Dessin au feutre pour les débutants : permanence, texture et composition

1. Introduction: Tout ce que vous dessinez avec un stylo et à l'encre ne peut pas être effacé et cela peut parfois rendre le dessin à la plume intimidant pour nouveaux artistes et les personnes qui n'ont pas dessiné avec un stylo auparavant. Je ne pense pas que cela ait besoin d'être intimidant, et dans cette classe, je vais vous apprendre quelques étapes faciles que vous pouvez prendre pour créer vos propres dessins à la plume vraiment intéressants ; naviguer dans la permanence du stylo en nivelant et en superposant à l'encre sur votre papier afin que vous puissiez créer des dessins à l'encre confiants qui expriment votre propre créativité. Je suis Sam. Je suis artiste et illustrateur de la région rurale de l'Ontario, au Canada. Je dessine à l'encre depuis environ 15 ans maintenant, et au cours des cinq dernières années, j'ai commencé à le prendre plus au sérieux. Je dessinais tous les jours, et j'ai commencé à travailler pour des clients internationaux, des maisons d'édition, des musiciens. J' ai aussi beaucoup apprécié d'être sur Instagram, d'apprendre et de contribuer à la grande communauté d'artistes qui travaillent à la plume et à l'encre. J' utilise de l'encre pour m'échapper et sur ma ferme familiale, j'irai dans une petite cabane pour me mettre en place, et dessiner à l'encre tout en écoutant des podcasts ou ma musique préférée. Mais dans mon parcours de dessin, il y a eu quelques aspects clés du dessin à la plume qui m'intéressent vraiment. Faire face à la permanence de la plume signifie superposer votre dessin au fil du temps et toute cette classe est structurée de cette façon. Nous passerons des lignes de crayon aux lignes de pointage claires que vous pourrez assombrir plus tard dans le processus de dessin, tirant parti de la texture, de la forme et de la profondeur. Bien que vous ne puissiez pas effacer, cette méthode permet des erreurs et de la créativité dans votre processus de dessin. Nous allons vraiment plonger dans la texture, se référant aux textures du monde réel par un simple clic d'un stylo et comment y arriver en toute confiance. Enfin, la composition ; parce que dans le dessin à la plume sur un support noir et blanc, façon dont vous composez votre dessin, façon dont vous organisez les éléments dans la scène est vraiment importante. Le point principal de cette classe est vraiment de s'attaquer à l'intimidation du dessin à la plume. J' espère qu'à la fin, vous aurez les compétences dont vous avez besoin pour aborder le dessin avec un stylo avec un peu moins d'appréhension et beaucoup plus de confiance. Peu importe si vous avez pris un stylo avant ou n'avez jamais touché un stylo à dessin, tout au long de cette classe, vous aurez des chances de fléchir vos propres muscles artistiques et d'expérimenter, voir ce qui fonctionne pour vous et vraiment créer un stylo dynamique complet dessins. 2. Introduction du projet: Dans cette classe, nous allons faire un dessin plus grand à la plume. Pour cela, vous aurez besoin d'un plus grand morceau de papier et aussi d' une sélection de différents types de stylos. Pour quelques suggestions, vous pouvez voir les liens ci-dessous. Vous avez également besoin de quelques autres morceaux de papier, car à côté d'un dessin plus grand que nous allons travailler tout au long de cette classe, nous allons plonger dans des projets plus petits. Nous allons passer en revue une feuille de référence de texture, créant une feuille que vous pouvez renvoyer à quatre textures différentes dans votre dessin, nous allons également faire quelques exercices de gribouillage, afin que vous puissiez avoir une idée de la façon dont les différents stylos se sentent dans votre main et les différentes lignes qu'ils créent sur la page. Mais l'idée principale de cette classe, c'est que le dessin plus grand. Obtenez un plus grand morceau de papier prêt et aussi avoir votre téléphone dehors parce que j'ai lié un tableau Pinterest ci-dessous et je vais revenir à cela souvent que nous passons par la classe. Avoir des références à portée de main, est vraiment utile dans cette classe aussi. 3. Choisir les feutres et le papier: La première étape dans la création d'un dessin au stylo consiste à choisir les stylos que vous allez utiliser et à choisir le papier sur lequel vous allez dessiner, car le type de stylos que vous utilisez et le papier sur lequel vous allez dessiner le dessin peuvent vraiment déterminer le résultat final, déterminer à quoi ressemble votre dessin après que vous avez terminé, après que l'encre a séché, et si vous voulez l'encadrer, envoyer à un ami, le mettre sur votre mur, ou quoi que ce soit. Tout d'abord, quel stylo allez-vous utiliser ? Je suggère d'utiliser des fineliners, car ils sont le plus souvent appelés pour cette classe, et il y a quelques raisons à cela. Numéro 1, les fineliners sont archivistiques, ce qui signifie que l'encre est vraiment résistante à la décoloration, et elle est résistante aux éclaboussures. Séchage rapide, plus rapide que beaucoup d'autres stylos, et vraiment résistant aux taches. Ces stylos sont Sakura Micron et Staedtler est une autre grande entreprise. Ils sont vraiment connus comme des stylos de haute qualité qui viennent dans une variété de tailles. La taille du stylo est généralement marquée sur le côté 01, 02, 05, et cela fait simplement référence à la taille de la plume. Cette partie très fragile en haut qui permet à l'encre de circuler sur la page. Étant donné que les stylos sont disponibles en tant de tailles différentes, vous pouvez utiliser les différentes tailles de stylos pour créer un dessin entièrement affiné avec des stylos épais, créant des ombres sombres, des stylos fins créant des points forts et des endroits détaillés et vraiment expérimenter pour trouver différents stylos qui conviennent à votre style en fonction du dessin que vous faites. Maintenant, il y a un autre élément à cela, savoir que beaucoup d'artistes utilisent différents poids de stylos pour créer des émotions différentes ou pour transmettre des choses différentes à travers les dessins. Par exemple, un stylo épais, comme un 0,8, 0,9 ou même 1,0, transmet vraiment des émotions vives et agressives. Vous pouvez vraiment tracer des formes et créer des dessins vraiment dynamiques avec ce stylo épais. Alors qu'un 0.005 est vraiment