Fleurs à l'aquarelle : apprendre à dessiner et à peindre en toute assurance une fleur hollywoodienne

1. Bande-annonce du cours: Il y a quelque chose de magique la peinture à l'aquarelle. La façon dont le pigment se mélange, s'écoule et crée quelque chose qui vous est propre. Lorsque nous capturons la beauté des fleurs, aquarelle devient le moyen idéal pour apporter un peu de nature dans nos vies et connecter profondément au monde qui nous entoure Bienvenue dans un nouveau cours d'aquarelle. m'appelle Alta, je suis une artiste, graphiste et éducatrice en ligne originaire d'Italie Dans ce cours, nous allons explorer le monde captivant des fleurs La nature a toujours été une grande source d' inspiration pour moi. Les détails complexes, les couleurs éclatantes et les formes délicates des fleurs en forme de financement offrent des possibilités infinies d'expression artistique Ce voyage dans les fleurs à l' aquarelle sera le guide parfait pour apprendre à dessiner et à peindre une fleur creuse préparerons tout le matériel et les outils dont nous avons besoin pour le cours, puis nous nous lancerons dans l'étude de la botanique, veillant à capturer l'essence de la fleur, tout en établissant une base solide pour notre travail d'aquarelle Ensuite, nous nous pencherons sur le mélange des couleurs. Vous apprendrez à créer une palette de couleurs harmonieuse, mélangeant les bonnes nuances pour donner vie à vos hollocks avec une sélection limitée de Nous commençons ensuite à peindre la première couche des fleurs, concentrant sur des lavis légers qui établissent les couleurs de base et des transitions douces entre les pétales Au fur et à mesure que nous créons des couches, vous découvrirez comment ajouter profondeur et des détails aux fleurs. Dimension et sens du réalisme tout en gardant le look imprévisible de l'aquarelle Nous passerons ensuite à la peinture des feuilles, leur accordant la même attention aux détails, en commençant par de légers lavages et en ajoutant progressivement profondeur pour créer une composition cohérente et équilibrée Enfin, nous allons peaufiner notre peinture avec les dernières touches. Les détails délicats qui réunissent le tout et donnent à votre peinture cet aspect poli et inachevé À la fin, bien sûr, vous aurez créé un magnifique holyok à l'aquarelle, mais surtout, vous aurez acquis la confiance et les compétences nécessaires pour continuer à explorer le monde de la peinture botanique Alors prenez vos pinceaux et entamons ensemble ce voyage créatif. 2. Projet du cours: Bienvenue en classe. Avant de passer aux leçons, j'aimerais vous donner un bref aperçu de la structure du cours et partager quelques conseils pour vous aider à en tirer le meilleur parti. Ce cours est divisé en deux parties principales. Dans la première partie, nous nous concentrerons sur le dessin. Vous apprendrez à décomposer des formes florales en formes plus simples et à créer des croquis de fleurs, de gousses et de feuilles creuses Même si vous débutez dans le dessin ou si vous n' pas sûr de vos compétences en matière de dessin, ne vous inquiétez pas Ces leçons sont conçues pour être accessibles et faciles à suivre L'objectif ici est de vous aider à renforcer confiance dans vos croquis avant de passer à la peinture La deuxième partie de ce cours est consacrée à la peinture à l'aquarelle Une fois que nous aurons terminé nos croquis, nous passerons à l'ajout de couleur, à l'apprentissage de la superposition des aquarelles et à la création de profondeur dans vos illustrations florales Je vais vous guider pas à pas pour peindre les fleurs, les feuilles, les tiges et les mauvaises herbes. Vous pouvez suivre l'intégralité du cours du début à fin ou, en fonction de vos besoins et de vos intérêts, vous pouvez décider de vous concentrer davantage sur une partie plutôt que sur l'autre. Par exemple, si vous souhaitez principalement améliorer vos compétences en matière de dessin, vous voudrez peut-être consacrer plus de temps à la première partie Si la peinture à l'aquarelle est ce qui vous passionne le plus, n'hésitez pas à consacrer plus de temps à la deuxième partie du Je recommande de consacrer une journée aux de dessin et une autre journée aux leçons de peinture De cette façon, vous pouvez vous donner suffisamment de temps pour assimiler et mettre en pratique toutes les nouvelles compétences que vous allez acquérir sans vous sentir pressé. J'ai modifié certaines leçons pour que le cours reste intéressant Certaines parties du processus de peinture peuvent être accélérées pour éviter qu'il ne soit trop long Cependant, comme il s' agit d'un cours enregistré, vous pouvez toujours publier la vidéo. Revenez en arrière ou regardez à nouveau toute partie pour laquelle vous avez besoin de plus de temps. Enfin, j'adorerais voir votre travail. Si vous vous sentez inspiré, veuillez partager votre travail dans la section des projets du cours. C'est toujours passionnant de voir comment chacun d'entre vous interprète les leçons et comment vos progrès peuvent également motiver et inspirer les autres D'accord. Maintenant que tout est prêt, commençons, et je vous verrai dans la prochaine leçon. M. 3. Fournitures: Avant de plonger dans la peinture, parlons des matériaux que nous utiliserons dans ce cours. Le fait de disposer des bons outils peut vraiment faire une grande différence dans votre parcours d'aquarelle Je veux m'assurer que vous êtes sur la bonne voie pour réussir. Pour notre peinture finale, j'utiliserai du papier aquarelle 100 % pressé à froid Ce papier est idéal car il possède texture idéale pour bien retenir la peinture, ce qui nous permet d'obtenir à fois des lavages en douceur et un travail détaillé Le papier coton est considéré comme l'un des meilleurs papiers disponibles. Il est durable et les fibres de coton retiennent exceptionnellement bien l'eau et les pigments. Cela garantit que la peinture s'étale fluide et uniforme sur le papier. Je ne le soulignerai jamais assez, mais l'utilisation de papier 100 % coton vous aidera à obtenir le look souhaité pour votre peinture finale. autre côté, lorsque nous créons notre palette de couleurs et que nous effectuons quelques tests initiaux, n'importe quel papier aquarelle adapté aux étudiants fera l'affaire Peu importe si des lignes dures se forment ou si les couleurs ne sèchent pas facilement. En utilisant un papier plus abordable, nous pouvons expérimenter librement sans trop nous soucier du gaspillage ou des coûts. C'est bon. Pour les pinceaux, j'utiliserai un ensemble de pinceaux ronds de Princeton, particulier les tailles huit, quatre et deux Ces pinceaux sont polyvalents et nous permettront de tout peindre , des grands traits aux détails les plus fins. La taille 8 est idéale pour les lavages. La taille quatre est parfaite pour ajouter des couches plus contrôlées, et la taille deux ne fera que nous aider à peaufiner notre peinture dans les moindres détails Vous aurez également besoin de deux pots d'eau, serviettes ou d'essuie-tout et d' une palette de mélange En ce qui concerne les couleurs, j'utiliserai certaines teintes du set de peinture et d'autres des tubes. La marque que j'utilise est Windsor et Newton, et bien sûr, n'oubliez pas votre crayon et votre gomme pour le dessin Voici les éléments essentiels dont nous aurons besoin pour commencer. Si vous ne possédez pas de marque spécifique et que vous devez procéder à des substitutions, ne vous inquiétez pas Je vous encourage à utiliser le matériel auquel vous avez accès. Le plus important, c'est que vous vous sentiez à l'aise et prêt à créer. Maintenant que le matériel est prêt, passons à l'esquisse de la fleur creuse. 