Transcription
1. Intro: J' aurais aimé avoir un cours où quelqu'un me guide à travers une note, a un look book, me
dit ce qu'un client pourrait demander, faire divers tours de nœuds, obtenir des commentaires d'un client, et juste pour obtenir un sentiment de travailler sur un projet où vous essayez d'accomplir la vision de quelqu'un d'autre, pas seulement la vôtre. Bonjour, je suis Fred Trevino, et je suis coloriste professionnel depuis plus de 10 ans maintenant. J' ai noté plus de 50 longs métrages et des centaines de projets courts pour des entreprises comme Gucci product, ESPN, HBO, pour n'en nommer que quelques-uns. Dans ce cours, je voulais prendre mes années d'expérience et vous amener au point où, j'espère, un jour, vous pouvez être coloriste professionnel, ou considérablement, améliorer votre qualité de couleur. Ce qui est différent dans ce cours, c'est que nous allons prendre une scène, nous allons la traverser, le classer, faire semblant comme s'il y avait un client, pour ainsi dire, et passer par diverses séries de notes, prendre leur vision, depuis les images du carnet de notes jusqu'au premier chemin, le second chemin, en travaillant sur les secondaires, les différentes fenêtres et les tapis, et en étant capable d'accomplir un look qui convient à ce projet. Il est beaucoup plus difficile de noter quelque chose pour quelqu'un d'autre qui a une vision spécifique rapide et efficace dans les délais et dans le budget, plutôt que de classer quelque chose pour vous-même. Ce cours s'adresse à tous ceux qui veulent améliorer leur qualité de couleur et peut-être devenir un jour un coloriste professionnel. Lorsque vous avez besoin de quelque chose fait rapidement, efficacement, magnifiquement et à un très haut niveau, alors ce type de cours que vous voulez prendre afin que vous
puissiez apprendre ce que c'est de noter quelque chose, de polir quelque chose, de peut-être changer de direction, et prendre les commentaires des clients et rendre votre projet haut de gamme, semblable à ce que vous trouverez dans n'importe quelle maison de poste. Commençons.
2. Préface: Avant de commencer, je voulais juste passer en revue quelques choses sur le cours. Comme mentionné précédemment, nous allons classer une scène ensemble. Je dirais, si vous voulez faire ça, vous pouvez, mais sinon, et vous voulez juste suivre,
prenez des notes, c'est génial aussi. Si vous souhaitez télécharger les fichiers multimédias et les fichiers de projet associés à la classe, vous pouvez le trouver sous Ressources dans la page Projets et ressources. Maintenant, je dirais que ce cours est destiné à un étudiant de niveau intermédiaire. Mais si tu es un débutant absolu, je ne laisserais pas ça t'effrayer, tu peux toujours regarder, apprendre beaucoup. Mais si je devais recommander un cours à suivre avant
celui-ci, ce serait mon introduction avec un cours de coloriste pro. Si vous n'êtes pas sûr de ce que sont les
ombres, les tons moyens et les reflets, alors je prendrais probablement ce cours à l'avance. Mais encore une fois, n'hésitez pas à regarder à travers car il y a beaucoup de choses que vous apprendrez en cours de route. Comme je l'ai déjà dit, on va passer une scène ensemble. Nous allons adopter l'approche comme si nous travaillions avec un client inventé qui va nous donner un lookbook, qui va nous donner des orientations, nous dire ce qu'ils veulent sortir de la scène, et nous allons accomplir qui regardent et ensuite faire divers tours de nœuds. Ce qui est génial, c'est que ce que vous trouverez tout de suite, c'est que quand vous regardez, quand quelqu'un vous envoie une image et qu'ils disent, je veux que mon film ressemble à cette image, vous apprenez beaucoup plus à faire quelque chose quelqu'un d'autre parce que vous devez comprendre les choses, vous devez apprendre les outils, vous devez expérimenter avec les différents outils, puis, vous devez placer cela sur toute la scène et faire correspondre tous les plans. L' une des choses les plus difficiles d'être coloriste n'est pas seulement de créer un look, parce que nous pouvons jeter un oeil en quelques secondes. Ce qui est dur d'être coloriste c'est de jeter un oeil, de faire correspondre ça, de le
mettre sur toute la scène, et quand un client revient et dit, oh, tu sais quoi, je veux le changer et aller dans cette direction ou dans cette direction, pour ensuite déplacer rapidement et efficacement la direction, changer ce regard très facilement, très rapidement sans avoir à reclasser l'ensemble de la scène. Cela étant dit, passons à la leçon suivante.
3. Matériaux nécessaires: D' accord. Donc très rapidement, juste quelques choses dont vous aurez besoin pour ce cours. Un ordinateur évidemment, et puis da Vinci résoudre. Tout ce que nous allons apprendre dans ce cours cependant, est juste la correction des couleurs très basique, outils de notation des
couleurs que vous trouverez honnêtement, n'importe quel programme de Final Cut, Premier, n'importe quoi d'autre. Je ferais cela dans da Vinci résoudre cependant, juste pour qu'il soit beaucoup plus facile de suivre le long. Ensuite, en plus de cela, vous aurez besoin
des médias, bien sûr, le fichier de projet de résolution da Vinci. Vous trouverez tous ces éléments dans les ressources de la page Projets et ressources sur le site web skillshare.com. Maintenant que nous avons tout ce dont vous avez besoin pour le cours, passons à la leçon suivante.
4. Étalonner l'environnement : C'est important !: Une autre chose très importante à examiner avant d'
entrer dans le classement est votre environnement de classement. Nous voulons passer en revue quelques notions de base à garder à l'esprit lorsque vous travaillez sur un projet. L' un d'entre eux est votre environnement de nivellement et l'éclairage. Vous voulez toujours vous assurer que vous êtes dans un théâtre plus sombre comme une pièce où l'éclairage est cohérent. Je dirais aller dans une pièce, poser les stores, fermer la porte, éteindre les lumières, et vous voulez que votre objectif principal soit votre moniteur de classement. Maintenant, si vous n'avez pas de moniteur de notation, alors je dirais que si vous utilisez simplement, disons, l' votre ordinateur portable ou votre écran de bureau, alors si vous avez un Mac et que vous voulez vous assurer que vous éteignez choses comme le quart de nuit ou Vrai ton. C' est parce que ce sont des fonctionnalités que ces ordinateurs ont et aussi des téléphones et des tablettes maintenant. Beaucoup d'appareils ont une fonctionnalité où ils vont s'estomper automatiquement, ajuster
automatiquement la luminosité à la volée, ajuster la température de couleur de votre écran à la volée en fonction de votre environnement. Donc, vous pourriez travailler sur quelque chose et ne pas rendre compte que votre écran devient lentement plus sombre, devient
lentement plus lumineux, devient lentement bleu ou devient lentement plus orange. Évidemment, si vous voulez être
précis et que vous savez que vous pouvez faire confiance à ce que vous regardez, toutes ces fonctionnalités doivent être désactivées. Si vous êtes connecté à un moniteur ou à un téléviseur, tout ce qui dit la luminosité
automatique, le contraste automatique, le mode dynamique, mode
film, le mode cinéma, tout ce qui change les choses à la volée pendant que vous travaillez, au fur et à mesure que l'image change, tout cela doit être désactivé. Vous voulez juste une image propre dans votre moniteur. Vous voulez vous assurer que ce que vous regardez ne change pas constamment. Si vous voulez en apprendre un peu plus à ce sujet, j'ai une leçon dans mon intro avec une classe de coloriste pro qui y va un peu plus en détail. Mais je couvre les bases ici juste pour que vous ayez une idée de ce qu'il faut préparer. Si vous évaluez, disons dans un café ou dans votre salon lumineux, ou dans un bureau lumineux avec des frais généraux et une fenêtre à côté de vous, alors non seulement votre note sera beaucoup plus difficile à faire, mais il va être très inexact et très probablement si vous revenez le lendemain, cela aura l'air bien différent de ce que vous vous en souvenez. Même moi avec plus de 10 ans d'expérience en tant que coloriste, si vous deviez me coller dans un espace de bureau lumineux avec fluorescence au-dessus et à côté d'une fenêtre et le soleil entrant, je trouverais l'environnement de classement le plus ennuyeux où il est vraiment difficile à évaluer. Il y a des reflets sur votre écran et des trucs comme ça que vous devez garder à l'esprit. Avoir une pièce cohérente, éclairage
cohérent, un éclairage sombre. Si vous n'avez pas quelque chose, disons qu'une ampoule de 65 K watts, qui est une lumière blanche propre qui est utilisée dans tous les studios de classement des couleurs et avoir quelque chose comme ça comme une lumière de référence arrière est très utile pour éviter fatigue oculaire et il aide également juste votre image sortir et aider le contraste perçu afin que vous puissiez vous concentrer sur ce que votre notation sur et pas toutes les distractions autour de vous. Une autre chose que vous voulez avoir est un mur de couleur neutre derrière votre environnement de nivellement. Vous ne voulez pas installer votre studio dans une pièce rouge, une chambre verte, une chambre bleue ou
une pièce avec un papier peint vraiment distrayant et des affiches derrière vous. Vous voulez avoir idéalement un mur gris de 18 pour cent derrière vous. Peut-être blanc ou peut-être une nuance de gris, quelque chose comme ça parce que ça neutralise tout. Si vous deviez avoir un fond jaune vif,
cela influencerait complètement tout ce que vous faites et toutes vos images sembleraient complètement sursaturées d'une manière ou d'une autre et cela influence plus que vous ne le pensez jamais. . Avant de commencer, je dirais bien prendre quelques minutes pour configurer votre environnement de classement correctement et vous
constaterez que cela vous rendra la vie beaucoup plus facile lorsque vous évaluez et vous obtiendrez des notes beaucoup plus précises.
5. Les panneaux de commande: Parlons maintenant du sujet amusant des panneaux de contrôle. Je voulais passer en revue cela parce qu'en tant que coloriste, c'est probablement l'outil numéro 1 que vous utilisez lorsque vous évaluez. Personnellement, j'ai un Blackmagic Design Control Panel qui a tous les contrôles. Dans DaVinci Resolve, j'ai les roues de couleur et les différents boutons de contrôle, le contraste du contrôleur, et le pivot, et les reflets, et les ombres et tout ça. Cependant, quand je commençais, je ne l'avais pas, et je clique simplement sur l' « Interface » sur votre écran, qui est comment je vais le faire à travers ce cours parce que je suppose que la plupart des gens
ne peuvent pas avoir un panneau géant ou même un panneau plus petit pour travailler hors de. Mais je voulais mentionner les avantages d'un Panneau de configuration juste au cas où
vous voulez sortir et en obtenir un un jour et/ou peut-être que certaines personnes ne savent même pas ce qu'est un Panneau de configuration. Je pense qu'il est important d'en parler un peu. Ce qu'un panneau de contrôle fait, il rend votre note beaucoup plus rapide et beaucoup plus efficace. C' est un peu comme une table de mixage audio. Pensez-y de cette façon. Si vous augmentez et abaissez le son, par
exemple, à la volée, il est beaucoup plus facile d'avoir les mains sur un panneau et il est beaucoup plus facile de faire glisser les commandes vers le haut et vers le bas. Par exemple, dans une roue de couleur, je peux toujours augmenter les reflets pendant que je baisse les ombres, puis sauter dans le contraste et vous pouvez faire plusieurs réglages à la fois, ce
qui rend vos réglages beaucoup plus rapides. Aussi parce que beaucoup de fois vous êtes juste ajuster un bouton très lentement ou doucement, vous déplacer les roues de couleur ou les reflets et les tons moyens, boutons d'avant en arrière. Vous pouvez affiner et composer les choses avec précision. Travailler en cliquant sur un écran, rendre les choses un peu plus grossières d'un ajustement. C' est beaucoup plus difficile d'obtenir un ajustement très fin, précis et doux sur quelque chose. C' est ce que l'avantage d'un Panneau de configuration. Encore une fois, je ne dis pas de sortir et de courir et d'en acheter un tout de suite, mais ce serait un peu bizarre en tant que coloriste de laisser ça dehors. Dans ce cours spécifique, les avantages du Panneau de configuration facilitent les choses lorsque vous travaillez avec un client et que vous devez faire les choses rapidement et efficacement. Ok, alors maintenant que nous avons tout ça hors du chemin, passons à la leçon suivante.
