Du dessin à l'illustration : découvrez le lien entre votre façon de dessiner et celle d'illustrer

1. Intro: Le dessin est au cœur de chaque art et cela inclut l'illustration. Si c'est vrai, alors pourquoi tant d'illustrateurs luttent avec le dessin ? Si vous voulez dessiner avec plus de confiance du cœur et vous connecter de façon plus transparente comment vous dessinez avec la façon dont vous illustrez, vous n'êtes pas seul. Je m'appelle Tom Froese. Je suis un illustrateur primé et un enseignant de premier plan ici sur Skillshare, où j'ai aidé des dizaines de milliers d'étudiants débloquer le monde de l'illustration commerciale. Quand je commençais en tant qu'illustrateur, j'ai découvert que même si c'était bon pour dessiner et avoir un talent pour l'illustration, je ne pouvais pas relier ces deux mondes. Ma façon de dessiner et ma façon d'illustrer où deux choses distinctes, et il a toujours été une lutte pour rassembler ces choses. Au début, en tant qu'illustrateur travaillant pour les clients, alors que j'étais capable de trouver des concepts décents dans des croquis lâches, c'était toujours un pari quant à savoir si je pourrais les exécuter dans mon style d'illustration final. Non seulement cela a créé beaucoup d'incertitude dans mon processus, mais cela m'a coûté beaucoup de temps et il a vraiment perdu ma confiance en tant qu'artiste. Plus important encore, cela a créé beaucoup d'anxiété alors que j'ai couru répondre aux attentes de mon client tout en respectant le grand délai. Heureusement, depuis lors, j'ai été en mesure de développer un processus qui m'aide à surmonter ces défis de façon fiable encore et encore. L' une des découvertes les plus importantes pour moi a été d'apprendre vraiment à dessiner vers l'illustration. Maintenant, je suis heureux de vous montrer ce que j'ai appris, afin que vous puissiez utiliser le dessin avec plus de puissance dans votre propre processus d'illustration. Joignez-vous à moi pour vous guider d'abord à travers une série de mini-conférences, vous racontant tout ce que je sais sur le dessin vers l'illustration. Ensuite, nous allons tout essayer dans quelques exercices, en construisant des compétences fondamentales et en dessinant, abord de l'observation puis du cœur. Ensuite, dans le projet final, nous allons tout rassembler harmonieusement dans une scène illustrée pleine page dans votre style. Quel que soit le genre d'artiste que vous êtes, dessin est question de votre compétence la plus importante et de l'influence clé de votre style. Plus vous êtes confiant sur la façon dont vous dessinez, plus vous serez efficace dans votre art et, en fin de compte, plus vous serez libre et moins anxieux lorsque vous dessinerez vers l'illustration dans votre travail client. 2. À propos de ce cours: Cette classe est divisée en trois sections principales, l'amorce, les exercices et le projet final. L' introduction est l'endroit où j'expose certains de mes points de vue et principes clés pour vous guider à travers les exercices et le projet final et, bien sûr, à travers votre propre parcours en tant qu'illustrateur. Les exercices sont là où nous arrivons à mettre la théorie en pratique. Ici, je vais vous guider à travers des tâches de dessin difficiles mais amusantes. Ensemble, nous allons expérimenter ce que j'appelle le changement de mode, l'expérience de dessiner d'abord en mode observation, puis plus tard en mode idéation. Ne vous inquiétez pas, je vais vous en dire plus à ce sujet dans l'amorce. Le projet final est l'endroit où nous pouvons mettre à l'épreuve tout ce que nous avons appris dans l'amorce et les exercices, une illustration pleine page d'une scène avec un sujet et un fond et beaucoup de détails. Nous nous concentrerons principalement sur l'aspect dessin et esquisse du processus. J' espère que tout élève pourra appliquer les principes enseignés dans cette classe à son propre style d'illustration en utilisant ses propres outils et techniques préférés. Cela étant dit, je vais montrer un aperçu de mon propre processus d'illustration lorsque je terminerai ma propre scène pour montrer un exemple de ce à quoi peut ressembler la transition de l'esquisse à la finale. Pour ce qui est des compétences et de l'équipement requis, ceux qui ont au moins une certaine expérience et des instructions traditionnelles de dessin, qui ont du mal à faire fonctionner ce dessin pour eux dans leur illustration bénéficieront le plus de cette classe. En termes d'équipement, vous n'avez vraiment pas besoin de beaucoup, juste un crayon et du papier ou un carnet de croquis, au moins jusqu'à ce que vous preniez les choses dans votre propre style d'illustration dans le projet final. Que vous utilisiez Procreate ou un bon vieux crayon et papier, c'est vraiment à vous de décider, ça n'a pas d'importance. Pour le projet final, encore une fois vous pouvez apporter vos propres outils et équipements. Ce que vous utilisez est totalement à vous de décider. Si vous êtes sur une voie rapide pour terminer ce cours, vous pourriez probablement le terminer en une journée, au moins le composant de dessin. Il se peut que vous ayez besoin d'un autre jour pour travailler sur votre projet final. Bien sûr, il n'y a vraiment pas de limite de temps pour ce cours, et vous êtes invités à passer les exercices rapidement, tout à la fois, ou lentement un à la fois comme vous le pouvez. En ce qui concerne ce que vous obtiendrez de cette classe, il vous aidera à développer vos compétences en dessin pour vous aider à dessiner avec plus de confiance de cœur et à relier la façon dont vous dessinez avec votre style d'illustration final. Je veux juste souligner une fois de plus que ce n'est pas une classe pour vous aider à dessiner de façon réaliste. Je vais bien sûr vous montrer quelques astuces vraiment utiles pour dessiner à partir de l'observation. Mais si quoi que ce soit, je vais probablement vous encourager à vous laisser dessiner mal. D' après mon expérience, ce n'est pas ce que vous pouvez dessiner, c'est ce que vous ne pouvez pas, c'est la clé de votre style d'illustration. Je pense que je suis prêt à y entrer, alors allons-y. 3. Principes de base : dessiner pour l'illustration: dessin pour illustration est différent de ce que la plupart d'entre nous pensent quand on pense au dessin. Quand je parle de dessin pour illustration, je pense spécifiquement au processus de développement d'idées en utilisant le dessin avec l'objectif final d'une illustration finie à l'esprit. Le produit final n'est pas un dessin, c'est une illustration, ou plus important encore, c'est une expression visuelle d'une idée. Si nous, illustrateurs, ne dessinons pas des choses, mais exprimons des idées, où s'insère le dessin ? Eh bien, ne nous trompons pas. Le dessin est crucial pour le processus d'illustration. Mais je pense que nous sommes à égalité dans les contextes traditionnels. Un seul type de dessin qui tire de la vie ou des références d'une manière plus réaliste. Le but avec le dessin traditionnel est d'imiter la réalité. Plus la représentation est précise, plus nous apprécions le dessin. Je ne dis pas que ce n'est pas impressionnant, et je ne dis certainement pas que ce n'est pas une compétence précieuse. Je crois toutefois qu'il y a une lacune dans la plupart de notre formation d'illustrateurs, ce qui concerne le lien entre nos capacités de dessin et nos voix d'illustrateurs. Je pense que c'est compréhensible pourquoi enseigner aux autres leur voix ou leur style est presque impossible. Vous ne trouvez pas votre propre voix dans le livre, la vidéo ou la classe de quelqu'un d'autre. Cependant, je crois qu'il est possible de montrer à d'autres des indices pour trouver leur voix à travers certaines techniques. C' est ce que je veux faire dans cette classe. L' une des plus grandes découvertes que j'ai faites est que notre voix ne vient pas d'être techniquement exacte dans la façon dont nous dessinons, mais en fait dans la façon dont nous exprimons des idées malgré la façon dont nous ne pouvons pas dessiner. Permettez-moi de l'expliquer en décrivant mon processus d'illustration en deux étapes que nous utiliserons dans les exercices plus tard. Quand je travaille à une illustration pour un client, quelle est, selon vous, la première chose que je fais ? Vous pourriez deviner que je commence par esquisser quelles idées. Oui, je commence à esquisser, mais au début, seulement par observation. Je ne travaille pas pour l'instant à des idées. Disons juste que je dois illustrer une page complète pour un magazine en cours d'exécution. Ils veulent que j'illustrer quelque chose sur le fait de rester sécurité et en bonne santé lors de la course par temps chaud. La première chose que je vais faire est de sortir et de collecter des références d'image autour du sujet de l'exécution. Bien sûr, recherchez des images spécifiques qui se rapportent aux idées trouvées dans l'article. Maintenant, j'ai des photos de référence de personnes en cours d'exécution, peut-être des images d'endroits que les gens courraient, vêtements d' hydratation, de crème solaire, des lunettes de soleil, essentiellement un mésaventure d'images qui se rapportent à des idées dans l'article. Maintenant, je suis prêt à commencer à dessiner, mais au début, je ne dessine pas d'idées. Je dessine juste ce que je vois dans mes images de référence. J' appelle ce dessin d'observation ou de mode un. Dans mon cours de sport doux, j'appelle ce croquis gratuit. C' est libre de pression pour avoir des idées, c'est juste un moyen de télécharger des informations visuelles dans mon esprit que je peux littéralement puiser plus tard dans la deuxième étape, ou ce que j'appelle le mode 2 sketching. Donc, à un certain moment, j'ai dessiné mes références de façon observationnelle, et maintenant je suis prêt à entrer dans le deuxième mode, le dessin idéationnel. Dans ce mode, je ne regarde plus mes références. Je les ai mis de côté et j'essaie aussi fort que je peux ne pas les faire référence à moins qu'il ne soit absolument nécessaire. En faisant cela, je commence à dessiner un peu mal les choses. Bien que cela puisse sembler un inconvénient, c'est en fait ma plus grande force. Je connais assez l'idée générale de mon sujet ou le contenu de mon illustration pour savoir ce qui devrait être inclus. Mais alors je dois inventer ou inventer à quoi il ressemble réellement, comment tout cela s'intègre dans la composition. C' est dans cette traduction du dessin de ce que je vois, au dessin de ce dont je me souviens, et finalement ce que j'ai besoin de symboliser dans le dessin où se produit le plus de créativité. C' est pourquoi je crois que le dessin idéationnel ou mode 2 est plus créatif que le dessin observationnel ou mode 1. Le dessin idéationnel n'est pas meilleur et c'est presque impossible sans dessin observationnel. Les deux sont des partenaires et l'un mène à l'autre. De la même manière que le premier rapport d'une voiture est nécessaire pour que la voiture se déplace assez rapidement pour entrer dans la deuxième vitesse. Pour résumer, le dessin pour les illustrateurs consiste à comprendre ces deux modes de dessin et à savoir comment et quand les utiliser. Notre objectif en tant qu'illustrateurs commerciaux, en particulier ceux qui travaillent de manière graphique plus stylisée, est de dessiner symboliquement plutôt que littéralement. Puisque nos images sont des idées visualisées, tout ce que nous puisons dans notre art devient plus une interprétation ou une symbolisation de la chose réelle. L' interprétation active, nous devons d'abord voir un objet pour ce qu'il est, mais ensuite l'exprimer pour ce qu'il signifie pour nous. 4. Principes de base : outils et techniques: Pour le dessin et l'esquisse, les outils sont toujours simples ; un crayon et du papier ou leurs équivalents numériques. En termes de techniques, dans cette classe, nous allons nous concentrer sur des techniques de dessin très simples. Pour certains, ceux-ci peuvent venir naturellement, tandis que pour d'autres, ils peuvent se sentir forcés, au moins au début. Mais pour ceux qui veulent viser un style plus graphique et l'illustration et relier leur style de dessin de cette façon, les techniques suivantes sont essentielles. La technique fondamentale que j'utilise est le dessin de contour, qui consiste essentiellement à dessiner les contours et les détails intérieurs et les bords de votre sujet avec des lignes continues. Je trouve que beaucoup d'artistes ont tendance à dessiner plus provisoirement, construisant leurs formes avec une série de coups de lumière plus courts, sculptant légèrement les forums sur la page avant de s'engager à un coup plus confiant après. Je ne recommande pas de dessiner de cette façon, même si c'est la façon dont vous êtes habitué à dessiner, plutôt viser à laisser tomber des traits plus confiants et continus qui vous mènent presque autant que vous les menez. Ce qui se passera, c'est que l'AVC prendra sa propre vie. Vous verrez émerger des formes inattendues qui ressemblent à ce que vous vouliez, mais comme je l'ai dit, elles auront un peu leur propre esprit, surtout au début. Au fur et à mesure que vous pratiquez et développez cette technique, vous gagnerez plus de contrôle, mais c'est cette méthode de dessin, lignes continues et plus confiantes qui définira votre style de dessin et d'illustration plus que tout. Si cette façon de dessiner est tout simplement trop anormale pour vous au début, bien sûr, dessinez cependant elle sort et concentrez-vous sur l'objectif primordial de dessiner ce que vous voyez en mode observationnel et ensuite dessiner ce que vous vous souvenez ou pensez en mode idéationnel. Vous pouvez toujours tracer vos lignes indicatives croquantes après le fait. Même je traçais mes dessins de contour pour leur donner un sentiment de résolution et de confiance encore plus grand. Dans le dessin de contour pur, les sujets sont exprimés en ligne pure sans ombrage. L' effet est l'aplatissement de tout dans l'image, qu'il y ait un premier plan et un arrière-plan, toutes ces choses sont fusionnées sur le même plan. Pour un style graphique aplati d'illustration, c'est en fait idéal et un indice énorme façon d'épouser vos styles de dessin et d'illustration. Parce que nous nous dirigeons vers tout représenter sur un plan plat dans l'illustration finale, il est logique d'aplatir également notre style de dessin. ne veut pas dire que nous ne voulons pas parfois exprimer un sentiment de profondeur dans notre travail, c'est juste que nous voulons faire attention dans un style plus minimal à ne pas trop s'appuyer sur d'autres techniques de rendu, en particulier sur l'ombrage. L' ombrage est très utile et trouve son chemin dans mon travail, mais seulement dans la mesure où il est nécessaire. Nous devons garder à l'esprit que lorsque nous esquissons vers l'illustration, notre client verra et approuvera le croquis avant de passer à l'illustration finale. Notre objectif dans nos esquisses, en particulier pour les dessins, nos idées, devrait être axé sur le contenu, la composition concept et ne pas entrer trop dans les détails de l'ombrage et de la profondeur. Plus le croquis montre simplement votre idée, mieux c'est. Il respire un sentiment de confiance à votre client et élimine les opportunités de nitpicking sur des détails superflus qui ne devraient pas avoir d'importance à ce stade. Pour résumer, le dessin vers l'illustration doit être fait avec un simple crayon et du papier, et vous devriez viser à dessiner dans les modes d'observation et idéationnels en utilisant des contours. Utilisez des traits continus confiants plutôt que de créer des formes à l'aide de traits courts et provisoires. Vise à exprimer toutes les formes de manière aussi flagrante que possible, en évitant la tentation de donner aux choses un aspect plus volumineux et marbré. Bien sûr, permettez-vous de jeter dans le choix des moments d'ombrage ou d'autres marques expressives qui peuvent aider à clarifier l'image ou ajouter plus de personnalité. 5. Principes de base : les 3 piliers de l'esquisse: Lorsque vous dessinez vers l'illustration, c'est-à-dire lorsque vous développez des croquis qui finiront par partager avec nos clients avant de passer à notre illustration finale, les principales choses que vous voulez élaborer sont ce que j'appelle les 3 C de l'esquisse ; contenu, composition et concept. Le contenu est ce que vous allez inclure dans votre illustration. Fondamentalement, quels objets ou symboles vous représenterez dans l'art. Composition est la façon dont vous organisez ce contenu sur la page. Le concept est en fin de compte ce qu'est l'illustration. Comment le contenu de la composition fonctionne ensemble pour exprimer clairement le message ou la signification voulus. Ces 3 C et rien d'autre devraient faire l'objet d'une conversation, au moment où vous partagez vos croquis avec votre client. Vous ne voulez pas faire dérailler la conversation en entrant dans les détails, avec des couleurs, des motifs ou des textures, ou d'autres décisions stylistiques qui devraient idéalement atterrir carrément dans votre domaine en tant que leader créatif. Un croquis est une occasion, bien sûr, pour le client de peser et d'influencer la direction de l'art sans marcher sur vos orteils créatifs. Vous voulez qu'ils soient en mesure de confirmer que vous avez répondu à leurs besoins, résolu leur problème dans votre croquis, ou de leur proposer de vous expliquer pourquoi vous ne l'avez pas fait. Mais la dernière chose que vous voulez discuter est de savoir si c'est dans le bon style. Vous pouvez garder la conversation sur la bonne voie en vous assurant qu'il y a aussi peu d'occasions distraire les commentaires qui peuvent faire dérailler la conversation globale sur le contenu, la composition et le concept. Partager votre premier croquis est toujours un moment vulnérable et à juste titre, mais vous ne voulez pas vous exposer à plus de critiques qu'il n'est absolument nécessaire. Gardez vos croquis tout sur le contenu, la composition et le concept, et vous aurez de meilleures chances de voir vos meilleures idées obtenir l'approbation de vos clients. En guidant le client dans le processus de cette manière plus propre, vous gagnerez en fait plus rapidement sa confiance. Juste une note sur les commentaires des clients sur le style, vous pouvez demander si ou quand il est acceptable pour un client d'offrir des commentaires sur votre style. Je dirais que tout est équitable quand on en discute respectueusement. Bien sûr, nous types d'artistes avons besoin de construire une peau fixe juste au cas où le respect semble sortir de la fenêtre. Cela dit, le meilleur moment pour élever le style n'est pas au milieu du projet, mais avant même de commencer. À ce stade de ma carrière, j'ai travaillé très dur pour créer un style d'illustration que je crois que mes clients viennent me voir. Le style dans lequel je travaille n'est plus en discussion. Mais si jamais j'ai l'impression que ça pourrait l'être, je le demande à l'avance. Je demande au client quel travail il a vu qui l' a inspiré à venir me voir en premier lieu et même l' encourage à m'envoyer des images de mon travail qu'il aime et pense qu'il est lié à sa propre vision. C' est une excellente façon de s'ouvrir et de donner au client une chance de peser sur le style sans que cela devienne une question de savoir si vous le faites dans votre propre style ou celui de quelqu'un d'autre qui n'est généralement pas très amusant. Si vous êtes nouveau dans l'illustration et que vous n'avez pas un seul style, vous avez l'impression que vous pouvez appliquer, c'est tout à fait normal et attendu au début. Dans un tel cas, je recommande fortement d'avoir une conversation sur le style au début. Vous pouvez demander pourquoi ils sont venus vous voir et si c'était un style particulier qu'ils pensaient que vous pourriez le faire, ce qui les a amenés à le faire. Ou si vous êtes excité d'essayer l'un des quelques styles possibles différents, essayez de créer un tableau Pinterest avec deux ou trois directions ou styles possibles, et utilisez-le pour avoir une meilleure idée de ce que votre client souhaite. Bien sûr, soyez clair pour votre client sur le fait de ne pas imiter le style de quelqu'un d'autre, mais simplement que vous voulez en faire inspirer le travail. Que vous soyez confiant dans un style unique ou que vous commenciez et essayiez des choses différentes, ou quelque part entre les deux, il est vraiment important de vous assurer que vos attentes et celles de vos clients correspondent. Ayez cette conversation de style au tout début, mais dans vos croquis, gardez la conversation aux 3 C ; contenu, composition et concept. 