Dessiner des monstres marins : explorer le design de créatures | Ira Marcks | Skillshare
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Dessiner des monstres marins : explorer le design de créatures

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Leçons de ce cours

    • 1.

      Introduction

      0:52

    • 2.

      Monstres et imagination

      5:40

    • 3.

      Mythologie et géographie

      3:24

    • 4.

      Personnalité et aptitude

      2:37

    • 5.

      Référence et rapport

      3:19

    • 6.

      Esquisses et silhouettes

      5:43

    • 7.

      Pousser et poser

      2:08

    • 8.

      Encrage et hachures

      6:40

    • 9.

      Couleur et théorie

      7:22

    • 10.

      Synthèse

      1:01

  • --
  • Niveau débutant
  • Niveau intermédiaire
  • Niveau avancé
  • Tous niveaux

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Le niveau est déterminé par l'opinion majoritaire des apprenants qui ont évalué ce cours. La recommandation de l'enseignant est affichée jusqu'à ce qu'au moins 5 réponses d'apprenants soient collectées.

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À propos de ce cours

Explorer le design et l'illustration de créatures aux coins les plus éloignés de la carte. La première apparition d'un monstre marin dans les coins les plus reculés des cartes anciennes n'était pas seulement un étrange artefact culturel, c'était un brillant moment d'inspiration créative !

Dans ce cours, nous examinerons l'histoire et la culture qui ont donné au monstre marin médiéval une vie illustrée et nous utiliserons ces étapes pour créer notre propre créature ! Ce cours convient parfaitement à tous ceux qui souhaitent développer leurs compétences en matière d'illustration créative, donner plus de sens à leur art fantastique et acquérir de précieuses compétences en dessin. 

Les sujets qui seront abordés sont les suivants :

  • Histoire du monstre marin médiéval
  • Métaphores créatives
  • Générer de l'inspiration
  • Utiliser des références
  • Caractérisation
  • Préparer une composition
  • Styliser le dessin au trait
  • La théorie des couleurs

Tout ce dont vous aurez besoin pour ce cours est un crayon et du papier mais je travaille dans Clip Studio Paint pour la clarté visuelle.

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Teacher Profile Image

Ira Marcks

Graphic Novelist

Top Teacher

Ira Marcks is an award-winning and New York Times recommended cartoonist. His love of strange fiction and scientific research has led to an unlikely list of collaborators including the Hugo Award-winning magazine Weird Tales, European Research Council, and a White House Fellowship Scientist. His online courses have inspired 100,000 students. iramarcks.com

