Dessin floral expressif et organique à l'aquarelle et à l'encre | Ohn Mar Win | Skillshare
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Dessin floral expressif et organique à l'aquarelle et à l'encre

teacher avatar Ohn Mar Win, Illustrator Artist Educator

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Leçons de ce cours

    • 1.

      Introduction

      2:00

    • 2.

      Votre projet

      2:37

    • 3.

      Matériaux nécessaires

      5:48

    • 4.

      Pourquoi des fleurs SAUVAGES ?

      5:14

    • 5.

      Ma version des fleurs expressives

      7:38

    • 6.

      Fiez-vous à votre intuition

      9:05

    • 7.

      Choisir vos fleurs

      4:48

    • 8.

      À propos des exercices pour se préparer

      9:22

    • 9.

      Préparation 1 : les formes

      20:20

    • 10.

      Préparation 2 : la valeur

      13:24

    • 11.

      Préparation 3 : l'encrage

      13:56

    • 12.

      Préparation 4 : le mélange des couleurs

      15:49

    • 13.

      Démo : Delphinium - partie 1

      13:59

    • 14.

      Démo : Delphinium - partie 2

      8:31

    • 15.

      Démo : Buddhleia - partie 1

      17:20

    • 16.

      Démo : Buddleia - partie 2

      11:05

    • 17.

      Démo : la dentelle de la Reine Anne - partie 1

      15:16

    • 18.

      Démo : la dentelle de la Reine Anne - partie 2

      9:30

    • 19.

      Réflexions finales

      3:35

    • 20.

      Bonus : Lys stargazer Partie 1

      14:05

    • 21.

      Bonus : Lys de stargazer partie 2

      6:23

  • --
  • Niveau débutant
  • Niveau intermédiaire
  • Niveau avancé
  • Tous niveaux

Généré par la communauté

Le niveau est déterminé par l'opinion majoritaire des apprenants qui ont évalué ce cours. La recommandation de l'enseignant est affichée jusqu'à ce qu'au moins 5 réponses d'apprenants soient collectées.

11 569

apprenants

222

projets

À propos de ce cours

Ce cours vous emmène à la découverte de fleurs expressives réalisées à l'aquarelle et dont les principaux détails sont soulignés à l'encre. En tant que Top Teacher sur Skillshare, de nombreux apprenants m'ont demandé comme je réussissais à représenter, apparemment plutôt facilement, des fleurs réalistes et pleines de vie, sans qu'elles aient pour autant l'air bâclé ou, au contraire, trop travaillées. Mais comment faire ? 

Dans ce cours je vais vous montrer comment réaliser des aquarelles expressives, notamment de beaux bouquets de fleurs. En plus d’exercices ludiques, nous nous intéressons à la meilleur de manière de simplifier les traits pour capturer l 'essence de la fleur.

Les exercices de préparation comprennent

Des études de formes

Des études de valeurs 

Le mélange de couleurs

Des études à l'encre

Les principes que je présente comme les conseils pour les formes, les valeur et le mélange des couleurs peuvent facilement être appliquées à tous les sujets que vous décidez de peindre, pour obtenir les mêmes résultats immédiats.

Les pinceaux larges et les couleurs vives sont au cœur de cette approche, comme les contrastes plus marqués et la ligne tracée à l'encre. Vous trouverez trois démonstrations entières de créations florales, au cours desquelles je vous explique ma méthode de travail.

Que vous débutiez à l'aquarelle ou maîtrisiez cette technique, je vous présenterai une manière unique et intuitive de travailler pour créer des illustrations merveilleuses de fleurs sauvages.

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Teacher Profile Image

Ohn Mar Win

Illustrator Artist Educator

Top Teacher

Hello I'm Ohn Mar a UK based artist, illustrator author with a long and varied 20 year career. 

I am a great advocate of sketchbooks having filled over 30+, which each serving as a record of my creative journey as a self-taught watercolourist for the last 7 years. They have helped capture my explorations in texture, line and tone as I extend my knowledge with this medium.  I also share process videos and sketchbook tours on my YouTube channel - please subscribe! 

 

 

Filling my sketchbooks remains a constant in my life,  and furthermore inspiring many folks to pick up a paintbrush. Oftentimes these sketch explorations provide the basis for classes here on Skil... Voir le profil complet

