales et les formes. Observez quelles formes sont créées par l'espace négatif. C' est ça. Assez de théorie pour l'instant. Plongons dans la pratique. 6. Dessin détaillé au crayon: En dessinant des motifs, j'utiliserai un crayon ordinaire et gomme à effacer et une gomme régulière pour enlever les grandes pièces. Aussi, j'utiliserai cette belle plume pour nettoyer ma vapeur. Tout d'abord, nous allons comprendre les formes de base orchidées à formé de. Je vois que la fleur d'orchidée a une forme circulaire, qui comprend deux couches de pétales. Sur la couche inférieure, il y a trois pétales qui forment un triangle avec des points pointus. Sur la couche supérieure, il y a deux pétales qui forment un ovale. Après avoir construit une base, nous créons les contours des pétales. Regardez la différence entre les pétales supérieurs et inférieurs. Les pétales supérieurs sont plus larges et plus grands, et le fond est plus étroit et pointu. Une fois que nous sommes sûrs de comprendre la structure de l'Orchidée, nous passons à dessiner dans un groupe et les motifs restants, il est important de calculer la bonne taille de vos motifs. J' ai remarqué qu'il est préférable de dessiner des objets légèrement plus grands que prévu pour vos produits finaux. mise à l'échelle de vos illustrations tout en créant un motif masquera de nombreuses imperfections et, en général, rendra vos illustrations beaucoup plus belles. Habituellement, je dessine des motifs plus grands et préfère les réduire plus tard dans Photoshop. La première illustration sera un groupe de trois fleurs. Chacun d'eux fait face dans une direction différente. Je vais isoler ces trois fleurs pour ma première référence de cette façon, quand je regarde notre groupe de fleurs, je vois que les trois fleurs que je vais dessiner forment un triangle. Nous marquerons les lignes principales afin de créer une zone de travail pour le dessin. Nous esquissons nos fleurs à trois cercles et ovales. L' orchidée supérieure est la plus grande. En passant, nous pouvons varier artificiellement les tailles des éléments pour créer une composition équilibrée qui n'est pas ennuyeux en créant un contraste entre les formes principales. Je vais légèrement agrandir notre orchidée supérieure. Comme nous l'avons dit précédemment, il y a des triangles et des ovales placés à l'intérieur de chaque orchidée. En conséquence, nous plaçons un triangle et un ovale dans chacun de nos trois cercles. Compte tenu des angles et des modifications de perspective des formes, remarquez comment les lignes principales et les formes sont liées les unes aux autres lorsque vous dessinez, par exemple, essayez de relier visuellement le début d' une fleur au milieu de l'autre et des choses comme ça. Nous trouvons le milieu de chaque fleur afin de commencer à dessiner les pétales supérieurs et les parties reproductrices des orchidées. Associez toujours différents points critiques les uns aux autres et créez des lignes visuelles dans votre esprit entre eux. De cette façon, vos objets auront l'air harmonieux et ne danseront pas séparément sur votre morceau de papier. Après avoir placé les éléments principaux des orchidées, nous commençons à ajouter les détails en créant des contours de pétales, puis en esquissant ses parties reproductrices centrales. Lorsque vous esquissez une pièce centrale, encore une fois, divisez dans votre esprit pour séparer les formes et commencez les dessiner en les reliant les points critiques les uns aux autres. Remarquez comment le début d'une forme est lié à la forme que vous avez déjà dessinée dans le sens du placement et des angles. Je ne suis pas totalement satisfait du grand morceau d' espace négatif entre la fleur supérieure et la fleur droite. Par conséquent, je vais remplir cet espace était une fleur de fond supplémentaire. Comme je l'ai déjà dit, je préfère dessiner trois ou cinq fleurs dans le groupe. Mais dans ce cas, la première fleur sera partiellement cachée, presque invisible, et elle servira de groupe, comme fond. Donc, je peux encore dire que le