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Compétences associées

Art et illustration Dessin et encrage
Level: All Levels

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Transcription

1. Introduction: L'art comme étincelle qui illumine notre culture. Alors aidez-moi à célébrer l'une des plus étranges étincelles créatives de l'histoire de l'humanité, le monstre marin médiéval Dans ce cours, nous allons commencer par examiner de plus près la culture historique qui entoure le mystérieux monstre base que nous nous inspirerons pour imaginer notre propre monstre marin à l' aide d' un remue-méninges conceptuel Ensuite, nous allons mettre toutes nos nouvelles idées la planche à dessin et croquis, de l'encre et de la couleur. Illustration monstrueusement mythique. Bon, vous êtes prêt à explorer le monde du dangereux monstre marin. Bien, allons-y. Blague sur les monstres marins marins. Je te verrai en classe 2. Monstres et imagination: Imaginez que vous êtes un cartographe italien au début des années 1400, vous vous asseyez pendant de longues heures à votre table de rédaction avec votre règle coulissante, penché sur votre énorme table de dessin en bois créant des tableaux nus pour les marins avares. Vous faites ça depuis des années et vous êtes presque devenu aveugle plissant sur les angles infinis des côtes déchiquetées. Bien sûr, il y a ces petites fleurs. Parfois, vous arrivez à dessiner une rose de boussole mais personne ne veut vous payer pour décorer une carte. C' est un outil qu'ils disent, quel est le but ? Quand tu es allé étudier l'art de la cartographie, tu as toujours imaginé qu'il y aurait quelque chose de plus que ça. Puis un jour, un riche marchand entre dans votre studio. Il vous dit qu'il veut que vous lui fassiez une carte, mais pas seulement un autre tableau de marin, il veut quelque chose de beau et frappant à accrocher dans la grande salle de son château et impressionner ses invités. Vos yeux s'élargissent à l'occasion. Enfin, une chance de mettre vos compétences artistiques à profit. Dites-lui comment vous allez illustrer les formes audacieuses des villes qui montent jusqu' au littoral et la majesté des montagnes stupéfiantes au milieu du pays. Vous comprendrez la foresterie, les rivières, les routes et tout ce qui se passe entre les deux. Vous remplirez les forêts d'animaux et d'océans avec des voiliers. Votre cœur court avec l'occasion d'exprimer enfin votre créativité. Le marchand bien habillé bâille d'ennui. Il n'est pas impressionné par votre proposition. En fait, il se tourne pour partir, emportant son lourd sac à main avec lui. Tu le supplies de te donner une autre chance. Il hoche la tête et vous pose un défi  : « Pendant que vous avez été esclave derrière votre table de rédaction, j'ai parcouru le monde connu plusieurs fois. J' ai vu tout ce qu'il y a à voir. Si tu veux m'impressionner, tu devras me montrer quelque chose que je n'ai jamais vu. Vous avez jusqu'à demain matin. » Et avec ça, le marchand bien habillé sort de votre studio. De retour à votre table de rédaction, vous esquissez comme un fou, votre table remplie de griffons et de notes sur la façon dont vous pouvez impressionner le marchand. Le soleil commence à se coucher et bientôt vous vous retrouvez debout toute nuit à esquisser des idées qui pourraient impressionner l'homme bien voyagé. Bientôt tu te rends compte que tu vas tout mal. La carte habituelle des pictogrammes ne va pas gagner cet homme. Vous devez regarder au-delà de l'habituel. Comme tout bon italien du XIVe siècle, vous regardez le récit épique d'Homère du marin Olysse pour l'inspiration, parler d'un homme qui a voyagé dans le monde. Au cours d'une de ses aventures, Olysse et son équipage courageux traversaient le détroit de Messine entre la Sicile et le sud de l'Italie quand soudain, leur navire fut attaqué par l'horrible monstre connu sous le nom de Skyla. Homer décrit Skyla comme un monstre des profondeurs avec une coquille semblable à un crabe, six longs cous, trois rangées de dents sur chaque tête, et 12 pieds pendent de son corps monstrueux. Sa voix comme Homer écrit : « On dirait le cri des chiens. » Avant qu'Olysse ne puisse conduire ses hommes à travers le canal, le Skyla a pris six de ses hommes, un dans chacune de ses bouches mortelles. Même en tant que petit enfant entendant cette histoire, vous savez que Skyla n'était pas une vraie créature, mais cela ne l'a pas rendue moins réelle dans votre imagination. Et ça t'a donné une idée. Au lever du soleil, vous vous asseyez épuisé en mettant la touche finale sur votre carte. Juste alors le marchand entre dans votre magasin. Eh bien, dit-il, vous vous asseyez et présentez un rendu compétent du détroit de Messine. Il se penche de près pour étudier votre design. Il voit la côte sicilienne et italienne face à l'autre. Des lignes fortes représentant les puissants courants de marée coulent à travers le milieu et forment un puissant tourbillon. Au centre de la piscine sombre, se trouve le monstre Scalia. Le marchand regarde la créature et vous voyez ses yeux remplis de la même merveille que vous connaissiez comme enfant. « Je n'ai jamais rien vu de tel », dit-il. Vers le milieu du XVe siècle, les monstres marins faisaient rage parmi les collectionneurs de cartes du monde médiéval. Alors que les premières conceptions de créatures