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Transcription

1. Introduction: J' utilise l'aquarelle et les encres dans beaucoup de mes carnets de croquis depuis des années. Salut, je suis [inaudible], et ce carnet de croquis est mon 21e carnet de croquis, que j'ai consacré spécialement aux fleurs sauvages, ce qui m'a permis d'explorer des façons d'ajouter plus de profondeur et d'intérêt texturé à mes plantes. Mes fleurs sont apparues sur des cartes, papier d'emballage, des sacs cadeaux et du tissu. Cette classe a une exploration détendue des fleurs expressives définies en aquarelle avec des détails incrustés sur le dessus. En tant que professeur de haut niveau ici, sur Skillshare, nombreux étudiants se sont demandé comment je parviens à réaliser fleurs d'aquarelle sans effort qui restent vibrantes et fraîches, plutôt que de nouer avec surmenage. Mais comment allons-nous faire ça ? Dans cette classe, je partagerai des idées et des meilleures pratiques pour produire des aquarelles expressives, y compris l'espace de tête pour nos fleurs florales. En utilisant des exercices ludiques, nous pouvons détourner notre attention de la nécessité représenter des représentations précises et la simplifier pour capturer l'essence de votre fleur. En tant que perfectionniste, création d'œuvres d'art à l'aquarelle et à l'encre fait appel à mes goûts et capacités personnels car elle me permet d'avoir l'équilibre entre le côté insouciant de moi et le besoin de quelques détails. Les principes directeurs que je présente, comme la forme, la valeur et les conseils de mélange de couleurs, peuvent être appliqués facilement à n'importe quel sujet que vous décidez de peindre et obtenir les mêmes résultats spontanés. grands pinceaux et les couleurs vives peuvent être au centre de cette approche, avec le contraste de rochers et les inclinaisons descriptives. Il y a trois démonstrations complètes au cours desquelles je vous emmène à travers tout mon processus. Que vous débutiez avec Aquarelles ou que vous soyez bien au courant de ce médium, je vais vous présenter une façon de travailler vraiment unique et intuitive qui produira des représentations enchanteresses de fleurs sauvages. 2. Votre projet: Merci beaucoup d'avoir rejoint moi. J' ai vraiment essayé de diviser ce cours en segments faciles à gérer. Comme je le sens, si je vous demandais de plonger directement dans la peinture, un style floral plus lâche, il y aurait trop de frustration et d'anxiété, et vous n'apprécieriez vraiment pas autant la pratique, et je veux vraiment que vous appréciiez cette entièrement. En tant que tel, je veux présenter quelques exercices d'échauffement connexes pour vous faciliter en douceur et vous guider dans cette technique. Cela devrait favoriser votre pratique de l'aquarelle pour n'importe quel sujet, pas seulement pour les fleurs. Veuillez noter que bien que cette classe utilise la technique humide sur mouillé, il ne s'agit pas spécifiquement de mélanger les aquarelles, ni de théorie des couleurs. Une partie de la lumière spot sera sur la réalisation, un look expressif desserré, changeant nos attitudes face à l'apparence d'un floral. Le reste sera un aperçu de la façon dont vos aquarelles se comportent dans des conditions légèrement différentes, comme des variations de pigment, plus à charger sur le pinceau, même jusqu'au papier que vous utilisez. Votre projet consiste à utiliser des techniques d'aquarelle et d'encre, décrites dans cette classe, pour représenter une fleur sauvage, ou fleur de votre choix, idéalement, celle que vous avez choisie vous-même. Vous utilisez l'onglet Projets et ressources pour télécharger votre projet. J' aimerais voir vos exercices d'échauffement, les études sur la forme, la valeur et l'encre, votre floral principal, et un bref aperçu de vos réflexions sur le processus, avec les faits saillants, et quelques leçons apprises. C' est bon d'être honnête, je ne suis pas là pour juger, je veux vraiment vous soutenir. Vous pouvez publier votre progression par étapes si vous le souhaitez, et je vais essayer de mon mieux, pour donner vos commentaires avant de vous lancer dans la version couleur, ou les versions. S' il vous plaît poster, autant de fleurs que vous le souhaitez. Sur la droite juste ici, se trouvent les ressources du projet. J' ai des PDF téléchargeables, y compris les formes de feuilles à essayer pour l'exercice d'échauffement de mélange de couleurs, une liste de pigments colorés à l'eau que j'utilise dans cette classe, ma liste de matériaux, y compris toutes les plumes et les papiers aquarelles. Ces documents seront dans la section des ressources ici, ainsi que des liens vers d'autres classes SkillShare que j'ai mentionnées tout au long de cette classe. Si vous souhaitez partager les croquis que vous créez, veuillez utiliser #ohnmarskillshare, afin que je puisse voir votre progression sur Instagram. Cependant, je vous exhorte à poster dans cette salle de classe pour obtenir une rétroaction complète de ma part. 3. Matériel nécessaire: pinceaux ronds sont assez polyvalents et sont probablement les pinceaux les plus couramment utilisés. J' ai toujours peint avec ceux-ci, mais pendant que je passais par ce carnet de croquis particulier, j'ai commencé à utiliser des pinceaux différents. Tu n'as absolument pas besoin d'avoir les pinceaux que je vais te montrer ensuite. C' était un pinceau de style chinois que j'ai eu dans ma collection depuis un certain nombre d' années et je ne l'avais jamais utilisé et je voulais vraiment donner aux choses un coup de pouce vraiment. Si je le mouille, vous verrez qu'il va dans un beau point. J' ai commencé à faire d'autres recherches et comme je l'étais après beaucoup de chargement d'eau, j'ai découvert que ces pinceaux de plume pouvaient être très précieux pour moi. Encore une fois, ils viennent dans une variété de tailles et je dirais ce chiffre zéro comme ils l'ont fait dans la série Jackson, est équivalent à la brosse chinoise, ce qui, je dirais, équivaut à environ un nombre 12. Ceux-ci sont fabriqués avec un mélange de fibres et parce qu'il est si épais, il peut contenir beaucoup d'eau. Je vais les expliquer beaucoup plus dans une vidéo ultérieure. Un dernier point est s'il vous plaît ne pensez pas que vous devez sortir et acheter des pinceaux à plumes. C' était juste quelque chose avec lequel je voulais jouer et j'ai trouvé que je les aimais. Si vous ne les avez pas, une brosse ronde est parfaitement bien. Vous aurez également besoin d'au moins un ensemble d'aquarelle de qualité étudiante. Il a l'air très basique mais il a deux jaunes, deux rouges, deux bleus et deux verts, deux bruns, et c'est parfaitement adapté à ce que nous allons faire aujourd'hui. J' utilise Winsor et Newton pan set, bien sûr, si vous utilisez des tubes d'aquarelle, c'est absolument bien. Je garde les choses en désordre et cette année je n'ai pas pu m'empêcher et j'ai acheté quelques petites casseroles en plus. Je suis excité par des choses comme ça. Ce dont nous aurons besoin, c'est du papier d'imprimante standard bog, que nous utiliserons pour les échauffements. Je ne veux pas que vous soyez précieux pour les échauffements, je veux juste que vous produisiez autant que possible et si vous pensez avoir fait une erreur, prenez une autre feuille de papier. Pour une partie de la pratique de l'aquarelle, vous pouvez utiliser du papier cartouche lourd si vous ne voulez pas de papier aquarelle plus cher. J' ai une variété de papiers d'aquarelle que je vais utiliser, Winsor et Newton, le Hahnemuhle et vous verrez que la plupart d'entre eux sont 300 GSM ou 140 livres. Pour l'une des démos, j'utiliserai mon Moleskine, qui est un papier de 200 g/m², mais je trouve qu'il est tout à fait adéquat pour mes besoins. Vous pouvez utiliser une variété de papiers, vous pouvez simplement utiliser votre carnet de croquis, c'est à vous de choisir. Si vous avez des porte-stylos, ce sera génial. J' ai une variété ici et bien sûr, tu auras besoin de pointes. Je garde le mien dans ce petit conteneur métallique. J' ai toute une variété de plumes parce que je suis un peu obsédé par eux. Voici le porte-Kuretake, et voici la plume Brause. Vous constaterez que la plupart des détenteurs prendront la plupart des pointes. Celui-ci va là-bas et c'est en fait un stylo cartographique. Je vais rester dans ce porte-Curtisward. On y va. J' ai promis quand nous arrivons à la section d'encrage de la classe, je vais expliquer comment les utiliser beaucoup plus en détail. Tu peux acheter ça comme des enfants comme ça. J' ai acheté ça pour ma fille parce qu'elle utilise toujours mes affaires et je pense qu'elle devrait avoir les siennes. Vous aurez besoin d'encre. J' ai une variété, j'ai de l'encre acrylique de dollar rond. Ma préférée est celle marron de Winsor et Newton. Si vous n'avez pas de stylo et d'encre, vous pouvez utiliser un stylo plume ou des doublures fines. Ceci est juste un stylo plume standard livre que j'utilise pour l'esquisse urbaine. Il ne vous donnera pas toute une variété de lignes, mais c'est une bonne alternative et c'est juste l'uniball. C' est le pigma micron. Ceux-ci seront dans la section des ressources de la classe. Quelques éléments finaux qui valent la peine est juste un rouleau de cuisine pour tamponner votre brosse propre ou sèche et aussi une minuterie dont nous aurons besoin pour certains échauffements. 4. Pourquoi des fleurs SAUVAGES ?: Certains d'entre vous se souviennent peut-être de ma classe créer librement avec aquarelle de revenu qui avait des projets amusants basés sur des fruits et légumes simples. J' ai souvent exploré cette technique dans les années qui ont suivi, je suis donc en mesure de présenter un regard beaucoup plus approfondi sur les fondements et l'état d'esprit de cette approche. C' est un style évolutif pour moi et un style que je pratique depuis plusieurs années. Au printemps 2020, j'ai trouvé que je pouvais facilement adapter cette méthode pour représenter les fleurs sauvages, le type de fleurs que j'adore le plus. Ma relation avec les fleurs sauvages remonte à un long chemin, les voyant souvent quand je marchais vers et depuis l'école quand j'étais jeune fille. Ils sortiraient de vieux ponts ferroviaires avec des coquelicots et des herbes poussant le long de la route ou dans les zones boisées ombragées qui étaient des raccourcis vers mon école. Je ne connaissais pas leurs noms à l'époque, je savais juste que j'aimais les angles bizarres dans lesquels ils ont grandi, autant plus qu'à l'époque nous n'avions pas de jardin à nous. Cette classe a été filmée lors du verrouillage COVID du printemps 2020. Je faisais de longues promenades socialement éloignées avec ma fille sous le soleil du printemps et nous remarquons toutes les fleurs, les fleurs, les coquilles et les abeilles qui faisaient tous partie de cette saison. Elle faisait aussi partie de son apprentissage à la maison. Ces sorties quotidiennes ont éveillé ma curiosité et ce renouveau m'a obligé à commencer à raconter les fleurs sauvages que nous avons vues. D' une certaine façon, je pense que c'était une réaction à la fermeture de la prison que nous étions. Utiliser cette liberté de mouvement que nous avons été autorisés à explorer. Sachant aussi qu'il était toujours sûr d'explorer dans mon carnet de croquis. Comme souvent par le passé, je me retirais dans la sécurité de mon carnet de croquis à cause de circonstances personnelles. C' était beaucoup une merveilleuse doublure en argent car elle a déclenché un charme latent qui m'a poussé à partir à une tangente un jour. Un matin, j'ai décidé de retirer les racines de pissenlit et tout, et j'ai décidé de peindre tout. Je n'avais jamais peint un pissenlit qui était au stade de la floraison. Je n'avais certainement jamais prêté beaucoup d'attention aux feuilles distinctives ou à la racine, jamais peint des racines dans des croquis. Je pensais que c'était une façon vraiment intéressante de remplir un nouveau carnet de croquis. Je pourrais documenter les fleurs sauvages ou les mauvaises herbes que j'ai repérées dans mes promenades quotidiennes. Il y a quelques autres facteurs qui m'ont vraiment aidé à remplir mon carnet de croquis. J' ai pu tourner les portraits du carnet de croquis de sorte que les deux pages donnaient une zone très allongée avec laquelle jouer et présentaient une occasion différente de remplir cet espace et c'était quelque chose que je n'avais jamais fait auparavant. Bien que je peigne souvent plusieurs fois, j'ai constaté que la peinture de ces fleurs me donnait une appréciation beaucoup plus profonde et unique de chaque fleur. Cela à son tour a vraiment aidé mes compétences d'observation. Un autre atout pour produire des croquis comme celui-ci était explorer les textures ou la floraison qui se produisent dans certaines conditions avec des aquarelles, ce qui est l'une des nombreuses joies pour moi lorsque je travaille avec ce médium. Enfin, je voulais continuer à jouer avec les lignes d'encre et comprendre spécifiquement le niveau minimum de détail qui peut être ajouté afin de fournir suffisamment d'informations, et aussi de contraste avec le relâchement de la couleur de l'eau. Au moment de cet enregistrement, j'ai près de 30 pages doubles de fleurs sauvages qui m'apportent beaucoup de bonheur quand je les regarde. J' ai toujours cru que le plaisir est un aspect très important et un facteur de motivation pour moi. Comme je ne consacrerais pas tout un livre de croquis aux fleurs sauvages autrement. 5. Ma version des fleurs expressives: Beaucoup de gens sont attirés par la notion d' aquarelles lâches que je peux apparemment réaliser avec facilité. Je veux explorer plusieurs facettes de ce look. Ma méthode a été de poser l'aquarelle d'abord basée sur une forme raffinée avant d'ajouter suffisamment de détails d'encre pour que les deux médiums puissent communiquer, les caractéristiques de chaque fleur. Je pense qu'il serait vraiment utile d'explorer cette relation un peu plus avant d'aller plus loin. Il s'agit d'un processus en deux parties, mais dans lequel les deux ont la responsabilité de fournir des informations. Poser l'aquarelle, et regarder toutes ces interactions spontanées du pigment remplit plusieurs boîtes pour moi est énergique, impressionniste et expressif. Cette couche d'aquarelle est comme établir l'essentiel, les fondations sur lesquelles l'encre va s'asseoir. Ensuite, en ajoutant les détails de l'encre, coche les cases de spécifique et détaillée. Je pense que ces deux aspects font appel à ma personnalité parce qu'une grande partie de moi veut être libre et expressif, mais une petite partie de moi veut toujours ce petit peu de contrôle et de détail que l'encre fournit. Il est important de souligner à ce stade qu'il n'y a pas de rapport fixe entre l'aquarelle et les lignes d'encre. Avant de vous froncer les sourcils, je veux que vous sachiez que tous les exercices d'échauffement vous aideront à évaluer sur une échelle glissante ce qui est approprié d'un croquis à l'autre. Tout comme chacun de nous est unique, chaque fleur est unique, donc nous devons évaluer nos réponses à cette fleur particulière en conséquence. Bien que ce ne soit pas une taille unique, je crois que ce que je présente vous aidera à aborder n'importe quelle fleur ou même n'importe quel sujet de votre choix, après avoir terminé ce cours. Par exemple, vous pouvez voir ici que j' ajoute souvent juste un peu de ligne d'encre ici et là pour remplir l'espace négatif, et il n'a pas de couleur d'eau en arrière-plan. Dans certaines fleurs, il y a très peu de ligne d'encre. Dans d'autres, la ligne d'encre est assez dominante. J' aimerais que vous soyez ouverts au processus de collaboration. Bien que l'aquarelle occupe la grande majorité de la page, elle repose sur l'entrée de l'encre. Imaginez que si vous enleviez toute la couche d'aquarelle, ce qui vous reste n'aurait pas de sens car l'encre ne peut pas raconter l'histoire seule. Si vous n'avez pas rempli l'encre, il y a un sens qui n'est pas tout à fait complet. À cet égard, la couche d'aquarelle peut être beaucoup plus sous-travaillée, que ce à quoi vous pouvez être habitué. Cette aquarelle et en combinaison est un partenariat. En fait, j'ai constaté que c'est une approche en deux étapes allège une partie du surtravail que nous rencontrons parfois. C' est comme si on vous donnait une seconde chance de réparer les choses. L' encre n'a pas toujours à suivre les contours de l'aquarelle que vous avez posée. Il peut fonctionner indépendamment si vous pensez qu'il doit être ajusté pour communiquer quelque chose de mieux dans les tiges ou les feuilles, vous êtes libre de modifier et d'ajuster autant de fois tout au long du processus, car nous prendrons le temps de retirer avant prendre la meilleure décision. Même si ce n'est que quelques secondes, vous ferez toute la différence. Je veux juste revenir rapidement sur ce que je comprends être des aquarelles lâches. Différents artistes auront des définitions différentes et des approches différentes. Une grande partie de la fluidité est obtenue en utilisant cette technique d'aquarelle particulière. sur humide ajoute de la peinture humide, aux lavages humides et permet au pigment d'étaler sans entrave les fleurs et le feuillage ou pour une bonne plate-forme pour pratiquer humide sur humide, parce que les formes organiques et les couleurs riches se prêtent à un plus application détendue. L' approche Elise aura des bords variés de dur à doux et ils pourraient même perdre des images. Ainsi, vous n'obtiendrez pas nécessairement des lignes propres et nettes. Nous avons des bords définis tout le temps. Une peinture peut être décrite comme libre, car seulement les éléments essentiels sont inclus pour communiquer visuellement et fournir suffisamment d'informations pour une croyance de la peinture. Nous n'essayons pas de capturer tous les détails ou dépeindre quelque chose qui est exactement fidèle à la vie. Ce n'est pas ce que vous laissez, c'est ce que vous laissez dehors. Ce que je veux dire par des couleurs expressives et réalistes, c'est que les couleurs auront tendance à être assez proches du sujet. Cependant, c'est souvent la réponse créative personnelle de l'artiste au sujet ou aux fleurs, dans ce cas, qui leur permettra d'interpréter les couleurs comme ils le souhaitent. Les frappes fluides freestyle sont créées lorsque les lignes et les couleurs, mélanger sur le papier lui-même. La brosse humide mecs souvent un lavage dans une nouvelle direction que le mouvement de l'eau agira comme un courant pour la peinture à couler. Changements de valeur distinctive. Par là, je veux dire des contrastes forts, légers et sombres. Les variations de ton et de valeur aideront à la perception du ton, et en ajoutant des points focaux. Enfin, les détails d'encre minimaux équilibrent l'approche lâche que je viens de discuter. Au fur et à mesure que nous poursuivrons cette classe, je parlerai davantage de la façon dont cet aspect sera incorporé. Une approche de l'aquarelle lâche ne doit pas être confondue avec simplement jouer une peinture désordonnée qui est paresseuse ou bâclée. J' ai essayé d'approcher chaque floral très réfléchi et extrêmement intentionnellement. Donc je ne m'enlise pas avec trop de détails inutiles. Cela signifie aussi opérer par intuition plus que l'intellect. Pour moi, mon travail est devenu un peu plus lâche de ma confiance a été bâtie, et je suis devenu libre avec mes grèves, les laissant faire le travail au lieu de surpeindre les zones. Cependant, il convient de mentionner que trouver cet équilibre prendra un certain temps. Cependant, cela viendra avec le temps et la pratique. Les analystes rapides ne sont peut-être pas pour tout le monde. Je ne peux que vous enseigner mon approche, mes préférences et mes perspectives envers le style de la peinture. Je voulais vraiment partager ça avec vous parce que ça m'excite, m'inspire et me fait me sentir bêtement heureux. 