groupe principal se compose de trois. Dans ma deuxième illustration, je vais dessiner cette boîte de trois. Chacune de la boîte s'ouvre différemment de complètement fermée à presque ouverte, ce qui, je pense, sera beau dans notre futur modèle. À la troisième illustration, je veux extraire ces deux fleurs inférieures de ce cerveau, mais je veux que la plus petite fasse face vers le haut. Donc, afin de me faciliter la vie et de retourner dans ma référence de manière à être confortable pour moi. Continuez à dessiner tous vos motifs, jusqu'à ce que vous vous sentiez satisfait du résultat. Vous pouvez faire pivoter l'appât, ce qui vous aidera à identifier les choses que vous pourriez souhaiter améliorer. Vous pouvez trouver des dessins au trait de motifs que j' ai créés pour cette classe dans la description du projet ci-dessous. N' hésitez pas à les télécharger et à vous entraîner. C' est tout, dans cette leçon avec un dessin fini, nos illustrations. Maintenant, nous sommes prêts à commencer à peindre avec des aquarelles. se voit dans la leçon suivante. 7. Palette de couleurs: La partie importante de chaque peinture à l'aquarelle est de choisir le bon ensemble de couleurs avant la main. Je vais penser à la palette de couleurs pour les orchidées dans mon carnet de croquis spécial, que je garde, surtout pour mélanger les couleurs. J' ai choisi ici quatre aquarelles de base que je vais mélanger pour trouver toutes les colonnes que je vois dans la pièce d'art. Ils sont rose quinacridone, rose opéra, bleu cobalt et jaune citron. Aussi, je pourrais avoir besoin de l'aide d'un peu de rouge. Vous pouvez rechercher vos propres combinaisons de couleurs ou à la place, pour utiliser des couleurs prêtes à l'emploi. Comptez simplement sur votre propre intuition et vos yeux. Pour la couleur primaire des pétales, nous mélangeons le rose opéra et le bleu cobalt, ce qui nous permettra d'atteindre la belle couleur rose froid des orchidées. Pour la plupart des zones saturées mais encore allégées, j'utiliserai un mélange de rose opéra, quinacridone et de cobalt. Les ombres sur les pétales ont une couleur pourpre profond, pour laquelle je vais mélanger le rose quinacridone, le bleu cobalt et un peu de jaune citron, ou même mélanger les quatre couleurs. J' ai légèrement varié la proportion de chacune des couleurs afin d'obtenir des teintes différentes. Avec le rose opéra, il sera un peu plus lumineux, couleur rouge dans les parties reproductives. Ici, j'ai besoin de l'aide d'une couleur rouge profond fraîche. Ici, dans ma palette, il y a de l'alizarine pourpre, qui je pense est un excellent choix. Je vais mélanger alizarine cramoisi et quinacridone rose comme base et ajouter ici un peu de jaune citron et de cobalt. Ce sera notre couleur rouge saturée pour les parties reproductrices. Mais aussi nous avons besoin d'une nuance de plus de rouge. Mais un peu plus froid et plus sombre pour les ombres les plus sombres. Pour cela, je vais mélanger le bleu cobalt, rose quinacridone, le jaune citron et le rose opéra. Pour les tiges, j'utiliserai le vert et le gris. A cet effet, je vais mélanger le bleu de cobalt et le jaune citron. Cette combinaison peut varier du gris clair à une couleur vert jaune ensoleillé en fonction des proportions de différents pigments. Enfin, jaune citron, qui sera utilisé pour les parties reproductrices et les zones de vie chaudes sur les pétales. En outre, nous pouvons ajouter un peu de rose opéra pour rendre le jaune plus chaud si nécessaire. Toutes nos fleurs sur les références ont des couleurs légèrement différentes, mais nous pouvons les réaliser toutes en utilisant les mêmes combinaisons de couleurs, dont nous avons discuté dans cette leçon. Nous pouvons varier la légèreté et l'obscurité, la saturation et les proportions, ce qui nous donnera une grande diversité de teintes. 