étaient enracinées dans la mythologie et métaphores prudentes des dangers réels de la mer profonde, les conceptions ont changé avec le temps devenant d'étranges illusions plus bizarres que tout ce que personne n'avait jamais imaginé auparavant. Des dragons de mer comme des oiseaux avec des ailes en chauve-souris, morses barbus avec des corps semblables à des cactus, des serpents avec des têtes de chiens, éléphants épineux et des trucs Chinchilla à tête géante. L' histoire de la créature marine est l'histoire de notre imagination culturelle. Les historiens de l'art disent que ces créatures étranges et exotiques ont été conçues pour engager le spectateur de la carte à un niveau supérieur, évoquant l'imagination avec leur apparence surnaturelle. Même à ce jour même, avec l'accès à toutes sortes de médias créatifs, nous sommes toujours à la recherche de cet engagement dans ces moments d'émerveillement et d'imagination. 3. Mythologie et géographie: Pour moi, tout bon processus créatif, fantastique soit-il, commence par un véritable point de référence. Même les créatures imaginaires ont des racines dans la réalité. Le monstre marin pour toute son étrangeté, est en fait un commentaire sur la culture et l'exploration. Dans les temps anciens, l'apparition d'un monstre marin a évoqué les défis de l'exploration d'eaux inexplorées. Les monstres marins médiévaux sur les cartes européennes faisaient souvent référence aux animaux exotiques de la région dans laquelle ils apparaissaient, montrant à quel point le monde était plus grand et plus dangereux que personne ne l'imaginait. Au milieu du XXe siècle, le monstre marin s'est retrouvé, cette fois dans les eaux au large des côtes du Japon. Cette version d'un monstre marin est beaucoup plus compliquée car elle représente les préoccupations du Japon sur l'explorationde l'énergie nucléaire dansles années 1950. de l'énergie nucléaire dans pour aider à décompresser les préoccupations culturelles que le monstre tente d'évoquer. Tout cela dit, notre première étape dans la conception d'un monstre mythique est de trouver une maison pour lui sur la carte. C' est quoi cette citation de l'atelier des écrivains, « Écrivez ce que vous savez » ? Je vais dessiner ce que je sais. Un endroit que je connais assez bien est un petit endroit sur la côte est de la Floride appelé Daytona Beach. J' avais environ six ans quand ma famille vivait là-bas et nous avions une petite caravane dans un parc à environ 10 minutes de l'océan, dans des rivières d'eau douce et des marais. Dans ma mémoire, j'allais nager presque tous les jours. Être proche de l'eau salée et de l'eau douce m' a présenté beaucoup de créatures étranges et dangereuses. Je me souviens, ma mère a été piquée par des méduses et a dû rester hors de l'eau parce qu'il y a un avertissement de requin et un barracuda nageant près de ma jambe. Puis, dans l'eau douce, je me souviens avoir vu des lamantins si doux qu'un géant, et un alligator rampant le long de la plage. Toutes ces créatures feraient de grands points de référence pour mon mythe de monstre marin, mais je vais aller un peu moins conventionnel avec mon point de référence. Pour moi, la créature la plus étrange et la plus insaisissable de la côte de Floride était le flamant flamant. Dans les années 1800, les terres humides non peuplées de Floride abritaient des milliers de flamants flamants qui y migraient pendant les mois chauds d'hiver. Mais avec le temps, les colons européens se sont installés dans la région et ont commencé à chasser les oiseaux pour leurs plumes fraîches et leurs gros œufs, ce qui a chassé les oiseaux. Mais encore, le flamant flamant est resté une partie de la culture de la Floride. Son look emblématique représentait l'ambiance tropicale et prête aux vacances de l'État. Ayant grandi en Floride dans les années 1980, le mythe du flamant flamant était très réel. Dans le prochain chapitre, je vais prendre ce mythe et l'étendre et concevoir une créature unique qui est le descendant perdu depuis longtemps du flamant, poussé dans l'obscurité par le destin manifeste, dans le rêve américain d'un retraite confortable et une pelouse remplie d'oiseaux collants. 4. Personnalité et aptitude: Les créatures marines les plus célèbres et reconnaissables ont des descriptions mémorables, et même parfois des personnalités distinctes. Donc, pour moi, il est important d'avoir un peu de saveur à mon monstre marin, pour le faire se démarquer des autres créatures de la mer. Je vais prendre quelques notes ici. Lorsque vous conceptualisez une créature, je pense qu'il est important de vous poser les bonnes questions, car elles vous guideront tout au long de votre processus de dessin. Je vais commencer par cette question. Quelle est la personnalité du monstre ? Après l'exode de ses ancêtres flamants, la créature a perdu le contact avec d'autres êtres vivants. C' est seul, parce que c'est unique en son genre. Un peu comme l'histoire du monstre du Loch Ness. Ce n'est pas un monstre mal penché sur la vengeance, mais il est défensif surtout s'il se sent menacé. Quelles sont les capacités du monstre ? La créature peut être inspirée par un flamant flamant, mais elle doit rester dans l'eau car c'est un monstre marin. Pour avoir survécu aussi longtemps qu'il l'a fait, il est probablement capable de nager rapidement pour échapper aux