6. Fiez-vous à votre intuition: Je ne veux pas faire ce bruit trop simpliste quand je dis que peindre vaguement est un état d'esprit. C' est souvent ce que j'entends des étudiants. Ils veulent savoir comment laisser tomber la nécessité de rendre leurs esquisses parfaites ou la nécessité de contrôler la peinture, essayer de capturer tous les détails et ne pas vouloir faire un gâchis. En outre, il y a beaucoup de peur de faire une erreur et de ne pas pouvoir la réparer. Nous allons jeter un coup d'oeil à certains de ces problèmes. Je sais que certains d'entre vous veulent passer à la vraie partie de la peinture, mais une grande partie de notre créativité se passe dans notre esprit qu'il faut absolument y remédier. S' il vous plaît, écoutez-moi. Le récit pourrait dire : « Si ce que nous avons créé ne ressemble pas à l'objet en face de nous, alors nous avons fait une peinture défectueuse. Nous pouvons penser qu'il est de moindre valeur et peut-être, peut-être, vous avez perdu votre temps parce qu'il ne répondait pas à vos attentes, et cela suscite à son tour d'autres sentiments inconfortables. J' ai toute une classe sur l'inconfort dans ma classe de perfectionnisme ou dans le cadre de mes 14 jours de défi d'état d'esprit. Je n'irai pas trop loin ici, mais il vaut la peine de le mentionner parce que pour atteindre le relâchement, nous devons adopter une approche différente où nous ne sommes pas concernés ou fixés par la dernière pièce ressemblant à une véritable représentation. Si vous pouvez voir ces croquis comme des études ludiques, vos propres recherches sur le mélange des couleurs, vos propres recherches sur les pigments, façons ludiques de comprendre le rapport hydrique, vous aurez une meilleure relation avec votre pinceau et papier. Cette approche décontractée que je suis arrivé à vole contre des décennies de tout conditionnement et certaines tendances perfectionnistes dans lesquelles je suis encore tombée. Moi, je suis le produit d'une formation artistique formelle ici au Royaume-Uni, où on m'a appris à dessiner et à ombrager de façon réaliste, presque au point de l'hyper-réalisme. Souvent, mes tuteurs étaient satisfaits de l'effort que j'ai déployé et, involontairement, m'ont donné l'impression que la création art réaliste valait plus de valeur car j'obtenais des notes plus élevées. Je me demande si une représentation lâche va à l'encontre de ce que beaucoup d'entre vous ont appris que l'art devrait être lors de la création ou de l'évaluation de l'art. Vous avez peut-être entendu cela de la part d'un enseignant ou d'autres personnes importantes dans votre vie. Même maintenant, après de nombreuses années, il y a une petite voix dans ma tête qui me dit : « Souviens-toi de moi, n'oublie pas ces détails. Arriver à l'étape lâche a pris des années de démêlage pour défaire une partie de ce conditionnement. Ce graphique montre comment les revers renforcent et augmentent le taux d'apprentissage. Je ne sais pas depuis combien de temps certains d'entre vous utilisent des aquarelles, peut-être cinq mois ou cinq ans dans mon cas, alors soyez conscient d'entrer dans les exercices que je nous ai attrapé mensonge tête départ sur certains d'entre vous, et ne partez pas avec l'idée que vous devez obtenir les bons résultats la première fois, la troisième fois, ou même la neuvième fois. Je veux que nous puissions mieux nous positionner et embrasser l'application lâche et sans entrave de l'aquarelle. Pour ce faire, nous devons prendre des risques, faire beaucoup de désordre, jouer un peu plus et apprendre de ces mess. C' est là que la magie se produira entre la confusion et les tentatives bâclées. En quittant cette zone de confort, vous laissez derrière vous les can'ts, moûts, ne doivent pas, épaules et devraient tos, et toutes les autres pensées négatives. Certains appellent cela la zone cultivée, la zone où nous sommes exposés à un niveau d'incertitude, et nous devons nous attaquer à tous les messages insidieux des droits et de la mauvaise façon de peindre. C' est l'économie même de la peinture lâche qui rend si difficile de bien faire. Pour y parvenir, passons en revue certains points importants avant d'introduire la partie de l'intuition. C' est difficile. Abandonnez le besoin de résultats. Ce point va de pair avec l'intrépide. Vous ne pouvez pas être intrépide si vous peignez toujours des résultats lorsque nous sommes orientés processus. Par conséquent, il y a plusieurs échauffements que je voudrais que vous fassiez, et non pas axés sur les résultats. Vous êtes en mesure de laisser aller le besoin de résultats incroyables à chaque fois. Les résultats les plus efficaces proviendront du processus de peinture, du processus d'apprentissage. Enfin, je veux que vous adoptiez l'expérimentation. Quand vous peignez, n'ayez pas peur de prendre des risques. Demandez-vous, que se passe-t-il si je fais ça ? Que se passe-t-il si je change ça ? Que se passe-t-il si c'était une couleur différente ou si je le mets dans un endroit différent ? N' y pense pas trop. Il suffit d'agir, de regarder les résultats, puis d'aller de l'avant. Grâce à toute cette pratique significative, nous serons à une distance frappante de l'intuition. Vous avez peut-être déjà vécu cela, quand vous avez été si perdu dans votre peinture que vous avez perdu la trace du temps. C' est parfois appelé l'état de flux quand il semble juste que vous et votre brosse. Je crois que c'est notre lien personnel avec le processus artistique qui permet à l'art de montrer la voie. Il vient après beaucoup de temps en partenariat avec mon pinceau, mes casseroles, mon carnet de croquis et mes fleurs sauvages quand nous commençons à faire confiance. C' est quelque chose que je ne peux décrire que comme un guide de l'intérieur. Faire confiance au processus est effrayant et cela prendra du temps. Tout comme l'intuition prendra du temps pour s'accumuler. Steve Jobs a appelé l'intuition plus puissante que l'intellect, et Einstein a dit : « La seule chose précieuse est l'intuition. Malheureusement, il est trop facile d'être si occupé que nous noyons ces conseils intuitifs que nous avons tous naturellement. Essayez de penser à la peinture intuitive comme la pratique de la pleine conscience avec un pinceau dans votre main. Au fur et à mesure que vous libérez votre attachement au jugement des résultats, la pratique de la peinture vous permettra de vous ouvrir à être plus présent. Être intuitif lors de la peinture permet à votre auto créatif une certaine compassion et gentillesse. Vos canaux intuitifs s'ouvrent alors que vous êtes pleinement engagé dans le moment. Laisser guider l'intuition vous permet de laisser aller les choses qui gênent votre expression créative complète, comme le perfectionnisme, la comparaison et le besoin d'approbation externe. Lorsque nous nous engageons dans la confiance, cela vous soutiendra et vous aidera à gagner le courage d'explorer et d'expérimenter. Je veux terminer en disant que, lorsque vous peignez, il faut parfois être prêt à accepter ce que la peinture et le papier vous donnent. Vous devez littéralement aller avec le flux. Parfois, la peinture se mélangera d'une manière qui ne voulait pas se produire, ou les gouttes supplémentaires de peinture peuvent être des ajouts intéressants à votre travail. Essayez de les considérer comme des opportunités plutôt que comme des erreurs. L' une des plus grandes joies pour moi de peindre à l'aquarelle est sa spontanéité. N' essayez pas d'analyser ou de contrôler ce qui sort. Il suffit de laisser le pinceau se déplacer instinctivement sur la page. Essayez de ne pas penser au résultat. Si vous vous trouvez arrêter ou rester coincé, répétez simplement  : « Il n'y a pas d'erreurs, il n' y a que des opportunités. J' apprends tellement de ce gâchis qu'il n' y a pas d'erreurs. 7. Choisir vos fleurs: C' est l'une des parties les plus agréables pour votre projet. Comme je l'ai dit plus tôt, je suis naturellement attiré par les fleurs sauvages à cause de leurs quarks naturels. Mais vous pouvez les choisir dans votre propre jardin ou même les acheter si vous le souhaitez. plaît ne vous sentez pas que vous devez sortir et trouver la fleur parfaite pour ce cours. Rappelez-vous, ce livre de croquis particulier est venu parce que je voulais simplement peindre les mauvaises herbes qui poussent à des angles bizarres et ont des plis bizarres. Je pense qu'il est essentiel d'avoir un lien avec les fleurs que vous choisissez et éventuellement peindre car cela aidera énormément à vous donner un sens à ce que vous créez. Je suis attiré par certaines plantes. Par exemple, je n'aime pas les plus délicats, et je suis sûr que vous aurez vos préférences. Cela fait partie de ce qui rend vos peintures uniques. Je crois honnêtement que si vous n'êtes pas particulièrement intéressé par une fleur, alors cela viendra très probablement dans la peinture. Ne t'installe pas sur la première fleur. Promenez-vous, choisissez quelques-uns, peut-être les sentir, voir ce qu'ils ressentent dans votre main. Je me retrouve souvent avec une petite fleur de posie au moment où je rentre à la maison. Vous pourrez prendre la décision plus tard. Lorsque vous marchez, gardez les yeux ouverts pour points lumineux dans le sous-bois ou les haies. La chose merveilleuse sur les fleurs sauvages et les mauvaises herbes sont, vous pouvez les trouver presque partout. Ils peuvent se développer dans les fissures des trottoirs ou sur le côté de la route, même dans les parkings. Bien sûr, vous pouvez choisir une fleur dans votre jardin mais une partie du plaisir pour moi est de les chercher pendant que je marche. Si vous voulez identifier une fleur ou une mauvaise herbe, alors il y a une application très pratique pour votre téléphone que ma fille et moi aimons utiliser. Je sais qu'il y a beaucoup de versions différentes. On l'utilise souvent quand on est dehors. Vous lancez simplement l'application, prenez une photo de la fleur mystérieuse. Il y aura une liste des prétendants les plus probables. Dans ce cas, c'est la carotte sauvage ou le joli nom pour elle est la dentelle de la reine Anne comme elle est également connue. Je cueille toujours plusieurs du même type de fleurs. J' ai donc beaucoup de références juste au cas où je déciderais de les peindre. Parfois, je mets souvent mes positions impromptues dans des bocaux d'eau pendant un jour ou deux pendant que je me décide, et ils sont assis là attendant patiemment d'être peints. Nous allons parler un peu plus de l'intuition, mais c'est là que cela commence. Le choix que vous faites. Une fleur peut vous parler plus que les autres. Il y a quelques questions que je me pose lorsque je considère une fleur pour la coloration à l'eau. Tout d'abord, serais-je vraiment excité de peindre ça. Ce que je veux le peindre plusieurs fois plus afin que j'ai compris cette mauvaise herbe ou plante plus. Aussi, j'ai peut-être remarqué si les feuilles sont assez inhabituelles ou elles poussent différemment lorsqu'elles se déplacent vers le bas vers les racines. Fondamentalement, cette herbe ou cette fleur sauvage pourrait-elle soutenir mon intérêt pendant 30-40 minutes ? Si c'est un oui, ce sera un bon ajustement pour vous. Vous vous demandez peut-être, pourquoi ne pas simplement prendre une photo de la fleur au lieu de la cueillir. La réponse simple sans entrer dans une longue discussion est que ce ne sera tout simplement pas la même. Être capable de voir votre floraison à un angle de 360 degrés, regarder en gros plan, sentir les pétales ou de sentir n'importe quel parfum, tout ajoute à l'expérience et affecte les couches et couches d' informations qu'une image 2D ne peut tout simplement pas transmettre. Pour cette raison, j'adorerais vraiment si vous sortiez et trouviez votre propre fleur. Je pense que vous apprendrez probablement deux fois plus en faisant ça que de me copier. 8. À propos des exercices pour se préparer: Ce que je vais vous montrer dans les vidéos suivantes peut sembler inachevé, désordonné et non raffiné. Cependant, ces échauffements peuvent également être considérés comme ébauches approximatives qui permettront d'effectuer des travaux d'une importance vitale. En fait, je crée des tas et des tas de rugueux afin de comprendre la forme et d'augmenter mes propres compétences d'observation. Puis ils traînent un moment jusqu'à ce que je les jette. Ils ont servi leur but. Lorsque vous êtes obsédé par l'obtention d'un bon résultat, cela crée souvent une très grande barrière mentale pour beaucoup d'entre nous, y compris moi-même. En tant que débutant, j'avais souvent peur de foirer. Je crois que c'est une grande frustration pour beaucoup d'artistes. J' espère que produire des versions très simples d'une fleur sera un ingrédient précieux pour la peinture florale réussie plus loin dans la ligne. échauffements doivent faire partie du processus, surtout si vous n'êtes pas habitué à travailler de cette façon. Savoir combien d'eau notre brosse peut contenir, ou en regardant la valeur de la théorie des couleurs dans les échauffements. Avant de passer à la version couleur principale, nous apprendrons deux fois plus. Les chances de produire un magnifique floral lâche seront considérablement augmentées. Traitez chaque échauffement comme une œuvre en cours et personne n'a à le voir en dehors de vous. Ces échauffements vous fourniront également une bonne boîte à outils de base que vous pouvez utiliser et adapter à n'importe quelle fleur et en fait, n'importe quel objet que les principes resteront les mêmes. Travailler de cette façon peut vous aider à éviter ou à vous préparer mentalement à toutes les difficultés que vous pourriez rencontrer plutôt que de sauter directement dans une aquarelle plus grande ou plus finie. Utiliser un pinceau plus grand que vous ne le pensez vous aidera à éviter de vous concentrer trop sur les détails. Je sais qu'en tant que débutant, j'ai utilisé une petite brosse car je me sentais plus à l'aise et en sécurité. Vous ne pensez peut-être pas que cela fait une différence lorsque vous utilisez un petit pinceau pour remplir une forme par rapport à l'utilisation d'un grand pinceau. Cependant, l'utilisation de moins de coups lorsque vous avez un gros pinceau dans votre main aidera à garder votre pièce plus fraîche. Je sais que pour certains d'entre vous, ce sera une grosse demande. Pour cette classe, essayez d'aller au moins la taille suivante vers le haut. J' utilise le pinceau rond numéro neuf ou dix depuis quatre ans. Alors que je continue à remplir mon carnet de croquis floral spécial, je cherche des pinceaux plus grands et plus grands, passant sur le numéro 12 et le numéro 14. Comme j'étais d'humeur expérimentale un jour, j'ai décidé d'utiliser le pinceau de style chinois pour cette pièce. J' ai été étonné de voir à quel point c'était polyvalent pour faire des mouvements de balayage. Puis j'ai fait d'autres recherches et j'ai décidé de passer sur ces pinceaux en plume. Ils ont un emballage en plastique transparent qui maintient la base des poils ensemble et exactement lié avec quelques petits fils raides plutôt que le farrell métallique traditionnel. Ils sont si polyvalents. Ils peuvent tout faire. Il est assez grand pour couvrir rapidement de larges zones, mais peut également arriver à un point très fin pour des objets plus petits comme des tiges délicates. Avoir une grande brosse vous permet de couvrir une zone plus rapidement, ce qui aide avec cette boucle spontanée. Les brosses à couronne que j'utilise peuvent contenir non seulement une tonne d'eau, mais aussi des charges de pigment. Charger complètement une brosse, c'est essentiellement saturer complètement une brosse. L' application d'un lavage avec une brosse entièrement chargée est un élément important qui aidera à mélanger les différentes couleurs sur le papier. abord, nous devons amorcer le pinceau en le mouillant soigneusement dans notre eau. Cela garantira qu'il sera en mesure de ramasser la peinture facilement. Ensuite, nous devons créer la bonne cohérence et la bonne valeur pour nos besoins avant de le charger complètement sur notre brosse. Desserrez et diluez la peinture en y ajoutant de l'eau pour la rendre plus transparente. Placez votre pinceau sur le dessus de votre pigment. J' utilise l'opéra rose, mais essayez-le avec n'importe quelle couleur. Ramenez votre pinceau dans votre flaque d' eau et mélangez les deux ensemble sans rincer votre pinceau. Continuez à ajouter d'autres coups de pinceau de la couleur choisie jusqu'à ce que vous obteniez la valeur correcte de la couleur que vous essayez d'obtenir. Nous pouvons ramasser la quantité maximale de couleur en tournant ce pinceau quelques fois et en chargeant chaque côté. Il est maintenant essentiellement chargé de toute l'humidité qu'il peut transporter sans égoutter. Bien que vous verrez dans une partie de ma démo est que j'ai réellement surchargé mon pinceau, ce qui est très bien. Lorsque vous touchez le papier, cette perle d'eau sur la fin se relâchera très rapidement. Le bon rapport eau et peinture est lié à la valeur et opacité et il peut être assez difficile d'obtenir cet équilibre au début, mais il finira par faire partie de votre instinct. Avec suffisamment de pratique et d'observation, ce sera une seconde nature. En saturant votre grand pinceau juteux de peinture, vous serez étonné de voir comment il libère automatiquement votre esprit et relâche votre approche. Nous examinerons les limites de temps lorsque nous entreprendrons les échauffements. Travailler rapidement, mais intentionnellement aide également à ce besoin d'ajouter trop de détails. Si vous imaginez que vous n'avez littéralement pas le temps d'ajouter des détails, cela vous aidera à vous concentrer sur les principaux éléments. Peindre rapidement signifie aussi que vous allez arrêter plus tôt. Il vaut la peine de voir votre croquis floral comme un exercice pour commencer, pas un chef-d'œuvre. Si le surmenage de la peinture est l'une de vos difficultés, imposer une limite de temps vous aidera à faire l'essentiel sans trop faire les choses. L' autre facteur en jeu est de travailler alors que le papier est humide. L' aquarelle peut faire des choses inattendues. fleurs et les arrière-plans sont une frustration commune pour les aquarelles. Essayez de laisser ces choses se produire sans trop vous inquiéter à leur sujet. Vous apprenez dans quelles conditions ils se produisent afin que vous puissiez mieux contrôler les aquarelles à l'avenir. N' oubliez pas d'utiliser beaucoup d'eau pour permettre aux couleurs de couler et de les étaler dans les exercices d'échauffement et de voir ce qu'elles font. Nous examinerons comment les fleurs peuvent être incorporées à vos fleurs dans une vidéo d'échauffement ultérieure. Un mot rapide sur le brossage, c'est une compétence manuelle qui se développera au fil du temps. La mémoire musculaire joue un grand rôle. n'y a pas de substitut à la pratique. Si vous tenez compte de la compétence dans vos séances de peinture, vous verrez bientôt la différence. Regardez votre pinceau dans le cadre du processus créatif, car il vous aidera à traduire vos idées mentales en forme physique. Enfin, nous allons jeter un coup d'oeil au journal. J' ai parlé de différents types de papier dans ma classe de base d'aquarelle. Ce que je vais dire dans cette classe, c'est que chaque marque et le poids se comporteront différemment, vous donnant des résultats différents. En gardant à l'esprit, nous utilisons tous différents papiers, différentes marques d'aquarelle et différents pinceaux. Nous obtiendrons divers résultats. Les papiers que j'ai choisis, choix personnel parce que je sais comment ils vont réagir dans certaines conditions comme je l'ai beaucoup pratiqué sur eux. C' est une étude de coquelicot que j'ai fait dans le cadre d' une série où les chiots poussaient juste partout où il semblait. Le papier que j'ai utilisé est du papier cartouche lourd. J' ai fait une autre étude où j'ai utilisé Winsor et Newton. La raison pour laquelle je vous montre ça, c'est parce que je veux que vous soyez ouvert à essayer différents papiers. Bien que j'aime mon schéma de la bouche, c'est la version du schéma de la bouche. Cela signifie juste que je peux jouer avec du papier lisse, du papier très texturé, et le schéma de la bouche n'est pas tout à fait texturé. L' utilisation de différentes échelles est aussi quelque chose que j'expérimente. Cela dépend vraiment de vos préférences et de ce que vous voulez finalement atteindre. Vous pouvez décider d'utiliser une marque de papier pour la première démo, puis un papier différent pour la seconde. C' est à vous de vous amuser autant avec ça et de ne pas trop vous inquiéter. 9. Préparation 1 : les formes: La nature est remplie d'une quantité incroyable de détails dans toutes les formes et tailles. C' est ce qui la rend belle et une source de matière infinie pour l'art. Cependant, ce n'est pas une bonne idée de peindre tous les détails que vous voyez car vous pouvez être submergé très rapidement. Dans cette section, nous allons entreprendre des études monochromatiques de notre fleur en deux étapes en mettant l'accent sur la forme et la valeur. J' espère que ces exercices, aborderont certains des problèmes communs qui se posent lorsque vous cherchez à peindre d'une manière plus lâche et expressive. Pendant que je créais cette classe, j'ai demandé à mes abonnés sur Instagram où leurs plus grands défis étaient en essayant d'aquarelles lâches. Un thème récurrent était d'ajouter trop de détails ou se fixer sur les détails au point de frustration. Je vais vous expliquer comment une partie de cette préoccupation avec les détails peut être atténuée par le processus de simplification du floral que nous voyons devant nous. Le dictionnaire de Cambridge définit la simplification comme le processus de rendre quelque chose de moins compliqué et donc plus facile à faire ou à comprendre ou la chose qui résulte de ce processus. Afin de dépeindre notre fleur et transmettre notre vision sans inclure chaque petit détail, nous devons comprendre quelle est l'essence de notre fleur, ce qui donne à chaque fleur sa propre personnalité, quelles sont ses caractéristiques que nous pouvons enregistrer sur notre papier. J' espère que vous reconnaissez qu'en tant qu'artistes, vous êtes en mesure d'interpréter le sujet en fonction de vos besoins et de vos goûts. Vous pouvez gérer comment la fleur ou tout autre sujet peut être traduit à travers la peinture sur le papier. Bien que nous puissions vouloir instinctivement peindre la fleur comme elle est, sans les changer, cela peut conduire à un croquis occupé et déroutant. Il est important de pouvoir conceptualiser ou au moins visualiser des formes plates pour votre papier aquarelle plat. Hans Hoffman, figure dans le mouvement de l'expressionnisme abstrait, a déclaré : « La capacité de simplifier signifie éliminer l'inutile pour que le nécessaire puisse parler. Au moment où vous laissez quelque chose que vous voyez, disons quelques feuilles ou quelques têtes de fleurs, vous avez en fait simplifié. Cependant, il y a des degrés divers de simplification. La première façon de simplifier est la forme. Dans l'étude de l'art, une forme est un espace clos dans lequel vous créez deux dimensions, longueur et la largeur, et vous pouvez ajouter de la valeur à la forme, c'est-à-dire ajouter des reflets et des ombres qui la rendent plus tridimensionnelle. Je vais expliquer cela plus en détail plus tard cependant. En tant qu'artiste, nous sommes traducteurs, nous devons donc adapter les détails que nous voyons en regardant les principales formes et formes. Des formes plus simples peuvent transmettre l'essence d'un sujet mieux que ses détails. Lorsque vous vous concentrez uniquement sur la forme, vous êtes moins susceptible de ressentir l'attrait des détails écrasants. Lorsque nous réfléchissons à des zones, il devient plus facile de changer et d'éditer des formes en fonction de votre peinture, peut-être en déplaçant ou en supprimant l'encombrement qui n'ajoute aucune information supplémentaire. Si vous peignez simplement ce que vous voyez sans penser, évaluer ou redessiner, vous pouvez finir avec une peinture qui est tout simplement très déroutante. Cela a du sens en théorie, mais il est temps d'en mettre une partie en pratique. Cela nous aidera également à prendre conscience de notre sujet en augmentant nos compétences d'observation. Peindre une forme, donc c'est plus lisible, ne doit pas être difficile même si c'est une plante complexe. J' aimerais vraiment que ces études soient rapides en utilisant du papier imprimeur, seulement quatre ou cinq minutes chacune et je vous suggère d'utiliser une minuterie. Au cours de cet exercice, une fois serait génial, mais le faire deux ou trois fois, éditer à chaque fois sera encore mieux. Une autre façon que je veux expliquer ceci