Transcription
1. Introduction: J' adore lire des bandes dessinées. Tu sais ce qui est encore mieux que de lire des bandes dessinées ? Dessin BD. Mon nom est [inaudible] Marks. Chaque fois que j'ai une histoire que je veux raconter, je me tourne toujours vers ma forme d'art préférée. C' est pour ça que je dessine des bandes dessinées depuis mon enfance. J' ai beaucoup appris en chemin. Maintenant, je veux aider d'autres artistes
curieux de faire leur propre bande dessinée à commencer leur voyage. Que vous travailliez dans le domaine traditionnel ou numérique, j'ai créé une classe remplie l'essentiel dont tous les artistes aspirants ont besoin pour commencer. Chaque chapitre de la classe se concentre sur une partie de ce qui fait de la bande dessinée une forme d'art passionnante et unique. s'agisse d'organiser des personnages, des paramètres et des bulles vocales
à l'intérieur d'un panneau, de sélectionner les outils de dessin adaptés
à votre projet, d'explorer le style et d'illustrer des histoires, chaque leçon est remplie de conseils et de conseils professionnels de ma part, ainsi que des exemples des artistes étonnants qui ont inspiré mon travail au fil des ans. Après la leçon, nous commencerons un projet de classe qui vous ligue étape par étape à travers le processus créatif de planification, croquis, de pincer votre propre bande dessinée. Si vous êtes un illustrateur de n'importe quel niveau de compétence et que vous êtes curieux d'essayer la bande dessinée, j'espère que ce cours sera une ressource amusante et utile qui vous ouvrira les yeux sur les possibilités de la bande dessinée. On sait tous les deux que lire des bandes dessinées est cool, mais il est temps de mettre de côté les livres et de prendre un crayon. Il est temps de commencer à dessiner des bandes dessinées.
2. Présentation générale: Hé, bienvenue dans la classe. Merci de m'avoir rejoint. Maintenant, avant de commencer, je veux juste répondre à quelques questions de base que vous pourriez avoir. Vous avez peut-être remarqué que ce cours dure deux heures, alors je voulais vous dire dans quoi vous vous engagez. La première question est, quels sont les objectifs de cette classe ? Mon but ici est de vous apprendre à comprendre et à utiliser efficacement les éléments de base de la bande dessinée pour créer des histoires passionnantes. Maintenant, faut-il être un illustrateur incroyable pour participer à ce cours ? Non. Je vais vous apprendre à utiliser votre style d'illustration actuel, peut-être le développer à travers quelques étapes de croquis et d'encrage. Mais je vais aussi vous aider, surtout, à avoir confiance en votre capacité de raconter des histoires. Vous pouvez dessiner dans n'importe quel style tant que vous avez confiance en vos histoires. Ensuite, parlons de quels outils allez-vous avoir besoin pour participer à ce cours ? Au minimum, vous pouvez participer avec un morceau de papier à copier et un crayon. Si vous voulez être un peu plus fantaisie, vous pouvez sortir votre tablette de dessin ou vous pouvez acheter des fournitures de stylo et d'encre à la boutique d'art. Ce sont des sujets dont je parlerai en classe. Mais vraiment si vous voulez dessiner des bandes dessinées, vous travaillerez avec ce que vous avez à votre disposition. Ça pourrait être le marqueur Sharpie dans ta cuisine, peu importe ce que tu as. Parlons maintenant de la structure de la classe dans son ensemble. Il est divisé en deux sections. Nous avons la partie leçon de la classe, puis nous avons le projet de classe qui suit la leçon. Permettez-moi de passer en revue ce que vous trouverez dans chacune de ces deux sections. La leçon est la première série de chapitres qui va vous
apprendre comment fonctionnent les bandes dessinées et les panneaux. La leçon se décompose en trois sections. Composition du panneau, qui permet de dessiner des caractères et des paramètres dans un panneau. Transitions de panel, qui examine la variété des façons dont les panneaux travaillent ensemble pour raconter une histoire et un panel encrant un regard technique sur les outils, numériques et traditionnels, utilisés par les artistes pour créer des bandes dessinées. Après avoir terminé la section de leçon de la classe, nous passons dans le projet. Je nous ai assigné un projet simple, une bande dessinée à deux panneaux esquissée et encrée, inspirée par le thème de l'obsession. Dans la section projet, vous me verrez travailler du début à la fin de mon propre projet de bande dessinée. Vous aurez une chance de voir exactement comment je fais le travail. Je vais vous emmener à travers toutes mes étapes créatives de la planification d'un récit, ainsi que vous criez quelques-unes des compétences que nous avons acquises dans les leçons précédentes. C' est la structure du cours. Comme vous pouvez le voir, j'aime créer des visuels amusants pour vous garder engagé et aider ces idées à rester dans votre cerveau. C' est tout ce que j'ai à dire pour l'instant. Allons en classe.
3. Leçon : Comprendre la case: Commençons par une petite expérience scientifique. On va disséquer une bande dessinée ordinaire. Maintenant, lorsque vous dépassez un panneau, vous regardez quatre éléments de base : le cadre, la bulle vocale, les caractères et le réglage. Un artiste de bande dessinée peut organiser ces quatre éléments de toutes sortes de façons. Mais à la fin de la journée, une bande dessinée est un outil narratif et votre arrangement devrait être utilisé au service d'une histoire. Avant de parler des éléments du panneau, rappelons-nous l'objectif général de la bande dessinée. C' est pour engager le lecteur. Nous voulons utiliser un panneau pour inviter le lecteur dans notre imagination
et les connecter à l'expérience d'un personnage. Une bande dessinée doit être un équilibre entre deux agendas créatifs. abord, vous voulez concevoir votre panneau d'une manière qui
les rend clairs et faciles à comprendre par le lecteur. Mais d'un autre côté, vous voulez aussi représenter votre flamme illustrée et votre voix d'auteur. Tu veux leur donner du style. Bien sûr, il faut de la pratique pour trouver cet équilibre, mais il faut aussi comprendre les éléments du groupe et comment les faire fonctionner efficacement. Maintenant que nous avons des objectifs pour notre bande dessinée, démontonons et discutons de la façon dont chacun de ces quatre éléments peut être utilisé efficacement. En d'autres termes, nous sommes ici pour regarder les choses à faire et ne pas faire d'une bonne bande dessinée. On va commencer par le cadre. Le cadre est la force invisible derrière toutes les bandes dessinées. Respectez ces quatre lignes et vous serez un meilleur artiste de bande dessinée. Ne pensez pas à votre cadre de bande dessinée comme une boîte dans laquelle vous pouvez presser un dessin à l'intérieur de. Votre cadre ne devrait pas ressembler à un espace bidimensionnel. Le fond de votre panneau n'est pas un plancher, et le dessus n'est pas un plafond. L' utilisation d'un panneau de cette façon prive votre imagination de possibilités créatives, et cela rendra vos panneaux inintéressants. Pensez à votre monture comme une lentille dans le monde de votre personnage. Le traiter comme une lentille apportera de la profondeur visuelle à vos idées et trouvera à votre panneau un point de vue narratif. Ce sont toutes de très bonnes choses. Ensuite, c'est la bulle de la parole. bulles vocales prennent autant de planification et de dessin que les autres œuvres d'art de votre panneau. Donnez-leur le respect qu'ils méritent. Ne dessinez pas votre bulle de discours d'abord, puis espérons que vous pouvez adapter le texte à l'intérieur. Ça ne marche jamais. texte à l'étroit rend une bande dessinée pas amusant à lire. Ne laissez pas les bulles de la parole interrompre la ligne des yeux d'un personnage. Les bulles de parole ne devraient jamais interrompre une scène de quelque façon que ce soit. De plus, ne pas attacher de bulles de parole à la bouche d'un personnage. Placez votre texte dans le panneau avant de dessiner votre bulle vocale. Il est préférable d'intégrer du texte dans le tiers supérieur du cadre. Laissez votre bulle vocale être recadrée par le cadre si nécessaire, surtout si cela signifie donner plus d'espace à votre texte. Permettez-vous du temps avec votre lettrage. Rendez-les audacieux et propres. Parfois, il aide à écrire dans toutes les capitales. Ça ralentira votre calice. Comme les bandes dessinées sont souvent petites, les chapiteaux aideront votre travail de ligne à conserver sa clarté. Veuillez tenir compte de l'emplacement de vos bulles vocales. Ils devraient être imaginés comme flottant au-dessus et juste derrière la tête d'un personnage, et devant les éléments de fond dans le cadre. Ensuite, nous avons les personnages. Les personnages guideront une grande partie de votre composition de panneau. En sachant qui ils sont, ce qu'ils veulent, ce qu'ils font à ce moment précis, vous
permettra de faire des choix de composition clairs et intéressants. Donnez à vos personnages des expressions et mettez leurs corps et leurs poses. Si vous avez besoin de plus d'informations sur les visages de dessins animés et le langage corporel, consultez ma chaîne Skillshare pour les cours sur ce sujet exact. Tout comme avec les bulles vocales, faites encadrer soigneusement vos personnages dans le panneau. N' oubliez pas que votre monture est un objectif, alors faites un zoom avant sur l'action et les expressions faciales, afin que votre lecteur ne manque pas ce qui se passe dans l'histoire. S' il vous plaît capturer vos personnages dans des moments passionnants et passionnants. Ne dessinez pas vos personnages dans des poses en bois et symétriques, cela drainera les personnages de la vie. plaît ne vous apprenez à dessiner vos personnages dans des poses naturelles. Ne vous connectez aux lignes des yeux des personnages pour appliquer les interactions. Ne surpeuplez pas un panneau de caractères. Le lecteur n'aura aucune idée de ce sur quoi il est censé se concentrer. l'autre côté des choses, ne laissez
pas d'espaces vides géants. Les lecteurs supposeront que vous le faites exprès, et ils interpréteront votre composition comme quelque chose de significatif. Last but not least, nous avons le réglage. Le paramètre indique l'heure et le lieu où vivent vos personnages. Les paramètres sont importants, mais ne doivent pas distraire l'action des personnages. Le paramètre « Ne pas faire » peut être résumé en une petite phrase ; ne créez pas de tangentes dans votre panneau. Que sont les tangentes ? Eh bien, les tangentes sont des intersections d'une ligne qui impliquent une relation que l'artiste n'entend pas. Une tangente se produit lorsque deux lignes d' objets
complètement différents interagissent de manière coïncidente. Une ligne d'arrière-plan crée un coin distrayant par rapport à un caractère, ou la courbe d'un caractère se heurte à un élément d'arrière-plan. Il est facile d'éviter les tangentes, si vous les surveillez. Maintenant, voici quelques trucs simples pour éviter les tangentes. Avant de dessiner un caractère, établissez une ligne d'horizon ou d'autres éléments structuraux de la pièce, afin que vous sachiez où vos personnages s'intègrent dans cet espace. Évitez les tangentes en se chevauchant et en laissant un espace distinct entre les objets. Pour améliorer vos paramètres, laissez vos personnages interagir avec leur environnement en les plaçant dans le paramètre, pas seulement devant celui-ci. Maintenant, lorsque vous utilisez ces quatre éléments ensemble d'une manière bien planifiée et significative, vous créez une bande dessinée fonctionnelle. C' est aussi simple que ça. Mais bien sûr, nous ne sommes pas là pour les panneaux fonctionnels. Nous voulons créer des panneaux artistiques, créatifs, incroyables. Dans le prochain chapitre, je vais vous rapprocher de cet objectif.
4. Leçon : Organiser les cases: La mise en scène est la façon dont l'artiste de la bande dessinée utilise les quatre éléments pour planifier son panneau. La mise en scène doit être claire et lisible, agréable à l'œil et à l'appui de l'histoire que vous essayez de raconter. Une partie de la mise en scène consiste à apprendre à travailler avec l'espace négatif du panneau. Les bandes dessinées ont tendance à être lourdes en raison de la gravité et il peut être facile de concevoir un panneau avec beaucoup d'espace négatif. Pour éviter un espace vide excessif, créez des miniatures de vos panneaux en utilisant des silhouettes de caractères en géométrie simple. Voyons maintenant comment le réglage, caractère et le cadrage sont tous utilisés dans la mise en scène. Quand il s'agit de mettre en scène, un artiste de bande dessinée est comme un décorateur. Ils peuvent ajouter et supprimer des éléments de premier plan, de milieu et d'arrière-plan pour diriger l'attention du spectateur. Par exemple, l'ajout d'éléments de premier plan peut encadrer l'action dans un panneau. La suppression des détails d'arrière-plan peut attirer plus d'attention sur le comportement d'un personnage. Quand il s'agit de mettre en scène dans le cadre, ce n'est que quelques façons de diriger l'attention de votre lecteur. Essayez de modifier vos paramètres et différentes façons d'améliorer votre mise en scène. Maintenant, quand il s'agit de mettre en scène un personnage, vous devez penser comme un acteur et un réalisateur en même temps. Demandez-vous, dans quel état émotionnel ai-je capturé ce personnage et comment le représenter ? Cette réponse pourrait ne pas venir dans un seul dessin. Sur un morceau de papier distinct, utilisez des croquis miniatures simples pour élaborer des idées sur le caractère, la mise en scène et la pose. clouage du pouce est la meilleure façon de répondre à ces questions avant de dessiner quoi que ce soit à l'intérieur de votre panneau. Demandez-vous : « Quelle pose reflète l'état émotionnel du personnage en ce moment ? » Il est utile d'essayer différentes variations sur le langage
corporel et l'expression faciale pour découvrir ce qui se lit le mieux. Je vais vous le dire, dans les dessins animés et les bandes dessinées, l'exagération est toujours meilleure. Entraînez-vous à exagérer une expression faciale à l'avance. Ensuite, lorsque vous le mettez dans votre panneau, améliorez encore davantage en ajoutant quelques lignes émotives. Les lecteurs aiment savoir comment votre personnage réagit à leur situation. Les personnages doivent toujours répondre. Laissez-les rester là à regarder dans l'espace. C' est à travers le personnage qu'un lecteur s'engage dans votre narration. L' art de la bande dessinée remonte à l'histoire. Il a toujours eu son propre style visuel, mais depuis que l'IA moderne est formée à narration
visuelle par l'esthétique de la photographie et de la réalisation cinématographique. Il est logique que la terminologie du cadre de la bande dessinée utilise ces médiums populaires comme points de référence. C' est pourquoi, lorsque vous parlez d'encadrer un panneau, vous pouvez utiliser des termes tels que plan long, plan
moyen et gros plan. Ces trois noms font référence emplacement
de la caméra par rapport à l'acteur ou au personnage. Mais la chose la plus importante à comprendre est comment le cadrage affecte votre récit. Si vous choisissez de cadrer avec un plan long, sachez qu'un long plan détermine souvent où se déroule une scène. C' est souvent le cas qu'un long plan n'a aucun des personnages principaux de l'histoire en elle. De cette façon, le lecteur a l'occasion de prendre connaissance des détails du monde, avant que l'histoire ne commence officiellement. Un long plan nécessite la mise en scène des éléments de premier plan, de
milieu et d'arrière-plan et un peu de sens de la perspective. Un plan moyen montre l'action ou la conversation entre les personnages et leur réglage. C' est le style de cadrage le plus commun que vous utiliserez probablement. Cela dépend de votre style et de votre focus sur le panneau, mais vous pouvez probablement vous en sortir avec la mise en scène vos personnages au milieu des éléments du sol seulement. Un gros plan met l'accent sur l'état d'être d'un personnage ou son dialogue. Il est souvent préférable d'oublier les détails de réglage et d'
inclure uniquement des éléments visuels qui amélioreront le gros plan. La mise en scène globale est la façon dont l'artiste de bande dessinée dirige le lecteur à s'engager dans l'histoire. Lorsque vous regardez une page de bande dessinée complète, vous verrez comment l'artiste de bande dessinée utilise différents types de mise en scène dans chaque panneau pour garder le lecteur constamment engagé. Plus vous comprenez les techniques de mise en scène, mieux vous pouvez faire votre propre histoire. Pour mieux comprendre, regardons des exemples de la façon dont certains de mes artistes de bande dessinée préférés mettent en scène leurs panneaux.