6. Principes de base : les cerveaux droite et gauche: Je voulais parler brièvement d'une idée qui a influencé mon dessin dès le début. Quand j'étais au début de la vingtaine et que j'ai commencé à découvrir l'art et le design comme un choix de carrière possible, mère de mon ami a remarqué et m'a donné un livre intitulé Drawing From the Right Side of the Brain de Betty Edwards. Ce livre a changé ma vie. Sans vous lire tout le livre, je peux dire que la plus grande idée est dans sa distinction entre les modes droit et gauche du cerveau. Ceux-ci ne doivent pas être confondus avec les deux modes de dessin dont je parle dans cette classe, bien qu'il puisse y avoir un certain chevauchement. Bref, notre cerveau gauche est responsable du langage et de la raison, tandis que notre cerveau droit est responsable de la pensée abstraite spatiale et plus créative. Lorsque vous dessinez à partir de l'observation, l'astuce est de passer en mode R où votre cerveau ne pense pas aux mots et à la logique. Si nous laissons le cerveau gauche interférer, c'est à ce moment que nos dessins commencent à se briser, lorsque nous sommes découragés par l'impossibilité de mettre sur papier ce que nous voyons devant nous. Edwards caractérise le cerveau gauche comme étant très orienté vers les tâches et même impatient, avec le dessin. Quand nous dessinons quelque chose, disons notre propre main devant nous, notre cerveau gauche veut accélérer l'opération avec des raccourcis qu'il a. Ça dit : « Oh, je sais ce que c'est, sont des doigts, c'est une main, ce sont des ongles. » et pour le meilleur ou pour le pire, le cerveau gauche a des symboles pour ces choses qui sont souvent assez simplifiés et irréalistes. C' est pourquoi, lorsque beaucoup de gens essaient de tirer leurs mains, ils dessinent un tas de doigts de saucisse s'évanouissant de ce qui est censé être la partie principale ou la paume de la main. Mais si vous pouvez calmer le cerveau gauche et l'entraîner à se retirer un instant et donner au cerveau droit une chance de faire son truc, alors soudainement vous dessinez commence à ressembler à la réalité avant vous. Votre cerveau droit, libre des traces du langage et des symboles, n'est pas préparé avec une réponse ou des symboles préfabriqués, il trace simplement les contours de votre main ou de l'objet devant vous que vous essayez de dessiner. Lorsque je dessine observationnellement, à la fois dans cette classe et dans ma pratique d'illustrateur, je commence dans mon mode R autant que possible. C' est l'une des expériences les plus agréables que vous pouvez avoir avec le dessin où vous perdez la trace du temps et vous perdez tout en voyant ce que vous dessinez. Mais malheureusement, où votre mode R peut dessiner ne fonctionne pas toujours pour une illustration qui doit avoir une couche linguistique communicative. Le paradoxe est que pour le genre d'illustration que nous visons, c' est-à-dire plus stylisé et symbolique, nous devons réellement convertir ce que nous dessinons en mode R en quelque chose qui ressemble davantage au mode L. Au fur et à mesure que nous développons, en tant qu'illustrateurs, nous construisons un répertoire de choses que nous avons dessinées avant et, dans une plus ou moins grande mesure, elles deviennent des symboles plus dans le commandement de notre cerveau gauche. Mode idéation, le deuxième mode ou étape de dessin dans mon propre processus retourne en mode L. Betty Edwards. Le mode d'idéation est plus symbolique et linguistique. Au lieu d'essayer de dessiner de la manière la plus [inaudible] du mode R, nous laissons notre côté rationnel reprendre le contrôle. Mais c'est toujours un équilibre. Comme nous pratiquons ces illustrateurs, nous voulons pouvoir basculer entre le mode observationnel ou R, en idéationnel, ou en mode L, selon les besoins de la situation. 7. Principes de base : 5 points difficiles en dessin: Quand j'ai annoncé à mes élèves et après que j' allais organiser cette classe sur le dessin, je leur ai demandé ce qu'ils considéraient comme leurs plus grands points de douleur. Il y a eu beaucoup de réponses différentes, mais j'ai l'impression qu'elles peuvent être résumées de ces cinq façons. Le premier point douloureux est de pouvoir puiser du cœur sans utiliser de références. Je pense que c'est le rêve de chaque illustrateur, capable de dessiner librement sans entrave, la même manière que l'on peut ressentir une fois qu'il parle couramment une seconde langue. La réalité est que, même après des années d'expérience, je dois encore tirer des références de temps en temps. Mais la bonne nouvelle, c'est qu'au fil du temps, mesure que je continue de dessiner et d'illustrer, je me familiarise de plus en plus avec la façon dont je puise de l'intérieur et je grandisse pour accepter ce que je dessine parce que je le reconnais comme le mien. Bien sûr, en tirant des choses de la vie, références encore et encore, je construis graduellement un répertoire, même imparfait de ces choses dans ma mémoire. Le plus grand remède à ce point douloureux que je peux offrir est la promesse qu'en dessinant les choses encore et encore, vous trouverez un moyen de les dessiner d'une manière plus naturelle et plus fluide. Je veux vous donner la permission de dessiner ces choses exactement comme elles sortent. Donnez-vous la permission de dessiner, comment vous dessinez et de laisser ce n'est que ce qu'il est. Vous trouverez un modèle au fil du temps dans la façon dont vous dessinez certaines choses : mains, chaussures, voitures, maisons, chats, arbres, et devenez plus confiant en vous tournant vers ceux-ci pour raconter vos histoires et vos idées dans vos illustrations. Le deuxième point douloureux est de pouvoir garder un dessin simple sans sentir que vous avez besoin d'ajouter plus à cela et de vous sentir confiant en cela. Pour moi, garder les choses simples n'est pas quelque chose que je vise directement. La vérité est que je ne pourrais pas rendre mon travail aussi simple si j'essayais. Le moment, j'essaie de rendre mon travail simple et pas trop réfléchi, c'est le moment où je suis plus compliqué et trop réfléchi. Au lieu de cela, je cherche à rendre le message de mes images aussi clair que possible. Je ne demande pas : « Comment puis-je rendre mon travail plus minimaliste et plus simple ? Je demande : « Qu'est-ce qui est nécessaire et ce qui n'est pas nécessaire ? Soit pour exprimer la signification voulue, soit pour créer une image convaincante. Dessiner avec simplicité est le résultat de mon objectif de stylisation dans mon travail. Je parle de cela dans mes cours de corps impairs et de points doux et je vais aborder la stylisation plus spécifiquement dans la prochaine vidéo. Le troisième point douloureux est de dessiner et d'illustrer des scènes cohésives avec des arrière-plans. Eh bien, c'est en fait moins spécifiquement sur dessin et plus largement sur une certaine illustration. Je pense que cela vaut la peine d'être abordé dans cette classe en raison du rôle que joue le dessin dans la construction d'un type d'illustration de scène complète. Je crois que le problème sous-jacent de ce point douloureux est plutôt de ne pas savoir comment composer une telle scène. En se référant aux trois C, ce problème concerne le contenu et la composition, ce qu'il faut inclure et comment l'inclure dans le dessin. La grande hypothèse ici est que vous essayez de créer une scène à partir de votre imagination. Si vous aviez un modèle de la scène que vous vouliez illustrer devant vous, vous pouvez simplement en tirer en mode observationnel, non ? Le grand aperçu ici vient de construire une scène d' abord en parties, puis ensemble dans son ensemble. Mais ce n'est pas exactement ce que vous pourriez penser. La façon dont je dessine des scènes et prend des décisions sur ce qu' inclure dans mes images vient toujours de prendre un certain temps pour rassembler des images de référence qui me donnent des idées sur la scène que j'essaie de construire , puis de les étudier à travers dessin d'observation. La bonne nouvelle est que les exercices de cette classe démontrent exactement ce processus et vous aurez la chance mettre à l'épreuve dans le projet final. La première partie consiste donc à télécharger les informations visuelles que vous souhaitez inclure dans votre scène, partir d'images de référence ou de la vie. C' est la partie facile. La deuxième partie qui peut être plus difficile, surtout au début, est de laisser tout cela sortir dans la composition de votre croquis. Voici l'astuce principale cependant, lorsque vous dessinez une scène d'une manière plus plate et plus stylisée, nous arrivons à arranger et modifier les choses sur la page de toute façon, nous voulons la fois pour raconter leur bonne histoire et pour obtenir la composition juste. Parce que nous ne tirons pas à partir de références à ce stade, nous ne sommes pas liés à la réalité, nous pouvons hardiment changer ce que nous voulons encadrer notre sujet ou remplir le cadre. Le quatrième point douloureux est de dessiner avec confiance. Ceci est très lié au dessin du cœur, mais je pense que cela vaut la peine d'étendre un peu plus sur ce point. Pour dessiner du cœur, j'utilise la métaphore de la maîtrise de la langue seconde. Si dessiner du cœur c'est savoir parler couramment, dessiner avec confiance c'est savoir quoi dire. Le problème sous-jacent avec ce point douloureux est de ne pas connaître votre voix. Ce n'est pas différent de quand nous sommes plus jeunes et essayons de trouver notre identité, qui nous sommes à l'âge adulte. Moins nous nous connaissons nous-mêmes, moins nous avons confiance. Mais alors que nous vieillissons, nous espérons devenir plus confiants parce que nous commençons à comprendre qui nous sommes et c'est à partir de cela que nous avons notre voix la plus forte. Le remède à ce point douloureux est de trouver comment vous dessinez en mode observationnel et idéationnel au fil du temps. Je suis désolé de dire qu'il n'y a aucun moyen d'acquérir cette connaissance de soi sauf par l'expérience et l'expérimentation, ce qui signifie du temps et il n'y a tout simplement pas de substituts. S' il y a un piratage que je peux vous donner, c'est juste vous donner la permission alors que vous seul pouvez vous donner cette permission. Mais en vous donnant la permission de dessiner mal, laissez ce qui sort naturellement de votre main quand vous dessinez se produire. Utilisez ces lignes de contour plus sûres et continues plutôt que ces traits courts et timides avec lesquels vous construisez vos formes. Plus important encore, trouver des moyens de l'accepter et de l'embrasser. S' il y a quelque chose dont vous vous sentez malheureux, c'est normal de le défier. Mais je dirais : « Quelle voix veux-tu avoir si ce n'est pas celle que tu as raison ? Qui est la voix qui vous inspire le plus ? Que pouvez-vous apprendre des leurs ? Comment pouvez-vous intégrer cela de manière authentique avec la vôtre ? » Le cinquième point douloureux est de relier la façon dont on esquisse avec la façon dont on veut que leur illustration finale soit. Je pense que c'est le plus grand point de douleur là-bas et c'est ce qui m'a poussé à découvrir ce dont je parlais jusqu'ici dans mon propre voyage. J' ai dit dans l'intro quand je commençais en tant qu'illustrateur, ma façon de dessiner et d'illustrer où deux choses distinctes et c'était toujours une lutte pour trouver un moyen de rassembler ces choses. Le problème sous-jacent ici est un conflit entre la façon dont nous avons appris à dessiner plupart du temps de manière réaliste et le style d'illustration dans lequel nous voulons travailler. y a des chances, ce qui vous a inspiré à apprendre le dessin dès votre jeune âge était tout à fait distinct de ce qui vous a inspiré à devenir illustrateur plus tard. Par conséquent, dès le départ, ces deux choses ne correspondent pas. Cela n'aide pas qu'il y ait peu de formation officielle sur la façon de dessiner vers votre style d'illustration de choix. n'y a que des instructions de dessin qui tendent à favoriser le réalisme et la représentation littérale. Le remède à ce point douloureux est de comprendre les différents modes de dessin, qu'il y a un temps et un rôle pour dessin observationnel et un temps et un rôle pour le dessin idéationnel. Les deux modes de dessin doivent être encouragés, mais si votre style de dessin et d'illustration ne correspond pas, vous devriez travailler à développer la façon dont vous dessinez en mode 2. Viser à développer une façon de dessiner plus symbolique et qui vient de la façon dont vous dessinez sans références. Bien sûr, il est tout à fait acceptable de s'inspirer également vos héros en illustration et de les laisser influencer la façon dont vous dessinez et illustrez. Pour moi, j'ai toujours été inspiré par illustrateurs du milieu du siècle comme Paul Rand et Alice et Martin Provensen J'ai donc laissé et je n'ai toujours pas laissé certaines de leurs approches de stylisation influencer la mienne. La deuxième partie de cette cure consiste à utiliser l'ingénierie inverse votre style d'illustration pour mieux travailler avec la façon dont vous dessinez. Ce que je veux dire, c'est que vous pourriez trouver un terrain d'entente entre la façon dont vous dessinez plus naturellement et la façon dont vous illustrez. En fait, il peut s'agir de la combinaison exacte dont vous avez besoin pour trouver votre style d'illustration. L' idée clé de ce point douloureux est que votre style de dessin et votre style d'illustration sont très probablement deux choses très différentes, au moins au début et il est de votre travail trouver comment apporter ces choses plus rapprochés. La meilleure façon de le faire est de séparer d'abord la façon dont je tire de l' observation de la façon dont je tire du cœur ou dans un mode idéationnel. Ensuite, pour s'assurer que ce que je fais esquisse peut être réellement enrichi dans mon style d'illustration. Vous pouvez être très attaché à la façon dont vous pouvez dessiner quelque chose d'une manière plus observationnelle ou même d'une manière idéationnelle, mais si c'est incompatible avec votre style d'illustration, vous devez être prêt à le laisser aller. Cela peut être très difficile, mais vous devez vous assurer que votre travail n'est pas de dessiner le plus beau dessin, mais de communiquer une idée pour votre client. chose la plus importante est de ne pas pouvoir illustrer une chose de cette façon dans ce cas, mais de pouvoir illustrer quoi que ce soit d'une manière stylistiquement cohérente au fil du temps. Au fur et à mesure que vous grandissez en tant qu'illustrateur, cherchez des façons de dessiner des objets en utilisant les mêmes formes et styles, assurant qu'ils ont toujours un sens dans votre style d'illustration final, ce qui signifie que vous pouvez réellement livrer sur les marchandises quand il s'agit de ce croquis en illustration finale. Si vous le souhaitez, vous pouvez toujours le tester dans votre style avant de le partager avec votre client , puis de modifier votre esquisse pour le rapprocher de ce que vous pouvez réellement réaliser. Il est toujours préférable de sous-promettre et de livrer trop à vos clients. Ne partagez jamais le croquis aussi beau, si vous n'êtes pas certain, vous pouvez le faire avancer en finale. Bien sûr, idéalement, vous pouvez illustrer beaucoup de choses dans un style que vous aimez et encore une fois, ce cours est tout au sujet de vous aider à y arriver. 8. Principes de base : style et détails: Alors que nous plongons plus profondément dans l'idée d'unir nos styles de dessin et d'illustration, nous arrivons inévitablement à la discussion de la stylisation. La stylisation en termes simples représente quelque chose d'une manière non réaliste. La stylisation peut être divisée en cinq principes ou éléments, qui vont en fait plus en profondeur à la fois dans les points doux et les corps étranges à d'autres classes que j'ai ici sur le partage de compétences, mais je suis plus qu'heureux de les toucher rapidement ici. Les principes de stylisation fonctionnent commodément dans les faces d'acronyme, F-A-C-E-S. F est pour l'aplatissement, A pour l'abstraction, C pour la clarté, E pour l'exagération ou l'excentrification, et S pour la simplification ou la symbolification. aplatissement est bien sûr, réduire ce que nous observons en réalité à un espace plat, supprimer la notion de profondeur et de volume au profit d'une représentation plus simple et plus graphique. L' abstraction résume quelque chose à son essence visuelle qui consiste à représenter l'idée de quelque chose plutôt que sa forme littérale. abstraction est la clé de la stylisation en ce sens qu'elle nous permet de représenter des choses plus complexes d'une manière simple. Mon exemple préféré est d'utiliser juste le triangle vert, peut-être avec le rectangle en bas pour un arbre de Noël. Vous n'avez pas besoin de dessiner chaque aiguille et peu d'écorce, vous avez simplement besoin de montrer la forme générale de l'arbre et peut-être ajouter quelques cercles colorés comme ornements. La clarté est de s'assurer que ce que vous dépeignez est clair pour votre public. C' est une chose de décrire quelque chose d'une manière non réaliste, mais si l'idée de la chose n'est pas claire qu'elle manque tout à fait le point. Lorsque vous coiffez un sujet, vous devez toujours viser à le représenter d'une manière clairement identifiable. exagération est bien d'être libre de jouer avec l'échelle dans votre travail. Ce n'est pas parce que les choses sont d'une certaine taille dans la vie réelle cela ne signifie pas que vous devez le représenter de cette façon dans votre art. Vous êtes autorisé à modifier les tailles et les échelles des objets pour que votre composition fonctionne. J' ai également mentionné le mot eccentrification pour ce point, et c'est vraiment juste permettre aux bizarreries d'entrer dans votre travail, dans votre style parce que ceux-ci finalement ce qui rend votre travail plus identifiable, si c'est trop net et trop parfait et vous ne permettez pas quelques erreurs soigneusement organisées, alors pourrait juste sembler un peu mécanique et robotique. Permettre à une partie de cette humanité d'entrer dans votre travail est également très important lorsque vous stylisez. Enfin, la simplification consiste à inclure uniquement ce qui est nécessaire pour raconter votre idée ou votre histoire. Ce qui est lié à l'abstraction en ce que vous voulez faire bouillir quelque chose à son essence autant que possible. Bien sûr, vous voulez équilibrer la simplification et l'intérêt. Vous ne voulez pas simplifier quelque chose à tel point qu'il n'y a plus rien à regarder. Vous ne voulez pas simplifier une pièce tellement que vous n'avez que des murs blancs nus. En même temps, vous ne voulez pas inclure plus que ce qui est nécessaire, sinon votre idée méchante pourrait se perdre. Un autre mot que j'aime pour le S dans les visages acronyme est la symbolification. Ce que je veux dire, c'est de développer une façon de représenter certains éléments votre travail d'une manière hautement abstraite encore et encore. Tous les symboles sont par nature des abstractions. La lettre A, par exemple, est une pure abstraction parce qu'elle n'a pas de signification représentative, la forme du A n'est pas une image de ce que nous trouvons dans la vie réelle. Pour l'illustration, cependant, nous utilisons de nombreuses abstractions comme raccourcis stylistiques. Par exemple, j'ai des symboles que j'utilise des abstractions pour les arbres, herbe, les vagues, et même les bâtiments en arrière-plan. J' ai symbolisé ces objets afin que je puisse les utiliser pour suggérer l'idée de ces choses sans avoir à les dessiner plus en détail. Ceci est particulièrement utile s'ils ne sont pas au centre de mon illustration principale, sont des extras dans mon set de film. En symbolisant certains éléments moins importants dans une illustration, vous pouvez construire le sens d'une scène sans avoir à dessiner littéralement toute la scène, ce qui serait autrement très distrayant et peut-être plus de temps qu'ils ne valent. Lorsque vous dessinez et illustrez, une excellente façon d'ajouter du style et de la personnalité à votre travail est une excellente façon d'ajouter du style et de la personnalité à votre travail est de choisir dans les raccourcis stylistiques utilisés, symboles plus simples au lieu de choses plus complexes. Squiggles pour les ressorts ou la fumée, zigzags pour les montagnes ou les fermetures à glissière, chevrons sur un bâton pour les arbres, cette chose. Mis à part la stylisation, je veux aborder ce que j'appelle la curation. curation est l'acte de sélectionner, d'organiser et de présenter les choses selon un but ou un goût précis. Une galerie organise une collection d'art spécifique en fonction de son mandat. Il y a certaines œuvres qu'il acceptera d'accrocher comme des murs et d'autres qu'aucune offense ne rentre pas dans. Dans un exemple très évident, peinture n'aurait pas sa place dans une galerie de sculptures. Titien n'aurait pas sa place dans un musée d'art moderne. Un de mes petits secrets sales en tant qu' illustrateur est dans le fait que je préside ou que je choisis de représenter certains objets de certaines manières en fonction de la façon dont je peux les dessiner avec le plus de facilité, ou du moins avec le moindre sentiment d'effort possible dans mon style. Il ne s'agit pas d'être paresseux, mais de tirer parti de mes forces de mon style plutôt que d'essayer de le forcer à agir comme un style différent. Parce que ma façon particulière d'illustrer est très stylisée et simplifiée, il est dans mon intérêt de travailler avec des sujets et points de vue qui se prêtent le plus à cette approche. Un excellent exemple est dans la façon dont je dessine des voitures. Eh bien, un illustrateur avec un style réaliste plus complexe n'aurait aucun problème à dessiner une voiture moderne en trois quarts de vue. Dans mon propre style, j'ai peut-être du mal à travailler quelque chose. Au lieu de cela, si je devais illustrer une voiture, je pourrais utiliser mon sens conservateur pour choisir une voiture que je peux dessiner plus naturellement dans mon style, disons un wagon Volvo 240 de 1980, qui est essentiellement une brique sur roues. La fonction Curation signifie choisir les objets qui correspondent le mieux aux objectifs de votre illustration. Dans un tel cas, l'objectif pourrait être de simplement représenter l'idée d'une voiture. Une Volvo 1980 est beaucoup plus emblématique dans son interprétation ou représentation de l'idée de voiture qu'une Ford Taurus 2018. Il convient également de noter que je préfère simplement une Volvo 1980 à une berline moderne de n'importe quelle marque ou modèle. Cela peut être une raison aussi valable pour l'inclure dans mon art que n'importe quel autre. Quand je parle de curation dans l'illustration et dans le dessin vers l'illustration, je parle d'être sélectif dans quoi, dans la façon dont vous dessinez certaines choses. curation ici consiste à choisir des sujets et des points de vue qui correspondent le mieux à votre style et à votre intention. façon dont vous organisez, ce que vous décidez d'utiliser comme référence, et comment vous décidez d'inclure des idées dans votre art, c'est une grande partie de votre style. Si jamais vous vous demandez pourquoi un illustrateur a choisi d'inclure une chose plutôt qu'une autre dans une illustration, il y a de fortes chances qu'elle soit basée sur son sens conservateur, à la fois sur ce qu'il se sent confiant à illustrer et sur ce que ils aiment. 