est d'imaginer votre farine sous forme de silhouette. Imaginez qu'il y ait une lumière puissante qui brille sur votre fleur et qu'elle jette une ombre. J' ai du delphinium ici et si je brille une lumière vive, on peut voir l'ombre, la forme, la silhouette en arrière-plan. Si je le retourne, vous pouvez voir toutes les formes différentes sont faites et c'est une caractéristique forte de chaque fleur. Si je devais tenir une fleur différente à côté, c' est la caractéristique de cette fleur. Avec ce delphinium, vous pouvez voir qu'ils ne sont pas encore complètement ouverts. Donc ils forment ces petits nodules, disons, et il n'y a pas besoin de les inclure tous. Nous allons essayer de les simplifier, mais en utilisant la forme comme guide. Je vais vous montrer quelques exemples différents. C' est l'achillée millefeuille. Vous pouvez voir que c'est vraiment distinctif. Si je vous montre cette section ici, vous pouvez voir que c'est juste une masse de touffes ici où sont les têtes de fleurs et je veux juste que vous la dessiniez, peignez comme ça avec ces 1, 2, 3 petites tiges d'une tige centrale, regarder des choses comme ça. C' est le buisson à papillons ou la couche de bourgeons et si je le tiens juste contre le mur, si elle était pleine fleur, ça ressemblerait à une masse de fleurs. Mais vous pouvez voir qu'il y a en fait de la lumière qui brille à travers elle, donc c'est quelques-unes des choses dont nous pouvons être conscients. J' adore ces petites choses de chaque côté, c'est vraiment mignon. Alors commençons par quelques études de forme. C' est la première fleur que j'utiliserai pour mon étude de forme. Ça s'appelle un millefeuille et je l'ai littéralement trouvé sur le bord de la route. Je ne vais nulle part pour les choisir. C' est une mauvaise herbe, elle n'est pas cultivée. Jetons un coup d'oeil aux principales caractéristiques. Nous avons une touffe de fleurs ici et une touffe de fleurs ici, il y a une forme de V ici où les tiges se rencontrent et elles descendent dans cette tige centrale ici avec des feuilles qui irradient juste vers l'extérieur, tout est très irrégulier. Tout d'abord, je ne peux pas essayer d'ajouter tous les petits papas ici, les réceptacles. Alors je vais fermer les yeux un peu, plisser. Avec des yeux plissés sur ce fond blanc, je peux voir en contraste comment cela ferait une ombre et c'est ce que nous allons essayer de recréer. Donc je vais charger ma brosse avec beaucoup d'eau, vous pouvez voir qu'elle scintille. Lâche-le là. Beaucoup de pigment a été libéré sur cette palette ici. Je ne veux pas que ce lavage soit trop sombre parce que j'ai des plans pour ça. Nous voulons un lavage de ton léger à moyen, je pense que c'est probablement suffisant. N' oubliez pas de mettre cinq minutes sur votre minuterie. Tout d'abord, je vais faire avec les touffes de têtes de fleurs ici et si je plissais vraiment, ils forment des petites sections en V avec des sommets bombrés, c'est la seule façon dont je peux le décrire, quelque chose comme ça. L' autre touffe est ici, section V là-bas et il y a deux mineurs qui vont en fait derrière elle. Je sais que cela semble complètement sans forme, mais quand je dis que nous avons affaire à la forme, nous n'avons pas besoin de regarder trop de détails. Cela fait partie de ce que je sais que certains d'entre vous ressentent quand on vous présente toute l'intrigue comme celle-ci. Je vais dessiner dans cette section V maintenant. Je ne vois pas la tige centrale au début parce qu'elle est couverte de feuilles, mais ça suffit pour l'instant. Il y a des petites formes de bulles comme ça et sous cette auvent qu'il rejoint comme ça, je sais qu'il y a de petites tiges là-dedans, mais elles créent une masse. Donc je ne peux pas tout faire, je sais juste qu'ils sont là, mais ce n'est pas ce qui me préoccupe pour le moment. Ça a probablement besoin d'un peu plus là-bas. Garder cela simple pourrait être un slogan tout au long de cet exercice. Pourtant, la simplicité peut sembler un défi, nous devons donc le décomposer. la regardant comme une forme, nous pouvons nous libérer des distractions de la couleur et de la valeur. Bien que nous regardions la peinture des feuilles en contexte dans une classe ultérieure, pour l'instant, nous allons essayer d'utiliser la pression de la brosse en poussant un peu plus fort pour créer plus grandes zones de feuille ou le côté de la brosse pour effectuer cet exercice de forme. Je préférerais que vous le fassiez plutôt que d'utiliser une pointe de pinceau pour dessiner un contour et remplir les formes. Ça ne va pas aider avec la spontanéité. Continuez à plisser. Je vais peindre dans la tige centrale même si je ne peux pas voir, ça fait quelque chose comme ça et il y a une feuille qui fait ça. Il y en a un derrière qui fait ce genre d'affaires, un qui sort sous un angle comme ça. Tout ce que je fais est d'utiliser la pression de ma brosse pour créer ces marques, je n'essaie pas d'utiliser les conseils pour ajouter trop de détails parce que nous travaillons littéralement juste avec la forme et je vais vous révéler, s'il vous plaît croyez-moi, pourquoi nous allons d'abord travailler de cette façon. Nous allons dépenser de plus en plus de détails, mais pas à ce stade. J' ai besoin que tu comprennes comment cette plante est créée. Il fait plus comme ça. Donc je crois que j'ai passé moins de cinq minutes, mais je vais en faire une autre parce que j'ai du temps. Nous commençons par un simple lavage monochrome, parce que nous essayons de nous familiariser avec la forme. Cela nous aidera à nous concentrer, car ce n'est qu'une des façons dont nous pouvons nous préparer à la plus grande tâche plus tard. Si vous pouvez voir, que je tiens le pinceau vers la fin, parce que je ne veux pas mettre trop de pression pendant que j'ajoute ces minuscules tiges bizarres ici. fur et à mesure que nous terminerons les échauffements, Aufur et à mesure que nous terminerons les échauffements, nous deviendrons des experts dans l'évaluation et l'évaluation du niveau d'information, par conséquent, les détails que nous voulons inclure. J' aborde beaucoup plus en détail le rôle de la répétition dans mon défi d'état d'esprit de 14 jours. Le point principal qui vaut la peine de répéter ici est avec chaque version ou chaque répétition de votre floral, votre confiance va grandir, et vous trouverez vos propres solutions uniques et façons de faire les choses. Ce sont les flèches que j'ai faites, et vous pouvez voir au fur et à mesure qu'elles progressent, il y a un peu plus d'informations que j'ajoute, je deviens un peu plus confiant. J' ai ajouté plus de formulaires. Ce sont les deux que vous m'avez vu peindre et oui, ce sont toujours des formes. Je suis toujours en train d'étudier la forme. Mais je pense qu'au moment où je suis arrivé à ce stade, j'ai fait un peu plus de distinction, et cela ne vient qu'avec le temps avec confiance. Cela vaut cinq minutes d'étude, 10 minutes d'étude, la troisième fois est 15, et c'est après 20 minutes. J' ai compris que SONT planifiés beaucoup mieux. Donc je pense que mon échauffement en a vraiment valu la peine. Je passe maintenant à ce Jasmine et j'ai mélangé un peu plus de lavage parce que je courais un peu plus bas. Exactement la même lumière à moyenne valeur de lavage. Tout d'abord, commençons par ici avec l'une des fleurs blanches du Jasmin. Il y a une autre fleur qui fait ça, mais puis les pétales fusionnent et je n'essaie pas de dessiner les pétales individuels. Je peins juste dans les formes que font les pétales. On dirait qu'ils sont presque tombés sur une seule tige. Il y a une autre fleur. Semble pointilleux [inaudible]. Voyez-vous que je tiens à la fin ici. pétales sur celui-ci ne se chevauchent pas, les deux autres. Mais en disant que je viens de remarquer qu'il y a en fait une feuille derrière elle. La feuille est ronde comme ça, et deux morceaux sortant comme ça, et il y a une feuille importante là-bas. Quand je peins les feuilles, je pousse beaucoup plus fort, et j'utilise aussi le site de la brosse. Leurs résultats ont une autre tige. Il y a trop comment mon pinceau ici. Cette feuille touche en fait cette tige de fleur, quelque chose comme ça. Ensuite, nous avons une autre fleur. Donc il y a un pétale, pétale de départ jusqu'ici, des bords, des bords. C' est la partie trompette descend, tige très mince ou quelque chose comme ça. Ensuite, cette tige se joint ici, et il y a un autre ensemble de pétales qui la rejoignent, juste en dessous. Lorsque vous esquissez un floral, vous apprendrez un ensemble d'informations. Mais si vous le peignez plus de fois, vous aurez rassemblé quatre fois la quantité d'informations. Rappelez-vous ces premières études de cinq minutes, et à chaque étude, vous pouvez vous pencher dans l'inconfort de l'imprévisibilité. Il est préférable de devenir à l'aise avec le mal à l'aise. Dans ces étapes d'échauffement de formulation. Cinq pas plus bas, puis il y a un autre ensemble de tiges par ici. Dans un angle comme ça. Une autre façon de travailler est de regarder l'espace négatif que les feuilles ou les fleurs qui se chevauchent laissent derrière eux, c'est-à-dire l'espace blanc. Vous pouvez voir combien d'autres observations ont été améliorées. En fait, je me suis surpris. S' il vous plaît ne sous-estimez pas combien vous pouvez apprendre sur vos fleurs avec cet exercice de forme simple. Jetons un coup d'oeil. Comparez et contrastez avec les études de formes que j'ai faites. Ils sont maintenant secs. Regardons de plus près. Vous pouvez voir que j'ai légèrement changé l'angle et il y a différentes informations qui arrivent à chaque fois que j'ai décidé que je n'ai pas besoin de certaines choses que j'ai oubliées ou j'ai ajouté ça ressemble à des fleurs supplémentaires ici que je n'ai pas inclure dans cette première version. Donc, évidemment, j'ai récupéré plus d'informations au cours des cinq minutes à chaque fois que je l'ai essayé. Dans cette version ici, vous pouvez voir que j'ai vraiment fait une déclaration audacieuse sur l'endroit où sont les fleurs blanches, même si elles sont blanches. J' y ai encore ajouté la forme. Je suis vraiment satisfait de celui-là, et globalement la progression est excellente. Je pense que l'emporter pour moi est à quel point les formes deviennent audacieuses ici par rapport à cette première version que je vous ai montrée, elle est toujours reconnaissable comme Jasmine, et c'est ce que je veux porter en avant lorsque je passe aux versions couleur. Lorsque nous définissons juste la forme, nous construisons en fait une meilleure base pour comprendre la structure des fleurs. De ce point de vue, nous pouvons apporter les autres éléments pour les construire un par un. forme est la base de cette construction, et c'est souvent le cas. Tout ce que vous peignez, des paysages aux bâtiments, aux fruits. C' est le chèvrefeuille que j'ai peint. Il n'y a pas autant d'informations que quand je commence à regarder. Après 10 minutes, après 15 minutes, je peux voir beaucoup plus se passer dans ces deux-là. Si je devais aller à la scène de couleur tout de suite, je sais que j'ai construit suffisamment d'informations pour être satisfait que j'ai compris cette plante beaucoup mieux que si je suis allé tout de suite en essayant de faire la version couleur. Ça aurait fini quelque chose comme ça. Il n'a pas autant d'informations par rapport à celui-ci, surtout où vous pouvez voir beaucoup plus de mentions distinctives qui sortent de la trompette comme le chèvrefeuille. 10. Préparation 2 : la valeur: Le sujet de la valeur peut être immensément détaillé car il couvre tout ce qui concerne le rendu. Cependant, j'ai essayé de le simplifier pour le contexte de cette classe. À son plus basique, regarder la valeur lors de la peinture est beaucoup une étude de la lumière et de l'ombre. Cela peut être transmis par la lumière ou l'obscurité de la couleur. Faire une étude de valeur est un bon moyen de comprendre à quel point les différentes parties d'un sujet doivent être intenses ou lumineuses. De plus, l'étude de la valeur vous aidera vraiment à améliorer votre sélection de couleurs plus tard. La valeur tonale décrit comment une couleur claire ou foncée est indépendante de sa teinte. Autrement dit, étant l'apparence de couleur du rouge, vert ou bleu, par exemple, parce que nous voyons et comprenons objets en raison de la lumière ou de l'obscurité qu'ils sont. Le ton est vraiment important. La peinture à l'aquarelle est beaucoup d'équilibrer la légèreté et l'obscurité. J' ai tendance à utiliser beaucoup de contraste dans mes propres fleurs. Les variations de ton et de valeur, peuvent aider votre perception de la forme, qui sera très utile lorsque nous peignons nos fleurs. En comprenant et en utilisant correctement le ton dans notre fleur, il peut avoir un grand impact sur la pièce finie. Pour bien utiliser le ton, vous devez développer une autre façon de regarder la couleur et de l'interpréter sur votre papier. En tant qu'artiste, il aidera vraiment à reconnaître les différentes valeurs de la lumière et de l'obscurité. Cela peut être fait à l'aide d'une échelle de valeur. L' échelle de valeur traditionnelle utilisée par les artistes comprend normalement neuf tons croissants, allant du noir pur au blanc pur. Posséder tonifiant noir et blanc est assez simple. Cependant, quand il s'agit de juger la valeur d'une teinte colorée, il devient beaucoup plus difficile de faciliter l'évaluation de la valeur tonale des différentes boîtes. Voici une version en noir et blanc de la même photo. Bien que les boîtes ci-dessous aient été peintes en rouge Windsor, lorsqu'elles sont converties en noir et blanc, elles ressemblent à peu près à la même chose. En contrôlant la valeur des couleurs que vous appliquez, vous pouvez obtenir une impression de forme. Jetons un coup d'oeil à notre usine. Les ombres sont jetées en l'absence de lumière, donc il y a toujours une partie de cet objet ou notre fleur reçoit plus de lumière que d'autres parties. L' observation de l'endroit où la lumière frappe la plante et où des parties des feuilles sont dans l'ombre nécessite une observation attentive. Regarde ta fleur. Ignorer toutes les couleurs, les formes et les textures, prétendre qu'ils ne sont pas là. La méthode que j'utilise est de fermer légèrement les yeux ou de plisser car cela nous aide à voir les valeurs d'une manière simplifiée. Vous verrez probablement des ombres floues au lieu de couleurs car il y a moins de lumière qui pénètre dans votre œil. Faites attention à trois valeurs distinctes : la lumière, le milieu et l'obscurité dans votre fleur. Un autre bon conseil que nous pouvons utiliser comme référence est de prendre une photo de plus près de votre fleur sur votre téléphone et d'utiliser l'un des paramètres qui la transforment en version noir et blanc. Si vous êtes en mesure d'utiliser la fonction d'exposition de votre appareil photo pour accentuer le contraste entre la lumière et l'obscurité, cela peut vous aider aussi, car cela fonctionne presque de la même manière que le plissage. C' est essentiellement filtrer les masses d'ombre et de lumière. Donc, une fois de plus, notez où sont les plus sombres et où sont les zones les plus claires. Pour cette étude de valeur, nous allons mélanger une seule couleur. C' est ultramarin, et encore une fois, je voulais assez léger. Jetons rapidement un coup d'oeil. Je pense que plus léger que ça, c'est toujours dans la section du ton moyen. Un peu mieux. J' ai des plans pour cela et je serai en mesure de révéler tout un peu mieux. Nous commençons par ce pois doux ici, et nous allons suivre ce que nous avons fait dans notre étude de forme. Mais quand nous arriverons à un certain point, nous pourrons laisser tomber beaucoup plus de pigments concentrés dans les zones où nous pensons qu'il fait déjà très sombre. Je vois qu'il fait sombre ici, dans cette feuille et entre ici. Encore une fois, nous devons travailler vite. Espérons que nous pourrons le faire en moins de cinq minutes. Donc, à partir de cette feuille, j'ai dit qu'il faisait particulièrement sombre. C' est à peu près là et il y a une autre petite feuille qui se joint à elle comme ça. Encore une fois, ce ne sont que des études où nous essayons d'observer, mais nous essayons aussi de travailler assez vite. Parce que même si ce n'est que du papier imprimé, quand nous arriverons à la couleur, nous suivrons les mêmes principes. Une autre partie de la tige vient ici, et maintenant nous atteignons la première des tiges de pois sucrés qui vont jusqu'ici avec deux petits bourgeons, et ils sont très, très légers. Donc je vais vraiment laver mon pinceau aquarelle. Je ne sais pas si tu peux le faire. C' est la plus petite quantité de pigment sur mon pinceau. Je vais toujours ajouter la forme, mais en utilisant essentiellement de l'eau. Je vais vous montrer ce qui se passe, et nous pouvons utiliser la même technique quand nous arrivons à la scène des couleurs. Alors retournez chercher un peu plus de mon lavage. Il y a une feuille qui vient ici et une petite, comme ça. Il y a une masse de fleurs de pois sucrés tout le chemin ici. Une des choses, si vous plissez, comme nous l'avons fait avec les autres études de forme, n'essayez pas de choisir des pétales individuels, il suffit de peindre dans les formes. Il y a une tige qui vient ici qui rejoint les feuilles que j'avais déjà peintes, assez épaisses. Le pois doux est presque comme un peu rond, quelque chose comme ça. Vous pouvez voir la tige qui sort de là descend vers le bas. Peut-être que c'est un peu trop courbe, mais ça ne dérange pas. continuant vers le bas, la tige plus épaisse là, puis une à cet angle qui se joint à la précédente. Tellement génial pour améliorer les compétences d'observation. Je le répète, si vous êtes capable de le faire deux fois, trois fois, ça va vraiment vous aider plus tard quand nous viendrons faire notre travail de couleur. Il y a une tige qui vient ici. Il y a les petites petites vrilles, qui sont charmantes, mais je ne pense pas avoir le temps de les inclure pour le moment. Il y a une feuille de plus là-bas. J' ai oublié tous les pétales qui se produisent ici. Les tiges, je l'ai déjà remarqué pas grand-chose. Oui, ils sont assez sombres car ils trouvent le pétale, mais les pétales qu'ils se joignent à eux-mêmes sont assez légers. Je ne vais pas essayer de peindre. Encore une fois, c'est juste une impression de pétales, il y en a toute une masse là-bas. Maintenant, nous en sommes à un stade où nous pouvons maintenant mélanger un peu plus de pigment dans notre lavé. Faisons-le juste dans cette section ici. Je vais probablement le faire un peu plus sombre que nécessaire parce que je veux que tu vois ce que j'essaie de faire ici quand je parle d'étude de la valeur. En regardant cette partie du pois doux, il semble que l'une des feuilles qu'ils semblent venir en deux, au moins l'une d'entre elles est sombre. Commençons par celle-là. Vous pouvez voir tout de suite comment cela a fait la différence. Si je plissais, la partie médiane de celui-ci fait une différence. Il y a une tige, cette tige qui monte là-bas est plus légère que la feuille en dessous, mais je ne vais pas m'embêter avec ça. Je vais juste remplir cette feuille, qui est beaucoup plus sombre et vous pouvez voir le contraste qui se passe déjà. Ce petit ruban de tige est plus sombre, le dessous est sombre, et parmi toutes ces fleurs, il y a beaucoup de lumière et d'obscurité qui se produisent. Donc la meilleure chose est de plisser. Le récipient est sombre là-dedans. Il y a une sorte de pétales à l'intérieur et à l'extérieur. La partie médiane de chaque pétale semble plus foncée, et les tiges sont sombres à certains endroits. Plutôt comme faire les réceptacles. Cet ensemble de réceptacles ici sont très sombres, puis derrière cela, il y a un autre ensemble de pétales que j'ai complètement raté. Mettons-les dedans. Ouais, ça va quelque chose comme ça. J' adore quand ils font ça. Les bourgeons weeny sont aussi sombres. Prenons un peu plus de pigment concentré et cette feuille est beaucoup plus foncée. Il me manque une section ici. Oui, ces petites vrilles sont très sombres. Pendant que je suis ici, il y a beaucoup de contraste qui se passe dans ces fleurs de pois sucrés ici. Il est posé un peu plus sur mon pinceau. Oui, j'utilise les réceptacles comme guide. C' est un réceptacle. Celle-ci est derrière elle aussi, et une tige d'un côté semble être plus sombre. En ce qui concerne ici, c'est sombre et c'est sombre. Aussi cette feuille ici est très sombre. Vous pouvez voir que les couleurs fusionnent, et c'est similaire à ce qu'elles feront quand nous arrivons à la version couleur. Cela nous aide à voir les choses en termes de lumière et d'obscurité, et il y a un beau contraste ici. Plus vous faites ces études de valeur, plus vos compétences observationnelles améliorent votre coordination œil-main, votre mémoire musculaire. Je vous encourage vraiment à consacrer cinq ou dix minutes de plus à répéter certaines de ces études. Je pense que cela vaut vraiment la peine de jeter un oeil à ces études de valeurs une fois qu'elles sont sèches, même si elles sont uniquement sur papier imprimé. Bien sûr, il ne réagira pas tout à fait comme si vous peigniez sur du papier aquarelle. Vous pouvez voir combien de contraste il y avait, et c'est pourquoi je voulais commencer par un lavage léger. Vous pouvez voir ici la cigogne a presque disparu. Être capable de laisser tomber des pigments plus foncés alors que le papier est encore humide est une partie très précieuse de pouvoir peindre des fleurs en vrac. En outre, la mémoire musculaire impliquée vous aidera à coup sûr quand nous venons à faire les études de couleur, tout cela est la construction jusqu'aux études de couleur. Vous pouvez voir que j'ai fait trois versions différentes. Chacun d'entre eux est juste un peu différent. Il y a tellement de valeur à regarder et à peindre et à se connecter à votre brosse et à votre papier. Vous remarquez que je ne cesse de vous demander de travailler rapidement dans un très court laps de temps pour tous ces échauffements. Parce que vous produisez tellement, cela aide à éteindre ce côté analytique de votre esprit et vous commencerez à compter davantage sur l'intuition. De plus, ajouter du pigment foncé à la couleur est simple, mais il est impossible d'ajouter de la légèreté. La transparence de l'aquarelle signifie que vous devez faire des évaluations sur le ton au début du processus de peinture. Avec les aquarelles, une fois que vous donnez une certaine valeur à la forme, il est vraiment difficile de le rendre plus léger, c'est pourquoi nous avons fait cet exercice. 