Créer un impact grâce à l'art : conceptualiser des idées uniques qui résonnent

1. Introduction: Je ne sais pas si l'un d'entre nous a vraiment voulu être un artiste quand on commence. Je sais que quand j'étais enfant, je voulais être chauffeur de bus, puis barbier, puis un bon joueur de hockey. Mais je pense que ce que nous voulons tous, c'est avoir un impact. Nous voyons des choses dans ce monde que nous voulons donner une plate-forme ou que nous voulons contester, même si c'est seulement à l'intérieur de notre propre identité, peut-être même à notre propre sens de l'identité. m'appelle Aaron, je suis cinéaste, scénariste et réalisateur, et j'ai passé les 7 à 10 dernières années à travailler avec différentes organisations pour les aider à avoir un impact à travers ma forme de film artistique. L' art est plus que des mots sur papier, la peinture sur toile, c'est l'expression ultime d'une pensée. Mais parfois l'art que nous créons, nous nous sentons aussi vides que la toile était quand nous avons commencé. On se demande : « Pourquoi ça ne dit pas ce que je voulais ? » Ou, « Pourquoi n'est-il pas entendu comme je l'espérais ? » Ce cours est l'endroit où je partage mon approche pour créer un impact avec votre art, pour encadrer votre créativité d'une manière qui laissera les gens en parler pendant les jours et les semaines à venir. Que vous soyez illustrateur, photographe, cinéaste, ces leçons s'appliquent car au cœur de ce dont nous parlons, c'est comment traduire une pensée en un concept auquel tout le monde peut se rapprocher. Maintenant, nous allons construire pour faire cette dernière pièce d'art, mais nous allons nous concentrer sur la phase conceptuelle à l'avance. La beauté de ceci est que nous pouvons le faire sous n'importe quelle forme d'art que vous choisissez. Quand j'avais 22 ans, j'ai réalisé un film sur la noyade mondiale et il a fini par être joué à l'ONU et à l'Organisation mondiale de la santé, essayant d'inscrire cela comme un énorme problème mondial qui devait être résolu. C' est le moment où j'ai réalisé la première fois, le moment où j'ai su que mon art avait le pouvoir de changer le monde, et le vôtre aussi. Vous avez une perspective du monde, et cela mérite d'être entendu. Espérons que, grâce aux techniques que je vais partager, vous trouverez plus facile de mettre cela dans votre art et de laisser l'impact que vous voulez obtenir. C' est mon art, ce sont mes pensées, et vous êtes les bienvenus à me rejoindre. 2. Le projet de cours: Bienvenue. Avant de plonger, j'ai pensé que je vous expliquerais ce que le projet de classe est pour ça, et vous donnerais une idée de ce que nous allons faire. ici la fin de ce cours, nous aurons trouvé un concept pour une œuvre d'art qui va laisser un plus grand impact. Maintenant, nous allons construire pour faire cette dernière pièce d'art, mais nous allons nous concentrer sur la phase conceptuelle à l'avance. Nous allons le faire à travers 4 à 5 classes différentes qui couvrent tous ces aspects différents qui peuvent donner plus d'impact à votre art. La beauté de ceci est que nous pouvons le faire sous n'importe quelle forme d'art que vous choisissez. Si vous êtes illustrateur, vous pouvez l'illustrer. Si vous êtes photographe, vous pouvez le faire à travers des photos. À la fin de la classe, si vous êtes heureux de partager tout le processus ou seulement des parties du processus, que ce soit la phase conceptuelle ou la dernière œuvre d'art, c'est tout à fait bien. n'y a pas de pression là-dessus, c'est tout à fait à votre interprétation. Lorsque vous êtes prêt, prenez ce carnet de croquis, ce bloc-notes ou cet ordinateur portable, et nous allons commencer à faire de votre art un impact plus long et plus important. 