humains. La vitesse implique généralement la place d'un personnage dans la chaîne alimentaire. Donc, j'imagine que ce monstre a d'autres défenses, comme peut-être la capacité de se cacher. Puis-je décrire ces parties du monstre ? Une description visuelle peut aider à lancer le dessin. Alors, voyons si je peux imaginer un peu à quoi ressemblera cette créature en se basant sur les idées que j'ai écrites. Mon monstre doit être rapide, mais les oiseaux ne sont pas des nageurs rapides donc je vais trouver une référence dans un autre animal de Floride, disons un alligator. La queue solide d'un alligator pourrait vraiment être utile avec mon design de personnage. Ses plumes vont changer de couleur pour se fondre dans son environnement, c'est sa capacité de masquage. Cela nous amène à la question : quelle est la taille du monstre marin ? Je vais dire que c'est un monstre de taille moyenne, quelque chose qui peut être vu de la ligne de rivage mais qui n'est pas trop écrasant. Donc, l'échelle serait celle d'un voilier de taille moyenne. Très bien, je vais être honnête. Parfois, je commence à dessiner avant de faire un remue-méninges de cette façon. Mais par souci d'organisation dans cette classe, je mets d'abord toute l'écriture dans les étapes conceptuelles, avant d'arriver à l'esquisse et au dessin. Le processus créatif est un reflux et un flux donc je m'attends à ce que, quelle que soit l'étape que vous voulez faire en premier, vous y allez. Mais n'ayez pas peur de visiter certaines de ces autres étapes avant d'arriver à votre rendu final de votre design. 5. Référence et rapport: La chose qui rend un design de monstre marin impactant est la même chose qui rend tout art visuel impactant, un équilibre cohérent d'éléments visuels forts. Si vous imaginez une variété de créatures mythiques, vous remarquez qu'elles se présentent dans différents niveaux de complexité. Donc, je vais diviser la complexité de la conception en trois types différents. Le plus simple est l'approche de Moby Dick, où vous choisissez une anatomie de base et ajoutez un détail physique emblématique. Donc, Moby Dick est une baleine géante mais est rendue mythique en ajoutant la caractéristique unique de la peau blanche. Le deuxième type est l'approche de la sirène où vous commencez par une anatomie de base, puis vous la divisez avec une autre anatomie de base. Ce n'est pas une approche très réaliste parce qu'une sirène n'est qu'une moitié humaine coupée à la taille et un poisson coupé au milieu du poisson et ils sont tous les deux coincés ensemble. Ça n'a pas l'impression d'être une évolution naturelle. Le troisième style est la fusion. Prenez la belle créature de la forme de l'eau de Guillermo Del Toro. Dans ce cas, son anatomie de base est un humain, mais ses points de référence sont tellement abstraits que la créature devient une toute autre chose de sa propre. Dans la conception de la créature, vous pouvez voir l'influence d'une anguille, d'un poisson, d'une grenouille, d'une salamandre et d'un humain athlétique. Dans notre classe, on va chercher l'or ici et essayer la fusion. Vous commencez par une base. Cela va représenter environ 60 pour cent de la conception de la créature. La base doit être pratique pour que votre créature paraisse un peu réaliste. Puisque ma créature a besoin de savoir nager, je vais utiliser l'alligator de Floride comme base. Choisissez une influence secondaire. Cela va représenter environ 30 pour cent de la conception de la créature , mais je pense que c'est l'aspect principal de son personnage. Je vais utiliser le flamant flamant ici et le flamant a un stoïcisme tropical et cela va beaucoup influencer le design de mon personnage. Lorsque vous choisissez cette influence secondaire, tenez compte de la personnalité de votre monstre. C' est agressif ? Essaie une influence de requin. C' est secret ? Essayez un animal nocturne comme un hibou comme votre influence. Le troisième choix que vous devez faire est l'assaisonnement de la conception. Cela représente 10 pour cent du plan de créature. C' est le choix qui amène la créature au niveau de fusion. Cet aspect de la conception est presque invisible et relie essentiellement la base et l'influence secondaire en étant un agent unificateur. C' est la réaction chimique de tout le design. Je vais choisir quelque chose de purement sur sa sympathie visuelle. Je vais aller avec le poisson-clown pour mon troisième point de référence. Donc alligator, flamant flamant et poisson clown. Ensuite, je dois trouver quelques bonnes références de ces trois animaux distincts. Je veux des photos du corps entier de la créature entière sous différents angles, et je veux aussi des gros plans pour comprendre les textures et certains des détails caractéristiques de ces animaux. Je vais juste accélérer ce processus parce que nous savons tous comment google images. Une fois que nous avons une bonne collection de références, nous pouvons passer à l'esquisse de notre design. 