5. Leçon : Exemples de bonnes cases: Examinons trois exemples de la façon dont le cadrage, les bulles vocales, les personnages et les paramètres peuvent être utilisés pour encourager un lecteur à s'engager dans une histoire. Nous commencerons par le panel du livre primé Jason Lutes, Berlin. Son histoire se déroule entre 1928 et 1933 à Berlin, en Allemagne. Il offre au lecteur un regard intime sur la vie des citoyens
allemands pendant le déclin de leur république de longue date. Ce panneau s'étend sur toute la largeur d'une page. Il prend de l'espace qui aurait pu être utilisé pour un ou deux panneaux supplémentaires. Mais M. Lutes utilise un seul panel parce qu'il obtient tant d'informations sur ce moment. Son encadrement met en scène la scène de manière voyeuriste. On se tient devant une fenêtre juste devant une maison. C' est une maison qui a été vandalisée de plus d'une façon. Nous voyons ce qui est susceptible d'être une propagande politique ou un discours haineux sur le mur extérieur. M. Lutes est intelligent de masquer les mots de sorte que nous ne comprenons pas ce qu'ils disent, et par conséquent, notre attention est détournée de ce qui est l'objet principal du comité. Maintenant, nous regardons sur le cadre de la fenêtre, qui fonctionne pour encadrer la vraie histoire de ce panneau. Nous montrons les conséquences d'une attaque,
un anneau de verre brisé, qui crée un cercle serré autour de ce cadre domestique. Un homme et une femme se tiennent dans des poses rigides juste derrière leur table de salle à manger, choqués par ce qui s'est passé. La consternation de la femme est encore accentuée par la mise en scène du cadre de porte autour d'elle. Remarquez comment elle est silhouette contre le noir, tandis que l'homme disparaît presque dans le rideau blanc. Notre exemple suivant, nous regardons un panneau du livre de Bryan Lee O'Malley, Scott Pilgrim. C' est une bande dessinée sur une vingtaine de choses qui se trouve le héros de sa propre histoire alors qu'il tente de gagner le cœur d'une fille nommée Ramona Flowers. C' est une scène de Scott et Ramona comme la première fois traîner ensemble. M. O'Malley encadre ses personnages dans un long plan de l'autre côté de la rue. Il fait trop sombre pour que nous puissions voir l'arrière-plan, mais il y a beaucoup d'indices pour savoir où nous en sommes. Nous pouvons voir que nous sommes dans une ville froide et enneigée, Toronto, pour être précis, et le sol est assez froid pour que la route soit couverte de glace. La neige tombe et crée un motif apaisant autour des personnages. Vous remarquerez comment le bord
du feu de rue pointe directement vers les personnages pour attirer notre attention sur eux. Scott et Ramona ne marchent pas côte à côte. Ramona montre clairement la voie et bien que le langage corporel de Scott ne le montre pas, ses mots nous font savoir qu'il est un peu mal à l'aise dans la situation. Il traîne son libellé, sooo, et puis il suit avec la question. Cela l'amène directement à une autre question sans attendre une réponse. Il veut apprendre à connaître cette fille. Ce troisième exemple, nous regardons un panneau de l'un des maîtres de la bande dessinée effrayante, Emily Carroll. Mlle Carroll a une approche moins conventionnelle en matière de conception de panneaux que Lutes et O'Malley. D' abord, on remarque que son panneau n'a pas le cadre noir habituel. Elle s'appuie sur les bords rugueux de sa couleur d'arrière-plan pour encadrer son contenu narratif. La scène est mise en scène d'une manière qui se sent cérémonielle, peut-être un mariage. Mlle Carroll est une conteuse qui sait garder ses histoires tendues. Cette tension provient de diverses techniques. première, c'est le rythme de son texte narratif. Remarquez la façon dont la narration commence sur le côté gauche du panneau et se résout à droite, en cassant le flux avec les personnages, car le lecteur était naturellement attiré pour lire l'énoncé à un rythme plus lent. La mise en scène des personnages fournit également une certaine tension. Si vous aimez la fiction d'horreur, vous savez que l'une des règles de la narration d'horreur est de retenir les grands révélations, ne jamais montrer le monstre. Elle fait ça ici, ce qui veut dire qu'elle garde les visages du personnage cachés pour créer un peu plus d'attention. Ce panneau nous présente les trois personnages sans nom et sans visage. Il y a une fille, un homme, et puis il y a le père de la fille, qui apparaît seulement comme une croix rouge éclatante flottant au milieu de la scène. Mlle Carroll utilise aussi son bagage pour donner le ton de l'histoire. Ses lettres hautes et étroites se sentent sérieuses et hors du temps, un peu démodé peut être victorien. Ils n'utilisent pas une police de dessins animés comme beaucoup de bandes dessinées. Son texte flotte comme des esprits dans une pièce, et il change de voix en passant à un script minuscule. Je veux que vous remarquiez que la voix narrative de ces bandes dessinées vient en partie des histoires que les artistes racontent. Lutes comic est une pièce d'époque et il utilise des détails clairs sur le cadre, vêtements
et les artefacts dans la pièce pour nous aider à nous engager dans ce qui serait autrement un cadre inconnu. histoire de Bryan Lee O'Malley se situe dans une ville contemporaine. Il n'a pas besoin d'autant de détails pour nous garder engagés avec l'heure et le lieu. Les histoires d'Emily Carroll sont plus intemporelles, ce sont des histoires de fantômes. En oubliant les détails visuels, elle nous oblige à dériver le ton des textures de ses milieux et du travail de ligne de son art. La prochaine fois que vous lirez une bande dessinée, prenez un moment pour vous concentrer sur un seul panneau. Regardez la façon dont l'artiste de la bande dessinée utilise le cadre, les bulles de discours
et le texte, et comment ils mettent en scène leurs personnages et leur cadre, ce qu'ils ajoutent et ce qu'ils décident également de laisser de côté. Vous pouvez en apprendre beaucoup sur un artiste de bande dessinée d'ailleurs, ils s'engagent avec un seul panneau. Cela dit, nous allons ensuite passer à la magie
qui se produit quand vous mettez deux panneaux l'un à côté de l'autre.
6. Leçon : Comprendre la bande dessinée: Maintenant, pour moi, une bande dessinée devient une bande dessinée quand vous commencez à mettre des panneaux dans une séquence. En fait, l'art de la bande dessinée est appelé art séquentiel. L' art séquentiel a son propre ensemble de théorie et de pratique, tout comme le cinéma, la photographie, peinture ou toute autre forme d'art. C' est le manuel définitif pour l'étudiant comique, Comprendre Comics par Scott McCloud. En tant que professeur, j'ai donné tant d'exemplaires de ce livre. C' est court et amusant à lire, et c'est génial dans la façon dont Scott McCloud met en œuvre ces concepts lourds d'une manière complète et mémorable. Il s'avère que la bande dessinée est un excellent outil d'enseignement. style d'enseignement de Scott McCloud, ses concepts et sa philosophie, passe dans mes veines vraiment. Si vous vous trouvez profiter de mes cours, faites-vous une faveur, et sautez sur Internet et achetez ce livre, mais pour l'instant, je suis dans une revue ce que je ressens est le concept de base de Comprendre la bande dessinée. M. McCloud dit qu'il y a cinq arènes distinctes de choix pour planifier et dessiner une séquence de bandes dessinées. La qualité et la clarté d'un récit de bande dessinée
dépendent de la connaissance des conteurs de ces cinq arènes distinctes. Ce ne sont pas des étapes qui peuvent être effectuées dans un ordre spécifique. Ce n'est pas comme une routine d'entraînement. C' est plus un état d'esprit. sont vraiment que de petits processus créatifs qu' un conteur peut utiliser consciemment ou inconsciemment, pour rebondir les idées jusqu'à ce qu'ils arrivent à un produit qui convient à l'histoire qu'ils racontent. Si vous n'êtes pas déjà un artiste qui dessine des bandes dessinées, ces choix créatifs peuvent être un peu difficiles à comprendre. Examinons-les à l'aide d'un personnage et d'une scène. J' appelle cette histoire Edith et le grand examen, nous commencerons par celui que les gens passent le plus souvent, et c'est le choix du moment. Avant de mettre notre crayon sur papier, nous devons nous demander quel moment précis dans temps représentera le mieux l'expérience d'Edith. Maintenant, un dessinateur inexpérimenté va probablement parcourir une série de moments avant de s'y installer. Je commence toujours par me mettre dans la tête du personnage, j'imagine Edith dans la salle de classe assise rigidement à son bureau. Son crayon serré dans sa main, le papier d'examen la regardant sans clignoter. Évidemment, Edith avait étudié la veille, ou au moins elle avait un manuel ouvert pendant qu'elle regardait son téléphone. Maintenant qu'elle est enfin à l'examen, elle commence à douter si elle est vraiment préparée pour ça. En entrant dans la tête du personnage, je me suis familiarisé avec un scénario dans lequel Edith est. Je peux voir un certain nombre de moments distincts à partir de ce panel. Parfois, j'écris des notes sur mes idées ou fais petits croquis juste pour les sortir de ma tête. Ediths'accroupissait au-dessus de son bureau, transpirait,
Edith regardait l'horloge alors qu'elle manquait de temps,
Edith restait debout,
ses yeux fléchissaient s'accroupissait au-dessus de son bureau, transpirait,
Edith regardait l'horloge alors qu'elle manquait de temps,
Edith restait debout , d'avant en arrière pour voir si quelqu'un pouvait la sauver. Afin de maintenir votre histoire en mouvement, vous devez vous demander ce qui rendra ce moment emblématique et mémorable ? prochain choix de Scott McCloud est le choix du cadre. Maintenant, quand vous parlez de choix de cadre, quelque chose que nous n'avons pas discuté dans le chapitre précédent, c'est que le choix d'un cadre dépend vraiment la voix narrative de l'histoire pour la relier à l'écriture. Si la bande dessinée est dans un récit à
la troisième personne, le moment sera probablement tracé à une distance sûre d'un narrateur omniprésent, un observateur invisible. Si la bande dessinée est à la première personne, on pourrait se déplacer dans l'espace du personnage. On pourrait même regarder à travers leurs yeux. Dans des scènes comme celle-ci où un personnage est dans un état émotionnel accru, j'aime me rapprocher pour voir son corps trembler et son front transpirer. Ensuite, parlons du choix de l'image, signifie réellement mettre le crayon sur le papier et dessiner quelque chose. Comme ces choix de moment et de cadre clignotent dans notre cerveau, nous décidons rapidement comment nous voulons faire passer l'image sur le papier. Considérez le but du panneau pendant que vous dessinez. À quoi sert ce dessin dans l'histoire d'Edith ? Dans ce cas, je veux montrer son sentiment de panique à l'approche de la fin de l'examen. Je considère les éléments que j'ai besoin de dessiner, le bureau, Edith, l'horloge, d'autres étudiants qui prennent des tests et je dois décider quoi montrer et quoi découper de ce cadre. Plus vous dessinez de panneaux, plus votre style d'illustration s'adaptera aux restrictions du panneau. Les détails lourds peuvent brouiller la clarté d'un panneau et la répétition peut prendre du temps. L' art comique est souvent plus clairsemé que les autres formes illustratives. Tout en choisissant votre image et en la mettant sur papier, vous devez garder à l'esprit la prochaine arène de la conception de panneaux, et c'est le choix du mot. Ma règle de base dans la narration visuelle est seulement de dire ce que vous ne pouvez pas montrer. Ce n'est pas une règle difficile et rapide, c'est juste mon choix stylistique. Si vous êtes un conteur bruyant, vous pourriez montrer à Edith parler à elle-même. Peut-être que vous incluez du texte ou un peu d'effet sonore. Si vous êtes une conteuse silencieuse et subtile, vous pouvez montrer l'agitation intérieure d'Edith à travers son langage de visage et de corps et ses émotions de bande dessinée. Pour le dernier choix, nous devons zoomer un peu et parler du choix du flux. Jusqu' à présent, nous regardons le premier panel de ce qui serait une séquence de panneaux pour raconter une histoire. La façon dont tous vos panneaux se rapportent les uns aux autres affecte le flux narratif. Maintenant que nous pensons aux choix qu'un artiste de bande dessinée fait, passons au chapitre suivant pour voir différentes façons dont
le flux de panneaux affecte l'histoire d'Edith.