11. Préparation 3 : l'encrage: L' un des plus grands défis auxquels un artiste doit faire face est de savoir quand arrêter de peindre. Nous nous trouvons souvent dans un flux artistique, création de travail est tellement amusante que nous ne voulons pas qu'elle se termine ou nous pensons que nous pouvons simplement ajouter un peu plus pour améliorer la peinture. Malheureusement, avec les peintures à l'aquarelle, il est facile de surmenage et de savoir quand arrêter est particulièrement important. Toutes ces pages et pages de nos fleurs sont mes interprétations de la communication visuelle. Suggestions de ce à quoi je pensais qu'on ressemblerait selon mon pinceau. Je ne me sentais pas obligé de fournir tous les détails, mais il reste assez identifiable parce que les informations essentielles sont disponibles sur le papier. Se référant à certains des commentaires que j'ai reçus au sujet de la couleur de l'eau expressive et de la ligne de la part des étudiants. Ils avaient du mal à savoir quand arrêter d'ajouter des détails ou de penser. Il avait besoin de plus de détails à l'encre ou à l'aquarelle, et c'est peut-être parce que vous ne croyez pas qu'il y a suffisamment d'informations pour communiquer efficacement à partir de l'aquarelle ou de l'encre. Cependant, nos cerveaux sont vraiment merveilleux, car il sera en mesure de prendre ce que nos yeux voient et de compenser toute information manquante. n'y a vraiment pas besoin d'empiler sur des détails supplémentaires. Tu ne réalises même pas que ton cerveau te compense. Cet organe à l'intérieur de notre crâne interprète les indices visuels avec lesquels il est présenté. Attention, je ne suis pas un scientifique. Dans le contexte de la création d'art, le cerveau peut traiter et filtrer des informations externes et pour donner un sens au monde extérieur, il combine des informations provenant de sources multiples, et donc il livre sa propre perception le long son interprétation lorsqu'il pense qu'il manque des renseignements, il fait une supposition fiable. C' est pourquoi vous pouvez probablement dire dans cette pièce ici, il est un me oublier pas, malgré ne pas avoir de lignes descriptives, J'ai peint juste assez de ses caractéristiques de base pour décrire un oublier moi pas fleur, plutôt qu'une autre fleur avec des pétales bleus.Tous les échauffements que nous avons fait, ils ne font qu'allusion à un aspect de l'ensemble. Les échauffements avec de l'air pour nous aider, pour nous guider à travers assez de confiance technique à travers la pratique. Plus vous êtes montré avec l'essentiel et les produits que vous utilisez, plus il sera facile de vous concentrer sur les possibilités artistiques de notre peinture florale de couleur finale. Je voulais vous montrer une version beaucoup plus rapprochée de la relation entre l'encre et les fleurs. Dans la plupart de ces exemples, il y a très peu de cas où j'ai décrit le pétale entier. Nous avons peut-être des moments où j'ai l'impression que l'espace négatif doit être rempli et je vais donner un aperçu d'une plante qui n'est pas là, que je n'avais pas remplie, à l'aquarelle. Mais si je vous montre cette section ici, vous pouvez voir que l'aquarelle a fait un travail merveilleux capturer la forme de ces pétales. Ce beaucoup plus d'informations où je l'ai inclus est dans les réceptacles et la tige ici et certains des pétales où j'ai senti qu'il avait juste besoin d'un peu plus de forme pour le définir. Dans cet exemple, j'ai effectivement utilisé de l'encre pourpre. Si je le rapproche un peu de la caméra, vous pouvez voir que j'ai tracé des petites mains de fleur individuelles. Je sais que j'ai dit juste avant, je ne les décrit pas. Parce qu'il y a toute une masse de têtes de fleurs ici. Je ne vais pas peindre chacun d'eux. Dans ce cas, l'aquarelle a fait le travail de donner la forme. Ensuite, je suis entré avec l'encre et j' ai choisi certaines fleurs individuelles, pas toutes, certaines d'entre elles. Il donne ce joli contraste entre le relâchement de aquarelle et la qualité de ligne plus graphique que l'encre cramoisie a achetée. Je vais enfin révéler pourquoi nous avons fait tant d'études sur le papier brut, études de valeur et les formes études. Tous les croquis que nous pouvons utiliser pour s'habituer à manipuler l'encre. J' ai un tas ici, j'en ai d'autres en arrière-plan, et c'est rude. Si vous faites une erreur n'est pas une peine. Je vais te montrer comment on va faire ça. Des échauffements que nous avons fait. Nous allons donner une ligne très fine. Je vais aller plus en détail sur l'endroit où appliquer l'encre. Mais pouvez-vous voir si je suis juste en appuyant très légèrement et c'est une belle ligne fine. Mais en utilisant la citrouille bleue, je vais donner une ligne légèrement différente. Si je fais la même chose de l'autre côté et que je n'exerce même pas beaucoup plus de pression. Pouvez-vous voir la différence dans la chaux ? Cela dépend vraiment du goût personnel, la dépendance à l'approche, de votre propre interprétation. Je peux vous donner toutes les plumes et tous les porte-stylos que j'utilise, mais vous pouvez penser qu'ils sont assez horribles. C' est vraiment à toi. C' est un nouveau pour moi, et je vais juste dessiner une vrille ici. Oh, il y a beaucoup de printemps dedans. Ça ne donne pas une ligne fine comme le stylo cartographique, différentes plumes sur ces porte-stylos, et je vais les utiliser tous dans cette pièce. Rappelez-vous, nous avons ces échauffements qui n'impriment pas de papier. Eh bien, il n'y a pas de bords ici, mais je vais vous expliquer ça. Si vous utilisez de l'encre, vous devez la remplir ou tremper votre plume jusqu'à ce que nous arrivions à cette section ici. Pas trop, sinon tu seras trop blobby. Si vous regardez ici, ils sont très pâles, ces bourgeons, et ils se fondent juste dans le papier. Dans ce cas, je pense que nous devons ajouter les informations. On va juste faire ça et ça s'estompe trop ici. Je vais juste ajouter un peu là-bas, et ça a déjà fait une différence, je pense. La même chose encore, de l'autre côté parce qu'il est si pâle. La rondelle si pâle on ne voit pas tout à fait le bord de ça, mais ça le rend tellement mieux. Nous allons refaire la même chose, tour et choisir les domaines qui, selon nous, ont besoin d'un peu plus d'informations. En fait, nous allons faire face à ces têtes de fleurs ici, et elles sont désordonnées. Nous devons donner une définition de ce qui se passe ici, car il y a aussi des pistes en arrière-plan. Je vois que certains pétales sont devant. Je fais cette ligne ici pour définir l'âge d'un pétale et je ne colle pas au bord. Ça ne ressemblera pas à un petit pois, et il y a un autre pétale qui arrive ici, le réceptacle. Ça va, donc cette ligne va ici. Oui. Ils traquent là. C' est logique, et le réceptacle est là. Je pense que ça a du sens. Dans cette masse, je viens de définir certains d'entre eux dans un pétale, et je peux voir la tige s'y joindre. a du sens pour moi, celui-là va comme ça. C' est trop cassé. Il a besoin d'un peu plus de définition, donc je vais juste y ajouter ça et c'est très bien. Les feuilles sont en fait, je vais juste laisser ça tel quel. N' oubliez pas qu'il s'agit d'une étude avant l'événement principal. Cette feuille ne se termine pas brusquement comme ça. Je vais juste continuer avec ça. Ensuite, il lui donne plus d'un bord prononcé. L' autre chose que je peux ajouter en utilisant mon inclinaison sont les vrilles. Il est beaucoup plus facile d'utiliser un dépendre pour ajouter cette information puis de compter sur la couleur de l'eau. Je sais que j'ai commencé à l'utiliser. Ça a déjà l'air charmant. J' apprécie trop cette partie. Je dois te montrer le reste. Passant à cette section ici, nous avons un réceptacle. Il doit y avoir un peu de tige qui se passe ici. Le bord d'un pétale, je vois ce qui se passe ici, va là-dedans, et une autre partie des pétales comme ça. Vous pouvez voir que nous n'avons pas à nous en tenir aux contours de l'aquarelle. Si vous sentez qu'il a besoin d'un peu plus de définition, alors par tous les moyens, dessiner dans le bord du pétale, dans ce cas sont les pois sucrés. Il y a ça qui se passe là-bas. Je l'aime vraiment comme il est. Il y a un pétale ici qui fait ça. Maintenant, ce magasin est devant, donc je pourrais juste donner un peu de coup de pouce. Pourtant, là où vous pouvez voir qu'il s'évanouit. Ça ne lit pas. Eh bien, donc je vais lui donner un avantage là-bas. C' est en fait une feuille et ça ne lit pas bien non plus. Je dois l'aider un peu. Je ne vais pas décrire tout ça. Je pense que c'est juste assez. Parce que je l'aime tellement, je veux avoir les vrilles. Je sais que nous n'utilisons que quelques-unes de nos pièces d'échauffement. Mais ceci, encore une fois, nous ajoutons à notre mémoire musculaire, nous ajoutons à nos compétences d'observation, et nous nous familiarisons avec l'utilisation de l'encre si vous n'êtes pas habitué à elle. Je vais faire un peu plus. J' espère vraiment que plus vous pratiquez, plus les réactions seront intuitives. Surtout, disons quand nous peignons enfin notre fleur finale, sont tous peuvent avoir des éléments de contrôle et de chaos. Quand cet équilibre est juste, il peut sembler que l'œuvre a pris une vie propre qui me surprend parfois. N' oubliez pas que chaque détail n'a pas besoin d'être précisé pour le spectateur, et l'encre conservée renforce, aide et soutient l'aquarelle. Je vais en fait échanger maintenant, et vous montrer une version en utilisant l'Universal Fineliner. Juste pour prouver que vous pouvez toujours utiliser le même principe où nous dessinons simplement des formes pour nous aider à expliquer ce qui se passe dans cette couche de bourgeon. Vous pouvez utiliser à peu près le Fineliner ou le Stylo Plume dans le même effet. C' est charmant, c'est tout. Faisons un peu de ce côté en fait, ne laissez pas ce site dehors. Je vais vous montrer rapidement ce côté ici. Je les aime comme ils sont. Cependant, je pense que cela aiderait si je donnais juste un peu plus de définition que le bord de la fleur. Je suis heureux d'utiliser soit tout le stylo et l'encre, soit un Fineliner, il obtient les mêmes résultats. J' aimerais vraiment que vous téléchargez n'importe quelle version avec laquelle vous vous sentez satisfait. Si vous n'avez pas de stylo et d'encre, ce n'est pas une grosse affaire, il suffit d'utiliser un biro noir si c'est tout ce que vous avez. Il y a un espace là-bas et j'ai l'impression que je dois l'additionner. C'est charmant. Il est vraiment facile de nettoyer la plume qui a de l'encre séchée dessus, ou même après avoir fini, si l'encre est encore humide, vous pouvez simplement la laver. Sinon, il suffit de prendre un rouleau de cuisine standard et de lui donner un frotter, et vous pouvez voir qu'il se détache assez facilement. 12. Préparation 4 : le mélange des couleurs: Le vert est certainement la couleur préférée de la mère nature. Chaque arbre, buisson et tige de fleur vient dans sa propre nuance unique. Vous savez probablement que le mélange jaune et bleu rend vert. C'est évident. Cependant, c'est un peu plus compliqué si vous voulez faire une sélection de nuances naturelles. La clé est de jouer avec toutes les différentes nuances de jaune et de bleu et différents rapports de chaque pigment en les mélangeant les uns avec les autres. Ensuite, en ajoutant de l'eau en différentes quantités avec des bleus, des rouges, gris de Payne, voire des violets et des roses, vous avez à votre disposition des variations infinies de verts. L' un des aspects les plus difficiles de la peinture à l'aquarelle pour beaucoup est l'incertitude élémentaire quant à quantité d'eau à utiliser et aussi comment les couleurs interagiront sur votre papier. Afin de limiter une partie de cette incertitude, je pense que nous devrions avoir un plongeon très rapide dans la théorie des couleurs pour mieux comprendre comment ces couleurs pourraient interagir. Sans une connaissance pratique de la théorie des couleurs, vous pouvez accidentellement bousiller votre peinture pendant que vous expérimentez sur le papier. Laissez cette méthode ludique, il y a beaucoup de mélange de couleurs sur le papier. Nous allons créer notre propre tableau pour développer certaines de leurs nuances que vous aimez. Je vais vous montrer beaucoup de mélanges de couleurs, mais s'il vous plaît ne pensez pas que vous devez utiliser les mêmes couleurs que moi. Il y a tellement de variables ainsi que différents rapports entre l' eau et les jaunes et les verts et ajouter des petits morceaux de rouge. Mon approche vise à comprendre les bases du mélange de couleurs afin que vous puissiez facilement travailler par vous-même ce que vous aimez utiliser. Cette méthode n'est pas censée être à propos de règles difficiles et rapides, mais plutôt d'un guide. Il y a bien sûr beaucoup d'autres façons. Pendant que je suis ici, je veux juste avoir un aperçu très rapide de tous les différents lavages que vous pouvez entendre les artistes utiliser. Le premier sera probablement un lavage à plat. C' est là que c'est la même couleur et c'est même partout. Le prochain sera le lavage en dégradé, où il commence très sombre et devient progressivement plus léger et plus léger. Ce n'est pas la meilleure version car il y a trop d'eau là-dedans, mais laisse tomber un peu plus là-dedans. Vous pouvez voir est de devenir plus léger et plus léger. La troisième version est appelée lavage panaché, où si je demande, c'est le viridian, et je décide que je veux ajouter un peu de rose d'opéra, l' une de mes couleurs préférées, ils se mélangent ensemble. Si j'ai laissé tomber l'opéra rose là-dedans, ça fait partie du truc panaché qui se passe. Ce n'est que très rapide, mais nous allons l'utiliser dans notre prochain échauffement. Je veux juste me familiariser avec le mélange sur le papier. Nous allons commencer par mélanger les lavages en bouche. C' est jaune citron et je vais ajouter un peu de vert sève. On y va. C'est un papier contra riche. Je vais juste faire une forme de feuille et ensuite tomber en couleurs. J' ai un PDF téléchargeable de formes de feuilles que vous pouvez jouer avec. Ce sont des choses communes. Je ne sais pas comment vous prononcez certains de ces termes, mais il suffit de jouer. Le premier s'appelait lancéolate. Je ne crois pas avoir dit ça bien. Faisons juste cette forme de feuille, qui était très pointue en haut. Je vais en faire un autre parce que je veux comparer légèrement le temps de séchage. Je pense que dans le premier, je vais tomber dans un ocre jaune, je vais l'écraser et voir ce qui se passe. Dans le second, essayons du wintergreen. On y va. On voit comment ça va se propager. Faisons un peu ça avec ça. Déjà, ce séchage à des taux légèrement différents, se mélange un peu plus de jaune citron, sorte que c'est une valeur légèrement plus légère. Voyez comment cela affecte le mélange des couleurs. Charger beaucoup sur le pinceau parce que nous voulons permettre aux pigments de se mélanger dans la forme. C' est pourquoi nous avons aussi fait les études de formes, il y avait trop de choses sur ce pinceau. Petit égouttement là-bas. Je pense que dans celui-ci, je vais essayer un peu de turquoise en jachère. Oh, ça va laisser charmante je pense. Faisons une autre version. Je n'ai pas rincé ça, mais ça fait partie de l'expérience. Le suivant, c'est l'ultramarine. C' est encore un peu différent. On ne saura pas exactement comment ça va se passer tant qu'il ne sèche pas. Allons passer à autre chose. Je pense que la prochaine série de feuilles est longue. Essayons d'ajouter un ocre jaune à ce que nous avions déjà mélangé. Il semble très jaune, mais il pourrait être très important de savoir ce qu'il va faire dans cette forme de feuille que je fais maintenant est appelé cordate. Essayons le prochain bleu pour moi, qui est l'indigo. Je pense que j'ai peut-être eu un peu trop sur ce pinceau, un peu trop intense. Ajoutons un peu d'eau à ça. Oh mon Dieu, regarde ça. Charmant. Rincez mon pinceau parce qu'il aurait eu un indigo, et ramassez un peu plus le lavage ocre jaune. Faisons une autre forme de feuille de cordate. bleu vers le bas est en fait le gris de Payne. Mélangez ça avec un peu de l'ultramarine, juste pour voir ce qu'il fait. Je vais juste le déposer. Encore une fois, assurez-vous que votre brosse est entièrement chargée et qu'elle est agréable, humide et juteuse parce que nous voulons que ces pigments s'écoulent les uns dans les autres. Essayons le vert olive. Charmant. J'ai gardé ça très simple parce que quand on applique plus de pigment, ça a tendance à devenir assez boueux et on ne veut pas ça. Pour l'instant, restons simple et ajoutons au mélange que nous avons déjà, un peu de jaune cadmium. On ajoute un peu de bleu prussien. Oh, il y a un peu de rouge là-dedans. Quoi qu'il en soit, c'est bon parce que c'est une bonne information pour nous. Essayons ce qu'on appelle une feuille réniforme. Je pense que c'est ce qu'on appelle. C' est assez rond. Faites un autre réniforme juste à côté. Dans ce contexte, je pense que je vais ajouter un peu, peut-être du bleu Windsor. Merveilleux. En revenant peut-être à un peu de gris de Payne, puisque nous avons déjà ça mélangé. C' est merveilleux ? Nous allons continuer comme ça, en mélangeant différentes formes, différents pigments, différents rapports d'eau. Il est tellement préférable de le tester comme ça, pratiquer sur du papier cartouche juste plutôt que surtravailler une pièce quand nous arrivons à notre couleur finale florale. Je vais vous montrer comment laisser une partie du blanc, c'est seulement peindre la moitié de la feuille. Ensuite, remplissez, même si je ne l'esquisse pas, avec juste un coup comme ça. Lavez votre brosse et vous devriez juste être en mesure de voir avec juste l'eau ordinaire qui est déjà commencé à mélanger. Essayez encore une fois avec un jaune cadmium et une forme de feuille légèrement différente, quelque chose comme ça. Nous décrivons l'autre côté. Alors commençons à laisser tomber quelques couleurs ici, et peut-être le long de cette ligne ici. Vous pouvez voir comment le pigment ne peut voyager que dans les zones où il y a effectivement de l'eau là-bas. Le jaune cadmium de retour ici juste pour qu'il fasse quelques trucs de plus pour moi. juste lavé ma brosse et en utilisant l'eau, c'est juste de l'eau pure. n'y a rien d'autre sur ce pinceau et c'est juste ça, ce qui est vraiment beau à voir. Dessinons une ligne ici et regardons ce qui se passe. Oh mon Dieu, ça a l'air charmant. Je devrais peut-être en faire un autre rapidement parce que c'est vraiment magnifique. Juste là où il se répand, je vais utiliser de l'eau pure et il n'y a rien sur cette brosse à part l'eau pour l'extraire, de ce côté. J' adore jouer avec des choses comme ça. Vous pouvez introduire une grande partie de cela dans votre travail de couleur. Maintenant, je me glisse d'un côté à l'autre. Je veux juste y retourner et faire un peu plus parce que ça a l'air un peu à moitié cuit. Je pense qu'un petit peu d'or pourrait bien fonctionner, je suppose. Ça vaut la peine d'être deviné. Oh adorable. Rappelez-vous que j'ai dit que la peinture ne peut se propager que, là où le papier est humide ou humide. Je vais créer un autre contour. Oh très gentil. Il suffit d'y ajouter quelques rayures. Nous devons attendre et voir ce qui se passe, mais j'ai vraiment hâte de voir les résultats. Je suis un peu emporté. J' ai commencé à déposer de l'or et je tiens ça. Laissons tomber un petit peu de vert olive et puis commençons à le faire avec. Je l'incline. Encore une fois, oh mon Dieu, regarde ça. Il crée tous les effets merveilleux et vous pouvez le faire dans la pièce de couleur. Essayons d'ajouter un peu d'outremer. Je vais vais vous en montrer un de plus. Je vais juste déposer un peu de la rose de l'opéra. Je tiens une mangue, donc elle voyage vers le bas. Que diriez-vous si je continuais à l'introduire par le haut ? Oh, j'adore ça. Je vais remettre le journal en bas. Ce sera génial pour les feuilles d'automne. Juste un de plus. C'était deux. Non, on a du mouvement là-bas. Je vois qu'il voyage là-bas. C' est beau à voir. Je te montrerai ça quand ils sècheront. Probablement le plus proche de la façon dont je travaille, même si c'est juste un échauffement. J' essaie de laisser un peu du papier montrant parce qu'il ajoute au contraste. C' est incroyable ce que l'opéra Rose fait à une pièce. Vous pouvez voir comme il sèche, il est tiré. Une autre raison pour laquelle c'est une bonne idée de ne pas exagérer quelque chose. Laissez la peinture faire son travail. Laissez la peinture sécher dans ce processus. Au fil du temps, vous commencerez à faire confiance. Je veux que tu voies le travail d'une autre prof de Skillshare, Stephanie Ryan. Elle a également un cours sur les fleurs multicolores. C' est ce qu'elle dit à propos de la couleur. « Lâchez le contrôle et approchez votre art avec un sentiment d'émerveillement. Gouttant la couleur et l'eau et la confiance qu'ils vont se fondre de belles manières. Laissez les matériaux réagir comme ils en ont besoin, et rappelez-vous que la beauté se trouve dans les imperfections. Laissez les matériaux faire le travail pour vous. Lâchez le contrôle et faites confiance au processus. » Est certainement la peine de vérifier la classe de Stephanie Ryan pour obtenir une perspective différente sur les couleurs du monde floral. Comme nous avons passé tout ce processus d'échauffement, nous sommes prêts et nous sommes prêts à travailler sur notre couleur florale. En arrivant à cette étape, vous allez avoir tellement plus de confiance. Soyez beaucoup plus conscient des capacités de votre pinceau et vous peignez sur votre papier. 