Démystifier le graphisme : comment fonctionnent les affiches

1. Introduction: Je suis Ellen Lupton. Je suis conservateur, écrivain et éducateur. Je suis conservateur principal du design au Cooper Hewitt Smithsonian Design Museum de New York, et je suis directeur du MFA en graphisme au MICA. Je crée des livres, des expositions, des conférences et des cours sur le graphisme. Je suis excité d'engager les gens dans le monde de la pensée du design. C' est un cours sur la conception d'affiches, et nous allons regarder des affiches étonnantes de l'histoire du médium, et nous allons les explorer en termes de langage de la communication visuelle, pour exciter les yeux, pour raconter des histoires, pour convertir une image complexe en quelque chose de vraiment puissant et compact. C' est une classe dans laquelle vous pouvez sauter et lui donner un coup de feu et découvrir ces outils créatifs de base qui peuvent vous aider à communiquer avec plaisir et facilité avec les gens. Donc, toutes les affiches que je vais vous montrer aujourd'hui, proviennent de la collection du Cooper Hewitt Smithsonian Design Museum. Nous avons plus de 4 000 affiches dans notre collection. Donc on va faire un voyage au musée, et voir des trucs réels sur les murs et le magnifique Andrew Carnegie Mansion, et on va regarder de près les affiches créées par certains des grands maîtres du médium. Parfois, les gens disent : « Oh, l'affiche est morte, elle n'existe plus. » Si vous dites ça, alors vos yeux ne sont pas ouverts parce que les affiches sont partout. Faites attention à la façon dont ils nous attrapent, à la façon dont ils nous font entrer dans un monde spécial, même pour quelques secondes. 2. PROJET: Votre projet est de concevoir une affiche de film. Nous allons vous demander de choisir un film qui a un nom d'objet simple dans son titre. Nous avons choisi des titres de films à considérer, mais vous choisissez ce que vous voulez, choisissez quelque chose que vous aimez. Je vais faire les oiseaux, et nous allons vous montrer comment créer votre affiche dès le début de penser à l'histoire que vous voulez raconter, puis regarder différentes façons de créer une iconographie qui exprime ce message émotionnel essentiel que vous voulez transmettre. Ensuite, nous examinerons la simplification. Nous allons regarder les chevauchements. Nous examinerons comment rendre votre affiche plus dynamique en ajoutant des diagonales. Nous allons voir comment vous pouvez manipuler la surface. Vous aurez tout un groupe de directions. Vous aurez toute une série de croquis ou de propositions bien élaborés. À partir de cela, vous pouvez choisir ce qui vous excite le plus pour créer une pièce finale. Nous voulons vraiment que vous partagiez votre travail au fur et à mesure que vous alliez, que vous posez des questions aux autres étudiants de Skillshare, regardiez leur travail, répondiez à leurs questions parce que l'objectif ici n'est pas seulement de créer une affiche finale étonnante, mais aussi, pour développer votre propre processus de conception et c'est vraiment un résultat important de ce cours. 3. Racontez une histoire: Donc, la première leçon est comment raconter une histoire. Presque, chaque affiche a une histoire à raconter. Ça pourrait être très littéral comme ces deux affiches, ils ont des gentils et des méchants, ils ont des illustrations qui montrent une action très claire en cours, jumelée à un titre, un titre. C' est une affiche politique incroyable. Je veux que vous imaginiez quelle pourrait être l'image qui va avec ce grand titre, Monster Destroys Community. Tu veux le voir ? C' est là. Donc, l'image est une surprise, n'est pas ce que vous attendiez à faire avec ce titre. narration doit être active. Droit ? Une histoire a toujours lieu au fil du temps, et il y a des gens qui font quelque chose. Ces deux superbes affiches de Seymour Chwast, vous pouvez voir quelqu'un marcher, quelqu'un bouger, non ? Et ils se déplacent dans la direction que ce type se déplace. Donc, voici la colombe de la paix, a beaucoup de jambes pour montrer une communauté qui bouge, les gens se déplacent ensemble. Voici plus de jambes qui bougent, faisant une action. C' est une affiche incroyable pour le film Kabaret. Ceci est un célèbre diagramme de la façon dont les histoires fonctionnent. Donc, les histoires commencent bas. Ils commencent par la période d'introduction au lecteur à ce que le défi, ce que le conflit, quel sera le but de l'histoire. Ensuite, l'action se déplace, donc elle est en place, elle construit de l'énergie, elle atteint un pic, puis elle diminue. Droit ? Et nous donne l'occasion de découvrir ce qui s'est passé à la fin, quel a été l'impact de ce grand conflit qui a conduit l'histoire, est-ce une fin heureuse ? Une fin triste ? Tu veux attacher ces bouts lâches, non ? À la fin de l'histoire. Donc, si vous regardez cette affiche de Vignelli, vous verrez qu'il choisirait ce point à la hauteur même du triangle, le point le plus élevé de l'énergie, c'est là qu'il quitte Fred Astaire. On sait ce qui se passe ensuite, Fred Astaire va revenir sur la scène, non ? Mais en tant que conteur visuel, Vignelli nous donne l'action, non ? Il nous donne le point de la plus haute énergie. Maintenant, habituellement, quand un graphiste crée une affiche, nous devons raconter notre histoire dans un seul cadre, non ? Nous n'avons pas plusieurs photos dans lesquelles nous pouvons raconter notre histoire. Alors, les designers et les illustrateurs doivent réfléchir, comment peuvent-ils représenter ce point d'action, n'est-ce pas ? L' essence émotionnelle, le point d'énergie dans une histoire, en choisissant cette seule image. Ceci est une affiche étonnante de la guerre civile espagnole. L' illustrateur a choisi de représenter le héros de notre histoire à son point de la plus haute énergie, et c'est le point d'action. On ne le voit pas penché sur creuser un trou, non ? On le voit manier son outil comme une arme, le point d'énergie maximale. Certaines histoires sont beaucoup plus complexes. Il s'agit d'une affiche étonnante créée par le gouvernement américain pendant la Seconde Guerre mondiale. Donc, cette affiche a trois caractères. Ici, on voit ce jeune garçon qui est le point de vue, c'est le personnage auquel on est censé s'identifier, non ? Il a ces deux petits frères et soeurs. Ils sont naïfs, ils ne savent pas ce qui va se passer, mais il a le savoir, non ? C' est un enfant, mais il regarde en haut, et il voit ce qui arrive. Comme un point de suspense dans le récit. La grande croix gammée nazie est au-dessus, non ? Ça représente un avion, non ? C' est une menace, nous sommes à ce stade que le suspense dans l'histoire. Dans cette action, ce danger est représenté indirectement par une ombre, non pas par une menace littérale, mais par cette menace implicite et enfin cet appel à l'action. C' est une autre affiche de la Seconde Guerre mondiale, et il y a toute une série d'affiches qui ont pour but de faire taire les gens. Donc, des affiches comme ça ont pour but d'empêcher les gens de trop parler, parce que vous pourriez donner un secret qui ferait que Johnny est