9. Principes de base : l'itération (l'ingrédient secret): C' est la dernière vidéo d'amorce et ensuite nous pouvons passer aux exercices. Mais avant nous, je veux juste vous donner l'un des outils les plus puissants que je connaisse en illustration. Itérer. Iteration signifie faire quelque chose encore et encore jusqu'à ce que vous obteniez bien. Rarement les idées se présentent à nous tout de suite sous forme complète. C' est là que l'itération et son cousin, le raffinement entrent en jeu. Alors que nous nous tournons vers l'illustration, surtout lorsque nous travaillons à développer nos concepts, nous devons d'abord itérer en termes de quantité d'idées différentes. Essayez juste beaucoup de choses différentes sans être trop critique. Après avoir passé un peu de temps à épuiser toutes nos options, nous pouvons nous éloigner pendant une heure ou une nuit, essentiellement prendre un repos. Ensuite, nous pourrons y revenir plus tard avec un esprit frais et choisir notre concept le plus fort. Ensuite, nous pouvons itérer à nouveau, mais cette fois sur ce concept fort et l'affiner rendre clair ou pour s'adapter plus à la composition, ou pour le rendre plus intéressant d'une certaine façon. raffinement est juste une itération différente qui se concentre sur la qualité plutôt que sur la quantité. itération et le raffinement sont la sauce secrète en termes de passage de zéro idée à plus d'idées que vous ne savez quoi faire avec. L' itération et le raffinement vous aident à construire une idée que vous n'auriez jamais imaginée autrement. Il y a un mythe selon lequel les illustrateurs déversent des idées directement de la riche imagination sur la page, comme la magie. Mais la réalité est que les idées sortent rarement de nulle part comme celle-ci. Au lieu de cela, des concepts forts sont développés itérativement étape par étape en commençant par des marques rugueuses qui ne sont pas sûres, et en s'appuyant sur ceux-ci jusqu'à ce que le grand moment d'Eureka se produise. Au fur et à mesure que nous tracons les exercices et dans le projet final et que vous dessinez vers l'illustration dans votre propre voyage, gardez à l'esprit que les idées viennent itérativement. Si jamais vous sentez coincé et que vous ne savez pas quoi faire, commencez par faire des notes, puis répondez à ces notes, puis répondez à ces réponses, toujours à la recherche de cette idée ou à la question, est-ce que cela fonctionne ? Est-ce que cela fait ce que l'illustration doit faire ? Ce n'est qu'en itération, puis en s'éloignant et en revenant et en cherchant ces choses qui fonctionnent de manière plus objective vous pouvez vraiment construire des idées auxquelles vous n'auriez jamais pensé auparavant. Gardez cela à l'esprit pendant que nous traversons les exercices et les projets de cette classe. 10. Exercices : se lancer: Il est temps d'entrer dans les exercices. Il y a quatre exercices, chacun étant similaire en ce sens qu'ils ont deux parties. Dans la première partie, nous puisons dans le mode d'observation, de la vie réelle ou d'une photo de référence. Dans la deuxième partie, nous dessinons en mode idéationnel, en utilisant ce que nous savons et souvenons de la première partie comme notre seule référence. Pour tous les exercices, vous devez utiliser le dessin de contour pour décrire le formulaire. Évitez la tentation d'ombrage et de modéliser le volume excessivement. que vous passez par ces exercices, prenez le temps que vous voulez. Mais je vais suggérer un temps cible pour chaque partie de chaque exercice et cela vous aidera à rester frais et à ne pas trop réfléchir. Mais encore une fois, si vous voulez juste vous perdre dans le dessin et ne pas vous inquiéter du temps, c'est tout à fait bien aussi. Enfin, avant d'entrer dans le premier exercice, rappelez-vous, ce sont des exercices d'apprentissage, pas des performances. L' exercice vous rend plus fort, ce qui implique que nous ne sommes pas encore aussi forts que nous le serons. La plus grande façon d'éviter la frustration ou l'impatience ici est de régler d'abord une minuterie et de ne pas vous donner trop de temps pour se disputer avec les détails et trop penser les choses. Deuxièmement, donnez-vous la permission d'être mauvais, et troisièmement, juste poussé à travers quoi que ce soit. Quand vous avez l'impression d'avoir fait une erreur, acceptez-la et continuez. Quoi que vous fassiez, ne vous arrêtez pas pour vous donner ce temps de prendre un pied en avant. Il est temps d'être critique et douteux, mais ce n'est pas le moment. 11. Exercice 1 : la chaise: Dans l'exercice 1, nous allons dessiner une chaise. Trouvez une chaise dans votre maison ou si nécessaire, trouvez une image d'une chaise en ligne. Il peut être n'importe quel angle bien que je suggère que le dessin d'une chaise en trois quarts de vue où vous voyez une partie du haut et deux côtés en même temps. Cela vous donne les informations visuelles les plus possibles sur votre sujet dans une seule vue et devient utile pour dessiner du cœur dans la deuxième partie. Pour la première partie, le mode d'observation, donnez-vous dix minutes ou moins pour terminer. Il suffit de dessiner la chaise comme vous le voyez en utilisant des contours. Pour la partie 2, mode idéationnel, essayez de ne pas prendre plus de cinq minutes. J' ai ici une photo d'une chaise de mon espace de travail de mon atelier. Je vais juste dessiner ça du mieux que je peux, aussi fidèle que je peux, en me souvenant de dessiner uniquement dans les contours et d'éviter de faire trop d'ombrage fantaisie et de penser en termes de rendre ça trop réaliste ou quoi que ce soit comme ça. Mais je dessine de l'observation en utilisant de belles lignes de contour audacieuses. Donc je vais juste y aller et allons voir ce qui se passe. Tout de suite, je suis entré et j'ai décidé de tracer le contour extérieur de la chaise elle-même d'un coup audacieux. Lorsque vous dessinez un objet, vous recherchez les arêtes ou les entités de l'objet qui ont aidé à le définir. Surtout avec une surface plus sinueuse comme cette chaise, je vais avoir besoin de tout ce que je peux pour m'aider à décrire cette surface en utilisant le contour. Ces boulons qui maintiennent les pieds sur le siège sont très importants pour aider à décrire le contour global de cette chaise sans utiliser d'ombrage. Encore une fois, je peux utiliser un peu de ligne de contour ici. Un ici que je vois que l'aide vient obtenir ce sens du contour. Si cela aide, si vous dessinez de la vie, cela aide à aplatir votre sujet dans votre esprit en fermant simplement un œil pour que vous ne perceviez pas autant la profondeur. Je regarde sur mon écran sur ma photo de référence et je vois où ces jambes sont en référence les unes aux autres mais aussi en référence aux boulons qui tiennent le siège sur les jambes. Encore une fois, vous cherchez des points de référence dans votre sujet que vous pouvez utiliser pour faire votre prochain mouvement afin que j'ai des balles de tennis sur les jambes de ma chaise pour protéger mon sol. J' aime juste à quoi ça ressemble. Cet audacieux se trouve un peu plus haut dans l'avion puis celui-ci et celui-ci descend en fait un peu plus loin. Encore une fois, je fais de mon mieux pour décrire cette chaise uniquement en utilisant contours et en les évitant d'ombrager si possible. Maintenant, je voudrais peut-être lui donner un peu d'ombre ici, un peu de ce que je vois sur ma photo juste pour lui donner un peu plus de sens de la courbure de cette surface. Ces types de services sont tout simplement beaucoup plus difficiles à dessiner dans le style contour. Mais même ces lignes, je pense qu'elles suffisaient. Je n'avais pas vraiment besoin d'ajouter l'ombrage, mais l'ombrage est juste satisfaisant à ajouter là lors de l'esquisse. Mais comme vous pouvez le voir, je pourrais continuer à aller et à faire trop de travail, et c' est exactement ce qui se passerait. La recherche serait juste surchargée. Ça va perdre cette spontanéité, mais c'est bien sûr une image d'étude. Peu importe à quel point c'est bon parce que ce n'est pas mon produit final. Mon produit final va être une illustration finale pour mon client. C' est une image d'observation. C' est quelque chose que je fais dans ce que j'appelle des points doux. J' appelle ce croquis gratuit où je suis juste en train de télécharger informations visuelles pour que l'acte ait été fait, j'ai téléchargé des informations sur cette chaise. Il est là. Je vais juste le laisser et passer à la deuxième partie. Dans la partie 2, nous passons du mode d'observation au mode idéationnel. Je vais mettre ma référence de côté. Je ne regarde pas la photo de ma chaise que j'ai eue avant. Je vais faire de mon mieux pour dessiner cette chaise en utilisant des lignes de contour de la mémoire. Je me souviens qu'il y a cette forme du siège. Il y avait des boulons dans ce genre de modèle de diamant. Il y avait un contour ici, peut y avoir quelque chose et qui aide vraiment à décrire cette lèvre de la chaise. Il y avait les jambes qui se rapportaient quelque peu aux boulons de la mer. Je me souviens aussi que les balles de tennis sur le fond de chaque jambe où ils forment une forme de diamant, si vous pensez à ces balles en termes de constellations peut-être. On a ces balles qui font la forme et je m'en souviens. Je vais juste défaire cette ligne là et ces têtes, ce genre de coupures où la jambe est tombée dans les boules. Il y a le motif de balle de tennis, cette petite ligne de balle de tennis sur chacun d'eux. Voilà ma chaise. Je le fais totalement de mémoire et je dirais que c'est probablement assez proche. Je me souviens que ces jambes étaient noires. Voilà une chose intéressante que j'aimerais que tu essaies aussi. Maintenant que vous avez cette référence de cette chaise dans votre esprit, essayez de jouer avec l'angle de cette chaise sans tourner la chaise réelle dans la vraie vie autour de la recherche de différents angles. Vous devrez le faire, surtout si vous travaillez uniquement à partir d'images de référence parce que vous n'aurez pas d'autres angles. Mais c'est juste un exercice visuel de slash mental intéressant. Comment pouvez-vous faire pivoter cette chaise dans votre esprit de différentes manières de votre imagination ? Imaginez, à quoi ressemblerait cette chaise sous tous ces autres angles et mettez-vous au défi de la dessiner sans avoir à avoir de référence visuelle. Vous remarquerez que ma vue de face de la chaise, mes vues de côté, ils ne sont pas techniquement si bons mais ils sont amusants. Ils sont fantaisistes et bizarres et finalement c'est ma voix, c'est ma voix qui dessine, et j'aime ça. Encore une fois, ce que je pourrais faire si je voulais en quelque sorte passer sur ces, j'ai une nouvelle couche ici. J' ai mis des dessins que je viens de faire comme une sorte d'opacité inférieure, donc maintenant c'est comme si j'avais du papier calque dessus. Je peux aller et essayer de tracer ces derniers d'une manière plus claire et plus confiante. Peut-être pour compenser les erreurs que je croyais avoir faites dans la première passe. Par exemple, je peux descendre ici et vraiment m'assurer que l'interaction entre la fissure dans la balle où la lumière va dans cette fente. Je peux rendre ça un peu plus clair sur ce qui se passe là-bas. Cela peut être nécessaire ou inutile dans mon illustration finale, tout dépend. Mais c'est le genre de choses que vous pouvez faire lorsque vous passez en revue une illustration. Ici, ma qualité de ligne est vraiment vacillante, ce qui, je pense, a beaucoup de mouvement à elle, donc je pourrais choisir de laisser cela, mais peut-être que le style d'illustration que je vais chercher dans mon art final doit être un peu plus net. Je vais éclaircir ce qui se passe ici. J' ai fait un peu d'oopsie là-bas. Donc, je vais le faire une fois de plus et je peux itérer autant que j'en ai besoin jusqu'à ce que ce soit parfait, surtout si c'est numérique. Ce n'est vraiment pas de peau sur mon dos, sauf un peu de temps. Simplifiez cette fente pour simplement aligner. Si je ne veux pas me lancer dans la description d'une manière plus tridimensionnelle. C' est peut-être tout ce dont j'ai besoin. Vous pouvez voir qu'il y a un mouvement, une progression vers ou des lignes plus nettes qui décrivent mon dessin. Encore une fois, je veux apporter certains de ces petits détails qui racontent l'histoire de cet objet qui est plus intéressant que la chaise elle-même est que j'ai mis des balles de tennis dessus. Voyez combien d'angles différents vous pouvez dessiner votre chaise. Ensuite, quand vous avez terminé, comparez ce que vous avez dessiné dans la deuxième partie avec ce que vous avez dessiné dans la première partie. Je vais le faire ici avec vous, mon propre art. Ici, nous avons la chaise que j'ai tirée de la vie et puis ici nous avons ma version la plus raffinée des chaises que j'ai dessinées sous différents angles. Vous pouvez vraiment voir ici nous avons beaucoup plus de subtilités dans le dessin observationnel comme la subtilité de la courbe des jambes se penchant vers l'autre. Vous avez tout plus dans un endroit réaliste. Même la façon dont j'ai décrit ces contours avec ces lignes simples fonctionne et a du sens quand vous le regardez. Ici, dans ma deuxième partie où j'ai dessiné seulement pour la mémoire, j'ai redressé les jambes, je ne me souvenais pas de ce détail ici. J' ai vraiment simplifié les contours du siège. Alors que vous pourriez regarder cela et penser que cela semble mieux. Ce premier dessin d'observation semble mieux, c'est une observation juste et une opinion juste. Mais vous pouvez également regarder cela comme sa propre chose distincte de ce que vous avez dessiné observationnellement et voir la valeur dans aussi. C' est juste plus amusant, c'est plus fantaisiste, et il serait vraiment intéressant de voir à quoi cela ressemblerait Si je devais ajouter, je colorierais et texture et utiliserais mes techniques d'illustration finales pour le rendre. Il y a quelque chose d'audacieux, de courage et de plaisir à aller avec cela malgré ce que vous savez que vous auriez pu faire. C' est l'une des décisions créatives que vous prenez en tant qu'illustrateur, c'est le niveau de réalisme dans le détail et de subtilité que vous apportez à votre travail. Si vous voulez développer un style cohérent, façon cohérente de dessiner, je crois que vous devez en fait vous habituer à vos bizarreries et aux choses qui ne sont pas parfaites dans votre travail. Parce qu'en fin de compte, vous devez dessiner de votre cœur. Quand on tire du cœur, ça finit par ressembler plus à ça que comme ça. Ce deuxième mode de dessin va être pour le meilleur ou pour le pire, ce que vous pouvez dessiner plus systématiquement. Je vais le laisser à ça. C'est le premier exercice, et maintenant nous allons passer au deuxième exercice qui est l'usine. 12. Exercice 2 : la plante d'intérieur: Dans cet exercice, nous allons dessiner une plante d'intérieur. Il peut s'agir d'une plante suspendue ou en pot, grande ou petite. C'est à vous de décider. Je vais dessiner une de mes plantes d'intérieur en pot. Pour celui-ci, je suggère de dessiner une plante avec des feuilles et traits que vous pensez être difficile à dessiner par rapport à dire, un simple cactus de poire ou une plante de serpent, un palmier ou un ficus sont des spécimens idéaux à dessiner, par exemple. Pour la partie 1, mode d'observation, donnez-vous 10-15 minutes pour terminer, en fonction de la complexité de la plante et de la précision que vous voulez dessiner. De nos sujets complexes avec des parties qui se chevauchent comme des plantes, il sera plus difficile de se confier la tâche de dessin. Aussi, tout comme je vais sur le mien, qu'il est plus facile si vous passez la plupart du temps à regarder votre sujet, puis à votre page. Laissez votre main tracer ce que votre œil voit lorsqu'il scanne les bords et les contours de la plante. Pour la partie 2, mode idéationnel, donnez-vous 5-10 minutes. Ok, c'est le deuxième exercice. Maintenant, notre mission est de dessiner une plante. Pourquoi une plante ? Les plantes sont organiques, elles sont complexes, elles ont beaucoup de parties qui se chevauchent, et elles représentent dans l'ensemble un défi pour nos patients et certainement un défi pour certaines de mes idées sur le dessin dans les contours seulement. C' est en fait une excellente occasion d'essayer mettre votre cerveau dans ce mode r lorsque vous dessinez observationnellement, permettre à votre cerveau droit de prendre le relais où votre dessin, ce que vous voyez. Votre cerveau gauche va être vraiment frustré parce que c'est comme si c'était une feuille, c'était une feuille, c'était juste une feuille. Il n'a pas vraiment un symbole pour la façon dont toutes ces feuilles dans votre plante ou la tige ou l'écorce ou quoi que ce soit que vous dessinez dans votre plante. Il n'a probablement pas de symboles très clairs pour toutes ces choses, soit il va vouloir vous dire d'arrêter, il va vous dire que vous faites un mauvais travail et ensemble, il va être très impatient. J' ai devant moi une photo d'une de mes plantes d'intérieur et c'est dans un pot sur un stand. Je peux dessiner toute cette assemblée, mais on y va. Peut-être juste pour me tromper en dessinant le single, je vais commencer par dessiner le pot lui-même parce que ce n'est pas un objet organique. Le problème ici est que j'ai commencé un peu trop grand, je veux juste effacer cela et recommencer. Rien de précieux ici, et vous allez devoir me donner de la place pour cette plante. Encore une fois, je commence avec le dessin de la planteur par des traits de contour agréables et confiants par rapport à des traits provisoires et croquis. Ne soyez pas timide, ne soyez pas trop prudent, voyez si vous pouvez décrire tous vos bords et contours. Beau, confiant, coups propres, pas parfait, juste propre et confiant. Pendant que je dessine en mode observationnel, je pense aussi aux relations de taille. Je me demande, quelle est la taille des pattes sur le support de plante par rapport au jardinier ? Est un pot de ce grand et les jambes grand ou si la plante de ce grand et la longueur de cette grande, basé sur ce que je mesure ici de mon oeil, le stand et le pot sont à peu près la même hauteur. D' accord. Je pourrai m'occuper de la jardinière plus tard. Maintenant, je peux dessiner la tige de la plante en sortant maintenant pour commencer avec en fait assez facile, je vois la tige et puis soudainement une fois qu'il arrive à environ ici, il se perd dans toutes les feuilles séparées de cette plante. Ce que je vais faire, c'est juste aller avec tout ce que je peux voir et articuler facilement, puis me tromper, m' aider à juste commencer à dessiner par des contours. Maintenant, une chose à propos du dessin, des