Encre avec moi : coquillages et étoiles de mer

1. Intro: Bonjour, je m'appelle Elizabeth Logline et je suis une illustratrice de sirènes et de vie marine. Aujourd'hui, je suis de retour pour mon cinquième cours dans ma série Ink with Me, qui sera également mon 13e cours avec Skillshare. Dans cette série, je partage les différentes techniques d'encre que j'utilise pour illustrer différentes espèces marines et sirènes. J'adore illustrer en utilisant des techniques de frères et sœurs dans ce type de style inspiré du tatouage sur feuille flash. Nous continuons donc aujourd'hui avec série Me avec des coquillages et des étoiles de mer. Cette série s'appuie sur elle-même alors que nous explorons des techniques entre frères et sœurs et que nous les appliquons à des illustrations plus complexes au fur et à mesure. Et vous avez la possibilité de créer un aperçu complet de la vie marine différente tout au long de la série. Jusqu'à présent, nous avons également abordé une méduse, des orques, des requins, des dauphins et des raies pastenagues. J'ai indiqué que ce cours est intermédiaire, mais si vous êtes débutant, vous pouvez rester et regarder. Cependant, si vous êtes débutant, je vous recommande de revenir à la première partie de la série pour développer ces techniques et passer à des illustrations plus complexes. Nous avons commencé par les méduses parce que c'est le point de départ le plus facile . Et nous nous y préparons grâce à vie marine et à des techniques de plus en plus complexes. Cette série continue de s' appuyer sur elle-même alors que nous explorons des techniques sœurs et que nous travaillons à des illustrations plus complexes. Vous avez également la possibilité de créer un aperçu complet des différentes espèces marines que nous explorons en cours de route. Cette série continue de s' appuyer sur elle-même alors que nous explorons techniques de pointillé et que nous travaillons à des illustrations plus complexes. Et vous avez la possibilité, si vous suivez la série complète, créer une feuille flash complète sur la vie marine. C'est donc ce que nous avons fait jusqu'à présent et nous travaillons aujourd'hui sur certains de ces coquillages et étoiles de mer. Je considère ce cours comme intermédiaire, mais si vous êtes débutant, vous pouvez rester dans les parages. Cependant, je suggère de revenir à la première classe cette série et de suivre ces cours au fur et à mesure que vous vous préparerez à celui-ci. Jusqu'à présent, nous avons abordé les méduses, orques, les requins, les dauphins et les raies pastenagues. Dans ce cours, je vais partager ou trouver mes images de référence, mes matériaux préférés. Ensuite, nous explorerons différents styles et techniques à blâmer que vous pouvez utiliser pour aborder notre sujet d'aujourd'hui. Ensuite, nous allons encrer différents coquillages et étoiles de mer au fur et à mesure que je les ajouterai à ma feuille flash. Et vous pouvez simplement écrire ce que vous voulez vous-même, ou vous pouvez également travailler sur ce projet de plus grande envergure. N'oubliez pas de cliquer sur le bouton Suivre ici sur Skillshare. Vous savez donc quand le prochain cours de la série sortira et commençons. 2. Projet du cours: Parlons du projet de classe. Vous allez accéder à l'onglet Projets et ressources juste en dessous de ce cours. Et vous voudrez accéder à la galerie des projets de la classe pour télécharger votre projet. Une fois que vous aurez terminé le cours, j'adorerais que vous partagiez les coquillages que vous avez encrés dans cours d' aujourd'hui afin que nous puissions tous voir ce que vous avez créé. De plus, si vous suivez la série complète et que vous faites un film complet, j'adorerais voir les progrès que vous avez réalisés puisque les choses commencent enfin à se remplir. Toujours dans la section Ressources, sur le côté droit, vous trouverez les images de référence que j'utiliserai pour le cours d'aujourd'hui, qui se trouvent toutes sur unsplash.com, une ressource incroyable de photos libres de droits que vous pouvez utiliser comme une ressource incroyable photos libres de droits que vous pouvez références dans vos œuvres d'art. La liberté de droits signifie que vous n'avez pas à payer pour avoir le droit d'utiliser ces images dans votre travail. Parce que, par exemple, si vous trouvez des images sur Google, sur Pinterest, cette personne détient les droits d'auteur de cette œuvre. Vous n'avez donc certainement pas le droit de utiliser dans vos œuvres d'art, surtout si vous allez vendre vos œuvres d'art. Unsplash est donc une excellente ressource pour trouver des images de référence afin que vous puissiez tout faire de la bonne manière et vous assurer que tout le monde est couvert pour sa créativité. J'ai donc fourni les quatre images que je vais utiliser aujourd'hui, mais n' hésitez pas à trouver vos propres images de référence pour les coquillages qu'il existe sur le marché. J'ai également fourni sous la rubrique ressources le croquis de ma feuille flash complète. Donc, si vous suivez ce projet complet, vous pouvez l'utiliser comme ressource. Vous pouvez le tracer, c'est très bien. Vous pouvez l'utiliser à des fins personnelles. Si vous souhaitez créer votre propre feuille flash et trouver toutes vos propres images de référence. Vous pouvez également le faire. Vous pouvez toujours suivre la série. Je l'ai fait. Voici tous les animaux que je suis en train de photographier dans ma feuille flash. Si vous voulez créer quelque chose de similaire vous-même, vous pouvez utiliser cette liste ou vous pouvez toujours utiliser les animaux de votre choix. Nous avons expliqué ce que nous allons faire pour nos projets de classe. Passons maintenant aux matériaux. 3. Matériel: Parlons du matériel pour le cours d'aujourd'hui. En gardant les choses assez simples. Tout ce dont vous avez besoin pour le cours d'aujourd'hui est un crayon et une gomme à effacer, des stylos à encre fine et, bien sûr, du papier. Donc, première suggestion pour un crayon. J'aime utiliser un Lynn très dur, comme un foreach qui laisse une ligne très claire sur mon papier pour qu'il s' efface très facilement. Une fois que j'ai terminé la partie à l'encre de mon dessin, j'utilise un crayon un peu plus foncé aujourd'hui pour que vous puissiez le voir devant la caméra. Mais je suggère, comme je l'ai dit, quelque chose comme un foreach. Bien sûr, vous avez également besoin d'une gomme à effacer. J'adore ces gommes à effacer parce qu'elles sont très pratiques et qu'elles ont une pointe un peu plus petite. Il est donc plus facile d'effacer petites zones que si vous utilisez une gomme à gros blocs. Voilà donc mes suggestions. Ensuite, bien sûr, vous aurez besoin de stylos à crayon fin. Je suggère de vous procurer un set qui propose des astuces de tailles différentes afin que vous puissiez expérimenter différentes choses et voir ce que vous aimez. Je suis obsédé par les stylos Micron. J'ai cet ensemble en noir qui contient un tas de tailles différentes qu'ils proposent. Et j'utilise différentes tailles en fonction du type de style ou de dessin que je fais. suggère donc vivement. Ils sont un peu chers, mais il existe des tonnes d'autres options. Vous pouvez trouver tout ce dont vous pourriez avoir besoin dans votre budget. Il existe des tonnes de marques qui le proposent, vous devriez donc pouvoir trouver quelque chose assez facilement dans votre magasin de fournitures d' art local. De plus, si vous vouliez faire quelque chose en couleur, n'hésitez pas à le faire. J'adorerais voir les gens faire des choses en bleu, violet, rose ou quoi que ce soit d'autre, être aussi créatifs que vous le souhaitez. Les microns sont proposés en différentes couleurs, et encore une fois, des tonnes d'autres marques sont proposées dans des couleurs différentes. Ensuite, nous aurons bien sûr besoin de papier. Pour mes dessins à l'encre. Je suggère d'utiliser un papier marqueur ou du papier Bristol. J'utilise généralement la marque Strathmore simplement parce qu'elle est très facile à trouver dans votre magasin de fournitures artistiques local. Le papier marqueur est excellent car il a une surface très lisse. C'est donc idéal pour l'encre. Et surtout si vous voulez colorier votre pièce en Margaret après avoir fini avec vos lignes fines. C'est quelque chose que je fais souvent. Le papier marqueur est idéal pour cela. C'est pour cela qu'il a été conçu. Je suggère vivement que le papier Bristol est également excellent, car il est également très lisse et agréable, mais il est un peu plus épais. J'ai donc tendance à utiliser du papier Bristol ou une œuvre finale, en particulier celle que je vais vendre. Par exemple, la feuille flash sur laquelle je travaille est sur du papier Bristol. C'est donc ce que j'utilise. Ensuite, nous aborderons quelques techniques de pointillage. 