Dessiner des webtoons : de la planification à la publication | Pluvias | Skillshare
Menu
Recherche

Vitesse de lecture


  • 0.5x
  • 1 x (normale)
  • 1.25x
  • 1.5x
  • 2x

Dessiner des webtoons : de la planification à la publication

teacher avatar Pluvias, Webtoon Artist

Regardez ce cours et des milliers d'autres

Bénéficiez d'un accès illimité à tous les cours
Suivez des cours enseignés par des leaders de l'industrie et des professionnels
Explorez divers sujets comme l'illustration, le graphisme, la photographie et bien d'autres

Regardez ce cours et des milliers d'autres

Bénéficiez d'un accès illimité à tous les cours
Suivez des cours enseignés par des leaders de l'industrie et des professionnels
Explorez divers sujets comme l'illustration, le graphisme, la photographie et bien d'autres

Leçons de ce cours

    • 1.

      Introduction

      1:27

    • 2.

      Configuration de la peinture de studio

      8:31

    • 3.

      1-1 Storyboards

      14:44

    • 4.

      1-2 Configurer des fichiers de travail

      20:28

    • 5.

      1-3 Lettrage

      19:11

    • 6.

      1-4 SFX (effets sonores)

      10:13

    • 7.

      Techniques de croquis 2-1

      16:47

    • 8.

      2-2 Utiliser des figures 3D

      13:50

    • 9.

      2-3 Créer un dessin 3D avec des proportions de CO

      11:23

    • 10.

      2-4 feuilles d'actifs

      8:05

    • 11.

      3-1 Lineart

      19:38

    • 12.

      3-2 Couleurs et harmonie des couleurs

      10:18

    • 13.

      3-3 couleurs plates

      14:41

    • 14.

      3-4 Coloriage cheveux et yeux

      8:24

    • 15.

      3-5 ombrage rapide

      17:22

    • 16.

      4-1 Principes de perspective

      12:05

    • 17.

      4-2 Techniques pour ajouter de la profondeur

      5:58

    • 18.

      4-3 Peindre à partir de gris

      22:57

    • 19.

      4-4 Paysages naturels

      25:52

    • 20.

      4-5 Fond artificiel

      32:58

    • 21.

      4-6 Sources pour obtenir des actifs

      6:07

    • 22.

      Ajustements de couleur

      12:16

    • 23.

      5-2 Éclairage et ombrage

      10:43

    • 24.

      5-3 Fournir des émotions par le texte

      4:59

    • 25.

      5-4 Motif d'expression

      7:28

    • 26.

      5-5 Fond d'ambiance

      8:13

    • 27.

      6-1 Exporter des toons Web

      7:07

    • 28.

      6-2 Webtoons de publication

      9:06

    • 29.

      6-3 Sauvegarder des Raws et des blancs

      5:55

    • 30.

      7-1 Sauvegarder votre travail

      2:05

    • 31.

      7-2 Documenter des progrès

      3:25

    • 32.

      7-3 Promouvoir des webtoons

      4:28

    • 33.

      7-4 Webtoons de monétisation

      4:20

    • 34.

      Outro

      2:22

  • --
  • Niveau débutant
  • Niveau intermédiaire
  • Niveau avancé
  • Tous niveaux

Généré par la communauté

Le niveau est déterminé par l'opinion majoritaire des apprenants qui ont évalué ce cours. La recommandation de l'enseignant est affichée jusqu'à ce qu'au moins 5 réponses d'apprenants soient collectées.

983

apprenants

--

projet

À propos de ce cours

Vous avez déjà envie de créer votre propre webtoon ?

Avez-vous toujours eu une histoire en vous, et vous vouliez la voir en réalité comme une bande dessinée, mais vous l'avez fait de côté penser que c'est trop difficile d'un rêve ?

Je voudrais vous dire que ce n'est pas le cas ! Avec le développement de technologies de dessin numérique, le dessin de bande dessinée n'a jamais été aussi facile ! Je veux vous montrer comment créer et publier votre webtoon, en vous accompagnant étape par étape du processus de planification à la finalisation et à la publication de votre travail en utilisant les dernières techniques qui font évoluer votre travail et vous permettent de produire une bande dessinée de haute qualité sans même avoir besoin d'une équipe.

Dans ce cours, vous apprendrez à :

  • Planifiez vos chapitres d'histoire avec des storyboards
  • Créez et organisez vos fichiers de travail
  • Ajoutez des effets vocaux et sonores (SFX) à vos panneaux
  • Utiliser des techniques pour accélérer votre croquis
  • Taillez et colorez vos panneaux de manière rapide
  • Utilisez des modèles, des pinceaux et des actifs 3D pour créer des arrière-plans de qualité
  • Donnez l'ambiance de vos panneaux avec des ajustements de couleur et des effets intéressants
  • Exporter et publier votre webtoon
  • Organisez votre flux de travail
  • Promouvoir et monétiser votre webtoon

À qui s'adresse ce cours :

  • artistes avec des rêves qui ont des mondes et des histoires de leurs personnages d'origine et qui veulent tout mettre en commun dans une bande dessinée en toile de ligne colorée

CE DONT VOUS AUREZ BESOIN :

  • Une tablette à dessin
  • Clip Studio Paint
  • SketchUp (facultatif)

Que vous soyez débutant ou intermédiaire, que vous sachiez dessiner des arrière-plans ou non, vous apprendrez à utiliser vos compétences en dessin combinées à des modèles 3D et à des actifs pour créer des scènes significatives pour vos personnages.

À la fin de ce cours, vous aurez appris à planifier vos panneaux et bulles de voix, à dessiner vos personnages dans un espace, à livrer leurs émotions de manière expressive et à ajouter des éclairages et des effets reflétant l'ambiance de votre scène, afin de pouvoir réaliser un chapitre complet du webtoon !

Rencontrez votre enseignant·e

Teacher Profile Image

Pluvias

Webtoon Artist

Enseignant·e

Hello all! I'm Pluvias, a self-taught anime artist.

I've been drawing since I could first hold a pencil, but I started taking it seriously in 2009, which was the year I started doing digital art with a drawing tablet, and since then I've kept striving to improve my level!  I also draw every now and then on paper using Copic Markers.
If you like my content and want more, you can watch free tutorials on my YouTube channel, in addition to lots of drawing process videos and useful information for anime artists!

YouTube: Pluvias

Twitch: pluvias_
Instagram: pluvias
Twitter: pluvias_

Webtoon: Entwined

Voir le profil complet

Level: Intermediate

Notes attribuées au cours

Les attentes sont-elles satisfaites ?
    Dépassées !
  • 0%
  • Oui
  • 0%
  • En partie
  • 0%
  • Pas vraiment
  • 0%

Pourquoi s'inscrire à Skillshare ?

Suivez des cours Skillshare Original primés

Chaque cours comprend de courtes leçons et des travaux pratiques

Votre abonnement soutient les enseignants Skillshare

Apprenez, où que vous soyez

Suivez des cours où que vous soyez avec l'application Skillshare. Suivez-les en streaming ou téléchargez-les pour les regarder dans l'avion, dans le métro ou tout autre endroit où vous aimez apprendre.