6. Esquisses et silhouettes: Notre objectif en ce moment dans cette section est d'obtenir sur papier nos idées qui flottent autour de nous, qu'elles soient bonnes ou mauvaises. C' est ce qu'on appelle la vignette au stade de l'esquisse. Ce sont des notes visuelles qui sont juste pour vous. Personne d'autre n'a besoin de pouvoir les lire, donc vous n'avez pas à les affiner d'une manière spécifique. J' appelle ces miniatures miniatures. Dans la conception de personnages, quelque chose qui rend un personnage mémorable reconnaissable est d'avoir une silhouette forte. L' astuce ici est d'exercer moins d'énergie possible afin que vous ne regrettiez aucun de vos choix, et vous ne doutez pas du désir ou du besoin de dessiner quoi que ce soit. Tu veux juste mettre un tas de trucs sur papier et les trier plus tard. Donc, je vais jouer avec ces trois références visuelles et juste les remixer de différentes manières et voir comment les dessins se sentent pour moi. En gardant à l'esprit certaines idées conceptuelles telles que  : « Si ce personnage est rapide, aurait-il de longues jambes étroites comme un flamant flamant ? » Probablement pas. Alors, peut-être que je devrais rester un peu plus près avec le corps et la queue du gator et lui donner un peu de jambes tendues. J' essaie d'adapter le poisson-clown ici à peu près, mais comme c'est seulement 10 pour cent de mon design, je ne pense pas que je devrais gâcher ça sur la silhouette. Peut-être que la texture ou la peau du poisson-clown entre en jeu lorsque je commence à ajouter des détails au corps. Vous pouvez me voir essayer des techniques de plumes sur le dos de la créature. Donc, je viens de faire venir cette idée dans ma tête d'une tête de gator encadrée de plumes de flamant, presque comme un lion, ce cadre près de sa crinière. Donc, je vais esquisser ça. Je suis en quelque sorte dans ça, il y a un petit cercle autour. Maintenant, je veux trouver un corps qui complète son type de tête. Je vais essayer le corps de gator peut-être avec un mince, non. Je veux quelque chose d'un peu têtu. D' accord, ça se rapproche un peu de ce que je veux. Je vais considérer plus de plumes de flamant flamant peut-être au lieu d'une jambe plus mince, il a une aile, qui pourrait être cool. Cette créature me frappe comme une créature lourde, quelque chose qui ne peut pas vraiment bouger sur terre très bien et doit rester dans l'eau la plupart du temps, surtout si elle est poursuivie par un prédateur quelconque. Donc, je vais encombrer le corps de la créature. Maintenant, ça commence à ressembler à un type de corps lamantins avec une longue tête de gator et une facture de style flamant à la fin. Ok, ça se rapproche beaucoup. J' aime le poids de la créature et j'aime certains de ces détails. ne sais pas si je vais les utiliser tous, mais pour une miniature, c'est plutôt génial. Bon, je pense qu'on a besoin d'un nom pour cet animal pour que je puisse commencer à y faire référence plus spécifiquement. C' est un gator et un flamant. Donc, je pense à « allimingo ». Je vais travailler sur un croquis plus raffiné. Déterminer les parties rationnelles du corps, les formes qui composent sa forme. Avant de le faire, je vais me rappeler les influences de sa pose. Je sais que cette créature est seule. Ce n'est pas un monstre maléfique, c'est tout à fait unique. C' est défensif quand il en a besoin. Il est lié à l'eau, ne passe pas beaucoup de temps sur terre. Il a une queue rapide et solide pour nager rapidement, et il est d'environ la taille d'un voilier moyen. Je vais commencer par ces formes de base. Le personnage va se sentir lourd, lourd, et presque un sens absurde de la proportion, mais se sentir encore assez réaliste. Je lui donne une tête massive pour la forme de son corps, et une queue géante, et de minuscules petites pattes. La tête est une combinaison de la tête d'un gator et d'un bec de flamant. Il y a la crinière de plumes dont j'ai parlé plus tôt. On dirait qu'il a avalé une boule de bowling géante. D' accord, j'ai commencé à capturer un peu cette sensation de solitude, mais je veux la pousser encore plus loin. Une bonne façon de le faire avec un croquis est d'établir ce qu'on appelle une ligne d'action. C' est comme une extension de la colonne vertébrale. Si ce personnage était votre acteur, son langage corporel contribuerait beaucoup à exprimer son état émotionnel. Je donne une ligne d'action tombante. Vous pouvez le voir juste derrière. Donc, tout ce que je tire de cela va en quelque sorte faire référence à la ligne d'action. Je reçois une sensation très étrange de la part de cette créature. C' est un peu flasque, presque déprimé, submergé par la gravité. D' accord, encore une fois, je ne vais pas exagérer le croquis, mais j'ai besoin de suffisamment d'informations pour me faire passer dans mon dessin final. Essayons quelques styles d'yeux. Maintenant, gardez à l'esprit, je dessine depuis longtemps. J' ai beaucoup d'endurance pour faire des croquis. Si vous n'avez pas autant d'énergie, faites simplement un simple croquis ou si vous avez vraiment besoin de passer à la conception finale, tout ce qu'il faut pour vous faire passer à travers toutes les étapes de ce processus. 