13. Démo : Delphinium - partie 1: Tout d'abord, le pinceau que j'utiliserai est le numéro 2, Quill de Jacksons. Avant de commencer, je veux m'assurer que mes stylos sont mouillés. En regardant les autres couleurs dont je vais avoir besoin, je vais avoir besoin d'un peu de jaune. Je les mouille juste pour que le moment venu , ils soient gentils et collants plutôt que raides. J' ai peut-être besoin d'un peu de peintures grises, dont il me reste très peu. Vous pourriez avoir besoin d'un nouveau stylo à l'intérieur après cette session. Commençons. Tout d'abord, je pense qu'on doit mélanger une couleur de base. Rappelez-vous, nous avons créé un lavage de valeur moyenne lumière. Ce que je veux faire, c'est prendre en compte la valeur que nous voyons ici. C' est un vert clair, donc je vais mélanger ça. Je pense que je vais ajouter un petit peu de vert sève à ça. Vraiment, je pense qu'il a besoin d'un petit peu de blues, donc je vais juste prendre un peu de cet ultramarine. Je pense que c'est juste. Alors commençons. Je vais te montrer mon pinceau. On dirait qu'il y a beaucoup d'eau là-dedans. Donc je vais juste l'emmener au bord de ma palette et en enlever un peu, juste un peu. Je commence par ça, le pourboire. Comme la tige devient de plus en plus basse, elle change de couleur. Mais rappelez-vous que nous allons former la forme d'abord et je serai capable de tomber en couleurs. Donc, ce n'est que le début de celui-ci. Mélangons un peu de ce violet bleui. C' est la violette winsor. Si vous n'avez pas de violet, mélangez un rouge frais avec le bleu froid. Encore une fois, nous devons nous en tenir à la lumière pour répondre à la couleur de valeur juste à ce stade initial. Parce que rappelez-vous, nous pouvons laisser tomber des pigments plus sombres. Mais s'il fait trop sombre pour commencer, c'est très difficile dans les étapes ultérieures. Il y a trop d'eau là-dessus, juste pris un peu de la brosse. Je ne veux pas que tu paniques. Essayez de vous souvenir de ce que vous avez fait dans les sessions de forme et les sessions de valeur. Je ne vais pas faire de minuterie, mais je veux travailler rapidement. Si vous n'avez pas de papier aquarelle lisse, papier cartouche, de papier cartouche lourd est vraiment génial. J' ai remarqué qu'au fur et à mesure que les bourgeons descendent, ils deviennent plus sombres. Donc, je viens d'ajouter un peu plus de pigment, et vous voyez est déjà légèrement mélangé dans la tige. Faisons vite de ce côté ici. Je veux dire, certains de ces bourgeons sont plus verts que violets. Nous pouvons donc aborder cet aspect en un instant. Ouais, quand ils descendent plus loin, je remarque aussi qu'il se forme comme un triangle très aigu. Oh, il y en a d'autres au sommet qui ont complètement raté. Il y a quelque chose comme ça. S' il y avait une ligne imaginaire, un triangle là, et l'autre ligne serait là à peu près. Alors je vais laver ma brosse. Je pense qu'il est temps d'introduire un peu de vert à certains d'entre eux. Je vais juste ajouter un peu de jaune citron et utiliser ce que j'ai sur le pinceau. C' est assez étincelant, donc il y a un bon peu là-dedans. Oh, j'adore ça. Je l'ai touché. Parce qu'il y en a déjà, le pigment est toujours à la surface, je peux le manipuler. Oh, j'adore ça. Je tiens le pinceau vers la fin, en l'utilisant, en utilisant cette pointe juste pour faire ces formes de tasse que j'ai mentionnées précédemment. Oh, c'est charmant. Je crois que j'ai besoin d'un peu plus de jaune sur mon pinceau. Je pense qu'il y en a trop. C' est juste un peu trop brillant. J' adore regarder ça arriver. Types de lys chanceux pourpre qui se passe là-dedans. Dans un peu, je vais y aller. Aussi ce vert, j'ai besoin de l'assombrir. Je ne sais pas si je dois le faire maintenant parce que je vois que descendre devient un bleu foncé, vert. Oui, je pense que c'est bon. Je pense que nous pouvons commencer à ajouter cette couleur parce que c'est le cas, je peux voir un violet qui fonctionne le violet dedans. Il y a une feuille qui vient ici, qui aura besoin de plus de vert. Alors chargez la brosse avec du vert. Rappelez-vous que nous n'essayons pas de tout inclure parce que nous avons encore les jolis détails d'encre à ajouter. J' ai remarqué que nous avons discuté de cela dans l'échauffement que le dessous de la feuille est plus léger que l'autre. Il a déjà fusionné avec l'autre chose. Il y en a probablement juste assez ici. Je vais rentrer à nouveau avec cette feuille. Alors qu'il y a encore de l'eau stagnante là-bas, je vais y aller avec un peu plus violet. Je vais juste ranger cette palette parce que je veux nettoyer un périphérique, qui avait un peu de vert mélangé avec elle. Je veux quelque chose qui a une valeur plus sombre et je pense qu'il a besoin d'un peu de bleu. Je vais ajouter une goutte de cet ultra marin. N' oubliez pas que nous allons ajouter en détail. Je vais juste ajouter. Si je l'amène à la caméra, l'encre est toujours debout sur l'eau. Si vous pouvez voir ça quand j'ai tamponné, ça s'est propagé très rapidement parce que je n'ai pas laissé l'encre tremper autant que je l'aurais espéré. Je vais trouver un autre bourgeon pour essayer ça, où il ne se tient pas tellement à la surface. Ou que celui-ci a toujours fait la même chose , mais je peux ajouter un peu plus de forme à celui-ci et celui-ci aussi. Je pense que tout va bien, en fait. Je vais ajouter le pigment plus sombre qui descend parce qu'il semble être juste à la pointe. Je pense que si je laisse juste le cas, ça va suffire. Il y a des choses qui se passent en arrière-plan, et je reviendrai sur ce sujet. Laisse-moi juste obtenir ces fleurs principales au premier plan triées. Celui-ci se joint comme si, quand j'ai fait l'étude de valeur, que le vert est devenu beaucoup plus sombre au fur et à mesure que nous progressons vers le bas. Je pense qu'il est peut-être temps d'ajouter un peu de violet bleu. C' était juste ultra marin, et ça fait quelque chose comme ça. Je veux ajouter ces fleurs, les bugs qui sont en arrière-plan. Désolé, j'aurais dû mettre ça là. Je peux le voir juste en arrière-plan. Ils ne sortent pas comme ça. t Je pense que cela aiderait à fournir un peu plus d'informations. Donc il y en a un, il y en a deux là-bas. Il y en a un ici qui a besoin d'un peu de vert là-dedans de toute façon, j'aime la façon dont il a fait ça ? Juste un peu plus jaune. Je crois que celui-là. Oui, je suis contente. Il n'avait pas tout à fait dessiné et je pensais qu'il avait besoin d'un peu de vert et celui qui a séché. Jamais l'esprit ne peut ajouter un peu de jaune là-bas et là. Super. Pendant que je y suis, ajoutons quelques bogues qui étaient en arrière-plan sur cette section de droite à ce sujet, et il y en avait un ici. Oh, c'est très gentil. Ne vous inquiétez pas trop quand ça arrive parce que je pense que vous ajoutez au général, celui-là est là. Je sais qu'il n'y a pas d'autre bourgeon ici dans cet espace négatif, mais je veux vraiment le remplir. Donc je vais juste le faire. Je pense que ça fera l'affaire. Bon, maintenant, passez à cette tige beaucoup plus sombre. Mélangeons. Je vois presque un petit peu de rouge. Donc je vais juste ajouter comme un magenta à ça. Voyons ce qui se passe. Ouais, c'est presque ça. C' est toujours dans son bloc. Je suis capable de ramasser le tapis. Tu vois que je l'incline maintenant ? Ce que je voulais faire, c'est ajouter de l'eau à cette section ici et la regarder s'égoutter vers le bas. Si je le rapproche un peu. J' adore regarder ça arriver. Je vais ajouter juste un peu plus de magenta parce qu'il est mélangé avec le vert, le vert clair peu trop. Tout en étant minuscule, nous parlons encore de la valeur, cette section de la tige est très sombre. Donc, je vais avec plus de violette. Je pense que c'est vraiment, vraiment charmant. n'y a vraiment pas beaucoup plus dont je pense que ça a besoin. La seule chose dont je pense que la feuille a besoin est un tout petit peu plus d'informations. J' ai réussi à y renverser du violet. Il a séché un peu, mais c'est très bien. C'est très bien. Je vais juste utiliser la pointe de mon pinceau pour ajouter certains de ces légers bords dentelés et puis il se boucle comme ça aussi bien. Donc, je vais vraiment le laisser maintenant et je vais utiliser un sèche-cheveux pour sécher beaucoup plus vite que de le sécher naturellement. 14. Démo : Delphinium - partie 2: Maintenant, je vais utiliser le porte-stylo Curtisward avec la plume cartographique de Brause. En regardant attentivement ce delphinium, il y a ces petites vrilles. Je veux donner une indication qu'ils sont là, donc c'est l'une des raisons pour lesquelles j'ai choisi le stylo cartographique parce qu'il est si délicat. J' ai l'impression d'avoir fait du bon travail en donnant les bords des bourgeons. Eh bien, comme cette section ici, je n'ai pas besoin de faire beaucoup plus. Cependant, de ce côté, je pense que le contour, la forme n'est pas tout à fait juste. Je vais juste l'améliorer en le rendant un peu plus comme ça. Aussi celle-là qui est en dessous. C' est beaucoup mieux. Déjà l'inclinaison l'améliore et c'est ainsi que j'aime utiliser l'inclinaison. Je n'ai pas ajouté de tige à ce bourgeon particulier qui tombe derrière lui, donc j'ajoute juste cette petite section maintenant et ces vrilles ici aussi. C' est le bourgeon qui est en face, donc juste pour le définir et l'information qui est en face, je vais juste mettre une ligne définie là. Je vais donner juste ce petit peu d'information, mais juste derrière. Je me suis légèrement déplacé. Peut-être que le delphinium a été légèrement déplacé, donc je vois un angle légèrement différent. Tout est bon, je peux encore en obtenir beaucoup d'informations. Le bourgeon va derrière ça comme ça. Bien que l'information soit vraiment importante, la meilleure façon de l'expliquer est, y a-t-il juste assez ? Je ne ressens pas le besoin d'ajouter des charges comme toutes les petites vrilles. Il y a assez de choses qui se passent ici où si j'ajoutais chaque vrille, ça serait juste trop occupé. Je pense que je vais juste faire semblant qu'il y a un autre bourgeon là-bas, il y a dans cette version que je vois maintenant. On y va. C'est sympa. Celui-ci ici est un peu stumpy, disons que je vais continuer avec une inclinaison pour lui donner une forme plus complète. C' est ici que les pétales s'ouvrent, et ça fait ce genre de choses. De cette zone vers le bas, les bourgeons semblent être plus formés. Ce petit V qui se passe ici, c'est le bord de l'œuf. Je n'ai pas besoin de mettre une pente là. Il n'est pas nécessaire de tracer chaque fleur ou chaque tige, nous voulons juste fournir suffisamment d'informations. C' est presque comme si vous dessiniez une couche supplémentaire de juste assez d'informations pour que le spectateur puisse comprendre ce qui se passe. Je ne sais même pas ce que j'ai fait ici. J' ai l'air d'être à l'angle droit. Je crois savoir ce que j'ai fait. J' ai tout déplacé pour que je puisse tout y intégrer. C' est bon, je sais quelles bosses correspondent à quelles sections maintenant. Alors celui-ci s'étend plus loin, c'est tout. Quand il s'agit de ce petit point avant qu'il ne forme cette tige. C' est celui où j'ai dit, je veux quelque chose derrière ça, donc si je continue cette tige qui donne l'impression que cette tige est en face de cette section jaune citron derrière elle. Je vais juste dessiner une indication d'un côté de la tige là-bas, ça va faire. Maintenant, je sais ce qui se passe qui a besoin d'un avantage là-bas et là. Il y a cette petite chose qui recule, je dois savoir comment ça s'appelle. Puis passer à cette section ici où ils font allusion à la floraison et vous pouvez presque voir les pétales individuels ici. Je pense que ça fera pour celle-là. C' est juste l'ouverture. En ce qui concerne les feuilles, je trouve que les jeunes feuilles n'ont pas beaucoup de détails. C' est tout ce dont il a besoin. Il se penche juste vers le bas. Je n'ai pas tout à fait le bon angle, c'est plus comme ça. Oui, ça fait ça et je pense que je vais l'arrêter là. Cela revient à un point ici. Vous pouvez dire que c'est une feuille, vous n'avez pas besoin de le tracer. Rappelez-vous que votre cerveau a fonctionné pour vous ici. Comment pensez-vous qu'il a besoin de l' équilibrer ici je pourrais ajouter une feuille qui n'existe pas vraiment, mais je pense qu'il en a besoin pour l'équilibre. En utilisant cette feuille comme référence, je vais juste ajouter quelque chose de similaire de l'autre côté juste pour l'équilibrer. Je viens de remarquer, je sais que j'ai enlevé cette feuille, mais il a dû y avoir une feuille ici. Ça a dû sortir dehors. Je suis juste en train de copier une image miroir de la feuille que je ne peux pas voir aussi la quantité de papier que j'ai laissé partager à travers afin que vous puissiez dire que ce sont des bourgeons assez délicats. Ils ne sont pas lourds jusqu'à ce qu'il arrive au fond, jusqu'à ce que la tige devienne très sombre. Si je l'aborde de près pour que vous puissiez voir le résultat final. Je suis vraiment satisfait de cela. Je pense que les couleurs ont vraiment bien fonctionné ensemble. Ma partie préférée est peut-être cette section où la tige va vraiment sombre, et donc j'ai ajouté un pigment supplémentaire. C' est probablement ma partie préférée, c'est quand je suis capable d'ajouter du pigment supplémentaire et ensuite regarder pour voir ce qui se passe. Je pense que tonalement, ça attire vraiment ton regard dedans. En outre, je pense que l'ajout du travail de stylo supplémentaire sur le côté a certainement l'équilibre. C' était un peu un bordel. Mais c'est arrivé et j'ai dû travailler avec ça. Vous avez toujours l'impression que cette feuille se déploie, dans l'ensemble, je pense que j'ai fait un très bon travail et je suis vraiment heureux avec elle. Une dernière chose que j'ai remarqué que j'ai vraiment besoin de discuter est l'utilisation de l'espace négatif et où j'ai laissé des zones de blanc. Je n'ai pas essayé de remplir toutes les mauvaises zones. Si vous jetez un oeil ici et ici, le blanc ajoute en fait au sentiment que c'est un delphinium qui est encore en bourgeon, il n'est pas lourd et il n'est pas ouvert à pleine floraison pour l'instant. 15. Démo : Buddhleia - partie 1: Pour cette démonstration, j'utiliserai le Winsor Newton pressé à froid, et si je le tiens à la caméra, vous verrez qu'il est juste un peu plus rugueux. C' est un peu à [inaudible]. Cela affectera la façon dont la peinture fonctionne, mais je pense que ce sera intéressant de voir ce qui se passe par rapport à quand j'utilise la lisse et la moelle. Aujourd'hui, nous allons utiliser le numéro pour bobine juste parce que nous allons peindre ces brosses papillons ou bouddleia. Comme vous pouvez le voir, si nous regardons de près ces, vous pouvez voir qu'ils sont faits à partir de beaucoup et beaucoup de minuscules trompettes comme des fleurs, mais ne vont pas être en mesure de peindre tous ces dans. Nous allons créer une silhouette de cette formation triangulaire. Je vais vous montrer, comme je le fais, ce que je veux dire, et aussi ce que je pense être vraiment intéressant c'est d'essayer de capturer certains détails roses. Un autre point que je voudrais mentionner à propos du bouddleia est quand il pousse dans la nature, ils se plient souvent et vous pouvez voir qu'il y a un léger virage ici. Je sais que je l'insiste, mais vous les voyez souvent faire ce truc. Je voudrais incorporer cela. Ils seraient assez faciles de les faire grandir tout droit. Mais je pense que je vais commencer dans ce coin et faire un peu de virage comme ça, j'espère. Commencez à mélanger un peu de ce rose vif que je peux voir là-dedans. On va l'utiliser comme un peu de base. Je pense aussi que nous allons avoir besoin d'un peu de vert pâle là-haut je pense tout d'abord, commencer par un vert jaune pâle. C' est un peu trop vert pour moi. C' est tout mon vert argenté. Il a eu des charges et des charges d'eau et un peu plus. Oui. C'est probablement mieux. Je vais l'avoir prêt et parce que je veux le mélanger avec un peu de rose, je veux avoir, je pense que j'ai besoin d'avoir un peu de rose prêt aussi. Cela semble à propos de la bonne valeur sage. Commençons par la pointe verte. Je vais me débarrasser de celui-ci parce que j'ai besoin de l'être, j'essaie d'utiliser cette version particulière, ce grain. Oups, trop sur mon pinceau. Mais utilisons ce qui s'est passé là-bas. C'est très bien. Parce qu'on va l'être, ça va se mêler de toute façon. Si vous regardez de près, il suit cette tige centrale qui descend dans cette courbe. Vient vers l'extérieur de là. Rendons-en un peu plus précis, des formes de rochers. Rappelez-vous, nous allons ajouter des détails roses, donc il n'est pas nécessaire à ce stade d'obtenir exactement ce pourboire. Passons aux zones roses que je peux voir. Ils ont fait ces petites trompettes. Faisons ça aussi. Ouais, ce mélange un peu et ils pingent encore à propos d'ici. Juste augmenter le pigment, il semble être beaucoup plus fort que nous descendons et il y a des zones de rose ici et ici. Permet d'emménager avec un peu plus de violet. J' ai du violet mélangé là-haut, que je vais ajouter à cette rose, la rose de l'opéra. Allons faire le tour de l'extérieur et c'est un irrégulier. Ce n'est pas le cas, même si c'est un triangle incurvé. Ce n'est pas un triangle droit comme ça. Il a cette douce, jolie courbe dedans. Ça a déjà l'air sympa. Je ne vois pas la tige en dessous, mais je sais que ça tourne comme ça. Dites faire semblant qu'il y a une tige centrale et au milieu, c'est un violet massif, mais seulement à l'extérieur, vous pouvez voir des petites trompettes pendant cette formation sociale. Essayons de mettre à jour les bits, toujours en utilisant un mélange de rose et de violet. Vers le bas, je peux voir un peu plus de la tige verte aussi bien. Ça va être un joli ajout. Je pense qu'on a besoin de plus de violet ici. Une chose que je dirai est de ne pas couvrir toute cette zone en violet. Laissez quelques morceaux de papier montrant pour donner ce contraste. Parce que même si je dis que c'est de la masse de pourpre, ce n'est pas un violet solide. C' est très texturé, et c'est l'impression que j'aimerais donner. Travailler très vite et mélanger le rose et le violet à l'intérieur, désolé, sur la page même. Dis, on y est presque. Ensuite, nous pouvons passer à la tige et aux feuilles. Je pense que nous avons besoin d'un peu plus puissant ici pour certains oui, donc de ce côté-ci, la valeur est beaucoup plus sombre. Disons qu'on y ajoute un peu plus de pigment, pas à toute cette zone. Laissons ces petits trous parce que je ne vois pas de morceaux de tige qui descendent ici ou qui a l'air bien. Maintenant, passer à la tige, c'est une variation de ce que nous voyons en haut. Je pense que le vert est juste un peu trop brillant. Je vais tomber dans de l'eau, juste de l'eau pure pour la diluer. Ça pourrait se mélanger avec un peu de rose. C'est bon. En fait, je l'ai juste aidé un peu. Diluez ce jaune particulier vers le bas parce que j'ai réalisé qu'il était juste un peu trop lumineux pour moi et je peux le voir descendre. Je peux voir la tige d'ici. Dites, laissons tomber un peu, Alex, gentil. On y va. Un peu de vert là, peut être un peu trop à ce sujet pas une peine et la tige commence à courber autour. Ou pouvez-vous voir ce qui se passe, pouvez-vous voir comment cela a suivi les gars tout le chemin ? Ronde comme ça. La tige en bas ici, il fait une lumière et sombre ainsi et cela arrive aussi bien. Ou juste en dessous, la tige se ramifie, il y a trop peu de substance ou d'identité, ce que vous les appelez, quelque chose comme ça et il y a aussi un violet vert, que j'ajouterai dans une minute. Mettons-les juste dedans et il y a aussi une feuille en dessous. Ce bouddleia particulier est très ondulant. On y va. Je sais que c'est vraiment vert vif en ce moment, mais je vais ajouter du violet aux sections. Oui, aux pourboires. C' est un grand vert. Sélectionnez un peu trop sur mon pinceau. Peu importe. Je peux les incorporer. Cette section ici est définitivement verte et c' est vert et il commence à se transformer en violet. Pas trop, je peux ajouter des détails à coup sûr et vous pouvez voir certaines des formations de type trompette plus bas. J' aime bien que ça se mêle au... Alex plutôt sympa. Bien. Essayons les feuilles. Je peux voir que le dessous est certainement très pâle et est d'une valeur beaucoup plus légère. Je pense qu'on va mélanger un peu de violet dans ce vert que j'ai déjà. Utilise ça comme le, trop de mon pinceau. Nous pouvons ajouter quelques autres couleurs par la suite et il fait cette chose ondulante. Celui-ci pointe vers le bas, mais pas trop. Je pense que c'est parti un peu trop trouble, alors laissons tomber un peu plus vert. Juste ici, je pense, on y va. Ajoutez les autres feuilles maintenant. Celle-là vient d'ici. C' est très pointu là-bas. En regardant cette feuille contre la tige, la tige est définitivement rouge violacé. Nous devons faire quelque chose à ce sujet dans un peu de temps. Mettons cette feuille dedans et il y a une feuille qui tombe devant elle, mais je ne pense pas que ça va nous aider à comprendre ça. Attends, il devient plus sombre ici, j'ajoute un peu de violet. Je vais commencer à tomber en couleurs dans un petit moment. Il y en a un ici, complètement oublié. Vous voyez que cette feuille touche celle-là. J' aurais dû laisser un peu d'espace pour ça. Ce sera bien pour l'instant. Il y a des petites tiges qui sortent de là et elles sont très pâles, avec des petits bourgeons et encore ici. Amusons-nous un peu et commençons à tomber dans quelques couleurs dans ces feuilles parce que ce vert, pour moi personnellement, est juste un peu trop lumineux. Valeur sage, si je plisse, les fleurs sont certainement plus sombres, mais certains aspects des feuilles, surtout celui-ci ici, est très sombre et cette partie ici. Jouons avec ça. Je pense que celui-ci a juste trop fusionné. Je vais sécher mon pinceau et ramasser un peu de ce pigment parce que c'est trop sale. Je voudrais que les feuilles aient un soupçon de violet, mais ça devenait juste trop bizarre. Essayons un peu de gris de Payne mélangé pour ajouter le léger changement dans les valeurs ici. Oui, c'est mieux. C' est basé sur la tige centrale qui fait sombre là-bas. Je pense que ce serait bien de tomber dans un peu de violet. C' est juste le gris de Payne avec un peu d'ultramarine. Je vois que le violet fonctionne bien là-bas. La feuille ondulée là-bas et donc de ce côté, elle est beaucoup plus sombre. On y va et ici, il fait sombre. En fait, les bourgeons violets se mêlent à ça. Laissons un peu de pourpre ici, il a besoin d'un peu plus d'eau. Cela a l'air vraiment sympa et aussi les bourgeons violets. En fait, il y a plus de violet ici que je ne le pensais. Je vais ajouter ça. Je vais utiliser un peu de rose pour aider cette section le long parce que la valeur est légèrement différente ici. C' est beaucoup mieux déjà et je peux voir que le rose essaie se fondre avec cette feuille en haut à gauche. Je vais l'aider. C' est déjà mieux. Je suis contente d'y avoir fait un changement. J' allais ajouter la partie pâle de la feuille, mais je pense que je vais le faire avec l'encre, un peu de ligne d'encre. J' adore ce qui se passe ici, mais je pense qu'il faut aussi harmoniser toute la pièce. Je pense qu'il a besoin de quelques gouttes de violet rose. Ajoutons ça. J'adore tout ce qui se passe. Je pourrais juste ajouter un peu là et aussi si je plissais, disons dans les sections ici, si j'ajoute du rose dans les sections plus sombres. Aussi, j'ai dit, j'allais ajouter du rose aux tiges aussi. Faisons ça maintenant. Une astuce que j'aime vraiment utiliser est d'incliner le papier. Je vais en laisser tomber, ça commence à devenir un peu rose d'ici. Allons un peu plus de pigment sur cette brosse. Je vais tenir ça à un angle d'environ 10 degrés, donc assez peu profond. Mais je veux laisser tomber cela et certains d'entre eux réagissent déjà. Cette tige doit être un peu plus épaisse aussi. Si vous pouvez voir qu'il est en train de courir vers le bas. Je l'aide juste. On y va. J' ai besoin d'attendre que cela sèche et j'espère que l'effet sera plutôt splendide. Avant de vous montrer le gros plan de cette version séchée de la Bouddleia, une autre raison pour laquelle il est bon de travailler rapidement est que les fleurs vont flétrir très rapidement. Celui-ci n'est pas trop mauvais parce qu'il est assez boisé, mais certaines des fleurs sauvages les plus délicates vont flétrir en moins d'une heure, donc vous devez vraiment travailler assez vite. Jetons un coup d'oeil à cette version séchée. Je suis absolument ravi de ce que je vois ici. Il y a tellement de splendeur où il s'est mélangé et il a créé ces jolies graduations. Cette zone a fait ce que je m'attendais. Ce rose s'est dispersé et les sections ici sont absolument superbes. Je vais travailler avec l'encre pour tirer quelques uns de ces merveilleux aspects. Parce que je suis tellement satisfait de la façon dont cela s'est avéré, rappelez-vous où j'ai dit dans la section de l'encre qu'il n'y a pas de rapport, pas de formule pour combien d'encre je vais appliquer à cela. C' est si beau que ça l'est. Je pense que je vais juste choisir certains domaines. Nous pouvons tirer le meilleur parti de ce qui s'est passé une fois qu'il a séché. 