Dessiner sans crainte : une approche thérapeutique de la créativité au quotidien

1. Introduction: Dessiner sans crainte est une approche différente pour être créatif. C' est quand vous utilisez le dessin comme un outil dans votre vie. La vie peut parfois ressentir cela et dessiner sans crainte est quand vous utilisez le dessin quotidien pour aller sur papier. Bienvenue dans mon cours de Shack à l'école. Je m'appelle Catherine Jennifer. Je suis artiste, designer freelance et mère de quatre jeunes garçons. J' ai fait ce cours parce que je sais que la peur est un énorme obstacle qui empêche les gens d'accéder à leur créativité innée et d'exprimer leur créativité. La peur peut se masquer comme étant de l'agitation ou de la procrastination. Mais c'est la chose la plus importante qui vous empêche de commencer votre carrière au travail, ou vous empêche d'arriver à un endroit où la créativité est libre et amusante. Dans cette classe, je partage mon cadre pour faire face à la peur. Nous allons d'abord examiner les étapes du processus créatif. Ensuite, je vais démontrer six techniques que vous pouvez essayer de vous aider à faire le déplacement du cerveau dans la zone où la créativité est libre et amusant. Le cadre repose sur le développement d'un état d'esprit sain autour de votre créativité. Quand la créativité commence à partir d'un lieu d'auto-soin, il n'y a pas de place pour la culpabilité ou la honte. Vous n'avez pas besoin de connaissances préalables pour suivre ce cours. Tout ce dont vous avez besoin sont des fournitures d'art de base. Si vous êtes quelqu'un qui aspire à être créatif, mais vous ne savez pas comment commencer. Ou si vous avez entrepris des défis de 100 jours, mais amusant et difficile à soutenir. Ou si vous voulez simplement apprendre à vous détendre et à vous amuser plus avec votre art. Alors ce cours est pour vous. Pour votre projet de classe, vous examinerez d'abord les moyens d'améliorer votre espace de travail. Alors vous allez essayer les techniques que je démontrerai. Enfin, vous apprendrez à évaluer votre session de création plutôt que de juger votre produit créatif. À la fin de la classe, vous saurez comment commencer rapidement, vous aurez des techniques spécifiques à essayer lorsque vous constaterez que vous n'aimez pas ce que vous faites ou que vous ne vous amusez pas. Parce que le cadre positionne le plaisir et l'auto-soin au centre, vous serez en position de direction pour soutenir votre créativité à long terme. Si vous avez eu envie de laisser un peu de votre fou sur le papier, alors j'espère vraiment que vous me rejoindrez dans ce voyage. Commençons. 2. Projet: Le projet pour cette classe est divisé en trois parties. La première partie est de mettre en place ou d'améliorer votre espace créatif, la deuxième partie est d'essayer les techniques que je démontrez dans les leçons vidéo qui commencent par comment, cela devrait prendre environ 20 minutes, et la troisième partie est pour télécharger le modèle d'évaluation et aller à l'évaluation de votre session, cela devrait prendre environ 5-10 minutes. J' ai choisi ce projet parce qu'avoir un espace accueillant représente environ 50 pour cent de la bataille, l'autre 50 pour cent dépend en partie de la compréhension de votre processus créatif, et d'avoir les outils pour esquiver ou sauter au-dessus de la peur, et en partie sur le plaisir pendant votre session. Avoir du plaisir dépend beaucoup d'avoir une boîte à outils de techniques que vous pouvez utiliser pour vous introduire dans la zone de liberté. Le projet, c'est d'aller aux techniques sans se soucier du résultat, et vous pouvez même découvrir de nouvelles techniques qui fonctionnent pour vous et qui sont amusantes. Pour vous préparer à un projet réussi, je recommande de laisser tomber le perfectionnisme et le jugement. Le rassemblement de classe n'est pas un magazine domestique et terroriste, et nous ne sommes pas intéressés à voir photos impeccables parfaitement stylées de votre espace créatif. En fait, un espace trop parfait, ne voit probablement pas beaucoup d'utilité, si vous travaillez à la table de votre cuisine, mais vous avez une façon intelligente de stocker vos matériaux d'art, alors elle a fait référence à cela. Le but est de penser à votre espace, rendre un peu plus accueillant, et aussi, construire un sentiment de communauté, afin que nous puissions tous imaginer tout le monde là-bas, travaillant loin dans leurs espaces créatifs, et nous pouvons tous nous sentir moins seuls. Découvrez les conseils que j'ai donnés dans la section quatre des ressources, petites améliorations que vous pouvez apporter à votre espace. Pour moi, la plus grande chose qui a fait la différence, c'est quand j'ai installé un éclairage de bureau approprié. Si l'éclairage est quelque chose avec lequel vous avez du mal, alors envisagez d'investir en tant que lampe qui a une ampoule blanche, cela peut faire une énorme différence si vous travaillez avec la couleur. La deuxième partie de votre projet est de jouer pendant 20 minutes, et d'essayer les techniques que je démontrais dans les leçons vidéo qui commencent par comment. Pour cette partie, tout ce que vous avez à faire est de choisir une image à partir de laquelle travailler, régler votre alarme pendant 20 minutes et amusez-vous. Le but de cet exercice n'est pas de faire un chef-d'œuvre, le but est de tester par vous-même, les techniques qui peuvent vous aider à faire le passage de la note de contrôle, à votre note intuitive plus expressive. Vous êtes à la recherche du changement qui peut vous amener à l'endroit où faire de l'art est joyeux, expressif et amusant. Vous pourriez passer 20 minutes sur une technique, ou vous pouvez les fouetter toutes, ce qui vous plaît, et s'il vous plaît ne vous inquiétez pas, il n'y a pas d'impératif de partager ce que vous faites dans ces 20 minutes. Pour la plupart des gens, partager ce que vous faites quand vous travaillez avec seulement 20 minutes est terrifiant, et le but de la classe est de dissiper la peur, pas de créer plus de peur. Si vous voulez partager, nous aimerions le voir, mais s'il vous plaît, ce n'est pas une exigence pour la classe. La troisième partie du projet est de télécharger le modèle d'évaluation, et de passer quelques minutes à réfléchir sur votre session et à évaluer ce qui s'est bien passé, où vous vous êtes senti coincé, où vous vous êtes senti libre, ce que vous avez aimé, vous peut également vouloir prendre des notes dans un journal. Comme je l'ai déjà dit, s'il vous plaît noter que, évaluer votre séance est complètement différent de juger votre dessin. Donc, vous pouvez faire un dessin avec lequel vous n'êtes pas satisfait, mais vous pouvez toujours être vraiment satisfait de la façon dont la session s'est déroulée et comment vous vous sentez par la suite, et c'est vraiment important de savoir quand vous voulez soutenir votre pratique sur le long terme. L' évaluation est peut-être la partie la plus importante du projet, donc votre projet terminé devrait ressembler à ceci, photo de votre espace, vous pouvez montrer quelques exemples de votre travail si vous le souhaitez, puis votre évaluation. En achevant le projet, vous aurez un espace encore meilleur et plus accueillant qu'auparavant, nouvelles techniques à utiliser lorsque vous avez besoin de vous détendre et de vous amuser, et vous aurez les outils pour vous aider à réfléchir rapidement et facilement sur votre session de création, que vous pouvez ensuite construire le lendemain. En tant qu'artistes, la plupart d'entre nous travaillent seuls, mais nous n'avons pas à nous sentir seuls. Pendant longtemps dans ma vie, je me suis senti comme un peu bizarre parce que je ne connaissais pas d'autres personnes créatives. Mais au cours des dernières années, j'ai rencontré, à travers Internet, des gens créatifs incroyables, et je sens maintenant que je fais partie d'une communauté créative, et je fais partie d'une tribu, et cela fait une énorme différence pour tous les aspects de mon la vie créative. À la fin de cette vidéo, arrêtez la classe, allez apporter une petite amélioration à votre espace de création, prenez une photo rapide et postez-la dans la galerie de projets. Ensuite, vous serez opérationnel et prêt à vous lancer dans les autres sections du projet plus tard dans la classe. Dans la section suivante, nous allons regarder tous les beaux matériaux que vous pourriez utiliser pour ce cours, à vous voir là-bas. 3. Matériaux: Les matériaux dont vous aurez besoin pour cette classe sont du papier aquarelle. C' est un tampon de 200 grammes que je peux arracher les pages. Deux cents grammes sont assez épais pour résister à beaucoup d'abus, mais pas si épais que j'ai peur de l'utiliser et peur de le gaspiller. Vous aurez besoin de peintures à l'aquarelle. C' est un ensemble de Daniel Smith, qui sont vraiment sympa de travailler avec, mais vous n'avez pas besoin de quoi que ce soit cher. C' est un ensemble de base de Winsor Newton. Vous pouvez également utiliser deux aquarelles si vous le souhaitez. Tout ce que vous préférez, c'est bien. Des crayons de crayon aquarelle. Encore une fois, il n'a pas besoin d'être quelque chose de fantaisie. Ce sont juste ceux de WH Smith, et ce sont des enfants plus stables, un taille-crayon. C' est bon d'avoir une grande baignoire de peinture blanche assez bon marché. C' est