Transcription

1. Introduction: Bonjour, je suis cluvious, artiste d' anime et créateur de contenu autodidacte. débuts en tant qu'illustratrice, j'ai décidé de poursuivre mes rêves et de me tourner vers la création de bandes dessinées, particulier le dessin de tons de travail. J'ai toujours été inspiré par les anime et les mangas pourquoi je suis tombée amoureuse création de mes propres histoires et personnages. Pourtant, pendant très longtemps, je ne savais pas quel serait le meilleur format pour raconter mes histoires. Jusqu'à ce que je tombe sur les leptons, je trouve que le format de référence était le plus inspirant pour moi car j'adore créer des œuvres d'art numériques colorées et les possibilités créatives sont vraiment infinies avec ce support. À première vue, dessiner le web vers l'as peut sembler une tâche ardue dont vous ne savez pas par où commencer. Mais je tiens à vous dire que ce n'est pas le cas, c'est en fait un processus simple. Une fois que vous aurez compris dans ma classe, je vais vous expliquer le processus de dessin et de création de chapitres complets, de la planification à la publication. Je voudrais vous montrer comment créer un storyboard pour vos chapitres, préparer organiser vos fichiers de travail, et organiser vos fichiers de travail, utiliser des techniques pour accélérer votre processus de dessin et de coloriage, et comment utiliser les ressources et la 3D des modèles pour créer un arrière-plan anesthésique rapide tout en ajustant rapidement les couleurs pour vous donner beau look final tout au long de mon cours. Vous apprendrez à créer vos propres chapitres complets et espérons-le, à publier votre propre ton Web sur les plateformes appropriées. J'espère vraiment que vous sortirez de mon cours avec les connaissances nécessaires pour dessiner avec de la musique, afin que vous soyez prête à démarrer votre propre aventure et à donner vie à l'histoire de vos rêves. 2. Configuration de la peinture Clip Studio: Clip Studio Paint est devenu le logiciel et l'application préférés de la majorité des artistes de nos jours, en particulier pour les créateurs de bandes dessinées, car il regorge d'outils et de fonctionnalités qui permettent de gagner du temps et de simplifier produire des œuvres d'art de haute qualité. Clip Studio Paint est disponible à la fois pour les ordinateurs et les appareils intelligents. Il existe en deux versions, Pro et eax. Ils sont très similaires dans presque tout sauf que e x est doté de plus de fonctionnalités, principalement pour gérer des projets comportant plusieurs pages, tels que des bandes dessinées, exporter des lignes à partir d' images et de modèles 3D, et un nombre illimité d'images pour l'animation. Il pourrait y avoir d'autres différences, mais celles-ci sont les principales. Comme nous sommes un artiste, c'est parfaitement normal de travailler avec. Si vous le souhaitez, vous pouvez obtenir à peu près les mêmes résultats et passer à eax à tout moment plus tard si vous changez d'avis. Personnellement, j'ai la version EX et c'est celle que j' utiliserai dans cette classe. Mais tout au long des leçons, je vous indiquerai dans quels domaines vous devez faire les choses différemment. Si vous êtes un utilisateur professionnel, bien sûr, ce sera à ma connaissance, car je ne l'ai jamais utilisé auparavant. Excusez-moi si je rate quelque chose et dites-moi maintenant si c'est la première fois que vous utilisez Clip Studio Paint ou non Je ne vous présenterai pas une seule fois les outils et fonctionnalités du logiciel parce que je comprends que c'est beaucoup d'informations à absorber en même temps. Je vais plutôt vous expliquer les outils dont vous avez besoin au fur et à mesure. Vous pouvez donc les essayer instantanément, les conserver dans votre mémoire et vous familiariser progressivement avec le logiciel au fur et à mesure que vous l'utilisez. Pour l'instant, parlons simplement de la configuration votre Clip Studio Paint et personnalisation selon vos préférences. Tout d'abord, après avoir connecté votre tablette et lancé Clip Studio Paint, ouvrez un nouveau fichier depuis Fichier nouveau. Vous pouvez choisir l' une des options. Maintenant, je vais juste me contenter d'une illustration. Maintenant, avec cette étape, nous allons régler les paramètres de pression du stylet de manière à ce qu'ils soient les mieux adaptés à votre usage personnel. Pour ce faire, accédez à Fichier, puis aux paramètres de pression, puis saisissez votre stylet et effectuez plusieurs traits sur l'écran. Faites des mouvements avec la pression avec laquelle vous vous sentez à l'aise. Je vous conseille de ne pas appuyer trop fort sur votre stylo car cela pourrait vous blesser à la main à long terme. Gardez donc votre main légère et vous pourrez voir que le graphique change en fonction de l'entrée que je lui donne. Une fois que vous avez terminé, cliquez sur Vérifier, ajustez les paramètres et vous pouvez maintenant l' essayer à l'écran. Si vous êtes à l'aise avec les paramètres à ce stade, cliquez sur OK. Si ce n'est pas le cas, cliquez simplement, revenez à l'écran précédent et recommencez. Et c'est tout. Cliquez sur OK pour fermer cette fenêtre. C'était donc la première chose à faire. La deuxième chose est l'interface utilisateur. Comme vous pouvez le constater, dans Clip Studio Paint, tout est composé de Windows. Donc, par exemple, si je clique et que je maintiens cette touche enfoncée, je vais fermer la fenêtre. Et si je clique et maintenais à nouveau, je peux le ramener là où il était, le redimensionner et ainsi de suite. Ici, tout a une fenêtre et vous pouvez faire glisser et modifier les éléments comme vous le souhaitez. Ainsi, pour cette étape, vous découvrirez au fur et à mesure quelle est votre interface utilisateur la plus confortable, car vous évoluerez en permanence en fonction de vos besoins. Mais pour l'instant, je voulais vous faire savoir que puisque tout est composé de Windows, vous pouvez les faire glisser et les voir apparaître comme ça. Et peut-être que vous cliquez sur Fermer par erreur. Ne vous inquiétez pas lorsque cela se produit, vous pouvez restaurer tout ce que vous avez fermé en accédant à Windows. Et pour l'instant, je vais choisir Navigator puisque c'est celui que je viens de fermer. Et le voici. Il est de retour. Je vais donc simplement faire glisser et le remettre là où il était. Personnellement, j'ai presque conservé l'interface utilisateur de Clip Studio Paint par défaut, mais j'ai placé les calques sur le côté une longue fenêtre car lorsque je travaille sur une chanson Web, j'utilise beaucoup de couches. Donc, pour moi, j'ai trouvé qu'il est plus facile de naviguer entre eux de cette façon. Et ici, je mets également la palette de couleurs pour un accès facile, dont je parlerai plus en détail au début de la phase de coloration. vue d'ensemble du navigateur affiche également un aperçu de votre canevas. Il m' est donc parfois utile simplement l'agrandir pour pouvoir passer plus facilement d'un panneau à l'autre et voir mon dossier de travail en un coup d'œil. Enfin, j'ai mis la taille du pinceau ici. D'habitude, je suppose qu'il se trouve ici et que c'est l'interface utilisateur par défaut. Mais je le mets ici sur le côté pour qu'il prenne moins de place et que je puisse choisir la taille du pinceau plus facilement. Parlons maintenant de cette chose en haut s'appelle la barre de commandes. Et comme vous pouvez le voir ici, il existe de nombreux raccourcis. Certains d'entre eux sont livrés avec une interface utilisateur par défaut, et certains d'entre eux ont été ajoutés moi-même. Je trouve cette barre de commandes très utile. Cela vous permet vraiment de gagner du temps et d'utiliser certains outils rapidement. Donc, pour ajuster les icônes ici, vous allez dans les paramètres de la barre de commandes du fichier. De là, vous pouvez voir différentes choses. Il existe des commandes de menu, pastilles contextuelles, des options, des outils. Pour être honnête, je n'ai pas tout utilisé, mais je tiens à vous montrer ce que j'ai mis. Outre l'interface utilisateur par défaut, vous pouvez zoomer et dézoomer et ajuster à l'écran pivoter le canevas vers la gauche et droite et réinitialiser la rotation ou l'inversion. J'ai également placé ce bouton horizontal pour que je puisse facilement et rapidement retourner la toile et voir si les proportions de mes œuvres d'art sont bonnes. D'ailleurs, ces boutons existent déjà ici, mais comme vous pouvez le voir sur le côté de la fenêtre. J'ai donc découvert que les mettre sur le dessus ici me permettait de le faire plus rapidement. Vous pouvez définir ces paramètres à partir de la barre de commandes Les paramètres des commandes de menu vont à Afficher. Et puis c'est le Zoom et vous glissez et déposez ici. C'est le zoom arrière. Et comme vous pouvez le constater, il a placé un séparateur entre les deux outils. Si je veux m'en débarrasser, il suffit de cliquer avec le bouton droit de la souris et de supprimer le séparateur. Maintenant, ils sont tous réunis au même endroit. Et puis il y a aussi le bouton Ajuster à l'écran. En dessous, faites pivoter ou retournez. Il y a la rotation vers la gauche. Tournez vers la droite. Je vais simplement les faire glisser et le séparateur disparaîtra automatiquement. Et il s'agit de l'inversion de la rotation de la recherche. Enfin, le retournement horizontal. Si vous souhaitez supprimer l'une des icônes, cliquez dessus avec le bouton droit de la souris et supprimez-la . Vous pourrez ainsi la nettoyer. Je vais supprimer ceux que je viens de mettre car je les ai déjà. Les deux autres icônes que j'ai ajoutées sont la transformation libre, la transformation du maillage. Nous parlerons davantage de ces outils lorsque nous serons dans la phase d'esquisse. Mais je veux vous montrer d' où vous pouvez les obtenir pour les placer dans la barre de commandes, les modifier, les transformer. Et puis ici, vous pouvez voir toutes les options de transformation. Pour moi, je fais glisser la transformation libre et la transformation du maillage, et je vais également faire pivoter l'échelle, car c'est également un outil rapide et utile. C'est donc pour les paramètres de la barre de commandes. Enfin, je voudrais parler d'une chose très importante , à savoir les raccourcis clavier. La définition de raccourcis clavier vers vos outils préférés vous fera vraiment gagner beaucoup de temps à long terme. Quel que soit l'outil que vous utilisez fréquemment, assurez-vous de définir le raccourci clavier correspondant ou un raccourci de la barre de commandes pour celui-ci. Quoi qu'il en soit, faites en sorte que ce soit facile et rapide pour vous faire gagner beaucoup de temps à long terme. Donc, par exemple, j'ai réglé la touche N sur mon stylo et la touche E sur ma gomme. V2 pour mon pinceau, l'outil marin, pour mon outil de mixage à eau, et soyez essentiel pour mon outil de flou, etc. Je veux donc que vous en preniez note pour définir les raccourcis, accédez aux paramètres des raccourcis de fichiers. Et à partir de là, comme dans les paramètres de la barre de commandes, vous pouvez choisir où se trouve le raccourci. La plupart de mes raccourcis se trouvent dans la catégorie des outils. Ainsi, par exemple, comme je vous l'ai dit plus tôt, le raccourci n est défini pour mon outil de stylet. Le crayon est f, les aérographes a, etc. Vous pouvez également accéder aux outils eux-mêmes et à ces raccourcis pour les sous-outils, par exemple le pinceau et l' aquarelle que je viens vous montrer se trouvent sous l'outil pinceau, qui se trouve ici. Ce sont donc les deux outils, mais j'ai défini un raccourci pour chacun d'eux séparément, comme vous pouvez le voir ici. Cela me permet de naviguer facilement entre eux. C'est ainsi que s'achève mon introduction à la configuration de Clip Studio Paint. Bien entendu, c'était une très brève introduction. Et comme je vous l'ai dit, nous parlerons davantage des outils dont nous disposons au fur et à mesure de nos progrès. Dans la prochaine leçon, nous parlerons de la planification de votre chapitre à l'aide storyboards afin de pouvoir démarrer notre processus de production de chapitres. 4. 1-2 Configuration des fichiers de travail: Maintenant que nous en avons terminé avec le storyboard, il est temps de passer à l'étape suivante et de le mettre sur toile de dessin pour configurer nos fichiers de travail. Mais avant d'entrer dans le vif du sujet, je voudrais d'abord expliquer le guide des tailles de toile. Et en fonction de ce que j'ai choisi, des dimensions dont je vais vous parler. En ce qui concerne le guide des tailles de canevas, les bandes dessinées Web sont de longues bandes dessinées à défilement vertical, composées de plusieurs pages. Supposons que les dimensions de l'une de ces pages dépendent vraiment la plateforme sur laquelle vous allez la mettre. Mais dans ce cours, je me concentrerai principalement sur la principale plateforme de publication pour les créateurs indépendants, Web Two in Canvas. Pour les œuvres sur toile, les dimensions requises pour une page ou une image sont 800 pixels de largeur par une hauteur maximale de 1280 pixels. C'est la hauteur maximale de votre image qui peut être plus petite, mais elle ne peut pas être plus grande. Donc, en fonction de cette exigence de page, je configure généralement mon canevas de dessin pour qu'il comporte sept pages de cette page. Cela signifie que la largeur serait de 800 pixels multipliés par 1280 pixels multipliés par sept pages. C'est ce nombre, 8 960 pixels. Mais là encore, ce chiffre ne concerne que la taille de l'écran. Et comme vous consacrez beaucoup de travail à votre musique Web, vous pourriez envisager de l'imprimer plus tard et de la transformer en livre. C'est pourquoi il est fortement recommandé ne pas simplement dessiner spécifiquement sur ce côté, mais d'aller un peu plus haut et de redimensionner votre toile. Pour ma part, je dessine sur une toile trois fois plus grande que cette toile de sept pages. Cela signifie 800 pixels multipliés par D3 et la largeur , soit 2 400 pixels. Et ce nombre multiplié par trois, ce qui nous donne ce nombre de 26 800 pixels. Donc, en résumé, la taille de fichier que je vais rechercher est celle-ci, ce chiffre par ce numéro. Utilisons donc déjà ces chiffres. Créons nos fichiers de travail en dessinant une toile. Nous allons accéder à Fichier Nouveau , puis choisir ce que vous devez faire ici. Personnellement, je le nomme par le titre du chapitre. Jusqu'à présent, je travaille sur le chapitre 14 et l'alcool. C'est juste ça. Lorsque vous cliquez sur ce bouton, vous choisissez le répertoire dans lequel vous souhaitez enregistrer vos fichiers. Et ici, sous la toile, c'est ici que nous allons utiliser chiffres que j'ai mentionnés ici. La largeur de la toile sera de 2 400 pixels par une hauteur de 26 880 pixels. Assurez-vous que la couleur d'expression de base est définie sur couleur. La couleur du papier, je la laisse généralement telle quelle, en blanc. Maintenant, pour les paramètres de cette page, cette fonctionnalité n'est disponible que pour la version X de Clip Studio Paint. Je l'ai fixé à six pages. Et lorsque je clique sur OK, je reçois six longues pages les dimensions que j'ai définies. C'est donc comme si un fichier de gestion de page avait été créé. Cela signifie que si je clique avec le bouton droit sur l'une de ces pages, je peux voir les options d' ouverture de la page, de suppression, d'ajout, de duplication, etc. Et pour vous montrer à quoi cela ressemble dans le format de fichier, un fichier est créé pour moi ici, appelé Chapter 14, qui est le fichier de gestion de page de Clip Studio Paint. Et puis il a créé six autres pages. Donc, si je ferme ça maintenant et que j'ouvre le chapitre 14, je vais obtenir ce fichier de gestion de page. Et comme vous pouvez le constater, il a créé six fichiers pour les six pages que j'ai spécifiées. Donc, si vous êtes un utilisateur X, vous pouvez suivre ceci et obtenir le même résultat. Mais si vous êtes un utilisateur professionnel, vous pouvez faire exactement la même chose en accédant à File new web tune, puis en créant ces fichiers séparément. Donc, en gros, vous allez les créer sans avoir de classeur pour les combiner. C'est pourquoi cela ne fera pas beaucoup de différence en ce qui concerne les fichiers de travail eux-mêmes. La version x ne fait que vous faciliter la gestion de vos pages. Maintenant, je vais ouvrir la première page de mon chapitre, retourner au fichier du storyboard et le faire glisser ici. Ensuite, je garderai mes pages sur le côté gauche ici pour voir ce qui se passe. Comme je l'ai mentionné dans le storyboard, j'en ai dessiné chaque colonne sur une couche séparée. Je vais passer à la première couche et vous cliquez sur Contrôler a pour tout sélectionner , puis sur C pour copier. Vous pouvez également accéder à Sélectionner, Tout sélectionner, puis Modifier et copier. Je vais retourner sur ma page et cliquer sur Control V sur mon clavier, ou Modifier et coller, c'est la même chose. Et maintenant, je vais cliquer sur Ctrl T pour faire apparaître la boîte de transformation. Comme vous pouvez le constater, j'ai des poignées qui me permettent de redimensionner mon storyboard. Si vous n'avez pas de clavier et que vous souhaitez lancer la transformation, il y a ce bouton que nous avons configuré précédemment et la barre de commandes. Lorsque vous cliquez dessus, la boîte de transformation s'affiche également . Ou vous pouvez également modifier, transformer, redimensionner , faire pivoter, et cela affichera également la même chose. Maintenant, je vais faire un petit zoom arrière et maintenir la barre d'espace enfoncée pour déplacer mon canevas. Et je vais faire glisser cette case dans le coin pour la redimensionner. Maintenant, pour le redimensionner en fonction des proportions, vous devez vous assurer que l'option Keep Aspect Ratio est cochée ici. Si ce n'est pas coché, vous devez appuyer sur Shift sur votre clavier et le redimensionner. Je vais donc le ramener. Je redimensionne mes storyboards pour qu'ils correspondent à la taille de ma toile. Puis cliquez sur OK pour appliquer la transformation. Une chose vraiment intéressante que nous pouvons activer est d'accéder à Afficher puis de sélectionner la zone Web Tune à l'écran. Lorsque cette option est activée, nous pouvons voir à quoi ressemble la vue sur la page d'une épouse, Joan. Cela signifie que nous pouvons ajuster la distance entre nos panneaux et vérifier à quoi cela ressemblerait au téléphone. Donc, en gros, ce rectangle est la vue du téléphone. D'ailleurs, vous pouvez ajuster les paramètres de cette vue à l'écran en accédant à Afficher la zone à l'écran, réglant la tonalité, en réglant la tonalité, puis en ajustant le ratio à partir d'ici. Mais j'ai l'habitude de le garder tel quel. Je vais donc simplement cliquer sur Annuler. Maintenant, je vais faire un zoom arrière pour avoir une meilleure vue. Et je vais utiliser le Marquee Tool ici. Et à l'aide de la sélection rectangulaire, je vais sélectionner à partir de ce canevas puis accéder à l'outil Déplacer ici et le déplacer vers bas tout en maintenant la touche Shift enfoncée, de sorte que je n'ai déplacé les panneaux que vers le bas et côté vertical et non sur le côté horizontal. Une fois que j'ai terminé, cliquez sur ce bouton pour désélectionner. Et je vais recommencer et sélectionner les panneaux suivants. Si vous souhaitez sélectionner d'autres éléments, vous pouvez utiliser l'outil Lasso ici. Et assurez-vous que ce bouton figure sur la sélection que vous ajoutez à la sélection que vous avez actuellement. Et si vous avez choisi ce bouton ici, vous pouvez le soustraire de la sélection. Ces paramètres sont disponibles pour toutes les options de sélection, alors gardez-les à l'esprit pour en faire bon usage. Je vais revenir à l'outil de déplacement, maintenir Shift enfoncé et le déplacer vers le bas. J'utiliserai le moindre outil cette fois descends de nouveau vers le bas, puis je clique dessus. Vous pouvez également cliquer sur Ctrl plus D sur votre clavier pour désélectionner. Et enfin, sur ce dernier panneau, je vais maintenir Shift enfoncé et le baisser. En ce qui concerne le premier panneau de ce chapitre, je vais réutiliser le dernier panneau de mon chapitre précédent. Je vais donc le copier d'ici et le coller ici. Je vais donc passer à Modifier, coller pour l'afficher en position afin qu'il soit collé au bon endroit. Je vais le déplacer un peu pour l'ajuster. Avec les flèches de mon clavier, je peux zoomer et vérifier que tout va bien. Alors maintenant, quand je fais un zoom arrière, je peux voir que ce panneau occupe presque la majeure partie de la première page. Je vais faire défiler la page vers le bas à l'aide du stylo pour voir comment se déroule le chapitre. J'ai trouvé que ce panel était trop serré. Je vais donc modifier la distance qui les sépare et la réduire un peu plus. La distance entre les panneaux est très importante car elle contribue également au rythme de votre narration. Ainsi, plus vous laissez des espaces entre les panneaux, plus il y a de pauses entre les scènes. Donc, par exemple, ici, je voudrais introduire une sorte d'émotion effrayante. Je veux donc donner plus d'espace à ce personnage pour exprimer son émotion effrayante. C'est pourquoi je vais laisser un plus grand espace entre les panneaux avant et après. Je vais faire défiler l'écran vers le bas. Et je vais rapprocher les panneaux ici les uns des autres parce que je veux qu'ils paraissent plus rapides. Et je vérifierai à nouveau le rythme en faisant défiler la page. Je vais rapprocher ce dernier panneau du panneau précédent afin que le rythme soit plus rapide. Puisque je veux que ce type saisisse rapidement son épée et se transforme. Maintenant que j'ai fini de transférer la première colonne, je vais faire de même pour la deuxième colonne. Je vais donc choisir la deuxième couche, et comme tout est toujours sélectionné, je vais également contrôler à nouveau C pour copier. Et je vais modifier, coller à la position de Sean pour que je puisse le voir. Parce que si je le colle comme ça, je ne verrai pas où il se trouve. Je ne sais pas. C'est perdu. J'utilise donc plutôt du collage à la position de Sean. Quoi qu'il en soit, si vous perdez l'une de vos couches sans trouver de trace, il suffit de cliquer sur Contrôle T. Et la boîte de transformation apparaîtra. Ensuite, vous pouvez faire glisser votre couche. Tu sais, retrouve-le. Modifier, coller pour afficher à la position. Et je vais également le transformer et le redimensionner. Comme vous pouvez le constater, j'approche de la fin de la page. Il semblerait donc que je vais supprimer les prochains panneaux et les laisser pour la deuxième page. Encore une fois, je vérifie le rythme en faisant défiler la page et je l'ajuste en conséquence. J'ai donc décidé de ne conserver que ce panneau. Je vais donc sélectionner le suivant et cliquer sur ce bouton ici pour supprimer ou cliquer sur le bouton Supprimer de mon clavier. Vous pouvez également modifier, supprimer, puis Ctrl D pour désélectionner et abaisser légèrement ce panneau vers le bas. Maintenant, si je souhaite supprimer cet espace excédentaire et recadrer cette toile, je peux le faire en utilisant simplement l' outil de sélection rectangulaire et en sélectionnant ma toile jusqu' à l'endroit où je souhaite couper. Accédez ensuite à Modifier le recadrage. De cette façon. Cette première page se termine ici. Et si je veux modifier les dimensions de la page et la rendre plus longue que ce que je peux modifier, modifiez la taille du canevas. À partir de là, je peux modifier mes dimensions. Par exemple, mettons 28 000 pixels. Mais comme vous pouvez le constater, lorsque vous faites cela, taille de toile supplémentaire apparaît à la fois en haut et en bas de la toile. Cela est dû au fait que le point de référence est placé au centre dans ce cas. Donc je ne veux pas ça. Je veux que l'extension soit uniquement sur la face inférieure. Je vais donc cliquer sur Réinitialiser et choisir le point de référence qui sera le haut ici. Et maintenant, je peux à nouveau taper la hauteur que je veux. Comme vous pouvez le voir, l'extension arrive en bas de la page, mais je vais l'annuler et la garder telle quelle. Maintenant. Puisque j'en ai fini avec cette première page, je vais fusionner ces couches du storyboard en cliquant sur la couche de storyboard, en maintenant la touche Shift enfoncée et en cliquant sur toutes les couches de storyboard que j'ai. Puis cliquez avec le bouton droit de la souris et fusionnez les couches sélectionnées. Alors maintenant, tout mon storyboard est sur une seule couche. Je vais renommer cette couche en storyboard. étape supplémentaire que je fais également est de cliquer sur ce bouton ici pour changer la couleur de la couche en bleu afin que ce soit plus facile pour moi plus tard lorsque je dessine. fait, si vous ne voyez pas ce bouton, votre fenêtre Layers est peut-être trop petite pour la faire glisser légèrement et elle devrait apparaître. Et si vous ne le voyez toujours pas, vous pouvez également obtenir le même effet sous les propriétés de la couche en cliquant sur ce bouton couleur de couche. Donc, en cliquant dessus, vous l'activerez et en cliquant à nouveau avec cette option désactivée. Et vous pouvez jouer avec la couleur que vous voulez à partir d'ici, n'importe quelle couleur que vous voulez. Mais je m'en tiens généralement au bleu par défaut. Pour le reste du storyboard, je fais de même pour transférer tous mes brouillons vers leurs fichiers de travail. Et puis une fois que j'ai terminé, il est temps de créer des cadres pour mes panneaux. Et nous pouvons facilement le faire en utilisant l' outil de bordure de cadre ici. Et puis choisissez un cadre rectangulaire. Vous pouvez choisir la couleur que vous souhaitez pour la bordure de votre panneau. J'opte généralement pour un diblock solide. Cliquez et maintenez le bouton enfoncé pour dessiner le panneau au-dessus de votre brouillon. Une fois que vous aurez publié, vous verrez ici qu'une couche d'images a été créée. Il est livré avec une couche vierge matricielle et un arrière-plan de cadre. J'ai donc désactivé l'arrière-plan du cadre pour pouvoir voir le storyboard en dessous. Maintenant que ce cadre a été créé, si je clique sur n'importe quel calque qu'il contient et que je dessine, tout ce que je dessine se trouvera à l'intérieur du cadre. Mais si je fais glisser la couche en dehors du cadre, je peux la sortir et elle n'est plus limitée par la zone du cadre. Pour modifier les paramètres de presque tout, vous pouvez utiliser Studio Paint. Vous utilisez l' outil objet en cours d'utilisation. Ainsi, lorsque vous utilisez l'outil objet et que vous cliquez sur le panneau, vous pouvez immédiatement voir les paramètres ici. Vous pouvez soit conserver la bordure, soit si vous ne la prenez pas, la commande sera supprimée. Vous pouvez modifier la couleur de la bordure à partir d' ici à la couleur de votre choix. Vous pouvez également modifier la taille de la bordure. D'habitude, je choisis la taille 8. J'en trouve un qui convient à mes dimensions. Maintenant, la bordure du cadre est essentiellement un vecteur. propriétés d'une couche vectorielle s'appliquent à celle-ci. Nous parlerons plus en détail des couches vectorielles plus tard, lorsque nous serons dans la phase de dessin au trait. Mais pour l'instant, je voudrais vous montrer comment modifier de nombreux paramètres de la bordure en la traitant comme une couche vectorielle. Tout d'abord, cliquez sur le bouton de la bonne ligne ici et choisissez l'outil de contrôle des points vers le haut. Ici, vous avez plusieurs paramètres. La bordure du panneau est constituée de points de contrôle. Donc, si je clique sur Déplacer les points de contrôle, je peux les déplacer. Et donc, c'est juste la forme du panneau. Si je clique sur Ajouter un point de contrôle, je peux ajouter un autre point de contrôle. Et maintenant, si je déplace ce nouveau point de contrôle. Ensuite, je pourrai avoir une nouvelle forme. Si je clique sur Supprimer le point de contrôle, ce point de contrôle sera supprimé. Et si je clique sur le coin de l'interrupteur, cela en fera un coin lisse au lieu d'un angle pointu. Si je clique sur ajuster la ligne en cliquant sur un point de contrôle et que je fais glisser la souris vers le haut, je vais voir que l'épaisseur de la bordure augmente. Comme vous pouvez le constater, j'ai créé une variété d'épaisseurs. Et si je clique et que je fais glisser le pointeur vers le bas, la largeur de la ligne devient plus petite et presque inexistante. Les deux dernières options ne semblent pas fonctionner avec les bordures de cadre et nous n'en avons pas vraiment besoin de toute façon. Donc, pour l'instant, je veux ajuster la forme de ce panneau tout en déplaçant ce point de contrôle ici Comme vous pouvez le voir, la ligne n'est pas parfaitement horizontale et je veux la garder horizontale. Je ne veux pas tout gâcher. Donc, ce que je vais faire, c'est ajouter un point de contrôle ici où se termine la ligne inclinée. Ensuite, je supprimerai le point de contrôle ici. Et comme vous pouvez le constater, une ligne inclinée a été créée tout en maintenant les lignes horizontales droites. Mais je vais le modifier un peu parce qu'il était trop incliné. Et je vais le mettre ici et le supprimer. Maintenant, j'ai l'habitude de faire une étape supplémentaire pour mon storyboard avec un stylo. Je fais le tour et je numérote mes panneaux parce que c'est ainsi que je les enregistre afin de pouvoir renommer mes cadres en fonction du nombre de panneaux. Et c'est aussi la façon dont je fais le suivi de mes progrès dans un document que je vous présenterai plus tard. Maintenant que j'ai numéroté mes panneaux, je vais maintenant renommer le premier cadre. Je l'ajoute et je l'appelle un. Ainsi, à partir de maintenant, chaque algèbre d'images aura un chiffre. Vous pouvez également utiliser l'outil objet pour déplacer rapidement les points de contrôle. Dans ce cas, je n'ai pas à m'inquiéter des lignes horizontales, alors je les fais glisser et j'ai ajusté ce terrain. Je continuerai à ajouter des cadres pour les autres panneaux de cette page afin de vous montrer le processus. J'ai découvert que l'utilisation de lignes inclinées pour certaines scènes leur donnait un aspect plus dynamique. Surtout si vous avez des ados Phi dans votre bande dessinée. Je trouve que cela les rend vraiment plus vivants. C'est pourquoi j'ai décidé d'opter pour une approche biaisée. Et peut-être que je vais les rendre encore plus inclinés. Pour ce panneau, j'ai décidé d'opter pour une vue complète afin que différents remplissent l'écran. Je vais l'avoir sous forme grand panneau et continuer à dessiner le personnage plus tard. Je vais probablement dessiner une plus du corps du personnage pour que ce dernier panneau numéro six soit au-dessus. De plus, pour déplacer vos panneaux, vous pouvez utiliser l' outil objet pour les déplacer. Si vous aviez du contenu dans le panneau, déplacer à l' aide de l'outil objet ne déplacera pas le contenu qu'il contient. C'est pourquoi, lorsque vous souhaitez déplacer un panneau, veillez à utiliser plutôt l'outil de déplacement afin de pouvoir déplacer le tout ensemble. Il s'agit donc de savoir comment ajouter des cadres ou des panneaux. Je vais répéter le même processus pour toutes les autres pages jusqu'à ce que tout le storyboard soit transféré dans mes fichiers de travail. Dans la prochaine leçon, nous allons ajouter des bulles vocales afin voir nos personnages enfin parler. 5. 1-3 Lettrage: Très bien, il est maintenant temps d' ajouter des bulles vocales à nos panneaux. Mais avant d'entrer dans le vif du sujet, parlons des différents types de bulles vocales. Les bulles vocales se présentent sous de nombreuses formes et variétés, et elles ont vraiment contribué à transmettre les émotions du personnage. Aidez-nous à mieux comprendre le ton de leur discours. Je vous présente ici six des principaux types de bulles vocales. La première est la plus difficile, vous pouvez dire que c'est juste qu'un cercle normal indique une parole normale. On peut donc dire qu'il est utilisé la plupart du temps. Mais pour une bulle vocale qui ressemble à un nuage, H représente les pensées intérieures du personnage. bulle de dialogue rectangulaire peut être utilisée pour intégrer l'histoire ou pour un monologue du personnage. Une bulle vocale pointue indique des cris, cris ou une voix forte en général, car le découpage d'une bulle vocale avec des lignes pointant vers le centre crée une sorte de tension pour le personnage. Et généralement, il est utilisé pour un monologue, pas pour un dialogue. Et enfin, le cloud slash devient peu sans frontières, sans limites. La bulle vocale représente une sorte de pensées noires désespoir ou de mauvaise humeur. Bien entendu, ce ne sont pas les seuls types. Il peut y avoir d'innombrables types de bulles vocales. Plus vous lisez des bandes dessinées le matin, vous êtes exposé à des choses plus intéressantes. Mais je dirais qu'ils sont bons pour un pack de démarrage. Maintenant que nous avons abordé les types, commençons et ajoutons un discours au chapitre auquel nous avons assisté. J'ai l'habitude de mettre tous les textes et lettrages dans un seul dossier pour organiser les choses. Je vais créer un nouveau dossier au-dessus de toutes les couches. Et je vais appeler ça un texto. Et sur le côté gauche, je vais passer à cet outil à boutons. Et une fois que j'ai cliqué dessus, je dirais plusieurs options. Pour chacun de ces sous-outils, il existe des paramètres sous la propriété de l'outil. Vous pouvez modifier la forme de la bulle vocale, la taille du pinceau, les couleurs par défaut et le degré pixellisation ou de souplesse que vous souhaitez donner à la bordure. Et vous pouvez même changer la forme du pinceau à partir d'ici. Il y a tellement de variétés intéressantes. Ce que je fais habituellement pour mes dialogues, j'utilise le dernier sous-outil, qui est un bouton arrondi. Je choisis une figure rectangulaire et je fais en sorte que la rondeur des coins soit de 100 %. Et j'ai défini la couleur de ma ligne pour qu'elle soit toujours noire, la couleur de remplissage pour qu' elle soit toujours blanche. À moins que je ne veuille les modifier, je le ferais manuellement. Donc, avec cette option sélectionnée, je vais commencer à dessiner la bulle vocale. Et une fois que je l'ai dessiné, je peux encore modifier les paramètres à l' aide de l'outil objet. À partir de là, je peux modifier la taille de la bordure et l'opacité du remplissage. J'ai l'habitude de régler mon opacité totale à 90  % afin qu'elle ne recouvre pas complètement l'œuvre d'art. Nous pouvons donc voir un peu en dessous. Et une fois la bulle vocale ajoutée, vous pouvez ajouter une queue de ballon. Et encore une fois, jouez avec les paramètres ici. Par exemple, je fais en sorte que le mien soit en ligne droite avec la largeur des queues réglée à 100. Mais je peux aussi utiliser une ligne descendante. Et c'est ainsi que vous pouvez créer une queue plus longue pour la bulle vocale. Ou je peux aussi utiliser une spline, qui permet de créer ces queues courbes pour les bulles vocales. Il y a aussi l'arrière de la troisième chambre ici, où vous pouvez poser des bulles de pensée à votre bulle vocale. Ou vous pouvez utiliser le stylo à ballon pour dessiner vous-même votre propre bulle de ballon. Par exemple, dans cette scène, je ne veux pas que le cercle soit parfait parce que je veux inclure un certain sentiment de peur. Ce sera donc un mobile flou. Pour mon stylo ballon, j'utilise les paramètres par défaut, sauf que je n'ai modifié que deux paramètres pour mieux correspondre à mon utilisation. Je vais vous montrer ces paramètres tout de suite. Mais d'ailleurs, vous pouvez modifier les paramètres des sous-outils en cliquant sur l' icône en forme de clé ici. Une fois que vous avez cliqué dessus, vous verrez ce menu. Il existe toutes sortes de paramètres et ceux-ci s'appliquent à chaque outil de Clip Studio Paint. Essayez donc de vous y familiariser. J'ai donc modifié la taille du pinceau Je clique sur cette flèche ici et j'ai fixé la valeur minimale de la pression du stylo à 20 ou 20, 1 %, afin d'obtenir cet effet de pression du stylo lorsque je dessine. La deuxième chose est en cours de correction. J'ai dit que le taux de stabilisation 50 %, car lorsque ce taux est faible, le tremblement de tête se fait sentir. Je n'ai donc pas toujours envie de ce look très fragile. C'est pourquoi j'ai fixé le mien à 50 %. En cliquant sur le I ici. Je l'ai activé dans l'accès rapide ici afin de pouvoir le modifier rapidement quand je le souhaite. Et vous pouvez également le faire pour n'importe quel réglage. Vous pouvez activer ou désactiver tous les paramètres que vous souhaitez avoir dans la boîte ci-dessous. J'ai changé d'avis et je vais le dessiner avec un stabilisateur inférieur pour le rendre plus fragile. Maintenant, si vous regardez le panneau des couches. Vous verrez qu'un ballon a été créé et qu'il se trouve en dehors de tous les dossiers. Je vais juste le faire glisser et le placer dans le dossier texte pour que ma bulle vocale soit bien organisée à l'intérieur. Maintenant que j'ai dessiné ma bulle vocale, je voudrais l'ajuster légèrement, comme vous pouvez le voir. Il y a quelques informations supplémentaires ici. Je vais donc revenir à l'outil de ligne approprié et je supprimerai les points supplémentaires. Les bordures des bulles vocales sont également des vecteurs et la même opération leur est appliquée. Il peut donc jouer avec notre bulle vocale et l' ajuster à notre guise pour supprimer les points de contrôle excédentaires que nous n'aimons pas. Je vais changer l'opacité à 90 % pour voir ce qu'il y a en dessous. Maintenant, une fois la bulle vocale ajoutée pour taper notre dialogue, nous allons dans l'outil de texte ici cliquons sur la bulle vocale et commençons à taper notre dialogue. Remarquez comment j'ai introduit les nouveaux mensonges qui se cachent derrière chaque mot pour qu'ils correspondent à la forme de ma bulle de discours. Je vais utiliser l'outil objet pour le faire glisser et le centrer dans la bulle vocale. Mais je voudrais introduire une remarque importante concernant le texte. Lorsque vous écrivez votre texte dans votre bulle vocale, assurez-vous qu'il suit la forme de la bulle vocale. Par exemple , si je vois les bords de mes textes, ils prennent une forme circulaire. Essayez donc toujours d'opter pour une forme circulaire. Notre forme en losange, qui commence petit par le haut, puis grossit, puis devient plus petite, ce qui rend vos bulles vocales plus agréables à regarder. Maintenant, le texte que j'ai ajouté a été immédiatement joint à la couche de bulles vocales. Cela signifie que maintenant, lorsque je les déplace, ils se trouvent sur la même couche. Il est donc si facile de modifier l'emplacement de votre bulle vocale. Maintenant, pour l'outil de texte, vous pouvez enregistrer vos paramètres et différents sous-outils afin de ne pas avoir à changer le type et la taille de votre téléphone à chaque fois et d' appliquer immédiatement les paramètres. Par exemple, j' ai un monologue ici, donc je vais simplement tout sélectionner et cliquer sur le sous-outil de monologue que j'ai créé ici. Et une fois que j'ai cliqué dessus, les effets des textes du monologue ont été appliqués. Je vais juste réduire légèrement la taille pour qu' elle corresponde à ma bulle vocale. Et je vais également le mettre en italique pour le rendre plus percutant et aussi pour indiquer qu'il s'agit d' un monologue et non d'un discours. Maintenant, comment enregistrez-vous les paramètres ? En gros, cliquez avec le bouton droit sur n'importe quel outil de texte que vous possédez , dupliquez-le et nommez-le comme vous le souhaitez Appelons-le dialogue. Et après avoir défini vos paramètres de taille de police et d'autres paramètres, cliquez sur l' icône en forme de clé ici, puis cliquez sur Enregistrer tous les paramètres par défaut. Il vous demandera sur un message du type « Puis-je remplacer les paramètres actuels ? » Juste pour cliquer, d'accord ? Et voilà. Vous pouvez très facilement y créer les paramètres par défaut de votre outil. Pour moi, j'en ai un pour le dialogue, un pour le monologue et un pour la négation. Et je pourrais en ajouter plus tard si j'y voyais une nécessité, et c'est ce que je vous conseille de faire également. Un autre conseil pratique est que vous pouvez créer une liste pour les polices de vos bandes dessinées afin ne pas avoir à parcourir toute la liste des polices disponibles sur votre PC, par exemple, ce sont toutes les polices que j'ai sur mon PC. J'ai créé cette liste de bandes dessinées qui ne contient qu'une poignée des polices que j'ai personnellement sélectionnées et que j'utilise dans ma bande dessinée. Et pour ce faire, cliquez sur cette icône en forme d'engrenage. Sur le côté gauche, sous la liste des polices, cliquez sur cette icône pour créer une nouvelle liste de polices. Donne-lui le nom que tu veux. Ensuite, en cliquant sur la liste, vous pouvez parcourir votre liste de polices et choisir celles que vous souhaitez inclure dans votre liste. Une fois que vous avez terminé, cliquez sur OK. Et lorsque vous cliquez sur la liste déroulante à côté de la police, celle-ci est ajoutée ici afin que vous puissiez accéder rapidement à vos polices. En ce qui concerne les polices que j' utilise dans mes bandes dessinées, j'utilise principalement des polices de bandes dessinées, qui sont des polices libres de droits qui peuvent être utilisées la fois pour des projets gratuits et commerciaux. Que je suis prudent et que je n'ai aucune crainte de responsabilité légale lors de l'utilisation de la police. Il en existe de nombreuses variétés et je les trouve très pratiques et expressifs dans les bandes dessinées. Mais si vous souhaitez toujours rechercher les autres polices, vous pouvez effectuer une recherche sur ce site Web, one-on-one fonts.com. Et la façon de rechercher des téléphones pouvant être utilisés des fins commerciales est de cliquer sur ce bouton ici afin que tous les résultats qui apparaissent puissent être utilisés dans des projets commerciaux. Maintenant, pourquoi est-ce que je parle de projets commerciaux ? Parce qu'il s'agit d'un gros projet que vous réalisez et que vous pourriez envisager de monétiser votre travail afin envisager de monétiser votre travail afin de rentabiliser vos efforts. Il est très important de faire preuve de prudence en ce qui concerne les droits d'auteur et d'autres choses de ce genre. Mais il existe également un site Web appelé Lambert, sur lequel ils créent des polices exclusivement pour les créateurs de bandes dessinées. Comme vous pouvez le constater, elles contiennent tellement de polices intéressantes et sont les polices par défaut qui sont, je crois, généralement utilisées dans l'industrie de la bande dessinée ce qui concerne les polices de caractères Land, mais elles soutenir les créateurs indépendants. C'est pourquoi leurs téléphones sont gratuits pour les créateurs indiens ou les créateurs personnels qui n'appartiennent pas à des entreprises ou ne travaillent pas avec des éditeurs traditionnels. Il devrait donc être acceptable d'utiliser leur téléphone. Si vous travaillez seul, leur licence vous est accordée. Très bien, revenons à notre dossier. Supposons que vous ayez une autre bulle vocale ici et que vous souhaitiez relier les deux bulles vocales afin d'obtenir une suite et une parole. Vous pouvez le faire en utilisant simplement la queue du ballon. Vous pouvez l'utiliser comme ligne droite ou polyligne, comme nous l'avons montré précédemment, ou même comme spline. Ce type de lien serait particulièrement intéressant si vous faites défiler vos discours sur la bande dessinée vers le bas afin assurer la continuité du discours. Le discours semble connecté lorsque vous faites défiler la page vers le bas. Ensuite, dans mon chapitre actuel, je n'ai pas de telles conversations, alors je les ai supprimées. Parlons de la personnalisation de la bulle vocale à l' aide de l'outil objet Vous pouvez modifier