envoyé dire, non ? Les U-boats coulaient son vaisseau. Donc, voici une affiche qui nous raconte cette histoire, un mot imprudent, un naufrage inutile. Mais je veux que vous regardiez l'image et réfléchissiez à la narration, et au point d'action dans l'histoire, non ? La chose terrible vient de se passer. Le vaisseau a été touché, il brûle, il est sur le point de couler, et nous sommes dans le bateau avec ces gars, qui ont échappé, ils regardent ce terrible événement qui se déroule devant eux, certains d'entre eux sont blessés, ils vont mourir. L' illustrateur a créé toute cette histoire, non ? Et il y a un moment avec le vaisseau en feu, et les gars dans le bateau, et on est dans le bateau avec eux, ok ? Maintenant, je vais vous montrer une affiche qui raconte la même histoire, mais d'une manière différente, et à mon avis, d'une manière beaucoup plus puissante et passionnante. Alors, tu veux le voir ? Il est là. Tout ce que nous avons c'est le seul marin sur le point de se noyer dans l'eau, il est notre personnage de point de vue, et il nous regarde, parce que c'est notre faute. C' est une prise émotionnelle beaucoup plus intense pour le spectateur, ce seul moment, et il vous regarde droit. C' est une affiche de film incroyable. C' est pour le bébé de Rosemarye. Beaucoup de concepteurs d'affiches polonais créaient des affiches qui annoncent des films hollywoodiens, mais l'ont fait à leur manière, ils ont créé leurs propres œuvres d'art uniques. Donc le bébé de Rosemary était un film d'horreur étonnant sur cette femme Rosemary, qui devient imprégnée par Satan, et donne naissance à la fin du film au diable. L' artiste a choisi de montrer ce moment de connexion personnelle entre Rosemary et son bébé. Voici une autre affiche étonnante. C' est une affiche de théâtre. Ce que vous voyez ici, c'est une image des acteurs de la pièce, assemblés comme ils pourraient être sur scène, mais les artistes ne l'ont pas laissé. L' artiste a utilisé des techniques visuelles pour rehausser ce message émotionnel, non ? Le drame émotionnel de cette image. Le défi dans la création d'un récit visuel est de savoir combien mettre et combien retirer. Vous voulez capter l'attention des gens rapidement. Tu veux t'assurer qu'il y en a assez, non ? Transmettre ce sentiment émotionnel dans le sens du temps et de l'action, mais vous ne voulez pas encombrer votre affiche avec choses inutiles qui ne font pas partie de l'affiche, ne fait pas partie de l'histoire. Un scénographe ne met pas beaucoup de choses sur scène qui ne contribuent pas au drame. Le scénographe utilise la lumière, non ? Se concentrer sur ce que nous sommes censés regarder, se concentrer sur l'action. De même, un graphiste veut choisir l'imagerie, la couleur, contraste et la lumière, pour se concentrer sur ce drame inhérent, cette action inhérente. Donc, quand on regarde cette affiche du père enchaîné sous la table, la composition, le blocage des autres visages, le contact visuel, non ? Ce contact émotionnel, toutes ces décisions nous aident à voir qu'il s'agit d'une histoire sur une famille en folie. Papa est le gars avec qui on veut s'identifier, on veut s'identifier à sa situation difficile. Comment allons-nous le libérer de sous cette table ? Donc, nous avons regardé comment raconter une histoire, comment trouver cette action essentielle à la base d'une affiche. Maintenant, nous allons regarder comment concentrer les yeux, comment amener le spectateur à l'histoire que vous essayez de raconter. 4. Activez la diagonale: La diagonale est un outil incroyable pour ajouter de l'énergie et du mouvement à la conception bidimensionnelle. Voici quelques affiches de E McKnight Kauffer qui a un incroyable designer américain travaillant au Royaume-Uni dans les années 1920 et 1930, sont des affiches qu'il a faites pour la compagnie de téléphone. Il a utilisé la diagonale pour créer cette composition vraiment dynamique. C' est une affiche qu'il a faite pour le thé. Si nous avons enlevé l'angle pour le type, ce sera super ennuyeux. C' est ce que ça a l'air droit. C' est à ça que ça ressemble avec un angle et c'est tellement mieux avec cet angle. Il lui donne vraiment de l'énergie et du dynamisme. Les angles suggèrent un mouvement, ils suggèrent également de la profondeur et c'est l' un des indices les plus essentiels en perspective linéaire, que les lignes convergeant dans l'espace nous emmènent dans l'espace. Cela fait partie de notre perception de la façon dont nous voyons le monde. Ici, Kauffer utilise ces quadrillages convergents et formes angulaires pour nous emmener dans l'espace de son affiche. s'agit d'une affiche antérieure de Kauffer qui est vraiment très conventionnelle et il utilise ici une technique que les paysagistes utilisent depuis des siècles, qui met un chemin sinueux au milieu de son paysage pour créer un lieu pour l'oeil pour aller. Littéralement, un chemin pour nous de voyager. En tant que concepteurs, je pense que notre travail devient plus efficace à mesure que nous devenons plus conscients de ce qui se passe lorsque vous mettez quelque chose sur un angle ou que vous faites converger les lignes. Comme nous avons commencé à remarquer le pouvoir, la transformation d'une page plate en une expérience dans le temps et l'espace, nous devenons plus en contrôle des ressources du design, vous devenez un meilleur designer. Voici une affiche plus moderne où Kauffer a appliqué la même technique. Alors, pensez à ce chemin qui traverse l'affiche comme une histoire, un voyage que l'œil prend. La moto se déplace sur cette chaussée et c'est ainsi que la diagonale introduit le sens de la narration dans la conception bidimensionnelle. s'agit d'une affiche de Philippe Apeloig, Ils'agit d'une affiche de Philippe Apeloig,produite à la fin des années 1980 et c'est un exemple très précoce de l'utilisation d' un logiciel informatique pour manipuler la topographie pour l'envoyer dans l'espace. Donc, il a enveloppé ce mot Chicago dans l'espace de cette magnifique photographie historique, pour créer cet effet dynamique de lettres occupant un paysage urbain en trois dimensions. Voici une affiche plus récente de Philippe où il a représenté la Tour Eiffel, qui est une image cliché de Paris, mais en la rendant en type, il l'a transformée en quelque chose de vraiment frais, nouveau et original. L' angle là lui permet de rendre la tour plus grande et de créer ce mirage comme le sens du mouvement et l'excitation émotionnelle dans l'affiche. Les concepteurs utilisent des diagonales pour créer un sens du mouvement et un sens de la profondeur. Ce mouvement et cette profondeur peuvent rester sur la surface, peuvent être plats sur la surface mais conduire l'œil à travers la surface ou il peut pénétrer la surface et créer une illusion de profondeur. Donc, je veux revenir sur le sujet du récit parce que récit est toujours sur le temps, sur quelque chose qui se passe. La diagonale aide à introduire cet élément du temps dans l'espace bidimensionnel en créant ce sens du mouvement, en conduisant l'œil à travers un chemin. Prendre le regard dans un voyage qui est une sorte d'histoire ou impliquer