léger et un stylo délicat. Vraiment bon pour les détails, mais aussi pour créer des dessins avec un peu de fantaisie en eux. Mais comme je l'ai déjà dit dans notre dessin d'aujourd'hui et dans beaucoup de mes dessins, je combine les stylos parce que je trouve que je peux jouer les forces des stylos épais et stylos fins pour vraiment créer un dessin vraiment complètement taillé. Mais c'est aussi le papier que vous utilisez qui peut vraiment déterminer à quoi ressemble votre dessin final. Le papier est négligé à mon avis, parce que le papier imprimante, le genre que vous voyez tous les jours sur les mémos à l'école ou tout ce qui est vraiment mince, vraiment fragile et ne tient vraiment pas bien à ces stylos de haute qualité parce qu'ils sont mouillés moyen, l'encre est mouillée. Le papier d'imprimante mince peut vraiment permettre à l'encre de purger, créer des dessins qui sont vraiment splotchy et quand ils sèchent, ils froissent le papier. C' est pourquoi je suggère d'utiliser un papier plus épais et probablement un tampon de dessin spécifique. Maintenant, la taille ou l'épaisseur du papier n'est pas mesurée par la livre ou la LB, comme on l'appelle dans beaucoup de carnets de croquis et cela va jusqu'au papier imprimante, qui est comme un papier de 0,25 livre, à ceux qui sont beaucoup plus lourd. Celui-ci est un papier de 60 livres, puis celui-ci est un peu plus léger. Je pense que c'est comme un papier de 50 livres et ensuite c'est la taille du papier sur lequel je fais toutes mes illustrations finales et c'est du papier de 100 livres. Comme vous pouvez le voir, il est beaucoup plus épais, il est plus lourd et vraiment il permet à l'encre infiltrer dedans sans déformer le papier lui-même. On a parlé de stylos et de papier. Pour ce cours, je vous suggère d'utiliser trois ou quatre stylos fineliner et ils peuvent avoir une gamme d'épaisseurs. Pour ce cours, je vais utiliser un stylo 0.005 parce que j'aime vraiment les détails fins et j'aime vraiment ça, le style léger. Je vais utiliser un stylo 0,1 pour créer des lignes un peu plus épaisses, puis un stylo 0,5 et 0,8 et ils me permettent d'obtenir ombres plus efficaces dans mes dessins et de créer les espaces sombres. Parce que, comme vous l'apprendrez plus tard, ce sont les valeurs, l'obscurité et la légèreté d'un dessin à la plume qui le font vraiment prendre vie. Choisissez vos stylos et déposez-les dans la discussion en classe et ceux que vous utilisez pour ce cours, ainsi que votre papier. Maintenant, comme je l'ai suggéré, j'irais un peu plus lourd que le papier imprimeur. J' aime vraiment le papier de 100 livres, il attrape vraiment très bien l'encre. Prends un morceau de papier, et je te suggère de faire quelques lignes de test. Ce que je veux dire par là, c'est avec les stylos que vous allez utiliser pour cette classe, notez le nombre ou l'épaisseur du stylo, puis faites juste quelques squiggles, peu importe si ça a l'air bon. Il suffit de jouer avec le stylo pour voir comment il se sent dans votre main. Voyez quelle épaisseur de ligne il se trouve sur la page, puis c'est notre feuille de référence, que vous pouvez référencer plus tard dans la classe lorsque vous dessinez pour être vraiment confiant sur le stylo que vous utilisez, dans quelle situation, que nous allons examiner la prochaine fois. Mettez cette classe en pause, créez votre propre feuille de référence. Il y a plus de détails dans la description de classe ci-dessous, et vous pouvez aussi le publier dans la discussion de classe. J' aimerais voir ce que vous créez et votre feuille de référence des différentes épaisseurs de stylo pendant que nous continuons avec cette classe. Ensuite, nous allons voir comment utiliser les références. 4. Références : identifier les valeurs: Dans la dernière classe, nous avons parlé de choisir vos stylos et de choisir votre papier pour votre dessin final. Dans ce cours, nous allons parler de photos de référence. Par photos de référence, je veux dire que tout ce qui inspire votre dessin en ayant une photo de ce que je veux dessiner devant moi, je peux voir plus précisément sa forme, ses couleurs, textures, et la profondeur de ses ombres, ainsi que l'échelle. Maintenant, c'est tout ce que vous êtes à l'aise. Si à ce stade vous êtes à l'aise avec copier une photographie bloc par bloc, alors optez pour cela. Mais si vous voulez ramifier un peu, vous pouvez essayer ma méthode qui consiste à utiliser des photographies d' aspects individuels de mon dessin pour créer un dessin plus complet et plus réaliste. Plus précisément dans ce tableau Pinterest ici, que j'ai commodément lié à ci-dessous pour l'un d'entre vous et vous tous de vérifier, vous pouvez voir que les rochers et l'herbe et même le petit [inaudible] là-haut peut vraiment vous fournir des parties individuelles de votre dessin, des sections individuelles que vous pouvez regrouper et créer une scène complète. Alors que j'aime penser que mon imagination peut construire toute une scène à partir de zéro, le fait est que les photos peuvent vous rappeler des choses qui vous manquent. Ils peuvent vraiment vous donner une vision réaliste du monde que vous essayez de dessiner. Parce que même si vous pensez que votre mémoire est grande et imperméable, il y a des choses que nous oublions. Comme par exemple, sur cet arbre ici, si je ne regardais pas une photo, je peux oublier les ombres, oublier comment la lumière joue de l'écorce. Je peux oublier comment les feuilles semblent se balancer dans le vent. Cela nous amène à la partie la plus importante des photos de référence, en particulier à l'encre. Parce que quand tu regardes ça, tu dois effacer la couleur de ton esprit. C' est difficile à faire, mais essaye-le. Parce que la chose est, c'est que la couleur est inutile pour nous dans le sens où nous ne pouvons pas créer de couleur avec nos stylos noir et blanc. Cependant, c'est la légèreté et l'obscurité du dessin que nous devons traduire sur la page. En utilisant des photos de référence, nous pouvons jauger la légèreté et l'obscurité des sections de la photo, puis traduire cela dans notre dessin. Par exemple, sur ce dessin dans le tableau de référence, j'ai enregistré beaucoup d'images, mais je vais zoomer sur celles-ci comme références pour les lumières et les sombres. Comme vous pouvez le voir ici, le chemin qui mène vers cette clôture semble plus