6. Moniteurs : Choisir les bonnes caractéristiques !: Maintenant, nous allons couvrir le sujet très amusant des moniteurs. La question numéro 1 que tous les coloristes se posent est, quel est le meilleur moniteur ? Maintenant, c'est une question vraiment difficile à répondre parce que cela dépend vraiment d'une tonne de choses différentes. C' est comme demander à quelqu'un, quelle est la meilleure voiture pour conduire ? Cela dépend de votre budget, cela dépend de ce que vous évaluez, cela dépend de la personne pour laquelle vous évaluez, juste de votre niveau d'expérience. Beaucoup de variables différentes sont impliquées dans la réponse à cette question. Ce que je dis généralement aux gens et ce que je sais beaucoup d'autres coloristes disent généralement aux gens est le meilleur moniteur que vous pouvez vous permettre. C' est peut-être quelques 100 dollars, 500, 1 000$, 5 000$. Si moi ou quelqu'un d'autre répondait à cette question honnêtement, quel est le meilleur moniteur que vous pouvez acheter ? Nous vous disions 50 000$, 100 000$, 30 000$, ce qui est évidemment très irréaliste et honnêtement vous ferait paraître mauvais si vous
répondiez à cette question à tout le monde et un débutant vous demandait et vous leur a donné un moniteur de 30 000$, 40 000$. Cela étant dit, je veux passer en revue les choses à surveiller quand vous choisissez un moniteur. Certaines de ces choses ont tendance à être vraiment disponibles dans, je dirais, des moniteurs moyens, modérés à haut de gamme. Même si vous ne pouvez pas sortir et acheter un moniteur qui a parfait Rec. 709 espace colorimétrique et un gamma 2.4 et toutes ces autres fonctionnalités. Ne vous inquiétez pas pour ça. Obtenez le meilleur que vous pouvez vous permettre, tant que ce moniteur est étalonné, je pense que vous devriez être bon comme un moyen de commencer. Si quoi que ce soit, si vous ne savez absolument rien sur les moniteurs en ce moment, vous voulez probablement commencer avec quelque chose sur la fin moins chère parce qu'alors une fois que vous commencez à utiliser ce moniteur et que vous commencez à
apprendre et que vous commencez à en apprendre davantage sur d'autres moniteurs, vous constaterez que vous commencerez à réaliser ce dont vous avez réellement besoin. Si vous n'évaluiez que des spots de 30 secondes sur le web, vous pourriez avoir besoin d'un certain moniteur qui coûte peut-être 1 000 dollars. Si vous évaluez quelque chose pour des clients
haut de gamme ou des films de grande taille qui ont un très bon budget, alors oui, vous voudrez peut-être trouver quelque chose de 5 000$ ou 10 000$. Très peu de gens ou même de studios ont jamais ces moniteurs de 50 000$, 100 000$. On parle de studios hollywoodiens à gros budget, ce genre de choses. Honnêtement, aussi tu fais du classement dans un vrai cinéma. Avant de continuer sur ce sujet, voici quelques choses à surveiller lors du choix d' un moniteur et de l'étalonnage de ce moniteur. Voici quelques éléments que vous voulez pour votre moniteur. La première chose dont nous voulons parler maintenant est l'espace colorimétrique. L' espace colorimétrique, idéalement, vous voulez quelque chose qui reproduira le Rec. 709 espace colorimétrique, au moins 99 pour cent, sinon 100 pour cent. Rec. 709 est fondamentalement une gamme de couleurs qui est toujours considérée comme la norme de l'industrie. Maintenant, c'est évidemment en train de changer et vous commencez à voir Rec. 2020 beaucoup plus, et vous pourriez même faire l'argument que le P3 est de plus en plus commun aussi. Mais pour l'instant, surtout si vous commencez à chercher votre premier moniteur, le strict minimum que je dirais est de reproduire au moins 99 pour cent, idéalement 100, de la Rec. Espace colorimétrique 709. Ensuite, parlons de Gamma. Vous avez besoin de votre moniteur pour reproduire avec précision un Gamma de 2,2 ou 2,4. Si vous travaillez sur des choses qui vont sur le web, comme quelque chose pour YouTube ou Instagram, ou quelque chose qui va être visualisé en ligne via un navigateur Web, alors vous pouvez probablement avoir un moniteur qui est un Gamma de 2.2. C' est en fait ce que sont la plupart des moniteurs. D' autres moniteurs plus haut de gamme pourront reproduire un Gamma de 2,4 ou 2,6 pour le cinéma. Mais vous voulez idéalement 2.2 ou 2.4. Alors à partir d'ici, parlons de contraste. Le contraste est important parce que cela vous aidera à vous montrer des niveaux de noir précis, ou au moins une partie de cela,
ainsi que juste à quel point vous obtenez une bonne image précise et
nette et ne pas obtenir des noirs boueux, par exemple, et donc vous voudriez que dans le rapport de contraste soit au minimum 1, 000:1. Avec ça, je veux dire, un vrai contraste. Il y a beaucoup de technologie d'affichage là-bas en ce moment, comme je l'ai mentionné précédemment, ils ont des choses comme le contraste automatique, le contraste dynamique, ou un contraste où il est vraiment basé sur un logiciel. Vous voulez être un véritable contraste matériel ce que vous voyez
réellement hors de l'écran que vous achetez. Ensuite, en ce qui concerne les connexions, certains connecteurs que vous voulez, certaines entrées et sorties, sont SDI, qui est une norme de l'industrie, ainsi que HDMI. Vous souhaitez connecter votre moniteur à DaVinci Resolve via une sortie propre. Vous devriez vraiment idéalement ne pas être notation sur votre écran d'ordinateur, placer la visionneuse ou quelque chose comme ça sur un moniteur d'ordinateur parce que sans être trop technique dedans, vous êtes fondamentalement laisser votre carte graphique de votre ordinateur faire beaucoup de traitement, faire beaucoup de travail qui n'est pas l'image propre que vous avez tourné sur l'appareil photo, et par une image propre, je veux dire que ce que vous voulez est l'image que vous avez tourné sur votre appareil photo, si vous avez tourné sur un reflex numérique Canon ou un appareil photo rouge ou un appareil photo Arri ou tout ce qui se trouve entre les deux, vous voulez que votre image de caméra source soit sortie votre moniteur de classement sans intermédiaire de carte graphique, aucune manipulation de logiciel, intermédiaires de quelque nature que ce soit. Pour cela, vous voudriez obtenir, par exemple, quelque chose comme le Blackmagic Design mini moniteur 3G ou tout simplement un mini moniteur, ainsi qu'un UltraStudio HD Mini, ou si vous allez travailler en 4K et avoir un écran en 4K, et ont une sortie 8K, éventuellement l'UltraStudio 4K. Ceci, encore une fois, envoie un signal propre de DaVinci Resolve à votre moniteur de classement. Enfin, encore une fois, il s'agit d'un bref aperçu parce que, comme
je l'ai déjà mentionné, je pourrais en faire un cours complet. Tout cela est complètement inutile si vous n'étalonnez pas votre moniteur. Idéalement, vous voudriez un étalonnage matériel, qui se trouve encore une fois principalement sur les moniteurs plus élevés qui peuvent effectuer l'étalonnage matériel, ce qui signifie que vous calibrez votre moniteur à l'aide d'un colorimètre. Ensuite, il crée une table de recherche ou prêté, et il installe cela dans le moniteur. C' est pourquoi vous disposez d'un étalonnage précis. Ou beaucoup de ces colorimètres ont également un logiciel que vous pouvez utiliser pour calibrer. Un mot de prudence à ce sujet est, si vous finissez par acheter un dispositif d'étalonnage de colorimètre, assurez-vous que celui que vous achetez, le logiciel qui l'accompagne peut calibrer selon les normes vidéo. Beaucoup d'entre eux par défaut, surtout si vous obtenez les moins chers, peuvent seulement venir avec un calibrage photo qui ne fera que calibrer votre moniteur,
disons, quelque chose comme Adobe RGB, qui n'est pas ce que vous veulent utiliser pour la vidéo. Assurez-vous que le logiciel fourni avec le dispositif d'étalonnage que vous achetez dispose d'un paramètre pour l'étalonnage vidéo. C' est un point très rapide, une version de ce que vous voulez que votre moniteur ait. Encore une fois, vous voulez avoir votre Rec. 709, un contraste gamma de 2,2 ou 2,4, 1000:1, vous voulez avoir des sorties professionnelles connectées à une carte de lecture professionnelle comme un mini moniteur, et vous voulez vous assurer que vous calibrez cet appareil. Cela couplé à un environnement de nivellement approprié avec une lumière de biais 65K, un mur gris de 18%, et vous serez sur le point d'avoir un environnement de nivellement vraiment professionnel.
7. Lookbook : Les désirs du client: Dans cette leçon avant de sauter dans le classement, je veux parler un peu des images de référence. Donc, pour tout projet que vous notez pour un client, ils doivent toujours vous envoyer des images de
référence qui vous indiqueront le look qu'ils veulent pour votre projet. Certains clients le font, d' autres ne le font pas. S' ils ne vous envoient pas ces fichiers, vous devriez toujours les demander. Certains auront un très beau professionnel propre Look Book avec plusieurs pages décrivant chaque scène, ce qu'ils veulent, ce qui est très, très utile. Mais quelque chose que je fais toujours est une fois que nous arrivons au point d' avoir la conversation créative où je leur
demande quel genre de look ils veulent, je dis toujours envoyez-moi des images de référence, avez-vous un Look Book ? Je veux voir de quoi tu parles. La raison en est que tout le monde parle de couleur différemment. Tout le monde a une idée différente de ce que disent un look cool, un look chaleureux, un look contrasté, quelque chose de pop, quelque chose que vous entendrez tout le temps, quelque chose qui est cinématographique. Tout le monde dit que ces choses ont leurs propres Écritures, et vraiment vous ne saurez pas de quoi les gens parlent pour la plupart tant que vous n'aurez pas vu quelques images de référence. Pour ce projet, ce sont les images que nous allons utiliser comme images de référence. Les images que le client, pour ainsi dire, nous
ont envoyées pour que nous puissions faire en sorte que notre courte scène sur laquelle nous allons travailler ressemble à ceci. Nous avons ce clip, ce clip, puis ce clip noir et blanc. Donc, tout de suite, je peux voir qu'ils vont pour un cinéma, la couleur dominante que je vois à travers le tableau, sauf pour
l' image en noir et blanc, c'est qu'ils ont tous ce look vert sarcelle pour eux dans l'ensemble. Certainement, un regard cinématographique discret pour eux, et celui-ci ici, et ensuite celui-ci ici. Donc maintenant, si je pars et saute dans notre scène, et je vais juste passer à travers les coups de feu. Quelque chose qui est toujours génial à utiliser pour obtenir une vue d'oiseau de la scène est la boîte lumineuse ici en haut à droite. Je peux le voir en comparant cette scène à ce truc. Je peux voir que les images de référence qui ont été envoyées, ils ont du sens. Je peux voir ce plan ou n'importe lequel d'entre eux ici s'ajustant et en cliquant avec quelque chose comme ça. Maintenant, juste un mot de prudence, parfois ils ne cliquent pas. Parfois, ils peuvent vous envoyer, disons, vous savez que la scène est ici et vous envoyer quelque chose qui est, je ne sais pas, super lumineux et coloré avec des bleus, verts, des jaunes, des oranges et des violets, et toutes ces couleurs différentes, c'est super vibrant. Vous regardez cette image ici. Eh bien, vous pouvez voir que l'ensemble pansement, il y a beaucoup de blanc, brun, c'est certainement un ensemble très sourd. Même les vêtements sont juste des couleurs ternes. Ce n'est pas une scène ou un ensemble très coloré. Parfois, vous devez dire à un client : « Tout ce que vous m'avez envoyé ne clique pas sur la scène. Alors peut-être m'envoyer des images de référence différentes. » Essayez de comprendre ce qu'ils veulent, pour la plupart. Mais parfois, vous devez leur dire
: « Ok, la façon dont vous avez tourné ça n'a pas de sens pour ces images de référence. Y at-il un look différent que vous allez pour parce que, idéalement, le look d'un projet devrait commencer au tout début avant même de photographier, et qui devrait être intégré dans l'ensemble dressing dans la garde-robe, dans l'éclairage, dans le cinématographie. Mais dans cette situation, je pense que quelque chose comme ça donnera un sens à la scène. » Encore une fois, la façon dont nous allons travailler là-dessus est que nous allons donner ce look,
et ensuite nous allons obtenir des notes différentes du client et nous irons à partir de là. Dans la leçon suivante, nous allons commencer le processus de faire de ce projet ici, la courte scène de deux minutes, ressemble un peu plus à ça, regarde que le client nous a envoyé. Ok, alors on se voit dans la leçon suivante.