16. Démo : Buddleia - partie 2: Pour cette couche de bourgeon particulière, je vais utiliser la plume de citrouille bleue avec la poignée [inaudible]. J' ai choisi celui-ci parce qu'il donnera quelques bons effets blobby que j'aime bien. À partir de cette section ici. Je vais juste choisir ces petits détails ici, et ce sont littéralement des blobs, littéralement. Il suffit de peindre quelques-uns d'entre eux et pas tous d'entre eux, juste une indication et au fur et à mesure que nous descendons, ils commencent à former ces petites formes de larme. Je pourrais ajouter quelques formes comme ça en descendant. L' aquarelle a fait un travail merveilleux, mais je pense qu'il a juste besoin d'un peu plus d'informations pour dire que ce sont des bourgeons non ouverts et qu'ils sont très petits et minuscules et que l'aquarelle n'a pas tout à fait transmis cela tel quel. Je vais juste utiliser l'encre pour améliorer. Vous pouvez voir qu'il y a des formes de lumière de bourgeon ici, mais je pense qu'il avait juste besoin d'un peu plus. Encore une fois, ce n'est pas comme s'ils descendaient en ligne droite. Tout est inégal. Faisons ça. Ouais, maintenant les formes de trompette plus longues arrivent ici. Je ne suis rien en particulier. Je choisis juste des formes, et ils font encore des choses comme ça. Je ne veux pas trop faire ici, ou cette section ici je peux voir que le bas des trompettes est, et je pourrais travailler avec celles-ci. Ils commencent tout juste à s'ouvrir et ils ont ces trois pétales à la fin. Oui, à propos d'ici. Ils commencent à s'ouvrir beaucoup plus. Je regarde autour de moi et je pense, où est-ce que ça a besoin d'un peu plus d'informations, mais je pourrais y revenir. Je dois attendre et évaluer toutes les quelques minutes. Disons qu'il y a un joli blob, qu'il arrive là. Dans cette section centrale ici, je pense que cela obtiendra probablement un peu tous les bourgeons se ferment, mais hier, c'était certainement plein soufflé. Vous pouviez voir qu'ils étaient très ouverts. Je vais mettre ce dont je me souviens. C' était quatre pétales. Ouais, tout le long de la section centrale. Les bourgeons étaient sortis. Je pourrais en ajouter un de plus ici, et ensuite je vais changer de tactique. Dites de chaque côté, les formes de trompette apparaissent. C' est juste très beau. Je suis très content de ça. Je les aime tels qu'ils sont. Je le fais vraiment. Je sais que les pétales ne sont pas entièrement distingués, mais je pense que ce serait dommage de les gâcher. Je vais juste ajouter quelques formes trompeuses de ce côté. Je me dirige vers le bas et je réalise qu'on ne le remplit pas. Il a juste l'air normal ici. Je fais un effort concerté pour rendre ce bord irrégulier. Je sais qu'il y a un certain besoin de régularité, mais je ne pense pas que dans les formes organiques, cela fonctionne toujours de cette façon et de ce côté aussi, je veux m'assurer que le spectateur comprend que ce n'était pas une pièce droite. Maintenant, en passant à cette section ici, je suis dans deux esprits si je veux ajouter quelque chose ici parce que c'est tellement [inaudible] ensemble et je pense que la seule chose que je dirais est il a juste besoin d'un peu de marge ici. Je pense juste que ça aiderait. Ouais, je pense qu'ici aussi a juste besoin d'une autre forme trompeuse. Vous pouvez voir que j'ai mis dans la section inférieure des trompettes qui aide vraiment. Je n'ai pas besoin de remplir un peu des bourgeons ici. Je vais ajouter un peu plus. Ils sont très délicats, donc je ne veux pas les peser, et au sommet ils ne sont pas complètement formés. Je pense que je vais laisser le pourboire comme ça et ensuite juste ajouter les miroirs indices de ces petits bourgeons qui se forment et je pense que c'est tout ce dont il a besoin ici. Ce sont deux mini, mini bourgeons. J' ai commencé à en ajouter et j'ai pensé que tout ça ferait. Mais je ne pense pas que ça se lit très bien. Je pense qu'ils ont besoin d'un peu plus juste à la base pour lui donner un peu plus d'informations parce que cela s'estompe trop en arrière-plan. Là, nous allons et la même chose encore ici. J' ai commencé à l'ajouter à moitié, et il y a une feuille ici qui, je pense, doit être examinée. Je suis vraiment désolé de dire que je n'avais pas cette caméra en cours d'exécution lorsque j'ai rempli ces feuilles. Je pensais qu'il y avait un peu trop d'espace négatif, donc je les ai attirés. Je veux juste vous montrer comment je l'ai rapidement dessiné sur une feuille de papier séparée. Je m'excuse de ne pas avoir capturé le moment où j'ai dessiné ces deux feuilles sur la démo réelle. Parfois, ça arrive. Je vais montrer sur un simple morceau de papier parce que c'était ce que c'était. J' ai juste utilisé de l'encre pour remplir l'espace négatif. C' était ces deux feuilles que j'essayais de dessiner et j'ai simplement utilisé la légère pression sur la plume. J' appuie un peu plus fort. C' est une feuille relativement étroite et elle vient vers l'extérieur. J' ai besoin d'un peu plus d'encre là-dessus. Vers la base et puis il revient à nouveau, à un angle drôle qui fait cette affaire. Je vais juste faire semblant qu'il y avait une tige qui s'accroche, j'ai une idée. Disons que ma tige faisait ça et que je vais te montrer l'autre feuille. Elle est ondulée. Cette feuille particulière était très ondulée. Cet autre bord n'était pas et puis il s'est tordu comme ça. Ce que j'ai aussi fait était de dessiner dans les veines, ce que je ne fais pas normalement avec les feuilles. Mais à cette occasion, j'ai juste aimé que la formation qu'ils créaient. C' est une autre zone où vous n'avez pas besoin d'ajouter toutes les veines. Vous pouvez vous sentir enclin à vouloir le faire. Encore une fois, votre esprit peut fonctionner. Oh oui, il y a des veines de chaque côté et elles étaient irrégulières. Nous y allons et la même chose encore ici. Je remarque qu'ils ne sont pas allés au bord même sur ce sujet. C' est juste sur cette version que j'ai remarqué que si je retourne en arrière et que je vous montre mon original, je ne l'ai pas observé correctement, donc j'ai appris quelque chose de nouveau là-bas. Ensuite, ils deviennent un peu plus minces ici. Merci d'avoir porté avec moi. Je vais y retourner et te montrer la couche de bourgeon. Je pense que c'est toujours une bonne idée de faire une évaluation subjective rapide de votre pièce finie. Quelle que soit la pièce d'art. Dans l'ensemble, j'adore le dynamisme que j'ai pu atteindre. Je sais que cette couche de bourgeon particulière n'a pas de grandes étendues de rose vif, zones roses presque lumineuses. Mais c'était quelque chose que j'ai repris dans les profondeurs de la fin des sections de trompette et je suis allé avec. Cette zone équilibre le violet ici qui est d'une valeur beaucoup plus sombre. Il y a un beau contraste là-bas et je suis tellement heureux d'avoir pu y laisser quelques espaces blancs. Je dirais que ma section préférée est ce peu ici. Il y a une belle harmonie à ce sujet. Des petites choses comme ça me donnent un frisson. Dans l'ensemble, j'aime les petites indications du jeune copain une tiges de chaque côté aussi bien. Passant aux feuilles que j'aime voir tout ce graduation et les effets de la façon dont ce rose particulier a couru dans cette feuille. Je voulais inclure cet ensemble de feuilles. J' aurais pu le laisser comme espace négatif, mais je pense que pour juste équilibrer ce qui se passait en haut et se déplaçant vers le bas, cela continue simplement avec ce thème de type pyramide. Je pense que c'est une pièce vraiment réussie pour moi. 17. Démo : la dentelle de la Reine Anne - partie 1: Pour cette démo, je vais peindre reine et laïcs. Habituellement, ils sont assez longs, mais j'ai trouvé celui-ci qui était assez court en stature et j'ai réussi à le sortir avec la racine, ce qui je pense est tout à fait défini. Je pense que ce serait un bon défi pour moi aussi de remplir mes taupes à nouveau. En raison de la nature délicate des tiges, j'ai décidé d'utiliser le pinceau zéro g-air. En regardant la forme rapidement, nous avons une tige centrale venant en dessous de la tête de fleur principale, et elle se détache à un peu d'angle, puis au fond, nous avons la racine, qui occupe probablement environ un tiers de cet ensemble plantes, donc, je pense valeur sage, les tiges sont vraiment pâles et évidemment les fleurs blanches sont les zones les plus pâles, donc, nous devons mélanger un lavage moyen léger. Je pense que je vais prendre un jaune cadmium et un vert jade, et donnons ça un coup de pouce, peut-être que c'est juste un tout petit peu du bleu Windsor. D' accord. Donnons ça un coup de pouce. La tige centrale est un peu éloignée du centre. J' ai besoin de plus d'eau là-dedans. C' est trop sombre en valeur. Juste en face de lui, va à peu près là. Il y a deux autres tiges miniatures et elles sont encore plus légères, donc, je vais juste ajouter une goutte de jaune juste dans cette partie de la palette et cela fait un virage, c'est comme un virage S. se résume à l'endroit où il devient beaucoup plus sombre. Mais nous allons juste obtenir les principales caractéristiques et il y a aussi une tige miniature juste à côté qui vient à environ ici, et la tige suivante seule sur la gauche est presque parallèle en fait, et il y a un léger coup de pied dedans. Oui. C'est à peu près juste et nous avons des feuilles en cours, mais nous allons les ajouter dans un peu de temps, puis il y a une tige sur la droite. Oui. Il y a aussi un kink dedans. Ils fusionnent comme ça sur la tige centrale, et la tige centrale est biaisée si elle le fait, et ensuite nous commençons à descendre dans les racines, et c'est une merveilleuse façon d'ajouter un peu de couleur à cela aussi. En pensant à ces petites zones ici, et c'est la partie lassy qui lui donne probablement ce nom. Si je plissais, je ne peux pas les voir, mais nous devons garder à l'esprit les pétales blancs sur le dessus et j'essaie de trouver comment je vais faire ça. Je suis conscient que certaines de ces tiges commencent déjà à sécher. Il suffit de mettre les parties lassy dedans. Un peu pointilleux. Je suis un peu nerveuse, je le tenais comme ça. Je ne veux pas le tenir comme ça, je veux le tenir vers la fin ici, ça me donnera un peu plus de maniabilité et moins de pression. C' est beaucoup mieux, et les petits morceaux qui remontent sont encore plus pâles. Je pourrais juste mettre de l'eau dessus comme probablement un peu de pigment sur ma brosse et ça pourrait suffire. Faisons la même chose avec certains des autres et je pense, comment je vais ajouter les graines, je veux dire, pas les graines, les pétales réels même si elles sont minuscules. Je sais que ces choses commencent à se dessécher, donc je vais travailler très vite. Allons juste obtenir ces sorties tiges et puis je peux ajouter tomber différents pigments et jouer avec les valeurs, et aussi venir ici, il y a toutes les feuilles ici, qui sont très, très sombres. Comme nous parlons de feuilles, la valeur ici est beaucoup plus sombre, donc, introduisons un peu d'outremer là-bas, et si je ferme les yeux comme même, juste un soupçon de violet rose, donc, le plus grande feuille de valeur est autour d'ici. Ça va faire pour l'instant, et puis la feuille suivante est de la plus grande valeur. Il y a un autre peu plus d'eau là-dessus, une autre feuille de type fronde qui descend à la racine. Il devient un peu plus brun, donc je pourrais utiliser de l'or en fait. Je pense que ça va très bien marcher. Oui, c'est très sympa car ça descend dans la racine, ça va sembler assez incroyable je pense. Il suffit de charger mon pinceau avec juste l'or, juste quelque chose comme ça et il y a une racine qui va ici aussi. [ Rires] C'est charmant. Nous avons intégré nos bases et il est temps de commencer à s'amuser un peu avec les valeurs. Travaillons vite parce que j'ai attendu probablement un peu trop longtemps, mais nous pouvons travailler avec ça. Je ne peux pas voir le rouge orangé si je plissais, alors, ajoutons juste un peu de marron au vert, juste un petit peu et dépose-le ici aussi. Oui, c'est charmant et les autres zones où il y a une grande valeur. Il y a en fait une autre tige qui vient de derrière cette fronde, presque ça fait ça. Ce n'est pas vraiment si rouge. Je vois des morceaux de rouge ici. Je pense que je dois ajouter un petit peu de l'éclat, désolé, ici. Je pense que je vais commencer à ajouter de l'or. J' aime vraiment comment ça s'est passé. Oui. C'est charmant. Vers le haut, il y a ce hugh jaunâtre. Parfait. En descendant celui-là aussi. Essayons de les fusionner ensemble. Je vais devoir incliner un peu le carnet de croquis. Je pense que cela a besoin d'un peu plus d'eau juste pour aider les choses parce que je commence à dessiner dans les frondes, et je suis conscient que je vais probablement la laisser sécher trop rapidement. Je vous ai parlé aussi. Normalement, je passe dans un état de flux. Donc il y a une autre fronde qui se joint ici. Ça a l'air charmant. On y va. J' utilise juste cet or et ce que l'humidité ou le pigment debout qui est sur le papier fait juste son truc, ce qui est absolument merveilleux. Oui. Il suffit de vérifier mes coordonnées. Il suffit de ramasser un petit peu de vert pour ajouter à cette fronde particulière ici. J' aime la façon dont ils se sont joints là-bas, c'est adorable. Je l'ai refait. Très gentil. Pouvez-vous dire où est regroupé dans le caniveau du carnet de croquis ? C' est tout à fait bien. On peut utiliser une partie du pigment qui y est mis en commun et le répandre un peu. Donc, il y a d'autres fonctionnalités ressemblant à l'avant. En fait, ce que je viens de remarquer c' est qu'il y a probablement un peu trop de mise en commun. Je vais juste me plonger un peu à l'aide de mes tissus. Il en fait quatre. Oh mon Dieu, ça a l'air très sympa. Il a presque l'air brun, un rouge brownie. C'est magnifique. Il y en a un autre légèrement plus haut sur le côté gauche. Encore une fois, à la pointe, il a l'air un peu dorée, et cela descend. Cette zone ici, c'est parfait en fait. C' est très serendipite parce que c'est le début de la racine. Vous pouvez voir ici qu'il fait très sombre. Donc ça marche en notre faveur. Il y a toujours une petite voix dit : « Ça ne va pas marcher. » Si vous avez regardé un de mes autres cours, je pense que vous m'entendez parler que quand il y a une phase, vous passez à travers. Presque tous les artistes vont passer par, et vous pensez que c'est à la recherche d'un peu de motifs, à la recherche d'un peu de déchets. Ça marche. Continuez simplement. Tu dois pousser à travers les frondes, fais ça. Vous ne voyez que la vue latérale dans celui-ci particulier. Je pourrais juste le laisser comme ça. Il y a une autre feuille là-bas, mais je pense que je n'ai pas vraiment assez d'espace pour une étoile ici. Je vais juste ajouter quelques frondes de plus ici juste pour remplir cet espace négatif là-bas. Oh mon Dieu. Maintenant, jetons un coup d'oeil à cette racine. Je ne veux pas trop. Encore une fois, tout est en train de se mettre en commun. Je pense que je vais devoir prendre le carnet de croquis et l'incliner. Non, je pense que j'ai besoin d'un tout petit peu plus viridienne parce que sur le plan de la valeur, ce n'est pas tout à fait là. Je devrais peut-être garder ce carnet de croquis légèrement incliné. La racine est assez épaisse là aussi. Je ne vais pas tout remplir. Je pense que c'est assez là. Ce que je vois venir de cette racine particulière est juste de minuscules vrilles qui sont si mignonnes, et juste ici aussi. Je dois maintenant faire quelque chose pour les têtes de fleurs. plan de la valeur, c'est absolument les parties les plus légères de cette plante. Donc, je ne pense pas que je puisse le transmettre en utilisant simplement des pentes. Dans certaines régions, il y a un vert jaunâtre brumeux. Je ne veux pas de ce marron et de cet or. Je pense que si je mélange un or très léger avec juste un peu de ce vert. Mettons-le juste sur les zones les plus sombres des têtes de fleurs ou juste en dessous où va la fleur, quelque chose comme ça. C' est presque comme un parapluie à l'envers en forme, mais irrégulier, disons. Je pense que je suis à peu près là. Entre les deux, il y aura de petites poches de valeur plus foncée. Oui, je l'ai eu. Parapluie à l'envers et quelques points. Je pense que je peux probablement ajouter le reste en utilisant de l'encre. Si je n'essaie pas, je ne le saurai pas. Oui. C'est sombre là-dessous, et c'est le plus sombre qui était encore petit dépotoir, mais pas pour vous inquiéter. Cette tête de fleur est beaucoup plus grande, s'étend à peu près jusqu'ici. Il y a autre chose qui se passe là-bas. Maintenez enfoncé. Il y a une autre petite tête de fleur là-bas, donc je vais juste me diriger vers ce parapluie à l'envers comme une forme là-bas et quelques petits tampons. Attendons que cela sèche et voyons ce qui se passe. 