la couleur de la ligne, par exemple pour lire la couleur de fond, par exemple en noir. Pour modifier la couleur du texte. Vous pouvez le modifier en sélectionnant le texte et en modifiant la couleur. Vous pouvez donc effectuer de nombreuses personnalisations. Vous pouvez même créer un nouveau calque le découper et peut-être ajouter un dégradé. Les possibilités sont vraiment infinies. Ainsi, plus vous apprendrez d'outils et de Clip Studio Paint, plus vous pourrez créer de combinaisons créatives. Maintenant, sur cette page, j'ai deux autres bulles de discours ici. Ainsi, toute bulle vocale que j'ajouterai peut se trouver sur la même couche précédente ou sur une couche distincte. D'habitude, je garde tout sur la même couche. Et cela se fait en vous assurant que dans les paramètres du sous-outil ici, sous Comment ajouter, vous devez sélectionner une couche sélectionnée de manière à ce qu'elle se trouve sur la même couche. Sinon, si vous souhaitez que chaque bulle vocale que vous créez se trouve sur une couche distincte, choisissez Créer une nouvelle couche. Je vais le garder sur la couche sélectionnée. Et je vais ajouter d'autres bulles vocales ici et les ajuster. Pour ce personnage. J'ai décidé d' inverser la couleur de la bulle vocale pour soit noire et contour soit blanc parce que c'est un antagoniste, n est un caractère sombre, ce qui donne une impression encore plus effrayante au personnage. Même chose pour la police. J'utilise la police d'écriture effrayante pour donner cette ambiance effrayante. Une autre chose importante à noter est que vous devez décomposer vos bulles vocales en plusieurs bulles afin de ne pas en faire un gros morceau de texte. Cela ne serait pas très agréable à lire pour le lecteur. Plus les bulles de texte sont courtes, plus il sera facile pour votre lecteur de suivre le texte. Et cela donne également plus de dynamisme à votre chapitre. Enfin, parlons autres types de bulles vocales dont nous avons parlé plus tôt. Jusqu'à présent, nous n'avons traité que des formes basiques, mais parfois nous voulons utiliser d'autres types de bulles vocales, comme le panneau que j'ai ici, par exemple, le personnage élève la voix, donc j'ai besoin d'une bulle vocale pointue. Eh bien, je pourrais certainement le dessiner avec ma main avec le stylo ballon. Je n'ai pas toujours besoin de le faire car Clip Studio Paint contient de nombreux matériaux pour la création de bandes dessinées et propose une grande variété de formes de bulles vocales. Nous pouvons y accéder en accédant à de ces fenêtres ici et en cliquant dessus, vous verrez que la fenêtre des matériaux apparaîtra. Il y a toutes sortes de matériaux ici, qu'il s'agisse de pinceaux, de poses, de matériaux d'image. Nous parlerons plus en détail des autres plus tard, mais pour l'instant, dirigeons-nous directement vers les bulles vocales. Accédez donc au contenu du manga et cliquez sur la flèche à côté, puis cliquez sur le ballon. Et puis ici, vous en verrez différents types. Il y a du dialogue, il y a du sentiment, il y a de la narration. D'habitude, j'utilise les dialogues. Donc, par exemple, ici, je peux simplement faire glisser cette courbe dentelée ici. Et une fois que je le fais glisser, je ne sais pas pourquoi il passe directement dans le panneau, mais pour moi, comme je l'ai mentionné, je garde mes bulles vocales dans un dossier au-dessus de tout. Je le fais simplement glisser et je le mets ici sous le dossier texte. Et je vais le redimensionner, faire pivoter légèrement et je vais taper le discours de la même manière que nous l'avons fait tout à l'heure. Je vais changer légèrement la taille du pinceau. Et j'ai vu qu'il était préférable de rédiger le texte de cette façon. Vous pouvez placer les points d' interrogation sur une nouvelle ligne. Cela a l'air bien et transmet toujours la même signification. Disons maintenant que je veux jouer un peu avec l' épaisseur de la bordure. Eh bien, je peux le faire grâce aux points de contrôle que je vous ai montrés tout à l'heure. Il existe également cet outil appelé largeur de ligne correcte. Ici, nous avons plusieurs paramètres. Vous pouvez soit épaissir vos lignes. Ainsi, en choisissant la taille de pinceau appropriée, je peux brosser la bordure et voir comment l' épaisseur augmente. Je peux donc soit le faire, soit choisir le plus étroit. Et je peux aussi jouer avec le ratio selon lequel je voulais l' affiner ou l'épaissir. Je vais choisir le plus étroit et je vais jouer un peu avec l'épaisseur au milieu pour donner un champ de pression à ce stylo. Comme vous pouvez le constater, nous avons prononcé ce discours, mais nous allons avoir l'air plus intéressant que d' avoir simplement une épaisseur de bordure uniforme. Clip Studio Paint propose donc ces formes, mais parfois elles ne suffisent pas. L'avantage, c'est que vous pouvez télécharger de nombreuses informations à partir des ressources de Clip Studio Paint, par exemple . J'ai téléchargé ces options supplémentaires de bulles vocales et je vais vous montrer comment je les ai obtenues. Ainsi, lorsque vous êtes dans la fenêtre de votre Clip Studio, rendez-vous ici et cliquez sur les ressources de Clip Studio. Et vous pouvez rechercher ici tout ce que vous voulez, discours, bulle, par exemple, et vous pouvez maintenant voir de nombreuses options s'afficher. Ou vous pouvez simplement cliquer sur le bouton de détail ici et cliquer sur le ballon. Ensuite, vous verrez beaucoup plus d'options car vous verrez toute la catégorie des ballons. Et c'est très intéressant , plus on regarde des choses, plus on a envie de télécharger plus de choses. Ici, vous pouvez consulter ceux qui viennent d'être ajoutés ou vous pouvez consulter les plus populaires, qui sont généralement les plus téléchargés une fois. Donc, parmi les plus populaires, vous trouverez ce set Smooth Speech Bubble Flush, qui est la collection que je viens de vous montrer. Et en fait, ils sont également intéressants à utiliser. Eh bien, il y a tellement de ressources gratuites sur Clip Studio Assets. Ils ne le sont pas tous, certains sont rémunérés. Donc, si vous ne voulez voir que les résultats gratuits, encore une fois, cliquez sur le détail et cliquez sur gratuit sous le prix. De cette façon, vous n' avez pas à vérifier si chaque article est gratuit ou non. Tous les articles que nous voyons actuellement sont gratuits. Faites donc votre recherche et voyez quelles sont les choses intéressantes que vous pouvez télécharger en fonction de vos besoins. Et tout ce que vous téléchargez depuis Clip Studio Assets apparaîtra dans la section Téléchargement ici. Vous pouvez facilement faire glisser ces éléments et les déposer sur votre toile pour les ajouter. C'est donc tout pour cette leçon. Et dans la prochaine leçon, nous parlerons de l'ajout d' effets sonores à vos panneaux. 6. 1-4 SFX (effets sonores): Parlons maintenant de l'ajout d'effets sonores à nos panneaux. Les effets sonores sont considérés comme le son de la bande dessinée, puisque celle-ci n'est constituée que d'images Les effets sonores aident à transmettre l'univers de la bande dessinée au lecteur et à lui faire comprendre ce qui se passe, en ressentant atmosphère qui entoure vos personnages. On peut dire que dans les bandes dessinées, il existe deux types d'effets sonores qui peuvent être ajoutés aux panneaux. Le premier type est celui qui exprime le son de l'événement qui se produit. Le second type est celui qui exprime l'action en cours. Dans les deux cas. Ils peuvent être très utiles à ajouter et aider votre lecteur à mieux comprendre ce qui se passe dans les panneaux. Parlons donc de la façon de les ajouter. Pour organiser les choses, je garde mes effets sonores dans un dossier séparé. Je vais créer un nouveau dossier et l'appeler s f x , abréviation de sound effects. Travaillons sur ce panneau à titre d'exemple. Et sur ce panneau, j'ai l'effet sonore du pouce, qui est essentiellement un battement de cœur fort. Vous pouvez saisir l' effet sonore ou l'écrire à la main. Je vais vous montrer les deux cas. Donc, pour ce panneau, je vais taper l'effet sonore. Je vais donc prendre l'outil de texte et je vais le taper. La couche de textes a été placée dans le panneau lui-même. Je vais donc le faire glisser et le mettre dans le dossier des effets sonores. Et maintenant je vais changer la police. J'utilise généralement des capuchons d'écran Comic-Con pour mes effets sonores. Je vais en augmenter la taille. Et je vais le faire pivoter un peu. Et je vais également le mettre en italique pour le rendre plus efficace. Et je vais lui donner une couleur rouge puisque le rythme cardiaque est généralement associé à la couleur rouge. Et je vais créer un nouveau calque et le découper à l'aide de ce bouton. Sélectionnez maintenant cette zone pour que je puisse ajouter un dégradé. Je peux ajouter un dégradé d'une couleur qui correspond au rouge. Je vais essayer d'opter pour le jaune clair. Peut-être quelque chose d'un peu plus foncé et plus orangé. fait de choisir des couleurs plus proches les unes des autres sur la roue chromatique rend les effets sonores plus intéressants. Nous parlerons plus en détail des couleurs. Quand on parle de théorie des couleurs. Je vais temporairement changer l'arrière-plan en noir pour que vous puissiez voir ce qui se passe. Je vais réduire l'opacité du storyboard. Comme vous pouvez le voir, ça a déjà l'air cool. Mais je voudrais également en donner un aperçu. Je vais maintenir la touche Shift enfoncée, sélectionner les deux couches et les faire glisser vers l'icône du dossier pour les placer dans un seul dossier. Ou je peux aussi le faire à partir d'une couche, créer un dossier et insérer une couche. Alors maintenant, tout cela se trouve dans un seul dossier. Pour ajouter un contour à cet effet sous la propriété de la couche, cliquez sur ce bouton appelé effet de bordure. Ici, vous pouvez ajuster l' épaisseur de la bordure. À partir de là, vous pouvez modifier la couleur de la bordure. Si vous cliquez sur ce bouton, la couleur que vous avez déjà sélectionnée sera utilisée. Mais je pense que je vais opter pour une couleur un peu plus jaunâtre et voir à quoi ça ressemble. Peut-être quelque chose de plus clair ou peut-être quelque chose d'encore plus sombre. Essayons-le et voyons à quoi il ressemble. Oui, ça a l'air plus efficace. Maintenant, pour rendre cet effet plus spectaculaire, nous pouvons effectuer certaines transformations. Je veux vous montrer ce que nous pouvons faire avec le texte tel qu'il est. Sélectionnez le texte et accédez à cette clé ici pour les paramètres, puis accédez aux paramètres de transformation. Ici, il y a ces deux effets intéressants , à savoir le SKU. C'est parce que le texte est sur le côté horizontal. Et celui-ci est dû au fait qu'il est sur le côté vertical. Nous pouvons également le faire en passant par les poignées en cliquant sur ce menu déroulant à côté du mode et en choisissant le SKU. Maintenant, avec les poignées, vous pouvez jouer avec plus de liberté. Ce que vous pouvez également faire avec cela, c'est jouer avec la taille de la police, par exemple , commençons par big N goes small. Je vais donc augmenter légèrement la taille de ces lettres suivantes ces lettres suivantes pour chaque lettre. Et j'augmenterai la taille des manuels pour voir ce qui se passe. Augmentez ce chiffre à. Et enfin, le thé. Peut-être que tu pourrais utiliser celui-ci un peu. Déplaçons le tout vers le haut pour que nous puissions toujours voir notre dégradé. Donc ça a déjà l'air cool. J'aime bien le résultat obtenu jusqu'à présent. Mais je vais le taper à nouveau et vous montrer un autre exemple de ce que vous pouvez faire. Disons que nous avions cette couche de texte. Nous ne pouvons pas utiliser la plupart des outils de transformation pour le moment. Nous sommes très limités par les outils dont nous disposons. Donc, ce que nous pouvons faire, c'est pixelliser cela en cliquant avec le bouton droit de la souris sur la couche. Ensuite, en cliquant sur Rasterize, nous pouvons utiliser ces options de transformation intéressantes. Si vous vous en souvenez, nous les avons placés dans les paramètres de la barre de commandes dans la leçon d'introduction. Donc, par exemple, je peux utiliser l' outil de transformation gratuit en cliquant dessus ou en accédant à Modifier la transformation, transformation libre. Et je peux faire glisser les poignées et créer effets bien plus intéressants avec ces options de transformation. Je peux également changer de mode d'ici. J'ai donc la transformation gratuite que je viens de vous montrer. J'ai l'option de distorsion, qui peut peut-être fournir des fonctions un peu différentes. L'option SKU, similaire à ce que nous avons fait précédemment, est déjà disponible dans les propriétés du texte. Et puis il y a la perspective , idéale pour ajouter de la profondeur à votre effet sonore. Toutefois, la pixellisation de la couche signifie que vous ne pouvez plus modifier le texte car il s'agit désormais d'une image. prenez donc cette étape qu'après avoir finalisé l'apparence de votre effet sonore. Ce que vous pouvez également faire pour créer un effet sonore intéressant, c'est que vous pouvez taper chaque lettre sur une couche séparée. Donc, par exemple, je vais taper le même effet sonore. Avoir chaque lettre sur une couche séparée. J'écrirai la première lettre, puis je dupliquerai la couche en cliquant dessus avec le bouton droit de la souris et en cliquant sur Dupliquer. Et je vais le traîner ici. Et je lirai la prochaine lettre. Et je vais le dupliquer à nouveau. Et j'écrirai la lettre suivante. Dupliquez à nouveau. Et la dernière lettre. Maintenant, je peux facilement jouer avec le placement des lettres et les ajuster comme je le souhaite. Je vais réduire la taille du manuel afin de pouvoir les contrôler plus facilement. Donc en mettant un litre sur la laisser tomber, je donne cette sensation de tremblement. Et je peux mettre toutes les lettres dans le dossier. Et encore une fois, ajoutez-y une bordure. Et encore une fois, je peux ajouter un dégradé comme je l'ai fait avec le précédent. Je peux également jouer avec la taille de chaque lettre, son angle et sa rotation. Les possibilités sont donc vraiment infinies. Faites vraiment beaucoup d' expériences et voyez ce que vous pouvez en faire. Comme je l'ai mentionné précédemment, vous pouvez également écrire vos effets sonores à la main. Je vais donc le faire en créant une nouvelle couche vectorielle. Une couche vectorielle est essentiellement une couche qui ne perd pas sa qualité, nous utiliserons largement dans les arts au trait. Mais il est également efficace de l'utiliser dans les effets sonores. Donc, par exemple, je peux écrire cet effet sonore à la main avec ma propre écriture en utilisant simplement un pinceau très basique. Et c'est très bien. Il n'est pas nécessaire qu'il soit parfait. Il a toujours l'air cool et correspond à la scène que je veux dessiner. Et je peux toujours jouer avec elle autant que je veux. Vous pouvez également télécharger des effets sonores prêts à l'emploi à partir des ressources de Clip Studio. Certaines personnes ont téléchargé des effets sonores intéressants afin que vous puissiez les utiliser au lieu de les faire vous-même. Mais personnellement, j' aime les faire, donc cela ne me dérange pas de les faire à chaque fois. Eh bien, nous avons ajouté les effets sonores à ce stade. Nous pouvons également nous en remettre à plus tard, fois que nous aurons fini de dessiner le panneau, afin de personnaliser l'apparence et les couleurs de l'effet sonore pour qu'il corresponde mieux au panneau afin qu' il soit plus efficace. Donc, que vous souhaitiez les ajouter maintenant ou plus tard, c'est à vous de décider, mais j'espère que cette leçon vous donnera une bonne idée de la façon de jouer avec les effets sonores et de les rendre intéressants. Pour ce qui est de savoir et de quel effet sonore utiliser exactement dans votre panel, je dirais que cela vient avec l'expérience. Et plus vous lisez des bandes dessinées, plus vous pouvez capter des effets sonores ici et là. Et vous commencerez à les utiliser sans vous en rendre compte , car vous aurez maintenant une évidence Si vous avez suivi toutes les étapes dont nous avons parlé, vous devriez avoir un brouillon complet prêt à lu et donne l' impression d'être un chapitre complet. reste plus qu'à dessiner ces panneaux et à les colorier pour voir la chanson Web prendre vie. C'est pourquoi, dans la prochaine leçon, nous commencerons enfin par la phase de dessin. Nous passerons en revue les outils et techniques qui peuvent vous aider à augmenter votre vitesse d'esquisse. 7. 2-1 Techniques d'esquisse: Très bien, le moment est enfin venu de commencer à esquisser ce que je fais habituellement. Quand j'en suis à ce stade, j'ai entendu les dossiers d' effets sonores et de textes afin de voir clairement mon croquis. Et je réduis également l'opacité de la couche de storyboard. Tout ce qui me permet d'y voir clair. Je vais commencer à dessiner sur cette couche qui est déjà disponible. J'ai l'habitude de dessiner avec un pinceau personnalisé que j'ai fait moi-même, qui est essentiellement un stylo G modifié. Vous pouvez le télécharger depuis les ressources de Clip Studio. Je l'ai mis là-haut. Donc, pour contrôler la taille du pinceau, j'utilise les touches entre crochets du clavier. Le crochet d'écriture sert à augmenter la taille et le crochet gauche à la diminuer. Je n'ai pas de taille de pinceau spécifique avec laquelle je dessine. Je choisis juste tout ce qui convient à mon panel. Pendant que je dessine, mes mains restent appuyées en permanence sur le Control Z mon clavier, ce qui me permet d' annuler rapidement mes lignes si elles ne sont pas belles. Ou vous pouvez également appuyer sur ce bouton ici pour annuler. Vous pouvez également accéder à Modifier et annuler. Et si vous annulez une étape, vous pouvez la rétablir à l'aide de ce bouton ou via Modifier, ou Ctrl Y du clavier. Maintenant, dans cette étape, vous pouvez comprendre pourquoi le ne pas avoir entendu parler du brouillon aide vraiment à esquisser. Parce que cela est déjà indiqué dans le panneau. Et je n'ai pas besoin de réfléchir à ce que je dois dessiner, mais je viens juste esquisser immédiatement dessus. Cela permet également d'économiser beaucoup de temps et d'efforts. Au fur et à mesure que je dessine, je corrige les erreurs que je vois dans le brouillon afin d'obtenir un croquis plus net. Je clique sur le E pour faire apparaître l'outil d'effacement. Alors que je dessine, j'ai toujours la main sur les boutons Control Z et E. Parfois, il est utile de créer une nouvelle couche et d'esquisser certaines zones dessus. Par exemple, ici, je dessine les yeux sur une nouvelle couche afin pouvoir les positionner facilement si leur emplacement ne semble pas bon. Il est très important de retourner votre toile pendant que vous dessinez pour voir si les choses sont au bon endroit. Vous pouvez retourner le canevas soit à partir de ce bouton dans la fenêtre du navigateur, soit à partir de ce bouton que nous avons configuré dans la barre de commandes. J'opte donc généralement pour ce bouton en haut. Maintenant, en retournant ma toile, je peux voir que cet œil n'est pas à sa place. Ce que je vais faire, c'est activer l'arrière-plan du cadre ici afin de pouvoir voir mon croquis actuel sans le storyboard. Maintenant, je peux sélectionner l' œil avec l'outil Lasso déplacer avec l'outil de déplacement et le désélectionner. Lorsque je dessine, j'utilise donc beaucoup les outils de sélection. Par exemple, j'ai l'outil Lasso que je viens de vous montrer qui m'a aidé à sélectionner une certaine partie et à la déplacer avec l'outil de déplacement. J'utilise également les outils de sélection du stylo de sélection et de la gomme à effacer. Ils sont très utiles pour sélectionner rapidement des parties de vos œuvres d'art. Par exemple, je veux ajuster la joue pour la sélectionner avec le stylo de sélection, qui d'ailleurs, j' ai mis la touche S comme raccourci sur mon mot clé. Ensuite, je peux bouger légèrement la joue avec l'outil de déplacement. Mais ce que je veux faire maintenant, c'est transformer cela. Il existe donc plusieurs outils de transformation que je trouve très utiles lorsque je dessine. Je voudrais vous les présenter un par un. Le premier est l'outil Free Transform, vous pouvez afficher en cliquant sur ce bouton dont nous avons parlé plus tôt ou en cliquant sur Ctrl T sur votre clavier. Et puis maintenez le bouton de commande de votre clavier enfoncé pour l'activer rapidement. Ou en changeant le mode à partir d' ici en mode transformation libre. C'est le premier outil que je vais continuer à dessiner maintenant , puis présenter le deuxième outil. Prenez l'habitude de retourner continuellement votre toile repérer vos erreurs et de les corriger. Il est tout à fait normal de faire des erreurs lorsque vous dessinez, alors ne vous inquiétez pas. n'y a rien de mal à ça. Parlons maintenant du deuxième outil. J'ai l'impression que des proportions plus élevées sont un peu trop élevées. Dans ce cas, j'ai donc utilisé deux outils de transformation très utiles. La première est la transformation du maillage, c'est celle pour laquelle nous avons placé un bouton dans la barre de commandes. Vous pouvez également y accéder depuis la modification, la transformation, transformation du maillage. Ainsi, lorsque vous activez cet outil, tout ce que vous aviez dans votre sélection sera divisé en rectangles égaux. En faisant glisser ces points de contrôle, vous pouvez facilement transformer votre couche. Mais je vais annuler ça. Je vais fusionner les deux couches , puis réactiver la transformation du maillage. Vous pouvez augmenter le nombre de divisions en modifiant les chiffres ici. La plus difficile modifie le nombre de divisions horizontales et celle du bas modifie le nombre de divisions verticales. Mais dans mon cas, je vais les garder tels quels. Je vais m'en servir pour modifier rapidement mon croquis et le rendre un peu plus beau. Corriger rapidement les erreurs. Je continue également à retourner la toile pour assurer que tout va bien. Je vais changer la position de sa bouche pour la rendre plus intéressante. La transformation du maillage est également très utile pour ajuster la forme des yeux. Personnellement, je ne dessine pas toujours un cercle parfait tant de fois que j' ajuste les yeux avec l' outil de transformation du maillage , c'est beaucoup plus facile. Les outils de transformation sont également utiles pour ajuster la bouche. Encore une fois, la transformation du maillage est très utile. Le dernier outil de transformation très utile que je souhaite présenter est l'outil Liquify. Vous trouverez l'outil Liquify sous l'outil de flou ou de fusion. Et vous pouvez le trouver en haut, ici, appelé Liquify. Cet outil est comme un pinceau. Il est livré avec plusieurs réglages. Vous pouvez l'utiliser pour ajuster rapidement votre esquisse, par exemple, les pinceaux sont désormais réglés sur le premier réglage, qui est de pousser. En brossant ici, je peux facilement pousser les pixels et donc ajuster très facilement mon croquis. Vous pouvez jouer avec la force et la dureté. Personnellement, je le garde sur les paramètres par défaut. J'utilise parfois aussi l'extension, qui agrandit votre croquis. Et parfois j' utilise aussi l'outil à pince, qui est l'opposé de l'outil à main. Jouez donc avec l'outil Liquify et voyez comment vous pouvez ajuster votre croquis avec lui. Passons maintenant à ce panneau et parlons d'un autre outil très pratique à utiliser , le Symétrie Ruder. La règle de symétrie est idéale pour dessiner le devant de vos visages car ils sont symétriques des deux côtés. Je peux donc récupérer cette règle d'ici. Cette icône de règle sous ces outils logiciels, cliquez ici sur une règle symétrique pour dessiner le visage. Maintenant, limitez le nombre de lignes à deux, accédez à votre illustration et faites-la glisser pour configurer votre règle. Si vous souhaitez le faire pivoter légèrement et ajuster cette position, vous pouvez le faire avec l'outil objet. En cliquant dessus. Je peux le faire pivoter à partir d'ici et ajuster cette position. Je pense que c'est suffisant. D'habitude, je le règle pour qu'il traverse les nœuds de mon personnage, car c'est le point de symétrie. Maintenant, je peux facilement dessiner le visage de mon personnage sans avoir à faire deux fois l'effort. J'esquisse généralement uniquement les yeux, le visage et les oreilles tout en activant les règles de symétrie. Et parfois je dessine aussi le cou, mais dans ce cas je n'ai pas besoin du cou car il n'est pas symétrique. Ainsi, une fois que j'ai fini de dessiner la partie symétrique, je clique avec le bouton droit sur l'icône de la règle située en haut de la couche, puis je décoche la case Bien sûr, règle pour continuer à dessiner sans l' effet de la règle. Ensuite, je continue à suivre le même processus que précédemment, en effectuant des transformations , en sélectionnant des éléments et en les déplaçant en fonction de mes besoins. Et aussi en veillant à retourner la toile pour que je puisse voir si mon œuvre sort correctement. Parfois, j'ai l'impression d'avoir dessiné la tête trop grande ou trop large. Je l'ai donc sélectionné tout seul et j'utilise l' outil de transformation normal pour réduire jusqu'à ce que je trouve qu'il ressemble. D'accord. Nous avons donc terminé un autre panel. Vous pouvez également utiliser la règle de symétrie pour d'autres utilisations. Par exemple, changeons le nombre de lignes à quatre ou cinq et traçons une ligne. Vous pouvez maintenant voir que nous avons cinq lignes de symétrie. C'est très utile pour dessiner rapidement. Les motifs sont par exemple dentelle et d'autres objets de ce genre. Vous pouvez y créer tellement de choses intéressantes , si facilement. des croquis peut donc être une expérience vraiment amusante. Et avec tous ces outils que je vous ai présentés, ils rendent cette phase beaucoup plus facile, comme vous l'avez vu. Mais parfois, vous pouvez toujours avoir du mal à obtenir le bon croquis. Surtout lorsque vous avez des poses cardiaques que vous n'avez pas l'habitude de dessiner ou que vous avez du mal à imaginer à quoi elles ressemblent. Dans de tels cas, ne vous inquiétez pas trop. Recherchez simplement des références photographiques et dessinez votre pose en les regardant. Et si la photo vous appartient, il n'y a absolument aucun problème à la retracer car cela peut vous faire gagner beaucoup de temps sur le long terme. Je veux dire, dessiner des bandes dessinées n' est pas une tâche facile. C'est une tâche qui prend beaucoup de temps et d'énergie, surtout si vous êtes un créateur de publications et que vous souhaitez continuer à apporter des mises à jour en temps opportun, vous devez absolument prendre des raccourcis à cet égard. processus. Personnellement, depuis que j'ai commencé à travailler sur ma chanson Web, je me suis fixé pour devise de travailler plus intelligemment, et non plus dur. Donc, chaque fois que je peux réduire les coûts, je n'hésiterais pas à le faire. Mais ce qui vous importe le plus, c'est de présenter votre bande dessinée d'une manière claire, amusante à créer et à ne pas stresser. Ainsi, partout et à tout moment, vous pouvez utiliser ces incroyables outils fournis par la technologie et faire du dessin une expérience beaucoup plus facile que jamais. Et ne vous inquiétez pas pour vos compétences. vos compétences en dessin s'amélioreront De toute façon, vos compétences en dessin s'amélioreront naturellement avec le temps, fur et à mesure que vous dessinez votre bande dessinée. Puisque pour chaque chapitre, vous dessinez au moins 30 œuvres d'art. Vous constaterez donc qu'avec le temps, compétences en matière de dessin s'amélioreront considérablement et vos compétences générales en dessin s'amélioreront beaucoup. Mais bien sûr, il est également très important de faire de temps des séances d' entraînement au dessin gestuel. Dessiner en regardant les références photographiques. Cela peut vous aider à enrichir votre mémoire et à vous présenter un nouveau catalogue de poses qui peuvent être mémorisées dans votre esprit. Vous constaterez donc que dessiner certaines poses deviendra plus facile avec le temps. Plus tu t'entraînes. En parlant de photos et de tout le reste, je voudrais vous donner un petit conseil très utile. Lorsque vous avez fait des pauses vraiment difficiles à tracer ou que vous voulez gagner du temps, au lieu d'avoir à les deviner. Prenez simplement une photo pour votre main, copiez-collez le panneau Ontario et redimensionnez-le en fonction de la composition de votre panneau. Réduisez l'opacité, dessinez simplement dessus et gagnez beaucoup de temps au lieu d'avoir à deviner Je veux que vous sachiez que c' est parfaitement bien de le faire , parce que c'est le vôtre photo et c'est parfaitement bien. Mais vous devez faire attention, bien sûr, utiliser vos propres photos ou à utiliser des photos libres de droits d'auteur pour cela. Afin d'éviter tout problème. Si la photo est la vôtre, cela ne pose absolument aucun problème. Maintenant, je vais désactiver la photo de ma main et jouer un peu avec elle pour qu'elle ressemble à mon brouillon. Je joue également avec l' épaisseur parce que je vais l'utiliser immédiatement comme dessin au trait, car c'est un croquis épuré. Je vais également ajuster légèrement la dose avec l'outil de transformation d'image. Je ne trace pas toujours les photos de mains telles quelles. J'y apporte quelques ajustements pour qu' ils ressemblent à mon beurre artistique. Alors essaie ça. Si vous avez une photo de votre main dans votre chapitre, prenez une photo de votre main et simplifiez-vous la tâche . Et voilà. J'ai terminé ce panneau si rapidement. C'est donc tout pour cette leçon. Dans la prochaine leçon, nous parlerons de la figurine 3D Clip Studio Paint et de la façon dont nous pouvons l'utiliser pour dessiner des poses difficiles. 8. 2-2 Utiliser des figures en 3D: Parlons maintenant de l'utilisation de la figure 3D et Clip Studio Paint pour insérer la figure 3D dans votre canevas Ouvrez la fenêtre des matériaux. Cliquez sur n'importe qui, c'est bien, il suffit d'accéder à tous les matériaux. Et puis, sous 3D, passez au type de corps. Et à partir de là, vous pouvez choisir le type de corps, que vous souhaitiez un modèle masculin ou féminin. Ces quatre figurines sont livrées avec Clip Studio Paint par défaut et le reste, je les ai téléchargées ou fabriquées moi-même. Je vais prendre une figure masculine et la déposer sur la toile. Lorsque vous le déposez sur le canevas, vous verrez cette barre d'outils. À partir de ces commandes, nous pouvons rapidement ajuster la position et l' angle de caméra de la figure. Le premier bouton sur la droite indique l'appareil photo. La seconde enveloppe la caméra, et la troisième la pousse plus loin ou la rapproche de la caméra. Si votre modèle 3D contient plusieurs figures, ces trois premiers boutons contrôlent tous les objets 3D de la couche. Cependant, les cinq dernières icônes contrôlent les objets individuellement. Par exemple, si je clique dessus, je peux ajuster la position de la figure et de l'environnement. Celui-ci fait pivoter la figure dans toutes les directions. Celui-ci le fait pivoter vers la droite et vers la gauche. Et celui-ci le fait pivoter lui-même ou autour de l'axe Z. Et celui-ci contrôle sa position et la distance. Pour supprimer un modèle de votre canevas, suffit de cliquer dessus à l'aide de l'outil objet , puis de cliquer sur le bouton Supprimer de votre clavier. D'ailleurs, vous pouvez également contrôler les paramètres de l'appareil photo plus facilement et plus précisément grâce aux paramètres. Vous les avez ici dans la propriété de l'outil. Ou vous pouvez également cliquer sur le bouton de la clé, accéder à caméra et jouer avec le positionnement à l'aide des curseurs situés ici. Vous pouvez également jouer avec la position de la figurine dans l'allocation. Ainsi, vous pouvez facilement déplacer le personnage dans les directions x, y et z. D'ailleurs, si vous souhaitez que la figure soit moins décalée, accédez aux préférences et modifiez les paramètres d'affichage pour une modification trop rapide. Ça va avoir un peu moins de chance. Maintenant. Vous pouvez également modifier l' emplacement de la figure en double-cliquant dessus, puis contrôlant ces curseurs ici pour la déplacer dans les directions x, y et z. Si votre personnage flotte, vous pouvez toujours appuyer sur ce bouton pour le mettre à la terre afin qu'il soit de nouveau au niveau du sol. Vous pouvez également modifier la direction de la lumière sur la figurine en accédant à la source lumineuse. Ensuite, jouez avec l'éclairage de ce bol. Maintenant, pour changer la pose de la figure, il existe deux options. Lorsque vous êtes dans cette vue, vous pouvez vous déplacer autour de ces points de contrôle afin de pouvoir facilement ajuster la position de la pose comme vous l'aviez fait. Il suffit de faire pivoter la caméra pour voir quoi elle ressemble sous différents angles. La commande ici change la direction dans laquelle votre personnage regarde. C'est donc comme un objet que les personnages regardent. C'est le moyen le plus simple. Mais vous pouvez également opter pour la méthode la plus sophistiquée. Vous cliquez séparément sur chaque partie du corps pour les ajuster. La manière d'ajuster ce chiffre n' est pas aussi simple. Vous aurez besoin d'une certaine compréhension des muscles du corps, car la façon dont ils bougent dépend essentiellement de la façon dont les muscles se déplacent. Par exemple, pour lever le bras, vous devez lever l'épaule. Et l'abaissement de l'épaule abaisse également le bras. Ce n'est donc pas très simple. Et parfois, il peut être très frustrant de prendre la bonne pose. C'est pourquoi je vous conseille vivement d'utiliser des poses déjà réalisées, que vous pouvez trouver dans le matériel par défaut du studio Clip Studio ou télécharger davantage à partir des ressources de Clip Studio, par exemple revenons au fenêtre de matériaux que nous avions ouverte plus tôt. Sous 3D. Si vous faites défiler la page un peu vers le bas, vous verrez la pose. Et sous la pose, il y a des pauses pour tout le corps et des pauses pour les mains. Ainsi, par exemple, pour l'ensemble du corps, toutes ces pauses sont fournies par défaut avec le Clip Studio Paint pour les appliquer simplement par glisser-déposer sur votre modèle. Et vous pouvez également modifier la pose de la main en la faisant glisser et en la déposant. Si vous faites simplement glisser et déposez les deux mains, les poses seront modifiées. Mais si vous souhaitez changer spécifiquement une main , sélectionnez la main, puis faites glisser et déposez la pose. Maintenant, j'ai différentes poses pour les mains. Maintenant, appliquons cela à l'un de mes panneaux. J'ai ce panneau de mon personnage en cours d'exécution. J'ai donc consulté les ressources de Clip Studio et téléchargé ce modèle que j'ai trouvé approprié. Je vais donc accéder aux téléchargements dans les matériaux et faire glisser la pose dans mon panneau. Maintenant, je n'ai pas opté pour notre morphologie cette fois parce que oh, pose par défaut sera transformée en morphologie masculine. Je n'avais donc pas besoin de changer cela. Mais si je veux qu'un type de corps féminin soit refusé, assurez-vous d' abord de faire glisser le type de corps féminin , puis d'appliquer la pose. Je vais ajuster l' angle et la position de ce modèle 3D pour qu'ils correspondent à ceux de ma scène. Je vais jouer un peu avec elle pour lui donner la pose la plus intense que je recherche. Comme vous pouvez le constater, il est beaucoup plus facile d'ajuster votre message si vous avez une pose prête à l'emploi. Cela permet d'économiser beaucoup de temps et d'efforts. Maintenant, dans les paramètres, il y a quelque chose qui s'appelle perspective manga. Si vous l'activez, cela agrandira les objets proches de la caméra. Pour une perspective un peu exagérée, l' effet n'est pas toujours évident. Donc, pour exagérer la perspective, nous pouvons passer à la caméra, puis, sous perspective, placer ce curseur ici et l'agrandir. Maintenant, j'ai une pose plus dramatique. Maintenant, ce chiffre est trop grand pour les proportions de mon personnage. Je vais donc dessiner une figurine en 3D, réduire la hauteur de la figurine à environ 162, soit la taille proche de celle de mon personnage. Et je vais diminuer le ratio tête/corps parce que j'ai l' habitude de dessiner des têtes plus grandes. Maintenant que presque tout est prêt, je souhaite réduire l'opacité de cette figurine 3D afin de pouvoir dessiner dessus. Mais si je le réduis tel quel, l'opacité ne changera pas. Et la raison en est que, comme nous définissons les préférences, nous réglons les paramètres d'affichage pour qu'ils soient rapides. Remettez simplement cela à la normale. Et comme vous pouvez le constater, c'est transparent. Maintenant. Je peux jouer avec l' opacité autant que je veux. Maintenant que je dessine sur des figures 3D, je ne suis pas toujours exactement la figure 3D telle quelle, mais ils utilisent une combinaison de mon brouillon et de la figure pour corriger ma pose parce que je ne veux pas pour perdre l'impact et l'émotion originaux que j'ai investis dans l'ébauche afin que mon croquis n'ait pas l'air rigide. Comme vous pouvez le constater, je suis le brouillon tout en prenant des notes de la figurine 3D que j'ai. J'ai désactivé les deux de temps en temps pour vérifier comment les illustrations s'assemblent. Et bien sûr, je dois aussi retourner la toile pour voir si mon œuvre est belle. Et puis juste tout ce qui semble faux. Je vais déplacer le corps un peu vers la droite pour faire une course exagérée qui ait plus d'impact. Je ne suis pas toujours exactement la figure en 3D telle quelle parce que j'ai mon propre style artistique. Et je trouve que parfois, en suivant la figure en 3D telle quelle, mon style artistique se démarque en quelque sorte. Je l'utilise juste comme référence de base. Parfois, je le passe en revue, comme je le fais maintenant. Et d'autres fois, il suffit de le mettre sur le côté et y référer avec les yeux pendant que je fais mon croquis. Comme ce sketch est presque terminé maintenant, j'ai désactivé ou les deux. Et je vais m'efforcer de corriger les choses l'œil nu et utiliser les outils de transformation et sélection dont nous avons parlé dans la leçon précédente. Parfois, l'utilisation d'une figurine 3D ne suffit pas. Donc, dans de tels cas, c'est également une bonne idée de vous référer à des photos réelles ou d'autres bandes dessinées ou pièces d'artistes présentant pose spécifique que vous recherchez. Je vais élargir davantage cette main pour lui donner un aspect exagéré. J'adore créer des angles de caméra spectaculaires et c'est vraiment amusant de jouer avec eux. Je peux activer la figure 3D de temps en temps pour l'utiliser comme référence. Alors que j'ajuste mon croquis une dernière fois. Mais c'est quelque part où je peux le voir. Utilisez à nouveau l'outil Liquify pour effectuer des corrections rapides. Et je pense que ce sketch est prêt à être réalisé maintenant. Je vais simplement vérifier les bulles vocales pour positionner tout ce qui correspond à l'esquisse dans la composition . J'ai décidé de les retourner et d'augmenter légèrement le croquis. Oui, ce panel est maintenant considéré comme terminé. Dans la prochaine leçon, nous expliquerons comment vous pouvez personnaliser la figure en 3D, puis simplement sous forme de proportions pour correspondre aux proportions vos personnages et de votre style artistique, et l'enregistrer en tant que matériau afin de vous n'avez pas à ajuster vos paramètres à chaque fois que vous utilisez une figurine 3D. 9. 2-3 Création de figures en 3D avec des proportions d'OC: Voyons maintenant comment créer une figure en 3D et définir ses proportions de manière à ce qu'elle corresponde vraiment à votre style artistique afin de la sauvegarder et de l'enregistrer en tant que matériau sans avoir à recréez ces proportions à chaque fois. Par exemple, ici, j'ai créé une figurine en 3D qui correspond aux proportions de ma femme, Saqqarah. Et j'ai gardé sa morphologie comme matériau ici. Ainsi, chaque fois que je veux dessiner une pose pour elle, je fais simplement glisser et j'ajuste la pose. Faisons donc la personnalisation de la figure à partir de zéro pour effectuer cette étape Cela vous aiderait vraiment si vous avez un dessin avec une vue frontale de votre personnage. Dans mon cas, maintenant, je veux créer une figurine en 3D aux proportions de mon rôle principal masculin, Hideki. J'ai fait un petit croquis de lui devant vous à l' aide de la règle de symétrie dont je vous ai parlé tout à l'heure. Et j'ai fait ce croquis très rapide et approximatif. Peu importe si c'est en désordre. Tout ce qui compte dans cette partie, c'est que vous captiez leurs proportions, qui définissent l'essence de votre style artistique. Donc, ce que je vais faire, c'est choisir une couleur facile à voir. Par exemple, je vais Procreate de la couleur. Et je vais passer à cet outil ici, qui est l'outil figuratif. J'utiliserai l' outil Ellipse et je vais le configurer pour créer une ligne à partir d'ici afin de pouvoir dessiner un cercle. Je maintiens Shift et je dessine un cercle qui encapsule sa tête, car les proportions du corps sont généralement mesurées en fonction de la taille de la tête. Je vais ajuster légèrement ce cercle pour que toute la tête soit correctement encapsulée. Et je vais zoomer pour vérifier. OK, ça a l'air bien. Maintenant, je vais dupliquer ce cercle et le faire glisser vers le bas. Parce que je veux mesurer son ratio tête/corps. Ou en d'autres termes, de combien de têtes se compose sa taille ? Je vais continuer à dupliquer le cercle jusqu'à ce que je couvre tout le corps. Je vais maintenant fusionner ces couches circulaires en maintenant la touche Maj enfoncée , puis en cliquant avec le bouton droit de la souris et en fusionnant les couches sélectionnées. Et je vais créer un nouveau calque, et je choisirai une autre couleur, par exemple boucle. Et je vais revenir au même outil, mais j'utiliserai l'outil en ligne droite. Maintenant, je vais maintenir Shift enfoncé et tracer une ligne qui sépare les cercles. Je vais déplacer la ligne légèrement vers le haut pour qu'elle soit complètement entre les cercles. Et maintenant, je vais dupliquer cette ligne et avoir des lignes séparant tous les cercles que j'ai dessinés. La dernière ligne se fera jusqu'au bout de ses pieds, soit moins qu' un cercle complet. Maintenant, je vais également fusionner les couches de lignes. Renommez-les simplement pour que tout soit organisé. Des lignes et des cercles. Et la couche d'origine est Sketch. Par souci de cohérence, j'ai oublié d' ajouter une autre ligne au-dessus de sa tête. Je vais copier-coller ceci et le déplacer vers le haut ici, puis cliquer sur ce bouton pour le fusionner avec la couche de lignes. Maintenant, je vais créer une nouvelle couche juste pour griffonner dessus. Je vais donc choisir une autre couleur. Maintenant, je vais juste compter le nombre de têtes. Donc, à cette distance, il y a une tête, puis jusqu'ici il y deux têtes et une queue, voici un 345. Et enfin, on peut dire que c'est un total de six têtes. Maintenant que nous connaissons ces informations, ouvrons la fenêtre des matériaux et passons au type de carrosserie sous 3D. Et puis faisons glisser une figurine masculine en 3D, puisque le personnage est un homme ici. Maintenant, la première chose que je vais faire est d'aller dans les paramètres et de passer au dessin 3D de la figure. Et je vais régler le ratio tête/corps sur B6. Et je vais modifier la hauteur pour qu' elle corresponde à mon personnage. Juste la position. Commençons maintenant à ajuster chaque partie du corps pour qu'elle corresponde à notre style artistique. Faisons donc cela pour chaque partie du corps séparément. Commençons d'abord par la tête. Cliquez donc sur la tête ici. Et nous avons ce signe positif qui nous indique que nous pouvons bouger. Si vous le déplacez vers ce côté, le ratio horizontal augmente. Et si vous le déplacez vers ce côté , le ratio vertical augmente. Ou vous pouvez également jouer avec elle à l'aide de ces poignées ici. Je vais changer de tête pour qu'elle corresponde à la taille de mon style artistique. J'ai l'habitude de dessiner la tête plus grande que celle sur les figurines. Nous pouvons diminuer l'opacité de la figure 3D afin de voir l'esquisse située en dessous. Je vais le faire glisser un peu. Fais-le sur le visage de mon personnage. Et zoomons un peu. Je me concentre sur l' adéquation entre le menton et le haut de la tête. Et je diminue le ratio horizontal. Je pense que ça a l'air bien jusqu'à présent. Ajustons maintenant le cou. Je vais diminuer le ratio horizontal. Puisque mon personnage a le cou. Nous pouvons augmenter l' opacité de temps en temps pour vérifier ensemble. Je vais à nouveau diminuer le rapport horizontal de la tête et changer à nouveau celui du cou. D'accord ? Maintenant, les épaules feront la même chose. Je vais réduire la largeur des épaules pour qu'elle corresponde à celle de mon personnage. Et le torse. Même chose. Mais je crois que ça a déjà l'air bien. Je viens de le réduire de deux points. Même chose pour les bras. Je vais réduire un peu leur épaisseur, même s'ils ne sont pas superposés, mais je peux comparer l'épaisseur. Je pense que cette épaisseur semble bonne. C'est pour la longueur des bras. Gardez-les tels quels parce que je pense que je ne les ai pas bien compris dans mon croquis. En ce qui concerne les jambes, je trouve qu'elles sont également belles , sauf qu'il faut réduire un peu leur longueur et les faire glisser à nouveau sur le dessus. Et enfin, les pieds, je vais augmenter légèrement leur taille horizontale. C'est presque terminé. Je vais juste refaire quelques vérifications. Je pense que la longueur du cou doit vraiment être légèrement ajustée , juste un peu plus longtemps. Je vais donc mettre ce chiffre ici et je peux considérer que c'est fait. Cela ne semble pas parfaitement logique, mais ce n'est pas grave, car vous allez simplement l'utiliser comme référence et vous n' allez pas l'utiliser tel quel, comme vous l'avez vu dans la leçon précédente, nous utilisez cette figure 3D pour rendre le dessin beaucoup plus facile et plus rapide. Mais je dirais que les chiffres ne sont toujours pas très personnalisables dans ce logiciel. C'est pourquoi nous pouvons obtenir les mesures exactes de notre personnage. Mais avoir cela comme base devrait suffire et faciliter notre expérience de dessin. Conservons cela en tant que matériau. Accédez à l'outil objet. Et puis la barre d'outils ici. Cliquez sur ce bouton. Conservez la forme du corps en tant que matériau. Une fois que vous avez cliqué dessus, vous pouvez lui donner le nom que vous voulez. Je vais l'appeler Hideki. Et vous pouvez créer une photo pour cela. Si vous cliquez sur ce bouton pour sélectionner un fichier et obtenir une image d' aperçu de celui-ci. Mais je vais sauter cette étape. Et ici, vous pouvez choisir où enregistrer ce matériel. Cliquez donc sur cette flèche. Je vais l'enregistrer sous type de carrosserie 3D afin que tout soit au même endroit. Donc, une fois que j'ai cliqué sur OK, maintenant que je vais voir le matériel de mon ami, je peux voir que j'ai une nouvelle figurine Hideki 3D. Je peux donc simplement le faire glisser et lui appliquer la pose de mon choix. Ensuite, je peux simplement réduire l'opacité, créer une nouvelle couche et commencer à dessiner dessus. Je vais faire un croquis très rapide juste pour vous montrer à quel point c'est utile. Parce que j'ai besoin de moins de modifications maintenant, car toutes les proportions correspondent déjà à mon style artistique. Maintenant, voyez à quelle vitesse j'ai pu dessiner dans mon style artistique. Et j'ai juste besoin de faire quelques modifications rapides pour que tout soit beau et convaincant. Dans la prochaine leçon, nous parlerons une autre technique qui permet réellement d'accélérer la création de vos bandes dessinées, création de fiches d'actifs pour vos personnages. 