8. Les primaires: Nous voilà, enfin jusqu'au classement. Encore une fois, nous allons utiliser ces images ici comme référence. En fait, j'aime vraiment celle-là. Je pense que ça correspond le plus à la scène. On y va. Une autre chose à retenir à propos des images de référence, c'est que vous n'avez pas nécessairement à faire ressembler
votre projet à ces images de référence. Ils ne sont qu'à titre de référence, comme dans, ils sont juste une orientation générale pour prendre le projet. Une question que l'on me pose souvent est, comment savez-vous quoi faire ? Comment savez-vous quelles décisions prendre dans une année scolaire ? Comment savez-vous comment faire en sorte que quelque chose ressemble d'une certaine façon ? Honnêtement, je dirais que c'est 50/50. Le client qui m'embauche pour évaluer son projet, c'est ce qu'ils me disent jusqu'à ce qu'ils veulent, comme celui-ci. Ensuite, l'autre moitié est juste ma créativité et leur créativité travaillant ensemble et le PDD, directeur de la photographie. C' est vraiment un effort d'équipe et juste essayer différentes choses. Nous pourrions commencer par ici et aller ailleurs ou si le projet est assez bien tourné, nous pourrions être en mesure de tirer un regard qui ressemble beaucoup à ça. Mais ne pensez même pas que vous devez les faire paraître identiques à cela parce que, honnêtement, c'est pire sur le projet. Si vous essayez d'imiter quelque chose et que votre projet ressemble exactement aux images de référence, vous allez finir par forcer quelque chose, vous vous frayer un chemin dans un regard, et cela va finir par être très contre naturel, pas très bon, et il va regarder sur gradé. Donc avec cela, rappelez-vous juste que les références ne sont que des messages de guide et une direction générale pour prendre les choses et ne laissez pas cela être une béquille sur votre créativité. Beaucoup de fois, je vais simplement regarder un coup, rappelle-toi,
cela a un assez bon contraste, il doit avoir une palette de couleurs sarcelle,
c' est une image clé basse, et je vais juste de là. Je peux revenir en arrière plusieurs fois, mais vous verrez que plus vous notez, moins vous basculez sur les images de référence parce que finalement, le projet prend une vie propre et il devient sa propre chose. Donc, avec cela étant dit, nous allons entrer. La première chose que vous voulez généralement faire lorsque vous évaluez quelque chose est que vous regardez simplement sur la scène, vous voyez ce que sont les clichés clés. Tout de suite, je vois que ce personnage est beaucoup sur l'écran, puis peut-être suivi par ce gamin ici, et ensuite lui. Il y a aussi quelques coups blancs lancés. Je sais que cette photo est très importante. C' est la figure clé de la scène. Regardons juste un peu la scène. n'y a pas de son au fait. Il entre, se couche sur l'assiette. Vous pouvez voir que les enfants ont l'air effrayés. le frappe sur la tête parce qu'il a commencé à manger avant tout le monde. Nous allons juste passer par quelques coups de feu. Puis il s'assoit. Donc, même sans son, vous pouvez dire que cette figure de père est ici le personnage dominant dans la pièce. Nous regardons également cela parce que vous ne pouvez pas simplement sauter dans un film sachant rien à ce sujet et commencer à évaluer même si vous avez des images de référence. C' est toujours le plus important de connaître l'histoire, de connaître les personnages, connaître le sentiment de la scène, connaître le ton de la scène, et de savoir ce qui se passe. Par exemple, celui-ci, que vous pouvez probablement dire maintenant juste en regardant, le père est une figure très dominante lors de cette scène de petit déjeuner. Il fait sortir leur nourriture et maintenant ils mangent, pour que vous puissiez voir le niveau de contrôle qu'il a sur eux. Maintenant, il est logique que pour quelque chose comme ça, c'est une scène matinale. Beaucoup de fois en passant, des images de référence, assurez-vous de garder la conversation avec le cinéaste. Ils n'ont pas toujours à voir avec l'apparence de l'image de référence. Par exemple, ce personnage ici, il est derrière les barreaux. L' angle du tir, vous le voyez de loin. Il a l'air déprimé et vous pouvez dire qu'il a des ennuis. Ce type est dans un lit d'hôpital. Ils ont tous ce ton de quelque chose n'est pas tout à fait correct. Même celui-ci, ici, est juste sourd, désaturé. Ce personnage a l'air d'être dans un endroit sombre. C' est aussi le contenu des alambics qui est important, pas seulement son apparence. Donc, avec cela étant dit, nous allons juste entrer. Regardons juste un peu plus. Fondamentalement, vous avez vu tous les clichés déjà dans la scène. Arrêtons-nous ici. Encore une fois, parce que ce père est ici la figure dominante de la scène, nous allons l'utiliser comme point de départ. Voyons voir. En fait, je vais cliquer sur « Parade » et on va aller à Waveform, et on va commencer ici. Tout de suite, on peut dire que ce plan ici, il a été tiré à plat, il a été tiré sur le journal. Donc, tout de suite, comme une étape principale du processus, c'est connu sous le nom de l'ajustement primaire, nous allons fondamentalement juste sortir ça du journal et partir de là. Ce que je veux que cette image fasse, c'est encore, la moitié de ces images de référence et juste la moitié de mes propres idées. Je vais aller chercher des ombres très riches, des noirs très riches. Je vais regarder ici, c'est
là que sont les zones les plus sombres. En lisant la forme d'onde ici, nous pouvons également voir que c'est la zone d'ombre ici. Pour mettre les noirs, je vais faire attention à son dos, puis à l'arrière de sa tête. On va aller à l'ascenseur et on va juste traîner vers la gauche. Je regarde ça ici et je regarde aussi l'image, et je suis juste en train de rebondir entre les deux. Je veux que ça repose sur cette ligne ici, c'
est-à-dire les Noirs, ou les ombres. C' est ici les faits saillants. ce moment, je m'inquiète juste pour les ombres. Je veux juste que ça flotte à peine dessus. Ça m'a l'air bien. Ça a l'air bien. Juste ça seul, vous pouvez voir que je frappe « Commande D » avant, après. Donc ce sont les points forts ici qui s'alignent avec les rideaux ici. C' est ce que je regarde. Puis ces petites pointes ici sont le côté gauche de sa tête ici, qui sont aussi les points forts. Encore une fois, nous ne ferons pas tout cela jusqu'au sommet. C' est une autre idée fausse. Parfois, les gens pensent que vous devez étaler cette forme d'onde et étaler les points forts tout
le chemin en touchant la ligne supérieure et les noirs doivent toucher la ligne de fond. Ce n'est pas le cas. Encore une fois, on va pour une touche inférieure légèrement sombre look cinématographique. C' est ce que je vois ici. Quelque chose comme ça. Donc, pour ces faits saillants, ils ne sont pas si loin. Je vais commencer ici. Je vais juste les élever un peu. Encore une fois, je rebondisse d'ici à là. Mais dans la plupart des cas, j'imagine que la plupart des gens regardent cela sur un moniteur. tant que coloriste, j'ai en fait un moniteur de notation à ma droite et je regarderais cela beaucoup plus grand que ça, donc il y a un peu plus de détails. Encore une fois, c'est quelque chose que vous voulez certainement à un moment donné avoir un bon moniteur qui est strictement pour le classement. Vous ne voulez pas regarder cela parce que
c'est essentiellement comme regarder un écran de sept ou huit pouces, ce qui n'est pas la meilleure chose à faire. Mais vous pouvez également appuyer sur « Command F » plein écran pour le regarder. Avant, après « Commandement D. » Je vais laisser les faits saillants juste là. Maintenant, je vais travailler sur le contraste parce que je veux que son visage éclate vraiment. ce moment, son visage est un peu trop plat. Je vais augmenter le contraste. Prenez ceci et faites-le glisser vers la droite un
peu jusqu'à ce qu'il arrive à un point qui vous satisfait. Je vais aller ici en plein écran et juste appuyer sur « Command Z ». Allons juste annuler, refaire. C'est très subtil. Je vais l'augmenter plus et déjà je peux le dire. Voyons voir. J' aime ça un peu mieux, et vous pouvez voir que c'est avant après. Je touche « Commande » « Z » et puis pour annuler, nous pouvons voir le petit peu plus de détails qui se passe ici. Nous allons y aller, et,
encore une fois, c'est là que nous avons commencé. Encore une fois, ce que je vais faire ici, c'est que je vais faire une note différente pour chaque petit ajustement pour la plupart, juste pour que vous puissiez vraiment voir toutes les étapes, et ça colle. Pour celui-là, je pense que je vais laisser ça. C' est un bon endroit pour un primaire. Il y a beaucoup de travail à faire, mais tout ce que nous avons fait ici est d'ajuster les ombres, le gain, nous avons fait le contraste, qui ajustent un peu les tons moyens, et voyons. On va juste au pivot. Je traîne un peu vers la gauche. Voici avant et après. On va le garder ici parce que c'est le matin et on veut qu'il ressemble au matin et qu'il fera trop sombre. Pour ceux d'entre vous qui ne savent pas ce que fait le pivot, il est
essentiellement lié au contraste. Ce que le contraste fera, c'est qu'il étend la gamme des brights les plus brillants et des sombres les plus sombres. C' est ce qu'est le contraste. C' est quand il y a un large spectre allant du point le plus lumineux de votre image au point le plus sombre de votre image. Disons que le pivot a été fixé à 50 pour cent, pour
ainsi dire, pas nécessairement basé sur cela, mais disons qu'il est fixé à 50 pour cent. C' est essentiellement de déterminer à quel point de votre image commencez-vous ? Est-ce que les choses deviennent plus brillantes et que les choses deviennent plus sombres ? Lorsque vous réglez cela, vous réglez essentiellement le point de pivot où
le contraste détermine ce qui est un ton moyen et une ombre,
et ce qui est un ton moyen et un surlignement le contraste détermine ce qui est un ton moyen et une ombre, . Sachez juste que lorsque vous l'ajustez ici, c'est une bonne chose à jouer parce que vous êtes fondamentalement un peu affiné le contraste. Maintenant, nous allons faire quelque chose de similaire à la prochaine photo ici. Allons à ce plan primaire ici. En fait, je vais sauter. J' aime toujours se frotter à un endroit où le personnage est au centre et ce ne serait pas un bon endroit pour faire un ajustement. Vous voulez toujours aller à un endroit où vous pouvez voir proprement le personnage. La même chose ici. Je regarde ici donc les ombres, ses cheveux ou les ombres. Je peux voir la forme d'onde ici, ce sont les ombres. Même chose. Je vais faire tomber les ombres et je veux à peine toucher le fond ici. Encore une fois, c'est simplement parce que je veux des ombres profondes et
moody pour ce projet. Encore une fois, je vais juste rebondir entre regarder cela et ensuite regarder aussi ici. Si c'était, disons une publicité de beauté ou quelque chose, alors, évidemment, cela peut ne pas être complètement bas et ils pourraient vouloir un look froid ou moins contrasté, puis les ombres pourraient être un peu plus élevées. Encore une fois, maintenant, je regarde le personnage ici. Je peux dire qu'il a les reflets de
ce côté du visage et les ombres de ce côté du visage. En ce moment, vous pouvez dire que les faits saillants sont bien trop bas. La fenêtre est là-haut, mais en regardant son visage, qui est cette partie des formes de vagues, je peux dire qu'ils sont un peu au milieu. Pour que ces deux coups correspondent, laisse-moi revenir ici. Je veux que ça aille un peu plus haut pour correspondre aux coups précédents. En fait, je vais les soulever à nouveau. C' est toujours rebondir entre ça et ça et je pense que c'est un bon endroit. Je pourrais aller juste un peu plus haut sur le gain parce que je
vais augmenter le contraste maintenant et faire glisser ceci vers la droite. Encore une fois, ce n'est qu'un choix créatif. Faites glisser le contraste vers la droite, vers l'endroit où vous le sentez bien pour vous et pour la scène et ce que le cinéaste veut en fonction des images de référence. Pour moi, ça a l'air bien ici. Je suis juste en train de basculer entre les deux pour m'assurer qu'ils correspondent. Encore une fois, « Commandement » « D ». C' est là que nous étions. Tout ce que j'ai fait ici,
c'est de sortir ceci du blog en élargissant le contraste, réglant l'ascenseur ou les ombres, réglant le gain, puis en ajustant un peu le contraste. Ensuite, je vais ajuster le pivot. Je dirai que ça a l'air bien. Encore une fois, une grande partie de cela est un choix personnel et ce que vous pensez semble bon. Maintenant, je vais juste jouer à travers les deux coups et voir comment ils coulent ensemble. Ça a l'air plutôt bien. Maintenant, surveillez à nouveau. Bien. Je pense que ça pourrait aller plus lumineux parce qu'il est plus près de la fenêtre. Si on regarde ici, on peut voir qu'il y a une fenêtre ici. Je commençais à rester ici. Je sais en fait qu'il y avait une fenêtre là, mais même alors, en tant que coloriste, beaucoup de fois vous devez jouer détective et regarder l'éclairage et avoir à développer l'habileté de décomposer l'éclairage en regardant l'image. Vous pouvez évidemment voir qu'il y a de la lumière qui vient de cette fenêtre et qu'ils mangent donc il est logique d'après ces faits saillants qu'il y a une fenêtre derrière ce mur. Il est plus proche. Il est logique que cette photo soit plus brillante que lui. Ça me semble plutôt bien. Nous nous arrêterons en l'air avec ce tir ici. Commençons par ça ici. Encore une fois, je vais le faire un peu plus vite. La même chose que je fais. Derrière ce mur, nous pouvons voir que c'est là que