7. Pousser et poser: Donc je vais passer par une étape de croquis de plus et vraiment pousser la pose et apprendre à connaître ce personnage avant de commencer à l'encrerer. Nous reprendrons la ligne d'action. Je pousse vraiment la droopiness de cette ligne. Et maintenant, les formes que je mets vont se plier et se courber avec elle. Au lieu d'un ovale pour le corps, j'ai une forme de haricot vraiment pliée. Queues belles et flasques. Quelques formes de base pour les jambes. J' ajoute plus de droopiness à la tête et obtiens un placement général pour la crinière de plumes. Vous voulez faire une peau dans des formes. Des formes qui se sentent uniques et véhiculent un sens du ton. Maintenant, en plus de cela, je veux ajouter un peu de perspective à mon dessin. Je crée de la profondeur à cette forme bidimensionnelle que j'ai. Donc ces lignes rouges sont mes guides pour la rondeur du personnage. Remarquez comment tout est incurvé. Je n'ai pas de lignes droites ou rigides, tout est plié. En plus de cela, je vais faire un dernier croquis et élaborer certains de ces détails en commençant par les yeux, le bec et la forme de la tête. La fonction de la tête de ce personnage est d'être humoriste et solitaire, donc je vais lui donner un gros front lourd et un gros bec tombant. Maintenant, je dois comprendre la structure des plumes. Ils se chevauchent de la même façon que les échelles. Et je veux qu'ils tirent de la tête. Une dernière fois sur la forme du corps, apprenant vraiment à connaître les courbes du corps et de la queue. D' accord. J' ai beaucoup de confiance dans ce sketch. J' ai l'impression que je connais bien ce personnage. Donc, quand j'entrerai dans l'encrage, ça va être beaucoup plus facile. L' encrage nerveux peut vraiment ruiner un dessin. Il est donc payant d'être vraiment confiant dans le design de votre personnage avant de commencer à l'encre. 8. Encrage et hachures: Vous pouvez voir sur le côté gauche de l'écran que j'ai apporté deux références pour mon processus d'encrage. Ce sont les deux illustrations de l'époque de la Renaissance, art monstre marin et j'ai mis en évidence certaines des différentes techniques d'encrage qui sont faites dans ces dessins. Vous pouvez voir que l'éclosion, qui utilise essentiellement des lignes d'épaisseur et de densité variables pour représenter la lumière, vous pouvez voir comment l'éclosion peut montrer la forme de la créature, représenter différentes textures comme la fourrure, ou plume, ou de la peau ou même de l'eau dans ce cas. Il vous donne également une idée de l'endroit où se trouve la source lumineuse. Dans l'ensemble, l'éclosion va apporter de la profondeur et de la forme à ce dessin. Je veux que ce cours fonctionne à la fois pour les illustrateurs numériques et traditionnels. Donc, pendant que je dessine sur une tablette pour plus de clarté, toutes les choses que je fais peuvent être faites avec un stylo et du papier. J' utilise un pinceau par défaut très générique qui serait livré avec Photoshop, ou Clip Studio Paint, ou Procreate. Ce n'est pas un micron qui a une épaisseur plus constante, c'est plus équivalent à un stylo pinceau ou à un stylo de calligraphie avec une plume. Ainsi, lorsque vous appuyez plus fort, vous obtenez un poids de ligne plus épais et lorsque vous relâchez, vous obtenez un poids de ligne plus mince, ce que vous pouvez faire avec un micron mais vous obtenez beaucoup plus d' une sensation dynamique avec une plume ou un pinceau. Vous pouvez voir ma première étape ici est de simplement obtenir le travail de ligne principale de l'illustration, tous les contours. Je pars dans un tas de mes erreurs, donc vous pouvez voir qu'au lieu de ramasser mon stylo pendant que je travaille, j'essaie de créer la ligne tout en un geste. Il donne un flux beaucoup plus naturel à la conception en particulier, le long de formes plus grandes comme l'arc du dos vers le bas dans la queue. Si je peux capturer tout cela avec une seule ligne, cela rend l'image beaucoup plus forte et beaucoup plus claire. Beaucoup de style se révèle à travers l'encrage et quand je travaillais sur stylo et papier, il y avait un niveau de négligence que je me permettais avec mon travail. J' ai aimé un peu d'éclaboussure d'encre et de petites choses texturales comme ça. Mais quand je travaille numériquement, tout a l'impression qu'il doit être assez précis. Sinon, cela ressemble à une erreur et non pas au bon genre d'erreur. Donc, mes dessins numériques sont beaucoup plus nets et propres. Je pense vraiment à l'endroit où les lignes interagissent, aux types de tension que je crée lorsque les lignes se heurtent les unes aux autres. Maintenant que j'ai terminé mon contour, je vais apporter une autre image pour référence. Voici une photo d'un alligator mousseux. C' est ainsi que je peux suggérer la rondeur de la créature. Je vais créer quelques guides de base inspirés des textures d'un gator. Ils ont presque une grille comme une forme sur leur corps, mais bien sûr, ces lignes ne peuvent pas être plates parce qu'elles sont sur une surface incurvée, donc je dois m'assurer d'avoir les angles pour représenter les bonnes parties du corps. Vous pouvez voir que je construis ces lignes, cela commence à rendre mon personnage plus rond et plus je mets les lignes ensemble, plus vous pouvez voir une technique d'éclosion. Avec les hachures traditionnelles, vous ne voulez pas que les lignes se chevauchent sauf si vous faites des hachures croisées, ce qui est une chose différente. Ainsi, les lignes doivent être parallèles et la densité crée une obscurité. Vous pouvez voir que la densité des lignes augmente, le ton de l'image commence à changer. Plus vous ajoutez de détails, plus il rapproche l'image comme type de réalité. Je ne sais pas, pour moi une partie de l'humour commence à tomber du dessin, une partie de la légèreté et j'ai même essayé d'autres