que les éléments de l'affiche sont en mouvement, comme la Tour Eiffel inclinant et jetant une ombre agitante. Parfois, les lignes parallèles ne convergent pas. La projection isométrique est un type de dessin architectural, dans lequel les lignes sont toutes au même angle permettant à un architecte de créer un dessin comme celui-ci que vous pouvez réellement mesurer dans l'espace pour que les distances restent les mêmes. Dans un sens, c'est une représentation intellectuelle d'un cube. C' est un cube tel que nous le connaissons, pas tel que nous l'expérimentons. Cela peut être appliqué la topographie de manière merveilleuse. C' est une belle affiche japonaise où le concepteur a essentiellement pris une pièce de typographie et l'a utilisée comme vue de plan, puis a projeté ces formes de construction à partir de ces lettres de base pour créer cette belle ville de formes de lettres. Quand on prend une forme de lettre et qu'on en crée une ville, c'est une histoire. Ces lettres ont été transformées en quelque chose de différent. un endroit que nous pouvons visiter. Un endroit où nous pouvons errer avec leurs yeux. Vous pouvez voir une technique similaire dans ces beaux dessins où une architecture a été créée à nouveau, en traitant la forme de lettre comme une vue de plan d'un bâtiment et en projetant simplement certaines des formes négatives à différents niveaux pour créer ce paysage de ville postmoderne. Voici un dessiné par Mark Gowing, un designer contemporain, où il a créé ces formes de lettres qui s'inclinent d' avant en arrière dans l'espace pour préciser le nom de l'artiste, il a été représenté, édité dans l'affiche, Jonathan Jones. Notez encore une fois que les lignes parallèles ne convergent pas, elles restent toutes parallèles car il s'agit d'une représentation isométrique. Maintenant que nous avons regardé comment raconter des histoires avec la forme, la ligne et la couleur et créer un sens du mouvement, nous allons parler de la façon de faire une histoire sur l'affiche elle-même, sur la surface elle-même. 5. Simplifiez: Regardons comment les concepteurs simplifient. Comment ils créent une image de base pour une affiche qui se débarrasse de beaucoup de détails inutiles pour créer une iconographie très claire et dominante. Il s'agit d'une série d'affiches d'Albert Exergian. Il crée ces imprimés à la demande et ce sont des affiches de fans pour les émissions de télévision américaines qu' il a représenté chacune de ces émissions dans une sorte d'icône de style suisse simple et simple. Donc, dans chaque cas, il a pensé à cette série télévisée et a pensé à quel genre d'objet ou d'image pourrait illustrer le drame de cette émission. Donc, par exemple, MacGyver qui est à propos d'un gars qui fabrique des machines et des armes cool à partir d'objets du quotidien. C' est juste un trombone géant. Mais ce trombone a cette petite torsion parce que MacGyver l'a gâché, ou qu'il représente les Mad Men avec un verre de scotch. Dans chaque cas, l'objet lui-même est représenté de la manière la plus simple possible. C' est vraiment drôle pour moi. Les Simpsons sont juste la forme de la coiffure de Bart Simpson. Donc, réduire toute cette émission de télévision à cette ligne déchiquetée ou réduire True Blood à ces triangles qui deviennent Fang. Donc, ce style réduit très simple. Alors réfléchissons à la façon dont vous représentez les choses simplement. Jetez un oeil à cette image. Je me demande si vous pouvez deviner ce que c'est. En fait, c'est une tasse à café. Le scientifique Stephen Palmer a fait le tour du monde et a demandé aux gens de dessiner des photos de tasses à café. Fondamentalement, ils l'ont dessiné comme ça. La plupart des gens ont une sorte d'image emblématique dans leur esprit de ce à quoi ressemble une tasse de café. Même si nous sommes souvent dans la vraie vie en regardant dans la tasse, cela pourrait être notre expérience, notre icône dans notre esprit est de la voir de côté. On ne dessine pas une tasse de café comme ça. Donc, en tant que designer, nous voulons souvent penser à ce qui est cette vue emblématique d'un objet, mais peut-être lui donner une touche. Fais quelque chose de spécial avec ça. moyen d'une promenade autour maintenant dans la ville et voir combien de fois une tasse de café est représentée iconiquement, la façon dont nous le portons dans notre cerveau. Pensez à une ampoule. Comment pourriez-vous représenter une ampoule ? C' est un objet assez basique avec une forme très familière. Voici une affiche d'un célèbre designer japonais et comme une affiche pour une exposition sur les luminaires, nouveaux luminaires inventifs passionnants. Donc, il a utilisé une ampoule comme icône pour son affiche, mais il a fait quelque chose de bizarre, il l'a rendue noire. Les ampoules que nous considérons comme étant la chose la plus brillante dans la pièce, pas la chose la plus sombre. Donc, il a inversé ça et nous donne un peu de surprise. Tout autour du bord de l'ampoule, vous voyez cet arc-en-ciel de couleurs qui suggèrent de la lumière et suggère un sentiment de cette chose lourde noire au milieu luisant. Voici une belle affiche avec une cuillère dans un bouquet de miel ou de pudding dégoulinant de la cuillère. Incroyablement simple d'une certaine manière. Il est imprimé en seulement deux couleurs d'encre et pourtant il y a cette merveilleuse complexité à la façon dont le dégradé crée un sentiment de volume et de mouvement. Donc, encore une fois, si nous pensons à la narration et que nous pensons à une affiche essayant de transmettre une sorte d'action, cette cuillère a une action implicite à travers ce morceau de délicieux trucs doux et brillants qui dégoulinent du bord. Ceci est une affiche avec une lampe au milieu par Alexander Gelman. C' est cette représentation emblématique incroyablement simple d'une lampe et il l'utilise pour promouvoir une lecture de poésie. Donc, l'icône est vraiment simple et reconnaissable, mais c'est un lien surprenant avec le sens. Et si on veut établir un lien émotionnel ? Voici une affiche polonaise pour un film de King Kong et l'artiste a créé sa propre représentation de King Kong, ce contour emblématique très frappant de King Kong. Mais au lieu de faire sombre le visage, il nous donne les yeux. Ça crée ce lien émotionnel. A la fin du film, on veut que King Kong gagne. Donc, en lui permettant de nous voir pour créer cette longueur émotionnelle pour nous en tant que personnes, cela rend les affiches beaucoup plus intéressantes, tellement plus convaincantes. C' est une autre affiche polonaise, c'est pour le film Midnight Cowboy, mettant en évidence sa belle bouche sensuelle, mais bloquant ses yeux. Ses yeux sont ombrés par son chapeau de cow-boy. Vous pouvez être surpris de voir combien vous pouvez éliminer et toujours avoir votre image a du sens. Je veux dire, regardez ce portrait du Cowboy de minuit et tout reste, c'est sa bouche et pourtant nous n'avons aucun doute que c'est un cow-boy. Nous avons tellement d'informations du contour et du sens subtil de l'ombre. Il y a une affiche de Paula Scher et elle a réduit son caractère à ses cheveux et là où