léger. Cette prairie ici sur le côté semble un peu plus sombre. Si vous pleurez les yeux et imaginez que ces tons verts ne sont qu'un niveau de gris. Maintenant, c'est vraiment important à reconnaître parce qu'on travaille avec un médium sombre, on travaille avec de l'encre. Lorsque vous regardez une photo de référence, vous devez vous concentrer sur les espaces sombres ou les espaces plus sombres, particulier cette herbe ici et c'est ce que vous pouvez travailler avec. On ne peut pas poser un médium blanc avec de l'encre foncée. De même, si je vais à cette image de l'arbre et que nous zoomons ici sur l'écorce. Ce que nous pouvons travailler, c'est ces motifs d'écorce sombres sur l'arbre. Avoir des photos de référence à portée de main, nous permet de zoomer sur les lumières et les sombres pour voir ce que nous avons à travailler. En regardant ces arbres, vous pouvez voir comment votre stylo sombre peut être utile ici. Parce que nous pouvons tracer ces contours d'écorce foncée aussi. Faites attention aux ombres comme ici, par exemple, nous pouvons accentuer les parties claires ou le livre blanc sur notre dessin obscurcissant dans l'ombre de ce buisson ou de cette haie. Un autre exemple ici est les lumières et les sombres de cet arbre ici. Comme vous pouvez voir l'arbre un peu de lumière verticale dessus de sorte le manque de soleil signifie que la direction de la lumière vient juste d'en haut. Cela signifie que si vous regardez au fond de l'arbre, les feuilles sont plus sombres. Comme vous pouvez voir l'obscurité des feuilles ici et au milieu ici, au milieu de l'arbre, c'est ce qui lui donne vraiment sa profondeur. Nous savons en regardant cet arbre que c'est un arbre épais à feuilles touffues, même s'il s'agit d'une image 2D. C' est pourquoi avoir cela juste à côté de vous pendant que vous fabriquez un dessin peut être si important. Parce que vous pouvez regarder comment un arbre est réellement de réaliser que, ok, je devrais ombrager dans plus sombre ces éléments qui sont plus proches du centre de l'arbre et plus près du fond. En regardant le tronc de l'arbre ici, vous pouvez également voir la façon dont juste près de l'endroit où il rencontre les feuilles est le plus sombre et ensuite il s' éclaircit quand il s'éloigne de cette zone ombragée. Lorsque vous mettez cet arbre dans un dessin, quelle que soit la lumière ou la direction de la lumière de votre dessin, vous savez, la façon dont les feuilles, les sombres et les reflets de l'arbre peuvent jouer dans votre dessin. Encore une fois, je ne regarde pas les couleurs. Pour notre dessin et pour nos fins, je ne me soucie pas vraiment des nuances de vert. Je me soucie des valeurs, la gamme de lumières et de sombres dans cet arbre que je peux imiter. Vous pouvez voir cela traduit dans ce dessin. En ce sens, je concentre mon énergie sur dessiner les ombres et mettre l'accent sur les ombres des feuilles plutôt que de dessiner les feuilles individuelles. Cela joue avec la lumière parce qu'en regardant les zones claires du chêne touffu et les zones sombres, je sais comment utiliser l'obscurité de mon stylo pour imiter les ombres sans avoir à tracer chaque feuille individuelle. Dans vos photos de référence, dans les photos qui inspirent votre dessin, je veux que vous fassiez vraiment attention aux parties claires, parties sombres et à la façon dont les ombres interagissent. Ne regardez pas les couleurs, ne vous inquiétez pas des couleurs. Concentrez-vous simplement sur les ombres claires et sombres et la forme, parce que ce sont les principales choses avec lesquelles nous devons travailler à l'encre. Découvrez ce tableau Pinterest que j'ai lié ci-dessous. Vérifiez cela et jaugez les ombres et les points forts de chaque partie du dessin. Parce que ce sont les choses que nous devons faire référence, la lumière et les ombres sombres, ainsi que la forme. Ensuite, lorsque nous commencerons à mettre le stylo sur le papier, nous aurons une vision plus précise des choses que nous essayons de dessiner. Ensuite, il y a une discussion sur la composition. 5. La composition: La composition est la façon dont votre dessin est assemblé. C' est la façon dont vous réunissez les formes que vous avez vues dans vos photos de référence, en un seul dessin, qui est assemblé d'une manière qui attire vraiment les yeux du spectateur, et qui est vraiment agréable à regarder. Je vais passer en revue trois règles principales de composition dans cette classe, mais je vous suggère vraiment de vérifier d' autres cours plus approfondis juste sur la composition. J' ai lié quelques d'entre eux ci-dessous dans la discussion de classe. La première règle est la règle des tiers. La règle des tiers suggère que si vous divisez votre page en tiers, verticalement et horizontalement, l'intersection de ces lignes dans mon système de grille, est là où devraient être les points d'intérêt de votre dessin. Postule que ce sont les zones du dessin vers lesquelles nos yeux sont vraiment attirés. Ce sont les points qui étaient les plus susceptibles d'examiner. Lorsque vous regardez certains de ces fantastiques dessins à l'encre et artistes de travail noir, vous pouvez voir que beaucoup d'entre eux font cela. Ils positionnent les parties les plus importantes de leur dessin à une intersection de ces tiers. Point focal, est une autre tactique de composition clé que je vais examiner aujourd'hui. Un point focal est la partie principale de votre dessin. Par exemple, dans tous ces dessins que j'ai faits, il y a un point focal. Ici, c'est le château vers lequel les lignes de perspective vous attirent, et où vous positionnez le point focal sur cette grille, ou au centre de la page ou n'importe où, détermine vraiment le reste de votre dessin. Parce que le point focal est le point de votre dessin sur lequel vous souhaitez que les utilisateurs se concentrent, et tout le reste l'entoure sur le système de grille et l'entoure sur la page. Tu as compris ça ? La règle des tiers, vous divisez votre page en tiers et le point focal, est un point de votre dessin ou un objet que vous souhaitez mettre au point dans votre illustration. Ce sont deux façons vraiment clés que vous pouvez vraiment créer une composition intéressante. Le troisième est le cadrage, et c'est ainsi que vous entourez le point focal et comment vous entourez la zone sur la grille de la règle des tiers, qui crée vraiment