10. 2-4 feuilles d'actifs: Désormais, plus vous dessinez de panneaux dans votre histoire, plus vous vous rendrez compte que certains angles de phase de vos personnages se répètent encore et encore. Ainsi, au lieu d'avoir à les dessiner à chaque fois à partir de zéro, il peut créer une feuille de ressources dans laquelle vous enregistrez ces angles répétés sous forme de plans répétés au même endroit. Ainsi, lorsque vous vous trouvez dans un angle similaire lorsque vous esquissez votre bande dessinée, vous pouvez simplement la copier-coller et l'utiliser telle quelle ou modifier légèrement notre croquis dessus. Mais cela vous ferait également gagner du temps car vous avez déjà une base. Votre processus d'esquisse prendra moins de temps. Par exemple, ici, j'ai conservé les trois photos de mon OC harm, que j'ai utilisées plus d' une fois dans la bande dessinée. Pour créer des fiches de ressources, vous n' avez pas à ouvrir un fichier et à tout dessiner, mais vous le créez au fur et à mesure avec la bande dessinée. Je ne compile ces photos qu'après avoir ressenti le besoin de les réutiliser dans l'un de mes chapitres. Cela signifie que lorsque j' ai besoin d'une photo, je la copie-colle et je la mets ici. Et pour moi, je ne copie-colle pas ce croquis, mais je copie-colle le dessin au trait. Comme vous pouvez le voir ici, les lignes sont très nettes car je viens de revenir à mes chapitres précédents, de copier le dessin au trait et de le coller. Je vais donc créer une autre feuille comme celle-ci pour mon personnage Hideki. Je vais simplement créer un nouveau fichier. Je vais l'appeler Hideki. J'opte généralement pour le format A4 avec une résolution de 350 dpi. Puis cliquez sur OK. Je vais maintenant passer à certains de mes chapitres déjà terminés et je vais copier quelques photos de Hideki, par exemple, cette vue est très courante. Je vais simplement accéder au fichier de dessin au trait, le copier-coller et le mettre ici. Je peux aussi le redimensionner car il est trop grand. Et comme il s'agit d'une couche vectorielle, mon redimensionnement n'affectera pas la qualité du dessin au trait. Je vais également copier ce panneau car je pense que cet angle serait également utile dans une autre prise de vue. Mais je ne vais pas réduire la taille celle-ci puisqu'il s'agit d'une couche raster. Nous parlerons plus en détail de ces types de couches dans la prochaine leçon. Enfin, je vais également saisir ce panneau et le copier-coller sur ma feuille de ressources. Comme j'ai une photo similaire que je souhaite dessiner sur mon chapitre actuel. Je vais donc passer à cette photo et je vais la coller. Je vais aller dans Modifier et coller à la position de Sean. Déplacez-le un peu et réduisez-le. Et il suffit de jouer avec et de le transformer légèrement pour qu'il corresponde à ma scène. J'utilise l'outil de transformation gratuit. Modifiez légèrement l'angle de la tête en montrant le menton. Et je vais retirer cette partie. Je souhaite utiliser l'outil Liquify, mais je ne peux pas l'utiliser tel quel sur la couche car il s'agit d'une couche vectorielle. Je vais donc pixelliser la couche en cliquant avec le bouton droit de la souris , puis en la pixellisant. Et maintenant je peux pincer un peu l'œil et le pousser un peu. Je vais le redessiner. Et maintenant, changez la position de l'œil et du liquide. Modifiez les sourcils. Et voilà. J'ai fini le panneau si rapidement sans avoir à le refaire à partir de zéro. C'est pourquoi je crée des fiches SS, c'est très utile et permet de gagner beaucoup de temps à long terme. Et au fait, ELLE n'est pas obligée d'être juste des croquis. Il peut également s'agir de feuilles d'acétate colorées. Par exemple, mes personnages ont des sels et ceux-ci contiennent beaucoup de détails. Donc, au lieu d'avoir à les dessiner à chaque fois à partir de zéro, je les ai simplement dessinés et coloriés pour pouvoir les copier-coller sans avoir à les dessiner à chaque fois à partir de zéro. Et je peux même en utiliser des portions et les transformer en fonction de mes besoins. Et cela ne s'applique pas seulement aux sortes ou aux armes, mais vous pouvez également le faire à tout type d'objet que vos personnages sont, qui contient des détails et qui peut prendre un certain temps à dessiner et à colorier panneau unique. Vous pouvez donc le dessiner séparément et le colorier. Et puis vous pouvez facilement l'utiliser de manière répétitive sur vos panneaux. Ou vous pouvez également utiliser des pinceaux. Pour vous montrer un exemple, mon personnage Sacramento possède un collier de perles. Le collier de perles fait partie du design des personnages capillaires. Et si je veux dessiner ce collier de perles et chaque panneau, cela me rend vraiment folle à long terme. Donc, ce que j'ai fait, c' est créer un pinceau que je peux utiliser facilement. Cela signifie que je peux donner à mon personnage autant de couches parallèles sans avoir à me soucier de cela. Il existe de nombreuses façons de fabriquer vos pinceaux. Ce que je veux vous montrer comment j'ai créé celui-ci en particulier, c'est qu'il était très facile et simple à réaliser. Ce que j'ai fait, c'est dessiner un parallèle sur une toile séparée et je l' ai coloré , puis j'ai fusionné ces couches pour que la perle soit sur une seule couche. Ensuite, je suis allée modifier le matériel du registre, puis l'image. Et je l'ai appelé collier de perles. Ensuite, je m'assure d' utiliser la forme de la pointe du pinceau et de choisir un endroit où enregistrer cette image. Je vais donc l'enregistrer sous Matériau de l'image et pinceau, puis cliquer. D'accord. Je vais maintenant passer à l'outil de déclaration, puis passer à la ligne réglementée. Vous voyez ici qu'il y a tellement de pinceaux que vous pouvez utiliser pour la décoration. Ce que j'ai fait, c'est passer au pinceau à lignes pointillées, j'ai cliqué avec le bouton droit de la souris et je l'ai dupliqué jusqu'à obtenir un collier de perles. Et puis je clique sur le bouton de la clé. Ensuite, je passe à la pointe du pinceau et je choisis le matériau, puis je clique sur ce bouton ici. Maintenant, je vais chercher l' apparent Nicholas. Juste en tapant parallèle. Je peux déjà voir toutes les perles que j'ai. Je sélectionne donc celui-ci que nous venons de sauvegarder clique dessus puis je clique sur OK. Et je l'ai trouvé. L'étape supplémentaire que j'ai faite a consisté à régler la taille du pinceau pour qu'elle soit affectée par la pression du stylo. La valeur minimale est donc 49 ou 50. Et maintenant, mon pinceau est prêt à être utilisé. C'était si simple et facile à faire. Bien entendu, la fabrication de pinceaux est un vaste monde en soi, et cela n'entre pas dans le cadre de ce cours. Mais bien sûr, vous pouvez toujours explorer et essayer différentes choses. Et si vous n'avez pas le temps d'explorer, il suffit de parcourir les ressources de Clip Studio Paint. Et vous y trouverez de nombreuses choses intéressantes à télécharger. Fabriquez des feuilles d'acide et utilisez des actifs, qu'ils soient noirs et blancs ou colorés. Vous l' apprécierez sûrement beaucoup sur le long terme. Nous avons maintenant fini de parler des techniques permettant d'augmenter la vitesse d' esquisse. À partir du prochain chapitre, nous allons donc aligner nos croquis et les colorier. Dans la prochaine leçon, nous verrons comment créer du dessin au trait pour vos panneaux. 11. 3-1 Lineart: Maintenant que nous avons terminé la phase d'esquisse, il est temps d'aligner nos panneaux. Mais avant de commencer, je voudrais expliquer la différence entre les couches vectorielles et les couches matricielles, que j'ai mentionnée à plusieurs reprises dans les leçons précédentes. Dans la fenêtre Couches, nous devons créer de nouveaux boutons de couche. L'un parle d'une nouvelle couche raster et l'autre d'une nouvelle couche vectorielle. Laissez-moi vous montrer la différence entre les deux dans un exemple. Disons que j'ai deux œuvres d'art. Celui de gauche est dessiné sur la couche raster et celui de droite est dessiné avec une couche vectorielle. Maintenant, les deux lignes fonctionnent bien à ce niveau. Ils ont l'air d'être de bonne qualité et il n'y a aucun problème. Mais le problème survient lorsque vous redimensionnez ces deux-là. Donc, par exemple si je taille les deux lignes fonctionnent correctement. Celui de droite conservera son égalité car il s'agit d'une couche vectorielle. Mais celui de gauche, comme vous pouvez le voir, a vraiment perdu de sa qualité et est devenu pixelisé. En effet, une couche raster fonctionne sur la base des pixels, tandis qu'une couche vectorielle fonctionne sur une base vectorielle, c'est un peu comme une base mathématique. C'est pourquoi, en général, je dirais qu'il vaut mieux travailler sur la couche vectorielle lorsqu'il s'agit d'arts au trait. Vector Layer est également disponible avec Clip Studio Paint avec d'autres fonctionnalités étonnantes qui simplifient la réalisation d'arts au trait, dont nous parlerons plus tard lorsque nous alignerons notre panneau. Maintenant que nous comprenons la différence entre les couches, commençons à encrer ce panneau. Je vais changer la couleur de la couche d'esquisse en cliquant sur ce bouton , puis réduire son opacité comme je l'ai fait lors de la phase d'esquisse. Et je vais créer une nouvelle couche vectorielle. Et je choisirai la couleur de mon dessin au trait pour que le style reste uniforme. J'ai utilisé la même couleur pour le dessin au trait tout au long mon histoire et je ne l'ai modifiée que pour une couleur vraiment nécessaire. Mais comme couleur de base, j'utilise une couleur violet foncé pour mes dessins au trait. En ce qui concerne le pinceau, j'ai deux pinceaux que j'utilise. Parfois, j'utilise ce stylo parfaitement travaillé, qui est le même que celui que j'ai utilisé lors de la phase d'esquisse. Parfois, j'utilise ce stylo Smooth Web Tone, qui est également un pinceau que j'ai créé. Cela dépend de mes besoins et de la vue. Ces derniers temps, j'utilise principalement le stylo Smooth Web Tune. Et je garde le stylo de travail Crisp Tone pour les scènes d'action ou les scènes qui nécessitent un peu de dureté et de lignes. Vous pouvez trouver les deux pinceaux disponibles en téléchargement sur les ressources de Clip Studio Paint. Si vous recherchez simplement mon nom cluvious, je les ai mis à disposition là-bas. Pour cette scène, j'ai donc décidé d'utiliser le Smooth Web Don't Pen. En ce qui concerne la taille du pinceau, je n'ai pas de taille de pinceau spécifique. Je le modifie simplement pour qu'il corresponde à celui de mon croquis et je l'essaie jusqu'à ce que j'aie l'impression d'avoir sélectionné une taille de pinceau appropriée. Retourner la toile est très utile lorsque vous faites du dessin au trait et que vous faites pivoter la toile. Vous pouvez faire pivoter le canevas vers la gauche et la droite grâce à ces boutons que nous avons ajoutés dans la barre de commandes. Vous pouvez également utiliser les boutons et la fenêtre du navigateur. Mais comme je vous l'ai dit, je l'ai placé ici dans la barre de commandes car cela me permet de faire pivoter mon canevas plus facilement pendant que je conduis. L'inversion de rotation de recherche est également un bouton utile pour rétablir rapidement votre vue à celle d'origine. Lorsque vous dessinez votre dessin au trait, n'appuyez pas trop fort sur votre pinceau. Cela vous obligera à trouver des lignes rigides britanniques. Gardez plutôt votre main légère. Faites le dessin au trait et plusieurs traits rapides et légers. Il est également utile de ne pas trop zoomer sur vos lignes car vous pouvez vraiment vous perdre dans les moindres détails qui n'ont pas vraiment d'importance. Fonctionne donc toujours avec un zoom arrière. Si vous devez zoomer et zoomer légèrement pour pouvoir dessiner plus facilement certaines choses, par exemple I. Zoomez lorsque vous dessinez les traits du visage. Maintenant, pour ce qui est de la taille du pinceau, je ne fais pas varier la taille du pinceau, mais je joue avec elle en appuyant sur le stylet, car les paramètres de mon pinceau sont réglés pour avoir une pression minimale de zéro. Cela signifie donc que plus j'appuie légèrement, plus la ligne est fine, plus j'appuie fort, plus la ligne est épaisse. Un conseil très important lorsque vous faites du dessin au trait est de toujours avoir le contour ou la circonférence de l'objet et la ligne épaisse. Mais tous les détails que vous mettez à l'intérieur, dessinez-les avec un pinceau plus petit. Par exemple, I. Réduisez la taille de mon pinceau pour dessiner les dents et la langue et réduisez la taille de mon pinceau. Cela ajoute une belle variété à votre dessin au trait et le rend plus intéressant et plus dynamique. Je masque la couche d'esquisse de temps en temps pour voir comment mes artistes se rapprochent et pour effectuer un zoom arrière. L'une des caractéristiques vraiment intéressantes des couches vectorielles est la facilité avec laquelle vous pouvez vous débarrasser des lignes supplémentaires à l'aide de ce que l'on appelle la gomme vectorielle. Si j'utilise la gomme vectorielle et que j'efface ces parties, elles seront immédiatement effacées car ma gomme vectorielle est configurée pour éliminer les lignes qui se croisent. problème de vecteur Clip Studio Paint présente déjà un problème de vecteur. Vous pouvez jouer avec les paramètres. J'ai réglé mes paramètres pour qu'ils soient faibles, puis je clique sur ce bouton et je fais simplement pression. Et puis assurez-vous que cette option est sélectionnée. Effacer jusqu'à l'intersection. Maintenant, venez effacer toutes les parties qui se croisent. Mais attention, vous risquez parfois de perdre certains détails importants de votre dessin au trait lorsque vous utilisez la gomme vectorielle. Donc, par exemple lorsque j'ai supprimé cette petite ligne, j'ai une épaisseur différente maintenant à cause des lignes. Je vais donc simplement annuler cela. Et si je veux m'en débarrasser, j'utiliserai simplement une gomme normale et je l'effacerai. Mais de toute façon, c'est extrême. habitude, je ne le fais pas pour mon dessin au trait sur le Web J'ai juste travaillé avec un zoom arrière et j'efface uniquement les lignes qui semblent évidentes, même avec un zoom arrière. Vous pouvez également effectuer un ombrage simple lorsque vous tracez vos lignes. C'est une belle variété pour votre dessin au trait. Quelques nuances, des zones extrêmement ombragées comme les coroners et des endroits avec teintes extrêmes sous les cheveux, des teintes extrêmes sous les cheveux, vous pouvez voir à quel point cela ajoute de la profondeur. Un autre conseil utile pour le dessin au trait est de toujours se rappeler où se trouvent vos sources de lumière. Donc, par exemple, ma source de lumière se trouvera quelque part de ce côté en haut. Je garde donc cela à l'esprit. Si j'ai une scène très éclairée, je peux modifier mon dessin au trait en réglant les lignes qui vont dans la direction de la lumière pour qu' elles soient fines et les lignes opposées à la lumière. direction pour être le bouton le plus épais de cette scène, je ne vais pas trop loin. J'ai juste des zones à l'ombre légèrement plus épaisses que celles situées dans le sens de la lumière. Remarquez comment je dessine les détails des cheveux et un pinceau plus petit. Parfois, je dessine les yeux sur une couche séparée au cas où je voudrais changer leur position plus tard ou leur apporter une transformation. Et je peux bien sûr aussi sélectionner n'importe quelle pièce que je souhaite et la transformer facilement. Sans vous soucier de cette égalité car il s'agit d'une couche vectorielle. Je fais ça parfois avec les yeux. Mais ce que je peux aussi faire, c'est augmenter la stabilisation d' ici afin que ma main soit moins affectée par les tremblements et que je puisse dessiner des courbes plus nettes. Si l' option de stabilisation n'est pas disponible ici, accédez aux paramètres et, sous correction, cliquez sur l'icône à côté de la stabilisation pour la voir. Je vais ramener la stabilisation à 11 et, soit le ciel et le tremblement de terre. Et je l'ai légèrement ajusté avec quelques autres coups. Je répète donc ces mêmes étapes encore et encore jusqu'à ce que j'aligne l'intégralité de mon œuvre d'art. Je dessine également les sourcils sur la même couche séparée que les yeux afin de pouvoir les modifier comme je le souhaite plus tard. Comme vous pouvez le constater, il est beaucoup plus facile de les modifier de cette façon que s'ils se trouvaient le même jour ou sur l'ensemble du dessin au trait. Alors que je dessine le dessin au trait, ma main est constamment appuyée sur les touches Control Z, ainsi que sur la touche EE pour faire apparaître rapidement la gomme. de tels cas, si vous ne pouvez pas effacer la ligne qui se croise, faites simplement une autre ligne plus petite et vous pouvez maintenant effacer les deux facilement. Vous pouvez également partager certaines parties sous le cou car elles sont extrêmement ombragées. Et tous les détails musculaires du corps les font croître et les rides s'amincissent. Parlons maintenant un peu fonctionnalités des couches vectorielles. Si nous utilisons l' outil objet sur une couche vectorielle, nous pouvons sélectionner séparément chaque trait que nous avons fait sur notre dessin au trait. Et en cliquant dessus, nous pouvons le faire glisser ou le redimensionner, faire pivoter ou lui appliquer des paramètres de transformation. Il y a tellement d'options. Nous pouvons également modifier la taille du pinceau pour chacun d'entre eux et changer également la couleur. Si nous avons sélectionné chacun individuellement et si rien n'est sélectionné mais que nous sommes toujours sur l'outil objet, nous changeons la couleur. Ensuite, cela change la couleur de l'ensemble. Les yeux n'ont pas changé parce que je les ai sur une couche vectorielle séparée. Vous pouvez également modifier la taille du pinceau pour tout sans rien sélectionner. Cela est parfois utile, par exemple si vous avez rendu les lignes trop épaisses et vous souhaitez les affiner. Ou au contraire, vous voulez un peu plus épais. De plus, dans l'outil objet, vous verrez les points de contrôle pour chaque ligne, comme nous l'avons fait précédemment, ainsi que les bulles et les panneaux vocaux. Vous pouvez donc modifier toutes les lignes, tous les points de contrôle. C'est utile pour corriger parfois certains traits. Par exemple, je souhaite fermer cette courbe ici. Je peux faire un autre coup pour le fermer ou sélectionner ce trait et jouer avec les points de contrôle pour le fermer facilement. Maintenant, ce sont les options de l'outil objet. Mais n'oubliez pas que nous avons d'autres options dans les bons outils de ligne. Nous avons l'option point de contrôle, dont nous avons également parlé plus tôt, pour ajouter des points de contrôle, les supprimer ou les déplacer. Je voudrais vous présenter ces autres outils vectoriels intéressants, par exemple nous avons la ligne vectorielle à pincement. Si vous l'avez sélectionné, cela peut fonctionner un peu de la même manière que l'outil Liquify. Vous pouvez pincer certains vecteurs avec, même si ce n'est pas facile à contrôler, je dirais. Mais cela permet parfois de corriger certaines courbes. Vous pouvez réduire la portée effective afin pouvoir jouer avec les zones plus petites. Vous pouvez également diminuer le niveau de pincement. Mais j'ai l'habitude de le régler au maximum et de jouer avec la gamme d' effets. Donc, par exemple, je peux facilement ajuster la courbe de ses cheveux avec cet outil. Il existe l'outil de ligne vectorielle simplifiée, qui permet de simplifier votre ligne. Je vais juste faire une petite phrase tremblante. Si l'on vérifie le nombre de points de contrôle, il y en a beaucoup maintenant. Mais si nous utilisons la ligne vectorielle simplifiée, vous pouvez voir comment elle a réellement réduit le nombre de lignes vectorielles. Cela est parfois utile pour corriger certaines lignes tremblantes. Il y a la ligne vectorielle Connect. Et je pense que celui-ci aide à relier des lignes vectorielles séparées. Par exemple, si je l'utilise sur ces mèches de cheveux, il connecte les mèches de cheveux. Et après les avoir connectés, je peux simplement ajuster les points de contrôle à l'outil objet. Il existe également la bonne largeur de ligne, ce qui est très utile. Nous en avons parlé plus tôt dans les bulles de discours. Donc, si j'utilise l'épaisseur épaissie, et donc le rapport entre l' épaisseur que je veux que mes lignes aient, je peux facilement jouer avec l' épaisseur des lignes. Et le plus étroit réduirait l' épaisseur des lignes. La largeur de mise à l'échelle augmentera la largeur du pinceau. La réduction de la largeur diminuerait la largeur du pinceau. Et pour ce qui est de la largeur fixe, je pense que vous pouvez définir la largeur de votre choix, puis passer au pinceau sur vos traits pour obtenir cette certaine largeur. Il existe également la ligne vectorielle redessinée. Si vous utilisez cet outil, vous pouvez redessiner votre ligne vectorielle et la corriger comme vous le souhaitez. Honnêtement, cet outil n'a pas été très facile à utiliser pour moi, mais il est bon à savoir, mais il y a aussi le redessiner la largeur des lignes vectorielles, que vous pouvez utiliser pour modifier facilement la largeur de vos lignes. C'est donc utile pour ajouter de l'ombrage, comme nous en avons parlé conditions d'éclairage extrêmes. Ces outils sont parfois très utiles et peuvent vous éviter de devoir redessiner toutes vos lignes. Mais honnêtement, la plupart du temps, lorsque je dessine ma musique Web, je n'utilise pas tous ces outils parce que j'ai juste besoin de tracer une ligne, ligne, une ligne sur la gauche ou sur le panneau. Il n'y a pas assez de temps à consacrer à autant de détails, mais il est bon de connaître ces outils et de les garder à l'esprit quand même. Un autre conseil important que je voudrais donner est celui qui fait les lignes. Il peut ajouter cette sensation de profondeur en jouant avec l' épaisseur, par exemple ici, cette main ici, est-elle plus proche de la caméra ? Donc, pour tout ce qui est plus proche de l'appareil photo, dessinez-le avec un pinceau plus grand pour avoir l'impression qu' il éclate et semble proche de l'appareil photo. Donc, si je fais un zoom arrière et que je désactive l'esquisse, vous pouvez voir à quel point cette variété rend le dessin au trait plus intéressant. Et puis réduisez l'épaisseur au fur et à mesure que vous vous éloignez de la caméra. C'est le contraire qui s'applique ici. Ce bras s' éloigne de la caméra. Je vais donc réduire la taille de mon pinceau au fur et à mesure que je aligne pour lui donner cette impression de profondeur. De plus, plus les objets sont proches de l'appareil photo, plus ils ont l'air épais et plus ils contiennent de détails. Et plus ils sont éloignés, de détails fins. Pour vous donner un exemple de profondeur, voici l'un des panneaux que j'ai réalisés précédemment. Comme vous pouvez le constater, le personnage qui tend le plus loin a les lignes les plus fines. L'épaisseur des lignes augmente à mesure que le personnage se rapproche de l'écran. Ce personnage a donc les lignes les plus épaisses et le plus de détails dans ses cheveux car elle est la plus proche de la caméra. Ainsi, même si ce panneau n'est pas coloré, vous pouvez toujours ressentir une sensation de profondeur rien qu'à partir des lignes elles-mêmes. Maintenant, il me reste juste un peu avant de terminer ce dessin au trait. Je vais donc l' accélérer un peu. En ce qui concerne le collier, j'ai un pinceau que j'ai téléchargé sur les actifs de Clip Studio. Utilisez-le immédiatement dès maintenant pour dessiner le collier et supprimer toutes les pièces supplémentaires. Et c'est pour le tri, je vais simplement le copier, coller depuis ma fiche d'actifs et transformer en conséquence pour qu'il corresponde à ma scène. De cette façon, je n'ai pas eu besoin de le dessiner à partir de zéro. Les lignes de ce panneau sont terminées. Parfois, si mon croquis semble généralement propre comme celui-ci, je saute complètement une phase de dessin au trait et je le nettoie un peu avec l'outil d' effacement pour gagner du temps. De plus, l'aspect dynamique des croquis rend parfois les panneaux plus intéressants. Il est donc tout à fait normal de sauter des étapes et de gagner du temps. Au fur et à mesure que je fais le ménage, je redessine les lignes qui, selon moi, doivent être retirées. Et voilà. J'ai fini le dessin au trait si rapidement parce que le croquis était net. Et maintenant, je peux immédiatement me lancer dans la coloration de ce dessin au trait. Et ne vous inquiétez pas pour la qualité, c'est tout à fait correct. La plupart du temps, vous ne pourrez pas faire la différence entre un dessin au trait en paix et une œuvre esquissée. Par exemple, ce panneau que j' ai ici est vraiment beau une fois agrandi. Il s'agissait en fait d'un croquis que j'ai immédiatement nettoyé et colorié. Vous ne verrez ces lignes esquissées que si je zoome et que je vous montre les détails de près. Mais la plupart des gens ne le verront pas de toute façon. Les tonalités Web que je lis généralement sur de petits écrans. Et la plupart de ces détails ne seront vraiment pas visibles à l'œil nu. Donc, autant que possible pour gagner du temps. Si vous trouvez que vous avez dessiné des croquis nets, nettoyez-les un peu et transformez-les également en dessin au trait. Avant de commencer à remplir les couleurs. Et dans la prochaine leçon, nous parlerons d'abord des concepts de base des couleurs et de l'harmonie des couleurs. 12. 3-2 Couleurs et harmonie des couleurs: Maintenant que nous avons terminé les esquisses et les doublures, nous allons passer aux couleurs. Mais avant cela, j'aimerais d'abord parler des couleurs en général et vous présenter les bases importantes qui vous aideront à mieux comprendre les couleurs et leur harmonie. Commençons donc par la roue chromatique ici. Vous pouvez voir comment les couleurs sont réparties de manière organisée sur la roue chromatique. Généralement, nous pouvons diviser cette roue chromatique en deux moitiés. Nous pouvons appeler les couleurs de ce côté des couleurs chaudes et les couleurs de ce côté des couleurs froides. mélanger et d'assortir des couleurs chaudes et froides dans votre illustration donne vraiment un joli contraste et rend les couleurs plus intéressantes et plus attrayantes à regarder. Nous en reparlerons plus tard. Mais en général, lorsque vous ombragez vos œuvres d'art, il est préférable d'opter pour des couleurs froides. Donc, par exemple, si votre couleur de base est le jaune, c'est une bonne idée de sauter de deux étapes et ombrer en orange au lieu de simplement utiliser une couleur plus foncée. Pour illustrer, laissez-moi vous montrer les couleurs ici. Disons que c'est le jaune. Normalement, on choisirait une couleur jaune plus foncée pour le nuancer. Comme vous pouvez le constater, cela n'a pas l'air très intéressant. Mais si nous choisissons le même jaune, ombragez-le plutôt avec de l' orange, cela donnera des couleurs plus attrayantes. Et cela s'applique à toutes les couleurs différentes, par exemple rouge ou l'orange avec le violet, le jaune, vert avec le vert pur, le vert ombré, le vert pur avec le bleu. Mais il faudrait le rendre un peu plus sombre. Vous voyez, c'est ainsi que nous pouvons trouver des combinaisons intéressantes. Quoi qu'il en soit, nous parlerons plus en détail de ces concepts plus tard, au fur et à mesure que nous opterons pour l'ombrage de nos personnages, les arrière-plans et les ajustements d'éclairage et de couleur pour nos scènes. Mais parlons de ces trois concepts importants pour comprendre les couleurs. Le premier concept est la teinte, et en gros, ce ne sont que les différentes couleurs. Par exemple, le rouge est une teinte, jaune est une teinte, le vert est une teinte, etc. Donc, en gros, en modifiant la teinte, vous changez la couleur. Le deuxième concept est celui de la saturation. Et pour le dire le plus simplement et le plus mal possible, il s'agit essentiellement de la couleur des cheveux gris. Par exemple, ici, c'est la couleur la plus saturée car c'est la couleur la plus brillante. Mais la couleur ici est le gris pur et sa saturation est la plus faible. En général, choisir des couleurs un peu moins saturées donne à votre pièce un aspect plus naturel. Ainsi, vous permettez à l'espace d'ajouter des éléments plus lumineux à votre œuvre en utilisant la couleur la plus saturée. couleurs. Enfin, la valeur, parfois appelée luminosité ou luminosité. Il s'agit essentiellement de savoir à quel point votre couleur est claire et foncée. Par exemple, ici, la couleur la plus claire est le blanc. Et puis passe au rose pour atteindre la couleur rouge, qui est la couleur de base. Et puis passe au noir, qui est la couleur la plus foncée. Cela s'applique donc à toutes les couleurs. Plus la valeur est élevée, plus la couleur est claire, la valeur est faible, plus la couleur est foncée. Sous la fenêtre des couleurs, ici. Si vous accédez à cette fenêtre, laissez-moi la faire glisser ici et l' agrandir pour que nous puissions la voir plus clairement. Ce sont donc les trois concepts dont je viens de parler. Si nous choisissons la couleur rouge, nous pouvons changer la teinte à partir d'ici, le curseur supérieur. Nous pouvons changer le L, qui est la luminosité ou la valeur d'ici. Faire glisser le pointeur vers la droite est la valeur la plus élevée et cela me donne du blanc. Faire glisser le pointeur vers la gauche est la valeur la plus faible et cela me donne du noir. En le ramenant au milieu, lui redonne la couleur que j'avais à l'origine. Le dernier curseur est le curseur de saturation. Lorsque je fais glisser le pointeur vers la gauche, la couleur devient plus grise jusqu' atteindre un gris pur à la toute fin. Si je le fais glisser vers l'arrière, ma couleur redevient saturée et redevient brillante. C'est bien de jouer et de changer rapidement de couleur à partir de ces curseurs. Ou vous pouvez également jouer avec les couleurs de la roue chromatique elle-même. Donc, en déplaçant le curseur ici, en modifiant la teinte en suivant ces deux directions ici, jouant avec la valeur. C'est donc le plus clair, qui est blanc puis passe au bleu. Et puis si je le fais glisser dans cette direction, il passe au noir, qui est la valeur la plus faible. Et la saturation peut être utilisée horizontalement. Donc, par exemple c'est le bleu le plus brillant, mais si je le fais glisser vers la gauche , la saturation change. Et comme vous pouvez le constater, la couleur va vers le gris jusqu'à ce qu'elle devienne gris pur. Au fait, j'ai réglé ma roue chromatique pour qu' elle soit triangulaire parce que je la trouvais plus utile de cette façon. Mais le logiciel est généralement livré avec une vue carrée, qui n'est pas si différente. Vous pouvez modifier la valeur ici en suivant ces instructions. Ensuite, vous modifiez plutôt la saturation verticalement. Et puis tout cela est du même noir. Je suppose. Il y a une légère différence de saturation, comme vous pouvez le voir ici. Mais je suppose que la couleur elle-même ne change pas. C'est toujours du noir pur. Quoi qu'il en soit, je passe à ce point de vue car je l'ai trouvé plus adapté à mes besoins. Vous êtes libre d'utiliser celui que vous préférez. Vous pouvez également jouer avec les couleurs et les modifier rapidement en accédant à Modifier la correction tonale, la teinte, la saturation, la luminosité. Encore une fois, ces curseurs sont identiques ceux que nous venons d'expliquer. La modification du curseur de teinte modifie la teinte de la couleur. Faites glisser le curseur de saturation vers la gauche pour rendre la couleur plus grisâtre. Et en le faisant glisser vers la droite, il devient plus clair ou moins grisâtre. Et enfin la luminosité, qui est la valeur de la luminosité ou de la luminosité. C'est un autre nom. Donc, si vous le faites glisser vers la gauche, la couleur deviendra plus foncée jusqu'à devenir noir pur. Et si vous le faites glisser vers la droite, la couleur devient plus claire jusqu'à ce qu'elle passe au blanc pur tout à droite. C'est donc un outil très pratique à afficher. Si vous souhaitez ajuster rapidement vos couleurs tout en affichant un aperçu, vous pouvez également afficher ce menu en appuyant sur Ctrl et U sur votre clavier. Enfin, ajoutons du noir à la roue chromatique pour parler de certaines combinaisons de couleurs. Pour rendre la conception de votre œuvre d'art ou de votre personnage intéressante. Il y a certaines choses que vous pouvez faire pour rendre les couleurs harmonieuses. La première chose à faire est d'utiliser des couleurs de la même teinte. Ainsi, par exemple vous pouvez donner à votre pièce un aspect harmonieux en termes de couleurs en utilisant uniquement des nuances de jaune. Nous pouvons donc choisir différentes couleurs à partir de ce jaune. Ils auraient toujours l'air bien ensemble. S'il s'agit d'une œuvre monochrome, vous savez, ces combinaisons sont appelées monochromes et vous pouvez parfaitement créer une œuvre d'art homogène et monochromatique. Eh bien, il suffit de choisir des nuances d'une teinte. Mais pour rendre votre pièce plus intéressante, il est bon de choisir des couleurs adjacentes, appelées analogues. Nous pouvons donc choisir des teintes parmi ces trois et elles seraient toujours belles. Et il en va de même pour trois couleurs analogues. Il est facile de créer une pièce intéressante en misant sur des couleurs proches les unes des autres. Je trouve cela particulièrement utile dans la conception des personnages. Par exemple, j'ai suivi ce concept. La raison pour laquelle je dessine mon personnage, c'est Saqqara. Je lui ai donc donné des cheveux bruns, qui se situent sous les couleurs orange et rouge, car le brun est essentiellement orange foncé. Et je lui ai donné une adresse rose, qui est toujours analogue à ces couleurs. Et il se situe quelque part entre le rouge et le violet. Et il en va de même pour mon personnage, le Dickey. Je lui ai donné un violet bleu ici, qui tombe sous cette couleur. Et je lui ai donné une chemise verte, qui tombe sous cette couleur. Et je lui ai donné un pantalon bleu foncé qui tombe sous cette couleur. Elles sont harmonieuses. Et en parcourant la couleur légèrement jaune va toujours bien avec le vert. ai donc choisi pour son maillot de corps. C'est ainsi que les couleurs sont harmonieuses. Mais il existe d'autres combinaisons de couleurs intéressantes, par exemple les couleurs complémentaires, qui sont les couleurs opposées les unes aux autres sur la roue chromatique, par exemple c'est généralement agréable et ombrage et éclairage. Donc, si je veux ajouter de l'éclairage, je lui donne un aspect jaunâtre. Et pour les teintes, je les fabrique en violet. Mais cela peut également s'appliquer à d'autres couleurs et pourrait également être très utile pour la conception des personnages. Par exemple , en regardant la roue chromatique, je peux voir que l'orange est l' opposé du bleu. Je peux donc créer un design de personnage intéressant basé sur ces deux couleurs. De plus, l'orange rougeâtre fonctionne avec le vert et le violet avec le jaune et le vert. Vous pouvez bien sûr jouer avec les couleurs, les valeurs et la saturation pour les rendre plus harmonieuses. Et il y a aussi la combinaison de triades, qui forme une telle combinaison sur la roue chromatique. Ainsi, par exemple, le jaune se marie parfaitement avec le rouge et le bleu, qui sont essentiellement les couleurs primaires. Mais l'orange irait aussi bien avec le violet et le vert. Ce n'est pas ma combinaison préférée, mais elle fonctionne toujours. Par exemple, le violet fonctionne avec le vert et fonctionne avec le jaune. C'est donc une autre méthode pour obtenir des couleurs harmonieuses. Il existe bien sûr d' autres combinaisons que vous pouvez dessiner à partir de la roue chromatique. Mais je pense que ceux que nous avons abordés sont vraiment les plus importants les plus susceptibles de vous être utiles et aussi les plus faciles à contrôler. Honnêtement, le monde des couleurs est incroyable. Et de temps en temps, avec l'expérimentation et la pratique, vous découvrirez tant de choses intéressantes que vous pouvez en faire. Et j'espère que dans ce cours, nous passerons en revue quelques-unes de ces choses intéressantes que vous pouvez faire. Au cours de la prochaine leçon, nous commencerons par renseigner les couleurs de base ou plates de nos personnages. 13. 