ses yeux seraient, c'est là qu'elle met le genre parce que c'est là que nos yeux vont. Nos yeux cherchent à entrer en contact avec le visage du gars. Donc, souvent en tant que designers, nous cherchons des façons de faire un élément faire deux tâches et Paula Scher a fait magnifiquement ici en faisant les yeux aussi être le titre de l'affiche. Voici une affiche politique incroyable. Ici, le designer a mis en place cette image d' un crâne et créé des dents faites à partir de la Maison Blanche. Donc, en mettant ces deux icônes, ces deux symboles simples et reconnaissables très célèbres créent ensemble une image très puissante, une image saisissante. Voici une affiche des années 60 des grands soulèvements parisiens de 1968. Ceci est devenu un tel symbole de révolution, de soulèvement, de pouvoir d'en bas au poing et vous pouvez presque entendre cette affiche comme pow, nous allons bam capitalisme avec notre poing. Donc, en utilisant cette icône à nouveau très reconnaissable communique vraiment aux gens. Il y a une affiche de Seymour Chwast où au lieu de montrer de la violence, il montre ces points de lumière et ses mains tenant la lumière, illuminant la nuit et suggérant la paix, une sorte de révolte pacifique. Voici une autre prise sur le même type d'image est par M/M Paris. C' est une affiche qu'ils ont faite pour l'artiste Liam Gillick. Donc, si vous voulez en savoir plus sur les icônes et l'incroyable richesse de la façon dont elles représentent les choses avec des formes simples, consultez Bruno Munari à nouveau. Il a été un maître dans la recherche d'art graphique très convaincante pour représenter des idées complexes. Par exemple, regardez tous les visages qu'il a fait et il ferait ces esquisses merveilleuses et créerait toutes sortes de variations et ils représentent tous le visage humain mais avec une gamme très riche d'éléments. Apprenez à enlever les choses. Apprenez à vous débarrasser de ce dont vous n'avez pas besoin. Appliquez-le à toute votre vie, mais commencez par la conception d'affiches. Débarrassez-vous de la ordure et restez concentré sur ce que vous essayez de dire. Ensuite, nous allons examiner ce que vous faites avec ces éléments simples et comment vous pouvez créer un sens magique de la profondeur en superposant l'image et le texte. 6. Superposer: Parlons du chevauchement, et parlons de la façon dont la perception humaine fonctionne. Alors, jetez un oeil à ces rectangles sur l'écran. Ils flottent tous là, ils sont déconnectés, ils prennent de la place. Ce sont les mêmes rectangles, et si vous êtes comme moi, et comme la plupart des autres personnes, maintenant vous voyez quelque chose de différent. Ces trois carrés noirs s'alignent pour devenir une bande qui passe derrière les plus légers. Mais une fois que ces carrés noirs ne sont plus alignés, vous perdez les illusions, et maintenant ce sont des éléments séparés à nouveau. Les graphistes jouent avec cela tout le temps. Il y a une affiche de Paul Rand, où il a deux couches de type, et nous lisons les lettres blanches comme derrière les lettres noires. Nous lisons ce chevauchement comme une indication de profondeur. Voici une affiche d'Alexander Gelman, beaucoup plus complexe mais même idée, et il représente le type, ce imprimé sur deux couches de papier et une couche a été arrachée. Mais parce que les lignes de type s'alignent, notre œil les relie, et met ces avions ensemble, d'accord. Crée ces deux couches de textes et d'espace. Voici une affiche de Felix Pfaffli, et il a créé ces énormes formes de lettres condensées qui sont coincées ensemble sur la surface et qui se tissent les unes des autres, se déplaçant devant, se déplaçant derrière. Encore une fois, ils créent le sens subtil de la profondeur dans l'image bidimensionnelle. Voici une autre affiche de Felix Pfaffli, où il vous montre des feuilles de papier qui ont été collées les unes sur les autres, puis arrachées, et nous avons ce sens de la profondeur. Même si c'est en fait plat, tout est fait numériquement parce que ces bandes bleues se connectent comme un seul plan, et nous lisons cela comme un avion dans l'espace. Voici juste un bar tout seul. Maintenant, en voici un autre qui le traverse. C' est la transparence, et maintenant nous avons le sens de ces deux éléments occupant le même espace, bel outil magique de transparence, et les concepteurs font beaucoup avec cela. C' est une affiche célèbre de Massimo Vignelli, où l'encre est littéralement transparente, et que l'encre transparente imprime sur elle-même pour créer ces beaux chevauchements où la couleur est plus intense. Il y a une affiche de Michael Bierut, où il a pris ces deux mots, les effondre en un seul plan, et créé l'effet de lumière d'éclairage, en utilisant encore un logiciel pour créer l'apparence de ces deux mots qui se chevauchent occupant le même espace, si étonnant, si beau. Voici une affiche d'Eric Nitsche, graphiste suisse, a créé ce sens de ces deux chemins de l'avion qui se croisent, encore une fois par transparence. Voici un effet de transparence créé, non pas avec de l'encre transparente, mais avec des motifs transparents. Tous les éléments semblent occuper le même plan, et donc nous devons le séparer l'un de l'autre à travers la couleur et ombre afin que nous puissions lire le mot ouvert comme séparé du mot air, par exemple. Donc, lorsque vous travaillez avec profondeur et transparence, il est utile de penser au nombre d'avions, combien de complexité essayez-vous de créer ? Ici, Paul Rand, nous donne seulement trois plans : l'arrière-plan, le premier plan, le milieu. Ici Alexander Gelman nous donne vraiment trois plans : l'arrière-plan, le milieu, puis ce petit bloc d'hébreu en haut, qui devient la chose la plus proche de nous. Avec la transparence, encore une fois vous vous effondrez en un seul plan qui peut être fou, mais vous voulez toujours que le spectateur puisse décomposer le message. Je peux encore lire le mot « knoll » ici même si les lettres effondrent ensemble dans un seul plan transparent. Je peux encore séparer ici les deux mots parce qu'ils ont un niveau d'intensité différent. Droit. Donc, je peux relier les deux motifs, plus clairs et plus sombres en deux mots : lumière et année. Les chevauchements créent de la profondeur. Ensuite, nous examinerons les diagonales, qui créent également de la profondeur et du mouvement, mouvement pour l'œil et du mouvement dans l'espace. 