un intérêt dynamique et engage le spectateur à se concentrer sur l'endroit où vous veulent qu'ils soient. Maintenant, avec le stylo, c'est le poids et la texture, et la profondeur de ces éléments de cadrage qui peuvent vraiment faire ou casser votre composition. En créant un cadre d'éléments d'intérêt égal, de taille égale, je peux composer un croquis d'une manière que le cadre est intéressant à regarder, mais il vous guide vers le point focal plutôt que d'en retirer l'attention. Parce que c'est un peu difficile à comprendre en termes de création d' un cadre autour de la partie principale de votre dessin, ou de création d'autres éléments de votre dessin d'une manière qui vous guide vers le point focal, mais ne gêne pas le composition en termes de ne pas être suffisamment détaillée ou trop légère ou ainsi de suite. Dans cette classe, nous avons parlé de composition et c'est une trois règles que je veux que vous gardez à l'esprit aller de l'avant est la règle des tiers, est le point focal créant un point d'intérêt dans votre dessin que vous allez guider les choses vers, et encadrer, comment vous positionnez d'autres éléments autour du point focal principal du dessin afin d'attirer l'intérêt vers ce point focal principal. La prochaine leçon est tout sur les contours de crayon. 6. Les contours au crayon: On a parlé de composition. Nous avons parlé et comment vous avez conçu votre croquis en termes d' où vous placez des choses afin de créer un dessin vraiment intéressant dans la dernière leçon. Mais maintenant, vous pouvez commencer à esquisser le dessin final que vous allez créer. C' est une torsion de l'intrigue parce que la chose que je fais dans presque tous mes dessins est que je commence avec un crayon. En utilisant un crayon, vous pouvez créer des formes en toute confiance et jouer avec le dessin final sans vous engager avec la permanence du stylo. Comme je l'ai déjà dit, il est en train de le rédiger autour d'un point focal. Je vais dessiner un aperçu très léger d'une cabane ici ou d'une sorte de maison de ferme. Vraiment léger, et juste la forme. Je sais que je veux avoir un petit chemin à venir ici. En regardant les photos de référence, je sais que je veux avoir un arbre à la fois encadrer la maison, et créer juste un peu plus d'intérêt. Je vais décrire l'arbre, pas pour le détail, mais dans la mesure où je sais combien d'espace cela prendra dans le dessin, et aussi geste dans certains graphiques ici. Peut-être un autre peu d'érable plus épais. Vous pouvez voir que je dessine dans ces contours de crayon, je garde à l'esprit ce dont nous avons parlé avant. Cet arbre tombe le long de l'une des règles verticales des tiers, ceci de l'autre. Cette roche tomberait le long du quadrant inférieur. Maintenant, la maison ne le fait pas. La maison, même si c'est le point focal, ne tombe pas sur l'une des règles des tiers. Mais c'est bien parce que ceux-ci l'encadrent d'une manière qui guide votre œil vers la maison, et l'encadre en cercle. Je vais aussi esquisser quelques-unes des pièces les plus détaillées et les plus délicates de la perspective afin que quand il s'agit de stylo, je puisse être un peu plus confiant esquisser sur ceux-ci. C' est le moment idéal pour revenir à vos photos de référence, parce que, eh bien, nous connaissons tous l'idée de base d'une maison ou d'un style de maison que nous connaissons. Il y a des détails comme les toits, l'inclinaison du toit, ou l'apparence d'une cheminée, qui sont tout simplement difficiles à retenir. se référant à la façon dont ils sont réellement dans une photo, nous pouvons créer plus de réalisme. J' aime faire les angles et fabriquer les formes avec un crayon. Je peux être un peu plus créatif sans m'engager à la permanence de la plume. Mais arrêtez ce dessin, sur un petit morceau de papier ou tout ce que vous avez, dessinez une boîte avec un crayon, couvrez-la avec un stylo, puis dessinez la même forme avec un stylo et voyez s'il y a une différence. J' adorerais entendre parler de vous, voir ce que vous pensez, m' envoyer un message ou le déposer dans la discussion de classe, la différence que vous avez vu entre dessiner avec un stylo et un crayon ou dessiner avec un stylo juste. Ensuite, en allant de l'avant dans cette classe, vous pouvez choisir ce qui fonctionne pour vous lorsque nous couchons sur le stylo aux lignes de crayon. Ensuite, nous allons parler de la création de lignes directrices. 7. Tracer les grandes lignes: Maintenant que nous avons un contour au crayon du dessin, nous pouvons commencer à créer des guides. Ce que je veux dire en créant des guides, c'est que lorsque je démarre habituellement le dessin à la main, je crée des contours très légers, presque pointillés avec mon stylo. C' est vraiment une excellente façon de réchauffer votre main avant de vous engager sur les lignes plus permanentes que vous allez dessiner. Tout cela est un pas plus loin vers la permanence. Eh bien, les lignes directrices sont ce que vous voyez ici. C' est d'avoir une sensation pour les formes, les formes et les lignes de votre dessin en les parsemant légèrement. parsemant les lignes que vous allez dessiner, les lignes qui vont se calmer plus sombres plus tard sur la route. Puisque vous dessinez sur un support permanent, stylo, créer des lignes directrices avec un stylo en pointant des contours m'aide généralement à garder mes lignes plus droites. Comme vous pouvez le voir ici, puisque je parie les lignes de cette cathédrale, je peux avoir une meilleure idée de la façon de garder ces lignes droites. Comment garder leur perspective correcte plus tard sur la route quand je dessine ces lignes plus fermes pour les faire paraître plus poli, un peu plus rempli. Dans un dessin comme ce trou de hobbit, lignes directrices peuvent également vous rappeler ce qui doit être fait plus loin dans votre dessin. Par exemple, regardez la végétation légère autour de ce trou de hobbit. On ne peut même pas dire que c'est de l'herbe, des mauvaises herbes et tout ça. Mais en parsemant certaines de ces formes et formes suggérées, je peux vraiment me concentrer sur le contour du dessin sur le gros tableau, puis revenir plus tard avec un stylo plus sombre ou avec plus de temps sur mes mains pour détailler tout plus tard. Ce sont vraiment des lignes légères. Juste pour avoir une idée approximative de ce qu'ils vont ressembler. Vous