7. Leçon : Types de transition: Pour moi, une bande dessinée devient vraiment une bande dessinée quand on met deux panneaux l'un à côté de l'autre. En faisant cette tâche simple, vous demandez au lecteur de créer une fermeture entre vos deux moments distincts. La fermeture est ce que notre cerveau fait lorsqu'il a besoin combler les lacunes d'un flux d'information. Parfois, il est facile pour nos cerveaux de créer une fermeture. Mais quand il s'agit de bandes dessinées et d'autres formes d'art visuel, fermeture exige un peu plus de notre imagination. Par exemple, essayez d'imaginer ce qui se passe entre ces deux panneaux. Tous nos cerveaux vont trouver quelque chose de différent. Ce n'est pas le travail des dessinateurs de combler toutes les lacunes d'une histoire. En fait, ce sont les écarts entre les éléments d'information qui permettent au lecteur d'utiliser son imagination et qui donnent au lecteur la possibilité de s'engager dans la narration. L' artiste de bande dessinée raconte son histoire à travers la fermeture créée par la transition d'un panneau à un panneau. Il existe sept types distincts de transitions. Nous les définissons par le sentiment de fermeture qu'ils offrent au lecteur. Maintenant, nous allons utiliser Edith et son grand examen pour voir comment ces sept types de transitions ont un impact sur la narration. Les types les plus courants de transitions comiques sont basés sur un concept vraiment familier, le passage du temps. La première transition que nous examinerons s'appelle une transition instantanée. Une transition de moment à moment, est assez facile à reconnaître. Ils ont souvent des styles de cadrage très similaires et seulement de légères variations entre les deux panneaux. Disons que nous voulons montrer à Edith est terrifiée de marquer la mauvaise réponse à son test. Nous pouvons la dessiner en deux panneaux avec seulement de légères variations dans sa main et de petites choses subtiles comme le stress dans ses yeux. L' horloge peut nous dire combien de temps s'est littéralement écoulé, mais les images nous montrent ce que ressent le passage du temps à Edith. Une transition de l'action à l'action est probablement le type de transition le plus courant. Elle se distingue en présentant un début clair et une fin à une interaction entre un personnage et quelque chose d'autre. Edith s'assied pour passer le test dans le panneau 1, dans le panneau 2, on la voit épuisée à la fin. J' aime penser à l'action est de compléter un petit arc de personnage à l'intérieur d'une histoire beaucoup plus grande. Dans cette transition, nous voyons Edith passer de l'intention jusqu'à épuisée. Un sujet à la transition de sujet, est comment une bande dessinée montre l'interaction d'un personnage avec un autre sujet de la scène. C' est le plus courant lorsque nous voyons un personnage interagir ou répondre à quelque chose. Ici, Edith, réponse à la déclaration des enseignants selon laquelle le temps est en fait écoulé. Peut-être que vous avez entendu des acteurs dire que jouer c'est vraiment réagir. Personnellement, je pense à mes personnages de bande dessinée comme les acteurs de mon histoire et un
sujet de transition est une excellente occasion d'enseigner au lecteur sur le personnage. Transition de scène à scène, se connecte à des emplacements les uns aux autres. Il est basé sur le temps, bien que la compréhension de la durée du temps ne soit pas cruciale. Le style de transition est souvent utilisé pour nous amener d'une partie d'une histoire de personnage à l'autre. Dans ce cas, nous montrons Edith à passer son test
et ensuite nous lui sauterons à la maison en mangeant un dîner. Cette transition nous montre que l'expérience
du test a fait perdre l'appétit de la pauvre Edith. C' est aussi un bon moyen d'ouvrir l'histoire à de nouvelles interactions avec d'autres personnages. Un aspect de la transition d'aspect, ne représente pas le passage du temps comme les trois transitions précédentes que nous avons examinées. Bien que nous voyons plusieurs sujets dans ces panneaux, nous n'utilisons pas cette transition pour faire avancer l'histoire, nous introduisons simplement le lecteur un espace et leur donnons la sensation de ce que cela fait d'être là. transitions d'aspect à aspect sont souvent plus efficaces lorsqu'elles reflètent le point de vue d'un personnage. Je ne veux pas nécessairement dire regarder directement à travers leurs yeux. Cette transition a pour but de donner au lecteur une idée de la façon dont Edith se sent piégée par le test et des limites de temps qu'il comporte. transition d'aspect à aspect peut, sans mots, donner le ton à l'histoire à venir. Une transition symbolique est encore plus abstraite. Il utilise un panneau au sein d'une bande dessinée établir un monde et juxtaposer avec une image qui suggère un type particulier d'association. Fondamentalement, c'est ainsi que les bandes dessinées font la métaphore. Par exemple, nous pouvons montrer à l'un d'Edith un test, et dans le panneau suivant, nous voyons sa tête exploser. L' explosion n'est pas destinée à être littérale, c'est juste une façon suggestive de relayer l'expérience d'Edith, et le sentiment du panneau un. Cette transition dit essentiellement :
« Quand Edith a regardé les questions de l'examen, sa tête a eu l'impression qu'elle allait exploser ». Une transition symbolique exige une plus grande participation du lecteur parce qu'il doit
prendre le moment et interpréter le sens du deuxième panel et son rapport avec le premier. Maintenant, vous pouvez aller le symbolisme encore plus loin avec une transition comme celle-ci. Le panneau 1 montre une image d'Edith qui passe son test, le panneau 2 montre une antilope pourchassée par un lion. Maintenant, le but ici est de comparer l'expérience d'Edith à l'expérience de l'antilope. Maintenant, voilà le truc. Sortir le lecteur du cadre de l'histoire est un geste assez risqué. Cela peut être vraiment engageant pour quelqu'un qui apprécie le récit non conventionnel, mais aussi aliénant pour quelqu'un qui n'a pas beaucoup d'expérience de la bande dessinée et de la narration. Chaque fois que vous planifiez une transition, vous voulez réfléchir à la façon dont elle affecte le flux de l'histoire. Chaque style de transition a ses forces, mais aucun type ne peut raconter une histoire complète. Autrement dit, chaque artiste de bande dessinée utilise son
propre mélange de types de transition pour construire ses récits. Dans le chapitre suivant, nous examinerons quelques exemples.
8. Leçon : Exemples de transition Partie 1: Nous allons examiner des exemples des types de transitions dans l'ordre où je vous les ai présentées. Nous commençons par un exemple de transition du moment à l'autre. Ceci est un extrait de Beautiful Darkness de Fabien Vehlmann et Karascoet. C' est un conte de fées sombre sur les petites fées. J' ai choisi cette page parce qu'elle a deux exemples de bonnes transitions de moment à moment. Cette première rangée de panneaux utilise une série de moments pour mettre en place et payer assez sombre gag. Nous voyons un panneau stupide d'une petite fée vivant au milieu d'un nid d'oiseaux. La maman oiseau va nourrir son enfant inhabituel et ça va dégoûtant mal. Le troisième panneau de la séquence sert de battement de réaction dans la progression du bâillon. Mais c'est aussi un moyen de se livrer à la grossièreté de la réalité de ce monde. La rangée suivante de panneaux utilise les transitions instantanées d'une manière assez similaire, la configuration d'un gag, la pause et la poinçonnage. Dans ces deux exemples, vous remarquerez que les transitions instantanées ne sont pas vraiment capables de faire avancer l'intrigue de l'histoire. Il s'agit plutôt de donner le ton, créer un moment de légèreté ou d'introduire le caractère. À titre d'exemple de transition de l'action à l'action, j'ai choisi deux panels d'un numéro de la bande dessinée Fantastic Four datant des années 1970. L' art est de Jack Kirby, mais je ne sais pas qui est l'écrivain. J' ai choisi ces deux panneaux pour montrer comment bandes dessinées de
super-héros dépendent tellement des transitions d'action à action, quelque chose que j'ai évoqué plus tôt. Même les moments banaux comme ce serviteur qui croise le Dr Doom sont traités comme une scène de combat. Nous avons l'action, le jeu et le cran de l'incident, et une réaction zoomée du Dr. Doom en jetant le pauvre serviteur contre le bord du cadre. Cette réalité agressive accrue est tellement ce à quoi nous pensons quand nous pensons aux bandes dessinées de style américain. Mais bien sûr, il ne faut pas le prendre trop au sérieux. C' est très caricatural et assez ridicule. Le rythme des transitions entre l'action est presque addictif dans le style de la narration comique. Il met constamment en place des moments juste pour, pas de jeu de mots, les abattre. Par exemple, prenons juste un moment et lisons l'échange dans ces deux panneaux. « Mille pardons, Sire. J' ai trébuché contre ton manteau. » « Dolt maladroit. Vous osez mettre la main sur la personne sacro-sainte de votre Seigneur et Maître. Une motte insupportable et insupportable. Savez-vous ce que cela signifie ? » « Oh, non, Sire. Non, pas la punition ultime. » Oui. Quoi qu'il en soit, ouais, comment ne pas vouloir tourner la page pour savoir ce qui se passe ensuite ? Aller à l'avant. Ces deux panneaux de The Escapists représentent une grande transition sujet-sujet. Le livre est écrit par Brian K. Vaughan et dessiné par Steve Rolston. C' est l'utilisation la plus simple de la
transition sujet-sujet est vraiment de dessiner un échange entre deux caractères. Dans ce cas, il s'agit d'une transition instantanée avec un pivot de caméra ajouté. En tant que lecteur, nous devons utiliser notre sens de la fermeture pour supposer que ces personnages sont dans la même scène malgré le fait qu'ils n'apparaissent pas dans les panneaux de l'autre. Ce style de transition montre vraiment l'influence du cinéma sur la bande dessinée. Ce genre de juxtaposition d'image serait complètement déroutant si nous n'avions pas grandi en voyant cette technique dans le cinéma, émissions de
télévision et l'animation. n'y a rien de particulièrement artistique dans une transition fonctionnelle sujet-sujet comme celle-ci, mais c'est cool. Parfois, les scènes ont juste besoin de déplacer l'intrigue le long. En parlant de scènes, voici une transition entre scène d'un numéro de Donald Duck de Carl Barks. Ce livre est sorti dans les années 1940. Lorsque vous faites des bandes dessinées pour les
enfants, les enfants étant un public dont le sens de fermeture est encore à un stade très précoce de développement, vous en tant qu'artiste doit être très particulier dans les types d'éléments que vous choisissez dans chaque panneau. Remarquez comment la dernière ligne du panneau est, « allons-y », et le panneau suivant commence par une légende narrative qui dit, « bientôt », qui répond toute question que pourrait avoir un enfant sur le temps passé. Dans le cas d'une transition scène-scène, changement
dramatique aide en fait le travail de transition plus clairement. Un changement complet dans le cadre de la ville au désert, l'inclusion de la voiture, la mise en scène des personnages d'un plan moyen en profil à un long plan par derrière, tout cela aide un jeune lecteur à comprendre ce qui se passe dans votre histoire. Lorsque vous faites une bande dessinée pour un adulte ou un lecteur de bande dessinée plus expérimenté, vous pouvez être plus réglé avec une transition scène à scène. Voyez comment David Mazzucchelli utilise scène à scène dans cette transition de son livre, Asterios Polyp. C' est un livre clairement pour un public
adulte sur les personnages adultes et il laisse beaucoup d' informations pour mettre en place et payer une blague très sèche sur les relations entre adultes. Pour mieux comprendre le type de transition aspect à aspect, il aide à regarder plus de deux panneaux seulement. Voici un extrait en pleine page d'un livre appelé Lucas de l'artiste de bande dessinée italienne Andrea Bojiolli. On voit une coupure de noir à une camionnette qui descend une rue résidentielle. Le van se stationne au hasard devant une maison abandonnée et un personnage sort. Nous regardons de plus près le désespoir de la propriété et l'hésitation de cette personne à entrer. Enfin, on nous donne un panneau qui encadre le personnage qui est entré dans l'obscurité de ce qui peut être un lieu lié à son passé. transitions d'aspect à aspect ne sont pas liées aussi étroitement que les autres transitions dont nous avons discuté jusqu'ici. Ils ont coupé le lecteur du récit d'une certaine façon et ils
vous donnent la chance d'explorer le monde en construisant selon vos propres termes. Vous êtes probablement en train de sauter d'avant en arrière entre les images de ces panneaux et lentement vous commencez à relier tous les détails et à comprendre où nous sommes et ce que ce personnage pourrait faire ici. L' artiste, M. Bojiolli, a ralenti le rythme du récit pour vous donner temps de prendre en compte l'état des choses dans le monde de ce personnage. L' artiste prend beaucoup de libertés dans la façon dont ils encadrent chacun de ces panneaux. Le panneau d'observation 2 a l'impression que c'est du point de vue d'un voisin de nez, et le panneau 3 nous donne plus d'une vue d'oiseau, le
panneau 4 est un plan central centré,
et le panneau 5 est un gros plan angulaire panneau 4 est un plan central centré, spectaculaire. C' est l'une des grandes différences entre une bande dessinée et une bande dessinée ou un roman graphique. Dans une courte bande dessinée, vous n'avez pas beaucoup d'utilité pour une transition d'aspect à aspect, mais si vous racontez un récit de forme plus longue, vous aurez besoin de transitions comme celle-ci pour garder le lecteur engagé et poser des questions.