choses compliquées comme ça. Une astuce consiste à regarder plus votre sujet que votre page, parce que si vous regardez votre page, vous ne regardez pas, vous ne voyez pas ce que vous dessinez réellement. Ici, je laisse juste mon stylo tracer ces lignes, j'essaie d'oublier que je dessine des feuilles et que je dessine des formes, des lignes, des contours, des ondulations. Ça ne va pas être parfait. Ça pourrait même devenir désordonné, vous risquez de perdre la trace, c'est bon, faites de votre mieux pour garder la trace, mais dessinez en regardant, pas en pensant. Nous dessinons du côté droit du cerveau, racontant le cerveau gauche, désolé. Vous devez avoir votre chemin plus tard, en ce moment, nous dessinons juste ces lignes abstraites que nous voyons devant nous. Ils n'ont pas de noms, mais vous trouverez même quand vous dessinez de la vie, vous commencez à vous déplacer la main, surtout avec des feuilles. Vous bougez votre main dans le même motif que vous séchez chaque feuille encore et encore. Remarquez que je ne prends pas beaucoup de temps ici. Vous pourriez être plus prudent, vous pouvez prendre aussi longtemps que vous voulez dessiner votre plante. J' ai regardé mon écran. J' ai vraiment regardé quelques fois, mais je n'ai pas vraiment regardé, maintenant je regarde. Cette plante que je viens de dessiner est vraiment un contour aveugle. Un contour aveugle est vraiment juste un dessin de contour comme je l'ai déjà décrit, mais vous passez presque zéro temps à regarder la page elle-même. Maintenant, je vais juste remplir certains des détails de mon jardinière. Dessiné sur le motif de grille, ce sont du bois qu'ils se rétrécissent. Je pense que c'est à peu près tout ce que je peux faire dans ce mode, sinon, il y a juste, c'est déjà une masse. Mais c'est la première partie du dessin de la plante et ça m'a pris moins de 10 minutes pour arriver ici, et c'est vraiment tout ce dont j'avais besoin pour vraiment voir la plante pour mes besoins. Ce que je vais faire, c'est que je vais cacher ce calque pour l'instant, je vais ouvrir un nouveau calque. Nous allons entrer dans la deuxième partie de l'exercice de la plante, qui est bien sûr, de tirer la plante de la mémoire. Je déplace l'usine une référence de mon point de vue et ne regarde pas, pas de pic, pas de tricherie. Nous allons tirer notre plante froidement de la mémoire, et bien sûr maintenant nous regardons l'écran. J' aime commencer avec l'objet ou le bord le plus sûr que je puisse me souvenir ou voir, et cela bien sûr, était le support de plante avec le pot ou le pot. Vraiment, je suis juste en train de retarder la partie difficile, mais nous y voilà. Je sais que la tige de cette plante a ces lignes, et les feuilles ont commencé à continuer comme ça. petites bananes vraiment, et elles se chevauchaient, et parfois elles ne l'ont pas fait, et parfois elles ne l'ont pas fait, selon le bord, mon cerveau gauche obtient sa satisfaction en ce moment, parce que ce sont des symboles, ce sont des symboles pour les feuilles, mon cerveau gauche a trouvé un hack, un moyen de dessiner ces feuilles complexes comme des symboles, comme des notions rapides ou des idées. Mon cerveau droit a fait son travail, il peut se détendre. Je peux juste dessiner ces plantes et maintenant c'est à moi de déterminer quand c'est suffisant. J' en ai assez dans ce dessin ? Peut-être que je dois juste jeter une chose de plus là-dedans. Je peux toujours annuler si j'ai l'impression qu'il y en a trop, je peux toujours ajouter plus. Quelque chose comme ça, j'ai peut-être déjà exagéré. Mais il y a la plante de mémoire, un organisme organique très complexe. Ouais, j'ai l'impression que cette forme de mémoire est beaucoup plus proche de la façon dont je l'illustrer. il est retiré de la forme d'observation pure et c'est certainement beaucoup plus propre que les contours aveugles que j'ai utilisés en mode observationnel, mais voyons ce qui se passe si j'essaie juste de styliser cela un peu plus en utilisant certains de mes principes de stylisation. Il y a aplatissement, obstraction, clarté, exagération ou excentrification et simplification, ou symbolisation. Cette plante tirée de la mémoire est si représentative qu'elle est très proche de l'original. Mais voyons ce qui se passe si je l'enlève encore plus du réalisme. Qu' est-ce que je peux faire avec ça ? J' ai le pot, je l'ai aplati. Je fais disparaître le sens de l'intérieur de ce pot, peut-être avec les jambes, je les transforme en bâtons. Je ne vais pas m'inquiéter pour le modèle. Ensuite, avec la plante, la question est, comment puis-je la faire plantae, mais vraiment l'éloigner de la réalité ? Comment pouvons-nous capturer l'essence de cette plante ? Je ne sais toujours pas comment cette plante s'appelle. Ce que je veux vraiment faire, c'est garder ces simples et plats. Ça ne me dérange pas un peu de chevauchement, juste un peu cependant. Sinon, l'illustration pourrait être trop occupée. Ce dessin, ce que je fais ici est plus proche de ce que j'appellerais mon style d'illustration que ça. C' est plus stylisé, j'ai des choses symboliques plus, simplifié, c'est encore plus excentrique. La façon dont j'ai dessiné les jambes, ce n'est pas ce que c'était dans la vraie vie. Il y a quelque chose de bizarre, mais ça ajoute du caractère. Si je le voulais, je pourrais ajouter un motif, et maintenant je suis totalement aplatissement de ce modèle. Je ne suggère pas du tout une courbure avec ce motif. Juste un truc de gaufres de grille, quelque chose comme ça. Ensuite, je vais jouer avec cela, je pourrais décider que quand je l'illustre dans mon style qu'il n'a pas besoin du motif, ou peut-être que je veux changer ce que ce modèle est. Je n'ai pas à passer par exactement ce que j'ai vu dans l'image de référence ou une vraie vie, peut-être qu'il suffit d'avoir des rayures horizontales sur le pot, ou peut-être que j'ai un squiggle comme motif. Vous pouvez vraiment jouer avec la réalité. La réalité est différente de illustration parce que dans l'illustration, vous arrivez à faire ce que vous voulez, votre monde est plastique et malléable et fait la fête entre vos mains. Comparons juste le dessin original que j'ai fait à ceux stylisés que j'ai fait dans le mode idéationnel. Maintenant, j'aime beaucoup ça, je pense que c'est vraiment cool. Il y a beaucoup de sentiments et d'expressivité à ce dessin, mais je me demanderais si je pourrais l'obtenir comme ça une autre fois si j'en avais besoin. Bien sûr, je pourrais peut-être dessiner un autre contour aveugle de l'usine et aurait certaines de ces caractéristiques, mais l'une des choses que nous voulons améliorer en tant qu'illustrateurs, est de pouvoir répéter les succès passés de manière fiable. Nous voulons pouvoir faire nos plus grands succès encore et encore, être en mesure d'avoir un répertoire à partir duquel nous pouvons puiser. Les chances de le faire, encore une fois, ne sont pas aussi grandes que les chances de le faire à nouveau. C' est ma plante stylisée symbolisée. Je pourrais le faire à nouveau, et peut-être à partir de maintenant et je dessine des plantes d'intérieur et des scènes, par exemple. Je vais finir par faire quelques variations sur ce sujet inconsciemment ou consciemment, parce que maintenant je l'ai, et c'est maintenant une partie de mon langage de symboles, mon langage visuel que j'utilise dans mon illustration. Ceci conclut le tirage au sort d'un exercice d'usine parties 1 et 2, et nous allons passer maintenant au troisième exercice, qui dessine notre espace de travail. 13. Exercice 3 : l'espace de travail: Dans cet exercice, nous allons dessiner notre espace de travail ou une autre scène intérieure d'une pièce dans votre maison. Vous pouvez également trouver une photo d'un espace de travail qui vous inspire en ligne, c'est votre choix. Il devrait être clair que votre espace de travail n'a pas besoin d'être en forme vierge pour le dessiner. En fait, je pense que ce serait beaucoup plus intéressant si vous dessinez des choses comme elles sont sans trop de style. Donnez-vous plus de temps pour dessiner ça si vous voulez. Pour la première partie, donnez-vous peut-être 20 minutes pour compléter le dessin. N' oubliez pas de vous concentrer sur le dessin des contours avec des traits de confiance, ne pas être timide et provisoire. Comme toujours, évitez la tentation d'ombrager et de modéliser un sens du volume. Assurez-vous de vous donner suffisamment d'espace sur la page pour dessiner le plus large possible d'une scène. Si vous êtes intimidé et que vous ne savez pas quoi commencer à dessiner en premier, commencez simplement par un bord de l'objet le plus dominant de votre vue, quel que soit votre œil est naturellement attiré. Pour la partie 2, donnez-vous environ 10 à 20 minutes pour compléter. Vous constaterez peut-être que vous vous souvenez de tout ce que vous avez dessiné dans la partie 1, ou que votre mémoire est un peu brumeuse, mais au fur et à mesure que vous allez, vous aurez l'espoir de trouver, comme je le fais, ma mémoire est joggggée avec chaque nouvelle marque que j'ajoute. Chaque nouvelle marque m'aide à me rappeler ce que devrait être ma prochaine note, ce que la prochaine chose dans ma scène était quand je l'ai dessinée de façon observationnelle. Celui-ci va prendre plus de temps que la chaise et les exercices de plantes, mais c'est vraiment le même exercice, dessiner avec des contours, ce que vous voyez, commencer par le bord vers lequel votre œil est attiré en premier, et juste partir de là. Ne vous inquiétez pas pour votre point de départ. La seule chose à penser, c'est l'échelle. Tu ne veux pas manquer de place. Je vais juste commencer par la chose la plus évidente visuellement qui est mon écran, peut-être retarder et le remplir parce qu' il y a tellement de détails qu'il semble plus satisfaisant tout de suite de remplir cet écran avec un peu d'ombrage plutôt que de faire ce que je suis censé faire. Vous constaterez que même si le dessin est un exercice merveilleux et agréable, c'est quelque chose que nous avons tendance à vouloir retarder et éviter parce qu'il nécessite une concentration pour vraiment puiser dans l'observation. En dessinant, vous pourriez trouver cette erreur de mesure, et c'est bon, juste éditer au fur et à mesure que vous allez, j'ai dessiné mon moniteur un peu trop petit. Je dessine certaines des étagères que j'ai, je peux l'utiliser comme un moyen de mesurer dans mon dessin global. Dessiner à partir de l'observation ne signifie pas nécessairement la précision, cela signifie simplement que vous êtes ouvert à voir ce qui se trouve devant vous et, dans une certaine mesure, à le dessiner, l'enregistrer sur votre surface de dessin. Plus la chose que vous dessinez à partir de l'observation est complexe, plus elle peut commencer à regarder, plus vous allez commettre d'erreurs, donc vous allez avoir cet effet de choses semblent un peu moins clair et confiant, ce qui est l'idéal mais pas toujours le résultat exact que vous obtenez. La photo que j'utilise comme référence, je viens de prendre une photo de mon studio, comme c'est maintenant que je suis en train d'enregistrer, donc il y a beaucoup de gâchis de jour ici, y compris l'éclairage. La bonne chose à tirer de l'observation est que certaines choses ne sont pas nécessaires ou désirées, vous pouvez les laisser de côté. Je peux laisser de côté l'éclairage de mon installation ici, mais tu sais quoi, parce que c'est là, je préfère les dessiner, je pense que je vais juste l'inclure. Vous remarquerez que vous pouvez totalement mal mesurer en termes de relation comme dans mon image, mon écran et mon MacBook sont beaucoup plus proches, donc si je le voulais, je pourrais aller tout déplacer de cette façon effacer et recommencer. Mais je vais continuer avec ça dans l'intérêt de vous prouver que les choses n'ont pas besoin d'être parfaitement parfaites même quand on sort de la vie. Vous essayez vraiment de télécharger des informations visuelles et d'enregistrer cela sur la page. Ce n'est pas notre objectif final, nous ne le dessinons pas comme notre destination finale. Encore une fois, en utilisant, comme mon étagère a ces supports qui la maintiennent, je peux utiliser ces intervalles uniformément espacés comme moyens de mesurer où les choses vont. Dans ma composition, j'ai un grand pot en verre plein de ruban adhésif et de règles, c'est mon pot de ruban et de règle. J' ai une boule de papier là-bas que j'ai froissé à un moment donné. Ici, j'ai une lumière, et je suis juste en train de tracer les contours que je vois même mon bureau et juste laisser mon cerveau droit faire son truc ici. Avec cette scène plus complexe, je suis intéressé par la scène globale plus que je ne le suis pour chaque détail minuscule, et oui, j'utilise l'ombrage en plus des contours parce que cela m'aide à donner une référence pour tous les autres éléments de mon composition ici. Il y a des livres ici, et vous verrez que je ne suis pas trop inquiet de ce que sont ces livres, peut-être plus tard, si ça me semblait important, je pourrais vraiment revenir en arrière et essayer de faire référence à ce que certains de ces détails sont, et vous verrez que je ne suis pas trop inquiet de ce que sont ces livres, peut-être plus tard, si ça me semblait important, je pourrais vraiment revenir en arrière et essayer de faire référence à ce que certains de ces détails sont, peut ajouter à l'histoire, ou ils pourraient être tout simplement trop de détails. Encore une fois, vous pouvez être aussi détaillé que vous le souhaitez. Je peux vraiment me lancer dans le dessin de chaque petit détail et être précis. Pour moi en ce moment, j'essaie juste d'entrer dans l'information visuelle globale, idée clé ici, l'histoire clé est mon espace de travail. Je travaille assez vite pour passer à travers cela, pas trop inquiet pour la précision et plus sur la cartographie de tout cela sur la page, et dans mon cœur et dans mon esprit. Comme je dessine, je vais plus vite et plus vite, et la raison est, je suis en fait juste dans un mode juste où mon esprit ne pense pas, je ne regarde pas ma page autant, je n'essaie pas d'être critique. Le bord de mon bureau est là et il descend ici, j'ai quelques tiroirs. Encore une fois, mon esprit voit des motifs ici avec ces petites tirettes, les petits trous dans les portes pour que vous puissiez sortir. Cela peut ressembler à un gâchis quand je regarde mon écran, mais pour l'instant, je suis juste dans la zone à tracer la réalité avec mon stylo sur le papier. Une chose que je développais cette classe à laquelle j'ai pensé était comment cela, ce que je fais en ce moment n'est pas différent du traçage, et si vous voulez retourner cela, traçage est juste de dessiner vos sujets avec le moins espace possible entre votre crayon et votre sujet. Lorsque vous effectuez un suivi, vous suivez simplement les lignes qui se trouvent juste sous la pointe de votre outil. Mais quand vous dessinez en mode observationnel, vous tracez les lignes en face de vous est juste que ces objets dans votre traçage sont à quelques mètres, à quelques mètres ou à des centaines de mètres si nous sommes à pieds ou peu importe. Si c'est à une distance, c'est encore une trace. Lorsque vous vous sentez satisfait d'avoir décrit votre espace de travail à l'aide de ces lignes de contour fiables, vous pouvez y mettre fin quand vous le souhaitez. Je regarde autour de moi juste pour voir si j'ai manqué quelque chose d'important. Je ne peux rien faire d'autre, et c'est bon. Je pourrais dessiner un peu plus comme un brack sur ma table lumineuse, mais j'ai l'impression que ça va être exagéré. Alors que j'essaie de me dépêcher maintenant, je suis impatient et je gribouille vraiment les choses, c'est mon tapis, et pour juste avoir l'impression que c'est matériel, je vais juste faire quelques squiggles au moins pour avoir une sensation de tapis. Parfois, quand je dessine des choses plus complexes, et que je veux garder une trace de ce que j'ai réellement dessiné, je vais même l'étiqueter parfois, ce sera comme si c' était du tapis, ça a l'air vraiment aléatoire, C' était un appareil de chauffage. Je reviens et je nomme les choses, donc je me souviens de ce qu'elles étaient, si j'avais l'impression qu'elles étaient importantes. Mais il y a mon dessin de contour de mon espace de travail. Juste au moment où vous pensiez que nous avions fini, nous devons maintenant tirer cet espace de travail de la mémoire. Maintenant, c'est la deuxième partie, et cela va être vraiment cool à cause de la façon dont un espace de travail est détaillé comparé à une chaise ou à une usine. Il y a juste beaucoup plus de parties. C' est dans un espace plus grand, mais c'est vraiment la même chose. Ça s'inspire de notre mode idéationnel, et j'essaie vraiment de voir à quoi ça ressemble quand on puise de la mémoire. À quoi ressemble notre dessin lorsque nous oublions certains détails ? Comment rattrapons-nous ça ? Mais ne pense pas trop fort à ça pendant que nous allons. Je dirais juste de faire de votre mieux pour puiser dans la mémoire. Maintenant, pour moi, je pense que je commence habituellement où j'ai commencé mon dessin d'observation. Je pense que parce que je dessinais sur cet écran dans mon dessin d'observation de mon espace de travail, c'est la chose dont je me souviens le plus et il est très possible que je suivrai les mêmes étapes que celles que j'ai prises pour dessiner ceci dans les deux modes. Une chose à prendre vraiment de cette partie de l'exercice est qu'en ce moment, je ne me souviens pas de toutes les choses qui étaient dans mon espace de travail. Il y a beaucoup de choses, et c'est un peu intimidant, mais une ligne peut mener à la suivante. Une ligne peut vous rappeler quelle ligne vient de cette ligne, et donc ce n'est qu'un petit mot d'encouragement. J' avais oublié que mon iPad était là. En regardant le coin de ce livre sur lequel mon moniteur est assis, je me suis souvenu : « Oui. Il y avait quelque chose là-bas. Oui. C'était mon iPad. » Alors, bien sûr, je me souviens que j'ai une étagère. Je me souviens que j'ai mon appareil photo, ma caméra aérienne, puis mon ordinateur portable étant là. Il y a un tas d'accords ici. Je n'essaie pas de dessiner exactement comme dans la réalité. Maintenant, je prends quelques libertés. J' ai fait des choses comme ces accords. J' utilise juste un raccourci stylistique, un squiggle pour représenter la façon dont tous ces accords s'emmêlaient là. Je me souviens qu'il y avait un projecteur. Bien sûr, je me souviens qu'il y avait une table lumineuse ici. Honnêtement, je ne regarde pas mes références. Je ne regarde pas dans ma chambre même si je pouvais. Rappelez-vous qu'il y a un chapeau ici, ces supports qui maintiennent l'étagère, également espacés et ceux-ci ont ces parties ici. Ensuite, sous le bureau est aussi quelques supports. Une radio là-bas. J' essaie tellement de ne pas regarder juste devant moi parce que c'est juste là. Un peu abstrait. Mais oui. Maintenant, je me souviens qu'il y avait un support qui le tenait, ce qui signifie qu'il y avait un support sur celui-ci aussi. Cette lumière est un peu haute. Je ne peux pas dessiner ce qui était là, mais c'est bon. Je sais qu'il y a des cadres. Mon but avec cette première itération de dessin du cœur est vraiment, encore une fois, de cartographier les choses comme je me souviens d'eux. C' est une carte de ce que je me souviens de mon premier dessin et plus tard, si je le voulais, je pourrais l'affiner itérativement. Cette image est en fait un exemple intéressant de vraiment imposer votre style à quelque chose qui ne l'était pas auparavant. Ce dessin est fait dans le style de peinture de quelqu'un d'autre. Ce n'est pas mon style. Mais comme je le dessine de mémoire, parce que je dessine des visages d'une certaine façon, j'impose cette façon de dessiner sur le style de peinture de cette autre personne. Je pense que c'est bon. Je n'essaie pas de reproduire et d'imiter le style de peinture de quelqu'un d'autre. En fait, si je peux interpréter quelque chose comme ça dans mon propre style, cela ajoute de la valeur à ce que je peux illustrer. Disons que j'ai la Mona Lisa pendre là. Je pourrais dessiner fidèlement la Mona Lisa et toute sa ressemblance ou peut-être que je peux dessiner la Mona Lisa d'une manière qui est plus basée sur mon style. C' est comme un mélange de mon style et du style Mona Lisa. En plus de mon ordinateur portable ici, je sais que j'ai un scanner. Je dessine juste ça. Je n'ai pas dessiné ça dans la première partie de l'exercice, mais je vais juste le dessiner là-dedans parce que je dois remplir l'espace où était le vide. Oui. Intéressant que je ne peux tout simplement pas, pour la vie de moi me rappeler quand dans ces espaces. Je vais m'arrêter maintenant et nous allons comparer ces deux, l'original et celui-ci et voir ce que je me suis souvenu, ce que j'ai oublié et, dans l'ensemble, quelle est la différence entre eux. Prenez l'original et déplacez-le de ce côté. Oui. C'est intéressant. Je regarde ces deux choses et il y a des choses que j'ai oubliées ici et ici. Une des choses que je remarque et me souviens, c'est que quand je suis arrivé ici, je ne pensais pas vraiment à ce que je dessinais. Je me précipitais trop loin et je n'ai pas décrit ça du tout. Je n'ai rien donné à mon esprit pour me souvenir de cette chose. Donc je ne me souvenais pas de ce que c'était. Mais maintenant que je peux regarder, je sais qu'il y a une petite bouteille et un chapeau et tout est assis sur une petite boîte. Mais dans l'ensemble, pour une scène aussi complexe, je me suis souvenu un peu. Le fait que je l'ai dessiné deux fois maintenant, une fois de l'observation, une fois par idéation, les objets de cette scène resteront dans ma mémoire pendant un certain temps. Pour les prochaines heures et pour le lendemain, j'aurai quelques souvenirs très frais de ce qui était dans cette scène et ça m'aide à l' utiliser dans le cas où j'aurais besoin d'illustrer une scène qui ressemble à cet espace de travail. Une petite alerte de spoiler pour le moment, nous allons utiliser le dessin que nous avons fait ici, notre espace de travail et aussi les deux autres dessins, la chaise et l'usine dans notre illustration finale. Mais avant de le faire, nous allons simplement faire un de ces exercices où nous faisons l'observation, puis l'idéation, et ce sera une figure humaine. Si vous êtes allé aussi loin, si vous avez pu puiser dans votre espace de travail, de l'observation, puis de l'idéation à la mémoire, félicitations pour l'avoir fait aussi loin. Je sais que c'est beaucoup de travail. Mais mon espoir est, à ce stade, vous soyez plus à l'aise avec ce passage du mode 1 au mode 2, le passage de l'observation, enregistrement, et de la prise de données, information et puis de la répandre dans votre mode idéationnel au dessin. Bon travail. Continuons. Je vais te voir dans la prochaine vidéo d'exercice. 