4. Techniques de stimulation: Très bien, il est temps de commencer à pratiquer différentes techniques de pointillé. Donc, tout d'abord, bien sûr, vous aurez besoin de papier. Je vais en fait utiliser la dernière feuille de papier dont je dispose, mon papier Strathmore Marker. Je vais donc certainement devoir me rendre au magasin de fournitures artistiques pour en avoir plus. Vous aurez donc besoin d'une feuille de papier, puis de votre stylo, crayon et de votre gomme à effacer, et de tous vos différents stylos. La première chose que je suggère toujours de faire, si vous ne connaissez pas vous ne connaissez pas les stylos avec lesquels vous travaillez, ou si vous en avez un nouveau, est de toujours faire un petit test rapide avec un stylo afin de pouvoir tester les différentes tailles que vous avez. Je vais donc le faire très rapidement dans un coin Je suggère de faire quelques points et quelques lignes pour vous faire une idée de chaque taille. La taille que vous utilisez dépend vraiment de votre style et peut dépendre du sujet et de ce que vous ressentez ce jour-là. Mais je recommande de vous procurer de nombreuses tailles différentes afin d'avoir différentes options d'utilisation. De plus, pour ce type de cours, si vous débutez quelque chose et que vous vous entraînez simplement, il est toujours bon d' essayer plein de choses différentes jusqu'à ce que vous trouviez quelque chose avec lequel vous êtes à l'aise. Je vois quelques points et lignes, puis en notant simplement la taille à côté, j'ai vu la taille 1 ici. en prends juste une petite note pour pouvoir m' y référer rapidement si besoin est. Donc, comme je l'ai mentionné dans la vidéo sur les matériaux, ceux-ci et des stylos Micron, des virgules et un tas de tailles différentes. Vous avez vraiment beaucoup d'options. Et je vais utiliser différentes tailles dans les différents exercices que nous allons faire dans cette vidéo. Vous pouvez ainsi avoir une idée des différents effets que vous pouvez créer. J'opte généralement pour des stylos vraiment très petits, mais tout au long de cette série, je me suis lancé le défi d'utiliser davantage de ces stylos Boulder pour essayer quelque chose de nouveau. Je me suis un peu éloigné de ma zone de confort. Ce type. Très bien, ce sont donc les différentes tailles de mon set et je recommande également d'en acheter une. J'en ai un graphique qui a une pointe en forme de puce, donc il est un peu plus grand. J'utilise souvent cette taille pour dessiner des contours. Ou peut-être que si vous avez besoin de colorier dans une petite zone, beaucoup plus facile à colorier avec cette taille. Et si vous essayez de colorier quelque chose en noir avec ce 005. Je recommande donc également de choisir quelque chose d'un peu plus audacieux. Ensuite, vous aurez beaucoup plus d'options. Si vous avez suivi les autres vidéos de cette série Ink with Me, vous constaterez que nous nous sommes penchés directement sur le shading et nos autres exercices de technique du pointillé. Mais aujourd'hui, nous allons commencer par quelque chose d'un peu différent. Au fur et à mesure que nous abordons un sujet plus difficile, nous aurons besoin de techniques différentes pour réaliser nos illustrations. Donc, aujourd'hui, nous allons commencer par nous entraîner à créer des lignes avec des points. Il y a beaucoup de stries et de changements de couleur sur les coquillages. Nous allons donc nous entraîner un peu au trait avant de passer à l'ombrage. Tout d'abord, vous devez simplement choisir la taille de stylo de votre choix. Je vais juste choisir cette taille 03. Et ce que tu veux faire, c'est juste faire des points et une ligne. Alors allez-y et ces gars sont assez régulièrement espacés. C'est tellement simple. Et puis notre ligne suivante, je veux créer quelque chose qui passe du clair au foncé. Donc, pour y parvenir avec pointillé, il faut commencer par des points très éloignés les uns des autres, puis ils se rapprochent de plus en plus. Nous allons donc commencer par un point situé à peu près aussi loin. Ensuite, allez ici pour y réfléchir, car vous pouvez avoir la distance entre les points, plus en plus près. Vous avez à peu près une ligne noire. Vous pouvez également procéder la manière opposée , en commençant par vos points très rapprochés , puis en les étalant. C'est comme ça que je m'y prends habituellement. Il ne s'agit donc que de deux manières différentes de tracer une ligne. Je vais juste les pratiquer un peu. Vous pouvez pratiquer différentes longueurs de lignes. Ce gars est donc un peu plus long. Maintenant, je vous l'ai dit un peu plus fort. Je vais juste refaire la même chose, sauf que je vais commencer par le noir. Ensuite, commencez à étaler ces points. Il existe un excellent moyen de pratiquer différentes lignes. D'accord ? Et d'après ces lignes, c'est à peu près la base du pointillé. Vous utilisez simplement la proximité des points pour créer les ombres et les reflets. Maintenant, nous allons commencer à entraîner à ombrer avec votre crayon. Je recommande de simplement dessiner quelques petites boîtes différentes. Et c'est ce que nous allons utiliser pour pratiquer notre ombrage. Très bien, nous allons commencer avec cet argent. Et vous n'avez pas besoin de les agrandir trop car ce seront juste des entraînements rapides. Mais pour nos deux premières cases, comme je l'ai mentionné à pour nos deux premières cases, propos des lignes, vous pouvez soit commencer du clair au foncé, en prenant des points très dispersés puis en les rapprochant. Vous pouvez également travailler de l'obscurité à la lumière en commençant par tous vos points très concentrés et en les dispersant. Donc, pour la première, nous allons travailler du clair au foncé. Nous allons donc aussi éclairer le haut et foncer en bas. Encore une fois, choisissez une taille de stylo. Je vais opter pour le 05 cette fois. Donc, comme je l'ai mentionné, pour créer des zones plus claires, vous aurez besoin de points très dispersés. Je vais donc commencer par le haut, en plaçant simplement quelques points différents. Et vous pouvez, quand vous faites ce que vous voulez, c'est à vous de décider. Certaines personnes qui font des pointillés les placent de manière très méthodique. Ou vous pouvez les faire de manière très aléatoire. J'ai l'impression d'être quelque part entre les deux. Mais c'est aussi quelque chose qui vient simplement pratique et de la compréhension de vos processus. Donc, en quelque sorte, ce sera notre zone la plus claire, puis au fur et à mesure que nous descendrons, nous rapprocherons de plus en plus de points les uns des autres. Alors commencez simplement à en ajouter un peu plus, N. Prends-en encore un peu. Et puis continuez à en ajouter de plus en plus au fur et à mesure. Et comme vous en voyez deux, je travaille en bandes sur mon objet. Au lieu de le faire par bandes de cette façon. J'ai envie de le faire de cette façon, car vous pouvez créer des lignes où il y a de plus en plus de créations pour un résultat plus uniforme. Mais encore une fois, c'est quelque chose qui vient de votre processus et de votre pratique. Cela dépend donc entièrement de vous. Très bien, ajoutez-en d'autres, continuez à ajouter de la pluie, puis venez faire notre dernier petit trip ici, ou ils seront très, très proches l'un de l'autre. la pluie puis venez faire notre dernier petit trip ici, Vous pouvez certainement le rendre encore plus sombre ou vous pouvez faire encore plus de points, rendre encore plus noir. Très bien, nous avons ombragé notre premier carré ici. Donc, pour la prochaine, nous allons passer de l'obscurité à la lumière. Nous allons donc prendre la direction opposée pour voir celui-ci. En haut, nous allons commencer par la zone la plus sombre. Encore une fois, nous allons commencer par des points très proches les uns des autres. Commencez aussi près que vous le souhaitez. Très bien, nous allons donc avoir ce point le plus sombre, puis nous commencerons à nous disperser. Les points laissent un peu plus de place entre les deux. Personnellement, je préfère travailler de l'obscurité à la lumière, car lorsque vous créez des zones plus sombres, vous faites beaucoup plus de points et vous devez les faire si près les uns des autres que cela ne prend pas beaucoup de place. Ainsi, lorsque vous travaillez de l'obscurité à la lumière, vous commencez par les zones très restreintes qui peuvent prendre beaucoup de temps. Et au fur et à mesure que vous atteignez des zones plus claires, vous pouvez disperser vos points, ce qui signifie que vous pouvez couvrir beaucoup plus de surface très rapidement. J'aime donc toujours commencer par les parties les plus difficiles , puis me disperser au fur et à mesure. Ça va ? Encore une fois, si vous êtes vraiment nouveau dans ce domaine, vous pouvez faire un tas d' autres exercices et je vous suggère de travailler avec différentes tailles de stylos. Vous pouvez voir ce que l'on ressent. Mais c'est votre choix si vous voulez travailler de la lumière à l' obscurité ou de l'obscurité à la lumière. D'accord. Maintenant, je vous ai rapprochés un peu plus pour nos deux prochains entraînements. Pour ces deux-là, nous allons donc pratiquer ce qui relève davantage d' un choix stylistique que d'une technique fraternelle. Mais nous allons créer cette boîte avec un contour, puis cette boîte sans contour. Et vous seriez surpris de voir à quel point cela peut faire une différence votre produit final et qui n'aura pas autant d'impact dans la pratique. Mais je voulais vous le montrer afin que vous puissiez prendre des décisions au fur et à mesure que vous aborderez votre œuvre finale. Je vais donc prendre mon feutre épais pour commencer. Et je vais dessiner un contour sur le carré. Ce que j'aime dans l'utilisation des contours, ce que je fais et que je fais dans presque toutes mes œuvres, c'est que cela crée un cadre de délimitation pour votre pointillé et que vous n'avez pas à vous soucier de gâcher autant les bords, en particulier les contours médiévaux audacieux comme celui-ci, car ils détectent ces erreurs sur le bord. Alors que je trouve que si vous ne faites pas de plan, vous devez être beaucoup plus précis. C'est donc vraiment à vous de décider. Nous allons donc simplement nous entraîner dans les deux sens et vous pourrez voir ce que vous aimez. Donc pour cette première, je pense que je vais faire preuve d' audace avec cette taille. Et nous voulons faire, penser, que je vais à nouveau passer de l'obscurité à la lumière pour celui-ci. Mais je vais m'entraîner avec un stylo de taille différente. C'est donc le moment idéal pour le faire. Alors, recommençons. Lorsque je travaille de l'obscurité à la lumière, je veux commencer par des points vraiment très proches les uns des autres. Et fais en sorte que celui-ci soit un peu plus sombre que le précédent. Elle dit que cette taille de pointe couvre une surface beaucoup plus grande. Vous pouvez également toujours vous sentir libre de revenir arrière et d'ajouter d'autres points si cela ne vous plaît pas. Et ce n'est pas quelque chose où si vous n'aimez pas la première passe, vous pouvez toujours l' ajuster un peu. Une chose que j'aime dans le pointillé, que les gens ont peur de commencer par se : « Et si je mettais un... au mauvais endroit ? Mais il y a tellement de points que vous ne pouvez vraiment pas. Personnellement, je trouve qu'il est