9. Leçon : Exemples de transition Partie 2: transitions symboliques sont plus reconnaissables dans certains genres de bandes dessinées. Les conteurs qui travaillent dans les domaines de la science-fiction, en particulier les artistes avec un astatique surréaliste, obtiennent beaucoup de kilomètres de transitions
symboliques parce que les types de panneaux qui sont capables de parler dans des visuels thématiques plus grands. ce moment, nous regardons une page de Charles Burns est comique, la peau profonde. Une histoire sur un garçon américain qui a le cœur littéral d'un chien. Il s'appelle Dog Boy. Le premier panneau montre chien garçon fait un mauvais rêve. Les panneaux suivants sont destinés à représenter les visuels du rêve. Voyez comment les bordures du panneau deviennent toutes ondulées. C' est une indication visuelle des artistes de la bande dessinée que l'histoire sort de sa propre réalité pour étendre le développement du personnage en utilisant la mémoire, ou dans ce cas, le rêve. Le panel 2 joue avec la perspective de ce personnage de médecin pour montrer sa nature imposante et maléfique et d'autres personnages étranges regardent alors que le chien garçon se remet de sa récente chirurgie. Ensuite, nous obtenons la grande révélation que son torse a été greffé sur le corps d'un chien. Le rêve se termine et nous voyons les cadres de
panneaux revenir à leur réalité perpendiculaire. Tout est de retour à la normale ou anormale dans le monde de chien garçon. Ensuite, la page se termine par une action typique à l'action de transition de chien garçon, se préparer pour le travail. Cette histoire aurait-elle pu être racontée sans cette transition de quatre panneaux vers le caractère et le symbolisme ? Oui, mais les histoires de Charles Burns se concentrent souvent sur la psychologie des personnages et
les panneaux symboliques offrent plus de perspicacité que tout autre type de transition. Bref, son utilisation des styles de transition le fait se démarquer en tant qu'artiste. Maintenant, pour terminer cette conversation, alors que vous apprenez à analyser les styles de transition avec plus d'attention, vous vous retrouverez automatiquement à faire de meilleurs choix dans votre propre bande dessinée. Maintenant que nous avons discuté de la fonction et du flux des bandes dessinées, parlons des lignes que nous utilisons pour les fabriquer.
10. Leçon : Aperçu des stylos et des pinceaux: bande dessinée est devenue populaire vers le tournant du XXe siècle, car les journaux les utilisent pour offrir un peu
d'humour pour échapper aux dures réalités de l'actualité. Les limites de la reproduction mécanique dans ces premiers jours signifiaient que l'art de la bande dessinée, devait être audacieux et propre, et les délais serrés dans les journaux signifiaient que, le style de l'art devait être simple et rapide rendu. De plus, les niveaux d'alphabétisation et
l'attention du grand public signifiaient qu'il fallait exagérer les personnages et les
idées et dramatiser pour attirer l'attention de toutes sortes de lecteurs. Malgré toute la technologie de l'artiste de la bande dessinée moderne a à leur disposition, l'art de la ligne clé à l'encre noire et le style simple dans la caractérisation audacieuse de ces premiers jours, reste le look dominant de la bande dessinée. L' art au trait noir, comme nous l'appelons, est créé sur le dessus, un croquis au crayon brut utilisant soit un stylo à encre noire, plume de
calligraphie, soit un petit pinceau trempé dans l'encre. Ces outils ont tous leur propre caractère unique, ensemble de compétences
spéciales et un niveau de difficulté. Comme vous pouvez le dire dans mes diapositives de leçon, je dessine évidemment sur une tablette numérique, et ces jours-ci c'est ainsi que je fais la majeure partie de mon travail professionnel. Mais j'ai passé environ 15 ans à utiliser des outils de dessin traditionnels. Je vais partager quelques réflexions sur ceux en cours de route aussi. Pour distinguer chaque type de stylo et de pinceau, nous pouvons parler de l'aspect unique de leur ligne, qui peut être divisé en les aspects suivants. Largeur de ligne, variation de
ligne, précision de ligne et caractère de ligne. Commençons par le type d'outil de ligne le plus simple à utiliser, le stylo à pointe feutre. Ces stylos ont une poignée légère remplie d'encre et une
pointe de feutre ferme qui ne fait pas beaucoup sous pression ou changement de direction de la main. Cela rend le feutre assez facile à contrôler. Par exemple, je peux encrerer un cercle, en un seul mouvement. Les feutres sont parfaits pour les artistes débutants et professionnels qui ont des mains rapides et utilisent beaucoup de détails et de texte. Le feutre comme un stylo de dessin technique, qui signifie qu'il est bien adapté pour le rendu graphique, comme dans, vous pouvez l'exécuter le long du bord d'une règle et obtenir une belle ligne nette. C' est un outil avec une ligne stable, avec une faible variation, une haute précision et un caractère minimal. Si vous êtes sur le marché pour un feutre traditionnel, achetez un ensemble avec une taille de pointe triée et une encre étanche. C' est important, surtout si vous allez peindre sur vos bandes dessinées. Vous pouvez obtenir le kit de dessin pro de pigma manga comique pour environ 15$. C' est un excellent kit de démarrage, et je l'ai utilisé pour beaucoup de projets de niveau professionnel aussi. Ces stylos ont une bonne performance globale et fonctionnent en douceur sur tous les types de tableau d'illustration, planches à
poils et de vélin. Mais vous voudrez rester bien approvisionné dans ces brevets parce que vous ne voulez pas que votre dernier stylo sèche au milieu d'un projet. Leurs puits d'encre ne peuvent pas être remplis. Ce sont des stylos jetables. Ensuite, nous allons regarder le stylo à plume. Il est livré en deux parties, d'abord, la poignée. Il est léger et a souvent une poignée en liège qui se rétrécit en un petit point à l'extrémité du stylo. Le clip métallique sur l'extrémité de la poignée vous permet de
changer les pointes de stylo en fonction des besoins du projet. Les stylos à plume nécessitent une pratique à contrôler en raison du métal flexible de la plume elle-même. Pour profiter de travailler avec un stylo plume, vous devez travailler plus lentement que vous ne le faites avec un stylo à dessin technique. Par exemple, lorsque j'encris le cercle, mon poids de ligne change, donc je dois tourner ma main et mon papier pour garder un caractère cohérent dans ma ligne. Parce que la pression de la main affecte l'aspect de l'art au trait. Vous aurez besoin de développer des gestes qui vous procurent l'effet que vous recherchez. Une fois que vous vous sentirez à l'aise avec le stylo plume, vous constaterez qu' il peut apporter tant d'expression à votre style d'encrage. Le stylo plume est un outil avec un poids de ligne basé sur la pression, variation
moyenne, une précision moyenne et un grand caractère. En ce qui me concerne. Personnellement, je suis un grand fan du personnage d'encrage des plumes. J' ai utilisé l'outil traditionnel dans toutes sortes de projets, et quand je suis passé aux tablettes numériques, j'ai trouvé des stylos qui ont créé ce type de caractère de ligne similaire. Pour les plumes traditionnelles, les deux principaux types sont la plume G, une plume plus petite et plus flexible, et la plume cuillère, qui a une pointe plus ferme. Je suis fan de la plume Nikko. J' ai une main lourde et peu de patience, sorte que le point métallique ferme du Nikko, et sa capacité à contenir plus d'encre est un excellent ajustement pour mon processus d'encrage. Je serai à l'avance et je vous ferai savoir que j'ai le moins d'expérience avec les stylos à pinceaux traditionnels. Ceux que j'ai utilisés sont vraiment des pinceaux aquarelle, ce qui est probablement le cas pour beaucoup d'artistes de la bande dessinée. Je travaille avec la marque Windsor et Newton, et j'utilise les petites brosses à pointe ronde. En tant qu'outil numérique, un stylo pinceau n'est pas vraiment différent d'un stylo plume. La principale différence entre un stylo pinceau numérique
et un stylo plume se résume à la sensibilité à la pression. Avec un stylo brosse, la sensibilité à la pression est généralement réglée un peu plus haut, et la taille de la brosse est un peu plus grande pour permettre plus de variation dans la largeur de la ligne, vous obtenez un coup de pinceau plus lâche avec le stylo brosse. Vous verrez également plus de variété et les points de départ et de fin de votre ligne. Certains pinceaux auront un début et une finition émoussés, et d'autres vous donneront plus d'un point. Pratiquez l'encrage avec le stylo numérique en utilisant des variations de la taille du pinceau. Si vous voulez plus d'expression dans votre ligne, mettez le pinceau à l'
échelle
vers le haut pour voir plus d'impact de la pression de votre main. Le stylo à pinceau ne convient pas à tous les types d'art au trait. Vous pouvez vous retrouver à utiliser le stylo pour certains aspects de la composition, puis passer peut-être à un stylo technique pour obtenir certains niveaux de détails minuscules, tels que les bordures de panneau ou le lettrage dans une bulle vocale. Le stylo à pinceau reflète vraiment le mouvement complet de la main de l'artiste. Vous vous retrouverez à l'accommoder en faisant glisser les poils du pinceau de différentes manières sur la page pour obtenir certains effets. Il va être presque impossible d'atteindre une ligne droite avec un stylo à pinceau. Mais ce n'est pas le but de l'utiliser. L' utilisation d'un stylo pinceau consiste à créer une calligraphie fluide comme l'imagerie. Si vous êtes un collant pour la précision technique, le stylo à pinceau n'est probablement pas pour vous, mais bon, donnez-lui un coup de feu. Vous pourriez trouver de nouveaux aspects de l'encrage et de la cartographie qui vous plairont vraiment. Parlons rapidement des types d'encre. Si vous êtes un artiste numérique, eh bien, vous n'avez pas beaucoup de choix ici, votre encre est le pixel. Mais vous pouvez modifier les types de pinceaux dans Photoshop ou créer ou importe quel outil de dessin que vous utilisez pour obtenir différents niveaux de grain dans votre style d'encre. Jouez avec vos outils de dessin numérique et trouvez celui qui correspond à la personnalité de votre travail. Mais quand il s'agit de l'encrage traditionnel, il s'agit plus de la consistance de l'encre, et la seule façon de trouver quelque chose que vous aimez est d'essayer des choses. La plupart des choix d'encrage sont vraiment basés sur le type d'outil que vous utilisez. J' ai toujours été attirée par la marque d'encre Windsor et Newton. C' est une encre épaisse et imperméable, donc elle s'accroche vraiment à la plume d'encre, et quand vous la laissez tomber sur votre planche à poils ou votre papier aquarelle, elle laisse une traînée brillante. Si vous voulez plus d'informations sur les outils d'encrage traditionnels, je recommande les techniques de dessin à l'encre, plume de
pinceau et le style stylo de Yuko Shimizu. Tu trouveras sa classe sur le partage de compétences, regarde ça. C' est génial. Retour à la bande dessinée ici. Maintenant que nous sommes familiers avec notre art au trait noir et notre ensemble d'options d'outils de base. Regardons comment l'encrage peut donner vie à un panneau.
11. Leçon : Technique d'encrage: Pour développer une bonne technique d'encrage, vous devez vous concentrer sur les compétences suivantes, dans cet ordre : posture, mouvement de la main, sens de la ligne, sens de la forme et sens de la texture. Parlons posture, si vous ne passez pas beaucoup de temps à dessiner votre posture par défaut pour mettre des marques sur le papier tout en étant assis à un bureau est probablement développé autour de l'écriture. Lorsque nous écrivons, nous avons tendance à presser et à être très près parce que le style et l'échelle de notre travail de ligne lors de l'écriture n'ont pas vraiment d'importance. C' est juste pour obtenir des informations sur papier. L' encrage est une question de style et d'échelle. posture d'écriture que vous avez développée impose lourdes limites à votre développement en tant qu'
encreur et encrage peut prendre beaucoup de temps et être confortable va prolonger votre endurance pour ces sessions d'encrage plus longues. Assurez-vous que lorsque vous encrez, asseyez-vous droit et positionnez-vous carrément devant votre papier. J' essaie de travailler au moins un peu d'angle. Je sais que certaines personnes préfèrent un bureau plat, mais si vous pouvez élever votre image alors cela vous empêche de vous pencher trop loin. J' essaie toujours de laisser environ 15 pouces entre mon visage et la page. Cette distance de base gardera votre posture plus détendue et vous aidera à dire à l'aise pendant les sessions d'encrage plus longues. Bien sûr, je me rapproche parfois, mais quand je me concentre sur ces détails, je le vois toujours comme l'exception à la position par défaut de 15 pouces. Avec ce tampon de 15 pouces entre votre corps et la page, vous vous donnez de l'espace pour déplacer votre main et votre bras. Pratiquons nos mouvements d'encrage. Pour créer des marques d'encre avec des mouvements lisses et
faciles, nous devons travailler plus à partir du bras que du poignet. Saisissez fermement votre stylo dans votre main dominante, près de la pointe. Gardez la pointe à un angle par rapport au papier, pas directement vers le haut ou vers le bas. Tenez vos mains stables et laissez votre bras vous guider sur vos lignes d'esquisse. Essayez d'éviter de vous déplacer du poignet seul. Détendez votre bras de dessin et votre main. Trop de tension peut laisser votre dessin fini paraître rigide et sans vie. En saisissant le stylo près de la pointe, près du papier lui-même, vous garderez votre main plus stable que de le maintenir plus haut. Il y aura moins d'imperfections dans votre ligne avec cette technique. Les petites imperfections que vous avez seront beaucoup moins prononcées. Si vous travaillez avec une plume de stylo ou une brosse, maintien d'un angle aigu entre le stylo et le papier aidera
l'encre à mieux circuler et vous donnera un travail de ligne plus fluide et plus fluide. Pratiquez vos mouvements de main en créant des croquis rapides d'objets texturés simples, d'un ananas, d'une fleur ou d'une petite voiture. Lorsque vous faites cet exercice, pensez d'abord à vos mouvements de la main avant même de vous embêter à considérer les marques que vous faites sur le papier. Maintenant que nous savons comment nous asseoir et comment nous déplacer, parlons de l'ordre du processus d'encrage. Lorsque vous créez un travail de ligne, vous voulez commencer par les lignes primaires et travailler d'un côté de l'image à l'autre. La plupart des artistes obtiennent les meilleurs résultats en s'encrant dans la direction de leur main dominante. Si vous êtes droitier, commencez sur le côté gauche de la page et faites un lien vers la droite et le contraire si vous êtes artiste gaucher. Si vous travaillez avec de l'encre traditionnelle, ce processus vous empêchera de passer le bord de votre main sur des lignes encrées fraîches et de faire des marques baveuses. Je pense qu'il est important de commencer par écrire ces lignes primaires parce que cela va s'assurer que ces éléments importants de votre dessin sont correctement soulignés. Une fois que vous avez travaillé sur ceux-ci, déplacez vers l'intérieur vers des détails plus petits et des éléments de l'arrière-plan. Lorsque vous développez un sens de votre travail de ligne, ne pensez pas qu'il s'agit d'un traçage sur les marques que vous avez déjà faites. Imaginez que vous dessinez le tout à nouveau, cette fois avec plus de confiance et de sens de l'endroit où l'image terminée va finir. Vous remarquerez que mes lignes d'encre ne sont pas posées directement sur mon croquis. Si vous avez de la difficulté à obtenir une ligne d'encre lisse même si vous travaillez à partir de votre bras, cela peut aider à tourner le papier au lieu de contorquer votre bras pour essayer d'encre dans une direction différente. Essayez toujours de garder l'image finale à l'esprit lorsque vous encrez votre dessin. En ayant un objectif clair, vous serez en fait plus concentré et capable de travailler plus rapidement et avec plus de confiance, et l'image finale se sentira plus unifiée. Une fois que vous avez encré vos lignes primaires et certains de vos détails et arrière-plan, il est temps de générer un sens de la forme dans votre travail encré. Pour se mettre en forme, commencez par chercher des endroits où votre travail de ligne pourrait devoir être remanié. Ne vous obsédez pas de fixer une ligne, la
moitié du temps que vous finissez par aggraver les choses. Si vous avez des lignes clés qui doivent
être épaissies ou lissées, c'est le moment de le faire. Le concept de forme dans l'encrage se révèle à travers des lignes qui sont laissées minces sur les endroits d'un objet qui font face à la lumière et aux lignes plus épaisses, et des endroits où un objet serait jeté dans l'ombre. Personnellement, je restreint les règles de forme aux principaux sujets d'un panel. Je laisse souvent mes antécédents un peu à plat, pour qu'ils ne dessinent pas trop l'œil. Vous voulez faire bon usage du contraste dans l'ombre lors de l'encrage. Vous allez remplir les bords autour d'un objet pour fournir un contraste. contraste dans votre image est révélé tout en développant votre sens de la forme. Il est amusant de jouer avec la façon dont la lumière est représentée dans votre style d'encrage. Maintenant, si vous créez des ombres sombres profondes, n'oubliez pas de laisser un peu de lumière sur le bord sous ces ombres profondes. C' est ainsi que vous empêchez vos objets de se perdre dans des endroits sombres. Une fois que vous avez implicite la forme avec votre ligne d'encre, vous pouvez vous concentrer sur l'ajout de texture. La texture consiste à apporter des détails plus petits et des embellissements qui donnent la
portée à la forme avec l'objet et donnent un élément de réalisme à l'environnement. La texture est basée sur une technique appelée hachure, qui ne fait que dessiner une série de lignes parallèles minces rapprochées. hachures croisées sont une variante de cette technique où nous utilisons des lignes de hachure les unes sur les autres pour créer un motif semblable à une grille. pointillage est une autre variante de hachures, mais au lieu de lignes, vous utilisez des points étroitement regroupés. La texture va donner à votre public des indices sur
ce que le monde que vous avez créé se sent. Un peu de texture va le long du chemin, par
exemple, vous pouvez simplement impliquer une texture, disons que je crée un désert, je n'ai pas besoin de boucler tout le paysage. Je peux juste étaler des points sur la surface pour impliquer la texture du sable. Vous ne voulez pas devenir trop fou en ajoutant des éléments texturaux à vos scènes. Si vous en faites trop, votre encrage va sembler chaotique et pire que
ça, ça va être impeccable et confondre le récit visuel de votre histoire. Un sens du ton est le point culminant de toutes ces compétences différentes qui travaillent ensemble. C' est la qualité générale de votre encre. Il transmet le caractère et l'attitude et devient l'un des aspects les plus remarquables de votre bande dessinée. Mettons une épingle dans une discussion de style visuel, jusqu'à ce que nous soyons plus familiers avec le processus d'encrage dans le panneau réel.