4. Croquer des fleurs: Dans ce cours, nous allons aborder quelques conseils et techniques pratiques qui vous aideront à aborder dessin floral avec confiance et facilité Commençons par parler des images de référence. Lorsque vous vous préparez à esquisser une nouvelle fleur, la première étape que je recommande est de trouver une bonne image de référence. Dans la section Projets et ressources, j'ai fourni une sélection d' images que vous pouvez télécharger et utiliser. Ces références sont très importantes car elles nous permettent d'observer de près la structure, la forme et les détails des plantes. Prenez le temps de les parcourir et de choisir celui qui vous convient le mieux Vous verrez que je travaillerai sur l'iPad pendant que j'expliquais mon processus de réflexion. Pour l'instant, n'hésitez pas à simplement écouter et observer ce que je fais. Ne t'inquiète pas. Nous allons répéter ensemble les mêmes étapes sur le papier. Vous aurez accès à l'entraînement. L'une des techniques que je trouve les plus utiles consiste à décomposer la fleur en formes plus simples. Cette méthode simplifie ce qui peut sembler être une structure complexe au départ. Le rendre plus accessible et moins intimidant. Par exemple, examinons notre image de référence principale ici. La fleur qui nous fait face le noir peut être simplifiée en cercle, qui représente la partie principale de la floraison D'autres éléments, comme les fleurs latérales, peuvent être décomposés en triangle ou en forme de cône. Les formes de base servent de base à votre esquisse vous guident lorsque vous peaufinez les détails. Ces formes nous aident non seulement à établir les proportions des fleurs, mais nous donnent également une idée de leur orientation et de leur profondeur. Une fois que vous avez mis en place vos formes de base, vous pouvez commencer à les affiner. Le cercle sert de guide pour dessiner les pétales individuels de l'holyoch Observez comment les pétales rayonnent depuis le centre. Le cercle aide à maintenir les proportions et la symétrie correctes. De même, le triangle et les formes en forme de cône guideront le dessin des fleurs latérales, garantissant ainsi un aspect naturel et un positionnement correct. Lorsque je dois dessiner une fleur pour la première fois, j'aime utiliser un outil numérique qui me permet d' étudier et de dessiner directement au-dessus de l'image de référence. Cette approche me permet de faire des allers-retours facilement, tracer les formes des plantes et faciliter ces premières étapes. Cela me donne également confiance en moi à mesure que je me familiarise avec la structure florale. Après cette étape, je passe généralement au papier, en répétant le processus en dessinant à main levée. Cette pratique renforce non seulement ce que j'ai appris, mais aide également à développer la mémoire musculaire pour dessiner. OK. Nous allons maintenant commencer à dessiner. N'hésitez pas à prendre votre temps pour ce premier exercice. Si vous n'avez pas de tablette ou d'iPad, ne vous inquiétez pas. Vous pouvez imprimer l'image de référence placer une feuille de papier dessus et coller le tout sur une fenêtre ou source de lumière pour tracer le sujet. Cette technique est simple mais très efficace, surtout si vous débutez. Pour cette partie du cours, j'utilise une feuille de papier, un crayon et une gomme J'ai également un crayon à charbon à portée de main, mais ce n'est pas indispensable. Cela aidera simplement le croquis à se démarquer. Une petite suggestion avant de nous lancer car le croquis peut être très léger en vidéo. Si vous en avez l'occasion, je vous recommande de suivre le cours sur un écran plus grand, comme un ordinateur portable ou de bureau, et de veiller à utiliser le mode plein écran pour mieux voir les détails. C'est bon. Commençons par dessiner notre fleur Holock, concentrant sur celle qui nous fait directement face Tout d'abord, nous voulons établir la forme générale de la fleur en dessinant un grand cercle cercle représente la limite extérieure des pétales et nous aidera à garder la fleur symétrique pendant que nous travaillons dessus. Au centre du cercle, dessinez-en un plus petit. Cela servira de guide pour le centre de la fleur où convergent tous les pétales Seuls les fauconniers ont généralement cinq pétales distincts. Pour le premier pétale, je trace deux repères à partir du centre de la fleur, puis je trace les lignes vers le bord du grand cercle, et enfin, je rase le pétale Chaque pétale est légèrement arrondi avec des bords légèrement ondulés, donnant à la fleur son aspect doux et délicat Une fois le premier pétale en place, je dessine le reste en partant du bord du contour Comme vous pouvez le constater, je dessine très lentement, en prenant le temps nécessaire et en essayant de maintenir un espacement égal entre les pétales Si les pétales ne sont pas parfaitement symétriques, ne vous inquiétez pas, la nature regorge de petites imperfections. Une fois que vous avez mis en place les formes de base des pétales, il est temps d'ajouter quelques détox Regardez attentivement votre image de référence. Vous remarquerez que les pétales ont des lignes et des textures subtiles qui partent du centre de la fleur. Ces lignes donnent aux pétales leur aspect veiné caractéristique et donnent de la profondeur à votre dessin Touchez légèrement avec votre crayon pour tracer ces lignes, partant du centre et dirigeant vers les bords de chaque pétale Vous pouvez également commencer à définir les bords des pétales, en ajoutant de petites encoches ou légères courbes pour leur donner un aspect plus naturel Les autres bords des pétales du jarret ont souvent un aspect légèrement ébouriffé, alors