plus difficile de gâcher que les autres matériaux. Maintenant que j'ai terminé ma zone la plus sombre, je vais commencer à les étaler un peu. Commencez à vous disperser encore plus. C'est bon. Voici donc à quoi cela ressemble avec un aperçu. Encore une fois, ça ne ressemble pas vraiment à grand-chose, surtout juste sur une place ici. Mais maintenant, entraînons-nous faire quelque chose sans plan. Quand je dois faire quelque chose qui n'a pas de contour de stylo. Je vais créer un plan à l'aide de points, de manière à ce que cela me donne toujours une limite par rapport à ce dans lequel je travaille. Donc, puisque je vais faire la même chose qu'ici, je vais passer de l'obscurité à la lumière, en descendant. Je vais commencer par des points très rapprochés le long de la bordure supérieure. n'est certainement pas la ligne la plus droite de découvert, mais c'est un bon essai. Très bien, et puis au fur et à mesure que nous avançons sur le côté, tout comme ces lignes que nous avons créées quand nous avons commencé. Je vais disperser les points de manière à ce qu'ils soient un peu plus éloignés les uns des autres. Recommencez de l'autre côté. Dispersez-les. De ce côté, ils sont très éloignés l'un de l'autre, alors nous n'en ferons que quelques-uns. D'accord. Encore une fois, cela ne ressemble pas à grand-chose, autant plus que le contour du crayon est toujours là, mais cela donne certainement un effet différent une fois que nous l'avons parcouru et effacé. Maintenant que j'ai trouvé la limite que j'ai créée avec des points, je vais la parcourir et l'ombrer comme d'habitude. Très bien, et alors rien de ce dont je parlerai pendant que nous travaillerons sur celui-ci n'est lié au timing. Certaines personnes, comme je l'ai dit, peuvent être très méticuleuses quant au placement de leurs points si vous voulez qu'ils apparaissent dans une grille plus régulière. Donc, le temps qu'il vous faudra pour les faire dépend entièrement de vous. Certaines personnes font leurs points très, très lentement, puis d'autres les font très vite. C'est donc une autre chose qui dépend de vous votre pratique et de ce qui vous convient le mieux. Donc j'ai l'impression, je veux dire, que je fais des frères et sœurs depuis longtemps. J'ai l'impression d'être un peu entre les deux en ce qui concerne le timing. Je suis sûr qu'il y a des gens qui vont beaucoup plus vite que moi et il y en a certainement qui le font beaucoup plus lentement que moi. C'est donc un peu ce que vous ressentez, votre confiance en vous. C'est en temps réel en ce moment. Vous vous faites donc en quelque sorte une idée. Mais cela dépend certainement de ce sur quoi vous travaillez. Je vais probablement y aller beaucoup plus lentement si je fais quelque chose de très petit et contenant de nombreuses textures différentes à capturer plutôt que de travailler sur quelque chose qui n'est qu'un dégradé plat. Ce que je suis en train de faire ici. Et tout comme avant de continuer à disperser nos points , je vais laisser l'encre sécher une seconde pour ne pas la tacher, puis nous effacerons cette bordure. Hein ? Je l'ai laissé sécher pendant une seconde. Alors maintenant, nous allons effacer cette frontière. Tellement de bavures. Mais ça va. Très bien. J'ai l'impression que, surtout lorsque vous effectuez un zoom arrière, vous obtenez un look tellement différent de l'un ou l'autre de ces styles. C'est donc à vous de décider si vous voulez ou non procéder à l' élaboration des plans de vos pièces. D'accord, la prochaine chose que nous allons explorer est de savoir comment créer différentes textures. Parce que jusqu'à présent, nous n'avons pratiquement fait que ces dégradés, ce qui est formidable. Mais si nous voulons encrer des coquillages et des étoiles de mer, nous devons créer beaucoup de texture, car seul l'intérieur d' un coquillage sera lisse comme ça. Partout ailleurs, nous aurons besoin d' ajouter des textures et d'autres éléments. Alors d'abord, dessinons quelques cases supplémentaires ici. Très bien, je vais commencer par deux, puis je pense que nous ferons d'autres choses qui ne sont pas des boîtes. De plus, n'hésitez pas à dessiner n'importe quelle forme qui ne doit pas nécessairement être un carré. Très bien, la première chose à faire pour créer différentes textures est jusqu'à présent utiliser une taille de stylo par exercice que nous avons effectué. Mais la plupart du temps, encore une fois, en fonction de votre style, certains artistes utilisent la même taille de stylo, mais au moins, pour moi, j'aime varier la taille du stylo que j' utilise, car c' est un excellent moyen créer différentes textures. Pour notre premier exercice à l'explorer, nous sommes dans celui-ci nous sommes dans celui-ci Il s'agira tout de même d' un exercice qui consiste à travailler de lumière à l'obscurité ou de l'obscurité à la lumière, comme vous le souhaitez. Et nous allons commencer par un stylo plus audacieux pour la zone sombre. Et au fur et à mesure que nous dispersons ces points, nous allons passer à un point plus fin. Encore une fois, choix stylistique, vous pouvez faire un plan ou non. Je vais vous en faire un aperçu. Notre plan est prêt à être utilisé. Ensuite, vous aurez besoin de deux stylos de tailles différentes. Je vais donc faire le O5 pour ma plus grande taille et le 02 pour ma plus petite taille. Donc, comme je l'ai dit, j'aime travailler de l' obscurité à la lumière. Je vais commencer par la taille 05, en plaçant ces points bien rapprochés. Ensuite, vous pouvez toujours choisir deux stylos différents qui ne sont séparés que d'une seule taille, ou ils peuvent être radicalement différents. Encore une fois, la taille des embouts dépend un peu de votre style et de ce que vous voulez faire encadrer. Et nous allons commencer à nous disperser. Et je vais m'en tenir au 05 pour le moment. Très bien, et maintenant je vais en disperser beaucoup plus. Et une fois que j'aurai fait cela , nous travaillerons dans notre plus petite taille. Vous pouvez donc, vous savez, toujours commencer ici et ensuite travailler plus petit, mais j'aime d'abord mélanger mon autre taille. Vous allez donc commencer à l' assombrir avec cette taille. Tout est prêt. Donc, dans quelque chose d' aussi simple que celui-ci, cela donne un aspect très similaire à n'importe lequel de ces autres. Mais l'utilisation de ces principes qui consistent à travailler dans différentes tailles peut faire une grande différence plus tard lorsque nous jouerons avec différentes textures. Maintenant, pour notre prochaine boîte, nous allons également nous entraîner à utiliser certaines textures. Donc, pour celui-ci, nous voulons également utiliser deux tailles de stylo différentes. Donc, encore une fois, je vais commencer par un aperçu, simplement parce que c'est ce que j'aime faire. Établissez notre plan. Et puis je pense que je vais m'en tenir à ces deux stylos, puisque je les ai déjà sortis. Ensuite, ce que nous allons pratiquer pour celui-ci c'est que vous souhaiterez ombrer la plupart des zones, mais que vous voudrez ensuite ajouter de la texture par-dessus. exemple le plus simple que je puisse vous montrer est que si je devais dessiner ma main et mon bras, je les ombragerais probablement avec une taille unique allant du foncé au clair ici. Mais pour ajouter de la texture, comme des taches de rouille, vous utiliseriez une pointe plus foncée et plus grande pour ajouter ces détails par-dessus. C'est une bonne façon d'y penser. Pour celui-ci, vous pouvez simplement choisir une taille pour l' ombrer comme vous le souhaitez. Je vais opter pour la plus petite taille et ombrer, puis penser que je vais aller d' un coin à l' autre au lieu de monter et de descendre cette fois, juste pour ajouter quelque chose d'un peu différent. Je vais donc commencer à faire sombre dans ce coin et à éclaircir à mesure que nous arriverons ici. Et encore une fois, vous pouvez commencer par faire en sorte que ce coin soit aussi sombre ou aussi clair que vous le souhaitez, vous pouvez le disperser comme vous le souhaitez. Tu pourrais choisir de le faire. Dispersez-le très, très rapidement ou très, très lentement. Très bien, donc nous avons juste un peu d'ombrage lâche. Et maintenant, nous allons y aller Si nous pensons aux coquillages, ils auront, comme je l'ai mentionné plus tôt, différentes stries et autres choses. Alors ajoutons peut-être quelques petites rayures transversales. Nous allons donc utiliser la pointe du stylo plus épaisse pour créer ces lignes. Et vous pouvez simplement ignorer le fait que le reste est là si vous le souhaitez. Je vais donc les créer où je veux. Et encore une fois, vous pouvez modifier la taille des lignes. C'est un peu comme ça que vous pouvez créer une texture par-dessus. Et il est très facile de voir à quel point cette texture est utile. J'ai l'impression que lorsque vous utilisez une taille de stylo différente, encore une fois, je fais du clair au foncé, donc je fais du foncé au clair. n'est donc qu'une des façons dont nous pouvons utiliser différentes tailles de stylos pour travailler sur différentes textures. OK, donc tous ces exercices nous donnent en quelque sorte une base de départ pour travailler à l'utilisation de nos coquillages et de nos étoiles de mer. Encore une fois, si vous êtes novice dans ce domaine, je vous suggère de vous entraîner peut-être un peu plus, expérimentant différentes tailles et différentes techniques. Et jetez un œil à différents styles de pointillés de différents artistes afin de vous faire une idée de ce que vous pourriez avoir envie de rechercher. Prenez donc quelques minutes pour vous entraîner. Mais sinon, je vais commencer à dessiner pour ma feuille flash afin que nous puissions passer à l'encrage. 