8. Peinture à l'aquarelle : Couches de base: Lorsque vos illustrations sont prêtes, échangez-les sur du papier aquarelle. Lorsque vous transférez vos dessins sur du papier aquarelle, gardez les lignes de crayon aussi propres et aussi invisibles que possible, ce qui vous aidera à éviter les lignes de crayon visibles dans vos illustrations d'aquarelle finales après la numérisation. Lorsque vous travaillez avec un dessin relativement simple, qui n'a pas de petits détails, vous pouvez tracer un contour qui est d'une couleur similaire au crayon aquarelle, qui se dissoudra lorsque vous le couvrez d'eau, sorte que vous ne serez pas ont des lignes indésirables du tout. Nous allons commencer à peindre la première couche en appliquant de la couleur sur les plus grandes zones, qui sont les pétales. Cette couche sera une base pour construire le volume et ajouter de beaux détails dessus. D' abord mélanger les couleurs rose colt, un rose colt très dilué du cobalt et du rose opéra et le second, plus saturé pourpre pour les ombres du cobalt opera rose et du rose quinacridone. Nous commençons à peindre de grandes zones en technique humide sur humide. Lorsque le papier est lentement et uniformément, ne vous inquiétez pas si l'eau coule au-delà des frontières, vous pouvez toujours le réparer avec une serviette en papier, mais essayez d'éviter cela. Mettez le mélange de lumière sur toute la zone en laissant la bordure extérieure la légère et appliquez des couleurs plus saturées sur la partie centrale de la tasse comme la zone du pétale, répétez cette action sur tous les pétales restants. Appliquez la couleur en conséquence à ce que vous voyez sur la référence, observez la fleur et essayez de différencier entre les parties allégées et les ombres, entre le fusible chaud et froid. Notez qu'il existe une grande variété de couleurs allant des ombres violentes de colt à la lumière jaune chaude. Pour une peinture réussie avec des aquarelles, vous devez être un stratège et toujours planifier à l'avance, pensez à l'endroit où vous souhaitez vos blancs et vos lumières avant d'appliquer de la peinture. Si vous voulez en savoir plus sur techniques de base de l'aquarelle utilisées dans l'Illustration Botanique, vous pouvez regarder mon cours précédent intitulé Essentials of Aquarelle Botanical Illustration. Après cela, nous allons approfondir la couleur où il y a une zone comme une tasse du pétale dans une technique humide sur humide à nouveau. Utilisez un mélange violet de couleurs pour les ombres du cobalt, rose opéra et du rose quinacridone. Nous faisons la même chose sur le deuxième pétale, ici nous utilisons un mélange plus lumineux pour les ombres en y ajoutant plus de rose opéra. Continuez à approfondir les ombres sur tous les pétales restants. Après avoir terminé, appliquez les mêmes actions sur les fleurs restantes. Une fois les couches de base de notre groupe prêtes, nous continuerons à peindre les parties reproductrices centrales de [inaudibles] dans la prochaine leçon. 9. Peinture à l'aquarelle : Pièces centrales: Passons à la peinture dans les parties centrales. Je commence par mélanger le rose quinacridone, cobalt et le rose opéra en deux consistance. Un de plus dilué, et un de plus saturé. Bien que toutes les parties de la zone de reproduction soient petites, nous allons toujours les peindre dans une technique humide sur humide afin d'obtenir des résultats lisses. Lentement et soigneusement, mouillez chaque zone un par un et appliquez la couleur selon ce que vous voyez dans la référence. Appliquez les couleurs les plus saturées dans les ombres, mais assurez-vous de contourner les zones les plus claires afin de les vivre lumière. Ignorez les plus petits détails et les ombres. Pour l'instant, notre objectif est juste de créer le volume principal dans chacune des petites pièces. Comme nous le voyons dans nos références, les parties reproductrices sont beaucoup plus sombres que les pétales, donc les peindre avec la consistance la plus saturée de peinture dès le début. Gardez cette partie saturée, contrastée et croustillante. Maintenant, je vois que certaines des zones que j'ai peintes ne sont pas totalement lisses. Mais je vais corriger cela dans les couches suivantes. Après avoir appliqué la