3-3 Couleurs plates: Très bien, nous sommes maintenant prêts à définir les couleurs de base de notre panneau. Tout d'abord, je vais sélectionner toutes les couches de dessin au trait et les faire glisser vers l'icône du dossier pour les placer dans un seul dossier. Ou je peux également accéder à la couche, à la création d'un dossier et à la couche de départ. Ou je peux aussi le faire en cliquant avec le bouton droit de la souris et en sélectionnant Créer un dossier et insérer une couche. De cette façon, tous mes dessins au trait se trouvent dans un seul groupe. Donc, pour remplir rapidement les couleurs de base, je vais appuyer sur ce bouton ici, définir comme couche de référence pour l'ensemble du groupe. couche I de référence est essentiellement la couche à laquelle mes outils feront référence lorsque je les utiliserai. Maintenant, je vais créer une nouvelle couche et accéder à l'outil de remplissage. Il y a cet outil incroyable que j'ai téléchargé à partir des ressources de Clip Studio, que vous pouvez trouver ici. Je mettrai le lien pour vous dans les notes de cours. Donc, une fois que vous avez téléchargé cet outil, choisissez la couleur de votre choix. J'opte généralement pour la couleur grise. Et ce que je vais faire, c'est entourer le personnage pour remplir sa silhouette. Une fois que je l'ai fait, tout mon personnage est rempli. J'ai trouvé que cette méthode était la plus simple pour séparer caractères et savoir exactement combien d'espace ils occupent, surtout lorsque vous avez un arrière-plan. Remplir la silhouette du personnage vous permet vraiment de remplir facilement les couleurs plates. Contrairement à si vous les remplissez un par un avec l'outil à seau normal. Une fois que vous aurez renseigné la silhouette de votre personnage, vous remarquerez que certaines parties doivent être remplies et d'autres doivent être effacées. Commençons donc par effacer les parties supplémentaires. Je vais opter pour l' outil de sélection automatique ou l'outil Magic One. Et vous trouverez trois sous-outils ici. Mais nous devons utiliser celui-ci, renvoyer d'autres couches à sélectionner afin de pouvoir faire notre sélection tout en restant sur la couche de silhouette elle-même. Donc, cet outil, je l'ai conservé sur ses paramètres par défaut, à l' exception de la mise à l'échelle de la zone. Je l'ai mis à huit. Je vais donc sélectionner cette partie supplémentaire que je souhaite supprimer. En cliquant dessus. Je l'ai sélectionné et je peux cliquer sur ce bouton pour le supprimer ou appuyer sur le bouton Supprimer du clavier, ou accéder à Modifier Supprimer. Une fois que j'aurai terminé, j'appuierai sur ce bouton pour désélectionner. Je peux également utiliser la gomme pour effacer certaines parties que je ne veux pas. Maintenant, cette partie n'a pas été sélectionnée avec la silhouette. Et la raison en est qu' il y a une ouverture. Il peut donc fermer le dessin au trait lui-même ou vous pouvez le fermer avec un pinceau. Je vais utiliser le même stylo net Web Two dont je vous ai parlé tout à l'heure. Et j'ai comblé l'écart. Maintenant, je peux revenir à mon outil de remplissage et le sélectionner à nouveau. Et maintenant c'est plein. En zoomant, je pourrais trouver des zones qui ne me semblent pas correctes. Je vais donc simplement effacer ces parties et réparer ce que je peux. Encore une fois, ne vous inquiétez pas trop pour ces petits détails car la plupart des gens ne pourront pas les voir de toute façon. Ainsi, nous avons facilement comblé la silhouette du personnage. Je vais maintenant créer un nouveau calque et attacher au calque de silhouette. Une couche est découpée. En gros, tout ce qui se trouve sur cette couche se trouvera à l'intérieur de notre couche de base, par exemple cette couche est découpée de manière à ne pas traverser la zone définie par ma couche de silhouette. Mais si je retire le découpage, je peux voir la couche complète. C'est pourquoi le découpage de la couche aide vraiment à colorer dans les limites. Maintenant, je vais commencer à remplir les couleurs. Je suis d'abord pleine et la peau parce qu'elle se trouve en dessous de tout. la peau, j'utilise simplement le CRISPR, n'utilise pas de stylo pour les remplir. Maintenant, je vais créer une nouvelle couche de clips et je veux colorer les cheveux cette fois. Je vais revenir au même outil de remplissage et choisir la couleur des cheveux. Ensuite, utilisez à nouveau l'outil complet en sélectionnant uniquement les cheveux à collecter. Maintenant, si nous zoomons, cela a fait un excellent travail, sauf que nous devons réparer certaines pièces. Je vais colorier cette partie avec le stylo Chris Webb Tone. Et j'utiliserai l'outil Magic One pour sélectionner les zones qui ne doivent pas être colorées afin de les effacer. Et maintenant je clique sur Supprimer. Si je retire le dessin au trait, vous pouvez voir que l'outil a également coloré l'œil. Je vais donc réactiver le dessin au trait et effacer tout ce qui peut être visible parce que je m'en fous du reste. Et effacez également les coins coupés. L'outil et la réparation de tout ce qui a été effacé. La plupart du temps, je garde les cheveux comme couche supérieure de toutes les couches de couleur plates. C'est pourquoi je vais créer une nouvelle couche en dessous. Et sur cette couche, je vais colorer les yeux et la bouche. Je les colore tous les deux sur la même couche pour me permettre de savoir facilement où tout se trouve, car c'est comme un système que je suit pour tous les personnages. Habituellement, lorsque je fais des illustrations, je renomme chaque couche, par exemple appellerais cette couche cheveux, puis cette couche visage et cette couche peau. Mais depuis que j'ai commencé à dessiner avec de la musique, car chaque panneau comporte de nombreuses couches. J'ai simplement arrêté de les nommer et j'ai commencé à suivre ce système afin de pouvoir reconnaître rapidement quelles sont mes couches. Revenons maintenant à la couche faciale. Je veux colorer les dents et l'arrière de la bouche. Je vais revenir à la couche de remplissage, mais je vais choisir l'outil Autres couches, qui est fourni par défaut avec Clip Studio Paint. Et je vais choisir la couleur, par exemple pour le dos de la bouche et je vais la remplir pour la colorer. Maintenant, avant de continuer à parler, je voulais juste parler un peu de l'outil de remplissage. J'ai également laissé tous les paramètres tels qu'ils étaient par défaut, à l' exception de la mise à l'échelle de la surface, de la destruction des zones pour l'outil de remplissage, je l'ai mis à 20 %, ce qui est la valeur maximale. Et je l'ai placé au pixel le plus foncé. Je ne me souviens pas lequel était le paramètre par défaut, mais ce sont mes paramètres. Et je veux te montrer la différence. Si je désactive la mise à l'échelle de la zone et que je remplis à nouveau cette zone, vous pouvez constater en zoomant que la couleur de remplissage n'est pas vraiment colorée sous notre dessin au trait. C'est pourquoi certains pixels transparents peuvent ne pas sembler si apparents, mais parfois, cela peut vraiment nuire à la qualité de votre illustration lorsque vous la redimensionnez ou que vous la dézoomez. C'est pourquoi l'activation des zones, Kelvin est très importante pour moi dans les outils de terrain et a amélioré mon expérience globale du coloriage et de Clip Studio Paint. Je vais donc me remplir la bouche. Et maintenant, vous pouvez voir que je n' ai pas de pixels blancs, ce sont des pixels non colorés. Maintenant, je vais juste utiliser mon stylo pour colorier cette partie supplémentaire. Et je vais aussi colorer les dents. De la même manière, en remplissant et fixant avec le stylo au cas où quelque chose aurait besoin d'être réparé. Je vais maintenant créer une nouvelle couche sous le visage. Et en utilisant une couleur blanche. Le blanc des yeux est la partie blanche de l'œil. Tout d'abord, je dessine simplement une circonférence. Une fois que cela sera décidé. Ensuite, je reviens au même outil de remplissage le sélectionne et je remplis. Sélectionnez, remplissez et effacez toutes les parties supplémentaires qui ont été colorées. Ensuite, je vais colorier sa chemise. Je vais donc créer une nouvelle couche. Et colorie aussi la chemise de la même manière. Colorez les parties manquantes et effacez les éventuels extras. Je vais créer une autre couche sous sa chemise car il a une autre de couleur jaune en dessous. Je vais donc le sentir sur une autre couche. Je vais revenir à la couche de chemise verte et utiliser l'outil Refer Other Layers bucket pour remplir cette partie de sa chemise. Mais le fait de dépendre de l'épée me gêne et cela ne me permet pas de la colorier correctement. Je vais donc retourner à mon dossier de référence, et je désactiverai l'épée et le collier. Et je vais le colorier à nouveau. Alors maintenant je pourrais le colorier facilement. Mais comme vous pouvez le voir, il y a quelques parties vertes sous le collier car il se trouvait également dans la couche de référence lorsque je colore la chemise. Je peux donc simplement les effacer même s'ils ne sont pas vraiment visibles. Mais parfois, il est bon de tout nettoyer. J'ai oublié cette autre partie de la chemise jaune. Maintenant, réparez cette chemise d'ici. Enfin, je vais créer une nouvelle couche sous tout sauf au-dessus de la peau. Et de la couleur. Cela dépend. Également sur la même couche. Je vais colorier la montre. Maintenant, toutes les couleurs plates du personnage sont remplies. Mais je voudrais vous parler de cette partie. Il m'a donc été très rapide de renseigner les couleurs de base du personnage car toutes les couleurs sont enregistrées ici dans ma palette ou mon jeu de couleurs. Je vous conseille également vivement de faire une telle liste pour vos personnages, car cela vous fera gagner beaucoup de temps et vous n'aurez pas à revenir votre feuille de personnage ou d'autres panneaux pour faire référence aux couleurs. Pour ce faire, les ensembles de couleurs sont généralement fournis avec cet aperçu, le jeu de couleurs standard et le nôtre avec toutes les autres fenêtres colorées. Trouvez cette fenêtre de jeu de couleurs et faites-la glisser pour moi. Je l'ai fait glisser et je l' ai placé sous le navigateur ce côté pour un accès facile. Et si vous ne le trouvez nulle part, accédez au jeu de couleurs de la fenêtre. En tout cas. Donc, pour créer un nouveau jeu de couleurs pour vous-même, cliquez sur l'icône en forme de clé, puis sur Créer un nouvel ensemble. Et appelle-le comme tu veux. Je vais l'appeler web tone juste pour les besoins de cette leçon. Cliquez ensuite sur OK. Vous verrez donc que vous avez maintenant un nouveau jeu de couleurs avec votre Dropbox. Ensuite, votre jeu de couleurs sera livré par défaut avec des couleurs transparentes. Ce sont donc toutes des couleurs transparentes. Et d'ailleurs, les couleurs transparentes ressemblent essentiellement à une gomme, qui se trouve également ici. Si vous voyez, j'ai la couleur de premier plan et la couleur d'arrière-plan, et j'ai sélectionné ces couleurs transparentes. Donc, si je l'ai sélectionné et que je l'utilise sur les cheveux, par exemple, cela fonctionne exactement comme une gomme à effacer. Cette couleur transparente est donc très pratique car elle transforme n'importe quel pinceau en gomme. Mais de toute façon, votre ensemble sera livré avec des couleurs transparentes. Et pour ajouter vos couleurs, cliquez avec le bouton droit de la souris. Et vous pouvez soit ajouter de la couleur, ce qui ajoutera une nouvelle couleur et fera avancer les choses. Vous pouvez cliquer avec le bouton droit sur la couleur pour la supprimer. Ou au lieu d'ajouter de la couleur, vous pouvez également cliquer avec le bouton droit de la souris et remplacer la couleur afin que rien ne soit poussé. La façon dont j'ai construit mon jeu de couleurs consiste à ajouter pour chaque personnage la couleur de peau, la couleur d'ombrage de la peau plutôt que la couleur des cheveux et les couleurs d'ombrage des cheveux. Les cheveux mettent en valeur les couleurs plutôt que les couleurs des yeux, les couleurs de la bouche, les couleurs de leur chemise, etc. Et j'ai placé un séparateur de couleur transparente entre chaque caractère pour qu'il soit plus facile de distinguer les couleurs. Ou je peux également sélectionner la couleur transparente et ajouter d'autres couleurs. De cette façon, je peux séparer mes personnages par des lignes. Ces couleurs sont donc pour un personnage et ces couleurs pour un autre. Et ajoutez des couleurs plus transparentes pour séparer les autres caractères, etc. C'est à vous de disposer les couleurs comme vous le souhaitez. Au fait, il y a aussi une chose dont je voudrais parler. Disons que mon personnage portait une chemise rayée. Et je veux dessiner les rayures sur sa chemise sans en franchir les limites. Le moyen le plus simple et le plus simple de le faire est d'accéder à la couche de chemise, qui est celle-ci, et de cliquer sur ce bouton pour verrouiller les pixels transparents. La couche est maintenant verrouillée. Ainsi, tout ce que je dessine dessus restera dans ses limites. C'est très similaire au fonctionnement des Clip Layers, sauf que vous pouvez dessiner sur le calque lui-même sans en franchir la limite. C'est le moyen le plus rapide d'ajouter détails à votre personnage. Enfin, je voudrais parler des panels de groupe. Si vous avez plusieurs personnages dans un panneau, vous pouvez séparer leurs silhouettes, chacune d'elle. Mais pour être honnête, j'ai découvert que cela prend plus de temps pour remplir les couleurs plates. J'ai donc commencé à remplir tous les personnages, les silhouettes sur une couche, puis à colorier leur peau sur une couche et à colorer tous les autres détails autant que possible sur une seule couche. J'ai découvert que cette méthode prend beaucoup plus de temps lorsqu'il s'agit de panels de groupe. C'est donc une bonne chose à garder à l'esprit. Maintenant que nous avons fini de lier les couleurs de base, dans la prochaine leçon, nous parlerons de la coloration des cheveux et des yeux et de la façon préparer tout le reste pour ombrer le personnage. 14. 3-4 Coloriage des cheveux et des yeux: Parlons maintenant de la partie amusante, coloration des yeux et des cheveux. Donc, pour colorer les yeux, il existe d'innombrables façons de les colorer, et chaque artiste a son propre style. C'est donc à vous de décider comment vous voulez les colorer. Mais je dirais d'essayer de rester aussi simple que possible et de suivre des étapes prédéterminées pour les colorer. Je vais vous montrer comment j'ai coloré les yeux et ma bande dessinée. Et vous voudrez peut-être appliquer la même chose, ou vous pourriez vous en inspirer pour créer votre propre style. J'ai donc choisi ce panel pour vous l' expliquer de manière claire. Ce que je vais d'abord faire, c'est verrouiller la couche à travers les pixels transparents de verrouillage. Et je choisirai une couleur plus foncée que la couleur de base. Et je vais colorier la partie supérieure de l'œil d'une manière incurvée pour indiquer la rondeur de l'œil. Au fait, pour cette étape, j'utilise toujours le net Web, deux au stylo, pour savoir quelles tonalités pour gagner du temps, vous pouvez laisser les yeux tels et ne finaliser qu' en créant une nouvelle couche par-dessus la couche de dessin au trait et avec une couleur blanche. Juste pour ajouter le reflet de la lumière sur l'œil, vous pourriez en avoir un ou deux. D'habitude, j'opte pour un gros modèle 1.1 de forme ovale. Pour moi, j'aime donner un peu plus de profondeur aux yeux de mon personnage. Je suis juste une autre couleur plus foncée. Je vais cacher les reflets lumineux un peu pour vous les montrer. La couleur la plus foncée. J'ombrage la partie supérieure de l'œil, puis je dessine une pupille. Ensuite, avec un pinceau de petite taille, je fais simplement ce genre de rayures pour définir la partie ombragée de l'œil avec la partie non ombrée de l'œil. Et je prends la même couleur que celle que j'ai utilisée dans la première partie. Avec un pinceau plus fin. J'ajoute ces traits pour donner plus de détails à l'œil. Enfin, je choisis une couleur plus claire. Avec un gros pinceau. J'ajoute des reflets au bas de l'œil. Voici donc mes étapes pour colorer la couleur de base de l'œil. Vous pouvez également aller un peu plus loin et ajouter une réflexion de lumière, par exemple en utilisant une couleur rose avec l'aérographe. Je vais passer à l'outil aérographe et je choisirai l'aérographe souple. Ensuite, je peux simplement brosser un peu le dessus avec une couleur rose ou bleue. Mais c'est une étape supplémentaire si vous voulez rendre les yeux plus brillants. Quoi qu'il en soit, je vais réactiver la couche de réflexion de la lumière. Maintenant, je vais colorier un peu le dessin au trait pour rendre l' œil plus intéressant. Je vais donc accéder à la couche de dessin au trait et la verrouiller. Et ce que je vais faire, c'est choisir la couleur de cette base Eichler. Je choisis rapidement les couleurs en appuyant sur le bouton alt puis en cliquant sur la couleur que j'ai choisie. Toujours à l'aide d'un aérographe doux, appliquez un aérographe léger sur cette face inférieure de l'œil. Pour le rendre plus doux. La face supérieure également. Je vais choisir la couleur foncée et aérographe pour que tout soit londonien. J'utilise également une sorte de couleur rouge rosâtre vif. Et avec l'aérographe, j'aérographe la taille des yeux. Je trouve que cela les rend plus intéressants. Enfin, sous l'œil, je vais créer une couche pour le blanc des yeux, comme nous l'avons fait dans la dernière leçon. Mais recommençons pour ce panel. La dernière étape que je vais faire pour les yeux est de verrouiller cette couche et de choisir une couleur bleu grisâtre. Et puis, avec l'outil à lignes nettes, je vais simplement masquer l' œil par le haut. Je l'ai donc fait avec un stylo Web Two net, mais parfois je le fais aussi avec un aérographe. Mais je modifie un peu les réglages de l'aérographe. J'ai donc dit la dureté à quelque part par ici ou ici pour la rendre plus difficile. Et puis aérographe pour donner à l'œil un aspect plus doux. C'est tout pour colorer les yeux. Mais dans ce panel en particulier, et dans la plupart des panels et dans mon chapitre actuel, les personnages ont de fortes réactions émotionnelles. Alors, quand ils ont une réaction aussi forte, ne colorez pas les yeux comme je le fais ici. Mais je ne laisse les yeux qu'à la pupille. Et peut-être un léger dégradé sur les couleurs de base de l'œil qui donne aux personnages un aspect choquant et rend la scène plus intense. C'est pourquoi, dans mon panneau, les yeux sont également petits car le personnage est sous le choc. Donc, ce que je vais faire pour ses yeux, c'est juste ajouter une pupille. C'était la couleur la plus foncée de mes calottes glaciaires. Et je peux aussi utiliser la teinte plus claire. Et lorsque la sonnerie de l' aérographe redevient douce, il suffit de légèrement aérographier le haut des yeux pour lui donner un aspect plus doux. Je façonnerai également les yeux avec la même couleur gris bleuté. Passons maintenant aux cheveux. À ce stade, je ne masque pas vraiment les traits de la plupart de mes personnages, car je le ferai à l'étape suivante, que je vous montrerai dans la prochaine leçon. Mais dans cette étape, je dois juste préparer toutes ces couleurs de base pour qu' elles soient plus intéressantes lorsque j'y ajouterai les formes plus tard. Ce que je veux dire par Prepared, c'est appliquer un léger aérographe sur le personnage pour rendre les couleurs plates moins plates et leur ajouter une sorte de dégradé. Donc, ce que je vais faire, c'est sélectionner l'outil d'aérographe, le régler sur la dureté la plus douce et augmenter sa taille. Et je choisirai la couleur de la forme des cheveux de mon personnage. Et pendant que je regarde la couche, je passe probablement à l'aérographe le bas des cheveux de mon personnage. Pour lui donner un aspect dégradé. Sur la face supérieure, je vais choisir la couleur des reflets et légèrement aérographier. Comme vous pouvez le constater, les cheveux ont maintenant plus de dimension. Pour un personnage aux cheveux noirs. Je fais un pas de plus et choisis une couleur orangée ou rosâtre, une couleur claire un peu plus foncée que la peau. Et l'aérographe brosse les cheveux qui se trouvent sur le dessus du visage. Cela donne aux cheveux l' impression qu'ils se décolorent et que la peau se trouve en dessous. Je peux faire une étape supplémentaire et utiliser la couleur d'ombrage des cheveux et simplement colorer les cheveux qui se trouvent à l'arrière pour les pousser vers l'arrière et leur donner plus de profondeur. Alors maintenant, avec cette simple étape, ces cheveux plus foncés ont l' impression d'être sur le dos. Et cette montre plus lumineuse donne l' impression d'être sur le devant. Et maintenant, je vais également opter pour la peau, verrouiller la couche et choisir la couleur d'ombrage de la peau. Et aussi avec l'aérographe. Appliquez légèrement un aérographe sur les bords du visage. Pour éviter ce type d'aérographe, par exemple lorsque les bords se chevauchent. Je peux simplement utiliser l'outil de sélection automatique ou la baguette magique et sélectionner la partie que je souhaite tout en m' assurant que ma couche de dessin au trait est définie comme couche de référence. Et maintenant, je peux me brosser à l'air libre sans m'embêter le visage. J'aérographe aussi un peu autour du nez et un peu autour des joues, parfois. Un aérographe, le reste de la peau. Je peux également faire la moyenne de tous les autres vêtements. Parfois je le fais et parfois je l'ignore. Mais faisons-le pour la scène. Pour les deux chemises. Airbrush, aussi pour les pantalons. Je vais faire de l'aérographe Nike. C'est donc tout pour cette étape. Nous n'avons pas encore ajouté d'ombres majeures, car dans la prochaine leçon, nous procéderons à l' ombrage de tous les personnages en une seule étape. 15. 3-5 Ombrage rapide: Nous pouvons maintenant commencer à ajouter des nuances à nos personnages. Pour cette étape, la première chose que je fais est de sélectionner toutes les couches dont je dispose jusqu'à présent, du dessin au trait du personnage à la silhouette. Sélectionnez tout et mettez-les dans un seul dossier. Ensuite, je vais créer une nouvelle couche et la clipser dans le dossier. Et je vais changer le mode de couche pour multiplier. Et je choisis généralement une couleur violet pâle. Et avec le stylo Chris Webb Don't Pen, je peux facilement colorer tous mes personnages à la fois sur une seule couche. Maintenant, pour ce panneau, je vais activer l' arrière-plan que j'ai déjà préparé, juste pour vérifier l' équilibre général des couleurs et pour me souvenir de la direction de la source lumineuse. Jusqu'à présent, mon panneau, la source de lumière est en haut. Ainsi, toutes les formes apparaîtront en bas du personnage. Maintenant, en ce qui concerne l'ombrage, j'ai découvert que tout d'abord, bloquer les principales zones ombrées juste à peu près pour voir l'équilibre général des nuances est très utile et vous aide à mieux placer vos teintes avant se laisser emporter par les petits détails et les grandes feuilles brutes. Ensuite, j'ajusterai chacun d'entre eux. Puisque le collier saute, il y aurait une petite distance entre l'objet et la forme. Maintenant que j'ai verrouillé les ombres principales, que j' ajuste chaque partie séparément, que je nettoie les nuances, que j'ajoute plus de détails et que je les affine. Donc, pour cela, je vais ouvrir le groupe qui contient toutes mes couches. Ensuite, j'appuierai sur la touche Ctrl de mon clavier. Tout en maintenant la touche Ctrl enfoncée, je vais cliquer sur la couche capillaire. Ce faisant, je n'ai sélectionné que la couche capillaire et je peux teinter et effacer autant que je le souhaite sans affecter tout ce qui se trouve en dehors de la limite des cheveux. Vous pouvez également créer une sélection à partir de la couche en cliquant avec le bouton droit sur la miniature de la couche et en accédant à Sélection à partir de la couche créer une sélection. Je vais zoomer et commencer à ajuster ces feuilles. Pour cette étape, j'utilise le stylo Crisp Web Tone et la gomme à effacer pour fixer les feuilles. Si vous voulez travailler tout en zoomant. Mais je veux aussi voir comment les panélistes se réunissent sans zoomer et dézoomer continuellement. Il vous suffit ensuite d'ajouter une autre vue. Vous pouvez le faire en accédant à Fenêtre, Canvas, nouvelle fenêtre. Et maintenant, vous pouvez faire glisser cette nouvelle fenêtre d'affichage, qui est essentiellement une copie de celle-ci. Mais vous pouvez avoir des points de vue différents. Ainsi, lorsque vous le faites glisser, vous pouvez simplement ajuster la vue afin de voir l'image complète lorsque vous ajustez vos nuances. Vous pouvez également faire pivoter la toile pour ajuster facilement la forme, en particulier pour les zones courbes comme les cheveux. Retourner la toile permet également de colorier plus facilement. Je m'en tiens généralement aux teintes en forme de cœur ou à l' ombrage cellulaire sur les panneaux blancs. Mais parfois, j'aime brouiller un peu les choses ou les mélanger. Et l'outil que j'utilise pour cela est cet outil d'aquarelle que j'ai téléchargé depuis les ressources de Clip Studio. J'utilise donc parfois cet outil pour estomper légèrement certains bords de mes teintes et rendre les choses un peu plus lisses. J'utilise également cet outil de pinceau latéral que j'ai également téléchargé sur les acides Clip Studio pour ajouter les gribouillis qui suivent la rondeur de la tête. Juste pour moi d' ajouter plus de détails aux cheveux et de les rendre plus intéressants. Maintenant que les cheveux sont cuits, je veux commencer à colorer cette peau. Mais si je sélectionne simplement la couleur de la peau dans sa couche, je verrai que la sélection ne convient pas à la peau, parce que je colore la peau à la main avec un pinceau afin qu'elle coule sous tout . Donc, pour ne sélectionner que la peau, je dois simplement revenir à la sélection des cheveux et cliquer sur ce bouton pour inverser la zone sélectionnée. Maintenant, la sélection est inversée et tout est sélectionné sauf les cheveux. Je peux donc facilement ajuster les formes de la peau sans craindre que cela ne ruine les formes que j'ai déjà faites pour les cheveux. Et j'estompe aussi notre mélange avec la teinte du nez. Je peux le faire soit avec l'outil à eau que je viens de vous montrer , soit utiliser l'outil de flou, que vous trouverez ici sous les outils de mélange. Et choisissez cet outil de flou et passez-le légèrement dessus pour estomper vos nuances. J'estompe également la teinte qui existe à cause de la tête, car celle-ci est un peu éloignée du corps. Ainsi, plus l'objet est éloigné, plus la teinte est floue. J'ai également partagé un peu le bord du menton pour donner plus de dimension au visage. Et je peux aussi légèrement le brouiller pour le rendre plus lisse. Vous pouvez également utiliser l'outil de remplissage au lasso en accédant à cet outil de figure, puis en sélectionnant Lasso Fill. Avec le Lasso Fill. Vous pouvez facilement sélectionner la zone que vous souhaitez et la remplir. De cette façon, vous pouvez ajouter des nuances rapides et précises. Mais bien sûr, il faut une certaine précision pour que vous puissiez le maîtriser. Je ne l'utilise pas tout le temps, mais je trouve parfois utile de l'utiliser. Je vais juste réparer un peu les colliers ici car ils étaient incomplets pour les teintes du collier. C'est donc un saut. Ensuite, je peux également indiquer qu'en rendant teintes aussi douces que dures, je peux utiliser l' aérographe pour cela. Au lieu d'utiliser la version souple, j' utiliserai la version plus dure avec la petite taille qui permet de payer les lunettes. Et aussi la forme de l'épée. Si je veux corriger les bords, je peux simplement sélectionner la couleur transparente pour remplacer mon outil une gomme et effacer ces parties pour que cette forme ressemble à une épée. J'ai parlé du raccourci clavier J pour passer rapidement de la couleur transparente à la couleur de premier plan. Je vais aussi brouiller un peu les draps. J'ai aussi la touche V comme raccourci pour le flou. Comme je vais continuer à répéter les mêmes étapes pour le moment, je vais accélérer un peu le processus. Eh bien, je pourrais sélectionner chaque partie seule, comme je l'ai fait pour les cheveux. Je trouve que cela n'est pas toujours nécessaire. Les cheveux sont comme la partie la plus sensible et nécessitent le plus d'attention pour les détails, du moins pour moi. C'est pourquoi j'ai choisi lui-même. Mais je trouve que je peux réussir à masquer complètement la couleur de la peau sans avoir à sélectionner chacune d'elles individuellement. Lorsque vous avez terminé la prise de vue, cliquez sur ce bouton pour désélectionner. Cliquez sur Contrôle D sur votre clavier. Vous pouvez maintenant conserver votre panneau tel quel avec ces formes, ou vous pouvez passer à une étape supplémentaire en ajoutant un nouveau calque, puis le découper à nouveau et régler son mode pour qu'il se multiplie à nouveau et ajouter une autre couche d'ombrage pour donner plus de profondeur à votre panel. Mais pour moi, j'ai arrêté de le faire la plupart du temps parce que cela demande plus de temps et d'efforts et je souhaite réduire le nombre d'étapes que je fais pour chaque panneau. Je fais cette étape uniquement pour les scènes de grande importance. Mais disons que je ne suis pas convaincue de l'apparence des couleurs. Et je veux jouer avec la couleur de l'ombrage. Je peux appuyer sur Ctrl U pour augmenter la luminosité de saturation de la teinte et faire glisser la teinte. Pour jouer avec les couleurs d' ombrage, par exemple , je trouve que maintenant que cette couleur convient mieux à mon personnage ici, généralement pour que votre personnage se fond mieux avec l'arrière-plan, c'est mieux vaut choisir une couleur qui correspond à votre arrière-plan. Donc, si je change le mode de calque de mon ombrage pour revenir à la normale pour voir la nouvelle couleur, je peux voir que la nouvelle couleur est rose grisâtre au lieu de celle que j'ai choisie. Et il convient mieux à mon personnage. Et dans l'ensemble, j' aime beaucoup son apparence, sauf pour les cheveux et aussi le pantalon. Je n'aime pas que ça ressemble à une couleur chaude. Je veux donc changer cela. Le moyen le plus rapide de changer cela est de sélectionner la couche capillaire, puis d'appuyer sur Control U pour jouer avec la teinte. Je peux également diminuer la valeur, la rendre plus foncée et jouer avec la saturation. C'est un très bon moyen d'ajuster rapidement vos couleurs et de les rendre plus intéressantes. Si j'annule, je peux voir la différence, la couleur semble plus éclatante. Maintenant, je vais faire la même chose pour le pantalon. Il suffit de le faire glisser légèrement vers les couleurs bleutées. Vous pouvez également rendre votre ombrage plus intéressant en examinant la couche d'ombrage choisissant un aérographe et en optant pour une couleur claire, comme l'orange clair. Alors, est-ce que l'aérographe doux va légèrement aérographier les bords de vos formes ? Si je les ramène tous à la normale, vous verrez que j'ai créé un dégradé. Je vais donc l'ajouter sur les bords des formes pour leur donner un aspect plus doux et pour leur donner un aspect ensoleillé puisque le soleil brille du haut. Et de même, je peux également utiliser une couleur plus froide, par exemple ce bleu pâle. Et je peux également aérographier certaines parties des teintes, en particulier dans les zones ombrées, pour les rendre plus foncées. Et plus intéressant. Si nous jetons un coup d'œil à notre ombrage, cela ressemble à ceci pour le moment. Mais comme vous pouvez le constater, nous avons ombré le personnage complet d'une manière intéressante en n'utilisant qu'un seul personnage. Au fait, j'ai mentionné plus tôt que si j'appuie sur Contrôle et que je sélectionne la couche de peau, tout sera sélectionné. Et je peux juste avoir la peau toute seule. Mais je peux toutefois jouer avec cette sélection. Je peux ajouter des sélections, détecter simplement en utilisant les touches Shift et Alt. Ainsi, par exemple si je maintiens la touche Ctrl enfoncée tout en maintenant Shift enfoncée et que je clique sur la couche capillaire, le gestionnaire est sélectionné avec ma sélection. Toutefois, si je souhaite le supprimer de ma sélection, maintenez le bouton Control enfoncé également la touche Alt, puis enfoncé également la touche Alt, cliquez sur la couche de cheveux. Maintenant, vous pouvez voir que je me suis débarrassé de la sélection des couches de cheveux. Et je peux faire de même pour me débarrasser des chemises puisqu' elles recouvrent la peau. Et maintenant, vous pouvez voir que ma couche de peau a été sélectionnée toute seule. Par exemple, je peux revenir à mes formes et jouer avec sa couleur si je veux lui donner un aspect différent. Mais je pense que je vais garder la couleur telle quelle. Maintenant, pour finaliser ce panneau, il ne reste plus qu' à ajouter des reflets aux cheveux. Pour ce faire, je vais créer une nouvelle couche découpée au-dessus du groupe et de l'ombrage qui s'y trouve. Et je vais changer ce mode de couche pour ajouter de l'éclat. Et c'est à cause de la couleur des cheveux. Et je peux utiliser le pinceau pour ajouter moi-même les reflets. Encore une fois avec des égratignures tout en suivant la forme de la tête comme je l'ai fait avec ces lunettes de soleil tout à l'heure. Mais pour gagner du temps, il existe ce pack de pinceaux à cheveux très pratique que vous pouvez utiliser immédiatement pour ajouter des reflets à vos personnages. Ici. Je l'ai obtenu grâce aux ressources de Clip Studio et je vous laisserai également le lien . Celui que je préfère utiliser n'est pas les pinceaux eux-mêmes, mais il est également livré avec quelques outils Curve. Et j'aime utiliser celui-ci pour vous montrer comment fonctionne l'outil Curves. Il suffit cliquer quelque part ici, puis faire glisser le pointeur tout en maintenant mon stylo. Puis relâchez et ajustez la courbure de la courbe. La taille du pinceau semble grande, je vais donc la réduire un peu. Encore une fois, je vais maintenir puis relâcher pour ajuster ma courbure. Bien que tu puisses le faire en un seul coup. Je n'aime pas à quoi cela ressemble parce que je veux suivre la rondeur de la tête. Je le fais en deux étapes. Je le fais d'abord sur le côté droit, puis je le fais sur le côté gauche. Ainsi, je peux mieux en contrôler la forme. Et si je veux les ajuster davantage, par exemple, je veux toujours qu'ils suivent la courbure de la tête. Ce côté là, ça a l'air bien, mais ce côté ne correspond pas à la courbure que j'ai. Je vais le sélectionner à l'aide de l'outil Lasso et utiliser l'outil de transformation du maillage pour ajuster facilement et rapidement mieux l'adapter à la courbure de mes personnages. La couleur semble trop vive, il suffit de réduire l'opacité. Par exemple, j'ai trouvé que 33 était suffisant. Je peux également verrouiller les pixels transparents et utiliser un aérographe et peut-être un aérographe avec une autre couleur pour le rendre plus intéressant et ajouter un dégradé de couleurs. Vous pouvez aussi devenir fou avec les couleurs et les autres choses. Mais je vais le garder tel quel. Ça a l'air assez bon. Nous en avons donc fini avec l'ombrage de notre panneau. Dans le prochain chapitre, nous commencerons enfin à parler des antécédents. Dans la prochaine leçon, nous allons donc commencer par parler des principes de la perspective. 16. 4-1 Principes de perspective: Puisque nous allons commencer à parler des antécédents dans ce chapitre, il est très important de parler d'abord des principes et des bases de la perspective. Il y a deux concepts importants à connaître en matière de perspective. La première est la ligne d'horizon, également appelée niveau des yeux. Et le second est le point de fuite. En gros, avec nos yeux humains, lorsque nous regardons des objets dans l'espace, ils n'ont pas l'air d'avoir la même taille. Mais nous pouvons voir avec nos yeux que taille des objets diminue avec la distance. C'est pourquoi tout le concept de perspective est pertinent pour nos yeux. La ligne au niveau des yeux correspond essentiellement la hauteur réelle des yeux du spectateur. Nous regardons un objet, ou on l'appelle aussi ligne d'horizon car elle peut être utilisée pour désigner une limite physique ou visuelle qui sépare cet homme de la terre ou de la mer. Et le point de fuite est essentiellement le point vers lequel toutes les lignes vont, de sorte que tout disparaît dans cette direction. Permettez-moi de vous montrer un exemple pour simplifier les choses. Disons que nous avons un carré que je souhaite dessiner sous forme de cube. Donc, puisque j'ai dessiné ce carré avec ses quatre coins, pour le dessiner en perspective, je vais tracer des lignes à partir de chacun de ses coins pour me diriger vers le point de fuite. C'est donc la première ligne. C'est le deuxième, et c'est le troisième. Et aussi, permettez-moi de dessiner ceci sur une nouvelle couche. Il s'agit de la quatrième ligne. Je vais réduire l'opacité puisque cette ligne se trouve derrière l'objet. Donc maintenant, si je veux donner de l'épaisseur à mon cube, je peux simplement tracer une ligne droite ici et une autre ligne droite ici et effacer le reste des lignes. Et maintenant j'ai un cube dans l'espace. Et comme c'est au-dessus du niveau des yeux, je peux voir la partie inférieure de cette boîte. J'efface cette quatrième ligne parce que si ce cube est opaque, je ne vais pas voir cette quatrième ligne. Mais s'il s'agissait d'un cube transparent, je pourrais simplement tracer à nouveau la ligne , puis tracer une ligne droite de ce bas à cette diagonale , puis continuer cette ligne d'ici à ici. Et maintenant je peux voir que j' ai un cube transparent. Je peux juste effacer le reste des lignes. Je peux donner un autre exemple en dessous de la ligne d'horizon. Si je dessine l'objet plus grand qu'il ne le sera plus près de la caméra, laisse-moi tracer des lignes vers le point de fuite. Ensuite, coupez-le pour obtenir une boîte, puis effacez ces lignes supplémentaires. Maintenant, j'ai une boîte plus grande qui est plus proche de l'appareil photo car sa taille est plus grande. Et je peux voir la surface supérieure du cube parce qu'elle se trouve en dessous de la ligne d'horizon ou en dessous du niveau de mes yeux. Si un objet est dessiné sur la ligne d'horizon elle-même, nous ne verrons aucune surface supérieure ou inférieure. Parce que comme vous pouvez le voir, fur et à mesure que nous les dessinons, ils vont entrer en collision les uns sur les autres. Et si nous coupons cette boîte et que ce sont ces lignes supplémentaires, nous pouvons voir sur la surface supérieure ou inférieure de la boîte, car elle se trouve à la hauteur de nos yeux. Maintenant qu'il n'y a qu'un seul point de fuite dans ce cas, c'est ce qu'on appelle la perspective à point unique. Si nous ajoutons un autre point de fuite, cela devient une perspective à deux points. Et pour donner un exemple, toujours avec le cube, je vais tracer une ligne droite en dessous de l'horizon. Et je vais relier ce site aux deux points de fuite. Ensuite, je l'éteindrai. Et comme je l'ai coupé ici, je vais à nouveau tracer des lignes à partir des coins et les relier au point de fuite pour terminer mon cube. Et j'effacerai les lignes supplémentaires pour terminer mon cube. D'ailleurs, dessiner des objets en perspective devient beaucoup plus facile lorsque vous utilisez des calques vectoriels, car vous pouvez effacer les lignes supplémentaires si rapidement et facilement, comme je viens de le faire. Mais comme vous pouvez le voir, le cube semble un peu biaisé ici. Et c'est parce que les points de fuite sont proches les uns des autres. Donc, pour rendre les objets plus naturels, il suffit de séparer les points de fuite et d'avoir une plus grande distance entre eux. Je vais dessiner une nouvelle case au-dessus du niveau de l'horizon après avoir ajusté mes points de fuite. Et comme vous pouvez le voir, le cube semble plus naturel maintenant que j'ai éloigné les points de fuite. Si nous ajoutons un autre point de fuite, dites en haut ici. Cela devient alors une perspective en trois points. Si nous redessinons nos cubes, je vais commencer par tracer une ligne droite à partir du point de fuite. Reliez ensuite les côtés aux points de fuite horizontaux. Maintenant, pour définir les dimensions de mon cube, je ne vais pas tracer de lignes verticales comme je l'ai fait avec une perspective à deux points, mais ces lignes verticales deviendront inclinées à la place. Je vais les relier à ce point de fuite ici. Ensuite, je relierai à nouveau ces coronaires supplémentaires aux points de fuite horizontaux et j'effacerai les lignes supplémentaires. Comme vous pouvez le voir, j'ai dessiné un cube, mais il semble tellement biaisé parce qu'il est très proche de ce troisième point de fuite. Alors laisse-moi dessiner à nouveau un autre cube. Mais je vais faire glisser le niveau des yeux en dessous pour avoir plus de distance entre les trois points de fuite. Alors, faisons-le à nouveau. Je vais commencer par une ligne droite. Tracez ensuite des lignes qui se connectent aux points de fuite horizontaux. Et maintenant, je vais aborder ce troisième point de fuite. Reliez les autres coins ou les coins inférieurs à des points de fuite horizontaux. Comme vous pouvez le constater, ce refroidissement est bien moindre maintenant car il y a une plus grande distance entre les points de fuite. Ce sont donc les bases de la perspective les plus importantes que vous devez connaître. Dans cette classe. Nous n' allons pas vraiment nous plonger dans dessin d'arrière-plans à partir de zéro car cela prend beaucoup et c'est une forme d'art en soi. Et comme nous l'avons dit aux artistes, nous voulons que notre processus soit le plus rapide possible. C'est pourquoi je vais m'en tenir à cette explication jusqu'à présent. Mais si vous souhaitez en savoir plus, je vous conseille vivement d'en savoir plus à ce sujet afin que vous puissiez en savoir plus. Et peut-être pourriez-vous également vous entraîner à dessiner avec perspective à dessiner avec perspective pendant votre temps libre afin mieux comprendre le fonctionnement des arrière-plans. Mais une dernière chose que je voudrais mentionner dans cette leçon est que Clip Studio Paint est livré avec une règle de perspective, vous n'avez donc pas à tracer des lignes manuellement comme nous l'avons fait dans cette leçon. Je voudrais vous montrer comment aborder cette règle de perspective. Accédez simplement au cadre Layer Ruler , puis sélectionnez Créer une règle de perspective. De là, vous pouvez facilement sélectionner un point, deux points ou une perspective à trois points. Et puisque nous parlons déjà d'une perspective à trois points maintenant, je vais maintenant sélectionner une perspective en trois points. Vous pouvez choisir si nous voulons créer la règle sur une nouvelle couche ou la créer sur votre couche actuelle. Je vais juste le garder sur la couche actuelle. Maintenant, j'ai cette icône de règle ici, qui ressemble à celle que nous avions avec la règle de symétrie. Si je ne veux pas que la règle soit sur cette couche, je peux simplement cliquer dessus et faire glisser vers une autre couche. De cette façon, vous pouvez facilement transférer votre règle. Quoi qu'il en soit, selon la règle de la perspective, si vous zoomez en arrière, vous pouvez voir que nous avons trois points de fuite. C'est le premier point de fuite, et c'est le deuxième, et c'est le troisième. Et ces lignes sont comme des lignes directrices vers le point de fuite. Vous pouvez donc les modifier comme vous le souhaitez. Vous pouvez maintenant ajuster la règle de perspective deux manières différentes, soit en modifiant l'emplacement des points de fuite. Par exemple, je veux faire glisser ce point de fuite pour qu'il soit au-dessus de celui-ci. Mais si je le fais glisser tel quel , je ne peux pas vraiment le déplacer. La raison en est que cette option est cochée au niveau IP fixe. Donc, pour fixer le niveau des yeux, c'est pourquoi tout est verrouillé. Mais si vous souhaitez ajuster la règle de perspective en fonction de votre scène ou de votre illustration, décochez-la. Et maintenant, en cliquant sur le point de fuite, je peux facilement changer sa position. Je vais donc le mettre en plus de ce point de fuite. Et je vais faire glisser ce point de fuite pour le surpasser. Et enfin, j'ai ce dernier point de fuite. Je vais le faire glisser vers ici. Et je peux changer l'angle de ces directives en cliquant sur le cercle au milieu. C'est donc une solution. Mais une autre solution est, disons que je n'ai que le dessin de l'objet et que je veux savoir où se trouvent les points de fuite de cet objet. Pour ce faire, je peux jouer avec ces poignées, ces directives passent par ces points bleus. Et en jouant avec l'angle et le positionnement de ces points bleus, comme vous pouvez le voir, l'emplacement du point de fuite change. En jouant avec ces directives, je peux facilement faire en sorte que ma règle de perspective corresponde à mon objet. ajuster peut prendre un certain temps Tout ajuster peut prendre un certain temps et peut parfois être assez délicat, mais il est très utile de déterminer la perspective de votre image si vous ne la connaissez pas. Maintenant que j'ai ajusté la règle de perspective, je peux simplement dessiner n'importe quel objet ou n'importe quelle ligne, et ils suivront toujours les lignes de perspective et les points de fuite que j'ai ajustés. De cette façon, il devient moins fastidieux de dessiner en perspective sans avoir à vérifier à chaque fois avec des lignes droites et des points de fuite. La dernière chose dont je veux parler, c'est que la ligne d'horizon n'a pas toujours besoin d'être horizontale. Vous pouvez toujours faire pivoter la ligne d'horizon dessiner des objets et les relier à des points de fuite. Mais vos objets seront également pivotés en faisant pivoter la ligne d'horizon. La rotation de la ligne d'horizon contribue à rendre cela encore plus spectaculaire. C'est donc un concept intéressant à garder à l'esprit lorsque vous dessinez vos scènes. Par exemple, la rotation de la ligne d'horizon dans mon panneau donnait la scène un aspect plus intéressant que si elle était simplement horizontale. C'est donc une bonne chose à garder à l'esprit à cette étape du storyboard vos panneaux avant même de commencer à dessiner afin de construire toute votre scène sur cette base. la prochaine leçon, nous parlerons des techniques permettant ajouter de la profondeur à vos panneaux sans vraiment utiliser la perspective, mais en jouant simplement avec les formes des objets de votre scène. 17. 