14. Exercice 4 : la silhouette: C' est le dernier exercice de dessin. Pour celui-ci, dessinez une figure humaine complète. Quelqu' un assis dans une pose intéressante fonctionnera mieux. Vous pouvez prendre une photo de vous-même, vous pouvez recruter un bénévole pour vivre modèle pour vous, ou vous pouvez trouver une photo d'une personne en ligne. Demandez à vos modèles de s'asseoir ou de se tenir debout dans une pose intéressante, ou de trouver une photo de quelqu'un en quelque sorte en action. Évitez les photos de personnes qui se tiennent tout droit sur ou dans une pose droite ennuyeuse. C' est peut-être le plus difficile à dessiner parce que nous serons tentés de capturer la ressemblance de notre figure. ne s'agit pas de capturer la ressemblance ou de dessiner des gens réalistes. Nous dessinons simplement un autre sujet comme la chaise, l' usine dans l'espace de travail, abord à partir de l'observation, en obtenant une idée de son essence et de sa forme générales, puis en le dessinant de la mémoire. Si vous avez suivi mon cours de corps oculaires, vous serez familier avec cette méthode de dessin d'abord la personne de référence, puis de mémoire. Dans cette vidéo, vous verrez que même je suis coincé à vouloir capturer la ressemblance de mon modèle, et j'ai failli abandonner mon exercice et recommencer. Mais je me rassure alors qu'il n'est pas important de capturer la ressemblance dans ce cas. Nous visons à capturer l'idée d'une figure humaine, pas la ressemblance exacte de ce personnage particulier. Pour la partie 1, ne vous donnez pas plus de 10 minutes pour terminer le dessin. Encore une fois, exprimez tout dans les contours. Recherchez des lignes et des contrastes intéressants qui se produisent entre les vêtements et la peau, montres ou les bijoux, et même les rides et les plis. Chaque ligne que vous voyez dans votre modèle devient un point de référence qui peut éclairer votre prochaine repère. Pour la partie 2, donnez-vous environ cinq minutes à remplir. Encore une fois, concentrez-vous sur le chiffre global. Ne vous inquiétez pas d'entrer dans les détails. Surtout, ne vous perdez pas en essayant de dessiner le visage. Votre cerveau gauche va avoir un ajustement, mais combattez-le et visez juste à obtenir l'idée d'une figure dans une pose particulière vers le bas. Vous pouvez rugueux dans les marques générales du visage si vous le souhaitez ou vous pouvez laisser le visage vide. Tout ce que vous pouvez faire pour éviter d'essayer de dessiner ce visage à pleine ressemblance. Encore une fois, il suffit de viser à obtenir l'idée d'une figure dans une pose particulière, c'est votre seul travail. Bienvenue dans le dernier exercice, dessinant une figure humaine. Encore une fois, vous pouvez dessiner de la vraie vie ou d'une photo de référence comme vous le souhaitez, et bien sûr, dans mon propre exercice ici, je vais utiliser une photo que j'ai prise de moi-même ici aujourd'hui et j'ai juste pensé que c'était une pose drôle, et je vais travailler avec ça et on verra ce qui se passe. Je suis probablement allé avec l'un des bords les plus dominants, qui est la ligne sous ma cuisse et mon siège, et je dessine juste des contours qui se chevauchent. Encore une fois, je ne pense pas à l'exactitude anatomique, je ne fais que dessiner les contours de ce que je vois. Je porte tout noir ici, ce qui aide vraiment à apporter beaucoup de contraste entre l'endroit où ma peau est visible et crée ces contrastes spectaculaires de noir et de lumière. Mais alors, bien sûr, quand il s'agit des vêtements eux-mêmes, le noir sur noir ne fournit presque aucun contraste, ce qui peut être un défi à dessiner. Ici, je suis juste en train de tracer ma forme de main ici. Comme vous le verrez, c'est différent du dessin, disons, dans une classe de dessin de vie que vous pourriez avoir besoin de prendre pour l'animation ou certains types d'illustration. Ce n'est pas dessiner de cette façon où vous analysez plus le volume de la forme humaine et des choses comme ça. Je dessine ça exactement de la même manière que j'ai dessiné tout le reste. Même approche, la seule chose qui soit différente est le sujet. Ouais, donc si j'allais chercher une ressemblance, je pourrais être plus prudent ici, mais en ce moment, j'essaie juste de remettre certaines de ces choses à la mémoire. Je suis vraiment trop chargé de cette chaussure pour une raison quelconque. C' est bon. C'est juste une étude, c'est juste un exercice, pas une performance. peux voir que je suis venu un peu court ici, voir que ma chemise vient par ici. Si vous manquez de place et que vous travaillez numériquement, vous pouvez toujours déplacer votre page un peu vers le bas. Maintenant, je vais me raccrocher au visage parce que dès qu'on verra le visage, notre but sera de faire ressembler ce visage à cette personne, parce que c'est comme ça que nous sommes branchés. Il suffit de résister à cette tentation d'essayer de travailler dans les détails du visage et de le faire ressembler exactement. Ne pense pas à ces choses autant que de faire ce que tu as fait depuis le début. Dessinez ce que vous voyez. Ce n'est pas un visage, ce ne sont pas des lèvres, ce n'est pas un nez, sont juste les contours de ce que vous voyez. Bien sûr, ici, j'utilise quelques raccourcis stylistiques, ce qui m'empêche de dessiner ce que je vois, pour être honnête. Maintenant, mon cerveau gauche vient ici et dit, non, ça ne te ressemble pas. Tu n'es pas un bon tiroir, les gens qui prennent ce cours ne te respecteront pas et ils vont arrêter de suivre ce cours parce que tu ne peux pas dessiner. Mais c'est ce que dit le cerveau gauche. Je vous dis juste que je n'y crois pas. C' est ce que le cerveau gauche dira quand vous dessinez parce qu'il a besoin de tout pour être parfait et qu'il ne veut pas faire d'erreurs. Il veut être sûr et juste et je pense que si vous pouvez simplement passer à travers cela, vous pouvez juste passer à travers beaucoup de trucs et arriver à ce que vous avez réellement besoin de faire. J' aime vraiment le contraste de mes vêtements noirs. Je pense qu'il y a certaines choses que je voudrais améliorer à ce sujet si je le refaisais. Si vous voulez prendre quelques prises différentes pour dessiner votre silhouette humaine, allez-y. C' est bon de pratiquer et je ne voudrais pas te décourager de ça. Mais je dirais juste que si tu trouves que tu frappes un mur, laisse-le. Cette classe n'est pas de capturer la ressemblance des gens que vous dessinez. En fait, je vais rarement capturer la ressemblance des gens que je dessine. Juste parce que je ne suis pas un illustrateur réaliste, et si vous avez suivi mes cours de corps bizarres, vous avez une idée de la façon dont je dessine les gens. Bref, il y a un type qui me ressemble, il y a tellement de choses que je voudrais changer à ce sujet, surtout parce que c'est moi. Mais quelques conseils lorsque vous dessinez des personnes dans ce style de contour à partir de l'observation, que ce soit à partir d'images de référence ou de la vie, cela aide simplement si vous avez des entités sur cette personne que vous pouvez utiliser comme points de référence. Tout comme dans le dessin de mon espace de travail, j'ai utilisé le bureau, les supports d'étagère et certains objets de cette scène pour déterminer ce qui allait se passer. même chose parce qu'il y a un contraste entre les vêtements et mon corps comme ma peau. Je peux utiliser ces zones de contraste brutal comme points de référence et tirer parti de ce repère visuel intégré qu'il me donne. Maintenant, je pourrais juste essayer une autre illustration de l'observation juste pour tester un peu les eaux, et ici j'ai une version différente de moi. Cette fois-ci à l'avant, et encore une fois, ici j'ai mes jambes et une chaussure ou un pied réduit peut être très dur sur le cerveau gauche parce qu'il n'y a pas de symbole pour cela et ça commence à avoir l'air vraiment mélangé. Donc, ce que vous devez utiliser est de dessiner ce que vous voyez le mieux que vous pouvez et peut-être revenir et le corriger plus tard. Ici, j'ai quelques doigts entrecroisés, qui ykes, c'est là que je dois vraiment laisser le cerveau droit prendre le dessus, regardant seulement l'image, je ne regarde pas mon Canvas à mon dessin. Tiens, je porte une chemise. Je voulais en faire un où il porte juste un t-shirt et un autre où il porte une chemise boutonnée parce que je pensais que les boutons créeraient une belle caractéristique à tirer. Le col, certains des froissements de la chemise, les rides. Non, je pourrais juste remplir tout ça et travailler avec le noir contre les tons plus clairs de ma peau, encore une fois, juste pour décrire cette forme en général. Avec la chaussure, c'est juste fou. Je vais le laisser. Une chose sur laquelle vous pouvez être assuré quand vous dessinez des choses, si elles sont difficiles à dessiner pour vous, c'est juste une réalité, c'est juste quelque chose que vous devez embrasser et accepter, puis vous demander, que faites-vous vous voulez faire à ce sujet ? Voulez-vous mieux dessiner ces choses qui sont difficiles ou allez-vous simplement les contourner ? Je pense que chaque approche est valide. Vous pouvez choisir d'éviter de dessiner des choses sous des angles ou vous pouvez choisir d'éviter de dessiner des sujets entiers qui sont difficiles pour vous ou qui ne vous intéressent pas. Vous n'êtes pas intéressé à aller mieux, vous êtes plus intéressé par les idées que par les représentations exactes des choses et c'est bon. Je le fais dans mon travail et j'en ai parlé un peu, et une primaire quand j'ai parlé de curation où je laisse les choses dans ou édite les choses en fonction de ce qui m'intéresse, en fonction de ce que je suis capable de dessiner. Désolé les gars, je suis juste ici à dessiner et ne peux pas faire à la fois parler et dessiner en même temps. J' ai un petit combat avec mon cerveau gauche en ce moment. Avec des surfaces courbes comme des faces, c'est parfois la seule façon d'utiliser un peu d' ombrage pour décrire ce que vous voyez, et bien sûr, vous devez essayer de concilier cela avec votre style d'illustration final. Quelque chose est bizarre ici, mais bien sûr, je suis très critique à cet égard parce que c'est une image de moi et de mon ego disant que ça ne me ressemble pas, mais il y a quelque chose d'intéressant à ce sujet. Mais voilà les gars, peut-être que vous allez finir une chaise juste pour avoir une idée de la chose sur laquelle repose la figure. D' accord. C'est moi qui tire de l'observation. Je vais maintenant passer à la partie 2, en tirant du mode idéation. Juste très vite, j'ai ces deux versions de moi et celles-ci sont toutes deux tirées de l'observation. Vous pouvez voir qu'ils sont en fait, d'une certaine manière, très différents comme la façon dont j'ai dessiné les yeux. Il y a une différence est, même stylistiquement, je dirais, et c'est un gros point de douleur avec le dessin pour les illustrateurs est quand vous dessinez à partir de références, parfois vous allez dessiner un certaines façons et parfois vous allez le dessiner autrement et nous voulons mieux contrôler le style dans lequel nous dessinons, et la seule façon de le faire est de laisser le dessin d'observation pour ce qu'il est. Nous prenons des informations sur la chose que nous dessinons, comme je le dis sans cesse, mais nous avons besoin d'un moyen, d'un style, d'un raccourci, d'une façon de dessiner les choses de manière plus cohérente et plus proche de notre style d'illustration. C' est donc ce que j'espère voir émerger lorsque j'aborderai la deuxième partie de cet exercice. D' accord. Alors maintenant, je vais commencer à dessiner ma figure humaine de la mémoire et juste travailler avec les informations que j'ai apprises et téléchargées dans la première partie. Maintenant, parce que j'ai dessiné deux versions différentes à partir de deux photos différentes, j'ai du mal à me rappeler, je les mélange tous les deux dans ma tête et je pense que c'est en fait un inconvénient. J' aimerais que ce ne soit pas le cas, mais je vais faire de mon mieux pour faire le premier. Celle où j'avais juste mon t-shirt, et je me souviens que ma main s'était étirée un peu sur ma cuisse là-bas. Je portais ma montre. Je pense que mon coude était en fait plus dehors. Je vais juste annuler et y retourner. Je crois que mon épaule faisait ça. Ok, quelque chose comme ça. Ma chemise est descendue ici et j'ai eu une chambre et j'ai dessiné un peu de cette chaise comme référence. Maintenant, bien sûr, je vais juste dessiner des choses très stylisées comme je le fais avec les gens. Je crois que cette jambe est montée comme ça. Je suis juste en train de capturer l'essence de mes chaussures sans essayer d'obtenir chaque détail de façon réaliste. Il suffit de garder le N là, ce qui dit que je porte une certaine marque. Je porte des chaussures New Balance, ce qui est spécifique. Parfois, lorsque vous illustrez avoir une certaine spécificité, vous pouvez ajouter à l'histoire d'une manière ou d'une autre. Je ne me souviens pas de ce que je faisais de ma main là-bas. Je sais que j'avais une montre là-bas. Je portais tous les vêtements sombres et puis, bien sûr, je regardais directement la caméra. Maintenant, lorsque vous dessinez une personne, vous pouvez dessiner cette personne pour représenter un personnage ou vous pouvez dessiner une personne pour représenter juste une figure. Un personnage est une personne spécifique qui a plus de personnalité. Vous allez vouloir injecter des détails sur le visage et l'expression. Alors qu'une figure est une abstraction d'une personne. C' est une représentation d'une personne. Ça pourrait être un homme, une femme, des cheveux longs, des cheveux courts. Il pourrait y avoir des choses spécifiques à ce sujet, mais il ne s'agit pas d'une personne ou d'un personnage en particulier. Alors que je dessine mon mode idéationnel dessin de ma figure humaine, quand il s'agit de visage, la question est quelqu'un que je dois bien connaître ou est-ce juste une figure humaine ? Est-ce un personnage ou une figure ? Peut-être que cette question n'a pas encore d'importance, mais je peux au moins dire : est-ce que ça me ressemble ? C' est censé être moi ? Pour les besoins de cet exercice, cela n'a pas vraiment d'importance. Je pense que ce qui importe le plus, c'est juste que vous puissiez représenter une figure parce que dans le projet final, encore , alerte spoiler, nous allons intégrer les chiffres de notre mémoire dans une scène. Donc, il s'agit vraiment d'avoir une figure dans une scène et alors ce sera à vous de décider si cette personne est très spécifique, que ce soit en fait vous ou si elle représente juste plus une abstraction ou une idée d'une personne plus dans un sens de la figure que dans un sens de caractère, si cela a du sens. J' aime les choses comme les rides où elles montrent juste l'expression et le geste. Je porte cette chemise et je me souviens que mes jambes pointent vers le mur à côté de moi, mais ensuite je regarde directement la caméra et pendant que je tordre le haut du corps, il y a des rides sur ma chemise qui se produisent. Pour exprimer ceux dans ce dessin ici, capture vraiment ce sentiment de me tordre ma moitié supérieure de mon corps comme ça. J' ai cherché des occasions comme ça, surtout quand je dessine des gens dans des vêtements où ils ont juste comme un peu d'ondulation ou rides qui peuvent aider à décrire plus sur ce geste que le personnage fait. C' est une personne stylisée, c'est fait par le dessin idéationnel et je n'ai pu faire qu'à cause du dessin observationnel que j'ai fait auparavant. Sinon, je n'aurais peut-être pas vraiment eu cette pose dans ma tête dans mon répertoire d'où puiser. Mais pourquoi je ne vois pas une fois de plus ce qui se passe si j'essaie de dessiner l'autre figure, celle où je porte la chemise boutonnée. Je me souviens que j'étais aussi en train de regarder la caméra. Dans celui-ci pour une raison, je commence par la tête. Je vais juste dessiner la tête d'un gars juste pour commencer, peu importe que ça ne me ressemble pas. Je me souviens que j'avais une chemise avec des boutons et j'avais une jambe plus réduite ici avec la chaussure pointant de plus en plus vers l'avant et moins uniforme. Puis cela, elle a été totalement réduite sur le sol pointant directement vers moi aussi loin que je me souviens. Alors je crois que mes mains étaient entrelacées. Je ne peux que l'exprimer d'une manière très lâche sans que cela ait l'air vraiment compliqué. Je vais juste le laisser. C' est, encore une fois, ce que j'appelais un raccourci stylistique. Je pourrais essayer de dessiner la façon dont les doigts se chevauchent comme un panier tissé comme je le faisais. Mais j'aurais certainement besoin d'une image de référence pour ça. Je vais dire juste pour l'instant dans le croquis, c'est normal de laisser ça lâche et gestuel. J' ai mes manches enroulées, les vêtements que je porte sont très foncés, sauf pour mes chaussures. Bien sûr, je suis assis sur une chaise. Je ne suis pas inquiet à quel point ça semble irréaliste. Je dessine juste la façon dont je dessine en fonction de ce dont je me souviens. Il y a quelque chose de vraiment cool dans ce qui se passe lorsque vous faites cela, autant plus que vous vous familiarisez avec la façon dont vous dessinez, quel genre de lignes vous faites, quels sont vos outils préférés ? Maintenant, bien sûr, le défi sera savoir comment prendre les informations que j'ai acquises dans cet exercice et les faire fonctionner davantage pour mon style d'illustration aplatie. Je vais choisir, tout d'abord, jetons un coup d'oeil et comparons les idées sur les dessins d'observation. Il y a ce type ici et ce gars. C' est ce que je n'ai pas démissionné dans ce dessin, c'est là que mon bras reposait sur ma cuisse là-bas et bien sûr, j'ai vraiment exagéré la façon dont mon autre bras sortait, mais sinon c'est la pose. Encore une fois, vous pouvez voir que j'ai vraiment eu tort de raccourcir. Mais, je l'aime vraiment beaucoup plus que je l'aime cette.Ce dessin de l'observation était vraiment juste moi travaillant avec l'information en face de moi. Eh bien, il y a certaines choses que j'aime vraiment cette image, c'est le visage qui la ruine pour moi et c'est parce que plus on essaie d'arriver à une ressemblance, si on est incapable de le faire, ça va se montrer. Une option est, comme je l'ai dit, mieux faire des visages afin que vous puissiez capturer de manière plus fiable la ressemblance à chaque fois, ce qui est bien sûr l'idéal. Mais vous pouvez aussi simplement travailler et ne pas dessiner des ressemblances. Vous pourriez simplement dessiner plus stylisé et abstrait. Prenons l'un d'eux et amenons-le juste un pas plus loin vers la façon dont je pourrais illustrer dans mon style. Je vais juste éteindre mon gars d'observation ici et parler de mon gars idéationnel et je vais juste tracer ça. Je vais itérer, je vais l'affiner et le rapprocher de mon style d' illustration aplatie avec lequel je sais que je peux travailler. Ici, je sais que j'utilise la forme plus que la ligne dans mon style d'illustration final. Je cherche des moyens de m'assurer que j'ai des formes propres à tracer lorsque j'apporte cela dans Photoshop. J' utiliserai des lignes pour décrire détails subtils et des bords en doigts séparés, des choses comme ça. Mais surtout, je suis en train de décrire ma silhouette ici en formes. Il y a des choses que je pourrais changer à propos de ces chaussures une fois que je prendrai ça en finale. Mais en ce moment, l'idée est là, c'est assez, ce n'est pas trop rapide, c'est assez pour un croquis. Bien sûr, voici le visage. Je dois me demander comment je vais dessiner ce type dans ma dernière illustration ? Quelque chose comme ça pourrait marcher. Il y a quelque chose à propos de ça ici que je n'aime pas. Je me souviens que mon bras était un peu plus étendu sur ma cuisse, il y a quelque chose de bizarre qui se passe là-bas. Je ne regarde aucune référence, je travaille juste un peu plus fidèlement à ce que je crois avoir vu la dernière fois que j'ai regardé le dessin original, le dessin observationnel. Juste une note, parce que nous parlons de prendre ces croquis et de les intégrer plus facilement à notre style d'illustration, c'est bien ainsi que je pourrais illustrer. Bien sûr, il y a un sens où les fonctionnalités du logiciel comme les cheveux et la barbe. Je vais devoir passer un peu d'attention à cela dans la dernière étape pour essayer de résoudre que pour faire les cheveux ressembler à des cheveux, si je devais juste illustrer cela comme une forme solide, est que va regarder vers l'amidon et staticky et Raides ? Comment je vais rendre ça agréable et lâche comme des cheveux et des trucs comme ça ? C' est des choses que je peux travailler en finale et je ne pense pas vraiment avoir besoin de régler ça à ce stade, mais j'ai un niveau raisonnable de confiance que je peux arranger. C' est pourquoi je n'aurais aucun problème à montrer un croquis comme celui-ci à un client. C' est ma figure humaine, les gars nous avons terminé les exercices. Nous avons fait une chaise, une usine, notre espace de travail et maintenant la figure humaine, et nous avons fait cela en mode observationnel et idéationnel. Maintenant, il est temps de tout rassembler dans le projet final, nous allons créer une scène qui intègre toutes ces choses. Je te verrai dans la partie suivante et on fera ça ensemble. 