remarquerez que je saisis le stylo un peu plus loin arrière et que je n'appuie pas dur sur la page, juste en touchant la page pour créer ces lignes très légères. Il y a deux mouvements que j'utilise sur cette scène. Je tiens le stylo et je le fais glisser à la légère. Ou je tiens le stylo et le pousse à la légère. Je garde la page verticale parce que pour moi cela fonctionne mieux, et je bouge ma main afin de créer des lignes différentes. Mais il y a des artistes qui vont déplacer le carnet de croquis parce qu'ils aiment vraiment un mouvement. Par exemple, s'ils aiment vraiment dessiner le stylo sur la page, alors je déplace le carnet de croquis afin de le faire plus naturellement. Vous pouvez faire tout ce qui fonctionne pour vous. Encore une fois, en particulier dessiner des arbres, il est vraiment précieux pour vous, vérifier les photos de référence. Parce que comme une forme organique à utiliser différents tant, mais il ya certaines choses qui les attachent tous ensemble comme dans les formes des branches et comment ils se ramifient du tronc principal. C' est vraiment dur de s'en souvenir. Vérifier nos photos de référence peut être une excellente chose à faire pendant que vous dessinez et que vous vous déplacez le long de votre dessin pour vous assurer que vous créez vraiment des formes authentiques que vous pourriez réellement voir dans le monde réel. Mais à ce stade, je les mets juste dedans. Je ne crée aucune profondeur ou aucun poids sur ces lignes, juste en créant des points visuels bruts avec des gestes de détails supplémentaires que je pourrais ajouter ici plus tard. Comme une ligne fermée ici, des cheminées, tout ce que vous voulez. Comme vous ne pouvez pas effacer le dessin final, vous voulez faciliter votre dessin au stylo. Vous voulez gagner en confiance dans les formes que vous dessinez lorsque vous les dessinez. La leçon suivante, je vais sur la superposition des formes avec du poids. 8. Donner du poids aux formes: L' étape suivante est de passer au-delà de ces contours vraiment esquissés ou légers, et de superposer dans les formes avec plus de poids. Comme j'approche de la superposition du poids dans la scène, je suis généralement très prudent sur les stylos que j'utilise et dans quelles situations. Par exemple, le 0.005, que j'aime beaucoup utiliser, parce qu'il est si léger et fantaisiste. Je vais d'abord utiliser celui-ci pour esquisser les zones les plus difficiles des dessins et aussi celle avec le plus de détails. Maintenant, comme quand on a établi les directives, j'utilise deux mouvements principaux avec mon stylo. Je recule vers ma paume, en plus de repousser. Vous pouvez trouver celui qui fonctionne le mieux pour vous en termes de lequel vous permet de déplacer le stylo sans créer les lignes les plus oscillantes ou croquantes. J' aime faire une combinaison des deux. Il, après un certain temps, se développe un peu dans votre mémoire musculaire. Maintenant, vous remarquerez que lorsque je superpose le 0.005, je dessine des lignes en quelques étapes différentes. Je le fais glisser et je le traîne à nouveau. Vous zoomez ici. Il y a en fait quelques lignes différentes qui forment une seule ligne. Gardez à l'esprit lorsque vous dessinez les zones de détail les plus fines de la pièce, vous voulez garder un œil sur votre photo de référence pour voir de votre point de vue l'épaisseur, la finesse vous voulez garder un œil sur votre photo de référence pour voir de votre point de vue l'épaisseur, la finesse ou la pondération de chaque partie du dessin. Par exemple, quand je dessine ces cadres de fenêtre, je sais que dans la vraie vie, ils sont assez étroits, et presque difficiles à voir à quel point nous sommes loin de cette maison. Nous allons les dessiner assez légèrement aussi. Alors que dans cette maison, les murs extérieurs, c'est une partie assez importante de la structure de la forme globale. En regardant la maison, je vais les assombrir un peu. Maintenant, pour cette grange lointaine, je vais garder les formes vraiment légères, parce que je pense qu'à l'avenir, je pourrais juste vouloir texturer cela très légèrement sans créer trop d'accent pour faire croire que c'est un un peu plus loin, ainsi que peut-être un peu de fond. Comme je l'ai dit tout à l'heure, vous pouvez toujours aller plus sombre, vous pouvez toujours aller plus léger. Ensuite, je vais aller à un 0,5 pour les arbres, parce que je veux qu'ils soient un peu plus sombres parce qu'ils vont être dans l'ombre. Je vais créer ces formes avec un peu plus de poids pour eux. Comme je l'ai fait tout à l'heure, je traîne la ligne vers ma paume. Je ne vais pas accrocher mes doigts, je traîne lentement. Même si les feuilles sont assez légères, je vais assombrir dans le contour d'eux un peu plus, parce que la forme de la canopée de l'arbre est assez importante, ce qui est de l'apparence globale. La raison pour laquelle je vais un peu plus sombre pendant que je remplis ces lignes de crayon squiggly, c'est parce que je veux mettre l'accent sur la forme de la canopée, parce que je n'ai pas à remplir tous les détails des feuilles. De plus, comme je l'ai mentionné plus tôt, cela peut être notre précieux moyen de cadrer votre dessin. Mettre l'accent sur le contour de la canopée plutôt que l'individu se laisse. Je veux créer l'illusion qu'il y a un champ ici ou quelque chose comme ça. Ce sont les dernières formes que je vais pointer ici avant que nous puissions passer aux textures. Maintenant, nous avons presque toutes les formes superposées, en termes de légèreté et d'obscurité relatives. Nous avons le contour sombre de la roche ainsi que les dessous des arbres. Un peu plus esquissé et léger autour des arbres, mais nous voulions souligner leur forme. Ensuite, je voulais avec un stylo plus léger sur ces lignes parce qu'il fallait un peu plus doux au toucher. Ceci, à mon avis, est vraiment l'étape la plus importante de votre dessin, parce que la création des contours de la forme la donne vraiment vie, et vous donne un guide de l'endroit où se dirigera le dessin final. Dans la leçon suivante, nous passerons à l'élaboration de textures et à l'ombrage avant les dernières étapes. Mais c'est le cœur de votre dessin, et je vous suggère de passer du temps ici. en pause ces classes, et prenez un peu de temps pour calquer vos formes, calquer dans votre composition, faire vraiment un dessin fort et dynamique, puis nous pouvons ajouter de la texture et des ombres par la suite. Dans la leçon suivante, nous allons sur l'artisanat de la texture. 