7. Concentrez le regard: Parlons de la façon de concentrer l'œil, comment créer un design qui montre aux spectateurs où regarder. Il s'agit d'une affiche étonnante du début du XXe siècle de Lucien Bernhard, qui a inventé tout un style d'affiches appelées patte d'acier, où ils ont juste mis une chose au milieu d'une affiche, et vous saviez que c'était la chose que le affiche se vendait. Donc, au lieu d'une jolie fille tapant sur une machine à écrire, vous venez d'obtenir la machine à écrire, et était un style de conception brutal très direct. Ici, vous pouvez voir comment Bernhard a fait cette belle illustration simple et propre, et la typographie fait également partie de ce focus, n'est-ce pas ? Le nom du produit, et vous pouvez voir comment il a utilisé les contours autour de ses lettres et cette boîte rouge autour de tout le logo pour attirer l'œil sur ce texte. Donc, à première vue, cela ressemble à une affiche très simple, et c'était radical parce que c'était simple. Mais il y a encore beaucoup de détails là-bas, ce qui est de mettre l'accent, non ? Mettre l'accent sur les lettres et sur l'image au milieu de l'affiche. Ce sont deux affiches de guerre. Celui, « La nourriture est une arme », c'est de ne pas gaspiller votre nourriture. C' est de la Seconde Guerre mondiale et de la conservation des ressources. Il a un seul objet, non ? Une plaque vide au milieu de l'affiche. L' artiste a utilisé la lumière pour vraiment concentrer notre regard sur ce seul événement. Encore une fois, si vous pensez à la scène et à la façon dont un scénographe met la lumière au centre de l'action, c'est ce que l'illustrateur a fait dans cette image. L' autre affiche est pour la guerre civile espagnole, c'est une affiche très rare des années 1930. Donc, ici vous voyez ce verre géant d'eau propre au milieu de l'affiche. Encore une fois, la lumière est utilisée pour attirer notre attention, non ? Comme des lumières sur la scène, attirez notre attention sur ce bel objet au milieu de la composition. Ces deux affiches ont cependant une sorte d'angle en eux, une diagonale. Donc, l'objet n'est pas seulement assis là statique, mais il y a un sens du mouvement et un sens du mouvement à travers l'affiche qui le rend plus intéressant. Donc, si nous regardons cette image par exemple, imaginez si ce verre d'eau était juste assis dans l'affiche. Eh bien, je vais vous montrer. On dirait ça, super ennuyeux, non ? L' ajout d'un angle crée cet élément de dynamisme qui secoue vraiment l'affiche et crée du mouvement. C' est un excellent livre de Bruno Manari. Il était incroyable designer italien et écrivain critique de design et il a écrit cet article dans les années 60 appelé, affiches avec l'image essentielle, dans lequel il se moque des affiches qui ressemblent à ceci. Il l'appelle le principe du drapeau japonais de la conception d'affiches. Les concepteurs d'affiches dans les années 60 fabriquaient ces affiches qui avaient juste une grosse chose ronde au milieu. Ceci est une affiche suisse des années 1960, c'est pour l' exposition sur l'art de la pochette de l'album. Au lieu de montrer l'art, le designer vient de mettre ce gros album rond au milieu de l'affiche, mais il y a encore un élément de dynamisme. Remarquez comment le concepteur a laissé tomber une ligne centrale jusqu'au milieu de l'affiche à travers ce gros album, et la typographie est configurée de chaque côté de cette ligne centrale, ce qui crée une asymétrie dynamique. Donc, même si l'affiche semble à première vue très statique, non ? Très contrôlé par ce géant rond au milieu, il y a encore cet élément de design typographique dynamique très moderne. Voici une de mes affiches préférées, c'est de Felix Pfaffli, un jeune graphiste suisse qui travaille maintenant. C' est une affiche qu'il a faite pour le groupe, « Future Island » et son affiche a un gros truc rond au milieu, mais c'est vide, non ? Donc, au lieu d'être un disque solide, ou un symbole solide, ou une icône, c'est juste un grand vide, non ? Et la typographie est forcée d'enrouler autour de ça, et vous comprenez que le vide est en train de manger au milieu de l'affiche. Parfois, les designers ne veulent pas se concentrer, et il y a quelques exemples étonnants de l'histoire du design d'affiches qui vous rendent fou, affiches qui ne vous donnent pas un seul endroit pour regarder. Donc, ce sont des affiches psychédéliques très célèbres des années 1960. Vous pouvez voir comment l'artiste a utilisé des couleurs vibrantes, non ? couleurs qui sont très proches en valeur pour créer cette sensation optique pour rendre difficile à votre œil de savoir où regarder. Vous pouvez voir qu'ici, avec ce lettrage en forme de flamme qui tourbillonne et se tord sur la surface de l'affiche, nous ne savons pas où regarder. Ce sont deux dessins contemporains qui présentent la topographie très bien en vue, mais les formes de lettre sont dans cet espace fou tourbillonnant où il est en fait assez difficile de les lire. Voici l'affiche d'exposition de Michiel Schuurman, et vous pouvez voir ici comment il a fait des lettres à partir de centaines de ces sphères 3D, et créer cet environnement très agité difficile à regarder. D' accord. Mais vous pouvez aussi voir que Schuurman a mis des bulles autour ce petit texte juste au milieu de l'affiche pour que nous ne puissions pas le voir, et c' est une technique un peu comme on le voit sur Bernhard mettant contours et des boîtes autour de son type pour attirer l'attention sur ça. Donc, il est vraiment important en tant que designer de penser, où voulez-vous que les gens regardent ? Avez-vous un seul élément le plus important ? Avez-vous un point d'ancrage ? Voulez-vous créer un point focal unique ? Tu veux amener des gens au centre ? Voulez-vous les amener à un message fort ? Ou voulez-vous créer une expérience optique plus complexe ? Les deux sont de grandes idées, grandes stratégies pour un designer. La plupart des affiches empruntent cette voie plus ciblée et ciblée. Mais vraiment pour vous de manière créative, il est important de décider à quelle extrémité du spectre voulez-vous être ? Parce que souvent les affiches vraiment ennuyeuses que le designer n'a pas vraiment décidé de quelle façon être, n'est-ce pas ? Ils ont juste beaucoup de choses qui rivalisent pour votre attention sans un vrai point. L' une des façons de créer une mise au point est de simplifier vos images, et c'est ce dont nous parlerons ensuite. 8. Attaquez la surface: Le design est un processus actif de fabrication. Parfois, nous pouvons ajouter de la narration à notre œuvre en racontant la réalisation de l'œuvre, en faisant des choses à la surface, en transformant les éléments avec lesquels nous travaillons pour créer un autre genre de narration, un autre genre d'histoire. Il s'agit d'une affiche célèbre de Saul Bass, le grand concepteur de titres de film et designer d'identité d'entreprise. C' est une affiche qu'il a faite pour le film Exodus en 1961. Ce qu'il voulait faire, c'était faire croire que l'affiche était en feu. Donc, il a conçu une affiche, mais il a ensuite soumis cette image à un autre récit, un récit de brûlure. Il a fini par utiliser cette imagerie pour les titres du film et pour tous les supports marketing autour du film. C' est devenu cette signature très identifiable. Voici une affiche où le designer a mis ce genre de croix de peinture violente sur le fond de l'affiche pour suggérer une sorte d'agression ou de graffitis. Vous venez de près et vous voyez cela, le designer a permis aux pignons du film de montrer. Donc, le designer veut que nous voyions l'affiche comme un artefact physique, comme quelque chose qui a été fait, et que la fabrication de l'affiche fait partie de l'histoire, ça fait partie du récit. Cela se fait d'une manière plus graphique ou pop où l'artiste a créé ce sentiment de goutte à