3. Laissez-les penser à votre art: Quelle est la première chose que nous pouvons faire pour donner plus d'impact à notre art ? Eh bien, ça se résume à un changement très simple de l'état d'esprit, et c'est quelque chose qui m'a pris beaucoup de temps pour m' attaquer, mais en fait, dès que je l'ai fait, il a juste cliqué. C' est cette idée de poser des questions plutôt que de faire de grandes déclarations. Nous aimons tous les questions. Les questions qu'ils nous font deviner et ils ouvrent une conversation. « Hé, comment vas-tu ? D'où as-tu eu les chaussures ? » Ces choses sont beaucoup plus engageantes que, « Oh, tu dois être bon. Oh, ces chaussures viennent de Zara. » C' est l'idée de créer une conversation ouverte pour votre art. blagues et les énigmes en sont deux exemples. Prenons juste un exemple. J' ai des villes, mais pas de maisons. J' ai des montagnes, mais pas d'arbres. J' ai de l'eau, mais pas de poisson. Qu'est-ce que je suis ? Avec les créations, nous sommes obsédés par ces grandes déclarations, c'est ce que nous pensons devoir faire en tant qu'artistes. Mais si vous pensez à des moments dans votre vie où vous avez peut-être fait quelque chose que vous regrettez ou vous avez dit quelque chose, ou vous avez vécu quelque chose qui vous a laissé vous demander, était-ce la bonne chose à faire ? C' est cette question qui nous fait revenir. On ne pense pas, j'ai fait quelque chose de terrible, on se demande, c'est bien ? C' était la bonne chose à faire ? Permettre à cette conversation de s'ouvrir, c'est ce qui nous fait penser bien après les événements. Que votre travail couvre une question d'actualité ou quelque chose d'un peu plus banal, ayant cette capacité de nous faire réfléchir plus longtemps après que nous l'avons vu, c' ce que nous voulons faire, c'est ainsi que nous créons de l'impact. L' un des problèmes que nous avons lorsque nous essayons de présenter ces idées comme une déclaration, c'est que je peux être accusatoire. Les gens pensent que nous les accusons de ne pas respecter les normes élevées, et la réaction des gens en vol ou au combat a été déclenchée et soit ils vont devenir défensifs, soit ils vont simplement l'ignorer. Alors que, comme je l'ai dit, si nous avons cette question, alors nous leur permettons de s'engager et de raisonner réellement ce qu'ils pensent. Nous ouvrons notre art à l'interprétation plutôt que de nous contenter de dire que notre interprétation est la seule bonne façon de le faire. Ce que nous allons faire d'abord, c'est que nous allons réfléchir à des questions qui couvrent certains domaines d'intérêt pour nous-mêmes. Mais avant d'en arriver à ça, je veux juste vous montrer un exemple en utilisant une de mes œuvres préférées, qui est Edward's Hopper, Nighthawks. C' est beau, c'est cinématographique, et pourtant le peintre nie que tout symbolisme de l'isolement humain et du vide urbain était intentionnel. En disant : « Inconsciemment, probablement, je peignais la solitude d'une grande ville. » S' il ne fait pas consciemment une grande déclaration, il pense probablement à ce qu'il ressent en termes de questions. Nous pouvons jeter un coup d'oeil à n'importe quelle œuvre d'art et essayer résumer en pensant aux questions plutôt qu'aux déclarations. Pensez aux questions de cette image. Pourquoi ces gens ici ? Comment se sent quelqu'un quand il est assis dans un restaurant à 2 h du matin ? Est-il normal de se sentir seul ? La solitude est-elle moins solitaire ou est-elle encore plus solitaire ? Les villes sont-elles de bons environnements sains pour les gens ? Ce tableau, il ne répond à aucune de ces questions, il ne fait que les présenter. Nous pouvons interpréter cela comme nous le voulons. Pour moi, ça m'attire parce que je peux m'imaginer ne pas être capable de dormir et de penser, j'irai prendre un café à 2h00 du matin parce que je ne veux pas être seule non plus. Donc je pense que je vais sortir et je me retrouverai dans un espace où je n'ai pas besoin de parler, parce que tout le monde dans cet espace ressent la même chose. C' est comme ça que je l'interprète, et vous pouvez l'interpréter différemment. Mais c'est pourquoi cette œuvre d'art est si populaire, si percutante parce que nous pouvons tous l'interpréter comme nous le voulons. Maintenant, nous commençons à construire notre œuvre avec une question. Tout ce que nous devons faire, c'est juste penser à beaucoup de questions qu'ils peuvent poser sur n'importe quoi. Vous voudrez peut-être lui donner un thème, vous avez peut-être déjà une idée à l'esprit, mais cela peut être n'importe quelle question qui vous vient à l'esprit. Vous n'avez pas à essayer de planifier ce super parfaitement, c'est