9. Tableau de référence pour la texture: Si nous laissons notre dessin comme un tas de contours d'objets, il tomberait à plat. Il n'aurait pas tout le poids d'un dessin entièrement taillé et couleur derrière elle, parce que la texture et la création de texture avec votre stylo sont vraiment l'une des parties les plus amusantes du dessin à la plume. Parce que ces textures ne sont que des lignes squiggly, elles n'ont pas de couleur, mais elles peuvent quand même en dire beaucoup sur votre dessin. Selon ce qui se trouve dans votre scène, la texture repose sur les composants dynamiques de l'objet que vous regardez. Par exemple, dans beaucoup de ces photos de référence et dans la scène finale que nous allons dessiner, que vous pouvez consulter dans les pièces jointes de cette classe, vous pouvez voir qu'il y a beaucoup d'herbe et d'herbe plus longue, ainsi que écorce d'arbre, ce sera une principale, roche, et le bardage de bois de la maison. Je suppose que ce sont les textures principales. Ce que je vous suggère maintenant, c'est de prendre un morceau de papier vierge et nous allons créer une feuille de référence pour la texture. Une feuille de référence est un moyen vraiment inestimable d'expérimenter avec la texture et de gagner en confiance avant de vous engager dans la vue permanente de votre dessin final. En fabriquant des textures et en expérimentant leur apparence sur un morceau de papier séparé, vous pouvez vraiment ressentir le stylo et c'est une façon vraiment inestimable de commencer avec le dessin à l'encre. Je vais dessiner quelques boîtes différentes ici et ce seront là où je vais expérimenter avec la texture. Pardonnez mon égratignure de poulet là, mais le hachage est le premier et c'est vraiment une texture fondamentale et une façon fondamentale d'ajouter de l'ombrage à votre dessin. Maintenant, avec le hachage, disons que nous avons une forme à deux côtés comme celle-ci, hachage est un ensemble de lignes, c'est un hachage très rugueux. Sur l'un, je traîne vers ma paume et puis je vais changer de position et les ajouter dans l'autre sens. Maintenant, le hachage comme ça est un excellent moyen d'ajouter ombre et aussi de créer une ombre texturée qui suggère qu'il y a d'autres éléments dedans et que ce n'est pas seulement une surface plane. Maintenant, pour l'écorce d'arbre, si vous faites référence à votre dessin de référence, vous voulez garder un œil sur les formes principales de la texture que vous essayez de dessiner. Pour l'écorce, les formes principales sont ces lignes ascendantes et descendantes, et elles courent de haut en bas de l'arbre de sorte que cet arbre pousse à travers notre bloc ici. Comme vous pouvez le voir, j'utilise la même façon de tenir mon stylo. Je traîne vers le bas ou je traîne vers le haut. Je ne remets pas mes doigts. Je bouge toute ma main en une seule. Alors comme les arbres sont cylindriques, un côté va être un peu plus sombre que je dessine ces lignes squiggly vraiment lâches un peu plus sombres d'un côté ici. Pour la longue herbe ici, la forme principale de cette longue herbe que vous pouvez voir sur la photo de référence est ces longues lignes fluides. Avec cette texture, je suggère d'utiliser un son comme un stylo plus léger parce que nous voulons capturer cette nature ondulée et éthérée de l'herbe longue, et ils veulent être plus foncés près de la base parce que c'est là qu'ils peuvent tous rejoindre près de la saleté. Encore une fois, c'est vraiment lâche et commence un peu plus dur sur le papier, puis vers la fin de la ligne je desserre ma main. Alors la dernière que nous ferons, c'est du rock. Dans ce dessin, je veux que le contour de la roche soit assez ferme parce que c'est une forme forte. Faisons semblant que c'est le contour du rocher. Mais alors l'intérieur, les éléments de la roche sur l'ombrage vont être un peu plus légers. Les formes principales dans beaucoup de roches, comme nous les connaissons, sont des lignes fermes, un peu plus dentelées et donc j'alterne entre les longues lignes et les courtes, puis j'utilise ce crosshatching pour suggérer une ombre parce que les roches ont généralement des ombres plus dures parce qu'il y a des lignes plus nettes, au moins grandes, pas des cailloux arrondis. Mais beaucoup de roches plus grosses qui pourraient être dans un champ ou dans la forêt ont ces lignes plus nettes. Je suggère de suspendre cette vidéo maintenant et de créer votre propre page de textures. Comme vous pouvez le voir ici, beaucoup d'artistes le font. C' est de Sarah Obtinalla, qui est une grande artiste que je connais sur Instagram et elle m'a gentiment laissé utiliser cette image d'une feuille de référence qu'elle a créée, qu'elle a ensuite traduite en un énorme et dynamique et vraiment visuellement arrêtant le dessin à la plume. Comme vous pouvez le voir, elle a pratiqué les formes, pratiqué les textures qu'elle allait utiliser avant de les traduire dans le dessin final. Pour voir ce dessin, vous pouvez consulter sur Instagram. Je l'ai liée dans la discussion ci-dessous, et c'est une artiste incroyable, vous devriez certainement la vérifier. C' est mon défi pour vous. pause cette vidéo et créez votre propre page de textures, comme Sarah l'a fait et comme je l'ai fait plus tôt, découvrez quels objets vous voulez inclure dans votre scène, quelles textures, quels éléments naturels, et laissez-vous amuser et lâcher avec votre stylo, essayant d'esquisser ces éléments sur un morceau de papier séparé afin que lorsque vous ferez votre dessin final, votre mémoire musculaire sera un peu plus à l'écoute et vous aurez une certaine pratique à créer les textures que vous voulez inclure. Dans la vidéo suivante, nous allons voir comment ajouter ces textures à un dessin réel dans l'artisanat de textures partie 2. 