un certain Reeves Gouache, et le truc à ce sujet c'est qu'il est assez transparent, donc en fait ce n'est pas génial. Je ne le recommanderais pas, mais je l'utilise. Mais si je veux quelque chose de plus opaque, alors j'utilise ce qui est Winsor Newton designers gouache. Je l'utilise aussi quand je suis allé travailler directement à partir du tube, ce qui est l'une des techniques. Ensuite, vous aurez besoin d'une gamme de fraiseuses allant de petites, c'est probablement une taille 0 ou 1. Vous voudrez peut-être quelque chose de très bonne qualité avec un point d'épingle. J' aime bien utiliser une brosse plate. Vous voudrez peut-être un pinceau plus large et quelque chose quelque part entre les deux. Vous n'avez pas besoin d'investir dans des brosses coûteuses. Juste quelques choses que vous pouvez brosser autour de la peinture est très bien. Vous voudrez peut-être un rouleau. Fondamentalement, tout ce que vous pouvez faire une marque, essayez-le. Puis enfin, quelques crayons allant de gentil et dur, 3H à moyen autour de 2B. Mon crayon préféré est celui-ci, qui est un HB. Il est super doux, et il fonctionne bien lorsque vous voulez dessiner dans de la peinture humide. Dans la section suivante, nous examinerons plus en profondeur ce que signifie le dessin sans crainte. On se voit là-bas. 4. Dessiner sans crainte: Qu' est-ce que le dessin sans crainte ? Dessiner sans crainte est une approche différente pour être créatif. C' est quand vous utilisez la créativité comme un outil dans votre vie. Vous pouvez l'utiliser pour exprimer l'émotion, parfois simplement à travers les marques que vous faites ou le mouvement de votre corps, et parfois à travers les dessins que vous créez, qui peuvent exprimer mieux que les mots, comment vous vous sentez. Selon ce qui se passe dans votre vie, dessiner sans crainte peut apporter de la joie aux jours ternes ou calmer les jours stressants. Lorsque vous avez les outils pour sauter rapidement et facilement à l'endroit où être créatif est gratuit et amusant. Ensuite, même une petite dose quotidienne peut faire une énorme différence pour votre journée et peut vous amener à l'endroit où vous éprouvez flux. reprendre les mots d'Anni Albers, « J'avais cette idée carrée que l'art est quelque chose qui vous fait respirer avec un autre genre de bonheur ». Elle a raison. Lorsque vous vous permettez d'être créatif sur une base régulière, vous commencez à respirer avec un autre genre de bonheur. Votre vie quotidienne devient remplie de possibilités et d'inspiration. Mon espoir est qu'en faisant ce cours, je peux vous aider à surmonter votre peur et à rendre plus d'art plus cohérent. Mais, pour dessiner sans crainte, vous devez être prêt à faire un gâchis, faire des dessins qui échouent, et valoriser le processus sur le résultat. Dessiner sans crainte est une question d'espace de tête. Il s'agit de libérer le stress et l'émotion. Il s'agit d'exprimer votre bonne ou mauvaise énergie, alors comment faire ? Tout d'abord, vous devez comprendre les étapes du processus créatif et où votre peur s'insère dans cela. Ensuite, vous devez apprendre à remplacer votre cerveau contrôlant et à accéder à votre cerveau plus créatif et intuitif. Pendant tout ce temps, vous devez observer la règle d'or, qui est, il doit être amusant. Si ce n'est pas amusant, changez ce que vous faites. Dans ce cours, je vais d'abord examiner les étapes du processus créatif tel que je le vois. Ensuite, je vais démontrer plusieurs techniques que vous pouvez utiliser pour remplacer votre cerveau contrôlant et accéder à votre cerveau plus expressif et intuitif. Rejoignez-moi dans la prochaine vidéo, où nous regardons la zone de peur. 5. Zone de peur: Donc, nous avons cette tension, cette contradiction entre savoir que la peur est bonne, qu'elle nous dit quoi faire. Pourtant, d'une manière ou d'une autre, nous devons surmonter la peur pour faire notre travail. Elizabeth Gilbert dans son livre, Big Magic, parle de laisser la peur s'asseoir dans le coin mais de ne pas la laisser prendre les décisions. Je pense que c'est une très bonne façon de le regarder. Ici, je veux expliquer que dessiner sans peur ne signifie pas éradiquer complètement la peur parce que je ne pense pas que ce soit possible. Ce que cela signifie, c'est que vous identifiez où réside la peur. Vous reconnaissez qu'il est là et ensuite vous pouvez l'esquiver ou sauter dessus et ne pas le laisser vous empêcher de faire ce que vous devez faire. Pour dessiner sans crainte, il est utile de comprendre votre propre processus créatif et d'identifier où votre peur entre en jeu. Le processus créatif est susceptible d'être différent pour différentes personnes. Dans cette vidéo, je vais partager le processus au fur et à mesure que je l'expérimente. Je serais vraiment intéressé de savoir si ça résonne avec vous ou comment vous l'expérimentez différemment. S' il vous plaît laissez-moi savoir via les commentaires ou via Instagram. Si vous êtes prêt à partager, je suis sûr que d'autres personnes seraient intéressées aussi. Je vois que le processus créatif se compose de trois zones avec deux portes ou barrières que vous devez franchir. Le premier s'appelle la zone de peur. C' est avant même de commencer tout travail créatif. C' est la lutte interne que tu dois te faire asseoir et ramasser un crayon. C' est la bataille contre la résistance et il faut la combattre chaque jour. Je vais partager avec vous un concept important et trois conseils que j'ai trouvé vraiment utiles pour m'aider à franchir cette zone et à franchir la porte de départ le plus rapidement possible. La deuxième zone, j'ai appelé la zone de tension. C' est là que vous avez commencé à travailler, mais vous n'êtes pas encore détendu. Vous ne vous amusez pas autant que vous pourriez avoir et vous n'êtes pas nécessairement en état de flot. Idéalement, vous voulez continuer à travailler jusqu'à ce que vous franchissiez la porte voisine, où vous laissez aller et vous entrez dans la zone de liberté. C' est là que faire de l'art devient amusant et que vous devenez un canal pour l'art et vous entrez dans un flux d'état. Le but est de passer ces deux portes le plus rapidement possible pour arriver là où c'est amusant. Oui, vous pouvez le faire en seulement 20 minutes avec un peu de pratique. Si vous essayez les techniques que je vais démontrer, elles devraient vous aider à accélérer à travers la zone de tension et entrer dans la zone de liberté beaucoup plus rapidement. Tout d'abord, regardons la zone de peur. Dans cette zone, tous les arguments que vous pouvez avoir consciemment ou inconsciemment. Ce sont peut-être des choses comme, je suis fatigué, j'ai trop à faire, je ne sais pas quoi dessiner, je ne sais pas comment dessiner, ou l'argument tueur. Quel est le but ? Ce sont toutes des formes de résistance. La première chose à faire est de définir le cadre, qui est de placer votre créativité fermement dans le domaine de l'autosoin. Je vois ça comme une relation de poussée. Lorsque vous combattez la résistance de la position de l'auto-soin, vous êtes dans une position beaucoup plus forte. Pour placer votre créativité dans les domaines de l'auto-soin, vous devez la sortir de la boîte appelée WORK et la placer fermement dans la boîte appelée FUN ou moi time ou si cela semble indulgent, ce n'est pas le cas. Mais si c'est le cas, alors étiqueter votre boîte ESSENTIELLE SURVIE THÉRAPIE, quelle que soit votre décision de l'appeler, soyez conscient que l'étiquette que vous lui donnez vient d'un lieu d'auto-soin. Il peut également être utile de voir les autosoins et vous créerez un moment à la lumière de faire ce que vous devez faire pour que vous soyez mieux en mesure de prendre soin de ceux qui vous entourent. Mon mari sait qu'une fois que j'ai fait mes 20 minutes de dessin sur une femme et une mère beaucoup plus gentils. Prendre le temps de votre créativité n'est pas un acte égoïste, en fait, c'est tout le contraire. Lorsque vous prenez le temps de faire votre travail créatif, vous vous nourrissez avec l'espace de tête dont vous avez besoin. Vous exprimez l'émotion dont vous avez besoin pour vous débarrasser et vous ouvrez la porte au plaisir et à la joie. Ensuite, parce que vous avez pris soin de vous, vous sortez tellement plus fort et plus capable de s'occuper de tout le monde autour de vous, donc c'est le premier concept. Comme vous vous trouvez dans une zone de peur, approchez votre créativité à partir d'un lieu d'auto-soin. Mais même avec cet état d'esprit, il peut toujours être difficile de vous faire asseoir à votre bureau et commencer à travailler. J' ai trois conseils que je vais partager qui m'ont permis de commencer beaucoup plus facilement chaque jour. Le premier conseil est de vous faire un espace accueillant. Vous avez besoin d'un espace prêt et en attente, il n'a pas besoin d'être beaucoup d'espace, mais avoir tout disposé et prêt à partir, vous donne une longueur d'avance dans la bataille contre la résistance. Faites un espace aussi agréable que possible, faites-le propre et lumineux, pas trop encombré, faites-en un endroit paisible où vous voulez être. Je lave toujours mes brosses et remplis mes bocaux d'eau à la fin de chaque séance de sorte que le lendemain, quand je m'assois et commence, je n'ai pas le travail d'édition de remplir les bocaux d'eau. C' est une petite