5. Encre : coquillage #1: Une fois que vous aurez dessiné les différents coquillages et étoiles de mer avec lesquels vous allez vous entraîner aujourd'hui, il est temps de commencer à encrer notre premier coquillage. Je vais donc commencer par cette coque. Celui-ci a une surface lisse et ne présente que quelques variations de couleur. Ce sera donc la solution la plus simple pour commencer. Ensuite, nous passerons à l'étoile de mer, puis à nos deux autres coquillages, qui sont un peu plus compliqués. Donc, la première chose que je veux faire est de dessiner un aperçu de mon coquillage. Encore une fois, c'est à vous décider si c'est le type de style que vous voulez utiliser ou non. Je vais le prendre au format A5 et je vais juste en faire un bref aperçu. Coquillage plein. Je pense juste qu'avoir une sorte de boîte de délimitation pour mon design est très utile lorsque je travaille sur le pointillé. Très bien, c'est très simple, nous avons notre plan. Vous pouvez toujours y aller plus tard si vous voulez tracer le contour d'un rocher. Je dis donc toujours de commencer un peu plus fin et de pouvoir en ajouter d'autres, mais on ne peut pas faire un contour vraiment audacieux et le rendre vraiment fin à la fin. Une fois que vous l'aurez laissé sécher une seconde, je vais juste effacer légèrement ce bord extérieur. J'aime retirer le plus de crayon possible avant de commencer à encrer. En fait, je vais juste y aller et alléger ce dessin au crayon. Et nous sommes prêts à être blâmés. Très bien, donc en fait, avant de commencer à faire quelques points, je vais faire un autre contour plus fin afin que nous puissions tracer la partie en spirale car c'est une ligne assez continue. Mais encore une fois, vous pouvez simplement utiliser des points si c' est un style guerrier. Très bien, maintenant nous sommes définitivement prêts pour les conduits. La prochaine chose à laquelle vous devez réfléchir est de savoir à quelle taille vous souhaitez utiliser pour vos points sur cette pièce. Encore une fois, comme je l'ai mentionné dans la vidéo précédente, vous pouvez soit choisir une taille de stylo unique pour tous vos points, soit utiliser plusieurs tailles différentes pour différentes zones. Donc, pour moi, je vais utiliser deux tailles différentes. Et je vais commencer par une taille plus petite parce que je vais d'abord ombrer l'ensemble du spectacle. Ensuite, je vais y retourner avec un stylo légèrement plus grand et ajouter la zone tourbillonnante plus foncée sur le dessus. Avec une taille plus grande. Vous pouvez le faire complètement à l'opposé si vous le souhaitez. Vous pouvez toujours commencer par la taille la plus grande, puis utiliser le stylo de plus petite taille pour faire de l'ombre. Cela dépend donc entièrement de vous. Encore une fois, cela dépend de vous et de votre processus. Et si vous ne créez pas une feuille flash, vous pouvez essayer les deux méthodes et voir laquelle vous préférez. Je vais donc utiliser ma plus petite taille, 005, pour commencer. En fait, je vais commencer par l' extérieur et m'y mêler. C'est ce qui me semble le plus logique. Je vais donc commencer par cette petite zone et commencer à placer vos points. Encore une fois, ce que je préfère dans le pointillé, c'est que parce que vous faites tellement de petits points différents, vous n'avez pas à trop réfléchir. Parce que vous pouvez toujours en ajouter d'autres et que vous n'avez pas à vous soucier de mettre un gros trait de peinture jaune sur lequel vous devrez ensuite refaire tout ce travail peinture si vous ne l'aimez pas. Je ne sais pas C'est beaucoup moins intimidant. Ce gros morceau de papier blanc. Quand je fais du pointillé, puis quand j'utilise un autre support. Nous allons donc commencer par le fait qu'il fait un peu plus sombre autour de ce bord extérieur. Encore une fois, je travaillais toujours sur des bandes dessinées comme je le faisais quand nous nous entraînions avec nos petites boîtes. Je vais juste faire tourner ces points. Et il y a différentes petites arêtes et textures sur la coque. Je vais donc le faire avec cette taille plus petite. Et vous devez garder à l'esprit la direction dans laquelle se dirige le motif tourbillonnant. Parce qu'il est préférable de continuer à tracer les points dans le sens de ce tourbillon de cette façon, si vous créez ces lignes consciemment ou inconsciemment, vous créez la bonne texture. Donc, comme si ces lignes suivaient cette direction et qu'elles commençaient à suivre cette voie. C'est dans cette optique que je fais mes strip-tease. Et je garde cette coque assez légère grâce à ces points très légers dans cette petite taille. Mais si vous utilisez un stylo plus grand, vous pouvez l' assombrir ou garder clair avec des points Vous obtenez vraiment un effet tellement différent en fonction de la taille du stylo utilisé. Alors essayez certainement différentes choses. Ensuite, comme vous pouvez le voir, je fais alterner tourbillonnement vers l'endroit où il fait plus sombre, puis je commence là où il fait plus sombre et je tourbillonne vers l' endroit où il fait plus clair. Je vais passer ici en bas et ajouter. Certaines d'entre elles sont des crêtes. Très bien, laissez-moi vous rapprocher pour que vous puissiez voir un peu plus de détails. C'est pourquoi vous regardez de plus près ce que je fais. J'ai changé d'avis ici pendant une seconde. C'est l'une des zones les plus sombres. Encore une fois, vous pouvez être aussi lent et méthodique à propos vos points ou aussi rapidement que vous le souhaitez. Hein ? Tu dois continuer à assombrir ce bord. Et n'ayez pas peur de faire une pause, de prendre recul et de regarder du recul et de regarder votre dessin d'un peu plus loin, cela vous donnera une meilleure idée de la façon dont les ombres se lisent. Je pense qu'avec le pointillé , nous sommes parfois tellement concentrés sur le fait d'être si près de notre dessin et de nous concentrer sur tous ces petits détails que perdons parfois la vue d'ensemble. C'est donc toujours une bonne idée de prendre du recul et de voir si vous aimez l'ombrage, alors cette zone est assez sombre. Je vais opter pour cette taille vraiment petite, juste parce que c'est difficile avec un stylo plus grand. Pour y retourner et finaliser cette zone. Ensuite, nous allons ajouter quelques bandes bleues. Encore un peu de richesses ici. Très bien, et je vais dire que c'est fait avec l'ombrage de base. Ensuite, nous allons ajouter le tourbillon le plus sombre. Et vous pouvez garder à l'esprit que vous pouvez toujours revenir en arrière et ajouter d'autres points si vous voulez rendre un peu plus sombre fois que nous aurons passé à la partie suivante, mais difficile de supprimer ces points. Nous allons donc travailler sur la partie suivante et voir ensuite comment nous en pensons. OK, il est donc temps de créer les deux spirales plus sombres. Il y en a donc un qui fonctionne comme ça et un autre qui fonctionne comme ça. Et ils sont en quelque sorte divisés en sections rayées. Gardez donc cela à l'esprit lorsque nous commençons à créer ces zones. Donc, comme je l'ai dit, je vais utiliser ce zéro pour varier légèrement la taille de mes points. Alors, par où est-ce que je veux commencer ? Je vais commencer par celui-ci, parce que celui-ci est assez court car il s' estompe de l'autre côté de la coque. Je vais donc commencer par ce coin et commencer à créer ces bandes plus sombres. Encore une fois, je pense que c'est l'une de ces choses qui, lorsque vous regardez la question de si près et que vous y travaillez, il ne semble pas y avoir une si grande différence entre les points. Mais à la seconde où vous prenez du recul, vous obtenez vraiment cet effet. Encore une fois, assurez-vous de faire des pauses, de vous éloigner et de faire une pause pour voir comment les choses se passent. Et c'est drôle, des gens m'ont demandé si j'utilisais une loupe lorsque je fais du pointillé, est certainement pas le cas. Et je pense que cela permettrait se recentrer trop méticuleusement sur l'emplacement de tous ces petits points. Et je préfère avoir une vue d'ensemble ces petits détails. Mais je suis sûr que de nombreux artistes utilisent des loupes, ce qui est totalement cool. Je ne pense pas que cela ait jamais fait partie de mon processus. Et tout comme pour l'ombrage initial, vous pouvez créer cette bande et rendre aussi foncée que vous le souhaitez. Encore une fois, cela dépendra en quelque sorte de la taille du stylo, mais aussi, bien sûr, de la avec laquelle vous insérez vos points. Ça commence un peu à s'estomper ici. Je vais donc simplement remplir certains de ces points plus grands. Et je vais dire que ce premier tourbillon est terminé. Très bien, il est maintenant temps de travailler sur le deuxième tourbillon. Je vais donc commencer par le centre et commencer à faire monter tout ça en flèche. Et il grossit au fur et à mesure et s' estompe assez légèrement au fur et à mesure que nous arrivons à la fin. Donc, en commençant par le centre, commence à s'élargir un peu. Commencez à le voir un peu rayé ici. Je pense que le pointillé, en tant que forme d'art, peut être très intimidant à l' idée de devoir créer tous ces points. Personnellement, je trouve ça tellement thérapeutique. J'aime bien ça. C'est un processus plus lent, donc cela me permet de me détendre et de me concentrer uniquement sur ces points. Ensuite, vous pouvez prendre du recul et vraiment voir quelque chose que vous avez créé. Et je pense que c'est pour cela que j'en suis vraiment tombée amoureuse. Et pourquoi c'est en quelque sorte l' une des principales choses que je fais dans ma pratique artistique aujourd'hui. Bien que la couleur me manque parfois, une fois que j'ai fait beaucoup de pointillés, j'ai tendance à peindre un peu ou à dessiner au marqueur pour me remettre couleur pendant un moment. Bien que, comme je l'ai mentionné, les matériaux soient meilleurs, vous pouvez certainement obtenir de nombreuses couches fines de couleurs différentes si vous souhaitez dans une autre couleur, ce que je pense devoir expérimenter davantage cette année. Très bien, et maintenant je vais entrer ce côté et ça s'estompe en quelque sorte et je vais le voir disparaître à nouveau au fur et à mesure que je vais dans cette direction. Ce qui crée en quelque sorte des rayures claires. Très bien, je pense que je vais presque dire que c'est terminé. Je vais laisser ces points un peu trop secs , puis j' effacerai les traits au crayon que vous pouvez encore voir afin que nous puissions obtenir le plein effet avant de décider si nous en avons complètement fini avec un coquillage. Très bien, j'ai laissé sécher mes points et tout le reste quelques secondes pour m' assurer de ne rien tacher lorsque je les efface. Mais c'est toujours aussi satisfaisant d' effacer ces lignes de crayon. Je pense vraiment que j'aime la façon dont cela s'est terminé. Je vais donc laisser le mien tel quel. Et nous allons travailler sur notre étoile de mer dans la prochaine vidéo. 