sont les ombres , puis ce personnage est de retour et c'est ce que nous voyons ici ; ombres et puis ce personnage est de retour. Placons les ombres là où nous voulons qu'elles soient. C' est, encore une fois, un choix personnel stylistique. Je veux que cette photo ait presque une demi-silhouette. Je vais faire tomber les ombres et
toucher vraiment ces ombres qui mettent les vrais noirs ici. Je regarde sa chemise ici et je dis que c'est bien. Je vais soulever ces faits saillants ici, qui, encore une fois, sont les rideaux pour correspondre au point ici. Vous pouvez voir les conseils sont juste toucher ici sur cette ligne 896. Je vais aller ici et augmenter le gain et je vais monter jusqu'à ce qu'ils se touchent. En fait, je vais descendre une touche juste pour que ce plan large semble une touche plus sombre. Alors jouons à travers ça. Je vais faire défiler, frapper le jeu, et je vais en fait augmenter le contraste pour toucher plus, maintenant que je les ai vus couler ensemble l'un après l'autre. C' est mieux. On y va. Maintenant, normalement à ce stade, j'augmenterais également la saturation, mais à cause des images de référence, ne
sont pas des plans très saturés. Je vais sauter cette étape pour l'instant, mais je vais juste la monter un peu pour te montrer. Disons ici. Ici, j'ai évidemment exagéré, mais juste pour que vous puissiez voir. Encore une fois, c'est un scénario où si je notais quelque chose qui était plus d'une vidéo de beauté ou autre chose, je pourrais augmenter la saturation plus. Mais pour cette scène, je sens juste que nous allons garder cette faible saturation qui a été construite. Nous allons apporter des couleurs plus tard quand nous apporterons ce look vert, mais pour l'instant je pense que c'est une bonne idée de garder ce look silencieux et
sans vie pour la scène, parce que cela fonctionne pour cette scène. Maintenant on va faire ce gars ici très vite et encore, je cherche juste un bon endroit, peut-être que j'irai ici. En fait, pour son tir, je pense que c'est peut-être un peu mieux. Nous pouvons le voir un peu plus clairement, donc nous ferons ça et la même chose pour le primaire. Encore une fois, les primaires, devraient être la partie la plus facile de la notation. Honnêtement, la plupart des gens s'arrêtent après les primaires. C' est l'une des grandes différences entre un coloriste et quelqu'un qui connaît juste les bases de la correction des couleurs, c'est qu'ils s'arrêteront après ce look de base. C' est le basique, les ombres, les tons moyens, contraste, la saturation, et ensuite ils appelleront ça fait. Où habituellement un coloriste fera 5, 6, 7, 8, 9, 10 étapes au-delà,
cela fait vraiment une différence. On va commencer ici. Encore une fois, ascenseur. Nous avons fixé notre niveau de contraste, c'est sombre ici, ses cheveux, cette ombre. Je laisse ça toucher le sol. Voyons voir ici, nous savons que la fenêtre est de
ce côté et il est assis en face de ce personnage qui est son frère, et encore une fois, nous pouvons voir que son point culminant est autour de cette zone. Donc, si nous voulons qu'ils correspondent, nous voulons les faits saillants qui sont ici, ils représentent ce petit pic ici. Je vais augmenter le gain,
et je pense que ça a l'air un peu trop brillant, mais je vais juste le laisser tomber au toucher. Aussi, parfois ce n'est pas que c'est trop brillant, c'est que tu étais habitué à voir quelque chose comme ça et quand tu l'arriveras ici, ça pourrait être un peu secouant. C' est pourquoi il est bon de basculer constamment entre vos autres coups, comme cette photo. Alors je sauterai ici. Tu vois, et on a un basculement entre ces deux. Ça a l'air bien, comme ça. Ensuite, je vais faire monter le contraste ici, et je vais vraiment augmenter le contraste parce que quand tu augmenteras ce contraste, ça va vraiment faire ressortir toute la saleté dans son visage, dans sa chemise sale, et les taches. Tous ces trucs sont mis en évidence avec le contraste. Encore une fois, je vais juste cliquer et faire glisser vers la droite. Je vais vraiment pousser celui-là et voir jusqu'où on peut pousser avant qu'il ne semble pas naturel. Je vais aller aussi loin, Commandement D. Je vais vraiment le pousser loin,
mais c' est l'avant et nous sommes là. Maintenant, je vais aller ici, faire clic droit sur le tir de papa, appliquer le grade pour copier cette note, et je vais aller ici, clic droit sur sa photo, appliquer la note, copier ça. Maintenant, regardons ça dans l'ordre. Ça semblait bien aller. Encore une fois, les choses ne sont pas censées paraître parfaites en ce moment. Il y a toutes ces petites choses que je remarque que je veux changer, mais nous les ferons probablement plus tard. Je suis littéralement juste commande en cliquant ici, commande en cliquant ici, puis en cliquant avec le bouton droit de la souris, appliquer la note, copier ces sur, cliquer avec le bouton droit, appliquer la note. C' est juste pour que j'ai une idée de la façon dont les choses circulent, c'est ce que nous faisons en ce moment. Voici le dernier plan qu'on a corrigé et je pense qu'on correspond ici. Voir des petites choses, par exemple, le premier coup qu'on a corrigé, je crois que c'était celui-là, il n'est pas au soleil mais quand on arrive ici, il est profondément dans la lumière, et maintenant je pense que c'est probablement trop brillant. Alors peut-être pour celui-ci ici, je vais cliquer sur le 2, aller aux faits saillants. C' est ce que HL signifie, et je vais faire glisser vers la gauche pour
faire descendre ces faits saillants afin que ça ressemble un peu mieux. La même chose ici, cliquez, cliquez. Parce que je peux voir dans ces trois coups qu'il plonge dans les faits saillants, faites un clic droit, appliquez la note et voilà. Vous faites constamment des allers-retours, des allers et des retours, faites ces petits ajustements, sans entrer trop profondément dans ça. Rejouons ça, vous pouvez voir que le regard est en train de se réunir. Encore une fois, ce que nous avons ajusté, ce sont simplement les primaires. Dernier clic ici, faites un clic droit sur ce type. Une chose cool à propos de la résolution, en passant, est que dans cette scène spécifique, ce n'est pas le cas, mais généralement ce qui se passe est si les coups provenaient de la même prise, disons que c'était de la même prise que celle-ci, disons Prendre 2 , il se retournerait automatiquement. Quels que soient les réglages que vous apportez à cette prise si autre élément de la scène provient exactement de la même prise, il copiera automatiquement ce réglage sur tout autre élément de la scène qui provient de la même prise. Dans ce cas, chaque clip est son propre clip individuel. C' est pourquoi nous devons cliquer avec le bouton droit de la souris, appliquer la note, ou les saisir en vrac comme ceci, puis cliquer avec le bouton droit, appliquer la note. Mais en général, lorsque vous faites un ajustement à un seul coup, cela l'excite aux autres. C' était donc nos principaux ajustements. Nous avons encore un long chemin à parcourir. Mais vous pouvez voir que tout ce que nous avons fait ici, encore une fois, était d'ajuster les tons moyens, les ombres, les reflets, le gain, le contraste. Nous n'avons rien fait avec la saturation, parce que c'est plutôt un choix stylistique créatif. Nous sommes sur le point de jeter un oeil à quelque chose de plus dans cette direction. Primaires, c'est tout ce qu'on a ici. Maintenant, je vais sélectionner ceci, cliquer avec le bouton droit de la souris, et je vais juste appeler ça primaire. Option S pour créer le prochain gars. Nous allons maintenant passer à la prochaine leçon en secondaires, où nous commençons à faire un peu plus de réglage. Je te verrai dans cette leçon.
9. Les secondaires: Nous voici maintenant dans la leçon secondaire. Ceci, dans les secondaires, est essentiellement l'endroit où se fait la plupart des choses créatives. Les primaires sont vraiment juste d'amener les clips à un endroit normal, pour ainsi dire. Avant de commencer, cependant, je vais appliquer les looks que nous avons créés. Voici notre astuce rapide. Je vais cliquer sur « Lightbox » ici, sélectionner tous ces plans larges, puis je vais cliquer sur le « i » en haut à gauche. Vous pouvez toujours dire quels clips ont déjà été corrigés par ce petit surlignement arc-en-ciel autour du numéro. Je vais cliquer sur tous les plans larges en cliquant sur Commande. Ensuite, je vais juste faire un clic droit sur l'un des clichés qui a déjà été corrigé. Faites un clic droit sur « Apply Grade ». Boom, ça les fait passer les flics. La même chose avec son tir. Cliquez sur Commande. On y va. Ensuite, on va juste faire un clic droit sur une de ses photos. Encore une fois, cela ne va pas avoir tous les clichés parfaits, mais il obtiendra ce look initial parce que nous allons toujours regarder à travers cette scène une tonne de fois et d'air fin, et l'air fin, et jusqu'à ce qu'il semble parfait . On dirait que c'est juste ces photos ici. Cliquez avec le bouton droit de la souris, App
Grade, puis cliquez sur Commande. Je pense qu'on a tout. Je vais retourner au premier coup. Regardons juste un peu à travers. On a une idée ou, en gros, on a le passage initial de la couleur. Peut-être qu'on s'arrêtera là. On y va. Clip 20 donc nous allons cliquer ici. Maintenant que nous avons toute la scène avec une note de base, nous allons commencer à mettre le look un peu. Regardons cette photo en arrière. Voici ce que je vais essayer d'y ajouter maintenant est de lui donner cette palette de couleurs sarcelle à elle. Encore une fois, ce que nous pouvons voir ici, c'est que nous avons un fond sarcelle pour la plupart, nous avons mis le contraste. Vraiment, je vais juste sauter ici, appuyer sur « Option S » ou vraiment l'autre façon de faire est d'aller dans Couleur,
Noeuds, et j'ai ajouté un Serial Node. Après cela, ce que je vais faire, c'est simplement descendre à la clé. Je vais taper l'arrière-plan. Cliquez ici. Voyez maintenant, j'ai un autre outil. Je peux toujours aller ici s'il ne sélectionne pas automatiquement l'outil de qualification. Je vais cliquer sur la fenêtre. Vous pouvez soit cliquer sur « Maj H » pour vous montrer ce que vous avez tapé, soit cliquer sur cette petite icône ici. J' aime faire Shift H. Je vais vraiment sélectionner l'ensemble de l'arrière-plan. Je clique et je fais glisser. On y va. C'était une bonne clé. Ensuite, je vais aller à Blur Radius, et faire glisser ça vers la droite. Cela aide à adoucir notre sélection. Vraiment, il suffit de le faire glisser vers la droite jusqu'à ce que la touche semble naturelle et douce. En ce moment, on prend un peu de sa chemise et Shift H, un peu de sa chemise et ses cheveux. Je vais maintenant aller ici au centre. Un peu à ce sujet. Le centre me montre essentiellement quelle gamme de couleurs il sélectionne, puis la largeur montre essentiellement la largeur d'une gamme de ces couleurs qu'il sélectionne. Si, par exemple, je fais glisser le centre, vous pouvez voir qu'il sélectionne différentes couleurs car je laisse ces couleurs entrer dans cette plage. Comme je vais aller dans les verts et les jaunes, vous pouvez voir qu'il sélectionne plus de son visage. Annuler ça. Ensuite, c'est la largeur, vous pouvez fondamentalement réduire cela vers le bas ou l'augmenter. Quand je le réduit au rouge, il sélectionne son visage. Je vais vraiment étendre ça un peu. Ensuite, la même chose avec la saturation. n'y a pas beaucoup de saturés, donc ça ne va pas faire autant. Ensuite, la luminance est essentiellement des zones plus lumineuses et plus sombres. Je vais maintenant, par exemple, haut et bas. Si je retire ou abaisse les hauts et la luminance, c'est enlever la fenêtre parce que je lui dis d'enlever les zones lumineuses de la clé. Je suis juste en train de peaufiner ça et maintenant je bouge les bas, ou les ombres, ce qui est ce que c'est cette chemise et ces cheveux. Je le traîne toujours si lentement vers la droite. Je n'ai pas à tout retirer de lui. Je peux le faire plus tard, mais parfois laisser juste une touche de choses aide à rassembler les choses. Parce que si on sépare trop l'arrière-plan, et qu'il n'y a absolument rien ici qui imite l'arrière-plan, ça peut lui donner l'impression qu'il est trop forcé ou trop coté, ce genre de chose. Quelque chose d'aussi mineur ne sera vraiment pas remarqué. Je fais juste ça. Je vais juste garder ça pour l'instant. Une fois que j'ai fait l'ajustement, si je remarque quelque chose qui interfère ici qui semble mauvais, alors je vais aller ici et modifier ces paramètres un peu plus. Mais pour l'instant, on va le laisser. Je vais appuyer sur « Shift H », c'est l'arrière-plan qui est sélectionné. Ce que nous allons faire maintenant, c'est introduire un fond sarcelle. J' ai sélectionné l'arrière-plan. Encore une fois, laissez-moi étiqueter ceci juste pour vous garder primaire. Ensuite, ici, nous allons nommer ce fond. Je vais juste faire BG pour l'arrière-plan. Je vais aller à la température. Température, généralement, ce que cela contrôle est votre chaleur et votre fraîcheur. Si je fais glisser vers la gauche, ça va refroidir les choses. Souviens-toi, moins c'est plus. Je l'ai traîné au négatif 1,130. Encore une fois, vous n'avez pas à faire ça. Tu peux, tout ce qui te semble bon. Commandement D à C. C'est là que nous allons avec, déjà vous voyez une énorme différence. Si on sait que ça fait partie de la clé, ça ne me dérange pas trop. Vous pouvez voir aussi ici un peu sur la théorie des couleurs dans la psychologie de la couleur. Je n'ai pas touché son visage, mais simplement en rendant le fond plus bleu et plus frais, il rend son visage plus saturé et plus rouge. Parce que maintenant nous introduisons une couleur complémentaire. Si nous regardons la roue de couleur et que nous sommes dans cette gamme ici, et alors sa peau est dans cette gamme parce qu'ils sont opposés l'un à l'autre. Il les aide à pop un peu plus ce qui est une partie de la