12. Leçon : Encrage une case: Le processus d'encre dans un panneau commence par l'évaluation de l'esquisse. C' est là que l'artiste a une idée de ce que son panel a besoin d'accomplir. La fonction principale de l'encrage est la clarté visuelle. Votre image finale doit avoir un sens en un clin d'œil. Si cela semble impossible sur la base du croquis, il est temps de retourner au crayon. Vous n'êtes pas tout à fait prêt à l'encre, mais si vous avez les ingrédients d'une composition claire dans votre croquis, vous êtes prêt à l'encre. Maintenant, les étapes de l'encrage sont ma préférence personnelle. Vous pouvez les mélanger et les faire correspondre comme vous le souhaitez, mais c'est l'ordre que je préfère. J' encris toujours mes cadres en premier. Si vous n'êtes pas encore à l'aise avec le stylo plume ou la brosse ronde, vous allez vouloir encrerer vos cadres avec le stylo technique comme un gros micron. Je préfère la taille 08, et peut-être même essayer une règle si vous n'avez pas une main stable. Certains artistes de la bande dessinée n'utilisent pas de règle. L' approche de la main libre donne un caractère de cadre et peut le faire paraître comme une partie intégrante du récit,
mais la plupart des artistes de la bande dessinée ne veulent pas attirer l'attention sur le cadre. Une règle ou un outil de ligne diagonale si vous travaillez numériquement est la voie à suivre. La plupart des programmes de dessin ont un raccourci pour tracer une ligne droite comme maintenir le décalage. Juste google comment dessiner une ligne droite et le logiciel que vous utilisez et vous devriez obtenir quelques bonnes suggestions. Une fois que vos cadres de panneau sont encrés, vous souhaitez définir les contours des principaux sujets du panneau. Cela inclurait les personnages principaux de votre récit, peut-être certains accessoires avec lesquels ils s'engagent, et peut-être des éléments du cadre qui les entourent. Tout en établissant les contours de mes personnages, je travaille avec une brosse numérique plus large de style stylo. Pour un point de comparaison, je dirais que ma largeur de ligne est comprise entre 3,5 quarts de la largeur des lignes de panneau. Je trouve que c'est un défi vraiment agréable de définir les contours de mes personnages. Cela me fait me sentir plus confiant dans mes idées. L' encre est une grande partie de la personnalité de vos bandes dessinées et de vos contes. Vous voulez donc paraître confiant dans ce que vous faites pour que vos lecteurs se sentent en sécurité. J' essaie de ne pas exagérer cette première étape de l'encrage, et je m'arrête toujours quand je me sens comme les sujets du panneau pop. À partir de là, je réduis l'échelle pour traiter les détails. Je commence par aborder tous les détails dans les personnages vêtements et le corps. Cela pourrait être des rides dans les tissus, texture dans les cheveux. Ensuite, je passe aux accessoires et les éléments qui entourent le personnage peuvent ajouter un peu de style au mobilier et d'autres éléments qui établissent l'environnement dans lequel ce personnage est. Pour donner forme à mon travail de ligne, je pense aux sources de lumière et à l'influence de l'angle de lumière, les sujets de ma vue. Si vous avez regardé l'illustration de ma classe par le design, vous sauriez que je suis très influencé par l'art fumé et serpent du mouvement de l'art nouveau. J' essaie toujours de faire ce regard dans l'ombre de mes bandes dessinées. C' est une technique que j'utilise pour prendre la réalité de mon monde de personnages et le rendre un peu plus surréaliste. En tant que conteur qui travaille dans la fantaisie en science-fiction, j'utilise cette technique pour rendre la réalité de mes mondes de personnages un peu surréaliste. De nos jours, je ne fais pas beaucoup d'éclosions avec mes bandes dessinées, mais quand vous créez un panneau noir et blanc, éclosion peut vraiment vous aider à définir certains aspects de la narration. Définissons la restriction pour nous-mêmes que nous pouvons utiliser n'importe quelle couleur dans ce projet. éclosion doit nous aider à évoquer des choses dans le paysage, par
exemple l'herbe, le sable ou le grain de bois. Comme les couleurs si émotives, nous devons utiliser l'éclosion pour essayer d'évoquer ces mêmes types d'émotions. Créer un motif lignes autour d'un personnage pour montrer son niveau d'énergie. Même la façon dont nous encrassons nos environnements peut aider à établir la sensation émotionnelle de l'histoire. Nous pouvons utiliser des techniques d'éclosion pour créer un équilibre structurel et la ligne montante pour donner une sensation de fraîcheur, et nous pouvons faire la même chose avec des matériaux de construction comme le bardage sur une structure. Quand il s'agit de lettrage de nos jours, je travaille souvent avec les polices juste pour gagner du temps même si souvent je préfère le faire à la main. J' essaie d'être très particulier sur les polices que je choisis et comment elles réfléchissent sur le style d'encrage des projets. Par exemple, dans cette bande dessinée de science-fiction moyenne, qui a un style d'encrage vraiment ludique et
lisse, j'utilise la police appelée liste séquentielle. Mais sur un projet plus ancien comme mes nœuds de sorcière comiques, qui a été fait avec une plume de stylo plus gritty, j'ai fait ma propre police parce que je ne pouvais pas vraiment trouver quoi que ce soit qui convenait au projet. Vous pouvez voir que les polices ont un look plume plus grossier à elle. Votre approche de la narration comique va vous
aider à décider d'utiliser une police ou d'écrire à la main. Idéalement, j'aimerais faire le lettrage de mon nouveau projet à la main, mais c'est un engagement massif surtout pour quelqu'un qui aime
travailler et retravailler son dialogue jusqu'à la dernière minute possible. Si vous allez à la main une lettre ou une bande dessinée, assurez-vous que votre lettrage est aussi clair que votre visuel. Créez deux lignes directrices d'une base et d'une hauteur pour s'adapter à vos lettres entre. Certains artistes préfèrent un style de bande dessinée plus italique pour créer un sens du mouvement, mais d'autres artistes préfèrent un texte non affecté qui se trouve plus rigide et plus clairement sur la page. En ce qui concerne le lettrage, ce sont les choix qui ne se distinguent pas qui conviennent le mieux au projet. Pour terminer cette leçon sur l'encrage, je vais juste dire que l'encrage est très important. C' est l'une des choses qui distingue la façon dont le lecteur réagit à votre narration. La meilleure façon d'obtenir un bon niveau d'encre est de prendre le temps se concentrer sur chacune des étapes de votre pratique. Maintenant, la deuxième meilleure façon de faire de l'encre est de regarder comment autres artistes de la bande dessinée le font et d'essayer d'apprendre de leur succès. Le prochain chapitre, je vais partager certains de mes encres préférés avec vous.
13. Leçon : Exemples d'encrage Partie 1: Pour l'observateur occasionnel, la technique est presque invisible. Par exemple, lorsque vous choisissez de lire une bande dessinée, vous ne pensez pas toujours au style d'encrage. C' est la même chose pour le cinéaste décontracté. Si vous êtes là pour vous divertir, vous n'envisagez pas l'objectif que le réalisateur utilise dans un plan donné. Donc, une partie de ce qui fait d'être un artiste de bande dessinée est d'apprendre à voir les aspects autrement invisibles d'une bande dessinée et de ses éléments. Nous pouvons le faire en disséquant l'intention et en analysant les effets du travail d'un artiste de bande dessinée. Pour moi, la façon dont un artiste de bande dessinée utilise ses encres révèle des aspects du réalisme, iconographie et de l'abstraction dans leur narration et il y a des façons infinies de mélanger et d'assortir ces esthétiques. Pour vous donner une idée de ce dont je parle, voici une illustration de David Muschalik. Il a lié 16 versions d'une pomme et en les mettant toutes côte à côte, il permet de voir facilement le rôle qu'elle peut jouer dans le récit comique. Au niveau technique de base, l'artiste utilise l'encre pour transmettre une sensation de lumière réfléchissant et absorbée par la pomme. Les effets d'éclairage donnent un contexte d'objet dans le monde et l'environnement de l'histoire, et peuvent également être utilisés pour transmettre la texture de la pomme, ce qui peut donner le ton à la voix du récit. Il pourrait être simple et charmant, il pourrait être grossier et brusque. Il pourrait être mystérieux et woozy, encres
propres et lisses lire plus clairement et simplement. Ils sont bien adaptés pour raconter des histoires plus légères. Les encres plus rugueuses et les effets de pinceau sec rappellent une approche plus picturale et peuvent être utilisés dans des récits plus impressionnistes ou émotionnels. Jetons un coup d'oeil à ces éléments de style encre et le travail de certains de mes artistes de bande dessinée préférés. Nous commencerons par Calvin et Hobbes de Bill Watterson. C' est ma bande dessinée préférée de tous les temps et si vous êtes fan de BD, celle-ci est probablement là pour vous aussi. Maintenant, j'ai regardé chaque bande dessinée Calvin et Hobbes probablement un million de fois. Donc naturellement, les techniques d'encrage de M. Watterson sont les premières dont je suis devenu vraiment critique
et je ne veux pas dire que je juge son style, cela signifie que je suis juste observateur de son approche. Dans les années 90, Watterson travaillait avec une plume, un stylo de calligraphie et de l'encre noire d'Inde. Des trucs assez simples pour les bandes dessinées. Ses lignes sont propres et simples, mais vous pouvez voir un peu le bord rugueux où la plume coupe dans la planche Bristol et purge juste un peu l'encre. La texture de l'encre s'engageant avec du papier est une grande partie de la technique de Watterson. C' est juste un peu bâclé. J' ai choisi cette bande dessinée du dimanche pour
vous montrer comment son style d'encrage fait partie du récit. Regardez la façon dont la réalité de Calvin est plate et simple. La chaise a très peu de texture, tout comme la peau et les vêtements de son père. Même la lampe et le fond ressemble juste à un trapèze plat contre le mur. L' art au trait simple est une technique assez conventionnelle pour les artistes de la bande dessinée, étant donné qu'ils devaient faire jusqu'à sept bandes par semaine, la simplicité vous fait gagner du temps. Mais l'une des raisons pour lesquelles le travail d'encre de Watterson est si mémorable est la façon dont il encrète l'imagination de Calvin. Au cours de cette histoire, les éléments de l'environnement deviennent représentatifs de l'imagination de Calvin. Regardez comment l'encre devient plus détaillée. Les rides sur le corps du père extraterrestre, la peinture sur le mur devient très spécifique, tête extraterrestre
taxidermie avec toutes sortes de rides autour de ses yeux et de la bouche. Dans le panneau 4, nous voyons la texture des cheveux sur le monstre maman au premier plan et quelques ombres, puis nous descendons vers le bas de la page et nous ouvrons dans cette belle vue d'un paysage avec toutes les textures rocheuses, premier plan, milieu et arrière-plan. Vous pouvez voir que le changement de style d'encre de Watterson est un rappel constant à travers la bande dessinée que nous voyons le point de vue de Calvin. Ces changements subtils dans le style d'encrage de Watterson n'est qu'un rappel sans mots que la bande dessinée que nous lisons est à travers le point
de vue d'un jeune garçon avec une imagination très vive. En fait, une imagination, c'est plus réel que sa réalité. Plutôt cool.