n'ayez pas peur de laisser vos lignes vaciller Cela donnera à votre fleur une sensation plus naturelle et organique. Pour rendre votre croquis plus sourd et plus contrasté, vous pouvez passer sur certaines zones avec un crayon à charbon, ou vous pouvez simplement recommencer avec un crayon pour éviter certaines zones. Commencez par assombrir la fleur où se trouvent les pétales. Ensuite, utilisez le crayon Trac pour mettre davantage l'accent sur les bords des pétales Maintenant que nous avons éliminé nos fleurs principales, passons au dessin des bourgeons. Les bourgeons sont un bel ajout à notre croquis car ils ajoutent une touche de progression et de croissance naturelles, illustrant les différentes étapes de la vie des fleurs. Pour commencer, nous allons esquisser la forme de base des bourgeons. Les bourgeons ont souvent la forme d'une larme, ce qui est parfait pour capturer leur forme arrondie et douce. Commencez par dessiner une forme de larme avec un fond blanc arrondi. Extrémité pointue. Imaginez que la pointe pointe vers le haut alors que le mal atteint le ciel. J'ajoute juste quelques chauves-souris supplémentaires. Vous pouvez les placer très près les uns des autres, près de la tige également. Il n'y a aucune règle ici. Une fois les chauves-souris en place, nous pouvons ajouter les lignes, que vous pouvez observer sur les photos de référence. Pour le montrer, tracez quelques lignes douces, incurvées du bout pointu vers le bas en direction de la base du corps OK, maintenant que nous avons exploré dessin d'une fleur vue de face Essayons d'en dessiner un qui se trouve à droite. C'est un peu différent car la perspective change l' apparence de la fleur. Pour commencer, tracez légèrement un triangle sur votre papier, et ce triangle nous aidera à déterminer la direction dans laquelle la fleur fait face. Ensuite, près du bas, nous pouvons ajouter quelques feuilles qui retiendront et embrasseront simplement la fleur. R Maintenant, ajoutons les pétales. Je commence par tracer le premier pétale ici sur le côté gauche. J'en ajoute une autre au dos et je continue jusqu'à ce que le triangle soit complètement rempli car la fleur n'est pas encore complètement ouverte. La plupart des pétales se chevaucheront. Même si vous pouvez voir les images de référence, je les garde toujours près de moi, et je les regarde m'aider à me guider, mais sans essayer de les copier. J'aimerais juste regarder ces images, mais je les utilise comme une petite aide. OK. Cultivons une dernière fleur. Je prends celui-ci comme référence, mais encore une fois, c'est juste pour nous donner une idée générale. N'hésitez pas à réinterpréter et ajuster les formes en fonction de votre style et de votre vision J'ai commencé par tracer une forme ovale. Dans le val, j'ai tracé une délicate courbe en C près du côté gauche. À partir de la partie inférieure de la courbe en C, commencez à dessiner le premier pétale Vous pouvez vous aider en suivant le bord du val, laissant le pétale se courber. OK. Maintenant, nous allons placer le deuxième pétale. fois les deux premiers pétales en place, le plus dur est derrière nous. Continuez maintenant à dessiner les pétales restants en suivant le contour de la forme supérieure. N'oubliez pas de garder les pétales légèrement irréguliers et de les laisser se chevaucher. I. Enfin, au centre de la fleur. Comme la fleur est tournée vers la droite, le centre sera légèrement décalé dans l'ovale penchera davantage vers la gauche. C'est bon. Le dernier élément botanique que nous allons dessiner est une feuille. Les feuilles du jarret sont larges et de forme dure. Souvent avec un bord légèrement irrégulier. De plus, ils ont une surface texturée avec des veines visibles qui s'étendent au kilomètre OK. Tout comme nous l'avons fait avec les autres éléments botaniques. Commençons par tracer le schéma général. Tracez d'abord une ligne qui représentera la tige moyenne de la feuille. Ensuite, tracez la forme générale de la feuille autour de cette ligne. Ma forme ressemble un peu à celle d'une paire, mais si vous voulez la rendre plus réaliste et plus fidèle à la feuille de Holyock, dessinez la forme un peu plus large et moins allongée . Ensuite, nous définirons la feuille en traçant la forme que nous définirons la feuille en traçant la nous venons Comme les bords sont un peu irréguliers, j'aime bien remuer légèrement ma main en guise de dessin pour lui donner un aspect naturel Enfin, ajoutons les veines. Placez un petit point légèrement en dessous du milieu de la feuille et, à partir de cet endroit, tracez quatre nervures s'étendant jusqu'aux bords. Ajoutez ensuite quelques petites veines sortant de la ligne principale au centre. Et une fois que vous avez terminé, vous pouvez passer sur la feuille avec un crayon à charbon pour ajouter quelques détails et en envoyer un peu plus. Et c'est tout. Nous avons maintenant esquissé toutes les parties importantes de la plante Hock, et dans la prochaine leçon, nous allons tout assembler pour créer une belle composition pour notre aquarelle J'espère vraiment que vous avez hâte de voir comment tous ces éléments seront réunis. 5. Créer le croquis de base: Dans cette leçon, nous allons préparer le croquis que nous utiliserons pour notre aquarelle Vous trouverez le croquis prêt à l'emploi dans la section des ressources. Si vous le souhaitez, vous pouvez passer à la partie peinture ou vous entraîner davantage au dessin. J'adorerais que vous dessiniez avec moi dans cette leçon. Pour la composition, choisissez une disposition triangulaire, je vais donc placer la plus grande fleur en bas avec deux fleurs plus petites au-dessus. J'ai ajouté les bourgeons en haut et pour équilibrer le tout, je place quelques feuilles à la base. Juste un petit mot. Je ne vais pas me concentrer sur les règles de composition dans cette leçon. Mais si vous souhaitez approfondir le sujet, y a une leçon dédiée dans mon cours sur les fleurs à l'aquarelle expressives Il comprend un exercice pratique, et je vous recommande vivement de le consulter si vous pensez avoir besoin d'une aide supplémentaire pour la composition. Bien, commençons. abord, nous devons réfléchir à l'endroit où se trouveront les fleurs puisqu'elles seront au centre de notre composition. Cela nous aidera à placer les formes visques sur le papier, qui nous serviront de guide pour dessiner les fleurs J'ai commencé par tracer des lignes courbes pour représenter les tiges et les branches des feuilles. J'ai ensuite dessiné le cercle du feu, qui est le plus grand et qui représentera la fleur tournée vers nous dans le noir À droite, je place une autre fleur tournée vers la droite. J'utilise une