chose, mais ça fait une différence. La deuxième astuce va sembler évidente et un peu stupide, mais je vais vous le dire quand même parce que ça aide. Le conseil, c'est des incitations. Par incitations, je veux dire boissons et collations. Comme vous vous trouvez dans le bon état d'esprit pour le dessin, préparez la boisson préférée. Préparez-vous une collation. Peut-être que c'est une collation que vous n'avez le droit d'avoir que lorsque vous êtes à votre table de dessin. Vous devez faire tout ce qu'il faut pour vous asseoir dans la chaise et commencer à travailler. Très souvent, je vais faire un petit bol de noix et de raisins secs et le chocolat chaud comme je travaille habituellement la nuit. Cela n'a pas besoin d'être quelque chose de grand, mais je trouve qu'avoir quelque chose de petit à grignoter rend toute l'expérience plus nourrissante. Rappelez-vous juste que la collation doit s'intégrer à l'aspect de l'éducation, donc peut-être pas du chocolat tous les jours. Le troisième conseil est de vous fixer une limite de temps. Pour cela, vous devez décider quel est votre temps minimum viable. Pour moi, c'est 20 minutes, 20 minutes me semble assez long pour que je puisse mettre mes dents dans quelque chose, mais pas si longtemps que si je n'en ai pas envie, ça m'empêche de le faire. Si je ne suis pas d'humeur, ce n'est que 20 minutes. Peu importe ce que je me retrouve sur la page, une fois que j'ai fait mes 20 minutes, je me sens toujours mieux. Assez souvent, 20 minutes se transforment en une heure. Mais trouver votre temps minimum viable et régler une alarme peut être un moyen très puissant de vous aider à démarrer, mais aussi de vous aider à arrêter, qui est important parce que vous voulez maintenir cela au fil du temps. Je crois que les petits actes quotidiens de créativité sont beaucoup mieux que le dessin frénétique une fois par semaine. Parce que lorsque vous pratiquez votre créativité tous les jours, vous créez de la mémoire musculaire. Mais surtout, vous battez la résistance au quotidien. Lorsque vous battez la résistance sur une base quotidienne, la puissance de la résistance s'affaiblit progressivement avec le temps. Pensez à ce que votre minimum de temps viable est. Même cinq minutes, c'est bien. Le but du dessin chaque jour n'est pas de créer un chef-d'œuvre tous les jours, mais de battre la résistance tous les jours. Parce que lorsque vous battez la résistance sur une base régulière, cela devient tellement plus facile et vous pouvez passer à la zone suivante beaucoup plus rapidement. Dans la vidéo suivante, je vais regarder la zone de tension, où vous travaillez, mais vous n'êtes pas encore détendu. Je vais examiner les éléments que nous pouvons apporter pour comprendre cette zone et ensuite je vais discuter de l'un de ces éléments plus en détail. Joignez-vous à moi dans un instant. 6. Zone de tension: Nous avons examiné la zone de peur et le premier concept clé, savoir que votre créativité doit provenir d'un lieu d'auto-soin et je vous ai donné mes trois conseils pour commencer rapidement et accueillir les incitatifs spatiaux et mettre en place un limite de temps. Regardons la deuxième zone, qui est la zone de tension. Je veux dire tout de suite que le mot tension n'a pas nécessairement une connotation négative, alors s'il vous plaît ne le supposez pas comme ça. Si vous avez traversé la zone de la peur et que vous avez commencé à travailler , alors vous devriez célébrer parce que vous êtes venu et que vous faites le travail. Vous voudrez peut-être donner à la zone de tension une étiquette différente comme la zone de productivité, c'est totalement à vous de décider, je l'ai appelé l'attention de zone parce que c'est ce que ça ressent pour moi. La zone de tension est une zone sans importance et il peut en fait être la zone dans laquelle vous voulez être en particulier si vous faites un travail client où vous attendez un résultat spécifique et vous devez rester contrôlé afin d'atteindre ce que vous ou le client voulez et tout va bien. Cependant, vous souvenez-vous de la règle d'or ? Ça doit être amusant. C'est là que la règle d'or entre en jeu. Si vous faites un travail personnel sans attente du client, il peut être si précieux et si amusant de vous faire passer côté où vous laissez aller et vous commencez à créer dans la zone de liberté. Les techniques que je vais partager sont toutes choses qui vous aident à lâcher votre cerveau contrôlé serré et à accéder à votre cerveau expressif plus intuitif. Elles sont toutes des choses à essayer lorsque vous faites un travail personnel et que vous ne vous amusez pas ou que vous ne travaillez pas aussi lâchement et librement que vous le souhaitez et lorsque vous n'avez pas l'attente spécifique d'un résultat spécifique. Il existe également des techniques que vous pouvez utiliser comme un échauffement et ensuite vous pouvez basculer entre les zones en fonction de ce que vous espérez réaliser. Il y a trois éléments que nous pouvons apporter à la zone de tension. Le premier élément est le concept, je ne suis pas l'art, l'artiste, pas moi. Le deuxième élément est de comprendre votre « pourquoi » et le troisième élément se concentre sur la façon dont nous définissons dessin et la créativité dans nos vies et la relation entre notre créativité et notre inspiration. Ce sont tous des sujets assez grands, juteux, donc pour les besoins de cette classe, je vais seulement parler du premier, qui est, je ne suis pas l'art, l'artiste, pas moi, les deux autres dont je parlerai dans une classe distincte. Si vous avez aimé ce cours, vous devriez me suivre sur Skill Share, pour ne pas manquer ces sujets. Je ne suis pas l'art, l'artiste, pas moi. J' ai étudié les Beaux-Arts à l'Université du Cap et les critiques hebdomadaires ont été si dévastatrices que je pense que c'est là que j'ai commencé à internaliser le concept. Ce que cela signifie, c'est que vous devez séparer votre art de votre ego. Vous devez supprimer complètement la hiérarchie, le statut et l'identité personnelle de l'équation. Ce que cela fait, c'est qu'il supprime l'impératif, la nécessité de faire du bon art. Cela signifie que vous pouvez faire de l'argile, vous pouvez faire de mauvais art et cela n'affecte pas la façon dont vous vous considérez comme un artiste. Ce n'est que lorsque vous commencez à prendre des risques et à vous ouvrir à la possibilité de faire du mauvais art que vous pouvez éclater par cette porte où vous relâchez et commencez à travailler dans cette zone de liberté. C' est seulement dans la zone de liberté où la vraie magie commence à se produire. C' est dans cette zone que vous commencez à jouer, explorer, faire un gâchis, essayer de nouvelles choses et pour moi c'est la zone où accéder le plus facilement à l'état de flux. C' est ici aussi où tu peux te perdre, ta douleur, ta convoitise, tes soucis. Dans cette zone, vous perdez la trace du temps en devenant un canal pour la créativité. Dans son livre, Big Magic, Elizabeth Gilbert parle d'idées qui flottent autour de la recherche d'un hôte et je pense que c'est dans la zone de liberté que vous devenez ouvert pour recevoir ce genre d'idées. Très souvent, vous pouvez être surpris par ce que vous créez, je suis constamment surpris par ce que j'ai créé. Il dit que si elle vient d'ailleurs et quand vous sortez enfin de la zone, vous pouvez vous sentir rafraîchi ou virgule ou débordant de joie, c'est là que l'aspect thérapeutique de l'art se trouve , mais vous n'allez pas toujours faire du bon art dans la zone. C' est pourquoi, à la fin de votre session, il est vraiment important que vous évaluiez la session plutôt que de juger le dessin. J' ai un rapport de neuf mauvais dessins pour un bon dessin, donc quand un dessin ne fonctionne pas, je le vois vraiment comme une bonne chose parce qu'il vous rapproche un dessin d'un bon. La principale chose à retenir quand vous travaillez dans la zone de liberté, c'est que le dessin n'a pas d'importance, pourquoi ? Parce que je ne suis pas l'art, l'artiste, pas moi. Maintenant, nous allons passer aux vidéos de démonstration. Je vais d'abord vous montrer une façon facile et non effrayante de commencer un dessin, puis je vais vous montrer quelques techniques qui peuvent vous aider à faire ce passage de contrôlé et lié à lâche et expressif et intuitif pour que vous puissiez commencer à vous détendre et amusez-vous plus. se voit dans la vidéo suivante. 