4-2 Techniques pour ajouter de la profondeur: Au fur et à mesure que nous grandissons, nous essayons de prédire l'espace tridimensionnel sur la toile bidimensionnelle. Il peut donc parfois être difficile d'introduire une véritable sensation de profondeur dans vos œuvres d'art. Cependant, il existe un certain nombre de techniques qui peuvent facilement aider à donner une impression de profondeur et à rendre vos panneaux ou œuvres d'art plus intéressants. Dans cette leçon, je vais parler de six de ces méthodes. Nous allons donc les aborder un par un en montrant des exemples pour chacun. La première technique consiste à faire varier la taille de l'objet. Disons donc que ces trois murs sont de la même taille. La balle la plus proche de la caméra est celle qui donne le plus d'informations. La balle la plus éloignée de la caméra a la plus petite taille. Pour vous donner un exemple, jetez un œil à ce panneau. Les personnages descendent. Ainsi, le personnage le plus proche de la caméra a la plus grande taille, et le personnage le plus éloigné de la caméra a la plus petite taille puisqu' elle est en haut. La deuxième technique est très liée à l'épaisseur du trait, dont nous avons déjà parlé lors de la phase de dessin au trait. Donc, si nous épaississons les lignes de l'objet le plus proche de la caméra l'objet le plus proche de la caméra et que les lignes des objets les plus éloignés sont plus fines, nous pouvons immédiatement ressentir une sensation de profondeur. Et pour vous donner un exemple, jetez un œil à ce panneau. Le personnage le plus proche de la caméra possède les lignes les plus épaisses. Eh bien, plus on s'éloigne de la caméra, l'épaisseur de la ligne diminue. La troisième technique consiste à modifier les détails de l'objet. Ainsi, l' objet le plus proche de la caméra aurait plus de détails que les objets les plus éloignés. Par exemple, jetez un œil à ce panneau. Le personnage le plus proche de la caméra présente à la fois des lignes épaisses et plus de détails sur les cheveux, alors que le personnage le plus éloigné. Donc, si nous y jetons un coup d'œil, ces deux personnages se situent en quelque sorte au milieu. Ils ont donc en quelque sorte plus de détails que ce personnage le plus en retard. Il n'a pratiquement aucun détail sur le drone , à part le design permanent des personnages de bureau. La quatrième technique consiste à faire varier la profondeur de champ. Dans cet exemple, nous pouvons le diviser en trois composantes. L'objet le plus proche se trouve au premier plan , à savoir les feuilles dans cet exemple. L'objet au milieu est le personnage et est-il placé au milieu. Et les objets les plus éloignés sont appelés arrière-plan. Ainsi, en introduisant une profondeur de champ, nous pouvons nous concentrer sur notre personnage, qui est le juste milieu. Nous pouvons le faire en floutant l'objet le plus proche de l'appareil photo. Ainsi, en floutant ces feuilles, nous pouvons avoir l'impression que ces feuilles sont si proches de l'appareil photo qu'elles sont floues. Et nous nous concentrerions sur le personnage du juste milieu. La même chose peut être faite dans le sens inverse. Par exemple, ici, je veux me concentrer sur le premier plan lui-même. Le premier plan est le plus net, mais le milieu est un peu flou. L'arrière-plan est le flou de tout. Quand je regarde cette scène, me concentre directement sur les feuilles. J'aime particulièrement utiliser la technique de la profondeur de champ lorsque dessine des séries de forêts avec beaucoup de feuillage. J'aime beaucoup brouiller les images les plus proches des plantes et parfois les rendre plus foncées que le reste de la scène. donne l'impression que ces objets sont proches de la caméra et que l'éclairage est un peu plus sombre ici, de sorte que le focus des yeux se dirige vers le juste milieu. La cinquième technique consiste à jouer avec une luminosité. Nous pouvons donc rendre notre scène intéressante en rendant les objets les plus éloignés de la caméra les plus sombres et les objets les plus proches de la caméra plus lumineux. J'aime bien utiliser cette technique. De plus, lorsque je crée des scènes de forêt, par exemple sur ce panneau, j'ai deux arbres les plus proches de la caméra et ils sont plus lumineux que tout ce qui se trouve en arrière-plan. Les arbres et le feuillage s'assombrissent. Pour introduire cette sensation de profondeur, fait que cette force est sombre et profonde, et qu'elle n'en est que la face avant et la face la plus proche. La dernière technique consiste à jouer avec la température de couleur, également appelée perspective atmosphérique , un effet que nous pouvons observer de nos propres yeux au quotidien. Lorsque vous sortez, vous pouvez remarquer que plus les objets sont proches de vos yeux, plus la couleur est chaude. Mais plus ils sont éloignés, plus leur couleur est froide. Et naturellement, à cause de l' effet de l'atmosphère, les objets ont tendance à prendre une couleur bleutée à mesure qu'ils sont éloignés. Donc, dans cet exemple rapide que j'ai fait ici, regardez la roue chromatique pendant que je choisis les couleurs. La couleur des feuilles les plus proches du VC est jaune chaud et vert. Mais l'herbe d'ici est vert plus frais et sa couleur devient plus froide au fur et à mesure qu'ils s'éloignent jusqu'à ce qu'ils deviennent Lewis. Et cela introduit une sensation de profondeur. J'aime beaucoup utiliser cette technique chaque fois que j' ai un arrière-plan ou que le ciel montre, par exemple cette scène sur mon panneau ici, même si elle est assez belle telle qu'elle est ici, si je l'ai aérographiée avec une couleur bleutée, alors je peux immédiatement ressentir le sentiment de l'atmosphère. Et il en va de même pour les bâtiments situés à l'arrière. Je les ai rendus bleutés pour donner une impression d'atmosphère. Cette technique est également utile lorsque vous avez des scénarios, en particulier lorsque vous avez des montagnes très éloignées de votre scène, par exemple les montagnes situées à l'arrière. Bien que les montagnes soient naturelles et non bleues, elles ont une couleur marron chaud ou peut-être une couleur verte. Comme ils sont si éloignés, les fabriquer Lew donne une impression de profondeur et nous pouvons comprendre qu'ils sont si loin de nos yeux. Gardez donc ces techniques à l'esprit lorsque vous créez des arrière-plans pour vos scènes. Ils peuvent totalement rendre vos motifs plus intéressants. Comme vous pouvez le constater, ils ne demandent pas beaucoup d'efforts, mais ils peuvent vraiment transformer votre scène et rendre plus intéressante en un instant. Dans la prochaine leçon, nous parlerons peinture de fonds en niveaux de gris pour concentrer sur leurs valeurs et sur la manière de les transformer du noir et blanc en une version colorée. 18. 4-3 Peinture à partir de niveaux de gris: Avant de commencer à utiliser des ressources et des modèles 3D pour créer nos arrière-plans, j'aimerais vous présenter une technique basique mais importante à pratiquer en et des modèles 3D pour créer nos arrière-plans, j'aimerais vous présenter premier lieu, qui consiste à peindre en niveaux de gris en en se concentrant uniquement sur les valeurs. Je dirais que cette technique a deux résultats importants. La première est que cela vous aide à mieux comprendre les valeurs et les contrastes. Comme vous vous concentrez uniquement sur le noir et blanc et que vous n'avez pas à colorier au début, pratique de cette technique vous aide à mieux comprendre comment créer des arrière-plans. Comme vous pouvez facilement créer des arrière-plans intéressants avec un éclairage et un contraste excellents, ce qui m'amène à parler du deuxième résultat. Comme vous le verrez dans les prochaines leçons, nous utiliserons des images, des pinceaux et des modèles 3D pour créer nos arrière-plans. Mais parfois, il se peut que vous ne soyez pas en mesure de trouver les éléments dont vous avez besoin pour votre scène spécifique. Surtout lorsqu'il s'agit d' une prise de position où vous souhaitez attirer l'attention de vos lecteurs l'environnement lui-même. Pratiquer cette méthode de peinture vous aiderait lorsque vous êtes dans une telle situation. Ensuite, cette leçon, j'ai une scène qui me met mal à aise. Je vais vous montrer comment je vais m'y prendre. La scène que je veux dessiner est celle d'une grotte souterraine avec un maillon en bas et la lumière du soleil qui passe par le haut. Je l'avais esquissé grossièrement pendant ma phase de storyboard. J'ai donc une idée la composition que je souhaite suivre sur cette photo, mais j'ai également consulté quelques photos de référence sur unsplash.com. J'ai cherché une grotte souterraine. Et après avoir parcouru les photos suivantes, j'ai pris les quatre photos suivantes. Je vais disposer les images de manière à pouvoir les voir toutes les quatre. Pendant que je travaille. Je vais faire un petit zoom arrière sur chacune d'elles pour avoir une vue complète. J'ai décidé de mettre ces deux-là de côté pour placer mon travail sur Canvas et au centre. Maintenant, ce que je vais faire, c'est passer en mode niveaux de gris pour chacune de ces images . Pour ce faire, accédez à l'image elle-même et sous Propriétés de la couche, sous Couleur de l'expression, cliquez sur ce menu déroulant et choisissez le gris. L'image est maintenant passée en mode niveaux de gris. Je ferai de même pour les trois autres images. OK, maintenant j' ai tout en niveaux gris et j'ai mon croquis. Je vais l'ajuster un tout petit peu. Faites tomber ça. Puisque je veux que le lecteur le parcoure au fur et à mesure qu'il lit et ne voie pas l'image complète d'un coup. Maintenant que je suis satisfait de cette composition, je vais passer à mon panel. Je vais maintenant commencer à peindre ma scène en niveaux de gris. En gros, en regardant la roue chromatique, je vais simplement choisir les couleurs de ce côté, exclusivement le noir et blanc, aucune couleur. Vous pouvez également accéder aux curseurs et contrôler les couleurs pour choisir plus facilement votre grâce, selon ce qui vous convient le mieux. Je vais choisir une couleur gris foncé. Je vais sélectionner et compléter mon parcours. À partir de Modifier, Remplir. Je vais juste réduire un peu l'opacité pour que je puisse voir le croquis ici en utilisant une couleur gris très clair. Je vais marquer l'emplacement du lac. Je marquerai également l' endroit où se trouvent ces objets, des blocs de pierres. Et en utilisant un autre gris plus clair, je vais me concentrer ici sur l' ouverture en surface. Maintenant, je vais ramener l' opacité à 100 %. Et à partir de maintenant, je vais regarder les images que j'ai. Je peux donc voir sur cette image que le contraste est très élevé et que la couleur ici est notre gris. Je vais donc choisir le gris foncé, retourner à ma scène et changer l'arrière-plan pour de la même couleur foncée après le montage, convertir en dessin et en couleur. Et je peux aussi voir que le dessus est peint en blanc. Je vais donc y revenir et le peindre avec du blanc au lieu de conserver la couleur gris plus clair. Mais je vais en garder un peu pour ne pas avoir l'avantage. Je vais fusionner les deux couches et travailler sur une couche à partir de maintenant. chose la plus importante à faire à cette étape est de simplement regarder dans les couleurs principales, puis nous pourrons commencer à ajouter plus de détails. Je me suis rendu compte que puisque j' ai un lac sur mon image, il me manquait une photo de référence avec le lac. J'ai donc cherché une autre photo de référence avec un lac. Je vais également le régler en niveaux de gris. Et je vais l'avoir ici au lieu de cette photo, puisqu'elle ressemble beaucoup à celle-ci, je vais me référer à cette photo pour la valeur du lac. Et je vais le peindre ici. Pour cette scène. Je ne vais suivre aucune règle de perspective ou quoi que ce soit d'autre depuis la jambe. Je vais juste peindre des objets et les rendre convaincants. C'est donc une affaire d'essais et d'erreurs. Je continuerai à m'adapter jusqu'à ce que j' obtienne un résultat satisfaisant. Continuez à saisir des couleurs. Nous examinons les références et assemblons ma scène. Pour mieux contrôler les couleurs, vous pouvez également les ajouter sur un nouveau calque, puis réduire l'opacité. Par exemple, je voulais un gris plus clair, mais je ne savais pas exactement comment l'obtenir à partir d'ici. Donc, jouer avec les calques aide beaucoup à obtenir des effets de dégradé. Cliquez sur le bouton Transférer vers la couche inférieure et recommencez pour cette couleur. Je vais donner un aspect plus rocheux au sommet. Ajoutons maintenant un peu d'éclairage sur une nouvelle couche Je vais cliquer sur l'aérographe doux de très grande taille, un aérographe léger ici. Puisque c'est de là que vient la lumière. Je peux réduire un peu l' opacité. Mais maintenant, nous commençons à avoir une forme de dégradé. Et je vais faire la même chose pour le lac, mais je vais d'abord effectuer un aérographe avec un gradient de données multicouche par rapport au lac. Ensuite, j'y retournerai et j'ajouterai à nouveau du blanc. Puisque le lac est éclairé par la lumière du soleil qui vient du haut. Je vais cacher un peu ces couches et continuer à peindre. Je vais maintenant essayer de mieux définir la scène. Comme vous pouvez le constater, la scène commence à paraître plus intéressante même s'il ne s'agit que de gribouillis. Mais tu peux en quelque sorte savoir ce qui se passe. J'essaie de définir les roches maintenant. Encore une fois, rien ne doit être parfait tant que nous essayons, c'est tout ce qui compte. Et si une technique spécifique nous intéresse, nous pouvons bien sûr l' étudier plus en détail et apprendre davantage avec le temps. Je vais simplement mettre un espace réservé pour mes personnages ici pour la comparaison des tailles. Parce que cet endroit est très grand et ils sont très petits. Je tiens donc à me rappeler que j'ai fait tout cela jusqu'à présent uniquement avec le pinceau rond de base. Bien sûr, vous pouvez utiliser n'importe quel type de pinceau. J'essaie juste de regarder les formes principales pour leur donner un look. Je le désire. Pour être honnête, je n'ai jamais fait d'études de peinture auparavant. Je peins simplement à partir de l'observation et de ce que j'ai vu au fil du temps. Mais bien sûr, vous pouvez consacrer beaucoup de temps à l'étude cette technique si vous voulez apprendre à peindre des arrière-plans appropriés. Mais bien sûr, comme je l'ai dit sur les artistes, je veux dire, nous avons de toute façon beaucoup de choses à dessiner à chaque chapitre. Il est donc presque impossible de décrire votre arrière-plan dans chaque chapitre si vous souhaitez respecter un calendrier de téléchargement. C'est pourquoi, comme je l'ai déjà mentionné, pratique de cette technique est bonne pour votre compréhension générale. Et c'est utile lorsque vous ne savez pas quoi faire de votre scène. Et bien sûr, après avoir expliqué comment utiliser les ressources et les leçons suivantes, vous pourrez combiner les deux techniques ensemble. Nous pouvons donc peindre avec des niveaux de gris, puis placer des images dessus, puis, vous savez, mélanger et assortir jusqu'à ce que l' arrière-plan soit suffisamment beau. Je vais réactiver mes ingrédients et voir à quoi ils ressemblent jusqu'à présent. Comme la lumière vient du haut, je vais devoir ajouter d'autres points forts ici en haut. Je vais donc à nouveau désactiver les dégradés et travailler à créer des points forts autour de cette zone. Les reflets doivent être en haut et les ombres en bas. Et je pense que je veux que ça donne l' impression que c'est une grotte plus profonde qui entre à l'intérieur. J'ai donc ajouté cette tache géante couru et je lui ai donné plus d' obscurité pour indiquer la profondeur. Revenons aux principaux points forts. Je continue à faire des allers-retours. Mais j'espère que vous pouvez voir comment cela fonctionne. Maintenant, sur une nouvelle couche avec une opacité réduite, je vais utiliser la même couleur que j'ai utilisée pour les reflets, mais pour introduire une couleur plus claire ici. Et je vais maintenant choisir cette couleur le lac et sur une nouvelle couche, réduire l'opacité et peindre un peu. Remarquez comment tout cela a été fait uniquement avec le pinceau rond par défaut. Je vais maintenant passer au pinceau et à l'outil à eau et commencer à mélanger juste pour améliorer l'apparence des choses. Je choisirai les couleurs au fur et à mesure et je peins pour mieux mélanger le tout. Vous pouvez, bien sûr, le laisser à ce stade, mais vous pouvez l'affiner davantage. C'est une préférence totalement personnelle. Je vais l'affiner un peu plus avant passer à la phase de coloration. Je peux vous montrer comment transformer cette peinture de deux couleurs en niveaux de gris de deux couleurs en niveaux de gris manière la plus simple et la plus rapide possible. Bonjour, j'ai activé la couche multiple du lac et je vais effacer avec une gomme souple les parties qui se trouvent à l'extérieur du lac lui-même. Et je vais le fusionner. Maintenant, je peux définir le bord de ces rochers. Je définis ces bords avec une valeur plus foncée et je les définirai avec une valeur légèrement plus claire. Ça, c'est pour l'éclairage. Je n'ai pas blanchi. Je vais essayer de jouer avec les modes de fusion. Par exemple, je vais essayer d'ajouter le mode de fusion des lumières et voir comment je pourrais obtenir plus d'éclairage cette façon ou plus de contraste. Cela rend le lac meilleur. C'est aussi le sommet de la grotte. Je vais donc simplement effacer cette partie en douceur. Je vais également ajouter une nouvelle couche avec de la lueur et ajouter des lignes d'eau au lac lui-même pour le faire ressembler à une surface d'eau. J'ai aussi cette brosse à eau. Je vais l'utiliser ici, mais comme vous pouvez le voir, sa taille est grande. Je vais donc aller ici, réduire la taille des particules et peindre à nouveau. Je vais le faire sur une nouvelle couche afin pouvoir contrôler son opacité. Encore une fois, cette nouvelle couche est réglée en mode lueur. Nous pouvons le mélanger un peu avec l'outil hydraulique. Pour le rendre moins vif. Je vais ajouter un peu plus d' éclat à une nouvelle couche. Je vais ajouter un peu plus de colle au centre pour obtenir un champ ensoleillé nul ou plus . Je vais également revenir en haut ici. Et j'utiliserai ce pinceau d' une collection dont je parlerai dans la prochaine leçon lorsque nous parlerons de la façon de réaliser scénarios naturels et d'utiliser les pinceaux appropriés. Je vais les utiliser pour ajouter des plantes à la sonate, car j'ai vu cela se produire naturellement avec la synthase et je les ai découvertes. Donne-moi une touche vraiment sympa. Je vais donc verrouiller la couche et faire la moyenne des couches blanches avec du gris et je vais brosser les couches grises avec du blanc, etc. Sur une nouvelle couche, j'ajouterai des couches sombres. Pour donner un peu plus de profondeur à la scène comme vous pouvez le voir. Nous pourrions peut-être aussi les brouiller un peu . Juste un petit peu. Je pourrais peaufiner davantage cette scène, mais voyons maintenant comment la faire passer des niveaux de gris à la coloration. La méthode la plus simple et la plus rapide consiste à ajouter une carte de dégradé. Il peut le faire en y ajoutant une correction à partir de leur nouvelle connexion , une carte de dégradé. Je clique sur l'un d' entre eux au hasard. Mais en gros, si vous ne connaissez pas les cartes de dégradé, elles projettent couleurs que vous avez ici sur le dégradé. Il les projette en fonction des valeurs que vous avez définies dans votre scène. Je vais en chercher un qui convient à ma scène. Je pensais donner à la scène une atmosphère bleutée. Vous pouvez créer vos propres cartes de dégradé ou les télécharger à partir des ressources de Clip Studio. Personnellement, je trouve qu'il est beaucoup plus facile de télécharger et d'utiliser des logiciels prêts à l'emploi que de créer les vôtres. Disons que j'opte pour celui-ci. Je peux encore effectuer d'autres ajustements en ajustant chaque couleur. Donc, par exemple, je veux que la couleur la plus foncée paraisse encore plus foncée. Je vais l'assombrir et le regarder. C'est trop sombre. Juste pour jouer un peu avec. Oui, je pense que ça a l'air mieux. Je vais jouer un peu avec les couleurs et voir. Oui, cela correspond à l' image que j'ai en tête. Beurre Je veux que les reflets soient jaunâtres. Le top. Je vais définir la couleur la plus claire sur le blanc pour ce contraste supplémentaire. Et je vais ajouter une autre couleur ici et régler sur très clair, le jaune. C'est peut-être trop léger. Quelque chose comme ça. D'accord ? D'accord, maintenant que nous avons la carte des dégradés, c'était un moyen très rapide de colorier, mais nous pouvons également faire d' autres choses, par exemple puisque la carte de dégradé a été ajoutée en tant que couche de correction. Donc, si je le désactive, je peux toujours voir ma version en noir et blanc. Je peux donc le désactiver et le réactiver autant que je le souhaite. Je vais essayer de jouer avec différents modes de mixage pour voir ce qui fonctionne le mieux. Vous pouvez le faire en cliquant et en faisant glisser chaque mode de fusion séparément. Ou vous pouvez simplement placer votre souris dessus et simplement passer la souris avec la molette de votre souris. Et vérifiez rapidement à quoi il ressemble sans avoir à l' ouvrir encore et encore. Ce sont donc des looks très différents. Je pense que c' est celui-ci que je préfère. Lorsque vous configurez la couche de la carte dégradée en mode couleur, elle préserve vos valeurs et ajoute simplement la couleur dessus. C'est donc une méthode. Nous pouvons encore jouer un peu plus avec notre scène. Par exemple, je vais ajouter une nouvelle couche et choisir une couleur jaune clair avec un aérographe. Appliquez légèrement un aérographe sur le dessus pour donner une sensation de soleil. Et je peux changer le mode de fusion. Comme vous pouvez le constater, une autre astuce est que l'image complète est désormais bleutée. Mais que faire si vous voulez colorer une certaine partie avec un ensemble de couleurs différent, par exemple, je veux changer légèrement la couleur des jambes. Je peux donc accéder à la couche Gradient Map et cliquer sur le masque. Et lorsqu'il y a une zone, je peux effacer l'effet de la carte de dégradé. Pour cela, j'utilise une gomme souple pour que les bords ne soient pas facilement visibles. Ce que je veux faire pour cette partie, c'est présenter une autre carte de dégradé, par exemple disons que je veux cette carte de dégradé spécifique. Je vais le choisir et cliquer sur OK. Et sur le masque de cette nouvelle couche de carte dégradée, je vais cliquer dessus et cliquer sur le bouton Supprimer ou sur Modifier et supprimer. Et maintenant, avec un aérographe, je vais juste peindre ici. Et comme vous pouvez le constater, cela permet d'afficher la carte de gradient uniquement sur le lac lui-même. Maintenant, je peux revenir à cette carte de dégradé en particulier et essayer d'autres cartes de dégradé jusqu'à ce que je sois satisfait des résultats. Si la carte de dégradé ne vous semble pas correcte, vous pouvez la retourner par le bas. Je crois que je préfère celui-ci. Et ce n'est pas tout ce que tu peux faire. Vous pouvez toujours ajouter nouvelles couches et jouer avec le mode de fusion. Nous parlerons plus en détail des réglages des couleurs dans le chapitre 6. Nous parlerons donc de tous ces ajustements de couleur plus en profondeur. Je peux dire que mon panel est presque terminé. Il a juste besoin d'un petit nettoyage et je pourrai alors considérer que c'est fait. Je vous suggère vivement d'essayer cette méthode, saisir n'importe quelle scène naturelle qui vous intéresse et de la convertir en niveaux de gris. Et essayez d'abord de le recréer la même manière que cela ressemble simplement à mettre en pratique les valeurs et à vous familiariser avec cette méthode. Ensuite, vous pouvez essayer de créer votre propre arrière-plan à partir de différentes images de référence, comme je l'ai fait ici. Dans la prochaine leçon, nous parlerons en particulier des scènes naturelles et de la façon d'utiliser des pinceaux et des images pour créer une scène naturelle convaincante. Et le moins d'efforts possible. 19. 4-4 Paysages naturels: Très bien, voici la partie la plus intéressante, qui consiste à créer des arrière-plans de haute qualité d' apparence professionnelle arrière-plans de haute qualité d' apparence en combinant des images et des pinceaux, que nous appellerons des atouts pour les rendre superbes des parcours avec le moins de temps et d'efforts possibles. Quand je dis combiner les atouts c'est parce que chaque élément de ces antécédents est essentiellement quelque chose que j'ai ajouté moi-même et combiné pour en faire toute la sincérité. Ainsi, en ce qui concerne les ressources, il existe des pinceaux et des images des ressources gratuites et des ressources payantes. Je vais commencer par vous montrer les premières ressources gratuites recommandées que vous pouvez obtenir immédiatement auprès des ressources de Clip Studio Paint. Les premiers sont ces arbres ou buissons, ces broussailles. Ils sont parfaits pour ajouter facilement du feuillage à votre scène. La seconde est que cette brosse colorée prête à l'emploi pousse un pinceau. Vous pouvez l'utiliser pour ajouter facilement du feuillage rapidement à votre scène sans vous soucier couleurs car ils sont prêts à être utilisés. La troisième est cette véritable ombre, un pinceau que vous pouvez ajouter sur une nouvelle couche avec un mode multiplicateur et obtenir immédiatement l'effet d'ombrage. Ou vous pouvez également l'utiliser avec une couleur transparente et en effacer certaines parties afin d' obtenir cet aspect de lumière provenant d' entre les feuilles des arbres. La quatrième est cette brosse à gazon. C'est très pratique pour ajouter rapidement l'herbe tout en changeant vous-même la couleur. Et le cinquième sont ces pinceaux à estamper, que vous pouvez facilement utiliser pour créer une tige d'arbre sans soucier d'ajouter vous-même de la texture. Enfin, ces pinceaux cloud prêts sont très pratiques pour ajouter rapidement des nuages à votre scène sans avoir à les dessiner vous-même. Bien sûr, il y a bien d'autres atouts, mais ceux que je vous ai montrés notre meilleur pack de démarrage pour pouvoir créer un scénario complet de feuillage. Jusqu'à présent, ils proviennent uniquement du Clip Studio Asset Store. Vous pouvez également télécharger des contenus provenant de sources tierces. Par exemple, j'adore vraiment cet ensemble de pinceaux à feuillage et agressifs créé par les artistes Devin L. Kurtz. Vous pouvez télécharger ces pinceaux gratuitement en saisissant zéro ici, puis en cliquant sur Je veux ça. Ou si vous souhaitez également soutenir les artistes, vous pouvez nommer un prix ici. Ces agressions sont donc incroyables. Je les utilise constamment spécialement pour le gazon. Vous pouvez facilement peindre deux graphiques et des feuillages magnifiques qui remplissent instantanément votre scène et lui donnent une meilleure apparence sans trop d'efforts. Les pinceaux que j'ai utilisés dans la leçon précédente proviennent du même pack. Au fait, vous pouvez les trouver sous des pinceaux à feuilles persistantes. Il est également livré avec du bouillon de fleurs et d'autres articles de ce genre. Je recommande vivement ces oppressions. Ils sont vraiment géniaux. Maintenant, il s'agissait des actifs gratuits. Mais parfois, je ne trouve pas toujours ce dont j'ai exactement besoin dans les pré-actifs. Je regarde d'autres sources et parfois en fonction de mes actifs L'un des actifs que j'ai achetés et que j' aime beaucoup est ce petit pinceau. Vous pouvez facilement utiliser ce pinceau pour créer rapidement une forêt. Maintenant, normalement, je ne l'utilise pas tel quel. Je fais toujours mes modifications. J'aime aussi beaucoup les disciplines du set de pinceaux. Il est livré avec plusieurs brosses à plantes, qu' il s'agisse de quatre à trois, quelques détails du sol avec de l'herbe, etc. C'est l'un de mes packs préférés que j'utilise beaucoup chaque fois que je souhaite ajouter plus de plantes à ma scène. Et j'adore aussi ces deux packs de ressources d'image que j'ai également achetés. Le premier concerne les arbres et les arbres avec des rochers, essentiellement des arbres d' apparence ordinaire. Et le second a des rochers et des rochers avec de l'herbe. Ces deux ensembles m' ont vraiment aidée à créer ces arrière-plans d'une apparence professionnelle tout en gardant le processus très rapide. Il s'agit donc simplement de mélanger des images. Enfin, j'ai également acheté une collection d'images du ciel, se déclinent en quatre types. Un pour les journées ensoleillées, un pour notre ciel nocturne, quatre fois pour le coucher du soleil et le dernier pour le ciel nuageux. Maintenant, si vous ne parvenez pas à acheter des ressources dès le départ, ne vous inquiétez pas, Clip Studio Paint des images gratuites que vous pouvez obtenir en accédant à la fenêtre des matériaux. Dans la section Matériel d'image, passez à illustration et vous verrez qu'il y a des éléments de construction, des outils, des fleurs et des plantes, ainsi que la lune, qu'il s'agisse de pleine lune ou croissant de lune et même un arc-en-ciel. Et aussi quelques effets. Et vous pouvez en trouver d'autres sous le motif de couleur, puis passer à l'arrière-plan. Puis la nature. Vous pouvez trouver différents déguisements ici. Qu'il s'agisse d'un ciel pluvieux, d'un coucher de soleil, ciel nuageux ou d'un ciel de jour et de nuit. Et il y a aussi de l'artificiel. Il existe ici des arrière-plans prêts à l'emploi que vous pouvez immédiatement utiliser tels quels. Et bien sûr, il existe de très nombreuses autres ressources que vous pouvez télécharger à partir d'un actif de Clip Studio. Encore une fois, jetez-y un coup d'œil et parcourez-le et vous trouverez, espérons-le, beaucoup de choses gratuites que vous pourrez vous contenter de S4, les sites Web sur lesquels acheter des actifs. Dans ce chapitre, j'ai consacré une leçon complète à tous les différents endroits où je tire mes actifs. Vous pourrez donc trouver votre réponse dans cette leçon. Très bien, je voudrais vous montrer comment créer une scène à partir de ressources. Je veux créer une scène de forêt ici. Et j'ai fait un petit croquis de la forêt juste pour avoir une idée de la perspective et la composition que je recherchais, même si c'est très médiocre, mais c'est un rappel pour l' image Ce n'était pas ma tête. Donc, dans cette composition, je cherche à avoir un petit peu de perspective. Je voudrais donc avoir quelques guides, mais je ne veux pas que mon guide soit une règle de perspective, car c'est une règle organique et une règle prospective vous aide à tracer des lignes droites. Donc, ce que je peux faire, c'est utiliser cet outil que j'ai téléchargé depuis les ressources de Clip Studio appelé Vanishing Point. En cliquant n'importe où, je peux immédiatement générer un point de fuite qui apparaît immédiatement avec les directives. C'est utile lorsque vous souhaitez obtenir des directives rapides afin ne pas avoir à tracer les lignes vous-même. Je vais le déplacer vers le haut jusqu'à ce que j' aie l'impression que cela correspond à mes lignes dans la scène. La ligne entre maintenant en collision avec cette ligne rouge. Et cela signifie que je suis prête à accepter ce stage. Nous devons le centrer un peu et ajuster cette position à l'aide de l'outil de déplacement tout en la contrôlant à l' aide des touches fléchées de mon clavier. Ça a l'air bien. Maintenant, je vais effacer ces lignes rouges. Et maintenant, nous pouvons commencer à configurer la scène ou créer une nouvelle couche. Et je veux utiliser l'arbre dans ce pinceau que j'ai, mais je ne veux pas l'utiliser et c'est une forme de pinceau. J'utiliserai plutôt sa forme d'image. Et je vais copier-coller ces arbres sur ma scène afin mieux contrôler leur emplacement. Je vais sélectionner les deux et les redimensionner un peu. Avec l'échelle, faites pivoter la transformation. Je vais en mettre un de ce côté et un autre de ce côté. Mais je vais le faire glisser vers le bas pour qu' ils soient tous les deux sur le même terrain. Et maintenant je vais me transformer à nouveau. Mais je vais changer de mode, passant de Free Transform à Perspective. Et je vais faire en sorte qu'il suive les guides de perspective que j'ai. Même chose pour cet arbre sur le côté gauche. Il a été coupé d'une manière ou d'une autre, résolvez-le, collez-le à nouveau et redimensionnez-le. Et je vais refaire la transformation de perspective. J'essaie de faire en sorte que le tronc de l'arbre suive les lignes de perspective, mais il n'est pas nécessaire qu'elles soient parfaites car la nature est aléatoire et on peut s'en sortir tellement avec le hasard et irrégularités. Pour être honnête, la plupart des scènes que je crée n'ont généralement pas de point de fuite, mais je voulais l'introduire dans cette leçon. C'est donc une bonne chose à savoir et à garder à l'esprit au cas où vous voudriez mieux suivre le point de vue. Je vais cacher mon croquis maintenant. Comme j'ai les guides et que l'arbre correspond maintenant, je vais ajuster légèrement leurs positions. Passons maintenant à une nouvelle couche, je vais utiliser le format du pinceau pour ajouter rapidement des pinceaux à la scène qui se cache derrière eux. Et je vais également m'adapter à l'aide de l'outil de transformation de perspective. Je peux également utiliser ce terme pinceaux que je vous ai présenté tôt pour ajouter plus d'arbres tout en suivant ces lignes de perspective. Maintenant, avant de poursuivre, je voudrais établir le sol vu du ciel. Je vais donc tout d'abord créer une nouvelle couche, et je vais choisir une couleur dans ce graphique ici. Et je vais juste peindre pour déterminer ma surface au sol. Je vais prendre une image du ciel et la coller derrière tout. Placez-le en haut. dit que l'image du ciel n' est pas assez longue. Je veux colorier le fond, donc je vais double-cliquer sur le papier ici. Et je choisirai la couleur la plus claire de ce type. Et cliquez sur OK, maintenant si je supprime les arbres, vous pouvez voir qu'il y a un ciel et qu'il y a un adverbe qui change de couleur, mais ce changement ne sera pas visible puisque mes arbres le recouvrent. Au cas où je voudrais allonger ce cou et simplement aérographier en choisissant les couleurs de la scène elle-même. Et puis continuez ces cours manquants avec les pinceaux dont je vous ai parlé tout à l'heure. À ce stade, je vais ajuster rapidement les couleurs pour obtenir le look que je souhaite finalement obtenir. Donc, la première chose que je vais faire, c'est que ce type a l'air trop foncé pour moi. Je veux qu'il soit plus clair Je vais donc passer au montage, à la correction tonale, puis à la saturation de la teinte, à la luminosité. Ensuite, je vais l'alléger et augmenter légèrement la saturation. Et peut-être plus convertie vers le côté cyan. Ça a l'air mieux. Ce changement de couleurs était permanent. Cela change complètement mon image. Mais si je ne le souhaite pas, si je ne suis pas sûre de vouloir un changement de couleur permanent, je peux le faire en utilisant une correction, que nous avons utilisée dans la dernière leçon. Accédez à la nouvelle correction de la couche, puis vous trouverez toutes les options de réglage des couleurs ici. Je choisirai à nouveau une teinte, une saturation et une luminosité. Et je vais faire le même ajustement des couleurs que je viens de faire. Et cliquez sur OK, maintenant tous les ajustements se trouvent sur la nouvelle couche. Je n'ai pas à m'inquiéter de changer définitivement les couleurs de ma photo. Je vais aller sur l'herbe maintenant. Je vais choisir les couleurs de cette herbe qui vient avec les arbres eux-mêmes. À l'aide de ces pinceaux agressifs dont je vous ai parlé, je vais bloquer de l'herbe et je veux que l'herbe paraisse plus foncée à l'arrière qu'à l'avant. Je vais utiliser cette couleur foncée pour le dos et utiliser une transition couleur que je peux choisir entre les deux, grâce à la transparence des outils, puis peindre un peu plus. Mais une chose importante lorsque vous peignez du gazon est de donner une impression de profondeur. Optez toujours pour l' herbe la plus éloignée avec le moins de détails. Et plus elle se rapproche de la caméra, plus vous ajoutez de détails. Par exemple, j'ai ce pinceau solide et agressif, qui serait beau trop près de l'écran. Mais si je l'utilise ici à la fin, cela me donne trop d'informations. Et comme nous en avons parlé dans la première conférence sur la profondeur, plus les choses sont avancées, moins elles ont d'informations et moins elles ont de détails. C'est pourquoi je garde toujours les pinceaux détaillés pour les parties les plus proches et les moins détaillés pour les parties les plus éloignées. En ce qui concerne nos couleurs, je les fais plus froides vers l'arrière-plan et plus chaudes vers le premier plan. Si je veux que cette zone soit plus lumineuse, par exemple , je peux peindre avec ce jaune ou vert plus clair. Mais ce n'est pas le look que je recherche dans cette scène. Je veux toujours mélanger, assortir et suivre les couleurs pour voir à quoi elles ressemblent. Si vous voulez choisir une couleur mais que vous êtes confus, créez toujours un nouveau calque et ajoutez cette couleur , puis réduisez son opacité et voyez à quoi il ressemble. Et vous pouvez également changer le mode de couche et voir si vous trouvez quelque chose qui vous plaît. Par exemple, j'ai aimé ce vert plus chaud et plus foncé, donc je vais l' utiliser dans la scène ici. Je vais créer une nouvelle couche au-dessus tout et ajouter cette agression plus proche de l'écran afin qu'elle couvre tout ce qui se trouve à l'arrière. Je vais réduire légèrement la taille du pinceau au fur et à mesure que je peins le reste de l'herbe pour faire la transition vers la distance. Je peux aussi le faire glisser vers le haut parce que je pense que, de notre point de vue , il serait plus beau, mais je vais devoir le brosser à nouveau puisqu'il est recadré maintenant. Je vais donc le supprimer. Brossez-le à nouveau. Mais en haut. Je peux également varier la forme du pinceau pour le rendre plus intéressant. Je vais changer un peu de couleur. C'est trop saturé. J'ai l'impression. Je vais maintenant revenir aux deux arbres que j'ai initialement ajoutés. Cet arbre est censé se trouver devant cet arbre, mais comme vous pouvez le voir, nous ne pouvons pas vraiment la différence entre eux. Donc, ce que je vais faire, c'est créer une nouvelle couche au-dessus l'arbre sur la droite et l'y accrocher. Ensuite, j'utiliserai un aérographe et je choisirai une couleur cool quelque part ici, comme un bleu grisâtre. Et je vais régler le mode couche pour qu'il se multiplie. Et aérographe légèrement. Voyez-vous la différence maintenant ? Mais la couleur est trop claire, alors je pense que je vais ajouter la couleur plus foncée. Juste un petit peu. J'effacerai la partie supérieure avec une gomme souple. Mais je veux aussi séparer les arbres à l'arrière. Je vais donc créer à nouveau une nouvelle couche. Et donc le mode calque pour multiplier puis aérographier avec cette couleur plus foncée. Maintenant, ce que j'ai en tête, c'est que je veux que la forêt s'assombrit vers la profondeur. Mais si vous recherchez une lumière rouge pour une scène, vous pouvez créer une nouvelle couche au-dessus de ces arbres. Et j'ai dit que le mode couche était peut-être, essayons d'ajouter de la lueur et de choisir peut-être une couleur vert plus clair. Et aérographe. Airbrush, tout. Comme vous pouvez le constater, cela nous donne cette scène de forêt. Si on cache ce type et que l'arrière-plan redevient blanc, ça va être encore plus intéressant, comme si on zoomait, alors scène a déjà l' air sympa. Et nous pouvons également jouer avec les couleurs et les refroidir au fur et à mesure qu'elles approchent de la fin. Mais ce n'est pas le look que je recherche en ce moment. J'opte pour une forêt qui s'assombrit vers la profondeur. Je vais donc ajouter une nouvelle couche et choisir une couleur parmi l'un de ces pinceaux Dark Tree. Il suffit de brosser avec un pinceau dur et d'effacer ces parties. Et maintenant, je vais ajouter une nouvelle couche au-dessus des troncs d'arbres. Et j'utiliserai le feuillage des pinceaux que je vous ai montrés tout à l'heure. Ce pack Leaf. Je choisirai les couleurs des arbres situés à l'arrière et je compléterai les zones manquantes. Je vais choisir une couleur plus foncée et ajouter quelques nuances. Je vais choisir des couleurs plus sombres à partir de l'arrière-plan lui-même, mais je vais les déplacer vers les couleurs froides et les assombrir un peu. Nous pouvons aller jusqu'à une couleur aussi foncée qu'une couleur très proche du noir. Si nous voulons introduire de fortes profondeurs. Je mets ces couches derrière tout. J'ai remarqué que cette couleur noire à la fin était un peu chaude, alors je vais la remplacer par une couleur plus cool. Quelque chose comme ça. Maintenant, je vais également ajouter du feuillage, mais sur le sol je vais utiliser la distance par rapport à un pinceau à ombres et maintenant réduire la taille des particules et du pinceau. Je vais mettre ça derrière tout pour le moment. Ensuite, je vais rendre la couleur un peu plus chaude et brosser le feuillage le plus proche. Cet outil possède la coche de réglage aléatoire des couleurs. Si vous cliquez sur l' icône représentant une clé à molette sous la couleur changeante, vous pouvez voir que le coup de pinceau aléatoire est activé. C'est pourquoi nous obtenons différentes couleurs en fonction des illustrations. Si vous souhaitez désactiver cette option, il vous suffit de la décocher. Et maintenant, nous allons colorier avec la même couleur que vous avez choisie. J'utilise parfois les deux. Cela dépend vraiment de l' effet que je recherche. N'hésitez pas à expérimenter, mais je fais les couleurs manuellement maintenant, donc je les teste au fur et à mesure. Les couleurs sont donc devenues plus vertes et maintenant elles vont devenir plus chaudes. Au premier plan. Utilisez une couleur plus claire. Pour un feuillage plus proche. Je vais revenir au pinceau à feuilles et j' opterai pour une couleur Walmart, quelque chose comme ça. Parce que je veux ajouter quelques reflets au feuillage ici. Mais cette couleur est trop forte. Je vais donc créer une nouvelle couche, réduire l'opacité et voir quelle couleur je peux trouver. Je vais jouer avec la couleur et la rendre plus chaude, plus jaunâtre. Et je veux faire la même chose pour l'ombrage. Je vais transférer ce que j'ai dans cette couche de feuillage vers le bas et peindre à nouveau avec une couleur plus foncée pour voir à quoi cela ressemble. Puis fusionnez le tout. Maintenant, si je veux affiner cela, je peux choisir les couleurs à partir du surlignage lui-même et en appliquer un peu plus sur ces parties pour donner l'impression que le surligné laisse sont au-dessus des zones ombrées. Je peux ajouter un peu plus d'obscurité dans certaines parties pour plus de variation. Et les couleurs. C'est tellement amusant de jouer avec le feuillage. Je peux également ajouter quelques détails supplémentaires à ceux qui se trouvent à l'arrière en créant simplement une nouvelle couche et en la réglant en mode multiplication. Et je vais choisir du vert grisâtre très clair et brosser ces pinceaux. Vous pouvez déjà voir la différence. Nous avons presque terminé sauf que je ne suis pas satisfait de ces arbres à l'avant. Je tiens à les rendre plus distincts, en particulier celui de devant. Je vais essayer d'y ajouter une nouvelle correction. Je vais probablement opter pour l'équilibre des couleurs cette fois. Je vais passer à la couche, la nouvelle couche de correction, puis à la balance des couleurs. Je vais cliquer sur OK, puis sur la couche d' équilibre des couleurs de cet arbre. Ensuite, je l'ouvrirai à nouveau. le menu de balance des couleurs, je peux jouer avec les couleurs des demi-tons, des ombres et des reflets. Donc, par exemple, je veux maintenant jouer avec les points forts. Je veux les rendre plus jaunâtres. Je vais donc faire glisser cette flèche vers le côté jaune. Comme vous pouvez le constater, l'arbre pousse un peu maintenant. J'essaierai aussi le côté rouge. Juste pour voir comment ça se passe. Même chose pour Halftone. Je vais essayer d'utiliser un peu de magenta, mais ça n'a pas l'air bien. Peut-être du rouge. Et les ombres. Je vais faire glisser la souris vers le vert. Cet arbre pousse donc mieux maintenant qu'il ne l'était auparavant. Je peux copier cette couche d'équilibre des couleurs en cliquant avec le bouton droit de la souris, puis en dupliquant et en la faisant glisser vers cet autre arbre. Et je peux jouer avec l'opacité, par exemple la réduire un peu. Je peux également jouer avec leur positionnement. Une dernière chose que je veux faire est créer une nouvelle couche par-dessus tout. Et je choisirai cette couleur de ciel. Et je vais utiliser un aérographe et augmenter la taille de cet aérographe pour obtenir quelque chose comme ça. Et probablement à l'aérographe les bords des arbres. Et peut-être aussi les zones entre les deux. Et puis changez le mode de couche pour passer à l'écran. Ou parfois j'utilise Hard Light, selon ce qui convient le mieux à vos besoins. Je pense que l'écran est assez beau pour le péché. Cela a donc eu un effet atmosphérique. Vous pouvez également appliquer un aérographe derrière ces arbres à l'aérographe. Par exemple, optons pour un aérographe gris, bleu et peut-être légèrement aérographe pour nous donner une sorte d'apparence de brume. Nous pouvons également utiliser couleur gris plus clair et voir à quoi elle ressemble. Cela nous donne de la brume sur tout ce qui se trouve derrière ces arbres de devant. Nous pouvons donc dire que ce scénario dans ce panel peut être considéré comme réalisé. Bien sûr, vous pouvez ajouter d'autres ressources, mieux les affiner, mais j'espère que c' est un bon aperçu de la façon dont vous pouvez créer un arrière-plan rapide avec ces outils incroyables dont nous disposons tout en appliquant les concepts nous avons appris à créer un arrière-plan convaincant. la prochaine leçon, nous utiliserons des actifs et modèles 3D pour créer des scènes artificielles de structures artificielles. 