raison pour laquelle le look sarcelle et orange super populaire fonctionne ou n'importe quelle couleur où vous allez sur la roue de couleur qui va créer une pop ou une séparation des deux couleurs contraste. Encore une fois, si vous le montriez à quelqu'un, ils penseraient probablement que j'ai saturé son teint un peu plus pour le faire pop. Allons de ça à ça, je pense que c'est bien là. Parce que encore une fois, moins cela plus et vous ne voulez pas trop
pousser parce qu'il finit par paraître trop faux. On va faire ça, et ensuite je vais revenir ici. Allons-y et on y va avec ce look vert. Je vais le faire. En ce moment, c'est moral dans le spectre bleu. Maintenant, je vais aller à la Teinte qui contrôle les verts, puis les magentas. Je vais le pousser vers la gauche un peu plus d'un ton vert à elle. Très bien. Je vais laisser ça là pour l'instant. Ce que je vois maintenant dans les champs ici, c'est voir comment c'est tout à coup que nous avons. C' est là que nous étions quand il était plus équilibré et neutre simplement en ajoutant ce fond bleu sarcelle. Maintenant, nous avons ces pointes dans les bleus et les verts, et ils peuvent frapper un peu trop et nous ne voulons pas qu'elles soient coupées. Je pourrais aller à la courbe et ensuite HS est très doux, ce
qui fait ce que cela fait, si je le fais glisser vers la droite et que vous gardez un oeil sur cette forme d'onde ici, il fait une courbe douce de tomber juste les points forts les plus brillants. Avant, il était trop proche pour le confort du haut pour accrocher les points forts dans le blues. Je vais juste le faire très légèrement descendre un peu pour qu'il s'arrête, donc il s'éloigne de cette ligne, et aussi s'il y a des points forts qui deviennent trop chauds, pour ainsi dire, ils auront une courbe douce de les encadrer plutôt que de les couper. Fondamentalement, créer une courbe douce que
ce soit pour les ombres ou les reflets, c'
est qu'il aura plus d'un roll-off lorsque vous nommez quelque chose ou que vous rendrez les lumières un peu moins douces, un peu plus sombres, vous roulez il est éteint. C' est un regard plus naturel et progressif, plutôt que juste une coupure dure, ce qui rend les choses très numériques, très fausses et très bruyantes. C' est notre premier secondaire ici. Cela commence à arriver au point où vous commencez à devenir créatif par vous-même. J' ai l'impression qu'on va dans cette direction. C' est un tir très brillant. Maintenant, le nœud suivant, option S. Vous pouvez appeler celui-ci un nœud d'ajustement, et c'est là que vous avez fait vos primaires. Je vais faire l'option D pour tout éteindre. Nous avons fait nos primaires, Commandement D, nous avons fait notre expérience. Maintenant, nous allons fusionner les deux et faire un ajustement rapide. Encore une fois, c'est juste du goût, il n'y a pas de manuel d'instructions à ce sujet. Je regarde cela et cette photo est maintenant trop brillante parce que d'habitude, quand vous ajoutez quelque chose comme du blues à un plan, cela rend l'image plus brillante ou plus lumineuse. En regardant les formes d'onde, nous pouvons voir qu'il est devenu plus lumineux parce que nous étions ici, où les faits saillants atteignaient un sommet et tout d'un coup le blues. Les verts sont montés et cela touche le haut, donc c'est le plus brillant. Je vais y aller, faire un nœud d'ajustement, et je pourrais faire un gain ou je pourrais faire des surlignements. Dans ce cas, je vais gagner parce que je veux le tir entier soit un peu plus sombre et un peu plus sombre, même si c'est le matin. C' est juste une petite chose comme ça. Quelque chose comme ça fait une grande différence. Je vais aller un petit peu plus, 96 gains et c'est tout ce que j'ai fait, petite touche. Ça a l'air un peu plus beau, un peu plus cinématographique. C' est l'ajustement que nous faisons là. Ensuite, en plus de cet ajustement, je veux m'en tenir à la palette de couleurs vertes. Tu peux dire que j'y vais vraiment. Si vous regardez ses cheveux, vous pouvez voir ce bar ici est vrai noir. Mais si vous regardez ses cheveux et que vous les comparez à cela, vous pouvez voir que les ombres sont effectivement levées un peu et il y a une touche de vert dans ses cheveux, ce qui signifie fondamentalement que ses cheveux sont les ombres ou le plus sombre portions. Je vois qu'il y a un petit soupçon de vert dans l'ombre qui, psychologiquement, crée un sentiment malade que quelque chose ne va pas. Je vais maintenant y aller. Je vais aller à l'ascenseur et je vais traîner ça un peu vers les verts. C' est trop. C'est un parfait exemple de quand un panneau de commande serait utile parce que je pourrais très subtilement faire ce réglage sur le panneau de commande. Mais cliquer dessus et faire glisser rend les choses un peu plus difficiles. En fait, je vais faire un autre noeud juste pour que nous puissions garder les choses organisées. Étiquette de noeud, je vais dire verts pour les ombres vertes. Les ascenseurs sont les ombres. Maintenant, je vais juste prendre cela très simplement, c'est difficile à voir parce que cet écran est si petit mais je vais juste,
son comme ça, Commande F,
plein écran pour son comme ça, Commande F, que je puisse mieux le voir. Je suis en train de voir avant, après. Vous pouvez voir qu'il y a un peu de vert ici, ombres
verdâtres dans les cheveux. J' aime ça parce qu'il prend aussi le regard magenta hors de son visage. Encore une fois, vous pouvez affiner cela comme vous le souhaitez. Mais je pense que vous comprenez l'idée, juste édité un soupçon de vert dans l'ombre pour lui donner un regard plus malade. Je vais revenir à l'arrière-plan. J' ai l'impression que j'ai fait quelque chose à l'arrière-plan. Je vais maintenant aller à l'arrière-plan. Après avoir ajouté les verts ici, je pense que cela a équilibré l'arrière-plan un peu trop à mon goût. Je vais y aller et je vais saturer un peu l'arrière-plan. Juste un peu. Tu vois, c'est là qu'on était, et je vais aller jusqu'à 57. C'est bien. Secondaires. Vous pouvez simplement regarder cette image qui commence à prendre forme. C' est là que nous avons commencé, annuler tout, Option D, primaires, arrière-plan, ajustement, verts. Alors nous sommes là maintenant. On y va. Vraiment à ce stade, ce ne sont que vos idées, votre créativité. Je regarde ça un peu. On y va. En regardant cette image, une chose que j'aime dans cette image, c'est qu'elle a une certaine planéité. C' est juste brillant. C'est un exemple. C' est juste une image lumineuse, l'oreiller est lumineux, son visage est brillant. C' est un extérieur de jour. C' est un peu nuageux, vous pouvez le dire, mais c'est aussi ce plat de qualité picturale. Vous pouvez voir dans les arbres. J' aime comment sont les ombres. J' aime ça et je pense que c'est ce que le réalisateur voulait. Je vais retourner ici et je vais ajouter ça. C' est là que tout devient votre choix personnel, votre opinion personnelle, et aussi ce que le cinéaste veut. Mais ce que je vais faire est d'ajouter un autre nœud, puis d'aller à faible soft. Ce que cela va faire est, encore une fois, créer un roll-off doux des ombres et de les élever un peu. Si vous regardez ici, qui représente toute cette zone ici, je vais augmenter le nombre de choses à ce sujet. On y va. Vous pouvez voir qu'on était là. J' en ai parlé à ce sujet et vous ne pouvez voir que les ombres. Il lui donne ce look noir mat, ce qui le fait ressembler un peu plus à un film. Poussant un peu les ombres vers le haut. Encore une fois, ce sont tous des secondaires. C' est ce qui est considéré comme secondaire. Je pense que c'est un bon endroit pour s'arrêter ici jusqu'à présent pour ces secondaires. Maintenant, je vais faire quelque chose de semblable à ce plan ici. Voyons juste voir. D' abord, nous allons faire le fond. Quelque chose que j'aime faire beaucoup juste pour voir si cela fonctionne est que je sélectionne ceci. Ça ne le fera probablement pas. Dans ce cas, je vais ici. En fait, je suis presque sûr que ce n'est pas le cas. Ensuite, j'ai juste cliqué ici, appuyez sur Commande C pour la copier, puis j'ai créé un nœud, Commande V pour le coller. Maj H pour voir ce qui a été sélectionné. Ensuite, je peux aller cliquer ici, puis je vais re-sélectionner l'arrière-plan. Encore une fois, juste en faisant ça, vous pouvez voir qu'on dirait que j'ai saturé son visage, mais je ne l'ai pas fait. Je vais vraiment ajuster ça. Je n'aime pas
trop la façon dont ça se répand sur sa chemise , alors je vais réduire la largeur pour sortir sa chemise du chemin. Boum. Avec le centre, et c'est probablement bon. On y va. Voici l'arrière-plan. J' aime ce bleu. Il a une chemise bleutée, ça aide un peu. Ensuite, disons opter pour un nœud d'ajustement. arrière-plan est sorti d'accord. Alors ici, je vais jouer à partir d'ici. Vous pouvez voir que c'est vraiment fou que son visage éclate tellement maintenant, et vous pouvez voir qu'on a vraiment saturé son visage, mais on n'a rien fait. Aller à l'option S ici et je pense que je vais faire tomber ça pour avoir l'air un peu plus sombre même alors. Encore une fois, semblable à l'autre, comme ça. Encore une fois, on va y aller. En fait, pour celle-là, je vais peut-être faire tomber les ombres. Je sais déjà que je vais faire le faible soft que j'ai fait ici. Je vais faire descendre les ombres un peu plus. Cliquez sur les deux ombres juste un peu plus pour lui donner un look plus sombre et plus inquiétant. Parce que je sais que je vais aborder ça de toute façon dans un petit peu, on y va. Encore une petite chose, on va juste sauter un peu. Je vois ce point culminant bleu sur son front, que je n'aime pas d'ici, alors on va s'en débarrasser. Je dirais que le moyen le plus rapide est de simplement créer une fenêtre parce que tout reste va bien et parfois vous avez juste à trouver le moyen le plus rapide de travailler. Fondamentalement, ce que je fais c'est que j'ai créé cette fenêtre et j'ai cliqué ici, ce qui lui dit de faire les ajustements. En d'autres termes, le blues. Faites ces réglages bleus en arrière-plan, qui était une clé bleue que nous avons créée ici. Je dis de faire cet ajustement à tout ce qui est en dehors de cette fenêtre. Parce qu'il bouge, je vais voir le tracker. En général, j'appuie simplement sur un bouton sur le panneau de configuration ou vous pouvez appuyer sur Commande T pour suivre cela. Vous pouvez voir que ce sont les informations de la piste. Ou vous pouvez appuyer sur les flèches arrière ou vers l'avant. Je vais frapper en arrière. Là, c'est aussi facile que ça. Je le traque. Maintenant, on peut regarder ça. Il a l'air bien et son front n'a plus cette brillance bleue. Coupez le jambon, ça a l'air bien. Nous allons maintenant lever ces ombres. En fait, je vais faire les verts d'abord comme avant. Soulevez, prenez les verts ici et juste subtilement. C' est bien. Vous pouvez voir avant, après. Très subtil. En fait, je pourrais les pousser un peu plus. Je vais retourner à la roue et juste jamais si légèrement. Je dirais que c'est bien. Avant, après. Laisse-moi frapper la flèche vers le haut pour aller ici. On a ce regard morne vert. Il est vert. Bien. Vous pouvez voir que le processus de notation est juste fondamentalement toutes ces couches, l'
une sur l'autre, et maintenant je vais juste faire le faible soft. Même chose. Je regarde les ombres ici et je vais les élever. C' est probablement bon. Ici, nous voyons basculé avant et après, avant, après. Vous pouvez voir comment il l'a soulevé. Avant, après. On y va. On va faire notre look. C' est ça, en gros. Vous pouvez voir ce que font les secondaires ici. Ensuite, à partir d'ici, c'est fondamentalement que nous avons jeté notre regard à ce point. Nous avons regardé les images de référence ici comme source d'inspiration. On a mis un coup d'oeil. Ça va dans cette direction en fonction de la façon dont ça a été tiré. Maintenant, je vais aller voir ce gars ici, et très vite, encore une fois, allez ici, copiez ça, collez-le. Je pense que c'est bien. Nous avons l'expérience et je vais le faire rapidement. Ensuite, vous pouvez passer à travers et ajuster les coups. Je vais choisir ça, c'est l'arrière-plan. En fait, je suis plutôt content de l'endroit où il est. Ici, je vais juste ajouter une touche de vert et j'aime ce niveau de vert pour vraiment ajouter à la maladie et à la sensation inquiétante. Ensuite, je vais aller ici et bas doux. Encore une fois en regardant ici, je vais soulever cela, Commandement F. Je vais soulever cela peut-être même un peu plus, et vraiment lui donner un regard délavé. C' est surtout parce qu'il y a tellement d'ombre dans ce plan avec
le dessus de l'épaule ici pour rendre cette photo un peu plus unique. Voici les verts et les ombres. Vous pouvez voir que c'est en train de tomber. Je n'ai pas ajouté le nœud d'ajustement ici parce que je ne pensais pas qu'il en avait besoin. Ce sont les secondaires. Vous pouvez voir que nous pourrions honnêtement rester ici pour toujours et continuer ajouter, à peaufiner et à faire autant d'ajustements que vous le pouvez. Encore une fois, nous sommes très profondément dans le processus créatif, où nous essayons simplement des choses,
essayons de nouvelles choses, voyons ce qui fonctionne, ce qui ne fonctionne pas. Ensuite, on va juste de là. se voit dans la leçon suivante où on couvrira toutes ces choses et on gardera cette note.