types de textures ici. Je ne pense pas que cela fonctionne pour mon style, alors je vais retirer certains de ces trucs et prendre une approche différente de l'éclosion. Moins de lignes, ce qui signifie que les lignes que je fais ont plus d'impact. Regardons les types de lignes que j'utilise ici. Avec le principal, je veux que toutes les plumes pointent vers le centre du visage. Ainsi, vous pouvez voir comment ils pointent tous vers une épingle imaginaire quelque part entre les yeux et juste derrière le nez. J' ai ajouté quelques marques d'éraflures sur le nez pour donner au personnage un peu d'histoire. Peut-être qu'il creuse son bec dans les rochers du rivage. J' ai ajouté juste des petits morceaux de texture sur le corps. J' ai des rayures dans le style d' un poisson clown comme son corps est un peu segmenté avec la couleur. La texture fait référence à l'alligator, mais elle n'est pas aussi dense qu'un alligator réel. D'accord. Pour la prochaine étape avec mon éclosion, je vais construire les ombres à l'intérieur des plumes. Vous pouvez voir que j'ai encore mes références ici. Lorsque les plumes se chevauchent, celles du premier plan jettent une ombre sur celles du dos. Donc, je vais bouger dans les profondeurs et les fissures entre ces plumes et construire les ombres qui font surgir un peu celles qui se trouvent devant. Encore une fois, les lignes sont hachurées, elles se déplacent le long des mêmes lignes de référence. Ils ne changent pas de direction, ce qui signifie qu'ils impliquent tous la même source de lumière. Il y a une sensation unifiée. Je vais revenir autour des yeux et ajouter juste un peu plus d'éclosion à nouveau, et juste laisser le bec être le point principal de l'accent, et juste laisser le bec être le point principal de l'accent, ce qui signifie qu'il a le plus de détails sur le visage. Je vais essayer une approche différente de la texture sur le dos, je vais utiliser des petits tirets. Vous pouvez voir, j'appuie plus fort sur certaines lignes et j'allège sur d'autres, ça crée un peu de variété, une sensation plus naturaliste, quelques ombres derrière la principale. Je vais essayer de remplir le ventre de la créature, mais je pense que c'est trop de profondeur dans la valeur de la lumière donc je vais retirer ça et juste garder un peu d'accent autour des jambes. Revenons ici et éclosons une partie de la texture dans l'eau. Donc, cette version du monstre marin reste assez fidèle aux techniques utilisées dans les illustrations de la Renaissance. Techniques d'éclosion de base, rien d'extravagant ou expérimental, ne faisant que relayer la forme de base, un peu d'une source de lumière, et certaines des textures exotiques de la créature. 9. Couleur et théorie: Avant de commencer à colorier notre monstre marin, prenons un petit cours sur la théorie des couleurs afin que vous connaissiez vos options. Le caractère d'une seule couleur peut être décomposé de deux façons. L' une est l'intensité de saturation de la couleur. C' est une nuance de rouge à 100 pour cent de saturation. Au fur et à mesure que nous réduisons la saturation, la couleur est dépouillée jusqu'à ce que nous soyons laissés avec du blanc. Dans le monde naturel, une couleur entièrement saturée est vue quand elle absorbe toute la lumière. La deuxième façon de catégoriser la couleur est avec la valeur ou la luminosité de la couleur. Nous commençons à pleine valeur de rouge et plus nous ajoutons de noir, moins la lumière interagit avec la couleur et elle la cache dans l'ombre. Les rapports de saturation et valeur sont super puissants parce que nos yeux sont très sensibles à eux. Donc, vraiment, vous pouvez prendre une seule couleur et créer des compositions vraiment intéressantes et évocatrices. Vous pouvez même peindre une image entière en utilisant différents niveaux de saturation et de valeur. Bien sûr, avec une seule couleur, nous perdrons beaucoup de nos options de narration. Alors regardons les harmonies de couleurs qui est la théorie de la combinaison des couleurs. Regardons trois approches différentes pour harmoniser les couleurs. Le premier est l'approche monochromatique qui est fondamentalement ce dont nous avons parlé. Il utilise une seule couleur avec différents niveaux de saturation et de luminosité. coloration monochromatique peut fonctionner pour une seule image de sujet comme un logo ou une œuvre d'art graphique. Mais quand vous entrez dans les arts narratifs, il devient difficile de travailler avec une seule couleur. Regardons l'harmonie des couleurs analogiques, ce qui signifie travailler avec des couleurs adjacentes sur la roue des couleurs ou à côté de l'autre. Donc, si je commence avec cette base rose, vous pouvez voir que je me déplace autour de ma roue de couleur à droite et à gauche juste un peu. Jamais égaré trop loin de cette couleur de base originale. Dans ce contexte, je peux utiliser mes couleurs adjacentes pour représenter l'ombre, la texture, les surlignements. Donc, en vous limitant à un certain coin de la roue de couleur, il peut en fait être assez libérateur. En éliminant beaucoup de choix, vous pouvez réellement avoir plus de liberté avec votre créativité. Les schémas de couleurs analogues peuvent se sentir très à l'aise parce qu'ils ne mettent pas de contraste dur dans votre visage. Le monde naturel est plein de schémas de couleurs