20. 4-5 arrière-plans artificiels: Parlons maintenant des arrière-plans artificiels. Il y a trois choses que je fais lorsque j'ai un fond artificiel à créer. Soit j'utilise un modèle 3D et le logiciel SketchUp, soit je fais mes retouches et Clip Studio Paint. Ou utilisez un modèle 3D directement dans Clip Studio Paint. Et fais aussi mes modifications. Ou utilisez une combinaison des deux. Obtenez une image à partir d'un modèle SketchUp 3D et ajoutez des modèles 3D et Clip Studio Paint lui-même pour compléter ce qui manque en arrière-plan. Dans cette leçon, je veux vous expliquer comment utiliser ces méthodes et vous donner conseils importants sur la façon dont vous pouvez modifier vos arrière-plans pour leur donner un aspect aussi 2D que possible. Parlons donc d'abord de SketchUp. Sketch off en tant que logiciel de modélisation 3D. Et il est très populaire auprès de Grep Two et des créateurs, car vous pouvez créer et utiliser des modèles 3D qui ressemblent à des œuvres d'art en 2D, ce qui les rend parfaitement adaptés aux styles artistiques des drones. Le logiciel que j'utilise ici est SketchUp Pro, qui est la version de bureau, mais il est également livré avec une version Web que vous pouvez également essayer d'utiliser. Mais je ne suis pas sûr qu'il puisse gérer des fichiers lourds. La façon de naviguer entre votre modèle 3D et SketchUp est la suivante. Utilisez la molette de la souris pour zoomer et dézoomer sur votre scène. Et maintenez la molette de la souris enfoncée et cliquez dessus pour faire pivoter votre scène. Tout en maintenant la touche Shift votre clavier enfoncée et la molette de la souris. Vous pouvez parcourir votre scène. Vous pouvez également trouver ces outils de visualisation et de navigation ici , dans la barre d'outils. Mais je trouve que l'utilisation des raccourcis clavier est une alternative beaucoup plus rapide. Ainsi, lorsque vous choisissez la prise de vue que vous souhaitez pour votre scène, pour exporter l'image en haute qualité, accédez à Fichier. Exportez un graphique 2D. Choisissez ensuite votre dossier de destination, nommez votre fichier, puis choisissez le format d'image souhaité. J'opte généralement pour le PNG car c'est le format d'image de la plus haute qualité. Pour modifier la résolution de votre image exportée. Accédez aux options et choisissez la largeur et la hauteur souhaitées à partir d'ici. J'opte généralement pour une grande taille pour garantir une bonne qualité. Plus l'image est grande, meilleure sera la qualité . Parce que ma toile de dessin est déjà assez grande, si vous vous en souvenez, elle mesure 2 400 pixels de large. J'opte donc généralement pour environ le double de ce montant au cas où pour garantir une qualité supérieure. Mais bien sûr, plus la taille de l'image est élevée, plus l'exportation prendra du temps. Assurez-vous donc de choisir une taille que votre ordinateur peut supporter et assurez-vous disposer de cette astuce d' arrière-plan transparent lorsque vous exportez un modèle 3D seul sans votre ordinateur peut supporter et assurez-vous de disposer de cette astuce d' arrière-plan transparent lorsque vous exportez un modèle 3D seul sans arrière-plan afin que vous puissiez facilement le saisir dans Clip Studio Paint. Par exemple, si j'ai un modèle 3D autonome comme celui-ci et que je souhaite exporter la maison uniquement seule sans aucun arrière-plan d'aucune sorte. Tout d'abord, je dois m'assurer que tout est transparent. Je vais donc passer à Modifier, puis décocher le ciel et le sol également s'il était disponible. Ainsi, lorsque j'exporte mon image après avoir choisi de renommer ma destination, je m'assure que l'arrière-plan est transparent et je clique sur OK, puis sur Exporter. Et maintenant, lorsque j'ai ouvert mon image et Clip Studio Paint, elles sont parfaitement transparentes et je peux facilement les utiliser et les inclure dans mes scènes. Maintenant, si vous avez un panneau avec des caractères et un arrière-plan, vous devriez commencer par les caractères ou l'arrière-plan. Personnellement, la plupart du temps, je préfère d' abord exporter la photo d'arrière-plan , puis dessiner les personnages de manière à ce que leurs tailles et leurs angles correspondent à la scène. Disons que vous voulez faire le contraire. Vous avez d'abord dessiné vos personnages, et maintenant vous voulez prendre une photo d'arrière-plan. Vous pouvez certainement essayer de régler manuellement l'angle et regarder d' avant en arrière pour voir si l'angle convient à votre scène. Mais il peut être assez difficile de continuer à faire des allers-retours. Et cela peut devenir frustrant parce que vous devez effectuer plusieurs prises de vue pour bien faire les choses. Heureusement, pour les utilisateurs de Windows, il existe un très joli petit logiciel que vous pouvez installer Cold Feet, non ? Une fois installé, vous pouvez l'utiliser pour rendre les fenêtres de votre logiciel transparentes. vais donc vous montrer comment je vais m'en servir. Je vais accéder à Clip Studio Paint, zoomer sur mon panneau et essayer de le centrer. Ensuite, j'ouvrirai la fenêtre SketchUp au-dessus. Comme le logiciel Retries est installé, je maintiens les touches Ctrl et Shift enfoncées et je clique sur n'importe quel chiffre 1 à 9 pour ajuster la transparence de la fenêtre SketchUp. Donc, quand je l'ai sur neuf, c'est le moins transparent. Et quand je l'ai, c' est le plus transparent. D'habitude, j'opte pour cinq, car c'est 50  % de transparence. De cette façon, je peux voir clairement à la fois le modèle 3D et le croquis. Maintenant que la fenêtre SketchUp est transparente, je peux facilement ajuster le modèle 3D corresponde à la scène que j' ai et aux croquis que j'ai réalisés. Une fois que j'aurai terminé, je le ramènerai à une opacité plus élevée. Je ne sais pas pourquoi, mais je ne peux pas ramener l'opacité de la fenêtre à 100 %. J'ai donc l'habitude de revenir à 90  % et je suppose que je continue à travailler facilement avec le logiciel parce que tout est visible. Mais si vous souhaitez restaurer 100 % d'opacité, vous pouvez enregistrer votre fichier sur cette photo et fermer SketchUp, puis l'ouvrir à nouveau afin conserver l'opacité à 100 %. Mais quoi qu'il en soit, je vais le maintenir à 90 %. Et puisque nous avons parlé d'exporter des images, je voudrais parler d'autre chose. Maintenant, disons que je souhaite explorer le dessin au trait de cette photo au lieu de la version entièrement colorée. Je peux simplement le faire en accédant au style Afficher les visages, Je peux simplement le faire en accédant au puis en choisissant la ligne cachée. Maintenant, je ne peux voir que les lignes de la maison. Je peux donc exporter cette version de dessin au trait seule. Et si je veux explorer la version en couleurs sans les lignes, je peux faire ce qui suit. Accédez au style des visages, ombré par des textures. Et puis revenez au style Afficher les bords et supprimez les bords. Et retournez également à Afficher les profils supprimés de Edgy Style profils supprimés pour obtenir ces paramètres plus rapidement. Vous pouvez enregistrer ce style en accédant à la fenêtre de style ici. Je vais l'appeler couleurs, et j'en écrirai une brève description. Ensuite, je clique sur ce bouton pour créer un nouveau style et l'enregistrer. en va de même pour les lignes de vue, sur lesquelles je vais revenir. Je vais le nommer sous forme de lignes , lui donner une description, puis l'enregistrer. Maintenant, je peux facilement passer de l'une à l' autre sans avoir à suivre ces étapes à chaque fois. Si vous souhaitez ajuster l' épaisseur de vos lignes, passez à Modifier. Et avec ces paramètres de bord, vous pouvez jouer avec ces numéros, ces profils, par exemple en les faisant trois ou en un. Jouez avec ces chiffres jusqu'à obtenir l'épaisseur que vous souhaitez. J'ai copié-collé ces photos dans la scène ici sous forme de couleurs et de dessin au trait. Mais mon dessin au trait semble trop fin sur cette photo Je peux donc simplement le dupliquer en cliquant avec le bouton droit de la souris et en dupliquant le calque , puis le fusionner avec ce bouton. Et s'il n'est pas assez épais pour que je puisse utiliser ce bouton ici, le bouton à effet de bordure, ce bouton ajoute une bordure à n'importe quel élément de votre couche. Je vais le réduire à un, puis je choisirai la couleur de mon dessin au trait et je le colorierai. De cette façon, j'ai rapidement ajusté le poids des lignes. Normalement, je ne préfère pas cette méthode car les lignes semblent trop épaisses maintenant je vais les supprimer. Je n'exporte pas toujours les lignes séparément des couleurs. Je ne le fais que lorsque j'en ai besoin, lorsque les lignes du modèle 3D sont trop noires et que j'ai l' impression qu'elles gâchent le look doux que je recherche. Encore une fois, il s'agit d'une étape facultative. Enfin, la dernière chose dont je veux parler dans SketchUp est le réglage de l'angle de la caméra. Bien que nous puissions certainement le faire manuellement avec nos mains. Si vous voulez, par exemple prendre une photo de face ne sera peut-être pas si facile de le faire correctement manuellement. Jusqu'à présent, certains angles par défaut sont enregistrés dans SketchUp. Il peut les ajuster en passant devant la caméra. Puis des vues standard. Il y a le haut, l'avant et l'arrière, à gauche, droite, et ISO, etc. Supposons que vous souhaitiez prendre une photo avec une à deux points de vue. N'oubliez pas que dans une perspective à deux points, les lignes verticales sont droites. Mais pour cette photo, je peux voir que les lignes verticales sont inclinées. Donc, pour ajuster cette scène selon une perspective à deux points, passez à la caméra, puis à la perspective à deux points. Et maintenant, vous avez une vision en deux points de vue. Je veux vous montrer comment apporter des modifications à cette maison. Faites-en un arrière-plan intéressant. Je vais donc choisir un certain angle, par exemple cet angle, mais je vais le définir comme une perspective à deux points. Je peux également activer les ombres dues au soleil en accédant à Afficher les ombres. Et sous la fenêtre Ombres, je peux régler l' heure de la journée. Et avec cela également, les ombres seront ajustées en fonction de l'angle solaire. Je peux également changer le jour de l'année, car l'angle du soleil est différent selon les jours de l'année. Je peux également ajuster l' intensité de l'obscurité des ombres et la faible luminosité du soleil. Enfin, avant d' exporter ma photo, je souhaite simplement modifier la transparence de ces fenêtres. Ils sont transparents et je peux voir les points de vue de la maison. Mais cela ne me facilitera pas la tâche de les modifier. Je vais donc accéder à Styles, puis à Modifier, puis aux paramètres du visage. Et sous le visage, réglez la transparence du matériau. Et maintenant, le vent n'est pas devenu opaque. Ma photo est enfin prête. Je vais l'exporter dans une image, l' importer dans Clip Studio Paint, le copier-coller sur mon canevas et le placer où je veux. Maintenant, je veux terminer cette scène. Je vais m'en servir juste pour vous montrer comment utiliser les modèles 3D et comment le faire pour la scène globale. Je vais d'abord commencer par importer une image du ciel derrière la maison. Je peux également utiliser celui fourni avec Clip Studio Paint lui-même et le redimensionner. Alors, optez pour celui que vous voulez. Mais j'ai envie d'utiliser celui-ci. Ensuite, je veux ajouter l'arbre. Je vais donc faire glisser cet arbre par défaut de Clip Studio Paint et le placer ici. C'est l'arbre qui couvre ce côté de la maison. Maintenant, je veux ajouter des murs qui entourent la maison. J'ai donc un modèle 3D que j'ai téléchargé depuis les ressources de Clip Studio. Je vais le traîner sur ma scène. Maintenant, je peux ajuster l' angle du mur manuellement et le placer dans la maison. Il existe un moyen plus précis de le faire, c' est pourquoi vous pouvez jouer avec la règle Perspective. Pour cela, cliquez avec le bouton droit sur la règle qui se trouve à côté de la couche 3D et cliquez sur Afficher les règles. Et maintenant, vous pouvez voir que la règle de perspective de cet objet apparaît. Je vais le faire pivoter légèrement pour que nous puissions mieux voir les lignes. Maintenant, je veux ajuster la règle de perspective, mais il y a aussi une grille et je veux la masquer pour pouvoir voir mes lignes correctement. Je vais donc cliquer sur l'icône de la règle ici. Et sous l'outil objet, supprimez le plan x z ici et décochez le niveau fixe des yeux afin de modifier la position de nos points de fuite. Vous pouvez maintenant voir que lorsque nous jouons avec ces lignes, l'angle de l'objet change également. Je vais maintenant ajuster mes points de fuite selon la méthode des directives que je vous ai montrée dans la leçon de perspective. Et je vais utiliser la maison comme référence pour mon point de vue. Je vais réduire l'opacité du mur et enlever l'arbre pour mieux voir. Ce processus peut être frustrant parfois. Pour être honnête, je ne le fais pas toujours, mais je le fais pour vous montrer cette méthode afin que vous puissiez appliquer lorsque vous avez des scènes qui nécessitent perspective parfaite. Pour vérifier si vos points de vue se rejoignent, n'est-ce pas ? Contournez ces lignes directrices et elles devraient s'aligner avec toutes les lignes dans le même angle. Et jusqu'à présent, je trouve que ça a l'air bien. Je vais également vérifier les mensonges de ce côté. Ce côté a besoin d'être ajusté. Ça a l'air assez bon. Maintenant, je vais commencer l'opacité du mur, je vais double-cliquer dessus pour réactiver l'arbre. Et je vais quand même entrer dans la scène. Comme vous pouvez le voir quand je le déplace, il y a maintenant une ombre en dessous qui indique qu' il flotte. Je vais donc simplement cliquer sur ce bouton ici pour le mettre à la terre. Et au lieu de me déplacer sur cette icône, je peux simplement changer sa position à l'aide ces flèches. De cette façon Je peux facilement l'ajuster tout en le gardant bien au sol. À cause de cela, je vais ajuster légèrement l'emplacement des arbres afin de réduire la distance entre le mur et la maison. Depuis que j'ai ajusté la règle de perspective, je peux facilement faire glisser un autre mur, jouer avec cet endroit et continuer à utiliser la laine pour faire le tour de la maison. J'ai également érigé un mur ici. Il y a quelque chose qui cloche avec le mur. Cela ne correspond pas vraiment à mon point de vue. Et c'est un problème que je n'ai pas encore résolu, mais je vais ajuster l'angle manuellement pour l'adapter mieux à la scène. Je peux jouer avec la rotation du mur à partir des paramètres sous Allouer. Je vais jouer avec le grand angle. C'est un problème que je n'ai pas compris. Dissolution, peinture Clip Studio Paint étrangère. Parfois, l'écart entre le modèle 3D et la règle de perspective se brise. Donc maintenant, même si j'ajuste la règle de perspective, le modèle 3D ne change pas. Pour résoudre ce problème, je peux simplement ajouter un point de fuite à l'aide l'outil de point de fuite que je vous ai montré dans la leçon précédente. Je vais donc en mettre un et le faire glisser jusqu'à ce qu'il soit là. Et dupliquez-le et faites-le glisser pour qu'il soit au-dessus de cet autre point de fuite. Et maintenant, j'ai presque les mêmes lignes de grille de perspective. Maintenant, je vais ajouter le dernier mur derrière la maison faire glisser vers le haut et le faire pivoter. Pour celui-ci, je vais le faire manuellement. Depuis que vous l'avez vu, cela peut prendre du temps. Je vais donc désactiver la règle sur les murs précédents et le zoom Dans les paramètres sous Allouer, encore une fois, je vais jouer un peu avec cette rotation pour qu'elle corresponde à mon point de vue directives. Ça a donc l'air assez bon. Je veux ajouter un portail à cette maison. Je vais faire glisser légèrement le modèle 3D du portail, que j'ai également téléchargé depuis Clip Studio Assets, et que j'ai également téléchargé depuis Clip Studio Assets, et son angle de caméra pour qu'il corresponde à celui du mur. J'activerai la règle de perspective je supprimerai le niveau fixe des yeux et nous déplacerons la grille plane x, z. Juste la règle de perspective qui correspond à celle du mur à travers la position allouée à l'autre juge pour le pousser à se trouver devant la maison. Et je vais également le faire pivoter légèrement manuellement pour qu'il corresponde à ma grille de perspective. Encore une fois, vous n'avez pas besoin d'entrer dans les détails. Nous le faisons simplement dans le but de créer un arrière-plan parfait. Mais la plupart du temps, je me contentais de sauter ces étapes et de faire la scène à l'œil nu. Nous en avons fini avec la partie 3D, aldéhyde, les points de fuite. Je vais dupliquer cette couche ici et masquer la copie originale. Et je vais cliquer avec le bouton droit de la souris et pixelliser ce mur pour en faire une image. Parce que je veux supprimer cette partie supplémentaire en utilisant cette couleur de ce mur. Je vais créer une nouvelle couche derrière la maison et remplir manuellement cet espace derrière la maison. Maintenant, je vais ajouter de l'herbe à la scène en créant une nouvelle couche qui se trouve sous tous les murs et également sous la maison. J'ai remarqué que le mur d' ici a une ombre projetée sur le dessus parce qu'il se trouve en dessous du niveau du sol. Si je le place au niveau du sol, le niveau du sol ici, mais que je veux juste faire les choses rapidement maintenant grâce l'outil objet situé sous Appliquer une source de lumière juste pour éliminer les ombres projetées sur le sol, pour supprimer cette ombre en haut. Je vais maintenant créer une nouvelle couche sous mon ciel à l'aide de l'outil de dégradé ici. Je vais choisir le dégradé du premier plan à l'arrière-plan. Et je choisirai ma couleur depuis le premier plan pour être celle-ci. Et je choisirai ma couleur et le fond pour qu'ils soient très clairs ou bleu clair. Et maintenant je vais dessiner un dégradé pour compléter les espaces vides. Et je vais créer une nouvelle couche au-dessus du ciel. Et à l'aide du Cloud ou des pinceaux, je choisirai les couleurs de ces nuages. Et juste pour ajouter rapidement quelques nuages supplémentaires. Je peux maintenant créer une nouvelle couche au-dessus de la maison et des arbres en utilisant la couleur du ciel. Je vais faire la même chose que lors de la dernière leçon. Je vais aérographier les deux et j'ai dit ce mode à l'écran ou à la lumière dure. La lumière dure a l'air plus belle. Dans ce cas, je souhaite ajuster les couleurs de la maison car elles sont grisâtres et je veux qu'elles soient plus bleutées. Je vais donc y superposer la nouvelle correction , puis la balance des couleurs. Avec la balance des couleurs. Je vais ajuster les ombres et les transformer en LU, juste la demi-teinte, et en faire peut-être du cyan ou peut-être un peu de magenta et un peu de bleu. Et les moments forts. Je peux peut-être les mettre un peu jaunâtres. Mais je veux l'appliquer uniquement à la maison, donc je vais couper cette couche. Maintenant, seule la maison a changé. Je ferai de même pour les murs. J'y apporterai une nouvelle correction . Équilibre coloré. Je vais cliquer sur OK, le couper, puis ajuster les couleurs. Rehauts jaunes, ombres, bleutés, demi-tons, également bleutés. Ensuite, je vais le dupliquer et le placer également au-dessus de cette autre couche de murs. Maintenant, je vais ajouter de la texture à l'herbe grâce aux pinceaux agressifs que je vous ai montrés dans la dernière leçon. Je vais changer la couleur de la pointe du pinceau pour avoir une variété de couleurs lorsque je peins. Maintenant, je veux remplacer un peu les fenêtres pour les rendre plus intéressantes. Je vais accéder à la couche maison et sélectionner, puis sélectionner la gamme de couleurs, puis cliquer sur ce bouton et cliquer sur la couleur bleue des fenêtres. Ainsi, avec cet outil, vous sélectionnez tout ce qui est coloré avec ce bleu. Et je veux aussi ajouter l'autre bleu. Je vais donc utiliser cette icône ici pour ajouter à la sélection et aimer à nouveau cette couleur. Maintenant, la plupart de mes fenêtres sont sélectionnées. Et si je veux être très précis, je peux vraiment zoomer et sélectionner cette dernière couleur. Alors maintenant, la majorité de mes fenêtres sont sélectionnées et cliquent. D'accord. Maintenant, je peux voir que certaines des parties supérieures de la maison sont sélectionnées deux fois, mais la plupart du temps, nous n' allons pas les brosser. Ils ne vont donc pas apparaître. Je vais maintenant créer une nouvelle couche au-dessus de la maison. Et à l'aide d'un aérographe, je choisirai une couleur en quelque sorte verdâtre, bleu clair. Et je vais configurer ce nouveau mode de couche pour qu'il se multiplie. Et utiliser l'aérographe comme probablement un aérographe. Certaines parties des fenêtres. Je brosse la partie supérieure car c'est la partie ombrée. Si je désélectionne, vous pouvez voir que les fenêtres avant et après sont plus intéressantes maintenant, mais je vais revenir à la sélection et créer une nouvelle couche en utilisant une couleur bleu très clair. Ou peut-être que je peux choisir la couleur du ciel d'ici. Je peux aérographier d'autres parties des fenêtres pour les rendre plus intéressantes. Alors voyez l'avant et l'après, un dégradé rend vraiment les fenêtres de vos bâtiments plus intéressantes. Je vais juste ajuster les couleurs, par exemple pour cette couche multiple, je veux la rendre moins vive, réduire la saturation et augmenter la luminosité. Et peut-être que je peux le faire glisser pour qu'il soit au-dessus de la couche d'équilibre des couleurs. Et il en va de même pour la couche de surlignage. Je peux le faire glisser ici. Et peut-être que je peux aussi changer ce mode de couche pour ajouter lueur ou une lumière douce. Lumière dure. Vous pouvez expérimenter et voir lequel fonctionne le mieux. Je trouve que la superposition est jolie. Cela a l'air un peu pâle par rapport à la maison. Je vais donc créer une nouvelle couche au-dessus l'arbre, la découper et changer de mode pour la multiplier. Ensuite, je choisirai aussi un bleu moins saturé et plus clair. Et je vais aérographier certaines parties de l'arbre. Je choisirai aussi une couleur plus foncée et plus à l'aérographe. Et le côté des boutons. Et avec une gomme souple, j'effacerai toutes les parties que j'ai l'impression d'avoir trop ombrées. C'est donc l'avant et l'après. Maintenant, ce type a l' air complètement vide derrière ma maison. Je peux donc facilement saisir la ligne d'horizon à partir du matériel de studio Eclipse par défaut et le placer derrière ma maison les règles et tout le reste , sauf devant ce type. Et je vais faire un petit zoom arrière, le redimensionner le déplacer avec l' outil de déplacement, puis le redimensionner à nouveau. Et je vais l'apporter devant les nuages. Bien entendu, ces bâtiments seraient bien plus beaux si j'avais une vue frontale de la maison. Comme ils ont été dessinés pour notre angle de caméra frontal différent angle de caméra frontal je vais simplement les mettre ici pour remplir l'arrière-plan. Et si je souhaite également remplir davantage l'arrière-plan, je peux utiliser un modèle 3D de la collection fournie avec le Clip Studio Paint, en passant à la 3D, puis à l'arrière-plan, puis au boîtier . Et je peux déplacer ce quartier résidentiel. Et la même chose également. Ajustez également cet angle et adaptez-le à l' angle global de la prise de vue. Mais je vais le faire encore une fois trop vite, juste pour faire le point sur le fond. Et je peux dupliquer cette couche et la déplacer ici pour remplir cet espace ici. Je peux soit laisser ces modèles 3D tels quels, soit y apporter quelques modifications. Par exemple, je peux retirer la source lumineuse pour la rendre moins détaillée. Je trouve que le fait de déplacer la source lumineuse donne parfois aux modèles 3D un aspect moins 3D. D'ailleurs, les maisons et les bâtiments sont maintenant bleutés et s'estompent avec l' atmosphère, car nous avons déjà appliqué une couche à l'aérographe avec un mode lumière dure. Mais si je retire cette couche à l' aérographe, vous pouvez voir que leurs couleurs sont vives. activation de cette option les a donc vraiment aidés à pénétrer dans l' atmosphère, ce qui leur a permis de les aérographier davantage en créant une couche découpée sur les deux et en les réglant sur une lumière dure ou un écran. Encore une fois, selon ce qui vous semble le plus beau, et estompez-les encore plus pour mettre l'accent sur la maison que j'ai ici. Bien sûr, vous pouvez effectuer d'autres modifications, par exemple, nous pouvons ajouter une nouvelle couche par-dessus tout, avec une couleur jaune et peut-être vous pouvez appliquer un peu de soleil à l' aérographe . Et nous pouvons essayer différents modes de couches, par exemple essayer la lumière dure, ou peut-être la lumière douce, la superposition d'un écran ou l'ajout de lueur. La lueur est trop puissante, mais c'est à ce moment-là que vous voulez une journée très ensoleillée. Je pense que je vais opter pour la superposition. C'est ce que je préfère. Et je peux continuer à appliquer davantage d'aérographe pour donner cette sensation de soleil. Et je peux également réduire l'opacité si elle est trop vive. Cette scène est presque terminée. Si nous le regardons d'ici, nous pouvons encore ajouter d'autres éléments, comme un trottoir, des lampadaires ou des choses comme ça. Mais je vais m'en tenir à ce stade, car pour vraiment approfondir les arrière-plans et les modifier, il faudrait suivre un cours en soi, car il y a tellement de choses à dire. Mais une dernière fonctionnalité dont je voudrais vous parler est une fonctionnalité disponible uniquement dans la version x de Clip Studio Paint, qui extrait des lignes à partir de modèles 3D. Par exemple, disons que je voulais extraire les lignes des murs d'ici. Ensuite, je vais accéder à cette couche murale et, sous la fenêtre des propriétés de la couche, cliquez sur ce bouton ici, qui correspond à la ligne d'extraction. En cliquant dessus, vous verrez que vous obtiendrez un aperçu des lignes de votre couche. Il y a tellement de paramètres pour cet outil, mais j'ai réglé le mien comme suit. Si vous êtes satisfait de l'apparence de tout, cliquez sur Convertir la couche 2, lignes et tons, puis saisissez ces chiffres si vous souhaitez obtenir des résultats similaires à ceux du vin. Puis cliquez sur OK. Une fois que vous aurez cliqué sur OK, un nouveau groupe sera formé. L'un d'eux a le contour ou les lignes de votre image. Le second montre des tonnes de votre couche à l'écran. Et le troisième est rempli de tout. Ainsi, lorsqu'il extrait des lignes, il surmonte immédiatement le modèle 3D ou l'image que vous aviez précédemment. Je vais donc l'activer à nouveau , revenir au calque et supprimer l'option de ligne d'extraction pour récupérer à nouveau mon image. Et je vais activer ce dossier dans un nouveau dossier. Mais je vais supprimer la couche sonore car je n'en ai pas besoin. Et je supprimerai également la couche de remplissage car je n'en ai pas besoin dans ce cas, fais-le. J'ai obtenu les contours de mon image si rapidement et facilement. Si je souhaite modifier les couleurs de ce contour, je peux modifier la couleur d'expression de la propriété layer under layer de gris à couleur. Et je peux choisir la couleur que je veux, par exemple, je choisirai la couleur de mon dessin au trait puis je passerai à Modifier, Convertir pour dessiner et colorier. Et maintenant que mon mur a été coloré avec la couleur que j'ai choisie pour tracer des lignes de guerre terrestre avec votre arrière-plan, vous pouvez réduire l'opacité et peut-être changer le mode de calque pour le multiplier. Et peut-être aussi ajuster les couleurs des couches et voir à quoi cela ressemble. Vous pouvez extraire des mensonges non seulement à partir d' images, mais également à partir de modèles 3D. Donc, si nous allons dans les maisons situées à l'arrière, nous pouvons également extraire leurs lignes de la même manière. Je vais donc cliquer sur Convertir, puis sur OK, puis masquer le plan et masquer le remplissage. Et maintenant, je n'ai que les contours des maisons. C'est une fonctionnalité très utile que j'utilise beaucoup, en particulier pour les arrière-plans des environnements intérieurs. Par exemple, ce lit était un modèle 3D que j'ai converti en lignes pour donner l'impression que l'oreiller était également en 3D. Et ces tiroirs étaient également en 3D. Et le magasin était également un modèle 3D. Mais en extrayant les lignes, je pourrais facilement les convertir en une image 2D. Et j'ai fait des retouches, et c'est ainsi que j'ai construit toute cette scène. Enfin, et avant de terminer cette leçon, je voulais juste vous parler de l'astuce qui peut être utile lorsque vous souhaitez ajouter caractères à votre arrière-plan pour savoir comment les placer correctement. Bien entendu, vous pouvez désormais utiliser les figurines 3D de Clip Studio Paint et ajuster leurs angles en conséquence afin qu' elles correspondent à la scène. Mais si vous voulez le gratter à main levée, je trouve ces étapes très utiles, en particulier pour les personnages assis. En gros, dessinez où se trouverait le bas de votre personnage. Et puis dessinez leurs pieds sur le sol , puis connectez-les. Et c'est ainsi que vous pouvez facilement placer votre personnage et le placer bien assis sur la chaise. Le même conseil était également très utile pour les personnages ivres assis sur un vélo. Je l'ai fait à nouveau en dessinant d'abord le bas du personnage, puis les pieds. Et puis connectez les deux. Je vais juste rendre l' arrière-plan plus transparent. Vous pouvez voir plus clairement ce qui se passe. Oui. J'ai placé le bas et les pieds. Et je place aussi les mains sur le vélo. Et maintenant, connectez simplement les choses entre elles. Bien entendu, l'utilisation de références vous aidera vraiment à obtenir un diplôme de troisième cycle et cela est parfois nécessaire. Mais là encore, c'est un bon outil pour placer rapidement et facilement vos personnages sur des objets. J'espère que vous avez trouvé tous ces conseils utiles. Et c'est vraiment le moment pour vous d'explorer tous les outils dont nous avons parlé et de commencer à créer vos superbes arrière-plans. Dans la prochaine leçon, je vais vous parler de sites Web utiles sur lesquels vous pouvez télécharger nombreuses ressources utiles, à partir desquelles il s' modèles 3D, de pinceaux ou de matériaux d'image. 21. 4-6 sources pour obtenir des actifs: Très bien, maintenant je voudrais vous dire où je trouve le S pour mon arrière-plan, qu'il s'agisse d'images, de modèles 3D ou de pinceaux. Lorsque je recherche un actif en particulier, je consulte plusieurs sites Web et plateformes jusqu'à ce que je trouve les actifs les mieux adaptés à mes besoins. Dans cette leçon, je voudrais donc vous présenter ces ressources. La source numéro un, celle que j'ai mentionnée plusieurs reprises tout au long de ce cours, les actifs de Clip Studio. Comme je vous l'ai dit, Clip Studio Assets propose à la fois des actifs gratuits et payants. Vous pouvez donc toujours vérifier d'abord les actifs gratuits, et si vous ne trouvez pas ce que vous recherchez, vous pouvez vérifier les actifs payants. Bien entendu, les atouts qui se trouvent ici ne concernent pas uniquement les arrière-plans, mais aussi tout, qu'il s'agisse de la conception des personnages, de nos effets spéciaux nos cartes dégradées, vous pouvez trouver tellement de choses incroyables. J'ai pris l'habitude de le consulter de temps en temps et télécharger ou favoris les articles qui m'intéressent. La prochaine destination que j' adore vraiment et qui m' a beaucoup fait économiser particulier grâce aux arrière-plans de ma chanson Web, est une escroquerie en 3D. Acorn 3D est un site Web d'actifs spécialement conçu pour le Web Two et les créateurs. Ils proposent des modèles SketchUp 3D qui ont été conçus principalement pour le Web et l'actualité. Vous pouvez trouver tellement de choses intéressantes avec des thèmes différents. Ils ont non seulement des modèles SketchUp, mais ils ont également des modèles 3D et d'autres formats. Et ils vendent également des pinceaux, des packs d'images des effets sonores et bien d'autres choses utiles. Ce site Web contiendra probablement ce que vous recherchez. Et d'ailleurs, Echo 3D collabore avec moi et offre un petit cadeau à cette classe. En tant que participants, vous pouvez appliquer un code promo sous mon nom, cluvious, et bénéficier d'une réduction de deux dollars sur votre commande. Pour appliquer votre coupon, vous devez avoir un compte sur le site Web. Une fois que vous vous êtes inscrit et connecté, allez sur ma page, puis sur la page d'accueil de l'utilisateur, puis cliquez sur Appliquer le coupon ici. Lorsque vous êtes ici, vous cliquez sur Appliquer le coupon. Et une fois que vous aurez fait cela, vous serez prêt à l' appliquer lors de votre départ. La prochaine œuvre vraiment utile à un actif est la boutique agit de ce site Web appelé BG Outlet, mais l'adresse du site Web s' appelle Ginny x.com. Ce site Web est en japonais, mais vous pouvez toujours le traduire en anglais à l'aide traducteur Google afin de vous y retrouver. Ce site Web propose également de nombreux modèles 3D, ce soit au format SketchUp ou dans d'autres formats. Et il contient également d'incroyables ressources d'image provenant de ce site Web. Plus précisément, j'ai acheté les images d'arbres, de rochers et d' herbe que je vous ai montrées dans la leçon sur les scénarios naturels. Ils vendent également certains de leurs produits sur ce stand, également en japonais, mais vous pouvez toujours le traduire en anglais et vous y retrouver. Il existe deux autres sites Web qui vendent des actifs à Web Two. Pour être honnête, je ne les ai pas essayés personnellement, mais je tiens tout de même à vous les mentionner car vous pourriez les trouver utiles. Le premier est le point de pixel sc. Ils semblent également avoir un clip Studio, des actifs et SketchUp, des pinceaux et des ressources d'image. Vous pouvez donc jeter un œil à ce qu'ils ont. Et le second s' appelle 3D Web two dans la boutique en ligne, qui est en coréen, mais vous pouvez également le traduire en anglais et vous y retrouver. Ils semblent vendre principalement des modèles 3D spécialement conçus pour SketchUp. Un autre site Web que je voudrais présenter à son pistolet de gomme rugissait ressemble une place de marché numérique permettant aux créateurs publier leurs produits et actifs numériques. Vous pouvez donc trouver de nombreux pinceaux et ressources intéressants. Si vous recherchez du dessin et peinture, puis Clip Studio Paint Je n'ai pas essayé d'en acheter jusqu'à présent, mais pack de feuilles de pinceaux que je vous ai montré dans la leçon sur les scénarios naturels pendant que je suis sur ce site Web. Et vous pouvez certainement trouver tellement de choses, pas seulement pour Clip Studio Paint, mais aussi pour d'autres applications. Supposons maintenant que vous recherchez un modèle 3D en particulier, mais que vous ne trouviez rien utile sur les sites Web précédents Il existe d'autres sites Web sur lesquels je vous recommande de faire une recherche. Le premier s'appelle Turbo Squid, vous pouvez rechercher ce que vous voulez. Par exemple, je vais chercher Animus Cool. Ensuite, vous pouvez choisir le format de votre modèle 3D, par exemple, je vais vérifier les modèles SketchUp. Et vous pouvez voir qu'ils ont plus de modèles 3D à vendre, qui sont également très jolis. Il existe également un Sketchfab. Vous pouvez également trouver des modèles 3D ici, les acheter et les utiliser. Mais je suppose que ces modèles 3D plus sophistiqués doivent être ouverts dans un logiciel de modélisation 3D. Pour cela, je ne recommanderais pas un logiciel plus que Blender. Blender est un logiciel de modélisation 3D gratuit et open source. Et vous pouvez ouvrir de nombreux formats de modèles 3D. Honnêtement, Blender est un monde à part entière. Personnellement, je voudrais m' y intéresser parce qu'il y a tellement de choses intéressantes à explorer et à faire. Mais disons que même après cela, vous ne trouvez toujours pas l' environnement que vous souhaitez, alors je peux vous recommander une dernière option, qui est mon dernier recours, lorsque je ne trouve vraiment pas ce que je suis à la recherche d'un autre endroit, que nous utiliserons des moteurs de jeu tels que Unreal Engine et Unity. Les deux moteurs de jeu ont leurs propres atouts, des étoiles, et les deux ont des modèles 3D vraiment incroyables et intéressants. Beaucoup d'entre eux sont conçus spécifiquement pour les jeux, ce sont donc des modèles 3D réalistes. Mais vous pouvez également trouver des arrière-plans et des environnements intéressants, comme celui-ci, par exemple sur le Unity Asset Store. Et celui-ci, par exemple que j'ai trouvé dans le magasin d'acides Unreal Engine. Maintenant, utiliser des moteurs de jeu est une toute autre histoire. C'est vraiment hors du cadre de ce cours, mais c'est un chemin ou un parcours que je voulais vous présenter afin que vous ayez cette option en tête. C'est vraiment incroyable de garder l'esprit ouvert pour explorer nouvelles choses et découvrir de nouvelles choses et découvrir le monde des jumeaux en ligne. Et vous remarquerez qu'au fur et à mesure que vous travaillerez sur votre bande dessinée, vous élargirez vos horizons au fur et à mesure. C'est donc vraiment cool de voir tout ce que tu apprends en cours de route parce que tu dessines, j'ai pleuré. J'espère que ces ressources vous seront utiles. Maintenant que nous avons fini de parler des antécédents, dans le prochain chapitre, nous aborderons la partie intéressante créer l'ambiance dans nos panels. Dans la prochaine leçon, nous parlerons donc des réglages des couleurs. 22. 