10. Les correspondances: Dans cette leçon, nous allons aborder un peu la question de l'appariement, c'est ce qui se passe ensuite. Une chose que je tiens à souligner est que les clichés correspondants sont probablement ce qui sépare vraiment le coloriste professionnel de tout le monde. C' est probablement la partie du processus où la plupart des gens se font trébucher,
se bloquent, leur grade tombe en morceaux, ils passent des heures, des heures et des heures, parfois des mois, des mois et des mois, et ils ne peuvent tout simplement pas obtenir leur scène ou leur film regardant à droite. Tout se passe dans la correspondance parce que c'est honnêtement, vous pourriez dire relativement facile de prendre un seul coup, lui donner une note, de le faire paraître cool, faire ressembler comme vous voulez, peut-être même deux coups comme ça. Ce qui rend les choses vraiment difficiles et ce qui est la partie la plus difficile, et où le levage lourd du classement des couleurs se produit est en fait quand vous devez appliquer ce regard à toutes les autres scènes. C' est difficile parce que différents clips et angles différents, différentes configurations, ils sont tous tournés à différents moments de la journée. Par exemple, cela pourrait avoir été tourné à 9h00 du matin, il pourrait avoir été tourné à 12h00, ce plan large ici pourrait avoir été tourné plus tard dans la journée ou un autre jour complètement. La configuration de l'éclairage peut avoir été légèrement différente d'une façon ou d'une autre, vous utilisez des objectifs différents, qui laissent entrer la lumière différemment dans l'appareil photo. Vous avez peut-être accidentellement frappé la mauvaise chose sur la caméra ici jusqu'à la balance des blancs. Toutes ces choses affectent la façon dont quelque chose est classé et combien il est
facile ou difficile de faire correspondre une scène et de faire correspondre tous les coups de feu. Maintenant, si vous avez quelque chose qui est très bien tourné comme ça, c'est certainement beaucoup plus facile. Ce n'est pas la chose la plus facile au monde, mais c'est certainement beaucoup plus facile. Si vous avez quelque chose qui est mal tourné, alors il peut être très difficile à impossible de correspondre à l'ensemble de la scène. Si vous prenez quelque chose qui est mal tourné et que vous le faites correspondre à quelqu'un qui n'est pas un coloriste inexpérimenté, alors vous n'aurez probablement jamais l'air parfait de cette scène. Il y aura toujours un coup de feu qui regarde ou quelque chose à ce sujet regarde, il est trop lumineux, il fait trop sombre, tons de
peau peuvent être trop saturés. Gardez ça à l'esprit. Ce que je vais faire dans cette scène, c'est vraiment juste aller voir et faire correspondre les premiers coups de feu. Peut-être que je vais passer par les premières configurations, les premiers clips, juste pour vous montrer les bases des différents outils pour correspondre aux différents plans. Ensuite, si vous le souhaitez, vous pouvez prendre le projet et à partir de là faire correspondre le reste de la scène parce que c'est certainement une bonne pratique. S' il y a une chose qui vous apprend une tonne sur la correction des couleurs, c'est apprendre à faire correspondre les coups de feu, et c'est bien plus que moi juste vous montrer ce que vous devez cliquer sur et ce que vous devez faire et que vous me regardez faire ça. C' est quelque chose que tu ne saisiras pas vraiment tant que tu n'y arriveras pas, fais-le toi-même, gâche, essaye des choses différentes. C' est comme ça que tu l'as vraiment compris. C' est l'un des domaines de l'évaluation des couleurs que vous pouvez vraiment
vraiment obtenir une fois que vous commencez à entrer et à le faire vous-même, mains sur. Allons-y et commençons avec ça. Juste comme un peu de rafraîchissement ici. Jusqu' à présent, nous avons établi un regard sur cette photo ici et sur la prochaine photo ici, puis sur la photo des frères ici. Ces trois scènes. Nous n'avons pas encore appliqué le regard à celui-ci. Une des raisons pour lesquelles je l'ai fait est parce qu'une chose que vous apprendrez est dans le classement des couleurs, plans
larges, tout comme dans la cinématographie ou autre chose, les plans
larges sont la chose la plus difficile à évaluer, et c'est parce qu'ils ont tendance à avoir beaucoup plus qui se passe en eux. Nous allons essayer de copier ce look que nous avons établi à celui-ci. Encore une fois, nous avons déjà fait le primaire, je vais aller de l'avant et faire un clic droit et étiqueter ici. Nous avons déjà fait le primaire et nous avons établi le primaire, le fond bleu, le nœud d'ajustement, qui dans ce cas l'a fait descendre un peu, les verts et les ombres, et puis ici nous établissons le, permettez -moi de l'étiqueter, les ombres douces, qui, encore une fois, ici, on appelle « low soft » ici. Comme dans les zones d'ombre inférieures sont plus douces et élever un toucher. Essayons de l'appliquer ici. Encore une fois, les primaires sont terminées. Je veux peut-être choisir ça. Je vais cliquer sur Option S. Ça va être l'arrière-plan. On y va. Juste pour que vous sachiez, cela va certainement avoir besoin d'un peu plus de travail que les autres. Cette leçon est certainement une que je pourrais faire cinq ou six heures passées à classer toute cette scène, mais je vais essentiellement vous montrer un aperçu rapide des outils que nous pouvons traverser juste parce que je doute que tout le monde veut rester ici pendant cinq ou six heures à regarder le travail de correspondre à chaque tir. Je vais, au lieu de cela, passer à travers et couvrir avec assez bon détail l'évaluation de toutes les différentes configurations pour vous et ensuite vous laisser avoir un peu de plaisir de finir hors de la scène en utilisant toutes les compétences et tous les outils que je suis sur pour vous montrer. On y va. Contexte. Je vais mettre en évidence ce contexte. Je vais sélectionner ici Shift H, et c'est plutôt bon. Il n'a pas sélectionné la fenêtre principale, mais c'est bien. Je vais me mettre au 55. La raison pour laquelle je mets jusqu'à 55 ans, je viens de trouver que c'est un bon endroit pour flouter une clé. On va le faire. Je vais ajouter un deuxième ajustement ici, Shift H pour l'éteindre. Encore une fois, pour activer et désactiver cela, vous pouvez également cliquer ici, Surligner. Mais j'aime les raccourcis et aussi sur un panneau de contrôle, qui, encore une fois, j'ai l'habitude de travailler avec, c'est juste un bouton que vous appuyez et il allume et éteint les choses. Je vais ensuite sélectionner. Vous pouvez voir que la clé, laissez-moi juste adoucir cette touche aussi. Je pense que ça devrait être bon. Il remarque que lorsque je touche ceci, c'est évidemment des caractéristiques différentes de la saturation et de la luminance de la teinte, ou clé HSL, pour l'instant, pour la pièce elle-même et ici. Cela rendra les choses beaucoup plus facile à parfois les choses clés dans les segments.
11. La sortie primaire: Dans cette leçon, nous avons déjà parcouru et mis en correspondance tous les clips vers le haut, fait toute la correspondance. Ce que nous allons faire maintenant, c'est une fois que vous avez fait ça, vous voulez le traverser, voir avec de nouveaux yeux, et ensuite nous commencerons à faire des choses, vous pourriez les appeler une couche d'ajustement initiale. Un autre mot pour cette partie est le principal out, où vous avez établi le look, vous avez évalué la scène et vous avez tout aligné et maintenant, vous passez avec elle et commencez à faire le réglage fin. Vous pouvez aussi faire des choses ici. Peut-être que vous commencez à jouer avec des choses comme le grain de film et peut-être des effets spéciaux. Si vous disposez de la version complète de Resolve, vous pouvez avoir une partie des effets ouverts disponibles pour vous. Sinon, c'est bon. Honnêtement, la plupart du temps, vous ne les utiliserez pas. Mais parfois, il est bon de jouer avec eux et juste voir si cela concerne la scène ou non. Ici, j'aime toujours commencer par avoir une vue d'oiseau de la scène. Beaucoup de fois en faisant cela, vous serez en mesure de voir si un tir se démarque, par
exemple, vous pourriez remarquer que quelque chose peut être un peu trop bleu ou orange, ou sombre, ou brillant. C' est un bon point de départ. Tout a l'air assez bien pour moi. Vraiment, la partie suivante n'est qu'une scène de deux minutes, donc c'est vraiment juste regarder à travers et voir ce qui se démarque. On a la scène ici. Ce clip. Bien. Déjà je vois, je pense que le plan large ici, je voudrais augmenter le contraste sur le plan large un peu plus. Cela fait également partie de la scène où vous pouvez commencer à regrouper des clips ou à regrouper la scène entière, sorte que si vous effectuez un ajustement, il l'appliquera à tout le reste. On a ça. Ça a l'air bien. Je pense que cela me donne une bonne idée de la façon dont les choses se passent. Parfois, il aide juste à basculer à travers les mêmes coups de feu. Je clique sur le primaire juste parce que la masse peut te jeter un peu. Je bloque la vue. Encore une fois, si vous avez un affichage secondaire, ces masses ne seront pas sur l'affichage secondaire. Il sera beaucoup plus facile de voir les choses sur un plus grand écran. Mais lorsque vous travaillez hors de la visionneuse, comme si vous n'avez qu'un MacBook Pro ou un ordinateur portable ou autre chose, il peut être un peu plus facile de les désactiver en cliquant sur le nœud. Maintenant, je pense que ce que je vais faire est d'aller ici, ajouter un nœud ici. Peut-être que je vais nommer celui-là, Primaire Out. Encore une fois, beaucoup de noms différents pour ça. Certaines personnes l'appellent tout d'un dernier regard à un nœud d'ajustement final ou quoi que ce soit du genre. Peu importe, quel que soit le nom que vous voulez. Je vais appeler ça le primaire ici. Aller en plein écran et je vais juste augmenter le contraste, le toucher. J' ai beaucoup augmenté le contraste, mais je pense que ça marche. Je vais juste prendre ceci et commander C. Allez ici, ajouter un nœud, commande B, plein écran. Je pense que ce plan large est juste savoir un peu plus de contraste, et donc voici le premier coup. Il entre. J' aime ça un peu mieux. C' est bon. Maintenant, on peut aller dans la vue de l'oiseau. Je vais commander cliquer sur tous les plans larges. Je vais commencer à tout regrouper. Ensuite, vous voulez cliquer avec le bouton droit de la souris, Ajouter dans un nouveau groupe. J' appellerai ça Wide shot. On y va. Maintenant, nous sommes en position où nous pouvons faire un ajustement et ça va s'étendre à tout le reste. Tu pourrais appeler ça une expérience. Je vais en fait renommer cela, donc c'est plus facile quand je dis PR dehors afin que vous n'ayez pas deux nœuds qui disent primaire. Je vais copier ceci, mais ensuite le supprimer. Ensuite, supprimez celui-ci. Maintenant, comme ils sont tous connectés, je vais maintenant monter ici à cet autre troisième petit point. Maintenant, nous avons quelque chose appelé Group Post Clip qui
signifie essentiellement que ce sont les plans groupés après la sortie primaire. Tout ce qui est groupé, et je vais à la commande V et coller le contraste. Que vous pouvez voir juste en regardant ici à la ligne de temps. Il le colle à travers le tableau. Je vais faire cette vue de l'autre oiseau, tous ceux avec ce petit maillon de chaîne verte, juste ici, ce lien vous dit qu'ils sont regroupés et que vous pouvez les voir tous changer. Maintenant, passons juste à travers et j'aime ce plan large à contraste élevé. Il entre. Bien. Je veux que tu aimes ce plus sombre, plus moodieux, large, je pense que ça marche beaucoup mieux. Ça donne à toute cette scène un regard plus grogneux, et il s'assoit. D' après ce que j'ai vu, je pense que ce sera vraiment le seul changement global majeur pour toute la scène. Je vois quelque chose là-bas. Chaque fois que je fais ça, je vois toujours une tonne de petites choses que je peux changer et tu dois juste décider laquelle d'entre elles sont
cruciales et celles avec lesquelles tu veux continuer à aller de l'avant. Jusqu' à présent, si bon. Bien. Maintenant, il est assis. Je pense que la seule chose qui aura vraiment besoin du changement le plus global, c'est ce plan large ici. Puis il se penche vers l'avant. Je pense que cela couvre la base de la plupart de ces scènes. J' aime ce tir plus sombre ici. Il est toujours important de regarder à travers votre scène plusieurs fois s'éloigner
et de la regarder avec des yeux frais et de voir comment les choses se réunissent. Cette petite scène spécifique ici, clip regarde le toucher, trop lumineux donc je vais faire la même chose. Plein écran et juste pour toucher plus de contraste. Encore une fois, c'est tout ce qui est un choix personnel et des choses qui, selon vous, rendraient la scène meilleure. n'y a pas de guide, il n'y a pas de chiffres magiques que je peux
vous donner ou des tours magiques qui vont tout ajuster et faire en sorte que tout soit bien. Beaucoup de ceci est juste vos choix créatifs personnels pour réparer les scènes et voir que tout petit contraste est tout ce que j'ai fait. Je vais laisser tomber le centre-ville au toucher et la touche mise en évidence comme ça, et rembobiner et jouer à partir d'ici. Cela me semble un peu mieux parce que nous
voulons vraiment maintenir une scène plus sombre tout au long. Je pense que cela pourrait bénéficier exactement de la même chose donc je vais copier ceci et coller. Bien. Ici aussi, coller. Copions sur celui-ci aussi, coller, donc on y va. Il dit quelque chose au fils aîné. Nous voulons terminer sur cette note descendante de couleurs plus sombres. C' est la scène et vous l'avez là. Nous venons de faire vraiment la clé principale était le plan large. Comme je l'ai dit, on pourrait y aller et modifier un million de choses. Une partie de cela est juste de savoir quand arrêter et continuer à aller de l'avant , puis une chose à retenir est que lorsque vous travaillez avec un client, après un certain temps, vous aurez leurs commentaires. Une autre raison pour laquelle vous ne voulez pas vous tuer et travailler ça jusqu'à l'os, c'est souvent que vous allez vous surmenez, puis ils le regarderont et ils diront : « Wow, je pense que vous avez trop fait ça. » Ou ils n'aiment pas la moitié de ce que vous avez fait, ou ils ont une tonne de nœuds et ensuite vous avez fait ça pour rien honnêtement. Il est toujours bon de
rester concentré sur ce que la scène est censée être et il est bon d'y ajouter de la créativité, mais c'est juste un acte d'équilibre de savoir si vous voulez vraiment rester sur ce coup pendant deux ou trois heures et dessiner un million de fenêtres et faire toutes Ces choses ou qui ne