10. Créer des textures: Comme vous avez la feuille de référence des textures que vous pouvez ajouter à votre dessin, vous allez simplement les traduire ici. Comme je l'ai déjà dit, il est toujours préférable de commencer la lumière. Commencez un peu plus léger que ce que vous pensez avoir besoin avec un stylo, puis assombrirez plus tard. La raison en est que, comme je le dis tout le temps, stylo est permanent et vous voulez vous assurer que lorsque vous superposez de l'encre, vous commencez à la lumière puis allez lourd. Je commence généralement par la texture des parties les plus importantes d'abord, le point focal. Ici, je veux créer un toit en étain et je regarde une photo de référence d'un toit en étain ou en tôle pour voir les lignes, voir comment cela pourrait sembler traduit sur cette page. Encore une fois, j'utilise la même technique de tenir mon stylo, pas de bouger mes doigts mais de bouger ma main. J' utilise un stylo léger, petite plume pour l'écorce de ces arbres d'abord parce que je commence la lumière, mais aussi parce que les courses individuelles de l'écorce, la façon dont il va verticalement, ils sont assez bien et surtout de ce loin vous voyez juste l'illusion de l'écorce et c'est la texture que nous voulons créer. Juste une illusion de détail ici, que nous pouvons remplir dans les leçons ultérieures. Cela nécessite vraiment d'étudier les arbres et de regarder les photos de référence des arbres, et d'être vraiment intentionnel sur la façon dont vous visualisez ces photographies afin que vous puissiez traduire les lumières, les sombres et les formes dans votre dessin. Surtout avec des textures comme l'herbe, vous n'avez pas à remplir toute cette page avec la texture. En fait, c'est plus efficace si vous ne le faites pas. C' est parce que nos yeux sont vraiment bons déduire ou suggérer ce qui pourrait être dans l'espace vide. Avec vos textures, vous pouvez être vraiment intentionnel quant à la quantité de détails que vous ajoutez et à l'endroit où vous les placez afin attirer l'attention sur les parties importantes de votre dessin à l'encre. Alors que je commence à texturer les roches, une autre chose vient à propos de la texture et c'est la direction du soleil. La direction que le soleil brille crée de l'ombre et dans vos photos de référence, certaines d'entre elles le montrent vraiment. Les ombres fortes peuvent ajouter de l'accent à une pièce. De même avec le dessin à la plume, l'ombre met l'accent sur les zones claires et sombres. Comme je le dis toujours, c'est vraiment la force du dessin à la plume, créant ces lumières vives et dynamiques et foncées qui créent vraiment de l'accent dans votre dessin. Je vais utiliser un stylo 05, mais utilisez les plus lourds que vous avez. La raison pour laquelle j'aime le 05 est parce qu'il est un peu plus lourd, un peu plus sombre sans sacrifier la capacité de fabriquer beaux détails et c'est là que les hachures croisées entrent en jeu. Utiliser les sections de trappe transversale imbriquées pour créer cette accentuation ou cette idée d'ombre. je choisis d'où vont être les ombres, d'où elles viennent, je peux assombrir des parties de ma texture et parties de ce dessin pour donner l'accent sur l'ombre. Alors que ces parties claires je peux laisser un peu et cela crée une belle juxtaposition, ce qui signifie une belle différence de soulignement entre la lumière et l'obscurité. C' est là que ce stylo sombre peut briller parce que je peux creuser certaines de ces textures, griffonner un peu, les faire paraître un peu plus sombres. Dans cette classe, nous avons passé en revue les textures et tout, de la façon de tenir votre stylo à la création d'une feuille de référence de textures, laquelle vous pouvez vous référer lorsque vous continuez à aller sur votre dessin. Notre dessin a maintenant des contours pondérés, il a des formes qui sont entièrement épanouies, ainsi que des formes avec des textures sur eux avec la lumière relative et zones sombres ombragées ou mises en évidence. Dans la classe suivante, nous parlerons de l'illusion du détail et de la façon de créer cela. 11. Illusion du détail: Nous avons des textures dans notre dessin. Nous avons texturé dans ce petit arbre ainsi que les rochers et l'herbe et même dans la maison un peu. Mais, la grande chose à propos du dessin à la plume est de réviser suite et de revenir en arrière pour voir quelles pièces vous pouvez améliorer. Parce que même s'il s'agit d'un support permanent, la permanence fait partie du plaisir parce que vous pouvez le superposer avec ces fines doublures et avec un beau papier parce qu'il nous donne une ligne sombre et nette sans être trop épaisse. Je vais ajouter des détails à ces fenêtres. Si vous regardez vos photos de référence, vous pouvez choisir où se trouvent ces ombres et les endroits que vous pouvez déduire qu'il y a des détails. Même s'il y a beaucoup plus de détails de ces fenêtres que je ne dessine ici, nous avons juste besoin de suggérer qu'il pourrait y avoir une réflexion, suggère qu'il pourrait y avoir des ombres, et suivez vos photos de référence pour ajouter un peu plus de détails à cette partie de la cabine. Maintenant aussi, nous voulons ajouter des détails à ces murs parce que je suppose qu'ils pourraient être un mur blanc, mais je veux peut-être en faire une ferme à bois. Je vais ajouter des lignes horizontales. À ce stade du dessin, vous pouvez, si vous le souhaitez, ajouter des directives de crayon comme nous l'avons fait auparavant, ou simplement essayer de voir ce qui se passe avec le stylo. Comme je l'ai dit, je bouge toute ma main pour créer ces lignes, un peu de squigggly. Ils ne sont pas super hétéro, mais c'est bon. Je les dessine très léger et je bouge toute ma main, pas seulement mes doigts, dans un mouvement lisse. Ouais, ils ne sont pas hétéro, ils ne sont pas parfaits, mais tu sais quoi, je pense qu'ils ont toujours l'air bien pour ça. Il a une sensation plus organique à cause de cela. Je dois remplir où j'aurais peut-être besoin d'ajouter d'autres lignes. Ensuite, je vais les ajouter au reste de la cabine ici. C' est l'illusion du détail parce que si vous êtes plus près, il y a beaucoup plus de détails à ces cabines en bois qu'il n'en paraît d'ici. Mais je pense que pour créer un croquis efficace, c'est parfois ce que vous laissez de côté qui étoffe vraiment votre dessin. Si nous avons la suggestion de ces lattes horizontales en bois et la suggestion de celles-ci qui s'éloignent, je pense que nous pouvons encore créer une composition vraiment efficace sans nous inquiéter de ces détails. De plus, je vais remplir une partie de l'ombrage pour être compatible avec notre direction de lumière. Maintenant, je pense qu'il y a quelques autres domaines où nous pouvons ajouter des détails qui seront assez efficaces. Un, est dans l'herbe parce