14. Leçon : Exemples d'encrage Partie 2: Une bonne façon de comprendre avec quels outils un encreur travaille, est de regarder les cadres de sa bande dessinée. C' est le Pogo de Walt Kelly. Vous pouvez voir les lignes fluides de ces cadres suggèrent que M. Kelly a travaillé avec une fine brosse ronde. Une plume de calligraphie, comme les eaux utilisées, aurait un aspect légèrement plus rigide et un stylo technique ne fluctuerait pas dans le poids de la ligne. bandes dessinées Pogo de Walt Kelly ont paru dans les journaux de 1949 à 1975. Il a certainement eu un impact sur d'innombrables artistes de bande dessinée, illustrateurs
et animateurs à venir et il ne vous étonnerait découvrir qu'il a même commencé à travailler au Walt Disney Studios. Malgré ses décennies de création de centaines de personnages adorables, Walt Kelly a laissé l'impression qu'il a laissée à un jeune dessinateur nommé Jeff Smith. Jeff Smith a grandi pour créer la bande dessinée « Bone ». Comme Kelly, Jeff Smith quitta l'animation pour poursuivre son histoire à travers des bandes dessinées indépendantes, et il inventa seul le genre des romans graphiques fantastiques de moyenne année. Si vous n'avez pas lu Bone, qu'attendez-vous ? C' est essentiellement le Seigneur des Anneaux de romans graphiques pour enfants. Mais j'ai grandi avec Bone, alors peut-être que je suis un peu partiale. Retourne à la leçon. Il est évident que l'ADN du style d'encrage de Walt Kelly passe par l'art de Jeff Smith. Comme Waterson, Smith a utilisé l'encrage pour améliorer ses récits. Les cousins osseux de l'histoire sont encrés avec des coups de pinceau propres et
longs de style animation. Les personnages ont l'air de sortir d'un dessin animé dans le monde de l'histoire. Par conséquent, en revanche, l'environnement de la série de roman graphique, les personnages humains, les autres monstres et les principaux méchants se sentent tous plus réalistes dans leurs textures d'encre. Il y a plus d'une physicalité pour eux. M. Smith utilise son style d'encrage pour montrer les enjeux de l'histoire. La menace de mort, l'émotionnalité du récit, frappe les personnages humains beaucoup plus durement que les cousins osseux. Les enjeux en os ne sont pas aussi élevés que dans une bande dessinée comme Akira. Le manga postapocalyptique des années 1980 écrit et illustré par Katsuhiro Otomo. style d'encrage d'Otomo accroît le réalisme à un niveau plus mûr. À première vue, vous pouvez dire que ce n'est pas nécessairement une bande dessinée pour les enfants. On peut voir des textures dans l'encre, la crasse du monde à moitié détruit. On voit du sang et de la sueur. Le style d'encrage à Akira et beaucoup de mangas de genre qui l'ont suivi est très dynamique, ce qui nécessite une plus grande gamme d'outils. Vous avez la fluidité de la brosse dans les formes les plus organiques, comme les corps des personnages. Mais l'artiste manga aimait vraiment se livrer à l'environnement. Il y a beaucoup de stylos techniques à l'utilisation, ce qui est un outil parfait pour transporter lignes
droites qui apparaissent dans des choses comme cette grille montée au plafond. En outre, la sensation dynamique du manga est transmise à travers de nombreuses lignes de mouvement vraiment densément emballées ensemble. Les stylos techniques sont parfaits pour des scènes d'action comme celle-ci. L' encre est utilisée pour représenter tous les matériaux et textures. Savoir transmettre la texture est une technique de narration visuelle cruciale pour l'artiste de la bande dessinée. Pensez à ce que ce dessin nous dit sur ces deux personnages juste au fait, les deux mains sont encrées. bandes dessinées de Lynda Barry ont une sensibilité qui leur est propre. Depuis la fin des années 1970, elle publie des collections d'histoires décalées sur les rencontres, l'
âge adulte, le fait d'être artiste et la vie en général. Cette bande dessinée est issue d'une collection d'œuvres datant de 1981. Son travail est probablement mieux décrit comme des enquêtes journalistiques sur le comportement humain. Sans aucune cohérence de caractère ou d'histoire. Les bandes dessinées de Barry reflètent sa personnalité et son point de vue à un niveau très basique et énergique. Ses encres sont ludiques, abstraites et graphiques. Il semble qu'elle travaille avec un stylo technique de taille unique et qu'elle recule simplement sur les lignes pour les rendre plus épais. C' est intentionnel que l'énergie de notre encre se sent presque précipitée. Comme si elle s'était assise sur un banc de parc et avait sorti cette bande dessinée en quelques minutes. Ils ont l'impression que les idées coulent rapidement, aussi vite qu'elle peut y penser. Mais si vous regardez de plus près, elle consacre encore beaucoup de temps et d'efforts établir des aspects distincts de ce monde. Regardez les motifs et les textures de chaque surface et objet de son panneau. Le style d'encrage se déplace rapidement, mais vous pouvez également vous attarder et regarder les détails de son bâtiment du monde. J' ai grandi pour aimer et admirer tout le travail de Mme Barry en tant qu'artiste et encore plus en tant que professeur. Mais je dois admettre, quand j'ai rencontré son style d'encrage, quand j'avais environ 15 ans, c'était un arrêt. Souvenez-vous, j'avais passé ma jeunesse à
regarder des bandes dessinées et à les lire obsessionnellement, attendant que le prochain numéro paraisse. Dans mon esprit, je m'attendais à ce que les bandes dessinées se sentent propres et professionnelles. Le travail de Lynda Barry avait des taches d'encre partout et ses lettres étaient incroyablement incohérentes. Cela rendait même difficile à lire. Vous devriez vous demander si elle voulait que vous le lisiez en premier lieu. Ce n'est pas un jugement sur son style ou son approche. Tout ce que j'essaie de souligner ici, c'est notre réaction à l'encre et la technique est très émouvante et nous attendons certaines choses basées sur notre expérience. n'y a pas de bonne ou de mauvaise façon d'écrire une bande dessinée. Mais je pense qu'il est important de comprendre à qui votre style fait appel. Notre première réaction à voir une bande dessinée vient de son apparence. La première chose que nous voyons, c'est l'encre. choix stylistiques affectent votre narration de plus de façons que vous ne le pensez. Maintenant, si vous voulez en savoir plus sur le style d'encrage, en
particulier dans l'illustration de livre, j'ai toute une classe dédiée au sujet. Va voir ça plus tard. Mais pour l'instant, on va passer à autre chose. À ce stade, nous avons discuté du flux des bandes dessinées et de la façon de les encrerer. Ensuite, nous parlerons des histoires que les bandes dessinées peuvent raconter.
15. Leçon : Comprendre le genre Partie 1: Certaines personnes considèrent une bande dessinée comme un genre entier, mais ce n'est pas le cas. La bande dessinée est un moyen de narration, tout comme l'écriture ou la réalisation de films. Dans le milieu de la bande dessinée, nous pouvons raconter toutes sortes d'histoires dans toutes sortes de genres. Si nous prenons un très large aperçu du genre, vous pouvez mettre les bandes dessinées dans deux catégories différentes. Lecteurs débutants et lecteurs expérimentés. BD débutant signifie souvent que les enfants sont amicaux. Ce sont des bandes dessinées qui utilisent des éléments du panneau pour suivre un point de vue jeune ou naïf protagonistes. Ils explorent des thèmes familiers comme l'identité personnelle, l'amitié, la famille proche, le courage, les écrasements et les douleurs croissantes. BD débutants utilisent une approche basée sur l'action pour les transitions de panneau, gardant les personnages dans les conversations faciles à suivre, le passage du temps clair dans le développement linéaire et le caractère externe. Les lecteurs expérimentés ont besoin de plus de leurs bandes dessinées. Dans ce cas, les éléments du panneau sont utilisés pour suivre des protagonistes mûrs, souvent plus âgés, des personnages avec beaucoup plus de bagages et un sens plus complexe des identités. thèmes pourraient inclure le pouvoir et la corruption, préjugés, la dynamique culturelle, la romance et la technologie. Un livre conçu pour un lecteur expérimenté peut utiliser les nuances de transitions symboliques et d'aspect à aspect. Ces choses s'engagent avec un lecteur expérimenté à un niveau plus profond et plus satisfaisant qu'une bande dessinée débutante. Dans les distinctions de points de vue et de contenu thématique, nous pourrions diviser le genre en un million de catégories supplémentaires, mais nous allons avec sept pour l'instant. Bande dessinée gag, bande dessinée manga, adaptation comique, bande dessinée
mémoire, bande dessinée super-héros, pièce d'époque et fiction dramatique. J' ai choisi ces termes spécifiques pour discuter des formes narratives qui ont émergé de l'œuvre des meilleurs artistes de la bande dessinée de l'histoire. genres tels que la bande dessinée gag et la bande dessinée manga sont uniques à la forme artistique de la bande dessinée, mais d'autres termes comme les mémoires dans la pièce d'époque ont déjà été bien établis dans les traditions littéraires, mais ils ont été renforcés par l'inclusion de BD dans leur genre. La bande dessinée bâilleuse courte est inhérente aux arts de la bande dessinée. Si vous avez grandi en Amérique, vous avez probablement lu des bandes dessinées Garfield ou Peanuts quand vous étiez enfant. Ils sont très populaires et faciles à suivre. L' une des légendaires bandes dessinées bâilleuses des années 1930, Nancy, créée par Ernie Bushmiller, a récemment été reprise par une jeune dessinatrice nommée Olivia James. Nancy a toujours été une formule, bien que souvent brillante bande dessinée sur des ironies stupides et des rencontres étranges. Mlle James a transformé cette éternelle Nancy de huit ans en un reflet de l'existence moderne. Le gag strip est la forme la plus courte de récits comiques, alors allons-le plus à la longueur du roman graphique. L' industrie du manga japonais est vaste et variée. Il explore tous les recoins possibles du genre. Pour des raisons de discussion, nous allons réduire le genre à la façon dont beaucoup de gens y sont présentés
comme des histoires d'aventure fantastiques à long terme sur les jeunes héros, et l'un des mangas les plus populaires est Dragon Ball, un histoire sérialisée par Akira Toyama. La série originale s'est déroulée de 1984 à 1985. Il mélange l'action surnaturelle avec arts
martiaux et nous suivons un personnage principal nommé Son Goku. Son est à la recherche des sept légendaires et souhaite accorder des balles de dragon. La franchise de Dragon Ball et Dragon ballsy, le suivi, est épique et s'étend sur plus de 40 volumes à ce stade, avec toutes sortes de offshoots pour attirer de nouvelles générations de fans. L' industrie du manga se concentre sur les jeunes lecteurs et leur donne une première plongée profonde dans les arts du personnage qui sont animés par la construction d'un monde riche. Vous connaissez probablement un gamin de 12 ans ou deux qui était fanatique sur le manga, et pour une bonne raison, il s'agit d'enfants. Enfants vivant indépendamment avec des pouvoirs imparables impressionnants. La construction mondiale de la balle traînante est dense et le danger est réel. Au moins réel pour un monde de dessins animés, et c'est très dans votre visage, émotions sont élevées et les enjeux se sentent souvent en danger pour la vie. manga peut sembler caricatural et stupide à certains moments, mais il couvre tellement de récits de base avec lesquels nous nous engageons en tant qu'enfants, et contrairement à certaines formes de divertissement pour enfants, manga ne parle pas à son public. Les histoires de super-héros sont assez importantes ces jours-ci dans toutes les formes de divertissement, et la vision dominante de ce qu'est une histoire de super-héros, et les personnages qui occupent ce monde, a commencé avec un artiste de bande dessinée nommé Jack Kirby, qui a commencé à travailler au milieu des années 1930. Son style visuel est super distinct. Il peut être reconnu par l'aspect propre et ciselé du visage du héros masculin. Les dessins simples mais distinctifs des costumes de personnages emblématiques, et il y a une utilisation incroyable de l'ombre noire pour guider l'œil autour de ses panneaux occupés et énergiques. style narratif de M. Kirby est rapide. Il fait beaucoup de transitions d'action à l'action avec des personnages qui affichent des capacités étonnantes de puissance et de force, pas différent du manga et tant d'aspects du genre de super-héros viennent du travail de M. Kirby. Il a commencé dans les années 30, mais à travers les années 60 et 70, ses histoires se sont étendues au-delà des frontières d'endroits comme la terre. Ses histoires ont pris de l'épopée dans des échelles intergalactiques et avec ces récits, est venu le besoin de nouveaux aspects du style d'encrage dans la bande dessinée. environnements extraterrestres et les éclats d'énergie exotique ont besoin de leur propre style visuel distinct. BD de super-héros, bougez vite. Ils couvrent de vastes lacunes dans le temps et l'espace sans clignoter les yeux, et ce format et le rythme sont à ce que les lecteurs en sont venus à s'attendre. Leurs histoires avec beaucoup d'histoire de personnages et ils ne peuvent pas se permettre de laisser les choses ambiguës par crainte de perdre leur lectorat. ça vous plaise ou non, vous obtenez beaucoup de bulles de pensée
maladroites et d'exposition qui peuvent ralentir le récit, mais aussi rendre les choses très claires. Regardons maintenant les adaptations littéraires dans la bande dessinée. Quand il s'agit de bandes dessinées qui adaptent un roman classique, les meilleurs sont toujours faits par amour pour le matériel source et c'est certainement le cas avec l'espoir de Larson adaptation d'une ride dans le temps de 2012. Personnellement, je suis un fan de longue date du travail de Mlle Larson. J' ai connu ses affaires quand elle a fait ses propres petites bandes dessinées indépendantes. Elle conserve toujours le sentiment de tranquillité dans son enquête brushy fluide, et j'adore son utilisation de lourds espaces sombres. C' est vraiment l'ajustement parfait pour le ton et la construction du monde d'une ride dans le temps. C' est une histoire sur les enfants qui voyagent dans le temps et l'espace pour trouver le père de leur scientifique. C' est une histoire fantastique, mais c'est aussi une histoire qui dépend de certains thèmes mathématiques délicats. Le style graphique épuré du travail d'encre de Miss Larson apporte de la clarté à certaines de ces idées stupéfiantes telles que les planètes bidimensionnelles. Cela ne me surprendrait pas si les classes du collège ont commencé à utiliser le roman graphique à la place du texte original. C' est plus engageant pour les élèves de tous les niveaux de lecture, ce qui suscite plus de discussions et probablement une recherche du matériel original. C' est un gagnant-gagnant pour tout le monde. GoComics. Reprenons notre souffle une seconde avant de sauter dans le chapitre suivant.