analogues en termes d'animaux, de motifs, ou tout simplement de l'environnement naturel qui vous entoure. Une troisième approche de l'harmonie des couleurs est l'approche complémentaire, est-à-dire les couleurs qui se trouvent sur les côtés opposés de la roue des couleurs. Je suis sûr que vous êtes familier avec les couleurs complémentaires. C' est quelque chose qui est couvert dans l'éducation artistique élémentaire. Alors ajoutons une variation à cela, diviser les compléments. Cela signifie choisir l'un de vos deux compléments et choisir une couleur analogue pour travailler avec elle. Donc, si j'ai une base de rose et un complément de vert, cela me donne la possibilité d'utiliser un bleu pour créer un peu plus de variété et un peu plus de potentiel de composition. Ok, il y a ton cours d'accident en théorie des couleurs. Revenons à nos œuvres d'art. Je vais prendre mon illustration entièrement encrée et travailler avec un jeu de couleurs gratuit divisé inspiré par le Flamingo, qui est l'orange et le vert de l'alligator et ma couleur adjacente à mon compliment va être bleue. Je vais travailler avec le vert comme base et juste passer à travers et remplir tout ça dedans. Ensuite, je vais jouer avec différentes combinaisons de mon complément et de couleur analogue. Avec la coloration, vous devez décider où vous voulez dessiner l'œil. Donc ma couleur de base doit être dominante, sinon la couleur d'accent ne va pas se démarquer. Je vais garder juste la crinière de plumes orange et utiliser différentes valeurs de vert le long du corps. Encore une fois, c'est une classe créative, donc nous avons nos règles et parfois les règles sont enfreintes. Je vais réviser mon schéma de couleurs. Essayons ça et je vais essayer ce jaune sur le bec. Cette valeur plus foncée du bleu semble en fait mieux correspondre au corps de l'alligator alors gardez cela et puis orange dans la crinière, diriez-vous de quelques rayures. Bien, encore une fois, même avec cette palette limitée, il est très facile de faire un design trop occupé. Je vais juste m'arrêter ici une seconde et réévaluer la situation. Quand j'éclochais mon dessin, les aspects du personnage fonctionnaient vraiment. Mais comme j'ajoute de la couleur maintenant, le design devient juste trop boueux et rien ne me distingue vraiment. Donc, je vais adopter une approche drastique et je vais enlever toutes les hachures et revenir à mon plan de la conception. Voyons voir si je peux trouver une palette de couleurs plus satisfaisante. Ce petit gars solitaire a une gentillesse pour lui, donc je vais choisir une palette de couleurs plus joyeuse. Je vais commencer par un type de vert sarcelle pour le corps de l'alligator et je vais utiliser ce complément de rose adjacent pour être les plumes de Flamingo. Ensuite, je vais revenir au vert, baisser la luminosité et commencer à construire un motif. L' astuce ici est de ne pas trop compliquer les choses. Alors que je construis ce modèle, je dois décider si cela fonctionne vraiment à l'aspect général du design ou s'il enlève trop du visage. Comme vous pouvez le voir, je commence à plier certaines des règles de la théorie des couleurs dont j'ai parlé, il y a quelques minutes, mais c'est ainsi que fonctionne le processus créatif. Si nous jouons tous selon les mêmes règles, nous finissons avec les mêmes choses encore et encore. Nous devons donc être un peu malléables et permettre aux règles de s'adapter à la situation. Voici un bon cas de ça. Je vais faire un changement dramatique ici. Je commence à perdre l'intensité du visage dans ce modèle mais je ne vais pas changer le modèle cette fois. Je vais entrer et changer l'apparence du visage. Prenons ces yeux et révisons-les. Maintenant, je reviens dans le visage qui est là où je veux être avec le bon design de personnage. Je vais utiliser un peu de jaune ici pour les faire pop ou ajouter quelques détails. Je veux des valeurs plus sombres pour faire ressortir les plumes et les yeux pop et après un peu d'essai et d'erreur, j'ai un design qui me satisfait. Voilà, mesdames et messieurs. Le alimingo insaisissable, errant dans les eaux de Daytona Beach, au large de la côte de la Floride, États-Unis. 10. Synthèse: Très bien, c'est la classe. J' espère que vous avez passé un bon moment et j'espère que cela vous a inspiré à créer votre propre monstre marin. Même si vous ne suivez pas toutes les étapes que j'ai prises, vous pouvez les remixer de différentes manières et n'hésitez pas à partager n'importe quelle étape de votre processus créatif dans la section Projets étudiants. Cela contribue beaucoup à bâtir une communauté autour de la classe et à faire savoir aux autres élèves que les gens sont actifs ici et participent activement, et cela m'inspire vraiment à créer de nouvelles classes pour vous les gars. J' adore l'aspect de la classe, alors j'espère que vous y participerez. Si vous aimez cette classe sur la fabrication de monstres marins, vous pourriez aussi aimer mes autres cours d'illustration créative sur l'art conceptuel et la construction du monde, encrage et l'illustration dans des livres pour enfants, le dessin de personnages de dessins animés, et faire des bandes dessinées. Vous pouvez trouver tous ces trucs sur ma page Skillshare et assurez-vous de me suivre pour voir ce qui vient ensuite. D' accord. Vous attraper la prochaine fois.