nouvelle forme pour cela. Sur la gauche, j'utilise une forme de triangle car nous allons dessiner une fleur qui n'est pas encore complètement ouverte. Nous allons simplement utiliser les mêmes éléments que ceux que nous avons mis en pratique dans une leçon précédente. Ensuite, je trouverai les tiges des fleurs et commencerai à placer les feuilles. Vous remarquerez que mes coups de crayon sont légers et un peu rugueux, mais ce n'est pas grave. Nous nettoierons les lignes plus tard. Je vais ajouter une autre feuille ici sur le côté droit. Pour compléter la composition, j'ajoute des branches décoratives. Ils ne font pas partie de la plante sacrée, mais je les ai juste trouvés vraiment beaux , ils ont aidé à équilibrer la composition et à la rendre plus riche. Je vais également dessiner les robots, en les plaçant naturellement et aléatoirement Commençons maintenant à ressentir cette forme spectaculaire en dessinant les fleurs. Je vais commencer par celui du centre qui nous fait face. Je définis le centre de la fleur puis je dessine les cinq pétales autour du cercle. OK, je vais diviser certaines parties de la vidéo pour que cette leçon soit courte. Mais n'oubliez pas de prendre votre temps, n'hésitez pas à suspendre la leçon et à continuer dès que vous serez prêt. Une fois que nous aurons dessiné les fleurs, je reviendrai sur les feuilles et ajouterai les nervures pour leur donner plus de détails. Maintenant, notre croquis est terminé, nous pouvons le transférer sur notre papier aquarelle et nous préparer à commencer à peindre J'ai décidé de passer en revue certaines zones du dessin avec un crayon à charbon pour ajouter un peu plus de définition, mais vous n'êtes pas obligée de faire cette étape si vous ne le souhaitez pas. La prochaine étape sera de copier cette esquisse sur une autre feuille, omettant les détails les plus fins n'avons besoin que des lignes de base pour nous guider lorsque nous commençons à appliquer de la couleur. Avant de nous plonger dans la peinture de cette belle plante creuse, dans la prochaine leçon, nous allons créer la palette de couleurs pour l'illustration finale Vous verrez les couleurs exactes que je vais utiliser, et vous pouvez également expérimenter différentes combinaisons de couleurs si vous le souhaitez. 6. Une palette de couleurs: Les holocks sont assez courants là où je vis. Je les ai vus dans de nombreuses couleurs différentes, du rose au blanc, en passant violet et même le jaune. Si vous effectuez une recherche rapide sur Pinterest ou sur Internet, vous verrez simplement le nombre de variations de couleurs. création d'une palette de couleurs avant de nous lancer dans la peinture nous permettra nous familiariser avec les teintes et la façon dont elles se mélangent, ce qui nous donnera plus de confiance lorsque nous commencerons à appliquer la couleur. Dans cette leçon, je vais vous montrer les couleurs que j'ai choisies pour le tableau final, mais n'hésitez pas à créer une palette de couleurs basée sur ce qui vous parle. Et prenez le temps d'explorer et d'apprécier le processus de mélange des couleurs. OK, commençons. Comme je suis vraiment attirée par cette rose trémière en particulier avec ses pétales roses et son intersection plus foncée, sont les couleurs que nous utiliserons pour les fleurs, Mth et Ciena pour les Mth et Je ne suis qu'un petit conseil. Si vous n'avez pas ces couleurs exactes, ne vous inquiétez pas. N'hésitez pas à utiliser des teintes similaires. Vous avez une fin ou choisissez des couleurs qui reflètent l'ambiance et le style que vous souhaitez créer dans votre peinture. C'est bon. Ainsi, en mélangeant Move et Burn Ciena, nous pouvons créer des teintes vraiment intéressantes Commençons par mélanger 50 % de moth et 50 % de bar cena. Je commence par un pigment riche et épais, puis je rince progressivement mon pinceau pour ajouter de l'eau. Cela crée une belle gradation, la couleur s' estompant au fur et à mesure que l'eau dilue Juste un autre petit conseil ici. Si votre pinceau absorbe trop d'eau, il suffit de le frotter légèrement sur un essuie-tout pour contrôler le débit OK, donc la première couleur que nous avons trouvée ici ressemble un corail doux ou je dirais aussi à un rouge indien clair. Essayons maintenant le même mélange. Mais cette fois, nous utiliserons plus de mouvement. Vous remarquerez que la couleur passe à un ton plus froid et plus rose OK. Enfin, essayons l'inverse. Donc, mélanger plus de branciana, et juste un peu Comme vous pouvez le constater, cela crée une teinte plus chaude et plus terreuse. En mélangeant ces deux couleurs, nous avons créé trois teintes uniques que nous pouvons utiliser pour nos fleurs. Passons maintenant aux feuilles. Pour les feuilles, j' utiliserai de l'ambre brut, vert olive et du vert Perlin Encore une fois, si vous n'avez pas ces teintes spécifiques, ne vous inquiétez pas. Je proposerai également quelques alternatives à la fin de la leçon. Pour mélanger la couleur des feuilles, j'utilise 50 % de vert olive, 50 % de bois brut et juste une touche de vert Perlin pour approfondir la couleur Le résultat est un ver vert olive foncé qui contrastera magnifiquement avec le rose de nos fleurs Pour le centre de la fleur, j'utilise un mélange de Ciena brut et d'ambre brut, ce qui crée une teinte jaune doux qui marie parfaitement avec les autres couleurs de notre palette C'est bon. Avant de passer aux leçons de peinture, voici deux autres options de couleur pour les feuilles si vous voulez essayer quelque chose de différent. Vous pouvez mélanger le feu vert des prostituées avec le feu brun d'une camionnette. Cela crée un vert plus profond et plus froid. H La deuxième alternative, qui, je pense, ressemble plus à celle que j'ai créée. Essayez de mélanger le feu vert de Hooker et Burnt Ciena. Ce plan vous donnera un ton vert terreux plus chaud. Comme indiqué, n'hésitez pas à expérimenter des combinaisons de couleurs et à voir ce qui convient le mieux à votre illustration. C'est bon. Nous sommes prêts pour le tableau final. Je te verrai dans la prochaine leçon. 