7. Comment : Dessiner en ligne continue: Je vais démontrer cinq techniques que vous pouvez essayer quand vous voulez faire le passage du travail contrôlé dans la zone de tension à un travail plus expressif dans la zone de liberté. Ces techniques sont le dessin continu, changement de mains, le travail direct à partir d'un tube de peinture, éclaboussures et blanc sur. Ensuite, je vais partager ce que vous pouvez faire pour sauver la journée où rien ne fonctionne et vous pouvez transformer ce que vous avez créé en une texture à utiliser dans le collage ou pour enrichir vos illustrations numériques. Ces techniques ne sont rien de spécial en elles-mêmes, elles sont toutes très simples. Je vais utiliser des clips de quelques dessins différents que j'ai créés pour vous montrer comment vous pouvez vous déplacer entre les différentes techniques en fonction de ce qui fonctionne bien pour vous le jour. Certains dessins ont une narration que j'ai faite en les dessinant et certains d'entre eux je vais faire une voix off pour expliquer ce qui se passe, mais d'abord, regardons un moyen facile de commencer un dessin. Pour ce dessin, je travaille à partir de cette photographie d' un protea qui est de BecBartell de Pixabay. Vraiment bonne façon de commencer si vous vous sentez un peu nerveux, est juste de commencer avec de l'eau, pas de pigment et juste cartographier à peu près où vos dessins vont aller sur la page. Vous allez faire tourner votre bras, vous écoutez votre corps après et vous commencez à vous détendre dedans et à vous amuser. Ce que je fais normalement avant même de faire, c'est régler mon horloge pendant 20 minutes, appuyer sur le bouton de démarrage et maintenant je sais que mes 20 minutes se passent. Donc je n'ai pas le temps de me stresser. Je dois juste y aller parce que je n'ai que 20 minutes. Si je fais des feuilles je souvent, eh bien, quoi que je fasse, je commence souvent avec un joli jaune citron vif et je trouve que c'est une couleur très indulgente. Il ajoute une belle brillance et une lueur chaude à la peinture, même si vous avez couvert d'une couleur foncée plus tard. Ensuite, je vais avoir les fleurs quelque part ici, donc je vais commencer avec des roses et je suis très lâchement juste les faire entrer et sortir, en fait je veux délibérément, si je peux arriver au point où peut-être que cela ne fonctionne pas pour que je puisse vous montrer certaines des techniques de ce qu'il faut faire quand vous n'aimez pas, pas aimer ce que vous faites. Je vais aller directement dans quelques beaux roses foncés, en gardant beau et c'est assez facile à faire. Je garde habituellement trois pots d'eau à portée de main, donc je finis avec un pour les couleurs chaudes, un pour les couleurs sombres et parfois un pour les blancs. Puis je commence à éclater dans certains de ces verts. Dès que je deviens sombre sur chaud, il y a le danger de brunir là-bas. Donc j'ai lavé ma brosse pour la garder propre et propre. J' aime ce vert, mais je le trouve un peu lourd, donc je vais aller chercher des étincelles vertes un peu plus brillantes. Comme vous pouvez le voir, je suis très lâche avec mes marques, j'aime juste avoir un coup de pouce. Relâchez une partie de la tension. Donc maintenant, la première technique que j'utilise est le dessin au trait continu. dessins au trait continu sont l'endroit où vous commencez dessiner et vous regardez à peine ce que vous dessinez. Vos yeux restent à peu près sur votre sujet. temps en temps, je pourrais jeter un coup d'œil vers le bas et voir si je suis vaguement au bon endroit, j' ai un beau [inaudible] ici brillant ici sur l'image source, donc je veux que cela vienne ici en commençant à ajouter des tons dans. Avec le dessin au trait continu, il est assez amusant de dessiner dans la peinture humide parce que vous obtenez la peinture humide traînée le long et vous pouvez commencer à nous obtenir de la profondeur à l'image et peu importe si vos lignes n'ont pas tous de sens. J' ai toujours l'impression que certaines des meilleures lignes un dessin sont des lignes d'erreur parce qu'elles ajoutent de l'intérêt. Vous pouvez voir si au moins j'allais, partie de cette peinture est déjà assez sèche donc je vais prendre un peu plus vert, un peu plus là-haut. Je ne veux pas le surmenage, mais je veux pouvoir déplacer une partie de cette peinture avec mon crayon. C' est donc la première technique, le dessin au trait continu. Je vais maintenant démontrer une technique de départ similaire et autre exemple de dessin au trait continu en utilisant cette image d'un chien, qui par Artpyle de Pixabay. Dans ce cas, c'est un chien blanc sur une page blanche, qui va présenter quelques difficultés donc je vais commencer par un lavage très léger d'un brun et noir. Je vais juste esquisser très vaguement où je pense que les choses vont. Si je me sens nerveuse à ce stade, je me rappelle juste que ce n'est qu'un seul dessin, peu importe si ça échoue, donc tout le point est la liberté de faire des marques et d'avoir une chance. Le dessin au trait continu est l'endroit où vous commencez à dessiner et vous gardez les yeux sur le sujet, vous regardez à peine votre page. temps en temps, je glaçure fermer et juste jeter un oeil à endroit où est mon crayon et si l'un de cela a un sens sur la page, mais ce que cela fait, c'est qu'il libère votre esprit et votre œil de simplement penser aux proportions relatives du sujet que vous dessinez. Quand vous faites cela, vous voulez garder vos lignes vraiment lâches afin que vous puissiez les corriger comme plus vous voyez, je vois qu'il y a une chose qui se passe ici et puis il y a un tout à fait raide, mais là que j'ai enregistré au bon endroit, Je ne sais pas. Donc, vous construisez un peu de texture et un peu d' intérêt sur la page et vous vous relaxez à ce stade, comme ceci, j'ai vu ici qu'il doit être vraiment long et je pourrais vouloir souligner cette longueur dans Mon dessin et le dos viennent ici et là-haut et la prochaine, il y a un truc bizarre de collier ici, on y va. Aussi facile que ça. Comment commencer, pourrait avoir de l'eau, un petit peu de peinture, dessin continu, juste en marquant où les choses sont grossièrement. Il y a quelque chose de curieux qui se passe ici et assez souvent si vous ne levez pas votre crayon de votre page, vous pouvez trouver où vous êtes plus facilement parce que votre œil est là et donc votre crayon vient juste pour le droit. Donc je suis très content de ça, je ne pense pas que ce soit parfait, je pense que l'inclinaison de la tête n'est pas tout à fait juste. C' est en fait beaucoup plus haut dans l'image que cet œil, alors abordons-le un peu plus. Lorsque vous faites votre dessin au trait continu, vous pouvez corriger les choses comme vous le souhaitez. Cet œil pourrait être baissé comme ça, et tu n'as pas besoin de t'engager trop dans ce que tu fais, alors on y va. Donc la prochaine fois que vous dessinez et que vous vous trouvez juste un peu de choses ou un peu coincé juste aller à un dessin continu lâche et voir comment vous vous sentez. Souvenez-vous que l'essentiel est que ça doit être amusant. C' est la règle principale de toute fabrication. Si vous ne vous amusez pas, changez ce que vous faites. Donc, mes conseils supérieurs pour le dessin continu sont, commencer par un crayon de couleur claire, tenir le crayon et lâchement dans votre main, ne vous engagez pas. En d'autres termes, dessinez librement autour du sujet jusqu'à ce que vous vous sentiez confiant sur sa taille et sa position et enfin, essayez de glisser dans la peinture humide avec un crayon, c'est vraiment amusant. Dans la vidéo suivante, je vais montrer la deuxième technique qui est de changer de mains. On se voit là-bas. 8. Comment : Changer les mains: Les techniques suivantes que j'utilise quand je veux faire le passage de contrôlé et serré, à lâche et expressif, c'est changer de mains. Donc, si vous êtes droitier, dessinez avec votre main gauche, si vous êtes gaucher, dessinez avec votre main droite. Ce que ça fait, donc je vais utiliser ma main gauche, c' est que ça te force à faire des marques que tu n'es pas très bon à contrôler et dans ce cas, je le fais avec du blanc. Je pense que je vais mettre un peu plus de rose foncé dans ma fleur, et ensuite voir ce que j'ai en termes de marques. Si je travaille ensuite dessus avec les crayons blancs. Je n'en veux pas partout, je veux juste travailler avec plus, quand je travaille avec ma main gauche. Maintenant, voyons. Ouais, alors change de mains, et c'est vraiment difficile à contrôler. Vous finissez presque, par définition, par faire des marques que vous ne feriez pas vraiment normalement, et en fait, ça peut être assez délicieux. Surtout si vous travaillez avec une couleur claire comme celle-ci, vous pouvez juste obtenir une belle texture qui va ici. Ici, tout est devenu sec, donc je vais ajouter un peu plus vert jaunâtre. Voyez ce qui se passe. Sortir des lignes crée parfois de beaux effets. Je veux prendre ma main gauche, et mettre quelques marques sombres ici. Je n'utilise pas beaucoup la main gauche, mais c'est quelque chose que je peux faire si j'ai vraiment du mal à supplanter mon propre cerveau. Vous pouvez être raisonnablement contrôlé avec ça, et vous pouvez juste obtenir d'autres marques assez belles. C' est la deuxième technique, changer de main. Ensuite, quand vous voulez plus de contrôle, vous retournez à votre main droite et vous pouvez faire des marques très lâches mais contrôlées, exactement là où vous les voulez. Maintenant, je vais montrer la technique du changement de mains. Encore une fois, revenant au dessin du chien blanc sur une page blanche. Ce que je vais faire pour ce petit chien, c'est commencer à éclater un peu plus du chien en premier. Je sais qu'il fait assez sombre ici. Il fait sombre ici. La cavité oculaire est plutôt sombre, et elle est quelque part par là. Ce type, la cavité oculaire est par ici. Il est rose là-dedans, donc je ne veux pas trop faire, puis l'oreille, il y a une ombre ici. J' aime ça et au fond de son oreille, et ce cou en bas. La chose avec le dessin est que les lignes d' erreur sont les lignes les plus intéressantes dans n'importe quel dessin, et je pense vraiment que, parce que vous pouvez réellement voir la main de l'artiste lire le long. Quand vous voyez