tout au sujet de formuler des idées et des sentiments que vous avez juste dans une question. Cela pourrait être quelque chose que vous avez vécu personnellement, quelque chose que vous avez vu beaucoup et que vous voulez en savoir plus, quoi que ce soit, écrivez-les simplement. Je te donne 60 secondes et j'en écrirai, et ensuite je te parlerai de la mienne avant de passer à la leçon suivante. La première question qui m'est venue à l'esprit est pourquoi ne pouvons-nous pas éteindre ? Pour moi, c'est une grosse chose. Je trouve vraiment difficile de m'éteindre à 22h le soir, mon cerveau ne cesse de cocher. Je sais que ce sont probablement des raisons de voir avec les médias numériques, quelque chose comme ça. Mais c'est quelque chose pour moi, j'ai du mal à changer. C' est la première question. Deuxième question. Le rejet nous renforce-t-il vraiment ou nous affaire-t-il ? Cette idée populaire du plus vous tombez, plus vous êtes fort d'obtenir des renforts. C' est juste vrai ? C' est juste une question que j'ai. Enfin, est-ce que j'appartiens ou est-ce que tout le monde souffre de cette idée du syndrome de l'imposteur ? Les gens parlent de ce sentiment de ne jamais avoir l'impression de s'intégrer. Pour moi, ça a toujours été quelque chose que j'ai trouvé de mon temps si je suis dans l'industrie du cinéma ou si je fais l'un de ces trucs, quoi que ce soit, l'idée de, peut-être en fait je n'appartiens pas ici ou je ne suis pas assez bon pour ce niveau, ce sentiment est assez banal, je pense. C' est quelque chose qui est en fait hors de toutes les questions pour moi m'amène à penser que c'est quelque chose qui m'affecte et je suis sûr qu'il aurait un impact sur les autres personnes. Pas de précipitation, si vous n'avez pas de questions comme il y en a beaucoup, prenez votre temps, réfléchissez à un peu plus, puis passez à la leçon suivante. Mais juste avant de passer à autre chose, laissez-moi vous donner la réponse à l'énigme. J' ai des villes, mais pas de maisons. J' ai des montagnes, mais pas d'arbres. J' ai de l'eau, mais pas de poisson. Qu' est-ce que je suis ? Je suis une carte. 4. Créer des concepts pertinents: Nous avons évité le premier piège de nous concentrer sur les déclarations plutôt que sur les questions et en fait, nous pouvons ouvrir une conversation. Mais ce que nous voulons faire pour que notre art ait vraiment un impact, c'est nous assurer que nous le gardons en relation. Il y a un trope dans la production cinématographique et cela se transporte dans toutes les formes d'art  : « Si vous ne pouvez pas le faire mieux, agrandissez. » Nous avons tous regardé ces SQL voir essentiellement tout ce qu'ils ont fait est d'ajouter plus d'extraterrestres ou ils ont ajouté une armée plus grande. ne nous reste pas à y penser, il passe juste par là. C' est un piège dans lequel nous pouvons tomber sous n'importe quelle forme d'art où nous pourrions penser  : « D'accord, je vais montrer ça de la plus grande manière possible. » Mais si au lieu de cela, on descend, on devient plus intime, on pense à une façon plus petite de montrer quelque chose ? En encadrant une question d'une manière petite et intime, nous pouvons ajouter la relatabilité. reviens brièvement aux Nighthawks d'Edward Hopper. Pensez à toutes les façons plus grandes et plus élaborées qu'il aurait pu montrer cela. Un grand paysage urbain où il y a une lumière allumée et le reste, ils sont éteints ou une foule de gens, et une personne est distinguée. Au lieu de cela, il s'est concentré sur quatre personnes dans un bar la nuit. Nous pouvons nous concentrer, nous pouvons vraiment explorer la scène, n' ont pas été perdus dans le désordre et le bruit. Nous avons juste la béatitude qui se passe et ça nous oblige, ça attire comme dans. Donc, la façon de le faire est de penser à ces questions et de choisir une ou deux et de penser à cela comme un scénario. Comment peut-on visualiser ça ? C' est le moment de commencer à utiliser votre formulaire d'art. Vous voudrez peut-être le faire comme une carte d'esprit. Vous voudrez peut-être le faire sous forme de croquis, quelle que soit la forme d'art que vous préférez. Je vous encourage à utiliser votre art. Si vous êtes illustrateur