couleur jaune au milieu, je passe à peindre cette section de suspension. Soyez prudent ici et contournez les tourbillons à la fin de la section suspendue sans laisser la peinture les toucher là où ils devraient rester légers. La partie inférieure, a une couleur mince brillante qui monte et devient progressivement rouge. Avec la couleur rouge, je mélange le rose quinacridone et l'alizarine cramoisi. Continuez à ajouter de petites ombres et détails pour toutes les pièces. Après avoir senti que vous avez intégré le volume dans la partie centrale vous pouvez commencer à ajouter des détails avec la brosse la plus fine que vous avez. Observez attentivement la fleur et répliquez les motifs frappés et sombres. Afoncez les ombres là où c'est nécessaire. Répétez cette action pour toutes les fleurs restantes. Dans cette leçon, nous avons peint des parties centrales des orchidées, et dans la leçon suivante, nous ajouterons plus d'ombrage aux pétales. 10. Peinture à l'aquarelle : Ombrage supplémentaire: Après avoir peint les parties centrales, nous passons à construire un volume supplémentaire en pétales, ce qui rendra nos orchidées plus naturelles et réalistes. Nous mouillons chaque pétale et appliquons la couleur là où il y a des ombres. Toujours analyser et comparer les couleurs dans les ombres. Dans certains pétales, il sera plus chaud et plus lumineux, et dans certaines parties, il sera violet et sourd. En outre, il peut y avoir différentes teintes d'ombre dans un pétale. Comptez sur vos yeux. Ils vous guideront comment utiliser la couleur. Après l'application de la peinture, adoucir les bords des zones peintes avec une brosse déprimée propre. Pensez à la finalité sur cette étape. Afin de créer un look plus sophistiqué, je vais créer une hiérarchie visuelle dans notre groupe. La fleur qui est la plus proche de moi, l'orchidée inférieure droite, sera la plus sombre et la plus contrastée, car elle est placée le plus près du spectateur. L' orchidée supérieure sera un peu plus lumineuse que le bas à droite, et l'orchidée gauche sera la plus légère dans le groupe car elle est placée le plus loin de nous. En conséquence, les ombres sur les pétales seront plus lumineuses et moins saturées. Si vous avez des questions, écrivez-les dans les discussions ci-dessous. 11. Peinture à l'aquarelle : veins: Lorsque nos orchidées sont à peu près prêtes, nous allons peindre des veines sur ses pétales. Il est important de peindre les veines entre les couches, car les couches suivantes ramolliront les veines et les rendront plus naturelles. Cela signifie ne pas peindre les veines à la fin, assurez-vous de couvrir les fleurs avec au moins une couche supplémentaire de peinture moitié transparente, ou même de l'eau. Aussi toutes les veines ne sont pas les mêmes, certaines d'entre elles sont roses et certaines d'entre elles sont presque violettes. Ce processus est assez long et nécessite de la patience, mais il ajoute vraiment beaucoup à l'illustration, donc je vous conseille de ne pas sauter cette étape. Il est important de garder la hiérarchie dont nous avons parlé dans la classe précédente, les veines sur l'orchidée inférieure droite doivent être plus foncées et ne pas le contraster que sur les autres fleurs, comme dans la vraie vie, nous verrons le motif et la texture mieux et avec plus de détails sur un objet plus proche de nos yeux. Conservez également cette règle dans vos illustrations. 12. Panting à l'aquarelle : Touches finales: finir, nous allons rendre les séparations entre les pétales plus claires assombrissant les pétales sous-jacents dans les zones qui se chevauchent. Après cela, nous faisons un contraste et des accents supplémentaires sur l'orchidée en bas à droite afin de souligner plus une hiérarchie tonale dans le groupe. Enfin, nous allons assombrir un peu la fleur forestière sous-jacente. La fonction de cette fleur est de faire en sorte que notre groupe se démarque et sert de fond pour elle. Par conséquent, avec l'aide de cette fleur, nous allons rendre les bords clairs des orchidées supérieures croustillants et contrastés. C' est tout, notre première illustration est faite. Continuez à peindre les motifs restants et téléchargez vos résultats dans la galerie de projets. 