les erreurs, vous pouvez presque suivre le processus de pensée, que je trouve assez fascinant. Donc, je bloque lâchement dans certaines zones sombres comme ça. La bouche est assez sombre et ici dedans et dehors dedans dedans. Il y a des roses ici, qui sont plutôt gentils. Je veux un peu moins de peinture sur mon pinceau, et je vais juste le mettre dedans. Maintenant, je vais montrer comment changer de mains. Donc, au lieu de travailler avec ma main droite, je vais prendre ma main gauche. C' est une bonne idée d'utiliser une couleur claire, parce que vous voulez en profiter et vous voulez ne pas vous inquiéter. C' est ma main gauche, je vais juste mettre ici certains de ces délicieux petits roses. Je vais éclater quelques morceaux, et il y a tous ces beaux tons minuscules dans l'oreille en bas. Cette oreille est vraiment beaucoup plus longue que je ne l'ai, alors marquons ça dans un peu plus. C' est juste en bas. Lorsque vous changez de mains, vous pouvez dessiner magnifiquement dans la peinture humide, et vous pouvez la contrôler un peu, mais vous obtenez aussi un relâchement que vous n'obtiendrez pas avec votre main droite. Ensuite, quand vous avez un peu où vous pensez, « Oh j'ai besoin d'un peu plus de contrôle », sautez en arrière et utilisez votre main droite. Mais le contrôle n'est pas toujours la meilleure chose dans un dessin, vous voulez avoir un peu de liberté. Changez de mains, commencez par une couleur plus claire et amusez-vous à faire des marques que vous ne feriez pas autrement avec votre main droite. Laisse tout sortir. Si vous êtes frustré, laissez sortir cette frustration. Si vous vous sentez intense, laissez sortir la tension. Le dessin est là comme un outil pour vous à utiliser, et ensuite vous vous sentez tellement mieux. Donc, mes meilleurs conseils pour changer de mains sont commencer par une couleur claire pendant que vous vous habituez à la sensation d'utiliser votre autre main. Utilisez cette technique pour ajouter de la texture et de l'énergie à votre dessin, et basculer d'une main à l'autre, selon que vous souhaitez contrôler ou réduire le contrôle pendant que vous travaillez. Dans la vidéo suivante, je vais montrer combien de plaisir vous pouvez avoir à dessiner avec votre peinture directement du tube. On se voit là-bas. 9. Comment :: La prochaine technique que je vais démontrer est de travailler directement à partir du tube de peinture. Pour cela, je vais revenir sur le dessin du chien blanc. C' est un tube de Designers Gouache. C'est blanc. Il peut être vraiment amusant d'y aller tout droit avec peinture épaisse vraiment délicieuse et juste choisir les zones qui sont particulièrement claires et lumineuses et faire des zones où vous travaillez avec la forme mais c'est agréable et lâche. Si vous appuyez doucement, vous obtenez juste la peinture, mais si vous appuyez plus fort, vous obtenez la ligne que le bord du tube crée, ainsi que la peinture. Cela peut parfois être inattendu mais vraiment amusant comme un élément supplémentaire dans votre dessin. Vous ne voulez pas en faire trop, mais juste bloquer dans certaines zones lumineuses peut être beaucoup de plaisir. Vous pouvez également obtenir de la texture en mettant des choses dans. Ce que vous voulez faire est inattendu. donc je ne sais vraiment pas comment cela va se passer , mais c'est amusant et je m'amuse. Tu ne veux pas en faire trop. Mais c'est une chose amusante à faire pour injecter certaine qualité 3D dans votre dessin et un autre type de qualité de trait. Ce que vous pouvez faire est de laisser sécher ou vous pouvez prendre une autre couleur. Je vais prendre un bleu pâle doux et ensuite vous pouvez commencer à dessiner directement dans cette peinture humide. Quand je dessine, je cherche toujours les couleurs qui sont à peu près là, mais vous ne remarqueriez pas nécessairement. Je retourne à ma main gauche parce que ces marques que je faisais avec ma main droite étaient horribles. Revenons à gauche et commençons à essayer de décrire certaines des formes. Parfois, vous voulez décrire mais pas décrire, si vous savez ce que je veux dire. Vous voulez aller à l'encontre de la forme qui est là pour ajouter une richesse à ce que vous faites. Si vous faites cela, essuyez simplement votre crayon à la fin. Sinon, vous devez l'aiguiser avant de pouvoir l'utiliser. C' est la technique de droite à partir du tube , puis dessiner dans la peinture humide avec votre crayon aquarelle. Donc, mes meilleurs conseils pour travailler directement à partir du tube sont : d'abord essayer avec une couleur claire, varier la quantité de pression que vous mettez sur le papier, varier combien vous pressez les tubes de sorte que vous obtenez plus ou moins de peinture sortant du tube, et avec cette technique, moins est certainement plus. Dans la vidéo suivante, je vais faire une démonstration super rapide d'éclaboussures. On se voit là-bas. 10. Comment : Splatter: La prochaine technique que je vais démontrer est éclaboussures. C' est si facile qu'il ne nécessite pas d'enseignement, mais je l'inclut parce que cela peut être une technique utile dans votre boîte à outils lorsque vous trouvez que vous dessinez un raide et que vous avez mais je l'inclut parce que cela peut être une technique utile dans votre boîte à outils lorsque vous trouvez que vous dessinez un raide et que vous avezdu mal à vous détendre dans vos lignes de marché. Je trouve qu'en renonçant au contrôle total et en jetant de la peinture sur ma photo d'une manière relativement aléatoire, peut parfois être la chose qui m'aide à lâcher prise et à me détendre. Le point clé avec éclaboussures, comme avec toutes ces techniques, est d'identifier quand utiliser chacune d'elles. Pour cela, vous devez développer un aperçu de votre processus créatif et être conscient de cela pendant que vous travaillez. C' est comme si votre cerveau fonctionnait sur deux niveaux différents en même temps. D' un niveau, vous vous êtes complètement concentré sur ce que vous dessinez, mais à un autre niveau, vous devez critiquer votre méthode et vos sentiments afin que vous puissiez faire les ajustements nécessaires. Pour cette technique, je retourne dans le dessin de la protéa. J' utilise souvent un blanc quand je fais éclaboussures parce que cela ajoute un beau rebond à l'image. C' est en fait un lavage blanc et je vais mettre un peu d'eau mais pas trop, donc c'est assez épais. Je prends un pinceau. C' est petit, c'est un peu pointu. J' ai mon blanc et puis j'éclaboussures. Cela ne doit pas nécessairement être énorme, mais c'est une façon amusante d'injecter un peu de hasard dans votre dessin. Parce que vous ne pouvez pas le contrôler, vous êtes alors forcé de laisser les enfants être plus lâches. J' aime vraiment le dynamisme qu'il peut ajouter. Parfois, je l'éclaboussure de blanc, assez souvent je l'éclaboussure d'une couleur foncée. Mes meilleurs conseils pour utiliser des éclaboussures ou que la consistance est la clé, cela dépend beaucoup d'avoir le rapport peinture à eau correct, et la taille de la brosse affectera la taille de l'éclaboussure. Rejoignez-moi à la prochaine leçon où je partagerai ce que je fais quand je passe une journée vraiment libre, je l'appelle, blanc terminé. 11. Comment : Blanc sur le dessus: Nous avons tous des jours où vous vous asseyez pour dessiner et vous ne le ressentez pas. Les lignes ne coulent pas, vous n'avez pas l'air de vous relâcher et vous n'aimez pas ce que vous avez fait. C' est là que je fais ce que j'appelle un blanc. Pour cela, vous prenez une belle grande bouteille de peinture blanche bon marché, vous l'éclaboussez sur votre dessin et ensuite vous aurez du plaisir à traîner avec un grand pinceau. Il y a deux raisons pour lesquelles je fais ça. Tout d'abord, le simple fait d'effacer mon mauvais dessin et de frotter la peinture humide avec un gros pinceau est parfois le point de basculement qui me permet de changer vitesse mentalement et de dessiner avec plus de liberté et d'abandon. J' ai déjà foiré le dessin, donc je n'ai plus rien à perdre. Mais ensuite, le deuxième aspect entre en jeu, c'est que j'ai maintenant une toute nouvelle surface sur laquelle travailler. Une surface de peinture épaisse et humide avec assez souvent une richesse d'autres couleurs en dessous. En dehors de toute autre chose, dessiner dans de la peinture humide est amusant et me fait me sentir mieux quel que soit le résultat. Je vais vous montrer quelques exemples d'overs blancs que j'ai fait. Dans ce premier exemple, je dessinais des Robbins dans le cadre d'une collection de vacances. J' ai commencé dans ma méthode habituelle avec de l'eau et aquarelle de peinture, puis j'ai ajouté des couronnes de crayon aquarelle, mais j'ai rapidement réalisé que le dessin ne se déroulait pas comme prévu. J' ai pris mon tube de goulash et j'ai tout effacé. Puis j'ai pris ma courge de récif, qui est beaucoup plus liquide, puis une grosse brosse et elle a disparu. En oblitérant mon dessin, j'ai maintenant desserré mon corps, libéré les mouvements de mes bras, libéré beaucoup de tension et je suis prêt à recommencer. J' ai une toute nouvelle surface humide blanche sur laquelle travailler. C' est un jeu de balle différent. Lorsque vous commencez à ajouter de la peinture sur votre peinture humide ci-dessous, elle se comporte complètement différemment. Là, je jette un peu de sel