6. Encre : Starfish: Dans cette leçon, nous allons travailler sur notre étoile de mer. Nous allons donc appliquer nos différentes techniques d'échantillonnage pour vraiment travailler à la création de textures uniques. Encore une fois, la première chose que je veux faire lorsque travaille sur mon étoile de mer est de créer un contour. Encore une fois, c'est à vous décider si vous voulez faire un plan ou non. Mais c'est par cela que je vais commencer. J'utilise la même taille que dans la dernière leçon , à savoir le 05. Très bien, nous avons donc notre plan prêt à être utilisé. Encore une fois, vous avez la possibilité d'utiliser une taille de stylo unique pour l'ensemble de l'illustration ou plusieurs tailles différentes. Nous allons créer ce type de texture bosselée vraiment unique sur l'étoile de mer. Alors qu'avec celui-ci, j'ai commencé par les ombres claires puis je suis passée aux zones les plus sombres. Je vais faire tout le contraire sur celui-ci. Je suppose que je vais d'abord créer les trous les plus sombres. Ensuite, nous irons à l'ombre autour d'eux. est à vous de décider des tailles que vous souhaitez utiliser. Je pense que je pourrais opter le 03 un peu plus grand pour créer ces trous et cette texture. Ensuite, nous en choisirons un plus petit pour faire l' ombrage par la suite. Je vais donc vous rapprocher un peu plus, puis nous commencerons. D'accord. Très rapidement, hors caméra, j'ai effacé le contour au crayon que je venais de tracer au stylo. Ensuite, les marques de crayon restantes dessinent les zones un peu plus sombres. Donc, ici, en dessous et de ce côté, dessous et de ce côté, l'image de référence en matière d'étoile de mer que j'ai choisie est éclairée de façon assez spectaculaire, ce que j'ai bien aimé. Comme je l'ai dit, nous allons donc abord travailler sur la texture, puis nous allons ajouter l'ombre à ces zones plus sombres. Comme je l'ai dit, j'ai choisi cette taille 03 pour créer cette texture bosselée. Vous pouvez commencer sur le bras de l'étoile de mer de votre choix. Mais je pense que je vais recommencer à zéro et ensuite trouver une solution. Je vais donc simplement commencer à faire mes points en petits groupes afin de créer ces zones plus sombres. Et ce sont des formes assez organiques. Ce n'est pas quelque chose où vous créez petites bosses parfaitement rondes. Encore une fois, ne vous concentrez pas trop sur le placement exact ou sur le fait de suivre l'image de référence jusqu'à, exactement. Nous expérimentons simplement l'utilisation de points pour créer différentes textures. Et je n'en crée pas beaucoup au plus profond de cette zone parce qu'il fait assez sombre là où c'est ombragé. Nous pouvons donc toujours y aller si nous avons besoin d'ajouter de la texture, mais je pense que c'est à peu près tout se cache dans les ombres. Ça ne m'inquiète pas trop. Je vais m'attarder là-dessus. Encore une fois. Nous ne nous concentrons pas vraiment sur la perfection. Nous sommes en train de créer une texture assez organique. Donc oui, c'est à peu près une question de hasard. Ça va ? Passons maintenant au bras suivant. Encore une fois, s'il semble que je vais vraiment très vite, tu peux y aller à ton rythme. Ne vous sentez pas obligé d' aller aussi vite et de continuer. Surtout si vous débutez avec le pointillé, prenez le temps dont vous avez besoin. J'aime aussi beaucoup la couleur de cette étoile de mer orange vif. Je pense que je veux vraiment essayer d'expérimenter comme ombrer ces points avec du noir, comme ceci. Mais je me demande à quoi ça ressemblerait si j'y retournais et que je colorais le dessus avec des points orange et rouge. N'ayez surtout pas peur d'essayer quelque chose de différent. Hein ? Passons maintenant au dernier bras. Nous avons presque terminé. Très bien, je vais donc dire que nous en avons terminé avec la création de notre texture préliminaire. Ensuite, nous allons entrer et faire de l'ombrage. Pour travailler sur l'ombrage, je vais à nouveau utiliser ce zéro à la taille. Je vais donc commencer par créer ces zones plus sombres. Ensuite, je pense que je vais utiliser une pointe encore plus fine pour affiner la somme des zones situées au milieu et à l'extérieur des ombres vraiment sombres. Je vais donc commencer par cette partie et commencer à travailler sur l'ombre. Encore une fois, c'est à vous de décider à quel point vous souhaitez suivre l'image de référence. Vous n'avez pas besoin de créer des ombres presque aussi dramatiques que dans la référence. Mais vous pouvez, vous pouvez les rendre aussi dramatiques que vous le souhaitez. Je vais leur rendre justice de manière assez dramatique , quelque chose de différent. Je travaille sur ces zones très sombres , puis je me disperse un peu. Très bien, nous pouvons maintenant passer à la suivante. Je vais descendre ici. Encore une fois pour rendre ces zones vraiment sombres. Nous faisions simplement tous ces points le plus près possible les uns des autres. Je suis un peu consciente de l'endroit où je crée le bord de la texture , comme je l'ai déjà fait. Encore une fois, vous pouvez revenir en arrière pour l'assombrir. Si vous avez l'impression que vous n' aimez pas l'emplacement de vos points ou que vous en avez simplement besoin de plus. Hein ? Voici notre prochaine partie, ou points. Et puis je vais vraiment emménager ici. N'oubliez pas de prendre du recul. Vois ce que tu en penses. Très bien, et nous allons dire que cette partie est terminée. Maintenant. Nous avons juste besoin de faire un peu d'ombre en dessous avant entrer et de peaufiner avec une pointe encore plus petite. Très bien, je dirais que c'en est fini avec nos ombres dramatiques. Ensuite, nous opterons pour une taille plus petite pour le raffiner. J'ai saisi ma taille zéro 05 et nous allons nous mettre au travail ou trouver certaines de ces ombres. Je vais ajouter un peu de profondeur de l'autre côté. Eh bien, c'était juste pour atténuer un peu le bord de l' ombre. Encore une fois, vous pouvez donner une touche très dure à votre ombre si vous le souhaitez et la rendre vraiment spectaculaire. Mais j'ai décidé de l'adoucir un peu. Comme vous pouvez le constater, j'estompe légèrement la texture pour la faire ressortir un peu plus. Très bien, nous sommes donc entrés et avons ajouté quelques détails. Et puis, comme pour nos autres coquillages, je vais laisser sécher ces points une minute environ , puis je vais y aller et effacer ces traits au crayon. Très bien, donc ça élimine ces lignes supplémentaires. Et je dirais que notre petite étoile de mer est complète. Nous avons donc fait un excellent travail en y créant de la texture. Nous allons donc maintenant passer à ce coquillage, puis à ce type qui sera le plus compliqué avec les textures les plus différentes. Passons donc à la leçon suivante. 7. Encre : coquillage n° 2: Nous passons à la leçon numéro trois, et nous allons travailler sur ce coquillage ici. Tout comme dans nos deux dernières leçons, nous allons commencer par un aperçu. Je vais donc prendre mon stylo et commencer. Ce coquillage a donc beaucoup plus de texture et de crêtes que les derniers sur lesquels nous avons travaillé. C'est pourquoi nous avons attendu que celui-ci soit numéro trois. C'est bon. Le plan est prêt. Et puis, comme celui-ci, où nous avons d'abord créé l'ombrage, puis ajouté le tourbillon, les zones les plus sombres plus tard. Nous allons faire la même chose avec celui-ci. Je vais donc ombrer toutes les différentes crêtes et tout le reste. Ensuite, nous allons entrer et ajouter quelques bandes autour de la coque avec une pointe plus grande. Ou encore, vous pouvez utiliser la même taille si vous le souhaitez. C'est ainsi que je vais m'attaquer à ce coquillage. OK, donc pour celui-ci, je vais commencer par mon très bon conseil. Et ce que nous allons d'abord ombrer, c'est la zone située entre ces zones où elle est la plus surélevée. Donc, toutes ces petites bosses, c'est là que le coquillage prend toute sa texture. Et puis toutes ces petites zones intermédiaires sont celles où il fait plus sombre. Nous allons donc commencer par ombrer zones les plus sombres pour mettre en évidence tous ces types de bosses surélevées tout autour. C'est donc par cela que nous allons commencer. Je vais donc commencer par le milieu , car parfois, l'espacement peut être difficile lorsque vous faites des coquillages comme celui-ci. J'ai l'impression que lorsque vous commencez par le milieu, cela vous donne un meilleur endroit car parfois, si vous commencez par le bord, vous aimez vous retrouver dans une pièce où il fait vraiment beau ici. J'aime donc commencer par le milieu. C'est donc ce que je vais faire. Je vais donc d'abord créer une bordure à points le long de ce côté ici. Cela va me donner une idée de ce que je suis en train de suivre. Et puis ombragez légèrement cette zone plus sombre. Et ça ne va pas être trop dramatique. L'éclairage est loin d'être aussi spectaculaire que celui de notre étoile de mer. Hein ? Notre première ombre est donc en quelque sorte terminée. Encore une fois, il suffit de créer ces deux lignes pour que nous sachions entre lesquelles nous nous ombrageons. C'est définitivement un projet qui a l'air un peu fou de près. Donc, comme les deux autres, à chaque fois que vous terminez une bande ici, prenez du recul, voyez à quoi elle ressemble. C'est en perspective. Ensuite, passez à la suivante. Nous avons également une tonne de lignes de crayon ici. Donc, une fois que j'aurai terminé toutes ces ombres, je vais y aller et effacer tout ce crayon, ce qui me permettra de voir tous les effets beaucoup plus facilement. Mais c'est certainement un domaine où j'ai dû faire un peu plus de croquis au crayon que certains des autres que nous avons examinés. Tout simplement parce que toutes ces lignes sont ou peuvent être difficiles à suivre. J'ai donc fait un croquis plus détaillé. Ensuite, continuez à avancer côte à côte. Ensuite, comme vous pouvez le voir, je crée une ligne continue ici parce qu' elle devient si fine. C'est la meilleure façon de le marquer et il fait de toute façon plus sombre. Alors, qu'est-ce qui me convient le mieux ? Au fur et à mesure que nous commençons à travailler sur le côté, les crêtes se relâchent un peu et la surface n'est pas aussi rayée et contrastée qu'elle ne l' est au centre. Gardez donc cela à l'esprit. C'est là que ça commence à se relâcher un peu. Je vais légèrement modifier ma stratégie. Ce genre de coque est définitivement plus compliqué. Donc, si c'est la première fois que vous en faites un comme ça, ne vous inquiétez pas trop. J'en ai fait plusieurs au fil des ans. Je me suis donc un peu plus entraînée et je suis un peu plus habituée à concentrer sur toutes ces lignes différentes à la fois. Mais cela demande vraiment de la pratique. Encore une fois, vous pouvez toujours y aller plus tard avec ce point plus épais ou une pointe de stylo plus grande afin que nous puissions créer ces zones plus sombres et les ombrer encore plus. J'aime commencer par cette teinte ultérieure. Ça va ? Et puis je suppose que j'ai fait l' erreur de suivre cette voie. Maintenant, je vais laisser sécher pendant une seconde avant de passer dans l' autre sens afin de ne pas tacher les points que je viens de créer. Bien, laissez sécher tous ces points pendant une minute et maintenant nous allons commencer à travailler dans l'autre sens. Encore une fois, je commence par créer une bordure afin de ne pas créer d' ombre dans cette zone plus claire. Ces derniers temps, de l'ombre dans cette ombre. Également facultatif, comme je l'ai dit, j'ai utilisé de petites bordures à points pour décrire cela. Mais si vous voulez réellement tracer des lignes pour séparer ces différentes zones et que c'est totalement possible, tout comme vous pouvez simplement faire des points comme bordure sur votre coquillage au lieu de créer un contour comme je le fais, cela dépend également de vous. Je l'ai fait dans les deux sens sur les dessins précédents. Expérimentez dans les deux sens et selon ce qui vous facilitera la tâche, surtout si c'est la première fois. Encrer une coque comme celle-ci. Et en nous rapprochant de cette limite. Nous approchons d'une zone un peu moins marquée par la lumière et l'obscurité, où il fait un peu plus clair comme ça. Ce sera donc notre dernière crête noire que nous allons parcourir. Oh, non. Une perspective qui change ici. Hein ? ai presque fini avec cette partie. Ensuite, nous ajouterons certaines de ces zones rayées. Très bien, nous sommes en quelque sorte en train de terminer notre première partie. Comme je l'ai dit, je vais laisser sécher un peu ces points , puis j' effacerai les traits au crayon pour que nous ayons une table rase pour ajouter plus de détails. Très bien, il a fallu un certain temps pour effacer toutes ces lignes de crayon. Appareil photo. Maintenant, cela a l'air beaucoup plus propre et il est prêt à être détaillé. Donc, pour ces différentes rayures, elles sont omniprésentes. Je vais utiliser différentes tailles de stylos juste pour créer différentes textures et simplement ajouter quelques intérêts visuels. Je vais donc d'abord prendre une taille avec le 01 et regarder la coque. Et nous allons commencer par certaines de ces rayures plus claires. Donc, tout comme il fait plus sombre, où nous avons créé les arêtes et les ombres, les rayures que vous créez. Vous souhaitez également les assombrir dans cette zone , puis plus tard dans les zones plus claires. Donc, en fait je ne vais pas tracer un trait au crayon pour tout, mais je vais juste commencer par un trait. Cela nous donne donc une idée de la courbe appropriée pour créer ces rayures. Je vais donc commencer par le créer dans les zones les plus sombres, une sorte d'idée. Et puis ça s' estompe sur le côté. Très bien, donc pour l' instant, nous l'avons juste dans les zones les plus sombres , puis ces zones surlignées entreront et l'ajouteront également. C'est en quelque sorte notre première petite rayure. Certains d'entre eux disparaîtront donc un peu comme celui-ci que j'ai fait. Et puis certaines d'entre elles constituent une ligne un peu plus dure. La suivante créera donc une ligne plus longue. Encore une fois, quelques points et des zones plus claires , puis beaucoup plus sombres. Des ombres, des cadeaux qui ont un effet là-bas. Ensuite, notez cette taille et j'obtiendrai les zéros. Nous allons en créer un autre. Pour ici. Celui-ci va être un peu plus épais. Encore une fois, commencez par les zones les plus sombres pour déterminer sa taille. Assurez-vous qu'il s'incurve avec la partie naturelle de la coque. Et puis remplissez les zones les plus claires entre les deux. Ensuite, je vais apporter quelques détails supplémentaires. En bas, ici. heure actuelle, notre coque prend un peu plus vie. Et vous devez ajouter une bande sur ces coins extérieurs. Très bien, et maintenant, regardons ceux du haut qui sont un peu plus fins Je vais donc dessiner ces petits tirets, une zone plus sombre. Et puis ajoutez simplement quelques points sur le dessus. Encore une fois, incurvée avec la forme naturelle de la coque. Ce qui fait vraiment la différence en lui donnant une certaine dimension. Il y en a un peu plus ici. Faites-le encore plus tard. Vous pouvez rendre votre coque aussi rayée que vous le souhaitez. Je vais juste continuer à ajouter des rayures jusqu'à ce que j'aime vraiment le look. Hein ? Je pense que nous avons encore besoin d' une bande plus épaisse ici. Et encore une fois, j'ai pris ces secondes pour prendre du recul voir à quoi ça ressemble à partir d'un quatre. Très bien, et vous pouvez certainement continuer ajouter des détails indéfiniment à une coque comme celle-ci. Mais je pense que je vais aller de l'avant et dire que c'est terminé. Donc, dans notre prochaine leçon, nous passerons à notre dernier coquillage de la classe. 8. Encre : coquillage #3: Très bien, c'est l'heure de notre quatrième et dernier coquillage. Donc, comme pour nos trois autres, je vais commencer par un bref aperçu. Même taille que celle que j'ai utilisée pour les trois autres. Je vais simplement procéder à cette esquisse. Très bien, et maintenant que j'ai contour plus épais sur les bords, je vais entrer et décrire certaines des parties intérieures. OK, donc j'ai le 02 et je vais l'aligner ici. Les marques où la coque se courbe vers l'intérieur dessinent en quelque sorte cette lèvre. Ensuite, je vais faire la même chose de ce côté. Encore une fois, c'est totalement un choix de design. Vous pouvez faire un plan comme celui-ci ou ne pas le faire complètement et totalement à vous de décider. Ensuite, je vais juste en faire un là-bas. Très bien, alors je suis entrée et j'ai effacé toutes les lignes au crayon que j'ai pu tracer. Et maintenant, il est temps de passer à la phase pointillée. Je pense donc que je vais traiter le coquillage comme je l'ai fait pour les étoiles de mer, où je vais d'abord m'occuper de la texture, puis de la teinte. Alors que pour les deux autres, nous avons d' abord créé notre ombrage, puis ajouté certains de ces détails par-dessus. Celui-ci a tellement de texture et de rayures uniques que je voudrais commencer par là. Ensuite, nous y reviendrons avec des points plus petits et ajouterons points plus petits et le petit ombrage dont nous avons besoin. C'est donc le point de départ le plus simple, je vais commencer par cette lèvre à la coque, juste ici. Il a donc ces deux bandes plus foncées différentes. Je vais donc commencer par ça. Donc, en utilisant ce zéro, j'ai déjà dessiné un peu où se trouvent ces rayures. Je vais donc me lancer. Commencez donc là où il fait plus sombre, c'est-à-dire vers le bord, mais cela ne va pas jusqu' au bord. Je vais donc travailler en bandes et les estomper vers ce bord intérieur. Cette coque est vraiment cool. Je n'ai certainement rien encré de tel. Définitivement compliqué. Pourquoi je l'ai gardé pour la fin. Permettez-moi de vous rapprocher un peu plus. Ayez une meilleure idée de ce que je fais. Comme je l'ai dit, nous allons d'abord créer ces bandes plus foncées, puis nous remettrons à l'ombre la zone intermédiaire. Oh, j'ai peur. Et maintenant que nous l'avons fait, il n'y a en fait que des lignes. Vous pouvez donc le faire en points. Juste comme ça, si tu veux. Ou tu pourrais juste faire des lignes comme ça. Je vais faire un peu de chacun d'entre eux. Un peu plus épais en bas ici. Très bien, alors restons-en là. Et puis, toutes ces rayures sur la coque ont cette petite texture en demi-cercle. Je vais donc commencer à travailler là-dessus. Vous devez donc vous assurer d'avoir tracé vos lignes de manière à suivre les rayures naturelles de la coque. Je suis juste en train de les esquisser un peu plus pour que nous puissions les voir. Et puis nous aurons ceci, cette zone est un peu séparée, elle a quelques petites rayures mais elles sont un peu plus claires. Hein ? Cela va créer une texture un peu similaire à celle-ci. Pouvons-nous créer sur ce coquillage ? Je vais donc utiliser quelques tailles différentes. Je vais donc commencer par faire certaines des parties les plus sombres de cette taille. Encore une fois, c'est quelque chose sur lequel je ne me concentrerais pas trop, comme la copie de la photo de référence . Tant que vous avez une idée du type de texture que vous créez, vous n'avez pas besoin de vous concentrer sur le fait de la placer exactement comme la coque et la référence. Donc, en commençant par ces bandes plus épaisses et plus sombres, vous pouvez également simplement faire quelques lignes. Certains d'entre eux sont assez fins. Donc oui, nous nous concentrons simplement sur la création de ces textures et nous donnerons vraiment vie à la coque lorsque nous créerons les ombres après cette partie. Comme je l'ai mentionné dans les autres vidéos, il est toujours utile de prendre du recul. Vue d'ensemble de ce que vous créez et faites dans cette rangée supérieure. Ensuite, nous continuerons à remonter la coque avec cette texture. Très bien, comme ça se passe et maintenant je vais ajouter ces deux bandes le long de ce bord, n'est-ce pas ? Et encore une fois, nous pouvons toujours y retourner et ajouter plus de texture si nous le souhaitons. Mais c'est en quelque sorte là que je vais le laisser jusqu'à ce que je fasse un peu plus d'ombrage. Je peux voir à quel point je l' aime tout à fait. Très bien, ensuite, nous allons continuer à monter dans la coque. Je m'assure que mes lignes y sont tracées. Je vais continuer avec cette texture. Il suffit de créer ces petites formes de demi-lune. Je continue de devenir de plus en plus petit. Mais ce sera beaucoup plus facile à voir et à quoi cela ressemble une fois que nous aurons également fait quelques ombres. Je pense simplement que cette texture est préférable pour éviter que les autres points de la page ne soient distraits par les ombres. Parce que je pense que cela peut être une décision importante quant à la façon dont vous souhaitez mener votre processus. Pour certaines personnes, cela peut être une source de distraction, d' ombrage alors que tout cela se passe déjà. Et puis, pour certaines personnes , c'est le contraire. L'ombrage nous empêche de créer ces textures. C'est donc à vous et à votre cerveau de décider comment vous voulez vous y prendre. Et puis une fois arrivés ici, nous perdons un peu cette texture. Il y a juste des ombres et des stries. Très bien, je vais donc m'en tenir là. Ensuite, nous allons entrer et faire de l'ombrage. Je vais le laisser sécher pendant une seconde , puis je vais effacer tous ces traits au crayon afin que nous ayons un peu plus de points sur lesquels commencer à ombrer. Très bien, j'ai juste effacé tous les traits au crayon qui s'y trouvaient, et encore une fois, vous pouvez tout à fait les laisser là. Si cela vous aide à faire de l'ombrage, j'aimerais juste avoir une table rase. Cela me permet de voir plus facilement et vous pouvez toujours savoir où se trouvent toutes ces rayures grâce à l'endroit où s'arrêtent nos petites formes en demi-lune. Je vais donc prendre mes zéros, c'est cinq, mon tout petit préféré, et commencer à ombrer. Pour l'ombrage, je vais commencer du haut vers le bas car j'aime toujours commencer par la plus petite zone, la terminer, puis passer aux zones les plus grandes en bas. Je vais commencer par le rechargement ici. Vous n'en avez pas besoin de trop. C'est juste pour assombrir un bord. Très bien, et puis c'est là que nous arriverons aux différentes bandes. Je travaille donc à déterminer où ils se trouvent, en y cachant de très petits points. Je sais que c'est difficile à voir. Et cette technique et ce choix de tailles de stylos dépendent en grande partie choix de tailles de stylos dépendent en de la taille de votre encre, de votre coquillage. Je veux dire, je trouve ça plutôt petit. Mais il se peut que vous saisissiez ceci, le format de tout ce papier, et cela changerait totalement votre façon de travailler. La taille de votre sujet est donc très importante, et c'est ainsi que vous prendrez la plupart de vos décisions. J'ai tendance à travailler de manière assez restreinte parce que je crée de nombreuses pièces et que je fais ce genre de feuille flash dont j'ai parlé. Je fais donc plein de petites choses différentes sur une seule grande feuille de papier. Si je ne dessinais qu' une énorme méduse, je prendrais des décisions différentes de celles de dessiner quelque chose de petit. Mais j'ai vu des œuvres délirantes de d'artistes pointillés qui travaillent vraiment beaucoup. Ce que je trouve tellement cool. Je pense que la plus grande œuvre que j'ai réalisée et que j'ai l'impression d'avoir entièrement pointillée mesure 16 x 20. Tu penses que c'est beaucoup plus important que ça ? Je risque de perdre la tête. Mais c'est vraiment cool de voir de tels points à une si grande échelle. Vous pouvez donc voir que j' utilise ces petits points pour créer ces petites lignes dans la série. Maintenant, je vais entrer et créer un ombrage plus foncé le long du bord inférieur de chacune de ces rangées. Maintenant, je ne pense qu'à une balance et je veux faire quelque chose de gigantesque. Très bien, maintenant nous avons terminé toute cette partie supérieure et maintenant nous allons juste ombrer cette partie extérieure ici, puis la partie intérieure de la coque. Donc, dans cette partie, je vais ajouter quelques détails car il y a un peu de texture rayée ici. Nous avons de petites bandes légères le long de cette partie. Maintenant, il suffit de les ombrer très légèrement. Entre ces rayures. Maintenant, c'est vraiment fou. Qu'est-ce que quelques points peuvent faire ? Comme je l'ai dit, commencez toujours avec parcimonie. Vous pouvez toujours, toujours en ajouter d'autres. Il y a ce petit coin ici. La coque se tord. Et puis le long de ce bord également. Très bien, et maintenant il ne nous reste plus qu'à ombrager l'intérieur. Vous pouvez voir sur ma photo de référence que le soleil brille à travers la coque. Vous pouvez donc y voir une partie de la texture. Je vais la traiter comme une coque lisse, comme si aucune lumière ne la traversait. Donc, je vais juste le garder sombre le long de cette partie où il est incurvé dans la coque, puis l'éclaircir un peu . Comme je l'ai dit, c'est toujours à vous de décider dans quelle mesure vous souhaitez suivre une image de référence. Je vais juste atténuer cela assez légèrement, puis nous allons prendre du recul et voir ce que nous ressentons. Et je vais également l' ombrer un peu plus foncé le long de ce bord, là où il se courbe. Ça va ? Et tu sais, je pense que c'est trop léger. Je pense vraiment que nous devons l'assombrir davantage. Je vais donc recommencer par ma zone la plus sombre et continuer à ajouter d'autres points. J'essaie juste de travailler un peu méthodiquement, en ajoutant plus de points. Assombrir autour de ce bord. Très bien, je pense que nous pouvons prendre un peu de recul. Et je pense que je vais dire que c'est terminé. Nous avons encré trois coquillages différents et notre étoile de mer. J'espère que cela vous a plu. Ensuite, nous allons aborder notre leçon bonus sur façon de créer un motif homogène à partir de ce que vous venez de créer. 9. Cours de bonus : créer un patron sans couture: Très bien, j'espère que vous vous êtes tous bien amusés à encrer des étoiles de mer et des coquillages aujourd'hui. Maintenant, je voudrais aborder la leçon supplémentaire que j'ai incluse dans ce cours, qui explique comment créer un motif homogène à partir de ce que vous leur avez créé. J'ai créé un motif en forme de coquillage. C'est en fait le tout premier motif répété que j'ai créé, et c'est mon imprimé le plus vendu de tous les temps sur sites d'impression à la demande tels que Redbubble society Six et Spoon Flower. C'est donc l'une de mes préférées. J'ai des tonnes de produits sur lesquels je l'ai imprimé, c'est ce qui m'a incité à ajouter cette leçon bonus spécifiquement dans ce cours parmi toute la série. Je vais donc passer en revue toutes les étapes nécessaires pour créer votre propre modèle aujourd'hui. Pour cette leçon, vous aurez besoin de votre ordinateur et nous utiliserons Photoshop pour créer notre motif. Bien qu'il existe des tonnes d'autres programmes que vous pouvez utiliser, vous aurez également besoin d'un scanner. Utilisez le scanner Epson Perfection B39. Cela me permet de numériser en très haute qualité, ce que vous voulez, surtout si vous allez imprimer vos dessins à grande échelle. Vous voulez donc procéder à la numérisation de votre travail, bien que vous ayez bien sûr la possibilité photographier si cela vous convient. Et je vais ouvrir mon écran pour vous montrer ce que nous allons faire. OK, j'ai ouvert le programme de numérisation sur mon ordinateur, donc nous allons nous préparer à numériser notre image. Je vais donc d'abord cliquer sur Aperçu pour m' assurer que je vais numériser la bonne partie de l'image. Très bien, cela nous donne à tous l'image que nous voulons. Et tout d'abord, vous devez vous assurer DPI que vous numérisez, c' est-à-dire des points par pouce. Plus le nombre de DPI est élevé, meilleure est la qualité de la numérisation. Je numérise donc généralement toujours en 1 200 DPI ce qui est suffisamment élevé pour imprimer à grande échelle. Mais tu peux vraiment devenir fou et faire tout ce que tu veux. Cela dépend simplement de ce que votre scanner vous permettra de faire. J'ai beaucoup d'options, mais cela prend beaucoup de place. Je pense donc que cela prendrait probablement beaucoup de temps et prendrait tellement de place si je le faisais jusqu'au bout et 9 600. Je l'ai donc à 1 200. Ensuite, la prochaine chose que je peux faire est de sélectionner la zone que je souhaite numériser. Je vais donc simplement sélectionner une zone qui contient tous mes coquillages. Et puis je l'ai fait, je vais le scanner sous forme de fichier TIFF et définir automatiquement le nom de fichier pour moi ici. Je changerai donc cela plus tard et il sera numérisé sur mon bureau. La prochaine chose que vous allez faire est donc de cliquer sur Numériser. Et je suggère d'exercer une légère pression sur le dessus de votre scanner juste pour vous assurer que votre pièce soit numérisée d'une netteté optimale. Commençons donc la numérisation. OK, j'ai juste écrit ça pour que la numérisation prenne un peu de temps. Mais ensuite, nous allons entrer dans Photoshop pour pouvoir créer notre motif. J'ai donc ouvert Photoshop , puis vous allez cliquer sur Nouveau fichier. Parce que nous créons une impression répétée. Vous voulez vraiment un carré. J'utilise un carré de 12 000 x 12 000 pixels pour mes impressions fluides. Parce que c'est suffisamment volumineux pour la plupart des fichiers imprimés à la demande. Et c'est exactement ce que j'aime utiliser. Vous devez vous assurer que la résolution est 300 afin qu'elle soit suffisamment élevée, encore une fois pour être imprimée. Ensuite, si vous souhaitez le télécharger pour une impression à la demande, la plupart des sites d'impression à la demande utilisent des couleurs RGB. Assurez-vous donc que cela est également défini. Je vais donc cliquer sur Créer. Et maintenant, nous allons mettre notre fichier TIFF sur votre bureau. Très bien, et je vais alterner ça. Agrandissez-le à la taille souhaitée. Cliquez, cochez. D'accord ? Maintenant, la première étape pour créer notre impression répétée est bien sûr de séparer les coquillages car pour le moment, nous ne pouvons rien faire. Ce n'est qu'une grande image. Nous voulons donc séparer chacun des coquillages , puis supprimer l'arrière-plan. Donc, la première chose à faire est de passer à mon outil Polygonal Lasso. Et je vais extraire chacun des coquillages au lasso. Contrôle x 0. J'aimerais toujours oublier de le faire. Vous devez d'abord pixelliser l'image afin de pouvoir en découper quelque chose. Nouvelle couche et placez ce coquillage sur la nouvelle couche. Nous allons le masquer pour le moment, revenir à notre couche d'origine. Faites-le pour l'élément suivant, voici les étoiles de mer. Ça aussi, mec. Très bien, numéro trois. numéro quatre. C'est bon. Nous pouvons maintenant supprimer cette couche d'origine, car nous n'avons besoin d'aucun de ces autres éléments de cette image d'origine. Ce qui serait encore une fois différent si nous faisions le montage complet, mais nous allons le supprimer pour le moment. Maintenant. La prochaine chose que je vais faire, c'est masquer cet arrière-plan et nous allons y éditer notre premier coquillage. Je vais donc zoomer un peu et j'ai cliqué sur mon outil magique parce que c'est ce que je vais utiliser pour sélectionner la zone blanche autour de moi afin de pouvoir m'en débarrasser. Je vais donc cocher la case contiguë, ce qui signifie que seule la partie située en dehors de la ligne noire sera sélectionnée. Il ne sélectionnera les parties blanches qui se touchent. Si je désactive la fonction contiguë, toute la lumière sera sélectionnée. Donc, si je désélectionne, décochez les zones contiguës, et vous verrez que toutes les zones blanches sont sélectionnées. Vous pouvez donc le modifier de toute façon, mais je modifie d'abord l'extérieur. Je vais le sélectionner. Nous zoomons pour nous assurer qu' il sélectionne toutes les zones qui devraient être souhaitées. Serre-le un peu plus si nécessaire. Mais encore une fois, ce n'est qu' un exercice amusant. Vous n'avez donc pas besoin de trop vous attarder sur ces détails. Et appuyez simplement sur Supprimer. Oups, je suis sur leur propre couche. Et couche quatre, appuyez sur Supprimer. Vous avez donc maintenant votre premier coquillage sans arrière-plan. Nous allons passer à la suivante et faire de même. Zoomer et s'assurer que tout est sélectionné. Et supprimez-le sur notre Starfish. Supprimez ce type, non ? Nous avons donc supprimé l'arrière-plan de nos quatre éléments ici. En fait, je vais y aller et supprimer toutes les autres zones blanches pendant que nous y sommes, autant vous montrer quelques autres astuces. Avec ça. Vous devez absolument vous assurer de sélectionner toutes les zones grises blanches dont ils ne voudront pas. Dans ta dernière pièce. Encore une fois, restez concentré, assurez-vous de sélectionner tout ce que vous voulez. Supprimer. Vous n'avez donc plus que les zones noires sur vos arrière-plans transparents. Nous allons poursuivre et faire de même avec les autres. Elle a également indiqué que vous vouliez maintenir la touche Shift enfoncée pour pouvoir continuer à ajouter une sélection au fur et à mesure. Sinon, vous finirez par sélectionner une nouvelle zone au lieu de l'ajouter à votre sélection si vous essayiez de sélectionner ces zones grises. Donc, lorsque je les collecterai, si vous souhaitez ajouter cette zone grise et si vous ne cliquez pas sur le bouton Shift, vous sélectionnerez simplement une autre zone. Nous ajoutons à cette sélection. Supprimer. Et maintenant, nous avons nos trois coquillages différents, qui ont l'air vraiment dingues en ce moment. Éloignons-les tous. Et puis la raison pour laquelle j'ai supprimé l'arrière-plan, mais je voulais vous le montrer, c'est que ce que j'aime faire, c'est accéder au petit bouton FX en bas, superposition de couleurs. Et vous pouvez voir que je ne suis pas passé au bleu pour quelque chose d'autre que je faisais tout à l'heure. Mais c'est là que vous pouvez choisir et il est très facile de recolorer vos illustrations simplement à l'aide de l'outil de superposition de couleurs, en particulier lorsque vous travaillez en noir et blanc. Donc, même si vous le souhaitez ne voulez pas utiliser une couleur différente, je vous recommande de simplement superposer des couleurs et du noir, car cela éliminera les petites taches blanches que vous n'avez pas reçues et les rendra uniformément noires. C'est donc ce que nous allons faire pour chacune de ces couches, il suffit de les superposer de couleur avec du noir pour nous assurer que tout est beau et audacieux. Il est certainement difficile de voir la différence à cette échelle, mais lorsque vous agrandissez l'image, cela fait une énorme différence. Très bien, nous avons maintenant nos quatre éléments. Ensuite, nous allons commencer à créer notre modèle. Maintenant, la dernière partie est la plus amusante et agit en fait de créer notre impression répétée. Photoshop dispose d'un outil très utile appelé Pattern Preview. Alors vous allez dans Afficher le modèle, prévisualisez-le, d'accord ? Et il répète votre dessin infini dans tous ces carrés, vous pouvez zoomer et dézoomer et voir à quoi il ressemble. Retour sur fond blanc et violet. Voyons voir un peu mieux. C'est ainsi que nous créons notre impression. En gros, Photoshop le crée pour nous. Nous n'avons qu'à entrer et remplir notre place. Nous avons donc nos quatre coquillages ici. Donc, évidemment, nous allons devoir les répéter plusieurs fois sur le carré. Sinon, ce sera pour les gigantesques coquillages et la place. Vous pouvez donc cliquer sur chacun d'eux. Appuyez sur la commande C, la commande V pour pouvoir les copier plusieurs fois. Et je ne veux pas me déplacer , prends l'un d'entre eux. Hein ? OK. Cela nous donne donc au moins deux de chacun d'entre eux pour commencer. N'aime pas être sélectionné. D'accord ? Donc, si vous souhaitez modifier leur taille, très facilement, cliquez sur Control T pour les transformer , puis vous pouvez les agrandir ou les réduire. Je vais probablement en agrandir un peu plus. Je vais donc commencer par mettre une sorte d'étoile de mer dans un coin. J'ai tendance à commencer par ce coin supérieur, puis à le compléter au fur et à mesure. Sélectionnez ensuite votre cou crucial. Encore une fois, Command T. Ensuite, vous pouvez les déplacer où vous le souhaitez. Et puis vous pouvez simplement travailler pour les adapter comme vous le souhaitez. C'est tellement amusant car l'outil Pattern Preview facilite grandement tout ce processus. Avant, je devais le faire sur Adobe Illustrator et c'était tellement compliqué. Comme si c'était trop cool. Encore une fois, vous pouvez effectuer un zoom arrière et vraiment voir à quoi cela ressemble. Vous pouvez faire pivoter ou même transformer. Vous pouvez les retourner horizontalement ou verticalement pour donner un aspect différent à vos pièces. Pour être un peu plus varié. Vous savez, vous pouvez simplement continuer à créer ces différentes tailles. les retournant plus gros. Et appuyez toujours sur la commande Z si vous faites une erreur pour y remédier rapidement. Et honnêtement, cela devient un peu répétitif avec seulement quatre éléments que nous devons utiliser. Ainsi, le fait d'avoir plus d'éléments et des tailles plus variées donnera beaucoup plus d'intérêt à votre motif. Je voulais simplement vous montrer ce que nous pourrions créer à partir d'aujourd'hui. Nous avons donc à peu près rempli le carré R. Donc, comme je l'ai dit, vous pouvez effectuer un zoom arrière et voir à quoi cela va ressembler à différentes échelles. Peut-être que nous l'avons imprimé sur un couvre-lit ou quelque chose comme ça et peut-être que sur une tasse, il est beaucoup plus grand. C'est donc le moyen le plus simple de créer une impression fluide avec Photoshop. Donc, une fois que vous avez terminé, vous pouvez à nouveau accéder à Afficher l' aperçu du modèle pour désactiver cette option. Vous avez maintenant votre bloc de modèles que vous pouvez télécharger sur tous ces différents sites. Vous pouvez créer différentes combinaisons de couleurs et faire toutes sortes de choses. Mais c'est la base de la création d'une impression fluide. Vous avez donc quelqu'un d'autre que vous pouvez créer à partir du cours d' aujourd'hui. 10. Réflexions finales: Merci beaucoup d'avoir suivi le cours d'aujourd'hui, et j'espère que vous avez vraiment apprécié ce que nous avons créé aujourd'hui. J'espère vraiment que vous resterez dans les parages pour la série complète. Je pense qu'il nous reste quatre cours à suivre pour terminer tout cela jusqu' à ce que nous ayons un drap plat complet rempli de vie marine. S'il s'agit de la première classe de la série, vous en avez quatre autres que vous pouvez regarder et n' oubliez pas de me suivre ici sur Skillshare. Donc, vous savez, quand je publierai la prochaine leçon, si vous avez apprécié la leçon bonus et que vous souhaitez en savoir plus sur la façon de monétiser votre art. Vous pouvez consulter mes autres cours, les revenus pour les artistes et vous lancer dans l' impression à la demande si vous souhaitez en savoir plus. De plus, je dois dire qu'il est tout à fait légitime de s'adonner à l'art comme passe-temps et qu'il n'est pas nécessaire chercher à monétiser tout ce que nous faisons. La créativité est si saine et si importante pour nous tous. Gardez donc toujours cela à l'esprit. Si vous avez apprécié le cours d'aujourd'hui, n' oubliez pas de me laisser vos commentaires dans un commentaire et de me suivre ici pour que vous sachiez quand le prochain cours sortira. bientôt.