goutte, où ce grand carré rouge à l'arrière de l'affiche se fond dans l'espace ci-dessous. C' est un film sur les vampires, donc l'affiche saigne. Il saignait de lui-même, dans l'espace blanc. Voici une affiche qui utilise des graffitis et de la peinture en aérosol pour créer cet espace complexe en couches, et créer ce sentiment de quelque chose de brut qui se passe au-dessus d'une image numérique très polie. Ce contraste entre le parfait et l'imparfait, le numérique et le fait main, est un merveilleux morceau de conflit, de conflit émotionnel, de conflit visuel, pour les concepteurs de travailler avec. Encore une fois, ajoute ce genre de tension narrative à votre travail. Dans cette affiche, nous avons l'impression d'un mur qui a été peint, et le designer nous a donné cette texture. Nous pouvons voir à travers cette texture jusqu'à ce qu'il y a derrière elle, mais puis il y a cette image très propre et cool superposée sur le dessus, ce qui crée encore un conflit entre le parfait et l'imparfait. droite ? Nous pouvons voir le tout très propre, mais nous approchons et cette surface a une histoire à raconter. Ici, le concepteur a pris des lettres et les étirer. On dirait qu'il est tendu sur une machine xerox, ou arraché physiquement, et ça devient une sorte d'histoire. Le sujet est entre les deux et notre regard est attiré par ce genre de pistes étirées, que les lettres font lorsqu'elles sont arrachées, car cet espace entre devient le héros de l'affiche. Ou ici, les formulaires de lettre ont été bavés, ce qui nous donne une idée du temps. droite ? De quelque chose qui s'est passé. Les lettres font une trace, elles laissent des preuves d'elles-mêmes sur la page. C' est vraiment ce qui donne à cette affiche son pouvoir émotionnel. C' est le sentiment que les lettres font partie d'une sorte d'action. Ou ici ce montage photo, où l'acte de couper l'image crée une sorte d'action, une sorte de violence à l'image. Donc, l'affiche elle-même se sent très sereine et statique, mais en découpant le visage de la figure et en y mettant le texte, nous obtenons ce sens de l'action et de la narration. Enfin, cette affiche prend une sorte d'image historique de l'art traditionnel, mais la découpe en morceaux pour créer ce sens de la violence, ce sens érotique de la violence. En ajoutant cette encre rouge sur le visage. Encore une fois, nous avons le sentiment de quelque chose de mauvais qui se passe, non ? Quelque chose d'explosif et négatif. Donc, simplement en décomposant une image conventionnelle et en y ajoutant des jags, de l'espace et de la fragmentation, nous obtenons un impact émotionnel différent de celui que nous obtiendrions simplement de l'image elle-même. Donc, les concepteurs pensent à quel genre d'humeur ils veulent créer. Est-ce qu'ils veulent une humeur violente ? Ils veulent une humeur rapide et bruyante ? Est-ce qu'ils veulent que quelque chose se sente doux, qui se déroule au fil du temps ? L' ajout de ce genre d'actions peut être fait d'une manière très délibérée pour aider à construire cette humeur. C' est dur ou doux ? C' est doux ou rapide ? C' est soudain ou c'est arrivé il y a un million d'années ? Alors, essayez de réfléchir délibérément et intentionnellement à ce que vous voulez faire de l'action. Donc, ces effets peuvent être physiques. Vous pouvez littéralement éclabousser de la peinture sur votre affiche, ou ils peuvent être purement graphiques. Ils peuvent être réalisés entièrement avec des outils numériques. Vous pouvez impliquer un mouvement. Vous pouvez utiliser des matériaux réels et réduire le geste réel de la main dans votre travail, ou vous pouvez utiliser des techniques numériques pour étirer, manipuler et déformer. Mais ce que nous recherchons ici, c'est le sens de l'action, de quelque chose qui se passe dans les matériaux visuels de la pièce. C' est une autre forme de récit, c'est ce récit de fabrication. Quand vous allez dans cette voie, vous devez vous préparer à l'échec. Tout ne va pas marcher. Toutes les expériences ne porteront pas de fruits. Vous courez sur votre affiche avec le camion Big Mac, il pourrait être ruiné pour toujours. Donc, c'est une affaire risquée. Va faire une aventure. Essayez-le et voyez ce qui se passe. Une partie du plaisir est de ne pas savoir tout à fait ce qui va se passer. 9. Visiter le Cooper Hewitt Smithsonian Design Museum: Bonjour, bienvenue au Cooper Hewitt Smithsonian Design Museum. Nous sommes ici au manoir historique Andrew Carnegie où se trouve notre musée. Je suis vraiment excité de marcher à travers l'exposition avec vous et vous montrer quelques-unes des belles pièces que nous avons à voir. Ce sont des affiches inspirées par le psychédélique, la musique et les graffitis où les designers font vraiment un gâchis visuellement. Là où ils encombrent toute la surface avec des couleurs, formes, des lignes et des images. Ils essaient de vous mettre dans le cerveau de quelqu'un, peu comme un processus de pensée fou de cet artiste. Donc, cette très grande pièce interactive, vous montre le design par rapport à votre corps. Donc, tout ce qui est conçu est en fait créé pour que les êtres humains interagissent physiquement avec. Donc, cette pièce interactive vous invite à faire un geste, puis elle trouve un objet de notre collection qui vous montre comment quelqu'un a créé un artefact qui répond à votre corps de cette façon. Donc, voici comme une théière. J' adore la façon dont les graphistes peuvent prendre une image très simple, mais en la coupant et en la séparant, cela crée ce sentiment d'action, d'émotion et de tension à nouveau . Donc, simple de prendre son visage et de créer de l'espace, et de mettre le type au milieu. C' est ce geste incroyable qui nous amène dans le monde émotionnel de l'image. Donc, ce simple acte de chevauchement, de mettre une lettre devant une autre, crée un sentiment de profondeur. Ce sens étonnant de l'espace juste là sur la surface bidimensionnelle, et il peut devenir assez complexe. Où vous avez vraiment à travailler avec votre œil et faire la connexion de lettres sur différentes couches, différents plans. Donc, il peut passer du simple au complexe, et pourtant c'est la même idée. C' est cette magie, ce pouvoir de se chevaucher et mettre une chose devant une autre pour créer un sens de l'espace. On a l'habitude de voir des affiches dans la rue, dans le métro, dans les cabines téléphoniques et dans un magazine. On a l'habitude de voir le design commercial. C' est amusant de venir à l'intérieur du musée et de voir ces choses encadrées et sur un mur. Ils vous invitent à ralentir et à vraiment les regarder, et à les regarder comme une sorte d'art, mais ce n'est pas de l'art, car contrairement à l'art, une affiche essaie toujours de vous dire quelque chose. Aujourd'hui, nous utilisons principalement des outils numériques, mais dans le passé, impression typographique qui est en relief, sorte que l'encre va toujours frapper cette surface supérieure et que les empreintes de pas. Vous verrez ici que c'est à l'envers parce que lorsque vous mettez le papier sur le dessus, alors cela reçoit l'impression allant dans le bon sens