15. Projet final : lancez-vous: Maintenant que nous avons fait les exercices, il est temps de tout regrouper dans la composition finale. Pour le projet final, votre mission consiste à créer une scène illustrée d'un espace de travail ou pièce comprenant les trois sujets que nous avons dessinés dans les exercices : la chaise, l'usine et la figure. La seule règle ici est que vous ne pouvez pas regarder vos références. Vous devez essayer de tirer le tout du cœur. Votre illustration finale sera de 8 sur 10 pouces en orientation portrait ou paysage. Le projet final est divisé en trois phases : croquis bruts, croquis raffinés et illustration finale. Je vais vous guider à travers mon propre processus de construction de rugueux à raffiné en final, mais je vais garder l'accent sur l'aspect esquisse et composition de ce processus. Quand il s'agit de la partie de l'illustration finale, où j'ai transformé mon croquis en une illustration entièrement finie dans mon style, je vais vous montrer un aperçu de ce processus, mais me concentrer sur la relation entre mes dessins précédents dans la finale, plutôt que de vous donner un play-by-play de mes techniques d'illustration réelles dans Photoshop. J' espère que vous serez en mesure d'utiliser les principes du dessin à partir des deux modes de dessin pour construire d'abord votre propre compréhension de votre sujet à partir de la référence, puis pour dessiner intuitivement votre scène du cœur. Plus important encore, lorsque vous esquissez et affinez votre composition, visez à créer des formes, des formes et des lignes qui se traduisent parfaitement dans votre style final. Demandez-vous, cela fonctionnera-t-il en utilisant mes techniques ? Ai-je un outil qui peut arracher les cheveux comme ça ? Est-il possible de montrer cette perspective ou cette profondeur en utilisant mon style ? Et d'autres questions comme ça. 16. Projet final : esquisses: Dans mon travail client, une fois que j'ai fait mes recherches initiales et trouvé des images de référence et les ai étudiées par le dessin d'observation, c'est à ce moment que je peux commencer des croquis grossiers. Les croquis grossiers sont quand je commence à élaborer la composition, le contenu et le concept. Pour une scène illustrée, le concept est simple, c'est une scène d'espace de travail. Alors maintenant, j'ai juste besoin de déterminer quels éléments j'inclus dans cette scène et comment. chose la plus intimidante ne fera que commencer. Ici, je vais vous encourager à juste commencer à dessiner la chose la plus dominante dans votre esprit et à partir de là. Cela n'est pas différent lorsque nous dessinions l'espace de travail à partir de la mémoire dans l'exercice 3. Dans mon propre exemple ici, je commence par mon écran Thunderbolt, qui est le point focal de mon espace de travail. De là, construire d'autres éléments, utiliser votre sens de la conservation pour inclure ou exclure certains objets, vous demander s'ils contribuent au concept ou à l' histoire que vous essayez de raconter à votre image et bien sûr, si c'est quelque chose que vous pouvez et que vous voulez illustrer dans votre style. Ce processus de curation s'applique non seulement à ce que vous incluez, mais aussi à la façon dont vous l'incluez. Dans quel angle sera-t-il présenté ? Droit sur ou en quelque sorte incliné et à quelle taille ? Vous êtes libre de prendre les informations visuelles que vous avez apprises en mode observation dans les exercices et de jouer avec elles comme vous le souhaitez dans cette composition. Dans les croquis rugueux, travaillez avec des traits confiants audacieux, mais gardez à l'esprit cette version plus rugueuse sera un peu plus mesquine que dans vos croquis plus raffinés. Sauvez la perfection pour plus tard. Concentrez-vous sur la composition dans celui-ci. Vous pouvez d'abord être lâché et rugueux et progressivement itéré vers le raffinement. Donc normalement, dans mon processus, je fais ce que j'appelle des croquis gratuits. C' est là que je vais collecter des images d'Internet et ensuite je les dessine librement. Dans ce cours, nous avons appelé ce dessin d'observation. Maintenant, la bonne nouvelle est que nous avons déjà fait tout le dessin observationnel ou le croquis gratuit que nous devons faire pour ce projet final et maintenant nous allons aller à droite en esquissant notre croquis pour notre illustration. Comme je l'ai dit, nous voulons qu'il soit de 8 sur 10 en ce qui concerne ses rapports d'aspect. Je crois que je vais faire la mienne dans cette forme. Juste pour commencer, cette petite chose grossière que je viens de dessiner est assez bonne, mais peut-être que je veux être un peu plus précis avec ma largeur. Donc, je pourrais vraiment juste faire un document huit par 10 et le mettre en place exactement dans ce. Mais quand je fais des croquis, j'aime avoir un peu de place pour sortir. Quand je travaille dans Procreate, je ne veux pas que ce soit le bord de mon cadre. Donc, ce que je fais lorsque je fais des esquisses, en particulier ma première esquisse, c'est que je mets en place en utilisant des guides joints et que je peux simplement utiliser ces grands guides épais ici pour configurer le rapport d'aspect global de ma composition ou de mon cadre, le taille de la page. Donc deux, trois, quatre, cinq, six, sept, huit, neuf, dix. Un, deux, trois, quatre, cinq, six, sept, huit, et là nous avons une trame de huit sur dix pour travailler. Donc je n'ai plus besoin de ces guides de dessin. C' est tout ce dont j'ai besoin. Je vais juste faire tomber ça dans l'opacité pour que je puisse le voir, mais pas trop. Ce filet sera maintenant mon cadre pour travailler à l'intérieur. Maintenant, je vais juste commencer à travailler sur ma scène. Alors toujours, bien sûr, quand vous esquissez, c'est, « Par où je commence, qu'est-ce que j'utilise ? » Parce que nous sommes vraiment dans un mode créatif ici et que le mémoire lui-même est en fait assez ouvert, c'est juste pour illustrer notre espace de travail. Donc je dirais de commencer n'importe où et de voir ce qui se passe. Je vais commencer par le moniteur, l'écran dans mon espace de travail. ce moment, je suis juste rude. Il va y avoir des erreurs et c'est bon. Mais la clé ici est juste de cartographier ce que je veux et ce que je dois inclure. Il y a certaines choses que je veux laisser et certaines choses que je veux oublier. Je veux inclure une partie du tapis que j'ai dans mon studio parce que je pense que cela va créer un beau contrepoint visuel à tout ce qui se passe. C' est comme cette belle zone large de forme et couleur que je peux inclure dans cela pour créer de l'intérêt. J' ai un soupçon qui va marcher. On verra. C' est peut-être la surface de mon bureau. J' avais ma lumière, je pense que cette tige se détache de ce côté. Vraiment juste de cartographier les choses dans. Même si c'est dur, je ne suis pas trop hésitant à travailler lentement, je vais probablement juste placer des choses et voir si ça va marcher. Parce que je travaille numériquement, je n' ai pas peur, je sais que je peux toujours annuler ou effacer avec beaucoup de facilité. Je pense que c'est maintenant un bon moment pour jeter dans la chaise, jeté dans mon ordinateur portable et mon iPad. Encore une fois, je ne regarde aucune référence, mais je me souviens facilement de beaucoup des détails qui étaient dans mon exercice. La question que je me pose actuellement est  : « Est-ce juste une image de mon espace de travail, ou est-ce une photo de moi dans mon espace de travail pendant l'enregistrement d'un cours Skillshare ? » Dans ce cas, je pourrais inclure certains des équipements d'éclairage que j'ai mis en place ici, ce qui est certainement une histoire spécifique. Ce n'était pas ce que je pensais au début. Je pensais que peut-être je les éditerais comme je l'ai fait le projet final. Mais maintenant qu'ils sont là, ce que j'aime dans ce que cette lumière fait spécifiquement, c'est qu'elle me donne un élément de premier plan et un élément de cadrage où je peux jeter tout le reste dans mon espace de travail ici. Donc mon écran, je pense qu'il sera un peu plus grand. J' avais les balles de tennis sur la chaise. Parce que c'est une illustration maintenant ce n'est pas la réalité pure, je n'essaie pas d'enregistrer fidèlement pour toute l'histoire ce qui était sur mon bureau à ce moment dans l'histoire, il s'agit vraiment juste de quelques gars espace de travail qui se trouve à enregistrer. Donc, je vais vraiment utiliser quelques techniques de stylisation ici et éditer les choses et les changer et vraiment juste suggérer ce qu'ils sont de manière plus haut. J' ai des livres, des livres, des cadres, des livres. Je vais juste faire semblant qu'il y a une plante là-bas. J' ai quelques trophées là-haut et ce bureau est attaché au mur de ce côté, mais la façon dont cette illustration fonctionne, ça ne le montre pas nécessairement. Il va être difficile de dessiner un mur ici à moins que je ne veuille dessiner la fenêtre ici, mais je ne veux pas dessiner une continuation de la fenêtre là je veux cela, même si c'est pleine page et ça va sur les bords, je veux qu'il y ait un sentiment d'auto-confinement dans l'image. Ce que je pourrais faire est d'inclure des tiroirs plus plats ici, que j'ai de ce côté, mais ils ne sont tout simplement pas dans cette orientation exacte, mais ça se trouve vraiment bien là. Je crois que j'aime ça. J' ai une poubelle sous le bureau, ce qui ne me dérange pas de représenter une poubelle dans l'illustration, mais la poubelle sous mon bureau à l'heure actuelle, c'est difficile à lire. Il serait difficile pour moi de dépeindre ça pour que les gens obtiennent ce que c'est. Avoir un cliché à la recherche de poubelles ici pourrait juste faire l'affaire si je veux avoir une boîte là-bas. Bien sûr, certains accords et câbles se tordent et tournent sous le bureau. Cela ajoute du caractère, croyez-le ou non, pour inclure certains de ces éléments, et je pense que c'est correct. J' ai perdu notre imprimante de ce côté, c'était derrière la lumière. Je peux juste bloquer quelque chose là-dedans. me manque quelques choses que je dois inclure dans cette scène, une est l'usine. Peut-être qu'une plante pourrait faire un beau dispositif de cadrage ici dans ce coin et je me souviens de cette plante ayant juste des bananes sur un bâton et il y a un motif de grille sur le pot. Peut-être que je voulais juste qu'une partie de cette plante vienne au-dessus du bureau, donc elle n'est pas coincée sous cette ligne avant, je vais juste reculer un peu avant et je ne me suis arrêté [inaudible]. L' usine se perd, on ne la voit pas vraiment et il y a le haut du bureau. Juste en le faisant sauter au-dessus de la surface du bureau, maintenant il donne à la plante un peu plus de visibilité. L' usine ajoute un intéressant, je ne voulais pas dire cela, mais il ajoute un intéressant comme un parallèle à l'éclairage du studio ici, en ce qu'il est l'une des rares choses verticales dans cette image. Je pense que cela ajoute quelque chose de bien là pour contrer juste les lignes verticales des lumières. Il y a aussi maintenant une plante verticale et j'aime comment elle reflète cela, mais d'une manière différente. J' ai la chaise, j'ai l'usine. Je manque juste la figure humaine, donc ici je dessine juste une figure humaine basée sur ce que j'ai dessiné le mieux possible. Maintenant, je sais que dans mon dessin que j'ai fait dans l'exercice, j'étais plus assis comme ça avec mes jambes croisées et donc peut-être que je peux apporter ça et ma tête existe évidemment, donc je vais l'inclure. Je suis vraiment en train de faire ça en ce moment. Je ne pense pas vraiment à la façon d'inclure tout cela parce que tout va soi en raison du fait que c'est un espace de travail, je sais qu'un personnage devrait être dans cet espace de travail. Assis devant une chaise devant le bureau, c'est intégré dans cette scène. Ça marche pour le mettre au centre et je n'ai pas vraiment eu à y penser trop. De même, la pièce maîtresse de mon espace de travail est mon écran, c'est mon grand moniteur [inaudible] où tout le travail se passe. L' œil gravite naturellement là et bien sûr, mon esprit gravitait là tout de suite quand j'ai commencé à dessiner la scène, c'est là que j'ai commencé. Alors tout le reste, parce que je fonde ça sur la réalité, c'est facile de mettre tout ça ici. Et si on parle d'une scène fictive qui n'existait pas ? C' est le même processus. Vous allez trouver des images de référence d'un espace de travail dans ce cas et quand vient le temps de les verser dans quelques esquisses conceptuelles, alors vous avez cette imagerie chargée dans votre esprit et vous pouvez vous séparer. Cela peut prendre quelques essais, mais vous êtes beaucoup plus loin, après avoir fait tout ce dessin d'observation au début que vous ne le seriez autrement. Parlons un peu plus de ce qui se passe dans cette composition et des décisions que je prends. Une des choses que j'ai décidé en dessinant ceci est que je veux qu'il y ait une mince marge autour du travail. Je pourrais choisir si je voulais mettre le travail à la pointe ou en d'autres termes, recadrer, et alors tout est légitime saignement, mais j'ai l'impression que cette scène peut être autonome assez bien. Je vais essayer d' avoir un espace négatif qui entoure l'espace de travail autant que possible. C' est une décision stylistique que j'ai prise. Une option, bien sûr, serait d'apporter certains éléments au bord tout en conservant un sentiment d'espace négatif global. Je pourrais dessiner le tapis sur le fond au-delà des bords et puis peut-être choisir quelques autres choses pour se détacher sur le site. Peut-être que dans ce cas, le bureau lui-même va droit sur les bords et les étagères aussi bien, ou du moins d'un côté, et peut-être que je peux apporter ce cadre photo que j'ai suspendu. Pour rendre cette scène encore plus pleine page, je vais le faire comme ça, je vais simplement étendre les étagères et le bureau sur le bord gauche et ensuite jeter une image encadrée ici. Ce que je ressens, c'est qu'il y a quelque chose se passe de tous les côtés sauf en haut. Ce que vous n'avez pas vu dans mon dessin, mais ce que j'ai dans mon studio, c'est une suspension. Soudain, j'ai un élément qui peut laisser une partie du haut de la composition saigner de ce bord et qui crée un peu plus d'équilibre dans la composition globale. La chose à retenir ici, cependant, votre dessin et quelle que soit la scène que vous essayez d' illustrer , c'est que lorsque vous pensez à la composition, vous pouvez décider quels éléments vont où et quelle est leur échelle. Vous pouvez les exagérer, vous pouvez les diminuer. Vous pouvez les rendre plus grands ou plus petits, tous en travaillant vers votre objectif de raconter l'histoire que vous essayez de raconter et de créer une composition que vous aimez. Vous n'avez pas à vous en tenir à ce que vos références vous ont dit en réalité. Tu prends cette réalité et tu l'écrase. C' est du plastique, c'est malléable, ça met les mains et tu peux travailler avec ça à ton avantage. C' est mon croquis très rugueux. Maintenant, il y a quelque chose qui me manque parce que j'ai l'éclairage du studio. Je pense que j'ai besoin de quelque chose qui fait référence à une caméra, pour pouvoir remettre la caméra ici, mais c'est un peu subtil. Je ne pense pas qu'il va lire dans l'image du tout. Peut-être qu'au lieu d'être là, j'ai mis un petit trépied avec la caméra ici. Il y a une opportunité pour plus de câbles et d'accords. Ce que j'aime aussi avec la caméra sur ce petit trépied, c'est qu'elle reflète les trépieds de l'éclairage du studio, donc quelques choses plus intéressantes qui se passent là-bas, mais il y a des choses à clarifier dans cette image. Apportons ceci maintenant dans un croquis plus raffiné dans la prochaine vidéo. 