pour ajouter un peu de texture. Je joue complètement maintenant, profitant de ce que je fais parce que ça ne va probablement pas marcher. Maintenant, je libère la tension et je m'amuse. En fin de compte, l'oiseau à gauche n'a pas fonctionné. Cependant, l'oiseau sur la droite a fonctionné vraiment magnifiquement, il avait une qualité différente parce qu'il était libre et lâche et j'étais vraiment heureux de la façon dont il est sorti. Dans ce cas, le processus de blanc a vraiment bien fonctionné pour moi. Dans l'exemple suivant, je vais montrer une façon différente de travailler dans la peinture blanche, c'est vraiment amusant. J' ai travaillé sur ces fleurs et je pouvais juste sentir que ça ne se passait pas selon les plans alors sort la peinture blanche. Vous serez étonné de voir à quel point cela est absolument libéré quand vous le faites. C'est juste amusant. Je vais prendre ma belle brosse plate. Je vais juste le mouiller un peu et je vais tout écraser. Comme vous pouvez le voir, ce blanc est très transparent de sorte que vous pouvez toujours voir des morceaux de l'image en dessous. En fait, dans ce cas, j'aime beaucoup ça. Parfois, je peux peindre plus de fleurs sur des fleurs si c'est ce que j'ai envie de faire. Aujourd'hui, j'ai décidé de peindre des bocaux anciens et des cruches sur cela. Le bocal particulier avec lequel je vais commencer c'est qu'il a une patine dorée dessus. En fait, je vais prendre cette aquarelle ocre jaune et je vais juste creuser un peu tout droit ici. À ce stade du processus, je n'ai aucune idée si cela va fonctionner ou non. Mais j'aime ça, regarde comme cette orange vient par là. C' est une bonne chose à faire comme un exercice d'échauffement parce qu'il libère votre cerveau. Ou si vous vous sentez frustré par ce que vous dessinez, cela peut être vraiment satisfaisant. Il y a un bleu intéressant qui se passe assez souvent dessiner sans crainte revient à être prêt à jouer oh, c' est assez gentil et faire un gâchis et prêt à découvrir que ce que vous faites n'a pas fonctionné. En fait, c'est assez intéressant. J' aime vraiment ça. Je veux un peu plus de ce Goldie venir ici, donc je ne sais pas ce qui va se passer si je prends une brosse douce et lâche et que je fais varier les terres et les grèves qui sont faites, c'est un éclat sur ma cruche là-bas. Certains d'entre eux sont en fait utiles juste pour laisser comme blanc. C' est juste à propos de ne pas être précieux pour ce que tu as fait. J' aime vraiment le bleu qui sort ici. Je retournerai peut-être dans mon tube. Parce que c'est vraiment l'aquarelle bon marché, ça ne me dérange pas de l'utiliser de cette façon et essayer de mettre quelques sombres encore ici. Le bord de la cruche j'ai en fait eu la forme tout à fait mal là, je veux l'amener plus et puis en bas et en haut ici et puis en bas. Maintenant, je vais prendre un crayon aquarelle bleu violet et je vais l'utiliser juste pour ajouter quelques ombres, quelques marques définissant, et quelques domaines d'intérêt supplémentaires au dessin. Si vous voulez que la couleur du crayon de crayon apparaisse à travers la peinture humide, vous devez continuer à l'essuyer sur un peu de papier de soie. Remarquez que je tiens le crayon très lâche pour que je puisse presque faire la main gauche ici si je veux. Je pense que l'astuce avec ça est de ne pas en faire trop. Gardez le lâche, gardez-le amusant, puis arrêtez et allez sur autre chose. La prochaine fois que tu travailles et que ça ne se passe pas comme prévu, fais un tour en blanc. C' est une façon vraiment amusante de faire des accrochages et de jouer avec les matériaux. Je vais juste te ramener au dessin proto parce que je veux montrer que tu n'as pas à faire un blanc complet à chaque fois. Parfois, il est amusant juste d'utiliser de la peinture blanche dans votre arrière-plan et un peu chevaucher votre dessin. Sois ludique avec ça. En plus de quelques accidents heureux comme vous le voyez ici, il peut être un moyen utile de définir les bords de votre dessin en découpant des sections indésirables de peinture. Il peut également être juste un moyen amusant et relaxant de terminer votre session. Mes meilleurs conseils pour blanc sur sont l'utiliser comme un mécanisme pour changer de vitesse. Il s'agit de l'exercice plutôt que du résultat. Expérimentez avec différents outils, vous pouvez essayer crayon de couleur à l'eau, un tube de peinture, vous pouvez même essayer une fourchette, tout ce qui vient à portée de main. Essuyez votre outil avec un chiffon ou un tissu entre chaque coup, surtout si vous voulez conserver la couleur de l'outil. Enfin, amusez-vous. C' est un processus amusant. Rejoignez-moi dans la prochaine vidéo où nous examinons comment la texture et le collage peuvent sauver la journée. 12. Comment : Texture à collage: Maintenir une pratique créative quotidienne consiste à apparaître et à utiliser vos matériaux d'art tous les jours, peu importe ce que vous ressentez. Dans cette dernière section de démonstration, je veux partager sur la création de textures et le travail avec le collage. Les textures sont amusantes à créer parce qu'elles jouent essentiellement avec la peinture et tout ce qui se passe sous la main. Mais il y a aussi des objets précieux à avoir dans votre bibliothèque de dessins, que vous pouvez utiliser pour améliorer vos illustrations ou pour créer des illustrations par collage. Il y a des choses utiles à faire quand vous n'êtes pas dans la zone pour peindre quelque chose de figuratif, ou quand ce sur quoi vous travaillez ne fonctionne pas. L' une des façons les plus simples de créer des textures est frotter les feuilles ou toute sorte de frotter les textures. Ce sont des frottages qui sont fabriqués dans les bois derrière leur maison, et ils forment en fait la base d'une collection entière de brevets. Ce sont des frottements d'écorce des arbres dans les mêmes mots, ce qui crée une belle texture striée. Tout cela, lorsqu'il est scanné puis manipulé dans Photoshop, peut être très utile pour ajouter de la texture aux illustrations. Lorsque vous créez des textures, il peut être utile de garder à l'esprit l'espace positif et négatif. Vous pouvez placer votre objet dans ce cas, c'était une feuille sur votre papier et ensuite peindre dessus avec, par exemple, un rouleau à peinture, ce qui vous donne cette belle qualité au bord de votre forme et ensuite vous pouvez jeter de la peinture dessus comme je l'ai fait ici. Il y a un autre exemple de belle utilisation de l'espace négatif dans la texture. Une autre technique amusante pour créer des textures est de souffler de l'encre à travers une paille et qui vous donne cette belle qualité de ligne sinueuse. Vous pouvez souffler verticalement aussi bien pour obtenir l'effet goutte à goutte, vous pouvez utiliser une brosse sèche et juste jouer et avoir du plaisir. Vous ne savez jamais quand ces choses vont venir en utile, vous pouvez obtenir un peu plus créatif dans ces exemples jouent avec le riz. J' ai couvert ma page de peinture et puis j'ai coincé, c'est un riz et laissé sécher. Ce que j'ai obtenu en appuyant sur la page sur ma surface humide quand le riz était toujours collé sur et a obtenu ces belles éclaboussures aléatoires. Voici un autre exemple qui est vraiment intéressant comme une texture et quelque chose que vous ne trouverez nulle part ailleurs. Ce que je vais faire est de scanner la scène puis manipuler dans Photoshop dans le cadre de mes illustrations. La chose à garder à l'esprit lors de la création de textures est juste de l'utiliser comme une forme d'expression. Donc, pas de prix pour deviner comment je me sentais ce jour-là, mais en fait c'est l'une de mes textures les plus utiles dans ma bibliothèque. Il y a beaucoup de couches de peinture, aboutissant à une couche sombre. Vous pouvez voir que j'ai gratté dans la surface avec un stylo ou un outil pointu, puis pendant qu'il était encore humide, j'ai fait un transfert où vous appuyez vers le bas dans la peinture humide et puis vous le décollez et vous pouvez voir que j'ai le correspondant valeurs négatives là. Ceux-ci sont vraiment utiles lorsque vous les manipulez dans Photoshop. Voici une autre chose que vous pouvez faire. Vous pouvez mélanger la peinture avec de la colle. Vous pouvez y jeter des paillettes, puis quand vous venez la numériser dans Photoshop, vous obtenez des résultats très inattendus, et cela rend simplement votre illustration beaucoup plus unique. Si tout cela échoue, vous pouvez peindre des bandes, qui sont toujours utiles, et vous pouvez également coller des morceaux de papier de soie sur de la colle ou sur peinture humide et cela crée ce type inhabituel de surface qui va sont utiles à un moment donné. Si vous avez une fin spécifique à l'esprit, vous pouvez peindre des textures en fonction de votre idée. Donc, dans ce cas, je travaillais sur une collection africaine pour les enfants, donc j'ai peint des textures toutes dans ces couleurs de style paysager africain, puis j'ai pris mes ciseaux et découpé des formes d'éléphant. Ensuite, vous pouvez prendre du papier calque et jouer à l'endroit où vous pouvez ajouter des lignes. C' est une excellente technique parce que vous pouvez voir quand je scanne cela et je peux ensuite travailler avec cela dans différents calques dans Photoshop ou Illustrator. voici une autre où vous pouvez simplement