16. Leçon : Comprendre le genre Partie 2: Passons au prochain genre. Regardons la pièce d'époque. C' est un terme assez décontracté, mais je veux vraiment dire non fiction ou biographie qui se déroule à un certain moment et à un certain endroit, et qui suit habituellement une sorte de figure historique de notre culture. Vincent by Barbara Stok de 2015 se déroule dans le sud de la France à la fin des années 1800. Il suit clairement l'histoire de Vincent van Gogh, avec une simplicité agréable dans son style d'encrage. Il partage la lutte d'un Vincent loin d'être célèbre, qui continue à explorer les possibilités de la couleur et de la lumière à travers sa peinture tout en subissant des dépressions nerveuses et des convulsions et un monde de gens qui ne comprennent pas son pour transformer le banal en quelque chose de vibrant. L' aspect illustratif de la bande dessinée est parfaitement adapté à ce type d'histoires. La simplicité de l'encrage de Stok, permet à ces histoires de montrer au lieu de raconter. Ce style d'encrage rappelle probablement une partie de l'apparence de la bande dessinée gag, qui fonctionne vraiment bien pour l'accessibilité. Parce que l'ambiance est instantanément éclaircie, juste par l'encrage et le design du personnage. Les jeunes peuvent s'engager dans cette histoire intéressante à partir d'un moment de l'histoire pour lequel ils n'auraient pas de point de référence. Ensuite, nous regardons des mémoires graphiques. C' est un genre de breakout très populaire ces jours-ci. Memoir était autrefois le domaine de l'écrivain expérimenté, mais les mémoires graphiques ouvrent ce genre à un éventail beaucoup plus diversifié de conteurs. À la base, les mémoires graphiques communiquent des récits
personnels à travers des tropes stylistiques de la bande dessinée. Il y a des mémoires graphiques sur l'âge adulte comme RX de 2018 de Rachel Lindsay. style artistique de Mlle Lindsay est basé sur la fine ligne de l'art de la bande dessinée de journaux. En fait, au moment de cet enregistrement, elle fait une bande dessinée hebdomadaire pour son journal alternatif local au Vermont, aux États-Unis. Cela rend ses personnages accessibles et empathiques tout de suite. Mais RX va plus loin que ses bandes dessinées hebdomadaires habituelles. C' est très personnel. Lindsay utilise son humour caricatural, pour partager ses luttes pour maintenir la stabilité avec les maladies bipolaires. Tout en travaillant un emploi d'entreprise comme graphiste pour une société pharmaceutique. Il y a des mémoires graphiques sur le fait d'être un enfant. L' un des plus populaires est le Smile 2010 de Raina Telgemeier. Dans Smile, Mlle Telgemeier partage son expérience avec traumatismes de l'école
secondaire après avoir gravement blessé ses deux dents de devant. La bande dessinée vous emmène dans un voyage à travers la conscience de soi et l'
embarras, alors que la petite Raina passe de la chirurgie aux accolades en passant par l'équipement de tête, et finit même avec des fausses dents. La dynamique sociale abordée dans le livre est très proche d'un lycée. Je vois beaucoup d'enfants tellement excités de parler de ce livre et de ses thèmes. Ils se sentent liés à l'auteur et à son histoire. L' accessibilité des bandes dessinées et leur légèreté et leur énergie stylistique permettent aux conteurs de devenir personnels et réels sans devenir des bêtises. Ils peuvent instantanément transmettre avec un panneau ce que c'était d'être à leur place. Pour moi, la mémoire graphique est le genre le plus important qui se passe dans la bande dessinée en ce moment. Il relie les lecteurs de tous âges avec des histoires de représentation, lutte et, surtout, d'espoir. fiction dramatique est probablement le genre le plus long que nous ayons vu dans l'édition de bandes dessinées, qui s'inscrit dans le terme générique du roman graphique. Si vous voulez parler de roman graphique, vous devez parler de Will Eisner, le grand-père du roman graphique. En fait, il a inventé la phrase. C' était sa petite stratégie pour échapper association
du public de panneaux d'art séquentiels, de bulles de
discours, d'illustrations caricaturales avec des bandes dessinées bâilleuses de journaux. Il faisait son propre truc et voulait être pris au sérieux. Sans offenser Ernie Bushmiller, mais les bandes dessinées de journaux n'étaient pas vraiment intéressées à pousser des thèmes littéraires comme Eisner l'était. Il était un grand conteur et comprenait plus que n'importe de son temps le potentiel réel de la bande dessinée. Il a commencé à faire des bandes dessinées à la fin des années 1930, en
plein milieu de la Grande Dépression. Sa construction mondiale n'est pas différente de celle de Gotham City de Batman, mais ses personnages sont plus relatables et moins exagérés. Ils luttent dans leurs pauvres quartiers de la ville face à des questions d'argent, respect, d'emploi, d'économie, de justice et de religion. M. Eisner n'était pas au-dessus des tropes de super-héros. En fait, son personnage de groupe était le Spirit, un combattant masqué du crime qui opère dans un monde de crime de style noir, avec des aspects de mystère, d'horreur, amour et de comédie, d'autres genres de niche pulpeuses. Parce que le travail d'Eisner est tellement enraciné dans les dures réalités de cette période, ses histoires ne se sentent pas vraiment pertinentes aujourd'hui, ce qui est dommage parce qu'il y a beaucoup à apprendre de sa maîtrise de la bande dessinée. Heureusement pour vous et moi, M. Eisner a publié une série de livres pédagogiques. Son style d'enseignement de la bande dessinée et les choses dont il parle me résonnent vraiment. Je pense que ses livres sont incroyables. Après avoir compris la bande dessinée, c'est probablement le texte le plus apprécié de la bande dessinée et de la narration visuelle. Retrouvez-le si vous en avez la chance ou récupérez-le dans votre bibliothèque locale. Les genres sont utiles comme points d'accès pour les nouveaux lecteurs. Il les aide à connaître les types de personnages, d'environnements et d'histoires qu'ils sont susceptibles de rencontrer lorsqu'ils ramassent le livre. Vous pourriez me demander, est-ce possible pour moi de faire un souvenir amical pour les enfants qui a des éléments de drame noir sombre et sombre. Bien sûr, tant que vous restez fidèle à vos personnages, à leurs croyances et aspirations, leurs faiblesses et à leurs échecs. Si vous parvenez à vous concentrer sur ce genre de choses, vous allez trouver des lecteurs qui se connectent à votre travail.
17. Leçon : Explorer votre style: Après avoir parlé d'inspiration, je pense qu'il est bon de réfléchir sur le style. Le style de l'art et la narration sont une poursuite constante pour l'artiste. Aucun artiste de bande dessinée n'a jamais cessé de chasser le style. Votre travail se développera à travers la pratique, mais ce potentiel n'est pas infini en soi. C' est limité par l'expérience. Cela signifie prendre le temps de sortir de ce que vous pensez savoir sur l'art et l'histoire de la bande dessinée. Travaillez plus fort pour en savoir plus et explorer les genres du monde entier. Plus vous explorez la variété de contes, plus
les directions s'ouvriront à l'endroit où votre style vous mènera. C' est tout ce que j'ai à dire pour l'instant à propos de faire de bonnes bandes dessinées. Mettons le dessin avec le projet de classe.
18. Projet : Trouver une histoire: Pour notre projet de classe, nous allons faire des croquis et des encrages. Une histoire de deux panneaux basée sur le thème de l'obsession. J' ai abordé beaucoup de sujets dans les sections leçons de cette classe. Pour vous aider à vous rappeler certains de ces concepts et techniques, je vais faire une liste des leçons dont vous devez vous souvenir lorsque vous concevez même une courte bande dessinée à deux panneaux. Cela nous aidera à rationaliser notre processus créatif au fur et à mesure que nous travaillons dans le cadre du projet de classe. Nous devons nous assurer que nous passons beaucoup de temps avec les éléments du panneau, la clarté
narrative, la mise en scène du panneau, transition d'un panneau à l'autre, le travail sur notre style d'encrage, et comme une idée bonus, compte tenu du genre ou du public auquel votre bande dessinée est adaptée. Maintenant, vous pouvez être assis là avec votre crayon à la main, prêt à dessiner et à écrire votre bande dessinée, et être terminé dans 20 minutes. C' est très bien. Vous pourriez trouver quelque chose d'incroyable. Mais tout le monde trouve son inspiration créative à travers les différentes étapes d'un processus. Quand il s'agit de bandes dessinées, un mélange de texte narratif et visuel narratif. Certaines personnes aiment commencer par écrire. Je vais passer par certaines étapes d'écriture que j'utilise lorsque je développe une histoire. J' aime commencer par creuser un peu plus profondément sur le thème du projet. Dans ce cas, c'est l'obsession qui rappelle certaines images, peut-être une définition, mais je vais mettre ces choses sur papier. J' ai toujours l'impression qu'il est important de sortir les idées de votre tête pour en faire de la place pour de nouvelles. Quand je regarde le terme, j'arrive à cette définition, une pensée qui préoccupe continuellement l'esprit d'une personne, comme dans, elle était sous l'emprise d'une obsession. Elle était impuissante à résister. J' aime le drame de cette phrase. Regardons quelques synonymes d'obsession. Ceux-ci peuvent conduire l'action ou l'humeur ou la personnalité de l'histoire. synonymes comprennent la passion, la manie, la dépendance, l'engouement. Comme dans l'idée a grandi dans son esprit comme une obsession. Ce n'est pas toujours nécessaire, mais se concentrer sur un thème à ce niveau peut vraiment vous aider à comprendre le potentiel de votre thème. Toutes les bandes dessinées, en particulier une bande dessinée à deux panneaux, ne nécessitent pas cette profondeur de compréhension, mais j'ai apprécié le processus. Peut-être que tu le feras aussi. Maintenant, je prends ma compréhension de base du thème, et je l'élargis dans le caractère et le cadre. Je vais répéter mon thème, et je note ici,
et l'emprise d'une idée de se concentrer sur une passion. Peut-être que je dois inclure l'opposition de la passion. On verra. Les histoires sont meilleures quand il y a conflit. Voyons si nous pouvons extraire un personnage de ce thème. Lorsque vous construisez un personnage, plus vous pouvez obtenir de précision, mieux vous comprendrez votre personnage. Je donnerai un nom à ce personnage. Allons-y avec Linda. C' était juste tombé dans ma tête. C' était une amie de famille qui grandissait. Eh bien, disons, Linda est d'âge moyen. Elle a trois enfants, donc elle a beaucoup dans son assiette. Elle a également trois diplômes en génie. Lors de la conception d'un personnage à un niveau conceptuel, il aide à comprendre leurs désirs et leurs besoins. Je vais dire que Linda,
une mère de trois enfants d'âge moyen, veut
vraiment mettre ses compétences en ingénierie à profit. Pour ce faire, elle doit trouver du temps seule. Nous avons un personnage qui est quelqu'un qu'on peut comprendre, et qui peut même être lié. Un concept assez ancré. Maintenant, les éléments élevés commencent à se révéler au fur et à mesure que nous développons cette histoire. Regardons le cadre. Mettons-le chez Linda. Peut-être qu'elle a un labo dans son garage. Quand je pense aux laboratoires de garage, je pense toujours à des entreprises en démarrage dans les années 1980 comme Apple, toujours en commençant dans le garage avec des étagères remplies anciennes technologies et de fils circulant partout sur le sol. Ça semble être un endroit où Linda pourrait aller pour s'enfuir pendant un moment, et penser à une expérience. Maintenant, je vais commencer à écrire un peu ma petite histoire. Choisissons une année réelle. Depuis qu'on regarde les années 80, disons, 1987. On est dans un garage en banlieue. Genius inventrice, Linda Berry ne peut pas trouver un moment pour elle-même. Les histoires fonctionnent bien lorsque vous posez une question à l'auditoire. La nouvelle invention de Linda l'aidera-t-elle à attraper une pause ? Maintenant, avec toute cette discussion sur le temps seule et les inventions, je ne peux m'empêcher de penser qu'une machine à remonter le temps est quelque chose que Linda pourrait vouloir créer parce que ça résout à la fois ses problèmes, le désir de mettre son diplôme d'ingénieur à profit, et la nécessité de trouver du temps seul. Alors que je commence à décomposer ce panneau dans ma tête, je ne peux m'empêcher de penser que c'est plus orienté vers une bande dessinée bâilleuse que peut-être une histoire dramatique. Gardons cette histoire légère et simple.