18. Démo : la dentelle de la Reine Anne - partie 2: Ils sont probablement toujours en bourgeon, et j'ai pressé un peu fort parce que c'est en fait une fronde que j'essaie de représenter. Celles-ci remontent un peu en forme de U. Certains d'entre eux les rejoignent là-bas, d' autres le font. Je ne veux pas l'esquisser. Ils sont blancs, c'est sur une table sombre. Ce que je pourrais faire est littéralement avec le bout de ma plume, juste donner une suggestion que ces petits points sont le bord de l'endroit où se trouvent ces petits pétales. Maintenant, la prochaine est en fait, eh bien, j'ai un peu mal mes proportions. Peu importe. Ces parties semblent être les plus sombres sur cette fleur particulière. Sélectionnez certains d'entre eux et ils sont dans un peu ovale. J' ai peut-être besoin d'un peu de ligne juste pour l'aider. Je pense que si je définit le bord de celui-ci juste pour différencier de l'autre tige, pas derrière elle, mais c'est plus proche de la table. Passons à ceci, le plus grand. C' est le seul qui a ouvert des pétales minuscules, ouverts. Dans une certaine mesure, essayons de le faire. Encore une fois, je vais juste utiliser des petits points pour me donner une indication approximative et ça va là-haut, de l'endroit où se trouve le bord de cette tête de fleur. Pour aider celui-ci, je devrai peut-être faire semblant d'avoir décalé mon angle et en ajouter seulement quelques-uns. J' essaie de garder ça irrégulier. Puis, les fleurs, tant de belles. Je vais juste choisir quelques fleurs ici et là. Ils semblent être beaucoup plus dans ce domaine à cause de leur perspective. Il y a tout un tas d'entre eux ici. Voyez maintenant que j'ai légèrement changé l'angle que je regarde, les petites fleurs s'étendent au-delà de là, et elles viennent jusqu'ici. Vous pouvez voir des petits rayons avec des fleurs à la fin juste ici, que je pense que je vais ajouter, ce qui est très agréable. Si je regarde à nouveau maintenant que j'ai décalé l'angle, ça arrive de ce côté aussi, donc je vais juste inclure cela juste pour équilibrer les côtés. Il y a une tête errante de pétales, je pense qu'il vaut la peine d'y inclure à l'intérieur. Maintenant celui-là, ils ne sont pas ouverts. Si je ferme les yeux que ces tiges se rencontrent, c'est là que sont les zones les plus sombres. Ils sont à peu près tous, donc je pourrais revenir ici et ajouter ça aussi. Les frondes sous cette tête de fleur principale, qu'ils sont les parties les plus sombres mais je me demande si je peux l'inclure à l'encre. Oh, c'est charmant. Faisons tout le lot maintenant. Les pointes de ceux-ci sont particulièrement sombres. Oh, je ne sais pas ce qui se passe là-bas. Quelque chose ne s'assoit pas bien, non ? Je pense que ça a besoin d'un peu plus de points et de trucs. Il a besoin d'un peu plus de définition. Si je les mets à la fin, si je les dessine même si je ne peux pas les voir, mais j'ai besoin qu'il lise comme des fleurs sur des tiges minuscules. Tu vois, maintenant je fais ma tête de fleur 1, 2 , 3, 4, 5, 6. Je suis de mieux humeur à comprendre et ça vient seulement avec le temps. Je n'aurais pas pu le savoir avant parce que je n'ai jamais peint la dentelle de la reine Anne. Peint similaire, mais savoir exactement. Maintenant, j'ai une meilleure prise sur elle, ce qui est fantastique. Je le saurai pour la prochaine fois, si je devais peindre plus ou similaire. Tous ces morceaux en dessous sont vraiment sombres. Je pense que ce papier est encore un peu humide. Non, je pense qu'on va bien. Oh, mon Dieu, c'est charmant. Je pense qu'il faut juste quelque chose à dire ici, cette partie est distincte de cette partie ici. Oui, il fait très sombre là-dedans, je pourrais utiliser de l'encre. Maintenant, en regardant le premier, j'ai dit : « Oh, je pense que c'est assez », mais je pense qu'il en a besoin un peu plus maintenant. Ce travail de ligne est si expressif. Je suis tout à fait étonné. Je n'ai rien fait de tout à fait si détaillé avec de petits points, mais ça a été joliment bien amusant. En regardant les feuilles que je me demande, ai-je besoin d'ajouter un peu ? Je ne veux pas prendre de décision. Je sais. Il y a cet espace ici et je viens de remarquer qu' il y a juste une petite feuille bouclée juste là. Je vais inclure ça en utilisant l'encre. Charmant. Celui-ci ici, il n'a jamais été entièrement formé en utilisant l'aquarelle donc, je vais ajouter quelques morceaux de ligne de plus, pas de tracé. Il a besoin de l'arrière, il a besoin d'informations. Oh, c'est charmant. Celui-ci ici pourrait faire avec un peu plus d'informations que, là nous allons et celui-là. Très gentil. J' ai dit qu'il y avait une feuille ici. Désolé, j'ai dit que je n'avais pas de place pour l'ajouter, mais en regardant ça, c'est très sympa. Je vais prendre une décision. Je vais l'ajouter ici juste à l'encre. Il se penche. Il va jusqu'à la section racine où il fait très sombre. J' ai le travail de cadre là-bas. Je fais juste une version simplifiée, et évidemment je vais passer en revue certaines de ces lignes. Cela ajoute à l'effet, je crois. Encore quelques morceaux ici. C' est plutôt bon pour moi. Regardons un autre regard. Si je plissais, je ne peux pas vraiment comprendre le bord, qui est là. Je peux soit rentrer à nouveau avec un petit peu d'aquarelle, juste pour donner cette impression, soit utiliser de l'encre. Il a juste besoin de la plus petite quantité d'encre. Juste comme ça. Juste pour dire que c'est le bord. C' est le bord extérieur de cette tête de fleur particulière. Comme ça. Oui, je pense que c'est merveilleux. J' ai toujours eu des problèmes en essayant de définir les bords des fleurs pâles ou blanches et je pense que dans cette version, j'ai fait un bon travail en utilisant l'encre pour donner une indication de l'endroit où les bords peuvent être. Dans l'ensemble, je suis vraiment content du résultat. 19. Réflexions finales: Nous traversons toutes sortes d'étapes dans notre développement artistique et c'est amusant d'expérimenter et d'apprendre en cours de route. Cette aquarelle expressive et cette encre n'est qu'un chemin que j'explorais en ce moment. En acceptant de renoncer à certains détails, nous pouvons encore raconter l'histoire de votre fleur sauvage de manière expressive à travers la forme, la valeur, la couleur et la ligne. Vous pouvez vous concentrer sur l'aspect général de votre peinture. Une fois que les parties plus grandes comme les feuilles et les tiges sont en place, les détails prendraient soin d'eux-mêmes. S' il vous plaît faire confiance à ce processus. Faites de votre mieux pour placer votre coup de pinceau, toutes les lignes de votre encre avec intention, puis laissez-les tranquilles. Laissez les occurrences organiques se produire et pensez à la façon dont vous pouvez utiliser ces effets à votre avantage, au lieu d'essayer de les corriger. Pensez-y comme des accidents très heureux. Essayez de vous empêcher de pousser vers l'avant avec des actions qui ne sont vraiment pas nécessaires. Juste pour te le rappeler, je vais passer par quelques conseils. La simplification est la clé. Moins, c'est plus. Concentrez-vous sur des éléments essentiels qui vous aident à ne pas vous embêter sur des détails sans importance. Prenez des risques en travaillant humide sur mouillé et en laissant la couleur fusionner sur le papier plutôt que sur la palette. Utilisez le grand pinceau et ne soyez pas tenté d' opter pour un pinceau plus petit pour ajouter plus de détails. Gardez vos choix de couleurs simples. Choisissez seulement quatre ou cinq couleurs pour ne pas surcharger votre croquis avec trop de couleurs et ne les boue pas. Essayez de tenir votre pinceau près du milieu ou de la fin plutôt que près de la tête pour une approche plus spontanée. Restez en retrait de votre travail de temps à autre pour évaluer avant de passer à autre chose afin que vous preniez des décisions intentionnelles. La chose la plus importante est votre état d'esprit. Approchez votre peinture florale avec confiance et essayez de maintenir cet élément de plaisir, tout au long du processus. Si vous commencez à hésiter ou à vous sentir anxieux et frustré, veuillez faire une pause puis reprendre. Enfin, je veux vraiment vous encourager à développer votre propre style créatif personnel. Utilisez cette classe et toutes les autres classes par moi ou d'autres artistes ici sur SkillShare comme un point de saut. L' art, c'est l'expérimentation. Nous pouvons tous continuer à développer nos compétences et nos styles, y compris moi, en essayant de nouvelles techniques, nouveaux matériaux et en repoussant nos propres limites créatives. Chaque artiste ou artiste en herbe est un individu unique avec des talents et des goûts uniques. Chaque artiste aura son propre sens et vision du monde qui l'entoure. Notre rôle est de communiquer à travers la peinture. Je crois vraiment que nous pouvons être de bons communicateurs dans l'art et dans notre vie. Ruby pouvez-vous descendre de ça s'il vous plaît, j'en ai besoin. Ruby va, [inaudible] de ça. Oh ma parole. Ruby, j'ai besoin de mon micro. Ruby, ça suffit. 20. DEMO de GazerLilly de quarto étoile 1: Bonjour et bienvenue dans cette leçon bonus spéciale. Nous allons peindre des lis Stargazer en nous basant sur ce que vous avez appris ici avec de l'aquarelle et des encres expressives. J'ai eu la chance qu' la suite de ce cours de Skillshare en particulier , un éditeur m'ait contacté et j'ai maintenant un livre intitulé Go with the Flow Painting. Dans ce livre, j'ai un guide étape par étape les lis Stargazer et je vais le partager avec vous aujourd'hui. Ce sont mes fleurs préférées, alors j'espère que vous l'apprécierez autant que moi. Voici le matériel que je vais utiliser pour la démo d'aujourd'hui. J'ai mon papier pour aquarelle de Hahnemuhle, qui pèse 200 livres. De plus, nous avons le stylo DIP la pointe en forme de citrouille bleue du navigateur dessus. Mon type de pinceau préféré est le pinceau à plume. Celui-ci est de Jacksons, mais je sais qu'il existe de très nombreux types de pinceaux à plume proposés par d'autres fabricants d'œuvres d'art. Et aussi, l'encre. Vous pouvez utiliser l'encre brune que vous avez. J'ai Winsor et Newton ainsi que cette encre acrylique liquide de Liquidtex. Je voudrais commencer par vous montrer la structure de ce lis Stargazer, comme vous pouvez le voir, il possède six pétales. Cette version en particulier, je sais qu'il existe de nombreuses variétés, est un peu frisée et laineuse sur les bords. Mais si vous regardez la structure de base, il y a trois pétales à l'avant et trois pétales à l'arrière. Si vous voulez vous faciliter la tâche, vous pouvez d'abord commencer par peindre ce pétale. Au milieu, vous avez les étamines. Il fait assez vert vif là-dedans. La partie pollinique est assez foncée. Ce que nous allons faire, c'est en recréer une version sur tout notre papier aquarelle, ce ne sera pas formel. Il sera assez souple et biologique. Je voudrais commencer par vous parler un peu des couleurs que j'utiliserai. Rose permanente, que j'adore, mais vous n'en avez pas besoin trop et mélangez-la avec peut-être un tout petit peu de rouge Winsor et de cramoisi pour les parties les plus foncées de ce lis. Les feuilles seront un mélange de jaune Winsor et de sève verte. Vous utilisez l'équivalent. Permettez-moi de vous montrer qu'en mélangeant un tout petit peu d'Opera Rose, vous pouvez voir à quel point elle est résistante, mais vous aurez besoin d'une grande quantité de ce lavis parce que nous avons pas mal de pétales à peindre dans. J'aime ramasser beaucoup d'eau sur mon pinceau. C'est l'une des raisons pour lesquelles j'utilise une plume. Commençons. En commençant par le premier pétale, cela fonctionnera assez rapidement. Vous pouvez voir comment je viens de le définir en utilisant un seul coup de pinceau et nous voulons simplement créer une forme de larme. Veillez à laisser un peu de blanc. Vous ne voulez pas remplir le pétale en entier. C'est probablement suffisant pour le moment. Nous allons en avoir un autre ici. Je pense juste à l'espace qui va être occupé ici. Je voulais vous montrer en gros plan la quantité d' eau stagnante présente sur ces pétales. Vous pouvez voir que l' eau s'est déjà infiltrée sur la première série de pétales que j'ai peints. Celui-ci, il y en a énormément et il a une utilité, alors je commence à ajouter le reste des pigments. Nous avons maintenant les trois premiers pétales initiaux de chaque fleur vers le bas. Nous allons ajouter les pétales qui se trouvent derrière. Ils sont un peu plus petits, mais ils peuvent s'étendre un peu. Ne le laissez pas toucher la première série de pétales pour éviter que les pigments ne soient trop fusionnés. autant plus que je vais commencer à ajouter beaucoup plus de lavis pigmenté en un tout petit peu. Vous pouvez voir que je travaille très vite. Nous avons juste affaire à la forme pour le moment. Je dois attendre qu' un peu de tout cela pénètre dans l'eau parce qu'il se passe un peu trop de choses. Si je devais ajouter le pigment maintenant, il serait partout. De plus, je dois être consciente que je filme ce film en hiver, même si le chauffage central est allumé, il fait un peu plus froid que d'habitude. Cela peut prendre un peu plus de temps à sécher. Où que vous soyez dans le monde, quelle période de l'année vous peignez, c'est quelque chose que vous apprendrez avec l'expérience. Vous apprendrez à lire votre article au fur et à mesure que vous vous entraînerez. Vous saurez quel est le bon moment pour déposer la prochaine série de pigments. Je vais faire une autre série de pétales juste dans cet espace. Personnellement, il y a un peu trop d'eau stagnante sur celui-ci. Je vais simplement utiliser un papier essuie-tout pour imprégner, sinon j' attendrai une éternité. Maintenant, prenons le pourpre ou la rose permanente. Vous pouvez déjà voir quel point c'est plus pigmentaire et vibrant. Nous allons créer la ligne qui descend là-bas. [inaudible] est magnifique, ou vous pouvez simplement suivre une ligne droite au milieu. Cela dépend vraiment d' un lis à l'autre. Ils sont tous légèrement différents selon le magasin dans lequel je les ai achetés. Vous pouvez voir celui-ci où j'ai laissé l'espace blanc, je vais devoir le peindre un peu autour. Vous pouvez voir comment le pigment s'est répandu dans les zones humides. Celui-ci, il n'était pas trop humide, il s'asséchait probablement un peu trop, donc il ne s'est pas beaucoup répandu par rapport à celui-ci où vous pouvez voir qu' il y a encore beaucoup d'eau à cette surface, cela s'est donc beaucoup étalé. C'est l'une des choses que vous apprendrez avec l'expérience. Continuons avec ceux-ci. J'ai complètement oublié le pétale. Peignez rapidement celui-ci dedans. Il y a trop de lavage sur cette brosse. C'est bon, je l'ai enregistré. C'est bon. Revenons maintenant au pigment lourd légèrement plus pigmenté. C'est parti. Veillez à ce que l'un d'entre eux ne s'étale pas parce qu' il est trop séché. Si vous tournez la tête sur le côté, vous pourrez voir s'il fait humide ou voir les différentes étapes du dessin. C'est vraiment une question à vous de savoir quand ajouter la prochaine série de pigments, car après cela, nous ajouterons le vert. Maintenant, nous allons mélanger le green qui va se situer au milieu. aussi, commencez à en faire quelques-unes. En fait, j'ai cet espace ici. Ce que je vais faire, je pense simplement remplir cet espace en tant que vue latérale de l'un des lis parce que c'est bien d'avoir un chiffre impair sur la page. Je pense qu'il faut un peu plus de lavage là-dessus, on fait une forme comme ça, puis elle s' étend vers l'extérieur comme ça. Pour en revenir à ce vert avant de l'oublier, c'est mon jaune citron. Je vais ajouter une petite goutte de sève verte. Ça a l'air génial. Nous allons le déposer au milieu de chacun d'entre eux, ou pouvez-vous voir comment il est simplement passé au rose, ce qui est tout à fait normal. Ça va avoir l'air délicieux. Oh, ça va être très joli. Je le vois déjà se répandre dans le rose. Ça va être magnifique. Celui-là aussi. Je pense que le dessous devient vert. Je vais juste le mettre en dessous et terminer celui-ci également. Nous devons envisager d' ajouter des bourgeons. Encore une fois, remplir cet espace négatif. Je pense que l'on pourrait probablement y aller, et peut-être qu'il y a de la place pour une personne ici. Ajoutons-les maintenant. Nous allons les créer simplement en faisant longs traits vers le bas, il y en aura peut-être un ici. Génial. Maintenant que nous y sommes, nous pouvons remplir le reste de l'espace avec des feuilles et des tiges. Ne vous inquiétez pas trop du mélange des pigments. Personnellement, j'adore voir tous les pigments fusionnés comme ça. C'est l'un des avantages de travailler de cette façon. Il y a un élément d' inattendu, car ce n'est que lorsqu' elles seront complètement sèches que vous verrez comment les aquarelles se comportent et qu' il faut renoncer à pouvoir les contrôler exactement. ce que votre eau et votre lessive vont faire. C'est très libérateur. Profitez bien de cette partie du processus. Sans être trop technique car je ne prétends pas être un illustrateur botanique. Nous devons assembler ces fleurs pour qu'elles ne soient pas si aléatoires. Si je fais semblant qu' il y a une tige ici, et qu'il y en a une ici. Celui-ci, [RIRES] J'aime bien la façon dont il s'y répand, nous allons nous joindre à celui-ci. Descendez ici, celui-ci se joindra et il émergera en bas, à peu près là-bas. Avant que j'oublie, rejoins ce pote ici. Parfait. Ce bourgeon rejoindra cette fleur en particulier. Cela émergera ainsi. Je pense qu' il y a de la place pour autre bourgeon ici ou une feuille ou quelque chose comme ça, mais j'aime bien mettre un bourgeon là parce que j'ai oublié devoir ajouter un peu de couleur rose. Seuls certains bourgeons en ont, d' autres non. Mais je ne veux pas rater certaines des belles diffusions qui peuvent également se produire. Vous pouvez le voir simplement se produire là-bas. J'adore, et là aussi. Vous n'êtes pas obligé de l'inclure pour tous. Mais personnellement, j'adore en voir un peu. Encore une fois, juste un lavage très léger, normalement sur un côté. Nous pouvons maintenant nous concentrer sur quelques feuilles. en revenir à la feuille verte, vous pouvez le faire ici. De plus, s'il émergeait ici, passait derrière ce bourgeon, disons, puis sortait de l' autre côté. Ce sera bien. Les feuilles peuvent devenir un peu plus grandes en bas, ce qui leur donne l'air proportionnellement un peu plus lourdes, et je remplis cet espace ici également. Je sais que ça a l'air très brillant pour le moment, mais nous sommes sur le point d'ajouter un peu plus de sève verte et d'en ajouter également. C'est probablement un peu trop concentré. Juste au niveau de cette tige, il y a beaucoup de lumière sur le côté de cette feuille. Je touche littéralement la feuille avec le bout de mon pinceau comme ça. Je n'appuie pas dessus. Maintenant, nous avons quelques lacunes ici et là, et probablement aussi à peu près ici. Nous avons le choix entre ajouter des feuilles supplémentaires ou ajouter plus de bourgeons. Je pense qu'ici, il faut un peu plus de vert. Je vais faire semblant qu'une feuille venue d'ici. Il émerge de derrière ce pétale. C'est bien. Il en va probablement de même ici. Maintenant, je pense que les bourgeons vont prendre de la place vers le haut. J'adore la façon dont c'est fusionné comme ça, c'est magnifique. Qu'est-ce que j'ai dit d'autre ? Dois-je en faire un petit ici ? Oui, tu vas bien. Fais-en une très faible. Il est peut-être un peu plus jaune dans celui-ci. Charmant. Je pense que nous y sommes à peu près. Je dois laisser ça sécher. J'ai toujours utilisé un sèche-cheveux depuis que je travaillais comme artiste interne pour Hallmark et nous subissons toujours beaucoup de pression [RIRES] pour que les cartes présentées à Marks and Spencer. Si vous utilisez un sèche-cheveux, ne le réglez pas trop fort, sinon il se répandra partout, donc une chaleur assez douce. 21. Quarto de QUARTIER 2: Maintenant que l'aquarelle est complètement sèche, nous pouvons apprécier à quel point les pigments se sont réellement mélangés. Regardez ce vert contre le rose et si nous regardons autour de nous, c'est en fait l'un de mes sentiers préférés, juste pour faire une petite pause et vraiment apprécier ce qui s'est passé ici. Les pigments ont simplement suivi le courant, littéralement suivi le flux et ont fait leur propre travail. J'ai hâte de commencer à ajouter un petit détail d'encre. maintenant à la partie encrage, et j'aime à décrire cela comme un exercice de confiance insensé, car souvent les gens veulent tout décrire et ce n'est pas vraiment mon approche. D'autres personnes le font, ce qui est tout à fait normal, mais je voudrais adopter une approche plus intuitive. Si nous regardons l' exemple que nous avons eu, vous pouvez voir que ce pétiole s'étend tout droit comme ça. Même si mon aquarelle s'arrête là, je voudrais étendre ma ligne d'encre jusqu'à là. Si nous faisons cela et que ce ne sera pas parfait, cela suffira à donner l'impression que le pétale est devant. Nous devons faire preuve d'un peu de pleine conscience ici, en indiquant au spectateur lequel de ces pétales se trouve devant. Celui-ci, tu peux faire semblant que ce blanc fait partie du bord. Disons que cela s'étend jusqu'ici. Je sais qu'il recouvre un petit bout de cette feuille verte, mais cela ne m' inquiète pas trop et nous devons également faire savoir au spectateur qu'il se trouve réellement devant ce pétale. C'est pourquoi j'y ai ajouté la ligne d'encre. Je ne veux pas ajouter trop de détails aux pétales à l'arrière. Mais j' aimerais prolonger celui-ci. L'un des avantages du stylo à immersion, c'est que si vous variez la pression, vous pouvez simplement créer une ligne très fine comme ça et c'est tout ce que je veux vraiment. chacune d'entre elles, nous savons qu'il y a des déclarations, alors je vais l'ajouter maintenant. Pas tous, mais il y en a probablement une dizaine dans mon exemple, mais je ne sais pas combien il y en aura ici et il y a ce pollen à la fin. Peut-être juste un ici. J'aimerais bien en ajouter un ici car il y a un peu trop espace négatif. Maintenant, j'ai quelque chose de réel à ce sujet. [RIRES] Maintenant, nous devons ajouter les marques, les marques distinctives, comme les points que nous voyons ici. En appuyant plus fort , vous obtiendrez des points plus grands comme ça et vous pouvez soit appuyer comme ça , soit créer de petits cercles comme ça. Dans ma référence, la plupart des points se situent vers le milieu de la fleur et je les ajoute de manière assez aléatoire. Je suis vraiment désolée, cette partie de la vidéo est un peu floue, mais nous utilisons à peu près la même approche qu'auparavant, où l'aquarelle et l' encre sont un partenariat. Je pense que cette approche en deux étapes atténue une partie du surmenage que je rencontre parfois. L'encre n'a pas besoin de suivre les contours de l' aquarelle que vous avez tracée . Elle peut donc fonctionner indépendamment si vous pensez qu'elle doit être ajustée ou pour mieux communiquer. n'y a pas de rapport fixe entre l'aquarelle et l'encre. Il s'agit d'un processus très organique. Je fais varier la quantité d'encre qui peut être nécessaire d' une pièce à l'autre. J'aime beaucoup l'utiliser pour accentuer contraste, car la densité et épaisseur de la ligne aident vraiment à communiquer les zones d'ombre et de lumière. Quand un débutant commence, il peut être un peu gênant d'utiliser de l'encre. Nous devons apprendre à varier la pression lorsque nous créons des traits afin de donner plus de dynamisme aux lignes et de leur donner vie. Je pense que l'encre vous aidera à gagner en confiance et en patience, car vous devez faire gagner en confiance et en patience, car très attention chaque marque que vous inscrivez, car contrairement au graphite, si vous vous trompez avec de l'encre, vous devez soit trouver un moyen de le dissimuler, soit l'accepter. Je pense vraiment que cela vaut la peine de s'entraîner sur une feuille de papier séparée, un bout de papier, et de découvrir simplement comment fonctionne votre stylo plongeant en particulier. Je suis vraiment content de la façon dont cela s'est passé. Les couleurs sont magnifiques ensemble et le travail au trait est toujours très expressif. Il raconte une histoire. Je n'ai pas eu à trop en décrire, même si j'ai créé quelques blobs ici, mais ce n'est pas grave. Cela se produit avec de l'encre, acceptons-le. Vous pouvez voir dans cette zone qu'il y a une énorme quantité d'encre que j'ai placée dessus et cela ajoute vraiment au contraste, à la délicatesse des pétales, mais aussi aux marques très vives. Oui, j'ai fait tomber un peu d'encre dans ce coin. Mais j'espère vraiment que vous avez apprécié cette démo et que vous allez peindre votre propre version de ces lis. Si c'est le cas, veuillez utiliser le hashtag ohnmargowithflow et je serais ravie de voir votre version. Amusez-vous bien avec ça et détendez-vous vraiment, profitez de tout ce processus. C'est pour vous informer que mon livre Go the Flow Painting contient plusieurs projets floraux, dont un pour le Douglass Asda, pivoines et aussi les cerisiers en fleurs.