et commencez à les esquisser, cela vous donnera une inspiration créative à l'avenir. Je vais vous donner un exemple. Pour moi, la question qui m'était vraiment posée était la question de : « Est-ce que j'appartiens ? Est-ce que tout le monde ressent la même chose ? Souffrez-vous du syndrome de l'imposteur ? » J' ai commencé à penser aux scénarios dans lesquels je ressens ça. Le plus évident pour moi, c'est au Festival du Film. C' était un grand événement, cinéastes Philip et j'ai l'impression que je ne suis pas dans la foule. Tout le monde est là. Tout le monde est dans toutes ces bulles, et peut-être que je suis quelque part dans le bar à me sentir un peu hors de propos. C' est la grande échelle et ce sont ceux que nous ne voulons pas fondamentalement, mais il peut être utile de les écrire, sorte que vous pouvez garder les onglets où vous en êtes dans votre progression. Mais pour d'autres fois, quels autres moments plus petits ou plus intimes ai-je la même sensation ? Ça peut même l'être si je sors avec deux ou trois amis cinématographiques. Disons que nous sommes dans un magasin Kebab ou nous nous sommes assis dans la voiture, nous avons du poisson et des chips. Dans ces moments, je peux avoir l'impression que je n'ai toujours pas ma place même s'ils peuvent être mes amis les plus proches. C' est ce que nous devons faire pour cette étape, juste pour essayer de former votre cerveau, de penser petit plutôt que grand. Si vous pouvez suivre cette voie, vous pouvez rendre votre art relatable, vous pouvez rendre votre art intime et vous pouvez le faire avoir un impact. Prenez quelques croquis, quelques idées, puis nous passerons à la leçon suivante où nous prendrons cela et nous créerons authenticité avec votre forme d'art tout en nous permettant d'élargir ces différents mondes. 5. Donner de l'authenticité à de nouveaux mondes: Toutes nos œuvres d'art ne seront pas mises en réalité. Certains d'entre eux peuvent être mis dans le futur, le passé, différents mondes, différentes expériences complètement différentes. Mais nous voulons toujours apporter un sentiment d'authenticité à ce monde, à ce travail, alors comment faire cela ? Comment conserver l'authenticité lorsque nous explorons des lieux complètement nouveaux ? Eh bien, une façon très facile de le faire est de simplement emprunter des choses à votre réalité. Nous voulons le faire pour que notre public puisse se rapprocher plus facilement et que nous gardons ce sens de l'humanité dans quelle forme artistique que nous créons. La vie imite l'art, et l'art imite la vie. La femme à l'image d'Edward Hopper, c'est sa femme, elle a modelé pour le tableau. Il est même suggéré que ce sont eux. C' est une petite capsule temporelle de leur relation car les relations amoureuses ont été une grande source d'inspiration pour beaucoup de son travail. Même si ce n'est pas du tout le centre des arts, il y a un élément de vérité là-dedans. Vous n'avez pas à mettre votre propre réalité dans le mot mot, vous pouvez simplement emprunter des aspects et la transformer en une forme d'art complètement nouvelle, mais en utilisant différents aspects de la vérité, que ce soit émotionnel, expérientiel, ou visuel, quoi que ce soit. Si vous incluez cela là-dedans, cela nous donnera, en tant que public, quelque chose à saisir et à penser  : « Oh, je comprends ça. Je peux me rapporter à cela. » Comment puis-je le faire avec ma forme d'art, par exemple ? Donc, évidemment, le film est un excellent moyen d'explorer différentes périodes de temps. Peut-être que je veux capturer ma scène dans les années 60, mais évidemment, je ne suis pas des années 60. Je ne connais pas ce monde. Comment puis-je le faire de façon authentique ? Je pourrais emmener des gens que je connais. Je peux prendre des situations réelles, de vraies personnes. Si j'étais illustrateur, je pourrais peindre mon meilleur ami du monde. Peut-être que je veux les placer contre le paysage urbain de la ville où j'ai grandi. Encore une fois, il y a ce lien intime de la réalité ou je pourrais prendre des aspects de la vérité de ma famille. Mon grand-père, il travaillait à l'aéroport d'Heathrow et quand j'étais jeune, ma mère m'emmenait vers le décollage des plaines, pour que je puisse prendre ça et mettre ça dans les années 60. De cette façon, j'ai cette vraie connexion émotionnelle, mais c'est dans une période complètement différente. Il pourrait s'agir d'un aéroport complètement différent. Mais j'ai les éléments de base à partir desquels travailler et ils agissent comme une infrastructure que nous pouvons ensuite peindre dans notre nouveau monde. Voici un tableau d'humeur que j'ai créé où j'ai pris différents aspects des vérités et les placer quelque part juste pour me donner quelque chose à retourner vers vous, alors quand je construis mes nouveaux mondes, je pense à de nouvelles façons de montrer quoi que ce soit histoire que je montre. Je peux y revenir et prendre ça, travailler avec, puis créer quelque chose de nouveau à partir de ces blocs de construction. appuyant sur nos vérités et en l'utilisant dans notre forme artistique, nous pouvons garder un sentiment d'authenticité qui est difficile à faire sans cela. Encore une fois, je vous ai encouragé à utiliser la forme artistique dans laquelle votre expertise se trouve et à travailler à l'intérieur de cela. Donc, si vous êtes un illustrateur, esquissé quelques vérités que vous avez. Si vous êtes photographe, peut-être tirer quelques vieilles photos que vous avez, quoi que ce soit, travaillez dans votre forme d'art, si vous le pouvez, sinon écrivez-les quelque part, peut-être sur une carte mentale à nouveau, quelle que soit la forme que vous choisissez. 6. Le pouvoir du sous-texte: C' est de loin l'étape la plus difficile parce qu'elle compte sur vous pour sortir votre tête de l'évidence et vraiment réfléchir, quelles sont les connexions entre les différents environnements pour répondre à la même question ? Un de mes films préférés de tous les temps est Crazy Stupid Love. C' est un romcom et c'est tout simplement génial. Mais il y a un moment là-dedans qui démontre très bien cette idée de sous-texte. Il y a une conversation téléphonique entre Cal et Emily, qui sont un couple récemment divorcé. Dans cet appel, tout ce qu'ils parlent, c'est d'une chaudière. Nous, en tant que public, pouvons voir , cependant, que la chaudière n'est pas cassée. En fait, Emily n'est nulle part près de la chaudière. Mais nous comprenons le sous-texte parce que cette conversation ne concerne pas du tout la chaudière. Il ne s'agit que de manquer cette personne. Ce qui dit en gros, ce que nous avions me manque. Je veux que ce sentiment revienne, mais je sais que je ne peux pas l'avoir. Mais ça nous donne un indice que l'amour perdu n'est peut-être pas perdu du tout, et ça n'a jamais été dit. Si vous venez de sortir le dialogue et de le lire seul, vous penseriez, eh bien, c'est une conversation assez ennuyeuse. Mais quand vous comprenez ce qui se passe vraiment, vous en tant que public, vous vous sentez intelligent, vous vous sentez dans le savoir, et vous êtes chaud à cela. Tu sens, c'est quelque chose que je peux raconter, c'est quelque chose que j'ai compris, et oui, ça sonne vrai. C' est ce que nous voulons créer avec nos œuvres d'art. Nous voulons présenter une idée à travers une question sans simplement la mettre en face. Nous voulons le cacher et les laisser le trouver par eux-mêmes. De cette façon, ils ont l'impression qu'ils ont compris l'art, ils l'ont interprété comme ils veulent et comment, vraiment, nous le voulions. Le sous-texte est ce qui sépare le bien du grand. C' est la clé pour déverrouiller le subconscient. C' est comme la création. Nous mettons cette idée dans l'esprit du public sans même l'avoir dit. Les gens pensent que c'est trop difficile ou que ce n'est pas vraiment la façon de le faire. Mais vous regardez n'importe quel grand film, n'importe quel grand morceau d'écriture, très rarement ils disent exactement ce qu'ils veulent dire. Il y a deux règles principales dans le cinéma qui nous aident à garder cela à l'esprit. Le premier est le spectacle, ne le dis pas. L' idée est que vous allez montrer ce que vous voulez dire plutôt que de simplement le mettre dans le dialogue. Vous créez un moyen plus visuel de démontrer ce que vous essayez de traverser. La deuxième règle est d'éviter l'exposition. Exposition est essentiellement là où vous venez d'annoncer tout ce qui se passe à travers l'histoire. Quand vous regardez un film vraiment cliché, il y a souvent un personnage qui explique ce qui se passe au cas où quelqu'un dans le public n'aurait pas tout à fait compris. Nous voulons éviter cela. Nous voulons simplement permettre au public d'interpréter le sous-texte par lui-même. J' ai pensé à cela en termes de ne pas ressentir ce sentiment d'appartenance en tant que cinéaste. Mais comment puis-je le montrer sans être le cinéaste ? Quelles autres façons de dire : « Je n'ai pas l'impression de m'intégrer », sans avoir à montrer un cinéaste dans une salle pleine de cinéastes maladroits ? Pour répondre à cela, j'ai commencé par demander, que dois-je faire pour essayer de m'intégrer ? Quelles sont les choses que je fais pour faire semblant ? Ou qu'est-ce que je vois d'autres personnes faire pour essayer de s'intégrer ? La réponse claire à moi est venue dans les vêtements. Je vois beaucoup de gens, beaucoup de cinéastes portant le même type de manteau, le même type de bonnet. Cela en soi me dit beaucoup. Nous essayons tous de nous intégrer, mais nous ne rentrons pas nécessairement dans ce que nous portons. a émergé cette idée que peut-être je pourrais avoir cette question de, est-ce que j'appartiens et est-ce que tout le monde partage aussi ce sentiment, mais montré à travers les vêtements, différents types de vêtements. Peut-être que j'ai un manteau qui ne va pas très bien. Comment je présente cette forme d'art dépend de moi. Ça pourrait être un film, ça pourrait être un poème, ça pourrait être une illustration. De même, c'est à vous de décider. Quelle que soit votre forme d'art, vous pouvez l'expérimenter autant que vous le souhaitez. Tant qu'il y a ce sentiment d'authenticité là-bas. Peut-être que j'ai inclus des vêtements que j'ai portés. Peut-être mon manteau qui a des déchirures dedans. Peut-être que je l'utilise à la place. Ou peut-être que les gens qui portent les vêtements, ce sont des gens que je connais. Je pourrais prendre cette idée et la placer dans presque n'importe quel environnement. Ça pourrait être dans le bureau, ça pourrait être dans l'espace. Ça pourrait être de retour à l'époque occidentale. J' ai tout ce monde avec qui jouer. Mais au cœur de cela, j'ai la même question qui montre d'une manière qui ne se limite pas à le dire directement. Donc c'est la dernière pièce du puzzle, vraiment, où une fois que nous pouvons trouver comment les assembler tous ensemble, c'est là que votre créativité entre en jeu, c' là que nous commençons à créer un impact vraiment fort. Parce que nous présentons une question, pas une déclaration. Nous laissons le soin au public d'y réfléchir. Nous pensons petit et intime plutôt que grand et vaste. Le public peut se rapporter à un niveau plus humain. Nous le gardons authentique, et nous le mettons sous une forme qui ne se contente pas de le dire exactement tel qu'il est. De cette façon, le public a une chance d'interpréter cela comme il veut, et nous les conduisons là où nous voulons qu'ils aillent sans qu'ils sachent que nous avons fait cela. La clé pour faire cela est de dessiner ou d'écrire tout ce qu'il est exactement tel qu'il est, puis de voir si vous pouvez transformer cela en un tout nouveau format, une image différente, un ensemble de mots différents, mais garder le sens, garder la tension, Gardez le drame, quoi que ce soit, l'émotion que vous voulez. Ils sont tous les éléments clés du concept de votre forme artistique. Mais il y a encore une chose importante. Ça laisse un impact sur votre art. Je vais en parler dans la prochaine leçon. 7. Moyens et résultats : Penser à l'avance pour faire tourner les têtes: Au cours des dernières années, chaque fois que j'ai fait un film pour un client, c'est souvent un pitch de 60 secondes et une vidéo de 30 secondes, et c'est très bien et c'est génial, et nous créons ce beau film qui chaque fois que j'ai fait un film pour un client,c'est souvent un pitch de 60 secondes et une vidéo de 30 secondes, et c'est très bien et c'est génial, et nous créons ce beau film qui tout ce qu'il doit faire, puis à la fin, il y a cette demande en plus de la publicité large de 60 et 30 secondes. Ils voudront une version carrée, ils voudront une version portrait pour Instagram, ils voudront une version bannière de six secondes, de 10 secondes et soudain cet art, ce peu de créativité est dilué, et il est déformé en quelque chose qu'il n'était pas censé être. Maintenant, en tant que cinéastes, cela a été un peu accablant ces dernières années parce que c'est notre art à la fin de la journée que nous constatons est en train de changer à la dernière minute. Mais si au lieu de cela, au début du projet, le mémoire était que nous voulons cinq, 10 secondes, portrait Instagram vidéos. Vous allez tourner le film d'une manière complètement différente. Vous allez y penser à l'avance et quand vous le faites, la sortie va se sentir beaucoup plus naturelle. Cela va mieux atterrir, ça va paraître mieux parce que vous avez pensé à la sortie avant de commencer l'entrée. il y a un peu plus à cela que de penser au rapport d'aspect de votre art. Pensez à votre Noël préféré ou à votre anniversaire préféré. Pour moi, mon anniversaire préféré va toujours aller au centre spatial avec mon partenaire. Aller au centre spatial national et voir toutes ces choses et être capable de nerd dehors et avoir un week-end vraiment agréable à manger de la bonne nourriture, boire de bonnes boissons. Mais ce qui a rendu ça si grand, c'est l'expérience. Quand vous repensez à votre anniversaire préféré, ce sera probablement le même. Vous allez penser à la mémoire, aux gens, à l'expérience, plutôt que de penser au présent, un objet physique, et c'est ce que nous voulons faire avec votre art. Nous voulons que les gens fassent l'expérience de votre art, pas seulement le voient. Cela ne veut pas dire que nous devrons devenir des artistes d'installation, pas du tout. Mais cela signifie que nous pouvons penser à la façon dont le public peut interagir peut-être. On va avoir plus de fiançailles. Nous allons avoir un plus grand impact. Maintenant, si vous voulez peindre une pièce d'art de 30 pieds carrés, c'est génial. Mais vous ne voudrez pas essayer de placer ça dans une section de 20 pieds carrés d'une galerie. Vous allez essayer de choisir l'art qui correspond à la forme. De cette façon, le public peut interagir davantage avec lui. Ils peuvent l'expérimenter mieux, ils peuvent l'expérimenter fidèlement à la façon dont vous voulez qu'il soit expérimenté. Alors réfléchis à ça. Pensez à où votre art va s'asseoir ? Où veux-tu qu'il s'assied ? Que veux-tu en faire ? Que veux-tu que les gens en fassent ? C' est génial de nos jours que si ça va être pour les médias sociaux, il y a toutes ces différentes applications pour changer comment cela fonctionne, de sorte que vous obtenez ces applications où sur Instagram vous glissez travers et votre image divisée en deux, et vous obtenez la première moitié, puis vous obtenez la seconde moitié. C' est une façon pour votre public de s'engager, d'interagir. Pour penser à cela, ce que vous pouvez faire est que vous pouvez simplement dessiner des formes différentes. Vous pensez peut-être à ce qui va être sur Instagram, alors j'ai besoin qu'il soit portrait ou je veux qu'il soit accroché dans une galerie, mais peut-être que je peux en faire un espace 3D. Je peux créer différents plans d'intérêt pour mon art, peut-être qu'il y a le premier plan, l'arrière-plan, le milieu tout divisé. Ils vont donner un effet de parallaxe et voir différentes parties de l'image. Il y a beaucoup de façons d'être créatif. Tu dois juste prendre le temps d'y réfléchir. Prenez une minute et dessinez quelques formats différents dans lesquels votre art pourrait être affiché. Donnez-lui un peu de temps pour laisser cela s'asseoir et réfléchir à quelles sont mes options ici ? Comment puis-je rendre cela interactif dans le monde numérique et dans un monde tangible ? Il s'agit d'un marketing qui permet d'obtenir un maximum d'engagement de votre public. Les écrivains sont l'une des personnes les plus chanceuses dans ce scénario parce que votre travail peut être montré de nombreuses façons différentes. Il peut être parlé, il peut être écrit, peut être dessiné dans différentes formes, il peut être cousu. n'y a pas de limites et c'est la même chose pour n'importe quelle forme d'art. Tu dois juste y penser un peu plus. Donnez-lui son propre espace de tête, donnez-lui la validation qu'il mérite. C' est essentiellement tout. C' est tout ce que vous devez faire pour créer un impact avec l' art et je dis que tout ce que vous avez à faire n'est pas la chose la plus facile au monde. Mais si vous pouvez commencer à le faire fois après temps, vous allez créer cet effet boule de neige où il devient seconde nature. Tu penses, eh bien, quelles sont les questions que je me pose ? Vous pensez, comment puis-je montrer cela d'une manière plus petite, plus relatable, même si c'est à grande échelle ? Tu vas te demander où est cette authenticité, comment peux-tu faire entrer ça dans l'art ? Vous allez aussi penser à comment je peux mettre ça là-bas d'une manière qui résonne, qui est vrai pour moi, fidèle à eux, et je n'ai même rien dit. Tout est dans le sous-texte. Si vous faites tout cela, votre art va être quelque chose de vraiment spécial à vivre, et cela va laisser un impact et c'est pour cela que nous sommes ici à la fin de la journée. Maintenant, nous avons juste besoin de tout envelopper et cela signifie créer cette œuvre d'art. Ça veut dire être assis là et le dessiner, ou le peindre, ou sortir et filmer quoi que ce soit. Il suffit de passer par toutes ces différentes parties du voyage. Donnez-leur le temps qu'ils ont dû, puis créez l'œuvre d'art. Cela ne signifie pas que vous devez rester coincé en essayant de l'obtenir parfait la première fois, vous pouvez aller créer l'art, voir ce qui fonctionne, ce qui ne fonctionne pas, et améliorer soit sur la même pièce, soit sur une pièce différente. Chaque fois que vous faites quelque chose de nouveau et de différent va vous aider à apprendre. Cela va aider ce voyage à continuer, et encore une fois, pour avoir plus d'impact avec votre art, vous devriez mettre de l'art là-bas, vous devez arrêter de devenir trop obsédé ou précieux à ce qu'il soit parfait. Rien ne sera parfait jamais. Vous pouvez faire avec ces étapes, et à la fin de la journée, cela ne signifie pas que l'idée sera parfaite. Vous pourriez avoir 90 % raison, vous pourriez avoir 9 % raison. Mais à chaque fois, tu vas apprendre quelque chose de nouveau, et c'est pour ça que nous sommes là. Nous voulons tous grandir en tant qu'artistes. Nous voulons tous grandir en tant que personnes et aider les autres à grandir dans les deux sens aussi. 8. Outro: Maintenant, nous sommes à la fin de ce cours. Je suis sûr que vous n'avez probablement pas fini cette œuvre finale, mais vous avez probablement toutes les étapes en place. Vous avez des croquis différents, des idées différentes, et j'aimerais vraiment voir ça comme un projet. J' adorerais voir ces différentes idées qui ont traversé, comment vous avez obtenu cette carte là où vous voulez être. Ensuite, lorsque vous êtes prêt, vous pouvez également télécharger votre œuvre car une partie de l'expérience avec l'art consiste à le partager, obtenir ces commentaires et à voir ce que le monde interprète votre art pour être. Embrassez-vous de le mettre au monde parce que l'art n'est pas censé être vu par vous seulement. L' art est là pour être vécu par tout le monde. Pour moi, j'aimerais voir toutes ces différentes formes d'art que vous avez. Je m'inspire de la photographie, du design, de la mode, de tous ces éléments différents qui se rassemblent et qui insufflent tous dans mon travail. C' est ce que nous visons. Nous voulons tous continuer à améliorer notre travail. Je pense que c'est une chose brillante que nous ayons tous ce désir de suivre notre passion créative. Tout ce que je peux dire, c'est merci beaucoup d'avoir fait partie de cette classe, et j'espère que cela vous a aidé, au moins vous a donné quelques idées nouvelles, quelques encouragements pour commencer à penser différentes façons que vous pouvez faire un impact avec votre art. Si vous souhaitez découvrir une partie de mon travail, que ce soit mon écriture ou mes films, alors n'hésitez pas à contacter ou à me suivre sur Instagram. Tous ces détails sont sur mon profil ici sur Skillshare. Les doigts croisés, je te verrai dans un autre cours bientôt peu importe ce cours. Bonne chance et impatient de voir ce que vous créez.