19. Projet : Créer des planches: Ensuite, je vais prendre mon petit récit court et commencer à miniatures quelques conceptions de panneaux possibles. C' est là que je me concentre assez strictement sur les quatre éléments du panel, les
jonglant et en voyant ce qui va le mieux fonctionner. J' aime les miniatures petites parce que si une composition a l'air bien, petite, si c'est clair, même à petite échelle, il y a des
chances que ça marche vraiment bien quand on l'explose. Pour ma première idée, j'ai Linda penchée sur un bureau, ses enfants lui crient dessus en arrière-plan et dans le prochain panneau, nous allons
passer à la fin du projet peut-être, c'est une machine à remonter le temps. Peut-être qu'elle a déjà sauté dans le temps. Cependant, nous nous occupons de ça, je veux qu'elle se sent soulagée. Il y a un beau contraste entre les deux états émotionnels dans chaque panneau. Passons à une deuxième variante. Faisons plus du point de vue des enfants. Ils sont à l'extérieur du garage en criant à leur mère qui est à l'intérieur, et maintenant nous coupons à l'intérieur et nous pouvons jamais dire juste une minute, ce qui est un bon genre de ligne pour travailler dans une histoire de voyage dans le temps. Elle pourrait être sur le point de connecter la puissance de sa machine temporelle, puis de voyager dans le temps. C' est plutôt bien, mais pour une bande dessinée à deux panneaux, je ne suis pas sûr qu'il y ait assez d'informations pour que le lecteur sache vraiment ce qui se passe. Parce que nous commençons par établir tir, ce qui nous donne peu de détails en dehors du fait qu'il ya un garage et un groupe d'enfants bruyants rambunctieux. Dans la prochaine, nous zoomons super près, donc nous ne
comprenons peut-être pas assez ce que cette expérience est sur laquelle Linda travaille. Essayons de trouver un médium heureux dans cette troisième idée. Je vais mettre Linda plus au premier plan. Affinons l'idée de cet appareil de voyage dans le temps. Si vous vous souvenez de l'histoire de H.G. Well et de la visualisation de la machine à remonter le temps, c'est fondamentalement un fauteuil inclinable paresseux avec un tas de technologie qui s'y rattache. Allons avec cette esthétique. Linda assise sur sa chaise sur le point d'activer ou machine
de temps, les enfants viennent de derrière crier à elle. Maintenant, nous coupons de l'avance. Nous passons à un autre moment, qui se trouve à un autre moment de l'histoire. Sa maison n'est plus là, les enfants sont partis et elle trouve un moment de détente. Ce qui, par coïncidence, fonctionne plutôt bien parce qu'elle est déjà assise dans une chaise relaxante. Peut-être qu'on peut jouer cette idée de la machine temporelle
H.G. Wells et faire quelque chose avec ça. Prenons ces miniatures, qui sont vraiment lâches et passons dans quelques croquis de l'art final.
20. Projet : Ébaucher: Ici, nous allons nous concentrer sur la mise en scène. Je vais commencer par établir le placement de Linda dans la composition du panel. Panel 1, je vais la mettre au premier plan pour que nous puissions tous les deux voir son visage, son langage corporel, et la chaise de voyage dans le temps dans laquelle elle est assise pour le panneau 2, puisque nous avons déjà établi ces choses, je vais zoomer. Nous voulons relayer ce sentiment de tranquillité qu'elle a trouvé après le voyage dans le temps. Je vais tourner notre profil et la mettre plus au centre du panneau, ça ressemble à un endroit calme et
relaxant pour elle. Maintenant, je peux commencer à travailler dans quelques détails de la scène. Je vais vous parler des choix que j'ai faits de gauche à droite. À l'extrême gauche, j'ai mis les trois enfants de Linda, ils sont tous penchés avec les bras levés. Ce ne sont que des enfants à la recherche générique et leurs bulles de la parole se chevauchent. Ce n'est pas si important ce qu'ils disent, juste le fait qu'ils disent beaucoup de choses très fort et c'est très distrayant. bulle de discours de Linda qui va s'asseoir au-dessus de leur dialogue, alors qu'elle coupe le bruit avec sa déclaration juste une minute, qu'elle est sur le point d'activer sa machine à remonter le temps. Au premier plan et à l'arrière-plan, j'ai quelques éléments de son garage où elle travaille. Il y a une étagère en arrière-plan, comme un établi, il y a des appareils sur une étagère, puis au premier plan, j'ai une petite table avec un schéma qui fait gagner du temps machine dessus. Ça pourrait être aussi dans ton visage. Nous verrons si je garde ça, je ne suis pas là pour mettre du texte sur des objets au premier plan, ça peut être très distrayant. Éloigne l'œil des personnages, des expressions et du dialogue. Mais c'est bien pour le croquis en ce moment. Dans le deuxième panneau, celui-ci se rassemble plus clairement. Je veux étaler l'espace, disons que Linda est retournée à la période crétacée. Nous avons des dinosaures, tricératops et le premier plan, herbivore col pulmonaire, dinosaure en arrière-plan, et quelques autres plantes tropicales pour l'entourer. Je ne veux pas bousculer Linda. Je veux lui donner beaucoup d'espace. Pour notre première ébauche de la conception du panneau, cela fonctionne assez bien. Mais comme vous l'avez peut-être rencontré dans certaines de mes autres classes. Quand je fais des esquisses, j'aime garder à l'esprit ce processus de croquis en trois étapes. C' est juste une règle générale. Mon premier croquis n'est généralement pas celui que je finis par écrire en plus, mon troisième croquis m'amène généralement à un état assez clair où je suis confiant avec mon encrage. Mais avec cette bande dessinée, je suis arrivé à un dernier croquis. Sur le deuxième essai. Nous n'avons pas besoin de trop penser à ce projet, avant d'arriver à l'art ici, revenons juste une seconde et regardons l'énergie principale que j'ai établie dans ces deux panneaux. Je le dessine en rouge ici, donc tu sais, c'est important. Panel 1, l'énergie émotive ici est un sentiment de chaos. Les personnages sont penchés et leur empiétement sur l'espace de
Linda, elle est poussée dans le coin inférieur, qui a une énergie chaotique et bondée. Le deuxième panneau est tout au sujet de la tranquillité. Son personnage est centré, il y a une bulle de la parole qui va venir directement avec quelques éléments environnants doux. Si je devais juste présenter ces formes, j'espère que
vous auriez une idée de ces états émotionnels du panneau sans aucun détail, caractère ou réglage. Quand il s'agit de narration, le contraste, comme celui-ci est si important à la fois visuellement et narrativement. Je voulais juste prendre un moment pour le souligner avant de
passer à l'étape finale de l'esquisse ici. Vous pouvez voir que j'ai fait ressortir quelques détails sur la chaise. Voici l'image de référence à partir de laquelle je travaillais, c'est une modélisation 3D de l'hélice de l'histoire originale des machines temporelles HG Wells. Je garde le schéma au premier plan, et j'ai eu cette petite idée intelligente où quand elle voyage dans le temps, on voit que la chaise de machine à temps est aussi un Lazy Boy inclinable. C' est une bande dessinée
bâilleuse, donc je pense que cette révélation supplémentaire rend juste un peu plus drôle. Maintenant, nous allons travailler sur certains des éléments
de réglage et développer ce premier plan et le milieu de terrain. Maintenant, allons faire une deuxième ébauche de certains de ces autres éléments. Je vais incliner les enfants un peu plus en avant et travailler sur le placement de leurs bulles de discours chaotiques juste un peu plus clairement. Deuxième volet, on est dans la période du crétacé. J' ai utilisé cette image de référence juste pour me donner une idée des types de végétation qui était à l'époque. Sans plus trop de planification, je vais me lancer dans l'encrage.
21. Projet : Encrer: Comme je l'ai discuté dans la leçon, je commence par les cadres. De cette façon, je sais que les limites de ma bande dessinée, j'utilise un stylo numérique de style plume. On dirait presque que je pourrais travailler avec une pointe de feutre, mais je veux un peu plus de saveur dans mon art de ligne. Lorsque j'encris mon design, je pense à ce que sont les éléments visuels importants du design. Tout d'abord, c'est l'expression sur le visage de Linda. Elle regarde les enfants en arrière. Elle est en état d'anticipation, et elle est sur le point de sauter dans le temps pour la première fois. Sa main est sur le levier. J' ai mis un peu d'étoile autour de ça, juste pour que ça attire ton œil. Elle saisit la chaise avec leur autre main. Au premier plan, j'ai retiré le texte du schéma. Maintenant, il semble juste un peu de paperasse de style ingénierie. J' ai ajouté tout un tas de circuits et d'éléments électroniques à la chaise, juste pour lui donner un peu plus de style visuel. Je pense que dans ce cas, dans la conception trop occupée fonctionne assez bien. L' arrière-plan, ses enfants sont juste un homme en pain d'épice caoutchouteux. Ce n'est pas vraiment important qui ils sont. Ils représentent juste la distraction et une raison pour elle de s'enfuir. A droite, nous avons la chaise de nouveau en profil et Linda avec un gros sourire sur son visage. Puisque je dessine sont si petits, le profil fonctionne vraiment bien pour capturer le sourire. Je commence à apporter un peu plus de texture en contraste avec les autres éléments de la scène. Enfin, je vais ajouter le texte pour les enfants. C' est les bulles de discours chaotiques. Je vais faire le lettrage dedans, avec juste un contour pour qu'ils ne dessinent pas autant l'œil. Ils sont supposés être du bruit de fond. Que diriez-vous d'une petite ellipse à la fin de sa phrase pour nous faciliter la transition. Le deuxième panneau, j'ai beaucoup de place pour le soupir dans le ciel. Remarquez que j'ai même espacé les lettres un peu plus qu'elles ne sont un peu plus verticales. Mon encrage et les deux panneaux poussent les idées de chaos et de tranquillité. Dans le panneau 1 mon encrage, l'énergie est très explosive. Il y a beaucoup de lignes déchiquetées et j' utilise une partie des hachures pour tirer votre oeil vers le centre du panneau, vous avez remarqué les petites lignes en haut et
quelques-unes sur le côté pointent vraiment vers le milieu du panneau, comme dans une perspective unique. Cette transmission est une énergie explosive provenant du panneau. Panneau 2, a un type d'énergie très différent pour son encrage. C' est très horizontal, ce qui est un champ apaisant. Bien sûr, nous avons une ligne d'horizon, mais je vais encore plus loin en mettant le personnage près de l'eau. De cette façon, je peux utiliser les ondulations du plus large pour poursuivre cette idée de tranquillité. n'y a pas beaucoup de mouvement dans ce panneau. Même les tricératops ont l'air de faire une petite sieste. La seule énergie est un peu de poussière qui a été soulevée après l'arrivée de la chaise, le portail temporel ou autre. Vous pouvez appeler cela une transition moment à moment, mais les moments sont très spécifiques, nous avons le moment juste avant, ils voyagent, et le moment juste après. Je veux juste faire apparaître mes personnages un peu mieux, alors je vais remplir l'arrière-plan autour de Linda et ses enfants, et ajouter un peu plus d'ombre et de contraste au deuxième panneau. Là, nous l'avons. Une histoire de deux panels qui peut ou non, c'est discutable, se concentrer sur le thème de l'obsession. Avec n'importe quel type de mission comme celle-ci, je pense que le cadre de l'affectation est juste un point de départ pour explorer et pratiquer les compétences nécessaires pour créer une bande dessinée. Le principal à emporter ici est de ne pas toujours indiquer quand un 100 pour cent fidèle au cadre du sujet, mais de travailler à travers les étapes, Pensez à tous vos éléments. Paramètre de caractère de cadre, bulle vocale. Pensez à la clarté narrative lorsque vous mettez en scène votre scène et travaillez tout au long de votre processus de vignettes. Pensez aux changements subtils de la transition ou peut-être aux grands changements de transition que vous pourriez utiliser pour raconter cette histoire. Essayez d'être unique, original
et engageant. Le monde est plein de bandes dessinées. Les gens les fabriquaient depuis des centaines d'années. Quelle est votre point de vue intéressant sur le passage du temps dans une histoire ? Le style d'encrage peut être restreint ou expérimental, à condition
que vos histoires soient claires pour
vous, vous serez probablement en mesure de tirer un style d'encrage plus expérimental. Mais si vous êtes plutôt un artiste narratif conventionnel, vous voudrez peut-être rester sobre avec votre style d'encrage. Pensez à qui est en train de lire votre bande dessinée. Essayez-vous de divertir, d'éclairer, provoquer tout ce que vous essayez de faire votre histoire qui peut vous aider à décider des moments, personnages, du cadre, tous les aspects de la bande dessinée, et comment le lecteur va s'engager avec eux. À ce stade, nous avons presque atteint la fin de la classe. Envelopperons ça.
22. Parachevez votre œuvre !: Très bien, merci de rester avec moi jusqu'à la fin. J' espère que vous apprenez quelques choses et que vous êtes inspirés de dessiner vos propres bandes dessinées maintenant. J' aime enseigner autant que j'aime faire mon propre travail. Cela signifie vraiment beaucoup que tu regardes
mes cours et que tu me donnes une chance de faire ça et de faire partie de ma carrière. Maintenant, si vous avez 60 secondes de plus, veuillez laisser une revue de la classe qui dit Skill-share et aux autres élèves que vous aimez ce que je fais. Cela aide à booster ma chaîne et donne à d'autres étudiants l'occasion de trouver et de découvrir mon travail. Maintenant, quand vous aurez terminé votre première bande dessinée, veuillez la partager dans la section des projets de classe. J' adore voir travailler des étudiants. Ça m'aide vraiment à comprendre que ma classe était vraiment engageante et intéressante pour vous les gars. Je vérifie régulièrement les projets des étudiants, donc je suis toujours là pour partager des conseils et des commentaires et simplement vous soutenir dans tout ce que vous faites dans votre travail. D' autres étudiants l'adorent aussi. Cela donne vraiment l'air d'un espace amusant et
énergique à apprendre. Maintenant, si vous voulez en savoir plus avec moi et élever vos compétences en tant qu'artiste de bande dessinée, je suis dans une recommandation de vérifier à des classes spécifiques de la mienne. Ils sont tous les deux basés sur le dessin animé. L' un se concentre sur les corps et
les poses, l'autre sur les visages et les expressions. Maintenant, si vous êtes plus dans les personnages fantastiques et les aspects de construction du monde de la bande dessinée, vous voudrez peut-être vérifier ma classe, monde de la couleur, qui est une approche assez unique pour concevoir un personnage de dessin animé et créer un caractère significatif palettes de couleurs dans vos conceptions. Visitez toute ma chaîne Skillshare pour ces cours et un tas d' autres qui se concentrent sur l'illustration et les arts narratifs. Si vous voulez suivre mon travail, consultez les liens sur la page de ma chaîne. Vous pouvez vous inscrire à ma newsletter pour recevoir des nouvelles mensuelles. Si vous appréciez vraiment ce que je fais, vous pouvez me soutenir pour un dollar par mois. Vous allez jeter un coup d'œil sur ce sur quoi je travaille. Je fais des messages de processus qui donnent un aperçu de mon propre processus créatif. Bien sûr, vous pouvez me suivre sur tous nos réseaux sociaux. Je suis sur Twitter, Instagram et Facebook en partageant ce que je
fais et des mises à jour sur les nouvelles classes que je fais. C' est à peu près tout ce que j'ai à dire pour l'instant. Encore une fois, merci d'avoir regardé et j'espère vous voir la prochaine fois.