ou impression lithographique qui est encore utilisée aujourd'hui mais est un processus d'impression plat. Fondamentalement, ce que vous faites est de mettre une image sur cette surface plane qui résiste à l'eau, puis vous obtenez tout mouillé, puis encrez-le jusqu'à la partie qui a l'image dessus. Ensuite, vous appuyez sur le papier qui ramasse l'encre. Avec la sérigraphie que beaucoup de gens utilisent aujourd'hui, et vous pouvez faire dans votre propre appartement si vous avez le bon équipement. Ainsi, la sérigraphie est essentiellement un pochoir, et une partie de l'écran est bloquée et l'autre partie permet à l'encre de passer à travers elle. Ainsi, lorsque vous appuyez sur l'écran qui crée les impressions. Chacun de ces médias, a son propre genre d'esthétique qu'il encourage tout comme Photoshop et Illustrator vous encouragent à travailler d'une certaine manière, le processus d'impression final que vous utilisez pour créer votre œuvre a une esthétique à elle. Vous pouvez voir cela dans la conception d'affiches comment la technologie influence les formes que les gens créent. Ces affiches sont réalisées à Paris lors des célèbres soulèvements étudiants de 1968. Les étudiants travaillaient dans leurs studios la nuit, découpaient ces pochoirs très simples, puis les sérigraphiaient et le lendemain ils seraient partout dans les rues de Paris. Vous pouvez voir la simplicité de cela et comment le design est réellement créé pour maximiser le processus de sérigraphie et la simplicité de créer un seul chemin d'encre. C' est vraiment amusant de regarder les couvertures de livres parce qu'elles sont la même chose qu'une affiche seulement elles sont petites, mais tout comme une affiche, elles racontent une histoire. Ils doivent transmettre l'émotion. Ils doivent entrer en contact avec les gens dans un délai très court pour le voir et s'y intéresser. Aujourd'hui, les affiches ne sont pas seulement imprimées, elles apparaissent en ligne, elles apparaissent sur des panneaux géants éclairés sur Times Square. Ainsi, les concepteurs aujourd'hui prennent les mêmes principes de focalisation de l'œil, se chevauchent, utilisent la diagonale, font le contact visuel. Toutes ces idées sont toujours utilisées dans d'autres médias où les affiches sont animées, émouvantes et changent au fil du temps. Ici, vous pouvez voir comment le concepteur a pris les formes de lettre et les a déformés numériquement. Donc, ils vont dans l'espace de l'affiche. Ils deviennent cet aspect dynamique et tridimensionnel de l'affiche, puis toute la photo derrière est également sur un angle qui crée un sentiment de la ville dynamique, cette grande ville de Chicago qui a construit le premier gratte-ciel au début du XXe siècle. Donc, cette affiche a ces yeux géants que vous ne pouvez pas vous en éloigner. Toutes les affiches ici vous regardent. Ils essaient de se connecter avec toi. Ils font le contact visuel. Ils vous tendent la main avec ce regard, ce regard que vous ne pouvez pas échapper. Ces affiches de Massimo Danieli utilisent la grille et en font partie intégrante. Ainsi, beaucoup de concepteurs utilisent des grilles pour organiser leur espace. Mais on ne le voit pas d'habitude. Il va dans le fond, et Danieli était vraiment célèbre pour avoir pris ces éléments de la grille et les rendre visibles, en les transformant en partie de ce que vous regardiez. Les concepteurs utilisent la couleur, la forme, la forme, l'image et le type pour raconter une histoire, poser des émotions, attirer votre attention et vous pouvez tout voir dans des affiches. Nous avons des milliers d'affiches ici au Cooper Hewitt Smithsonian Design Museum. Vous les voyez sur notre site Web, et vous pouvez venir au Musée et voir notre exposition comment fonctionnent les affiches. Bienvenue, amusez-vous et faites vos propres affaires. 10. Créer un poster: Maintenant, nous allons vraiment faire un projet. Je vais vous guider étape par étape dans le processus de création de votre propre affiche de film. Donc vous allez choisir un film que vous aimez et nous voulons un film avec un nom dans le titre. Beau titre orienté objet simple. Je vais faire les Oiseaux de Hitchcock. Tu pourrais faire la vitre arrière, Blue Velvet. Il y a toutes sortes de films et nous vous avons fourni la liste. Mais l'idée est de choisir un où vous pouvez vous concentrer sur ce genre d'image singulière très simple. La première chose que nous allons vouloir faire, c'est quelques recherches d'échauffement. Donc, évidemment, vous allez vouloir regarder le film. Passer un peu de temps à s'imprégner du film et à découvrir sa grande idée. Ensuite, la prochaine chose que je vous recommande de faire et ce que j'ai fait est, j'ai fait une sorte de remue-méninges verbales. J' ai fait toute une liste de noms liés à mon corbeau, prédateur, essaim, bec, griffe et puis j'ai fait toute une liste de verbes parce que je veux vraiment nos affiches soient actives et véhiculent une sorte d'action autour du film. Alors attaquez, essaim, submergé, foule, envahissez. On va passer un peu de temps réfléchir à laquelle d'entre eux m'excite vraiment, comme ce mot essaim, c'est un nom et un verbe. Donc j'aime ça parce que ça semble être une idée très active. Gratter, ça semble important. Cage à oiseaux, ça m'intéresse comme une sorte d'image. La prochaine chose que je veux faire est vraiment penser à ce qui est l'action principale de ce film. Donc, pour les oiseaux, l'action principale est ces oiseaux attaquent la civilisation. C' est comme un soulèvement terroriste de la nature contre l'homme. La prochaine chose à laquelle je veux que tu penses, c'est quelle est l'émotion principale de ton film ? Donc, il y a de l'action, pas vrai, que se passe-t-il, mais quel genre d'émotion ce film essaie-t-il de remuer les gens et comment peux-tu, dans ton poster, essayer de remuer cette émotion aussi ? Donc, pour les oiseaux, l'émotion est vraiment cette idée de menace et de menace qui se cache dans les choses de tous les jours. Même nous voulons faire quelques recherches visuelles pour commencer, les recherches Google sont vraiment utiles parce que vous branchez un mot et vous vous sentez instantanément comme ce qui est le cliché l, comme ce qui arrive automatiquement ? Maintenant, vous vous êtes immergé dans le film et les idées, l'émotion et l'action. Maintenant, vous voulez faire quelques croquis vraiment lâches pour obtenir vos propres idées. Il est très important d'esquisser à la main car ces croquis sont décontractés. Ce n'est pas un gros investissement. Vous ne vous engagez pas déjà sur les polices et vous ne vous inquiétez pas de la façon dont vous dessinez, comment vous allez trouver ces illustrations. Donc, j'ai fait un tas de croquis et j'aime certains d'entre eux, certains d'entre eux sont vraiment mauvais. Je ne vais certainement pas faire ça. J' aime certaines de ces idées. J' ai l'impression d'avoir beaucoup de choses avec lesquelles je peux travailler ici. Alors j'ai choisi cette idée. C' est comme un oiseau vraiment mignon. Mais cet oiseau mignon a un ver dans sa bouche, comme si cet oiseau était un prédateur. Cet oiseau