13. Numérisation et traitement: Maintenant, quand nous finissons de peindre des illustrations avec des aquarelles, nous passons à la partie numérique du processus. D' abord, nous devons scanner les illustrations. Il est important de les scanner à la résolution la plus élevée possible. Habituellement, je scanne avec 100-2000 ppp. Si vous n'avez pas utilisé de papier à chaud auparavant, vous serez surpris de ne pas voir la texture du papier aquarelle, ce qui est idéal pour l'impression [inaudible] sur différents produits à l'avenir. Après la numérisation, j'importe toutes les illustrations dans Photoshop. Le traitement de l'image se compose de deux étapes : Tout d'abord, supprimer l'arrière-plan. Il existe de nombreuses façons de supprimer l'arrière-plan de plusieurs illustrations en couleur, mais plus vos illustrations sont brillantes et moins le contenu entre le papier et l'illustration est faible, plus vous passerez de temps à le faire. Lorsque j'ai essayé de sélectionner un fond blanc avec l'outil Baguette magique, sa sélection inclut beaucoup de pixels indésirables, je suis possible d'exclure de la sélection tel quel. Habituellement, dans ce cas, je crée une couche de travail d'orchidées en copiant l'original. Je rends l'illustration moins contrastée et réduit la quantité de blanc en utilisant aussi les courbes. Après cela, lorsque je sélectionne un fond blanc avec l'outil de baguette magique, il sélectionne moins de pixels indésirables que dans ma tentative précédente. Afin de rendre une sélection plus précise et de se débarrasser des pixels supplémentaires, où il y a des contours de crayon, j'élargis la sélection en cliquant sur « Sélectionner », « Modifier », « Développer » et ajouter quelques pixels supplémentaires. Habituellement, ce nombre varie de 1-5. De cette façon, nous allons en partie supprimer les contours du crayon. Je supprime l'arrière-plan et en utilisant l'outil Lasso magnétique, je sélectionne les parties problématiques sur la copie du calque de travail. Je les ai copiés, les couches b et q et les unit avec un calque de travail. Sélectionnez les couches nécessaires et cliquez sur « Commande E » pour Mac et « Control E » pour PC pour fusionner les couches. Maintenant, notre illustration a bords en lambeaux et je préfère les nettoyer avec un outil à effacer, ce qui est un processus assez long. Mais cela en vaut vraiment la peine, car cela rendra les bords de l'illustration nets et soignés. Je sélectionne des pixels sur le calque de travail et copie cette sélection à partir du calque d'origine. Maintenant, j'ai mon illustration parfaitement propre et séparée du fond blanc. Cela me permettra d'expérimenter avec différentes options de fond pour ma future chambre. Après cela, nous ajustons légèrement la luminosité et le contraste afin de rendre les orchidées plus semblables à l'original. Les roses et les violets sont des couleurs pragmatiques à numériser. Par conséquent, mon illustration a perdu sa saturation, et mes thèmes en violet semblent maintenant fatigués. J' ajuste les couleurs avec la couleur sélective 2, qui est l'un de mes favoris. Je veux que les roses brillent et ne deviennent pas pâles dans ce cas. Je répète ces actions à tous les motifs restants. 14. Répéter un motif: C' est ça. Maintenant, nous sommes sur notre dernière étape, créant un modèle de répétition. Personnellement pour moi, c'est la partie la plus amusante du projet. Je préfère créer un tableau d'art rectangulaire, car de cette façon, la répétition pourrait sembler plus intéressante, surtout si elle sera imprimée sur quelque chose de grand. J' ai configuré le fichier sur 7 500 pixels de largeur, et 9 000 de hauteur, sur 300 DPI. Ouvrons toutes les illustrations et placez-les dans le fichier de motifs répétés. Ils sont trop gros pour être utilisés comme ça. J' ai donc diminué la taille des trois illustrations proportionnellement. Maintenant, nous commençons à construire une répétition. Essayez de créer un bon flux et un bon mouvement dans votre motif. Notre objectif est de créer une composition équilibrée et intéressante. Pensez à l'espace négatif. Il a la même importance que les illustrations elles-mêmes. Habituellement, je mets en place quelques règles pour moi-même tout en travaillant sur chaque modèle. Je décide si je peux faire varier la taille de l'illustration ou non. Si oui, je définit un maximum de deux ou trois tailles pour chacun des éléments. Je ne crée pas 10 tailles différentes de la même illustration en une seule répétition, cela peut créer le chaos. Il est également important de décider si vous voulez que votre illustration se chevauche ou non. Configurer les règles et garder le même aspect dans toute la répétition. partie la plus importante est de se détendre et de s'amuser. C' est la principale raison pour laquelle nous aimons l'art et pourquoi nous le faisons. Lorsque vous êtes à l'avance avec le placement des illustrations, testez votre répétition sur un calque séparé. Je le fais en cliquant sur, « Modifier », « Définir le motif », et remplissez un nouveau calque. En outre, maintenant, il est temps de penser aux options d'arrière-plan. Essayez quelques versions différentes. Dans mon cas, j'aime le blanc et le noir. C' est une décision difficile, mais en fait, vous n'avez pas à décider et vous pouvez utiliser les deux. Si vous préférez toujours choisir un gagnant, créer des maquettes avec différentes options d'arrière-plan vous aidera vraiment. Dans mon cas, je veux le faire et j'essaie quelques options différentes de produits, qui, à mon avis, mon modèle s'adaptera. maquettes m'ont aidé à comprendre que je suis sûr que la version noire est la gagnante. 15. Réflexions finales: Voilà, tu as fini le cours. Je crois fermement à l'apprentissage par la pratique. Par conséquent, je vous encourage vraiment à créer votre propre projet en utilisant mes références ou les vôtres. Vous pouvez poster votre projet à chaque étape, d'un concept à une peinture aquarelle pour lire ou répéter. Je serai heureux de vous faire part de vos commentaires et de vous aider où que vous soyez. Voici mes trois derniers conseils pour aujourd'hui, ne sous-estimez pas l'importance de créer une esquisse de détails de confiance avant de passer à l'illustration finale. Le dessin peut être difficile, mais il peut devenir plus simple et naturel après des heures de pratique. Croyez-moi, votre dessin doit grandir. Ce qui est le plus important, c'est que le dessin confiant vous donnera la liberté en tant qu'artiste. Si vous me demandez, quel est l'approvisionnement en arc le plus important dans la peinture à l'aquarelle d'un type que j'utilise dans mes œuvres ? Je dirai du papier de coton coloré à l'eau. De préférence quel papier maternel quand nous parlons de conception de service. Ce type de papier est un excellent choix pour la peinture avec beaucoup de couches et il est parfait pour la numérisation, donc c'est certainement pire l'investissement. objectifs fixés. dessin et la peinture n'est pas quelque chose avec lequel vous êtes né. C' est quelque chose que vous pouvez apprendre à travers une pratique délibérée, objectifs fixés avant le début de chaque projet et analyser vos travaux une fois que vous avez terminé. Peut-être que vous n'atteindrez pas tous vos objectifs, mais certainement vous apprendrez des choses à éviter. Fixez un grand objectif pour l'année suivante et quelques petits objectifs pour chacune de vos équipes cérébrales. Merci beaucoup d'avoir regardé ma classe aujourd'hui. J' espère que vous êtes inspirés pour commencer à créer la peine hindoue, mais je veux l'appeler Brain Team. Laissez vos questions et commentaires dans la section de discussion ci-dessous. Que nous ayons une question concernant l'article ou que vous ayez une idée sur comment puis-je améliorer mes vidéos ? Aussi, n'oubliez pas de me suivre sur le partage de compétences en cliquant sur le bouton Suivre.