vous dérange ou voulez-vous faire un bon travail, rester concentré sur ce que le client a demandé et ajouter un peu de créativité et puis leur montrer. Ensuite, vous pouvez rebondir les idées avec le réalisateur et le directeur de la photographie et faire ce genre de choses. Parce que quelque chose qui arrive aussi avec les clients est parfois si vous prenez quelque chose et allez trop loin avec elle et que vous allez trop fou avec elle, et que vous prenez trop de libertés créatives avec elle, ils ne l'aimeront pas pour cette raison spécifique. Ils diront essentiellement : « Si tu allais aussi loin avec ça, tu aurais dû me dire que tu allais aller aussi loin avec ça. Désolé, vous avez fait tout ce travail supplémentaire, mais peut-être vous en tirer dessus et ça et l'autre. » C' est une sorte d'équilibre honnêtement. Si c'était votre projet personnel, alors vous pouvez vous asseoir ici et le modifier à mort, mais même alors, je dirais que vous vous demandez toujours : « Est-ce que je fais pour améliorer la scène ? Ou est-ce que ce que je fais rend la scène différente ? » Comme dans vous mettez tous vos efforts dans quelque chose qui ne rend pas vraiment la scène meilleure ou est-ce que vous changez constamment parce que vous ne pouvez pas vous
décider et vous ne savez pas ce que vous voulez, ou les choses ont toujours l'air bizarre parce que vous travaillez trop sur une scène. Demandez-vous simplement : « Est-ce que je fais mieux cette scène ou est-ce que je la change et la rend différente ? » La réponse devrait toujours être que j'améliore la scène. Je pense qu'on est à un bon point où on pourrait continuer à aller de l'avant. Je vais juste cliquer sur « Chronologie », « Option S » et il y a beaucoup de différents types de grains que j'ai ici. J' ai le grain DaVinci Resolve et un tas d'autres mais dans cette situation, pour la chronologie, je vais réellement ajouter ce film convertir grain, ce qui est assez génial. Je ne vais pas aller trop évidemment convertir le film parce que encore une fois, peut être une classe de sa propre. Mais fondamentalement, je vais juste ajouter le grain par défaut pour l'instant, qui est ce film Kodak, un grain de 35 millimètres. Je vais enlever la courbe du film, et je vais enlever la couleur du film et je n'applique que le grain à 100 %. Allons ici. Plein écran afin que vous puissiez le voir avant, après, avant, après, clip suivant, avant, après et vous pouvez voir la différence. grain peut vraiment ajouter beaucoup à une scène, surtout quand il est bon, grain de haute qualité. Il y a beaucoup de filtres fromagés là-bas qui
appliquent juste le même niveau de grain à tout et certains des types plus élevés de grain de film ajouteront certains niveaux de vert à l'ombre, certains niveaux de grain au point culminant, et il ajuste le grain à la volée en fonction de l'image, ce qui est vraiment ce que vous voulez chercher. Maintenant, jouons ça à travers et il y a le grain. J' aime cette quantité de grain que j'ai ajouté. Encore avant, après. Quelque chose à propos du grain que je vais soulever est quand vous ajoutez du grain et beaucoup de fois cela aura tendance à augmenter le genre de micro contraste dans la scène. Vous pouvez voir ici et aussi c'est très léger, mais il fera un clip ou une scène regarder juste un cheveu plus sombre et un cheveu plus contrasté. Vous pouvez voir ici avant, après et parfois quand vous l'ajoutez, vous devez légèrement ajuster la couleur. Par exemple, ici vous pouvez voir comment il désaturise presque le bleu en arrière-plan. Maintenant, je vais juste revenir au début et le lire avec l'écran. Vous pouvez voir que c'est ce que nous faisons à cette étape du processus, c'est de regarder à nouveau toute la scène et de faire des ajustements plus petits. Par exemple, dans cette scène, tout ce que nous avons fait était d'augmenter le contraste dans le plan large et ajouter du grain dans toute la scène, mais vous pouvez faire des choses comme ça. Resolve a aussi des choses comme différents faisceaux de lumière, diffraction de lentille, floue de lentille, tout cela ; où si vous avez la version studio, vous pouvez passer par et simplement les déposer dans un à la fois. Il y a toutes sortes de choses que vous pouvez faire ici : zoom flou, flou radial, différents outils de transformation, fusées d'
objectif, par exemple. Très facile d'aller exagérer avec ce genre de chose. Je dirais peut-être rester loin de ces choses [inaudibles] plus genre de choses. Sinon, votre note peut sembler que vous venez de tout jeter dessus. Vous pouvez voir qu'on a fait un long chemin avec cette note. Nous avons d'abord parcouru et ajusté les primaires, puis ajusté l'arrière-plan, que nous avons créé des fenêtres pour les placer sur les visages et le suivi de l'acteur, nous avons soulevé les verts et les ombres et nous avons aussi soulevé les ombres. Allons à quelque chose comme ça par exemple. Éteignez tout. Nous avons sorti notre primaire. Notre arrière-plan est l'endroit où nous avons fait notre nœud d'ajustement pour certains et peut-être pas pour d'autres, et quand nous avons boosté les verts dans l'ombre. Voici quand nous avons fait le levage des ombres avec un outil doux bas. le temps, nous avons ajouté du grain à tout. Vous pouvez voir que c'est juste une sorte de processus. Construire des blocs ou vous ajoutez lentement des choses, jouez à travers, regardez à travers la scène. C' est au moment où j'enverrais ça au client. Je pourrais le reregarder une ou deux fois juste pour m'assurer que j'ai tout couvert. Revenons ici à notre premier carnet de look. C' est là que nous avons commencé notre inspiration, au départ, ce
genre de looks mathématiques plus verts et à partir de cela travailler avec notre scène, parce que c'est une scène différente, ce n'est pas ces photos exactes, nous avons trouvé quelque chose cela ressemble un peu plus à cela que vous pouvez voir et nous avons le grain et tout. Je vous verrai dans la prochaine leçon où nous
couvrirons les nœuds qui ont été donnés par le client. Nous allons maintenant envoyer ceci à notre « Client ». Voyez quel genre de rétroaction ils ont pour que vous puissiez apprendre à rapidement les vitesses en fonction des nœuds, comment vous changez les choses ou corrigez les choses ou aller dans directions
légèrement différentes parce que c'est vraiment tout sur si vous voulez être très compétent dans le classement des couleurs ou peut-être même être un coloriste professionnel ; beaucoup de choses ont à voir avec le fait de pouvoir changer de vitesse, prendre des nœuds, prendre des commentaires, faire ces changements rapidement et efficacement sans cela « Quelqu'un m'a donné des nœuds et maintenant je dois tout reclasser. » Ça ne devrait jamais être comme ça. L' une des raisons pour lesquelles nous avons évalué la façon dont nous l'avons fait et maintenu les choses organisées dans différents nœuds est parce que si le client, par
exemple, revient et vous dit, « Je n'aime pas ce look vert que vous avez à lui. » Je peux l'éteindre. Plutôt que de tout faire dans un nœud ou de tout mélanger et de garder les choses un peu bâclée. S' ils n'aiment pas ça, tu peux éteindre ça. S' ils n'aiment pas ça, tu peux éteindre ça. On y va. Prochaine leçon, nous verrons ce que notre « Client » avait à dire et nous donner nœuds et changer les choses et nous allons aller dans une direction légèrement différente et nous allons prendre à partir de là. Je te verrai dans notre prochaine leçon.
12. Les remarques du client: Dans cette leçon, nous allons passer en revue ce que sont « Le client avait à dire au sujet de la note ». Nous l'avons fait passer au cours de la dernière session, nous avons ajouté un peu de grain et apporté quelques ajustements définitifs. Ce qu'ils ont dit, c'est que nous devons passer à travers et ils ont dit qu'ils aimaient tout à ce sujet, le regard que nous avons donné et tout, mais ils veulent voir les plans larges être juste un peu désaturés, ce que je suis d'accord, et peut-être s'appuyer un peu plus vers les verts, ce que je suis aussi d'accord. Ce que nous allons faire est de faire un ajustement très facile et
rapide à tous les plans larges. Une chose que vous avez peut-être remarqué est, et cela se produira beaucoup de fois lorsque vous évaluez des scènes, est vraiment tous les gros plans de tous les personnages étaient généralement plus faciles. Le plan large était le plus difficile, avait le plus de fenêtres, avait un suivi, avait le plus d'ajustements que nous devions faire. Vous verrez cela parce que nous avons gardé les choses assez organisées tous les ajustements que nous faisons seront assez rapides et faciles. Puis une autre note qu'ils avaient, ce qui est un peu plus compliqué et ce n'est pas extrêmement commun, mais il va arriver de temps en temps et je
voulais juste jeter que dans vous de jeter une clé de singe dans les choses est, ils ont envoyé deux photos ici qu'ils veulent que nous les éditorions. Nous ne sommes pas rédacteurs. Ce n'est pas quelque chose que vous voulez généralement qu'un client prenne l'habitude de faire, vous envoyer
des photos et de rééditer sa scène. S' ils font ça, évidemment, vous facturez un peu plus pour ces choses. Mais dans ce cas, c'est généralement facile, ils veulent juste qu'on insère ces photos. Celui-ci au début, celui-ci à la fin, puis de les assortir pour qu'ils correspondent à la scène. Ils ont dit qu'ils veulent vraiment qu'ils aient l'air un peu plus cool qu'ici. Un peu du genre de couleur bleu sarcelle que la scène a, mais ils voulaient aussi se sentir comme si c'était évidemment
à l'extérieur dans un environnement différent. Ils n'ont envoyé aucune référence, ce qui arrive aussi de temps en temps, donc nous avons vraiment juste à les faire entrer et ensuite faire notre truc et les faire correspondre. Je vais prendre les deux ici et les déposer dans notre pool de médias. Va au premier coup et ils ont aussi dit qu'ils faisaient juste les trois premières secondes, que je peux juste passer à travers et je regarde cette horloge ici. Nous ne ferons que les trois premières secondes rien de trop fou. O pour sortir et je vais juste insérer ça et à la toute fin, nous allons mettre le tir ici. On y va. On va réduire ça, c'est un long tir, les quatre premières secondes. On y va. C'est facile, rien de trop précis et scientifique, juste pour qu'ils aient ces photos là-dedans. Voyons maintenant comment ils s'intègrent dans la scène. On a coupé ça et on a coupé ça. Puis à la toute fin, on dirait que nous allons avoir la dernière photo de la scène ici, et ensuite nous allons couper cette photo ici. D' abord, prenons soin des plans larges. On a déjà revu ça un peu avant. Pour le plan large, ça devrait être assez facile. Si j'y vais, si vous vous souvenez de la dernière fois que nous avons déjà regroupé les plans larges, ils auront ce petit lien vert sur eux. Ce sera honnêtement aussi facile que d'aller dans la sélection de l'un des plans larges. Lorsque vous sélectionnez les plans larges, vous les sélectionnez automatiquement une fois que vous entrez dans ce groupe. Si tu te rappelles ce qu'on a fait la dernière fois c'est de faire baisser le contraste sur ce type ici. C' est l'ajustement que nous avons fait et maintenant le client veut que nous désaturions le plan large donc nous allons juste choisir ça et peut-être le faire tomber, ce que je suis d'accord. Parce que si nous le comparons, disons à ce plan ici que vous pouvez voir qu'il a l'air un peu plus saturé. Maintenant, nous allons peut-être prendre la saturation et appeler ça une touche à peu près là. Commande plein écran F et nous y allons. Nous étions là et ils voulaient aussi que nous les amenions un peu plus vers le vert, donc je vais juste faire cela et ajouter juste un petit peu. Rappelez-vous simplement que lorsque vous cliquez sur une autre capture et que vous n'êtes plus dans le groupe, il se réinitialise dans l'arborescence des nœuds des clips individuels. Ce que nous voulons faire est d'aller ici et de nous assurer que nous sommes dans
la section des clips de post de groupe si vous sélectionnez autre chose. C' est une légère désaturation, et puis nous allons aller ici et en faisant glisser ceci vers la gauche, ajoutez juste un soupçon de vert. Voici où nous étions et si je dis de le comparer à celui-ci maintenant, je vais aller en plein écran et nous allons juste le désactiver et
allumer pour que nous puissions voir qu'il correspond à ce plan ici. À ce stade du jeu, il est une chose où les ajustements commencent à devenir des airs si fins, si particulier que vous pouvez aligner 10 personnes différentes leur
montrer les légères comparaisons et ils auront tous des opinions différentes. La couleur est l'une des choses les plus subjectives sur lesquelles vous pouvez travailler. Quelqu' un pourrait regarder cet ajustement et dire :
« Oh, j'aime mieux ça. » Certaines personnes pourraient dire que j'aime mieux ça, regarder ça et dire « Oh je ne sais pas, c'est bizarre. » Ils ne correspondent pas parce qu'ils regardent peut-être juste la fenêtre ou peut-être juste ça, ou peut-être juste les personnages. Tout le monde regarde la couleur différemment. Mais ce que vous trouverez arriver, c'est que si vous deviez alors montrer ceci à quelqu'un qui n'a pas vu tous les petits changements subtils et qui a vu l'avant et les appuis de chaque petit ajustement, cette scène coulera, ça aura l'air bien, ils ne remarqueront pas tous ces petits ajustements. C' est l'une des choses que les couleurs que vous devez
vous entraîner à voir les choses objectivement, voir les choses avec des yeux frais, et de ne pas laisser vos yeux obtenir juste de penser si rapidement que chaque petit ajustement a l'air bizarre ou mauvais. C' est quelque chose que je trouve arrive à beaucoup de gens qui n'ont pas trop d'expérience avec le classement des couleurs est, ils arrivent à un point où rien ne semble bien, tout semble bizarre. C' est quand vous commencez à changer les choses encore et encore et que vous entrez dans ce cercle vicieux où peu importe ce que vous faites, il semble mauvais, il ne correspond pas. C' est ce que vous voulez rester en dehors de, et vraiment c'est juste l'expérience de notation des choses chaque jour encore et
encore que vous apprenez à reposer vos yeux. Vous apprenez à voir les choses objectivement et à ne pas être pris dans ce genre de cercle vicieux. Encore une fois, c'est le groupe et maintenant tous ces plans larges ont cet ajustement qui leur est appliqué. Très facile à faire, réglage très rapide. Maintenant, nous allons juste recommencer celui-ci dès le début donc nous allons prendre cette photo ici et nous allons nous assurer que les formes de vagues sont allumées. Nous allons le faire correspondre à la scène alors je vais faire glisser les ombres vers le bas, rendre agréable et riche en contrastes. Je regarde les ombres, fais en sorte qu'elles atteignent cette ligne et les points forts. En fait, je veux les tons moyens, peut-être que je veux les abaisser pour vraiment donner à ça un look sombre et discret. Les faits saillants que je veux mettre en contact aussi. Je ne vois pas, mais peut-être que je suis tombé un peu trop là-dedans. Maintenant, je vais effacer le ton médian au toucher et je vais augmenter le contraste un peu. On y va. C'est là que vous verrez probablement vraiment le pivot en action. Maintenant, je vais revenir sur le pivot et voir comment ce détail revient. Encore une fois, c'est parce que ce qui se passe, c'est que vous modifiez le point de pivot de l'endroit où les tons moyens et les ombres se rencontrent et que les hautes lumières se rencontrent, sorte que vous puissiez avoir le contraste que vous avez ajouté. Mais l'endroit où ces ombres tombent et le surlignement