est un tueur. Je dois bien penser comment je vais représenter ce petit gars ? Parfois, il est amusant de faire des croquis avec du papier parce que vous obtenez un autre type de ligne. J' ai fait un dessin vectoriel basé sur ce type. Puis j'ai commencé à mettre ça dans une affiche. C'est bon. Je ne pense pas que ça représente vraiment la menace que je cherche, mais c'est un peu le début. J' ai donc trouvé cette gravure que j'aime et j'ai pensé que cette gravure transmet à nouveau des oiseaux comme une sorte d'animaux doux amicaux. Mais je veux mettre ces vers méchants dans leur bouche et les rendre inquiétants. Donc, j'ai fait ça et ce type a fait les vers. Je les ai fait avec de l'encre. Ils ont ce flux vraiment naturel vers eux, ce qui est assez agréable. Ainsi, vous pouvez dessiner des choses à la main. Mais c'est agréable de dessiner les choses d'autres façons aussi et de voir comment, eh bien, si vous voulez faire une ligne fluide, faites-le avec du fluide. Alors j'ai fait mes vers en jouant avec de l'encre. Donc, c'est un croquis que j'aime et maintenant je pense aux principes dont nous avons parlé comme concentrer l'œil. Je veux faire une petite ville autour de l'image qui attire notre attention et donne aussi à ce contexte un peu de présence, d'accord. Donc, je trie la surface. Mais voici une autre idée comme qui est avec la cage à oiseaux. J' aime l'idée de cette cage à oiseaux comme une sorte d'image de la vie domestique où ces oiseaux prennent le contrôle de la société là-bas. Cet assaut contre la civilisation à cette cage à oiseaux qui avait la forme d'une maison. Je pense que c'est une idée très soignée avec laquelle travailler. Je veux vraiment que ma cage à oiseaux ait un sentiment plus inquiétant. Donc c'est comme le croquis que j'ai fait initialement et je pourrais en faire un beau dessin vectoriel, mais j'aime vraiment le dur sentiment de dureté de celui-ci. Je vais faire une image très grossière de ma cage à oiseaux. Encore une fois, mon encre est vraiment amusante à travailler avec. Donc je peux faire un dessin à l'encre. juste avec un pinceau et de l'encre. Je pense vraiment que la qualité de la ligne est vraiment agréable et transmet à nouveau le sentiment émotionnel que je veux. Donc, voici un croquis. J' ai cette image de cage d'oiseaux là-bas et j'ai scanné l'image sous forme de bitmap. Donc, voici une sorte de conception de base. Il y a beaucoup de diagonales naturellement, mais je regarde mon type et je pense que ce serait plutôt agréable d'avoir le type un peu de diagonale à elle. Je veux ce qui va se passer ? Où est l'action ? J' ai besoin de quelques oiseaux. J' ai besoin de l'action des oiseaux. Donc, j'ai fait ce dessin d'un oiseau pour le représenter comme des points d'encre, des fentes d'encre qui deviennent une sorte de représentation abstraite d'un essaim d'oiseaux. Encore une fois, si j'ai scanné ce dessin en tant que bitmap très haute résolution, et parce que j'ai scanné cela en tant que bitmap, je peux changer la couleur de cette image. Donc, je vais le changer en blanc et maintenant il se sépare de la cage ce qui est vraiment excitant. Je travaille dans le design. J' aime vraiment ça. J' aime combien il est facile de faire de nouvelles pages, de créer très rapidement des variations d'un design. Vous pouvez faire la même chose dans Illustrator avec plusieurs tableaux d'art, quel que soit votre confort. Ensuite, je peux jouer avec elle et dans le design et donc mes oiseaux sont blancs sur ce fond rouge. Je pense que ça a l'air cool. Je pense que si je mettais le type dans la cage à oiseaux ? Je pense que c'est intéressant. J' ai ensuite ajouté cette sorte de gradient de l'idée du coucher du soleil. Par conséquent, l'ajout d'un dégradé simple est un moyen de créer un sens du temps, du mouvement et du changement dans une image bidimensionnelle. Donc, voici une autre idée que j'ai eue. J' ai trouvé cette grande gravure d'un magazine du 19ème siècle avec beaucoup d'oiseaux dedans. Pour moi qui transmet plus le sens de la personnalité et ces oiseaux en tant qu'individus, mais les oiseaux sont effrayants dans le film parce qu'il y en a tellement. Donc je trouve ce genre de menaçant et j'ai mis le genre ici dans cette petite boîte qui est un peu élégante et scientifique. Alors oui. Voilà le splat de mon Burchett. Je pense que c'est un peu soigné. Et si je mettais le type droit dans ce splat ? Oui. Maintenant, j'aime ça. Maintenant, tout va ensemble. J' ai cette focalisation l'œil, écrire que splat devient ce cadre pour le titre d'un film et c'est l'action, à droite. C' est une surface, c'est quelque chose d'actif, quelque chose de physique dans l'affiche. Donc, c'est trois idées différentes et c'est quelque chose que j'aimerais que tu essaies avec ton projet. Venez avec trois idées et travaillez vraiment à travers toutes. Voyez si vous pouvez en trouver trois qui vous plaisent vraiment. J' aime vraiment cette forme de cage à oiseaux comme une maison comme une sorte de métaphore de ce qu'est le film. C' est presque un film écologique. C' est vraiment à propos des oiseaux qui se battent contre les êtres humains. Donc j'aime cette idée de ce genre de cage domestique. Ok donc, si vous pensez au genre, vous verrez que j'ai mis le nom du film et le réalisateur et c'est vraiment le strict minimum. Si vous vouliez ressembler à une véritable affiche de film commercial, c'est sans fin. Vous pouvez mettre les stars, le producteur et la société qui a tout fait, tout ce que vous voulez y mettre. Mais au minimum, nous voulons le titre du film et le réalisateur. Donc, je vais prendre mes trois résultats préférés de cet exercice. Je vais les poster dans la galerie pour les partager avec vous tous et j'aimerais que vous fassiez la même chose. Alors, faites quelques idées, emmenez-les vraiment à leur limite et mettez les meilleures choses là-haut. C' est vraiment agréable de voir une gamme de solutions à un problème. Partagez vos esquisses, si vous souhaitez partager vos esquisses. Si vous travaillez complètement à la main, prenez une photo de votre affiche. Mais nous aimons vraiment voir ce que vous avez et avoir la chance pour tout le monde de commenter votre travail et d'apprendre de ce que vous avez fait. 11. Réflexions finales: Merci beaucoup d'avoir fait ça avec moi, je me suis tellement amusé. Nous sommes allés au musée, nous avons regardé de vraies affiches en vue à Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum, puis nous avons étudié ces principes universels du design : concentrer l'œil, chevaucher, activer la diagonale, raconter une histoire, c'est de cela qu'il s'agit. Ensuite, nous regardons étape par étape comment vous pouvez faire votre propre affiche, trouver l'action d'un film, trouver l'émotion du film, et créer des actifs simples et clairs, simplifier. Jouez avec eux, voyez ce que vous pouvez faire pour créer votre propre affiche et partagez-les avec nous. Nous voulons vraiment voir le travail que vous faites. Trouvez l'action, trouvez l'émotion du film et voyez comment vous pouvez le rendre réel dans votre affiche. 12. En savoir plus avec Ellen Lupton: