Esquissez votre monde : Explorer la composition et un sens dramatique de la profondeur

1. Introduction: Dessiner votre monde n'est pas une question de talent, il s'agit de principes et de techniques que tout le monde peut apprendre. croquis est pour tout le monde. C' est une façon personnelle de vous exprimer, c'est une façon de voir le monde avec des yeux frais, cela augmente votre expérience de lieu, et c'est une énorme quantité de plaisir. La fondation est la composition, comment vous organisez les éléments sur une page d'une manière visuellement passionnante. L' essence est l'illusion de la profondeur, comment recréer ce monde tridimensionnel que vous voyez tout autour vous sur une page de carnet de croquis plat d'une manière crédible et amusante. Tu apprendras à faire les deux ici. Je suis Jim Richards. Je suis un designer qui dessine. tirer sur place a été la pierre angulaire de quatre décennies, le fait detirer sur place a été la pierre angulaire de ma vie professionnelle et de ma carrière, dans des bureaux professionnels et des salles de classe universitaires, ainsi que dans des ateliers de voyage et d'enseignement dans 45 pays à travers le monde. Maintenant, je veux partager ce que j'ai appris sur l'utilisation de la composition et la création d'un sens de la profondeur pour créer des croquis vivants dans votre propre main. Dans cette classe, vous allez apprendre les bases derrière, la composition, comment créer un premier plan convaincant, milieu et l'arrière-plan, comment simuler la profondeur atmosphérique, l'illusion de la distance dans vos esquisses, et comment des trucs comme le chevauchement et le poids de la ligne peuvent impliquer de la profondeur. Ensuite, nous allons tout arranger sur un projet, une ligne et un croquis d'une vraie scène que je vais vraiment dessiner sur place. Ce cours sera parfait pour vous, que vous soyez un débutant absolu, un vétéran de l'esquisse de longue date, si vous êtes un architecte, un paysagiste, un urbaniste ou un peintre de beaux-arts qui veut juste mettre au point vos compétences en esquisse, ou un Illustrator de longue date, ou un artiste de storyboard. Venez voir comment saisir la composition et créer un sens de la profondeur peuvent ajouter de la vie à vos esquisses et ajouter de la richesse à votre façon de voir et d'expérimenter le monde. Commençons et parlons de ce projet. 2. Votre projet de cours: Bienvenue de retour. Le projet pour cette classe est un peu différent de ce que j'ai fait dans le passé, parce que je dois faire des croquis sur place. Vous verrez que c'est juste une énorme quantité de plaisir. Vous êtes invités à esquisser avec moi, ou je vais télécharger plusieurs photos. Entrez l'onglet Projets et ressources que vous voyez juste sous cet écran. Ou mieux encore, allez dans votre ville natale ou trouvez un endroit dans vos voyages, configurez et utilisez ces techniques et principes pour produire un croquis avec un grand sens de la profondeur. J' espère que vous publierez votre progression, votre composition, vos dessins au trait, votre couleur dans la galerie du projet. Quand on aura fini avec la classe, j'espère que tu écriras un petit commentaire pour nous. J' attends ça avec impatience. Allons-y. 3. Outils que nous utiliserons: Maintenant, nous allons parler des outils et plus particulièrement des outils que nous allons utiliser pour cette leçon. Des outils particulièrement adaptés à l'utilisation de l'encre et du lavage, ce qui est ma façon préférée de travailler sur le terrain. Pourquoi c'est ça ? Eh bien, d'une part, c' est très rapide. Les choses sèchent rapidement. Vous n'avez pas besoin de transporter beaucoup d'équipement, c'est donc une façon très portable de travailler. Un autre est qu'il permet le travail de ligne et beaucoup de ton qui peut vraiment aider, ajouter beaucoup de vie et d'énergie au dessin. C' est pour ça que je l'aime. Qu' est-ce que l'encre et le lavage de toute façon ? Jetons un coup d'oeil. Maintenant, si tu devinais, c'est la partie encre de l'encre et du lavage, tu aurais raison. C' est un que j'ai fait il y a quelques années dans le cadre d'une démonstration. Vous pouvez voir que j'aime faire un dessin assez fini avant de sauter dans les lavages à l'aquarelle, même avec quelques tons et autres. Beaucoup d'Urban Sketchers ne le font pas, il y en aura un peu moins que ça. Il y en a qui va effectivement mettre le lavage à l'aquarelle d'abord, puis dessiner dessus avec de l'encre, qui est aussi génial, ce qui est aussi génial, mais c'est ma façon préférée et j'aime avoir un joli dessin fini avant passer à le lavage à l'aquarelle qui pourrait ressembler à ceci. C' est, je ne dirais pas minime, mais il reste beaucoup d'espaces ici où je suis venu rapidement et j'ai ajouté quelques lavages chauds, mis des ombres fraîches sur eux, et des couleurs vives sur les vêtements des gens et sur le pont. C' est typique du type de chose que je vais faire avec de l'encre et laver. C' est une peinture plus vraiment presque finie où j'ai porté la couleur jusqu'aux frontières. C' est une autre façon d'y penser. C' est celui que j'ai fait il y a quelques années, qui est la couleur plus minimale en utilisant stratégiquement la couleur, où je voulais que le point de l'esquisse soit ce petit café trottoir et Santa Domingo que j'étais devenu très friand. J' ai pris ces couleurs chaudes et les ai complimentées avec le vert et l'arbre, pas tout l'arbre, juste une partie de celui-ci. Un peu de ciel, pas tout le ciel, juste une partie de celui-ci. Puis répété certaines de ces couleurs autour la composition de sorte que le tout tient ensemble comme une pièce finie, même si nous avons vraiment minimisé la couleur à exactement où nous voulons que l'accent soit. C' est une autre façon d'y penser. Je pense que c'est sur ça que nous allons nous concentrer pour cette leçon. Maintenant, tout ce dont vous avez vraiment besoin pour travailler à l'encre et au lavage sur le terrain, c'est du papier, soit un bloc comme celui-ci ou un petit carnet de croquis, un stylo avec de l'encre imperméable, un petit jeu d'aquarelle de voyage, et peut-être une eau pinceau. C' est tout ce que j'ai utilisé pendant des années, mais mes choix ont évolué un peu depuis. Je veux en partager une partie avec vous. J' aime toujours ce Fluid 100 Cold Press, papier de 140 livres. Pour cette classe, je vais l'utiliser dans une taille de neuf par 12 et probablement dans l'un de ces petits blocs faciles. C' est comme un bloc d'aquarelle ordinaire, sauf qu'il n'est collé que sur les deux côtés, ce qui rend un peu plus facile de sortir le papier sans une spatule, sauf qu'il n'est collé que sur les deux côtés,ce qui rend un peu plus facile de sortir le papier sans une spatule,un couteau à pâte exacte, et tout ça. C' est beau, blanc vif. Sa surface est relativement lisse de sorte qu'elle prend bien de l'encre. Ce 140 livres vous permettra de mettre beaucoup d'eau dessus sans qu'il ne bouge trop mal et ensuite il a généralement tendance à s'aplatir au fil du temps. En ce qui concerne les stylos, j'aime avoir deux choses. Je viens de vous montrer ce petit Uni-ball Micro oeil qui le croit ou non, c'est un rollerball à l'encre permanente et donne vraiment de belles lignes fines. Ce petit Micron PN fait la même chose. C' est de l'encre imperméable et donne des lignes très fines. Maintenant, j'aime aussi avoir cette merveilleuse petite plume Fude De, Bamboo Green par Sailor. Espérons que vous pouvez voir que cette plume est pliée à l'extrémité à un angle de 55 degrés, ce que je préfère plus que certains des autres qui sont disponibles. Il vous donne l'occasion de faire des lignes vraiment grasses et juteuses. Ou lorsque vous déplacez cette plume vers un angle plus net, lignes progressivement plus fines où elles sont très minces à l'autre extrémité. Vous pouvez faire des choses comme des branches d'arbre fraîches avec ce type de flexibilité et une seule plume. Beaucoup de façons d'utiliser ces lignes complètes de caractères. Mais parfois, je mets en page le dessin grossier avec un stylo de ligne fine. Alors entrez et rehaussez vraiment les zones que je veux botter avec cette plume de Fude De. Ces deux sont d'excellents outils. J' ai mentionné l'encre imperméable et il y a beaucoup de choix différents pour ce genre de choses. Cette encre Archive De Atramentis est ce que j'utilise quand j'utilise de l'encre noire ou brune, qui est généralement ce que je vais faire. Mon garçon, il coule très bien, très rarement se bouchent. Il donne vraiment de belles lignes noires épaisses. Par épais, je veux dire, dense. n'y a pas de grisonnement hors de ce truc. Si vous voulez du gris, ils ont une grande couleur grise urbaine aussi bien que j'aime beaucoup. Pour le lavage, j'utilise, typiquement une de mes brosses de sable. C' est un pinceau de voyage par Escoda. C' est un petit ensemble de six que j'ai acheté. Mais de nos jours, je n'utilise que celui-ci et il est assez grand, donc je l'utilise pour serpiler sur le ciel, choses comme ça parce que c'est très doux. Je complimente ça avec ce petit bébé. Ceci est une brosse synthétique et il garde un point merveilleux. Vous pouvez le plier et vous pouvez en obtenir des lignes plus larges, mais il garde un point vraiment agréable pour que vous puissiez entrer et faire quelques détails. Vlad Yeliseyev, un aquarelliste des beaux-arts, a développé la série de pinceaux. Ce numéro 10 est très utile pour moi. J' aime aussi avoir un gréeur autour au cas où j'aurais juste besoin de lignes vraiment pointues. Ce da Vinci fonctionne bien pour moi. C' est un gréeur numéro 6 et c'est presque comme une petite aiguille. C' est vraiment tout ce dont j'ai besoin du point de vue des pinceaux. Il s'agit en fait d'une palette sur mesure. Je ne vous recommande pas de le faire dès la porte. Mais ce que je recommande est que peut-être vous obtenez une belle palette de voyage en métal dur avec 12 ou 16 casseroles qui n'ont rien en eux, qui n'ont pas les blocs de couleur pré-préparés afin que vous puissiez acheter des tubes d'aquarelle et juste pressez-les, ceux que vous aimez. Maintenant, c'est juste là. C' est une collection que j'ai laissée évoluer au fil des ans et elle change de temps en temps, mais je suis resté avec cela depuis assez longtemps. Carbazole jaune, lumière de sienne brûlée, ombre brûlée, tente neutre, jaune cadmium, orange maya profonde semble rouge, mais c'est orange maya, vert sève profond, bleu cobalt, jaune azo, vert printemps, viridienne, ultramarine, Naples jaune, que j'utilise probablement plus que toute autre chose. Je vais passer ici au bleu sarcelle de cobalt. La raison pour laquelle j'ai sauté est que toutes les couleurs que je viens de mentionner sont les couleurs de Daniel Smith. J' ai deux couleurs Winsor et Newton ici, Alizarine pourpre et bleu prussien. Et j'en utiliserai l'un d'eux seuls, mais je les utiliserai beaucoup ensemble pour mélanger des ombres violacées. Ils sont tout simplement absolument merveilleux pour ça. En plus de ces choses, vous aurez besoin d'un petit flacon pulvérisateur pour rafraîchir vos aquarelles. Vous aurez besoin d'un chiffon robuste pour garder les choses propres et d'un récipient d'eau. C' est un que ma femme Patti, a trouvé juste assis sur les étagères du magasin d'art, c'est qu'on vérifiait, endroit intelligent pour l'avoir. C' est par [inaudible] et c'est une petite tasse pliable dans laquelle vous pouvez garder l'eau et c'est une assez bonne quantité pour être en mesure de laver vos pinceaux. Ok, j'espère que ça vous a plu. Si vous allez dans la section des ressources de votre classe, vous trouverez une liste complète de tous ces outils et plusieurs autres ressources de type document que vous pourrez utiliser au cours de la classe. Je pense que tu trouveras ça très pratique. Ensuite, nous allons parler de ce qui peut être l'une des décisions les plus créatives que vous prendrez dans le cadre d'un dessin comme celui-ci. C' est éditer ce qu'il y a dedans et ce qui est sorti. On se voit là-bas. 4. Composition : Montage: Parlons de l'édition. Maintenant, l'édition peut être, probablement, la décision la plus créative que vous prenez lorsque vous montez un dessin comme celui-ci. Cela peut aller de prendre une grande scène et la recadrer en quelque chose qui fait une composition plus forte, ou cela peut impliquer beaucoup plus, et la plupart des miens le font. J' aime me promener dans un endroit que je vais dessiner, Trouver les éléments qui racontent le mieux l'histoire que je pense doit être racontée. Parfois, cela implique d'éliminer certaines choses étrangères et parfois cela implique de mettre l'accent sur d'autres choses et peut-être déplacer des choses juste un peu pour que je puisse raconter la plus complète, la meilleure histoire que je peux sur l'endroit et atteindre une forte composition. Jetons un coup d'oeil et je vais te montrer ce que je veux dire. Voici une vue qui a besoin d'être éditée. C' est sur l'île où j'habite. Vous pouvez voir le golfe du Mexique, cette eau bleue claire en arrière plan là-bas. Si vous regardez de plus près, il y a quelques signes rouges en forme de diamant qui, je pense, font un beau compliment visuel à cette eau de couleur turquoise là-bas. Mais évidemment, nous n'avons pas besoin de toutes ces informations étrangères. Nous voulons vraiment zoomer pour que cette vue sur le Golfe soit ce qui est important dans le dessin. Maintenant, je peux le rendre encore plus fort si j' inclut certaines de ces frondes de palmier au premier plan, un coffre ici, une belle ombre jetée à travers la route. Je veux prendre quelque chose pour encadrer l'autre côté aussi, donc peut-être certains de ces palmiers et un peu de ce mur ici. Je vais vouloir que ça ressemble à ça. Prenons un peu de ce tronc, certaines de ces frondes de palmier. Allons chercher cette ombre ici, et juste un peu de ce mur et quelques autres palmiers. Cela va faire une très belle composition pour créer un point focal juste là. C' est exactement ce qu'on veut. Voici à quoi ressemble cette récolte dans la vraie vie. Je suis sorti et en fait fait un petit croquis en noir et blanc pour que je puisse voir comment la chose se forme comme un dessin de la façon dont je voulais que certaines des lumières et des sombres ressemblent, ce genre de chose. Puis j'ai pris ce dessin noir et blanc et j'ai fait quelques études de couleur dessus. n'est pas tant le reflet de l'état actuel que celui d'essayer de décider quel type de sentiment ou d'émotion je voulais que cette pièce transmette. Je suis allé avec celui-ci en haut à gauche, le ciel bleu avec un peu de jaune vers le bas. Cela passe à travers le sentiment optimiste et optimiste que je veux que cette pièce ait. Voici à quoi ressemble le tableau final, comment il s'est avéré, et vous pouvez voir qu'il ressemble beaucoup ces vignettes en noir et blanc et à la miniature de couleur que j'avais soulignée. Il reflète les premières décisions que nous avons prises en matière d'édition. On dirait que c'était de bonnes décisions. Voici un autre exemple ici sur Siesta Key. C' est au milieu de notre village commercial. C' est là que plusieurs routes se rejoignent. Il y a un belvédère ici qui sert de point de repère au centre du village. Il y a beaucoup de restaurants dans les coins et autres, et il y a un bâtiment relativement nouveau ici avec une tour de l'horloge dessus. Maintenant, j'aimerais vraiment créer un dessin qui inclut dans cette vue particulière, le gazebo, le restaurant ici, un de mes favoris avec ces parasols, et ensuite ce bâtiment avec la tour de l'horloge, comme ça. C' est ce que j'ai en tête. Vous pouvez voir une petite miniature de trois pouces par cinq pouces ici où j'ai regardé ça et il y a quelques beaux aspects, mais il n'y a pas de premier plan du tout. Je pense vraiment que nous en avons besoin pour établir ce sens de la profondeur dont nous continuons de parler. Revenons à la photo. Vous pouvez voir le problème ici est que si je veux montrer ces trois choses, sont tous des éléments du milieu et il n'y a pas de premier plan, et ce palmier bloque vraiment la vue de ce restaurant central ici. Du point de vue de l'édition, ce que je vais faire, c'est les laisser en place. Mais je vais prendre ce palmier et je vais y mettre quelques années de croissance, le rendre un peu plus grand. Cela finit par être une belle composition avec un premier plan fort, comme ça. Ensuite, ces éléments du milieu, et je peux inclure un peu d'arrière-plan quand je mets la chose ensemble. Sautons et réduisons cette opacité afin que nous puissions voir ce que cela se passe, réduisons la. À quoi cela ressemblera en fait du point de vue de la composition, et je me sens plutôt bien à ce sujet. Voici ma miniature que j'ai mise en place sur place pour déterminer comment cette composition allait se réunir. Quand j'ai commencé à dessiner, voici à quoi ressemble le noir et blanc final et a appliqué de l'aquarelle sur cette encre, et voici à quoi ressemblait la peinture finale. Encore une fois, je pense que nous avons pris de bonnes décisions en matière d'édition, de bouger certaines choses pour mieux raconter l'histoire que nous voulions raconter. Eh bien, c'est l'édition et c'est ce que l'édition peut faire pour vous de simplement recadrer à penser vraiment à l'histoire que vous voulez raconter et faire ajustements dans une composition pour mieux servir cette histoire. Ensuite, nous allons parler de la règle des tiers. On se voit là-bas. 5. Composition : La règle des tiers: Parlons un peu de la règle des tiers. Maintenant, vous savez probablement déjà quelque chose à ce sujet. Si vous avez un téléphone caméra et que vous regardez à travers le viseur, et il y a des lignes faibles qui mettent en place un motif tic tac toe. Cela mis en place pour profiter de la règle des tiers, et vous pouvez aligner les éléments de votre composition avec cela de sorte qu' il donne à l'ensemble un meilleur sens de la forme physique et de l'équilibre. Les intersections de ces lignes sont ce que les artistes visuels appellent des hotspots, et c'est un endroit idéal pour un ou plusieurs points focaux. Jetons un coup d'oeil à quelques exemples que j'ai de la façon dont les photographies ont tiré parti de la règle des tiers. Voici une très belle photo. Elle est prise par ma fille Cassie Wagen. Cassie est une photographe professionnelle, et elle comprend la composition visuelle et des choses comme la règle des tiers, et elle l'a utilisée à bon escient ici. Vous pouvez voir comment le niveau d'eau est aligné sur cette ligne horizontale supérieure, et elle a utilisé trois des points chauds. Ma tête est sur un, les voiliers sont sur un autre, et l'un est assez proche de ma main de croquis en bas à droite. Tous ces éléments travaillent ensemble d'une manière qui rend cette image très agréable visuellement. Maintenant, cette photo suivante vient de Lucques, Italie, l'une des principales piazzas où nous allons faire des croquis. Vous pouvez voir comment la ligne horizontale supérieure est alignée avec les sommets de cette rangée des bâtiments. La ligne de fond est à peu près alignée sur la ligne des parapluies, et le point d'accès en haut à gauche est le point le plus élevé de ces bâtiments. Tout est, encore une fois, travailler ensemble dans une belle troisième, troisième et troisième composition de type. Je veux vous montrer comment j'ai appliqué la règle des tiers dans certains de mes croquis sur le terrain. Maintenant, ce premier est San Gimignano en Italie. C' est une ville de colline italienne de l'époque médiévale avec ces hautes tours médiévales. J' ai profité du point d'accès en haut à gauche de cette grille pour y mettre les tours. Vous ne pouvez pas les manquer. Généralement, le reste de l'esquisse est aligné entre les deux lignes horizontales. Cela a beaucoup aidé à faire fonctionner cette composition. Ce prochain croquis est à la plage de Coquina, non loin de chez moi. Vous pouvez voir comment j'utilise le hotspot en haut à gauche pour mettre un groupe de mouettes, et le hotspot juste en dessous est assez bien aligné avec un groupe de personnes, le hotspot en haut à droite vous voyez quelques palmiers. Vous pouvez également voir comment l'horizon est aligné sur l'une des lignes horizontales. Dans l'ensemble, la règle des tiers a été très utile pour cette composition. Maintenant, comme je l'ai dit, je l'utilise vraiment sur le terrain. Parfois, je vais juste mettre des marques sur une feuille. Probablement un peu plus subtil que ça, mais vous avez l'idée. Le diviser en environ tiers. Maintenant, d'habitude, je ne dessine pas autant de lignes, et à partir de là, je peux voir où vont être mes hotspots. Disons que je suis de l'autre côté de la rue à faire des croquis sur la plage, et la ligne de flottaison va être juste sur ce tiers inférieur, plus souvent qu'autrement. J' ai un terrain qui descend comme ça qui se transforme en plage où l'eau rencontre le sable. Mettons un point de repère un peu plus lourd là-dedans. J' ai un hotspot ici, alors devinez quoi ? Ça va devenir un palmier. Ça pourrait devenir deux palmiers, c'est un peu mieux, je crois. De la végétation ici. Il y a peut-être d'autres types d'arbres. J' ai un hotspot ici et une troisième ligne verticale. Je vais utiliser ça pour positionner quelques marcheurs de plage ici. Tout ça marche plutôt bien. Il y a des vagues qui tapent. Si je dois localiser un soleil, j'utiliserai un autre hotspot pour ça. Je pense que tout cela fonctionne assez bien. Laisser tomber des parapluies, laisser tomber des gens, et c'est une fête sur la plage, les gars. J' espère que vous avez trouvé cela utile. La règle des tiers est quelque chose que, je pense, j'utilise probablement sur chaque croquis que je fais, et je pense que vous trouverez cela aussi utile. En fait, si votre téléphone d'appareil photo a cette grille que j'ai décrite lorsque vous regardez à travers le viseur, allez vous entraîner un peu avec quelques photos pour obtenir l'horizon ou d'autres lignes importantes alignées horizontalement et peut-être arêtes de construction alignées verticalement avec la règle des tiers. Regardez ces hotspots et voyez si vous pouvez y placer des choses. Ensuite, prenez un carnet de croquis et sortez et faites quelques petites vignettes de trois pouces par cinq pouces. Mettez votre grille dessus et voyez si vous pouvez organiser les éléments que vous regardez manière à ce qu'ils profitent de cet outil de composition. La prochaine chose dont nous allons parler, c'est l'équilibre. Je te verrai là-bas. 6. Composition : Équilibrez-vous: Salut. Bienvenue de retour. On va parler d'équilibre maintenant. L' équilibre est un élément de composition de base pour tous les arts visuels : que vous parliez de cinéma, de photographie, de dessin, de peinture. Cela a trait à la façon dont les choses sont positionnées dans le cadre que vous regardez de sorte qu'une zone n'en domine pas une autre, donc il y a un poids visuel relativement égal. Nous allons parler de deux types différents qui s'appliquent au type de croquis que nous faisons. L' un est l'équilibre symétrique ; égal des deux côtés, et l'autre est l'équilibre asymétrique qui semble différent de chaque côté, mais avec le positionnement juxta-permet d'obtenir un équilibre visuel très agréable et parfois très dynamique. Puisque nous parlons de poids visuel, je pense qu'un point d'appui et une vue de mer sont une bonne façon d'en parler. Jetons un coup d'oeil. Voici un exemple de ce à quoi ressemble l'équilibre symétrique comme un diagramme avec un point d'appui et une scie à voile. Vous pouvez voir que c'est égal des deux côtés. Nous avons le même poids visuel à droite et à gauche. C' est ainsi qu'un croquis comme ça fonctionnerait comme un miroir. Un côté reflète l'autre et il en résulte un type d'équilibre très statique. Jetons un coup d'oeil à quelques exemples. Ici, j'ai un croquis d'il y a plusieurs années sur mon iPad. C' est le marché flottant à Bangkok. C' est juste un endroit incroyable et ça ramène tous ces souvenirs inondés. Mais en termes de croquis, il a une belle mise en page générale et a beaucoup de détails, beaucoup de choses intéressantes se passent. Mais évaluons-le en termes de sens de l'équilibre. Je vais réduire un peu l'opacité et je veux venir ici sur une nouvelle couche et dire, mettons le point d'appui juste ici et analysez-le comme ça. Quand on regarde ça de cette façon, notre composition se décompose vraiment comme ça, n'est-ce pas ? C' est à peu près aussi symétrique que possible. Même s'il y a un peu de variation dans le sujet des deux côtés, le poids visuel est vraiment réparti de chaque côté. Regardons un autre. Ici, nous avons un croquis de la ville de Porto au Portugal et a un beau complexe gouvernemental. Il y a une grande place publique ici. Mais en termes d'équilibre, celui-ci est à peu près aussi symétrique que possible, même s'il y a un élément supplémentaire ici et un arbre ici qui n'est pas de l'autre côté. Ratchet cette opacité et analysons rapidement là où nous avons un point d'appui à ce sujet et le poids visuel ici, poids visuel ici ; c'est encore très égal des deux côtés. C' est un exemple classique d'équilibre symétrique qui a aussi juste un peu de variation en elle qui aide à le garder intéressant. Parlons maintenant de l'équilibre asymétrique. J' utilise généralement un équilibre asymétrique la plupart du temps je fais des esquisses sur le terrain. Je pense que cela fait juste pour un type de composition plus dynamique, quelque chose qui est plus intéressant à regarder. J' ai quelques diagrammes pour vous montrer de quoi je parle. Voici utiliser à nouveau le pivot et la scie à mer et vous pouvez voir que nous avons une grosse balle d'un côté, trois petites balles de l'autre côté, mais le poids visuel est à peu près le même des deux côtés. Ce ne sont pas les mêmes, mais quand on les met tous ensemble, oui, c'est assez équilibré de chaque côté. Voici une variante de ça. Ici, nous avons une grosse balle d'un côté et une très petite balle de l'autre côté. Évidemment très différent dans le poids visuel, mais cette grosse balle est tirée près du point d'appui et elle est équilibrée parce que la plus petite est poussée de l'autre côté. Pensez à deux enfants sur une scie, un grand et un petit, et c'est à propos de la façon dont ce genre d'équilibre fonctionne. Nous verrons cela encore et encore et des croquis que moi ou quelqu'un d'autre fait quand ils travaillent sur le terrain. Voici quelques croquis à regarder, vous verrez de quoi je parle. Celui-ci est un croquis de South Beach, Miami. C' est un vieux hôtel Art Déco ici, et il est à peu près équilibré par ces palmiers. Si nous voulions analyser cela en termes de composition globale, nous pourrions dire, accord, nous avons une grosse masse de poids visuel ici, équilibrée par un groupe de petites choses ici et ces parapluies aussi. Ces masses visuelles sont probablement à peu près égales, certainement du point de vue de l'esquisse. Je pense que ça marche plutôt bien. C' est un croquis amusant de l'abbaye de Westminster à Londres et vous pourriez vraiment perdre dans le détail de toutes les choses qui se passent avec cette architecture ancienne. Mais du point de vue de la composition globale et surtout de l'équilibre, cela fonctionne plutôt bien. Analysons juste très rapidement. Si nous avions un point d'appui à ce sujet, nous avons une masse de poids visuel de ce côté qui est contrebalancée par plusieurs masses plus petites ici, y compris ces notes. Je mettrai très souvent des notes sur un dessin exactement pour cette raison ; aider à équilibrer la composition de manière à ce qu'elle soit plus agréable à l'œil. type d'équilibre que vous allez utiliser est une décision que vous devriez prendre sur le terrain lorsque vous voyez le sujet que vous avez décidé d'esquisser. Je vais vous montrer un exemple ici. C' est à ce moment que Patty et moi étions à Londres il y a quelques années. Ici Piccadilly Circus avec cette célèbre statue en plein milieu. C' est un gros rond-point où vous avez des bâtiments de tous les côtés. C' est un sujet de croquis très intéressant, mais vous pouvez le faire de nombreuses façons différentes. Si vous veniez de ce point de vue, que vous mettiez votre carnet de croquis et que vous alliez en ville, vous auriez cette statue au milieu comme la photo et que vous l'excelliez, si vous vouliez symétrique équilibre, vous refléteriez les deux côtés. Donc vous auriez des foules de gens debout autour de s'amuser sur ce truc. Vous pourriez avoir certains des bâtiments qui viennent autour comme ça pour donner une impression de l'espace là-bas. C' est à quoi ressemblerait l'équilibre symétrique. Ou vous pourriez choisir de vous promener un peu, regarder les différents points de vue et décider de faire quelque chose d'un peu plus dynamique, où nous nous rapprochons, nous regardons la chose et nous l'avons fait d'un côté. C' est mendier un équilibre asymétrique, n'est-ce pas ? Je veux venir un peu ici et construire une foule, quelque chose comme ça ; peut-être qu' ils se tiennent autour d'un poteau de rue ou quelque chose comme ça. On a peut-être un bâtiment de ce côté qui fait quelque chose comme ça. C' est une composition vraiment dynamique pour cette petite scène. Pensez au sujet pendant que vous marchez vers lui. Faites une promenade et voyez si vous pouvez trouver des idées de composition intéressantes, juste sous forme de miniatures avant de sauter dans votre vrai croquis. C' est ce que vous devez savoir sur l'équilibre dans cette classe. Je suggère de regarder quelques croquis en ligne ou de fouiller un livre et d' essayer de comprendre quel type d'équilibre est utilisé là et comment il a été accompli. Je pense que c'est toujours un exercice intéressant. Ensuite, nous allons parler de créer une zone d'accent, donc je vous verrai là-bas. 7. Quel est votre domaine de prédilection ?: Salut, bienvenue. Ce dont nous voulons parler maintenant, c'est d' avoir une zone d'accent ou un point focal pour votre dessin. Typiquement, quand nous décidons de dessiner quelque chose, il y a quelque chose dans cette scène qui attire notre attention tout de suite. C' est la raison pour laquelle on l'esquisse en premier lieu. Vous pouvez guider votre spectateur vers cet endroit avec quelques astuces et techniques que vous pouvez apprendre à travers la taille, le placement, le contraste, d'autres choses. J' aimerais vous montrer quelques exemples de mes propres carnets de croquis de ce à quoi ça ressemble. Mais d'abord, je veux vous en montrer un qui n'a pas de domaine d'accent ou de point focal. Laissez-vous voir à quoi ressemble cette expérience. C' est le premier exemple que je veux vous montrer. C' est la ville montagneuse de Monteriggioni en Toscane, Italie. C' est une de ces situations où le bus se lève, vous avez environ 30 minutes et donc pas beaucoup de temps pour planifier là-dedans. Prenez une table de café, asseyez-vous et commencez à taper le truc. En raison de ne pas penser à l'avenir, j'ai un point focal ici, ici, et ici, et ici. Le point est partout. L' œil ne sait pas où aller. Beaucoup de choses intéressantes mais un peu chaotique. Maintenant, contrastez cette scène avec celle-ci. C' est le front de mer de la Nouvelle-Orléans où j'ai grandi, pont du fleuve Mississippi, la marque de fabrique du vieux monde, et les magnifiques matchs de bateau à vapeur. C' est mis au point contre les docs ici en plus de l'amour. Remarquez à quel point ces couleurs et contrastes sont subtils dans cette zone jusqu'à ce que nous arrivions ici, et tout d'un coup nous avons des noirs et des blancs blancs, et les rouges les plus brillants le long de la balustrade des allumettes, petit des détails comme les drapeaux et des choses comme ça. Donc, vous prenez toute la scène, vous reconnaissez qu'il y a de la profondeur qu'une ville, mais c'est la star du spectacle. C' est une bonne façon de faire face à ça. La suivante est un peu plus subtile. C' est à Porto, au Portugal. Aussi dessiné sur l'emplacement très rapidement. Quand je dis que c'est un peu plus subtil, ce que je veux dire, c'est que la couleur ne joue pas un grand rôle dans ce point focal. Tu prends toute cette architecture, les bus et les gens. Mais ton oeil est attiré juste là. Pourquoi c'est ça ? Eh bien, c'est assez évident dans celui-ci, nous avons le blanc le plus large contre le noir le plus noir, le plus sombre ici. Lorsque vous faites cela, l'œil du spectateur sera tiré jusqu'à ce point, que vous ayez l'intention de le faire ou non. Bien sûr, la chose intelligente est d'être intentionnelle et de réfléchir à l'avance à ce sujet et de planifier où sera votre point focal et comment vous allez pouvoir y arriver. J' en ai encore deux ici. C' est un petit dessin que j'ai fait en démonstration à Amsterdam lors du symposium de croquis urbains il y a quelques étés. Il y a plein de choses amusantes là-dedans. Mais mon oeil est dessiné ici. Encore une fois, j'ai les blancs les plus blancs contre les plus sombres. J' ai le détail de certaines personnes avec les couleurs complémentaires les plus brillantes. En fait, je suis venu sur celui-ci avec un peu de craie blanche pour couper ces autres couleurs un peu et vraiment faire de cette zone pop comme un point focal. Ma dernière que je veux partager avec vous est celle que j'ai faite ici en studio à partir d'une photo. Ce n'est pas un croquis urbain. Il n'est pas esquissé sur place. Il y a plein de choses amusantes qui se passent. Tu as cet aqua et le vitrail là-bas, et les feux stop, ça et ça et l'autre. Mais mon oeil et c'était intentionnel, est attiré directement dans cette zone là où nous avons la plus grande concentration de sombres. Vous avez des détails intéressants avec cette pierre et avec ces ombres de diagonales qui descendent. Nous avons cette entrée sombre et j'ai gardé la chemise de ce type blanc spécifiquement pour créer ce contraste entre les deux. Mettez les couleurs les plus vives juste à côté de lui. Donc, l'œil va être dessiné juste là, puis commencer à se déplacer et voir ces gars dans le coin, fenêtres de la tour, l'arbre, autres personnes dans le passage de croix, etc. Maintenant, nous savons ce qu'est un domaine d'accent ressemble ou un point focal. Est-ce quelque chose que vous faites habituellement dans vos dessins ? Sinon, peut-être que vous pouvez revenir à quelques croquis qui ne sont pas complètement finis et travailler dans un certain contraste ou quelques sombres ou quelque chose pour essayer de créer un point focal, ou mieux encore, peut-être que vous pouvez ramasser un peu cinq par sept pouces Carnet de croquis comme celui-ci que je porte. Il suffit de faire quelques vignettes sur le terrain et de regarder la différence entre ce qu'une esquisse sans point focal et ce qu'une esquisse avec un point focal fort fait en termes d'intérêt pour cette esquisse. Ensuite, nous allons parler du premier plan, du milieu et de l'arrière-plan. Je te verrai là-bas. 8. Premier plan, second plan, arrière-plan: Ok, bienvenue de retour. Nous avons une bonne composition [inaudible] maintenant, alors parlons un peu de sens de la profondeur. Ce que je veux dire par un sens de la profondeur, c'est dire qu'on est dehors juste en regardant une scène. Certaines choses nous semblent très proches. Certaines choses regardent plus loin, certaines choses regardent encore plus loin. Ce que nous allons essayer de faire avec nos croquis, c'est de prendre ces trois dimensions et de les mettre de façon crédible sur une feuille de papier bidimensionnelle. Ça ressemble à de la magie ? Ce n'est pas, c'est juste un truc cool, surtout si vous pensez en termes de premier plan, milieu et d'arrière-plan. Jetons un coup d'oeil. Voici un bel exemple. On va le décomposer peu à peu. Il y a un très beau premier plan ici qui ressemble le plus près de nous, un milieu et un arrière-plan. Ce sont des arbres massifs à l'arrière. Ces arbres, ces gens, cette partie médiane du sentier, tous considérés comme un terrain d'entente. Maintenant, comment je veux que vous pensiez à ça, c'est si j'avais dessiné l'arrière-plan, milieu et le premier plan, tous sous la forme de trois dessins complètement séparés. C' est un peu plus facile d'imaginer si on dessine sur du verre et qu'on les sandwich ensemble. Mais prenons-le et venons-le de cette façon. Je vais prendre une feuille de papier propre ici. J' aime généralement commencer par le milieu parce que c'est le plus souvent là où sera l'objet de l'esquisse. Ensuite, nous pouvons placer le premier plan et l'arrière-plan autour d'elle peut soutenir cette vue. Commençons par une ligne de niveau des yeux. Comme ça. Très gentil. Je veux entrer et mettre dans la piste que nous avions tracée. C' est dans une perspective de retour de cette façon, mais il courbe aussi. Je vais juste regarder ce truc pour qu'il ressemble à ça. Certainement assez proche. Je veux ajouter les gens qui étaient debout dans le croquis. Je vais avoir une tête, un tronc, déposer quelques jambes vers le bas, et on donnera à cette personne un pote. Nous y sommes. Mets un bras sur ce type aussi. Peut-être une ombre, des lignes horizontales à travers ce sentier pour lui donner l'impression qu'il est couché à plat dans le paysage. Maintenant, l'autre chose que j'ai dit que nous allions avoir dans ce milieu, c'est ces arbres marqués ici. Je vais les mettre comme ça pour qu'ils apparaissent aussi dans ce milieu. Maintenant, nous avons eu un cours précédent où nous avons parlé de la façon de dessiner ces arbres de manière à ce que ce soit rapide mais convaincant. Vous vous souvenez peut-être, nous avons parlé de tirer un tronc du sol, jeter des branches secondaires, dessiner des branches tertiaires, et c'est généralement assez pour s'en occuper. Allons-y et mettons-en le reste. Non, je ne veux pas qu'ils se ressemblent tous parce que les arbres ne sont pas comme ça, pas ? Bien sûr que non. Vous pouvez voir que j'ai jeté quelques troncs juste pour le faire ressembler à une masse d'arbres un peu plus naturelle. Là, ça marche. Quelques points atmosphériques de notre classe précédente sur le dessin des arbres. J' aime entrer et mettre des ombres sous ces arbres comme ça. Là, gentil. Je vais chercher un pinceau Tombow et mettre un peu de ton sur ça. Ça marche. Pendant que j'y suis, mettez un peu de ton sur cette zone de gazon aussi. Séparez cela un peu de ce chemin. Nous allons le laisser blanc pour nos besoins aujourd'hui. Ça, les amis, c'est notre juste milieu. Si tout ce qu'on voulait c'était le juste milieu, on le dessine comme ça. Comme je l'ai dit, je veux que vous imaginiez que c'est sur un morceau de verre. Mettons-le de côté et obtenons un autre morceau de verre. Boum. Ça a l'air juste. Maintenant, j'ai le même cadre en place. Je veux avoir à peu près la même ligne oculaire qui croise. Mais dessinons ces arbres de premier plan qui surgissent dans la scène. Comme ça. Une des choses que je fais souvent au premier plan est de remonter certaines de ces lignes. Juste un peu plus épais. Je suppose que j'aurais pu utiliser ce stylo en premier lieu, mais tout va bien. Nous allons lancer quelques branches avec ce super stylo [inaudible]. C' est gentil. Peut-être un de plus. On va dessiner un peu de texture sur ces troncs. Faites-les ressembler à de petits troncs de tremble, ou quelque chose comme ça. Typiquement, il y a des taches sombres sur eux, alors nous allons aller de l'avant et mettre certains d'entre eux là-dedans. Très gentil. Comme nous l'avons fait sur le dernier dessin, nous allons juste ajouter un peu de ton. Maintenant, dans la plupart des exemples que je vais vous montrer, et dans ceux que nous allons dessiner, ces éléments de premier plan sont généralement un peu plus sombres que les autres autour d'eux. Je vais aller de l'avant et prendre la liberté de les assombrir. L' autre chose qui est au premier plan est une partie de cette végétation qui fonctionne autour du sentier, comme ça. Je veux entrer et ajouter une partie de cela. C' est une façon qui aide à tromper l'œil et lui faire penser que cette partie du dessin est plus proche que le reste car nous pouvons voir plus de détails. Maintenant, c'est tout au premier plan. De retour au milieu, nous ajouterions probablement quelques lignes pour montrer comment fonctionne ce paysage. Mais ceci et ceci constituent le premier plan. Qu' est-ce qui reste ? Nous avons besoin d'un contexte. Mettons ce morceau de verre de côté et prenons-en un de plus, comme ça. Dessinez notre ligne de niveau des yeux. Tout ce dont nous avons vraiment besoin, c'est une ligne très, très légère pour indiquer où sera cette masse d'arbres. Je vais utiliser un crayon pour ça. Vous pouvez utiliser un crayon, vous pouvez utiliser un fineliner permanent gris d'une certaine sorte. Mais l'essentiel, c'est que je ne veux pas d'une ligne noire lourde à travers le sommet de ces arbres en arrière-plan. Il y a notre niveau des yeux, nos arbres. Même les arbres au loin auront une ombre sombre sous la verrière. Je vais aller de l'avant et mettre ça là-dedans. C'est ça. Il y a un avion, un autre, un autre. Si je dis que c'était du verre et que je les empilais, un sur l'autre, comme ainsi, et la meilleure mode de défilé de cuisine, vous auriez quelque chose qui ressemblait beaucoup à ça. C' est comme ça que fonctionnent les trois avions. Peu importe si vous avez des arbres au premier plan, des figures humaines plus grandes au premier plan, ou le bord d'un bâtiment sur un ou les deux côtés, ou quel est le point de votre croquis au milieu, ou plutôt qu'une masse d'arbres, il pourrait s'agir d'une ligne d'horizon de la ville tracée très, très légèrement en arrière-plan. L' idée est que nous obtenons le meilleur sens de la profondeur en faisant représenter ces trois plans. Eh bien, je pense que vous pouvez voir que c'est un concept assez facile à saisir, et c'est assez facile à exécuter aussi. Ce que je veux vous montrer maintenant, c'est un travail dans mes carnets de croquis où j'ai appliqué certaines de ces idées et nous allons ouvrir un bar Sloppy Joe's à Key West. Voici mon dessin, fait sur le trottoir. C' est incliné jusqu'à présent. C' est bon, mais il n'y a pas de profondeur. n'y a pas de premier plan du tout, et j'ai fait allusion à une tour en arrière-plan avec de l'encre géniale. Nous avons vraiment besoin d'un peu plus de profondeur dans ce truc. J' ai remarqué qu'il y avait un palmier à environ trois pas en arrière sur le trottoir, et j'ai suffisamment reculé où je pouvais voir ces frondes de palmier suspendus au premier plan au sommet de ma vue, et je les ai incorporées. Puis j'ai incorporé des ombres au sol au bas de ma vue, elles n'étaient pas vraiment là, mais je les ai ajoutées quand même. Entre ces deux, les frondes de paume et l'ombre, l'œil est juste tiré vers Sloppy Joe au milieu. J' ajoute un peu plus d'arrière-plan, quelques bâtiments là-bas, des poteaux électriques, ce genre de chose. À la fin de la journée, je pense que l'illusion de profondeur est tirée assez avec succès. Maintenant, je veux regarder quelques exemples supplémentaires des carnets de croquis pour faire un point particulier, et c'est que, si vous ne pouvez pas obtenir les trois plans ; premier plan, milieu, fond dans un croquis, essayez d'aller pour au moins deux. Voici un croquis de San Gimignano en Toscane. J' étais avec un groupe et le chauffeur s'est arrêté et a dit : « Prenez toutes les photos que vous voulez, vous avez 10 minutes. » Ce qui avait l'air généreux, mais je voulais un croquis. J' ai pris un grand stylo à pinceau et j'ai très rapidement esquissé le contour des bâtiments et de la colline. Ajouté quelques cyprès italien sur la droite, j'avais quelques bâtiments déversant la colline sur la gauche. J' aurais pu le laisser là, et ça aurait été un beau croquis, mais j'ai décidé que je voulais un peu plus de détails. J' ai eu un stylo à bille noir et j'ai dessiné ces fermes au milieu là-bas, et quelques autres cyprès, et ces rangées de cultures s'étendant vers le premier plan, même si ce n'était pas vraiment un vrai avant-plan. Là, j'ai un fond de la colline, un milieu de maisons. C' était suffisant pour tirer un sens convaincant de la profondeur. En voici un autre que je veux partager avec vous. Ça vient de Da Nang, Vietnam. C' est d'une cathédrale au milieu de la ville que j'ai dessiné avec des étudiants en architecture. Celui-ci a un premier plan et un terrain d'entente très fort, mais pas de fond solide. Ces lampadaires sont assez proches du spectateur avec tous ces détails qu'ils fonctionnent vraiment bien pour vous faire sentir comme ils sont de près et dans votre visage. La cathédrale elle-même, le point de l'esquisse, est au milieu avec tous les gens qui fraisent d'avant en arrière devant elle. Comme je l'ai dit, pas de contexte réel, mais entre le premier plan et le milieu, nous avons atteint ce sens de la profondeur. Gardez ça à l'esprit. Si vous ne pouvez pas avoir tous les trois, allez-y deux, et tout ira bien. Vous pouvez voir que toute cette distance de premier plan, de milieu et d'arrière-plan n'est pas vraiment technique, c'est juste reconnaître que ces trois plans existent, et traiter chacun d'eux presque comme un dessin séparé, assemblés sur une seule feuille de papier. Pourquoi ne pas le faire, pourquoi ne pas aller en ligne ou obtenir un livre avec des croquis cool, jeter un oeil à eux et voir comment différents artistes ont traité le premier plan, milieu et l'arrière-plan dans ces exemples. Ensuite, prenez un petit carnet de croquis et faites quelques petites vignettes, deux pouces sur trois pouces, où vous dessinez peut-être quelques personnes au premier plan de près et assombrir. Peut-être qu'il y a un bâtiment au milieu, une boîte simple avec quelques fenêtres, et un type de paysage au loin. Voyez si vous pouvez tirer ce sens convaincant de la profondeur dans quelques petites vignettes. Je pense que tu vas t'amuser beaucoup. Prochaine étape, nous allons parler de la diminution de la taille et des détails et façon dont ceux-ci peuvent contribuer à un sentiment de profondeur. On se voit là-bas. 9. Diminuer la taille et les détails: Salut, il est temps de parler d'un phénomène visuel appelé diminution de la taille et des détails. C' est une idée très simple, vraiment. C' est fondamentalement si vous avez deux choses de la même taille, celle qui est plus proche va paraître plus grande et celle qui est plus loin va paraître plus petite. Non seulement ça, celui qui est plus proche, vous allez pouvoir voir beaucoup plus de détails. Vous allez être en mesure de voir les rides des articulations et les poils noueux et ces types de choses où plus loin vous ne seriez pas en mesure de voir autant de détails. Il y a beaucoup de façons différentes d'appliquer cela dans les dessins. Je vais trouver quelques exemples rapides et ensuite nous verrons comment ils ont été appliqués dans mes carnets de croquis. Regardons quelques applications de cette idée. Une façon que je démontre cela à mes étudiants diplômés est dessiner des rochers en quelque sorte, peut-être qu'ils sont dans un jardin, un paysage ou quelque chose quelque part. Si je les dessine de près, je mettrai plein de fissures et de petits fossiles et toutes sortes de choses là-dedans, peut-être du gravier à la base parce que nous pouvons voir ce niveau de détail de près. Si je veux que l'on regarde plus loin, même un peu, je mets moins de détails dans celui-ci, le suivant encore moins, et encore plus loin, encore moins. Donc, comme ces roches reculent au loin, nous voulons qu'elles deviennent non seulement plus petites, mais qu'elles aient aussi moins de détails. Quelque chose comme des voitures. Ils sont amusants à dessiner, faisons quelques voitures. près, vous serez en mesure de voir des choses comme les feux arrière et même les feux de secours et les plaques d'immatriculation, et vous serez en mesure de lire les plaques d'immatriculation, c'est 8675309 et vous pouvez voir choses comme la bande de roulement sur le pneus et le différentiel, et les ombres en dessous. Dans l'autre voie, un peu devant nous, il y a une autre voiture, donc c'est plus loin donc nous allons voir moins de détails dans celle-ci. Plus loin encore, cette voiture va paraître plus petite et il va avoir encore moins de détails afin que vous obtenez l'idée, proche ; plus grand, plus de détails, loin ; plus petit, moins de détails. Voici quelques dessins de carnets de croquis que je pense ramasser sur cette idée, c'est un peu le summum en diminuant la taille et les détails. C' est une ferme de citrouille dans le Wisconsin, au moins cette fois une année, c'était. En termes de diminution de la taille et des détails, ils deviennent évidemment plus petits à mesure qu'ils reculent dans la distance, mais vous prenez le détail dans ces tiges bouclés sur ces citrouilles au premier plan, puis les tiges deviennent moins visibles et il y a vraiment pas de tiges sur ceux qui sont profondément en arrière-plan. Ici est un autre exemple un peu plus subtil, nous étions sur un bateau dans le fleuve Mississippi, très proche de cela et je dessinais le paysage adjacent sur les rives. Il y avait beaucoup d'arbres, quelques maisons sur le lac, puis une montagne avec une grande falaise au sommet qui était vraiment dramatique. Regardez les arbres près de la rive, vous pouvez voir des arbres individuels, vous pouvez voir des branches, et ce genre de choses. Ils deviennent de plus en plus petits et un peu plus d'une texture à mesure qu' ils remontent à distance en haut de la colline vers cette falaise. Maintenant, en voici un qui est vraiment différent. C' est un salon de voiture au centre-ville de Fort Worth. Ici, nous regardons les gens, regardez ce gars, il est l'un des plus proches de nous sur cette photo et vous pouvez voir le détail sur son cou, sur cette poche, et sur la sangle autour de son pull là-bas. Cette personne un peu plus loin donc ils sont plus petits et moins de détails, même avec l'enfant. Ces gens, encore plus petits, encore moins de détails. Vous pouvez regarder cela tout au long de ce dessin et vraiment obtenir la sensation de distance et de profondeur, principalement en raison de la diminution de la taille et des détails. C' est la ville de Trinidad à Cuba. C' est une très vieille ville historique avec beaucoup de l'architecture originale et des rues originales qui sont pavées pavés de rivière et c'est une étude intéressante et de diminution de la taille et des détails, vous pouvez le voir dans les gens évidemment. Mais plus intéressant pour moi, vous pouvez le voir dans les rues qui sont pavées de pavés de rivière et vous pouvez voir qu'ils différentes formes et tailles différentes et intéressant au premier plan, et plus loin vous arrivez dans la distance plus ils deviennent petits. Il devient presque juste une sorte de texture là-bas donc nous sommes en train de penser que c'est un long chemin d'ici à ici, juste par la façon dont nous avons choisi de dessiner ces pavés de rivière et vous pouvez le faire avec des briques de pavage et du bois planches et tous les types de choses. Grand devant, beaucoup de détails, plus petit à mesure qu'il recule, moins de détails et c'est juste une bonne chose à savoir. Maintenant, voir c'est vraiment une idée simple. n'y a pas grand-chose à cela, mais il peut être très efficace pour aider à créer ce sentiment de profondeur. Pourquoi ne pas prendre du papier et travailler à travers ces petits exercices que nous faisions auparavant, juste quelques petites versions de dessins animés de voitures et de rochers et ces types de choses où vous voyez peu à peu plus petite taille et moins détail, et nous allons sauter dans la prochaine leçon. La prochaine approche est le chevauchement et le poids de la ligne, et je pense que vous allez profiter de celui-là aussi. 10. Chevauchement et poids des lignes: Salut, bienvenue. Maintenant, nous allons parler de chevauchement et de poids de ligne. Encore une fois, des idées très simples. Voici ce qui est plus proche, difficile à dire, mais qui est maintenant plus proche. Nous mettons quelque chose de près, nous mettons quelque chose de loin simplement en les laissant un peu se chevaucher. Cela peut être amélioré par l'épaisseur de la ligne que vous utilisez, en particulier au premier plan. Jetons un coup d'oeil à quelques exemples et amusez-vous à dessiner en même temps. Maintenant, voici quelques exemples qui peuvent nous donner quelques informations sur le chevauchement et le poids de la ligne. Il s'agit d'un groupe à l'aéroport d'Heathrow, alors que j'étais assis dans l'un des tribunaux. Vous pouvez voir qu'il y a beaucoup de chevauchement qui se passe, ce qui est amusant et excitant. L' une des choses qui le rend lisible est de venir occasionnellement avec ce poids de ligne plus lourd. Vous le voyez de chaque côté de ce type, sur le bras de cette femme, sur ce bras, puis sur la jambe ici. Il y a juste un soupçon de ça, par exemple, sur la jambe de ce type ici. C' est vraiment à peu près tout ce qu'il faut pour faire avancer ces deux personnes et nous donner une meilleure idée de ce qui se passe dans ce dessin. C' est très similaire, mais il s'agit de l'architecture plutôt que des gens. C' est une cour d'église au Mexique, et vous pouvez voir cette colonne est au premier plan et il y a cette ligne lourde d'un côté en bas de ce qui aide à la tirer vers l'avant. Ligne lourde mais pas tout à fait aussi lourde de l'autre côté de sorte qu'il ne semble pas que c'est juste un contour là-bas. On a aussi St Paul à Londres. Maintenant, cette vue de St Paul, alors que vous remontez la rue, vous avez des bâtiments des deux côtés qui sont en face et encadrent cette vue de St Paul. La façon dont je peux faire fonctionner cela dans un dessin est de venir avec un poids de ligne plus lourd sur ces bords afin que nous aidions à répéter ce cadre et à concentrer la vue juste là. Dessinons quelques exemples. Je vais parcourir quelques dessins de démonstration ici pour vous montrer quelques façons différentes d'utiliser ce chevauchement et le poids de ligne. Je vais juste gribouiller ici très vite. On va utiliser la plume fude et les stylos uni-ball. Uni-ball, comme vous vous en souvenez, est une ligne assez mince. Je vais montrer à un arbre que je fais tout ça. n'y a pas de photo de référence ou quoi que ce soit comme ça, alors jouons-y un peu. Quelques belles racines s'étendant jusqu'au sol. Je vais avoir un petit morceau d'architecture traditionnelle ici. Comme ça. Voici ma ligne centrale, donc je vais mettre une colonne ici, une colonne ici, une colonne ici, et la colonne là. Peut-être quelques pas vers le bas ou quelque chose comme ça. Fenêtre, fenêtre, toits vont venir pour que les arbres se chevauchent un peu. Mettons des arbustes à la base de ce bâtiment. Comme ça. Juste des gribouillis très rapides. Maintenant, je veux les séparer un peu. Je vais prendre cette plume fude et dire, oui, j'ai vraiment besoin d'un poids de ligne plus lourd. Ça le fait à peu près. Je vais le répéter ici. Je ne devrais pas faire ça partout ailleurs, sauf que je vais utiliser ce même stylo maintenant pour jeter des ombres sur l'écorce d'arbre. C' est un merveilleux stylo pour faire cette chose avec toutes les variations vraiment douces dans la qualité de la ligne que vous obtenez. Ici, cela ressemble à certaines des branches qui jettent ombres sur le tronc, les branches, les racines. Je vais remonter cette ligne encore un peu plus. Voyons ce que nous pouvons faire d'autre ici juste pour faire ressortir ces colonnes. Je vais mettre un peu d'ombre entre eux comme ça. Peut-être faible pour chaque colonne aussi. Peu de détails de niveau. Il y a une porte, il y a une personne, une autre personne là-bas. Ça a l'air plutôt bien. La seule autre chose que je vais faire est juste jeter une partie de cette même texture ici. Mais je vais utiliser cette extrémité épaisse de la plume fude pour le faire sorte qu'elle nous semble plus proche que ça ne le fait. Vous comprenez l'idée. J' ai commencé à dessiner tout ça avec le même stylo. Lourd cela un peu, et maintenant il semble considérablement plus proche que cela ne le fait. Essayons un peu différent. Ce serait une scène intérieure que j'ai dessiné plusieurs versions de on-site plusieurs fois. Ici sur la clé Siesta au Oyster Bar et des choses comme ça. Les clients de certains de ces établissements. Je vois que je suis allé à la plume de fude et je dessine une ligne beaucoup plus lourde pour le corps de ce type qui va être devant le bar, devant un barman. Il est assis sur un tabouret de bar. Il y a une jambe qui descend comme ça. On va mettre une autre manche et un bras là-bas. On va utiliser un stylo blanc pour avoir un coude qui va se reposer sur le bar. Comment c'est ? Plutôt bien. Trouvons un serveur pour l'aider. On va mettre un collier et une cravate sur ce type. Remarquez le chevauchement ici, comment j'ai une figure chevauche l'autre, et nous allons y mettre quelques lunettes. Mettons une étagère derrière ce serveur avec les bouteilles dessus. Je vais profiter d'un peu de chevauchement là-bas, un peu plus de chevauchement là-bas. Je n'aime pas avoir ça dans un bar, mais mettons une horloge juste là. Ensuite, revenons avec certaines de ces lignes plus lourdes et tirons juste cette figure au premier plan. Se séparant de cette horloge un peu, un peu d'ombre là-bas. Afonce ce ce pantalon, et on y est presque. Mettons un peu de noir sur ce gilet ici. Mais remarquez que je n'ai pas utilisé ce stylo lourd, j'utilise le plus léger parce qu'il est un peu plus loin. Je pense qu'avec ces deux petits ajustements, nous avons une assez bonne indication d'un sentiment de profondeur avec cela étant plus proche, que d'être plus loin juste en raison du chevauchement et de ces poids de ligne plus lourds au premier plan chiffre. Avec ces deux exemples, je pense que vous avez une assez bonne idée de la façon dont nous pouvons utiliser ce chevauchement et le poids de ligne très efficacement. J' espère que ça vous a plu. Une partie du plaisir que vous pouvez avoir avec le chevauchement et les poids de ligne. Maintenant, le sujet suivant, parce que je dessine beaucoup de paysages urbains et de grandes vues est proche et cher à mon cœur, et c'est ce qu'on appelle la profondeur atmosphérique. Allons voir ça. 11. Profondeur atmosphérique: Bienvenue de retour. Maintenant, nous allons parler de quelque chose qu'on appelle la profondeur atmosphérique. Vous en savez déjà un peu à ce sujet parce que chaque fois que vous avez regardé au loin et vu une ligne d'horizon ou une chaîne de montagnes qui était brumeuse, c'est l'effet de la profondeur atmosphérique. C' est essentiellement la distance et les particules atmosphériques, la poussière, quoi que ce soit, brouillant l'image un peu ou plus correctement, lui donne moins d'intensité en termes de valeur et de couleur. C' est dire à ton cerveau que c'est plus loin que les choses qui sont plus proches de toi. Jetons un coup d'oeil à quelques exemples et nous allons le clarifier encore plus. Voici quelques exemples tirés de mes propres carnets de croquis. J' ai deux façons différentes d'atteindre un sens de la profondeur atmosphérique. Ici, à Oxford, en Angleterre, j'ai fait le bâtiment le plus proche de moi presque noir, puis un travail de ligne d'encre noire et beaucoup de détails dans ce bâtiment de fonctionnalité au milieu, mais j'ai utilisé de l'encre grise avec un fond fin ici. Vous pourriez faire la même chose avec un crayon mécanique aussi loin que ça va. Je n'ai pas rendu les couleurs assez intenses, donc tri s'estompe vraiment dans la distance et crée un très beau sens de la profondeur atmosphérique. Cette technique est radicalement différente mais tout aussi efficace. y a vraiment pas de premier plan. Au milieu, vous voyez beaucoup de détails en termes de ces arbres qui remontent la falaise, et les gens sur le pont, fenêtres sur les bâtiments, etc., mais pour ces zones végétalisées et les collines plus lointaines derrière elle, je ne voulais vraiment pas beaucoup de détails à ce sujet du tout. J' ai juste mouillé ça avec de l'eau claire et j'ai laissé tomber de l'aquarelle dedans. Vert pour les zones végétalisées et violet pour les collines plus lointaines, et juste laisser ces choses se fondre ensemble d'une manière brumeuse et fumée. Il s'est avéré mieux que je ne l'aurais imaginé. Je suis vraiment content de la façon dont ça s'est passé. Il y a deux façons différentes d'atteindre cet objectif, et il y a beaucoup d'autres à découvrir lorsque vous commencez à jouer avec des dessins. Je veux vous montrer quelques astuces rapides pour créer un sentiment de profondeur atmosphérique. J' ai préparé une perspective rapide en un point de vue. Si vous avez suivi mon dernier cours, Bring City Scenes to Life », nous avons fait un point de vue étape par étape, très, très comme ça. Je ne vais pas passer par tout ça à ce sujet. Je veux vraiment me concentrer sur la question à l'étude, qui crée de la profondeur atmosphérique. Ce que je vais faire est de prendre ce dessin de base, tout fait en un poids de ligne avec un stylo, et d'utiliser différents poids de ligne et différents tons et valeurs pour vraiment faire croire que cette chose a une certaine profondeur. Nous allons ajouter des sombres, nous allons ajouter un premier plan lourd, nous allons ajouter un arrière-plan très clair, et je vais vous montrer les techniques et les outils que j'utilise pour faire cela. Allons entrer. Je vais vous faire savoir avant de commencer que ce dessin est disponible dans la section Ressources de la classe. Si vous allez dans Projets et qu'il y a un onglet pour Ressources, vous y trouverez ce dessin sur lequel vous pouvez dessiner si vous le souhaitez. On y va. Je vais commencer par ajouter quelques sombres sur les vitrines au premier étage de ceux-ci. Je ne suis pas inquiet de devenir imparfait parce que je ne suis pas inquiet d'obtenir la plupart des choses parfaites. Mais comme je le dis souvent, plus certaines de ces choses sont lâches et plus rapides, je pense que plus elles ont l'air. Allons-y et mettons-nous quelques vitrines sombres. Si nous voulons simuler la profondeur atmosphérique, ils deviennent progressivement plus légers. Je vais changer de stylos et laisser ça s'estomper juste un peu quand on descend vers la fin. Vraiment, vraiment sombre ici, pas aussi sombre ici. Maintenant, je vais sauter de l'autre côté de la rue et je vais faire le premier plan que j'ai mentionné. J' ai un gros marqueur Sharpie ici. N' est-ce pas un bon son ? Je vais juste déchirer ce truc avec ça. Juste quelques coups parce que cette façade est si proche de nous que nous descendons, notre point de vue est vraiment du trottoir de ce côté. Il est si proche de lui, il s'en va presque et devient ce cadre sombre d'un côté. Ce que je vais faire avec ça, mettre un auvent ici. Ce que je vais généralement faire avec cela, c'est aller de l'avant et tirer quelques lignes d'ombre à travers la rue afin que nous ayons maintenant un L et qu'il pousse votre vue vers le milieu ici. Probablement pas la première fois que vous l'avez vu, mais il est bon de le répéter. Je le fais sur la plupart de mes dessins. J' aime que ces lignes traversent, pas seulement pour l'ombre, mais elles ont en fait aidé à définir les plans ; ce qui est vertical, ce qui est horizontal, etc. Je pense que cela fonctionne assez bien pour ce genre de choses. Comme il y a un auvent ici, il va y avoir une ombre ici. Ça va ressembler à ça. Je vais avoir quelques sombres sur ces palmiers, pas beaucoup. Je pense que c'est à peu près juste. Nous pouvons ajouter quelques détails à ce bâtiment le plus proche en termes de matériaux, maçonnerie ou quelque chose comme ça, qui le rendra plus proche que celui-ci. Bien sûr, nous avons des gens devant ici. Les choses ont l'air plutôt bien. Maintenant que j'en suis là, je vais prendre ce crayon de couleur grise et dessiner dans un autre bâtiment ici, un bâtiment de fond. Je suis juste en train d'inventer cette scène au fur et à mesure, donc je vais faire ce bâtiment aussi, mais c'est basé sur certains que j'ai vus auparavant. Que diriez-vous de ça ? Ça marche plutôt bien. Je ne veux pas beaucoup de détails. Je veux dire combien il y a d'étages sur ce truc, quelque chose comme ça. Je peux le faire avec des lignes horizontales très simples. Je n'ai pas besoin d'entrer dans les détails. Si je veux avoir des ouvertures au premier étage comme je le fais ici, je vais les faire en gris plutôt que noir parce que encore une fois, le bâtiment est réglé si loin en arrière. J' ai indiqué un arbre ou quelque chose ici, donc je vais aller de l'avant et l'assombrir pour que je sépare ces bâtiments de celui-ci. Nous pouvons ajouter quelques bâtiments de fond si nous le voulons. Ça a l'air plutôt bien. Peut-être quelques arbres au loin. Maintenant, ça a l'air très bien, mais je pense que ça serait un peu mieux si je mettais de la valeur dans le ciel et forçais ce bâtiment à l'aspect blanc à sortir un peu plus. En fait, je pense que ça a l'air plutôt bien. Joli. Il y a notre bâtiment de fond, il y a un peu de ton ciel là, voici notre milieu, voici notre premier plan, que pouvons-nous faire d'autre ? Eh bien, il y a plein de choses. Je mettrai souvent des chiffres au premier plan, traversant des rues ou autres choses. Juste parce que ces figures sombres semblent beaucoup plus proches que les autres figures montrées, je vais rendre celle-ci aussi sombre. Maintenant, il y a des choses vraiment intéressantes qui se passent là-bas. Je vais mettre des réverbères. Ça a l'air juste, n'est-ce pas ? Avec quelques bras ornementaux sur eux et peut-être un peu s'épanouir comme ça afin qu'il ait un regard historique à elle. C' est une ligne assez épaisse parce qu'elle est la plus proche de nous. Si nous en voulons plus, ils vont être une ligne plus mince et pas autant de détails. Si nous voulons encore plus, c'est sur le point de le faire. Je ne pense pas que vous ayez besoin de beaucoup plus que ça. Je vais faire quelques points pour la litière de feuilles. Juste des feuilles, des ordures et des choses comme ça, que tu verrais de près dans la rue mais que tu ne verrais pas plus loin. C' est un concept important dans tout cela pour tromper l'œil, pour lui faire croire qu'il regarde les choses plus près que plus loin dans l'image. Je pense que c'est à propos de ça, mais on pourrait aussi venir ici. On a des palmiers de ce côté. On pourrait tirer un Key West et dire, ajoutons juste quelques frondes de palmier de ce côté aussi pour faire vraiment cette scène de premier plan. Maintenant, nous sommes sous les palmiers. On a ça, donc on a un beau cadre, milieu, fond. C' est un très beau sens de la profondeur atmosphérique sur une scène de rue de la ville. La même chose fonctionnerait dans une scène naturelle où cela pourrait être un arbre ou quelque chose comme ça et vous avez d'autres choses au milieu et ainsi de suite, mais je pense que cela fonctionne assez bien, donc nous sommes va appeler cela fait et passer à autre chose. Maintenant, vous comprenez un peu plus sur profondeur atmosphérique que sur les façons dont vous pouvez être capable créer pour améliorer une sensation de profondeur sur une feuille de papier bidimensionnelle. Maintenant, réfléchis à ça. Lorsque vous êtes à l'extérieur et que vous voyez une ligne d'horizon ou une chaîne de montagnes ou quelque chose de souvent la distance qui semble brumeuse et penser à des moyens que vous pouvez recréer cet effet dans les dessins au trait, les dessins tons, l'aquarelle, et pourquoi ne pas aller de l'avant et ramasser ce stylo à bille et crayon Sharpie et voir si vous pouvez dessiner une scène de votre imagination qui intègre ce type de profondeur atmosphérique dans votre croquis. Maintenant, on va s'amuser vraiment. On va aller dehors et commencer le croquis final. Prends tes affaires et allons-y. 12. Composition de l'esquisse finale: Bonjour, vous êtes avec moi maintenant au centre-ville de Sarasota à Bayfront Park. C' est un parc public. On a un port de plaisance. On a des cours de yoga. On a des gens qui marchent leurs chiens. On joue de la musique de temps en temps. C' est ce qu'est le croquis urbain, c'est être au milieu de tout. L' autre chose qui est ici pour laquelle je suis vraiment excité , c'est mon tiki bar préféré, O'Leary, et ça va faire l'objet de notre croquis de démonstration que nous avons rassemblé tout ce que nous avons appris jusqu'ici, le montage, la composition, le sens de la profondeur, premier plan, le milieu, le fond, toutes ces bonnes choses, et c'est une belle journée et un bel endroit pour le faire. Dans cette leçon particulière, nous allons nous concentrer sur la bonne configuration de cadre, obtenir une composition avec laquelle nous sommes à l'aise, puis commencer à passer dans les grandes formes, peut-être quelques détails, donc Allons entrer. Maintenant, c'est un cahier cinq par sept dans lequel je fais beaucoup de mes miniatures quand j'essaie de créer une scène. J' ai fait beaucoup ici sur l'île et d'autres endroits. Ce sont certains que j'ai pris en considération pour ce projet. En haut à gauche, vous avez une scène de la plage. Il y a un stand de maître-nageur, il y a des gens au premier plan, et c'est plutôt sympa, mais ça serait très bondé. Je ne sais pas que c'est une bonne idée. Le prochain a un grand arbre au premier plan, un bâtiment cool au milieu, pas beaucoup de fond qui va apparaître, donc j'ai pensé à des cabanes tiki serait une chose très cool à dessiner. Ça m'a fait penser à O'Leary. O'Leary est juste un sujet merveilleux pour quelque chose comme ça. Regardez cet arbre de premier plan que nous pouvons utiliser pour encadrer le tout et nous pouvons également mettre en place un schéma de couleurs minimal stratégique pour nous montrer comment être efficace avec cela. J' aime commencer par réfléchir à la façon dont tout cela va tracer le premier plan, les racines de cet arbre de premier plan, le tronc, branches aériennes, et comment cela va créer un cadre pour cet élément central. Le toit du bar tiki, petit toit de chaume là-bas, et ces bâtiments de fond lointains aussi. Comment vont-ils s'intégrer à toute cette composition maintenant ? Ce toit tiki est important, donc je vais faire quelques petits points pour les coins de ce parallélogramme rectangle. Ensuite, je vais changer de stylos, obtenir un Micron PN, nous voilà, et juste commencer à poser ce toit tiki en connectant les points que je viens de mettre en place. Tu verras que quand je tirerai une ligne si ce n'est pas exactement où je veux, je la dessine à nouveau. Pas grand-chose. On ne recommencera pas. On ne va pas penser à effacer quoi que ce soit. J' en dessine un autre pour le chapeau en bois sur le toit du tiki. J' ai dû le répéter aussi. Cela aidera en fait le caractère du dessin à la fin de la journée. Il y a mes points pour ma règle des tiers de la leçon précédente, où ces derniers se croisent comme point d'accès et c'est là que va aller mon premier palmier. Remarquez à quel point je dessine ces frondes rapidement. Je ne suis pas vraiment détaillé. Je ne vais pas chercher le réalisme photo ici. Je n'irai même pas pour une belle peinture à l'aquarelle. Je fais un croquis urbain et je veux que ce soit funky. Avoir beaucoup de caractère. Il y a des noix de coco. Il y a un joli coffre incurvé qui est en fait sur la vraie affaire là-bas. Maintenant, je vais entrer et toujours très, très légèrement indiquer où vont être ces bâtiments de fond. Mais je ne veux pas le faire à l'encre, ça les ferait paraître trop près. Je vais prendre un petit crayon mécanique ici avec un plomb dur et juste mettre quelques lignes très légères où sont ces bâtiments de fond vont être et plus tard, quand je mets un peu de couleur ciel, ce sera en fait la couleur du ciel qui les bords de ces bâtiments plutôt qu'une ligne d'encre, ce qui les ferait paraître trop près pour être en arrière-plan. Ça les mettrait au milieu et personne ne le veut, n'est-ce pas ? Mettons un peu plus. Je vais sauter de façon inhabituelle dans un peu de détail ici juste parce que c'est trop amusant de ne pas le faire. Cette casquette supérieure a des nervures en bois dessus et je vais y mettre un peu. Il fait une croix en haut, c'est ce que je dessine là-bas. Je pense qu'à ce stade, je vais retourner à mon crayon. Pourquoi ? Eh bien, en mettant les parapluies jaunes et dans le passé, j'ai dessiné mes parapluies avec de l'encre. J' en suis venu à apprendre que je n' aime pas vraiment l'apparence de ça autant que quand je viens de dessiner avec une ligne de crayon très, très légère. Laissez la couleur définir les formes, ces formes triangulaires des parapluies. Maintenant, je vais retourner à mon stylo et commencer à mettre des gens, des figures humaines. Ils sont assis à des tables de bar en plein air. Quand je dis les tables de bar, ce sont des hauts. Ils sont construits rustiques pour ressembler à des tables de pique-niques et nous les dessinons de cette façon, mais je vais de l'avant en dessinant certains clients autour d'eux en même temps. Des verres et des bouteilles sur les tables, les pieds en dessous tous faits de bois brut, donc je ne fais pas vraiment attention à rédiger ces choses avec précision. Je veux juste qu'il fasse partie de ce personnage funky général du dessin. Maintenant, retirons la fine doublure et sortons le méchant garçon, la plume Sailor Fude avec les lignes épaisses. Pourquoi voudrait-on des lignes épaisses ? Rappelez-vous que le poids de la ligne est l'une des façons dont nous pouvons aider à montrer la profondeur. Je veux montrer cet arbre de premier plan maintenant. Ça va être beaucoup plus proche de nous, du spectateur que ce chapeau tiki du milieu. J' utilise cette plume Fude pour entrer avec des lignes épaisses et dessiner cet arbre comme un cadre incurvé autour du milieu comme vous m'avez vu le faire dans le passé. Il y a une branche supérieure avec des branches plus petites en décollant, venant autour et dessinant le tronc. C' est un tronc divisé en fait. On va dessiner un autre petit morceau là-bas. Descendez par le haut. Plus de branches latérales et nous allons descendre à ces racines sur le sol. C' est un vieux ficus. Vous voyez certaines de ces racines au-dessus du sol, un bon nombre d'entre elles en fait et cela aide à lui donner ce caractère courageux. C' est une des choses qui sont si attrayantes à mon avis. Maintenant, je vais ajouter un peu d'ombrage pour quelques raisons. Pourquoi c'est ça ? Remarquez que j'utilise toujours cette piqûre parce qu'on est de près, on est au premier plan. Rappelez-vous que nous allons voir plus de détails au premier plan. Je dessine une partie de cette texture de l'écorce sur l'arbre et j'utilise cette plume Fude pour le faire très, très rapidement. Des lignes très lâches parce que nous ne voulons pas de lignes serrées dans la nature, n'est-ce pas ? L' autre chose que cela indique est peut-être un flux de lumière à travers certaines de ces branches et le tronc pour lui donner un peu plus de caractère. On va continuer à jouer avec ça au fil du temps. En attendant, je mets une texture moulue qui ressemble à la pelouse qui est là-bas. C' est toujours au premier plan. J' utilise toujours l'épaisse plume Fude pour le faire. Vous n'avez pas besoin d'une plume Fude, vous pouvez utiliser n'importe quoi avec une plume un peu plus épaisse pour obtenir ce look. Mais notez à quel point les lignes de cet arbre de premier plan sont plus sombres et plus épaisses que la cabane tiki, le palmier et les gens là-bas. Ça fait paraître un peu plus près, n'est-ce pas ? Maintenant, allons-y et ajouterons peut-être un peu de végétation tropicale. J' ai un peu tordu cette plume Fude et j'utilise l'extrémité étroite de cette plume pour mettre un feuillage qui est vraiment dans le milieu là-bas. On va le sortir un peu plus avec des sombres. Mais pour l'instant, nous voulons juste mettre les formes dans. Ça commence à ressembler à ce qu'il y a vraiment là-bas. Un peu plus lâche, un peu plus funky, mais c'est une bonne chose. Maintenant, encore une fois, je vais sauter dans les détails où quand je décrirai ma méthode classique pour travailler sur quelque chose comme ça, je parle généralement de grandes formes d'abord, puis petites formes et seulement ensuite d'entrer dans les détails. Comme je l'ai dit plus tôt, c'est tellement amusant que je ne peux vraiment pas résister, et donc j'ai sauté ici avec ce Micron PN et mis quelques détails de ligne fine pour indiquer le toit de chaume de cette cabane tiki. J' aime vraiment comment ça nous donne une valeur moyenne là-dedans. On aura tous ces noirs noirs noirs quand on aura fini, surtout autour de cet arbre de premier plan. Nous allons avoir beaucoup de blanc parce que nous ne mettrons pas de couleur sur tout. Nous avons besoin de valeurs moyennes, et c'est ce que je fais avec le toit de chaume sur cette hotte tiki nous donne presque un gris plutôt qu'un noir ou un blanc. Plus de végétation de fond derrière cet arbre de premier plan, en le dessinant très légèrement. On reviendra et on le boitera avec des Noirs plus tard. Maintenant, je veux aller à la cabane tiki et dessiner dans le bar qui est sous cette cabane tiki et derrière ces clients. C' est tropical. Il y a des morceaux de bambou verticaux qui sont en fait sur le devant pour le faire ressembler à quelque chose de l'île de Gilligan, ce qui est le point pour un bar tiki, je suppose, et l'une des raisons pour lesquelles les gens aiment traîner là-bas. Ça regarde à peu près juste. Je suis si proche de cette texture de toit que je vais juste sauter et ajouter un peu plus de ça. Peut-être le porter tout le chemin et juste prendre soin de cette texture. Je pense que ça fonctionne très bien comme une texture moyenne. Maintenant, c'est le type de texture que je vais dessiner un petit carré d'un pouce sur une feuille de papier et juste les remplir avec ce type de textures. Celle-ci, celle qui représente le gazon sur le sol. Certaines de ces lignes indiquant la texture de l'écorce sur l'arbre de premier plan afin qu'ils deviennent une partie de votre mémoire musculaire que vous n'avez même pas vraiment à penser. Vous bougez très, très presque dans un zigzag rapide en mettant ces choses dehors. Qu'en pensez-vous ? Ça a l'air assez bien jusqu'à présent. Ajoutons certains des palmiers les plus lointains. Nous savons qu'ils sont plus éloignés parce qu'ils sont plus petits et nous avons appris que la diminution la taille et des détails est un moyen d'indiquer la profondeur. Ils sont un peu plus petits et quand on aura fini ajouter des textures au dessin à l'encre, ils seront moins détaillés que le premier que j'ai dessiné. D' autres tables hautes avec des pieds en dessous. Il faudra attirer d'autres mécènes. Je veux mettre deux gars ici au milieu parce que ce sera mon domaine d'intervention, mon point focal, si vous voulez. C' est probablement un bon endroit pour s'arrêter et faire une pause. On a un bon départ. On a notre arbre au premier plan, on a la cabane Tiki. On a même un soupçon de ces bâtiments là-bas. Continuons à étoffer le croquis avec plus de détails, plus de sombres, et mettons cette chose en place pour la couleur. Allons-y. 13. Étoffer le dessin: D' accord. Maintenant, regardez comment nous inventons tout ça au fur et à mesure. Je vais ajouter du feuillage tropical. Probablement être affiner quelques textures et vraiment entrer dans ces sombres dans un grand sens. Ici, on y va. Nous sommes de retour chez O'Leary par une journée très ensoleillée, scène à contraste élevé, sable blanc, ombres sombres. Nous avons notre arbre de premier plan à l'avant, les principaux éléments de composition de la cabane tiki, et les parapluies. Quelques détails que vous pouvez voir ici les tables, les gens, certaines des colonnes tenant la cabane tiki. Allons entrer. Je vais me débarrasser de cette fine doublure pendant une minute et passer à la plume Fude. Je vais aussi accélérer cette partie juste un peu, parce que franchement, il y a juste plein de sombres qui prennent un peu de temps et je n'étais pas pressé pendant que j'étais ici. Je pense que vous serez en mesure de suivre très bien et en fait peut-être même ramasser sur les modèles que je crée un peu plus facile en allant à cette vitesse plus élevée. Maintenant, regarde juste à gauche de la cabane Tiki à cette zone sombre là-bas. C' est ce que je travaille maintenant est la peinture presque négative autour ces plantes tropicales afin que non seulement vous voyez les feuilles réelles des plantes bien, je crée un champ sombre autour ce tronc de premier plan de l'arbre de premier plan cela va le forcer visuellement encore plus près de nous. Revoyez cette zone sombre que je dessine là. n'y a rien que j'aime plus que de m'asseoir et de dessiner un jour comme celui-ci. Plus de sombres, nous aidant à éliminer ces feuilles et ensuite ajouter d'autres feuilles en fait avec l'encre noire. On va continuer à travailler dessus. Il y a des choses en forme de frond de palmier qui restent ici. Je mettrai des sombres entre eux pour les faire ressortir. Maintenant, on va ranger la plume de Fude, prendre la fine doublure et s'amuser à mettre des frondes sur ces cocotiers. Celui-ci est le plus proche de nous, va avoir le plus de détails. Vous pouvez voir qu'il y a une grappe de noix de coco en dessous et ces frondes vraiment paresseuses. J' aime les dessiner presque comme un zigzag à main levée très rapide. Non seulement je pense capture avec succès la texture, mais il garde le croquis à l'air lâche et funky et à nouveau stylisé. On mettra une ombre sur le tronc sous ces noix de coco et ces frondes, des petites ombres sur les noix de coco elles-mêmes. Ensuite, je vais revenir et mettre des frondes sombres en utilisant cette encre noire pour rendre le tout plus tridimensionnel. On va mettre dans la paume arrière. Il est dessiné plus petit parce qu'il est plus loin et nous avons appris à diminuer la taille et les détails et il est là. Ajoutons un peu de texture à ces troncs. Juste des lignes horizontales tracées très rapidement à travers eux. Je pense que plus vite, mieux c'est. Encore une fois, ce relâchement donne à l'ensemble du croquis une sensation de fraîcheur et d'informalité qu'il n'aurait pas si vous consacriez énormément de temps. Il y a des frondes plus sombres pour lui donner ce look tridimensionnel. Maintenant, je vais travailler un peu sur les parapluies. Ceux-ci sont dessinés très stylisés. Vous pouvez voir la vraie chose qu'il y a assez complexe en termes d'ombre, ombre, de plis, et ces types de choses. Ici, je l'ai indiqué, et je suis à peu près juste des triangles avec un peu d'ombre en dessous. Maintenant, j'ajoute quelques colonnes comme vous le voyez sous la cabane Tiki ici. Ils sont à peu près noirs parce qu'ils sont dans une ombre si profonde. Je les ajoute, ainsi qu'un barman derrière le bar, un autre barman pour qu'il ait de l'aide là-bas. Un peu d'ombre sous ces tables de pique-niques hautes. Maintenant regarde ça. Les jambes de ces clients sous les tables vont être à l'ombre, non ? Je vais de l'avant en obscurcissant ceux qui sont dedans. On n'y pense pas beaucoup, mais ça donne au tout un look réaliste. Maintenant sur ces jambes, je lui donne un peu de maigre. Cela va être un point central dans le croquis et je voulais avoir un peu de mouvement et d'énergie. Je dessine ces gars en mouvement comme s'ils marchaient à travers la scène. Ajoutez des sombres autour d'eux qui vous aideront à attirer l'œil vers ce point focal et nous allons renforcer cela avec de la couleur. Voici un peu d'ombre sur cette casquette en bois au-dessus de l'herbe de chaume. Quand j'ai tracé cette ligne horizontale, j'ai pensé : « Oui, ces choses se rassemblent assez bien. » J' aime vraiment cette combinaison. Une lignes très fines puis très épaisses avec la plume Fude. Ici, je dessine quelques lignes sur le plan au sol juste pour aider à définir ça et regarder, j'ai oublié de mettre une place pour l'eau, cette eau bleue là-bas. J' ai tracé une ligne pour que nous n'oubliions pas d'indiquer que quand nous commencerons à mettre la couleur et que nous continuerons à faire des nouilles. Je vais ajouter du feuillage de fond ici, comme nous l'avons fait sur de nombreux dessins que nous avons esquissés ensemble dans les classes précédentes. Vous pouvez y voir une partie de ce feuillage de fond. Certains de ces mécènes, mais pas trop parce qu'ils ne sont pas proches du point focal. Je ne veux pas qu'ils soient aussi visibles avec autant de sombres et de contrastes élevés là-dedans. On va laisser ça à l'autre côté du croquis. Un autre palmier de fond, nous allons zigzag à travers ces frondes de cocotiers et un peu plus sombre entourent cette végétation tropicale. Il suffit de le sortir un peu plus. C' est incroyable ce qu'une petite tache sombre peut faire pour commencer à donner vie à ces zones végétalisées. On y va. Plus de frondes et quelques lignes d'ombre sur ce beau tronc de cet arbre Ficus. C' est l'une des façons dont nous savons que nous sommes à Sarasota, en Floride, c'est à cause de ces banions et ficus qui ont ces grands troncs et des racines massives et même aériennes. Maintenant, je mets cette ombre horizontale à travers le sol et donne vie aux scènes de la ville. Dans cette classe, nous avons fait du même type de chose et cela ajoute juste un peu de contraste et aide également à décrire le plan de masse. Encore quelques sombres ici. Voyez ces bâtiments de fond là-bas. Nous allons les dessiner encore plus légers qu'ils ne l'apparaissent sur la photo. Je vais utiliser ce pinceau gris clair Tombow pour dessiner d'abord les contours. Tu le vois à peine là-bas. Ensuite, je vais juste mettre une ligne horizontale pour chacun de ces étages afin qu'on n'entre pas dans les détails. Rappelez-vous que plus quelque chose est loin, moins il a de détails. Mais nous indiquons à peu près l'échelle de la chose en montrant combien d'étages il pourrait avoir. Est-ce que je compte les étages ? Non, ça n'a pas beaucoup d'importance, mais j'indique l'échelle que je vois souvent la distance là-bas. D'accord. Je pense que nous avons un très beau dessin de trait ici, très bons tons. Il est temps de commencer à jouer avec un peu de couleur. Mais avant nous, nous avons une leçon bonus sur les sombres dramatiques. Jetons un coup d'oeil. 14. Bonus : Ombres dramatiques: Faisons une petite pause du parc parce que je veux parler sérieusement des sombres dramatiques. Bon nombre de fois, les étudiants m'apportent des choses à regarder et me disent : « Que puis-je faire pour améliorer ? Presque toujours, deux choses : un meilleur sens de la profondeur, les dessins au milieu, et il a besoin d'autres choses, et les sombres et les ombres ne sont pas assez sombres. C' est le moyen le plus rapide de médiocrité, c'est d'avoir ces petits sombres insipides là-dedans qui ne sont que des demi-tons. Je veux vous montrer quelques exemples de la façon dont j'utilise les sombres pour obtenir beaucoup de contraste, pour obtenir beaucoup de zèle et d'énergie dans un dessin. Il s'applique à presque n'importe quelle échelle. Laisse-moi te montrer de quoi je parle. Voici un petit gribouillis sur les plages que j'ai fait avec un stylo plume à plume Fude. Vous pouvez voir que c'est presque tous les sombres l' exception de quelques petites lignes minces pour les frondes de palmier et les troncs, mais les sombres sont ce qui délimite le rivage, qui nous donne un peu de premier plan qui nous montre des ombres sur la paume troncs d'arbre, et cela sépare ce milieu de troncs de palmiers de l'arrière-plan qui est montré dans l'obscurité avec une petite maison là-bas, et une interruption dans les sombres est ce qui fait sortir la maison. C' est un gribouillis très simple, très rapide, mais il s'agit de sombres. Le prochain est dans un bar à huîtres ici en ville. Vous pouvez voir les gens qu'ils sont assez bien dessinés, mais les sombres donnent ce dessin pop et contraste là-bas. Les Noirs sont ce qui fait que ce dessin fonctionne bien. En voici un autre, ça vient d'une de mes villes préférées. C' est Lisbonne, au Portugal. C' est une rue commerçante très célèbre en plein cœur des choses avec cette grande porte arquée vers le bas à la fin. La ligne fonctionne important, mais mon Dieu, regarde la différence que font ces sombres. Vous le verrez dans beaucoup de mes dessins, où les sombres montrent les ombres sous les parapluies et les fenêtres, sous l'ombre de l'arc lui-même et sur le sol sous l'arc, et dans certains vêtements du peuple. Ce contraste fourni par ces sombres est tout dans ce dessin. Maintenant, regardons une séquence rapide qui est aussi au Portugal, mais celle-ci est à Porto. Voici un dessin que vous avez déjà vu. C' est le complexe gouvernemental de Porto. Joli dessin en couleur, mais je parie que vous n'avez pas vu cette séquence. Il s'agit d'un dessin de contour. La première chose que j'ai fait quand je suis allé sur le site, où vous venez de mettre un stylo sur le papier et garder votre oeil sur votre sujet et juste suivre le contour autour, dans ce cas, la silhouette des bâtiments contre la ligne d'horizon et certaines caractéristiques au sol aussi. Dans le prochain dessin, j'ai ajouté quelques détails, et dans le prochain, j'ai ajouté les sombres. Regardez la différence entre les détails et les sombres. Quelle différence dramatique en contraste qui fait, juste pour avoir ces choses. Avec le contraste supplémentaire, vient quelques pop supplémentaire de la page, vient de la vie et de l'énergie que le dessin n'aurait jamais, sinon. Gardez ça à l'esprit. Le dessin en couleur est merveilleux, mais ces sombres sont ce qui le rend, à mon avis. Maintenant, je veux vous montrer une petite démonstration de comment je fais physiquement ça. Maintenant, c'est un dessin que j'ai fait à Porto il y a quelques années. C' est leur promenade au bord de la rivière. Ils l'appellent la Ribeira, avec un b. Je vais utiliser cette plume de fontaine Fude pour vous montrer à quelle vitesse, et occasionnellement je vais entrer et ajouter sombres spectaculaires à un dessin de ligne plutôt mince. Voici la rivière là-bas. Je vais entrer et mettre un peu d'ombrage sur cet arbre, et vous verrez que cela ne couvre pas tout uniformément, et c'est pourquoi j'aime l'utiliser sur ce genre de chose. Ça a l'air un peu rayé et j'aime ça. J' aime qu'il ait l'air un peu plus fait à la main et moins raffiné. Voyez comment c'est grattant. J' aime juste ce joli regard informel sur les choses. Ces branches vont être ombragées sous la verrière. Je vais leur montrer comme ça et le mettre dans le coffre, je pense, sur celui-ci. Ça a l'air plutôt bien. On y va et on l'enroule autour de ces gens qui sont assis à cette table ici. On va leur donner des jambes sous la table. Comme ils sont à l'ombre, je n'ai pas de problème à les dessiner en noir et à mettre une ombre sous les gars eux-mêmes. J' aime entrer et faire certains de ces chiffres en noir juste pour avoir un sentiment de chevauchement. En fait, tout ce chiffre pourrait être mieux fait de cette façon. Nous allons en faire un ici et ensuite continuer à ajouter ces choses au fur et à mesure que nous allons. Il y a un pont ici où le dessous de la superstructure va avoir un peu d'ombre dessus. Il y a la promenade piétonne inférieure, et il y a un pont supérieur ici pour les voitures. C'est amusant. Continuons à avancer avec ça. Je vais mettre des pantalons noirs sur certains de ces gens, non pas parce qu'ils portent particulièrement des pantalons foncés, mais parce que je veux avoir un peu de variation ici, peu de contraste va et vient et dedans avec ces les lumières et les sombres. Je ne veux pas que ces zones sombres ressemblent à ce que je viens d'entrer et de les remplir de peinture ou quelque chose comme ça. Des ombres sous eux. Voici un type assis sur une chaise ici au milieu de nulle part. Assez bien, et nous continuerons à avancer. Je vous ai montré sur le croquis de Lisbonne il y a un instant comment j'aime assombrir sous les parapluies et aussi les vitrines des magasins de détail et de galerie au premier étage des bâtiments, mais j'aime avoir une certaine variation dans cela, pas seulement de grands rectangles de noir parce que ça a l'air aussi mauvais que ça en a l'air. Non, vous voulez avoir des chiffres ou signes ou quelque chose qui brise ces trucs pour que, ombres sous les parapluies, vous n'ayez pas que de grandes zones ennuyeuses de noir. C' est plutôt oppressif. Qu' est-ce qu'on a d'autre ici ? Il y a un auvent ici. Je vais mettre des sombres sous cette auvent, et ça aidera aussi à sortir ces parapluies ici à cette fin. Maintenant, ces avant-toits en surplomb sont à l'ombre profonde donc je vais utiliser le stylo pour les assombrir. Tu vois que je laisse beaucoup de blanc là-dedans. Il agit presque comme une lumière réfléchie ou quelque chose, ce qui est un beau look pour quelque chose comme ça. Il y a des lampadaires le long de la promenade, comme ça. Comment voulons-nous faire éclater ça ? Tirez-le droit vers le bas, un peu plus épais mât en bas qu'en haut. On va lui donner des fleurs en fonte. Voyons, comment ai-je fait ça ? Je l'ai fait comme ça. Ça a l'air plutôt bien. Ombres sous ces balcons. Encore une fois, plus rude, mieux c'est pour quelque chose comme ça dans ma façon de penser à ce sujet. Qu' est-ce qu'on a d'autre ? On a plus de sombres sous les parapluies. Je vais juste jouer ça de façon informelle comme ça. ombres au sol, je pense, sont importantes pour un dessin comme celui-ci. Non seulement parce qu'ils seraient là, mais parce qu'ils aident à créer ici une composition de type L, un cadre, pour aider ce premier plan. Nous mettrons quelques petites taches et des points là-dedans. Comment allons-nous ? Je pense qu'on se débrouille plutôt bien. Quelques ombres de plus juste pour s'assurer qu'elles reculent dans l'arrière-plan. On va mettre un peu d'obscurité autour de ses cheveux. Les gars, je pense que c'est à propos de ça. Je cherche autre chose à ajouter à cela. Peut-être quelques coups de fenêtre rapides à mesure que mon stylo manque d'encre, mais c'est un bon endroit pour qu'il manque d'encre parce que j'en ai assez fini. Maintenant, parfois je reviendrai et j'ajouterai juste quelques tons sur le côté ombragé. Une dernière astuce que je veux vous montrer est que je ne fais pas toujours ça, mais parfois je vais entrer et juste assombrir le bord extérieur d'un bâtiment comme celui-ci juste pour lui donner un peu plus de définition contre le ciel là-bas. Cela reviendrait probablement un peu plus loin. Je pourrais juste mélanger pour un look un peu plus dramatique pour tout ça, et on a fini. C' est comme ça que je fais. Maintenant, vous connaissez l'un des secrets clés de Jim pour avoir beaucoup de vie et d'énergie dans ces dessins. C' est le contraste. Ce sont ces sombres spectaculaires. Soyez audacieux mes amis, ne vous contentez pas de médiocre, optez pour ces sombres dramatiques. Retournons au parc et prenons un peu de couleur sur ce dessin. 15. Aquarelle pour l'accent: Maintenant, nous sommes prêts à mettre de la couleur. Mais nous n'avons pas toujours le temps d'une peinture planaire complète, d' installer un chevalet et tout ça. Plus souvent dans les esquisses urbaines, vous voulez vraiment vous concentrer sur la narration. Quelle est votre idée et comment pouvons-nous utiliser la couleur de façon stratégique pour aider à le souligner ? Utilisons la couleur de telle sorte qu'elle pompe vraiment notre composition et se concentre sur ce domaine d'intérêt. Faisons un petit saut de couleur afin que nous puissions minimiser la couleur et encore attacher le tout ensemble. Allons-y et donnons-lui un coup de feu. Voici notre site. On a cet arbre au premier plan. Je ne veux pas en faire trop en termes de couleur. Vous pouvez voir les parapluies jaunes là-bas et le toit de la cabane tiki, le ciel, l'eau. C' est vraiment là que nous allons vouloir concentrer tout cela, c'est dans cette zone centrale ici. Cet arbre de premier plan, pas tellement, il agit très bien comme un cadre, mais nous ne voulons pas attirer trop l'attention sur lui. On veut que l'on se concentre ici. Ouais, peut-être un peu de ciel autour de ces bâtiments de fond. Je pense que ça va marcher très bien. Nous voulons un domaine où ces deux personnes marchent ici, comme nous l'avons dit dans le dessin noir et blanc. Si nous sommes prêts, allons chercher du jaune de Naples, peut-être un peu de jaune CAD avec, et nous allons juste commencer à travailler sur ce truc. On va commencer par les palmiers. Vous vous souvenez peut-être, presque à chaque fois que je fais de la végétation dans cette partie sud du monde et dans la plupart des régions du monde, il y a du jaune et surtout dans ces palmiers, et donc j'y vais avec un sous-poil Naples jaune avec juste un peu de jaune cadmium dedans. Ça a l'air vraiment sympa. J' utilise ce même lavage de couleur pour être un lavage de fond de teint sur la cabane de chaume de la cabane Tiki là-bas, ce toit plutôt. Ça nous donnera une lueur qui brille à travers. C' est toujours un bon effet à avoir. Un peu plus jaune. Oui, je vais le répandre là-bas. Je vais obtenir un peu de lumière de sienne pour travailler dessus et lui donner un peu plus d'un ton rougeâtre que je pense être utile. Il y a un peu plus de ça. La très belle presque une couleur rouille, mais je vais revenir sur le dessus avec un peu d'orange maya. Regarde ça. C' est assez proche d'un rouge CAD, mais c'est de l'orange maya. Il est un peu plus jaune que le rouge cadmium et ça va me donner un joli petit point rouge dans ce coin. Revenir avec un peu d'ultramarine juste pour donner une variation de couleur à ce toit de chaume. Il y a un rouge violacé ici dans le coin que je n'ai vraiment aucune idée de ce que c'est. Je vais essayer de comprendre ça et vous le dire, mais en attendant, nous allons laver tout ça, entrer et prendre un peu plus d'orange maya pour ce coin à droite. Il y a un peu de bleu outremer et un peu de bleu cobalt. J' aime vraiment la façon dont l'orange maya et le bleu cobalt travaillent ensemble dans des situations comme ça juste pour donner un peu de variation de couleur, un peu d'intérêt plus que ce qui aurait été autrement. Maintenant, voici notre eau. Allons nous assurer que nous mettons l'accent là-bas. C' est une des idées fortes ici. Vous pouvez le voir là-bas sous les parapluies. Ce parc, ce bar tiki ne fonctionnerait pas du tout s'il n'était pas sur une petite péninsule qui sortait dans l'eau. Je viens avec un bleu bleu sarcelle de cobalt et un peu de bleu cobalt juste le long du haut. air bien. Un peu plus jaune. Revenons avec ces palmiers de fond et mettons du vert sur ceux-ci ici. On a le jaune vers le bas. Mettons le vert sur le dessus. Ce jaune est surtout sec maintenant. Vous pouvez voir le jaune brillant à travers ce vert et c'est un très bel effet. Je fais des arbres dans le sud depuis un bon moment. Il y a du vert printanier et un peu de vert sève profond que je mélange ensemble là-bas. Tu vas me voir varier ça aussi un peu. Il y a du bleu de cobalt que je mets sur l'arbre. J' aime mettre du bleu cobalt et même des violets. Ce ne sont pas des couleurs que nous verrions forcément regarder le palmier, mais notre cerveau enregistre cela et cela rend juste plus intéressant à regarder. Il donne un peu de vie et de brillance à ce dessin. Maintenant, je mets des verts très légers pour une partie de l'arrière-plan. Là-bas. Il y a de la végétation que certains d'entre eux sont bloqués dans la scène réelle par le bar et le toit du bar. Je tiens à préciser qu'une partie de ce contexte existe, mais je ne veux pas attirer trop l'attention sur ce sujet. Je ne veux pas avoir beaucoup de texture et je ne veux pas que ce soit une couleur qui se distingue par sa luminosité ou son obscurité. Je voulais juste qu'on me laisse à peine entendre. Maintenant, je viens avec un peu de ce jaune pour les parapluies. J' aime juste comment ceux-ci complètent toutes les couleurs fraîches de la végétation et de l'eau. Chaque fois que je rencontre ceux dans une scène, j'aime vraiment en tirer le meilleur parti. Ici, je suis assez épaisse avec cette aquarelle et vous pouvez voir que je suis juste en train de la sortir directement des casseroles plutôt que de mélanger beaucoup d'eau avec elle. Nous y sommes. Ils font exactement ce qu'ils sont censés faire. Maintenant, je viens sur cette petite casquette en haut du toit du Tiki Bar, il est brunâtre, vous pouvez le voir là-haut maintenant. Je reviens et j'utilise cette lumière de Sienne brûlée, lui donnant juste un ton naturel. Revenez maintenant sur une partie de cette végétation tropicale et, arrêtez la palette de glisser, frappez-la avec le jaune comme nous l'avons fait avec les palmiers, sorte que ce jaune brillera à travers les verts quand nous reviendrons et ajouterons les verts. Il y a la vraie vie. Vous voyez toutes sortes de grosses plantes texturées grossières dans leur. Les palmiers, les agaves et tout ça. Maintenant, nous allons ajouter un peu de vert en plus de ça. Ce n'est vraiment pas l'objet du croquis, c'est un peu haut pour ça. Nous mettons le vert, mais nous ne le rendons pas vraiment, vraiment lumineux ou sombre nécessairement. Maintenant, on va un peu plus intenses ici. C' est, vous vous en souvenez peut-être, ce que nous voulons mettre l'accent sur ces deux marcheurs là-bas. Certains des sombres et moi allons ajouter un peu de couleur supplémentaire à certaines de ces plantes tropicales , remontant une partie de l'arrière-plan comme nous le voyons de l'autre côté du Tiki Bar là-bas. Un peu plus sombre sur cette végétation de fond, et il y a mon rouge violet funky qui va être une couleur juste là dans ma zone d'accent, qui pourrait être un cramoisi Alizarin ou n'importe quel nombre de choses, mais c'est va faire l'affaire. Revenir avec cette profondeur jaune, et je vais probablement ajuster ça à un moment donné parce que je ne pense pas que ce sera assez brillant pour notre zone d'accent. C' est ce que j'appelle le saut de couleur. Je prends un peu de ce rouge, dans ce cas, de l'orange maya, en le mettant dans le coin. Je vais en faire descendre un peu à ce type près de l'eau, et vous pouvez voir avec ce rouge original que j'ai mis dans le bâtiment et que sur le patron du bar à droite, il y a une triangulation là-bas. Répéter ces couleurs aide à donner au dessin un aspect fini, même s'il n'est évidemment pas coloré partout. C' est un joli petit tour. Maintenant, je mets un peu de jaune et de vert sur ce premier plan très, très rapidement, en le brossant presque sec. Ne pas ajouter beaucoup d'eau à ce truc du tout. Il y a un peu plus de cette lumière de Sienne brûlée que je mets sur le tronc de paume. Il y a l'autre de l'autre côté. Allons avec un peu d'outremer et un peu d'Alizarine pourpre, un peu de bleu prussien et fais-moi dans ma couleur d'ombre ici, regarde ça, pow, juste en face avec ombre horizontale que tu m'as vu utiliser tant de fois. C' est une belle façon de mettre en place une couleur d'ombre, C'est en grande partie bleu de Prusse et Alizarine pourpre, et je l'ai utilisé pendant des années pour les ombres et les zones d'ombre, en mettant un peu de brun sur cette barre là-bas maintenant, et Je pense qu'on va jusqu'à la fin. Ça pourrait aider cet arbre de premier plan si je mets un peu jaune et de vert sur le côté gauche. Je pense que cela a aidé. Maintenant, nous allons ajouter un peu de ciel à l'arrière-plan ici, commençant par un peu d'eau claire et en l'essuyant autour de ces bâtiments de fond, en veillant à ne pas avoir d'eau sur les bâtiments eux-mêmes. Maintenant, je vais venir avec un peu de ce bleu sarcelle cobalt mélangé avec un peu de bleu cobalt et juste le glisser sur les bords de ces bâtiments de fond. Je ne veux pas peindre les bâtiments dans ce cas, je veux qu'ils reculent en arrière-plan. Donc je vais juste peindre autour d'eux avec ce ciel faible, et ça travaille avec ce marqueur gris que j'ai utilisé sur les bâtiments eux-mêmes juste pour montrer les séparations de plancher. Il y a un peu de cobalt supplémentaire dans ce coin, quelque chose que j'ai tendance à faire beaucoup juste pour renforcer ce coin, et je pense que c'est à peu près compris. Ça a l'air assez bien, mais n'oublions pas les éclaboussures, un peu d'énergie supplémentaire qui s'y trouve. Je ne sais pas pourquoi je suis attiré par ce genre de relâchement, mais je le suis et fonctionne assez bien. J' ajoute des ombres à ces parapluies jaunes cadmium. Je pense que, oui, c'est un mélange de mon bleu de Prusse et d'Alizarine pourpre. Il n'a pas l'air assez sombre pour moi. Retournons en arrière. Qu'en pensez-vous ? Ajouter un peu plus ? Je pense que oui. Oui, nous y voilà. Allons de l'avant et assombrir tout ça juste un peu. Jetez un oeil à cet arbre de premier plan et vous voyez cet appendice suspendu de cette partie horizontale, c'est des racines aériennes comme celles-ci. Ces banyan sont partout dans le parc et ces racines aériennes sont très typiques de ces arbres dans toute la région de Sarasota et de la Floride du Sud. Je vais faire un montage créatif et dessiner quelques-unes de ces racines aériennes descendant de cette branche pour que quand les gens qui connaissent cette partie du monde regardent ce dessin, ils diront, ah, oui, Sarasota, Banyan trees, je les connais bien, et il y a le petit, celui existant qui traîne là-bas. Là, nous l'avons, je suis content de la façon dont cela est sorti. Je vais probablement le modifier un peu en studio comme je le fais souvent, mais c'est une pellicule. J' espère que ça vous a plu. C' est une façon que plusieurs fois je vais être en mesure d'obtenir un peu de couleur sur le dessin sans passer beaucoup de temps et encore être en mesure de raconter l'histoire. Ça finit notre croquis de démonstration. Retournons au studio et terminons. 16. Conclusion: Voici notre croquis fini. Je suis assez content, mais comme presque tous mes croquis, je vais le peaufiner un peu une fois que je le retrouverai dans le studio ou dans la chambre d'hôtel. J' ai assombri un peu cette ombre ici. J' ai ajouté quelques sombres et j'ai essayé d'améliorer l'intensité et le contraste de ce domaine d'accent dont nous avons parlé. J' utilise de la gouache blanche pour rendre cette veste de gentleman blanche pour contraste avec ces noirs. J' ai un peu augmenté la couleur sur cette plante, et sur cette zone du tronc, sorte que tout ce petit point focal devient vraiment plus important et attire l'œil droit vers elle. L' une des choses les plus difficiles à faire sur un croquis comme celui-ci, c'est l'évasion, mais c'est ce que je vais faire, on va appeler ça fait. Félicitations. Non seulement vous avez appris beaucoup de secrets de la composition et comment les appliquer, mais vous avez appris à regarder la scène en trois dimensions réelle devant vous et à la traduire de manière crédible sur une page de carnet de croquis plate, et c'est de la pure magie. Je veux vous laisser avec cette pensée ; composition puisque la profondeur sont outils très puissants pour vous aider à faire passer votre croquis au niveau supérieur, mais ils sont juste là, ce sont des outils. La vraie sauce secrète est le sens du plaisir, le sens de la curiosité et de l'émerveillement que vous apportez à ce processus. Reste lâche. Laissez toute cette conscience de soi à la porte quand vous sortez et amusez-vous beaucoup avec ça. Si vous faites cela, les croquis qui en résultent seront authentiquement vôtres. Ils ne vont pas ressembler à quelqu'un d'autre, et c'est la meilleure raison de le faire. Si vous aviez besoin de permission, c'est tout. Sortez. Passez un bon moment. J' ai hâte de voir ce que tu as trouvé. Assurez-vous de publier votre progression dans la galerie de projets. Si vous êtes intéressé à voir plus de mon travail, vous pouvez me suivre sur Instagram à jrsketchbook, j'aimerais interagir avec vous là-bas. Si vous avez le temps, écrivez un avis pour la classe, j'aimerais recevoir vos commentaires. Avec ça, appelons ça un jour. De Siesta Key Florida, continuez à rêver, continuez à dessiner. Au revoir, au revoir.