7. Peindre des fleurs : première couche: le projet final, j'utilise ce papier pour aquarelle, appelé Pressed 100 % gun Pour les pinceaux, les pinceaux Princeton Ram amusants, j'ai choisi les tailles deux, quatre et huit Le plus gros pinceau sera idéal pour remplir de plus grandes surfaces. Alors que les plus petits vous aideront à effectuer un travail plus détaillé, comme affiner les bords ou ajouter de subtiles variations de couleur. Comme vous pouvez le voir, j'ai déjà préparé le croquis de notre hollok C'est un croquis très clair, juste assez pour nous guider pendant que nous peignons, mais pas trop foncé, afin de ne pas interférer avec les aquarelles. Je vais commencer par peindre la première couche sur les fleurs. Sur ma palette de mixage, j'ai combiné le Mauve et le carton Ciena, et j'ai gardé le mélange très liquide pour qu'il apparaisse clair est important de garder la première couche légère car il ne s'agit que d'une base. Nous allons les superposer et nous voulons augmenter les couleurs progressivement À l'aide de votre pinceau, appliquez légèrement la couleur sur chaque pétale. Remarquez comment je laisse passer le pinceau sur le papier. Ne vous inquiétez pas d'être parfait. Le but ici est de simplement recouvrir chaque pétale d' un lavis de couleur Alors, gardez vos coups lâches et relâchés. M Avant que la couleur ne sèche, ajoutons une teinte plus foncée. Je vais déposer cette teinte légèrement plus riche plus près du centre de la fleur, là où les pétales se rencontrent. Cela ajoutera de la profondeur et créera un bel effet de dégradé. Juste un petit conseil. Si votre papier sèche trop rapidement ou si la couleur ne se mélange pas aussi facilement que vous le souhaiteriez, suffit de le brosser plus profondément dans de l'eau propre, il suffit de le brosser plus profondément dans de l'eau propre, de le frotter légèrement sur un essuie-tout pour éliminer l'excès d'eau, puis de mélanger doucement les bords de la teinte la plus foncée Cela permet d'adoucir la transition entre les couleurs claires et foncées. Comme tout à l'heure, je commence par le démaquillant rose clair. Et puis en ajoutant une couleur plus foncée près de la base de chaque pétale. Faire atterrir les deux teintes alors que la peinture est encore humide. Pendant que vous travaillez, assurez-vous de passer d' un pétale à l' autre sans vous précipiter Si vous remarquez qu'un pétale sèche trop vite, revenez en arrière et mélangez doucement la couleur au besoin. Vous pouvez toujours ajouter un peu d'eau pour lisser les lignes rugueuses. Maintenant que nous avons terminé la première couche sur la fleur principale, nous allons répéter le même processus pour les deux autres fleurs. Assurez-vous de mélanger deux variations de rose. L'un est clair et aqueux, et l'autre est plus foncé pour les zones les plus sombres Cela vous aidera à passer facilement du bain aux tons plus profonds pour créer du contraste et de l'intérêt. Pour rendre vos fleurs encore plus dynamiques, essayez d'ajouter de subtiles variations de couleur. Peut-être qu'un pero a un ton légèrement plus chaud tandis qu' un autre a un ton plus cool. Ces différences entre les foules rendront la peinture plus naturelle et plus dynamique. C'est bon. La première couche est terminée, mais je vais juste intensifier la zone rose autour de la fleur principale. J'ajoute quelques pinceaux en partant du centre. Pour l'instant, je vais attendre qu'il soit sec. La première couche de nos fleurs de lyock est terminée. Ce doux lavis léger servira de base aux couleurs plus riches que nous ajouterons ultérieurement. Prenez votre temps pour cette étape , car l'augmentation progressive de la couleur donne à votre peinture une sensation dimensionnelle plus stratifiée. Dans la leçon suivante, nous allons commencer à ajouter de la profondeur et des détails pour donner vie aux fleurs avec des ombres et des reflets. Assurez-vous de laisser votre première couche de couleur sécher complètement avant de passer à autre chose, afin d'éviter tout mélange indésirable à l'étape suivante 8. Peindre des fleurs : deuxième couche: la deuxième couche de peinture, nous allons utiliser une teinte plus foncée pour augmenter la profondeur et le contraste. J'utiliserai les mêmes couleurs que celles qui figurent déjà sur la palette, déplacer et graver Ciena La beauté de la superposition d'aquarelles réside dans le fait que vous pouvez créer de subtils changements de ton simplement en ajoutant plus de pigment N'hésitez pas à mélanger et ajuster la couleur jusqu'à ce que vous soyez satisfait du résultat. Si vous voulez un ton légèrement plus chaud, ajoutez du séné brûlé Si vous voulez une teinte plus fraîche et rose, vous pouvez ajouter un peu de b. vous inquiétez pas d'obtenir la teinte exacte tout de suite. Vous pouvez toujours tester la couleur sur un bout de papier pour vous assurer qu'elle ressemble à ce que vous voulez avant de l' appliquer sur votre peinture. Une fois que vous êtes satisfait de la couleur, commencez par ajouter quelques coups de pinceau près du centre de la fleur. Vous n'avez pas besoin de peindre de grandes surfaces à la fois. Quelques petits pinceaux placés près du centre provoqueront la mort Ensuite, prenez un pinceau propre et humide et adoucissez doucement les bords de la peinture mélangeant pour que la couleur s' estompe doucement dans les zones les plus claires Si vous trouvez que la couleur sèche trop vite, ne paniquez pas. Vous pouvez toujours mouiller légèrement les zones avec de l'eau propre et les mélanger à nouveau. N'oubliez pas de garder votre pinceau légèrement humide, pas trop mouillé, pour éviter toute trace de rayures sur le papier En attendant que cette zone sèche, passons à la deuxième fleur et répétons le même processus. Pour l'instant, nous allons nous concentrer sur la partie inférieure de la fleur, près de l'endroit où les feuilles sont fixées, et étaler progressivement la couleur vers les bords supérieurs du pédale Lorsque vous peignez, n'oubliez pas que aquarelle a parfois son propre esprit Laissez la peinture s'écouler naturellement et adoptez tout mélange et toute texture inattendus qui se produisent Cela peut donner beaucoup de caractère à votre peinture. I. Bien, revenons à la première fleur , maintenant que la couleur est sèche. Le but ici est d' assombrir encore plus le centre et d'ajouter des ombres là où les pétales se chevauchent C'est ainsi que nous créons cette extension, rendant la fleur plus réaliste et plus dimensionnelle Prenez votre temps pour cette partie du processus. Au lieu de couvrir de plus grandes surfaces , appliquez de petites quantités de couleur et augmentez-la lentement. De cette façon, vous aurez plus de contrôle sur le mélange et pourrez ajuster progressivement le degré d'obscurité souhaité pour certaines zones Oh. J'ajoute quelques touches de couleurs dédiées pour mettre en valeur les contours des pétales Ne tracez pas le contour du pétale en entier. Il suffit de toucher les points les plus hauts, le bout des pétales, puis d'adoucir les bords avec votre deuxième pinceau pour conserver un aspect naturel et doux. Moins avec les bords des pétales. Vous souhaitez suggérer le formulaire sans le définir. En laissant certaines zones exemptes de contours sombres, il maintient un champ si doux que l' aquarelle fait si bien R Ces deux fleurs se portent bien jusqu'à présent. Mais j'y reviendrai plus tard pour les retouches finales. Pour l'instant, concentrons-nous sur la fleur principale, qui est le point central de notre composition. Comme nous l'avons fait pour les autres, nous allons opter pour une teinte plus foncée où les pétales se chevauchent un peu le long des bords des pétales, et plus encore, au centre, là où les pétales se rencontrent. Vous pouvez travailler un pétale à la fois ou en faire plusieurs à la fois. Tout ce qui te convient le mieux. Mmm. H h Lorsque vous êtes satisfait de l' apparence d'un pétale, vous pouvez ajouter quelques médicaments pour pinceaux fins et délicats pour plus de détails Parfois, vous n'avez même pas besoin de mélanger ces touches finales. laisser tels quels peut ajouter de la texture et de la profondeur à votre peinture. Ces derniers pinceaux n'ont pas besoin d'être adoucis à chaque fois. laisser sous forme de lignes nettes peut vraiment faire ressortir les détails et donner à votre fleur un aspect plus raffiné. Maintenant, les fleurs présentent de jolis contrastes de profondeur, mais j'ai remarqué qu'il manque quelques détails à la fleur en haut à droite. Je vais donc simplement ajouter quelques coups de pinceau fins pour m' assurer qu'il n'ait pas l'air plat. L'ajout de ces petits orteils peut vraiment aider à faire de la fleur Pour le centre de la fleur, j'utilise un mélange de ciena et d'ambre brut Commencez par un léger lavage, puis appliquez une couleur plus épaisse et plus foncée pour créer un centre riche et profond. Lorsque vous appliquez la teinte la plus foncée, concentrez-vous sur un seul côté du centre. Cela crée un dégradé naturel qui semble plus intéressant que si vous remplissiez toute la zone avec une seule couleur plate. Lorsque vous créez des dégradés, il est utile d'appliquer d' la couleur la plus foncée sur un côté abord la couleur la plus foncée sur un côté et de laisser la douleur se propager naturellement Vous pouvez toujours ajuster l'intensité en ajoutant de l'eau ou de la couleur, selon ce que vous recherchez. Pour les touches finales sur le centre et en mélangeant un brun foncé. Avec un peu de jaune qui restait sur la palette. Avec cette teinte plus foncée, je tape doucement le pinceau un côté du centre pour ajouter de l'ombre et de la dimension. Ne vous sentez pas obligé d'en faire trop. Parfois, juste pour avoir l'impression les hauts suffisent à créer ce que nous voulons. J'ai également remarqué quelques petites zones blanches autour des centres floraux que j'ai laissés peints. Maintenant, je vais les remplir. Cela aidera à donner aux fleurs un aspect plus poli et plus complet. Je trouve que les fleurs sont magnifiques et je suis vraiment contente du contraste et de la profondeur que nous avons créés. Nous pouvons maintenant passer à la peinture des feuilles dans la leçon suivante. 9. Peindre les feuilles : première couche: prépare les couleurs de ma palette assurant d' avoir un vert d'eau clair et un vert plus foncé prêts à l'emploi. Les couleurs du mélange sont l'ambre brut, vert olive et une touche de vert pourpre Vous pouvez jouer avec ces mélanges pour obtenir la bonne teinte que vous aimez. Comme toujours, n' hésitez pas à le tester sur un bout de papier avant de l'appliquer sur les feuilles. Lorsque vous mélangez des légumes verts, essayez d'ajouter un peu plus d'ambre brut pour un ton plus terreux ou plus de vert olive pour une teinte plus vive et plus fraîche La couleur est une question de préférence personnelle et d'expérimentation, alors n'ayez pas peur de modifier les couleurs Avec un pinceau de ma taille, je commence par appliquer le vernis vert clair, en le refroidissant sur presque toute la surface de la feuille. Je laisse intentionnellement le papier intact près du bord de la feuille, là où il rencontre les pétales Au fur et à mesure que nous y retournons avec un vert plus foncé. N'oubliez pas de faire en sorte que vos coups de pinceau soient légers et fluides. La première couche est censée être souple et transparente. Ce n'est pas grave si vos coups de pinceau sont un peu lâches à ce stade. Avec un vert plus foncé, je vais revenir en arrière et ajouter cette teinte, près de l'endroit où j'ai laissé le papier blanc. Les lavis clairs et foncés se fondront naturellement sur le papier, créant un beau dégradé doux entre les deux Muscle étalant la couleur foncée le long de la nervure centrale de la feuille et la concentrant principalement sur la partie supérieure de la feuille. Ne vous inquiétez pas s'il semble trop sombre au début. L'aquarelle sèche toujours plus clairement qu'elle n'y paraît lorsqu'elle est mouillée. Si la couleur est trop foncée, vous pouvez toujours prendre un pinceau propre et retirer une partie de cette peinture. C'est bon. Continuons en peignant les tiges. Pour cela, je passe à un pinceau plus fin afin de créer des lignes plus lisses et plus délicates. Lorsque vous peignez, faites attention la pression que vous exercez sur le pinceau. Une touche légère vous donnera les lignes fines et élégantes que nous voulons pour les tiges. Passons maintenant à la feuille en haut à gauche Je commence par une teinte vert clair, comme nous l'avons fait lors d' un live précédent. Lorsque cette feuille rencontre celle ci-dessous, j'utilise un vert plus foncé pour créer certaine séparation entre les deux et ajouter plus de dimension. Vous remarquerez qu'au fur et à mesure que les couleurs se mélangent, commencent à avoir un n qui leur donne un aspect plus réaliste. Je vais donc maintenant assombrir certaines zones, notamment au bas de la feuille et le long des nervures Encore une fois, je vais utiliser un pinceau pour lisser les bords où la couleur foncée rencontre le lavis plus clair. Mm. Mm. Pour la dernière feuille, celle de droite, je pars du principe qu'elle est légèrement plus foncée que celle que nous avons utilisée pour les feuilles précédentes. Cela nous donnera une belle variation de ton sur les feuilles, rendant l'illustration plus intéressante visuellement. J'applique donc d'abord la couleur sur une petite surface. Ensuite, je plonge mon pinceau dans l'eau , je le pose sur une serviette en papier et j'étale doucement la couleur sur la feuille Oh non . Une fois la feuille complètement remplie, je vais déposer une couleur verte plus foncée près la tige et le long de la partie supérieure de la feuille pour provoquer la mort. Dans cette zone, passons à la peinture des tiges et des bts. Je garde la première couche de peinture claire et aérée en utilisant le même vert clair que celui que nous avons mélangé plus tôt, ainsi qu'une teinte légèrement plus foncée pour ajouter de subtiles variations. Ajouter des sats de couleur subtils ici et là peut vraiment aider à éviter un plat et un uniforme Jouez avec différentes nuances de vert pour créer et susciter l'intérêt Mm. Passons maintenant aux branches décoratives. Ils ne font pas partie de la plante Hock, mais ils aident à équilibrer la composition et ajoutent une touche supplémentaire. Je commence par tracer approximativement la tige centrale de la branche, en gardant mes traits légers et détendus. Ensuite, j'y retourne et je peins les feuilles, en m'assurant que certaines zones soient plus claires et d'autres. Cette variation donnera à son tour un n aux branches , ce qui les aidera à se fondre parfaitement dans le reste de l'illustration. N'ayez pas peur de laisser les zones claires et sombres se fondre d'elles-mêmes. Quelle couleur fonctionne mieux lorsque nous laissons les couleurs s'exprimer naturellement, plutôt que d'essayer de contrôler chaque détail. C'est bon. La première couche de peinture est maintenant terminée. À ce stade, il s'agit de créer ces dégradés subtils et de permettre aux couleurs d'interagir naturellement sur le papier Elle n'a peut-être pas encore l'air terminée, mais cette couche jette les bases de la profondeur et de la texture que nous ajouterons plus tard. Avant de poursuivre, prenez un moment pour regarder vos feuilles et vos tiges. Y a-t-il des zones où la couleur semble trop plate ? Si c'est le cas, n'hésitez pas à ajouter un peu plus de pigment pendant que la peinture est encore humide. Très bien, je suis vraiment impatiente de voir comment cette illustration va se révéler. J'espère que tu l'es aussi. Je vous verrai dans la prochaine leçon où nous commencerons à approfondir et à apporter les touches finales nécessaires pour vraiment donner vie à cette pièce. 10. Peindre les feuilles : deuxième couche: Maintenant, comme nous l'avons fait pour les fleurs, il est temps d'ajouter des tons plus foncés pour donner vie à nos feuilles. Cette étape aidera à créer texture en profondeur et un aspect plus réaliste. Sur ma palette, j'ai préparé le vert plus foncé dont j'ai besoin pour cela. Le mélange est un peu plus épais car nous voulons un contraste plus fort avec une base plus claire que nous avons posée par-dessus. Lorsque vous mélangez cette couleur, assurez-vous qu'elle est raide et riche tout en restant suffisamment fluide pour que le mélange soit homogène. Si vous n'êtes pas sûr de la consistance de la couleur, testez-la simplement sur un bout de papier avant de l'appliquer sur les feuilles. Après avoir ajusté le rapport entre le pigment et l'eau, commençons par tracer la nervure centrale de la première feuille En utilisant un pinceau fin pour plus de précision je m'assure de garder la ligne nette et définie. Après avoir tracé la nervure, je passe également sur les bords de la feuille et j'ajoute quelques traits plus larges l' endroit où la feuille rencontre les pétales de fleurs Ces zones plus sombres aident à définir la structure des feuilles. Donnez-lui plus de volume. Maintenant, avec un pinceau propre et humide, j'adoucis les bords de ce vert foncé Faites glisser doucement la peinture vers l'extérieur pour qu'elle se fond parfaitement dans les zones claires de la feuille Mais n'oubliez pas de ne pas couvrir toute la feuille. Je fais attention aux veines et je laisse quelques zones plus claires pour maintenir cet effet nivelant doux Si vous remarquez que la couleur foncée sèche trop rapidement, vous pouvez la mouiller légèrement avec un pinceau propre pour que le mélange reste homogène Assurez-vous simplement que votre brosse n'est pas trop humide. doublant d' abord sur une serviette en papier , vous pourrez contrôler la quantité d'eau Maintenant, je prends un vert plus foncé et j' utilise mon pinceau fin pour peindre les nervures de la feuille. Cette partie demande un peu de patience. J'applique la peinture avec soin, puis je ramollis les bords des veines alors que la peinture est encore humide Lorsque vous peignez les veines, essayez de garder votre pinceau stable, et si la peinture devient trop épaisse, épongez-la doucement avec un pinceau humide pour la ramollir Quelle couleur très indulgente lorsqu' il s'agit de faire de petits ajustements Je passe maintenant de l' autre côté de la feuille, dans le but d'obtenir un effet similaire. Prends juste ton temps ici. Inutile de se précipiter. Nous voulons que les nervures aient un aspect naturel et suivent la forme de la feuille. Si vous commettez une erreur exemple en peignant une veine qui semble un peu bizarre. Ne t'inquiète pas. Je vais vous montrer comment résoudre ce problème. Prenez un pinceau propre, plongez-le dans l'eau et appliquez-le sur l'erreur Cela soulèvera la peinture et aidera à lisser la zone. C'est une astuce simple, mais elle est idéale pour les ajustements mineurs. Très bien, je vais diviser la vidéo pour les deux prochains feuillets car les étapes sont essentiellement les mêmes. N'hésitez pas à suspendre la leçon et à prendre le temps de travailler à votre propre rythme. Mm. Mm. Mm. O. Oh Maintenant que les feuilles semblent mieux définies, passons aux tiges. J'utiliserai également un vert plus foncé ici, mais je passe à un pinceau plus fin pour garder le contrôle sur ces petites zones. O. Ensuite, je passe aux bourgeons, qui semblent actuellement un peu plats. Pour cette étape, j' utilise un vert moyen, juste un peu plus foncé que ce qui existe déjà, mais pas aussi foncé que les feuilles. Cela nous donnera une base solide sur laquelle travailler avant d'ajouter les derniers détails plus sombres. Utilisez un pinceau fin pour tracer soigneusement les lignes sur les bourgeons. Si vous remarquez des lignes raides ou des zones où la teinte est trop foncée, n' hésitez pas à les adoucir avec un pinceau D. Cela permet de tout garder en douceur et éviter qu'aucune zone ne ressorte. Dans les zones plus petites, comme les chauves-souris, faites très attention à la quantité de peinture sur votre pinceau. La peinture peut rapidement faire oublier ces caractéristiques délicates, c'est pourquoi une touche légère fonctionne mieux Maintenant que nous avons ajouté les tons moyens, il est temps de faire ressortir les robots en ajoutant quelques traits plus foncés. Je concentre cette teinte plus foncée près de la base des robots et le long des pointes pour créer de l'ombre et de la mort. Enfin, il ne faut pas oublier ces petites branches. Je pense qu'ils auraient besoin d'une dernière touche de vert. Avec mon pinceau taille 2, je vais dans les petites zones où les feuilles touchent les tiges. J'ajoute également une fine veine au centre de la plupart des feuilles. Pour quelques-uns, je dessine des parties de la feuille. Cette touche finale donne un aspect plus fini aux branches. D'accord, nous avons terminé la deuxième couche de nos feuilles et de nos tiges. Vous devriez commencer à voir l'ensemble du tableau s'assembler parfaitement. contraste entre les couches de base plus claires et les tons plus foncés que nous avons ajoutés donne l'illustration beaucoup plus de profondeur et de réalisme. de la prochaine leçon, nous passerons à l'ajout cours de la prochaine leçon, nous passerons à l'ajout de la touche finale et à l'observation du tableau. Nous annoncerons quelques domaines, effectuerons les ajustements de dernière minute et mettrons en évidence les petits détails qui font une grande différence. C'est là que la peinture commence vraiment à prendre vie. J'ai hâte de voir comment tout cela va se passer. Assurez-vous que tout est complètement sec avant de passer à l'étape suivante. 11. Touches finales: En observant ma peinture, et dans l'ensemble, je suis plutôt content du résultat. Mais j'ai remarqué que les fleurs pouvaient utiliser un peu plus de contraste, surtout au centre. L'ajout d'un peu plus de contraste aidera les fleurs à se démarquer et donnera à l'ensemble composition une apparence plus équilibrée. Quant aux branches et aux feuilles, je trouve qu'elles sont belles et qu'elles n'ont pas besoin d'autres modifications Je les laisserai tels quels. Pour contraster avec la partie interne des pétales, je vais mélanger deux couleurs principales. Sauna mauve et planche. Je vise une valeur plus foncée, donc je vais les mixer jusqu'à obtenir un ton plus profond. Une fois que la couleur sera prête, je commencerai à tracer quelques petits traits de barres sur chaque pétale. Lorsque vous appliquez les traits des barres, utilisez une combinaison de techniques de pression. Commencez par une pression plus forte au début de la course. Puis, allégez progressivement votre toucher au fur et à mesure que vous vous déplacez vers l'extérieur. Cela vous donnera cet effet légèrement effilé qui crée une belle transition entre le centre plus foncé et les bords extérieurs plus clairs Après avoir appliqué le pinceau, je prends un pinceau propre et humide et je lisse doucement les bords de la couleur l'incorporant aux couches existantes L'objectif ici est d' éviter les lignes raides tout en conservant le beau contraste que nous créons. Ici, j'aime travailler un pétale à la fois. Cela vous donne plus de contrôle et vous permet d' évaluer l'apparence de chaque pétale avant de passer au suivant Il est également utile de prendre du recul de temps en temps pour voir comment l'ensemble de la fleur se rassemble. Pendant que je travaille sur chaque pétale, je surveille également les bords des pétales Parfois, ils peuvent sembler un peu mous ou définis J'ajoute donc de temps en temps quelques traits de pinceau fins sur les bords Cela peut aider à affiner la forme des pétales et à leur donner plus de définition, en particulier dans les zones où la peinture peut-être trop éclaircie pendant le processus de séchage O Maintenant, je regarde la fleur en haut à droite, et je vois qu'elle pourrait également avoir besoin d'une dernière couche de peinture. Elle a l'air un peu plus plate que la fleur principale. Je vais passer en revue la partie interne de ces pétales de la même manière, en mélangeant le mouvement et en brûlant Siana pour obtenir une teinte plus foncée et je fais voler le pinceau Si vous ne savez pas si une zone a besoin de plus de peinture ou non, il est très utile de prendre du recul et de regarder votre peinture à distance. Parfois, lorsque nous sommes trop près, il est difficile d'avoir une vue d'ensemble. À ce stade, votre peinture devrait être beaucoup plus équilibrée, mais les fleurs devraient avoir ce contraste et cette définition supplémentaires pour vraiment leur donner vie. Prenez un moment pour apprécier la façon dont les couches de couleur se sont accumulées pour créer de la profondeur et de la texture. Donne à vos hameçons une sensation réaliste et éclatante. À la fin de cette leçon, souvenez-vous que ce sont souvent ces touches finales qui font passer un tableau de bon à excellent. Il ne s'agit pas toujours de grands changements. Parfois, ce sont ces petits ajustements bien pensés qui font toute la différence. Une fois que vous aurez apporté vos dernières modifications et que vous serez satisfait de votre peinture, je vous encourage à prendre du recul une dernière fois et à regarder l'œuvre dans son intégralité. Ça se sent ? Les couleurs et la composition s'harmonisent-elles comme vous l'aviez imaginé ? S'il y a encore quelque chose qui mérite une attention particulière, c'est le moment idéal pour revenir en arrière et peaufiner ces détails. Mais n'oubliez pas qu'il y a aussi de la beauté à savoir quand s'arrêter. Parfois, laisser le tableau respirer et laisser certaines zones molles ou inachevées peut ajouter du charme et du caractère unique Maintenant que les fleurs, les feuilles et les tiges sont complètes, nous avons atteint la fin des scores. Dans la prochaine leçon, je terminerai en vous faisant part quelques réflexions finales et en vous remerciant d'avoir suivi ce voyage avec moi 12. Merci: sommes arrivés à la fin de notre voyage à l'aquarelle, et je voudrais prendre un moment pour vous remercier de m'avoir rejoint dans ce cours J'espère sincèrement que vous avez apprécié le processus consistant à dessiner et à peindre des creux et que vous avez découvert nouvelles techniques à appliquer à votre art. L'aquarelle est un médium tellement merveilleux et expressif, et je suis très heureuse que nous ayons pu l' explorer ensemble, en donnant vie à ces magnifiques fleurs Vous avez terminé votre projet, j'adorerais voir ce que vous avez créé. N'hésitez pas à partager votre projet de classe dans la galerie de projets. Voir vos œuvres d'art et la façon dont vous avez interprété cette leçon sont l'un de mes aspects préférés de l'enseignement. Cela m'apporte vraiment beaucoup de joie. Alors ne soyez pas timide. Que vous suiviez de près ou que vous ayez entièrement personnalisé le projet, je serais ravie de le voir. Si vous aimez ce cours, je vous serais très reconnaissant de bien vouloir laisser un commentaire. Vos commentaires sont une grande source de motivation pour moi, m'aident également à améliorer mon travail et aident les autres étudiants à organiser mes cours. Merci encore de m' avoir rejoint aujourd'hui. J'espère que ce cours vous a permis de vous sentir créatif, inspiré et confiant pour continuer à explorer et à peindre de nouveaux sujets.