expérimenter avec cette technique sans réellement s'engager, et cela vous donne beaucoup de place pour le jeu et l'expérimentation. Ici, je jouais peu sur la façon dont un éléphant pouvait porter une fleur. Tout cela est vraiment amusant à faire. Pour la même collection, j'ai découpé des formes d'arbre dans du papier peint que j'ai créé et j'ai essayé un caméléon, une tentative d'hippopotame, et quelques lions. Encore une fois, à partir du même papier peint ici, c'est résistant à la cire, donc c'est juste du crayon de cire, puis de la peinture sur le dessus et vous obtenez cette belle qualité et ça vous donne l' impression d'être de retour à la maternelle, ce qui est toujours bon. Même exemple, découpez les mêmes papiers peints, puis jouez avec du papier calque pour déterminer à quoi je veux que mes girafes ressemblent. Tout cela est tellement amusant et peut être fait si facilement dans vos 20 minutes de dessin. Je vais juste montrer comment faire quelques textures. C' est une bouteille d'encre Winsor & Newton. Une chose amusante à faire est de verser un peu sur votre palais. J' ai besoin d'un nouveau livre d'encre, prenez votre rouleau à peinture, et amusez-vous à voir quelles marques vous obtenez. On ne sait jamais quand une texture comme celle-ci pourrait être utile et j'aime bien le motif aléatoire que j'obtiens ici. Une autre chose amusante à faire est de résister à la cire où vous pouvez simplement créer marques aléatoires et vraiment vous exprimer sur du papier, puis prendre de la peinture à l'eau. Très souvent, il est méchant d'utiliser une couleur contrastée, et c'est un violet multicolore très bon marché, mettre un peu là, prendre une belle brosse épaisse, c'est délicieux, c'est beau, et peindre, et comme vous pouvez le voir, l' orange brille à travers si magnifiquement et c'est vraiment amusant et on ne sait jamais quand cela pourrait être utile. C' est un exemple de résistance à la cire avec de la peinture à l'eau. Une autre chose amusante que vous pouvez faire est de voir quels différents types de formes vous pouvez obtenir. C' est mon tube de couleur d'eau bon marché de peinture. Lorsque vous faites des textures, il suffit de l'approcher du point de vue de ce que je pourrais faire avec ce matériau que je n'ai pas fait auparavant ? Ou que pourrais-je faire avec quelque chose de nouveau ? Vous obtenez une qualité de ligne assez intéressante en fonction de la façon dont dur ou doux vous pressez le tube. Encore une fois, tout cela est très utile à avoir dans votre bibliothèque d'images. Je vous encourage vraiment à aller, défi de réfléchir à la créativité que vous pouvez obtenir avec vos matériaux et juste avoir du plaisir à jouer. Déstress et rappelez-vous que si vous utilisez vos matériaux pour la journée, vous avez réussi. Une autre façon que vous pouvez être créatif avec la texture, qui est une maison à mi-chemin entre le travail figuratif et le travail complètement abstrait, est de mettre très lâchement de la peinture humide vers le bas, puis saisir votre crayon, et avant que la peinture ait une chance pour sécher, travaillez dedans avec votre crayon. Ensuite, lorsque vous le prenez dans Photoshop et Illustrator, vous pouvez découper vos formes et vous vous retrouvez avec ces textures inattendues et assez originales dans vos animaux ou tout ce que vous avez dessiné. J' aime cette technique parce qu'elle vous oblige à travailler rapidement et à ne pas être précieux avec votre dessin, mais à travailler rapidement avant que la peinture ne sèche. C' est donc une excellente approche pour travailler avec la texture, quand vous avez juste besoin de vous détendre et de cesser d'être précieux avec ce que vous faites. Donc, mes meilleurs conseils pour créer des textures sont ; considérez les techniques additives et soustractives. En d'autres termes, n'est pas seulement superposer, mais aussi gratter, en frottant, vous pourriez essayer de masquer fluide, et ainsi de suite. Défiez vous de trouver de nouvelles façons d'utiliser vos matériaux que vous n'avez pas essayé auparavant et utilisez la création de textures comme forme d'expression artistique. J' espère que ces sections de démonstrations vous ont donné quelques idées de façons de passer de votre cerveau de contrôle à votre cerveau plus expressif et quand il s'agit de faire des textures, jouer et de s'amuser. Rejoignez-moi dans la prochaine vidéo où je vous expliquerai pourquoi il est important de ne pas être trop accroché au succès de chaque chose que vous dessinez, et je vais vous montrer quelques-uns de mes vrais bloopers. C' est du divertissement. On se voit là-bas. 13. Ne vous découragez: Lorsque vous dessinez dans la zone de liberté, vous n'obtenez pas toujours un beau dessin. C' est très bien. Je veux vous en montrer quelques exemples. Avant de le faire, voici quelques exemples de dessin dans la zone de tension. Je savais que je voulais illustrer certains chats et c'est assez serré, mais j'ai obtenu le résultat que je voulais. Il y en a un autre et que je vais assembler en tant qu'image composite pour une illustration. Tout d'abord, vous n'avez pas toujours à viser un dessin reconnaissable. C' est absolument bien de simplement expérimenter avec des marques, expérimenter avec des textures. Voici quelques exemples. Ceux-ci que j'ai fait comme arrière-plans pour un modèle sur lequel je travaille. Je vais en isoler les petits morceaux, et les assembler dans Photoshop pour créer une répétition transparente. Mais je me suis amusé à faire ça, amusé à travailler avec le papier, à faire les marques, à y jeter du sel. Vous pouvez le faire et cela peut être tout aussi satisfaisant. Voici quelques fleurs que j'ai expérimenté avec la technique. Puis j'ai fait une texture, puis je les ai réunis dans Photoshop pour créer une autre illustration. Des exemples de choses qui ne fonctionnent pas. La raison pour laquelle je vous montre ceci est parce que je ne veux pas que vous essayiez cette méthode et que vous soyez découragé. Il y aura de nombreux jours où vous essayez les choses et ça ne marche pas. J' essayais de faire des fleurs. Non, ça ne marche pas. Oiseau sur une potion. Ça n'a pas marché. Voici un exemple de chat que j'essayais de dessiner avec des couples et avec de la peinture humide. Je jouais avec comment fonctionne les couples avec de la peinture. J' essayais de faire une protéo. J' en ai un peu marre, et c'est un peu trop excité. Tout ça n'a pas marché. C' était même hier soir. Je veux dire, clairement que ça n'a pas marché. Quand je dessine, je me concentre sur la qualité de la ligne et ce truc. Je dessine et redessine parce qu'il ne s'agit pas toujours de la perfection de l'image. Mais quand j'ai fait mon évaluation de la session, j'ai réalisé que j'avais utilisé une petite division de ce rouleau. Quand je l'ai roulé avec de la peinture, j'ai eu de belles notes. Lorsque j'ai évalué cette session, j'étais heureux de la session elle-même et heureux que j'ai montré sur. Le dernier exemple est que j'essayais de dessiner un chat. Clairement, ça n'a pas marché. Ce que j'aurais dû faire ce jour-là n'était pas essayer de représenter, mais plutôt d'aller dans l'amour et l'expression de l'émotion. Je devais juste faire de la peinture. Voici un dessin où je dessinais quelque chose, j'en ai eu marre. J' ai fait ma technique blanche sur ce qui était assez satisfaisant puis j'ai pris mon crayon épais et doux HB et tiré dans la peinture humide. Quand je l'ai regardé le lendemain, je me suis rendu compte qu'en fait cela avait capturé ce que je ressentais à l'époque. Je me suis senti épuisé, et en faisant le dessin, il a eu une partie de ce sentiment. En fait, j'étais tout à fait satisfait de ça à la fin. Ensuite, vous obtenez des fois où vous obtenez des dessins qui sont partiellement réussis. Cet oiseau était assez intéressant, peut être utilisé dans une illustration. Un bouquet qui a des éléments intéressants. Approchez ici où avec un peu de travail Photoshop, des choses intéressantes se passent. Un autre, cela est devenu un peu hors de la main, mais j'ai exprimé l'énergie, j'ai exprimé ce que j'avais besoin d'exprimer ce jour-là. Et de temps en temps, vous obtenez votre un sur 10 qui juste boum, fonctionne. Ce chien extraterrestre plutôt bizarre, j'étais content de la façon dont celui-ci est sorti. Avec un peu de traitement Photoshop pourrait faire une pièce tout à fait intéressante. C' est le chien que j'ai utilisé beaucoup de la ligne continue, beaucoup de la technique de la main gauche. Quand j'ai fait ce chien, j'ai utilisé le droit du tube. C' était assez amusant. Celui-ci où j'ai pu exprimer à travers le dessin ce que je ressentais. Mon éditer les mots pensant à vous dans Photoshop après. J' ai senti que je m'exprimerais mieux à travers le dessin que j' aurais pu passer par des mots ou un message écrit. C' est quand être dans la zone de liberté est incroyable. Lorsque vous dessinez dans la zone de liberté, n'hésitez pas à jouer, à coller des choses. J' ai essayé quelques boutons, j'en ai essayé quelques-uns, c'est de la peinture de tissu directement du tube squeezy. Vous pouvez essayer peu de couleurs mélangées avec de la peinture, vous pouvez essayer de mélanger les médias. N' ayez pas peur d'essayer les choses. N' ayez pas peur de faire des dessins qui ne fonctionnent pas comme des dessins. J' expérimentais avec la