apparaissent change de sorte qu'il correspond un peu au plan afin que vous puissiez affiner le contraste. Ici ou ici et ici. Bien, et je suis content de ça. Tu verras à quel point on peut se classer ici. Je vais ensuite faire une fenêtre secondaire ici. En fait, je vais inverser ça, comme ça, faire tomber ça. Je veux noter un peu plus près de ma vitesse typique et je veux qu'elles viennent un peu plus. Je veux que le contraste augmente un peu plus. Ce petit changement de détail. Je voulais juste sur les arbres, plus de contraste, plus de fosse. Voilà ce que j'ai fait. Je viens d'ajouter ce petit pop juste en dessinant une fenêtre juste pour cette zone et j'ai ajouté
ce petit peu d'un décalage et l'option S. Encore une fois, c'était le primaire, le secondaire et ici nous allons faire un ajustement de look. Je vais aller plus sombre, juste une touche. Alors ici, je vais vraiment refroidir cette balle vers le bas. Je vais faire un peu de ça. Puis dans les tons moyens ici, la came, je vais aussi pousser un toucher et puis refroidir cela encore plus. Il a l'air un peu magenta. Je vais juste ajouter une touche de cette teinte, équilibrer avec le vert. Parce que si nous cherchons un peu de magenta, nous voulons ajouter du vert à l'extrémité opposée. Maintenant, jouons-le par ici. Je suis sûr qu'on va devoir faire plus d'ajustements, mais on y va. Vous pouvez voir que ce n'est pas tout à fait là, donc je vais vraiment refroidir ça et vraiment changer la teinte. Quelque chose d'un peu plus près ici. Nous ne voulons pas qu'il corresponde nécessairement exactement à cela. Ce n'est pas ce qu'on veut. Nous voulons avoir l'impression que c'est dans le même monde, mais c'est dans un environnement différent, si cela a du sens. Le tir extérieur ne devrait pas correspondre à l'intérieur d'une maison. Mais nous voulons qu'on ait l'impression que ça fait partie du même monde. Ce que je vais probablement faire, c'est que je vais juste basculer d'avant en arrière entre cela ici, va ensuite ajouter une fenêtre supplémentaire similaire à ce que nous avons fait auparavant. Mais celui-ci sera juste pour le ciel. J' ai l'impression que le ciel est trop bleu. C' est un peu anormal. En fait, je vais ramener le ciel un peu comme ça. Ce n'est pas seulement un bleu massif. Je vais juste jouer avec le vert un peu. Vous pouvez voir que nous construisons lentement pour faire ce match. Puis un autre ici. Pour celui-ci, je vais juste augmenter le boost de couleur juste un peu. Voyons maintenant comment cela s'adapte. Je pense qu'on se rapproche. Je pense que ça marche. Regardons à nouveau le plan d'établissement, plein écran. Reviens. Ici, pour moi qui fonctionne maintenant. Maintenant, on va faire cette photo ici. Je n'ai aucune idée si ce non, je ne copierais pas et coller le premier plan à cela. Nous allons juste adopter une approche similaire et ensuite ramener rapidement ça dans l'ombre. Très gentil. Maintenant, je pense que c'est tout petit
, en parler un petit peu. Vraiment contraste D faire baisser le gain. Je veux que ça garde notre regard sombre et inquiétant. Même écraser les ombres. Oui, ce ne sont que des choix créatifs qui, au fur et
à mesure que vous évaluez , plus vous développez une bibliothèque de looks dans votre tête et vous savez où aller. Quand je vois cette photo, je sais tout de suite que j'ai vu beaucoup de clichés cinématographiques sombres. J' ai vu des choses plus brillantes, sombres quelque part au milieu. Vous développez essentiellement l'expérience pour pouvoir sauter dans le savoir immédiatement, ce tir a beaucoup d'ombres et il y a un peu de points forts ici. Je veux presque faire croire que la voiture se déplace dans une forêt sombre et effrayant. Je veux écraser les ombres ici et le rendre vraiment sombre, vraiment triste, c'est là que je vais. On était là et on a fait tomber ça. Il pourrait même l'abaisser encore plus en allant dans l'ombre et en les laissant tomber encore plus. On y va et peut-être même le pousser et les laisser tomber, ce qui rend presque un peu trop. On y va. Ensuite, nous allons ensuite refroidir ça. Comme les autres coups. C'est ce que nous avons coupé aussi. Vous pouvez voir que nous le refroidissons, prendre des trucs magenta. Je vais, encore équilibrer cela en ajoutant un peu de vert. On y va. Maintenant, je vais faire tomber ces faits saillants, juste une touche. Je ne sais pas s'ils sont assez brillants pour que ça marche, mais on va le faire. Juste un petit peu. L' option C est un autre raccourci clavier qui crée une fenêtre tout de suite. Je vais vraiment apporter ça. Ensuite, nous mettrons le cylindre ici. Voyons ce que fait la voiture. Ça fait ça et ça bouge. Je vais peut-être mettre ça juste au milieu
du tir et juste soulever juste au milieu du tir. Juste un petit peu. Juste pour qu' il semble presque faire cela plutôt que de mettre cela sur le courant. Je pense que si tu traques la voiture, ça aura l'air un peu bidon. Mais si nous faisons cela juste au milieu, cela donnera l'effet d'un objectif qui a vignettage
lourd ou quelque chose le long de ces lignes et nous garderons l'obscurité mais nous pourrons aussi voir un peu la voiture. Peut-être que je vais l'abattre un peu plus. Juste comme ça. C'est bien. Ajoutons peut-être un autre nœud. Maintenant, on va vérifier qu'il vient d'ici. Plein écran. Alors je m'attends à un ajustement. En fait, ce n'est pas trop mal. Je pense que je veux voir un peu plus vert là-dedans. Le troisième noeud ici, je vais pousser la teinte. À ce stade, certains de ces ajustements peuvent être si subtils que vous pourriez avoir du mal à les voir. Je vais vraiment le pousser pour que tu vois ce que je fais ? Ça a l'air un peu mieux, on était là. Vraiment, ce que je regarde c'est que c'est l'avant, et je pourrais le pousser encore plus pour m'assurer que vous pouvez voir la route a une touche de magenta à elle. Voici après que j'ai ajouté plus de vert dans l'ensemble à la scène. Maintenant, peut-être couper d'ici, comme nous l'avons dit, semblerait que c'est dans le même monde mais dans un endroit différent. Je pense que ça marche et nous devons nous rappeler que je vais y aller. Si nous nous souvenons avant d'ajouter ce vert à toute la ligne de temps. Maintenant, nous allons pouvoir vérifier ça avec le grain, grain coupé, le grain. Nous pouvons voir ce qui se passe que j'ai mentionné que chaque fois que vous ajoutez du grain, les choses deviennent un peu plus sombres et plus contrastées. On y va. Il y a le premier coup avec le grain. Voici notre vue d'oiseau de notre scène. Je pense que ça a l'air bien. Nous avons ajouté les deux photos et nous collons les ajustements, ou nous avons copié le look, désolé. Pas littéralement copier et coller, mais nous passons ensuite le regard vers ces photos, ce qui me plaît assez. Ensuite, à partir de ce point, nous avons fait les nœuds clients. Nous avons traversé le plan large et désaturé ces nœuds très simples. Heureux avec tout le reste. On a ajouté les deux tirs et on a classé ces deux tirs. Maintenant, c'est la partie où nous renvoyons ça au client voir s'il a quelque chose d'autre qu'il aimerait faire sur la scène. Mais je pense que c'est très proche. Peut-être regardons la scène une fois de plus depuis le haut. Je vais juste jouer à travers la scène ici. Si vous vous souvenez, vous pouvez revenir en arrière et voir toutes les choses que nous avons faites tout au long de ces scènes. Le fait que ceux-ci ont été abattus en rondins, à
plat depuis le début. Nous avons peaufiné l'arrière-plan, modifié les caractères du contraste, ajouté une fenêtre différente et ajouté un peu de teinte verte aux ombres, et nous avons travaillé sur les images de référence. La scène a vraiment parcouru un long chemin. Ça a l'air bien. Aussi, vous pouvez voir que combien le grain juste
13. Étalonnage en présentiel Vs étalonnage à distance: D' accord. C'est la scène. Félicitations, le client a adoré la scène. Ça a l'air génial. J' espère que vous avez suivi, et sinon, j'espère que vous avez beaucoup appris en regardant et en prenant des notes. Une chose que je veux couvrir est le classement à distance par rapport au classement en personne, travaillant avec quelqu'un dans la pièce avec vous. Maintenant, évidemment, c'était quelque chose d'un scénario où nous avons travaillé avec un client à distance. Vraiment dans le monde réel, c'est un peu de tout. La situation idéale est que le client soit dans la pièce avec vous tout le temps afin que vous soyez tous les deux dans le même environnement de classement, en
regardant le même moniteur, et que vous puissiez parler à travers les choses, essayer les choses et vous Sachez que vous regardez exactement la même chose. C' est parfois difficile lorsque vous êtes dans votre studio de notation avec un moniteur de référence étalonné, un moniteur client qui est également calibré. Vous pourriez avoir un troisième moniteur qui est calibrée avec toutes vos portées, et l'espace est correct, le bon éclairage et tout, et vous l'envoyez à un client à travers le monde, vous ne savez pas vraiment ce que configuration qu'ils ont. Lequel, au fait, beaucoup de fois je demande, quel est votre scénario ? Comment est votre environnement de classement ? Quel moniteur avez-vous ? Juste pour avoir une idée de ce avec quoi on travaille. Mais de façon réaliste, ils ne seront pas toujours dans la pièce avec toi. Comme vous le savez tous, parfois, surtout de nos jours, vous devez travailler à distance, ce qui est parfaitement bien. Il suffit d'être capable de communiquer avec eux, poser des questions, et de leur dire des choses comme je vous ai dit, regarder ça dans une pièce sombre, de
calibrer votre moniteur, d'éteindre la vraie tonalité, éteindre la nuit , toutes ces choses, sorte qu'au moins vous ayez une certaine cohérence avec ce que vous regardez. Dans un monde idéal, ils sont là avec vous assis juste à côté de vous regarder la même chose, mais ça n'arrivera pas. D' accord. La situation typique serait quelque chose où le client entre au début juste pour établir les looks, vous travaillez à travers quelques clips sur des scènes clés et vous configurez le look, puis ils partent et ensuite vous travaillez seul, faites le première passe, deuxième passe, envoyer leur chemin. Ensuite, ils pourraient revenir quelque part au milieu juste pour toucher la base et s'enregistrer, et puis ils reviendront à la fin une fois que c'est probablement fait, vous entrez, vous vous asseyez ensemble et regardez la dernière fois avec cette personne dans la pièce. C' est ce que le scénario typique est. Cependant, comme je l'ai dit, les gens sont occupés, la planification est difficile. Parfois, il y a un redressement rapide et ils ne peuvent pas être dans la pièce avec vous. Cela étant dit, je voulais simplement évoquer ces différences de travail en personne avec quelqu'un comme la situation idéale. Mais de façon réaliste, vous devez vous habituer à travailler avec quelqu'un à distance, ou peut-être une combinaison des deux où ils entrent et s'enregistrent et font ce genre de choses. Encore une fois, assurez-vous de communiquer avec eux concernant leur environnement de nivellement, leur moniteur, leur configuration d'éclairage, et pour éteindre, toutes les fonctions automatiques, la luminosité automatique, tout ce genre de choses. En faisant cela, vous découvrirez que ce sera un peu plus facile de
travailler à distance avec quelqu'un contre, disons, quelqu'un que vous ne savez pas s'il vérifie vos affaires à l'extérieur dans son jardin le soleil sur un vieux ordinateur portable avec un affichage horrible, puis ils vous envoient des notes qui n'ont aucun sens pour vous. Encore une fois, la communication est essentielle. Travailler en personne ou à distance, connaître les différences, de cette façon vous pouvez être préparé. C' est une autre chose qui est importante, être préparé, afin que vous sachiez à quoi vous attendre avec un client et que vous obteniez la meilleure note possible en parlant à cette personne et en communiquant avec elle. De cette façon, c'est plus facile pour toutes les personnes impliquées.
14. Réflexions finales: D' accord. C'est le cours. Tu as atteint la fin. Espérons que par ce point, vous avez une scène impressionnante à la recherche. Je veux juste dire que nous avons couvert beaucoup de choses dans ce cours. Nous avons tout couvert, des moniteurs à la mise en place de l'environnement approprié, nous avons passé en revue les primaires et les secondaires et nous avons mis différentes choses, nous avons tapé l'arrière-plan dans la scène, nous avons suivi les fenêtres, nous avons traversé la correspondance. C' est certainement une chose difficile à faire, et même si vous êtes scène ne s'est pas avéré parfait, la chose clé que vous voulez faire ressortir de ceci est que vous devez pratiquer, pratiquer et pratiquer. Parce que comme vous l'avez appris lorsque vous évaluez quelque chose et essayez de créer un look, c'est beaucoup plus difficile que d'avoir vos propres séquences et de simplement jouer avec DaVinci Resolve ou jouer les commandes jusqu'à ce que vous obtenez quelque chose que vous aimez. L' important, c'est d'apprendre à correspondre. Rappelez-vous que, c'est probablement la chose la plus difficile à apprendre en tant que coloriste, et c'est vraiment ce qui sépare un vrai coloriste professionnel de tout le monde n'est pas seulement être capable de faire un coup d'oeil, parce que parfois faire un coup d'oeil est partie la plus facile, c'est de prendre ce regard et de l'appliquer à une scène entière. Donc avec cela étant dit, s'il vous plaît, si vous avez noté la scène, partager avec tout le monde, je serais heureux de vous donner des commentaires, et si non, et vous avez suivi, alors je dirais définitivement le télécharger, jouer avec le métrage, même si vous venez de noter deux ou trois clips, quatre clips, les poster sur la page du projet. J' adorerais voir ce que tu faisais. Rappelez-vous simplement que pour être un coloriste professionnel, vous n'avez pas seulement besoin d'être doué pour faire paraître quelque chose de bien, vous devez être capable de travailler avec les gens, de réaliser leur vision, et c'est comme ça que vous obtenez les clients et c'est comme ça que vous obtenir la réputation d'un coloriste rapide, d'un coloriste talentueux, de la façon dont vous obtiendrez un client de retour, façon dont vous obtiendrez de nouveaux clients, et à chaque projet, vous découvrirez que vous obtiendrez de mieux en mieux. Je trouve que je grandisse toujours le plus en tant que coloriste quand je travaille avec un client qui a une vision pointue, ils savent ce qu'
ils veulent, ils ont un look, ils ont un regard très spécifique à l'esprit, et j'ai pour résoudre ce casse-tête de trouver comment obtenir le look qu'ils veulent en se basant sur les images qu'ils ont filmées. Encore une fois, merci d'avoir suivi mon cours. Pour toute question, n'ayez pas peur de vous joindre dans les discussions, et par tous les moyens, consultez mes autres cours, mon intro avec un pro-coloriste, travaillant avec log, ou si vous avez 20
minutes, consultez conseils rapides d'un coloriste. Merci encore et je te verrai dans mon prochain cours.