5-1 Ajustements des couleurs: Très bien, nous allons enfin commencer à parler des réglages des couleurs Ajuster les couleurs une fois que vous avez fini de dessiner et de colorier peut vraiment améliorer encore votre scène et la rendre plus intéressante. Dans cette leçon, je souhaite parler davantage couches de réglage des couleurs que nous avons légèrement passées en revue dans les leçons précédentes. Donc, en gros, si vous vous en souvenez, il existe une couche d'ajustements que nous pouvons ajouter à partir de la couche, puis une nouvelle connexion. Et puis nous pouvons voir toutes ces options pour les réglages de couleur. Ou nous pouvons ajouter les ajustements de couleur immédiatement sur le calque lui-même en accédant à Modifier la correction tonale. Ensuite, nous aurons les mêmes paramètres, mais ils seront appliqués à la couche elle-même. C'est pourquoi j'utilise généralement la couche de correction, car c'est quelque chose que je peux supprimer, ajuster et utiliser quand je le souhaite. Explorons donc les options de correction dont nous disposons. Tout d'abord, nous avons le contraste de luminosité. En utilisant celui-ci, vous pouvez réduire ou augmenter la luminosité de votre scène. Et vous pouvez également jouer avec le contraste de votre scène. Personnellement, je ne l'utilise presque jamais dans mes panneaux de tonalité de travail. Le suivant est la luminosité de saturation des teintes, dont nous avons déjà parlé. Vous pouvez jouer avec la teinte, la saturation et la luminosité des couleurs de votre image. Je l'utilise rarement, sauf pour le montage. Ce type est comme je te l'ai montré dans les leçons précédentes. Ensuite, nous avons la pasteurisation, qui réduit en quelque sorte les couleurs et fait ressembler le dégradé à des morceaux de couleurs. Au lieu de cela. être honnête, je n'utilise pas celui-ci non plus. Ensuite, il y a l'inversion du dégradé, qui inverse les couleurs. C'est un effet vraiment cool qui peut être utilisé à des fins dramatiques, par exemple ajouter de l'intensité du choc à votre scène. Je pense que c'est vraiment intéressant. Vous pouvez bien sûr jouer avec l'opacité de la couche de correction et également jouer avec le mode calque. Pour te montrer ce que je veux dire par là, c' est une bonne chose pour notre ado de choc. Si nous appliquons le dégradé inversé ici, vous pouvez immédiatement sentir que le choc est devenu plus intense. Ensuite, nous avons la correction de niveau. Donc, ici, nous avons trois flèches. En faisant glisser la flèche qui se trouve du côté droit vers la gauche, les parties claires de mon image seront plus claires. En faisant glisser le curseur vers la gauche, je me dirige vers ce côté, cela assombrit les parties sombres de mon image. Et en faisant glisser celle qui se trouve entre les deux , par exemple vers la gauche, cela rend les parties sombres plus claires. Et le faire glisser vers la droite assombrit les parties claires. Ici, nous avons ces deux flèches. En faisant glisser cette flèche , les couleurs claires de mon image seront redirigées vers le côté gris. De même, si je fais glisser le noir vers le gris, parties sombres seront également vers le gris et les éclairciront. Si je rapproche ces deux flèches l'une de l' autre, mon image va la transférer dans une version grisâtre. Si je clique dessus ici, je verrai que je contrôlais le RGB. Rouge, vert, bleu, c'est-à-dire toutes les couleurs de mon image. Mais je peux également contrôler les couleurs séparément, car les couleurs à l' écran sont composées de composants rouges, verts et bleus. Je peux donc modifier chacun d'eux individuellement. Par exemple, si je joue avec le canal rouge, je peux introduire plus de rougeurs et en soustraire les rougeurs. Et je peux obtenir des résultats intéressants. Si je joue avec. En fait, lorsque vous ajustez les couleurs, il suffit de jouer avec les curseurs jusqu'à ce que tout commence à être correct. Mais je voudrais parler davantage des chaînes situées sous la courbe de ton. La courbe des tons est très similaire aux niveaux, sauf que vous pouvez contrôler les couleurs avec plus de précision ou plus de détails. Donc, si nous regardons ici, nous avons un graphique dont le côté I représente les couleurs claires et le côté gauche représente les couleurs sombres. Et au milieu, nous avons les tons moyens. En faisant glisser des objets vers le haut, je vais leur donner de la légèreté. En les faisant glisser vers le bas. Je vais leur ajouter de l'obscurité ou leur soustraire luminosité en cliquant sur Réinitialiser ici, je peux revenir à mon point de départ. Cela signifie que puisque j'ai les parties claires ici et les parties sombres ici, je peux bien jouer avec les couleurs de l'image. Par exemple, si je fais glisser la courbe vers le bas ici, je crée l'obscurité couleurs plus foncées car c' est le côté sombre et en faisant glisser vers le bas des couleurs mélangées plus foncées. Si je l'élève vers le haut, j'éclaircirai les couleurs claires. Et l'inverse peut également fonctionner. Cela rend la couleur claire plus foncée et les couleurs foncées plus claires. Ils se déplacent donc en quelque sorte vers le gris. Mais nous pouvons l'utiliser en termes simples simplement pour introduire des effets intéressants. Il suffit vraiment de jouer avec et de voir quels résultats vous aimez. Personnellement, je trouve que la courbe de ton est très utile pour faire en sorte que mon personnage se fond dans l'arrière-plan. Par exemple, les couleurs de mes personnages ici sont bleutées, mais l'arrière-plan est vert et jaunâtre. Et je veux ajuster ses couleurs pour qu' il s'intègre mieux à l'arrière-plan. Je vais donc cliquer sur OK, et j'ai la couche de courbe des tons ici. Je vais le placer dans le dossier des couches de mes personnages. Et maintenant, je vais y revenir en double-cliquant. Et je veux jouer avec les chaînes plutôt qu'avec toutes les couleurs à la fois. Nous avons donc également des chaînes ici. Nous avons le rouge, le vert, le bleu, ou nous pouvons contrôler toutes les couleurs du côté RGB. Mais je vais, par exemple, passer au rouge. C'est pareil. Si je fais glisser le pointeur vers le haut, je vais l'ajouter à mon image. Si je fais glisser le pointeur vers le bas, je vais encore soustraire et soustraire le rouge me donne du bleu. Je vais le réinitialiser et vous montrer comment c'est pour les autres couleurs. Pour le vert, si je fais glisser le pointeur vers le haut puis que j'ajoute le vert, si je fais glisser le pointeur vers le bas , je soustrais le vert, ce qui me donne des couleurs rougeâtres, mais je dirais plutôt une couleur magenta. Enfin, pour un bleu, en faisant glisser les couleurs vers le haut, les couleurs vers le bleu, et en les faisant glisser vers le bas, les amène vers le vert. Je vais réinitialiser. Et je veux que mes couleurs soient verdâtres. Je vais donc leur soustraire le bleu. Je vais donc ajuster mes couleurs. Descendez la courbe petit à petit et voyez à quoi elle ressemble. Comme vous pouvez le constater très rapidement, j'ai ajusté les couleurs et il y a maintenant du beurre de fond plus intéressant et beaucoup plus important. Mais je pense que je vais également ajouter du rouge aux reflets, principalement en soustrayant les ombres. Et peut-être ajouter du bleu aux ombres. Je pense que le personnage est bien plus beau maintenant qu'il ne l'était avant. Il se fond mieux dans le fond. Mais si je souhaite effectuer d' autres ajustements et affiner davantage ces couleurs j'utilise une autre couche de réglage des couleurs intéressante, à savoir l'équilibre des couleurs. Nous l'utilisons un peu auparavant, mais je vais l'examiner plus en profondeur maintenant. Cliquez tout de même sur OK et attachez-le à mon personnage, car je veux me concentrer sur l'ajustement des couleurs de mon personnage avant les couleurs générales. Je vais donc double-cliquer pour revenir au menu. Maintenant, pour le menu de balance des couleurs, les couleurs sont divisées en trois options. Je peux modifier les ombres, les demi-tons et les tons clairs. Il figure toujours par défaut dans le menu des demi-tons Les demi-tons sont similaires aux tons moyens ou aux tons généraux généraux de l'image. Je n'aime pas commencer par ça en premier. J'aimerais commencer par les ombres. Et d'habitude, j'aime orienter légèrement mes ombres vers le bleu pour voir à quoi elles ressemblent, et parfois vers le magenta. Mais cette scène ne s'annonce pas très belle. Je pense que je dois les emmener vers le vert et peut-être ajouter du bleu. Donc, en orientant les couleurs vers n'importe quel côté de ces couleurs, nous ajouterons plus de couleur. Donc, si je fais glisser ceci, la lecture sera ajoutée à mes ombres. Si je le fais glisser sur toi, cyan sera ajouté à mes ombres et ainsi de suite. C'est un concept très simple. Je pense qu'il est beau maintenant, mais je vais passer aux points forts et ajouter du jaune. J'ai essayé de faire ce contraste entre les ombres et les reflets. J'aime généralement conserver les reflets avec des couleurs chaudes, les ombres avec des couleurs froides. J'oriente donc les reflets vers la barre oblique jaune, parfois verte, puis vers les ombres. Je les emmène vers le bleu pour avoir cet équilibre entre couleurs froides et chaudes. Enfin, je peux ajuster les tons moyens et voir à quoi ils ressemblent. Cliquez ensuite sur OK. Et je peux voir l' avant et l'après. Je pense que c'est plus beau maintenant, mais je peux simplement réduire l'opacité de la couche d'équilibre des couleurs. Et je peux également ajouter une couche d' équilibre des couleurs pour l'ensemble de l'image, au-dessus de tout ce qui se trouve dans mon panneau. À cette étape, je fais également glisser les ombres vers le bleu. Parfois, peut-être du magenta ou du cyan, vers les couleurs froides, en gros, les reflets vers le jaune et peut-être du rouge. Mais encore une fois, cela devient trop vif. C'est juste pour expliquer. Est-ce que tu peux voir l' avant et l'après ? Et vous pouvez toujours jouer avec l'opacité et la réduire autant que vous le souhaitez. En ce qui concerne le réglage des couleurs par binarisation. Je ne l'utilise pas vraiment pour obtenir un effet noir et blanc sur votre image. Et je ne l' utilise pas particulièrement dans mes bandes dessinées. Enfin, la couche de réglage des couleurs de la carte de dégradé, dont nous avons déjà parlé dans la leçon, où nous convertissons en arrière-plans de gris dans leur version colorée. J'aime toujours jouer avec les cartes dégradées, réduire l'opacité et jouer avec modes de mélange pour voir quels effets je peux obtenir. Il s'agissait donc de couches de réglage des couleurs, mais nous pouvons également utiliser des dégradés pour apporter un bel effet à notre panneau. Et je vais sélectionner mon panneau à l'aide de l'outil de cadrage afin de créer le dégradé uniquement dans cette zone. Je vais passer à l'outil de dégradé. Et je peux utiliser n'importe lequel de ces dégradés par défaut que j'ai. Et je vais maintenir Shift enfoncé pour créer un dégradé. Je peux jouer avec les propriétés de la couche. Comme vous pouvez le constater, je peux obtenir des résultats très intéressants même si je ne fais que traîner les choses. J'aime particulièrement utiliser une lumière dure ou douce ou une superposition. Cela peut immédiatement rendre votre panneau plus intéressant. Maintenant, ce n'est peut-être pas si évident pour ce panel parce que ce n'est pas pertinent. Mais si je vous montre ce panneau ici, le personnage est beau avec l'arrière-plan. Mais après avoir appliqué une superposition dégradée, l'ensemble du panneau a commencé à paraître plus intéressant. J'ai appliqué ici une superposition dégradée, allant du violet à l'orange et au jaune. Et j'en ai fait deux copies. L'un d'eux, je l' ai réglé sur la gravure couleur, et l'un d'eux, je l' ai réglé sur la gravure linéaire. Et bien sûr, je l'ai trouvé après avoir joué avec les paramètres et vu ce qui semblait le plus intéressant. Voici un autre exemple d' un autre panneau que j'ai rendu plus intense en ajoutant un léger dégradé de lumière allant du bleu foncé au rouge pour donner cette sensation intense et donner au panneau un aspect plus élégant. efficace. Essayez donc de jouer avec toutes les options dont j'ai parlé, et vous verrez immédiatement un effet positif sur vos œuvres d'art. Dans la prochaine leçon, nous parlerons ajout d'éclairage et d' ombrage à vos panneaux. 23. 5-2 Éclairage et ombrage: Dans cette leçon, je vais vous montrer comment ajouter des effets d'éclairage et d'ombrage si rapidement pour rendre immédiatement votre panneau plus intéressant Je vais utiliser ce panneau comme exemple. Je voudrais vous présenter l' effet selon lequel ce type sort de l'ombre vers un endroit ensoleillé. Pour ajouter cet effet, j'ai créé une nouvelle couche de clips. Et je vais choisir une couleur un peu violacée pâle. Et en utilisant un pinceau normal, je vais brosser, par exemple la partie supérieure de sa tête. Ensuite, je changerai ce mode de couche pour le multiplier. Donc, avant et après, je peux immédiatement sentir que c'est une partie ombragée et que c' est une partie ensoleillée. Je peux également utiliser l'outil de flou en allant ici et en choisissant le flou. Ensuite, avec cet outil, je peux estomper les bords de mon pare-soleil car il s'agit d'une teinte provenant d'une cheminée. Donc, le lisser indique qu'il s' agit d'une source de lumière lointaine. Je peux également verrouiller cette couche et l'aérographe. Eh bien, choisissez une couleur très chaude ici, par exemple une couleur rougeâtre claire. Et je peux simplement aérographier le bord de l'abat-jour pour obtenir une transition entre la couleur d'ombrage et la couleur du soleil. Je peux également introduire une couleur plus froide et les ombres, par exemple. peux utiliser ce bleu pâle et foncé et un aérographe ici. Ma couche d'ombrage ressemble donc à ceci maintenant Au lieu d'être simplement violet pâle, j'ai introduit une touche de couleur chaude sur le bord et une vue d'ensemble des couleurs plus foncées. Et je peux en ajouter encore plus, puis le ramener pour le multiplier. C'était donc la première chose à faire. Nous pouvons également rendre l'effet d'éclairage plus spectaculaire en ajoutant une nouvelle couche par-dessus tout sans avoir à la couper sur tout sans avoir à la couper le personnage et en choisissant une couleur jaunâtre, jaune barre oblique orange, quelque chose comme ça. Avec un aérographe. Je peux aérographier ici. Et pour les moments forts, j'essaie les modes suivants, par exemple color, esquive, glow, esquive, the glow, hard light, parfois superposition. Mais pour cette scène en particulier, je pense que je vais utiliser une couleur plus jaunâtre, moins claire et aérographe, et la régler plutôt pour ajouter de la lueur, par exemple, vous pouvez immédiatement voir cela dramatique effet se produisant ou lumière dure. Ce sont mes modes de couches préférés. Si je veux opter pour une lumière dure, j'utiliserai une couleur légèrement plus claire. Ensuite, je peux également créer une nouvelle couche et utiliser une combinaison des deux. Donc un peu de lumière dure et un peu de lueur. Cela m'a donc donné un éclairage intense. En général, à la lumière du jour, j'utilise des couleurs chaudes pour les lumières, par exemple du jaune au rouge. Et pour les ombres, j'utilise des couleurs froides allant du violet au bleu. Je vais donc choisir une couleur bleutée, une couleur bleuâtre pâle et plus foncée comme celle-ci. Et je vais créer une nouvelle couche et régler le mode pour qu'il se multiplie. Et passez ici à l'aérographe le côté obscur pour le rendre plus sombre. Alors maintenant, avec ces trois couches simples, j'ai immédiatement introduit cet éclairage intéressant. Ou au lieu de multiplier, je peux aussi utiliser une lumière dure et utiliser une couleur plus foncée, car mode Hard Light Layer projette en quelque sorte la couleur que vous avez sur vos couleurs. Choisir une couleur foncée et saturée peut donc me permettre d'introduire cet effet. Si je compare cela à l'utilisation de la multiplication, la multiplication semble moins vive, mais Hard Light possède cette vivacité. Je peux également utiliser Linear Burn, notre gravure de couleurs. Vous pouvez faire de nombreuses expériences avec modes de couches et voir ce que vous pouvez trouver d'intéressant. Et jouez toujours avec opacités et voyez quels effets vous obtenez. Bien entendu, vous pouvez ajuster l'équilibre général de votre panneau à l' aide de l'outil de balance des couleurs, en faisant glisser les reflets, les visites, ombres jaunes, peut-être vers le bleu, magenta, et voir à quel point cela semble plus intéressant . Maintenant, un autre effet sympa que j' aime beaucoup utiliser est la création d'un éclairage intense, qui est très simple à ajouter. Je vais donc créer une nouvelle couche de clips sur mon personnage et la configurer pour qu' elle se multiplie. Ensuite, je choisirai la couleur que je préfère, par exemple , opter pour un look violacé avec un pinceau. Je peux simplement brosser ma scène, puis effacer les bords du personnage pour indiquer qu'il s'agit d'un rétroéclairage et qu' il y a un effet d'éclairage intense. Après avoir soustrait les parties surlignées, vous pouvez les ajuster à nouveau avec votre stylet, comme nous l'avons fait précédemment dans la partie d'ombrage. Si vous ne souhaitez pas soustraire directement votre couche d'ombre, vous pouvez créer un masque de couche en cliquant sur votre ombrage, puis en cliquant sur ce bouton ici, Créer Superposez le masque , puis effacez les éléments. Notre peinture. Pour le ramener, quelle que soit la couleur que vous avez choisie, il sera tout de même recouvert de peinture. Et vous pouvez également utiliser une gomme souple pour atténuer l'intensité de l' environnement. L'avantage des masques de couches est que vous pouvez cliquer avec le bouton droit sur le masque et décocher la case Activer le masque. Cela signifie donc que toutes les courses se sont déroulées sur le masque lui-même. Vous pouvez donc facilement le modifier à tout moment, même si, par exemple vous apportez des modifications à la couche d'ombrage de base, par exemple, nous pouvons ajouter du rouge et du bleu. Cela signifie que j'y fais de l'ombre. Et pour l'instant, ça ressemble à ça. Mais en jouant avec les nuances du masque lui-même, je peux les modifier si facilement. Et pour rendre l'éclairage encore plus spectaculaire, vous pouvez créer une autre couche et régler son mode pour qu'il soit multiplié et peut-être aérographié également sur la partie centrale du personnage. Et pour le rendre encore plus intense, vous pouvez créer une nouvelle couche de clips et la modifier. Il s'agit plutôt d'ajouter de la lueur puis de choisir une couleur pour nos reflets, par exemple cette couleur orangée. Ensuite, vous pouvez ajouter des points forts. Cela donne l'impression qu'il y a un rétroéclairage de couleur jaune. Et bien sûr, vous pouvez assombrir vos teintes pour augmenter ce contraste. Cela donne à vos points forts une apparence plus efficace. Et jouez avec l'opacité des points forts, etc. C'est vraiment très amusant de jouer avec les couleurs et l'éclairage. C'est vraiment ma partie préférée car j'en ai utilisé le plus possible, c'est ainsi que j'ai pu créer ce type d'éclairage. J'utilise des méthodes similaires, ombrant d' abord les caractères, puis en ajoutant reflets sur leurs bords ajouter une couche luminescente ou une couche de lumière dure. Dans cet exemple, les surlignements sont bleus. J'ai donc ajouté une couleur cyan avec une lumière dure sur le bord du personnage. Et puis j'ai ajouté une couche Glow Dodge, toujours de la même couleur. Et puis j'ai ajouté une couche multiple ici avec une couleur bleu pâle. C'est aussi ainsi que j'ai créé ces pouvoirs avec Louis en ajoutant une couche d'esquive lumineuse en plus de la puissance. J'ai également créé ce globe de personnage en ajoutant une couche d'esquive lumineuse au-dessus de lui uniquement pour introduire cet effet. L'utilisation de plusieurs couches est également le moyen de modifier l'éclairage de votre scène en fonction de l'heure de la journée. Disons donc que je voulais modifier l'éclairage ici pour qu'il corresponde à celui du coucher du soleil. Ensuite, j'activerai ma couche d'ombrage multiple, ce que j'avais déjà fait précédemment. Et maintenant, cliquez sur Contrôle U pour faire apparaître la luminosité de saturation de la teinte. Et je vais simplement transformer cette couche en orange ou en rouge. Et comme vous pouvez le constater, j' ai tout de suite ressenti l'effet du coucher de soleil. Et s'il faisait nuit, je pourrais changer ça en quelque chose comme ça, cette couleur bleutée pâle. Mais je peux aussi introduire une autre couche. Je vais sélectionner et remplir toute cette zone et choisir une couleur bleu pâle très clair, puis modifier, remplir et régler le mode de couche pour qu'il se multiplie. Et je peux jouer un peu avec l'éclairage de cette couche. Même sans les ombres, en appliquant simplement une couche multiple, j'ai déjà changé le look pour un look nocturne. Et en activant ces stores, j'obtiens un rétroéclairage. Ce n'est vraiment pas nécessaire. Mais de toute façon, avec une seule couche , nous pouvons immédiatement modifier l'éclairage de la scène. Et enfin, s'il s' agissait d'un ciel nuageux, je peux activer une couche multiple de couleur grisâtre. Réduisez un peu son opacité et introduisez-y une nouvelle correction. Et réduisez légèrement la saturation de mon personnage . Et puis comme cette scène semble un peu trop pâle, je vais y introduire une nouvelle correction , utiliser la balance des couleurs et peut-être rendre les ombres un peu plus bleutées juste pour m'en débarrasser. look gris pur , personnellement, j'aime utiliser des couleurs grises légèrement teintées. Ainsi, vous pouvez voir l' avant et l'après. En utilisant ces mêmes conseils, j'ai converti cet arrière-plan que nous avions créé plus tôt cette forêt à partir d'une heure avancée, 02h00. Vous regardez une scène simplement en changeant ce Keita nuageux et en ajustant les couleurs comme je vous l'ai montré. Je vous invite vivement à essayer tous les conseils que nous avons présentés jusqu'à présent. Vous allez certainement rendre vos panneaux plus intéressants en ajoutant de l'éclairage, de l'ombrage et en ajustant les couleurs. Dans la prochaine leçon, nous parlerons de la manière de transmettre émotions en jouant avec l'apparence du texte. 24. 5-3 Fournir des émotions par le texte: Maintenant, je vais vous expliquer comment vous pouvez mieux exprimer les émotions de vos personnages en jouant avec le texte de leurs discours. Leur langage écrit est très puissant et expressif et jouer avec la forme, la taille et le poids du texte peut réellement susciter des sentiments différents envers les lecteurs. Je vais donc passer en revue quelques conseils utiles tout en vous montrant des exemples afin de mieux concrétiser l'idée. Tout d'abord, jouer avec la forme, la taille et l'épaisseur de la police peut aider à faire entendre une voix plus forte. Par exemple, ici, le personnage dit : «  Eh bien, je me demande comment. Mais parce que j'ai fait vagabonder ce mot et que j'ai agrandi la police, et j'en ai créé un épais aussi. Maintenant, quand vous le lisez, impression qu'il le dit de la manière suivante, ne le faites pas. Eh bien, je me demande comment. Donc, jouer avec la taille et le poids de ce mot contribue à donner cette sensation. la même chose ici. Elle dit, oui, oui, c'est vrai. Mais j'ai fait en sorte que le mot « écrire » soit statique pour donner l' impression qu'elle dit « oui », oui », juste ici. Elle dit que si tu me parles comme des gens normaux, tu auras ce ton normal au lieu d' être normal parce que le mot normal est en métal ici. Puis elle dit, au lieu de me crier dessus, la police est également plus grande, et je l'ai également mise en gras pour indiquer qu' elle élève le ton de sa voix alors qu'elle se bat avec lui. De plus, jouer un peu avec les propriétés de police peut rendre les cris plus intenses. Par exemple, ici, elle dit non, eh bien, cela fonctionne parfaitement. Si je mets la neige en italique, je peux me sentir plus efficace. Et je peux rendre tout encore plus efficace en sélectionnant mes textes et en accédant aux propriétés du sous-outil. Et puis, sous police, je peux jouer avec un ratio vertical en l'augmentant. Augmenter également la taille de la zone de texte. Je ne peux pas exagérer encore plus si j'intensifie la guerre des ratios verticaux. Et bien sûr, je peux toujours jouer avec le SKU. Vous voyez donc que cette petite manipulation a rendu le texte plus percutant. Nous pouvons également jouer avec le type de police pour donner différentes sensations en fonction l'humeur et du type de personnage. Par exemple, pour un caractère mignon, nous pouvons utiliser une police mignonne et peut-être aussi avec des bulles vocales moelleuses. Cela différencie le pH de ce joli personnage du discours normal. invoque immédiatement Il invoque immédiatement ce sentiment de caractère différent. Nous pouvons également changer la police pour donner une impression effrayante. Par exemple, j'ai choisi cette police ici, que j' aime beaucoup appeler « sauvage », pour créer une sensation de peur. Comme si mon personnage parlait normalement avec ma police de dialogue habituelle. Mais tout à coup, je passe à cette police pour indiquer une sensation de peur. Comme s'il portait cette fille avec son discours. Il est flippant. Ce changement de police a donc introduit ce changement d'ambiance. De plus, j'aime beaucoup utiliser une police de caractères forte pour les personnages qui crient, surtout d'une manière perverse. Donc, par exemple, ici, j'utilise cette police appelée Sean and punk custom pour évoquer cette sensation du personnage qui crie d'une manière effrayante. Et j'augmente également le ratio vertical pour donner à cette crème un aspect plus percutant et plus effrayant. Parfois, vous pouvez également écrire le discours à la main au lieu d' utiliser une police de caractères, car cela pourrait le rendre plus efficace. Par exemple, ici, j'ai écrit la phrase criante avec mon écriture parce que je n'arrivais pas à trouver la police appropriée pour exprimer l'émotion que je voulais transmettre. Et ici, dans ce panneau que je n'ai pas encore terminé, mon personnage crie le nom de Saccharde. Et je voulais que cela ait beaucoup d'impact. Je l'ai donc fait en écrivant les lettres moi-même. Et je pense qu'ils ont beaucoup plus d'impact que si j'utilisais simplement une police normale. Je pense que cela peut aussi être très efficace pour invoquer une peluche effrayante. Si, par exemple, vous avez un personnage méchant qui rit, vous pouvez simplement écrire ce genre de rire à la main. Donnez-lui un aspect plus effrayant, plus étrange. Pour l'écriture et les pinceaux. Je recommande vivement ce set de pinceaux que j'ai téléchargé à partir des ressources de Clip Studio. Il est livré avec de nombreux pinceaux intéressants avec lesquels vous pouvez exprimer tant de sentiments différents. Alors n'hésitez pas à l' essayer en le téléchargeant. Bien sûr, il y a beaucoup, beaucoup plus de possibilités. Le monde du texte est vraiment incroyable. Et je vous conseille vivement de lire davantage de bandes dessinées. Parce que plus vous lisez, plus vous découvrirez des choses intéressantes, plus vous commencerez à explorer des choses intéressantes par vous-même. Dans la prochaine leçon, nous parlerons expression des émotions et de vos panels. 25. 5-4 Motion d'expression: Dans cette leçon, j'aimerais parler de la façon d'exprimer des mouvements et de donner l'impression que les personnages se déplacent dans vos panneaux. Il y a plusieurs choses que vous pouvez faire et nous les examinerons une par une. Le premier moyen le plus rapide consiste à utiliser Motion Blur. Je vais d' abord fusionner toutes les couches de mon personnage en les sélectionnant toutes. ensuite avec le bouton droit de la souris et sélectionnez Fusionner les couches sélectionnées. Et je vais tout sélectionner et copier ceci. Ensuite, je vais annuler pour conserver mes couches séparées. Ensuite, je vais coller ce que j'ai copié sur le personnage. Maintenant, je vais sélectionner le personnage à l'aide de l'outil de , puis passer à Filtrer le flou, le flou cinétique. Et de cette façon, comme vous pouvez le voir, un flou cinétique est appliqué, mais ce n'est qu'un aperçu. Je peux donc jouer avec les paramètres. Vous pouvez jouer avec l' angle du flou cinétique. Je veux qu'il en soit ainsi, puisque le personnage court de l'arrière vers l'écran. Je pense que ce genre d'angle est bon. Je peux aussi jouer avec la direction du flou, par exemple maintenant il est réglé sur l'arrière, mais je peux aussi le régler sur l'avant. Cela peut également le régler dans les deux sens. Je trouve que l'utilisation de l' envers est la méthode la plus efficace dans ce genre de scène pour indiquer que le dos du personnage est flou puisqu' il avance. L'avant sera plus clair que l'arrière. Vous pouvez également jouer avec l'ambiance du flou. Il y a une boîte, celle que nous avons maintenant, et il y a une boîte lisse. Je préfère aussi la boîte au lisse. Une fois que je suis satisfait, je clique sur OK. Ensuite, je voudrais effacer certaines parties de cette couche floue afin de pouvoir montrer davantage mon personnage en dessous. Donc, ce que je vais faire, c'est désélectionner et créer un masque de couche. Et à l'aide d'une gomme souple, je vais effacer le côté de mon personnage où j'indique que le flou ne se produit que sur la face arrière et donner cette sensation de mouvement. Peux-tu voir l' avant et l'après ? Cela a vraiment donné cette sensation de mouvement. Et je peux aussi réduire un peu l'opacité si cela vous semble trop important. Nous pouvons également utiliser l'outil de flou, par exemple . J'ai ces deux outils flous que j'ai téléchargés à partir des ressources de Clip Studio Paint, et je vais vous montrer à quoi ils ressemblent. Il y a donc cette vitesse de flou, et si je l'utilise sur mon personnage du côté que je souhaite, je peux obtenir l'effet de mouvement et l'avoir uniquement aux endroits que je souhaite. C'est un outil de flou très intéressant. Et de même, le choc du flou donne un autre type de flou. Je dirais que cela fonctionne à la fois pour les chocs et les mouvements. Donc, en utilisant cet outil, je peux susciter un peu une sensation de mouvement. Ensuite, je peux aussi effacer certaines parties que je ne veux pas. Bien entendu, vous pouvez également utiliser le choc du flou pour provoquer une sensation de choc et rendre la scène plus choquante et plus intense. Mais revenons à ce panel ici. Je peux faire un pas de plus. Et sur une nouvelle couche à l'aide d'un pinceau, je peux tracer des lignes de flux pour indiquer que le personnage court. Et encore une fois, je vais mettre ces lignes de ce côté. Mais comme vous pouvez le voir sur ces diapositives, elles n'ont pas l'air si belles à main levée. Donc, ce que nous pouvons faire à la place, accéder à l'outil de règle et choisir une règle spéciale, puis choisir une ligne parallèle, puis la règle et la direction de la ligne que nous voulons. Et maintenant, revenez au stylo et dessinez facilement ces lignes de manière soignée. Au fur et à mesure que nous appliquons ces étapes. J'ai obtenu ce résultat, que je vous ai montré au début de la leçon. Vous pouvez également aller plus loin et appliquer des effets à l' effet sonore de votre panneau. Par exemple, ici, j'ai créé l'effet sonore en forme de tiret, mais j'ai copié cet effet sonore sur une couche différente. J'ai également fait un motion flur pour cela. Et ainsi, lorsque je regarde la scène complète, je peux immédiatement sentir ce mouvement que fait courir le personnage. Vous pouvez également utiliser des lignes de flux pour indiquer un mouvement. Et pour y parvenir, utilisez l'outil de calcul ici. Et vous verrez qu'il existe plusieurs options. Donc, en choisissant cet outil, par exemple, je vais dessiner des lignes. Ensuite, je peux jouer avec eux, faire pivoter leur angle avec l'outil Object. Et je peux aussi jouer avec leurs paramètres à partir d'ici, par exemple leur longueur, leur angle, leur groupe, les écarts entre eux. Et si je joue avec les points de contrôle , je peux introduire encore plus de lignes. Et je peux ajouter un masque de couche à cette nouvelle couche de lignes de flux dispersées. Et avec une gomme souple, je peux effacer les parties que je ne veux pas montrer davantage à mon personnage. Vous pouvez également trouver des streamlines prêts à l'emploi dans la section consacrée aux effets des mangas. Ensuite, choisissez Speed Line. Vous verrez que vous avez des choses intéressantes à ajouter. Une fois que vous avez demandé une telle image, vous pouvez jouer avec sa couleur. Faites-le blanc, et faites la même chose, effacez ce que vous ne voulez pas, etc. Il existe également d' autres options que les lignes rapides. Il y a les lignes saturées qui vont vers le centre de l'image. Il y a les lignes éclair sur les oursins. Et il y a l'éruption cutanée, qui peut être utilisée comme arrière-plan pour vos personnages. Par exemple, j'utilise les lignes saturées ici puisque mon personnage se trouve au centre. Donc pour attirer toute l'attention sur lui et donner l' impression qu'il court en direction de la forêt. Pour le contexte. À l'origine, l'arrière-plan était le suivant, mais j'ai copié tous les éléments de mon arrière-plan ensemble, comme je l'ai fait avec mon personnage plus tôt, puis j'ai fait une sélection à l' aide de l'outil de sélection, puis je suis allée sur flou filtrant, flou radial. Et en jouant avec ce x, je peux changer le centre du flou. de sélectionner votre panneau Il est très important de sélectionner votre panneau à l' avance en cas de flou radial, afin que vous puissiez voir ce x et vous concentrer sur le point de votre présentation pour qu'il soit exactement là où vous le souhaitez. Parce que comme vous pouvez le constater, ce type de flou est un peu lourd sur l'ordinateur et son rendu prend du temps. Ainsi, plus vous affinez la zone de votre sélection, mieux vous pouvez obtenir cet effet rapidement. Je peux également jouer avec couche d'effets de mon fils et y appliquer un flou radial pour la rendre plus efficace et pour qu'elle corresponde aux mouvements du personnage. Enfin, pour cette ligne saturée, vous pouvez l'obtenir non seulement à partir de ces images, mais il existe un outil pour cela, comme les outils de rationalisation que je vous ai montrés plus tôt. Il y a l'outil de ligne saturée ici. Par exemple, je vais utiliser l'un d'entre eux et dessiner un cercle sur endroit où je souhaite concentrer mon effet. Et puis j'ai immédiatement tracé les lignes saturées. Et vous pouvez également jouer avec leurs paramètres, savoir qui utilise l'objet, augmenter ou diminuer leur quantité, etc. N'hésitez pas à explorer également les autres outils. la prochaine leçon, nous parlerons du fait de jouer avec les arrière-plans pour invoquer différents types d'ambiances en fonction de l'état émotionnel de la scène. 26. 5-5 milieux d'expression d'humeur: En général, les panneaux de chansons Web sont dessinés sur une toile blanche ou un fond blanc. Cela ne doit pas toujours être nécessairement le cas. Nous pouvons toujours jouer avec la couleur de fond à notre guise. Personnellement, je n'ai pas beaucoup expérimenté avec d'autres couleurs. Ce que j'ai principalement concentré sur le passage du noir au blanc. Mes planches de bandes dessinées sont donc généralement en blanc lorsque l'ambiance est normale et qu'il ne se passe rien de grave. Mais je suis passé à un fond noir. Ce que je veux indiquer est un sentiment de mystère, par exemple ici pendant la nuit, ou une essence de mystère, même si vous êtes de jour. En rendant l'arrière-plan noir, cela change en quelque sorte toute l'atmosphère et l'ambiance de ces panneaux. Et j'utilise également un fond noir lorsque je veux présenter une histoire triste ou un flashback triste. Et aussi lorsque le combat est sur le point d'avoir lieu, surtout lorsque les personnages expriment des émotions profondes et intenses. Ces panneaux ne seraient pas aussi efficaces s'ils étaient laissés sur fond blanc. De plus, je l'utilise lorsqu'il y a une scène de combat complète ou que tout ne va pas bien. Par exemple, dans ce chapitre, l'antagoniste est présenté et un combat lieu entre lui et les personnages principaux. C'est pourquoi j'ai gardé le chapitre entier et un fond noir pour donner l'impression que quelque chose ne va pas, c'est différent et que quelque chose d'effrayant est sur le point de se produire ou est en train de se produire. Mais le fait est que je ne change pas brusquement l'arrière-plan du noir au blanc, mais que je le passe facilement en utilisant un dégradé. Donc, par exemple, ici, je suis passé du fond blanc en introduisant un fond clair qui va vers le gris puis vers le noir. Ainsi, au fur et à mesure que le lecteur explore, l'arrière-plan change pour lui. Ce n'est pas brusque. Et au lieu d'utiliser un dégradé, vous pouvez également utiliser une sorte de pinceau grunge pour introduire ce changement. Par exemple, ici, j'utilise le pinceau grunge, si le personnage est sur le point de libérer sa colère. Cela signifie donc que la transition n' est pas très fluide. De plus, jouer avec les arrière-plans des panneaux eux-mêmes peut aider à susciter des sentiments différents en fonction de l'ambiance de la scène. L'une de ces méthodes consiste à ajouter des lignes simplifiées. Par exemple, ce panneau ici ne serait pas aussi efficace si je supprimais ces lignes et que je les conservais sous forme de dégradé. Ces lignes épurées ajoutaient une sensation de choc ou la caméra montait vers le visage du personnage ou quelque chose comme ça. De même, l'utilisation d'un flash bêta en arrière-plan indique une sorte de surprise ou d'étonnement. Par exemple, ici, j'ai utilisé l'une de ces images fournies par défaut avec Clip Studio Paint et j'ai joué un peu avec les couleurs. Vous pouvez jouer avec les couleurs, le cas échéant, en jouant avec la couleur de la couche sous Propriétés de la couche. Je l'ai remplacée cette couleur pour mieux correspondre à la tonalité de mon panneau. Ensuite, j'ai appliqué une couche multicouche à aérographe et c'est ainsi que je l'ai obtenu. Vous pouvez également ajouter du bruit en arrière-plan, des objectifs ou du grunge. Par exemple, dans ce panneau, j'utilise ce pinceau que vous trouverez sous les outils de déclaration sous les hachures. Vous pouvez trouver que cela va dans le cloud et en l'utilisant, vous pouvez créer cet effet. Il y a aussi les objectifs du pinceau. Il y a aussi la brosse à friction. Tous ces pinceaux ont vraiment contribué à créer une sensation de tension dans la scène ou à représenter cette tension que ressent le personnage. Pour vous montrer comment j'ai construit cet arrière-plan, j'ai d'abord ajouté un dégradé avec ces couleurs. Ensuite, j'ai importé cette image depuis les ressources de Clip Studio, que vous pouvez d'ailleurs retrouver sous des motifs monochromes. Et puis vous pouvez en trouver toutes sortes. Il y a des bases qui ne sont que des tons verts. Il y a un dégradé, il y a des hachures. Il existe des modèles qui sont généralement utilisés pour les vêtements et d'autres objets de ce genre. Mais il y a ce que j' aime beaucoup, l' effet et la sensation. Vous avez des sentiments brillants et des sentiments sombres. Et il y a aussi une texture que j'aime beaucoup. Grâce à la texture, j'ai obtenu le double du Cloud et j'ai réduit son opacité. Ensuite, j'ai ajouté ce pinceau sale couleur foncée et doté d'un mode multicouche. Ensuite, j'ai ajouté un pinceau plus sale avec une couleur violette en arrière-plan. Ensuite, j'ai ajouté une couche de superposition couleur jaune sur le dessus du panneau en utilisant le même pinceau. Enfin, j'utilise le même pinceau , toujours de couleur blanche pour finaliser l' aspect du panneau. L'utilisation de ces textures peut vraiment nous apporter des effets intéressants. Par exemple, dans ce panneau, j' ai d' abord utilisé cette texture forestière et j'ai changé ces couleurs en jouant avec ces couleurs ici à partir des propriétés de la couche. Ensuite, j'ai appliqué ces lignes de bruit tout en réduisant légèrement leur opacité pour introduire une sorte de tension dans la scène. Ensuite, j'ai appliqué quelques lignes grossières sur le personnage lui-même pour lui donner ce sentiment d'inquiétude, de réflexion excessive et de perte. Et si vous remarquez qu'ici, je n'ai pas ombragé le personnage pour donner l'impression qu'il a perdu le sens de son environnement et qu'il est vraiment simplifié ces looks de base sans tout ombrage compliqué qui pourrait faire perdre cette sensation dorée. Et j'ai également ajouté un contour blanc entourant le personnage pour le séparer un peu de l'arrière-plan. Et si je veux le rendre encore plus efficace, je peux supprimer complètement les couleurs et simplifier la scène pour lui un aspect monochrome pour indiquer une sensation de choc plus profonde. En parlant d' arrière-plans prêts à l'emploi, vous pouvez également en trouver des colorés en regardant les matériaux sous le motif de couleur, vous pouvez trouver un effet et une sensation, qui ont également une matière claire et foncée des trucs, que j'ai utilisés dans cette scène, par exemple I. Utilise cette scène de choc pour indiquer qu'ils ont l'impression qu'ils se battent et que des choses explosent entre eux. Enfin, mes types d'arrière-plans préférés, qui sont les arrière-plans sans arrière-plan. En gros, en gardant l'arrière-plan blanc et en ajoutant du rétroéclairage au personnage, je peux donner l'impression que le personnage est immergé dans ses propres pensées et oublie tout à propos de leur environnement. Et est également utile lorsque le personnage a un monologue profond avec lui-même. Et il s'agit de remettre en question ce qui se passe et d'autres choses de ce genre. Mais j'aime aussi l'utiliser pour indiquer une sorte de choc. Par exemple, mon personnage a été attaqué. Donc, pour indiquer qu' elle a été attaquée et pour que cela ait plus d'impact, je n'ai ajouté aucun arrière-plan à ce panneau et j'ai simplement ajouté multiplier. Il y en a ici et un peu de bruit qui donne l'impression que tout est devenu silencieux quand elle a été attaquée. Le panneau suivant également. Le personnage regarde ce bien-être extrêmement choqué il a un regard incrédule et il est bouche bée. Si nous parcourons à nouveau ces panneaux, nous pouvons avoir l' impression que le temps s'est arrêté ou ralenti lorsque cette action s'est produite. ne pas avoir participé à ces panels intensifie donc, à mon avis, les émotions que je souhaite ressentir par le biais de ces panels. Donc oui, c'est pourquoi ce mes origines préférées. Et c'est aussi, bien entendu, le plus simple à appliquer. Vous pouvez terminer ces panneaux si rapidement. Il suffit de faire un ombrage rapide pour le personnage, puis de mettre une couche multiple et d'ajouter peu de rétroéclairage et le tour est joué. Donc, en atteignant ce point, si vous avez suivi, vous avez, espérons-le, atteint un stade où vous avez presque terminé votre chapitre. reste plus qu'à exporter vos images et enfin à les publier en ligne. Dans la prochaine leçon, nous verrons comment exporter votre bande dessinée pour l'adapter au format Electron afin de pouvoir la télécharger facilement. 27. 6-1 Exportation de webtoons: Félicitations pour avoir terminé ton chapitre. À ce stade, vous êtes enfin prêt à l'exporter et à le publier. Dans cette leçon, nous verrons comment exporter vos images d'une manière adaptée au vos images d'une manière format Web Tune, principalement pour la plateforme Electron Canvas. Si vous utilisez X, vous pouvez exporter tous vos chapitres en images en une seule fois en accédant à Exporter des fichiers avec dune. Et puis ici, assurez-vous que toutes les pages sont utilisées ou vous pouvez spécifier la plage de pages que vous souhaitez. D'habitude, je choisis toutes les pages et vous spécifiez la largeur à partir d'ici. Je spécifie que la largeur est de 800. Parce que, si vous vous souvenez du premier chapitre, nous avons expliqué que les directives relatives à la taille du canevas électronique mesurent 800 x 1 280 pixels de hauteur. Nous ne sommes donc ici qu'à spécifier la largeur. Mais en ce qui concerne la hauteur, nous pouvons la définir à partir de ces paramètres sous Paramètres d'exportation de fichiers, choisir cette dernière option, diviser verticalement et porter ce nombre à 1 280 pixels. Cela vous indiquera donc le nombre de fichiers que vous obtiendrez. Enfin, à partir de là, vous pouvez choisir destination dans laquelle vous souhaitez enregistrer vos fichiers, puis définir le nom pour qu'il corresponde au numéro de votre chapitre ou épisode. Enfin, je voudrais parler du format de fichier. Donc, puisque nous enregistrons nos fichiers sous forme d'images, nous avons deux formats, PNG et JPEG. Jpeg est un format qui compresse les images. Ainsi, en réglant la qualité, vous pouvez définir le mode de compression de vos images. Si vous souhaitez enregistrer vos images avec la meilleure qualité possible, réglez-la sur 100 %. Vous pouvez également réduire cette qualité pour réduire la taille du fichier. Mais personnellement, je n'aime pas vraiment enregistrer au format JPEG car j'ai remarqué que lors téléchargement sur Web, deux fichiers dans Canvas, même si vous aviez enregistré votre image JPEG en haute qualité, puisqu'ils sont de Au format JPEG, Web Tone a tendance à les compresser davantage. Vous avez donc tendance à voir du bruit sur vos images. Et je n' aime vraiment pas voir ça parce que je travaille très dur sur la qualité de mes bandes dessinées et je veux que mes lecteurs apprécient également cette qualité. Donc, au lieu du JPEG, j'opte pour le format PNG. format Png préserve la qualité de vos images, vous offrant ainsi la meilleure qualité d'exportation possible. Je vais prendre un PNG et vous cliquez sur OK pour exporter ma chanson Web. Cela peut prendre un certain temps si vous exportez toutes les pages en même temps car le système traite un grand nombre de fichiers. Alors donnez-lui un peu de temps. La vitesse sera différente en fonction des spécifications de votre ordinateur. Une fois l'exportation terminée, vous verrez toutes vos images exportées dans le dossier de destination que vous avez spécifié, ainsi que leurs diapositives, prêtes à être téléchargées. Chaque image ici a des dimensions de 800 x 1 280 pixels, et elles sont toutes enregistrées au format de fichier PNG. Maintenant, si vous utilisez la version Pro de Clip Studio Paint, vous pouvez également exporter votre travail dans Chapter exactement de la même manière, sauf que vous devrez créer chaque page séparément. Disons par exemple qu'il s'agit de la première page de votre bande dessinée. Ensuite, vous accédez à File Export Web Tune, et vous l'enregistrez à partir d'ici, mais vous le nommez Chapitre 9.1, par exemple que vos fichiers ne soient pas foirés. Il s'agit donc de la version 9.1 , puis vous l'enregistrez. Ensuite, vous allez à la page deux, puis vous l' exportez au format 9.2 et ainsi de suite. C'est exactement pareil. Pour en revenir à nos images exportées, nous avons en effet enregistré notre bande dessinée de la plus haute qualité possible. Cependant, il y a une chose. Si vous téléchargez votre bande dessinée sur F2 on Canvas, vous avez une limite de taille d'image de 20 Mo par chapitre. Cela signifie que toutes les images que vous téléchargez votre chapitre ne doivent avoir qu'un maximum de 20 Mo. Dans certains cas, total de vos fichiers peut être supérieur à cela. Par exemple, mon chapitre ici a un total de 20,8 Mo. Cela signifie que je ne pourrai pas télécharger toutes les images telles quelles. Maintenant, bien sûr, si vous enregistrez tous vos chapitres au format JPEG tout en diminuant la qualité, vous serez probablement en mesure de placer toutes les images en dessous de la limite de 20 mégaoctets. Mais dans mon cas, comme je vous l'ai dit, j'accorde plus d'importance à la qualité qu'à tout. C'est pourquoi je souhaite toujours télécharger le format PNG, mais je veux optimiser un peu mon père. La façon dont j'ai découvert cela est assez simple en fait. Je vais regarder toutes les tailles de mes images individuellement. Je vais donc cliquer ici avec le bouton droit de la souris et définir mon point de vue comme détaillé. Ensuite, sous la taille de u, je vais cliquer dessus pour disposer mes images dans un dossier décro