17. Projet final : esquisses retravaillées: Une fois que j'ai élaboré ma composition sous forme brute, il est temps de peaufiner. À ce stade, je sais surtout ce qui sera dans mon illustration et où ils seront placés. Maintenant, il est temps de tout clarifier plus. Ici, j'ai tracé mon croquis grossier avec des traits plus de confiance aussi propres et articulés que possible. C' est ma chance de comprendre des choses que je n'ai pas vraiment résolu dans les rughs. Je vais passer un peu plus de temps à être spécifique ici, à demander ce que chaque marque est supposée être, puis à clarifier cette intention. À la fin de cette étape, vous devriez avoir un croquis que vous avez l'assurance pouvoir finaliser dans votre style d'illustration. Dans mon travail client, ce sont des croquis de cette étape que je vais les montrer avant de passer à l'art final. En fait, après le lancement d'un projet, le client ne verra rien de moi avant la fin de l'étape des croquis raffinés. Je veux m'assurer qu'ils aient la chance de voir le plus clair possible ma vision articulée. Ce n'est que dans une esquisse raffinée qu'un client peut donner des commentaires sur les trois C : contenu, la composition et le concept. Je veux éviter toute question comme, quoi ou qui est-ce ? Si le croquis n'est pas évident dans la façon dont il raconte l'histoire ou le message, il reste encore plus de travail à faire. J' ai donc cartographié, à partir de ma mémoire et à l'aide de quelques décisions artistiques, une scène de mon espace de travail, et j'ai décidé de me faire enregistrer dans l'espace de travail avec mon installation de studio. J' ai apporté quelques changements à la réalité de la situation pour mieux raconter l'histoire, et j'ai apporté des changements à l'échelle et à la taille réelles des choses pour mieux adapter le cadre et mieux remplir le cadre. Donc la prochaine chose que je veux faire est juste d'affiner ça. Donc, je vais juste prendre ce croquis, je vais composer son opacité pour que je puisse le voir, mais pas trop, puis ajouter un calque au-dessus et commencer à affiner dessus avec des lignes plus confiantes. Maintenant, bien sûr, si vous dessinez sur du papier, vous pouvez simplement mettre une autre feuille de papier fraîche sur le dessus et utiliser une table légère pour faire votre croquis raffiné. Vous pouvez utiliser du papier calque, c'est essentiellement ce que je fais en ajoutant un calque sur une version plus transparente de mon croquis rugueux. Je vais juste, encore une fois, commencer par les formes dominantes. À un certain moment, je me sentirai assez courageux pour commencer à faire certaines des parties les plus délicates comme la figure humaine. Mon style d'illustration est très plat et stylisé, donc tout ce que je dessine maintenant dans ma version raffinée est orienté vers ce style plus aplati. Ici, je profite de l'occasion pour peaufiner tout, m' assurer qu'il semble mieux que dans mon croquis rugueux. Peut-être en accordant un peu plus d'attention à certains de ces détails subtils, comme ce qui est de plus en plus proche. Je vais avoir du mal avec cette main maintenant, je pense, donc ce que je pourrais faire est juste de faire semblant que j'ai coincé ma main entre mes jambes, ce qui non, je ne pense pas que ça va marcher non plus. Si vous êtes coincé sur quelque chose, revenez plus tard, ou faites une erreur maintenant, et vous pouvez l'affiner dans une nouvelle itération, je pense. La meilleure chose que je puisse faire en ce moment, c'est juste faire quelque chose qui a l'air mal et je le trouverai plus tard. Je porte souvent un chapeau. Je suis petit dans cette chaise, et donc je pense que ce que je vais faire, peut-être que ce qui ne marche pas ici, c'est que ma balance est trop petite. Donc je pense que ça marche mieux. Encore une fois, je ne veux pas rester trop coincé là-dessus, je vais probablement devoir le répéter plus tard. Maintenant, au fur et à mesure que vous itérez, vous allez perdre la fraîcheur de certains des croquis ci-dessous. Le croquis rugueux, même s'il n'est pas assez raffiné pour être un croquis final, il a une certaine vie ou vivacité à lui que vous ne pourrez peut-être plus jamais répéter. C' est juste la réalité de la façon dont les choses fonctionnent quand on esquisse vers l'illustration, et je suis juste devenu d'accord avec ça. Mon objectif, quand je fais des esquisses vers l'illustration pour les clients, est toujours d'avoir quelque chose de clair, et que je sais que je peux faire dans mon style final. En chemin, il y a quelques victimes. J' itère sur quelque chose de perdu, une marque ou un gribouillis que je pensais être incroyable et avait beaucoup de caractère. Je l'ai mis de côté et ne jamais le regarder à nouveau, parce que c' est peut-être vrai que c'était mieux, mais peu importe que c'était mieux, ce qui importe, c'est que je viens montrer mon croquis à mon client, je ne veux pas les confondre avec toutes ces options de genre, « Nous devrions prendre cette bonne part de ceci et cette bonne partie de cet autre croquis, mettre tout ensemble. C' est trop déroutant et vous perdez beaucoup de votre leadership créatif dans cette situation. Donc, la meilleure chose que vous pouvez faire est juste sauf l'itération suivante comme globalement meilleure que la dernière. C' est plus net, c'est plus clair. Oui, certaines subtilités sont perdues, mais la trajectoire globale est que vous faites mieux l'image. Comme je dessine certains de ces bâtons dans l'illustration ici, les pieds sur la table, les pieds sur le support de la plante, les pieds sur les trépieds de l'éclairage du studio. Je les exprime maintenant avec une sorte de ligne, qui est beaucoup plus proche du genre de ligne que je vais utiliser dans mon illustration. J' essaie donc d'utiliser seulement une ou deux épaisseurs de ligne et cela crée une harmonie visuelle globale. Si vous voulez en savoir plus sur certaines de ces décisions stylistiques, ma classe Sweet Spots a des tonnes d'idées sur des décisions comme celle-ci, ce que j'appellerais vos décisions stylistiques, et puis je parle d'avoir une palette de style, où vous prédéfinissez réellement la qualité et l'épaisseur de la ligne dans laquelle vous travaillerez avant même de commencer le travail, puis vous vous disciplinez pour vous en tenir à ceux tout au long de la pièce, et cela crée cette harmonie visuelle juste parce que il ne se passe qu'une seule chose, au lieu de faire beaucoup de choses différentes sur le plan stylistique. Parfois, je dessine une ligne de référence qui me donne l'impression, par exemple, il s' agit d'une ligne d'horizon sur le sol que je veux faire correspondre de ce côté. Il y a plus d'aplatissement en cours que dans l'itération précédente. Je vois des lignes contradictoires qui deviennent très occupées là-bas et dont je ne suis pas sûr, mais je vais continuer. Je peux éditer ça au prochain tour. Je dois me déplacer là où était mon iPad afin de pouvoir le voir maintenant que j'ai agrandi ma silhouette, et je dois remplir quelque chose dans cet espace éventuellement. Je peux au moins mettre un micro ici. Je vais mettre mon MacBook ici juste pour remplir l'espace. Je me souviens aussi que j'avais des supports d'étagère. Maintenant, avec cette lumière suspendue, il y a des choses qui sont cachées ici, donc peut-être que je reste simple là-bas. Alors que je dessine ces cadres dans mon croquis, je suis indécis ce qui va y aller. Parce que c'est une composition si occupée, peut-être juste avoir des cadres avec de l'espace blanc qui à travers aidera l'image à respirer un peu, mais il pourrait aussi être correct juste de trier très abstrait que ce sont des affiches, ou des photos, ou quelque chose comme ça. Je ne sais pas à quel point je voudrais être précis. Est-ce que je veux vraiment être spécifique et mettre 4chan puis essayer d'imiter l'illustration qui est sur le magazine que j'ai encadré ? C' est peut-être trop précis. Ça dépend si je veux que ce soit plus documentaire ou un peu plus une idée sur un gars. Maintenant, parce que cela a déjà très spécifique, nous avons l'éclairage de studio, et c'est, d'une certaine façon, plus documentaire que plus juste gars cool dans un studio cool, donc je vais devoir y penser. Même en continuant, je me demande, est-ce que je veux changer certains contenus de ce qui est ici juste pour le simplifier ou le rendre plus familier ou reconnaissable à un étranger ? Ce sont des questions que je pose et que je pourrais répondre simplement en essayant différentes choses, je pense que l'une des choses que je vais chercher dans ce domaine est la clarté. Quoi que j'inclue ici, je dois être clair sur ce que c'est pour que je sache comment l'illustrer dans mon style final. On dirait que je vais entrer dans une prochaine itération de ça. Donc je vais juste cacher le croquis précédent et ensuite je vais baiser celui-ci ou le rendre moins visible, c'est comme dessiner dessus. Donc je regarde ma composition. Je me sens plutôt bien à ce sujet. Je veux juste clarifier quelques choses. J' ai senti qu'il y avait des conflits avec l'usine et la lumière du studio ici. Donc, ce que je pourrais faire est de trouver un moyen d'en supprimer un. Je pense que ce que je pourrais faire, c'est garder l'usine et voir ce qui se passe si j'enlève cette seconde lumière. Je pense que je pourrais refaire ces feuilles. se sentaient un peu trop lourds au milieu, j'aime ce que j'avais avant, et ce gars, j'aime ça là où il était. J' ai juste jeté un coup d'oeil à ma lumière, juste pour comprendre comment cette pièce s'insère là-dedans. J' ai donc triché un peu, mais c'était dans l'esprit de rendre les choses plus claires. Je n'ai pas vraiment déterminé la couleur du tapis. Sera-t-il d'une couleur unie ? Ce sera un modèle ? Je peux comprendre ça plus tard. Les mains sont un point de repère quand il s'agit d'illustrer les gens. Maintenant, je suis passé de t-shirt à chemise boutonnée pour une raison quelconque. Dépeignant ce type à l'arrière de sa tête, vous n'avez automatiquement pas besoin de vous soucier de qui il est, quoi ressemble son visage, ce genre de choses. C' est une dernière décision à prendre et cela crée en fait plus de mystique dans l'image elle-même. Parce que j'ai fait sa main comme ça, on dirait qu'il parle et fait quelque chose. Il y a quelque chose d'intéressant juste à propos de la façon dont sa main est positionnée, il y a une action qui se passe là-bas. Je ne me souviens pas exactement comment mon petit support de microphone a fonctionné, donc je vais juste l'abstraire en espérant que vous ayez l'idée d'un stand. Si lorsque vous dessinez dans Procreate, et que vous voulez juste vous assurer que les choses s'alignent, vous pouvez toujours jeter sur votre guide de dessin, et vous l'utilisez juste pour vous assurer que, pour moi comme je veux ce bord de le bureau pour aligner sur le site aussi, sorte que vous pouvez utiliser le guide de dessin pour vous assurer que tout s'alignera comme ça, mais j'essaie de ne pas compter sur des choses comme ça trop où toutes les choses commencent à paraître vraiment gridy. Quelque part en chemin, j'ai perdu ma poubelle, je suppose que quand j'ai mis la plante là. Éviter la tentation de tout remplir. Alors dessinez cette étagère juste en face, cette étagère juste en face. C' est le sol. Je trouverai quoi faire avec ça plus tard. Parfois, il aide à désactiver le désordre de l'esquisse sous-jacente. Vous pouvez voir ce sur quoi vous travaillez maintenant un peu plus clairement. Je vais juste faire allusion à une commode ici sans que ça soit tout le chemin, juste le bord. De l'itération à l'itération, je garde les choses, certaines choses identiques, je les redessine à nouveau, ne me dérange pas. Voici juste une plante stylisée qui n'existe pas, mais je voulais quelque chose pour remplir cet espace et je avais disponible dans mon imagination alors je l'ai juste mis là. Quand d'autres personnes regardent une scène comme celle-ci, tant que vous mettez des choses qui leur semblent familières, elles ne seront pas distraits par elles. Dès que vous mettez quelque chose d'obscur dans le mélange, et que ce n'est pas clair ce que c'est, les gens se gratteront la tête et se demanderont ce que c'est. Ça peut être distrayant. Si vous avez juste la forme d'une bouteille, la forme d'une plante, la forme d'un cadre photo, ces choses sont assez génériques. Cela ne veut pas dire que votre illustration est générique, mais vous avez choisi de garder quelques choses familières dans la scène auxquelles les gens ne peuvent au moins pas être distraits ou, idéalement, même s'identifier. C' est bizarre qu'il y ait des fleurs et maintenant on y pense trop, mais c' est bizarre qu'il y ait des fleurs et des petites tasses, alors laissez-moi juste ajouter des fleurs. Je choisis ici pour vraiment styliser les choses beaucoup et les retirer de la réalité, mais cela pourrait en fait faire une illustration intéressante pour garder certaines des choses qui sont en fait dans mon studio. Comme je l'ai dit, il pourrait être documentaire, il pourrait être plus sur la réalité et cela pourrait aussi être intéressant, mais ce que je veux montrer dans cette classe est comment styliser, abstrait, simplifier et d'une manière généraliser à l'effet de communiquer clairement une idée. J' ai décidé de déplacer tous les bras de ces supports de cette façon juste parce que cela fonctionne mieux pour tenir les choses dans et garder les choses espacées uniformément. Je veux une forme différente ici. Je vais faire semblant d'avoir un fanion. Je ne sais pas ce que ça dit, mais c'est plus intéressant d'avoir une autre forme là-bas, un triangle et le triangle joliment. Maintenant que je regarde ça fait écho au triangle là-bas et ici, peut-être que je vais ramener mes lunettes de soleil, et peut-être que je vais être rude dans un motif ici. Je n'ai pas besoin d'être spécifique, je peux juste impliquer qu'il y a un modèle, et si je dois montrer cela à un client d'abord pour signer, nous n'avons pas besoin d'entrer dans une conversation sur ce que ce modèle est exactement avant que je Je suis prêt à prendre cette décision. Éteignons le croquis sous-jacent, et je me sens vraiment bien sur l'endroit où cela va. Je pense qu'il a juste besoin d'une petite chose. On a un grand moniteur ouvert ici sans rien sur l'écran, et si ce type s' enregistrait avec une chemise dans son studio. C' est bizarre parce que la caméra est là. Je veux qu'il y ait quelque chose sur ce moniteur, alors voyons ça. C' est peut-être moi qui dessine cette image. Ça pourrait être moi avec un stylet à la main qui dessine cette image, qui l'élabore. Je suis juste en train de comprendre ça pendant que je m'en vais. J' ai fait l'idée principale de la scène. Si je le voulais, je pourrais le prendre en finale, mais je reste juste ici un peu et je vois les petits détails de surprise amusants que je pourrais ajouter pour le rendre plus intéressant. Il y a quelque chose à ce sujet que j'aime. Le dessin ici va être très simplifié par rapport au dessin que je fais ici, mais c'est une belle petite pépite à découvrir dans la scène où ce gars dessine une photo d'une photo dans laquelle il est, et il y a une configuration de caméra. Il y a juste une histoire qui se passe ici. Je suis prêt à prendre cela en illustration finale. Je suis sûr qu'il y a des choses bizarres que je trouverai que j'ai manquées, mais pour la plupart, je suis content de ça. Assurez-vous peut-être que je duplique ceci juste pour l'enregistrer et puis ouvrez une de ces copies ici. Ce que je veux faire, c'est juste comparer l'original avec le plus raffiné. Mettons le plus raffiné à droite et le plus rugueux à gauche. Comme vous pouvez le voir, j'ai très rapidement posé toutes mes choses de mémoire dans le premier croquis grossier. Comme je l'ai fait, une histoire sur ce qui se passait s'est déroulée sous mes yeux. Je ne suis pas venu dans l'idée de faire une histoire sur un gars sur son ordinateur avec un écran auto-référentiel de l'image elle-même et tout ça, tout ce que je savais c'est que j'allais faire une scène de moi et de mon espace de travail ou d'un gars dans son espace de travail et moi avait déjà toutes ces parties avec lesquelles travailler. En les exposant, j'ai pu déterminer quelle était ma composition, quels éléments restaient, quels éléments sortaient, quelles nouvelles choses que j'introduisais, comment ai-je simplifié, toutes ces décisions que j'ai prises pour rendre la composition plus forte et mieux raconter l'histoire, et pour régler des choses comme des conflits où il y a beaucoup de choses qui se chevauchent et qui pourraient être nettoyées un peu. Ce processus d'amélioration et de raffinement se poursuivra même dans l'art final, mais bien sûr, si je montrais cela à un client, je m'assurerais qu'ils signent sur le contenu, la composition et le concept, donc je ne veux pas obtenir trop fou de ce que je change entre cela dans mon art final. Le client va maintenant s'attendre à voir quelque chose comme ça, mais dans mon style et en couleur avec quelques textures et dans d'autres bits magiques comme ça. Les choses vont rester plus ou moins les mêmes, mais j'ai peut-être quelques idées sur ce qu'il faut faire pour ce qui se passe ici. Par exemple en finale, mais peut-être que tout va s'aligner parfaitement et je n'aurai pas besoin de faire des ajustements à la composition, donc c'est ce que je vais faire ensuite, et je te verrai dans la prochaine vidéo. 18. Projet final : œuvre d'art terminée.: [ MUSIQUE] Une fois que vous avez affiné votre croquis, il est temps de travailler votre magie et d'en faire une illustration entièrement finie. Comme je l'ai dit, c'est là que vous apportez vos propres outils et techniques au projet. Je vais vous montrer un aperçu de mon processus, mais la grande idée ici est de savoir comment mon style de dessin se connecte plus facilement à mon style d'illustration final. Maintenant, c'est à vous de mettre les principes de cette classe à l'épreuve [MUSIQUE] dans cette classe, tout le dessin et l'esquisse mènent à une destination finale, l'illustration finale, c'est le dessin vers l'illustration et tout ce que nous avons fait a été avec une direction et un but. En tant qu'illustrateurs, nous ne dessinons pas pour gagner notre vie. Nous créons des images qui racontent des histoires puissantes et expriment des idées significatives de manière visuellement convaincante. Lorsque vous avez terminé votre illustration, veuillez la partager sur la page des projets de classe. Mais s'il vous plaît n'oubliez pas de nous montrer tout ce processus qui y mène. En fait, c'est la chose la plus importante à montrer dans cette classe, pour montrer la progression du mode 1 ou du dessin observationnel vers le mode 2 ou le dessin idéationnel. C' est dans cette transition que votre voix en confiance commence à briller, que vous le vouliez ou non. Mon espoir, bien sûr, est que vous commencerez à tomber amoureux du dessin à votre manière, que vous deviendrez confiants et audacieux dans la façon dont vous dessinez vers l'illustration. Si vous êtes excité de partager quelque chose sur Instagram, s'il vous plaît assurez-vous de me le faire savoir en me taguant @mrtomfroese et utilisez le #drawingtowardillustration. C' est l'une des meilleures façons de me montrer ce que vous faites et je suis toujours reconnaissant pour le battage médiatique, mais surtout, je suis tellement reconnaissant pour le temps que vous avez choisi de passer avec moi. Très bien, il est temps de finaliser cette illustration. J' ai déjà envoyé mon croquis de Procreate à mon Mac. Maintenant, je l'ai ouvert dans Photoshop et bien sûr, Photoshop est ce que j'utilise pour finaliser mes illustrations et je vous encourage les gars à finaliser vos illustrations en utilisant les outils et les techniques que vous aimez utiliser. Pour beaucoup d'entre vous qui vont rester dans Procreate et le finir juste là, je pense que c'est génial. Beaucoup d'entre vous auront un flux de travail similaire à celui du mien en utilisant Photoshop. Peut-être que vous êtes plus dans l'illustration vectorielle, quelle que soit votre façon de faire. Pour être honnête à ce stade, vous avez appris tout ce que vous devez apprendre dans cette classe. Nous avons maintenant appris à dessiner vers l'illustration et il ne reste plus qu'à finir l'illustration dans un style plus finalisé. Avec ça hors du chemin, faisons tout ce truc illustré. J' ai ce croquis de Procreate ouvert, mais bien sûr, je dois faire un fichier d'illustration final réel dans Photoshop. Ce que je vais faire est de créer un nouveau fichier et je veux que ce soit ma taille d'impression finale, qui est de huit pouces sur 10 pouces. Bien sûr, je veux le faire 300 pixels par pouce afin qu'il s'imprime bien si c'était ce que je voulais faire. Je garde mon espace colorimétrique en RVB et beaucoup de gens peuvent penser différemment à cela, mais c'est exactement comme ça que j'ai commencé. Je recommande de travailler en mode couleur RVB. Allons juste ouvrir ce nouveau fichier et la première chose que je veux faire est juste de prendre cette version la plus raffinée de l'esquisse et de le copier et coller ici dans mon document et simplement l'étirer jusqu'aux bords. Comme toujours, j'aime réduire mon esquisse à environ 30 % d'opacité, puis je crée un groupe de calques au-dessus que j'appelle Art. C' est là que j'ai mis tout l'art dans l'illustration finale tout finit dans ce groupe de calques et je viens de définir la transparence de ce groupe de calques entier pour se multiplier et de cette façon, tout ce que je fais à l'intérieur ce groupe permettra à l'esquisse de briller à travers. Alors commençons. Pour commencer, je commence juste à faire une forme partout où mon œil mène, qui est au centre de la composition et tout de suite, je travaille sur la couleur. Maintenant, j'ai une palette de couleurs incontournable et j'utilise cette palette avec presque tous les projets, sauf si je suis obligé par mon client, je m'en tiens juste à cela, de sorte que ma décision sur les couleurs à utiliser est très facile. Ici, je bloque juste dans des formes de couleur et bien sûr, je me souviens à ce stade de sauvegarder mon document, très important lorsque vous travaillez sur une illustration très détaillée. Ici, je vais découper la forme du pot de l' orange en dessous afin que j'ai effectivement une forme négative là la couleur de la page traverse, et maintenant je passe à l'écran. Ici, je travaille à faire en sorte que ces coins soient arrondis d'une manière agréable et propre. Parfois, je dois recommencer à zéro juste pour m'assurer que tout est aussi net et propre que possible. Les coins arrondis sont vraiment difficiles à faire à la main lorsque vous n'utilisez pas de fonction automatique comme ce que vous pouvez obtenir dans Adobe Illustrator. Photoshop est un peu différent. Maintenant, je fais les obus. Il s'agit d'un copier-coller facile, mais bien sûr, lors de la copie et du collage, vous obtenez non seulement un duplicata de la forme, mais un duplicata de vos bizarreries et accidents de sorte que vous voulez vous débarrasser de ces accidents. Sinon, vous voyez deux du même accident qui les amplifie. Voici la première fois que j'introduis le travail de ligne dans l'équation et maintenant j'applique ce que j'ai fait à la fin, aussi aux pieds des chaises, en utilisant toujours un style lion très similaire et cohérent. J' utilise un pinceau ici pour ajouter les balles de tennis pour les pieds. En ajoutant quelques petits détails pour les rendre plus comme une balle de tennis et finalement j'ai décidé ici de faire ces fissures dans les balles de tennis avec une forme très simple. Maintenant travailler sur les jambes de jardinière, en utilisant exactement la même course de pinceau que les jambes sur la chaise. Il faut parfois quelques tentatives pour obtenir ces