que l'ajout de feuilles ou de bulbes, bulbes fleurs ou quoi que ce soit, peut vraiment simplement ajouter un autre joli petit élément que vous dessinez. Faites-le paraître un peu plus réaliste, ajoutez un peu d'intérêt. Il suffit de créer une scène plus élaborée qui est un peu plus unique. Encore une fois, vous pouvez vérifier mon tableau Pinterest pour quelques références de fleurs ou de feuilles qui peuvent être un excellent point de départ pour dessiner ces objets. Les arbres, leurs auvents et leurs feuilles sont assez difficiles à dessiner. Au moins, je pense que c'est l'une des choses les plus difficiles à dessiner parce que lorsque vous regardez un arbre, vous pouvez voir les feuilles individuelles et voir les formes qu'elles créent, mais il est si difficile de capturer cela avec un stylo. C' est pourquoi je vais généralement un peu plus léger sur les détails et j'essaie de gester ou de suggérer détails à travers des lignes créatives et en décrivant les différentes grappes d'arbres. La façon dont je fais cela est de dessiner ces lignes squiggly, dessiner avec une main légère en faisant la suggestion d'un auvent plus taillé. Le truc avec les détails et le stylo que j'aime tellement, c'est que si tu veux, tu pourrais passer quatre ou cinq heures à dessiner ces arbres ou tu pourrais passer cinq minutes. C' est la quantité de détails que vous mettez dans peut vraiment dépendre du style de dessin que vous voulez en sortir. Bien que cela puisse sembler contre-intuitif, dans la classe suivante, nous allons vous parler de la façon de réviser votre dessin à la plume. 12. Revoir les bases du dessin au feutre: Dans les dernières leçons, nous venons d'un contour de crayon ou juste une sorte de contour rugueux en pointillés à des formes en couches avec plus de poids dans les contours, à l'artisanat dans les détails en termes de texture et les détails en termes de les éléments les plus fins de la maison, les parties les plus fines de l'écorce au-dessus de la texture que nous y avons dessinée. Nous avons à peu près fait, mais c'est une partie assez importante de votre dessin aussi, c'est de développer un œil critique. Alors que je prends du recul et que je prends un œil critique sur ce dessin, je garde quelques choses à l'esprit. abord, je compare les formes, les lignes et les détails à mes photos de référence, ainsi qu'aux règles de composition dont nous avons parlé. Les détails sont-ils au bon endroit, et est-ce que chaque partie du dessin a assez de détails ? Je pense que la réponse est non. Par exemple, cette route ressemble presque à une rivière ou je ne sais même pas ce que c'est, un vide ou un gouffre, parce qu'il n'y a rien ici. Donc je vais peut-être retourner à mon stylo plus léger et ajouter une autre texture. Je vais ajouter de la pierre ici et le faire ressembler à un chemin de galets, et tout ce que je veux faire ici c'est griffonner des cercles très légers, peut-être même quelques points ou autres. La prochaine chose que je veux faire après avoir examiné les détails de mon dessin est les lumières et les sombres, les ombres et les reflets. À mon avis, la partie la plus importante d'un dessin à la plume. Je veux vérifier s'ils correspondent à la réalité. Par exemple, ce toit serait-il aussi léger que ce chemin ? Ou est-ce que cette partie de l'écorce serait la même teinte que ? Il y a certainement des domaines que je pense que nous pouvons changer un peu. Par exemple, ce chemin de gravier que nous venons de tracer, je pense que nous pouvons assombrir cette bûche intérieure et assombrir dans une partie de l'herbe autour de cette cabane en rondins, parce que si cela est fait comme un beau bois plus léger ou un bois plus récent, ce sera une nuance de blanc plus claire que cette partie ici. La prochaine chose que nous voulons garder un œil sur la superposition des formes dont nous avons parlé dans notre leçon précédente. Nous voulons nous assurer que le poids des lignes de toutes ces formes est toujours logique et crée toujours l'accent là où vous le souhaitez. Par exemple, je vais m'assombrir dans cette ligne de gauche sur l'arbre, parce que je veux que ça agisse presque comme une frontière, comme on l'a dit tout à l'heure. Je vais créer une ligne plus forte ici le long du bord supérieur du chemin ici. C' est comme un bord dur du fond du dessin. Je pense que ça peut marcher, mais en même temps c'est agréable de s'estomper un peu plus. Nous allons aller avec un peu de main plus légère ici où il est blanc avec des lignes rapides très légères. La relation entre la lumière et le rapide est essentielle dans le dessin au stylo car plus vous êtes rapide et plus vous appuyez sur le papier, les lignes plus fines que vous obtiendrez. En regardant mon dessin, j'ai réalisé quelques choses. J' ai réalisé certaines zones que je voulais ombrager dans plus, certaines zones auxquelles je voulais ajouter plus de détails. Certains domaines que je voulais continuer vers les bords de la page un peu plus. Ton dessin est à peu près là. Dans la prochaine classe, nous allons regarder en arrière et aussi, nous attendons avec impatience. 13. La fin: Eh bien, vous l'avez fait dans cette classe, où nous couvrons tout, du choix de vos stylos à la façon de les tenir, comment trouver des photos de référence, ce qu'il faut rechercher dans ces photos, créer des lignes directrices et les assombrir dans, textures, détails, tout ce qui se trouve entre les deux. J' espère vraiment que cette classe vous a bien mis en place pour explorer le dessin avec la plume plus loin. Parce que, bien sûr, il y a des possibilités infinies et façons infinies d'améliorer vos dessins à la plume. Je vous invite vraiment à expérimenter avec des stylos, parce que j'aime le médium et je pense qu'il offre tellement de possibilités illimitées pour créer des dessins avec vraiment une énorme quantité de profondeur, de détail, précision et il vous oblige à penser à la créativité en créant des mondes qui sont noirs et blancs, mais qui contiennent tous les éléments d'une scène vraiment dynamique qui vous craint vraiment. Je vous invite vraiment à publier vos projets finaux dans la discussion en classe ci-dessous et à tendre la main. J' adorerais me connecter et voir ce que tu dessines. Vous pouvez me trouver sur Instagram à Sam Gillette illustrations. Joyeux dessin et j'espère que vous avez apprécié cette classe.