superposition et la texture. Si je devais faire mon évaluation, je dirais qu'il y a une bonne énergie là-dedans. Il y a des superpositions intéressantes, il y a de bonnes lignes, cette chose. Vas-y doucement avec toi-même. Profitez du processus, appréciez les faire, et célébrez même lorsque le résultat sur les pages n'est pas fabuleux parce que vous aurez beaucoup de faux départs. Vous aurez beaucoup de jours où le résultat sur la page n'est pas ce que vous espériez. Mais analysez comment vous vous sentez et célébrez que vous l'avez fait et vous êtes venu et amusez-vous. C' est tout le problème. Amusez-vous à faire de l'art. Nous avons eu la théorie, nous avons eu les démonstrations. Maintenant, c'est à ton tour d'y aller. Une fois que vous avez rassemblé vos documents, tout ce que vous avez à faire est de choisir votre image source. J' ai mis certains dans la section des ressources, que vous pouvez travailler à partir ou vous pouvez choisir votre propre à partir d'un des sites libres de redevances tels que Pixabay ou Unsplash. Vous pouvez également travailler à partir d'une fleurs fraîches ou de fruits. Tout ce que vous voulez travailler en tant que matériau source. Ensuite, vous réglez votre alarme pendant 20 minutes et passez aux techniques. Il est important de mettre en pause la classe et d'aller maintenant, car la vidéo suivante porte sur l'évaluation. Vous devez avoir fait une session de dessin pour avoir une session à évaluer. Si vous vous sentez comme un enragé pris dans les phares, il suffit de télécharger ma recette de dessin No Fear et de suivre les étapes. Je recommande juste de faire une séance de 20 minutes et n'hésitez pas à essayer l'une ou l'autre des techniques. Rappelez-vous que ce n'est qu'une courte session de dessin et que peu importe ce que vous dessinez à la fin. Si vous vous sentez à l'aise de partager ce que vous avez fait, alors s'il vous plaît télécharger une photo dans la galerie de classe, car cela encouragerait les autres à avoir un aller eux-mêmes. Dans la vidéo suivante, nous allons voir comment évaluer une session de dessin. C' est peut-être le plat le plus important de toute cette classe. Une fois que vous aurez terminé votre séance de dessin, je vous y verrai. 14. Évaluation: Lorsque vous dessinez tous les jours et que vous utilisez la méthode de 20 minutes ou quelle que soit votre durée minimale viable, il est vraiment important que vous évaluiez votre séance plutôt que de juger votre dessin. Tu ne vas pas créer un chef-d'œuvre tous les jours, et tu ne devrais pas t'attendre à ça de toi. Vous devriez ressentir votre travail dans le contexte du travail de toute votre vie. Vous ne commencez pas par être incroyable. Vous devez faire tous les mauvais dessins pour trouver votre style, et cela prend beaucoup de temps. Pour le rendre durable, ce que vous faites doit être amusant pendant que vous le faites. Ensuite, peu importe ce que vous obtenez sur la page, si vous avez utilisé vos matériaux d'art, vous avez réussi. Parce que vous avez gagné la bataille avec la résistance pour la journée. Comment évaluer une session de dessin. Voici un organigramme que vous pouvez utiliser. J' ai mis une copie dans les ressources de la classe pour votre projet de classe. Commencez par comment je me sens ? Ce que je veux dire par là, c'est penser à ce que tu ressentais avant de commencer à dessiner et à ce que tu ressens par la suite. Tu te sens mieux ? Pensez ensuite à pourquoi, puis réfléchissez à la façon dont vous pouvez vous appuyer sur cela lors de votre prochaine session. Si vous êtes quelqu'un qui aime le journal, alors faites quelques notes pour que vous vous souveniez de ce que vous avez fait, et quel aspect de celui-ci vous a fait vous sentir mieux. Peut-être que c'était la façon dont vous utilisiez vos matériaux librement, ou peut-être parce que vous étiez capable d'exprimer beaucoup d'émotion. Même avec un dessin qui pour quelqu'un d'autre pourrait ne pas ressembler à quoi que ce soit, si cela vous faisait vous sentir mieux en le faisant, alors c'est quelque chose à célébrer. Si vous vous sentez pire après votre séance de dessin, alors il est vraiment important de réfléchir à pourquoi. Mais essayez d'ignorer à quoi ressemble le dessin, et pensez d'abord à quelle partie du processus de dessin lui-même n'était pas amusante et comment pouvez-vous changer cela la prochaine fois. Par exemple, était-ce les matériaux que vous utilisez, ou travailliez-vous avec la couleur lorsque vous n'étiez pas d'humeur pour la couleur ? Dans ce cas, essayez la prochaine fois différents matériaux, ou pensez à faire un dessin au trait au lieu d'une pièce en couleur. Pour moi, le plus souvent, les jours où je n'aime pas ça sont les jours où je suis coincé dans la zone de tension, et c'est généralement parce que je suis trop concentré sur ce que j'essaie de dessiner, plutôt que sur la façon dont je le dessine. C' est une chose utile pour moi de savoir pour la prochaine session, le lendemain. Si vous trouvez que vous vous sentez pire parce que vous vous sentez comme vous avez fait un mauvais dessin, alors la chose à faire n'est pas de regarder ce dessin dans son ensemble, mais plutôt de chercher ce qui est bon dans le dessin et quels morceaux vous avez aimé faire. Peut-être que vous avez fait du bon travail en ligne ou peut-être que vous avez expérimenté de nouvelles marques indifférentes, toutes ces choses que vous devriez célébrer. Parce que ce sont les petits pas que vous faites chaque fois que vous travaillez qui s'ajoutent à devenir votre propre style personnel et vous devez faire tous les petits dessins mauvais pour permettre à tout ce que vous obtiendrez des dessins de sortir. Alors célébrez les mauvais dessins autant que vous faites les bons. Célébrez que vous êtes venu, et que vous avez fait le travail. Célébrez que vous vivez votre véritable vie créative et que vous vous ouvriez pour devenir un canal d'inspiration. Dans la vidéo suivante, je vais parler brièvement de la notion de tomber du wagon. Mais avant d'aller sur cette vidéo, veuillez mettre en pause le tableau, prendre cinq minutes, évaluer votre propre séance de dessin et poster une photo de votre évaluation dans la galerie de projets. Alors je te verrai dans la dernière vidéo de ce cours. 15. Conclusion: Maintenant, vous êtes bien armés pour lutter contre la résistance et pour accéder rapidement et facilement à votre créativité et pour dessiner sans crainte. Vous devez approcher votre créativité à partir d'un lieu de soins personnels. Vous devez séparer votre art de l'ego. Vous avez quelques conseils pour vous aider à esquiver la peur et vous mettre dans la chaise et commencer à travailler. Vous avez un moyen facile de commencer un dessin et vous avez des techniques spécifiques que vous pouvez essayer lorsque vous constatez que vous ne vous amusez pas ou que vous avez besoin d'accéder à votre cerveau plus expressif. Je veux juste parler une seconde de la notion de tomber du chariot. Vous avez peut-être pris l'un des nombreux défis instantanés où vous essayez de dessiner pendant 100 jours, et même si votre résultat était vraiment élevé, vous avez peut-être trouvé qu'il est devenu difficile de soutenir et ensuite vous avez commencé à vous sentez mal à ce sujet, et puis vous essayez de rattraper le retard. Cela apporte tout un niveau de culpabilité et la notion d'échec dans votre pratique créative. Bien que ces défis puissent être vraiment utiles comme moyen de vous pousser à développer une habitude quotidienne, je pense qu'il y a beaucoup de valeur à vous connaître et à vous faire confiance. Vous souvenez-vous de cette approche saine de la créativité ? Pas de culpabilité, pas de honte. Vivre une vie créative signifie prendre soin de vous et de votre créativité ; la laisser vous apporter de la joie et laisser cette joie se répandre à ceux qui vous entourent. Nous allons tous bannir la culpabilité et la honte de notre créativité. Adoptons le jeu, l'expérimentation et l'exploration. Apprécions des dessins expressifs et désordonnés qui ne fonctionnent pas. Embrassons de prendre soin de nous-mêmes et de prendre soin de ceux qui nous entourent. Maintenant, il est temps de rester coincé dans le projet de classe. Faites une petite amélioration à votre espace de création et partagez une photo de celui-ci dans la galerie des classes. Essayez les techniques que j'ai démontrées. Partagez une photo de cela si vous le souhaitez. Mais surtout, essayez le modèle d'évaluation et téléchargez une copie de celui-ci dans la galerie des classes. Si vous avez apprécié ce cours, je vous serais très reconnaissant si vous pouviez laisser un commentaire et me suivre sur Skillshare. Cela garantira que vous ne manquez pas ma prochaine classe et encouragera également les autres à faire sans crainte. Si vous connaissez quelqu'un qui, selon vous, pourrait être aidé par cette classe, vous pouvez le partager sur Instagram en utilisant le #going sans crainte. Si vous voulez voir plus de mon travail en cours, vous pouvez également me suivre sur Instagram. Je suis @catherinejenniferdesigns. Merci d'avoir regardé. Maintenant, vous pouvez continuer à essayer ces techniques. J' ai hâte de vérifier avec vous dans la galerie de projets. Si vous n'avez pas encore posté dans la galerie de projets, faites-le maintenant. se voit dans la classe suivante.