lignes exactement comme je veux qu'elles aillent. Ici, je me demande si avoir le bureau juste en face est la bonne idée. Peut-être que je veux avoir le bureau au milieu de la composition à la place pour que la page entière ne soit pas divisée en deux avec cette grande ligne sombre du bureau au milieu. Je trouve toujours faire des figures humaines en utilisant l'outil de stylo comme moi, l' une des parties les plus délicates d'une illustration, juste parce que vous avez toutes ces couches superposées et parties du bras sur le corps et des trucs comme ça. Lentement mais sûrement je travaille sur obtenir un peu de teint là-dedans et bien sûr quelques cheveux. Je travaille toujours sur les couleurs, peut-être que le bleu clair fonctionnera pour mon écran, je ne suis pas sûr encore et encore, je suis toujours en train de travailler si je veux que ce bureau coupe directement sur l'écran ou la page. Peut-être en faisant un rose plus clair au lieu de ce bleu foncé, cela éliminera cet effet de couper la page en deux. Ici, j'ajoute des détails à ce tiroir et ce que je vais trouver ici est que simplement copier et coller la ligne avec une petite poignée de traction crée une belle répétition et un look harmonieux juste en copiant et coller cela et tout simplement ne pas trop se soucier d'avoir même espacement. Cela lui ajoute un peu plus de qualité humaine. Maintenant, travailler sur les formes des jambes. C' est toujours un peu un processus pour y arriver. À ce stade avec les chaussures, j'essaie de comprendre de quelle couleur ils seront pour qu'ils contrastent à la fois avec mes jambes et avec les éléments de fond. J' ai introduit le gris, ce qui n'est pas différent de la couleur de mes chaussures réelles dans la vraie vie. Garder ces traits de ligne cohérents avec tout le reste. J' ai essentiellement deux traits de ligne en termes de largeur. J' ai la plus mince comme vous voyez dans les détails de la chaussure et les plus épais comme vous voyez dans les jambes de la chaise. Ajouter quelques lignes blanches ajoute quelques détails et une séparation entre les éléments sombres de mes vêtements, puis voir si je peux ajouter quelques rides pour améliorer la sensation de courbure de mes jambes. Encore une fois, il suffit de jouer, voir ce qui fonctionne, de faire un peu trop, puis de le reprendre. Quel est ce juste équilibre entre la ligne séparant les deux jambes et ayant les rides là-bas et maintenant je travaille sur devrais-je avoir des coutures ou d'autres facettes ou caractéristiques dans les gènes là-bas ? Alors je dis non. C' était un peu trop flashy, alors je l'ai pris. Essayer d'obtenir ces doigts juste la bonne forme. Maintenant, il est normal d'enlever le croquis pendant un moment juste pour voir comment l'œuvre est debout tout seul. Maintenant, je vais passer à ajouter quelques crochets pour les étagères et encore une fois, c'est une opération de copier-coller ici parce que ces éléments sont très mineurs, leur permettant de répéter crée juste une belle cohérence d'une manière très simple et propre. Maintenant, j'ajoute les formes pour la lumière du studio et je vais travailler sur la façon dont je fais ces rabats sur la lumière. Est-ce que je vais utiliser des traits ou est-ce que je vais utiliser des formes ? En fin de compte, j'ai décidé que les formes étaient la voie à suivre. Ensuite, je commence à fouiller avec les détails de la façon dont ces volets sont attachés à la lumière elle-même et bien sûr ce que les détails sur le dos du briquet. J' ai juste besoin de assez pour suggérer peut-être un peu de profondeur juste pour donner la lumière d'un peu de présence. Mais je vais faire des histoires un peu sur les détails à inclure sur le dos, donc ce n'est pas distrayant. Maintenant, je travaille sur le modèle de la jardinière. Ce que je veux ici, c'est juste m'assurer que c'est naturel d'une certaine manière, comme le pinceau que j'utilise. En fait, ça ne ressemble pas à un pinceau numérique. Certains de mes crayons ici semblent trop numériques, donc je travaille sur ceux qui ont l'air le plus naturel et je travaille ensuite sur la qualité réelle de chaque ligne dans ce motif. En fin de compte, je crée un petit ensemble de lignes que je répète à nouveau juste pour avoir cette cohérence et cette simplicité. Maintenant, il est temps de trouver comment sur terre je vais créer les feuilles de la plante, qui dans mon style qui utilise beaucoup de formes à l'aide de l'outil de stylo, est délicat. Donc j'ai trouvé ce pinceau, il se rétrécit à une fin et je travaille juste ici, et en utilisant une gomme pour juste aiguiser les extrémités de chacune de ces feuilles sur la plante. Je décide maintenant que le bureau va être jaune et puis je suppose que le tapis va saigner sur les bords, au lieu de cela, recadre serré presque sur le bord et maintenant je joue avec quel modèle je vais ajouter à cela tapis. Répéter d'abord le motif, puis ajouter un peu de variation afin qu'il ne semble pas totalement coupé et collé. J' ai également ajouté les bandes rouges là aussi, et puis je décide juste d'ajouter une mêlée aux extrémités du tapis et cela ajoute plus d'intérêt visuel et aide ce bord du tapis tout simplement de ne pas être si brusque. Maintenant, je réfléchis à la couleur de ma chemise. Dans l'image dont j'ai tiré cela, je portais tout noir, mais l'ajout de la chemise comme une couleur différente va créer à nouveau plus d'intérêt visuel en contraste. Maintenant, je travaille sur le cadre de l'iPad et les contours de la chaise, juste une ligne très simple fera, et maintenant ajouter mon MacBook. Maintenant, je voulais qu'il soit noir comme l'écran, l'écran principal au milieu est noir, mais il ne contraste pas bien, bien sûr, avec la lumière du studio devant lui, donc je le fais bleu clair à la place. Ensuite, bien sûr, en élaborant quelle couleur sera cet écran sur le MacBook. Je pense que je reviendrai plus tard. Encore une fois, faire le trépied pour l'appareil photo dans la même qualité de ligne que je l'ai fait pour les jambes sur la chaise et les trépieds aux lumières du studio, juste travailler quelques détails simples pour l'appareil photo lui-même, ne se sentant pas fidèle aux couleurs de l'appareil photo dans la vraie vie. Je n'ai pas d'appareil photo rose et bleu, mais je veux du rose là-bas. J' ai pensé qu'ajouter la même couleur d'orange à cette petite lampe de serrage, qui en fait la même couleur que la lampe suspendue au-dessus de moi a du sens. Vérifie encore sans le croquis, voir comment tout se passe ensemble. Maintenant, je trouve que les balles de tennis ne contrastent pas assez avec le jaune sur ce tapis, donc je me demande si peut-être ajouter des ombres aidera les balles de tennis à éclater plus, mais j'ai l'impression que l'ombre ne fonctionne pas vraiment. ici, il se démarque vraiment. Donc j'ombrage à la place tout le tapis et je fais juste une nuance plus foncée, ce qui aide ces boules à sortir. Maintenant, ajoutez le câble de la lumière et obtenez juste cette torsion de câble juste. Pendant que je fais des câbles, pourquoi ne pas faire la prise de l'autre côté de l'image ? Encore une fois, comment faire en sorte que cette prise ressemble à une prise sans la surtravailler. Ici, je travaille sur la façon dont je vais faire les deux tiroirs, et je trouve que simplement répéter le tiroir sur la gauche et le faire fonctionner sur la droite fonctionne parfaitement. Amener une roue au bon jeu de tiroirs, même si je n'en ai pas dans la vraie vie, fonctionne bien. Maintenant, je travaille sur le pendentif. Mettre en place ma grille ici pour que je puisse faire du lettrage pour le pendentif. Au début, je pensais que je mettrais « Skillshare » sur le pendentif, mais ce n'était pas correct, donc j'ai juste écrit « cool » à la place. Je fais mon lettrage un peu plus grand que j'en ai besoin dans la position finale placée, puis rétrécir vers le bas et cela rend le lettrage un peu plus net. Maintenant, j'ajoute un peu de texture de grain de bois pour le bureau. D' abord, je le dessine au-dessus de l'ensemble, puis je le placerai plus tard dans la forme du bureau lui-même. Maintenant, j'ajuste la couleur au blanc parce que c'est un peu plus subtil. Maintenant, sur mon mur, j'ai différentes photos et enregistrements avec des graphismes que j'aime vraiment. C' est ce qu'ils sont ici et je vais déterminer combien de détails j'inclue dans ces dossiers. Est-ce que je vais en ville et vraiment ajouter des tonnes de détails ou est-ce que je le tire en arrière et juste suggérer ce qu'il y a sur les couvertures sans être super littéral ? Donc, ici au microphone, je vais trouver comment faire ce maillage et je trouve que juste une ligne plus mince fonctionne vraiment bien, et juste le répéter dans un hachage comme une texture ou un motif croisé, fonctionne très bien. Ajouter quelques détails au chapeau aidera à séparer ce chapeau de l'écran qui sont de la même couleur. Maintenant, je travaille sur certains des cadres sur l'étagère et autour de l'étagère, et tout comme les disques, je vais déterminer à quel point je vais faire ce qu'il y a à l'intérieur de ces cadres. Alors ce sera juste blanc brillant, comme la page qui brille à travers, ou est-ce que je vais ajouter des détails réels sur ce qu'il y a dans ces cadres ? C' est quelque chose que je comprendrai plus tard. Si je ne sais pas quelles couleurs utiliser, je vais juste utiliser n'importe quelle couleur au hasard, et apporter des modifications si j'en ai besoin plus tard. Aussi, juste essayer de comprendre la proportion exacte de ces livres que j' ai couché les uns sur les autres ne fonctionnait pas pour moi, donc j'ai recommencé et puis j'ai réalisé que le téléphone est cette couleur rouge, donc je prends lecture de la livres et l'utiliser pour le téléphone qui est assis sur le dessus. Je fais ce livre du milieu blanc à la place. Maintenant, je passe beaucoup de temps à essayer d'obtenir ce squiggle ou la spirale du cordon téléphonique juste à droite. Rien ne semble fonctionner jusqu'à ce que j'en fasse un tout petit et là, je l'ai. Maintenant, passez à ces bouteilles. Ces bouteilles sont sur mon étagère parce que j'ai conçu les étiquettes. Ils sont maintenant vides, mais j'adore les étiquettes donc je les ai sur mon étagère. Juste une petite ligne blanche pour séparer les deux. Ajouter un autre disque entre les deux étagères, déplacer ces supports, afin qu'ils puissent accueillir les différentes choses sur l'étagère, et maintenant il est temps de faire certains des magazines et des livres sur l'étagère. Donc, je trouve que juste en faisant un simple coup pour représenter la colonne vertébrale d' un magazine et varier les couleurs que j'ai créé un beau motif abstrait. C' est une belle façon simple de représenter les magazines sans être trop détaillé. Bien sûr, s'assurer que la variation entre les différentes couleurs est d'une manière inattendue. Ce n'est pas seulement des couleurs aléatoires comme j'en ai regroupé quelques-unes en bleu et rose et rouge là-haut, surtout celles dans les petites boîtes que je dessine des trous maintenant. J' essaie toujours de trouver la couleur de ces tiroirs sous le bureau. J' ai trouvé que le rose était un peu moins intense que le rouge. Retourner au MacBook en ajoutant quelques détails simples et subtils. Ces choses se révèlent à moi au fur et à mesure que je vais. S' il est coincé dessus, je le laisse juste, y reviendrai plus tard, et habituellement j'ai plus de clarté quand je le fais. Maintenant, je fais certains des plus gros livres de ma bibliothèque. Ce sont des livres de table basse. Donc, essayer quelques épines plus larges ici de différentes couleurs, et voir comment cela fonctionne. J' ai du mal ici pour voir ce qui fonctionne, et je pense peut-être que j'ai besoin d'une sorte d'élément de séparation entre chaque livre. Mais je trouve que cela regarde au congrès avec d'autres choses que j'ai sur les étagères en particulier. Donc, en fin de compte, je rejette cette approche et décide juste d'aller pour les lignes similaires à ce que j' ai sur l'étagère ci-dessus parce que peu importe ce qui est vraiment là. ce moment, je veux simplement suggérer qu'il y a des livres sur l'étagère et ont un niveau de cohérence visuelle, et d'harmonie dans toute la composition. garder simple et abstrait et répété me permet de ne pas m'inquiéter des détails sur ces épines des livres. Je me suis fait prendre dans ce que ces livres étaient et quelles couleurs ils étaient, alors je l'ai abandonné et je suis allé avec quelque chose de plus simple. C' était un élément mineur, donc ça n'avait pas d'importance. Dès que quelque chose dit attire trop l'attention sur lui-même, et qu'il n'est pas vraiment censé être un point focal de l'illustration, j'essaie de la simplifier et de l'abuser. Maintenant, je vais trouver comment faire un transparent comme un vase en verre. Dans mon autre genre de schéma de couleurs plates et unies ici. Donc juste en soulignant ce vase avec un contour bleu suggère clairement où l'eau n'est pas venue jusqu'au haut. Les fleurs que je n'ai pas pensé à quel genre de fleurs ce sont, juste des fleurs en général. Donc, n'importe quel détail là-bas n'a pas vraiment d'importance tant qu'ils ont une fleur comme l'apparence pour eux et ont l'air bien, alors je suis heureux. Ici, je travaille juste sur certains des détails de ce clip ou pince qui me dérangeaient. J' ai trouvé que le contraste et l'ombrage sur le tapis étaient trop sombres, donc je l'allège. Alors je veux ajouter quelques petits points de plus à ces boules de Billy. Maintenant, je travaille sur quelques détails pour les feuilles sur la plante d'intérieur. Puis-je rendre la plante d'intérieur plus intéressante et en quelque sorte plus complète ? Rien de ce que je fais ne fonctionne pas. Peut-être que quelque chose de blanc fera l'affaire. Continue d'essayer. Il y a quelque chose là-bas. Maintenant, je fais trop de travail. J' ai décidé de le mettre au rebut et peut-être y revenir plus tard. Maintenant, je travaille sur un modèle pour ma chemise. L' un de mes motifs préférés dans mon illustration pour les chemises est bien sûr le plaid, que j'ai aussi tendance à porter beaucoup. Il y a donc un élément autobiographique à cela, et ici j'essaie juste de rendre ce motif à carreaux aussi agréable et simple mais efficace que possible. Toujours essayer de rendre les choses lâches et fantaisistes sans avoir l'air bâclé, et de l'autre côté, vous ne voulez pas qu'elles aient l'air surchargé. Retourner le croquis afin que je puisse continuer avec certains détails. Obtenir autant de variété de couleurs que je peux. Équilibrage où les couleurs apparaissent dans l'illustration. Voici un autre vaisseau transparent. C' est un pot sur mon bureau avec des règles et du ruban adhésif. Donc ici, j'ai du mal à rendre cette forme uniforme et finalement j'abandonne et triche et copie et colle le côté à l'autre pour qu'il soit symétrique, puis commence à dessiner dans les éléments ou le contenu de ce pot. Encore une fois, juste, je vais travailler sur la façon dont je représente les objets dans ce vaisseau transparent en utilisant un schéma de couleurs assez solide et plat. Ça me prend un peu de temps ici, mais je finis par y arriver. Beaucoup de choses sur lesquelles je suis coincé, je le laisse juste pour l'instant et passe à la prochaine chose, voici une paire de lunettes de soleil sur mon bureau et je les fais embêter sur la façon de faire ces lunettes. Ensuite, je passe à certains des autres éléments inachevés. Dans ce cas, la plante sur le dessus de mon étagère. Pour la plante elle-même, je vais utiliser la même couleur et la même brosse que j'ai utilisée pour les feuilles de la plante, la plante principale sur le sol. Cette grosse boîte grise est mon imprimante. Maintenant, pour les détails à l'intérieur de l'écran ici, qui est une image de l'image ici, je le garde vraiment simple, j'utilise juste un trait de ligne dans une couleur et suggère cette image plutôt que d'aller et essayer de répéter le image entière plus en détail ici. C' est assez pour quelque chose de cette taille. Je prendrai le temps et je m'occuperai de le faire paraître pour qu'il n'ait pas l'air bâclé. Mais à part ça, je reste simple. Il suffit d'harmoniser les choses plus en créant un style de coin similaire à l'écran derrière l'iPad là-bas. Ensuite, bien sûr, parce que je travaille sur Astra pad, en utilisant mon iPad comme tablette graphique, il voit ce qui est sur mon écran aussi, donc j'inclut ce détail. juste ajouter quelques touches de finition ici, en atténuant les images sur mes écrans là-bas. Ils ne sont donc pas aussi évidents et dominants. Finalement, je trouve la couleur qui fonctionne. J' ai l'impression de vouloir mettre une sorte d'élément au-dessus de ces livres et devant ce carré rose. Je débarque sur ce producteur de bière, que j'ai sur mon étagère, et je le laisse là. Maintenant, j'ajoute enfin les détails à ce disque plus sombre à côté de moi sur le mur, et j'y ajoute un peu de lettrage à la main. Encore une fois, travailler sur mon lettrage un peu plus grand et ensuite le mettre à l'échelle bas peut le rendre plus net que si je l'avais juste dessiné en place, ce qui fait plus de lettrage cette fois pour le disque jaune. Ce disque jaune est une couverture conçue par Alex Steinweiss, un des grands designers de pochettes d'album du milieu du siècle. Ne pas entrer dans trop de détails ici, juste suggérer ce qu'il y a sur le compte rendu, et m'assurer que je le cache derrière les dirigeants. Maintenant, je travaille sur peut-être ajouter un peu d'ombrage, juste une touche et rendre le câble blanc ici, je pense que c'était un bon mouvement parce que c'est soigné comment il disparaît et le blanc près de mes pieds et puis vous conduit hors de la page en bas. Donc j'étais vraiment content de la façon dont ça s'est passé. Fussing avec plus de détails. Je retourne enfin à ce pot de règles et de ruban adhésif sur mon bureau. Résoudre cela, en élaborant un dernier type de détail abstrait sur cette couverture. Je ne veux pas être trop spécifique et les distraire, donc je crée un blob et affine le bord de celui-ci pour le rendre plus considéré. Obtenez le ton juste. Je joue avec obtenir un ton à l'intérieur de ce grogneur aussi. Juste quelque chose d'un peu plus sombre pour suggérer du verre sombre. Enfin, je décide que oui, je vais mettre quelque chose dans ces cadres. Juste une suggestion de ce qu'il y a dedans sans être trop spécifique. Encore une fois, faire un peu plus de lettrage à la main. Ce cadre a un magazine avec une couverture dessinée par l'un de mes illustrateurs préférés, Ben Shahn. Je ne vais pas essayer d'imiter ça dans l'illustration ici. Je dessine juste un blob général là-dedans et ça suffit. même chose avec la peinture de clown. Juste quelque chose de simple. Bien sûr, n'oubliez pas cette touche finale très importante. Je crois que j'ai fini. 19. Conclusion !: D' accord les gars, c'est tout. On a fini. Merci d'avoir travaillé à travers toutes les conférences et l'amorce, d'avoir parcouru tous les exercices et bien sûr d' avoir fait tout ce qui est à la maison dans le projet d'illustration finale. J' espère que vous vous êtes bien amusé à travailler pendant les tâches. J' espère que vous avez appris beaucoup de choses sur Drawing Towards Illustration. J' espère en particulier que vous gagnerez des indices précieux sur votre propre voix unique dans tout cela. Si vous avez des questions en cours de route, comme toujours, s'il vous plaît posez-moi, je suis bien de répondre à vos questions. Pour des questions générales sur le contenu de cette classe, vous pouvez m'écrire une note dans la page de discussion de cette classe. Si vous voulez des commentaires plus précis sur les exercices ou le projet final, assurez-vous d'afficher votre travail sur la page Projets et ressources de cette classe. Poster là est le meilleur moyen pour moi de voir ce que tu fais. Je fais mon objectif de voir chaque projet que vous publiez. De plus, en publiant votre projet, vous inspirez d'autres personnes à faire de même. Bien sûr, je vous encourage tous à examiner projets des uns et des autres et à nous faire part de leurs commentaires utiles. Vous êtes toujours un groupe de stand-up, toujours gentils et respectueux. C' est toujours une joie de voir notre communauté de créateurs s'édifier mutuellement. Je recommande fortement de tirer parti de la communauté d'apprenants créatifs de Skillshare en sollicitant les commentaires de vos collègues étudiants. Peut-être offrir un échange de votre critique sur leur projet, pour le leur, sur le vôtre. Si vous partagez tout ce que vous avez fait dans cette classe ou directement à la suite de l'avoir pris sur Instagram, veuillez utiliser le hashtag drawingtowardillustration. De cette façon, je peux vraiment suivre ce que tu fais au-delà de ce cours. Tu sais que j'adore voir ton travail dans la nature. Merci beaucoup d'avoir pris Drawing Towards Illustration. Je te verrai dans le prochain cours.